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DAY SIGN

NÚMERO3_DICIEMBRE2013_

MAGAZ NE

número 1er aniversario_agv estudio_Rknl furniture_De Stijl_ tmc Cancela_setanta_yamaha design lab_mvrdv_sikna_esturri_ www.

daysign.

es


sumario

número3 Diciembre2013 #diseño 2 6 10 12 16 20 24 26 29 32 36 42

Elastic Living by Clei Entrevista: Chus Valero TMC Cancela Entrevista: Setanta Entrevista: Aitor García de Vicuña_AGV estudio REDxJonathan Ive y Marc Newson Entrevista: Esturri Entrevista: Sikna 1er Aniversario Daysign: Un año de diseño De Stijl Entrevista: José A.González_Yamaha Design Lab Entrevista: Ronald Knol_RKNL Furniture

#arquitectura 46 48 50 55 56

El polémico estadio de Zaha Hadid Biblioteca de Birmingham Festival Mundial de Arquitectura 2013 Arquitectura “Verde” MVRDV

#tecnología 58 60 62 64 65 66 68 70

Y además...

e-Golf Bioplásticos Podoactiva Impresora solar 3D Mugenizer Wacom Cintiq 22HD y 24HD La Ferrari Google Glasses 2.0

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Recomendamos

fotografía de portada cortesía de RKNL y Eelco hofstra


editorial Alejandro Estévez

Director de Daysign Magazine

Queridos amigos lectores. Una vez más DAYSIGN Magazine espera que disfruten. Que se diviertan leyendo, que aprendan, que les entretenga, que nuestra y vuestra revista les haga pasar un buen rato. Siempre hay gente que se pregunta “¿qué es lo que sacan estos chicos de hacer esta revista?”. Cierto es que no vivimos de ello, pero la posibilidad que nos da este medio para hablar de aquello a lo que nos dedicamos y hacerlo llegar a miles de personas es de una manera u otra todo un privilegio. Siempre caemos en el tópico, pero en este año sólo podemos resumir la andadura de DaysignMagazine en gratitud y agradecimiento. Sin el apoyo recibido no hubiésemos podido seguir. Gracias al crecimiento en las redes sociales, a las visitas diarias, a los mails recibidos y a los profesionales del sector que apuestan por nosotros, nuestro trabajo se ve recompensado. El esfuerzo es grande, pero creemos que la recompensa es mayor. Pensar que un aficionado al diseño al otro lado del mundo nos lee y da una oportunidad a nuestro proyecto es algo increíble. Esto no sería posible sin los apoyos, sin los amigos, sin los patrocinadores, sin los entrevistados…Al final es con lo que nos quedamos: la experiencia, los amigos, lo aprendido. Gracias por dejarnos seguir creciendo. Para este número 3 no sólo hemos mejorado la maquetación y el diseño de la revista gracias al gran trabajo de nuestro responsable Damián Calvo, sino que contamos con unas entrevistas de auténtico lujo con algunos de los mejores profesionales del diseño nacional e internacional. Todo un paso adelante en la mejora de nuestro proyecto, que crece día a día gracias a nuestro blog www.daysign. es, a una mayor presencia en redes sociales, concursos, participación, eventos… Esperemos que les guste. Pasen, vean…y lean!

equipo alejandro estévez

damián calvo

giselle jonte

Director

Jefe de Maquetación y diseño

Redacción+ maquetación

@alex_el92

@Damian_JCalvo

@Gis_Jonte

elisa del Caño

Luis Villén

Carlos pena

María Ángeles Picó

Amaya López

Estefanía pabst

@pipocpic

@feretrom

@amayalopezrojas

@Carlocholine

@EstefaniaPabst1


#diseño

ELASTIC

LIVING BY

CLEI María Ángeles Picó Juan

@pipocpic

Clei, un estudio de mobiliario de raíces italianas y con sede en Brianza, surgió en el 62 con un fuerte impacto para la época. Desde sus inicios han orientado sus diseños en el campo de los muebles modulares y versátiles integrados tanto en el hogar como en oficinas.

Basado en que “el espacio nunca es suficiente”, predican que el espacio tiene que estar bien organizado y libre para poder disfrutarlo. Partiendo de esa idea, los espacios y los diseños, están orientados a combinarse mediante simples movimientos y cambios sin restricciones a soluciones que el mobiliario tradicional es incapaz de dar. Utilizar este tipo de mobiliario modular bien organizado permite responder a una necesidad tan fundamental como es el espacio, incrementándolo y adaptándose a las necesidades que en ese momento se necesiten. Muchos de sus diseños y productos tienen una tecnología patentada, fruto de un gran trabajo en el campo la investigación, creatividad, innovación y una gran ingeniería que son las directrices de su filosofía y estrategia competitiva. En la Semana de Diseño de Milan, la compañía Clei presentó un concepto revolucionario, en el que el espacio en una vivienda es el protagonista. Es un concepto modular aplicado al hogar, donde cada módulo contiene un área y una función. Diseñado por Angelo Roventa, este particular diseño consta de seis módulos en los que se le permite al usuario crear varias configuraciones diferentes de habitaciones dependiendo de cómo se abren las paredes. Con un solo movimiento el usuario es capaz de estar en un ambiente sin sacrificar espacio, permitiendo al usuario una amplia gama de combinaciones y por consiguiente poder cambiar la configuración de la casa tan a menudo como se sienta la necesidad de hacerlo.


Este sistema además de ofrecer la clara personalización según las necesidades de ese momento permite que un espacio pequeño, dónde la distribución y el tamaño de las habitaciones de la casa no sea del tamaño deseado, se resuelva: con un solo movimiento del módulo podemos tener desde una cocina, pasando por una habitación e incluso un baño de un tamaño considerable, ordenado y sin distribuciones tan complicadas que a menudo se dan en las viviendas. Con esto Elastic Living nos demuestra que podemos expandir los límites del espacio de una casa a un nuevo nivel, donde ganar espacio extra y la posibilidad de personalización del producto es un lujo que con ingenio, creatividad, un buen diseño y un buen equipo esta marca se enorgullece de su propuesta: crear más espacio y luego multiplicarlo con la integración de sus muebles modulares, capaces de integrarse y cambiar dependiendo de necesidades; por lo que ha logrado su propósito con esta nueva apuesta, que aunque aún es un concepto la idea sin duda no deja a nadie indiferente.


#diseño_entrevista

chus valero Alejandro Estévez Landeira @alex_el92

Hemos estado con Chus Valero, la ilustradora valenciana fundadora de “ChusIlustraciones” (www.ilustracion-design.com) y nos ha contado su experiencia con la ilustración y el diseño gráfico.

Cuéntanos un poco sobre tu trayectoria profesional, ¿Cómo has llegado hasta el diseño y has decidido dedicarte a ello? Soy licenciada en Comunicación Audiovisual, allí, en la facultad, me acerqué por primera vez a Photoshop; luego cuando saqué el Certificado de Aptitud Pedagógica (CAP), Photoshop y yo volvimos a encontrarnos en un centro de educación secundaria, y creo que fue ahí donde nació una bonita historia de amor, que con el tiempo he ido fortaleciendo, Illustrator, Dreamweaver…

¿Por qué ilustración? ¿Era un hobby desde niña o lo has ido descubriendo? Siempre ha estado ahí, recuerdo con mucho cariño las clases de dibujo del colegio, creo que me han servido más de lo que entonces podía esperar. Es un mundo que seguiré explorando, me relaja, me entusiasma, y me viene un poco de familia, tengo dos tíos que son dos grandes pintores, quiero pensar que se me haya podido pegar algo de ellos.


El mundo de la ilustración es un poco ambiguo, hay muchos estilos y todos son buenos. ¿Qué nos puedes decir de tu estilo personal? Sí, algunos dicen que tengo un estilo personal, pero yo no sé qué decir de él, ni cómo describirlo, la verdad es que no intento hacer nada especial, lo que veis es lo que me sale, pero estoy encantada de que se vea ese “algo” que me caracterice. ¿Crees que es importante el toque personal/artístico propio del ilustrador o es mejor basarse en un patrón ya conocido? Imagino que sin ser muy consciente de ello recibes influencias de aquello que ves, que te impacta, que te gusta… o que es tendencia, pero el toque personal siempre está ahí, y de éste tampoco se es muy consciente, yo al menos no lo soy; y me he sorprendido cuando me han hablado de ese estilo propio que se aprecia en mis trabajos, pregunté ¿sí? ¿tú ves un estilo propio? Y me hizo muy feliz la respuesta: “creo que entre varias ilustraciones yo sabría decir cuáles son las tuyas” Abarcas varias áreas de diseño: camisetas, logotipos, imagen corporativa, eventos… ¿siempre planteas igual tus proyectos? ¿tu proceso creativo es metódico o dependiendo del proyecto lo varías? Depende del proyecto; en el proceso creativo de imagen corporativa y publicidad se requiere un estudio exhaustivo del mensaje a trasmitir, de los valores a potenciar, debe haber una comunicación con el cliente…eso es diseño y conlleva un proceso en el que no son pocos los aspectos que hay que tener en consideración. La ilustración, sino es un encargo, no va dirigida a nadie en especial, es decir si no hay cliente, pues es algo más espontáneo, visceral, y no se atiene a nada, surge, como algo que se libera dentro de uno mismo… eso ya no es algo que encaje tanto en el concepto de diseño, es algo más artístico. Así nacen las camisetas de pájaros y mariposas, de una

forma salvaje, natural, sin ningún tipo de preparación previa, dejando fluir libremente la imaginación. El paso del papel a lo digital, como diseñadora gráfica: ¿es difícil? ¿te acota la libertad creativa o la aumenta? ¿crees que es un paso fundamental, o alguien que sea bueno dibujando le basta para ser un buen diseñador de, por ejemplo, identidad corporativa? El paso por el papel es absolutamente necesario (pregúntales a mis alumnos de diseño gráfico, te dirán que soy muy pesada en ese aspecto) Me refiero a que siempre hay que trabajar un poco las ideas en el papel antes de ponernos al ordenador. No se trata de dibujar bien, el diseñador gráfico no tiene que ser un experto dibujante, pero ha de saber esquematizar, conceptualizar la realidad y transmitir un concepto claro con la menor cantidad de trazos posible.

El diseñador ha de saber esquematizar, conceptualizar la realidad y transmitir un concepto claro con la menor cantidad de trazos posible.


Lo mismo pasa con la ilustración, esta puede ser esquemática y audaz. El ser un buen dibujante no te asegura ser un buen diseñador. Son dos cosas distintas, pero sí van de la mano, se apoyan mutuamente. El diseñador puede mejorar su capacidad de representación (aprender a dibujar mejor) y el artista puede aprender a comunicar con el lenguaje del diseño gráfico, que tiene su propia gramática, y a veces por qué no, también puede ser un poco poético. Dentro de las áreas en las que diseñas. ¿Cuál te resulta más compleja? Cada una tiene su punto. Cualquier trabajo que realizas para un cliente ya sea en identidad corporativa o publicidad, es complicado, pero cuando finaliza el proceso sabes que le ha gustado, que cumple con sus expectativas y aunque algunos te lo expresen de forma más efusiva que otros, sabes que lo has hecho bien. Cuando diseño una camiseta de las mías por ejemplo, no estoy sujeta a unas pautas concretas, pero tampoco obtengo un visto bueno final que me asegure que he hecho un buen trabajo, eso sí, gracias a las redes sociales hay un feedback maravilloso que me anima constantemente a continuar viviendo por y para el diseño. En tu web podemos ver que has participado en concursos (Choosa) pero también te gustaría que se fabricasen los diseños de tus camisetas. ¿Cuáles son tus objetivos actuales? ¿Seguirás haciendo un poco de todo o esperas centrarte en un solo área de diseño? Seguiré haciendo un poco de todo, lo que surja, me apasionan los concursos, medirte en duelo con diseñadores de todo el mundo, con quienes he acabado haciendo buena amistad. Quiero seguir en el mundo de la docencia del diseño gráfico, lo adoro, mis alumnos… me acuerdo de todos, y son un montón! Al final muchos se acaban convirtiendo en amigos, siempre me apoyan y saben que estoy ahí para lo que necesiten.

Algo que si me gustaría es comercializar las camisetas, pues no son pocas las personas que me han preguntado por eso a través de Facebook, “¿dónde se compran, están a la venta?” Pues espero que pronto lo estén, quizá esta sea una buena oportunidad para hacer un llamamiento a quien le interese comercializar estas creaciones.

El ser un buen dibujante no te asegura ser un buen diseñador. Son dos cosas distintas, pero sí van de la mano y se apoyan mutuamente. El diseñador puede mejorar su capacidad de representación y aprender a comunicar con el lenguaje del diseño gráfico.


#diseño

tmc cancela

¿QUIÉN DIJO QUE LA MáQUINA NO TRANSMITE PASIÓN?

Eso es lo que se preguntaron hace 10 años en la empresa de fabricación de maquinaria agrícola y forestal TMC CANCELA Mulching Solutions. Nacida en el año 1971 en Tordoia (A Coruña) como una fábrica a nivel local y regional, ha desplegado durante estos últimos años todo su arsenal tecnológico para convertirse en una firma de prestigio referente a nivel internacional y en el fabricante nº1 a nivel nacional. Para alcanzar sus objetivos, esta empresa ha partido de unas premisas muy claras, con una filosofía empresarial implantada desde el principio de sus tiempos. Alejandro Estévez Landeira

@alex_el92

Son sin duda, un caso de éxito donde sería bueno verse reflejado. Su apuesta por el diseño industrial como punto de partida para crear productos diferenciados hace de ésta una empresa diferente que con grandes soluciones técnicas y maquinaria eficiente transmite a los usuarios y clientes un valor añadido. Su línea de diseño hace reconocibles sus productos en cualquier lugar del mundo, marcando un antes y un después en el diseño en la maquinaria agrícola y forestal. Adoptando el desarrollo de la industria de la automoción, su inversión en tecnología puntera se ha visto devuelta en éxito. Así han incorporado herramientas como las que usan Mercedes Benz, Ducati o RedBull F1 Team: programas CAD/CAM o de gestión de ciclo de vida de producto como Siemens NX y Teamcenter PLM. La importancia del diseño en esta empresa va más allá de sus productos: su imagen de marca se ha renovado y han dotado una identificación total de ésta con la filosofía de empresa haciendo ver la integración del buen hacer de sus departamentos de marketing y comercial. Su producto se define como un producto de alta gama y por tanto alta calidad, que no escatima en recursos. Investigan y utilizan nuevos materiales y aleaciones para cada aplicación dependiendo de las solicitaciones a las que se verá sometido el modelo, siempre con un alto factor de seguridad.


La clave de la integración y el buen desempeño de TMC Cancela reside en su equipo de trabajo, un equipo equilibrado que combina experiencia y juventud, involucrado, identificado y comprometido con los objetivos y filosofía de la empresa, contando con las aportaciones de cada uno de los departamentos de desarrollo. Todo ello les ha llevado a obtener resultados positivos. TMC Cancela cuenta con más de 50 trabajadores en su fábrica y con un departamento técnico formado por 6 personas entre los que encontramos ingenieros mecánicos, delineantes y diseñadores industriales. Sus productos se venden en Europa, Norteamérica (EE.UU y Canadá), Sudamérica, Australia y varios países africanos y asiáticos. Han sido galardonados en numerosos certámenes y expuestos en diferentes ferias de muestras internacionales tales como Agritechnica (Hannover), Bauma (Munich), Eima (Bolonia), Elmia (Suecia), WorldAG Expo (California)... Sin duda, un gran ejemplo de que la apuesta por el diseño y el buen desarrollo de una filosofía de empresa íntegra y correcta: “La maquinaria puede ser atractiva y transmitir verdadera pasión”, lleva al éxito.


#diseño_entrevista

setanta

Si ya habíamos hablado en nuestra web del estudio barcelonés Setanta y de su trabajo en el mundo editorial, con motivo de nuestra publicación en papel hemos conseguido estar con ellos y hablar un poco de su trabajo y de cómo afrontan los diferentes (y diversos proyectos) que llegan a su estudio. Eric Coll y Sergio Ibáñez, excompañeros del centro universitario de diseño Bau se unieron en 2007 para crear Setanta, un estudio que trabajo el diseño gráfico en sus diferentes expresiones pero con especial énfasis en el diseño editorial, la imagen corporativa y el diseño web.

Luis Villén Jaldón @Feretrom

Contadnos un poco vuestra trayectoria, ¿Cómo habéis llegado hasta aquí? (Eric) Cursé los estudios de diseño gráfico en la escuela Bau de Barcelona (1994-1997) Inicié mi trayectoria profesional en el sector editorial trabajando para la revista AB que diseñaba Sergio (mi actual socio), diseñando un hermanito pequeño que se llamó “Micro”. De ahí pasé a trabajar para el grupo Hachette Filipatchi, diseñando para revistas como Queleer o Fotogramas (1998-2000). Posteriormente pasé a formar parte del equipo de diseño de Outumuro Estudio (20002006), desarrollando labores de diseño y dirección de arte para marcas del sector de la moda; Puig, Amaya Arzuaga, Rosa Clarà, Vasari, Puig Doria… En 2005 tuve la oportu-


¿Cuál es vuestra metodología de trabajo? ¿Cómo afrontáis vuestros proyectos? Independientemente del tipo de encargo que recibimos, la comunicación con el cliente para la definición del producto es vital, necesaria para afrontar y resolver la imagen que se quiere proyectar. Una vez tenemos claras estas premisas buscamos la que, a nuestro entender, es la mejor y más eficaz solución en cuanto a dirección de arte, gráfica, producción etcétera. Al ser un estudio pequeño, acostumbramos a repartirnos los proyectos aunque siempre consensuamos en equipo la evolución de cada uno de ellos. Hay proyectos que requieren de colaboraciones externas en cuanto a fotografía, ilustración, programación etc... Encontrar los colaboradores adecuados es algo que nos gusta. Trabajar en equipo, debatir sobre la mejor opción. En cuanto a la resolución gráfica de cada proyecto acostumbra a ser algo mas particular de cada uno de nosotros. ¿Qué importancia tiene lo analógico en vuestro día a día como diseñadores, bocetáis o trabajáis directamente desde el ordenador? Depende del tipo de proyecto, evidentemente hay partes del proceso, sobretodo en su parte inicial donde el ordenador no es necesario, si estamos hablando de imagen corporativa, en la creación de un logo etc... efectivamente bocetamos, ver que pasa de un modo más inmediato. Con las primeras ideas es mucho más ágil el lápiz que el ordenador. En el campo editorial, en el proceso de dirección de arte; escoger fotos o ilustraciones, combinarlas entre ellas, dar ritmo a una secuencia, añadir color etc... es un trabajo en la que el ordenador no es necesario. Por el contrario, somos un estudio donde el ordenador es una herramienta básica para la resolución de la mayoría de nuestros proyectos. ¿En cubiertas de libros preferís ilustración o fotografía? ¿Cuál creéis que es mejor? No nos decantamos por ninguna de las dos, depende. Nos encanta la ilustración y también la fotografía, cada proyecto requiere de

un lenguaje propio. Obviamente como uno de nuestros proyectos más visibles es la colección de Blackie Books, pudiera parecer que nos decantamos por la ilustración pero no es así, no hay preferencias. ¿En qué trabajos creéis tiene más importancia el cliente y en cuáles el usuario? (diseño web, diseño editorial, cartelería, creación de imagen corporativa...) Dependiendo del producto. El usuario, siempre, independientemente del formato o soporte que sea, es de importancia capital a la hora de definir entre cliente y estudio un producto destinado a la venta comercial. Es cuando el producto no esta destinado a un fin comercial, cuando el cliente o el estudio pueden desarrollar una imagen más personal. Siempre acaba siendo una cuestión de prioridades, pero normalmente el cliente tiene muy claro y muy en cuenta el tipo de usuario al que va dirigido su producto para la conceptualización del diseño.


Hablando de tipologías de diseño, ¿En cuál os sentís más cómodos o cuál disfrutáis más trabajando? El estudio básicamente trabaja en dirección de arte, diseño gráfico y producción. Ya sea en diseño editorial, corporativo, web etc... De todos modos el diseño editorial esta muy presente en el portfolio del estudio. ¡Supongo que será porque nos encanta diseñar libros! ¿Qué importancia creéis que tiene el diseño editorial en el mundo del libro? Básico. Teniendo en cuenta la situación actual del sector, cada vez más. Cualquier editorial que se quiera posicionar en el mercado deberá plantear bien una estrategia de imagen de marca. La imagen que proyecta cualquier colección, libro gráfico o revista en el mercado es crucial. El modo en que percibe un posible lector o consumidor un producto nuevo en la librería o quiosco es el primer paso para que éste tenga éxito. ¿Cuál es el proyecto más difícil que habéis hecho? ¿Y el más satisfactorio? No sabríamos definir el proyecto que nos ha resultado más difícil. Normalmente los que requieren de un desarrollo más lento son en los que las decisiones son tomadas por un número mayor de gente involucrada en el proceso. Cualquier encargo por parte de una multinacional, por ejemplo. Aunque “difícil” tampoco seria la definición adecuada, más bien labo-

rioso, a pesar de que también hemos disfrutado haciéndolo. Lo bueno de esta profesión es que es muy gratificante, normalmente los proyectos que sufren de un desarrollo mas lento acaban dándote más satisfacciones al final por lo cual la primera pregunta está íntimamente relacionada con la segunda. Por otro lado, y por citar algunos trabajos de los que estamos más orgullosos; la colección Blackie Books, la revista “Candy” editada por Luis Venegas, el Press dossier del perfume “Eau” de Carolina Herrera para Puig, la imagen corporativa para Arco, Feria Internacional de Arte de Madrid, el libro “Joan Brossa, Carrer de Joan Ponç” de la editorial Edicions Poncianes, La colección de booklets “Perplexitat” para la Fundació Joan Miró o la última colección “Turner Kitab” para la editorial Turner. (adjuntamos imagenes de algunos de estos trabajos) ¿Cómo surgió la colaboración con Blackie Books? Conocimos a su editor diseñando portadas para su grupo de música (Mendetz). Supongo que por aquella época ya tenía en mente poner en funcionamiento la editorial. Contó con nosotros para su arranque, no fue un proceso rápido, tardamos en estudiar todas las posibilidades en cuanto a formato, materiales, posicionamiento, pero la respuesta ha sido positiva, es lo más gratificante.


¿Seguís el trabajo de algún otro diseñador? ¿Y cuando comenzasteis, teníais alguna referencia? En la escuela, a mediados de los 90, hubo una efervescencia en cuanto a diseño editorial que nos fascinaba, las revistas The Face, I-D, Ray Gun y Blah Blah (con el delirio grunge de David Carson…), Emigre, etc... Si, obviamente nos gusta estar atentos a lo que se hace. Tenemos nuestros diseñadores fetiches de siempre como por ejemplo las trayectorias de Paul Rand, Saul Bass, Milton Graser, Quentin Fiore, Peter Seville... y luego diseñadores más cercanos a nuestra generación como David Pearson, su trabajo para Penguin nos fascina, Tony Brook para el estudio Spin o el trabajo editorial de Filiep Tacq. También nos gusta el trabajo de muchos estudios de aquí como; LoSiento, Folch Studio o Ritxi Ostáriz...


#diseño_entrevista

Aitor García de Vicuña Alejandro Estévez Landeira @alex_el92

Hemos estado con Aitor, el diseñador fundador de AGVestudio que en plena madurez profesional nos ofrece su punto de vista del diseño. Cuéntanos un poco sobre ti, ¿cuál es tu trayectoria profesional? ¿Cómo comenzó AGV estudio? AGVestudio es el fruto de una inquietud, de un objetivo personal y profesional. Es un proyecto , en el que se mezclan , pasión , ilusión, creación…bueno , podría estar hasta mañana , pero podemos resumirlo , diciendo que es una herramienta que da sentido a la frase ; “¡me encanta mi trabajo!”. La presentación en sociedad, fue en el año 2003, pero siempre lo he tenido claro, necesitaba, no solo una formación académica sino muchísima experiencia profesional , antes de rodar en solitario. Por eso, después de estudiar, estuve 8 años trabajando en diferentes departamentos y empresas, relacionados con

el mundo del diseño industrial y el desarrollo de producto, en todas sus vertientes. Formé parte de equipos de diseño externos, en equipos de I+D, y producción, incluso diseñando productos desde dentro de las propias empresas. Fue una experiencia necesaria y enriquecedora. Todo este proceso previo, de maduración, sale a la luz con el tiempo. Estos últimos años, estamos teniendo la enorme satisfacción de que colecciones y piezas que hemos diseñado nosotros, forman parte de edificios tan emblemáticos como el Centro Tecnológico Amore Pacific, en Corea del Sur, o el nuevo Museo de Arte Moderno de Tel-Aviv, el equipamiento de la Sede Europea de Samsung, en París o la nueva biblioteca del Archivo Nacional, aquí en España, entre otros. ¿Cómo te definirías como diseñador? Como diseñador me gustaría cumplir sólo un objetivo muy simple, “ser diseñador de productos creativos, pero honestos”. Desarrollar


un diseño honesto, con el consumidor, con la empresa que los produce, con la sociedad y por qué no, conmigo mismo. Y ¿cómo definirías tus diseños? ¿en qué te centras más: usuario, cliente, entorno? Cada proyecto es diferente. Hay unos que nacen para ser provocativos, transgresores, protagonistas…sin embargo hay otros que desde un inicio sabemos que deben ser equilibrados, elegantes, atemporales… La estrategia de marketing , el alma de cada empresa , la trazabilidad de los productos ( conceptualización ,inversión necesaria , fabricación , comunicación distribución...etc ) , la utilización por parte del cliente , la convivencia y la interactuación de su vida con cada producto, su impacto medioambiental . Hay una serie muy amplia de factores, sobre los que hay que reflexionar previamente. Una vez hecho estos análisis , queda lo más bonito ; imaginación , creatividad , provocación , sorpresa , proporción , alma , emoción , materia , luz, experimentación , armonía , búsqueda incansable de la mejor solución! Por tanto, ¿cómo definirías la filosofía de AGV estudio? Búsqueda constante de honestidad, profesionalidad y pasión. “El diseño debe emocionar”, una frase tuya que nos ha llamado la atención, ¿Podrías explicárnosla? Cuando cada uno de nosotros mismos, como consumidores, tomamos la decisión de adquirir un producto, se produce en nuestra mente un conflicto instantáneo entre lo racional, lo funcional, lo razonable y por otro lado lo pasional, lo emocional, lo intangible…y todo esto, se resuelve normalmente en segundo y medio. Habitualmente puede más el alma, frente al cerebro. Somos humanos, tenemos sentimientos, sentimos, soñamos, percibimos texturas y colores, nos emocionamos… un producto que tenga estos valores en sí mismo, triunfará y producirá felicidad en las personas. ¿¡Que reflexión más chula, eh!? Nuestra obligación, como profesionales de la creación, es intentar que esto se cumpla en

Mi obejtivo como diseñador es crear un producto honesto con el consumidor, con la empresa que los produce, con la sociedad y por qué no, conmigo mismo.

todos nuestros diseños. No es nada fácil, pero es el objetivo final. ¿Hay algún diseñador industrial que haya influido en tu forma de ver el diseño? Siempre recibes influencias de otros diseñadores, es inevitable. Además me parece poco inteligente no hacerlo. Siempre hay profesionales que marcan estilos, tendencias, incluso épocas. Es una obligación profesional, estudiarlos y comprenderlos. Podría citar a Konstantin Grcic, por su atrevimiento. Piero Lisoni, por su elegancia o el matrimonio Eames, por entender el diseño en relación con la industria y la sociedad…esta lista es interminable.


¿Cuál es el proceso creativo habitual en uno de tus proyectos? Si previamente , el estudio de mercado , el análisis conceptual , los briefings adecuados …están bien hechos , la mente busca inconscientemente , momentos de calma , de sosiego , momentos que no tienen relación con reuniones , teléfonos móviles o relojes . Puede ser en un avión, conduciendo, pero el denominador común, siempre es la paz y tranquilidad. Que de verdad existen, ¡creedme! <risas>. Yo me suelo empapar de mucha arquitectura, escultura ,moda , de artes que en teoría ,no tienen relación con el diseño industrial , pero en la búsqueda de la belleza, como objetivo abstracto. Siempre favorecen los caminos creativos. La otra vertiente de belleza , sin duda ,es la naturaleza. Tengo la suerte de vivir en un pueblito medieval , rodeado de montañas bosques, campos .No tengo más que abrir los ojos y “observar”. ¿Cuánta importancia le das a la relación diseñador-objeto durante el proceso creativo? ¿Podrías explicarnos con algún ejemplo tu vinculación o implicación con alguno de los objetos que has diseñado? Durante el proceso creativo, la relación con cada proyecto u objeto, es intensísima, te obsesiona, te atormenta, te enamora, te hace sufrir …Pero siempre es apasionante. Cuando este proceso acaba y el objeto , es presentado en sociedad y entra en el mercado , se acaba diluyendo en el tiempo . Otros nuevos proyectos ocupan tu mente, otros “ amores “ lo sustituyen …pero de repente, una mañana, paseando, disfrutando de una mañana increíble, viendo el mar en un país lejano …mi hija de 7 años , reconoce uno de mis trabajos y me dice : “ papá , ese mueble lo dibujaste tú , verdad?” y os lo aseguro!.. En ese instante ,todo cobra sentido. Te emocionas. Todo tu trabajo se ve recompensado. Que suerte tenemos, al haber conseguido hacer de una pasión , nuestra profesión.

A menudo, empaparse de otros campos que no tienen relación con el diseño industrial , pero que también persiguen la belleza como objetivo, favorece la creatividad.

¿Cómo valoras la importancia del usuario ? Sería precioso poder resumir nuestra profesión , como “ el diseño , es un trabajo de personas , pensado para personas” ¿Dónde encuentras la inspiración en las fases de conceptualización? En el análisis, el conocimiento de los mercados , en pasar muchas horas investigando en la red, leyendo publicaciones profesionales. Viajando. Estando en las ferias internacionales, en el conocimiento pleno de las empresas para las que trabajas, tanto a nivel industrial y productivo como de su grupo humano. Necesitamos grandes dosis de reflexión, y sentido común.


¿Cómo ves la situación del diseño industrial en nuestro país? La respuesta, supongo que estos años, es muy típica, pero hemos tenido que internacionalizar nuestro trabajo. Nosotros por ejemplo, estamos trabajando el 80%, fuera de España. Ahora estamos muy centrados en Centroamérica y en empresas europeas. Lo que es un hecho indiscutible es que el sector creativo español, tiene reconocimiento internacional. Cómo anécdota podemos decir, que el año pasado recibimos en la Feria internacional del mueble de China, en Shanghai, el primer premio con los, AWARD FOR CHILDREN´S FURNITURE 2012, a una colección de mobiliario para escolar o la colección de mobiliario de oficina Mahia, producida por la empresa portuguesa Famo, fue nominada a los premios alemanes German Design Award 2012. ¿Qué consejo le darías a un joven diseñador industrial? ¡Que amen esta profesión! ¡Que la disfruten! ¡Que sean valientes y constantes! Todo el esfuerzo que le dediquen a este trabajo, será devuelto , con creces ,en forma de satisfacciones , personales y profesionales. No he encontrado ningún creativo que viva de esto que no esté enamorado de su trabajo. ¿Que suerte, no? ¿Cuáles son tus objetivos para los próximos años? Seguir disfrutando...

Con la crisis hemos tenido que internacionalizar nuestro trabajo, sólo para descubrir que el diseño español tiene una gran aceptación y reconocimiento.


#diseño

( ) + ( ) tm

RED X

NEWSON IVE

Jonathan Ive y Marc Newson, una pareja de diseño caritativo. Alejandro Estévez Landeira

@alex_el92

Dos personajes que no necesitan presentación dentro del mundo del diseño industrial han hecho varios productos juntos que no dejan indiferente a nadie y que se subastarán para recaudar fondos caritativos. Sin duda un gesto que los honra, comandados por Bono (el famoso vocalista del grupo U2) Ive y Newson han desarrollado varios productos para RED, la subasta benéfica que se celebrará el próximo 23 de Noviembre en Sotheby, una casa de subastas en Nueva York, el 23 y la recaudación se destinará a ayudar a combatir la malaria, la tuberculosis y el SIDA.


Dos de los grandes diseñadores industriales

lentes de primer nivel de precisión y los principios

del momento Jonathan Ive (diseñador de iPod o

de diseño que elevan la función y la forma” dijo

iPhone) y Marc Newson (considerado el diseña-

Ive. El que puje más alto se llevará una pieza úni-

dor más influyente de su generación) han reali-

ca con más de mil piezas y 725 horas de proceso

zado una “alianza”, donde una vez más, parece

de fabricación: “la cima absoluta de la artesanía”

que los buenos en algo están destinados a en-

según Newson.

tenderse. Si nos paramos a pensar, proyectualmente hablando y analizando algunas de sus diseños por separado, los dos tienen varias cosas en común: el minimalismo es algo de lo que Jonathan Ive se puede decir que “vive” pero aunque este pierde cierta importancia, no se pierde en las propuestas que hace Newson. De la misma manera, los colores neutros y el uso de grises (aluminio) lo ha usado también reiteradas veces Ive en sus diseños, lo que ha hecho que éste haya evolucionado desde el aluminio de los Mac hasta el aluminio oscuro (casi negro) de los iPhone. Estos dos gurús del diseño han desarrollado productos en diferentes ámbitos, donde la versatilidad proyectual de cualquiera de los dos ha quedado más que justificada. Ahora en una simbiosis se han unido para demostrar lo que pueden hacer dos cabezas iluminadas en vez de una sóla dentro del ámbito del diseño industrial, echemos un vistazo a alguno de los productos que se subastarán:

THE DESK Una mesa en aluminio cubierta con 185 células interconectadas. Hecha de una sola pieza, esta mesa es una viva imagen de las principales características de estos diseñadores: minimalismo y uso de aluminio. La mesa está grabada citando “Diseñado por Jony Ive y Marc Newson de (RED) 2013”

LEICA CAMERA Basándose en la clásica cámara de la marca alemana Leica, Ive y Newson proponen perforar la carcasa superior colocando ahí los controles de la cámara a ras de la superficie. “Leica representa la confluencia de la ingeniería, la tecnología de

Piano Steinway & Sons La pareja ha personalizado una clásica pieza dentro de los pianos de cola, aportando un toque de color.

( ) ( ) ( )


( ( ( ( )( Ear Drops GOLD

No podía faltar Apple cuando hablamos de Jonathan Ive. Unos Ear Drops de lujo, realizados en oro se subastarán también en NY.

Mac Pro: pero Ive y Newson no se han quedado ahí y han desarrollado un Mac Pro con una nueva

sección casi cilíndrica y un acabado en rojo brillante exterior nunca antes visto.

Champán Dom Pérignon

Por si no quedase claro su excelencia en la reso-

lución de cualquier tipo de proyecto el packaging no podía quedar atrás. Cambiando la imagen

corporativa del reconocido champagne dándole un aire moderno y pulido, este diseño se convierte en una pieza única de coleccionista.

Mac Pro

Pero Ive y Newson no se han quedado ahí y han

desarrollado un Mac Pro con una nueva sección casi cilíndrica y un acabado en rojo brillante exterior nunca antes visto.

En la subasta habrá unos 40 productos, donde podremos encontrar rediseños de Dieter Rams,

un Range Rover o sobre productos de Braun. Para bolsillos sin fondo y caritativos es una opor-

tunidad única para hacerse con objetos únicos realizados por una pareja de diseñadores única.

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) ) ) )


#diseño_entrevista

Damián Calvo @Damian_JCalvo

Esturri

Hemos visitado a José Antonio Surribas en su tienda Esturri, toda una institución en A Coruña que este año cumple 25, años para que comparta con nostros la experiencia de toda una vida dedicada a acercar el diseño al público gallego. Llevas toda una vida en el mundo del mobiliario pero ¿cómo fueron tus orígenes? ¿Cómo acabaste en esto? Pues la verdad es que me viene de herencia: Mi padre era de la profesión, tenía un taller de fabricación de muebles en Orense, donde floreció la ebanistería en Galicia, y en general casi toda mi familia estaba relacionada con la artesanía. Me crie en un taller con ebanistas, tallistas… y ahí desarrollé el amor por la madera, su olor su tacto y su versatilidad. Como tenía pasión, curiosidad, mucha inquietud y por encima me encantaba darle al lápiz, enseguida me metí en varios cursos y realicé varios viajes a capitales del diseño como Paris, Copenhague o Milán que me permitieron conocer nuevas tendencias tanto en diseño

de mobiliario como en diseño gráfico o de producto. Paralelamente iba haciendo mis pinitos en varios talleres en A Coruña, donde estaba estudiando en Escuela de Interiorismo y Decoración, la antigua Escuela de Artes y Oficios. Llegados a este punto, yo sabía que no quería seguir la línea estética que se estilaba en aquel momento, que era el mueble clásico de castaño, y quería poder diseñar (o rediseñar) y fabricar mis propios muebles de acuerdo a las que se llevaban en Europa, por lo que acabé por abrir en el 1980 una tienda de decoración en A Coruña, en la calle Juan Flórez llamada Surribas, ya vendiendo yo mis propios diseños. ¿Cómo resultó esa primera salida al mercado como diseñador de mobiliario? La verdad es que fue una propuesta demasiado arriesgada para la mentalidad del momento. Hay que tener en cuenta que España estaba a la cola en cuento a diseño de mobiliario, y aun era muy tradicional, especialmente en Galicia, así que esas propuestas tan modernas


y rompedoras descolocaban a la gente. Tanto es así que acabaron por conocerme como “el de las lámparas raras” el “de los muebles del año 2000” <risas>. Fue un camino difícil, pero es mi pasión y estoy contento de haberlo seguido.

estilo moderno, además de ser el artífice de que el diseño danés saltase el charco hasta los EEUU donde empresas como Herman Miller o Knoll y diseñadores como los Eames lo tomaron como punto de partida para diseñar el “american way of life”.

¿Y como nació Esturri?

Ya que mencionas a Herman Miller y los Eames ,y tras 25 años de trabajar con sus productos ¿Qué opinión tienes del sistema de licencias que los protegen?

El proyecto de Esturi (nombre surgido de “Estudio Surribas”) nació con la idea de hacer llegar al público de A Coruña los productos de diseño más modernos e icónicos que yo había ido descubriendo al estar muy pendiente del panorama europeo; aunque también comercializamos muebles de elaboración propia. Pero si Surribas era un proyecto arriesgado, Esturri lo fue más, ya que no había apenas tiendas de ese tipo en España. Sinceramente dudo que llegásemos a un par de ellas por comunidad autónoma. Como se suele decir “el que va de primero se lleva las bofetadas” pero acabamos de cumplir 25 años y el balance es muy positivo. Crees que en la actualidad hay algún país que lidere el mercado de mueble? El líder indiscutible desde los años 50 es sin duda Dinamarca; de hecho cuando se habla del auténtico “diseño escandinavo”, término acuñado en la Bienal de Venecia del 1952 al presentar los daneses un mueble de calidad superior y con la simplicidad de la estética japonesa tradicional, siempre se están refiriendo al diseño danés, a pesar de que los suecos cuentan con IKEA, una solución barata y resultona en “kits” pero que no puede competir con el verdadero mueble danés. Aun así creo que en España de momento el gusto tiende más al mobiliario italiano, que recrea unos valores estéticos más cercanos a los nuestros. Después de toda una vida dedicada al diseño ¿tienes alguna pieza de mobiliario o diseñador favorito? Sería difícil escoger un objeto en concreto, pero si hablamos de diseñador me quedo sin duda con el danés Finn Juhl todo un maestro que supo combinar el diseño artesanal con el

Una auténtica vergüenza. En Europa el dominio sobre los diseños de Charles y Ray Eames, George Nelson,Verner Panton y un largo etcétera lo tiene Vitra y lo que han conseguido es que apareciera un mercado paralelo de copias de gran calidad a mitad de precio donde la diferencia con la original de Vitra es un detalle inapreciable. En UK de hecho han ignorado totalmente estas licencias y van por libre, lo que lleva a pensar ¿Qué sentido tiene un producto que está licenciado férreamente en todos los países menos en uno? ¿es que una “Eames Lounge” fabricada en Inglaterra es menos válida que una fabricada en Suiza? Dinamarca, por ejemplo, está totalmente en contra de estas licencias ya que se está permitiendo a este tipo de empresas saltarse la ley y renovar una y otra vez los iconos del diseño para seguir con el monopolio. En un momento en el que el diseño es algo global este tipo de prácticas monopolísticas son un atraso y no hacen más que acrecentar el prejuicio de “diseño= caro”.


#diseño_entrevista

Alejandro Estévez Landeira @alex_el92

Hemos estado con Antonio y Noelia, los dueños de SIKNA, un proyecto que cumple ya 6 años desde que ha visto la luz. Han compartido con nosotros su experiencia y su manera de ver las diferentes áreas de diseño que desarrollan. ¿Cuál es vuestra relación con el diseño? Básicamente, los dos somos Ingenieros de Diseño Industrial. Los dos estudiamos en la EUDI en Ferrol empezamos en el 99 y finalmente acabamos aquí. ¿Cómo empezó SIKNA? ¿Por qué os decidisteis a abrir este proyecto? Bueno…la abrimos principalmente por dos motivos. Cuando acabamos la carrera (año 2004-2005) había muchas ofertas de trabajo, de hecho casi todos los compañeros que salieron de nuestra promoción están trabajando en diferentes empresas. Era una buena época y un año y medio antes de acabar con la titulación ya estábamos trabajando, hacíamos de

sikna vez en cuando “alguna cosa” con empresas. Pero nos preguntamos realmente qué queríamos hacer: o trabajamos para alguien o trabajamos para nosotros…y esa fue la principal inquietud. ¿Cómo es SIKNA? ¿En qué consiste? Ya que el mundo del diseño nos gustó desde nuestros estudios decidimos montar la empresa, y la enfocamos desde tres perspectivas o partes: tienda, estudio de diseño (gráfico, producto…) y parte de impresión. ¿Por qué impresión? Cuando empezamos a trabajar, antes de acabar los estudios, teníamos cantidad de problemas con la calidad de las fabricaciones o impresiones que subcontratábamos para desarrollar nuestros proyectos. El 70-80% de los trabajos que subcontratábamos no nos llegaban con la calidad que queríamos, ni en el tiempo establecido, por lo que decidimos realizar nosotros el proceso completo.


¿En la parte del estudio qué desarrolláis? Nos centramos bastante en la parte de gestión de diseño. Reformas de locales comerciales. Centrándonos ahora en la parte de tienda. Ya que tenéis contacto directo con público en cuanto a venta de productos de alto diseño ¿crees realmente que el público y sociedad española comprende realmente lo que es el concepto de “diseño”? Muy poca gente lo entiende. Tanto el trabajo de diseño gráfico, como de diseño de producto, está infravalorado. La gente se centra en el resultado final, no en el concepto propio de diseño. Se pretende pagar solo el resultado final, sin tener en cuenta, lo que hay detrás. Si encargan un cartel, la conciencia se centra en pagar el folio, no el proceso creativo. Sin embargo, hay gente que es apasionada de este mundo del diseño y vienen a por ciertos productos concretos y que por lo tanto saben apreciar mejor los productos. Existe un nicho de mercado que sí valora una pieza reconocida. Aunque hay poca gente que venga en busca de un producto concreto. ¿Hay alguna tendencia latente en ese nicho de mercado? No. La mayoría de gente se deja llevar por las modas. Reina lo que sale en las revistas de arquitectura o diseño. Si algún clásico sale en una revista, éste vuelve a ponerse de moda, pero de cualquier forma, hay pocas personas que reconozcan de que pieza concreta se trata, o cual es el autor. En SIKNA trabajáis con piezas originales y proveedores selectos. ¿Por qué esa apuesta y no una copia de menos calidad y menor coste? Antes de nada, debo de decir que no todo lo que significa diseño es carísimo. Se pueden optar a diseños actuales muy buenos del 2012-2013 que están a un precio asequible.

Partiendo de ahí, la razón es que normalmente las casas de diseño con las que trabajamos, te ofrecen ciertas garantías, es la misma filosofía a la que me refería con las impresiones de nuestros proyectos. Nosotros todos los años solemos ir a alguna feria: París, Madrid, Italia... Es curioso, porque en las propias ferias del sector, hay varias casas con el mismo producto (el original y las copias), donde la calidad es la diferencia. En siKna Diseño, apostamos por la calidad, con el fin de que el cliente esté seguro de su compra, y que su gasto vaya bien invertido, con una garantía. Creemos que ésta, es la base para que vuelvan a la tienda. ¿Crees que la diferenciación entonces se da por el precio? No, lo que pasa, es que detrás de un buen producto, siempre hay un buen diseño, y un buen acabado, lo que encarece el precio. No es lo mismo ser el primero, que copiar un producto. Ahí está la diferencia del precio, aunque la gente no se fija en eso, y muchas veces sacrifica la calidad por el precio. Aunque es cierto, que nosotros tenemos clientes que apuestan por la calidad, dejando de lado el precio, y aprecian los acabados y la marca, que es algo muy importante.


Y en cuanto a esas “copias” que se hacen las diferentes casas. ¿Crees que es legítimo dentro del diseño que éstas se den? ¿Favorece el hecho de poder vender el mismo producto a menos calidad y con menor precio? Personalmente estoy en desacuerdo con esa política. Ese objeto que estás comprando a ese precio reducido no es el objeto real. La persona que diseñó ese objeto lo pensó de una forma que no se respeta aportando una novedad... Es como un cuadro, una obra de arte. Ese “mimo” que el diseñador le ha dado a ese objeto vale ese “algo más”. La sensación es que esa persona quiere tener un objeto que no puede tener. Podemos comprarnos un coche utilitario, llevarlo a un buen carrocero y decir que tenemos un Ferrari, pero la realidad es que no lo tendríamos, no es un Ferrari. De hecho si yo realizo un proyecto con aprobaciones y luego éste se cambia y se rompe la armonía de lo que he realizado me molestaría, por eso sostengo que hay que respetar el diseño de los demás. ¿Cómo crees que se podría concienciar a la gente de lo que es realmente diseño e inculcar que se respeten esas piezas originales? Estamos en una situación en la que hay una competencia muy feroz en todos los sectores, tanto de producto como de servicios. Lo que conlleva a que si las empresas pueden bajar costes lo va a hacer para poder subsistir. El público ve la diferencia en el precio pero no en la calidad o el diseño como tal. Cambiar esa conciencia es muy complicado. *¿Alguna vez ha entrado alguien en la tienda y se ha sorprendido de los precios y de la clase de producto que tienes? * Sí, aunque siempre intento explicar todos los productos que tenemos en tienda y en algún caso explicar de que pieza se trata para justificar su precio. En cuanto a la selección de productos que haces para la tienda. ¿Haces algún tipo de proceso de selección propio: sondeas el mercado, buscas algo conceptual según tu criterio?

Hemos hecho varios procesos. Ahora mismo intentamos siempre anticiparnos alos productos que se ven en el mercado. Nuestra norma básica es que traigamos lo que traigamos no lo haya cerca (en la comarca). El segundo requisito básico es traer cosas que nos gusten a nosotros, sino, hemos comprobado que esas piezas no se venden. ¿Qué próximas metas son las que tiene SIKNA? Nuestra pretensión en un futuro es crear una página web con tienda online, que nos permita darnos a conocer y optar a más mercado.


DAY SIGN MAGAZ NE

un año de diseño Daysign Magazine está de cumpleaños. Hacemos un repaso del primer año de vida de este proyecto.

Allá por el mes de Octubre de 2012 este proyecto comenzó a hacer sus pilares. Una iniciativa estudiantil: “diseñadores hablando de diseño, y en castellano”. La apetencia de usar el diseño fuera de la rutina de la proyectualización fue la clave. Las primeras reuniones, la formación de una imagen corporativa sólida…y de repente el primer número. DAYSIGN Magazine veía la luz con apenas 200 seguidores en twitter, haciéndose poco a poco fuerte en las redes sociales e incrementando sus visitas en la web. El primer número buscaba encontrarse con una identidad propia que sirviese de base de un proyecto reconocible. Poco a poco se fueron sumando los nombres y los colaboradores, DAYSIGN Magazine contaba ya con una plantilla que pasó en tres meses de tres personas a ocho. Tras una revisión del primer número y haberse forjado ya un buen público en las redes sociales se forjó el segundo número a un fuego mucho más lento y en el mes de Abril de 2013 salió en nuestra web. DAYSIGN Magazine encontró en este número su mayor éxito, las entrevistas, el cambio de diseño gráfico, la profundidad de los artículos… vosotros, estimados lectores, os multiplicasteis y DAYSIGN se asentó generando su primer piso. Fue entonces cuando nos pusimos con más impulso manos a la obra, desarrollamos nuestro folleto, revitalizamos la página web, realizamos un vídeo promocional y en verano de este mismo año DAYSIGN Magazine duplicó sus seguidores en twitter de 500 a 1000. Las visitas subieron como la espuma, la inestimable ayuda de nuestros colaboradores escribiendo interesantes artículos todas las semanas en la web hizo que la gente se interesase y leyesen a esos “diseñadores hablando de diseño”. Tras el verano este número se ha empezado a montar detenidamente, haciendo un trabajo periodístico más profundo, buscando entrevistas y temas de actualidad…y también volviendo a mostrar nuestro carácter gráfico: juvenil y dinámico. Concursos, trabajo, carteles, la creación de la Newsletter…DAYSIGN ha seguido buscando ampliar sus horizontes con un trabajo gratuito pero reconfortante para todo el equipo gracias a todos nuestros lectores. Gracias por hacer realidad que los diseñadores podamos seguir hablando de diseño.


DAY SIGN Un a単o creciendo

MAGAZ NE

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Daysign Magazine #2

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arquitectura

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DE

STIJL Giselle Jonte

@Gis_Jonte

De Stijl, nombre holandés que significa “el estilo”, también conocido como neoplasticismo, fue una corriente artística fundada en Leiden, Holanda en 1917. En un sentido más estricto, el término se utiliza para referirse a un conjunto de obras que se manifestaban en una revista homónima, editada de 1917 hasta 1931.


La revista De Stijl fue publicada por el pintor holandés, diseñador, escritor y crítico Theo van Doesburg (1883-1931), quien se encargó de propagar las teorías del grupo. A su lado, los miembros principales fueron los pintores Piet Mondrian (1872-1944), Vilmos Huszár (1884-1960), y Bart van der Leck (18761958), y los arquitectos Gerrit Rietveld (1888-1964), Robert van ‘t Hoff (18871979), y JJP Oud (1890-1963). En el primer número apareció publicado el manifiesto neoplasticista que trata principalmente la arquitectura, ya que tanto los artistas como los arquitectos agrupados alrededor de la revista defendieron el orden claro y geométrico del movimiento aplicando sus principios también en la construcción de edificios. La filosofía artística que formó la base para el trabajo del grupo se conoce también como constructivismo holandés, el cual está vinculado al nacimiento del arte abstracto y las demás vanguardias en especial al cubismo y al futurismo y proponía despojar al arte de todo elemento superfluo en un intento de llegar a la esencia a través de un lenguaje plástico objetivo y, como consecuencia, universal. Se dice que van der Leck ya creaba diseños gráficos con franjas negras sencillas, organizando el espacio y utilizando imágenes de formas planas con una paleta de colores que ejerció fuerte influencia en Mondrian.

Piet Mondrian, pintor vanguardista neerlandés, que evolucionó desde el naturalismo y el simbolismo hasta la abstracción. Al pensar en las obras de Mondrian, no podríamos imaginar que sus primeras obras se basaron principalmente en paisajes en las que predominaban los colores malva, gris suave y verde oscuro, en ellas pinta escenas oscuras de árboles indistintos y casas con reflejos en agua que los hace casi


D E S J

T L

La influencia en su trabajo posterior se ve reflejada gracias a su paso por Ámsterdam, París, Londres y Estados Unidos donde formó parte de distintos grupos en su búsqueda de la simplificación y de ese supuesto conocimiento esencial. Una frase suya lo explica: «solo cuando estemos en lo real absoluto el arte no será ya más necesario».

I

En sus principales obras, o al menos las más conocidas, encontramos cómo intenta representar a partir de la geometría y el uso de lo que él consideraba como los colores elementales del universo, una estructura básica llamada “retícula cósmica” que repudiaba todo lo formal y como anécdota de sus ligeras excentricidades cabe mencionar que prohibió el color verde en su casa. En De Stijl se representa perfectamente esta filosofía, es decir, se elimina todo lo superfluo hasta que prevalece sólo lo elemental, en un intento de llegar a la esencia. La depuración de las formas hasta llegar a sus componentes fundamentales: líneas, planos y cubos. Planteamiento totalmente racionalista. La estructuración a base de una armonía de líneas y masas coloreadas rectangulares de diversa proporción, siempre verticales, horizontales o formando ángulos rectos. Nunca se recurre a la simetría, aunque hay un marcado sentido del equilibrio logrado por la compensación de las formas y los colores. Uso de pocos colores. Colores planos, de carácter saturado o puros (primarios) y tonal o neutros (blanco, negro y grises). Empleo de fondos claros. Pinturas: equilibradas, ordenadas, optimistas, alegres.


¿Acaso no nos recuerda todo esto al término “minimalista” que se extiende cada vez más en nuestro mundo actual? Sin duda se ha convertido en una tendencia en el diseño y la arquitectura, donde la estructura se reduce a sus elementos necesarios. El diseño minimalista ha sido muy influenciado por el diseño tradicional japonés, caracterizado por el purismo, el orden, la austeridad, la precisión, la desmaterialización, la sencillez. Sin duda volvemos a plantearnos cuestiones básicas que evolucionan en detrimento de elementos innecesarios y a favor del funcionalismo y la belleza de un buen diseño, limpio y puro. Nos acercamos a la realidad de un modo diferente, aceptando lo que nos rodea como apariencias cambiantes y caprichosas, pero de absoluta regularidad, con un lenguaje a partir de códigos estéticos y formales capaces de ser aceptados mundialmente.

solo cuando estemos en lo real absluto, el arte no será ya necesario


#diseño_entrevista

José alberto gonzález Alejandro Estévez Landeira @alex_el92

Hemos estado con Jose Alberto González y nos ha contado su experiencia en Japón donde trabaja para Yamaha, en la que ha desarrollado el último piano de la serie CP: CP4 Stage Piano. Cuéntanos un poco sobre ti, ¿cuál es tu trayectoria profesional? Estudie diseño industrial en la UPV de Valencia, al acabar empecé a trabajar en una promotora inmobiliaria en el departamento de arquitectura, principalmente fui contratado para hacer infografías 3D, pero acabé haciendo de diseñador de interiores y encargándome de todos los soportes gráficos e identidades gráficas de filiales. Al mismo tiempo empecé a trabajar en proyectos personales de diseño industrial ligados al mundo del hábitat, los cuales presenté en el Nude de la feria de Valencia. La primera vez con un grupo de compañeros de la UPV, y al año repetiría con el diseñador José Rizo, la experiencia fue muy buena.

Con estos proyectos personales más mi experiencia diseñando interiores conseguí entrar en la empresa Eve Design, que se conoce también por “Eduardo Terradez”. Allí trabajé en proyectos de amueblamiento línea contract a nivel internacional y en diseño de producto, tanto mueble como iluminación. Después de esta empresa pase a trabajar diseñando muebles expositores y showrooms. Con mis proyectos personales comencé a tener publicaciones internacionales como ID o Surface y apariciones en Designboom, Mocoloco o Design-milk. En 2010 dos de mis proyectos fueron seleccionados para ser expuestos en la Biennale Internacional de Saint Etienne enmarcado en la exposición Living Spain que representa el joven diseño español. Gracias a ello, Yamaha supo de mi existencia


y surgió la oportunidad de trabajar para ellos en Japón. ¿Qué tal la experiencia en Japón? ¿Te costó adaptarte? La experiencia esta siendo genial, es un país fantástico, muy distinto a los que había conocido antes e increíblemente interesante. Si tenéis oportunidad os lo recomiendo tanto para vivir en él, como para visitarlo. La adaptación cuesta tiempo, pero en el proceso se disfruta descubriendo las diferencias en los comportamientos sociales, culturales, costumbres, historia etc. Lo más complicado para mi es el tema del idioma, especialmente en el día a día fuera de la oficina. No saco tiempo para estudiar japonés, pero por suerte a mi mujer la encanta Japón y está estudiando el idioma, ya empieza a defenderse a nivel hablado y esto nos está facilitando las cosas. ¿Dónde te ves dentro de 5-10 años? O ¿Dónde te gustaría? Donde estaré no lo sé, supongo que en algún lugar de Europa, quizás y si se puede en España. Me gustaría tener mi estudio de diseño en España, focalizado en diseño industrial, pero para ello la situación económica debe mejorar. Hasta entonces mi intención es seguir creciendo como profesional allí donde surjan buenas oportunidades, como la que estoy viviendo ahora. Japón es un país pionero industrialmente en gestión de calidad y procesos industriales, y obviamente eso es gracias en parte al diseño; según tus vivencias ¿podrías citar algunas de las diferencias más notables entre la cultura japonesa y la española con respecto al diseño? Mi opinión es que en España hoy en día seguimos tratando de justificar lo necesario que es un buen diseño. Esto hace que el diseño se considere “importante” pero no un tema central, en definitiva “importante” pero de lo que se puede prescindir.

Sin embargo en Japón, ese periodo quedó atrás, con esto quiero decir que está más que asumido por la industria, que el diseño es necesario para generar buenos productos, que hay que dedicar un tiempo a la conceptualización de los mismos y para ello son necesarios profesionales especializados. En las empresas japonesas no se habla de que el diseño aporta valor, aquí el diseño no es una opción, si no el punto de partida para definir un producto, las empresas tienen grandes departamentos de diseño con gran peso y presencia dentro de las mismas. De todas maneras en esta área se está avanzado en España, pero aún no hemos llegado a niveles de Japón o Alemania. Ésto para mí es un índice que muestra el desarrollo de una empresa o incluso de un país. Por otra parte la cultura japonesa es muy respetuosa con el prójimo y por norma las criticas suelen ser más argumentadas que un simple -a mí eso no me gusta- o -pues vaya con el diseñador-.

A diferencia de España, en Japón el diseño no es una opción, sino el punto de partida para definir un producto. El departamento de diseño tiene un gran peso en las empresas.


¿Qué consejo le darías a un joven diseñador industrial español? No me veo muy cualificado para ir dando consejos, daré ideas pero cada persona debe encontrar su propio camino. La verdad es que cuando un diseñador acaba su formación o está a punto de hacerlo nadie lo conoce y tampoco tiene muchos proyectos realizados que mostrar, en ese periodo de cambio a vida laboral hay que hacer un esfuerzo para mostrar lo que uno sabe hacer, para probar lo mucho que ha aprendido y demostrar que es válido. Para ello se pueden presentar a algún concurso, o mejor aún, pueden preparar sus proyectos/prototipos personales para presentarlos a exposiciones como en Nude en Valencia, o informar a blogs o webs de diseño como la vuestra, bien sea nacionales o internacionales. Esto y tener una web personal creo que ayuda a darse un poco a conocer y tal vez se vayan abriendo algunas puertas.

El mundo de los instrumentos sabemos que es “especial” por sus referentes técnicos para la realización de un proyecto. ¿Te resultó difícil al principio diseñar instrumentos? Cada proyecto es diferente, cada instrumento musical es distinto, tienen complicaciones y limitaciones distintas. Pero no, no fue difícil empezar a diseñar instrumentos musicales, especialmente en Yamaha. Al inicio de cada proyecto tenemos reuniones donde me explican qué podemos hacer, modificar, me orientan sobre la situación mercado etc. Yo no estoy especializado en diseño de instru-

mentos musicales, sino en diseño industrial en general. Por lo que en Yamaha trabajo en equipos de desarrollo muy especializados, equipos compuestos por ingenieros, “product manager”, marketing… ellos se dedican a un sólo tipo de producto/ instrumento y son muy expertos en el tema. Ahora estoy trabajando en proyectos que no son instrumentos musicales, productos relacionados con audio, y el equipo de desarrollo lo compone otro grupo diferente de especialistas. Esto hace que con su ayuda un diseñador se vea capaz de afrontar cualquier tipo de producto. La verdad me siento muy afortunado de trabajar con un grupo humano altamente cualificado. ¿Es difícil insertar la innovación o tecnología características de Yamaha en un mundo, a veces, tan tradicional como el de la música y por lo tanto los instrumentos? Si, definitivamente lo es. Esto si es el reto con el que nos encontramos en el sector de la música. Es un mercado conservador, poco dado a cambios, además en la historia de la música se han generado instrumentos musicales que se han establecido como iconos, por lo cual cualquier variación suele ser rechazada por el mercado. Conociendo esto, nuestra filosofía de diseño se basa en integrar tradición con innovación, añadiendo las últimas tecnologías y respetando el legado de la empresa. Como resultado por un lado se aprecia una evolución progresiva de los instrumentos más clásicos (por ejemplo del piano acústico al nuevo cp4 ) y, por otra parte, la invención de instrumentos musicales nuevos (ejemplo TENORI-ON).

El sector de la música es conservador y poco dado a los cambios, pero nuestra filosofía de diseño se basa en integrar tradición con innovación, añadiendo las últimas tecnologías y respetando el legado de la empresa.


¿Cuál es el proceso creativo habitual en Yamaha Design Lab en la realización de un proyecto? No hay un esquema básico que repetimos. Cambia mucho dependiendo del proyecto. Básicamente el departamento se divide en dos grupos de trabajo, uno al que llamamos Advance design propone nuevos conceptos más innovadores, basados en nuevas formas de uso o en nuevos procesos/ materiales industriales u otras innovaciones tecnológicas. El otro grupo de trabajo, al cual pertenezco, se basa en la continua mejora y actualización de los productos ya existentes. En mi grupo de trabajo el proceso viene a ser aproximadamente así: un “product manager” de la empresa viene con un brief de proyecto más o menos definido, con la intención de desarrollar un producto sucesor de uno ya existente, o una versión superior o inferior, el cual quieren ajustar a las nuevas demandas del mercado. Dependiendo del proyecto, dedicamos más o menos tiempo a la exploración de mercado, a entender las necesidades del usuario etc. y seguidamente comenzamos el proceso más creativo, donde generamos ideas que plasmamos en bocetos, maquetas, 3D… estos materiales dependen también del proyecto en el que estamos trabajando y del criterio del diseñador. A continuación presentamos las propuestas a los responsables de desarrollo del producto “product manager” y responsables de marketing, si conseguimos el aprobado, empieza un nuevo proceso basado en presentaciones internas, seguidamente comenzaremos el desarrollo del producto con los ingenieros, y por último llegará su industrialización. ¿Cuánto tiempo tardáis en realizar un proyecto completo hasta la iniciación de la fabricación? En empresas como Yamaha las decisiones se toman teniendo en cuenta la opinión de muchísima gente, por lo que el proceso suele durar entre 1 y 2 años desde el inicio hasta que sale al mercado. También es sorprendente la cantidad de proyectos que se archivan durante el proceso y no saldrán al mercado debido a diferentes factores.

Teníamos claro al diseñar el nuevo CP4 Stage que queríamos crear un instrumento musical atemporal que se pudiera utilizar en cualquier escenario, independientemente del tipo de música que se toque.

Yamaha CP4 Stage Piano, es tu último proyecto/producto, háblanos un poco de él, ¿qué destacarías? ¿Dónde se centraron vuestros esfuerzos para hacer de este producto algo diferente? Teníamos claro desde que empezamos a diseñar el nuevo CP4 Stage que queríamos crear un instrumento musical atemporal, porque nuestro deseo era que los músicos disfruten de él por mucho tiempo. Para ello miramos los modelos CP predecesores, los cuales ya son un icono en el mundo de la música, tomamos nota de qué lenguajes de diseño se encontraban en ellos y adaptamos al nuevo CP elementos que se encontraban ya en la familia y que considerábamos atemporales, como por ejemplo, la textura de cuero en combinación con acabados metalizados. Creemos que, como resultado, CP4 tiene un diseño atemporal, un diseño que no sigue las modas y por lo cual puede subsistir por mucho tiempo. De igual forma hemos querido ofrecer a los pianistas un elegante instrumento musical que se puede utilizar en cualquier escenario, independientemente del tipo de música que toquen. Por lo tanto, con el fin de hacer que el nuevo CP sea adaptable a una amplia variedad de entornos, decidimos que el diseño


del CP4 no debía ser llamativo, estridente o pretencioso. Sin embargo, queríamos que fuera de alguna manera visible en el escenario, por lo que decidimos centrarnos en la silueta, con un pequeño borde biselado que rodea el piano para resaltar su contorno en el escenario, sobre todo bajo los focos. Antes mencioné que tratamos de alinear innovación con tradición en nuestros instrumentos, en el caso de CP4 Stage hemos diseñado un cuerpo inspirado en el piano acústico con algunos otros elementos digitales en el panel de control, pero tratando que estos dos conceptos estuviesen en armonía. Como se trata de un instrumento que se toca durante horas y horas, queríamos ofrecer una experiencia completamente táctil y expresiva al tocar el nuevo CP. Por ello, para nosotros era tan importante incorporar una amplia gama de texturas y materiales en este diseño. Por eso, decidimos adaptar una textura diferente para cada área. La textura de cuero como fondo, a continuación un acabado mate agradable en el panel de control, seguido por una larga línea plateada que divide el cuerpo del “bloque de teclas”. Y, por último, un teclado con un tacto a piano acústico sorprendentemente realista. ¿Es importante que un pianista (usuario) os cuente sus sensaciones para mejorar el producto? ¿Tienes alguna relación más con la música además de tus proyectos o es algo que no te llama la atención? Es muy importante las sensaciones que nos transmiten los pianistas, de echo la decisión de producir el nuevo CP4 fue debido a querer incluir mejoras que los usuarios demandaban en el predecesor (CP5). En el proceso escuchamos mucho, por ejemplo, hemos simplificado la interface, ahora es mucho más sencillo de usar, lo cual era uno de los puntos a mejorar según nuestros usuarios. Nos comentaron también que los 25kg de peso eran un punto a mejorar, para moverlo de escenario en escenario, por lo que hemos hecho un esfuerzo en reducirlo a unos 17kg, lo cual ha sido muy bienvenido por los pianistas, ahora es uno de los más ligeros del mercado. El CP4 tiene también un precio más accesible que su predecesor sin reducir las características técnicas

o la calidad del teclado, que era otra de las demandas de los usuarios. En fin, es enormemente importante la comunicación con los músicos y cada vez son mas exigentes, por lo que nos obliga a seguir mejorando nuestros productos. Si te refieres a si soy músico, desafortunadamente no lo soy, pero claro que me gusta la música! Sin música no se puede vivir… me gusta desde el jazz/blues a el reggae o la música electrónica. Y…que mayor relación con la música que diseñar instrumentos?

Para el diseño del CP4 ha sido es enormemente importante la comunicación con los músicos ya que cada vez son mas exigentes, por lo que nos obliga a seguir mejorando nuestros productos.

Además de los teclados/instrumentos has hecho diseño de interiores, mobiliario, gráfico…¿Cuál es el apartado del diseño que más te gusta abordar? Y ¿el más difícil?. De todos ellos, ¿Cuál te genera más satisfacción cuando ves el producto terminado? Me gusta diseñar productos como el mobiliario, es bastante más libre que diseñar productos con componentes electrónicos, a pesar de que también tiene sus limitaciones. Pero en realidad disfruto mucho trabajando en proyectos de diferente índole, creo que a fecha de hoy he tenido la suerte de poder trabajar en diferentes áreas. El más difícil ha sido este último, me refiero a CP4, que nos ha tomado casi dos años verlo acabado, ha sido difícil alinear todas las necesidades técnicas dentro del mismo y que quedasen de una forma ordenada en el panel de control. Los proyectos que me dieron mayor satisfacción quizás fueron las mesas “Folia” o el mueble contenedor “Ceronte”, ya que estas piezas fueron seleccionadas para ser expuestas en la Bienal de Saint-Étienne 2010, dentro del stand español.


13. ¿Sigues el trabajo de otros diseñadores actuales? ¿Qué diseñadores (en toda la historia) han marcado de alguna forma tu manera de ver el diseño o tu vida profesional? Sigo a muchos diseñadores quizás demasiados debido a la inmediatez de Internet y lo fácil que resulta con blogs como el vuestro. Me han marcado muchos diseñadores, me parece que si nombro a alguno me olvidaré de otros, además no creo que ninguno me haya marcado tanto como para que se refleje en mi trabajo. Trato de digerir todo y después, transmitir mis propias interpretaciones. Personalmente creo que me influyen más los objetos cotidianos, es decir, lo que me encuentro en la calle, en casa o en cualquier parte. Existen una cantidad inmensa de buenos productos, los cuales no están diseñados por diseñadores famosos, por ello, trato de juzgar los diseños sin conocer el nombre del diseñador. En ocasiones el nombre de un diseñador famoso se ha convertido en una “marca”, a la cual se le presupone un valor añadido y no siempre es así. Me alegra que se reconozca el trabajo de los buenos diseñadores, esto es una recompensa al esfuerzo y al talento, pero estoy en contra de que sus nombres se utilicen como armas de marketing.

Personalmente creo que me influyen más los objetos cotidianos, por eso trato de juzgar los diseños sin conocer el nombre del diseñador ya que en ocasiones es sólo una herramienta de marketing.


#diseño_entrevista

Ronald knol Damián Calvo @Damian_JCalvo fotografías de Eelco hofstra

Hemos tenido el privilegio de entrevistar al diseñador holandés Ronald Knol, fundador del estudio RKNL, todo un refernte en el panorama europeo gracias a la pureza y a la extraordinaria calidad de sus diseños. La principal seña de identidad de RKNL es la búsqueda de un diseño puro, sin ruido que interfieran con el alma del producto. ¿Cómo puedes identificar ese ruido y reducirlo en su justa medida sin hacer que el objeto se convierta en algo simple o aburrido? Esa habilidad que demuestras para encontrar ese equilibrio ¿es instintiva o por el contrario se puede obtener siguiendo cierta metodología de diseño siendo posible por tanto, que sea enseñada? Si el concepto de diseño es sólido, no necesitas añadir ningún material especial para enmascarar ninguna debilidad. Esta aproximación necesita confianza, ya que muchas veces puede ser tildada de aburrida, aun así si el concepto es bueno y el producto es equilibrado

y funcional, nunca será aburrido aunque lo parezca. A parte de esto, yo siempre intento ir un paso más allá, eliminando cualquier ruido creado por las soluciones técnicas como las uniones/ juntas. A menudo este ruido se reduce, aunque requiere de una creatividad técnica y muchas veces de dinero; pero vale la pena ya que esos detalles son los que marcan la diferencia. La forma en la que llego a un resultado final es una mezcla de intuición y experiencia. Primero la idea ha de ser buena, lo cual depende de la intuición, supongo. Después de esto, se basa en un arte de hacer que el resultado final, parezca lo más puro posible. EN realidad, es cuestión de ir explorando las posibilidades técnicas resolviendo problemas mediante soluciones efectivas. El acabado final es cada


vez más importante en este mercado globalizado de hoy en día. ¿Qué diseñadores o artistas consideras que te han influenciado más? Dieter Rams y otros diseñadores anónimos del período art decó. Además, admiro profundamente a los miembros del movimiento artístico “De Stijl” de los años 20, como el pintor Mondrian, debido a su búsqueda del perfecto equilibrio estético en sus obras. Desde una perspectiva de diseñador siempre he soñado con haber vivido en ese período histórico, ya que constituyó un auténtico punto de inflexión hacia el diseño contemporáneo y eso debió ser realmente excitante de presenciar. ¿Cuál de estas frases te define mejor: “Menos es más” de Mies o “Menos pero mejor” de Rams? “Menos pero mejor” sin duda. Creo firmemente en que reducir el producto a su esencia o núcleo, lo hace mejor. Sin embargo, ese afán de despojar al producto de elementos superfluos nunca debería ser un objetivo en sí mismo como la frase de Mies sugiere. Nunca se debe perder de vista el producto, ya que no somos artistas sino diseñadores. En un mundo saturado de referencias visuales. ¿Crees que el diseño debería tender o tendrá a la simplicidad y pureza por la que RKNL aboga? Yo abrazo la diversidad, así que nunca afirmaría una frase como esa. Quizá sea esa también la razón por la que me gusta la vida urbana, en particular las ciudades liberales como Amsterdam. Diseño lo que tengo en mi entorno, y afortunadamente un cierto grupo de gente lo valora, por lo que sin ánimo de sonar arrogante, mi filosofía se basa en la creación de obras que salgan del corazón, que tengan un significado. Creo que eso es genial que muchos diseñadores elijan su propio camino, independientemente de que coincidamos en una filosofía del diseño común.

Si el concepto es sólido no hace falta enmascarar ninguna debilidad.Reducir el producto a su esencia lo hace mejor. Sin embargo, ese afán de despojar al producto de elementos superfluos nunca debería ser un objetivo en sí mismo.

Tradicionalmente tanto el diseño escandinavo como el holandés han estado a la cabeza del mundo en cuanto al diseño de mobiliario se refiere. ¿Crees que este liderazgo sigue vigente hoy en día? ¿Es el buen diseño de mobiliario aún europeo? Creo que el diseño escandinavo sigue liderando el mercado en la actualidad. Desde NY a Amsterdam lo que suena es el diseño escandinavo. Sin embargo, uno siempre debe tener en cuenta que existe diferencia entre las modas y el diseño atemporal. Los productos de Dieter Rams por ejemplo, siempre serán valorados, sin importar si el color de moda en ese momento es el rosa o el negro. Esto no implica que no valore el diseño escandinavo, al contrario. No hace falta decir que la indudable calidad del diseño danés soportará el paso del tiempo sin perder un ápice de belleza, lo cual es un punto muy importante en el diseño de mobiliario. Por cierto, creo que la definición de “diseño holandés (Dutch Design) es bastante más di-


difusa o menos precisa que “diseño Escandinavo” y más que a una corriente definida hace más referencia a una conciencia liberal basada en la diversidad, posiblemente influida por nuestra cultura liberal, que deja más lugar a la creatividad, frente al diseño escandinavo, que tiene unas características más definidas y es más consistente.

¿Cómo surgió la iniciativa de crear tu propio estudio? Fue difícil situar tu producto en el mercado holandés e internacional? En 2005 decidí que quería perseguir mi sueño de convertirme en un diseñador de mobiliario independiente. Sin ánimo de desmotivaros en absoluto: es un camino largo y complicado. La pasión y la persistencia son la clave, más incluso que ser un prodigio. Soy de la idea de que debes ir allí donde el sol brilla para ti, puede que no sea el escenario central de la función, pero no importa. Con esa idea en mente creo que se hace más fácil el encontrar tu lugar y llegar a tener éxito. Sólo céntrate en crear tu propio nicho de mercado haciendo lo que más te gusta y reza para que a la gente le guste… Finalmente, ¿algún consejo para futuros diseñadores o recién gradados? Explorad el mundo. Viajad; incluso trabajad en el extranjero si tenéis la oportunidad. No necesariamente en diseño sino explorando otras áreas. Creo que ese esencial darse cuenta de que el mundo se ha convertido en un pueblo y que tienes que hacerte con las habilidades necesarias para sobrevivir en él. Segundo: trabaja en tus propios diseños. Si tienes una fuerte y característica impronta en tu estilo de diseño serás reconocido y valorado al final. Y sobre todo nunca te rindas.

Uno de vuestros lemas es “pensar globalmente, actuar localmente”. ¿Cómo podéis (en el caso de vuestra colaboración con “olollo” por ejemplo) conciliar el puro diseño holandés con la tradición americana? En otras palabras: ¿Cómo podéis crear un producto global si cada etapa de la producción tiene la esencia de un lugar en concreto? La esencia del diseño es holandés, efectivamente, pero los materiales y las medidas son las de una determinada zona. No soy del tipo de diseñador como el talentosos Benjamin Hubert, que toma un determinad material como el punto de partida, por lo que las variaciones locales son más fáciles de crear para mí.

Creo que el éxito como diseñador consiste en encontrar tu propio nicho de mercado y luchar para dotar a tus diseños de un estilo personal y reconocible.


#ARQUITECTURA

ZAHA HADID LA POLÉMICA CON EL ESTADIO OLÍMPICO PARA JAPÓN 2020 Alejandro Estévez Landeira

@alex_el92

Hablar de Zaha Hadid en arquitectura, dentro del sector, es hablar casi de polémica. Sus proyectos suelen ser siempre a gran escala y con grandes inversiones de dinero, lo que hace que siempre se encuentre en el ojo del huracán. Pese a sus grandes proyecciones que se tildan muchas veces de “indiscutibles” por su carácter futurista y atrevido, con nuevas formas, parece que siempre hay una pequeña controversia cuando surgen proyectos de este tipo con su nombre detrás. Esta vez el problema viene dado por el diseño del estadio olímpico para los juegos de 2020 en Japón. Zaha Hadid ganó en Noviembre de 2013 el concurso para diseñar éste a otros

diez finalistas entre los que se encontraban grandes arquitectos japoneses: Toyo Ito, Azusa Sekkei, SANAA…puede que de ahí venga la campaña promovida contra el diseño de Zaha, o ¿realmente los motivos son puramente arquitectónicos? El arquitecto japonés Fumihiko Maki (premio Pritzker en 1993) ha reunido a una multitud de arquitectos y diseñadores japoneses para aunar fuerzas y crear una campaña contra el diseño que Zaha propone. La principal razón es la “inmensidad” o “gran tamaño” del estadio, que “no respeta el entorno en el que se encuentra” quedando “discordante con sus alrededores”. El proyecto se tilda de “faraónico”:


mucho presupuesto, demasiada capacidad, techo retráctil. Maki sostiene que no lucha contra Zaha y acepta que el diseño ganador es el suyo, pero que éste puede ser mejor. El estadio cuenta actualmente con una capacidad de 80000 espectadores aproximadamente. Uno de los principales motivos por el que se le concedió el premio a Hadid de realizar el proyecto fue por su gran entrada con aspecto tecnológico, la cual ahora los japoneses quieren echar abajo. El presupuesto es otro de los problemas a los que el diseño de Zaha se enfrenta: a día de hoy ese presupuesto ronda los 300.000 millones de yenes (2.242 millones de euros) lo que triplica el presupuesto inicial,

un dato importante por el que Maki quiere reconsiderar la construcción. Japón, el ministro japonés para las Olimpiadas Hakubun Shimomura y principalmente Zaha Hadid se encuentran en un mar de dudas cuando el estadio está previsto que esté acabado en 2018. Zaha Hadid ya pasó por duras críticas por su diseño de Aquatics Centre para Londres 2012. Ahora parece que la pesadilla olímpica le persigue…habrá que esperar para ver cómo se resuelven las críticas y si el diseño, finalmente, pierde espectacularidad y es trastocado hacia una solución con un tamaño menor.


#ARQUITECTURA

BIBLIOTECA DE BIRMINGHAM La artesanía hecha edificio Birmingham es actualmente la segunda ciudad más poblada del Reino Unido y en ella se encuentra Centenary Square, la plaza pública más grande de la ciudad. Aquí se encuentran situados unos de los tres edificios más significativos de la cultura inglesa de esta ciudad: Repertory Theatre (REP) un edificio de hormigón de los años 1960, la Biblioteca de Birmingham diseñada en 2009 y Baskerville House, un edificio de piedra caliza que data de 1936. En el año 2008 el estudio de arquitectura Mecanoo es uno de de los preseleccionados y posteriormente elegido para el diseño y la creación de la nueva Biblioteca de Birmingham. Se encontraron con que la Centenary Square era una plaza que carecía de cohesión o una identidad y atmosfera clara y el reto de la construcción era un diseño que se pudiera integrar con el resto de edificios existentes, ya que cada uno cuenta con un diseño de un período distinto importante de la historia de la ciudad.

María Ángeles Picó Juan

@pipocpic

Entonces inician un estudio a través de la esencia de la ciudad: deciden seguir hacia dónde va la multitud y descubren que la gente sigue inconscientemente una ruta peatonal lógica, empezando por el Bullring Shopping Centre y acabando en el Westside, a la que llaman La línea Roja, descubren toda la historia arquitectónica y urbana. Debido a que Birmingham está construida sobre suaves colinas y un túnel del tren subterráneo atraviesa diagonalmente a través de la Centenary Square se convierte en una fuente de inspiración, debido a que les da la idea de poder construir bajo tierra. Todo este conjunto de ideas se plasman en el diseño final: La Biblioteca, de unos 35000 m2, consta de tres volúmenes apilados que crea una oportunidad para los jardines al aire libre. La fachada es de vidrio transparente decorada por una filigrana metálica inspirada en la tradición artesanal. Los círculos grandes simbolizan la artesanía del acero mientras que los pequeños la artesanía


M

del oro y la plata característica de la joyería de Birmingham. Esto permite un juego de sombras en permanente cambio en el interior del edificio dependiendo del clima, la hora del día y de la estación. En la plaza se puede ver un enorme agujero donde está el anfiteatro al aire libre que proporciona luz natural al interior al edificio. En el exterior el voladizo de la biblioteca proporciona refugio a la entrada común del la Biblioteca y el REP y unas increíbles vistas de la ciudad. La biblioteca se organiza en una secuencia de ocho espacios circulares conectados por escaleras y elevadores, que hacen posible una mejor circulación por el edificio, una mejor conexión entre las plantas y al mismo tiempo proporcionan luz y ventilación natural. La principal es The Book, una de las rotondas que conecta tres de ellas: the Public Library, The Discovery Terrace y Research Library. La Book Rotunda a su vez consta de cinco plantas. Una habitación muy significativa es Shakespeare Memorial. Los materiales principales son la piedra natural, el vidrio, metal, suelos de cerámica y roble, combinados con colores azul y oro creando un interior atemporal y refinado. Una característica muy importante de esta biblioteca es que es un edificio que ha sido diseñado para minimizar el impacto sobre el medio ambiente. La fachada a pesar de ser transparente mantiene la eficiencia energética, los materiales reflectantes en las fachadas proporciona protección solar al tiempo que permite entrar a la luz natural. La planta baja aprovecha la masa del suelo para el aislamiento. También utiliza tecnología baja en carbono para la calefacción y los sistemas de conservación del agua y la iluminación. Las dos zonas elevadas de terrazas proporcionan espacios verdes, donde incluso plantan variedad de especies de verduras, frutas y hierbas para fomentar el aprendizaje “Grow Your Own”. Incluso la propia Biblioteca recicla los materiales utilizados como papel y plástico. Este año se le concedió el estatus de BREEAM (certificado de sostenibilidad de la construcción líder a nivel mundial) excelente.

Como se puede observar el estudio Mecanoo no sólo ha sido capaz de construir un hermoso, funcional y sostenible edificio, sino que ha logrado integrar un edificio a un conjunto ya preexistente e incluso ha otorgado a la Centenary Square de una personalidad propia sin olvidar los valores y la cultura industrial de la ciudad de Brimingham.


#ARQUITECTURA

El pasado 2 de Octubre se inauguró el Festival Mundial de Arquitectura 2013 (WAF 2013). El festival se desarrolló en un entorno envidiable: Marina Bay Sands de Singapur. Sin duda uno de los eventos más importantes del sector a nivel internacional. Para éste se han seleccionado más de 300 proyectos de 50 países diferentes en 29 categorías, donde los ganadores fueron elegidos entre el transcurso del certamen del 2 al 4 de Octubre. Alejandro Estévez Landeira.

@alex_el92


El certamen dejó muchas imágenes para el recuerdo, hubo sorpresas y se respiró arquitectura por todas partes: pasado, presente…y hubo también una buena dosis de futuro. Durante los sucesivos días se fueron repartiendo los tiempos por las diferentes categorías dejando los “platos gordos” para el tercer y último día. Desde competencia estudiantil al mejor edificio del año a nivel mundial, el festival no dejó momento para el respiro. No sólo hubo premios, el festival va mucho más allá, por ello ha habido centenares de medios para cubrirlo. La filosofía del certamen se centró también en diferentes ponencias y conferencias acompañadas de talleres y seminarios impartidos a todos los niveles: políticas sobre buen diseño, uso de materiales, conceptualización, valores económicos, arquitectura responsable… Sin duda un festival acogedor y muy interesante para los amantes de la arquitectura, a los que sin duda diríamos que es una visita obligada. World Building of the Year - Auckland Art Gallery Toi o Tamaki (New Zealand), FJMT + Archimedia El estudio Frances-Jones Morehen Thorp con la colaboración de Archimedia lograron el premio más prestigioso del festival, gracias a su trabajo para la Galería de Arte de Auckland. Su ampliación y remodelación de la antigua galería ha hecho junto con una nueva entrada que el espacio de ésta se multiplique. Con flotaciones de los techos a diferentes alturas que reflejan los árboles del cercano Albert Park, han encontrado la solución a una inspiración naturista en la que querían impregnarse de los materiales y la cultura de Nueva Zelanda, lo que les ha llevado a una coherencia proyectual tan elevada que les ha otorgado el premio más prestigioso siendo ganadores ya el día anterior del certamen de la categoría de “Edificios culturales” y superando después al resto de oponentes en la decisión final.


Future Project of the Year: National Maritime Musseum of China Este fantástico proyecto del estudio Cox Architecture se levantará en Tianjin en 2015. Con una fuerte carga conceptual los edificios se colocan de cara al mar evocando formas de la experiencia marítima y en frente de una gran plaza para la realización de eventos al aire libre. Los jueces destacaron la gran coherencia proyectural y el buen uso de los materiales además de la proyección de una torre de observación que servirá como planta energética del museo. Landscape category winners - The Australian Garden, Australia, by Taylor Cullity Lethlean + Paul Thompson Este jardín cubre 25 hectáreas en Cranbourne que busca que el visitante se recree entre la flora autóctona australiana. El jardín pone de relieve la tensión entre el paisaje natural y el impulso humano de cambiar constantemente éste. La tensión de amor/ odio que se respira en Australia con su paisaje se expone en este jardín. Plantas en extrañas formas, pasos a nivel inverosímiles sobre el agua y ecología hacen de este jardín botánico un paseo diferente para el transeúnte. Student Competition Winners - 'Village in a Box', University of San Carlos in Cebu City, Philippines La parte “estudiantil” del certamen ha premiado a un grupo de estudiantes de la Universidad de San Carlos de Filipinas. El problema de diseño dado a los estudiantes se formuló de la siguiente manera. "¿Cómo puede la arquitectura responder a las implicaciones de nuestro cambio de la sociedad moderna en la que las personas viven más tiempo que antes y las estructuras familiares tradicionales están empezando a cambiar?." Los estudiantes dieron una respuesta conceptual genial que respondía que distintas generaciones viven en una misma vivienda. "Uno de los puntos fuertes de nuestro diseño fue que la forma y los espacios reflejan claramente la racionalidad y la lógica de la idea” dijo Jon Medalla, uno de los estudiantes.


Completado_ Ganador: Display

The Blue Planet (Denmark), 3XN

Completado_ Ganador: Vivienda unifamiliar The Left-Over-Space House (Australia), Cox Rayner Architects

Completado_ Ganador: Bloque de Viviendas 28th Street Apartments (USA), Koning Eizenberg Architecture

Completado_ Ganador: Comercial Emporia (Sweden), Wingardh Arkitektkontor

Completado_ Ganador: Salud Rush University Medical Center New Hospital Tower (Chicago), Perkins+Will

Completado_ Ganador: Oficinas Statoil Regional and International offices (Norway) A-Lab

Proyecto_ Ganador: Vivienda Unifamiliar Meditation House (Lebanon), MZ Architects


Proyecto_ Ganador: Vivienda Unifamiliar White Collar Factory (UK), Allford Hall Monaghan Morris

Proyecto_ Ganador: Educaci贸n The Urban School In Elsinore (Denmark), EFFEKT, Rubow

Proyecto_ Ganador: Espect谩culo Singapore Sports Hub (Singapore), Arup Associates + DP Architects + AECOM

Proyecto_ Ganador: Oficinas Selcuk Ecza Headquarters (Turkey), Tabanlioglu Architects

Proyecto_ Ganador: Salud New Sulaibikhat Medical Center (Kuwait) AGi Architects

Proyecto_ Ganador: Infraestructura Brisbane Ferry Terminals PostFlood Recovery (Australia), Cox Rayner Architects

Proyecto_ Ganador: Urbanismo Earls Court Masterplan (UK) Farrells


#arquitectura

arquitectura"verde" Elisa del Caño de la Cruz

¿Cómo pueden estar estas dos palabras tan poco relacionadas como algas y arquitectura en una misma frase? Pues el estudio de arquitectura Vandkunsten lo ha hecho muy fácil: han construido en Dinamarca una casa de veraneo, en la isla danesa de Læsø, totalmente revestida con algas.

Esta obra de Eco diseño fue encargada por Realdania Byg, una asociación privada que invierte en edificios históricos y desarrolla proyectos altruista y humanitario de arquitectura en Dinamarca. El objetivo de este proyecto era recuperar la tradición de esta isla en sus construcciones, ya que tan solo quedan 20 casas construidas como antaño, utilizando las algas de las playas para recubrir los tejados, debido a la escasez de árboles que existen en la zona. En esta casa combinaron la construcción actual con la tradición, haciendo una fusión eco de las dos, en vez de recubrir solo el tejado recubrieron toda la casa, introduciendo las algas en unas bolsas de red y aplicándolas longitudinalmente, en bloques,

siguiendo el entramado de la madera por todas las paredes laterales y el techo. En el interior también utilizaron las algas para aislar las diferentes plantas y estancias. Con esto se ha demostrado que las algas tienen propiedades de amortiguación acústica extraordinarias, además, de tener una excelente capacidad de absorber y desprender la humedad que contribuye a regular la temperatura interior. El espacio está destinado a albergar a dos familias. En el centro, encontramos una sala de estar de doble altura y una cocina, mientras que los dormitorios están ubicados en los extremos y en el desván. Este innovador proyecto busca reintroducir un material ecológico y beneficioso para la industria, ya que las algas reducen el CO2 y son un material muy sostenible. Se reproducen cada año en el mar, llegan a la costa sin ningún tipo de coste ni esfuerzo para los humanos y se seca de manera natural en la orilla bajo el sol y el viento. Para colmo, aísla tan bien como un aislante mineral, por lo que resiste de manera natural a la descomposición y putrefacción. No es tóxico, y es un material a prueba de fuego. Además tiene una vida útil de más de 150 años. Sin duda, todo son ventajas demostradas por los propios ensayos que realiza día a día la naturaleza.


M V R D V #ARQUITECTURA

La oficina de arquitectura y urbanismo holandesa MVRDV es uno de los mejores exponentes del panorama arquitectónico actual debido a su capacidad para sorprender e innovar siempre dentro de un marco sostenible y también a la perfecta adaptación de sus obras al medio, incluso llegando a incorporar al proyecto elementos arquitectónicos preexistentes, consiguiendo así un prefecto equilibrio entre pasado y modernidad.

Damián Calvo @Damian_JCalvo


Fundada en 1993 en Rotterdam por Winy Maas, Jacob van Rijs y Nathalie de Vries (cuyas iniciales forman el nombre del estudio) actualmente MVRDV cuenta con otra oficina en Shanghai para dar salida al gran número de encargos que le llegan desde China, nuevo paraíso para que los arquitectos de todo el mundo desarrollen sus proyectos más ambiciosos y espectaculares. Una de las principales señas de identidad de MVRDV es su particular percepción del diseño sostenible, que comienza por la propia definición que hacen del tan trillado término: “Sostenibilidad es economía”. Para Winy, Jacob y Nathalie, la piedra angular de la sostenibilidad la constituye una profunda investigación del medio con la intención de comprender su esencia y así poder ofrecer una solución que la respete, la abrace y la magnifique, sin perderla nunca de vista. “La sostenibilidad va más allá las prácticas responsables o de limitar los impactos ambientales: es la sensibilidad para percibir el contexto cultural, la solución más saludable, la igualdad social y el desarrollo económico sin renunciar a la dimensión poética y el poder estimulante de las nuevas experiencias. La sostenibilidad referencia las escalas pequeñas a unas más grandes, desde el individuo a la ciudad.

Algunas de los proyectos más importantes del estudio son el pabellón holandés para la Expo 2000 en Hannover, el complejo Silodam en Ámsterdam, el centro Matsudai en Japón, el anexo Didden Village en Rotterdam, los edificios Mirador y Celosía en Madrid, y el espectacular edificio Gemini en Copenhage, construido aprovechando la estructura previa en hormigón armado de dos silos de almacenamiento de grano. Además de estos proyectos arquitectónicos MVRDV trabaja en varios estudios urbanísticos, como el proyecto “parís Plus petit”, un plan director para el futuro crecimiento de Paris.


#tecnología

e-golf el icono sostenible

María Angeles Pico Juan @pipocpic

El Salón de Frankfurt es la mayor feria del automóvil del mundo, dónde las marcas no solo presentan las últimas novedades y tendencias de sus vehículos a nivel mundial, sino que, también presentan los concept cars que marcan las líneas de futuro de los nuevos modelos. En la edición 65 de este enorme evento, se mostraron vehículos muy interesantes, desde el taxi eléctrico de Nissan hasta lo nuevo de JAGUAR, pero lo que realmente prevaleció fue la apuesta de las grandes marcas por los coches híbridos.


Debido al cambio climático, donde las emisiones de CO2 de los vehículos es una causa directa, los fabricantes de vehículos han invertido en investigación de nuevos carburantes y nuevas tecnologías para un funcionamiento más eficiente y respetuoso con el medio ambiente. Uno de ellos, es la importante marca Volkswagen, quien ha presentado 14 modelos híbridos, uno de ellos, un mítico de la marca: el Golf. El golf es un modelo de coche eléctrico con un motor de 115 CV y un par máximo de 270 Nm capaz de acelerar de 0 a 100 km/h en 10,4 segundos. Pero la diferencia con el golf convencional, csecuencia de ser eléctrico, es que su velocidad está limitada a 140 km/h. Otra diferencia es su autonomía máxima, estimada en unos 190 kilómetros, con unas baterías de litio de 24,2 kWh. Esto es más que suficiente para la mayoría de los desplazamientos urbanos o habituales pero no para un viaje de larga duración donde necesitaríamos una estación de carga para recarga las baterías. En cuanto al equipamiento tiene un nuevo parachoques con las mismas ópticas del GTI y una nueva iluminación diurna pero todo diseñado para que mantenga esa clásica discreción característica del golf. Pero lo que hace especial al e-golf es la eficiencia revolucionaria en cuanto a consumo: 12,7 kWh/100 km, unos 3,28 euros aproximadamente. Esto representa un ahorro económico importante para los precios que habitualmente se gastan en carburantes para los vehículos que más se utilizan en la actualidad. Esperemos que una vez salga al mercado, el precio de venta sea asequible para los consumidores, ya no solo esta marca en concreto, sino en general, y que hagan posible que estos vehículos híbridos empiecen a reemplazar por completo a los que utilizan carburantes ayudando así al medio ambiente


#tecnología

bioplásticos El desarrollo sostenible Amaya López Rojas @amayalopezrojas

¿Qué son los bioplásticos?

Casi todo lo que consumimos viene envasado en recipientes de plástico fabricados por polimerización de compuestos derivados del petróleo, y no son biodegradables. Hoy en día se dispone de métodos para reciclar plásticos pero no son suficientes, ya que es muy complicado separar la estructura molecular de estos compuestos en capas o moléculas más simples. A causa de estos inconvenientes, el tratamiento de los plásticos seleccionados considerados como basura, se ha vuelto un serio problema medioambiental. Teniendo en cuenta además que los plásticos actuales proceden del petróleo, fuente no renovable de energía, se están invirtiendo hoy en día muchos esfuerzos, interés y medios para la fabricación de embalajes alternativos para alimentos cuya base sean los bioplásticos.

Los bioplásticos son aquellos plásticos que son biodegradables, es decir, que se descomponen naturalmente. Básicamente, este tipo de plásticos derivan de recursos renovables como el almidón y la celulosa entre otros componentes vegetales. Un material biodegradable, es aquel que es degradado por microorganismos que dan lugar a moléculas más sencillas, las cuales son asimilables por el medioambiente. Al contrario que los plásticos tradicionales, que se fabrican utilizando petróleo y otros combustibles fósiles, los bioplásticos apoyan a la tierra ya que reducen su huella de carbono y se reduce el uso de recursos fósiles. Los bioplásticos son 100% biodegradables, convertibles en abono vegetal o reciclables. Actualmente el mercado de los biopolímeros se está desarrollando pero todavía no puede competir con los plásticos tradicionales, ya que su fabricación sigue siendo más cara.


También están limitadas precisamente por su biodegradabilidad: a veces se necesitan materiales no degradables para hacer productos de larga duración. Pero su duración es suficiente para la mayoría de los envases que utilizamos y tiramos cada día por lo que su utilización contribuye a disminuir la acumulación de residuos al ser biodegradables.

quirúrgicos como placas o tornillos biodegradables ya están siendo empleados en la actualidad en el campo de la cirugía de huesos.

Aplicaciones de los bioplásticos

• Son termoplásticos y poseen propiedades similares a las de los plásticos derivados del petróleo por lo que se les puede dar el mismo tratamiento. • Pueden ser totalmente degradados por las bacterias que los producen, y por otras bacterias, hongos y algas. • Pueden ser producidos a partir de recursos renovables. • Su producción fermentativa utiliza productos derivados de la agricultura como fuente de carbono. A pesar de las ventajas mencionadas su uso está muy limitado porque su producción es todavía muy cara. Muchos empresarios al desconocer el uso de este material, no invierten en él y por ese motivo su uso es tan bajo. Pero supongamos que la producción se incrementa considerablemente. Aquí surgiría otro problema y probablemente el más importante de todos: concienciar a la población mundial a que aprenda a separar los envases hechos con bioplásticos ya que éstos no pueden ser mezclados con los plásticos convencionales a la hora de su reciclaje.

Con el gran avance tecnológico cada día se van mejorando las características de los biopolímeros para poder tener más aplicaciones en más áreas. Hoy en día los usos principales que se le da a estos materiales son: • Bolsas de plástico común, como las de supermercados. • Accesorios de telefonía móvil. • En países de Sudamérica como Chile se están utilizando en la agroindustria. • Plásticos comunes (botellas, unicel, tapas, cubetas bolsas etc.) • Industria automotriz (pequeñas piezas de vehículos) Este material tiene la misma resistencia y rigidez que el plástico tradicional, por lo que se usa en embalajes y envases (en algunos países de Europa se utiliza ya como material para el embalaje/ envoltura de productos alimenticios), en botellas, espumas, productos higiénicos y juguetes. Otro uso importante que se le está comenzando a dar en la electrónica y telefonía móvil, es que las empresas Mitsubishi y Sony lanzaron en Japón una carcasa para Walkman hecha con plásticos biodegradables. Motorola ha creado una carcasa reciclable mediante la técnica del compostaje para sus teléfonos móviles. Diversas empresas como Pioneer, Sanyo o Sony han desarrollado discos de almacenamiento y Fujitsu, Hewlett-Packard o NEC carcasas de ordenador a partir de diversos materiales bioplásticos. Otra novedosa área donde los bioplásticos están empezando a ser importantes es en la biomedicina: la ingeniería de tejidos (ingeniería que se dedica a la confección tejidos humanos a partir de materiales biodegradables) abre la esperanza a la futura producción de órganos para trasplantar. Los científicos que trabajan en esta área son conscientes de que todavía hace falta mucho tiempo para que se puedan crear pulmones, riñones o corazones, pero algunos elementos

Ventajas y desventajas Como todo producto, este material tiene sus ventajas y desventajas. Veamos algunas de ellas.

En definitiva, los bioplásticos tienen un gran potencial de cara al futuro ya que es una alternativa verde y ecológica que aprovecha los recursos naturales renovables. Pero hoy en día uno de los principales problemas de este material es su alto costo o también su baja resistencia a la acción de los microorganismos y/o su corta vida útil. Lo que es seguro es que si la demanda de los bioplásticos aumenta, éstos cada vez serán más baratos, serán una buena alternativa ante el impacto ambiental y podrán sustituir a los polímeros convencionales en toda el área de producción.


#tecnología

PODOACTIVA feel THE INNOVATION

Podoactiva es una empresa de base biotecnológica especializada en podología y biomecánica que trabaja para aumentar la calidad de vida de las personas, mediante la innovación tecnológica, el diseño y la fabricación de plantillas personalizadas.

Con el objetivo de prevenir y solucionar lesiones provocadas por una dinámica incorrecta en la marcha y el apoyo del pie, un equipo de especialistas podólogos, fisioterapeutas e ingenieros, trabajan realizando estudios biomecánicos muy precisos, sobre todo aquello que afecta a la “pisada” del paciente, a nivel de pie, rodilla y cadera, en busca de realizar un diagnóstico profesional muy claro que puede corregir defectos y pequeñas desviaciones que pueden condicionar la salud en el futuro, a través de tratamientos específicos

Estefanía Pabst Fernández @EstefaniaPabst1

y plantillas correctoras totalmente personalizadas. Son muchos los equipos que ya confían en este sistema, CAI ZARAGOZA, VALENCIA, LUCENTUM (Barcelona), SANITAS REAL MADRID, SELECCIÓN ESPAÑOLA, LIVERPOOL... Podoactiva distingue principalmente tres tipos de plantillas: Plantillas elite sport especializadas en infinidad de deportes y adecuadas a cada una de las necesidades de cada deportista, Plantillas Confort Line, la línea convencional de plantillas dirigi-


das a un uso diario de las mismas y Plantillas Elite Woman, diseñadas específicamente para cada pie y altura de tacón, con el objetivo de reducir las molestias y evitar la aparición de molestias asociadas a un uso prolongado de este tipo de zapatos. Como tecnología, se utiliza el 3D Scan Sport Podoactiva, patente mundial, que a diferencia de otros escáneres plantares que existen (que obtienen en general la imagen del pie pisando encima de un cristal) obtiene una imagen virtual del pie mediante láser, pisando a través de una membrana elástica, regulable en tensión, que consigue una geometría mucho más óptima para la posterior realización de la plantilla personalizada. Cuando el molde se obtiene directamente apoyando sobre el cristal, tanto la imagen del talón como la del antepié aparecen aplanadas y la bóveda plantar aparece sensiblemente disminuida. Este sistema, simula una situación real de carga del paciente dentro del zapato. Una vez obtenido este molde virtual, en el departamento de Ingeniería se diseña la plantilla utilizando un software específico en el que se aplican conceptos de cálculo de elementos finitos que permiten realizar una simulación virtual del comportamiento de la plantilla en el pie del paciente teniendo en cuenta su geometría, peso y dinámica. Podoactiva realiza plantillas específicas para cada deporte y para cada persona, con memoria elástica y flexibilidad. Se trata de una plantilla de EVA de alta calidad fabricada de forma robotizada, en distintas densidades en función de la patología y necesidades del paciente (bidensidad, tridensidad,etc.). Actualmente se está trabajando en un proyecto que plantea introducir la nueva tecnología de impresión en 3D como sistema para la fabricación de plantillas, tecnología que desde luego abarataría mucho los costes del producto final. Sin duda, tecnología, diseño y biotecnología nos hacen sentir muy de cerca la innovación.


#tecnología

sun&Sand

“Solar Sinter” , la impresora 3D solar mediante sinterización de arena. La revolucionaria máquina de Markus Kayser. Elisa del Caño de la Cruz

¿Quién no ha jugado nunca con las maravillas de nuestro astro solar? Intentando hacer una hoguera gracias a una lupa, dibujando algo sobre un papel, quemándolo con ella, o algún pillín que ha calcinado a un pobre bichito. Pues ahora los sueños de todo niño han tomado forma a lo grande mediante una impresora 3D que utiliza tan solo arena y luz solar para dar forma a todo lo que uno pueda imaginar, en un mundo cada vez más preocupado por las cuestiones de la producción de energía y la escasez de materias primas, este proyecto explora el potencial de fabricación del desierto, donde la energía y la materia se producen en abundancia. A Markus Kayser, el diseñador de este artefacto, le quedó el amor por la luz solar y la usó para algo más productivo que para lo que la usábamos de pequeños. Para esto, el proceso combina sol y arena con una tecnología de última generación; derritiendo el material y convirtiéndolo en objetos sólidos de vidrio, a través de un proceso de impresión tridimensional; a esto llegó fácilmente ya que como todo el mundo sabe el láser más potente del mundo es el sol y lo “único” que tuvo que hacer Markus fue crear un sistema que tomase esa energía y la aplicase, en este caso, para la impresora 3D. Lo hizo a lo grande: para

para poder capturar la mayor energía fue, nada menos, que al desierto del Sahara para probarla. “Solar Sinter” (Sinterización Solar) pretende plantear interrogantes sobre el futuro de la fabricación y provoca sueños de la plena utilización del potencial productivo de los recursos de energía más eficiente del mundo: el sol. Aunque no proporciona respuestas definitivas, este experimento tiene como objetivo proporcionar un punto de partida para nuevas ideas. Sin duda, las impresoras 3D son un tema de actualidad que está en boca de todo el mundo y que ya no representan el futuro, sino un presente con un gran futuro por desarrollar. La magia del 3D va un poco más allá con Solar Sinter, que es una, de las múltiples respuestas que la tecnología está buscando para desarrollar nuevas formas de impresión.


#tecnología

Elisa del Caño de la Cruz

mugenizer Carga tus dispositivos sin necesidad de cables.

Los Smartphones cada vez tienen más núcleos, más memoria RAM y más capacidad de software. Sin embargo el rendimiento de las baterías cada vez se hace más escaso… Bien es cierto que poco a poco los dispositivos van incrementando la capacidad y la duración de su batería, pero si les damos un uso “elevado” podemos tener serios problemas para llegar a final de día. ¿Cuántas veces nos ha podido dejar tirados nuestro Smartphone, en un momento importante por falta de batería o en viajes?, no importa el tamaño de nuestro bolso o mochila cuando uno sale de casa y descubre que se ha dejado el cargador encima de la cama. Es algo que todos hemos vivido, pero que no será un problema con la nueva batería externa e inalámbrica Mugenizer N11 de Mugen Power. La compañía hongkonesa ha lanzado un nuevo acumulador portátil. Ésta comparte dos características muy interesantes. En primer lugar la capacidad de su batería interna asciende hasta los 4.800 mAh, lo que representarían unas dos cargas de un HTC One o un Samsung Galaxy S4. Mientras que lo que realmente destaca es la posibilidad de usar la carga inalámbrica vía Qi Wireless Charging, una función que podremos usar en nuestros Nexus 4, Nexus 7 o si tenemos alguno, los Nokia Lumia compatibles con esta tecnología; además de tener la opción de cualquier batería externa para el resto de dispositivos móviles vía microUSB. La carga Qi, consiste en que podremos dejar cualquier teléfono compatible sobre la superficie de Mugenizer N11 y regresar al cabo de un rato para encontrarlo totalmente reabastecido. Además, ofrece tensión de 5V a 1A perfecto para cargar tu dispositivo. Tiene una forma de prisma

rectangular 75mm x 137mm x 14mm y un peso de 230 g, En la parte superior de la batería externa, se encuentra la base de carga Qi donde puedes dejar apoyado tu Smartphone o tablet y comenzará a cargar. Lo mejor de todo esto es que podrás cargarla en todo el mundo ya que le acompaña un cargador que a alimenta con tensiones que van de 100 a 250v. Mugenizer N11 ya está disponible en la web del fabricante a un precio de 69,99$ con gastos de envío gratuitos para todo el mundo. Tan solo recuerda cargarlo antes de salir de casa, o volverás a echar en falta ese bendito cable USB del que tanto querías olvidarte…


#tecnología

Cintiq22HD Cintiq24HD En cuanto al montaje Ambos modelos de Cintiq vienen con el cable DVI por defecto. Si tu ordenador lleva puerto DVI integrado sáltate esta sección. Si tu ordenador no lleva DVI (porque lleva VGA, Display Port, HDMI, etc.) vas a tener que desmontarla y volverla a montar con su cable correspondiente, que en el caso de la 24HD viene incorporado pero en el caso de la 22HD, no, con lo cual tendrás que adquirirlo aparte con el desembolso que ello conlleva. Calificación: • 24HD: Necesita mejorar. Se agradece que incluyan todos los cables. • 22HD: Tras pagar lo que vale el cacharro, no hace ninguna gracia gastarse otros 20 € en un cable

¿Estás pensando en hacerte con una tableta digitalizadora? Te contamos lo que necesitas saber sobre cada uno de estos modelos. Giselle Jonte Beceiro @Gis_Jonte


Ergonomía En este caso la balanza se decanta a favor de la 24HD que, gracias a su peana indestructible, permite que sigas sentado en tu silla de oficina de toda la vida mientras la pantalla baja incluso por debajo del nivel de tu mesa. El modelo 22HD demanda un poco más de cuidado. Para sacarle todo el partido, lo mejor es contar con una silla alta o taburete y una mesa también alta que te permita echarte sobre el monitor. La inclinación de la pantalla se acciona mediante levas en la parte trasera. En el modelo de 24, presionamos las de los dos lados a la vez y podemos subir o bajar a nuestro antojo. En el modelo 22HD con la leva izquierda bajamos la altura y con la derecha la subimos. Además en este modelo la pantalla es rotatoria como un volante con lo que podremos girarla para adaptarla mejor a cada trazo -casi todo el software actual tiene la opción de lienzo giratorio, así que no poder girar la pantalla no es un problema en la Cintiq 24HD. Calificación: • 24HD: Muy buena. La posibilidad de bajarla casi hasta las rodillas hace que puedas trabajar con ella en un escritorio normal. • 22HD: Muy buena siempre que cuentes con la mesa y el asiento adecuados. Pantalla Ambos modelos cuentan con un display H-IPS que cumple casi en su totalidad el espectro sRGB de Adobe. Esto significa que te puedes fiar de los colores si trabajas con ese perfil. El modelo 22HD cuenta con mayor brillo de pantalla. Por otro lado, la mayor resolución del modelo grande (120 pixels más en altura) hace que resulte algo más cómoda para proyectos en los que se incluye por ejemplo, una línea de tiempo. De cualquier manera, la visualización y el funcionamiento del puntero en ambos monitores es excelente. En las características técnicas dice que el tiempo de respuesta es 1 milisegundo menor en la 24HD. Calificación: • 24HD: Excelente. 2 pulgadas y media más y 120 pixels extra. • 22HD: Excelente. Más brillo y relación de contraste.

Y ahora te estarás preguntando: ¿pero cuál es mejor? Como en el enfrentamiento entre David y Goliat, ser más grande y más fuerte no significa ser mejor. A pesar de algunos inconvenientes, pensamos que hoy por hoy la Cintiq perfecta es la Cintiq 22HD. Las razones principales no vienen tanto por su funcionamiento sino por su peso. El modelo 22HD no es que sea ideal para sacarlo a la calle, pero por lo menos te lo puedes llevar contigo bajo el brazo a tu lugar de vacaciones, o cambiarlo de sitio en tu estudio cuando te apetezca sin necesidad de usar el carrito para la lavadora. Como muestra, un vídeo de cómo se hizo la ilustración de David y Goliat, dos horas y media de trabajo resumidas en 6 minutos

http://vimeo.com/534550997


#tecnología

la Fe rra ri Calos Pena Sanjurjo @Carlocholine

En el pasado Salón de Ginebra de 2013 brillaba sobre todo lo demás el rosso del nuevo Ferrari LaFerrari, el último y más especial de la serie de ultradeportivos de Maranello “F”, que además de ser una joya de la ingeniería hay que añadirle su exclusividad dado que solo se han fabricado hasta la fecha 499 unidades como del también conocido F150. La gran novedad que nos ofrece la marca italiana la descubrimos cuando vemos que es un híbrido, utiliza dos propulsores electrónicos alimentados por unas baterías ancladas al suelo del chasis con un peso de unos 60kg. ¿Pero cuál es la novedad más importante de este sistema híbrido del LaFerrari? Sin duda, su capacidad de recarga, ya que sus baterías no solo se recuperarán bajo las situaciones de retención o incluso de frenadas intensas con el ABS en pleno funcionamiento, sino que también lo harán bajo circunstancias de aceleración en curva. Cuando su V12 se encuentre generando mucho


más par del que necesita, toda esa potencia no solo no se enviará a sus ruedas (lo que generaría un gasto inútil de potencia y pérdidas exageradas de tracción), sino que toda esa energía se canaliza y es enviada hacia las baterías. Su chasis incluye hasta cuatro tipos diferentes de fibra de carbono, todas ellas desarrolladas, laminadas y secadas utilizando exactamente los mismos procesos que los monoplazas de F1. Con lo que el peso total se ha visto reducido respecto al anterior Enzo, así como que su rigidez torsional también aumenta en un 27 % con respecto a ese modelo. Pero el LaFerrari no detiene ahí sus novedades. Claro que no. Posee, por ejemplo, una aerodinámica activa, que aumenta el apoyo a velocidades elevadas y según las necesidades de la conducción y demanda de la potencia. Eso lo hace a base de monitorizar constantemente varios parámetros y, mediante algoritmos, es capaz de adaptar el ángulo de unos ‘flaps’ o álabes que tiene en el carenado inferior de la carrocería. Éstos, lo que hacen es cambiar el flujo de aire que pasa por debajo del coche para dirigirlos en mayor o en menor medida hacia el difusor posterior. En el apartado de frenos, todo tenía que estar a la altura de las circunstancias. Para ello, y al igual que su gran rival, el McLaren P1, incorpora un equipo de frenado de altas prestaciones que montan unos discos de un compuesto carbocerámico muy novedoso. Sus pinzas también son especiales. Todo firmado por Brembo, presentan un nuevo y estudiado diseño dirigido a ser aligerardas lo máximo posible y ofrecer una refrigeración óptima. Luca Cordero di Montezemolo, presidente de Ferrari, define el coche como “la máxima expresión de la excelencia de la compañía”. Sin dudarlo, diría que es el primero de muchos bólidos híbridos que en un futuro conoceremos, incluso un futuro muy próximo ya que las marcas competidoras han de responder a este mensaje claro y evolutivo que nos ofrecen los tifosi.

La novedad principal de LaFerrari es su capacidad de recargar su batería tanto en situaciones de retención , frenadas intensas con el ABS en pleno funcionamiento y aceleraciones en curva.


#tecnología #tecnología

GOOGLE Gl ss SECOND GENERATION Alejandro Estévez Landeira

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@alex_el92

La realidad aumentada empieza a ser una realidad tangible y el gadget más esperado avanza hacia su segunda generación. A finales de Octubre conocimos de la mano de Mary Lou Jepsen, una de las jefas de los Google X Lab, que la empresa está trabajando día y noche “durmiendo sólo 3 horas diarias”, palabras de Jepsen, desarrollando la segunda generación de Google Glass. Una noticia que a todo el mundo le ha desconcertado para bien y para mal. Las opiniones empezaron a extenderse, quizás Google necesitaba mejorar parámetros o simplemente la primera generación salió peor de lo que pensaba. Los únicos datos objetivos que tenemos entre manos es que Google se ha puesto a desarrollar una segunda generación de un producto

que nunca ha llegado a ponerse en venta en el mercado. Sólo miles de personas han podido probar la primera generación de Google Glass. Cierto es que Google ha dado a conocer, que estas primeras personas que probaron el dispositivo podrán invitar a otras 3 por cabeza a probar las gafas para compartir su experiencia. Lo cierto es que, aun así, Google Glass sigue recogiéndose en imágenes y vídeos pero de cara al mercado sigue siendo un fantasma que se dice que costará en 2014 (que se supone saldrá al mercado) unos 1500$. Un Smartphone en tus ojos. Eso es lo que Google sencillamente propone, esta segunda generación promete cambios: nuevas aplicaciones y funciones, el desarrollo de las gafas para usar con lentes graduadas y de sol, se le ha añadido un auricular para mejorar las prestaciones auditivas etc. Sin embargo, el diseño de


las gafas, que se ha podido ver en la página de Google+ de los Google X Lab han dejado para los diseñadores puros bastante que desear. Se ha tildado las gafas como un “disfraz de ciborg”. Obviamente este es un producto tecnicista donde el diseño estético queda en segundo plano y además es difícil abordarlo y mejorarlo, sin embargo el fuerte carácter robótico y pesado que las gafas aportan con el auricular y la zona de contacto con la nariz ha dejado a algunos desconcertados. La noticia es que la realidad aumentada se acerca al uso doméstico, puede que no a bajo coste, pero tratándose de un producto tan “novedoso” 1500$ pueden antojarse hasta bajos si los comparamos con otros sectores donde el mercado se dispara mucho más. Habrá que esperar a tener más noticias para ver cuándo podremos disfrutar ya en casa de Google Glass.


#recomendamos

Damián Calvo

@Damian_JCalvo

“el juego de ender” Último bombazo del 2013 en cuanto a cine sci-fi se refiere, “El Juego de Ender” es la adapación a la gran pantalla de la aclamada novela homónima de Orson Scott Card. El argumento presenta un futuro donde setenta años después de una guerra entre seres humanos y extraterrestres, un niño es enviado a una escuela militar espacial con el fin de prepararlo para una futura invasión. La película cuenta con un cuidado diseño conceptual entre el que destaca un modelo de Audi diseñado en exclusiva para el filme, como ya hiciera en “Yo, Robot”. “jet lag” Milosh El último disco del artista canadiense Milosh es un a autética oda a la sensualidad más suave y sugestiva. La casi femenina voz del autor se combina con unos beats suaves, unas letras cargadas de simbólismo y melancolía, y unas melodías etéreas para crear una sugestión perfecta. Sin duda un disco genial para crear una atmósfera que induzca a la calma y a la creatividad.

“The timeless racer” daniel simon A más de uno le sonará el nombre “Daniel Simon”, sobre todo si en la misma frase van las palabras “Tron: legacy” y “Oblivion”. Éste genio del diseño conceptual vuelve a sorprendernos con una obra, que no se limita a ser una mera colección de concepts, sino presenta a un protagonista, Vic Cooper, que como viajero en el tiempo, ha competido (o competirá) en las principales carreras de coches desde el 1916 hasta el 2615.


“white” Kenya hara Para el japonés Kenya Hara, el blanco no es sólo un color; es la piedra angular de un principio estético que considera la pureza y el vacio como la perfección formal a la que cualquier diseño debería tender. A lo largo de sus páginas, Hara hace numerosas referencias a su pais, cuyo refinamiento y sofisticación en la ejecución de cualquier disciplina artistica influyeron tan notablemente en los diseñadores de principio del sXX para sentar las base de lo que se acabaría por conocer como “minimalismo”.

“Jony Ive” Leander Kahney “Jony Ive, El genio detrás de los mejores productos de Apple” es un bestseller publicado el mes pasado por Penguin Group US, que nos cuenta a cerca de este diseñador industrial que revolucionó la industria tecnológica y que ha hecho de Apple una de las compañías más valiosas del mundo. A pesar de ser entrevistado en varias ocaciones, en esta edición, Kahney ofrece una perspectiva única sobre cómo Jonathan diseña productos que atraen fanáticamente a millones de personas.

“the swapper” De un tiempo a esta parte, las propuestas más interesantes y novedosas del mundo del videojuego vienen de la mano de estudios pequeños en forma de juegos “indie”. Es el caso de esta pequeña joya que, partiendo de una mecánica sencilla basada en generar clones del personaje para resolver puzzles, y gracias a una historia, ambientación y banda sonora magistrales, es capaz de hacerte sentir la absoluta soledad del espacio y profundizar en la conciencia de “lo que nos hace humanos”.


DAY SIGN MAGAZ NE

DAYSIGN Magazine Número 3  
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Número 3 de DAYSIGN Magazine. Actualidad sobre #Diseño #Arquitectura y #Tecnología

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