DISSONANCE INDÉ•PSYCHÉ•NOISE KING GIZZARD & THE LIZARD WIZARD
n°2 • juillet 2016
BEAK>•TY SEGALL•TROPICAL HORSES•YAK•THE SHAGGS•TWLVE•EAGULLS
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DISSONANCE
Editorial E EDITORIAL DITORIAL La presse d’actualités musicales se transforme en nécrologie au fur et à mesure que les pontes du rock and roll s’éteignent tour à tour. Les unes des tabloïd, surfant sur la vague de désespoir qui s’empare alors de la communauté, tombent à point nommé et l’on peut se demander s’ils ne tiennent pas un rôle tout différent dans cette affaire. Et s’ils en étaient à l’origine ? Le cas de Fock & Rolk est édifiant. De folles rumeurs soupçonnent leur direction d’avoir orchestré ces meurtres pour ne pas se retrouver avec leur « une » blanche le soir du bouclage. Cette supercherie expliquerait pourquoi le canard en question consacre ses couvertures aux morts ou aux mourants et refuse obstinément de laisser une place aux nouveaux talents. Si ces méthodes douteuses permettent à la rédaction du magazine en question de noircir ses pages, elle prive ses lecteurs, des groupes contemporains au motif qu’ils n’atteindraient pas la cheville de leurs aînés. Et s’ils passaient à côté de la musique dont on parlera encore dans quarante ans ? Avouez qu’il serait tout de même idiot de ne pas s’attarder dès à présent sur les King Gizzard and the Lizard Wizard, Yak ou Polar Polar Polar Polar.
S Osommaire MMAIRE
ty segall >>>> car seat headrest >>>>
yak >>>>> kg&lw >>>>>> tropical horses >>>>>>>>>> the shaggs <<<<<<<<< skeuds du mois <<<<<<< bruit qui court <<<<< à voir à faire <<<< cochonneries <<<
F.R., P.A. et J.L.
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TY SEGALL Ce 2 juin le Cabaret Sauvage était rempli au chausse-pied pour le désormais annuel concert de Ty Segall, ou plutôt Ty Segall and the Muggers (et non pas Mugglers comme l’annonçait le Fock and Rolk du mois de mai). Le blondinet se présente en bleu de travail et masque de bébé très inquiétant dans la salle chauffée à blanc pour vociférer les chansons de son excellent dernier album, Emotional Mugger, dans un fracas de guitares assourdissantes, parsemées de larsens et d’un clavier strident joué par le nouveau membre de la bande à Ty, Cory Hanson de Wand, col roulé et lunettes rondes style Berlin ‘77. Mikal Cronin, fidèle à son poste avec sa grenouillère orange, sa casquette orange, sa guitare orange et son jack orange était peut-être le moins possédé des cinq. Ty quant à lui est préposé au seul chant pour cette tournée, ce qui lui laisse tout loisir pour ses pitreries, notamment un impressionnant poirier avec la tête dans le public. Les Californiens nous ont joué la quasi-totalité d’Emotional Mugger et quelques autres chansons, comme la très bien introduite « Manipulator » ainsi que deux chansons issues de Melted. Si certains ont pu être déçus de cet emotionalmuggerocentrisme, la rédaction salue quant à elle cette volonté de créer un univers sombre mais décalé que Ty Segall met en place au fil de ses absurdes vidéos publiées sur l’Internet, notamment la très dérangeante « Emotional Mugger » qui présente une version remixée de l’album pour une vidéo de 14 minutes qui plante le décor : Ty ne va pas bien, vraiment pas bien. F.R.
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CAR SEAT HEADREST Teens of Denial est le deuxième album de Will Toledo, alias Car Seat Headrest, pour Matador, mais il s’agit du premier qui ne soit pas composé uniquement de chansons datant de ses années furieusement indépendantes (où il produisait ses propres albums et les sortait uniquement sur internet). Sans surprise la production est ici nettement plus soignée que sur ses opus autoproduits. Cela ne nous surprend pas outre mesure, car c’était déjà le cas sur Teens of Style (le précédent opus sorti chez Matador en 2015). Cependant ce dernier étant composé de titres plus anciens le songwriting était toujours marqué par une grande simplicité qui caractérisait la période pré-label de Toledo. Sur Teens of Denial en revanche les choses sont un peu différentes. C.S.H. ne s’est pas complètement transformé pour autant ; la production est toujours semi-lo-fi, et les power chords saturés sont toujours de mise (« Fill in The Blank » pour n’en citer qu’une), mais les compositions semblent avoir fait l’objet d’une attention bien plus grande. Les chansons sont bien plus nuancées que sur le précédent album et sans se départir de ses influences très nineties, Toledo se permet d’explorer d’autres sonorités, et c’est très réussi. Cette maturité dans la composition et la production tranche nettement avec les textes de l’album qui concernent principalement le mal-être que peut ressentir n’importe quel individu d’à peu près vingt ans. En un mot comme en cent ce premier album qui n’en est pas un est une réussite complète. Teens of Denial, Matador Records, 2016. J.L.
YA K
Un gros ruminant se déchaîne devant un public en transe. Le lecteur avisé aura bien sûr reconnu le trio anglais Yak qui fait sensation depuis la sortie de son second EP No. Leur premier album, Alas Salvation sorti le 13 mai chez Octopus Electronic, est un concentré d’énergie et de défoulement. Le guitariste et chanteur Oli Burslem et le bassiste Andy Jones viennent tout deux de Wolverhampton, charmante bourgade des environs de Birmingham, alors qu’Elliot Rawson le batteur à la trogne de Jack White est néo-zélandais, installé à Londres depuis 3 ans. Ils déclarent tous avoir eu une éducation musicale sommaire, voire de s’être fait virer des cours de musique. Après un single et un premier EP, Plastic People, sorti en mai 2015 avec un son garage assez classique et une propension à casser les instruments sur scène, le groupe est signé chez Third Man Records et sort No en septembre de la même année. Autant dire que tout s’est enchaîné très vite. Cet EP est plus expérimental et pose clairement les bases de ce que sera Alas Salvation, des chansons défouloir de deux minutes trente parsemées de larsens, d’une flopée de toms et d’une voix surexcitée. Si les treize titres s’enchaînent sans silence c’est que le groupe a souhaité faire un album cohérent plutôt qu’une suite de morceaux prêts à consommer. Le trio ne cache pas son intérêt pour la musique répétitive et dérangeante à la Suicide, ce qui s’entend dans « Victorious (National Anthem) », où cinq guitares s’entremêlent et où la batterie se confond avec la basse dans un bourdonnement qui fait perdre tout repère. Oli prétend que le groupe trouve tout les moyens pour s’engueuler avant d’enregistrer pour avoir des sonorités plus agressives, en tout cas on le ressent dans
« Curtain Twitcher » ou « Alas Salvation ». Mais Oli écoute aussi de la doo-wop, qui donne une teinte plus sucrée à certaines chansons, comme « Doo Wah » ou « Take It ». Après un concert à la Mécanique Ondulatoire en février où la rédaction n’a pas jugé nécessaire de se rendre au vu de la qualité du son régnant dans la cave de la susdite onde magnétique, notre bestiole poilue est revenue à Paris pour la promotion de son album au Point Éphémère le 26 mai dernier. La setlist n’est pas complètement établie à l’avance, laissant une part à l’improvisation et à l’humeur des musiciens, quitte à ce que tout ne soit pas parfait, et tant mieux, on ne pourra pas leur reprocher d’avoir un son trop lisse! C’est justement cette instantanéité qui fait tout le plaisir d’aller se défouler avec Yak pendant les quarante minutes de folie que ces rosbif sont capables d’aligner. Les pochettes enfin, l’absurdité des dessins qui les composent vaut bien qu’on y consacre un paragraphe. Celui qui y trouvera un sens est prié de contacter la rédaction. Elles sont en tout cas réalisées par Nick Waplington, un ami d’Alexander McQueen (les bovins ont leurs entrées dans certains salons, semble-t-il). Ne manquez pas leur prochain passage en octobre. F.R.
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KINGGIZZARD AND THE LIZARDWIZARD Pour cet article, l’idée masochiste de nous enfermer une journée entière, cloitré dans notre studette parisienne, volets fermés et verrou condamné à écouter les 103 morceaux des King Gizzard en boucle dans l’ordre chronologique nous passa par l’esprit. Poussons le vice à l’extrême, disons une semaine uniquement de King Gizzard and The Lizard Wizard, du matin au soir. Chiche ! 12 Bar Bruise est une démonstration studio de ce que l’on peut espérer de mieux de la part des King Gizzard en live. Très peu d’overdub sur l’album, la force de ce 12-titres est une énergie constante. Le disque respire l’amusement général, les gars s’éclatent à créer un chaos contrôlé, c’est abrutissant et ça fait un bien fou ! 12 Bar Bruise premier album des Australiens après deux ans d’existence, clôturant en quelque sorte la première période du septet et les cinq premiers EP du groupe. Deux années d’EP sont ici réunies. Le garage, le surf et les titres courts. « Sam Cherry’s Last Shot », titre que nous retrouvons dans l’album western Eyes Like The Sky, est la seule plage sonore qui dévoile le gros coup que les Australiens semblent nous préparer pour la suite. Néanmoins c’est le seul titre de 12 Bar Bruise venu d’ailleurs, le reste de l’album est moins original que la suite de la discographie. Dans l’existence, il arrive que l’on tombe d’un escalier très raide la tête la première pour avoir une illumination qui changera le cours de votre vie et fera de vous un génie, ou un fou question de point de vue. Ce genre d’accident révélateur de talent, peut expliquer le virage d’artistes comme Robert Wyatt qui, un soir passant du bon temps
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avec une charmante demoiselle, s’échappa subitement par la fenêtre de l’hôtel à la vue de sa femme poussant la porte qu’il ne fallait pas pousser. Le musicien fut paralysé des deux jambes et ne put continuer à occuper le poste de batteur de son groupe, Soft Machine. Robert réalisa à la suite de cet accident Rock Bottom, album sans précédent. Mais lorsqu’il s’agit de sept musiciens, l’hypothèse que tout le groupe tombe tête la première de cet escalier miraculeux semble peu plausible. Et pourtant comment explique-t-on qu’en moins d’un an et sans EP entre 12 Bar Bruise et Float Along – Fill Your Lungs, un nouveau souffle balaye le lo-fi du début par à-coups de cithare et de guitares si mélodieuses. Sorti en 2013, l’album parvient à réunir le passé, le présent et le futur du groupe en seulement huit pistes. Du premier titre épique « Head On/Pill » et ses 16 minutes de jam psyché jusqu’aux dernières notes du titre éponyme, on a une véritable histoire du psychédélisme. Le côté garage laisse place un groove lisse et élégant. L’introduction du mellotron y est pour beaucoup. Un instant de bonheur et d’élévation envahit les australiens au milieu de l’album. Sur « Let Me Mend The Past » les Australiens sortent le piano pour tourbillonner pop avant d’enchaîner sur « Mystery Jack », dont le riff principal est digne d’un classique BJM. Les Australiens se s’écartent de manière très distincte des trois premières années de leur production. Nous devinons à travers l’écoute de ce disque les prémices du rock progressif de Quarters, qui sortira deux ans plus tard mais aussi le surf western, thème principal de l’opus suivant, Eyes Like The Sky, un ovni.
Il s’agit d’un conte audio à la manière de Pierre et le Loup de Prokofiev avec une narration juxtaposée à des parties instrumentales. Les paroles sont laissées au conteur Broderick Smith, joueur d’harmonica dans les années 70 avec The Dingoes (aucun intérêt) et Carson. Ce brave Broederick a avant tout joué pour les Canned Head, groupe qui pourrait être une influence du Roi Gésier. Bon et cet ovni alors ? Broedrick y fait le récit d’un jeune blanc élevé par les Amérindiens dont nous suivons les mésaventures dans le désert de l’Arizona. Entre vengeance, esclavage et tuerie, les aventures de ce jeune débauché sont plongées dans un véritable décor sonore, usant flûte et harmonica parsemés de sifflements de locomotive à vapeur et de chevaux lancés au grand galop. Le couple de batterie habituel est délaissé pour des percussions plus adaptées à l’ambiance western. Les guitares sont poussiéreuses et imbibées de trémolos. Un réel leitmotiv est créé avec l’harmonica que semble être ce jeune blanc perdu dans ce funeste désert. L’année 2013 s’achève pour les King Gizzard avec ce projet farfelu. Les deux albums de cette année bénite riment avec expérimentation et renouvellement. En 2014, la première réalisation du groupe est le single « Cellophane », titre phare de I’m in Your Mind Fuzz. Mais entre le single et l’album se glisse le LP Oddments qui s’ouvre avec un « Roadhouse Blues » à la sauce australienne. Un clavier fou lancé à vive allure s’impose. Ni guitare ni voix ne sauront l’arrêter avant le début de « Stressin’ », deuxième titre qui n’a rien à voir avec cette introduction digne du Lézard Roi. Mais laissons Morrison de côté pour revenir à nos têtards excités qui s’aventurent d’un extrême à un autre avec cet album sans vraiment de cohérence. Ce disque est un vrai laboratoire ouvert au public où les sept apprentis chimistes expérimentent divers mélanges non homogènes. Pre-
nez « ABABCd », titre de moins de vingt secondes et essayez de trouver la moindre similitude avec « Homeless Man In Adidas » et sa panoplie d’instruments acoustiques pour un étonnant et délicieux interlude folk. Pas le temps de niaiser, les Australiens réactivent la fuzz pour cloturer à cent à l’heure l’album par « Oddements ». Moins séduisant car dépourvu de sens, Oddments ne peut être considéré comme un bon album. Certes le contenu est de qualité, mais les titres disparates et une impression de déjà-vu nous envahit. Mais comment leur en vouloir, quand à la fin de ce disque se profile la montagne I’m In Your Mind Fuzz ? Deuxième cru de l’année, cet album combine tout ce que nous aimons à propos des King Gizzard. Des breaks, des crescendos, des decrescendos et des déferlements de fuzz pour créer un ensemble plus proche de l’improvisation que de l’enregistrement. Sur une même base rythmique, loin des carcans bluesy les quatre premiers titres deviennent indissociables les uns des autres. Cet album est le premier du groupe à figurer sur le catalogue de Castle Face, mythique label de ceux que l’on pourrait qualifier de fer de lance du garage psyché actuel. Avec cette place de choix, les Australiens font de l’ombre à leurs cousins californiens Thee Oh Sees, parfois en perte d’originalité. Actif depuis déjà cinq années, le groupe profite enfin d’une grande visibilité mais aussi de nouvelles conditions d’enregistrement. Une grande tournée mondiale s’en suit, dont un passage remarquable au Paris Psych Fest 2015 dans une Machine du Moulin Rouge loin d’être comble. Et un problème survint à ce moment de la carrière des Australiens, que faire après un album aussi accompli ? A la manière de Ty Segall avec l’après-Manipulator, les King Gizzard se réinventent. Changement radical avec Paper Mâché Dream Ballon, parfois jazzy, « Sense », parfois espiègle comme
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une chanson enfantine « Paper Mâché Dream Balloon », parfois bluesy « The Bitter Boogie », parfois complètement dingue et tordu « Trapdoor » ... Fidèles à cette esthétique garage do it yourself qui leur sied si bien, les Australiens laissent flûte et harmonica batifoler gaiement au gré de chansons enjouées. Sorti en ce funeste vendredi 13 novembre 2015, les King Gizzard offrent un instant de paix dont nous avions grand besoin et qui s’étend d’ailleurs sur l’album suivant, Quarters. Comme son nom l’indique cet album est composé de quatre morceaux qui ont tous exactement la même durée de 10:10. Le meilleur d’entre eux est indiscutablement « The River », une espèce de gigue psychédélique un peu jazzy à la
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Grateful Dead, très Woodstock dans l’âme, sans vraie mélodie directrice mais assez agréable et qui s’achève par un long solo. En revanche, « Infinite Rise » et « Lonely Steel Sheet Flyer » ressemblent à un de ces morceaux incohérents et sous-produits dont Foxygen s’est récemment fait une spécialité. Tout cela lasse très vite et ressemble plus à une compilation de jams et d’idées inachevées qu’à un véritable album. Bref, on se demande bien quel est le concept derrière ce projet bancal. En juin, les King Gizzard and the Lizard Wizard ont dévoilé leur dernier opus, Nonagon Infinity. P.A.
nonagon infinity Plus excités que jamais, les King Gizzard and the Lizard Wizard sont de retour depuis le 29 avril avec un nouvel album, Nonagon Infinity. A la première écoute la rédaction fut un peu déçue par la performance des Australiens, surtout en ce qui concerne la face A, avec le sentiment d’avoir entendu la même chanson pendant quarante minutes. De fait, aucun blanc ne sépare les pistes et les mélodies restent les mêmes d’un morceau à l’autre, ne subissant que des variations et superpositions avec d’autres instruments. Au fil des écoutes, on commence à se laisser entraîner par ces riffs frénétiques et répétitifs et à apprécier de mieux en mieux les différentes phases de cette chanson de deux faces. Puis la folie commence à poindre et le cerveau de votre serviteur est désormais hanté jour et nuit par ce tadadada dadadadadada dadada dadada... Les deux faces fonctionnent cependant indépendamment, la première étant la plus excitée, elle ne laisse pas une seconde de répit à son auditeur qui se prend en pleine poire les rafales de notes de guitare, soutenues par un feu nourri d’harmonica et de synthé et les tirs réguliers de la batterie. Le côté orientalisant des King Gizzard and the Lizard Wizard, déjà présent dans I’m In Your Mind Fuzz se retrouve dès la première chanson, « Robot Stop ». Arrive ensuite « Gamma Knife » avec ses mélodies inquiétantes qui entourent le riff principal et son titre répété encore et encore, parsemé de cris, qui continuent dans la dernière chanson de la face, « People Vultures », la plus agitée et la plus dense de cette première partie, avec notamment de petites mélodies sinueuses qui rendent encore plus dingue le cerveau déjà atteint par ces vingt premières minutes.
Le temps de renverser le disque, on sent sa tête bouillir, heureusement les Melbourniens ont prévu une première chanson - « Mister Beat » - avec du piano et une voix presque susurrante pour alléger un peu le disque et éviter que leurs auditeurs ne se jettent par la fenêtre avant même la fin. « Evil Death Roll », qui la suit, repart de plus belle avant de présenter un solo virevoltant accompagné de sonorités psyché et constitue peut-être la meilleure partie de cette longue chanson qu’est Nonagon Infinity. Débarque ensuite la très entraînante « Invisible Face » qui marque la transition avec « Wah Wah » et ses solos acérés entrecoupés d’une voix presque mielleuse. La chanson clôturant l’album, « Road Train » renvient sur le style de la face A, avec un son plus gras. Elle semble se terminer une minute avant que le diamant ne touche à la fin de sa course, durant laquelle la musique du début revient en une boucle infernale. Notre roi Gizzard et son magicien lézard ne dérogent donc pas à leur habitude de nous faire plonger dans un monde farfelu, hypnotique et captivant. Nonagon Infinity, Flightless, 2016. F.R.
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U n t o u r e n 2 C V a v e c Tr o p i c a l H o r s e s
La rédaction a rendez-vous devant le gros cube plein de tubes bleus, verts et jaunes avec Max-Antoine de Tropical Horses qui a sorti son premier album, Mirador, en février dernier. Les deux chevaux du moteur démarrent aussi vite que la discussion avec celui assis sur la banquette et nous emporte vers ses influences musicales. « J’ai une grande admiration pour les musiciens africains, ils ont une liberté qu’on ne retrouve pas dans la musique occidentale car ils ne sont pas formatés par le quatretemps. Sinon j’écoute aussi du rap actuel, ça vous étonne peut-être mais j’aime vraiment ça, l’ambiance est cool, ce n’est plus comme avant où il y avait ces histoires de gang et de violence. ». Et le noise dans tout ça ? Max-Antoine ne manifeste pas un intérêt grandiloquent quand on lui glisse un mot sur les perles de la dernière Villette Sonique, même s’il avoue qu’avoir assisté à Girl Band en plein air entouré de poussettes et de paniers pique-nique bien rangés l’a plus qu’éclaté l’année dernière. Nous aussi d’ailleurs. Il semble en revanche vouer un culte à Michael Gira de Swans. Alors que le tacot fonce sur les quais, on aborde le sujet des références
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littéraires, tout aussi pointues. « Je suis aussi captivé par certaines ambiances que je rencontre dans des livres, par exemple, dans Voyage au bout de la nuit de Céline, il y a cette angoisse et cette descente aux enfers qui se retrouve dans Mirador ». Nos conversations linguistiques se poursuivent le long du canal : « Je préfère chanter en anglais car le français a un rapport trop fort avec le texte. Mes paroles sont un accompagnement phonétique, l’important c’est que ça sonne bien. Mais c’est très bien que les musiciens qui chantent en français gardent cette exigence par rapport au texte ». Quelques boulevards plus tard, descendus à vive allure, on en vient à sa production musicale. Tropical Horses a d’abord sorti deux EP, notamment Stand on the beach, truffé de sons pré-enregistrés et d’influences électroniques. Mais Mirador est clairement différent, bien plus sombre. Les neuf titres sont une progression qui nous mène lentement au fond de l’abîme, sans aucun espoir de retour quand on franchit la face B. Max-Antoine nous raconte la création du disque : « Tout est parti des deux premiers morceaux qui marchaient très bien en live, c’est autour d’eux que tout s’est construit. J’ai pris mon temps pour tout mettre en place, mais pour certains morceaux, notamment le dernier, j’ai tout de suite su où je voulais les mettre. J’enregistre les morceaux chez moi, je fais les voix avec le micro de mon ordi, pour pas emmerder mon coloc et nos voisins, ça donne un son caverneux qui me plaît beaucoup. Quand l’album a été enregistré, j’ai laissé Anthony de Princesse travailler sur les détails. Il a ajouté des trucs et en a enlevé d’autres, ça me permet d’avoir un regard extérieur. ». L’album est co-produit par la Montagne
Sacrée et Anywave, avec l’aide des Balades Sonores, ce qui a permis un pressage du vinyle en 300 exemplaires. Notre steeple-chase se termine par les concerts, très différents de l’album, plus noise peut-être. Dans les derniers mois Tropical Horses était accompagné d’un saxophone : « J’avais besoin de quelqu’un pour me soutenir car j’ai eu beaucoup de mal à jouer sur scène pendant un moment, je détestais l’image que je renvoyais et j’avais l’impression de me parodier. Mais Oan Kim ne peut pas s’impliquer à fond dans le projet et en me produisant avec d’autres amis, je me suis rendu compte que j’avais passé ce cap, donc je vais à nouveau jouer seul ».
L’équidé a du foin dans sa mangeoire, ill travaille sur un album, plus lumineux que Mirador, mais tout en conservant cette volonté de progression entre le début et la fin du disque. En attendant, filez acheter cette galette, par exemple aux Balades Sonores ou chez International Records. Mirador, La Montagne Sacrée/Anywave, 2016. F.R. et P.A.
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les disques du père Cavalan Bien que j’estime que la découverte du groupe évoqué ici devrait être faite au cours, voire au terme d’une quête musicale initiatique et, si j’ose dire, être méritée, je n’ai su résister à la demande de la rédaction de Dissonance d’écrire un article sur un phénomène unique - et quasi miraculeux - dans l’histoire du rock : les Shaggs. D’abord, parce que ce groupe a toute sa place dans ce magazine. En effet, qui mieux que les Shaggs mérite le qualificatif « dissonant » ? Ensuite, bien que de grande qualité et promis à un avenir florissant, Dissonance est encore distribué de manière confidentielle et destiné à un public d’élite (en matière de goûts musicaux, s’entend). J’ose donc espérer que les privilégiés qui auront le bonheur de découvrir les Shaggs grâce à cet article sauront apprécier leur musique et leur « philosophie du monde » sans le mépris snob de quelques pisse-froids qui n’y comprennent rien. Frank Zappa les jugeait « better than the Beatles » et Kurt Cobain faisait figurer Philosophy Of The World - unique production du groupe - à la cinquième place d’un classement de ses albums préférés. Ces déclarations, exprimées par de telles personnalités au sujet d’une formation aussi obscure, peuvent surprendre le néophyte, mais l’âme éclairée, initiée à l’étrange musique si particulière des Shaggs saura comprendre de tels élans d’enthousiasme. Composé de trois sœurs, les Shaggs sont formés à l’instigation de leur père, Austin Wiggin, à qui sa mère, une diseuse de bonne aventure un peu foldingue avait prédit lorsqu’il était enfant que ses filles monteraient un groupe et deviendraient célèbres. Après que deux autres prédictions de la mère/voyante se sont réalisées (qu’il épouserait une blonde vénitienne et qu’il
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aurait deux fils qu’elle - la grand-mère - ne connaîtrait pas), Austin se met en tête de faire advenir la troisième vision de la vénérable ancêtre : transformer ses lycéennes de filles en Beatles. Bien que la musique n’ait jusqu’alors aucune place dans la vie de la famille Wiggin et que les trois sœurs ne semblent avoir aucune dispositions musicales, et encore moins d’aspirations à devenir rock stars, leur père, obstiné et autoritaire, s’acharne à faire répéter ses filles dans la cave de la maison familiale jusqu’à ce qu’il les juge assez bonnes - ! pour se produire sur scène et enregistrer un disque. Ces dernières, comme elles le diront plus tard dans une interview accordée à la BBC dans les années 2000, font du mieux qu’elles peuvent pour satisfaire l’irascible paternel, mais les pauvres gamines, faute de formation musicale, de culture musicale leur permettant de s’appuyer comme tout groupe depuis toujours - sur certaines références, et faute surtout d’un manager digne de ce nom qui aurait eu les compétences requises pour leur suggérer d’accorder leur guitares, leur recommander de chanter juste ou encore leur proposer de jouer en rythme, ne parviennent en rien à produire quoi que ce soit qui s’approche des tubes pop qui passent à la radio. Mais cela n’arrête pas le très déterminé Austin dans son projet. Il leur trouve un engagement pour jouer tous les samedis dans la salle municipale de Fremont, dans le New Hampshire, d’où la famille est originaire, puis en mars 1969, il les emmène aux studios Fleetwood, près de Boston, où il les fait enregistrer un album sans tenir compte des doutes émis par l’ingénieur du son qui, payé, capture néanmoins la musique des Shaggs pour la postérité.
Dorothy et Betty sont préposées aux guitares et au chant tandis qu’Helen, l’aînée de vingt-deux ans, s’évertue à jouer de la batterie. Les deux sœurs chantent souvent faux - toutes les parties de voix à l’unisson, sans aucunes harmonies, et leurs jeux de guitares, distincts l’un de l’autre, sont tous deux sacrément bizarroïdes : Dorothy suit à la note près la mélodie du chant sur une seule corde de sa guitare, tandis que Betty plaque sur la sienne, extrêmement désaccordée, d’étranges accords nerveux et dissonants. La meilleure - ou la pire - musicienne du groupe est toutefois Helen, qui martèle sur toute la durée de l’album un battement parfois régulier mais presque toujours décalé par rapport aux guitares, ce qui joue un rôle important dans le sentiment de malaise agréable, lorsqu’on parvient à s’y habituer - que l’on ressent en écoutant Philosophy Of The World. On ne peut s’empêcher de rire nerveusement quand la batteuse s’essaie à un roulement laborieux au terme duquel elle retombe invariablement à côté. Mais la particularité des Shaggs ne réside pas seulement dans le fait de mal jouer. D’autres s’y sont essayé, plus ou moins volontairement, des Godz aux musiciens de la No-Wave new-yorkaise de la fin de années 70, en passant par Captain Beefheart sur Trout Mask Replica. Non, si les sœurs Wiggin occupent une place à part dans le rock, c’est grâce à leur spontanéité désarmante, à cette innocence touchante qui leur a permis de créer cette musique ne ressemblant littéralement à rien d’entendu avant ou après. Malgré sa part de folie, Austin Wiggin décrit de manière très juste la musique de ses filles sur les notes de la pochette de l’album: « Les Shaggs sont vraies, pures, préservées des influences
extérieures. Leur musique est différente, elle appartient à elles seules. Elles y croient, elles la vivent... De toutes les formations actuelles, à travers le monde, peut-être que seules les Shaggs font ce que les autres aimeraient faire, c’est-à-dire de créer et d’interpréter seulement ce en quoi elles croient, ce qu’elles ressentent, pas ce que d’autres pensent que les Shaggs devraient ressentir. Les Shaggs vous aiment... Elles ne changeront pas leur musique ou leur style pour satisfaire les caprices d’un monde frustré. Vous devriez comprendre ça car vous savez qu’elles sont pures. Que demander de plus? Elles sont sœurs et [ont grandi dans] une atmosphère qui les a poussé à développer leur musique coupée des influences extérieures. Elles sont heureuses et aiment ce qu’elles font. Elles le font parce qu’elles aiment ça. » Sans doute n’étaient-elles pas si heureuses que ça au sein d’un groupe qu’elles n’ont jamais voulu et auquel elles ont mis fin à la mort de leur père, en 1975, mais la pureté enfantine bouleversante des Shaggs est certainement ce qui faisait dire à Zappa qu’elles étaient meilleures que les Beatles, et c’est ce pourquoi je les aime tant. Cavalan. A écouter : The Shaggs Philosophy Of The World 1969, The Godz Godz II 1967, Captain Beefheart Trout Mask Replica 1969, Teenage Jesus & The Jerks Teenage Jesus & The Jerks 1979, Young Marble Giants Colossal Youth 1980, Glenn Branca Lesson No. 1 1980.
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SKEUDS DU MOIS EAGULLS
BEAK> Il y a quelques mois de cela, Geoff Barrow dénonçait la ridicule rémunération que Spotify accorde aux artistes. Evidemment ce n’est pas avec son side project Beak> que le membre fondateur de Portishead pourrait espérer amasser une fortune. Beak> a sorti tout récemment A Couple In Hole, nom du film dont les anglais signent la bande originale. Lorsque l’on connaît un tant soit peu la musique du trio de Bristol, il est difficile d’imaginer autre chose qu’un film anxiogène et haletant. Couple In A Hole, c’est l’histoire d’un couple qui décide, après un drame personnel, de vivre au fond d’un trou, dans une forêt au beau milieu des Pyrénées. Ayant connaissance de ces quelques informations, il semble bien que le choix de Beak> ait été tout trouvé pour une histoire aussi tordue. Mais parmi les quatorze titres composant cet album, près de la moitié proviennent de leurs précédents albums. Spécialement composée pour le film? Beak> ne s’en tient pas à cette définition, et A Couple In A Hole devient plutôt un disque semi-original et semi-compilation. Les nouvelles compositions semblent plus être des fonds de tiroir que de nouveaux hymnes krautrock auxquels ils nous avaient tant habitués. Fins collectionneurs des skeuds du groupe, entre cette bande originale et nos autres disques, nous nous retrouvons avec des doublons et c’est maintenant nous qui avouns l’impression de nous être fait entourlouper. Merci Geoff. A Couple In Hole, Invada Records, 2016. P.A.
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Les cinq Anglais reviennent avec un nouvel album et ne reprennent pas les choses là où ils les avaient laissées. Dès le premier titre (« Heads or Tails ») force est de constater que les Eagulls se sont calmés, et bien calmés. L’éponyme premier album s’écoutait d’une traite et ne laissait que rarement retomber la tension qui le traversait. Sur Ullages en revanche le groupe tend plus vers la dream-pop que le post-punk et dévoile une nouvelle manière d’illustrer le mal-être et l’angoisse qui inspiraient déjà le premier album. Ce virage est à certains égards intéressant, il montre que le groupe sait faire autre chose que du post-punk énervé et certains des titres nouvelle facture sont excellents (« Skipping », « My Life in Remains »). Ces nouvelles chansons se permettent d’évoluer sur des espaces sonores plus conséquents et prennent plus le temps de se dévoiler, au lieu de tout balancer dès l’intro, et de ne ralentir qu’une fois le dernier coup de cymbale asséné. Cependant à d’autres égards l’album rate un peu son coup et souffre du même défaut que son prédécesseur, toutes les chansons sont très similaires. Mais ce premier album était presque trop rapide et trop énervé pour que l’on ait le temps de s’en rendre compte, ici il n’en est rien, et ces chansons plus longues et plus introspectives ont bien plus le temps de nous ennuyer. C’est un peu dommage, et l’on aurait apprécié qu’Eagulls livre une performance plus nuancée. Ullages, Partisan Records, 2016. J.L.
P O LAR POLAR POLAR POLAR La batterie se fait massacrer à chaque mesure, le claviériste est possédé, le bassiste impassible dans son groove et le guitariste forcené. Ils sont quatre, il y a quatre Polar dans leur nom, ils ont sorti quatre EP et leur album est sorti le 4/04. Ces types fomentent quelque chose, c’est sûr. En attendant leur mauvais coup, on ne peut que se réjouir de leur album, 32 août, explosif, plein de notes de clavier qui vous prennent aux tripes, de riffs psychés et frénétiques, le tout enrobé par les coups de massue que se prennent les cymbales. C’est à la fois inquiétant, violent, et assourdissant. La trentaine de personnes présentes le 14 mai à l’Alimentation Générale restait bouche bée, le groupe a bien tenté de sortir de leur torpeur l’auditoire assommé mais rien n’y a fait. L’album commence avec « Break Neck », très électronique et énergique qui donne envie de se taper la tête contre le mur. Puis viens « Vinaigre », plus rond et rythmé, avec son riff inquiétant. La face se clôture avec « Scalp », tout aussi glauque malgré le groove de la basse. Les deux premières compositions de la face B, « Bigre de bougre » et « Bougre de bigre » laissent les oreilles se reposer quelques instants avec des riffs stratosphériques avant de vous faire replonger en plein cauchemar dans un fracas de claviers stridents. Filez voir Polar^4, ça vous détendra. 32 août, Club de Smurf, 2016.
T W LV E Après quelques titres sortis sur les internets (« Advice » et « I Found Some Messed Up Clues On My Way Here ») et un titre sur la compilation New Noise in France (« Blue Pig »), Twlve sort son premier EP. Les chansons qui le composent poursuivent dans la veine des singles précédents, mais poussent plus loin l’opposition entre sonorités psychés et passages grunges plus violents, qu’on retrouvait dans les premières sorties. Les quatre titres de l’EP (« Brain Fountain », « Hole in Motion », « Green Wax, Black wave » et « Horror Show) » s’enchaînent assez naturellement et l’effort de construction est visible et appréciable. La progression, de l’intro assez douce de «Brain Fountain» jusqu’aux accords énervés de « Horror Show », fait écho aux progressions à l’intérieur des chansons elles-mêmes, qui alternent quasi systématiquement entre passages calmes et breaks plus énervés. Cette formule est très bien maîtrisée et constitue clairement la caractéristique majeure de leur style. Cependant il semble qu’ à trop systématiser cette formule, elle pourrait finir par quelque peu leur porter préjudice car les chansons nous apparaissent parfois presque trop réfléchies. Cela ne pose pas tellement de problèmes sur quatre titres mais pourrait finir par lasser. Cet EP est cependant un excellent début et de bon augure pour l’album qui devrait suivre. TWLVE EP, autoproduit, 2016. J.L.
F.R.
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Thee Oh Sees sort un nouvel album le 12 août et un premier titre « Plastic Plant » est en libre écoute. Pas de grande innovation mais de très bon augure. Notez aussi qu’est sorti début juin un double album des Oh Sees dans la série Live in San Francisco de Castle Face. Ils passeront au festival Lévitation d’Angers et à la Cigale en septembre. A Weird Exits et Live in San Francisco, Castle Face Records, 2016. Preoccupations, le nouveau nom de Viet Cong, sort un album éponyme le 16 septembre, dont un premier morceau, « Anxiety », post-punk à souhait, est déjà sur la toile. Le groupe se produira à Paris le 19 novembre au Trabendo dans le cadre de la soirée New Noise. Preoccupations, Jagjaguwar, 2016. Brian Jonestown Massacre, ou plutôt Anton Newcombe qui a (encore) viré tout le monde du groupe, sort un nouveau single. Après Musique de Film Imaginé et La Façon Dont La Machine Vers l’Arrière, le berlinois d’adoption continue la série des titres en français avec Bout Des Doigts. Anton continue sa collaboration avec Tess Parks qui avait donnée lieu à un album plutôt décevant il y a un an, mais le single est moins mou que l’album et s’inspire plus des compositions classiques des BJM, pour un résultat satisfaisant. Bout Des Doigts, A Recordings, 2016. Fock & Rolk n’a pas fait de couverture sur un artiste de moins de 60 ans depuis plus d’un an. Il faut en effet remonter à mai 2015 pour trouver une couverture sur Blur, qui ne sont certes pas des papys, mais tout de même pas de la dernière fraîcheur. Seul le numéro de janvier 2015, consacré à la « génération 2015 », baisse un peu la moyenne d’âge ente les Stones, Neil Young, AC/DC, Prince et autres Led Zep. Swans a sorti un album le 17 juin. The Glowing Man est sensé être le dernier album du groupe dans sa formation actuelle, Michael Gira ayant annoncé qu’il changerait de collaborateurs afin d’explorer un nouvel univers. Cet album sera suivi d’une grosse tournée à l’automne qui les mènera à Paris le 9 novembre. The Glowing Man, Young God Records, 2016. Girl Band sort le 8 juillet une version single de sa chanson « In Plastic » avec un live de « The Last Riddler » en face B. Une édition limitée à 500 exemplaires, tous différents. Le groupe entame également une tournée américaine, espérons qu’elle sera suivie d’un tour sur le vieux continent. In Plastic, Rough Trade, 2016. Poison Point, le one man-machine band lyonnais entre cold wave et synthpunk a sorti son premier LP, Motorpsychold, le 22 juin. En libre écoute sur l’Internet. Motorpsychold, Third Coming Records, 2016. Cosmonauts vient d’annoncer la sortie de son cinquième album, A-OK!, pour le 19 août mais pas de tournée pour l’instant. A-OK!, Burger Records, 2016. Le festival Lévitation tiendra sa quatrième édition française les 16 et 17 septembre à Angers alors que l’édition originale d’Austin a dû être annulée pour risque de tornade. Au menu : Thee Oh Sees, Yak, The Limiñianas, Silver Apples, La Femme, Zombie Zombie, Dead Meadow, Sonic Boom et j’en passe. Nick Cave and the Bad Seeds sort son seizième album studio le 9 septembre. Il sera aussi intégré dans le film One More Time With Feeling d’Andrew Dominik, qui sera projeté uniquement le 8 septembre dans 650 cinémas dans le monde. Skeleton Tree, Bad Seed Ltd, 2016.
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A V O I R A FA I R E
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The Cosmic Dead + Noyades 18 juillet Espace B – 10€ Tropical Horses + Polar Polar Polar Polar 22 juillet Supersonic – gratuit The Sheepdogs 26 juillet Le Batofar – 12€
Thee Oh Sees 14 septembre La Cigale – 26€
Strasbourg 28 juillet La Java – 5€
The Soft Moon 17 septembre Café de la Danse – 22€
Psychich Ills 17 août Point Ephémère – 5€
Thruston Moore 20 septembre La Gaîté lyrique – 22€
Godspeed you ! Black Emperor 17 août Le Trianon – 29€
Yak 4 octobre La Maroquinerie – 20€
Morgan Delt 19 août Point Ephémère –5€
GOAT 14 octobre Cabaret Sauvage – 28€
Die ! Die ! Die ! 1 septembre Olympic Café – 10€ Pete Astor + Bill Pritchard 3 septembre Peitit Bain – 15€
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Illustrations : Estelle