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Carta del director :

Laura Fernanda Becerra

Plasmamos aquí lo que nos apasiona, la música como fuente de inspiración, el arte para entender lo que sucede dentro de nosotros mismos y el diseño para darle forma a nuestra filosofía. El proceso didáctico y creativo de esta revista permitió proyectar nuestros propios puntos de referencia, innovar, crear y comunicar enriqueciendo el diseño. Destacamos las tendencias en Colombia y el mundo bajo una perspectiva de nuevas ideas, proyectos, relaciones conceptuales y estéticas de lo que se hace hoy en día en los diferentes campos artísticos, como también el reconocimiento de artistas del pasado para dar paso a nuevas dimensiones que siempre están renovándose. Para los lectores de la revista LAMB queremos que cada artículo y cada tema sea un referente de interés y motivación para el surgimiento de nuevas creaciones culturales, posibilidades de campo para ejercitar la mente, probar nuevas técnicas y mucha libertad creativa.

Director: Laura Fernanda Becerra Editor Diego Alejandro Pulido Fotografía Sebastián Pedroza Vera Colección Museo de Arte Moderno de Medellín.

Redactores: Ya Viene... Todo a su Tiempo German Daniel Ospina Rodriguez Director de arte: Luisa Fernanda Torres Foto de portada: Revista shock

Concepto, diseño y diagramación Nathalia Carolina Morales Luisa Fernanda Torres Diego Alejandro Pulido Laura Fernanda Becerra

Ilustraciones: Juan sin miedo

Corrección de estilo: Nathalia Carolina Morales

Edición fotografíca: Nathalia Carolina Morales

Diseño de Portada Laura Fernanda Becerra Agendas: Luisa Fernanda Torres

Agradecimientos: Antonio vanoy

La información encontrada en nuestras páginas (Los artículos, obras, ilustraciones y fotografía), citados en la revista, es extraída de portales web, blogs y notas periodísticas relacionados con la temática.


Detrás del escenario Festival Estéreo Picnic. 4 Iconauta, un viaje lento y distorsionado. 10 Siembra, Rubén Blades y Willie Colón. 11

Narrar la piel. 14 Débora Arango. 16 Van Gogh, el mártir infinito. 19 Exposición “Negro y Blanco”. 20

Las ilustraciones de Juan sin miedo. 23 Con sabor caribe. 26 “Las mejores portadas de discos de la historia”. 27 Leyendas del diseño gráfico colombiano. 28 Damas, vino y diseño. 31

Agenda cultural. 34 Agenda musical.

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Por: Ya Viene... Todo a su Tiempo

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ara entender parte de la historia contemporánea de todo lo relacionado con el mercado de conciertos y música en Colombia, es indispensable tomar como hito la creación del que es considerado a día de hoy, el mayor espacio de música alternativa y de entretenimiento cultural del país cafetero, en el que dicho gremio tuvo un fortalecimiento exponencial durante los últimos 10 años… Coincidiendo con el origen y la consolidación de esta experiencia: El Festival Estéreo Picnic (FEP). ¿Quién está detrás de la creación de ese concepto? Fue un conjunto de diferentes mentalidades y puntos de vista las que nutrieron las posibilidades de desarrollar una idea que hasta ese entonces no había sido explorada: Un espacio que pro-

moviera la industria nacional, a la vez que se difundían los sonidos internacionales underground. Seis jóvenes que ya eran afamados en el circuito bogotano por organizar fiestas en bares, fueron los que gestaron dicha idea. Estos se encontraban divididos en dos empresas totalmente diferentes: Por el lado de T310 y con la intención de impulsar nuevos talentos nacionales estaban Sergio Pabón, Santiago Vélez y Julián Martinez. Del lado de Absent Papa para promover bandas de nicho por aquellos días estaban Juan David Shool, Gabriel García y Philippe Siegenthaler. Pero inicialmente, el trabajo conjunto y la alianza entre los dos equipos no fue sencilla. De hecho, todo empezó como una competencia entre organizadores.

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Música

El encuentro sería en el 2008 en uno de los conciertos de Daft Punk en Los Ángeles. La “loca” idea de traer al dúo de house a su tierra era ese sueño que ambos colectivos deseaban desarrollar (algo que hasta ahora, no se ha podido cumplir). Sin embargo, de esa travesía salió algo muy constructivo: ¿Qué tal sería armar un festival conjunto entre T310 y Absent Papa? Fue una hipótesis que se mantuvo en la mente de aquellos seis jóvenes, y que vería la luz unos cuantos años después. En 2009, todavía sin el apoyo de Absent Papa, las cabezas de T310 empezaron la producción de la primera edición del Festival Estéreo Picnic. Eso sí, el contenido del festival había empezado a ser planeado desde unos dos años atrás por el que denomino como el genio de los conciertos en Colombia: Julio

Correal (Guns & Roses, Rock al Parque, Hot en Paraíso).. De hecho, la idea de los headliners de la primera edición se originó a partir de una simpática circunstancia... El mismo fin de semana en Bogotá, se iban a presentar dos íconos de dos nichos totalmente distintos: T310 traía a 2manydjs, mientras que de forma independiente, Julián Martínez contaba con Matisyahu. El foco se iluminó cuando Julio Correal y T310, se ingeniaron un único festival para que ambas propuestas musicales se presentarán, además de recurrir a varios artistas nacionales cuyo impacto venía creciendo en el medio alternativo. Y con las cartas sobre la mesa, T310 con Martínez y Correal consolidaron la idea de negocio que se levantaba como la mejor de las novedades en materia de festivales de toda América Latina. Llegó el día. Abril 24 de 2010. Zona F (donde queda actualmente la escuela de fútbol del FC Barcelona en Bogotá), Calle 213 # 54-88. Ocho experiencias en el Line Up, de las cuales cinco eran novedades nacionales (Bomba Estéreo, The Hall Effect, Palenke Soul Tribe, Superlitio y Alerta) y las tres restantes eran extranjeros consolidados (2manydjs, Matisyahu y el IMS)…¿Qué podía salir

mal?

El árbol ha estado ahí desde el principio. Han cambiado el tipo de letra y más... Pero el icono sigue intacto

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En palabras de Philippe Siegenthaler:

“Fue una experiencia bonita y romántica, pero hasta ahí, porque en términos de billete resultó un completo desastre...”. Sí, la primera edición del FEP fue un fracaso a nivel económico. La asistencia sólo fue de 2500 personas, y para colmo, generó deudas monetarias bastante considerables. En posición de muchas personas, el festival hubiera quedado como una anécdota más, de esos experimentos que uno intenta y no prosperan, por más cartas a favor que existieran en la creación del proyecto. Quizás fue esa resistencia ante los malos resultados la que impulsó a T310 y a Julio Correal de conservar la fe en un futuro próspero del Picnic, o tal vez fueron las ganas de continuar ofreciendo un espacio alternativo para la música en un país que estaba en plena adolescencia en cuestión de conciertos. Pero era una decisión tomada: Iba a existir Estéreo Picnic en el 2011. Absent Papa empezó a unirse al proyecto desde entonces. Llamó su atención el hecho de que se continuara apostando en esos nichos tan específicos, teniendo el desastre económico del 2010 como referencia de las fallas que se debían corregir y

Festival Estéreo Picnic. Bogotá 2016.

los aspectos que se debían mejorar. SOMA tuvo resultados más esperanzadores, pero no era excusa para no apoyar la exquisitez que FEP podía prometer a su manera en años posteriores. A partir de ahí, se empezó a forjar una alianza concreta cuyo resultado definitivo se daría dos o tres años más tarde.. El FEP del 2011 trajo novedades interesantes. El ya famoso “Hippie Market” debutaría en este año con accesorios playeros que daban un valor agregado al disfrute del evento. El LineUp se ampliaba a dos tarimas y crecía con Calle 13, The Presets y Zoe como el mayor atractivo inter-

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nacional; mientras que Providencia, The Mills, Jiggy Drama y Monsieur Periné aportaron a la cuota local. Aquel 9 de Abril, con 29 artistas, se medirían los resultados de las mejoras aplicadas por sus gestores respecto al suceso del año anterior… Una vez más, no se obtuvo lo esperado. Sólo 4500 asistentes hicieron parte del festival. ¿Ahora qué fue lo que sucedió? A pesar de que el evento adquiría mayor reconocimiento de parte del circuito musical colombiano, aún no alcanzaba cifras competentes como para que la rentabilidad fuera gruesa. Faltaba un nombre con mayor


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peso en la música anglo, que motivará la consolidación del evento como una tradición anual del mayor prestigio posible. Y fue un poco tardado en conseguir, realmente. La labor siguiente era preparar la siguiente edición, con el pensamiento de continua mejora que ya había estado presente en la planeación del segundo FEP. Llegó el tercer festival. Marzo 30 de 2012. Un día icónico, en simples palabras. Aunque la asistencia tampoco fue satisfactoria, ya se empezaba a notar el cada vez mayor impacto que tenía el “Picnic” en el público general. El Line Up estaba encabezado por MGMT, Caifanes (y su esperado reencuentro en Colombia) y Cassius. Como cuota local, reaparecían Monsieur Periné y Superlitio, además de debutar Systema Solar y Crew Peligrosos. En total, se contabilizaron 23 artistas (algo más humilde, sin dejar de ser conciso) y llegaron aproximadamente 6000 asistentes. De los sucesos más recordados fue el concierto de Caifanes con sus cinco integrantes, después de esa reconciliación que tuvieron dos años atrás y antes de dejar afuera a Alejandro Marcovich a principios del 2014. Revivir los clásicos de aquella banda que marcó el rock mexicano a su manera habrá sido muy emocionante para aquellos que presenciaron el momento. No puedo dejar este párrafo completo sin anexar la interpretación del que para mi es su mayor éxito de su carrera: Nubes.

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Festival Estéreo Picnic 2015

El 2013 sería un año que marcaría las características definitivas del FEP. Llegó el 5 de Abril. El primer cambio fue el lugar: Pasar de la Zona F, a un sitio con el doble de espacio como lo es el Parque Deportivo 222 era una gran apuesta. Luego la realización del evento como tal: Era la primera vez que se utilizaban más de un día para este festival (5 y 7 de Abril) , y tuvo un cálido recibimiento de parte del público. Y más importante, los artistas: Una lista de 23 propuestas musicales, que incluían nombres con mayor fama en el mainstream sin dejar de lado la cara alternativa del festival (Se pueden mencionar The Killers, New Order, Café Tacvba, León Larregui, Steve Aoki y Two Door Cinema Club). ¿El resultado? Mayor reconocimiento a nivel continental y la generación por primera vez de beneficios económicos. Fueron 25.000 almas las que otorgaron el impulso definitivo a la propuesta de T310/Absent Papa, que con el pasar del tiempo se convertiría en el multitudinario evento que es el día de hoy. Si bien, Julio Correal ya no tendría influencia di-

recta sobre el departamento creativo; quedaría como el padrino del “Picnic”, compartiendo una importancia en Colombia sólo equiparable a la de Rock al Parque.

“Una experiencia que va más allá de la música” Nos transportamos a 2019, donde más de 50 artistas son promocionados bajo la consigna del equisismo. ¿Quiénes encabezan el Line Up en esta ocasión? Arctic Monkeys, Kendrick Lamar, Twenty One Pilots, The Prodigy y Years & Years son la cuota extranjera. Algunas propuestas nacionales son la sabrosura del Grupo Niche, y el encanto de Alcolirykoz, Pedrina, Mitú y Ha$loPablito. Además, la campaña de expectación para promocionar los diez años del festival fue magnífica… Con testimonios acerca de la simbología de la X en nuestras vidas: Bastante brillante como para confundir a los seguidores menos entendidos de la industria. “El equisismo es tu familia”

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un viaje lento y distorsionado Por: German Daniel Ospina Rodriguez

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n la música pop existe un duelo constante entre “innovación Vs conservación”. La necesidad de romper límites (o vivir bajo el espejismo de que lo hace cuando en realidad no es así) frente al deseo por desarrollar un sonido bajo ciertos parámetros muy concretos. Sesenta años de recorrido y muchísimos cambios en la definición de lo “popular” han resultado suficientes para demostrar que ninguno de los dos lados tie-

bandos. Iconauta se siente un poco como causa y efecto de lo anterior, pues si bien echar mano del college rock no es lo más auténtico que se puede hacer hoy por hoy, tampoco abusan demasiado de la fuente. Su estilo consiste en poner las estridencias y ruidos más extraños al servicio de melodías suaves y siguiendo la firme tradición occidental, rozando con esto el dream pop y a veces hasta el slowcore de Cigarettes After Sex.

Iconauta. Foto tomada de Facebook.

ne más razón que el otro, pero ciertamente son forjadores de sensibilidades y afinidades ineludibles. Por supuesto, en Colombia el rock no es ajeno a esa disyuntiva, y es así como siempre existe ese fuego cruzado entre los dos

Sin embargo el hecho de priorizar melodías tradicionales en el resultado final los pone en un plano, hasta cierto punto, más convencional. Su primera incursión discográfica tras revelar los sencillos “Un Crujir” y “Náufragos” durante

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el año pasado es Gobolino, un EP de seis canciones que presentaron durante las primeras semanas del 2019 en Bogotá y Medellín en el cual además de esas melodías calculadoras ya mencionada, encontramos a una banda muy metida en las maneras del rock alternativo de Pixies y los primeros Radiohead, siendo “Cobalto” y “Eclípsame” los mejores ejemplos. En las dos canciones que se eligieron como cortes de difusión previamente hay una mayor refinación en la melodía. Los dos extremos se ven bien representados en “Lejos”, donde el bajo ejerce un liderazgo casi absoluto mientras la pista se hace más y más intensa en los seis minutos de duración sin dejarse caer del todo en la catarsis de ruido, sino más bien representando un vuelo sobre el vacío en cámara lenta. Lo único que se siente como descartable en el EP es “I Burn”, pista en inglés que en parte por la cuestión idiomática no termina de funcionar. Gobolino parece dejarnos señas de identidad muy marcadas de arranque en Iconauta, pero aun tendremos que esperar un poco para saber si las mismas irán mutando en otras más atrevidas o por el contrario son el primer paso para establecer unas reglas de juego muy claras y algo diferentes a las del promedio. Que sean innovadores o conservadores es aun algo que el tiempo tendrá que decir, pero por ahora parecen a gusto moviéndose a dos bandas. Eso sí, pronto les tocará elegir un rumbo.


Música

Fania All-Stars

Por: Ya Viene... Todo a su Tiempo

¡Bienvenidos al análisis de Siembra, creado por Rubén Blades y Willie Colón, un equipo ganador indudablemente! Siembra (1978)

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ólo 7 composiciones fueron suficientes para alcanzar un estándar de calidad que a día de hoy sigue siendo referente para toda la música creada en América Latina. Este fue un álbum que provocó un montón de dudas antes de su lanzamiento, principalmente por su enfoque claramente politizado, sus historias demasiado elaboradas y consistentes, y una duración de melodías poco amigable con las emisoras radiales (Para que se hagan una idea, Pedro Navaja dura su buen rato de 7 minutos y medio).

con un fragmento de 35 segundos de música disco, claramente. Y sí, coincidiendo con la popularidad de dicho género y la bomba que resultó ser John Travolta en Saturday Night Fever; esto es un desafío directo a la estrella de Vaselina, la cual retó y aseguró que los latinos no podían crear dicho género musical ni por equivocación [Referencia faltante]. Colón y Blades jugaron con candela, y el quemado fue el orgullo del señor Travolta, con una fama que decreció con el paso del tiempo.

El problema llegó a tal punto, de que Jerry Masucci, propietario de Fania, casi se niega por completo a avalar la publicación de esta rareza particular. No obstante, el experimentado Willie Colón logró convencer de que este novedoso trabajo discográfico sería una nueva oportunidad de éxito y otro peldaño de popularidad tanto en la trayectoria de ambos músicos, como en la historia de Fania. Y pues, terminó publicándose a mediados de 1978 con enormes expectativas.

Plástico: Una crítica de pura cepa en contra de la cultura consumista que desde aquella época ya abundaba. No sólo el materialismo, sino el arribismo, la esclavitud a las tendencias del mercado, hasta el marcado racismo que aún era un tema central a finales de la década de los 70’s. Un aliento de unión entre todas las mentes trabajadoras de América Latina, que compartiendo similitudes, podrían salir adelante a pesar de las apariencias engañosas. Cabe destacar el tono de protesta frente a los regímenes autoritarios de ciertos países, como lo indica el popular verso “Nicaragua sin Somoza”.

¿Cuál es la manera menos esperada en la que en 1978, un álbum de Salsa puede empezar? Pues

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Música

Siembra (1978) 1. 2. 3. 4. 5. 6. 7.

Plástico Buscando Guayaba Pedro Navaja María Lionza Ojos Dime Siembra

Todas las canciones fueron escritas por Rubén Blades, excepto la 5, que fue escrita por Johnny Ortiz.

Instrumentación básicamente intachable, donde el señor Willie Colón demostraba tanta versatilidad que evitaba ser encasillado en un sólo estilo. Salsa, al fin y al cabo, pero con detalles que coqueteaban con otros géneros: Los evidentes segundos iniciales de música disco, la armonía del bajo que rememoraba la época clásica del rock, y los clásicos instrumentos de viento en los que “El Malo del Bronx” era el rey indiscutible. Más de seis minutos de genialidad que abrían las puertas a una propuesta llena de variedad y exploración musical. Buscando Guayaba, una pieza muy sencilla con su “mendo”. Interpretaciones acerca del tema y su significado hay muchas, desde la analogía con las mujeres hasta la empatía del trabajo de los campesinos en su labor diaria (En lo personal, prefiero quedarme con la segunda, puesto que obtiene una mayor exploración de la cultura latinoamericana y una de sus mayores riquezas: su flora y su sabor). Los adornos en la letra

añaden un tono más juguetón a unos pregones que alargan la búsqueda de esa magnífico manjar en toda la accidentada geografía de América Latina.

“Buscando guayaba ando yo, que tenga sabor, que tenga mendo!” ¿Qué es mendo? Esa chispa, ese ápice de excelencia con la que cuentan sólo una cantidad muy selecta de cosas en esta vida. Y respecto a la parte instrumental, pues está bien. No tiene elementos que destaquen más allá de lo normal en una canción creada por el dúo dinámico, pero sigue siendo simpática. Claramente está bien. Pedro Navaja, la leyenda que el mismo Rubén Blades bajaría del pedestal años más tarde. No fue ese antihéroe legendario ni nada por el estilo, sino que fue un criminal que sigilosamente sembraba terror en los barrios bajos de Nueva York, inundados de latinos que soportaban ese día a día sin despeinarse. La ocasión para su caída llegó, impredeciblemente, claro está.

Rubén y Willie, en sus años dorados...

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Música

Josefina Wilson, una prostituta cuya noche estuvo sin clientes para trabajar, le hizo un favor a la humanidad al ser aquella persona que, mientras el Pedro la apuñalaba, ella le disparó sin arrepentimientos y hasta burlándose de la desdicha del miserable. “No hubo curiosos, no hubo preguntas, nadie lloró”, porque el miedo de aquellas locaciones de La Gran Manzana era inamovible.

“Yo que pensaba: Hoy no es mi día, estoy salá’. Pero Pedro Navaja, tú estás peor, no estás en nada!” Este trabajo discográfico termina con su track homónimo: Siembra, La consolidación de todo el mensaje de unión, esperanza, y crítica por el materialismo, en una sola reliquia musical. El epílogo ideal. No es nada radiable, debido a todas las travesuras instrumentales con las que Willie Colón quiso interactuar en estos cinco minutos de conciencia salsera. No en vano, Blades es llamado “El Intelectual de la Salsa”, puesto que transmitiendo mensajes críticos de la sociedad a nivel masivo, era de máxima admiración.

Por lejos, se merece el reconocimiento de álbum más exitoso de la Salsa. ¡Felices 40 Años a la identidad latina, a esta maravilla llena de identidad pluricultural!

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Así se concretó el cierre de una destacable tonada, un magnífico álbum y la continuación de una historia colaborativa que continúo hasta que la lucha de egos la imposibilitó por completo. No sabemos si algún día ambas mentes maestras se reconciliarán, y rememorarán aquel exitazo que les dió el prestigio de ser “El trabajo musical más importante de la salsa”.


Arte

una exposición provocadora sobre el cuerpo y el sexo Por: Periódico El tiempo

“Me gusta lo irreverente, lo transgresor, lo que te cuestiona pero que a la vez te sensibiliza”, así se expresa Paola Rojas, una artista de 23 años que estuvo este fin de semana en Medellín con motivo de la apertura de ‘Narrar la piel’, una exposición que recoge fotografías irreverentes y provocadoras.

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n efecto, la muestra consiste, básicamente, en unas 35 fotos que son el resultado de un trabajo de más de tres años. En ellas, pueden verse cuerpos desnudos, principalmente de mujeres. Pero los desnudos que Paola captó con su lente no son corrientes. En ellos se ve una necesidad de hacer del cuerpo una metáfora, de retar el lenguaje con el que se ha definido la figura humana y la sexualidad. Por ejemplo, hay una parte de la exposición titulada ‘Palabras del sexo’. En ella, la artista trató de mostrar, de manera gráfica, la forma en que se ha llamado a la sexualidad en la cultura popular. “Me di cuenta de que siempre la hemos relacionado o con animales o con comida. Por ejemplo, decirle gallo al clítoris.

Una mujer que asume un rol sexual es llamada ‘vaca muerta’”, explica la artista. En la experimentación que hice cambió la percepción de mi propio cuerpo. Tomé el camino más largo: la aceptación Por ello el espectador puede encontrarse con la figura de una mujer que alude a la mencionada ‘vaca muerta’. Para Rojas, esos modismos pueden tener como consecuencia una visión más vulgar del sexo. Entonces, con las imágenes, la artista, más que retratar el lenguaje popular y el sexo, buscó hacer preguntas a esas formas de encasillar la sexualidad. Pero la visión del sexo y del cuerpo de Paola Rojas no fue siempre liberal, ni de exploración, como es ahora. Durante su adolescencia, recuerda, su

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Arte

vida estuvo profundamente marcada por la religión cristiana. Para algunos espectadores las imágenes resultan provocadoras e irreverentes; En esos años acudía a una iglesia que, desde su forma de ver, sesgó la percepción que tenía de su propio cuerpo. “No me gustaba mi cuerpo, lo relacionaba con el pecado”, rememora. Al final de la adolescencia se desligó de la iglesia cristiana y comenzó a tomar otro rumbo. Entonces, decidió estudiar publicidad.

“Me di cuenta de que siempre la hemos relacionado o con animales o con comida. Por ejemplo, decirle gallo al clítoris. Una mujer que asume un rol sexual es llamada ‘vaca muerta’”

Paralelo al estudio de esa carrera, Paola consiguió un hobby que, a la larga, se convertiría en su herramienta de expresión: la fotografía. Al comienzo fue solo un ejercicio experimental, completamente empírico. A pesar de que se sentía conforme con los retratos y paisajes que capturaba con su lente, sentía que podía hacer algo más. “Ya aprendió fotografía, pero eso no me llena completamente. Eso pensé ene se momento. Paralelo a eso me di cuenta de que, por la adolescencia que había tenido, no había vivido nada”, agrega. Fue entonces cuando, estando en su habitación frente a un espejo, se le ocurrió hacer un desnudo de sí misma. Pero el pudor y la falta de aceptación de su propio cuerpo se convirtieron en una barrea que tuvo que romper: “Me dije que esto podía servirme para quitarme el miedo de mirar mi cuerpo, para dejar los tabúes a un lado”, dice. Ese fue el punto de partida para comenzar a narrar la piel. Tres años duró esa experimentación con el propio cuerpo y que, a la larga, le permitió a Paola la aceptación del mismo.

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Arte

“El arte y la moral son dos cosas diferentes, por eso pinto cuadros que escandalizan” Por: Alberto Sierra y María del Rosario Escobar

Una impecable y larga pared blanca es el muro divisorio entre la calle atestada de carros y la apacible vida familiar que Débora Arango tuvo en Casablanca, Envigado. A veces se piensa que esos ladrillos se erigieron como una muralla que la aislaba de una sociedad intolerante. Desnudo/ Acuarela ca. 1940 28 x 25 cm. Colección Cecilia Londoño.

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os archivos que Débora Arango dejó a su muerte dan cuenta de lo contrario. Son una compilación de correspondencia entre amigos periodistas, sacerdotes y artistas; también hay artículos de prensa en los que se registran los triunfos y vicisitudes de su vida pública. Inclusive, en uno de ellos, bajo el titular en el que aparentemente la citaban con la frase “Creo que el arte y la moral son dos cosas

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diferentes y por eso pinto cuadros que escandalizan”, a lápiz escribió:

“yo nunca quise escandalizar”. Débora fue una pintora moderna. Su vida y su obra se distanciaron del molde que la sociedad esperaba. Se sabe que fue una mujer decidida y dulce a la vez. Ante la enfermedad del pa-


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dre y la necesidad de administrar el hogar, tomó las riendas de la vida familiar. Se encargaba de los aspectos financieros, cuidaba del padre y las hermanas, y fue una de las primeras mujeres en aprender a conducir un automóvil en Medellín. En retrospectiva, la obra de Débora puede ser leída desde los encuentros y desencuentros que marcaron momentos fundamentales en su biografía. En su trabajo están presentes las preguntas y los debates de un país que entraba de cabeza a la modernidad, en una marcha acelerada que dejaba caer, como si fueran migajas, problemas que se quisieron ver como minúsculos pero que el tiempo ha demostrado que por haberlos pasado por alto se han vuelto decisorios: el rol de la mujer, la desigualdad de clases, la educación, la vida urbana, la religión, la clase obrera, y de manera especial el arte y su papel en la sociedad. Desde su nacimiento en 1907, Débora fue testigo de un país amenazado por la división política entre liberales y conservadores. Arango retrató el envés de esta sociedad y esto resultó incómodo e inesperado para políticos y espectadores comunes. Tanto, que su obra fue calificada como ilegítima, no perteneciente a la esfera del arte. Y es que los movimientos artísticos realizados por mujeres artistas han tenido por destino un vaivén de repulsión, primero, y validación después. En 1935, tras visitar los murales de Pedro Nel en el Palacio Municipal, reconoció que sus espíritus artísticos eran afines. A partir de este año comienza para ella un nuevo aprendizaje en la casa taller de Aranjuez, en donde también se hace cercana de Giulana Scalaberni, esposa del maestro. Por aquellos años puede verse cómo la obra de Débora respondía a un sentimiento de opresión y transformación que vivieron las ciudades latinoamericanas. Medellín, en particular, fue el escenario desde el que esta pintora, observadora y valiente, enfrentó las contradicciones de una sociedad que se debatió entre el conservadurismo de las tradiciones y el movimiento urbano creciente de las manifestaciones políticas,

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La colegiala.Acuarela, s.f., 94 x 66 cm. Colección Museo de Arte Moderno de Medellín.


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Los movimientos sindicales, el auge de los medios masivos de comunicación, la lenta transformación del papel de la mujer y el poder del arte comprometido. A partir de este momento ella pintará sola, independiente del influjo del maestro, más cercana a las conversaciones que tendría con sus amigos y parientes. En 1940 conocería a Jorge Eliécer Gaitán y viajaría a Bogotá para su célebre muestra en el Teatro Colón y hasta participaría en las Juntas de Estética del Espacio Público y Censura del Cine – Teatro María Victoria. Emergerían del papel y el lienzo negro las mujeres desnudas, los políticos y la corrupción de la nación, las escenas descarnadas de la vida de la mujer en la calle, las luchas obreras y obras relacionadas con su vida hogareña y otras que son como guiños, claves para deconstruir su ser.

Al finalizar la década de 1930 se inicia un nuevo momento en la obra de Débora. El entusiasmo por el estudio del cuerpo la distancia del grupo de alumnas y, en consecuencia, Arango recibe clases individuales con Pedro Nel en las que él le enseña lo básico para la pintura de desnudos. Este momento debió de ser bastante significativo para la pintora, lo que se demuestra en el tamaño del área para pintar del que ella quería disponer. Pegó tres pliegos para así contar con una superficie de casi el tamaño natural de la modelo. El deseo de ser muralista la llevó a querer hacer elementos a escala. Débora propuso de una forma revolucionaria ver el cuerpo de la mujer como el paisaje más cercano, uno que puede ser el lu-

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La anunciación/ Acuarela ca. 1938, 112x 76 cm. Colección Museo de Arte Moderno de Medellín.

gar de la maternidad y también de actos de tremenda crueldad. Podría decirse que esta pintora reverenció al ser femenino en su totalidad, en sus contradicciones y sufrimientos. Las mujeres, protagonistas en sus obras, aparecen como sujetos sociales en los que se expresan las secuelas de la vida: prostitutas, madres, indigentes, obreras, y religiosas, surgen en diversas facetas en los que ya lo femenino no es un objeto de contemplación sino de expresión de una realidad dolorosa que la sociedad prefiere no mirar de frente. En este caso, el cuerpo es metáfora y denuncia, la expresión de la verdad de la que quiere dar cuenta la artista.


Arte

El mártir infinito Por: Constanza Pastor

El director Julian Schnabel reinterpreta los últimos días del pintor postimpresionista antes de su muerte, enfocándose en los pensamientos y la sensibilidad del artista sobre la naturaleza y el contenido de sus obras.

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a historia de Vincent Van Gogh parece nunca acabar, ni en sus pinturas ni en otras expresiones como la televisión o el cine. Diferentes películas han contado la tormentosa vida de este artista incomprendido, preso de sus propios demonios e inseguridades y valorado por el mundo artístico tras su partida. Sin embargo, el film de Schnabel busca darle otro giro a esta historia conocida por muchos, pero sentida por pocos, explotando herramientas más sensoriales que textuales. Rescatando pasajes de su vida al sur de Francia en 1888, vemos a Van Gogh (Willem Dafoe) en la aventura de buscar nuevas fuentes de inspiración para sus cuadros. Colores brillantes y trazos decididos definen su material más conocido de este último periodo, como la serie de pinturas Los Girasoles (1888) o La noche estrellada (1889).

No obstante, Vincent batalla constantemente con la crítica y con sus mismas ideas y emociones desbordantes, aislándolo de la realidad. Schnabel profundiza en aquellos sentimientos y pensamientos que marcaron la estadía del pintor en la ciudad de Arles. No sigue una narrativa lineal: se mezclan constantemente realidad y visiones del artista, discursos sobre su propia existencia y encuentros con su hermano Theo (Rupert Friend) y con su colega Paul Gauguin (Oscar Isaac). A través de una cámara subjetiva, tipo documental, el cineasta Benoît Delhomme persigue a Van Gogh en sus andanzas y en sus largas caminatas por el campo, como si fuese su sombra. También se muestran escenas sin cortes y close-ups de los personajes, dando la sensación de que también estamos allí, en su pequeño cuarto amarillo o en el hospital. Además de recordar datos históricos, Van Gogh: En la puerta de la eternidad aborda aspectos más reflexivos y filosóficos del pintor, de su proceso creativo y de los sacrificios que tuvo que hacer para crear parte de sus obras más famosas y tratar de ser respetado por sus pares. Recorre el enigma y los misterios de aquel hombre que parece haber

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Arte

nacido en el tiempo incorrecto, que vivió en la pobreza y que sus únicos acompañantes fueron sus pinceles, lienzos y pinturas. Willem Dafoe interpretando a Vincent Van Gogh (Fuente: Diamond Films) La escena entre Vincent y el sacerdote del monasterio (interpretado por Mads Mikkelsen) es esencial para intentar comprender la mente de este artista, su ambición, sus miedos, su testarudez y su eterna admiración por la naturaleza y el arte. Porque todo eso y más es Vincent Van Gogh, un mártir que defendió hasta la muerte cerca de 900 pinturas y 1600 dibujos, obras que renacerán día a día, por el resto de la eternidad, a través de su legado. Fuente: Diamond Films

“Negro & Blanco”

Por: Infocerámica

Desde el pasado 6 de diciembre se puede visitar en el Centro Cultural Casas de Lo Matta, en Chile, la exposición titulada “Negro y Blanco”, realizada con ocasión de los diez años de historia de la Revista Esteka, que organiza además un concurso de cerámica.

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a Revista de Cerámica Contemporánea Esteka celebró este año más de doce años de existencia. Su foco principal es la difusión y promoción de la obra de artistas chilenos, latinoamericanos y de España, cuyos trabajos sean innovadores, rigurosos y de calidad. En este ámbito la revista ha sido exitosa y muchos de sus artículos han sido traducidos y publicados en revistas de China, Australia, Francia, Italia, Alemania, etc.

P. Maturana

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Arte

Dentro de Chile la revista cuenta con una membresía que apoya las actividades que se organizan. Para estos miembros el Comité Editorial de Esteka gestiona una exposición anual. Este año el tema será Negro&Blanco y la exposición se realizará en el Centro Cultural Casas de Lo Matta. La inauguración es el 6 de Diciembre a las 7 de la tarde.

micos. Se expondrán piezas en todas las técnicas y variedad de tendencias existentes en la cerámica contemporánea de hoy.

Todos los miembros que lo deseen pueden postular a participar y un jurado experto y externo a la Revista, hace la selección de obras que se expondrán.

Es importante mostrar la evolución que ha tenido la cerámica en Chile, ya que ha tenido un desarrollo impresionante durante los últimos años. Por ello las exposiciones organizadas por la revista convocan a mucho público, que acude interesado a las muestras.

Tal como en ocasiones anteriores, la muestra organizada por Esteka suscita gran interés a lo largo del país. Se presentan obras en los colores Negro y Blanco y como requerimiento, estos colores deben lograrse sólo a través de procesos cerá-

A través de sus actividades, Esteka promueve la creación de redes entre ceramistas de todos los talleres. También ayuda al intercambio de ideas, tanto entre artistas, como con el público.

PREMIO ESTEKA Este año por primera vez Revista Esteka decidió dar un premio y dos menciones honrosas, en

Barbara Bravo

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su 7ª exposición anual, cuyo tema 2018, fue Negro&Blanco. El jurado estuvo compuesto por Ana María Yaconi, historiadora del Arte y Keka Ruiz Tagle, artista visual. El premio Esteka 2018, fue otorgado a Isabel Izquierdo con su obra “Jarro Pato II”. Las menciones honrosas fueron para Vivian Rosa con su conjunto “Trapecio y Trapezoide” y para Catalina Zarhi con su obra “Fragilidad del Equilibrio”. La exposición, en que participaron 78 ceramistas con obras utilitarias y escultóricas, se exhibe en el Centro Cultural Casas de Lo Matta, en Vitacura, Santiago de Chile, hasta el 27 de Enero de 2019.


Diseño

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Diseño

Por: Peppersoul

J

uan Villamil es un diseñador e ilustrador freelance establecido en Bogotá, Colombia. Nos comenta que sus trabajos están influenciados por las subculturas, la música y el arte urbano. Su pasión por el arte empieza con el contacto con los programas de diseños y las opciones que éstos le brindan para explorar el mundo de la creatividad. Aunque no considera estar definido bajo un estilo en particular, nos cuenta: “Alguna vez hablando con un ilustrador al que

admiro mucho, me dijo que disfrutaba mucho mi trabajo porque era una mezcla entre el estilo de los Cómics y los Tattoos”; así, añadiéndole el toque de su personalidad a cada trabajo ha recreado personajes conocidos como Wolverine, Donkey Kong, Chubaca e incluso, en homenaje a Chespirito, el Chavo del 8. Villamil comenta que sus principales referentes artísticos son, en el arte urbano: Nychos y Arys; las ilustraciones de Iain Macarthur y de Sachin Teng, así como las esculturas de Aj Fosik.

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¿Qué técnicas utilizas para conceptualizar? El boceto sin duda, todo comienza con un garabato en el que hago varias anotaciones sobre las ideas claves, adjetivos, etc. De ahí parto de lo general a lo específico, una vez la estructura, puedo hacer la línea limpia, el color base y terminar con iluminaciones y sombras. Le he cogido mucho cariño a Illustrator porque me libera de preocuparme por las resoluciones de las ilustraciones.

“Al principio siempre es complicado y uno se encuentra con muchas frustraciones, pero es un mundo muy amplio con muchas posibilidades, se trata de explorar herramientas y estilos hasta que encuentres con las que te sientas cómodo. ‘Nuestro estilo es el resultado de nuestras limitaciones”. 26


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Tiempo empleado en cada trabajo Realmente el tiempo puede variar dependiendo la ilustración, claro, pero por dar un tiempo genérico yo consideraría que puede estar en un tiempo de trabajo de 8 horas.

Experiencia Profesionalmente he trabajado como diseñador gráfico desde el 2014 en estudios de diseño y agencias de publicidad, en cuanto a la ilustración que es mi principal enfoque he desarrollado proyectos de forma independiente para diferentes proyectos que van desde el desarrollo de personajes para marcas, visuales de eventos y también desarrollando merchandising de algunas marcas independientes para diferentes países.

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CON SABOR

Por: Revista axxis

La próxima edición de la feria estadounidense Wanted Design será el escenario para el lanzamiento de la nueva mesa del estudio antioqueño Tu Taller Design.

S

i uno quiere ser diferente no puede hacer lo mismo todos los días”. Con esta reflexión, el diseñador industrial David del Valle comienza la descripción de la mesa Caribe, nueva pieza de la firma antioqueña Tu Taller Design, cuyo lanzamiento oficial será en la próxima edición de la feria Wanted Design, que se realizará en el mes de mayo en Nueva York. Para crearla partieron de materiales que podrían considerarse atípicos en el mobiliario, por ejemplo, el acrílico –presente en sus patas– es una parte vital de este permeable diseño. “Colaboramos con una empresa que lo trabaja hace 35 años; nos fabricaron unas piezas únicas, que son cilindros, realmente difíciles de copiar”. A su vez, el sistema de unión de la estructura genera transparencias que dan origen a pequeños detalles, como el encapsular los tornillos para que floten ante la vista.

Ramps / Gonzalo Miranda

Sus superficies de vidrio son variadas: unas esmeriladas, otras transparentes, algunas opacas; la idea es que siempre estén mezcladas para darle dinamismo a la mesa. Por otra parte, sus extremos son tejidos en fibra natural para que el viento atraviese la estructura, “algo muy del Caribe”. La firma lanzará una versión un poco más tradicional, con patas metálicas. Del Valle explica que los diseños estarán en la gama de los pastel y algunas ediciones especiales tendrán como base el azul índigo. “Buscamos concebir objetos genuinos”.

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Por: María Díaz del Río

Así han respondido los 11 expertos en estética musical, artistas, diseñadores, músicos o directores de discográficas consultados para elaborar el ‘ranking’ de las mejores portadas de discos de la historia.

E

ste es un listado en el que muchos esperan encontrar, entre otros clásicos, la portada de Sgt. Pepper’s (The Beatles, 1967) o de Sticky Fingers (la internacional, claro). No les falta razón. La carpeta del álbum de Rolling Stones era la segunda en la que Andy Warhol jugaba con los objetos gráficos de la portada (la primera fue con el plátano de The Velvet Underground & Nico, que podía pelarse levantando la piel de papel en la cover). En esta ocasión, la cremallera de los vaqueros que encerraban aquel portentoso paquete — cuyo dueño se rumorea que era del propio Mick Jagger— podía bajarse. Como el metal podía rayar el vinilo, Warhol puso detrás unos calzoncillos que se descubrían al jugar con la cremallera y que tenían la función

de proteger el disco. Es mucho más que un juego: es la descontextualización de los objetos cotidianos que Marcel Duchamp puso en práctica con su Fuente, título que dio a la obra con la que convirtió su urinario en un objeto artístico, extrañamente hermoso. Y es la sorpresa que provoca el “arte encontrado”. Una presentación muy diferente de la que tuvo en España, merced a los señores de la censura, y que reflejaba una fotografía de unos dedos asomando de una lata con una salsa pegajosa Obvio, decente y literal. El resultado final se ha obtenido sumando cinco puntos para cada participante a la primera ciudad elegida, cuatro a la segunda, tres a la tercera, y así sucesivamente, hasta otorgar un punto a todas las que colocaran por debajo del quinto puesto. Las coincidencias en la elección han sido meras casualidades, por lo que lo que se ve en el ranking final es la primera opción de cada uno de los expertos ordenadas alfabéticamente, y las dos en las que han coincidido más de un experto: Never Mind de The Bollock’s, de Sex Pistols, ganadora por puntos, y The Velvet Underground & Nico, de The Velvet Underground, que empata por el resto por suma de puntos.

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Por tanto, así queda la clasificación final: 1. Never Mind The Bollocks, Sex Pistols (10) 2. BGM, Yellow Magic Orchestra (5) 3. Introspective, Pet Shop Boys (5) 4. London Calling, The Clash (5) 5. Spiderland, Slint (5) 6. The Devil and God Are Raging Inside Me, Brand New (5) 7. The Velvet Underground & Nico, The Velvet Underground (5) (votada por dos personas) 8. Unknown Pleasures, Joy Division (5) 9. We Can’t Be Stopped, Geto Boys (5) 10. We Got It from Here... Thank You 4 Your Service, A Tribe Called Quest (5) 11. Yeezus, Kanye West (5)


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Por: Brian Lara Ilustración: Germán González

Símbolos como el de Colsubsidio, Compensar, El MAMBO, Artesanías de Colombia, y carteles como los del Festival Iberoamericano de Teatro y los Juegos Bolivarianos de Bogotá son hitos del diseño gráfico en Colombia. Estos fueron sus creadores. (Y de ñapa una breve historia del diseño en el país).

E

l diseño gráfico en Colombia aún no ha cumplido cien años como oficio, ni sesenta como profesión. La disciplina es joven si es comparada con el arte o la arquitectura, por eso en algunas ocasiones ha tenido que vestir ropa prestada de ambas. Hoy casi es posible decir que el diseño gráfico tiene un armario propio. A su elaboración han colaborado

decenas de diseñadores a lo largo de este siglo. Sin embargo, entre todos ellos, destacan cuatro nombres por su capacidad de ver y entender mejor que otros el potencial comunicativo y estético de una imagen.W Sergio Trujillo Magnenant, Dicken Castro, David Consuegra y Marta Granados allanaron camino para los demás diseñadores gráficos del país. La obra de cada uno de ellos condensa las inquietudes, búsquedas y necesidades económicas, políticas, tecnológicas y culturales de las décadas en las cuales trabajaron. Gracias a ellos la imagen en Colombia brilló en compañía de notas periodísticas, cuentos y poemas; y en solitario bajo el amparo de todo tipo de empresas, además de museos, universidades, partidos políticos, festivales de cine y de teatro. Por ellos, el diseño gráfico colombiano a veces aparenta tener más edad de la que tiene.

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SERGIO TRUJILLO MAGNENAT Sergio Trujillo Magnenat fue ante todo un dibujante. Mientras el país estaba en plena modernización tecnológica, él creaba mujeres y hombres usando lápiz y papel. Eran los años treinta, las imprentas tenían mejores máquinas para trabajar y los gobiernos liberales extendían estrategias educativas por todo el territorio nacional. En esta década floreció el diseño gráfico como oficio en el país. Trujillo Magnenat entendió a la perfección cómo era aquello de dibujar letras, ilustrar textos y emparejar imágenes y palabras para ponerlas a bailar en carteles, cartillas, láminas, periódicos y revistas.

DICKEN CASTRO «El diseño es un idioma que elude los adornos y todo aquello que sea adjetivo», expresó Dicken Castro en una entrevista para el libro Forma viva: el oficio del diseño, editado por Escala en 1970. «Es un medio de comunicación, debe transmitir ideas y hacerlas comprensibles». En esa reflexión, que parece escrita como un mandamiento, se resume el rol del diseñador gráfico. Y bajo esa ley, él mismo elaboró durante los años sesenta y setenta símbolos para más de 66 empresas, además de varias estampillas, portadas de libros, carteles, etiquetas de productos, ilustraciones e incluso escenografías.

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MARTA GRANADOS En un breve documental que la Universidad Nacional hizo sobre la diseñadora, recuerda el paisaje de Nobsa, Boyacá, como una de las imágenes que más se acercó a su forma de ver el mundo. «No había allí una exuberancia, no era un paisaje descomunal», dice. «Era un paisaje que uno casi podía abarcar con las manos, con los brazos y posiblemente con el alma, con el corazón». Granados creció en Duitama y Nobsa era el lugar de vacaciones al que iba con su familia de niña. Posiblemente la policromía de la naturaleza –esa virtud de crear colores tan cercanos y al mismo tiempo tan distantes en un mismo espacio– penetró tan hondo en sus ojos que ya nunca más pudo volver a ver el mundo en blanco y negro.

DAVID CONSUEGRA David Consuegra fue el primer teórico del diseño gráfico en Colombia. Eso es lo importante del rótulo «Primer diseñador profesional del país». En la academia están sus aportes fundamentales a la disciplina. Pero también fue editor, tipógrafo, ilustrador, cartelista, además de creador de 94 identidades empresariales diferentes. La forma de entender la disciplina la adquirió en Estados Unidos. Siendo joven estudió Bellas Artes en Boston, donde algún profesor le recomendó inscribirse a la escuela de Diseño Gráfico de Yale. Fue estudiante de Paul Rand –creador de la identidad IBM– y con él comprendió que en el diseño ya no era suficiente dibujar un logo: la magia del asunto estaba en consolidar toda una personalidad visual para el cliente.

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Damas, vino y diseño

Tomado de: ladieswinedesign.com

01.Amamos y respetamos tu trabajo y lo que estás haciendo en la industria. ¿Puedes contarnos un poco sobre ti y cómo llegaste a donde estás hoy y qué estás haciendo ahora? Actualmente dirijo mi propio estudio, Casalino Design Inc, centrado en el diseño de libros, la impresión y la marca. He estado trabajando en diseño de libros de una manera u otra desde 2003. Trabajé internamente en Simon & Schuster, Random House y Hachette como Director de Arte y Diseñador, y comencé mi carrera en Rodrigo Corral Design. Debido a que trabajé en un estudio de diseño independiente y trabajé de forma independiente durante mi carrera, dirigiendo mi propia empresa siempre estaba en mi mente. En 2016, (finalmente) abrí mi propio estudio y no podría estar más feliz. Dirigir mi propia empresa me ha permitido captar algunos nuevos clientes fuera de la publicación tradicional. En los últimos dos años, dirigí y diseñé libros a medida para IBM y A + E Networks, diseñé una edición limitada coleccionable de Stephen King’s Misery, y creó el look para una revista indie llamada Ravenous . Tener mi propio estudio también me ha dado más tiempo para ser voluntario y asumir roles de liderazgo dentro de la comunidad de diseño. Mi esposo,

Chris Sergio, y yo presidimos la competencia anual del Type Directors Club el año pasado, TDC64, que fue un desafío creativo y organizativo completamente nuevo. Todo el proceso tomó cerca de 18 meses desde la elección de los jueces, hasta la contratación de un equipo de diseño, la supervisión del fin de semana, la dirección de arte y la producción de la publicación anual. Incluso retitulamos oficialmente la publicación anual de TDC, que ahora se llama La mejor tipografía del mundo . Me encantó poder profundizar en un proyecto como ese y pensar en todos los aspectos del proceso de competencia. 02.¿Tuviste alguna mentora o inspiración a medida que surgiste en la industria? Para ser honesto, ¡no tuve una mentora hasta que estuve en la industria por casi 6 años! En los primeros y formativos años de mi carrera, las personas que me habían contratado y guiado eran hombres. Ya estaba en el nivel de director de arte cuando comencé a trabajar para mi primera mentora, Anne Twomey, quien fue mi Directora Creativa en Hachette. Ella realmente me dio el poder de empujar el sobre con mi lista en Doce, y ayudó a todos en el departamento a buscar sus puntos fuertes e intereses. Ella también entiende que la mentoría es una gran parte del tra-

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bajo cuando estás en el nivel de Director Creativo. Anne, y su colega directora creativa Nicole Caputo, en realidad recientemente fundaron un gran grupo llamado She Designs Bookseso encarna esa idea de tutoría al reunir y promover a las mujeres en el diseño de libros. Antes de trabajar con Anne, tuve dos grandes mentores, ambos hombres: Rodrigo Corral, quien me dio mi primer trabajo de diseño en 2003, y el Director de Arte de Scribner, John Fulbrook III, quien me dio mi segundo trabajo en 2006. Ambos impulsaron mi Pensé en el diseño y la técnica y realmente me desafió a mejorar mis habilidades al principio de mi carrera.

Lo peor que pueden decir es no. Mi papá me dio ese consejo cuando estaba negociando un trabajo, pero siento que se ha convertido en mi mantra para todas las cosas. Creo que, como diseñador, es muy importante buscar las vallas y mostrar tu mejor trabajo en todo momento, incluso si nunca se ve la luz del día. Tienes que empujar.

El trabajo y la carrera de Paula Scher han tenido un gran impacto en mí, como estoy seguro que tiene para innumerables diseñadores, tanto hombres como mujeres. Mi primer jefe, Rodrigo Corral, se dio cuenta de que los libros de diseño que estaba leyendo eran sobre hombres (Paul Rand, Jan Tschichold, George Lois) y me dio Make it Bigger, de Paula Scher.. Me quedé asombrado. Su trabajo es tan poderoso, inteligente y audaz; también me encanta que se sienta sin género. Las diseñadoras a menudo se encasillan para trabajar en proyectos que son femeninos o bonitos. Y aquí está esta mujer que diseña un logotipo para uno de los bancos más grandes de América, y portadas de álbumes para algunos de los músicos más grandes del mundo. Me hizo sentir que ningún proyecto estaba fuera de mi alcance y que no tenía que estar haciendo el trabajo “bonito” porque era una mujer.

04.¿Tienes algún consejo que darías a otras mujeres que aspiran a ser creativas? Conéctese con otros creativos y con personas que tienen menos experiencia y más experiencia que usted. No se trata solo de impresionar a su jefe o perros grandes en la industria, sino a

Catherine Casalino

03.¿Cuál es el mejor consejo que te dieron en tu vida?

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cultivar relaciones positivas de 360 grados. ​​ Nunca se sabe de dónde vendrá la próxima oportunidad. 05.¿Cuáles son algunas metas y ambiciones que tiene para su trabajo futuro? Mis objetivos no son específicamente sobre el trabajo, sino sobre las personas y las empresas con las que trabajo. Mis proyectos favoritos a lo largo de los años han sido con clientes o colaboradores que son seguros, creativos, apasionados y audaces cuando se trata de diseño e ideas. Mi objetivo es trabajar con más personas como esa, ya sea un autor por primera vez, una compañía de Fortune 500 o un grupo sin fines de lucro.

06.¿Algo nuevo en lo que estés trabajando estos días? He estado colaborando durante años con la fotógrafa, Melanie Dunea , y recientemente hemos hecho nuestra asociación oficial, lo que es realmente emocionante. Mientras que en el pasado los clientes nos han llegado con una dirección o un proyecto, ahora estamos creando contenido y presentando nuestras propias ideas desde el primer momento, y eso me encanta. ¡Actualmente estamos trabajando en un proyecto especial para una gran empresa de hospitalidad que será absolutamente increíble si se ilumina! 07.¿Que estas leyendo estos días?

Actualmente estoy yendo y viniendo entre Barbarian Days (memorias de surf) y Who Is Michael Ovitz? (memorias de un agente de hollywood). Una me tranquiliza y la otra me amplifica. Ambos son viajes personales super interesantes. En realidad, ahora que lo pienso, la mayoría de los libros que he estado leyendo últimamente son viajes / biografías personales. También recientemente leí la biografía de Leonardo Da Vinci de Walter Isaacson y Patti Smith’s M Train , que también fueron fantásticas. Pensamos en alguien como Da Vinci y solo vemos las obras maestras, no las miles de páginas de bocetos y los proyectos fallidos. Obtener una imagen completa del viaje de alguien realmente pone las cosas en perspectiva.

Catherine Casalino

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