woody allen by David EB

LA PRIMERA REVISTA DE CINE

P ROTAG O N I STAS

ELIZABETH DEBICKI

EL GLAMOUR DE ‘TENET’

JOHN GOODMAN

EL GRAN TALENTO DE ‘NACIÓN CAUTIVA’ M U LTI PA N TA L L AS

HILARY SWANK MISIÓN A MARTE

MARIO CASAS

E N T R E V I STA E XC LU S IVA

02123 413042 882602

R E P O RTA J E S

‘LOS NUEVOS MUTANTES’

MARVEL SE PASA AL TERROR

‘AFTER. EN MIL PEDAZOS’ 70 AÑOS DE ÍDOLOS TEEN

‘THE KING’S MAN’

LICENCIA PARA ESPIAR

‘LAS NIÑAS’

ADIÓS A LA INOCENCIA

“Si nunca vuelvo a dirigir, el mundo seguirá”

WOODY ALLEN

‘ R I F KI N ’ S F E STIVA L’

3€ (Canarias 3,15 €, Andorra 3 €)

UN HOMBRE NUEVO

AÑO 73 · Nº 2123 SEPTIEMBRE 2020 fotogramas.es

SUMARIO

LA PRIMERA REVISTA DE CINE

P ROTAG O N I STAS

ELIZABETH DEBICKI EL GLAMOUR DE ‘TENET’

EL GRAN TALENTO DE ‘NACIÓN CAUTIVA’ M U LTI PA N TA L L AS

HILARY SWANK MISIÓN A MARTE

MARIO CASAS

3€ (Canar as 3 5 € Andor a 3 €)

UN HOMBRE NUEVO

E N T R E V I STA E XC LU S IVA

R E P O RTA J E S

‘LOS NUEVOS MUTANTES’

MARVEL SE PASA AL TERROR

‘AFTER. EN MIL PEDAZOS’ 70 AÑOS DE ÍDOLOS TEEN

‘THE KING’S MAN’

Hace 70 años, un jovencísimo Frank Sinatra ya levantaba pasiones en la América teen. Los ídolos de los Babyboomers y los Millenials o de la Generación Z serán distintos, pero el fenómeno fan es igual de potente. El estreno de After. En mil pedazos, la última saga en avivar este fuego adolescente, nos ayuda a echar la vista atrás y a recordar a las estrellas que activaron la mitomanía. Pág. 74

LICENCIA PARA ESPIAR

‘LAS NIÑAS’ ADIÓS A LA INOCENCIA

“Si nunca vuelvo a dirigir, el mundo seguirá”

WOODY ALLEN

‘ R I F KI N ’ S F E STIVA L’

Foto: Getty Images

Foto: Ruven Afanador CPi Syndication / Cordon

JOHN GOODMAN

Ese aroma de espíritu adolescente

AÑO 73 · Nº 2123 SEPTIEMBRE 2020 fotogramas.es

08 20 29 110 20 42 54 58 60 62 64 70 72

SECCIONES La Firma Invitada. Cineﬁlia. Fotomatón. Paula Usero. Rewind & Fast-Forward. ENTREVISTAS Ernesto Alterio, por Un mundo normal. Woody Allen, por Rifkin’s Festival . Maisie Williams, por Los Nuevos Mutantes. Elizabeth Debicki, por Tenet. John Goodman, por Nación cautiva. Verónica Echegui, por La ofrenda. Pilar Palomero, por Las niñas. Manele Labidi, por Arab Blues. Josephine Langford, Hero Fiennes

Tiffin y Dylan Sprouse, por After. En mil pedazos. 81 Alejandro Ibáñez Nauta, por Urubú. 96 Mario Casas, por El practicante. (VOD) 100 Víctor García León, por Los europeos. (VOD) 46 48 68 85 88

REPORTAJES Rifkin’s Festival. Sueños de un director. The King’s Man: La primera misión. Al servicio secreto de su Majestad. Pinocho. Cinco cosas que no sabía de Roberto Benigni. Reyes de la noche. Solos en la madrugada (TV). Away. Hilary Swank, elegida para la gloria (TV).

90 Escenario 0. La función va a empezar (TV). 95 Alex Rider. Yo fui un James Bond adolescente. (TV). HOMENAJES 30 Olivia de Havilland. 33 Alan Parker. FESTIVALES 40 Avance del 68º Festival de San Sebastián.

85 96 104 108 109

MULTIPANTALLAS Series. VOD. DVD. Videojuegos. Leer y Escuchar.

FOTOGRAMAS.ES · SEPTIEM BR E 2 02 0

SUMARIO ESTRENOS

26 AGOSTO LOS NUEVOS MUTANTES. PÁG. 54 Terror. MI GRAN DESPEDIDA. PÁG. 83 Drama. TENET. NÚM. 2.121 y PÁG. 58 Thriller.

28 AGOSTO ABOU LEILA. PÁG. 67 Drama. Crítica pág. 18 JUDY & PUNCH. NÚM. 2.122 Comedia dramática. Crítica núm. 2.122 SOLO LAS BESTIAS. NÚM. 2.120 Thriller. ¡VA POR VOSOTRAS!. PÁG. 80 Comedia. Crítica pág. 16

2 SEPTIEMBRE 100% WOLF: PEQUEÑO GRAN LOBO. PÁG. 83 Animación. ANTEBELLUM. PÁG. 80 Terror. HASTA EL CIELO. NÚM. 2.122 Thriller. Crítica pág. 15.

EN BUSCA DE SUMMERLAND. NÚM. 2.122 Drama. Crítica núm 2.122 MY HERO ACADEMIA. EL DESPERTAR… PÁG. 82 Animación. Crítica pág. 18. NACIÓN CAUTIVA. PÁG. 60 Ciencia-ficción. Crítica pág. 15 NO CREAS QUE NO VOY A GRITAR. PÁG. 67 Documental. Crítica pág. 14 SALIR DEL ROPERO. NÚM. 2.118 Comedia. Crítica núm 2.118 TECHNOBOSS. PÁG. 83 Comedia musical. Crítica pág. 17 THE FATHER. NÚM. 2.122 Comedia dramática. UN DIVÁN EN TÚNEZ. PÁG. 70 Comedia. Crítica pág. 15 UN MUNDO NORMAL. PÁG. 20 Comedia dramática. Crítica pág. 16

18 SEPTIEMBRE

A LAND IMAGINED. PÁG. 82 Thriller AFTER. EN MIL PEDAZOS. PÁG. 72 Drama romántico. LA DIOSA FORTUNA. NÚM. 2.122 Drama. Crítica pág. 17 ESTABA EN CASA PERO… PÁG. 67 Drama. Crítica pág. 16 LAS NIÑAS. PÁG. 64 Drama. Crítica pág. 13 EL SIGLO DE GALDÓS. PÁG. 83 Documental. TEMBLORES. PÁG. 82 Drama. UN ACUERDO ORIGINAL. NÚM. 2.118 Comedia. Crítica núm. 2.118

LA OFRENDA. PÁG. 62 Drama. Crítica pág. 17 PERFUMES. PÁG. 67 Comedia. PINOCHO. PÁG. 68 Fantástica. Crítica pág. 14 THE KING OF STATEN ISLAND PÁG. 82 Comedia dramática. Crítica pág. 18. THE KING’S MAN. PÁG. 48 Aventuras. SIN OLVIDO. NÚM. 2.122 Drama UNO PARA TODOS. NÚM. 2.122 Drama. Crítica núm. 2.122 URUBÚ. PÁG. 81 Thriller. VIVO. PÁG. 83 Documental. Y LLOVIERON PÁJAROS. NÚM. 2.117 Drama. Crítica núm. 2.127

11 SEPTIEMBRE

25 SEPTIEMBRE

COCO, EL PEQUEÑO DRAGÓN... PÁG. 83 Animación.

RIFKIN’S FESTIVAL. PÁG. 42 Comedia.

4 SEPTIEMBRE

NUESTROS COLABORADORES Como todos los meses, se suman a la Redacción personalidades del cine y la cultura.

JOSÉ LUIS REBORDINOS ¿Excluyentes o complementarios?. El director del certamen de San Sebastián reflexiona sobre los festivales de cine presenciales y on-line.

Pág. 8

RAMÓN BAREA El rodaje del drama La fuga de Segovia tuvo también sus momentos divertidos, como recuerda el actor bilbaíno.

Pág. 26

MANUEL VICENT Víctor Erice, Rafael Azcona y Pepe Sacristán son algunos de los grandes nombres de nuestra historia que recuerda el escritor en Mi cine espa–ol.

Pág. 27 • Las fechas de estreno, facilitadas por las distribuidoras, pueden ser modificadas por las mismas. • Las películas que se estrenarán la última semana de septiembre se reseñarán en nuestro número de octubre. • El listado completo de estrenos puede consultarse en www.fotogramas.es.

SE PT I EMBR E 2 02 0 · FOTOGRAMAS.ES

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ANTONIO NADAL RODÓ Fundador

JULIETA MARTIALAY Directora jmartialay@hearst.es

REDACTORES JEFE: Roger Salvans (Barcelona) rsalvans@hearst.es, Paula Ponga (Madrid) pponga@hearst.es JEFA DE EDICIÓN Y CIERRE: Sonia Guijarro sguijarro@hearst.es JEFES DE ACTUALIDAD: Óscar Cabrera ocabrera@hearst.es, Laura Pérez lperez@hearst.es DISEÑO: Hearst Laboratorio Creativo María Jesús Bocanegra, Israel Álvarez y Gerardo Hermoso. EDITORA GRÁFICA: Laura Párraga. FOTOGRAMAS.ES: DIRECTOR DIGITAL: Carlos Alonso carlosalonso@hearst.es REDACTOR WEB: Juan Silvestre jsilvestre@hearst.es. EDITOR DE VÍDEOS: Javier Díaz-Salado jdiaz-salado@hearst.es Colaboradores: María Aller, Sofia Machain, Cynthia Martín, Mireia Mullor, Ricardo Rosado, Rafael Sánchez. ASISTENTE DE DIRECCIÓN Y REDACCIÓN: Antonio Rodríguez (Tel. 91 728 93 12). Han colaborado en este número: Adonías, Ginna Agume, Ramón Barea, Jordi Batlle Caminal, María Caballero, Concepción Cascajosa, Fausto Fernández, Desirée de Fez, Sara González Vellón, Eulàlia Iglesias, Beatriz Martínez, Mr. Belvedere, Blai Morell, Jesús Palacios, Juan Pando, José Luis Rebordinos, Santiago Roncagliolo, Ricardo Rosado, Sergi Sánchez, María Solans, Mirito Torreiro, Antonio Trashorras, Isabel Vázquez, Pablo Vázquez, Manuel Vicent, Conrado Xalabarder, Manu Yáñez. Corresponsales: María Bernal (Los Ángeles), Marc Tió (Nueva York), Joe Utichi (Londres), James White (Los Ángeles). Fotos: Lorenzo Agius, Charlie Gray, Carlos Hidalgo, Peter Mountain, Andrea Resmini, Fernando Roi, Blai Tomàs, Julio Vergne, Quim Vives, A contracorriente, Avalon, BTeam, Compacto, DeAPlaneta, Diamond Films, eOne, Festival Films, Getty Images, Golem, Filmax, Flins & Pinículas, Karma, La Aventura, Paramount, Pirámide, Sherlock, Sony Pictures, Splendor Films, Surtsey, The Walt Disney Studios Company Spain, TriPictures, Universal, Vercine, Vértice, Vértigo, Wanda Visión, Warner. Cesión de derechos y material gráfico: Tel. 91 728 89 91 /91 728 89 92. documentacion@hearst.es DOCUMENTACIÓN: Luis Alguacil (Director), Sebas Redondo (Jefe de departamento).

Madrid Avda. Cardenal Herrera Oria, 3 28034 MADRID Tel. 91 7287000 - Fax 91 728 91 29

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#LOSNUEVOSMUTANTES #YOVOYALCINE

LA FIRMA INVITADA

¿SUEÑAN LOS CINEASTAS CON FESTIVALES ON-LINE?

n los últimos meses se ha intensificado el debate sobre si un festival on-line puede considerarse un festival de cine o no. Los defensores de lo on-line frente a lo presencial aportaban como argumentos que un festival on-line es mucho más barato que uno presencial y que es mucho más democrático, porque permite que accedan a él muchas más personas de una manera mucho más fácil. Los contrarios a los festivales on-line argumentaban que un festival es presencial o no lo es. Que las películas hay que verlas en las salas de cine y que, además del visionado de las películas, es igual de importante la experiencia comunitaria de aquellos que asisten a las muestras cinematográficas. También se ha hablado mucho de que ha sido la pandemia la que ha puesto sobre la mesa este debate y de que nada podrá ser igual a partir de ahora. Sin embargo, creo que el debate de lo presencial frente a lo on-line viene ya de lejos. El desarrollo de nuevas aplicaciones tecnológicas que permiten acceder a materiales audiovisuales desde diferentes dispositivos ya hace años que ha hecho que lo virtual sea parte importante de la industria audiovisual. Y creo, sinceramente, que tanto los que prefieren los festivales on-line como los que prefieren los presenciales tienen sus razones. Razones que puedo compartir, pero que no son excluyentes y que, además, se complementan.

DISTINTOS, NO ENEMIGOS Claro que un festival on-line es un festival y, por supuesto, puede ser un magnífico festival. Pero siempre será un festival distinto al presencial, que tiene otras características que lo definen. Para mí, sus dos características fundamentales son: por una parte, que las películas se exhiben en salas de cine; por otra, que fomentan y desarrollan una comunidad de personas que se juntan para ver películas, intercambiar experiencias o hacer negocio. Y, en muchos casos, para las tres cosas. 8

S EP TI E MBR E 2 02 0 · FOTOGRAMAS.ES

Por José Luis Rebordinos*.

El festival on-line es un complemento perfecto para los festivales presenciales. Puede servir para ofrecer primicias de películas que tienen un difícil acomodo en el circuito comercial o en el de los grandes festivales del año. Pueden ser grandes prescriptores para volver a poner en valor películas que ya han sido estrenadas en otros festivales presenciales, pero que, gracias a los festivales on-line, van a tener una segunda oportunidad y van a poder ser vistas por muchísimas más personas. Un ejemplo perfecto de esto sería la revalorización, reciente“NO UTILICEMOS mente, por parte del festival LAS NUEVAS on-line D’A Film Festival TECNOLOGÍAS Barcelona, de dos excelentes COMO ARMAS películas como son My Mexican ARROJADIZAS, Bretzel, de Nuria Giménez, estrePERO TAMPOCO nada antes en el Festival de Cine de Rotterdam, o Las buenas RECHACEMOS LOS CAMBIOS EN intenciones, de Ana García Blaya, estrenada con anterioridad en la NOMBRE DE LA sección New Directors del Festival PUREZA”. de Cine de San Sebastián. Las nuevas tecnologías nos ofrecen nuevas oportunidades. No las utilicemos como armas arrojadizas para sustituir aspectos del mundo de los festivales que son positivos y que funcionan correctamente, pero tampoco en nombre de la pureza de los festivales presenciales rechacemos los cambios y las trasformaciones que tan necesarios van a ser en estos tiempos tan complicados. Lo on-line y lo presencial tienen que colaborar y complementarse. ◆

*José Luis Rebordinos es director del Festival de Cine de San Sebastián desde 2011, miembro de la European Film Academy (EFA) y Miembro de Honor de la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de Argentina. En 2015 recibió la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes.

Foto: Gema Checa.

La inminente edición del Festival de San Sebastián tendrá este año un formato mixto presencial y on-line. Su director reflexiona sobre un debate que es anterior a la pandemia, pero que ahora cobra más fuerza que nunca. ¿Excluyentes o complementarios?

EL CINE COMO LA VIDA MISMA

HERMANOS DE SANGRE

dmítelo: te cae mal tu hermano. Tu hermana también. Los quieres, no cabe duda. Los adoras. Pero hay entre ustedes toda una vida de peleas por juguetes, envidias por horas de salida, sobrenombres hirientes… Te conocen tanto que se saben todas tus debilidades. Y te las recuerdan cada vez que te pones pretencioso, ilustradas con anécdotas bochornosas de tu pasado. Sí. Les donarías un riñón. Pero a cambio de su lengua. De eso trata la serie The Umbrella Academy. Bueno, también de poderes sobrenaturales, viajes en el tiempo, politoxicomanía, el asesinato de Kennedy, gurús lisérgicos y la lucha racial en los Estados Unidos. Pero sobre todo, de eso. Los hermanos Hargreeves tienen nueva temporada, y esta también es un derroche de imaginación trepidante, lleno de giros sorprendentes y momentos extremos (casi demasiados, de hecho. Las tramas están tan concentradas que cada capítulo te deja como un asalto de boxeo). Resulta especialmente notable en una serie de fantasía el notorio esfuerzo por tocar los temas más candentes de la actualidad, y en particular, de la identidad. En general, hoy en día hay más diversidad sexual y étnica en las series de televisión que en la realidad. Los productores del Hollywood de hoy ya no ordenan a los guionistas: ‘pon una rubia con tetas grandes’ sino ‘pon una mujer trans enfrentada al rechazo de la sociedad patriarcal’. Es de agradecer, porque después de un siglo de radio y televisión, las historias de familias blancas que intentaban proteger a toda casta el himen de sus hijas ya no daban mucho más de sí. Sin embargo, The Umbrella Academy nunca se ha caracterizado por la sobriedad, e incluso para los estándares actuales, pulveriza todos los límites, bate todas las marcas, destroza todos los listones. Así pues, tres orientaciones sexuales y cuatro tipos raciales repartidos en solo seis hermanos es el sueño de Judith Butler, 10

SEP T IE MBRE 2 02 0 · FOTOGRAMAS.ES

Por Santiago Roncagliolo*.

el paraíso de la política identitaria, el objetivo final del ministerio de Irene Montero. ¿Y cómo se consigue que eso tenga sentido en una trama? Ambientando la historia, gracias al poder de los viajes temporales, en los revolucionarios años sesenta, cuando todo cambió. O empezó a cambiar. Cuando salieron al mercado los anticonceptivos, y la juventud pasó a ser una cualidad admirada en vez de una enfermedad infantil. Pero todo eso es solo el decorado. De lo que en realidad trata The Umbrella Academy es de ti y tus hermanos (o hermanas o hermanes o como se deba decir). De cómo gente que ha vivido “EN GENERAL, HAY igual puede ser tan diferente. MÁS DIVERSIDAD Y cómo, para sobrevivir, neceSEXUAL Y ÉTNICA sitan mantenerse unidos. Si funciona toda esa pirotecnia HOY EN DÍA EN de efectos especiales, asesinos LAS SERIES DE TELEVISIÓN QUE EN sin escrúpulos, monos que hablan y conspiraciones políLA REALIDAD”. ticas, es porque, en el fondo, The Umbrella Academy habla de cosas que todos hemos vivido y sentido, aunque hayamos pasado la vida en un pueblo perdido de las montañas. Piénsalo. Te ha ocurrido muchas veces: si no armonizas tus poderes con tus hermanos, el mundo puede explotar. Bueno, para los Hargreeves, esa idea no es ninguna metáfora. ◆

*Santiago Roncagliolo, escritor peruano autor de célebres novelas como ‘Pudor’ –llevada al cine por David y Tristán Ulloa en 2007–, ‘Abril rojo’ o ‘El material de los sueños’ (Arpa), que explora la relación entre realidad y ficción.

Foto: Getty Images.

La loca serie ‘The Umbrella Academy’, con tercera temporada ya confirmada, permite al autor reflexionar sobre algunos asuntos, pero uno en especial: ¿cuándo funciona la pirotecnia de una ficción? Cuando en el fondo es capaz de hablar de algo más viejo que el mundo y que nos atañe a todos.

ARCHIMEDE

RAI CINEMA

R O B E R T O

una película de

JEREMY THOMAS

p re s e nta

B E N I G N I

MATTEO GARRONE

e l c u e n t o m á s q u e r i d o c o b ra v i d a 18 SEP TI E MBRE S OLO EN CI NES

Cr’ticas

LA PISTA DE LAS ESTRELLAS: ★★★★★ ★★★★★ ★★★★★ ★★★★★ ★★★★★

IMPRESCINDIBLE NO SE LA PIERDA NO LO LAMENTARÁ SE DEJA VER ALLÁ USTED

Celia (Andrea Fandos, en el centro) con el resto de ‘Las niñas’.

Las niñas

★★★★★

Las niñas (España, 2020, 97 min.). Dir.: Pilar Palomero. Int.: Andrea Fandos, Natalia de Molina, Zoe Arnao, Julia Sierra. DRAMA.

na secuencia magistral, la que abre esta espléndida ópera prima, concentra el sentido del film: un coro de niñas canta. Pero de su boca no salen sonidos: se trata de un ensayo gestual, no de un canto propiamente dicho, tal como vemos cuando la voz de la monja que dirige el coro indique a las alumnas el sentido de lo que están haciendo. Y a continuación, ‘exonerará’ (en realidad, sancionará) a cinco de ellas para que se limiten a hacer muecas, no canto. Universo de mujeres. Esta secuencia que instaura el sentido de lo que vamos a ver tiene un plano visual, lo que se muestra, pero también una realidad oculta. Al igual que quienes oigan al coro no lo oirán en su totalidad, nosotros tampoco sabremos, en primera instancia, quién dice verdad y quién miente. Film enteramente centrado en

un universo de mujeres –como mujeres avanzar la trama a partir de un impreson, en su mayoría, las profesionales sionante trabajo de su elenco infantil, que lo han alumbrado, comenzando por un prodigio de naturalidad. Y poco a Pilar Palomero en un brillante poco, lo que se va abriendo debut–, que nunca renuncia a paso no es solo la contradicPARA ESPECTADOR@S SENSIBLES Y AMANTES un punto de vista autoral, pero ción entre una España tradiDE LAS HISTORIAS que está siempre atento al cional, representada por la COTIDIANAS. detalle más nimio relacionado familia del pueblo y el ambienLo mejor: Andrea con Celia (Andrea Fandos), te del colegio religioso, y una Fandos… y todas cuantas la acompañan. la protagonista, y su siempre en vías de rápido cambio, sino Lo peor: prácticamente cansada madre (Natalia de también una sospecha abyecta nada. Molina). La directora mez(quién es realmente el padre cla con habilidad inusual el pequeño de la niña), sobre la que la directora no apunte –la ropa que Celia ansía tener, se pronuncia, pero a la cual deja abierta por ejemplo– con interrogantes de la puerta para que mentes retorcidas, mucha más enjundia, provocados por la como la mía, busquen respuesta. Nasúbita irrupción en el limitado horizonrrada con insólita madurez, cuidadosa te de Celia de la llegada de una extraña, respecto a cómo representar el mundo Brisa (Zoe Arnao), con la que comparte femenino, Las ni–as confirma el gran algo capital: es huérfana como ella, pero momento que vive el maltratado cine no solo de padre, también de madre. español en lo que hace a la emergenContradicciones y preguntas. Desde esa cia de nuevos talentos. Y la vitalidad presencia que provoca una callada imparable del cine hecho por mujeres y explosión en la vida de la niña, se van dirigido a cualquier público inteligente. trenzando las preguntas a su madre: qué Mirito Torreiro pasó con su padre, por qué no tienen Entrevista con Pilar Palomero en p‡g. 64 relación con su familia… Palomero hace ESTRENO: 4 SEPTIEMBRE FOTOGRAMAS.ES · SEPTIE M BRE 2 02 0

CRÍTICAS

No creas que voy a gritar ★★★★★

Ne croyez surtout pas que je hurle (Fra., 2019, 75 min.). Dir.: Frank Beauvais. DOCUMENTAL.

na de las costumbres de Frank Beauvais en su muro de Facebook es deconstruir, en cada uno de sus posts, una película distinta en unos cuantos fotogramas que no la identifiquen. Films como El techo de cristal, El monstruo del abismo o El caso de Thelma Jordan se mezclan con Ritual in Transfigured Time o First Cow. Serie B, exploitation, cine clásico, experimental: las catePARA ROBINSONES DE gorías se diluyen, LA CINEFILIA se homogeneizan, INTROSPECTIVA. porque se busca la Lo mejor: la singularidad de la singularidad de la propuesta no se pelea imagen. Un gesto, con su descarnada un objeto, un paihonestidad. saje, de repente se Lo peor: a pesar de lo breve de su metraje, es desprenden de su densa y claustrofóbica. narrativa y se

Federico Ielapi y Alida Baldari Calabria.

Pinocho ★★★★★

Pinocchio (Italia, Francia, R. U., 2019, 125 min.). Dir.: Matteo Garrone. Int.: Federico Ielapi, Roberto Benigni, Rocco Papaleo, Marine Vacth, Massimo Ceccherini. FANTÁSTICA.

uando Matteo Garrone adaptó la novela de Roberto Saviano, Gomorra, muchos lo consideraron como heredero del neorrealismo más descarnado, capaz de radiografiar la camorra desde dentro a través de una perspectiva documental cruda y gélida. Sin embargo, su rumbo cambió hacia 14

SE P TI E MBR E 2 02 0 · FOTOGRAMAS.ES

hacen libres: su valor icónico es bello y aleatorio. La memoria del cine es un alfabeto que podemos utilizar para contar nuestra historia como si fuera única y a la vez universal; como si alguien la hubiera imaginado (o recordado) antes que nosotros. Es lo que hace Beauvais cuando se confina voluntariamente en un remoto pueblo de Alsacia, después de cortar con su novio, y decide sumergirse en una cinefilia voraz, 450 películas en seis meses, dormir, comer, ver y rever, como si en las imágenes encontrara claves para explicar no solo su depresión sino la depresión de un país, Francia, asustado por el terrorismo. Beauvais escribe el diario íntimo de su encierro a través de irreconocibles fragmentos de cine, construyendo una película autobiográfica que es, también, un fascinante reflejo del miedo que atenaza al mundo. Su voz en off, monótona y torrencial, apenas deja pausas para respirar, ahoga las imágenes como una marea lunar. Estoy en tierra de nadie, entre la duda y la cólera contenida,

territorios más alegóricos e imaginativos y, aunque nunca haya abandonado la realidad como objeto de estudio, ha preferido abordarla utilizando el elemento fabulador para acercarse de una manera más simbólica a las miserias del ser humano. Al fin y al cabo, no hay nada más oscuro y sórdido que un cuento, y Garrone parece haberse embarcado en la difícil tarea de recordárnoslo, en esta ocasión a través de la adaptación de uno de los relatos más célebres de la literatura popular italiana, el Pinocho de Collodi, en la que un títere de madera que quería ser un niño de verdad tuvo que aprender a sobrevivir en un mundo profundamente degradado en el que no había lugar para la inocencia y la pureza. Para ello el director nos introduce en un universo que bascula entre la pobreza y la magia, entre Pasolini y Fellini, en el que se conjuga la truculencia y la belleza, el naturalismo y la fantasía en una extraordinaria mezcla entre efectos especiales y orfebrería artesanal. Es una combinación que provoca inevitablemente extrañeza y al mismo

Una de las imágenes del film de Beauvais.

dice. Demasiado viejo para la revolución, demasiado joven para resistirme a ella. En ese limbo Beauvais no solo descubre que el cine le sirve para explicarse a sí mismo –es decir, que cualquier imagen, por irrelevante que parezca, puede hablarnos de un modo escandalosamente íntimo– sino que nos coloca en un lugar que está entre la vida y la muerte, y que depende de nosotros decantar la balanza hacia el sí o hacia el no. Sergi Sánchez Más información en pág. 67 ESTRENO: 11 SEPTIEMBRE

tiempo magnetismo a medida que nos vamos introduciendo en el camino de iniciación de este antihéroe que siempre toma la decisión equivocada. Garrone se deja llevar por la narración episódica del relato y utiliza como referencias estéticas las ilustraciones originales de Enrico Mazzanti, envueltas por los claroscuros propios del realismo impresionista. Y aunque conocemos a la perfección cada uno de los pasajes, PARA LOS QUE NO parece como si los TIENEN MIEDO A viéramos por priDEJARSE LLEVAR POR LA BELLEZA DE UN mera vez. Siempre CUENTO TRISTE. hay algo que sorLo mejor: la fragilidad prende en este itique desprende Benigni nerario que bascula encarnando a un inolvidable Geppetto. entre la ternura y el Lo peor: que no se horror y que ofrevalore como merece la ce momentos de valentía de la propuesta. auténtica pesadilla que convierten la película en una dolorosa indagación en torno a la infancia y la vejez herida, la soledad y la muerte. Beatriz Martínez Ent. con Matteo Garrone en núm. 2.118 Protagonista Roberto Benigni en pág. 68 ESTRENO: 18 SEPTIEMBRE

Hasta el cielo ★★★★★

Hasta el cielo (España, 2020, 120 min.). Dir.: Daniel Calparsoro. Int.: Miguel Herrán, Luis Tosar, Carolina Yuste, Patricia Vico, Fernando Cayo, César Mateo. THRILLER. Machine Gun Kelly y Ashton Sanders.

Nación cautiva ★★★★★

Captive State (EE. UU., 2019, 109 min.). Dir.: Rupert Wyatt. Int.: John Goodman, Ashton Sanders, Jonathan Majors, Vera Farmiga, Kevin Dunn, James Ransone. CIENCIA FICCIÓN.

upert Wyatt, el director que sentó las bases sobre las que se cimentaría la nueva y brillante trilogía de El planeta de los simios y también autor de la muy estimable El jugador, da un ligero paso atrás con esta aparente película de ciencia ficción. Paso atrás porque, aunque hay que aplaudir su atrevimiento a la hora de abordar un género ampliamente trillado como es el de las invasiones extraterrestres con una perspectiva diferente (¿qué pasa cuando los aliens triunfan y se quedan?), una PARA ESPECTADORES cosa son las QUE BUSQUEN intenciones, VISIONES ALTERNATIVAS DE LAS y otra el TÍPICAS INVASIONES resultado final. ALIENÍGENAS. Y lo de apaLo mejor: que nade a rente película de contracorriente. Lo peor: un trabajo de ciencia ficción, montaje pero que muy porque bajo mejorable. ese disfraz a lo Emmerich se esconde algo parecido a un thriller conspiranoide de los 70 con ecos de la mayestática El ejército de las sombras de Melville, donde los alienígenas se la traen al pairo y prefiere centrarse en el evidente subtexto político y en sugerir antes que mostrar, desechando el efectismo de corto alcance. Habría sido de agradecer que esas buenas ideas que subyacen se hubieran desarrollado mejor, pero a pesar de no salir airosa del honorable envite, siempre hay que ponerse a favor de los que huyen de lo adocenado frente a los que se repiten más que el ajo. Blai Morell Entrevista con John Goodman en pág. 60 ESTRENO: 11 SEPTIEMBRE

aniel Calparsoro es, posiblemente, nuestro director con una concepción del cine más a lo Hollywood en su variante atronador espectáculo de acción. Esta que es su mayor virtud encuentra su punto débil, común a este tipo de películas, en mantener el difícil equilibrio entre el despliegue visual y una historia y unos personajes que emocionen y enganchen. En esta, que es su cinta más redonda tras Cien años de perdón, las aparatosas persecuciones al volante, alunizajes contra reloj, asaltos a punta de pistola y panorámicas a ojo de dron van ahogando una trama con una galería de tipos más bien esquemáticos, que según avanza parece trazada con plantilla, a pesar de algún giro de guion. Miguel Herrán y Carolina Yuste, dos intérpretes natura-

Golshifteh Farahani.

Un diván en Túnez

★★★★★

Un divan à Tunis (Francia, 2019, 88 min.). Dir.: Manele Labidi. Int.: Golshifteh Farahani, Majd Mastoura, Hichem Yacoubi, Amen Arbi, Ramia Ayari, Aïsha Ben Miled. COMEDIA.

n su debut como directora, Manele Labidi tira de su propia experiencia para hablarnos sobre el siempre difícil regreso a casa, la convivencia entre pasado y presente en una sociedad en la que tradición y modernidad chocan, y la necesidad de encontrar, sea donde sea, tu propia comunidad para levantar tu refugio. Y lo hace llevándonos al Túnez de justo después de la Revolución del Jazmín, pero en lugar

Carolina Yuste y Miguel Herrán. PARA DEJARSE LLEVAR POR LA ADRENALINA DE LAS IMÁGENES SIN COMPLICACIONES.

Lo mejor: la química que hay entre Carolina Yuste y Miguel Herrán. Lo peor: la sensación de haber visto antes lo que se cuenta.

les, aunque cada vez más maduros, aportan sentimiento y autenticidad a una pareja hecha a su medida, que gana peso dramático según se enfrenta

a un destino incierto. La película, que puede recordar una versión 3.0 del cine quinqui, se disfruta bien como un entretenimiento sin más. No acaba de funcionar, sin embargo, la crítica social que propone. Juan Pando Entrevista con Miguel Herrán y Fotomatón con Carolina Yuste en núm. 2.122 ESTRENO: 2 SEPTIEMBRE

de apostar por el drama o el film denuncia, Labidi transmite su mensaje en forma de comedia amable: una trama simpática contada desde un punto de vista femenino que es a la vez forastero y autóctono y en el que late el trasfondo social, una situación que se asume con resignación pese a marcar el devenir de todos los personajes. Como el de la psicoanalista que regresa a su país para ejercer tras estudiar en Francia, PARA AMANTES DE LAS Selma –una COMEDIAS SIMPÁTICAS CON sutil Golshifteh TRASFONDO SOCIAL. Farahani, sus Lo mejor: las reacciones son un ‘busterkeatonianas’ descubrimiento caras de Farahani. Lo peor: algunos de sus cómico–, centro secundarios parecen de una narración salidos de una sitcom. que salta de los tópicos de sal gorda a un realismo mágico con un refrescante toque árabe. Un contraste como el de la sociedad que describe, así como los deseos y miedos que, pese a conocidos, nos cuesta asumir. Roger Salvans Entrevista con Manele Labidi en pág. 70 ESTRENO: 11 SEPTIEMBRE

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CRÍTICAS

Céline Sallette y Kad Merad.

¡Va por nosotras! ★★★★★

Une belle équipe (Francia, 2019, 95 min.). Dir.: Mohamed Hamidi. Int.: Kad Merad, Alban Ivanov, Céline Sallette, Sabrina Ouazani, Laure Calamy, Guillaume Gouix. COMEDIA.

ohamed Hamidi demostró talento para la feel-good movie (un género en decadencia en casi todos los países menos en Francia) en obras como La vaca (2016) o Bienvenidos al barrio (2019). El problema de abordar la temática feminista y los estereotipos de género mediante un idealismo tan políticamente correcto es que su convencionalismo aniquila cualquier atisbo de denuncia.

¿Existe entonces la necesidad de narrar otra afable historia de mujeres futbolistas con la osadía justa? Así es cuando los prejuicios siguen vigentes y la taquilla prefiere la cortesía al activismo del tipo Ken PARA QUIENES CREAN Loach. Lo mejor QUE EL ENCANTO NO ESTÁ REÑIDO CON LA de Hamidi (extraREIVINDICACIÓN. polable a otros Lo mejor: su mensaje títulos) es cómo altruista se come al libera su comedia universo futbolero. Lo peor: algunos de pretensiones: chistes rancios propios refleja una reade José Luis Moreno lidad social sin por parte de los maridos. recurrir al melodrama y, en la liga de cine ‘buenrollero’, este equilibrio supone un triunfo. Nada más honesto que un film humanista que entretiene sin exceso de sermones. Obviando cierto paternalismo nos quedamos con un relato necesario donde, con el permiso de la enorme comicidad de Laure Calamy, la sororidad es la verdadera protagonista. María Caballero

S EP TI E MBRE 2 02 0 · FOTOGRAMAS.ES

Maren Eggert y Dane Komljen.

Entrevista con Ernesto Alterio en pág. 20

Más información en pág. 67

ESTRENO: 11 SEPTIEMBRE

ESTRENO: 4 SEPTIEMBRE

ESTRENO: 28 AGOSTO

Un mundo normal (España, 2020, 103 min.). Dir.: Achero Mañas. Int.: Ernesto Alterio, Gala Amyach, Ruth Díaz, Pau Durà, Magüi Mira, Raquel Villarejo Hervás. COMEDIA DRAMÁTICA.

Ich war zuhause, aber (Alemania, Serbia, 2019, 105 min.). Dir.: Angela Schanelec. Int.: Maren Eggert, Jakob Lassalle, Clara Möller, Franz Rogowski, Lilith Stangenberg. DRAMA.

En cambio, Un mundo normal funciona en su dimensión afectiva. Mañas Lo mejor: los propone persopersonajes y las derivas excéntricas del relato. najes sólidos, Lo peor: su descripción todos ellos sumide un presente artístico dos en un proen crisis. ceso de cambio bien explicado; describe con claridad las relaciones (contradictorias por humanas) entre ellos; y se permite ciertas fugas a lo extravagante que ojalá explote más en sus siguientes películas. Desirée de Fez

Más información en pág. 80

★★★★★

uizá cueste entrar en el cine de Angela Schanelec, la más radical de los cineastas de la Escuela de Berlín. La directora lleva a cabo aproximaciones oblicuas, circundantes y metonímicas a los procesos emocionales que viven sus protagonistas, de manera que el espectador se adentra sin plano de situación y a tientas en el metraje, y le lleva un tiempo empezar a ver el cuadro general. Aquí el que forman una mujer y sus dos PARA RECOGERSE EN hijos todavía en UN OASIS CRISTALINO tránsito de repaY LUMINOSO DE CINE DE LA MODERNIDAD. ración interior Lo mejor: la intensa tras la muerte del conversación (más bien esposo y padre soliloquio) sobre arte y dos años atrás. mentira. Lo peor: que se perciba La superficie como adusto un film calmada y esquitan acogedor. va de Estaba en casa, pero… se ve sacudida por los momentos en que la protagonista, una espléndida Maren Eggert, se desahoga con la intensidad propia de un personaje chejoviano y por las fugas no exentas de humor en torno a la compra de una bicicleta. Los bellísimos encuadres y los planos detalle de inspiración bressoniana (Schanelec explicita su adscripción en un prólogo animal lleno de crueldad y ternura) no apelan al rigor formal sino a la fragilidad de la belleza y a la convicción de que el mejor camino para el reencuentro nunca es la línea recta. Eulàlia Iglesias

Un mundo normal

iez años después de Todo lo que tú quieras (2010), una película extraña, arriesgada y hermosa que merece ser revisada, Achero Mañas regresa con una comedia dramática algo más convencional y que aborda dos asuntos. Uno son las relaciones familiares y el misterio de los afectos. El otro, la importancia de mantenerse fiel a uno mismo. Es en su reflexión sobre esto último, sintetizada en la relación de los personajes con el arte (Ernesto Alterio da vida a un director teatral que sueña con hacer un musical y acaba rodando una serie de televisión que no le interesa), donde la película funciona peor. Su visión de la diferencia entre el arte y la creación alimenticia y, en relación con esto, su retrato del presente resultan ingenuos.

Estaba en casa, pero...

Magüi Mira y Ernesto Alterio. PARA FANS DE LAS PELÍCULAS QUE ABORDAN EL MISTERIO DE LAS RELACIONES FAMILIARES.

La ofrenda

★★★★★

L’ofrena (España, 2020, 90 min.). Dir.: Ventura Durall. Int.: Àlex Brendemühl, Verónica Echegui, Anna Alarcón, Pablo Molinero. DRAMA. Miguel Lobo Antunes.

Technoboss ★★★★★

Technoboss (Portugal, Francia, 2019, 112 min.). Dir.: João Nicolau. Int.: Miguel Lobo Antunes, Luísa Cruz, Américo Silva, Tiago Garrinhas, Sandra Faleiro. COMEDIA MUSICAL.

a pregunta es qué es lo que busca realmente Luís Rovisco (extraordinario Miguel Lobo Antunes), el antihéroe de Technoboss, mientras recorre Portugal como técnicocomercial de una compañía de sistemas de seguridad. ¿Busca satisfacer su orgullo de ‘gran’ salesman o el trabajo es una mera excusa para desplegar sus dotes de bon vivant, cantar canciones y leer novelas de Georges Simenon? La realidad es que, más allá de la ética profesional y el hedonismo PARA ADEPTOS A LOS que parecen VIAJES FÍLMICOS MÁS guiar al personaIMPREDECIBLES. je, Luís Rovisco Lo mejor: la perfecta se revela como combinación de alegría de vivir y melancolía. una figura subLo peor: sus alardes versiva y melanmodernistas pueden cólica, enfrentadesconcertar. do a la avaricia del capital y perseguido por los achaques de una vejez inclemente. Por su parte, Technoboss de João Nicolau se presenta como una obra igual de esquiva que su protagonista, un film que entrecruza con espíritu punk la comedia musical, la trama detectivesca, la odisea fantasmagórica y el drama romántico-crepuscular. En una proeza digna del Jean-Luc Godard de los inicios o el Miguel Gomes actual, Nicolau se atreve a componer un sublime número musical al son del Aserejé de Las Ketchup. Toda una celebración de la libertad del cine de la modernidad.

Manu Yáñez Más información en pág. 83 ESTRENO: 11 SEPTIEMBRE

l sentimiento de culpa, el remordimiento y el perdón son los temas centrales de La ofrenda, con la muerte y el suicidio a modo de condimentos. Hay en la primera hora de metraje una trama intrigante, que se despliega como un thriller detectivesco y nos mantiene con los ojos muy abiertos: ¿qué sucede? ¿Qué pretenden Echegui y Brendemühl? ¿Qué secreto oculta Alarcón?… Se van despejando los interrogantes con una serie de flashbacks que remiten al lejano pasado de Brendemühl y Alarcón. Y a la hora de proyección, la escena crucial del encuentro de las dos parejas en la comida dominical, tensa y excitante en tanto que ya entonces tenemos más información que algunos de los comensales. Poco después,

Jasmine Trinca, Sara Ciocca y Edoardo Brandi.

La diosa Fortuna

★★★★★

La dea Fortuna (Italia, 2019, 114 min.). Dir.: Ferzan Ozpetek. Int.: Stefano Accorsi, Jasmine Trinca, Edoardo Leo, Sara Ciocca, Edoardo Brandi, Serra Yilmaz. DRAMA.

in la fuerza o la urgencia del cine de sus inicios (Hamam: El baño turco, El último harén), pero aún con la sensualidad LGTBIQ+ y esa tenaz identidad mediterránea como irrenunciables marcas de estilo, el director turco afincado en Italia Ferzan Ozpetek añade un nuevo matiz a uno de los temas que siempre han marcado su cine: la pasión. O en lo que queda cuando esta se desvanece, punto sobre el que gira

Àlex Brendemühl.

Echegui, en una escena con Brendemühl, saca toda la artillería interpretativa Lo mejor: una Echegui en el que quizás entregadísima a un personaje complejo sea el momento y difícil. más brillante de Lo peor: cuesta creerse su carrera; en ciertas actitudes de los personajes. La ofrenda, todas las actuaciones son notables, pero la protagonista de Yo soy la Juani (Bigas Luna, 2006) se lleva la mejor tajada. Lástima que al final el interés decaiga y la resolución sea tan inverosímil. Jordi Batlle Caminal PARA EXPLORADORES DE LAS ZONAS SECRETAS DE NUESTRAS RELACIONES SENTIMENTALES.

Entrevista con Verónica Echegui en pág. 62 ESTRENO: 18 SEPTIEMBRE

su último trabajo, La diosa Fortuna. Eso es lo que les sucede a Arturo y Alessandro, quienes, tras 15 años de relación y en esa tierra de nadie que es la mediana edad, se ven obligados a poner en espera miedos, recelos e inseguridades cuando una amiga Annamaria –Jasmine Trinca, radiante como siempre–, les pide que cuiden por un tiempo de sus dos hijos. Ozpetek deambula sin acabar de decidirse por el PARA AQUELLOS QUE drama románNO QUIEREN RENUNCIAR A LA tico, la comedia PASIÓN. familiar, el retrato Lo mejor: la energía costumbrista o el que aportan al film cuento infantil Jasmine Trinca y Barbara Alberti. –impagable Lo peor: las tramas Barbara Alberti, secundarias. guionista de Yo soy el amor (L. Guadagnino, 2009) como bruja mala– en una trama que se agarra a la luz de una Roma y una Sicilia espectaculares, pero se resigna ante el paso del tiempo y el recuerdo de todo lo que hemos perdido. Roger Salvans Más información en núm. 2.122 ESTRENO: 4 SEPTIEMBRE

FOTOGRAMAS.ES · SEPTIE M BRE 2 02 0

CRÍTICAS

Pete Davidson y Steve Buscemi.

The King of Staten Island ★★★★★

The King of Staten Island (EE. UU., 2020, 136 min.). Dir.: Judd Apatow. Int.: Pete Davidson, Bill Burr, Marisa Tomei, Maude Apatow, Steve Buscemi. COMEDIA DRAMÁTICA.

s curioso que un autor de personalidad tan marcada como Judd Apatow a menudo acabe funcionando como una suerte de complemento-amplificador de talentos no siempre afines a su universo. Es decir, sorprende que alguien con un estilo, temas e incluso tics tan reconocibles, y cuya presencia resulta siempre tan detectable, tanto si

ejerce como director, guionista o productor, aporte de modo tan eficaz como ausente de ego sus mañas de cinéfilo encallecido, sin desvirtuar la identidad de gente tan valiosa y a la vez irregular (cuando vuelan PARA AMANTES DEL solos) como Adam APATOW MENOS DADO AL GAG QUE A LA Sandler (Hazme DEFINICIÓN DE reír, 2009), Amy PERSONAJES. Schumer (Y de Lo mejor: lo bien que repente tú, 2015), funciona el humor en una historia de tono Lena Dunham (la naturalista. serie Girls) o este Lo peor: su metraje, Pete Davidson, algo excesivo. alma y cuerpo de The King of Staten Island. Hábil mezcla del Davidson más pocho y el Apatow más empático, estamos ante una muestra de costumbrismo agridulce más próxima a la veracidad de un Hal Ashby, o al realismo obrero de los Angry Young Men que a cualquier ejemplo de la comedia contemporánea que se nos pudiera ocurrir. Antonio Trashorras Más información en pág. 82 ESTRENO: 18 SEPTIEMBRE

My Hero Academia: El despertar de los héroes ★★★★★

Boku no hîrô akademia The Movie (Japón, 2019, 104 min.). Dir.: Kenji Nagasaki. Int. (voces): Daichi Endo, Misato Fukuen, Kiyotaka Furushima, Ryô Hirohashi. ANIMACIÓN.

a clave de My Hero Academia, el exitoso anime de Kenji Nagasaki, siempre ha sido el traspaso de poderes y, en la segunda película de la serie de jóvenes aspirantes a héroe, se insiste en la necesidad de hacerlo de manera voluntaria. Por suerte para todos, los hay que todavía prefieren quedarse con lo que no es suyo por la fuerza, permitiéndonos conocer a un nuevo villano dispuesto a robar capacidades sobrehumanas para volverse indestructible. Sin embargo, la sencillez de su propuesta no llega a aclararse hasta bien entrada la trama, momento en el que los que se estrenen aquí con las desven-

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Un fotograma del film.

turas de los alumnos de la Clase 1-A respirarán aliviados al descubrir que, pese al listado Lo mejor: sus escenas de nombres inide acción no necesitan explicación previa. cial, la farragosa Lo peor: su enrevesado introducción solo inicio parece indicar conduce a una lo contrario. irresistible colección de escenas de acción entre tipos con buenas y malas intenciones. Por supuesto, todo termina en un deliciosamente exagerado clímax final tan nipón como el sake, vergonzante deus ex máchina incluido. Ricardo Rosado PARA FANS CON GANAS DE REAFIRMARSE Y NEÓFITOS SIN MIEDO AL ‘NAME-DROPPING’.

Abou Leila ★★★★★

Abou Leila (Argelia, Francia, 2019, 135 min.). Dir.: Amin Sidi-Boumédiène. Int.: Slimane Benouari, Lyès Salem, Azouz Abdelkader, Fouad Megiraga, Meriem Medjkrane. DRAMA.

Lyès Salem.

omparada con el cine de Antonioni tras su paso por el Festival de Cannes (pensando, quizá un tanto a la ligera, en El reportero), este árido neowestern, tras su falso arranque naturalista, se zambulle en unas aguas bastante más cenagosas, que combinan con acertado desconcierto ensoñación, realidad y pesadilla, a la manera del Jodorowsky de El topo o el Arrabal de Viva la muerte. La cita de Blake que abre la película da pistas sobre lo que persigue SidiPARA EXISTENCIALISTAS Boumédiène en DESENCANTADOS, este exordio tan PERO SALVAJES. llamativo como Lo mejor: la magnífica fotografía y el uso de la sobrecargado; a música de la banda pesar de situarse Asva. en la Guerra Civil Lo peor: su excesiva duración. argelina de los años 90, al igual que la reciente Papicha, sueños de libertad, al cineasta no le interesa articular un manifiesto libertario ni marcar un camino hacia la esperanza. Su intención es muy otra y, a la postre, más ambiciosa: realizar un diagnóstico sobre la caza del hombre como un modo de abrir unas escalofriantes puertas de la percepción. Un apocalipsis antropófago que se topa con una inmediatez inexorable. Lástima que el camino del exceso aquí también capture sus rehenes y el resultado resulte forzosamente deslavazado y, en ocasiones, algo errático.

Más información en pág. 82

Pablo Vázquez Más información en pág. 67

ESTRENO: 11 SEPTIEMBRE

ESTRENO: 28 AGOSTO

Cinefilia

TA S I V E R ENT

ERNESTO ALTERIO

EL DESEO DE SER OTRO Lejos queda aquel lluvioso día de 1974 en el que un Ernesto Alterio de cuatro años aterrizaba en Madrid, desde su Buenos Aires natal, para reunirse con su progenitor, exiliado en España tras las amenazas de muerte de la extrema derecha en su país. El hijo de Héctor, hermano mayor de Malena, y padre de Lola, que podría prolongar la dinastía artística, es hoy uno de nuestros intérpretes más solicitados.

¿Se puede llevar el apellido Alterio y no ser actor? Supongo que hay opciones. Yo lo intenté. Me matriculé en Historia, pero no lo conseguí. Me costó aceptar que quería actuar, como mi padre, pero era un deseo tan puro, que acabó por imponerse. Si descompones mi apellido, de origen italiano, se convierte en Alter-io, Otroyo, un nombre muy propio para un actor. ¿El intérprete se desdobla en dos personalidades? Lo que tiene es un deseo muy fuerte de ser otra persona, y ha encontrado el vehículo para hacer realidad esa fantasía. Es curioso porque cuando yo ejecuto mi oficio, o sea, cuando soy otro, se pone en juego algo muy mío que no se da cuando no tengo un personaje. Siento la interpretación como un instrumento muy poderoso de conocimiento de uno mismo y del mundo. Debería ser asignatura en el colegio, porque hace mucha falta ponerse en el lugar del otro. Se evitarían muchos conflictos si nos acostumbráramos a hacerlo desde críos. Yo me gano la vida así, entendiendo a otras personas. Sus personajes, desde Cuarteto de La Habana, Los lobos de Washington o Días de fútbol, a los 20

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más recientes, como en La sombra de la ley, Ventajas de viajar en tren o Lo dejo cuando quiera, suelen compartir un punto excéntrico y hasta extremo. Me gustan los papeles ricos y con posibilidades expresivas diferentes. El sentir que lo que viene no lo he hecho ya. Explorar terrenos nuevos. Y, mirando hacia atrás, veo que ha habido bastante variedad en mi trabajo. ¿Le dio algún consejo su padre cuando empezaba? Él no es de aconsejar ni le gusta asumir el rol de maestro; aunque lo es, a pesar suyo, porque transmite muchísimo. Me decía al principio, con sentido del humor, que cuando trabajase en teatro hablase alto, y cuando lo hiciera en el cine, llevase el texto sabido y consiguiera una silla. O sea, que fuera preparado para esperar, que es lo que más se hace en los rodajes, y buscase un lugar tranquilo en el lío que es un set. Hay un personaje en su familia del que apenas se habla en las entrevistas, Ángela Bacaicoa, su madre. Es nuestro pilar. Una mujer muy carismática, fuerte, inteligente, estudiosa y muy madre, aunque a veces, como psicoanalista que es, le puede la deformación profesional. Le consulto y le digo: Mamá tengo este problema, y en lugar de responderme: No te preocupes, verás como todo va a salir bien, que es lo que me gustaría escuchar, me contesta: ¿Y por qué crees que te pasa eso? ¿Se ha psicoanalizado? Sí, muchos años, y sigo haciéndolo, una vez por semana. Me viene bien. Me ayuda sobre todo a ordenar mi cabeza, porque yo tengo siempre mucha actividad en la azotea. Además, así me soluciono yo Ernesto Alterio y Gala Amyach, padre mis cosas y no molesto e hija en el film. a la gente.

‘UN MUNDO NORMAL’ El director de El Bola, Noviembre y Todo lo que tú quieras, Achero Mañas, vuelve a ponerse tras la cámara después de un largo silencio para rendir homenaje a su madre, la actriz Paloma Lorena, en la tragicomedia con elementos autobiográficos Un mundo normal. Su protagonista es un inestable cineasta (Ernesto Alterio), en plena crisis profesional y vital, que se empeña en cumplir la última voluntad de su progenitora (Magüi Mira) de arrojar su cuerpo al mar. Para lograrlo, secuestra el cadáver, con la complicidad de su hija (Gala Amyach), lo que provoca la incomprensión de su hermano (Pau Durà) y su exmujer (Ruth Díaz). ESTRENO: 11 SEPTIEMBRE

Foto: Julio Vergne.

Su participación en el Festival de Málaga, donde hace doblete con ‘Un mundo normal’ y ‘Crónica de una tormenta’, no es más que el aperitivo de un otoño en el que el actor estrenará la miniserie ‘Alguien tiene que morir’ e iniciará una gira teatral. Por Juan Pando.

“Me psicoanalizo desde hace años. Ahora voy una vez por semana. Así me soluciono yo mis cosas y no molesto a la gente”.

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CINEFILIA # ENTREVISTA

“Mi personaje en Un mundo normal tiene una hija y se acaba de separar, como yo cuando la rodaba”. PARTICULARÍSIMO 1. Debutó en el cine compartiendo plano con Jeff Goldblum en ‘¿Matar a mi mujer? Era una broma’. 2. En sus inicios trabajó de payaso, como su personaje en ‘La montaña rusa’. 3. Entre sus primeros éxitos teatrales destaca Rosencrantz y Guildenstern han muerto, con Juan Diego Botto. 4. Es sobrino nieto del legendario guardameta argentino Eduardo ‘Pibón’ Alterio y, guiño del destino, ‘Días de fútbol’ lanzó su carrera. 5. En la serie ‘Vientos de agua’ rememoró el viaje de los emigrantes europeos a Argentina, como el que hizo su abuelo italiano. 6. Los tres Alterio solo han coincidido en el corto ‘Entre nosotros’.

Bacaicoa parece un apellido del norte de España. Es el nombre de un pueblo de Navarra. Somos italianos por mi padre, pero de origen navarro por mi madre. Su hermana, mi tía Norma Bacaicoa, que falleció en 2010, fue una gran actriz y pedagoga. A ella recurrimos Malena y yo cuando decidimos ser actores. Fue nuestra maestra, nos inculcó el rigor en la profesión. Con ella preparé mis primeros trabajos. Un mundo normal trata de las relaciones de un cineasta con su familia, ¿algún paralelismo? Yo creo que no eliges los proyectos sino que son ellos quienes te escogen para que tú te digas algo a ti mismo y se lo puedas transmitir a la gente. Tengo, como mi personaje, una hija, y como él, cuando rodaba la película estaba recién separado de su madre [la actriz Juana Acosta]. Nuestras situaciones eran parecidas. Este papel supuso un desafío porque a la chi-

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ca la encarna Gala Amyach, que es la hija de Achero Mañas, el director, que cuenta en el film una historia muy personal, y yo lo interpreto a él. Ha sido un viaje emocional muy intenso. ¿Es su hija, Lola, que acaba de cumplir 14 años, quien lo centra, como al protagonista? La que más, y en lo importante. ¿Ve en ella la chispa de la vocación? Sí. Va a clases de teatro y le interesan mucho todas las expresiones artísticas: actuar, cantar. ¿Qué queda de aquellos días cuando puso en marcha con Guillermo Toledo, Alberto San Juan y Nathalie Poza el grupo Ración de oreja, el germen de lo que luego fue la compañía Animalario? Fueron comienzos maravillosos, pero yo estuve con ellos solo en el principio. Ahora, años después, he trabajado en el montaje Shock (El Cóndor y el Puma), con Andrés Lima, que fue el director de Animalario durante años. Por esta obra, con la que saldremos de gira en octubre, estoy nominado al premio Max a Mejor Actor, que se concederá en una gala prevista para el próximo 7 de septiembre, en Málaga. Ha estado nominado al Goya al Actor Revelación por Los años bárbaros (Fernando Colomo, 1998) y como Actor Protagonista por Días de fútbol (David Serrano, 2003), pero se le resisten los galardones. Siempre hace ilusión recibirlos, pero no es lo que me mueve. Hace más ilusión llegar a la gente y el mejor premio es mantener una continuidad en un trabajo tan inestable como este. ¿Cómo va en ese capítulo laboral? Tengo pendiente de estreno dos películas. Una es un thriller, Orígenes secretos, de David Galán Galindo, con superhéroes y mucho humor. La otra, un drama, Crónica de una tormenta, de Mariana Barassi, que ha supuesto un desafío para Clara Lago y para mí, que lo protagonizamos, porque hay escenas de 18 páginas de guion, lo que supone actuar durante casi diez minutos seguidos, con varias cámaras. Tras unos años en los que no hacía televisión ha empezado a prodigarse en este medio, y lo hemos visto en Las chicas del cable y Narcos: México. Hubo una época en la que me costaba, pero ahora se hacen cosas muy potentes y trabajo de modo indistinto en teatro, cine y televisión. En enero terminé la miniserie Alguien tiene que morir, de Manolo Caro, el creador de La casa de las flores, que está a punto de estrenarse en Netflix. Es un drama con Carmen Maura y Cecilia Suárez, pero no estoy autorizado a contar más. Y ahora tendría que estar en Argentina haciendo Santa Evita, serie dirigida por Rodrigo García, cuyo rodaje se ha retrasado al próximo mes de marzo, sobre lo que sucedió con el cadáver embalsamado de Eva Perón. ◆

CINEFILIA

EN EL PUNTO DE MIRA

FAHRENHEIT 451 AL ROJO VIVO La (histórica) derogación, 71 años después, de la normativa que acabó con el Hollywood clásico impidiendo a los estudios ser propietarios de los cines.

ROBERT PATTINSON Se lo rifan. El futuro hombre murciélago coprotagoniza la esperadísima Tenet de Nolan y El diablo a todas horas, estreno mundial en Netflix. Icono de autor y de blockbuster.

INGRID GARCÍA JONSSON Su presencia es lo más refrescante y chispeante de Salir del ropero.

Fotos: Getty Images.

GALA AMYACH Despunta a la altura de su padre de ficción Ernesto Alterio en Un mundo normal.

SERGI LÓPEZ Autenticidad imprescindible: tiene La boda de Rosa en cartel y está en lo nuevo de Woody Allen.

RAÚL ARÉVALO Un tándem perfecto el suyo con Juan Diego Botto en Los europeos.

ASIA ORTEGA La catalana resalta en Hasta el cielo y pronto la veremos en Malnazidos, inaugurando Sitges.

CHARLIE HEATON Subido a la cresta de la ola: tras la de Strangers Things, el spin-off de X-Men, Los nuevos mutantes.

Las (excelentes) cifras de Padre no hay más que uno 2: La llegada de la suegra, que denotan que el público también quiere contenido en pantalla grande e invitan a confiar en la sala de cine como pieza clave en la reconstrucción del sector. Segura arriesgó con su decisión de estrenar y ganó. El (potente) fichaje de Martin Scorsese por Apple TV + para desarrollar proyectos de cine y tv, camino que inició con El irlandés de la mano de otro gigante del streaming.

CALDEADO La (buena) acogida de Madre de Sorogoyen en Francia: 60.000 espectadores en 3 semanas y posicionada en el top ten de la taquilla francesa. La (consolidada) rotación de los Goya por España, con próxima estación en Valencia, en 2022, culminando el Año Berlanga. El (sereno) comunicado de Antonio Banderas el día de su 60 cumpleaños declarando que ha dado positivo en la

prueba de coronavirus y la (directa) forma con que Dani Rovira ha encarado el proceso de su enfermedad en redes, desde la crudeza del tratamiento, primero, hasta el final feliz ahora: ¡Estoy curado!.

NI FRÍO NI CALOR La (virtual) gala de los Emmy, los premios más importantes de la televisión, este 20 de septiembre. El (frontal) desnudo de Brys Efe en Por H o por B, con sus partes teñidas de rosa.

ZONA GLACIAL La (creciente) tendencia en aras de la corrección política de recontextualizar o de excusar el argumento y trazo de personajes de la mayoría de películas anteriores a esta década: se empezó por Lo que el viento se llevó y ahora le ha llegado el turno a Sillas de montar calientes. El (cuestionado) requisito del festival de Venecia de que los periodistas españoles acreditados envíen una prueba PCR negativa realizada a menos de 72 horas de llegar a la Mostra. La (reabierta) investigación por parte de la fiscalía francesa de una denuncia por agresión sexual y violación contra Gerard Depardieu presentada por una joven actriz.

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CINEFILIA

El diario de la Redacción JULIO

El musical La llamada de Los Javis (Ambrossi y Calvo) vuelve a sonar en la casa que lo vio nacer, el madrileño Teatro Lara (tres años después de su exitosa adaptación cinematográfica) con una nueva versión.

Matthew McConaughey da ‘luz verde’ (Greenlights, ed. Penguin Random House) a los recuerdos, poemas, canciones y emociones que escribe desde que era niño en lo que ha calificado como una carta de amor a la vida. ¿Memorias? Algo parecido, aunque muy diferente.

Juan Echanove parece haberle cogido el gusto (y algunos sentidos más) a recorrer los mejores restaurantes de España. Esta vez será sin Imanol Arias, en la serie de Amazon De la vida al plato, donde algunas Estrellas (Michelin) le cuentan sus secretos.

Mañana cumplen años J.K. Rowling y su criatura más querida (y rentable), Harry Potter, por lo que Mattel aprovecha para lanzar muñecos de colección de los mágicos moradores de Hogwarts.

Ben Affleck mostrará en una película sobre cómo se hizo Chinatown (Polanski, 1974) el cambio industrial y artístico en Hollywood a partir de los 70 que relata el libro de no ficción The Big Goodbye: Chinatown and the Last Years of Hollywood, de Sam Wasson.

Aplaudimos la iniciativa de FlixOlé de recuperar joyas de nuestro cine, como la restaurada Cielo negro (Manuel Mur Oti, 1951) con Susana Canales, Fernando Rey y Luis Prendes.

AGOSTO

La versión cinematográfica de la masacre de Vitoria, 3 de marzo (ópera prima de Víctor Cabaco) triunfa en el Puglia International Film Festival de Italia con cuatro premios.

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Hoy todo el mundo habla a gritos, pero nadie escucha.

El 6 de agosto de 1945, la primera bomba nuclear de la historia destrozó la ciudad nipona de Hiroshima. Sobrecogidos por el recuerdo, 75 años después regresamos a la genial Hiroshima, mon amour, de Alain Resnais.

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Diego Luna en el coloquio Pan y Circo de Amazon Prime Video.

Hunters de Amazon Original (con Al Pacino, Logan Lerman y más…), basada en hechos reales y producida por Jordan Peele, anuncia regreso a la caza de nazis con una segunda temporada.

La actriz Natalie Portman y su beligerante activismo feminista han arrastrado a otras guerreras como Eva Longoria, Jennifer Garner o Jessica Chastain a invertir en el club de fútbol femenino Angel City. Una jugada de gol.

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Soy una bestia de teatro. A mí me gusta el teatro, me duele el teatro.

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Biografía de ‘Alberto Closas. A un paso de las estrellas’ (Francis Closas y Silvia Farriol, ed. Cátedra).

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Este año su distintivo como festival de guerrilla toma sentido al ser uno de los primeros en celebrarse. El Festivalito de La Palma inaugura edición con el actor Sergi López como premiado con la Estrella Polar del certamen.

Luca Guadagnino (Call Me by Your Name) sigue esta vez los pasos del Zapatero de sueños Salvatore Ferragamo en un film muy personal e íntimo sobre la trastienda del genio italiano que ya ha presentado en Venecia.

Aplaudimos la donación de 100.000 dólares por parte de George Clooney y su esposa, la abogada libanesa Amal Alamuddin, para paliar los daños de la dramática explosión en el puerto de Beirut de comienzos de agosto.

El talento británico, con Olivia Colman a la cabeza, apoyada por Emma Thompson o Daniel Radcliffe entre otros, cierra filas para paliar los estragos de la COVID-19 en el arte. La Theatre Community Fund ya ha recaudado 1,3 millones de dólares.

Helen Hayes, Audrey Hepburn, Mel Brooks, Mike Nichols… y ahora Alan Menken. El compositor entra en el club EGOT (poseedores de Emmy, Grammy, Oscar y Tony) .

Diez años apoyando el cine independiente tienen premio. Cinemes Girona ya ha puesto a la venta su tradicional abono anual (59 €) para empaparse de buen cine.

Muéstrate tal como eres, ama lo que eres y nunca dejes de perseguir tu sueño. Con semejante declaración de intenciones, Lady Gaga (Ha nacido una estrella) se convierte en la imagen de la nueva fragancia de Valentino Voce Viva.

Si aceptan la invitación de la Academia de Hollywood, Ana de Armas, Icíar Bollaín; los productores Enrique Lavigne, Álvaro Longoria y Luis Manso, o las directoras de casting Eva Leira y Yolanda Serrano, entre otros, están a un paso de los Oscar… participando en las próximas votaciones.

Despedimos a Las chicas del cable en una exposición del Espacio Fundación Telefónica de Madrid, que incluye un sorteo para coleccionistas.

Huéspedes como Charles Chaplin o Audrey Hepburn colmaron de glamour el hotel mallorquín Formentor durante sus 90 años de existencia. Ahora, el documental Formentor, el mar de las palabras, de José Luis López-Linares, resucita (en Filmin) las historias más cinéfilas de aquel exclusivo rincón del Mediterráneo.

Arranca el VII Festival Internacional de Cine de Calzada de Calatrava con la proyección de la cinta boliviana preseleccionada para los Oscar, Fuertes. La historia de Cañada; un homenaje a Morricone, y retrospectiva de Almodóvar.

Asistimos a la presentación del taller de inmersión fílmica de Oliver Laxe (Lo que arde, 2019) que se realiza en Navarra el 6 de agosto. Una oportunidad para adentrarse en las claves siempre enigmáticas de su filmografía.

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Cuando estás rodando tienen la excusa perfecta para convertirte en algo de su propiedad. Con 12 horas al día no tienes tiempo de nada. Por eso los actores estamos infantilizados.

La pandemia ha dejado en las cunetas a miles de animales abandonados, que la actriz y escritora Nuria Gago rescata en su primer corto como directora, Su vida en tus manos, defendido por Esther Acebo.

Cameron Diaz, actriz.

Felicitamos a la gallega Emma Ríos, ex sufridora-trabajadora del ritmo endiablado de Marvel, por haber ganado el Oscar de los cómics (Eisner) con el diseño de la portada de Bella Muerte, inspirada por el cine surrealista.

Benn Northover (39), actor británico y resignado marido de Marta Etura en la Trilogía del Baztán, ficha por la firma de moda Zara como modelo masculino de sus nuevas colecciones básicas.

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Llega a España Amor en cuarentena, la estimulante y novedosa iniciativa teatral impulsada y estrenada en Argentina por Leonardo Sbaraglia. El espectador interactúa a través de audios de WhatsApp con un actor (presunto) amor del pasado. Fantasía para mitómanos.

Regresa ‘Baby’ Houseman 33 años después de haber enamorado al díscolo Swayze al ritmo de la (taquillera) Dirty Dancing (Emile Ardolino, 1987). La actriz Jennifer Grey retoma, cumplidos los 60, el espíritu de la mítica canción (I’ve Had) The Time of my Life, en la arriesgada secuela que ya prepara Jonathan Levine.

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Fotos: cortesía de Salvatore Ferragamo, Filippo Monteforte, Getty Images, Noemí Elías, Instagram @zaraman.

CINEFILIA # ¡QUÉ PELÍCULA LA DE AQUEL RODAJE!

PARECIDOS RAZONABLES

Por Ramón Barea.

EL CALVO Y EL DEL BIGOTE Parapsicólogo en ‘Voces’, en cartel, y padre de la protagonista de ‘La boda de Rosa’, Ramón Barea no ha olvidado su debut en el cine en ‘La fuga de Segovia’. Cuando se presentó La fuga de Segovia (Imanol Uribe, 1981) en el Festival de San Sebastián, se organizó una fiesta en el Palacio de Aiete. Había que ir de chaqueta y corbata y como Álex Angulo y yo no teníamos, nos las prestaron Julián Vinuesa, el exhibidor, y Quique San Francisco. De camino nos cruzamos con Marisa Paredes, que nos dijo: Os he visto en la película. Extraordinaria. Es necesario hacer un cine que cuente estas historias. Los actores están muy bien y vosotros, los presos, también. En el film se advertía que habían participado en él algunos de sus auténticos protagonistas, militantes de ETA, y nos había tomado por dos de ellos. No hay mayor elogio para un actor que lo confundan con su personaje. El caso es que cuando Imanol Uribe vino en busca de intérpretes al local en el que ensayaba nuestro grupo de teatro, Karraka, nos echó un vistazo a todos y dijo: A ver, el calvo y el del bigote. O sea, Álex y yo. Le debió de parecer también a él que teníamos pinta de etarras. Para entonces, nosotros llevábamos una década haciendo

teatro independiente, desde que éramos veinteañeros; pero esta era nuestra primera película. Recuerdo que en el rodaje estaban los guardias civiles de mentira y también los de verdad, que asesoraban y vigilaban porque manejábamos armas y para que aquello no fuese en detrimento de los valores del cuerpo. Eran los años 80 y acabábamos de estrenar la nueva situación política del país. Me acuerdo también de que cuando se acabó el presupuesto, a mitad, surgió más dinero de modo misterioso. Y de que a los actores vascos nos doblaron, a mí, en concreto, Daniel Dicenta. He rodado luego muchas películas. Estuve incluso a punto de desfilar por la alfombra roja de los Oscar cuando nominaron al premio el corto Éramos pocos (Borja Cobeaga, 2005), aunque al final no fui por mi fobia al avión. Pero mis recuerdos de La fuga de Segovia se mantienen más claros que del resto. Supuso una experiencia muy intensa para mí porque con ella descubrí lo que era hacer cine. ◆

AMPARO BARÓ Y THELMA RITTER Envío de: El hermano manco de Scaramouche (Barcelona).

AIDAN GALLAGHER (The Umbrella Academy) Y JORDI VILCHES Envío de: Toni Lasierra (Canet de Fals, Barcelona).

LOUISE LABEQUE (Zombi Child) Y ANNA PAQUIN Envío de: Louis del Lunes (Eixample, Barcelona).

‘LA BODA DE ROSA’ SE ESTRENA EL 21 DE AGOSTO

TERA PATRICK Y OLIVIA MUNN

Álex Angulo, Ramón Barea y Guillermo Montesinos en ‘La fuga de Segovia’.

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STEVE BUSCEMI Y MACAULAY CULKIN

Envío de: El Mercenario (e-mail).

Fotos: Archivo Fotogramas y Getty Images.

Envío de: Román González (e-mail).

CINEFILIA # MI CINE ESPAÑOL

QUIZ

Por Manuel Vicent.

Escritor de cine, de literatura que parecía cine y de obras adaptadas al cine. Dedicamos nuestro ‘quiz’ a la vena cinéfila del fallecido Juan Marsé.

AQUELLA ‘BELLE ÉPOQUE’

A. Donde tú estés (Germán Lorente, 1964) fue el primer guion firmado por Marsé, y su protagonista era el francés… 1. Maurice Ronet. 2. Charles Boyer. 3. Alain Delon. 4. Louis Jordan. 5. Jean-Pierre Léaud.

La publicación de su última novela, ‘Ava en la noche’ (Ed. Alfaguara), nos invita a regresar de la mano del escritor Manuel Vicent al cine español de la posguerra, a los guiones de Rafael Azcona y a la belleza narrativa de los silencios de Víctor Erice. Europa, a la italiana Antonella Lualdi. ¿Algún director al que admire? A ‘la Coixet’, sin duda. ¿Con quién le gustaría trabajar mano a mano en un guion adaptado? Con Gutiérrez Aragón, si se decidiera a volver. ¿Qué película le impresiona por la forma en la que transcurre la narración? El espíritu de la colmena (V. Erice, 1973). Es la posguerra de verdad, narrada a través del silencio. Así sonaba la posguerra, y está captado a través de los ojos de una niña maravillosa (Ana Torrent). El Sur también es una ensoñación. ¿Se encargaría de un guion para el cine más allá de las escenas que escribió en Tranvía a la Malvarrosa? Siempre que fuera como los de Azcona, sí. En Tranvía…, Fernán Gómez estaba contratado solo para una escena y, como era un superdotado, la bordó a la primera. Entonces me llamó García Sánchez para que le escribiera rápidamente otra escena porque le quedaba toda la tarde libre. Azcona era el guionista, pero me permitía esas licencias. Me encantaría entrar de lleno en la mitología del cine, donde tienen que confluir 70 cosas bien hechas. Cualquiera de ellas que falle, te saca de la pantalla. Es un mecanismo de precisión emocionante, nada es gratuito. ◆

B. ¿Qué famosísimo pianista, amigo de Fernando Trueba, toca este instrumento en El embrujo de Shanghai (2002)? 1. Ramón Valle. 2. Paquito D’Rivera. 3. Pérez Prado. 4. Michel Camilo. 5. Bebo Valdés. C. ¿Qué utiliza Norma (O. Muti) para probar la virilidad de Juan (I. Arias) en El amante bilingüe (V. Aranda, 1993)? 1. Le unta aceite. 2. Cuenta las horas en la cama. 3. Le cuelga un zapato del sexo. 4. Le ata las manos toda una noche. 5. Le disfraza de mayordomo. D. La única aparición de Marsé en el cine como actor fue un papelito en Libertad provisional (1976) del realizador: 1. Mario Camus. 2. Emilio Martínez Lázaro. 3. Roberto Bodegas. 4. Pilar Miró. 5. Carlos Saura. E. ¿Quién interpreta al voyeur en Si te dicen que caí (V. Aranda, 1989)? 1. Antonio Banderas. 2. Guillermo Montesinos. 3. Ferran Rañé. 4. Carlos Tristancho. 5. Javier Gurruchaga. Foto: Getty Images.

RESPUESTAS

Ana Torrent en ‘El espíritu de la colmena’.

A. Maurice Ronet. B. Bebo Valdés. C. Le cuelga un zapato del sexo. D. Roberto Bodegas. E. Javier Gurruchaga.

¿Su primera vez con el cine español? Una sesión nocturna con mi hermano en el Cinema Rialto de mi pueblo, a la que llegamos tarde porque en casa se rezaba el rosario después de cenar: Un caballero famoso (José Buchs, 1942) con Amparito Rivelles. ¿En qué film español se quedaría a vivir? En Belle Époque (F. Trueba, 1992), de mirón de aquellas chavalas y departiendo con Fernando Fernán Gómez. Es una película que huele a lavanda, y a amor adolescente. ¿Con qué actor o director se iría de cañas? Con mi amigo David Trueba, con el que estoy a punto de retomar nuestra tertulia después de este virus. Y con los demás amigos, José Luis Garci, García Sánchez y Gutiérrez Aragón. ¿Con quién querría quedarse encerrado en un ascensor? Con el Pepe Sacristán de Asignatura pendiente (Garci, 1977). ¿Con quién no se sentaría en un avión? Con nadie. Aunque fuera un criminal, si es profesional, encantado de hablar con él. Un amor adolescente mitómano. María Rosa Salgado, bellísima. ¿A qué estrella internacional desearía ver trabajando en el cine español? A la Audrey Hepburn de Vacaciones en Roma (William Wyler, 1953). Si nos venimos a

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CINEFILIA

CUMPLEA„OS SEPTIEMBRE

LOS MIL ROSTROS DE… TOM COURTENAY 1

Día 1

Día 2 Día 3 Día 4 Día 5

Día 6 Día 7 Día 8 Día 9 Día 10

1. ‘La soledad del corredor de fondo’ (Tony Richardson, 1962). 2. ‘Doctor Zhivago’ (David Lean, 1965). 3. ‘One Day in the Life of Ivan Denisovich’ (Casper Wrede, 1970). 4. ‘El joven Indiana Jones y el tesoro del ojo del pavo real’ (TV movie, Carl Schultz, 1995). 5. ‘La brújula dorada’ (Chris Weitz, 2007). 6. ‘Little Dorrit’ (serie TV, Adam Smith, Dearbhla Walsh, Diarmuid Lawrence, 2008). 7. ‘After Ever After’ (TV movie, Elliot Hegarty, 2019). 8. ‘En busca de Summerland’ (Jessica Swale, 2020).

Día 11 Día 12 Día 13 Día 14

PREGUNTAS SIN RESPUESTA

Día 15

luego en las estadounidenses? mediático el despido de tres ¿Por qué suelen gozar de más consideración los críticos que ¿Por qué es tan recurrente la queja trabajadoras de la Academia de masacran las películas que los Cine, algo que lamentablemente del intrusismo en el mundo del que resaltan sus virtudes? sucede en todo el sector sin que doblaje, como si fuera el único apenas trascienda? ámbito en el que esto sucede? ¿Por qué echamos en falta historias que enfoquen los ¿Por qué han transcurrido 10 ¿Por qué la creación de contratiempos de la vida con años entre la anterior película una nueva asociación de el optimismo que desprenden de Achero Mañas y la que ahora distribuidores de cine comedias dramáticas como ¡Que estrena? independiente, Próxima, y su suene la música! apuesta por la difusión del ¿Por qué no aparece el nombre cine en VOS, el lanzamiento de ‘la suegra’ Loles León en el ¿Cómo afectará al futuro inmediato de las ventanas de de cineastas emergentes y la cartel de Padre no hay más que exhibición la decisión de Disney+ creación de nuevas audiencias uno 2: La llegada de la suegra? de estrenar Mulan on-line? nos hace pensar en división entre ¿Por qué se cierran cines y los independientes más ¿Y por qué con ella no se plantea teatros que cumplen las medidas que en unión? un estreno como el de Tenet, de seguridad y siguen abiertos primero en las pantallas europeas y ¿Por qué ha tenido tanto eco bares y terrazas?

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Día 17 Día 18 Día 19 Día 20 Día 21 Día 22 Día 23 Día 24 Día 25

Foto: Jorge Fuembuena.

¿HASTA CUÁNDO SEGUIRÁ SORPRENDIENDO QUE AL FRENTE DE LOS EQUIPOS DE UNA PELÍCULA SOLO HAYA MUJERES, COMO EN ‘LAS NIÑAS’?

Día 16

Día 26

Zendaya Jesús Bonilla Keanu Reeves Salma Hayek Charlie Sheen Ivan Massagué Charlotte Le Bon Félix Gómez Michael Keaton Raquel Welch Idris Elba Ingrid García-Jonsson Joaquín Climent Gaten Matarazzo Martin Freeman Adam Sandler Hugh Grant Colin Firth Guy Ritchie Brian De Palma Álvaro Cervantes Hans Zimmer Santi Millán Alejandro Tous Jacqueline Bisset Michelle Jenner Sam Neill Tom Hardy Carmen Maura Oliver Stone Rossy de Palma Alexis Bledel Mena Massoud Nancho Novo Jason Sudeikis Aitor Luna Jeremy Irons Sophia Loren Asia Argento François Cluzet Óscar Casas Bill Murray Tom Felton Patrick Criado Pedro Almodóvar Goya Toledo Ernesto Alterio Will Smith Jim Caviezel

Día 27 Gwyneth Paltrow Día 28 David Verdaguer Naomi Watts Día 29 Zachary Levi Día 30 Marion Cotillard Monica Bellucci

24 65 56 54 55 44 34 43 69 80 48 29 62 18 49 54 60 60 52 80 31 63 52 44 76 34 73 43 75 74 56 39 29 62 45 39 72 86 45 65 22 70 33 25 71 51 50 52 52 48 37 52 40 45 56

CINEFILIA # FOTOMATÓN

PAULA USERO

Fotos: Pablo Abad.

Dos incursiones en cine y las dos de la mano de Icíar Bollaín. Tras su debut en ‘El olivo’, la luminosa Paula Usero (Valencia, 1999) vuelve a acertar en ‘La boda de Rosa’, sin perder nunca de vista a quien la catapultó: su insurgente Luisita en la serie ‘Amar es para siempre’. Por Sonia Guijarro. ¿Cuándo pensó por primera vez en ser actriz? De pequeña jugaba con mis primos a ser una persona distinta, pero no pensé que sería posible cumplir el sueño. ¿Cuándo vio que lo había conseguido? Aún me cuesta decir que soy actriz. Me da apuro, siento que estoy en el camino, pero no consolidada. ¿A quién admiraba de pequeña? A mis padres, por su inmensa fuerza y por cómo me han enseñado a resolver los obstáculos que te presenta la vida. ¿Y ahora? A ellos también. ¿Han entendido su vocación? Bueno… yo terminé de estudiar Bachillerato y no sabía qué quería hacer con mi vida. Me equivoqué muchas veces, y ellos pensaban que esto de ser actriz era una equivocación más. ¿Qué necesita? Reír, mucho. ¿Qué experiencia le ha sobrado? Ninguna. Aunque haya vivido experiencias un poco turbias, he salido reforzada. De todo se aprende. No me enseña nada: La televisión como espectadora. Debería servir para educar. Estamos todo el tiempo consumiendo productos en pantalla y creo que las series y los programas que se hacen deberían ser más ambiciosos. Aprendió mucho de… De mi personaje en Amar es para siempre, Luisita. Un aprendizaje excelente. ¿Alguna vez pensó en tirar la toalla? Cuando iba a la escuela de interpretación. Los profesores me trataron con una

dureza infinita y me hicieron sentir que a lo que aspiraba era inalcanzable. Podrían haberlo hecho de otra manera para no dañar la ilusión. Lo mejor (o peor) que aprendió de una pareja: A dar espacio, a ser menos controladora. Una virtud: Soy muy resolutiva, y directa. Un fallo: El temperamento. Un horror: Sentir ganas de vomitar. Tengo fobia, y me angustia mucho pensarlo. ¿Qué le provoca estrés? Rodearme de gente con poca decisión. Un recuerdo imborrable: Los veranos en el chalé de mis abuelos, haciendo barbacoas. Mito erótico confesable: Ninguno. Soy cero mitómana. ¿Una manía? Los cordones de las zapatillas y las botas, siempre muy bien atados. ¿Qué le debe a las redes sociales? Visibilidad. ¿Hasta dónde espera llegar? Estoy dejando que todo fluya y que mi carrera se encamine de la manera más natural posible. ◆ ‘LA BODA DE ROSA’ SE ESTRENA EL 21 DE AGOSTO

LA HEMOS VISTO EN: En TV, en la serie Amar es para siempre (Antena 3), Velvet Colección (Movistar+) y #Luimelia (ha grabado la II y III temporada para Atresmedia). En cine, en El olivo. En teatro, Macbeth dirigida por Vicente Genovés.

CINEFILIA # HOMENAJE

LA INGENUA EXPLOSIVA

Durante años, en Hollywood, solo la vieron como la actriz ideal para interpretar a jóvenes cándidas, pero Olivia de Havilland sabía que valía para mucho más. Su papel de Melania en ‘Lo que el viento se llevó’ le dio la fuerza para plantar cara a los prejuicios y acceder a los personajes que deseaba. Su recompensa fueron dos Oscar. Por Juan Pando. Los personajes que había interpretado hasta entonces no eran gente real, sino estereotipos sin recorrido; pero Melania, de Lo que el viento se llevó, sí era una persona de carne y hueso, una mujer solidaria, buena, firme y, por encima de todo, con una gran capacidad de ser feliz. Esa era la mujer que yo quería ser. El gran problema con el que se topó Olivia de Havilland al concluir la película que le dio popularidad hasta el día de su muerte, a los 104 años, el pasado 26 de julio, es que en la Warner, el estudio para el que trabajaba y que la había cedido de modo temporal a los productores del film, algo usual entonces, no compartían su entusiasmo. De poco le valió su primera nominación al Oscar, como actriz de reparto, por el papel. Una inglesa en California. Olivia había nacido el 1 de julio de 1916, en Tokio (Japón), hija de ingleses, William, abogado, y Lillian, actriz amateur, origen que ella llevaba a gala. Pero tras el divorcio de sus padres, se crio con su madre y su nuevo marido, George Fontaine,

en California, junto a su hermana, la actriz Joan Fontaine, famosa protagonista de Rebeca (Alfred Hitchcock, 1940), con quien mantuvo toda su vida una competencia y un odio mutuo feroz. Livvie, como la llamaban en casa, había decidido ser maestra cuando un cazatalentos la vio en una función escolar y le ofreció ser suplente en un montaje de El sueño de una noche de verano, de Shakespeare, dirigido por Max Reinhardt. La noche del estreno, recordaba, falló una de las actrices titulares y tuve que sustituirla. Las críticas al día siguiente fueron buenas y ya me quedé con el papel. Actriz incomprendida. Fichó por la Warner, repitió el personaje en la pantalla y no tardó en ser una de las estrellas más cotizadas de los años 30 tras formar pareja con Errol Flynn siempre como la chica del héroe, en ocho películas, entre ellas El capitán Blood (1935) Robin de los bosques (1938), ambas dirigidas por Michael Curtiz, y Murieron con las botas puestas (Raoul Walsh, 1941). Yo quería

HASTA EL ÚLTIMO ALIENTO

Con 100 años, en junio de 2017, volvió a mostrar su carácter indomable y demandó a los productores de la serie ‘Feud’, porque, dijo: “Han usado mi identidad sin mi permiso y han puesto palabras falsas en mi boca, incluido llamar a mi hermana, Joan Fontaine, perra”. Perdió el juicio.

‘Dodge, ciudad sin ley’ (Michael Curtiz, 1939), quinto film con Errol Flynn.

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Con Vivien Leigh, Leslie Howard y el guion de ‘Lo que el viento se llevó’ (Victor Fleming, 1939).

Con Charles Boyer en ‘Si no amaneciera’ (Mitchell Leisen, 1941). Fue nominada al Oscar.

Con Montgomery Clift en ‘La heredera’ (William Wyler, 1949), su segundo Oscar.

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CINEFILIA # HOMENAJE

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papeles complejos, pero Jack Warner nunca lo comprendió y solo me veía como ingenua. Harta, al concluir los siete años de su contrato, demandó a la productora que quería prolongarlo sumando tiempo de penalización por los films que le ofrecieron y había rechazado, una práctica habitual en el sistema de estudios a la que ella puso fin al ganar el juicio. Libre de nuevo, llegaron los buenos papeles y el codiciado Oscar, por partida doble, por La vida íntima de Julia Norris (Mitchell Leisen, 1946) y La heredera (William Wyler, 1949). 32

S EP TI E MBRE 2 02 0 · FOTOGRAMAS.ES

1. De bebé, con sus padres, en su Japón natal. 2. Divirtiéndose con su segundo marido, Pierre Galante. 3. Con James Stewart, con quien mantuvo una relación sentimental, y su amiga Bette Davis, compañera y competidora en la Warner. 4. Fue portada de FOTOGRAMAS, con sus hijos, Benjamin y Gisèle, en la Navidad de 1961. 5. Rodó en España ‘La princesa de Éboli’ (Terence Young, 1955). 6. Ganó el premio a la Mejor Actriz en el Festival de Venecia y estuvo nominada al Oscar por ‘Nido de víboras’ (Anatole Litvak, 1948), drama en el que interpretó a una mujer sometida a tratamiento psiquiátrico. 7. Su relación con su hermana pequeña, Joan Fontaine, fue mala desde que eran niñas y dejaron de hablarse, tras la muerte de su madre, en 1975 (ver FOTOGRAMAS nº 2.102).

El hechizo de París. Tuvo menos suerte en el amor que en su carrera. A pesar de su química en pantalla, nunca fue pareja sentimental de de Errol Flynn; sus relaciones con el magnate Howard Hughes, el actor James Stewart y el director John Huston no llegaron a nada serio, y sus dos matrimonios, con el escritor Marcus Goodrich, padre de su hijo, Benjamin, y el editor de Paris Match, Pierre Galante, padre de su hija, Gisèle, acabaron en divorcio. Al casarse con este último, a mediados de los años 50, se mudó a París, donde residió hasta su muerte. ◆

Fotos: Archivo Fotogramas y Getty Images.

CINEFILIA # GUÍA RÁPIDA PARA CONOCER A...

ALAN PARKER

ENTRE LA TAQUILLA Y LA DENUNCIA

Dramas, thrillers, comedias y, sobre todo, musicales. Al realizador de ‘El expreso de medianoche’, ‘Fama’ y ‘Arde Mississippi’ no se le resistió ningún género, pero no siempre contó con el favor de la crítica, que lo tildó de pretencioso, aunque sí de un público que apreció sus films barrocos y, con frecuencia, polémicos. Apuntamos las claves de su arte. Por Óscar Cabrera. Dear Alan, adiós. Gracias por tenerme en Evita y por tu sabiduría cinematográfica. Ahí queda todo lo que has hecho que ha sido mucho y bueno. Así se despedía en las redes sociales Antonio Banderas de uno de los realizadores que cimentaron su, por entonces, joven carrera cinematográfica en Estados Unidos. ¿Quién es? Alan William Parker nació en el barrio de Islington, Londres, el 14 de febrero de 1944. Empezó a trabajar en publicidad con 18 años, primero solo como redactor, pero pronto formó su propia productora, con gran éxito en Gran Bretaña. Ridley Scott fue su gran competidor. Si aparecía una joven en la playa, el guion era para Ridley, si eran dos señoras gordas hablando, lo cogía yo, aseguraba Parker. ¿Debería conocerlo? Además de realizador de éxito, fue también un hábil polemista. Algunos de sus films fueron controvertidos por varios motivos: el blanqueamiento del narcotráfico (El expreso de medianoche, 1978), la elección de Lisa Bonet, con 20 años, cuando trabajaba en La hora de Bill Cosby

escribió letras de canciones y varias novelas. En 2002 fue nombrado comendador de la Orden del Imperio Británico. ¿Con quién puedo compararlo? Fue el primero de los jóvenes talentos británicos, criados en la publicidad, en establecerse en Hollywood. Lo seguirían los hermanos Ridley y Tony Scott, Adrian Lyne, Hugh Hudson y el productor David Puttnam, todos muy preocupados por la imagen y la mayoría producidos por los amigos de Parker, David Puttnam y Alan Marshall. Todavía me sorprendo cómo tuve el descaro de debutar con Bugsy Malone, un musical de gánsteres protagonizado por niños, que en su momento nos “SÉ QUE EL CINE NO CAMBIA EL MUNDO, PERO pareció originalísimo, pero hoy lo SÍ PUEDE PROVOCAR DEBATE, Y ESO ES LO QUE veo algo muy raro, dijo sobre su INTENTO CON MIS PELÍCULAS”. debut en Hollywood, nominado a un Oscar y ganador de cinco BAFTA. para la tórrida El corazón del ángel ¿Por dónde empiezo? El muro (1982) (1987) o la censura argentina al musical fue toda una revolución para la época Evita (1996). Tuvo dos nominaciones –el guionista Roger Waters, de Pink al Oscar como realizador en la Floyd, aseguró que Parker fue el único mencionada El expreso de medianoche que comprendió el film: Su talento me y Arde Mississippi (1988) y ganó el superó, es un superdotado–, pero su Gran Premio del Jurado de Cannes preferida es la poco conocida Después por Birdy (1984). También produjo del amor (1982), con unos brillantes la música de alguna de sus películas, Albert Finney y Diane Keaton. Pues él dice… Siempre me ha gustado que mis films tengan un componente UN ESTETA CONCIENCIADO social, en Hollywood dicen que parecen Ganador hace siete años del BAFTA honorífico por “sus logros sobresalientes en el arte de la imagen en demasiado europeos, pero a mí me movimiento”, las obras de Parker siempre deslumbraron por su esteticismo al servicio de temas sociales. gusta hacerlo. Sé que el cine no cambia el mundo, pero sí puede provocar debate, y eso es lo que intento. ¿Algunas secuencias para recordar? Los disparos de nata de Bugsy Malone, la secuencia de la ducha de El expreso ‘The Evacuees’ (1975). ‘Los Commitments’ (1991). ‘La vida de David Gale’ (2003). ‘Cinzano’ (1978-1983). Su primera obra, un Parker regresa a Europa El fracaso de su último film de medianoche, los martillos desfilando Tronchantes anuncios telefilm con dos niños para rodar una comedia acabó con su carrera. En él, con Joan Collins y de El muro, el huevo duro de El corazón que huyen del maltrato. soul en Dublín. realiza un cameo. Leonard Rossiter. del ángel, entre muchas otras. ◆ FOTOGRAMAS.ES · SEPTIEM BR E 2 02 0

CINEFILIA # EL CONSULTORIO DE MR . BELVEDERE

Nuestros lectores hablan PAPÁ Y SUS INCREÍBLES HIJOS √ Lo primero es felicitar a Santiago Segura por haber adelantado el estreno de su película cuando todo el mundo parecía asustado ante un incierto futuro de cines cerrados. Lo segundo es aplaudirle por lo bien, y de manera divertida, que ha entendido la comedia familiar. Un subidón de risas y optimismo es lo que necesitábamos. Francisca Hernández (vía e-mail).

√ Sin desmerecer al Santiago Segura

cómodo en la sal gruesa de los Torrente, prefiero (y mi familia, felices de acompañarme, también) al de Santiago Segura con su hija Sirena.

Padre no hay más que uno 2: La llegada de la suegra, y al de la película previa. Costumbrismo digno de aquellos añorados títulos nuestros como La gran familia junto a un humor físico y de personajes de categoría. Antonio Barragán (vía Facebook).

√ Quizá la prisa por repetir éxito me devolvió la sensación de que Padre no hay más que uno 2: La llegada de la suegra no arriesga, y que está pensada más para no desagradar a los fans que para convencer a los nuevos espectadores. Es fresca, sí, pero algo, incluso de los niños, se pierde en una reunión de clichés. Nerea Salazar (vía e-mail).

CONTESTA MR. BELVEDERE Que Segura dominaba los mecanismos de la comedia no era una novedad, pero que supiera convertirse en un aplicado artesano al servicio de un guion ajeno, con el toque de aquellos Robert Stevenson o Norman Tokar de las producciones familiares en imagen real de la Disney, eso sí que ha sido una muy agradable sorpresa. ¿Podemos por fin referirnos a él como nuestro Frank Oz?

EL (FIN DEL) MUNDO ES CASCADA DE COLORES √ Mezclar a Lovecraft y su prosa imposible de plasmar en imágenes con un director que parece haberse caído en la marmita de LSD de un cine psicodélico como Richard Stanley y encima añadir al guiso a Nicolas Cage solamente puede dar como resultado un trip tan loco y disfrutable como Color Out of Space. Lisa Simpson Millennial Version (Murcia).

√ Color Out of Space acaba siendo, en su desmadre de luces, colores imposibles, maquillajes viscosos ochenteros e interpretaciones autistas o directamente de derribo, la más fiel aproximación al adictivo, hipnótico y críptico universo lovecraftiano en décadas.

Space de acercarse al horror cósmico de Lovecraft si cada vez que ves al actor todo parece de risa. Aitana Sorribas (vía e-mail).

CONTESTA MR. BELVEDERE He tenido la ocasión de compartir sobremesa y conversación con Richard Stanley, quien, aparte de su mala suerte en el cine, es justo lo que parece: un tipo tan raro como entrañable. Color Out of Space es cien por cien Stanley, incluso con guiños comerciales (Stuart Gordon) que tal vez hoy sean hasta suicidas.

SE P TI E MBRE 2 02 0 · FOTOGRAMAS.ES

Pamela S. Villaseñor (vía e-mail)

# Little Monsters sí que tiene una virtud, y es la de darle una vuelta de tuerca a la ya exprimida teta del género zombi con una simpática mezcla entre Sonrisas y lágrimas, El albergue de la sexta felicidad y La vida es bella. Solo por ello, y por su protagonista (Lupita Nyong’o), vale la pena pasearse junto a ella por el Apocalipsis de los Muertos Vivientes. Pau F. Marín (vía Facebook).

# Salvo el discursito a pie del cadalso, un borrón en toda regla, me lo pasé pipa con ese toma y daca que es Judy y Punch, una tragicomedia isabelina que en otro tiempo habría llamado la atención del mejor Tim Burton director. O del cartoon Barry Sonnenfeld de La familia Addams y secuela. ¿Y no le ha recordado no solamente físicamente, Mr. Belvedere, el actor protagonista a Richard Harris? # Curiosa, muy curiosa Zombi Child, de Bertrand Bonello. Ora una incursión, de un realismo progresivamente mutado en fantástico, en el universo Jacques Tourneur de Yo anduve con un zombie, ora cine de denuncia política (la terrorífica dictadura tahitiana). Por no hablar de su epílogo, con una insólita referencia adolescente a la muy de culto Jóvenes y brujas. Laura Cardoner (vía e-mail).

√ Nicolas Cage parece abonado ya a la

# Ante la sequía de blockbusters estadounidenses, bien está que podamos darle una oportunidad a otro cine menos aparatoso, sea independiente, europeo o español. La boda de Rosa parece estar diseñada para competir con recientes comedias amables femeninas nacionales, y, sí, es una comedia (algo que le sienta de maravilla y que debería frecuentar más Icíar Bollaín), pero también un retrato de mujer (Candela Peña) de lo mejor de nuestro cine contemporáneo.

Kepa Loizquieta (vía e-mail).

Mikel Ibarren (vía Facebook).

histriónica autoparodia de la parodia en la cual se convirtió hace tiempo. Imposible conectar con el intento que Richard Stanley hace en Color Out of

CINCO FLASHES EN CINCO FRASES

Nicolas Cage, nueva criatura Lovecraftiana.

# Aunque tengo cierta reticencia (espero que no sea prejuicio) a este tipo de películas, Papicha, sueños de libertad no es el típico panfleto buenista y feminista de correcta corrección política, y sí un sincero, optimista, pero nada complaciente retrato de una generación, un país (Argelia) y unos personajes (en este caso mujeres) que se enfrentan a la opresión con luminosidad. Un film muy nouvelle vague. Leo Uriarte (vía Facebook).

e-mails a Mr. Belvedere: fotogramas@hearst.es

LA BRUJA QUE SUSURRABA A LOS HUMANOS mucho y bien que saben asentar el género y lo mucho y bien que debutan directores, provenientes del cortometraje, capaces de dar a propuestas fantásticas una voz novedosa. Como en Voces, terrorífico ejercicio de estilo de Ángel Gómez Hernández, en el que es un placer reencontrar en cine a Belén Fabra. Héctor Sadavac (vía e-mail).

√ Lo más significativo de Voces,

El InstagramDiario

res comunes. Por no hablar de ese discurso #MeToo brujeril de risa.

mrbelvedere.fotogramas

Reynaldo Morcillo (vía e-mail).

CONTESTA MR. BELVEDERE A pesar de que he llegado, debido a mi provecta edad, a confundir la mayoría de las recientes películas de terror españolas, en el caso de Voces reconozco que me enganché a su trama sobrenatural gracias a la naturalidad del personaje interpretado por Ramón Barea. Sí, cuestión de edad.

suerte de contribución nacional a un cine de terror a lo Expediente Warren y derivaciones, es la personalidad de su novel director, a quien creo que Sam Raimi ya ha llamado a Hollywood. Normal.

Ramón Barea, métodos expeditivos contra los espíritus.

Foto: Getty Images.

√ No valoramos como es debido lo

El, esperado por los fans del horror Blumhouse, estreno de La caza me lleva al origen clásico de este argumento, la todavía moderna El malvado Zaroff (Irving Pichel, Ernest B. Schoedsack, 1932).

Jesús María Urbano (vía Facebook).

√ Voces consigue que un montón de clichés y lugares comunes dentro del género terrorífico sean… exactamente eso, un montón de clichés y luga-

CESTA Y PUNTOS EN EL ALMA √ A la espera de esos blockbusters que se supone van a salvar el cine mundial, confieso Mr. Belvedere disfrutar más con cine-cine, con historias tan humanas, como las de The Way Back. Redención, segundas oportunidades, personajes que no son meras caricaturas… Antes, las películas eran así. Delia Lesmes (vía e-mail).

√ Entre tanta comedia destinada a

hacernos sobrellevar la tragedia de la realidad, The Way Back no obvia lo trágico o el drama, para llevarlo hacia

el terreno de la comprensión y del devolver la dignidad a los perdedores, lo que, tratándose de un film deportivo, no deja de ser curioso.

Brillando como la matriarca de Quisiera que alguien me esperara en algún lugar me reencuentro con la veterana Aurore Clément, quien debutara en Lacombe Lucien (1974), estuviera en El Sur (1983) de Erice y se paseara por Paris, Texas (1984).

Moncho Menéndez (vía Facebook).

√ The Way Back combina elementos de aquella Hoosiers: Más que ídolos con Gene Hackman (baloncesto, pueblo pequeño, alcoholismo, etc.) de tan agradable recuerdo, con un drama íntimo autodestructivo y doloroso como Manchester frente al mar. Que Casey Affleck fuera el protagonista allí y su hermano Ben aquí tiene gracia…

Tom Hanks encarna a Fred Rogers en Un amigo extraordinario, cuando una de las canciones de Rogers, de su programa infantil, sonaba, maliciosamente en No matarás… al vecino (Joe Dante, 1989), protagonizada por… Tom Hanks.

Rogelio Hernández (vía e-mail).

CONTESTA MR. BELVEDERE

Affleck, entrenador de emociones.

Coincido en su defensa de este sentido drama con baloncesto de fondo que es The Way Back. Si no me falla la memoria (que ya no es lo que era), su director, Gavin O’Connor, ya utilizó el género deportivo para luego ir al alma de personajes torturados pero próximos al menos en dos ocasiones: El milagro y la espléndida y boxística Warrior. Y ojo a un Affleck (Ben) actor muy mesurado.

Demoníaca diversión cómplice con la Monica Bellucci de Nekrotronic, un cruce 2.0 entre la Perséfone de las secuelas de Matrix y sus brujas de El aprendiz de brujo y El secreto de los hermanos Grimm. FOTOGRAMAS.ES · SEPTIEM BR E 2 02 0

News

NACIONALES & INTERNACIONALES

Por Juan Pando y Roger Salvans.

‘EL VIENTRE DEL MAR’

Agustí Villaronga vuelve a su Mallorca natal para rodar El vientre del mar, 20 años después de haber filmado El mar en la isla. El film girará en torno al trágico naufragio de una fragata francesa frente a las costas de Senegal en 1816, que dejó a 147 personas a la deriva, sin agua ni alimentos, durante 13 días infernales. Un horror que provocó un gran escándalo en Francia e inmortalizó el pintor romántico Théodore Géricault en su pintura La balsa de la Medusa. Cuando leí Océano mar, de Alessandro Baricco, un escritor cuyo universo me gusta mucho, me impresionó un capítulo de la novela que hablaba de este suceso, explica el director de Tras el cristal, El niño de la luna y Pa negre. Intenté adaptarlo varias veces al teatro, la última el año pasado, con Eduard Fernández y Darío Grandinetti, pero nunca llegó a cuajar. El confinamiento me pilló en Mallorca, a punto de estrenar el montaje escénico Clitemnestra, la casa de los nombres, de Colm Tóibín, que se suspendió. En los meses que pasé encerrado se me ocurrió esta idea de hacerlo en cine, de una manera muy sencilla, con dos actores, para no quedarme estancado, como un acto de rebeldía y de decir: ¡hay que seguir! Un suceso, tres enfoques. La película se estructurará en tres líneas temporales que se irán intercalando. Comenzará como un relato de época, en un tribu36

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nal militar del siglo XIX, que juzga lo ocurrido. Al poco la acción pasa a la balsa y se narra de modo abstracto lo sucedido en ella, pero con estética y referencias actuales. Hay, por último, una parte que transcurre años después, ahondando en los pensamientos de dos de las víctimas, un oficial médico (Roger Casamajor) y un soldado raso, el timonel (Óscar Kapoya), en la que el espectador será testigo de la diferencia entre lo que ocurrió y cómo lo recuerdan quienes sufrieron esa tragedia. Lectura muy actual. Hay una película sobre el naufragio (Le radeau de la Méduse, Iradj Azimi, 1990) y se prepara otra (The Medusa, Peter Webber), pero no me preocupa porque a mí no me interesa el hecho sino el proceso de degeneración que provoca en las personas y cómo lo narra Baricco, advierte Villaronga. A bordo hubo canibalismo, suicidios, asesinatos, de todo. Tiene una lectura actual con las pateras en el Mediterráneo o los refugiados en las fronteras, pero serviría para cualquier otra época en la que se ponga a la gente al límite, por ejemplo, por una guerra o un desastre natural.Unos afrontan ese dolor de modo muy egoísta y otros, por el contrario, con gran altruismo. Ruedan en blanco y negro y color, en una fábrica vitícola abandonada de Felanitx, donde se ha construido incluso la balsa. Producen Testamento, La Periférica, Link-Up Barcelona y Turkana Films. ◆ Por J. P.

Fotos: Blai Tomˆs.

EL INFIERNO SON LOS OTROS

“NO ME INTERESA EL HECHO DEL NAUFRAGIO SINO EL PROCESO DE DEGENERACIÓN QUE PROVOCA UNA SITUACIÓN LÍMITE ASÍ EN LAS PERSONAS QUE LA SUFREN”.

El oficial encarnado por Roger Casamajor vive atormentado por los remordimientos.

LAS DOS CARAS DE UNA MISMA MONEDA El texto de Alessando Baricco es muy bueno porque ofrece dos puntos de vista muy distintos, el de un oficial, más acomodaticio, y el de un soldado, más rebelde, resalta Villaronga. El primero lo hace Roger Casamajor, su actor fetiche, con quien repite por quinta vez tras El mar, la TV movie Después de la lluvia, Pa Negre e Incerta glòria. Su personaje es muy difícil y va a caer antipático al público, pero él lo está salvando muy bien. Le da la réplica Óscar Kapoya, con experiencia teatral en The Hole o Moby Dick, que debuta ante la cámara. Un regalo para el cine con esa mirada intensa que tiene. La mallorquina Muminu Diayo encarna a la única mujer en la balsa.

Roger Casamajor (izda.) y Óscar Kapoya.

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NEWS RODAJES

Foto: Dani Medina.

Berta (Paz Vega) y Antonio (Javier Rey), protagonistas del film.

Un forastero, un pueblo, una leyenda Los escritores buscan inspiración para crear sus ficciones y Antonio, el protagonista de La casa de caracol, interpretado por Javier Rey, no es una excepción. Con tal fin decide alejarse de todo y pasar los meses de verano en un pueblecito de la serranía de la provincia de Málaga, donde espera encontrar la ansiada tranquilidad que requiere el ejercicio de su oficio. La bella desconocida. En su relación con los habitantes del lugar se siente

atraído a primera vista por Berta (Paz Vega), que lo ayudará en su tarea. Conoce también a otros personajes peculiares que despiertan su curiosidad y sobre los que empieza a investigar. Su interés lo lleva a descubrir que estos guardan no pocos secretos y la existencia de una perturbadora leyenda. Acento femenino. Dirige este trhiller fantástico la debutante Macarena Astorga, con guion de Sandra García Nieto, que adapta su novela homónima, y

producción ejecutiva de María Luisa Gutiérrez (Bowfinger). El reparto incluye a los peruanos Carlos Alcántara y Norma Martínez, Pedro Casablanc, Elvira Mínguez, Jesús Carroza, la niña Luna Fulgencio (Padre no hay más que uno) y Vicente Vergara. Producen Esto también pasará con Basque Films, la peruana Tondero y la mexicoamericana Hippo Entertainment Group, con la participación de Amazon Prime Video y distribución de Filmax.

Un clan metido siempre en enredos.

S E PT I EM BRE 2 02 0 · FOTOGRAMAS.ES

Carolina Yuste (Carmen y Lola) es Ana en Sevillanas de Brooklyn, una chica que ha estudiado Filología Inglesa y no ve el momento de abandonar la barriada conflictiva de Sevilla en la que vive con su familia, que sobrevive a la ruina y de la que no puede estar más harta. Sobre todo a raíz de que su madre (Estefanía de los Santos), para evitar la amenaza del desahucio, engaña a una agencia que se dedica a buscar residencia para estudiantes extranjeros y aloja en el hogar a uno de ellos, Ariel Brooklyn, un muchacho afroamericano de clase acomodada interpretado por Sergio Momo (Élite). La llegada del extraño y las situaciones esperpénticas que provoca el tosco fraude no presagian que la situación pueda mejorar para Ana. O quizá sí. Vicente Villanueva (Toc Toc) dirige esta comedia romántica que cuenta en su reparto con Manolo Solo, Canco Rodríguez, María Alfonsa Rosso y Adelfa Calvo. Ruedan en Sevilla, con guion de Juan Apolo y Nacho La Casa. Producen Capitán Araña, Pecado Films y 700 pavos AIE, con distribución de Filmax.

Foto: Julio Vergne.

UNA FAMILIA DE PÍCAROS

THE END

ANNIE ROSS

RENI SANTONI

JOHN SAXON

Actor estadounidense. 25 julio. 83 años. La pícara edad (B. Edwards, 1958), Eres demasiado guapo y listo para acabar en un correccional para en Los que no perdonan (J. Huston, jóvenes. Cuando Carmine Orrico 1960) o El cardenal (O. Preminger, escuchó eso de un policía de su 1963). Su carrera en Estados Unidos, barrio, Brooklyn, decidió abandonar prolífica si sumamos la TV, se las pandillas de la vecindad y completó siendo una estrella buscar un futuro en la actuación. en Italia (era hijo de inmigrantes Fichado con 16 años por el agente italianos): La muchacha que sabía Henry Willson (Jim Parsons en la demasiado (M. Bava, 1963), Tenebre serie Hollywood), tuvo que bregar (Dario Argento, 1982) o Virus (A. con breves roles, luciendo torso Margheriti, 1980). Trabajó también en depilado y bañador, en comedias España (Metralleta ‘Stein’, J. A. de la adolescentes hasta que se matriculó Loma, 1975) y se hizo mítico en Sierra en la escuela de interpretación de prohibida (S. Furie, 1972), Operación Stella Adler. Brilló en Mamá nos Dragón (R. Clouse, 1973) o Pesadilla complica la vida (V. Minnelli, 1958), en Elm Street (W. Craven, 1984).

Actor estadounidense. 1 agosto. 81 años. De ascendencia hispana y francesa (nunca perdió un divertido deje francés en su acento), Santoni trabajó mucho en televisión, tanto en series como en aquellos añorados telefilms, los Estrenos TV de los años 70, debutando en la gran pantalla con un breve papel como yonqui que quería vender un reloj robado en El prestamista (Sidney Lumet, 1964). De ahí saltaría a ser, por única vez en su carrera, el protagonista absoluto de Enter Laughing (Carl Reiner, 1967). Cómodo como actor de reparto, el inspector Chico González, el Pepito Grillo del personaje de Clint Eastwood en Harry el sucio (Don Siegel, 1971), fue el rol más recordado de este todoterreno secundario: La furia de los siete magníficos; La batalla de Anzio; Bad Boys; Sueños radiactivos; El cazachicas; El gran despilfarro; Cobra, el brazo fuerte de la ley; A la caza del lobo rojo; Noches de neón; 28 días…

Cantante y actriz inglesa. 21 julio. 89 años. Compaginó el jazz con la actuación: Y después, sin parar, hasta el final; La bestia debe morir; la malvada cibernética de Superman III; en Tira a mamá del tren, El Juego de Hollywood y Vidas cruzadas.

MAURICE ROËVES Actor británico. 15 julio. 83 años. Excelente actor de reparto a quien recordaremos como el coronel Munro en El último mohicano (Michael Mann, 1992). Antes estuvo en Ha llegado el águila, El joven Winston, Evasión o victoria, Rescaten el Titanic, Agenda oculta…

JACQUELINE SCOTT Actriz estadounidense. 23 julio. 89 años. Trabajó mucho en TV: El fugitivo, El diablo sobre ruedas… Allí conoció a Don Siegel, quien le daría papeles en La ciudad sin ley (1969), La gran estafa (1973), Teléfono (1977) y Blackjack (1982).

SONIA DARRIN Actriz estadounidense. 19 julio. 96 años. Su breve intercambio de palabras con Humphrey Bogart en la librería de El sueño eterno (Howard Hawks, 1946) la hizo inmortal. Apareció en Atrapados, Frankenstein y el hombre lobo, La estrella del norte…

Fotos: Getty Images y Archivo Fotogramas.

PHYLLIS SOMERVILLE

WILFORD BRIMLEY

JULIO DIAMANTE

JUAN MARSÉ

Actor estadounidense. 1 agosto. 85 años. Jinete de rodeo (lo que le sirvió para entrar en el cine como especialista), guardaespaldas de Howard Hughes… Brimley, alguien que no se encontraba cómodo en Hollywood, llegó a ser un imprescindible actor de reparto en films como Cocoon y secuela, La Cosa, El mejor, La tapadera, Gracias y favores, Blanco humano, Brubaker, Al filo de la medianoche, Harry e hijo, Ausencia de malicia…

Director y guionista español. 1 agosto. 89 años. Una corta filmografía no debería restar méritos a un hombre de cine (factótum del Festival de Benalmádena, por ejemplo) total. Pasó del neorrealismo crítico (Tiempo de amor, El arte de amar, muestras de lo que vino a denominar Nuevo Cine Español de los años 60), al giallo (Helena y Fernanda), la comedia ácida (Sex o no sex) y el noir folclórico (La Carmen) sin perder su originalidad.

Escritor y guionista español. 19 julio. 87 años. Antes de ser llevado al cine (Últimas tardes con Teresa o El embrujo de Shanghai) escribió guiones: Donde tú estés (G. Lorente, 1964), Mi profesora particular (1973) y El largo invierno (1992), ambas de Jaime Camino, y Libertad provisional (R. Bodegas, 1976). Vicente Aranda lo adaptó en La muchacha de las bragas de oro, Si te dicen que caí, El amante bilingüe y Canciones de amor en Lolita’s Club.

Actriz estadounidense. 16 julio. 76 años. La abuela de El extraño caso de Benjamin Button, de David Fincher, era un rostro habitual en TV y cine: Arthur, el soltero de oro; Al límite; Seducción a la carta; Messengers; Juegos secretos; Lucky you…

JAN SKOPECEK Dramaturgo y actor checo. 27 julio. 94 años. Toda una institución en su país, tanto en teatro como en TV y cine, pocas películas suyas nos llegaron aquí: Romeo, Julieta y las tinieblas; 90 grados a la sombra; Así empieza el amor, o Nexus 2.431 de nuestro J. M. Forqué.

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NEWS FESTIVALES

1. ‘Druk’, del danés Thomas Vinterberg. 2. La serie ‘Antidisturbios’, lo nuevo de Sorogoyen. 3. ‘Verano del 85’, de François Ozon. 4. ‘Supernova’, de Harry Macqueen. 5. Willem Dafoe, la cara del festival.

Las pel’culas de San Sebasti‡n

Con Willem Dafoe como imagen, Viggo Mortensen como premio Donostia, dos series en primicia y tres coproducciones españolas a concurso arranca la 68ª edición del festival (18-26 de septiembre). Avanzamos parte de la programación. SECCIÓN OFICIAL Akelarre, de Pablo Agüero (España, Francia, Argentina). Antidisturbios (Proyección Especial Fuera de concurso), de Rodrigo Sorogoyen (España). Asa Ga Kuru/True Mothers, de Naomi Kawase (Japón). Courtroom 3H /Sala del Juzgado 3H, de Antonio Méndez Esparza (España, EEUU). Crock of Gold: A Few Rounds With Shane MacGowan, de Julien Temple (Reino Unido). Dasatskisi/Beginning, de Dea Kulumbegashvili (Francia, Georgia). Druk/Another Round, de Thomas Vinterberg (Dinamarca). Été 85/Verano del 85, de François Ozon (Francia). El Gran Fellove (Fuera de concurso), de Matt Dillon (México, Cuba, Estados Unidos). In the Dusk, de Sharunas Bartas (Lituania). Nakuko wa ineega/Any Crybabies Around?, de 40

Takuma Satô (Japón). Nosotros nunca moriremos, de Eduardo Crespo (Argentina). Passion Simple, de Danielle Arbid (Francia, Bélgica). Rifkin’s Festival (Inauguración Fuera de concurso), de Woody Allen (España, EE. UU., Italia). Supernova, de Harry Macqueen (Reino Unido). Patria (Proyección Especial Fuera de concurso), de Aitor Gabilondo (España). NEW DIRECTORS 16 Printemps, de Suzanne Lindon (Francia). Ane, de David Pérez Sañudo (España). Casa de antiguidades, de João Paulo Miranda Maria (Brasil, Francia). Chupacabra, de Grigory Kolomytsev (Rusia). Gal-mae-gi/Gull, de Kim Mi-jo (Corea del Sur). ˜ Ge˜ sheng yuán hé màn bàn ˜ pai/Las notas del tiempo, de Dong Xingyi (China). Hil kanpaiak/ Campanadas a muerto, de

S E P TI E MB RE 2 02 0 · FOTOGRAMAS.ES

Imanol Rayo (España). Jak Najdalej Stad/I never cry, de Piotr Domalewski (Polonia-Irlanda). La última primavera, de Isabel Lamberti (Países Bajos, España). Limbo, de Ben Sharrock (Reino Unido). Umibe no Kanojotachi/ Along the Sea, de Akio Fujimoto (Japón, Vietnam). HORIZONTES LATINOS Edición limitada, de Edgardo Cozarinsky, Santiago Loza, Virginia Cosin, Romina Paula (Argentina). Selva trágica, de Yulene Olaizola (México, Francia, Colombia). Visión nocturna, de Carolina Moscoso (Chile). ZABALTEGI-TABAKALERA A metamorfose dos pássaros, de Catarina Vasconcelos (Portugal). Autoficción, de Laida Lertxundi (EE. UU., España, Nueva Zelanda). Cold Meridian, de Peter Strickland (Hungría, Reino Unido).

Correspondencia, de Carla Simón y Dominga Sotomayor (España, Chile). Domangchin yeoja/The Woman Who Ran, de Hong Sang-soo (Corea del Sur). Le sel des larmes, de Philippe Garrel (Francia, Suiza). Rizi/Days, de Tsai Ming-liang (Taiwán). Un efecto óptico, de Juan Cavestany (España). Ya no duermo, de Marina Palacio (España). GALA RTVE Explota, explota, de Nacho Álvarez (España, Italia). Sentimental, de Cesc Gay (España). PROYECCIÓN BENÉFICA COVID19 El verano que vivimos, de Carlos Sedes (España). PROYECCIÓN ESPECIAL PREMIO DONOSTIA Falling, de Viggo Mortensen (Reino Unido, Canadá). La programación completa en www.sansebastianfestival.com

FESTIVALES

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Venecia y Toronto en su año más insólito Pese a todo, los grandes festivales internacionales también regresan. El 2 de septiembre lo hará el de Venecia, en su 77ª edición que lo convierte en el más veterano del mundo, y el 10 de septiembre el de Toronto, en un formato híbrido.

1. Frances McDormand en ‘Nomadland’. 2. Kate Winslet presentará ‘Ammonite’ en Toronto. 3. Tilda Swinton en ‘La voz humana’. 4. Megan Montaner en ‘30 Monedas’.

Pedro Almodóvar, Álex de la Iglesia y Pedro Collantes serán los representantes españoles en el 77.º Festival de Venecia, que se celebrará en el Lido del 2 al 12 de septiembre. El cineasta manchego presentará el corto La voz humana, que acaba de rodar con Tilda Swinton; De la Iglesia mostrará, en el marco de las Proyecciones Especiales, el piloto de la serie 30 Monedas, y, en la sección Biennale College, Collantes estrenará El arte de volver, con Macarena García e Ingrid García-Jonsson. Por ahora, Cate Blanchett, presidenta del jurado, es la

mayor estrella de un certamen en el que ocho de las 18 cintas de la Sección Oficial están dirigidas por mujeres, como Nomadland, drama de Chloé Zhao con Frances McDormand. Un año de impasse. Con los Oscar retrasados, por ahora, hasta el 25 de abril y con las actuales restricciones sanitarias, Toronto apuesta en su 45.ª edición por combinar actos presenciales y virtuales. Kate Winslet, que presentará Ammonite, drama de Francis Lee que protagoniza junto a Saoirse Ronan, recibirá un premio en reconocimiento a su carrera. ◆

ESTRENO # ENTREVISTA

Woody

Allen

A PROPÓSITO DE TODO Tras sacudir el escenario editorial con la publicación de sus memorias, el cineasta neoyorquino inaugura la 68ª edición del Festival de San Sebastián con ‘Rifkin’s Festival’, su 49º largo como director que rodó el verano pasado en Donostia. Allen, después de toda una vida dedicada ‘al arte de entretener’ y nada ajeno al debate que levanta su figura, nos atiende en exclusiva para hablar, sobre todo, de su pasión por el cine. Por Roger Salvans.

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le falte algo el aire después de 70 años escribiendo comedia, 55 en el mundo del cine y casi 30 en el centro de la polémica. Para ser exactos, 28. Desde que en 1992 rompiera con Mia Farrow y oficializara su relación con Soon-Yi –hija adoptiva de la actriz que entonces tenía 21 años y hoy, con 49, 23 años de matrimonio y dos hijas en común, sigue a su lado–, hasta 2014, cuando su hija adoptiva Dylan lo acusara de nuevo de unos abusos de los que Allen fue exonerado en 1993. De todo esto, sin escatimar detalles y siempre con su personal estilo, habla Allen en A propósito de nada (Ed. Alianza), unas memorias –que también llegaron a las librerías rodeadas de polémica, pero que se han convertido en un fenómeno de ventas– en las que recorre su vida y carrera profesional, pero, sobre todo, da su versión de los hechos y deja claro algo que desde sus inicios ha convertido en un mantra: uno tiene

que seguir su propio criterio y no dejarse llevar por lo que piensen los demás.

ALLEN’S FESTIVAL Aunque puede que detrás de la voz de Allen más que cansancio, haya resignación. Porque eso es lo que aflora tras preguntarle si –todavía inmersos en la paranoia pandémica y recordándole su aprensividad– acudirá en persona a presentar Rifkin’s Festival, su 49.º film como director que, el 18 de septiembre, inaugurará el 68.º San Sebastián. Ahora mismo está complicado, asegura. Tenemos muchas ganas, porque nos encanta y siempre nos lo hemos pasado muy bien allí. Pero el panorama sanitario en Estados Unidos es tan malo que hasta el último minuto no sé si podremos desplazarnos. El virus lo ha arruinado todo. De ser así se frustraría una nueva visita a un certamen que ya abrió en 2004 con Melinda y Melinda. Una

Foto: Quim Vives.

segúrate de gritarle las preguntas. Tiene problemas de oído y a veces le cuesta escuchar bien. El consejo que da a FOTOGRAMAS la agente inglesa de Woody Allen (Nueva York, 1935) tiene una doble lectura. La primera: a sus 84 años, el cineasta neoyorquino ha llegado a ese momento vital en el que la neurosis e hipocondría que han acompañado siempre a sus personajes seguramente se ajustan a su propia realidad más de lo que él desearía. Para la segunda, tiramos de alegorías: esta sobrevenida sordera puede que contribuya a amortiguar el estruendoso ruido mediático que lo ha acompañado estos últimos años. A la hora de la verdad, Allen escucha nuestras preguntas a la perfección, si bien es cierto que su voz –que aún esperamos escuchar con el timbre de Miguel Ángel Valdivieso o Joan Pera– no tiene el fuelle acostumbrado. Pero no deja de ser normal que a uno

“HE RODADO MUCHAS PELÍCULAS Y ALGUNAS CREO QUE SON BUENAS, PERO NINGUNA DE ELLAS ES ARTE CON MAYÚSCULAS. NADA DE LO QUE HE DIRIGIDO PUEDE COMPARARSE CON LAS OBRAS MAESTRAS SIN DISCUSIÓN”.

ESTRENO # ENTREVISTA

edición en la que Pedro Almodóvar le entregó el premio Donostia y de la que Allen recuerda cómo me enamoré de la ciudad y su festival. Por eso, cuando surgió la oportunidad de rodar una película en España, porque los productores españoles –The Mediapro Studio, en el cuarto trabajo del director con la compañía de Jaume Roures– ponían el dinero si yo la rodaba en España, me dije: Bueno, ya he hecho una en Barcelona. ¿Dónde podría rodar otra? ¡Dios! ¡San Sebastián sería perfecta! Es preciosa, fotogénica, un lugar encantador. Y eso propuse. La idea ya la tenía: los personajes, la trama, todo un poco… Aunque en un principio estaba ambientada en Nueva York. Pero pensé que San Sebastián y su festival tenían la atmósfera perfecta para entrar en el mundo de las grandes obras maestras del cine europeo.

DESMONTANDO A RIFKIN En su segundo film con España como escenario, Allen cuenta la historia de Mort Rifkin (Wallace Shawn), un ex profesor de cine que, ocupado en escribir la gran novela que lo ponga a la altura de Dostoievski, acompaña a su esposa (Gina Gershon) en un viaje de trabajo al Festival de San Sebastián. Allí, en un ambiente donde se respira cine, un director (Louis Garrel) –al que recordaba de su película con Bertolucci y cuyo personaje no se basa en nadie concreto, explica– y una doctora (Elena Anaya) casada con un explosivo pintor (Sergi López) tensarán su relación. Que el cineasta haya trabajado en un par de ocasiones con Ron Rifkin (Maridos y mujeres, Misterioso asesinato en Manhattan) y que un personaje de Desmontando a Harry (1997) comparta apellido con el protagonista de su último trabajo es, según Allen, pura coincidencia. Es un nombre bastante común y tiene solo seis letras, con lo que me facilita la vida cuando escribo a máquina. Cuando empecé a trabajar en el guion veía a Rifkin como alguien de mucha menor edad. Mi idea era darle el papel a un actor joven, pero no fue posible: o no aceptaban trabajar conmigo o yo creía que no eran lo que el film necesitaba. El proceso de selección es muy difícil, y más en estas circunstancias, 44

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Wallace Shawn, recordado por ‘La princesa prometida’ y asiduo del cine de Woody Allen, con el director en un descanso del rodaje en San Sebastián.

“ES CIERTO QUE COMPARTO MUCHAS COSAS CON RIFKIN, COMO SU PASIÓN POR EL CINE EUROPEO, PERO NUNCA SE ME PASÓ POR LA CABEZA INTERPRETARLO YO”. dice aludiendo al vacío al que le someten muchos colegas de profesión. Entonces Juliet (Taylor, su directora de casting desde Annie Hall), me sugirió a Wally. Y lo vi claro. Que Rifkin fuera mayor aportaba mucho más al personaje, y que lo interpretara uno de mis actores favoritos que curiosamente debutó en el cine conmigo en Manhattan (1979) era perfecto. Shawn, que además fue de los primeros en posicionarse públicamente a favor del director cuando estalló la polémica, es solo ocho años más joven que Allen. Y pese a que Rifkin responda al modelo clásico de sus roles, en ningún momento se me pasó por la cabeza interpretarlo yo. Estos personajes me salen casi sin pensar. Nunca pongo conscientemente nada mío en mis personajes, todo surge automáticamente, asegura. Pero es cierto que con Rifkin comparto muchas cosas, como su pasión por los directores europeos. Cuando era joven, en Nueva York, vivimos una especie de Edad de Oro. Todas las grandes cintas de estos magnífi-

cos cineastas llegaban a la cartelera. Podían verse durante todo el año. Todo eso se ha esfumado. Los cines fueron cerrando y se dejaron de proyectar estas películas, lo que dio lugar a un círculo vicioso: al no tener dónde verse, estos films dejaron de viajar a Estados Unidos y cada vez resultaba más difícil que se conocieran. Fue un tiempo fantástico, pero ya es historia.

VUÉLVELA A VER, WOODY De Allen se sabe que nunca ve sus películas. Las miro demasiadas veces cuando trabajo en ellas. Con eso tengo suficiente. Soy como esos chefs que están todo el día en la cocina y que, al terminar su jornada, no quieren saber nada de comida. No deseo pasarme la vida pensando que tendría que haber hecho algo distinto. No me gusta, no le veo el sentido a repasar lo que no se puede rehacer. Dirigí Toma el dinero y corre en 1968, y no la he vuelto a ver desde entonces, dice. Este reparo desaparece a la hora de revisar clásicos del cine como los que homenajea en su film. Eso es distinto. Los he visto muchísimas veces porque fueron muy importantes para mí. Transformaron mi forma de mirar… la mía y la de los cineastas de mi generación. El cine europeo fue clave para que el estadounidense madurara, para que se vieran

LOS OTROS ALLEN

EL MORT RIFKIN QUE ENCARNA WALLACE SHAWN ES EL ÚLTIMO DOBLE EN PANTALLA DE WOODY ALLEN. REPASAMOS ALGUNOS SOSIAS MÁS. GENE WILDER ‘TODO LO QUE SIEMPRE QUISO SABER SOBRE EL SEXO…’ (1972)

Para Allen, Louis Garrel “era perfecto para encarnar esa amenaza total que Mort Rifkin ve que se cierne sobre su matrimonio”.

las películas como obras de arte, no solo como obras comerciales hechas para contentar a la muchedumbre. Los veía siempre que podía, iba al cine una y otra vez. Y hoy, si estoy en el sofá o andando en mi sesión de cinta y cazo alguna de ellas en la TV, no puedo dejarlas. Me quedo enganchado. Me pasa con Buñuel, Bergman, Fellini… Las suyas son obras sesudas, pero antes que eso son entretenidas. Y es lo mejor de estos cineastas. Tenían algo que decir, pero lo hacían sin perder de vista el hecho de que la gente va al cine para divertirse. El público quiere historias de amor, quiere reír, quiere suspense, drama… Y estos directores trataban temas complicados y serios, pero lo hacían de una forma entretenida. Con El séptimo sello, Bergman nos habla de filosofía y propone un debate intelectual sobre la fe y la religión…, pero, como espectador, te clava en la butaca sin poder dejar de mirar y pasarlo bien. Lo mismo con Fellini 8 ½, Al final de la escapada, Jules y Jim… Son tremendamente entretenidas.

COGE LA 50ª PELÍCULA Y CORRE Nunca osaría pensar que puedo compartir mesa con ellos, responde Allen cuando mencionamos su reparo a compararse a sus directores de cabecera, así como su dureza cuando valora su

propia obra, como refleja en sus memorias. Son mis dioses del cine y soy feliz adorándolos. Ninguna de las películas que he dirigido puede compararse a La gran ilusión, El ángel exterminador o Persona. Son obras maestras sin discusión. He rodado muchas películas y algunas creo que son buenas, pero ninguna de ellas es arte con mayúsculas. Cuando empecé a dirigir, con una ya era feliz. Y después vino la segunda, y la tercera… Nunca me he marcado llegar a ninguna cifra. Si vivo lo suficiente, y la pandemia lo permite, puede que dirija algunas más, asegura tras contarnos que el rodaje que tenía previsto para este verano en Europa, y que habría supuesto su 50.º film, se ha pospuesto hasta que el virus remita o se encuentre una vacuna y se pueda volver a trabajar con normalidad. Y si no, como apunta en su libro, ¿estará contento escribiendo? Esa ha sido la suerte de mi vida, porque lo único que sabía hacer era escribir. Si nunca vuelvo a rodar, el mundo seguirá su curso y otros cineastas dirigirán películas que gustarán y que divertirán al público. No se me echará de menos. Es un error sobrevalorarse a uno mismo y pensar que si no hago otra el mundo estará perdiéndose algo maravilloso. No quiero dejarme llevar y tener una imagen exagerada de mí mismo. ◆

No cuesta nada ver a Allen como el Dr. Ross de Wilder, enamorado de la oveja de uno de sus pacientes.

JOHN CUSACK ‘BALAS SOBRE BROADWAY’ (1994) En uno de los mejores films de Allen, Cusack es un escritor que alucina con el talento de Cheech, el matón que encarna Chazz Palminteri.

KENNETH BRANAGH ‘CELEBRITY’ (1998) El norirlandés se convierte en Lee Simon, un neurótico novelista en crisis reciclado en periodista de famoseo en esta versión neoyorquina de ‘La dolce vita’ de Fellini.

JASON BIGGS ‘TODO LO DEMÁS’ (2003) Recién salido de la saga ‘American Pie’, Biggs es Falk, un joven escritor de comedia enamorado de una chica neurótica. En el film, Allen encarna a su mentor.

LARRY DAVID ‘SI LA COSA FUNCIONA’ (2009) David se encarga de un rol (Boris, un misántropo enamorado de una joven) que Allen escribió en los años 70 para Zero Mostel.

OWEN WILSON ‘MIDNIGHT IN PARIS’ (2011) Para ajustarlo mejor a Wilson, Allen convirtió en californiano a su rol, Gil, un guionista de Hollywood de éxito, pero en crisis vital.

JESSE EISENBERG ‘CAFÉ SOCIETY’ (2016) Bobby Dorfman, un joven neoyorquino judío, se muda a Hollywood para trabajar con su tío Phil, un representante de actores, y se enamora de su amante.

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ESTRENO # ENTREVISTA

Woody Allen

SUEÑOS DE UN DIRECTOR

“Mis sueños son de lo más mundanos”, nos cuenta Woody Allen. “Por desgracia, no parecen dirigidos por los grandes directores que admiro. Mis pesadillas tienen que ver con arañas que me persiguen”. En ‘Rifkin’s Festival’, el cineasta se saca la espinita onírica y rinde homenaje a las películas que han marcado su vida. Por R. S.

‘Jules y Jim’ (François Truffaut, 1962) EL TRIÁNGULO DEL AMOR Gina Gershon, Wallace Shawn y Louis Garrel protagonizan una versión particular de la escena que años atrás interpretaron Jeanne Moreau, Oskar Werner y Henri Serre mientras Mort sueña si sería capaz de vivir en un triángulo como el de Catherine, Jules y Jim. Allen conoció a François Truffaut, como cuenta en sus memorias, en Nueva York. Tomábamos clases de idiomas con el mismo tipo, él para aprender inglés y yo para aprender francés. En consecuencia, los dos sabíamos solo unas palabras del idioma del otro. Éramos como barcos que se cruzan en la noche. La gran barrera de arrecife de la lengua. Pero a él le gustaban mis películas y, huelga decirlo, a mí las suyas me volvían loco, explica.

Jeanne Moreau, Oskar Werner y Henri Serre.

‘Ciudadano Kane’ (Orson Welles, 1941) ¡ROSE BUDNICK! Allen convierte el Rosebud que concentra la vida de Charles Foster Kane en un cinéfilo gag onírico a costa de una prima de la familia de Mort. Una forma de devolverle la bofetada a Welles, que declaró en repetidas ocasiones aborrecer las películas terapéuticas del de Brooklyn, así como odiar su mera presencia física. Su particular combinación de arrogancia y timidez me hace rechinar los dientes, aseguraba Welles de un Allen con el que se cruzó en pantalla en la divertida Casino Royale (1967). Marcello Mastroianni, álter ego e íntimo amigo de Fellini.

‘Fellini 8 ½’ (Federico Fellini, 1963) LA LLAMADA DE FEDERICO Nunca conocí a Fellini, pero mantuvimos una bonita y extensa conversación telefónica, cuenta. El de Rímini le dijo que sus pasados tenían mucho en común. Lo cierto es que Allen creció con el cine del italiano, del que toma prestada una de las escenas en las que distintos personajes dan consejos a Mort en un parque de San Sebastián. 46

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Una bola de nieve, pero no tan helada como la relación entre Welles y Allen.

‘Al final de la escapada’ (J.-L. Godard, 1960) VIVIR SIN ALIENTO

Buenos días, tristeza: Bébel y una aún soñolienta Jean Seberg.

‘El ángel exterminador’ (Luis Buñuel, 1962) CARTAS A LUIS En Midnight in Paris (2011), Allen convirtió a Buñuel en un personaje de ficción (interpretado por Adrien de Van). En Rifkin’s Festival, encierra a sus protagonistas en un banquete como en El ángel exterminador. Un sueño que le habría encantado al de Calanda, referente claro del neoyorquino con el que comparte problemas de audición y, casi, una escena mítica: Allen escribió una carta a Buñuel ofreciéndole el cameo en la cola del cine de Annie Hall (1977), que, por problemas de agenda, acabó realizando Marshall McLuhan.

Toda la escena ha cambiado y todos esos tipos a los que quería impresionar cuando era joven se han esfumado en ese abismo que al parecer está justo allí fuera. Godard al menos sigue vivo, pero siempre ha sido un inconformista, escribe Allen, cinco años más joven que el director francosuizo. Los dos cineastas se admiran mutuamente, como prueba la tierna recreación de la escena de cama que en su día interpretaron Jean Seberg y Jean-Paul Belmondo o el documental Meetin’ WA, que, en 1986, Godard realizó a partir de una entrevista con Allen en la que ambos hablaron de sus diferentes enfoques cinematográficos.

El discreto encanto del confinamiento burgués.

‘Rifkin’s Festival’ (Woody Allen, 2020) ¿QUÉ ME PASA, DOCTORA? Una de las cosas que quería hacer con esta película era mostrar al mundo lo única y bella que es San Sebastián, cuenta Allen. Sus islotes frente a la costa, las preciosas calles y farolas del casco antiguo de la ciudad… Son un paraíso. Elena Anaya, que encarna a la Dra. Rojas, la galena que trata al personaje de Wallace Shawn, y Sergi López, su temperamental marido pintor, completan el reparto principal del 49º largo en la carrera del cineasta, una comedia cinéfila que pone en primer plano sus sueños como director. La vida, la muerte, la existencia de Dios, los impuestos… obsesiones de Allen y Bergman.

‘El séptimo sello’ (Ingmar Bergman, 1957) CUESTIÓN DE VIDA O MUERTE Bergman padecía de las mismas inseguridades que todos; por ejemplo, no saber dónde colocar la cámara, cuenta Allen, que, sin embargo, en el homenaje que rinde a uno de los films del sueco, no dudó en embutir a Christoph Waltz en una túnica negra para interpretar a la muerte en la playa de Itzurun en Zumaia el día más caluroso que se recuerda.

Wallace Shawn y Elena Anaya, de paseo bucólico. ESTRENO: 25 SEPTIEMBRE

Rifkin’s Festival (España, EE. UU., 2020, 91 min.). COMEDIA.

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ESTRENO # THE KING’S MAN: LA PRIMERA MISIÓN # REPORTAJE

AL SERVICIO SECRETO

DE SU MAJESTAD Tras hacerle un traje al cine de espías diseñando una franquicia que partía del modelo 007 para sacarle los colores al blockbuster de acción, el director Matthew Vaughn ejerce otra vez de sastre con ‘The King’s Man: La primera misión’, una precuela, liderada por Ralph Fiennes y el joven Harris Dickinson, que homenajea las películas de aventuras con las que creció. Hablamos con él en exclusiva. Por Roger Salvans.

DE QUÉ VA: En los primeros años del siglo XX, las mentes criminales más letales y los peores tiranos planean una gran guerra para aniquilar a millones de ciudadanos. Un hombre luchará contrarreloj para detenerlos formando la primera agencia de inteligencia independiente de la historia.

Foto: Charlie Gray.

El director Matthew Vaughn, en el centro, escucha a Ralph Fiennes y Harris Dickinson, interpretando al duque de Oxford y su hijo Conrad, en el set de rodaje.

ESTRENO # THE KING’S MAN: LA PRIMERA MISIÓN # REPORTAJE

S E P TI E M BRE 2 02 0 · FOTOGRAMAS.ES

Fotos: Charlie Gray, Peter Mountain, Walt Disney España.

ollywood se ha vuelto demasiado cínico, demasiado comercial y tiene demasiado miedo para hacer algo sin un tipo con una capa volando o empuñando una varita o lo que sea que requiera el género que dé dinero en un momento determinado, dice sin reparos, y apoltronado en lo que parece un carísimo sofá de diseño, Matthew Vaughn (Londres, 1971). El director, productor y coguionista de The King’s Man: La primera misión atiende a FOTOGRAMAS en una entrevista virtual para hablar de una precuela –la segunda en su carrera tras X-Men: Primera generación (2011), con la que resucitó artísticamente la saga mutante– en la que no solo no aparece ningún personaje de la saga original, sino que tampoco comparte género, tono ni referentes: La idea se me ocurrió al preguntarme por qué ya no se producían cintas épicas de aventuras como las que veía cuando era un chaval. El hombre que pudo reinar Plan de ataque. (J. Huston, 1975), Lawrence de Arabia (D. Lean, 1962)… Tom Hollander en uno de sus Grandes películas que podía ver la familia entera. Es que tres roles en el recuerdo ver Gandhi (R. Attenborough, 1982) con 10 años film, el del káiser ¡y gustarme muchísimo! ¿Por qué coño a un niño de 10 Guillermo II. años le gustaría Gandhi? Por su escala, por su fuerza. Quería recuperar esa sensación, dirigir una película con Oxford (Ralph Fiennes) con esa ambición, una historia más grande que la vida, como su amigo y las que se hacían antes. Así que me puse a buscar algo que guardaespaldas pudiera funcionar. ¿Un libro? ¿Existen todavía historias Shola (Djimon Hounsou). así o son cosa del pasado? Hasta que se me encendió la bombilla. Ya tenía la historia que buscaba: el discurso de Harry a Eggsy en el ascensor en la primera película, la fundación de los Kingsman durante la Primera Guerra Mundial. Solo tenía que encasquetarle el nombre de la franquicia para que me dieran luz verde y me dejaran hacer una película que, sin una saga detrás, nadie aprobaría ni en un millón de años. ¡Además, nadie hace películas sobre la Primera Guerra Mundial!, pensé estúpido de mí antes de que estrenaran la jodida 1917 (S. Mendes, 2019), que está muy bien pero… Bueno, que me pierdo. Me dije: Tío, puedes matar dos pájaros de un tiro. Que Hollywood crea que vas a darles otra peli de espías y que les dé un ataque al corazón cuando vean el resultado final. Por suerte no ha sido así, y ahora que la han visto les gusta y están contentos, pero no te negaré que, al princitor, del breve apunte que el personaje de Colin pio del rodaje, cuando les pasamos los primeros Firth hace al de Taron Egerton en Kingsman: “Quería que copiones, hubo un momento de perplejidad, de Servicion secreto (2014), es la tercera entrega de Hollywood no entender por qué lo que rodábamos era tan una saga que tiene un nuevo film en preparación creyera que iba distinto y serio. Pero les dije que nos dejaran y una posible serie de TV cociéndose. Toda una a hacer una cinta máquina de hacer dinero que ha recaudado más hacer y el resto, como dicen, es historia. de espías y que, de 600 millones de dólares en taquilla y que toma EL HOMBRE QUE PUDO SER KINGSMAN al verla, tuvieran como punto de partida, como ya hiciera con KickAss: Listo para machacar (2010), un cómic de David Lean es extraordinario, asombroso. Pero un ataque”. Mark Millar. Aunque esta vez Mark no ha aportaJohn Huston… era un puto genio, confiesa Vaughn do nada a la historia, apunta Vaughn. La única siguiendo con su lluvia de elogios a El hombre idea que les preocupaba a Mark y Dave (Gibbons, dibujante que pudo reinar. Sean Connery nunca ha estado tan bien de la novela gráfica) era cuántos ceros iba a tener su cheque. como en esa película y no se entiende Indiana Jones sin ella. Aquí solo cobran y me parece bien, es un buen trato, dice Siempre digo que si hubiese podido, me habría encantado medio en serio medio en broma antes de seguir: La tercera titular esta película ‘El hombre que pudo ser Kingsman’, broentrega está lista para rodarse. Tenemos el guion y queríamos mea. Esta precuela, que parte, como nos ha contado su direc-

SOLO SE ESPÍA DOS VECES Conrad (Harris Dickinson) participa heroicamente en la Gran Guerra.

empezar en noviembre, pero con esto de la COVID, quién sabe. Por cierto, lo de la COVID habría sido una trama de la hostia. Tengo incluso el enfoque para que encajara en el universo Kingsman: el virus se suponía que tenía que ser secreto, que no fuera detectado. Pero alguien lo saca y se expande. Creo que Valentine estaría orgulloso de esta pandemia, dice del billonario con planes para acabar con media humanidad que Samuel L. Jackson encarnó en el primer film.

ÉRASE UNA VEZ EN… EUROPA Para contar el origen de los Kingsman, Vaughn nos hace viajar 100 años al pasado y a un mundo al borde del colapso, comandado por unos dirigentes tiranos e incompetentes y con una amenaza que se cierne sobre toda la humanidad. Un panorama muy familiar, remata el director, quien, en esta ocasión, no ha contado con su habitual colaboradora

Acostumbrado a los trucos de las franquicias por su paso por Harry Potter y veterano de la saga Bond, Ralph Fiennes se pone el traje de gala como el duque de Oxford: espía, sí, pero ante todo un caballero. Para encarnar a Oxford, nuestro guía en la creación de los Kingsman, Matthew Vaughn cuenta que pensó en alguien que, hace 30 años, podría o debería haber interpretado a Bond. Y todos sabemos que él lo habría clavado, sostiene. Él es Ralph Fiennes (Ipswich, Inglaterra, 1962) y su personaje, un aristócrata que no se avergüenza de lo que es, cuenta el último M de la saga 007. Un pacifista, pero también un conservador que tiene que lidiar con un gran sentimiento de pérdida. Por eso siente un profundo rechazo a que su hijo Conrad luche en la Gran Guerra. Todo un contraste con el espíritu que el británico cree que es la mejor arma del film: Celebra una especie de joie de vivre dentro del cine de acción, es una reafirmación vital en cierta manera. Lo primero que me llamó la atención fue lo mucho que se divertía Matthew llevándose a su terreno los hechos históricos. Soy parcial, pero me parece que combina muy bien ambos tonos, el trágico y serio cuando el film necesita serlo

y el del humor y la acción, tan característicamente descarados, de la saga Kingsman. Incluso conmigo enfrascado en peleas y combates con espadas, aunque al rodar una escena de acción nunca tienes la sensación de peligro, emoción o deleite que tienes al verla en pantalla. Fiennes recuerda cómo mi padre me llevó a ver mi primer Bond cuando tenía ocho o nueve años. Me quedé enganchado a ese mundo: escenarios exóticos, coches alucinantes, mujeres espectaculares… Creo que a mi madre no le hizo mucha gracia, ríe antes de seguir: Matthew ha reescrito a su manera el cine de espías. Pero si algo comparte con 007, o incluso con la saga Harry Potter que es la otra franquicia de la que puedo hablar, es que las tres son productos de autor. No son películas manufacturadas desde un consejo de dirección. Los Broccoli manejan el universo Bond, J.K. Rowling siempre ha estado presente en la toma de decisiones creativas de los Potter y Matthew es el corazón de los Kingsman.

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ESTRENO # THE KING’S MAN: LA PRIMERA MISIÓN # REPORTAJE

Un duelo y, según Vaughn, la escena más difícil del film: “Nunca ruedes nada con cabras. Son imposibles”.

Vaughn al preguntarle cómo consigue el equilibrio Jane Goldman en el guion, sino con Karl Gajdusek “No hemos (Oblivion). En el centro de la trama tenemos entre ficción y realidad en su propuesta. Son sus jugado a las tensiones que llevaron a la Primera Guerra películas, son sus reglas y eso me parece genial. ser Quentin Mundial y la relación entre el duque de Oxford y su Nosotros hemos sido cien por cien precisos hisTarantino. tóricamente. No hay ni un solo evento reflejado hijo Conrad, interpretados por Ralph Fiennes y el joven Harris Dickinson. Son padre e hijo, pero su Somos cien por en el film que no sucediera tal y como lo mostramos. Lo que hacemos es preguntarnos ¿Qué dinámica no tiene nada que ver con la de Sean cien precisos Connery y Harrison Ford en La última cruzada, habría pasado si…? Nos tomamos una serie de históricamente”. apunta jocoso Vaughn. Junto a ellos, encontramos libertades narrativas que de momento quiero algunos personajes ficticios claves en el nacimienmanener en secreto, pero el resto podría pasar el to de la primera agencia de inteligencia privada, examen de un experto en la materia. Y por raro como Polly (Gemma Arterton), ama de llaves y exniñera que suene, la causa que proponemos como desencadenante de Conrad, o Shola (Djimon Hounsou), mayordomo y guarde la Primera Guerra Mundial es tan verosímil como las teorías que intentan explicarla, porque eso es lo más desconcerdaespaldas del duque. Pero también personajes reales que tante: nadie se explica por qué pasó lo que pasó. tuvieron mucho que ver con la Gran Guerra, como el estafador alemán Erik Hanussen (Daniel Brühl); la espía Mata Hari (Valerie Pachner); el rey Jorge de Inglaterra, el zar Nicolás II ¿PRESIÓN? ¿QUÉ PRESIÓN? de Rusia y el káiser Guillermo II de Alemania (primos todos Es una cuestión de equilibrio, se reafirma Vaughn. Hemos ellos y encarnados por Tom Hollander), o Rasputín (Rhys hecho un traje a medida, porque el film requería un patrón Ifans). No hemos jugado a ser Quentin Tarantino, advierte distinto. Teníamos que empezar de una forma diferente para

Teníamos una escena que mostraba una situación bastante comprometida de él con el zar, ocupados en actividades íntimas que posiblemente era pasarse un poco, explica Vaughn de uno de los personajes reales del film: Grigori Rasputín, el místico ruso que ejerció una gran influencia en el Kremlin a principios de siglo XX. Todo en él era grande, asegura jocoso el galés Rhys Ifans, encargado de interpretarlo. Su apetito, su carisma, su ambición, su fortaleza física, su… Todo enorme y desmesurado. Normal que levantara tanta admiración y envidia, bromea. En el film, además de tener un papel clave en la conspiración de tiranos que buscan acabar con parte de la humanidad, destaca por su característico estilo de lucha: Un karate ruso que tiene su base en los bailes típicos de los cosacos.

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Fotos: Charlie Gray, Walt Disney España.

RASPUTÍN, LA AMBICIÓN RUSA

El film recrea algunos eventos históricos, como el atentado en Sarajevo contra el archiduque Francisco Fernando.

Gemma Arterton es Polly, una ama de llaves y exniñera de Conrad, con más de un truco escondido.

DESTINO DE CABALLERO

Acabamos de verlo en la troupe de Xavier Dolan en ‘Matthias & Maxime’, llamó la atención en la serie de TV ‘Trust’ y ‘The King’s Man’ es la franquicia que puede convertirlo en estrella. Hablamos con Harris Dickinson. acabar llegando a un punto de encuentro con las otras dos cintas. The King’s Man: La primera misión es una película de época y así debería sentirse, aunque la hayamos rodado con un toque más accesible y, quizás, moderno. Pero siempre respetamos el tono del género y el momento. El humor, por ejemplo, no es tan grosero como en las otras entregas. Y las escenas de acción también son distintas, asegura apuntando que, para lograrlo, se ha empapado del cine de Charlie Chaplin, Harold Lloyd, Buster Keaton e incluso Errol Flynn. Estos tipos eran estrellas del cine de acción. Como lo es él ahora mismo en el siempre estresante terreno de los blockbusters millonarios, como la secuela de El hombre de acero para la que suena desde hace tiempo. Creo que las películas pequeñas son más difíciles que las grandes producciones, cuenta. En estas últimas dispones de más gente y muchas veces, si tienes un problema, tienes dinero suficiente como para comprar la solución. En cambio, cuando no lo tienes… Nunca he sentido tanta presión como cuando produje Lock & Stock (G. Ritchie, 1998). El presupuesto era de solo 900.000 libras, pero tenía a un puñado de gánsteres amenazándome con dispararme a la rodilla si cortaba su papel en la película… Y teníamos que cortarles, ríe. Además, muchos amigos me habían prestado dinero y no quería que perdieran ni un penique. Creo que ha sido el único momento de mi vida en el que he tenido un ataque de pánico… y yo me acojoné porque creía que era un ataque al corazón. Antes solo quería sobrevivir. Ahora me lo paso bien y quiero que mis películas gusten. Pero eso es ego, no presión, sentencia. ◆ ESTRENO: 18 SEPTIEMBRE

The King’s Man (Reino Unido, EE. UU., 2020, 130 min.). AVENTURAS.

Elijo el reparto basándome en lo que veo, explica Matthew Vaughn. Y él me dejó alucinado. Bastaron 10 minutos para que lo fichara. Palabras mayores si tenemos en cuenta el buen ojo del director, que, en su debut detrás de las cámaras –el thriller Layer Cake (2004)– le confió su primer protagonista a Daniel Craig. O que en KickAss: Listo para machacar (2010) le diera el rol de HitGirl a Chloë Grace Moretz. O descubriera a Taron Egerton para Kingsman: Servicio secreto (2014), la primera entrega de la saga. Vaughn sabe quién tiene madera de estrella. Sin embargo, cuando le preguntamos a Harris Dickinson (Londres, 1996) qué cree que fue lo que convenció a su director, él recuerda ese primer encuentro de una forma mucho más mundana: Quedamos para tomar un té, hablamos durante un buen rato y ya está. No hubo ni pruebas ni tuve que leer ningún diálogo. Solo un par de días después me llamó para preguntarme si me apetecía trabajar con él. Que el papel era mío, vaya. Ojalá todos mis castings a partir

de ahora sean así. Dickinson, que acaba de terminar el rodaje junto a Tilda Swinton de The Souvenir: Part II, la secuela del film de Joanna Hogg, empezó a despuntar en la indie Beach Rats (E. Hittman, 2017), drama que le valió una nominación a los indie Spirit Awards. Después llegaron trabajos a las órdenes de Danny Boyle (la serie de TV Trust, en la que interpreta a John Paul Getty III) o junto a Angelina Jolie (Maléfica: Maestra del mal). Ahora, en The King’s Man: La primera misión, es Conrad, quien con 17 años ya es el marqués de Woodstock, cuenta. Es joven, valiente, aristocrático. Su padre es el duque de Oxford, así que con él lleva un estilo de vida grandioso a la vez que estricto, muy típico de la aristocracia. Cuando lo vemos por primera vez nos damos cuenta de que no sabe nada del mundo real. ¿Y su primera vez en el set, cómo fue? Alucinante. Una escena en un avión con Ralph… Pero no dentro del avión, sino agarrado a la cola. Estaba asustadísimo. Lo estuve todos los días, pero no se lo digan a nadie.

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ESTRENO # ENTREVISTA

Maisie

Williams

EL ESPÍRITU DEL LOBO Tras dedicar su adolescencia entera a ‘Juego de Tronos’, la joven actriz abre capítulo con ‘Los Nuevos Mutantes’, una saga de superhéroes conectada al universo X-Men. La intérprete cuenta a FOTOGRAMAS los recuerdos de la serie que cambió su vida y lo que espera de Hollywood. Por Marc Tió (Nueva York).

arece imposible, pero hace ya un año que Arya Stark se abalanzó sobre el Rey de la Noche y rompió el asedio de los caminantes blancos en los Siete Reinos. Fue una experiencia muy, muy larga… Para mí y para el equipo y le saqué todo el partido que pude. No creo que hubiésemos podido rodar más episodios. Cerramos la serie en un buen momento y ahora me alienta ver qué más aventuras me traerá esta industria. En su encuentro con FOTOGRAMAS, Maisie Williams (Bristol, Inglaterra, 1997) mira con cierta nostalgia hacia el pasado, pero no le teme al futuro, aunque sus próximos pasos los dé con pies de plomo. He recibido muchas ofertas, pero no son siempre proyectos que me interesen. La verdad es que ahora me apetece sacar el lado más ligero de mi personalidad. Creo que ya he interpretado a suficientes niñas tristes y gritonas, ríe a carcajadas consciente de que su nuevo rol, Rahne Sinclair, lleva mucho trauma encima.

solo eso. La actriz interpreta a uno de los escasos superhéroes homosexuales de la cartelera. En los cómics originales Rahne y Dani, encarnada por Blu Hunt en la película, tienen una relación telepática que la versión de Boone lleva más lejos. Me emociona interpretar a un personaje del colectivo LGTBIQ+ en una película que va a tener una exposición extraordinaria. Es un honor. Describe una relación positiva, en la que se aman y se tratan con cariño y respeto. Es algo muy bonito y también muy valiente en una producción así. En este sentido, los cómics llevan ventaja a Hollywood con más personajes abiertamente gays y, también, más diversidad cultural. Pero Williams confía en que esa diferencia a la hora de reflejar la realidad se haga cada vez más estrecha. Creo que la mentalidad de Hollywood va cambiando, poco a poco, y si apoyamos películas así tengo la sensación de que veremos más representatividad en la cartelera.

EN SU PROPIA PIEL

UNA BUENA ESTRATEGIA

A pesar de no estar especialmente interesada en el género de los superhéroes, Williams cayó rendida ante el personaje y la visión de su director, Josh Boone (Bajo la misma estrella). Mi rol, Rahne, tiene la capacidad de transformarse en Loba Venenosa completamente o solo algunos rasgos, según sus necesidades. Creo que se transforma en loba porque no se siente cómoda en su propia piel. Es algo con lo que conecto. En este último año he intentado quererme un poco más. A veces soy muy dura conmigo misma y creo que mucha gente pasa por esta clase de situaciones. Así que me encanta interpretar a un personaje que refleja esta lucha y espero que evite a muchas chicas sentirse enajenadas. Y no

Los Nuevos Mutantes se empezó a gestar en 2015, se rodó dos años después y todavía hemos tenido que esperar más retrasos y una pandemia mundial para poder verla. Williams confiesa que esta última década como actriz le ha permitido aprender dos lecciones importantes. La primera: No todo es fruto del azar, sino que tienes que escoger bien los proyectos. Es fácil creer que lo importante es tener ganas de hacer esta peliculita u otra, pero tienes que saber con quién quieres trabajar. Necesitas una buena estrategia para que se te respete en Hollywood. ¿Y la segunda? No importa lo que trabajes o lo famosa que creas que eres, siempre tendrás que pasar por un casting, concluye entre risas. ◆

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“NO IMPORTA LO QUE TRABAJES O LO FAMOSA QUE CREAS QUE ERES, SIEMPRE TENDRÁS QUE PASAR POR UN CASTING”.

ESTRENO # REPORTAJE

SUPERHÉROES ENTRE NOSOTROS

‘Los Nuevos Mutantes’, además de abrir una puerta en el Universo Cinemático Marvel al género de terror, nos vuelve a llevar a un mundo en el que seres extraordinarios, mutantes como los de la saga original o no, conviven con el resto de los mortales. Tiramos de archivo para recordar otros héroes la mar de mundanos. Por R. S.

John Ritter, los poderes de la risa.

La familia de superhéroes que lucha unida.

Detrás del antifaz y la ropa de segunda mano se esconde Damon Wayans.

‘FINALMENTE HÉROE’ (M. DAVIDSON, 1980) John Ritter, entonces en su mejor momento gracias a la sitcom Apartamento para tres, es Steve Nichols, un actor de segunda que una noche detiene un atraco enfundado en el traje del Capitán Avenger, el personaje de una película de serie B. Entonces descubre que los poderes de la fama pueden convertirlo en un imán para las mujeres, pero poco pueden hacer contra las balas de verdad. Una fábula capriana con guiños a Taxi Driver y guion de AJ Carothers (El secreto de mi éxito).

‘BLANKMAN, MI HERMANO EL CHIFLADO’ (M. BINDER, 1994) Un vehículo a mayor gloria de Damon Wayans, responsable de la historia y el guion junto a J.F. Lawton (Pretty Woman) centrado en, según su campaña de marketing, el superhéroe más barato de todos los tiempos. El Jimmy Dix de El último Boy Scout es Darryl Walker, un tipo con alma de crío y buena mano para los inventos que, al dar con un traje antibalas, decide convertirse en Blankman y luchar contra el crimen.

Pequeños poderes, pequeñas responsabilidades.

‘MISTERY MEN’ (K. USHER, 1999) Mister Furioso (Ben Stiller) se enfada mucho; Rajá Azul (Hank Azaria) lanza la cubertería de plata de su madre; El Zapador (William H. Macy) domina la pala como nadie… Unos Vengadores de pacotilla que se enfrentan, a ritmo de música disco, a Casanova Frankenstein (Geoffrey Rush) en una comedia de la que Stiller reniega y que casi abandonó a medio rodaje tras discutir en el set con Greg Kinnear.

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Bruce Willis, héroe de Shyamalan.

‘EL PROTEGIDO’ (M. N. SHYAMALAN, 2000) Shyamalan demostró su sexto sentido para los giros de guion con este homenaje a las historietas de superhéroes. Recibida con reservas en su estreno, la cinta es una de las preferidas del género de Quentin Tarantino que la resume con una pregunta: ¿Qué pasaría si Superman no supiese que es Superman?

‘HANCOCK’ (P. BERG, 2008)

‘LOS INCREÍBLES’ (B. BIRD, 2004) Hay peligros de los que ni los superhéroes, aunque estén de incógnito como los Parr, se escapan: la crisis de la mediana edad, el aburrimiento de la vida en las urbanizaciones, las explosiones de ira de los hijos adolescentes… Brad Bird partió de estas ideas para levantar en Pixar este festín lleno de guiños al cine de espías sesentero que es también un canto a la diferencia y a salirse de la norma.

John Hancock (Will Smith) es invulnerable, inmortal, puede volar, tiene una fuerza sobrehumana… y es un desastre. Un superhéroe alcohólico y amnésico cuyas buenas obras palidecen ante sus efectos colaterales. Tony Scott y Michael Mann sonaron como directores de este film, con participación en el guion de Vince Gilligan (Breaking Bad), que pese a contar con los poderes en taquilla de Smith no cuajó.

Will Smith, un héroe de andar por casa.

‘SUPER’ (J. GUNN, 2010) Antes de que Marvel lo propulsara con la saga Guardianes de la Galaxia –y lo expulsara para después ficharlo de nuevo–, James Gunn escribió y dirigió esta inclasificable cinta indie: Rainn Wilson es Frank, un cocinero que decide convertirse en Crimsom Bolt, un superhéroe bajo cuya identidad, y la ayuda de Boltie (Ellen Page), se enfrentará al amante de su esposa.

Ellen Page, heroína especial en ‘Super’. Dane DeHaan, los peligros del ‘angst’ juvenil.

‘CHRONICLE’ (J. TRANK, 2012) El director Josh Trank y el guionista Max Landis parecía que iban a comerse el mundo después de presentar este cóctel perfecto entre cine de superhéroes, terror found footage y estudio de la alienación teen de la generación Jackass. Un Akira de carne y hueso en el que, por encima de todo, sobresale el poderoso viaje hacia el Lado Oscuro de Andrew, el chaval al que encarna Dane DeHaan.

‘BIRDMAN’ (A. G. IÑÁRRITU, 2014) La inclusión de Birdman tiene

Michael Keaton, perseguido por su heroico álter ego.

tanto de truco como el falso plano secuencia con el que Iñárritu sigue el descenso a la locura de su protagonista, Riggan Thompson. Pero no podemos dejar de aplaudir el metadescaro de tener a Michael Keaton en el papel de un actor atormentado por el rol de superhéroe que encarnó en una saga blockbuster en los 90.

El club de los cinco mutantes.

‘Los Nuevos Mutantes’

Adaptación del comic spon-off del mismo título de la saga X-Men, Los Nuevos Mutantes presenta una visión realista y alejada de la fantasía multicolor además de un viraje narrativo hacia el terror. Según cuenta el director Josh Boone (Bajo la misma estrella), es como un cruce entre John Hughes y Stephen King centrado en un grupo de jóvenes formado por Rahne (alias Loba Venenosa, Maisie Williams), Illyana (alias Magik, Anya TaylorJoy), Sam (alias Bola de Cañón, Charlie Heaton), Roberto (alias Mancha Solar, Henry Zaga) y Danielle (alias Espejismo, Blu Hunt), que son sometidos a todo tipo de pruebas en un psiquiátrico. ESTRENO: 26 AGOSTO

The New Mutants (EE. UU., 2020, 98 min.). TERROR.

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ESTRENO # ENTREVISTA

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Cuando leí el guion de Tenet sentí como si me hubieran dado la clave para entrar en la mente de Nolan y formar parte de sus maquinaciones.

Foto: Lorenzo Agius.

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Elizabeth Debicki

OPERACIîN ENIGMA Esta espigada australiana parece tener, junto a John David Washington, Robert Pattinson y Kenneth Branagh, las claves del film más esperado de la temporada, ÔTenetÕ. Hablamos con ella en exclusiva para intentar averiguar algunos de los misterios que encierra el último trabajo de Christopher Nolan. Por Roger Salvans.

o, lo siento. No puedo explicarte nada de mi personaje. Ni su nombre. Nada. Solo que sale en la película y que se ve obligada a formar equipo con alguien para enfrentarse a algo. Esta es la respuesta, sin ninguna risa ni entonación que permita pensar que nos está tomando el pelo, a la primera pregunta con la que FOTOGRAMAS arranca la charla con Elizabeth Debicki (París, Francia, 1990), el vértice que cierra junto a John David Washington y Robert Pattinson el triángulo protagonista de Tenet, el esperado nuevo trabajo de Christopher Nolan. Una película que, de no mediar otro cambio de fechas derivada de otra crisis mundial, llegará al fin a nuestras pantallas el 26 de agosto. La de Debicki es una contestación inusual que, sin embargo, encaja perfectamente con el misterio y enigma que han rodeado desde el principio un film del que sabemos que se ambienta en el mundo del espionaje y en el que juega un papel clave el tiempo. Pero no los viajes, sino la inversión de este. Y poco más. Si acaso, también sabemos que esta altísima –mide 1,91 m– francesa de nacimiento, pero australiana desde los cinco años, pasó por un casting bastante tradicional. Eso sí nos lo cuenta, como que empezó quedando con Chris para tomar un té. Estuvimos hablando mucho tiempo, de nosotros, del cine que nos gusta, de Australia…, pero no dijo nada sobre ninguna película. Una o dos semanas después me llamaron para una prueba, que hice sin haber leído el guion, y al poco supe que el papel era mío. Todo muy sencillo y bastante rápido. Nada dramático ni excesivo. Lo dramático y excesivo era cómo viví yo interiormente ese proceso mientras intentaba convencerme de que tampoco era para tanto, asegura. Fue entonces cuando me dejaron leer el guion: en las oficinas del estudio, cerrada en una habitación. Aunque me dejaron salir dos o tres veces para tomar un té y poder digerirlo todo, la trama, pero especialmente la situación. Porque eso

sí era surrealista. Tener ante ti lo nuevo de Nolan y poder descubrir de qué va antes que casi todo el mundo. Era como si me hubieran dado la clave para entrar en su mente y formar parte de sus maquinaciones.

RENDIDA ANTE NOLAN Con 30 años recién cumplidos –los celebró el 24 de agosto–, Debicki puede presumir de un currículo en el que el film de Nolan es la guinda. Su puesta de largo internacional fue con El gran Gatsby (B. Luhrmann, 2013), a la que siguieron la estilosa villana de Operación U.N.C.L.E. (G. Ritchie, 2015), la Lady Macduff de Macbeth (J. Kurzel, 2015), su incursión en el universo Marvel con Guardianes de la Galaxia Vol. 2 (J. Gunn, 2017) o planear un golpe junto a Viola Davis en Viudas (S. McQueen, 2018). Eso en el cine, porque en TV coprotagonizó con Hugh Laurie y Tom Hiddleston la serie El infiltrado y mucho antes, cuando empezaba, compartió escenario junto a Cate Blanchett e Isabelle Huppert en un montaje de Las criadas de Jean Genet. El primer día de ensayos con ellas, recuerda, me sorprendió hablar y escuchar cualquier sonido, coherente o no, que surgiera de mis labios. Una sorpresa equiparable a la que experimentó cuando se vio en uno de los tan comentados sets de Christopher Nolan, al que se muestra rendida: Sabes que serán grandiosos, pero nunca esperas que lo sean tanto. En cambio, consigue crear un ambiente de intimidad y proximidad con los actores. Y lo hace sin renunciar a esa fastuosidad…, pero bien entendida. Porque creo que, como director, Chris filma la realidad de esas colosales escenas de acción. Sus historias son arriesgadas y ambiciosas. Son un género o, mejor, un mundo propio por sí mismas. Además, es un maestro en el arte de dejar pequeñas pistas que dan cuenta de toda la trama y combinarlo con la acción y emoción más espectaculares que puedas imaginarte en una pantalla, remata. ◆

LAS TRIBULACIONES DE LA MUJER DEL OLIGARCA RUSO Con menos reparos que Debicki, pero igual de críptico, Nolan cuenta que en Tenet la australiana encarna a una mujer que se ve en una situación comprometida a causa de su marido, un oligarca ruso que interpreta Kenneth Branagh. Su relación con el rol de John David Washington es ambigua y complicada. ESTRENO: 26 AGOSTO

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ESTRENO # ENTREVISTA

John

Goodman

MEMORIAS DE UN HOMBRE BUENO

Lleva más de tres décadas llenando pequeñas y grandes pantallas con su inmensa humanidad. Hoy, con la excusa de la Tierra sojuzgada por aliens de ‘Nación cautiva’, nos dejamos abrazar por el actor, su vida, obra y recuerdos. Por Fausto Fernández.

iernes, ocho de la tarde. John Goodman se dispone a atender a FOTOGRAMAS, y aunque no disponemos de todo el tiempo que se merece para entrevistarlo, la charla toma un inesperado giro y empezamos a hablar de cómo el panorama cinematográfico se está quedando huérfano ante la desaparición de una generación de intérpretes que marcaron una manera distinta de actuar. Todos grandes nombres, pero uno toma un incuestionable protagonismo: el británico Albert Finney. Esa fue una gran pérdida, sin duda, se lamenta Goodman con esa voz profunda suya que irradia humanidad. Conseguía que lo más artificial fuera natural, que cualquiera de sus personajes no solo apareciera vivo ante nuestros ojos, sino que los sentías como propios. Soy un actor sin método, que hace sus investigaciones normales cuando me dan un guion, pero ya está. No sé si eso es bueno o malo. Veo esta profesión como un trabajo, no como una iluminación. Siempre he perseguido como actor esa veracidad tan aparentemente sencilla que Finney lograba sin despeinarse. Se llevaba a los personajes a un

bar. Bebía, charlaba, se peleaba con ellos. Los dejaba solos en la madrugada en alguna calle, pero volvía a buscarlos, se abrazaban y luego lo acompañaban en el rodaje. UN TIPO NORMAL Al igual que Albert Finney, John Stephen Goodman (St. Louis, Misuri, 1952) ha sabido representar, incluso en roles a priori alejados de este, al hombre de la calle, al tipo normal. Al tipo imperfecto, nos corrige el intérprete. Las imperfecciones nos hacen humanos. La mayoría de los personajes que he interpretado son imperfectos. Perdurarán por ello, no por presuntas heroicidades. ¿Y usted, señor Goodman, cree que perdurará por sus imperfecciones?, le preguntamos pese a saber que poco hay en el actor de ellas. Goodman guarda silencio un instante y responde: No sé si perduraré, la verdad. No me importa el futuro, no me preocupa en absoluto. Vivir el presente, eso es lo único que podemos hacer. Las huellas que dejaremos, si las dejamos, tendrán más que ver con nuestras equivocaciones (voluntarias o no) que con nuestros egos. Ya sé que no es la mejor declaración cuando

estamos haciendo esta entrevista para promocionar una película futurista, de ciencia ficción. Y John Goodman ríe. COMPAÑERO Y AMIGO Que quien naciera para ser Pedro Picapiedra en carne y hueso se abrace al presente es lógico en alguien que perdió a su padre siendo muy niño, y que perdió su casa y todo lo que tenía cuando el huracán Katrina azotó la Nueva Orleans donde aún reside. Mi compromiso estaba allí, se pone serio. Reconstruirme como se reconstruyó la ciudad. En esa reconstrucción también se incluye un episodio que Goodman hizo público el año 2009: sus largos problemas con el alcohol. Acudo a Alcohólicos Anónimos regularmente, afirma. Llevo 11 años sobrio. Y viendo la vida, tomándomela, de otra manera. John Goodman abandona su nueva mansión en Nueva Orleans solamente por cuestiones de trabajo, como la del rodaje en Chicago (mi segundo hogar, asegura orgulloso) de Nación cautiva. ¿Sabe una cosa?, baja la voz el intérprete. La rodé hace más de dos años, así que no me pregunte demasiadas cosas porque no me

‘NACIÓN CAUTIVA’ Tras El origen del planeta de los simios (2011), Rupert Wyatt vuelve al género de ciencia ficción con una marcada nota realista, incluso política. A partir de la premisa de una invasión alienígena, Nación cautiva da un salto temporal, tras una impresionante secuencia inicial, para llevarnos a un Chicago que

vive el décimo aniversario del control de la Tierra por parte de una depredadora raza extraterrestre. Un núcleo de resistentes (entre ellos Ashton Sanders, visto en Moonlight, y el personaje que interpreta Vera Farmiga) se enfrentan a una sociedad que en su mayor parte colabora con los invasores, entre ellos

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un taciturno policía (John Goodman) obsesionado con atrapar al líder de la Resistencia. El film destaca por el (aterrador) diseño de los alienígenas y la transformación (digital) de Chicago. ◆ ESTRENO: 11 SEPTIEMBRE

Captive State (EE. UU., 2019, 109 min.). CIENCIA FICCIÓN.

El jefe de policía William Mulligan (John Goodman) detiene a Gabriel (Ashton Sanders).

Foto: Getty Images.

muy grandes. Y adoro a ese pedazo de cabrón de Walter, proclama. Va a acabar quedando como uno de mis personajes favoritos, en gran parte gracias a la gente. Cierto que El Nota de Jeff Bridges se lleva la palma, pero ahí lo seguimos Turturro y servidor. ¿Una secuela? Cuando y donde sea. Y si es para anunciar cerveza (sin alcohol), también.

acuerdo de casi nada. Mi personaje es un policía, un cargo intermedio, que cree firmemente en preservar el orden establecido. Sea cual sea. Y de la ley, porque sin el uno o el otro nuestra sociedad está perdida. Para Rupert, dice del director del film, la historia de Nación cautiva tiene ecos de la Resistencia francesa contra la ocupación nazi durante la Segunda Guerra Mundial. Y lo que está claro es que el film nos pregunta hasta dónde estamos dispuestos a sacrificar nuestra libertad para sentirnos seguros. Pues no está mal, le comentamos, para no recordar nada. ¿Y qué nos puede decir de sus compañeros de reparto? De ellos todo, eleva la voz entusiasmado. Kevin Dunn es como un hermano para mí. Compartir comidas y cenas con él sí que es inolvidable. O tener dos escenas maravillosas con Vera Farmiga, una actriz extraordinaria…, ¡pero que no sabía quién era Nat King Cole! MIS HERMANOS LOS COEN En Nación cautiva, Goodman vuelve a estar a las órdenes de Rupert Wyatt

“SOY UN ACTOR SIN MÉTODO. NO SÉ SI ESO ES BUENO O MALO. VEO ESTA PROFESIÓN COMO UN TRABAJO, NO COMO UNA ILUMINACIÓN”. tras El jugador (2014). Comentamos con el actor que rara vez repite con el mismo director. No es porque no haya querido, vuelve a reír. Ojalá Scorsese me hubiera llamado después de Al límite (1999), o Spielberg tras Always (Para siempre) (1989). Claro que esto no sucede con cierta pareja de hermanos, Joel y Ethan Coen, para quienes John Goodman es algo así como un actor fetiche. Desde que apareció en Arizona Baby (1987) hasta A propósito de Llewyn Davis (2013), lo hemos visto en Barton Fink (1991), O Brother! (2000), con un cameo vocal bajo pseudónimo (Karl Mundt) en El gran salto (1994) y, por descontado, tocando la gloria y el culto encarnando al Walter Sobchak de El gran Lebowski (1998). Adoro a los Coen. No hay nadie más fácil para trabajar que ellos. Son

UN HOMBRE DE CINE Y TV En los últimos tiempos, John Goodman ha vuelto a colarse en películas que han funcionado muy bien en taquilla como Kong: La Isla Calavera, Día de patriotas o esa Calle Cloverfield 10 que pudiera estar conectada (vía invasiones alien y paranoia) con esta Nación cautiva que ahora por fin se estrena en nuestras salas. Alegra y reconforta ver que los films en los que intervienes tienen éxito, porque nos aseguran más trabajo, pero he estado en taquillazos que no me aportaron nada como actor, y en fracasos que sí. Desde los inicios de su carrera, el actor ha estado muy unido a la televisión, medio que le ha brindado sus mayores reconocimientos en forma de premios gracias a la sitcom Roseanne, hoy reconvertida en Los Conner tras el fulminante despido de Roseanne Barr. Dan Conner, mi personaje, es tal vez el que más se parece a mí, reconoce. Formar parte de una serie que ha hecho, sigue haciendo, historia, es un honor. Una serie que era, es y sigue siendo de Roseanne Barr. Sabe que estuve y estoy con ella. Su despido fue algo exagerado. Vivimos unos tiempos muy extraños… John Goodman vuelve a guardar silencio. Al poco prosigue: Pero la TV vive una edad de oro. Lo paso bien en ella. A veces me hace sentir que he logrado un buen trabajo, como en Normal, Ohio; en Treme, o en una serie de la BBC, Black Earth Rising, que me parece impresionante. Acabo de terminar una tanda de episodios de otra, Los Gemstone, una auténtica locura. El creador y protagonista es Danny McBride. Interpreto al patriarca de una familia disfuncional muy del estilo de las películas de Wes Anderson. Como nunca me ha llamado para rodar con él, esto cubre el vacío. ◆ FOTOGRAMAS.ES · SEPTIEM BR E 2 02 0

ESTRENO # ENTREVISTA

VERÓNICA ECHEGUI

“NO TENGO MIEDO. PREFIERO LANZARME Y ERRAR QUE QUEDARME EN CASA ESPERANDO” Siempre, desde que abandonó el barrio en el que ‘la Juani’ soñó con la fama , la intérprete ha mantenido el motor en marcha. Este mes estrena ‘La ofrenda’, de Ventura Durall, y le siguen de cerca ‘Explota, explota’ y ‘Orígenes secretos’, además de su primer corto como directora. Por Sonia Guijarro.

Siempre. Miro a los ojos a la hora de responsabilizarme de mis errores, que es lo que más cuesta. Prefiero dar la cara y decir lo que me gusta y lo que no, de frente. Uno no puede esperar que otros lo perdonen si no se perdona antes a sí mismo. Ventura Durall habla en La ofrenda de ventanas que dan al infierno. ¿Hacia dónde dan las suyas? Ahora mismo dan al campo, a la alegría y al agrau tía Gloria la arengaba a escondidas mientras decimiento. No hay en mi vida ventanas que den su madre luchaba para que Verónica se labrara a ningún lugar oscuro, por suerte. un futuro más estable que el cinematográfico. ¿Se puede decir entonces que su carrera va por donde Y entre mentiras piadosas, castings secretos, usted quiere que vaya? ¿Alguna concesión al miedo? matrículas entre lágrimas en Turismo y una voluntad No puedo controlarlo del todo. A veces sufres porde hierro apareció en su vida el visionario Bigas Luna. que ese papel que deseas no llega, y luego ves que Él le brindó las pasiones de periferia de ‘la Juani’ (Yo no pasa nada porque viene otro. He rechazado soy la Juani, 2006), su debut en el cine, y, con ellas, la trabajos sabiendo que eran guays por agotamiento, oportunidad de arrancar saltándose todos los límites por preservar mi salud. Una pena. Ser actriz es un de velocidad en una carrera inevitable: A ‘la Juani’ le compendio de los ‘síes’ y los ‘noes’, y no siempre debo todo, fue lo mejor que me ha pasado en la vida. aciertas. Ahora estoy en un momento dulce, y no Yo estaba saliendo del cascarón, tenía muchísimas tengo miedo. Prefiero lanzarme y errar que quedarinseguridades y Bigas me dejó una profunda huella, me en casa esperando el papel ideal. estaba siempre sediento de conocimiento, jamás pre- Pero usted lleva una media de dos películas por año desjuzgaba. No tenía que haberse ido tan pronto. de aquella Juani. Al menos cantidad no falta. Y desde aquella primera incursión en cine llega su película La carrera de actriz es incierta y provisional, hay número 21, La ofrenda, de Ventura Durall. ¿Cómo la que organizarse bien con el dinero, algo que nunca ha sentido usted? ha sido mi fuerte. No me quejo, pero a veces he penHemos hecho equipazo. Quedamos con el director sado: como no salga algo, no sé de qué voy a vivir. para hablar de la peli frente a una copa de vino (y lue- ¿A qué aspira? go otra, y otra más…) y nos dieron las 10 de la maña- A afinar cada vez más a la hora de contar historias. na. Tuve la sensación de que iba a ser especial, y así Lo próximo será mi primer corto como directora, fue. Ventura tiene una sensibilidad brutal, mucha Venga a nosotros tu reino. intensidad, habla de temas profundos, de perdonar Y estrenar Explota, explota de Nacho Álvarez, y Orígey perdonarnos. A pesar de todo me sentí ligera, nada nes secretos, de David Galán Galindo… pesaba, todo fluía. Hubo magia desde el segundo día, Ambas están ya a punto. En la primera me lo he nos dio manga ancha para vivir las situaciones como pasado genial, trabajando el acento murciano, canquisiéramos y la cámara nos seguía. Fue increíble. tando y bailando. La segunda es un thriller muy ¿Es ese el tipo de dirección que le gusta? inteligente que va más allá de lo que apaMe motiva sentirme libre, igual que trabajar en otros renta. Espero estrenar también a finales idiomas [habla inglés, italiano y algo de francés], ‘me de año la serie de Amazon 3 Caminos pone’, pero el cine es trabajo en equipo, construir (Norberto López Amado e Iñaki Mercero). juntos. Yo tengo mis límites como todos, y necesito un Y me esperan dos rodajes: con María Ripoll director que me guíe, que me ayude a medir mis fuer- [con la que ya trabajó en 2016 en No culzas y a dar con el tono correcto, a buscar el equilibrio. pes al karma de lo que te pasa por giliRita, su personaje, dice: el perdón hay que pedirlo mirando pollas] una adaptación teatral, y con Paco a los ojos. ¿Usted es de las que lo hace? Caballero Donde caben dos.

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‘LA OFRENDA’ Rita (Verónica Echegui) decide ayudar a su marido Jan (Alex Brendemühl) a reencontrarse con su amor adolescente, Violeta (Anna Alarcón) de quien busca absolución por un cruel abandono que jamás se perdonó. Al tiempo que Jan intenta sacudirse la culpa y reescribir la historia de su vida, descubre que todo lo que hacemos a los demás, nos lo hacemos a nosotros mismos, en el momento en que abrimos esa ventana que da al infierno. En palabras del guionista, productor y director de documentales Ventura Durall, su film La ofrenda toma la forma de parábola para explorar estructuras mentales como la obsesión o el perdón, que implican la voluntad íntima de redención, pero también que el otro visualice esa voluntad y la acepte. ESTRENO: 18 SEPTIEMBRE

Alex Brendemühl y Verónica Echegui.

Foto: Andrea Resmini.

“LAS VENTANAS DE MI VIDA DAN AL CAMPO, A LA ALEGRÍA Y AL AGRADECIMIENTO. NO HAY OSCURIDAD”.

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M‡s Estrenos

ADIÓS A LA INOCENCIA Secretos dolorosos, mentiras piadosas, modernidad y arcaísmo en la España de los primeros 90 recorren esta crónica intimista del despertar a la adolescencia. Hablamos con su directora, Pilar Palomero, de ‘Las niñas’, un sólido debut que se perfila como una de las películas españolas del año tras su paso con muy buen pie por la Berlinale. Por Paula Ponga. DE QUÉ VA: El tránsito a la adolescencia de una niña de 11 años que vive con su madre y estudia en un colegio de monjas, en la Zaragoza de principios de los 90.

¿Cuánto hay de usted en Celia? Hay componentes autobiográficos en la película, muy ligados a mis propios recuerdos y a mis propias experiencias. Estudié en un colegio de monjas concertado, en la Zaragoza del 92, ese momento tan contradictorio en el que recibíamos una educación muy conservadora en una sociedad que a la vez estaba abriéndose. De hecho, ese fue el germen de la película: reflexioné y me di cuenta de que había recibido una educación muy anticuada. La escena del dictado sale literalmente de mi cuaderno de Religión. Por suerte mi familia lo ha guardado todo, conservo mis carpetas de EGB. No llego a ser Celia, pero su carácter tiene bastante que ver con cómo era yo; su timidez, su ingenuidad. ¿Sus padres son religiosos? Mis padres también habían estudiado en colegio de curas y monjas y en casa había una educación con ese poso, heredado de la educación que ellos mismos habían recibido. Mi madre es una mujer luchadora, licenciada en Físicas, y mi padre un hombre de mentalidad muy moderna; son maravillosos, querían llevarme al mejor colegio posible, pero que tenía sus fallas. Somos también consecuencia de la educación que recibieron nuestros padres. Cargamos con mochilas que van pasando de generación en generación. Incluso las chicas de la película me decían que algunas cosas no han cambiado tanto. 64

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Ha elegido como título la denominación que utilizan las monjas para referirse a sus alumnas, aunque siempre las vemos, a las monjas, bajo el punto de vista de las niñas. Estamos muy acostumbrados a que llamen a grupos de mujeres ‘las niñas’, de una forma paternalista o condescendiente. Es la infantilización perpetua. Y no solo por parte de las monjas. Su película comienza y acaba con dos escenas magníficas que condensan la evolución de la protagonista. Ninguna de las dos estaban concebidas como principio o final, pero fueron ganan-

CON MOCHILAS “CARGAMOS QUE VAN PASANDO DE GENERACIÓN EN GENERACIÓN .

”

do peso con el desarrollo del guion por su carácter simbólico. A mí me daba mucha rabia que en el coro del colegio unas niñas pudieran cantar y otras solo gesticular. La escena final era jugárnoslo todo a una carta. Si no funcionaba ese momento de Andrea, no teníamos final. Entender a su madre la cambia. Qué gran hallazgo el de Andrea Fandos. Es un prodigio de autenticidad. Impresionante. Actriz, actriz a sus 11 años. Hicimos trabajo de improvisación, pero ella es capaz de gestionar sus emociones según lo que le pidas. Es tan empática y tan sensible. ¿Cómo llegó a ella? Me fascinó en el corto La comulgante (Ignacio Lasierra, 2018), pero entonces

era demasiado pequeñita. De hecho, el personaje iba a tener más edad, pero modifiqué detalles del guion para que pudiera ser Celia. Me enamoré de ella y rebajé un año la edad del personaje. ¿Cómo fue el trabajo juntas? No leyó el guion, yo se lo iba explicando poco a poco. Cuando le di a leer la escena en la que su madre se enfada con ella, se le ponían los ojos vidriosos porque le disgustaba que riñeran tanto a Celia. Es un lujo contar con alguien que tiene ese grado de empatía con lo que has escrito. Y tan profesional y educada. Para mí eran esenciales las interpretaciones y sentía que sin lograr eso la película no iba a funcionar. El conjunto respira verdad. Le dedicamos mucho tiempo al casting [a cargo de Gisela Krenn]. Llegamos a ver casi a mil niñas. Buscábamos ante todo que fueran ellas mismas, que jugaran, que fueran auténticas. Nunca trabajamos sobre el texto ni sobre escenas concretas, ninguna leyó el guion, no hicimos ensayos, sino actividades con el coach, Rubén Martínez, un actor de Zaragoza, creando juegos y dinámicas sobre qué expresiones se podían utilizar en la película y cuáles no porque estábamos en el 92 . Y así durante un mes, para que se conocieran, para explicarles cómo era un rodaje. Se han hecho muy amigas. Qué desparpajo el de la pequeña Cris. Ella es así. En el casting jugaba mucho a ‘picarlas’, a ver cómo reaccionaban, y Julia (Sierra) es tan graciosa que yo estaba deseando que llegara el día de rodar la escena del preservativo con ella. Brisa es esencial en el despertar de la

A PRINCIPIOS DE “ LOS 90 LA SOCIEDAD ESPAÑOLA SE ABRÍA, PERO A LA VEZ RECIBÍAMOS UNA EDUCACIÓN MUY ANTICUADA. DE ESA REFLEXIÓN NACE LA PELÍCULA .

”

Andrea Fandos, en el extremo derecho de la imagen, es Celia, la protagonista.

protagonista. ¿Hubo también una Brisa en su vida? Varias, en diferentes momentos, y todavía sigo teniéndolas. Puede cambiarte la vida que un profesor siente a tu lado a una persona. Brisa es el detonante. Zoe Arnao, que la interpreta, es la única que ya tenía un cierto bagaje. El resto del grupo, salvo Andrea, no. Siempre tuvo a Natalia de Molina en la cabeza como madre de Celia. Es magnífica. Fue una gran compañera para Andrea, muy generosa, le dio mucho de ella. Ha sido un lujo tenerla. Y aunque tiene diez años menos que yo, se sintió muy identificada con la historia por sus propias vivencias. Pronto vemos que hay secretos. Hasta el que podría ser un terrible secreto final.

1. Brisa (Zoe Arnao) trae aire fresco al colegio. 2. Entre madre (Natalia de Molina) e hija (Andrea Fandos) se interponen los secretos.

HAY UNA REFLEXIÓN SOBRE LOS “PREJUICIOS HACIA LAS FAMILIAS

lea, pero para mí lo importante es que hagamos el viaje con Celia y que ella entienda que su madre ha vivido algo muy duro, que a su manera ha sido una luchadora y que intenta darle algo que ella no tuvo para que no sufra como ella. Eso es lo que me interesa: estar siempre con Celia.

MONOPARENTALES, PERO NO HE QUERIDO IR MÁS ALLÁ DE LO QUE LA PROTAGONISTA ENTIENDE .

”

Que te oculten la verdad contribuye a impedir el crecimiento. La mentira no educa para bien. Y eso va ligado a la reflexión que quería hacer sobre los prejuicios hacia las familias monoparentales, algo que sigue sin estar asumido al cien por cien. No he querido ir más allá de lo que la propia Celia entiende. Quería colocar al espectador en el mismo punto de información en el que está ella. Dependerá de las vivencias de cada uno cómo se

Nacida en Zaragoza solo un año antes que su personaje protagonista, en 1980, fue seleccionada por el codiciado Berlinale Talents para directores emergentes en 2017: Te cuidan mucho, se interesan por tu carrera, pasas a formar parte de la ‘familia Berlinale’. Antes, en 2013, fue elegida entre miles de aspirantes para formar parte de un experimento fílmico colectivo también ligado a la Berlinale organizado por el director húngaro Béla Tarr en Sarajevo, una aventura bastante utópica en la que 16 cineastas de todo el mundo nos juntamos para ver cine, hacer cine, compartir cine, aprender cine. Fue una experiencia increíble.

Fotos: Emilio Mayorga y Jorge Fuembuena.

DE BERLÍN AL CIELO

¿Qué películas la inspiraron? Para articular la trama intenté ver todas las películas coming-of-age que pude, y lecturas de iniciación. Me marcó mucho La piel dura (Truffaut, 1976) por su reflexión sobre cómo los adultos tratamos injustamente a los niños, que son niños, pero no tontos. Formalmente, la trilogía Paraíso de Ulrich Seidl. No suele verse Zaragoza en el cine. Tenía esa idea romántica de hacer mi primera película en mi ciudad. Mostrar la ebullición musical de esos años: Héroes del Silencio, Niños del Brasil… Curiosamente el azar hizo que tuviéramos la luz perfecta para la toma de El Pilar, porque nos equivocamos de ruta. Cerraremos esta edición antes de que comience el Festival de Málaga. ¿Con qué espíritu acude al certamen? Antes de la pandemia ya me parecía un sueño haber realizado la película y el buen feedback que recibíamos. Ahora todavía tengo más acusadas las ganas de disfrutar con su recorrido y sobre todo de compartirla con público en un cine. Ese me parece el auténtico logro, el auténtico sueño. ESTRENO: 4 SEPTIEMBRE

Las niñas (España, 2020, 97 min.). DRAMA.

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ESTRENOS

Slimane Benouari y Lyès Salem, los amigos protagonistas.

‘Abou Leila’

DE QUÉ VA: Dos amigos de la infancia, S. y Lotfi, cruzan el desierto del Sáhara en busca de un peligroso terrorista, Abou Leila. En la travesía, ambos se enfrentarán a su propia violencia interior.

En tránsito. Aunque la trama ocurre en los momentos más oscuros de la Guerra Civil argelina, en los años 90, el director de la cinta, Amin Sidi-Boumédiène, descontextualiza su primer largo de las circunstancias sociopolíticas. Él lo justifica: Creo que las películas que intentan explicar los cimientos políticos y sociales del terrorismo argelino están condena-

‘Perfumes’ DE QUÉ VA: Anne trabaja creando fragancias y disfruta menospreciando al resto del mundo… hasta que entra en su vida su nuevo chófer, Guillaume, que deja sin argumentos a la diva.

das al fracaso. Demasiado complejo para diseccionarlo en dos horas de película. Para mí, es mucho más interesante explorar los fundamentos universales de la violencia. No soy sociólogo ni historiador, pero el trauma de la guerra está ahí, y temas como la fragilidad del ser humano y la trampa en la que la violencia encierra a un país es el lienzo perfecto sobre el que trabajar. Drama psicológico. Los dos protagonistas de Abou Leila muestran el contraste entre lo real y lo onírico, dos caminos posibles, en una especie de western metafísico que se centra en el aspecto mental de los personajes. Sus sueños, sus miedos son tan interesantes como sus impulsos de violencia. Apuesto por mezclar distintas perspectivas sin ningún tipo de transición, y sin avisar en ningún momento al espectador. ESTRENO: 28 AGOSTO

Astrid (Maren Eggert) y sus dos hijos.

‘Estaba en casa, pero…’ Galardonado con el Oso de Plata a la Mejor Dirección en Berlín, la realizadora, montadora y guionista Angela Schanelec narra un viaje a la raíz del amor con estilo elíptico y un elegante sentido del humor. La protagonista, Astrid, vive en Berlín junto a sus dos hijos, Flo y Phillip, e intenta recomponer su vida en una lucha cotidiana por superar retos. El frágil equilibrio familiar se derrumba cuando Phillip se escapa de casa y todos tienen que enfrentarse a los interrogantes fundamentales de la existencia. ESTRENO: 4 SEPTIEMBRE

Abou Leila (Argelia, Francia, 2019, 135 min.). DRAMA.

gía. Para ayudar a Emmanuelle con el papel llamamos a Christine Nagel, perfumista de Hermès, que la metió en su laboratorio y la invitó a crear su propio perfume para saber de lo que estaban hablando. Respecto al uso de la comedia como vehículo para su historia, Magne insiste en que quiso darle un toque de normalidad, como la vida misma: La amistad de Anne y Guillaume está elaborada a base de detalles sencillos. El espectador no necesita que yo haga que se besen, que se llamen por su nombre de pila o que se den una palmada para comprender cuánto se han ayudado mutuamente a confiar en sí mismos.

Aromas de amistad. Segundo largometraje del francés Grégory Magne (antes embarcado en documentales) que también escribe el guion, en el que ha contado con Emmanuelle Devos (Premio César en 2002 por Lee mis labios, de Jacques Audiard) y Grégory Montel en los papeles principales. Emmanuelle tardó 48 horas en decir ‘sí’, se identificaba con el lado menos sociable de Anne. Ella es una actriz extraordinariamente precisa, mienESTRENO: 18 SEPTIEMBRE tras que su contrapunto, Grégory, es cien por cien espontáneo. Dos estilos Les parfums (Francia, 2020, 100 min.). COMEDIA. de interpretación que encajaban a la perfección, Emmanuelle Devos. explica Magne. El objetivo del director no fue hacer una película purista sobre los perfumistas, aunque teníamos que ser rigurosos en cuanto a la terminolo-

Frank Beauvais selecciona escenas clave de 450 films.

‘No creas que voy a gritar’ Frank Beauvais sitúa al espectador en enero de 2016 y resume así su personalísimo film: Hace 6 meses que mi relación amorosa terminó. A los 45 años vivo solo y frustrado en un pequeño pueblo, sin coche, sin trabajo, sin perspectivas. Mi refugio es el cine, y decido filmar este estancamiento personal editando los planos del torrente de películas (450) que veo incesantemente. Imágenes que enuncian mi agitación, mi impotencia, mi miedo a la violencia social, policial, ideológica y humana que se ejerce en Francia, mi país. Lanzo este grito filmado para evitar ahogarme. ESTRENO: 11 SEPTIEMBRE

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ESTRENOS # CINCO COSAS QUE (QUIZÁS) NO SABÍA DE...

ROBERTO BENIGNI

EL MAESTRO GEPPETTO REGRESA AL TALLER

Primero como muñeco de madera en su film de 2002 y ahora como su creador, el actor y director italiano sigue fiel a ‘Pinocho’, el héroe de Carlo Collodi, con una nueva película esta vez a las órdenes de Matteo Garrone, el autor de ‘Gomorra’. Por Óscar Cabrera. Cuando la noche del 21 de marzo de 1999, Roberto Remigio Benigni (Manciano La Misericordia, 1952) saltó por encima de las butacas de la platea del Dorothy Chandler Pavilion de Los Ángeles –con esos brazos desbocados y el grito de Sophia Loren (¡¡Robertoooo!!) aún resonando–, hizo historia. El Oscar a Mejor Actor por La vida es bella (1997) lo ponía a la altura de nada más y nada menos que Laurence Olivier, el único intérprete hasta la fecha en lograr la estatuilla en esa categoría dirigiéndose a sí mismo, algo que ni Orson Welles, Woody Allen, Warren Beatty, Kenneth Branagh, Kevin Costner o Clint Eastwood habían conseguido. Más aún, hasta ese premio, solo cinco actores habían ganado el galardón por una comedia: Clark Gable, James Stewart, Lee Marvin, Richard Dreyfuss y Jack Nicholson. 2. Tiene una rara conexión papalcomunista. Antes de hacer historia con una cinta que se basaba en parte en las experiencias de su padre en un campo

de concentración y en las memorias de Rubino Romeo Salmoni, Benigni estudió con los jesuitas en un seminario de Florencia y debutó como actor en el Teatro dei Satiri de Roma. Empezó a ser conocido como guionista de Giuseppe Bertolucci, hermano de Bernardo, e interpretando al personaje Cioni en el programa televisivo Onda Libera. Su primera película como actor fue Berlinguer ti voglio bene (1977) y como director, Tu mi turbi, en 1983, en la que también ejercía de cantante. Entre la multitud de sus reconocimientos en Italia destaca el premio Hombre de la Paz, que le entregó el mismo Gorbachov en 2002. Benigni abrazó y besó al exmandatario soviético diciendo que recibir un premio sobre la Paz de Gorbachov es como recibir el Nobel de Física de manos de Galileo Galilei. También vio La vida es bella con Juan Pablo II, al que, como simpatizante comunista, había criticado años antes, y habla por teléfono de vez en cuando con el papa Francisco, del que hace cuatro años presentó su primer libro en el Vaticano.

UN ‘PINOCHO’ DE CARNE Y HUESO MUY ITALIANO Es importante señalar que es un texto italiano. Habla de temas universales, pero la italianidad del cuento es irrebatible, muy lejos de la versión de Disney, aseguró el realizador romano Matteo Garrone en la presentación en Berlín. Benigni interpreta al carpintero Geppetto y Pinocho está recreado digitalmente y por el niño Federico Ielapi.

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3. Siente una fascinación divina. Cuando leí a Dante tuve la sensación de haber conocido a un amigo. Quería llamarlo por teléfono; tomarme con él un café, un bistec, y hablar de la vida, de la muerte, de las mujeres… Recitar un canto del Infierno de La Divina Comedia en el teatro de Patras, en Grecia, lo llevó a crear un espectáculo TuttoDante, con el que ha recorrido el mundo. La poesía es una forma de ideología, dijo en Madrid cuando presentó su último film como director, El tigre y la nieve, en 2005. 4. Un retiro voluntario. Fue el fracaso de esta película y de la anterior Pinocho (2002), que ni siquiera se estrenó en España, lo que convenció a Benigni para dejar para otro momento la dirección. Se concentró en las tablas, con solo un papel como actor en los últimos 10 años, A Roma con amor (2012), de Woody Allen. De protagonizar las últimas películas de Federico Fellini (La voz de la luna, 1990) y Blake Edwards (El hijo de la pantera rosa, 1993) al retiro cinematográfico… hasta que llegaron Matteo Garrone y, de nuevo, Pinocho. 5. Ni Fellini ni Coppola lo convencieron… Porque el personaje creado por Carlo Collodi siempre ha estado ahí. Primero fue Fellini, que llamaba al cómico Pinocchietto, quien se lo propuso. Luego lo intentó Coppola, también sin suerte. Ahora, Benigni estrena por fin la versión de Matteo Garrone –en el plató le tienen un respeto que solo he visto con Visconti, dijo de él–, después de pasar por el Festival de Berlín y de estar en la Sección Oficial del BCN Film Fest. ◆ ESTRENO: 18 SEPTIEMBRE

Foto: WB/Getty Images.

1. Comparte hazaña con Laurence Olivier.

El director, guionista y actor italiano Roberto Benigni.

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ESTRENOS # ENTREVISTA # MANELE LABIDI

Golshifteh Farahani en su diván de psicoanalista.

QUÉ HE HECHO YO PARA MERECER ESTO

‘Un diván en Túnez’ muestra las peripecias cotidianas de una psicoanalista en Túnez en un momento de cambios sociales y políticos. La directora Manele Labidi nos habla también de la convulsa identidad de los jóvenes árabes emigrados a Europa. Por Laura Pérez (París). DE QUÉ VA: Una joven psicoanalista criada y educada en Francia regresa a su país natal, Túnez, para abrir una consulta en los meses posteriores a la Primavera Árabe de 2011.

Inicio de autora. Manele Labidi (París, 1982) debuta en el cine con una comedia en forma de retablo de personajes que desfilan por la consulta de una joven psicoanalista recién llegada a Túnez después de estudiar en Francia. La fórmula le sirve a la directora novel para trazar el retrato de un país, el de sus ancestros, en el que las viejas tradiciones conviven como buenamente pueden con las modernas, y las generaciones más jóvenes chocan continuamente con lo que les enseñaron sus mayores. Con las revoluciones de 2011 como telón de fondo, muestra con humor y ternura una sociedad que trata de subirse al tren del siglo XXI sin traicionarse a sí misma. La película recibió el Premio del Público en 70

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el Festival de Venecia en 2019 y cuenta en el papel principal con Golshifteh Farahani (Paterson, Piratas del Caribe: La venganza de Salazar), popular estrella iraní del cine y la música. ¿Por qué ha elegido a una psicoanalista como protagonista de su primera película? Me interesa esa relación que se crea con alguien que no es tu amigo ni tu familia, pero que probablemente te conoce mejor que nadie. Buscaba trasladar al personaje esa ambivalencia de ser una forastera, pero, al mismo tiempo, partícipe de todos los secretos del vecindario. Una metáfora para hablar del síndrome de los emigrantes, incluso de usted misma. Ella viene de una familia de emigrantes que eligió dejar su país al norte de África para marcharse a Europa. Mi generación vive con esa herida del exilio, de haber visto a sus padres dejar su casa para vivir en un país occidental siendo árabe, lo

que después del 11 de septiembre de 2001 no ha sido fácil. Ha habido racismo y discriminación, así que mucha gente ha regresado a su tierra tal vez para reparar algo. Pero al llegar descubren que tampoco forman parte de esa comunidad y eso crea un complicado conflicto. ¿Hay una parte autobiográfica? ¿Ha regresado a Túnez para reparar esa herida? Así es. Sufrí cuando era joven y, aunque ahora estoy más en paz, todavía me resulta difícil saber quién soy. Me empeñé en contar esta historia y en rodarla en Túnez. Para mí era importante y la gente me decía: Estás loca, va a ser dificilísimo, no es un país fácil para trabajar, sería más sencillo hacerla en Francia. Pero me empeñé en filmar allí y lo logré. Hay un trasfondo político. ¿Qué importancia tenía para usted esta parte? Quería hacer esta película después de la revolución en Túnez. Mi idea no era ha-

Manele Labidi ha contado con Golshifteh Farahani y numerosos actores locales para filmar en Túnez.

“LA COMEDIA NO CONSISTE EN HACER BROMAS SINO EN CAMBIAR LA MANERA DE MIRAR LAS COSAS. PARA MÍ ES LA MÁXIMA HERRAMIENTA CINEMATOGRÁFICA”. cer un documental o algo realista sobre las manifestaciones o la situación política, sino una película sobre la gente y cómo la revolución impactó en el día a día de sus vidas. La política y la religión están solo de fondo. Quería mostrar cómo a pesar de todo la gente trata de hacer su vida con sus preocupaciones, sus hi-

jos, sus adicciones, sus asuntos de género… Son personas con cuyos problemas te puedes identificar. Y al final todo tiene un carácter político, pero la política queda en un segundo plano. Utilizar el psicoanálisis me permitió adentrarme en eso de forma más compleja y sin juzgar. Cada personaje tiene su pasado y

DEL BANCO A LA SILLA DE DIRECTORA Manele Labidi empezó trabajando en el mundo de las finanzas con 23 años, pero a los 30 dio un giro a su vida y se puso a estudiar cine. Me pillaron los años de la crisis y fue tan intenso que me parecía que había estado allí 20 años, cuenta. Alguien le recomendó ir a una escuela donde ayudan a escribir guiones y a sacar adelante proyectos. Allí conocí al productor que financió mi primer corto y después sucedió lo demás. Vengo de una familia humilde que quería para mí un trabajo más seguro, así que esto no era muy de su gusto, pero ahora están orgullosos.

Manele Labidi.

esta forma de contar cosas y de utilizar cierto humor me permitió ser más objetiva. Como directora no quiero ser dogmática, sino explorar las complejidades de los personajes sin juzgarlos. Parece un tema más propio de un drama, pero usted eligió la comedia. ¿Por qué? Porque me frustra ver cómo se trata al mundo árabe en el cine. Parece que en un país en guerra o en una revolución las personas no tengan vida, que solo puedan hablar del conflicto, de religión o de política, y quería mostrar cómo la gente sigue con sus vidas. La comedia es para mí la máxima herramienta cinematográfica porque permite utilizar muchos artificios y subtextos. Puede ser tremendamente comprometida sin dejar de ser entretenida, mientras el drama es a veces tan intenso y doloroso que lo quieres olvidar. La comedia te hace bajar la guardia y en ocasiones cambiar la perspectiva sin emociones que te desborden. Se corre el riego de caer en la broma sobre asuntos sensibles. ¿Cómo se evita? Cuando haces comedia tienes que empezar con arquetipos, con estereotipos. Después tienes que hacerlos complejos y retorcerlos para evitar esta parodia pura y dura. La comedia no consiste en hacer bromas sino en cambiar la manera de mirar las cosas. ◆ ESTRENO: 11 SEPTIEMBRE

Un divan à Tunis (Francia, 2019, 88 min.). COMEDIA.

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ESTRENOS # ENTREVISTA

Tessa y Hardin (Josephine Langford y Hero Fiennes Tiffin) se reconcilian.

LOS AMORES DE TESSA Y HARDIN ‘After. En mil pedazos’. La esperada secuela del fenómeno juvenil que ha dado fama mundial a Hardin (Hero Fiennes Tiffin) y Tessa (Josephine Langford), y a su romance fluctuante entre la pasión y la desconfianza total, tiene otro vértice: Trevor (Dylan Sprouse). El ya trío estelar nos explica qué está pasando. Por Ó. C. DE QUÉ VA: Tessa todavía no sabe a qué atenerse con Hardin mientras comienza a trabajar como becaria en una empresa. Es entonces cuando conoce al atractivo Trevor.

Multipantallas. Cuando promocionaron la primera adaptación de la saga After, Josephine Langford y Hero Fiennes Tiffin insistían en que no se sentían presionados al encarnar a los héroes de la escritora Anna Todd, autora de cinco libros que han vendido diez millones de ejemplares en todo el mundo, un fenómeno que empezó a modo de narraciones en la aplicación Wattpad sobre Harry Styles, el líder del grupo One Direction. Solo un año después, todo es diferente: la adaptación del primer libro generó polémica, 72

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críticas dispares y grandes recaudaciones, lo ideal para las sagas cinematográficas juveniles. Josephine, Hero y el recién llegado Dylan Sprouse ya están en otro mundo alternativo dominado por sus millones de seguidores de Instagram. Los tres nos contestan desde sus respectivos hogares. Aguas turbulentas. Enseguida notamos la expectación ante esta segunda película, revela Josephine Langford (Perth, Australia, 1997), hermana pequeña de Katherine, la protagonista de Por trece razones. En mi caso solo puedo estar agradecida. Ya era fan de los libros de Todd desde hace tiempo así que interpetar a Tessa sigue siendo maravilloso. ¿Hasta el punto

de ser identificados con los personajes? Hero Fiennes Tiffin (Londres, Inglaterra, 1997), modelo y sobrino de Ralph y Joseph Fiennes, lo tiene claro: Yo todavía me estoy conociendo a mí mismo, así que no creo que me parezca a mi papel, pero comprendo algunas de sus acciones, explica, mucho más tímido y sin los tatuajes de su arrogante Hardin de la ficción. Mi trabajo es interpretar al héroe de Anna Todd cada vez mejor porque hay millones de personas pendientes de él, asegura. En el caso de Dylan Sprouse (Arezzo, Italia, 1992), hermano gemelo de Cole, Judhead en Riverdale, reconoce en Trevor su gran oportunidad: Cuando mi agente me

Tessa y Hardin intentan afianzar su relación.

Dylan Sprouse es Trevor Matthews.

SABÍA QUE IBA A SER UNA GRAN “ EXPERIENCIA, CON UNA PORCIÓN DE MIEDO ANTE LAS EXPECTATIVAS”. Dylan Sprouse, actor.

llamó para subirme al barco de After. En mil pedazos, me preparé rápido para lo que iba a encontrarme. Sabía que iba a ser una gran experiencia, aunque sentí mucha reponsabilidad ante las expectativas. Pero contaba con una ventaja: ya conocía a Hero y a su familia de Italia (trabajaron allí juntos como modelos), por lo que el rodaje fue muy fácil. Posesión. Como en todas las primeras películas de una saga, After: Aquí empieza todo (Jenny Gage, 2019) funcionaba como una carta de presentación de personajes que luego deben evolucionar. Tras lo ocurrido en la primera parte, Tessa ya es una chica con trabajo que piensa que ha hecho lo correcto en su vida personal al dejar a Hardin. Pero la historia de los dos no acaba ahí, claro, adelan-

Candice King y Charlie Weber, como Kim y Christian Vance.

ta Josephine. Con la inclusión en la trama de Trevor, el tercer vértice del triángulo, también aparece un nuevo factor en la relación Tessa-Hardin, los celos masculinos. Es la gran novedad: Hardin descubre que puede estar celoso, una enfermedad de la que, como todos los hombres saben,

Fotos: Joshua Stringer.

NUEVO DIRECTOR Y ACTRIZ CON CURRÍCULO After: Aquí empieza todo escondía tres sorpresas en el reparto para los espectadores no veinteañeros: Peter Gallagher (Sexo, mentiras y cintas de vídeo), Jennifer Beals (Flashdance) y Selma Blair (Crueles intenciones), como los padres de la pareja de amantes. Solo la última repite en esta segunda parte que tiene como nuevo realizador a Roger Kumble, precisamente su director en Crueles intenciones, adaptación teen de Las amistades peligrosas.

es difícil salir –reconoce Hero–, porque implica que sientes que posees a la otra persona, y eso es un gran error. Fans y toxinas. Al igual que ocurriera con otras sagas, como Harry Potter y, sobre todo, Crepúsculo, After puede decantarse como una nueva obsesión juvenil no entendida por el mundo adulto. Esta vez acompañada de polémica por la relación bastante tóxica entre los amantes, interpretados por unos actores que son ya ídolos de medio mundo. Los tres quieren dejar clara su postura: No, no somos ídolos, somos solo seres humanos enormemente agradecidos por la admiración y por la atención recibidas. ◆ ESTRENO: 4 SEPTIEMBRE

Una rubia Selma Blair.

After We Collided (EE. UU., 2020, 105 min.). DRAMA ROMÁNTICO.

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TEEN

ÍDOLOS

REPORTAJE # ÍDOLOS TEEN

El estreno de ‘After. En mil pedazos’, el segundo film basado en la saga de Anna Todd y un éxito literario y cinematográfico que ha reavivido con toda su fuerza el fenómeno fan, nos da la oportunidad de devolver el protagonismo a esos astros que década tras década han reflejado en la pantalla el cóctel de emociones y confusión que implica ser joven. Por Juan Pando.

l disparo de salida, y buen estruendo que provocó, lo dio Elvis Presley en esa América de los 50 a la que John Travolta y Olivia Newton-John rindieron homenaje en Grease, y en la que los adolescentes tuvieron, por primera vez, dinero y tiempo libre suficiente para hacer de la música y el cine su principal pasatiempo. Desde entonces a los más jóvenes no

Años 50

El ritmo del pecado ELVIS PRESLEY Las televisiones evitaban enfocarlo por debajo de la cintura. El descarado movimiento de sus caderas cuando cantaba, en provocadora actitud sexual que le valió el apodo de ‘Elvis la Pelvis’, las electrizaba a ellas, lo imitaban ellos y fue el terror de los padres. Hasta entonces no se había visto nada así. Persigue tu sueño, a donde quiera que este te conduzca, decía. A él, Elvis Aaron Presley, el chico del profundo sur con voz prodigiosa, lo llevó hasta convertirse en ‘el Rey del Rock’, el primer ídolo juvenil. Rebelde, con planta de galán y coqueto tupé, vendió millones de discos y dejó su huella también en el cine, con El rock de la cárcel como la más emblemática de su veintena de películas.

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les han faltado iconos con los que soñar. Sandra Dee, Madonna, Johnny Depp, Jodie Foster, Luke Perry, Leonardo DiCaprio o Kristen Stewart. Las caras se han ido sucediendo pero lo que no cambia es la emoción que provocan. Algunos fueron flor de un día, pero incluso a estos los recuerdan sus seguidores con cariño, porque representan una época que fue especial en sus vidas.

Años 60 La primera chica Disney ANNETTE FUNICELLO Antes que Britney Spears y Miley Cyrus fue Annette Funicello, elegida por Walt Disney en persona, quien entró en la famosa factoría como una de las Mouseketeers originales en el televisivo Mickey Mouse Show. Actriz y cantante, formó poco después, con el astro pop Frankie Avalon, una de las parejas artísticas más populares del cine, en lo que parecía una versión juvenil y musical del tándem Doris Day y Rock Hudson. La sonrisa de la juventud americana que da rienda suelta a su felicidad cantando y bailando, al margen del mundo adulto y sus preocupaciones, en una saga de películas de playa y surf del género llamado Beach Party, del que fueron el máximo exponente con títulos que batieron récords de taquilla: Escándalo en la playa, Muscle Beach Party y Bikini Beach. La vida, como ella decía, no tiene que ser perfecta para resultar maravillosa. Walt Disney no estaba tan contento. No le hizo gracia que quien había sido su estrella, a la que mantenía aún bajo contrato, aprovechase que trabajaba con otros productores para lucir tipo playero… en bikini.

British Style HAYLEY MILLS La mayor estrella adolescente del cine americano de los años 60 era una chica muy inglesa, Hayley Mills. Londinense, de graciosa naricilla respingona, hija del actor británico John Mills y la escritora Mary Hayley Bell, causó tal sensación con su debut, en La bahía del tigre, que ganó el Premio Especial del Jurado en el Festival de Berlín. Walt Disney se apresuró a ficharla. Con su primer film en la meca del cine, Pollyanna, ganó un Oscar Juvenil honorífico y la segunda, Tú a Boston y yo a California, en la que encarnó a dos gemelas, hizo de ella un ídolo internacional. Mis padres procuraron que me afectara lo menos posible ese mundo nuevo para mí, recordaba. Así que cuando regresaba a Inglaterra de rodar en Hollywood, volvía a ir al colegio.

Teen Queen SANDRA DEE Dentro de la ingenuidad de la época, Sandra Dee era la versión rubia y cándida de la pícara Annette Funicello; como se la parodiaba años después con la canción Look at Me I’m Sandra Dee, en la fiesta de pijamas de Grease. Una imagen virginal muy alejada de su vida, marcada por abusos sufridos en la infancia, la anorexia y el alcohol. Tras el enorme éxito de sus apariciones en Imitación a la vida y Chiquilla, siempre en papeles de chica formal, se mantuvo entre las estrellas más taquilleras de los años 60, pero su boda con el crooner Bobby Darin y su maternidad, a los 18 años, la alejaron del público joven. A veces me siento como quien ha sido alguien, pero sin llegar nunca a serlo, se lamentó.

REPORTAJE # ÍDOLOS TEEN

Años 70 Baby, tú vales mucho JODIE FOSTER Cuando saltó a la fama como la joven prostituta de Taxi Driver, personaje por el que fue nominada al Oscar con 14 años, Jodie Foster era ya una cotizada estrella infantil en televisión que estaba a punto de estrenarse en papeles de adolescente. Lo hizo con títulos de la factoría Disney como Viernes loco y El secreto del castillo, con los que atrajo portadas de las revistas de fans, y con otros que ofrecían una cara menos amable de ser joven, como Zorras. He interpretado, justifica, a muchas víctimas, pero no es de otra cosa de lo que trata buena parte de la historia de las mujeres. Lejos de acabar como un muñeco roto, ha sabido evolucionar a una carrera adulta de éxito como actriz y directora. El recién fallecido Alan Parker estaba tan convencido de que lo lograría que cuando la dirigió de niña en Bugsy Malone, nieto de Al Capone, dijo: Si yo hubiera enfermado entonces, ella podría haberse hecho cargo del rodaje.

El mundo a sus pies JOHN TRAVOLTA

Canción de juventud LEIF GARRETT

No es fácil crear un fenómeno cultural a cada momento. Es gracioso que lo dijera John Travolta, ídolo absoluto de los años 70; alto, con chispeantes ojos azules, aire latino e imbatible en la pista de baile, que meses después de poner de moda la música disco en el mundo con Fiebre del sábado noche, revivió con Olivia Newton-John el look de los 50 en Grease. Cuando pienso en lo jóvenes que murieron James Dean y Marilyn Monroe, advirtió, prefiero ser el icono pop que sobrevive. Vaya si lo ha conseguido.

La televisión se demostró en los años 70 como un trampolín ideal para lanzar ídolos juveniles. Fueron los casos de Leif Garrett, que se dio a conocer con Tres en la carretera, y David Cassidy, con Mamá y sus increíbles hijos, dos series familiares que les abrieron el mercado de la música e hicieron de ellos objeto de deseo para legiones de adolescentes. Más cantantes que actores, con rasgos aniñados, que les hacían parecer menores de lo que eran en realidad, con una masculinidad nada agresiva y la propuesta de vivir la vida como si fuera una canción. Garrett, que hizo un pequeño papel en Rebeldes, de Coppola, aconsejaba: Haz solo lo que te gusta, y hazlo sin cesar.

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Años 80 Infancia interrumpida BROOKE SHIELDS De figura escultural y belleza clásica, Brooke Shields se convirtió en el mejor sueño de un adolescente en El lago azul, en la que unos jóvenes náufragos descubren el amor en una isla desierta. Tenía 15 años y el escándalo de sus supuestos desnudos –en realidad estaba doblada– fue el mejor reclamo publicitario para la película. Llovía sobre mojado. A los 12, su madre, Teri, ya había permitido que encarnase a una niña prostituta en La pequeña; y allí no hubo trampa ni cartón en lo mostrado. Musa de moda de Valentino y Calvin Klein, íntima de Michael Jackson y exmujer del tenista Andre Agassi, ha reconocido: Miro a esta persona inocente que soy y pienso, ¡Dios, está bien! Me ha tocado lidiar con mucho, pero aún sigo aquí.

Like a… camaleón MADONNA Entró en el cine como un ciclón, con la comedia Buscando a Susan desesperadamente, que coincidió con su boda con Sean Penn y el éxito de su segundo álbum, Like a Virgin. En pocos meses era un icono de la moda y multitud de admiradoras hacían propio su modo de vestir. Había estallado la Madonna Manía. He sido siempre muy consciente de cómo hay que comportarse para ser popular, dijo. Sus siguientes películas, Shanghai Surprise, ¿Quién es esa chica? o Dick Tracy, no cumplieron expectativas, pero ella no ha dejado de reinventarse.

La voz de una generación EL BRAT PACK En Rebeldes, título de culto que adapta la novela de Susan E. Hilton sobre un grupo de problemáticos chavales de barrio, el director Francis Ford Coppola brindó su primera gran oportunidad a un puñado de prometedores principiantes que iban a formar el Brat Pack o hatajo de mocosos, el recambio generacional del Hollywood de los años 80: C. Thomas Howell, que acababa de debutar en E.T. El extraterrestre, Tom Cruise, Matt Dillon, Ralph Macchio, Patrick Swayze, Rob Lowe y Emilio Estévez. Este último participó poco después en El club de los cinco, de John Hughes, y St. Elmo, punto de encuentro, de Joel Schumacher, otros dos títulos emblemáticos del cine adolescente que fueron cantera de ídolos teen, como Demi Moore, Andrew McCarthy, Ally Sheedy, Judd Nelson, Molly Ringwald o Anthony Michael Hall. Pocas veces Hollywood se ha preocupado más por los jóvenes ni ha abordado desde puntos de vista tan dispares las dificultades y emociones que implica madurar. FOTOGRAMAS.ES · SEPT IEM BR E 2020

REPORTAJE # ÍDOLOS TEEN

Años 90 La extraña pareja JOHNNY Y WINONA Ha habido pocas parejas más cool y románticas que la que formaron Johnny Depp y Winona Ryder durante algo más de tres años. Se conocieron en el estreno de Gran bola de fuego, que ella había protagonizado con Dennis Quaid, pero la chispa saltó mientras rodaban Eduardo Manostijeras. Él, con 26 años, huía de su imagen de ídolo teen forjada con el papel del detective Tom Hanson en la televisión con la serie Nuevos policías. Una época en la que era portada de revistas y recibía 10.000 cartas mensuales de sus fans. Su meta era que lo tomasen en serio en el cine, como consiguió pronto, aunque, aceptaba: La serie me puso en el mapa. Ella, de 17 años,

ocultaba una insospechada fuerza interior bajo su apariencia de joven indefensa. Me siento un poco más fuerte que como me percibe la gente, aseguraba. Había destacado para entonces con personajes extraños, como la niña gótica obsesionada con los cementerios y la muerte en Bitelchús, y la vengadora de agravios de instituto en Escuela de jóvenes asesinos. Chicas que se sentían excluidas, como ella, porque no eran populares ni rebeldes, que solo querían que las dejasen ser ellas mismas. Un sentimiento con el que se identificaban muchas adolescentes. La ruptura fue muy dolorosa. Él fue mi primer todo, reveló. Mi primer beso real. Mi primera pareja. El primer hombre con quien tuve sexo. Estará en mi corazón para siempre.

El chico que conquistó Hollywood LEONARDO DICAPRIO Quienes lo seguían desde sus primeras películas, Vida de este chico, Diario de un rebelde o ¿A quién ama Gilbert Grape?, por la que obtuvo su primera nominación al Oscar, jamás habrían imaginado que aquel chaval desgarbado con gusto por los personajes difíciles tuviera madera de sex symbol. Pero se cruzó Titanic en su camino y Leonardo DiCaprio sedujo con una masculinidad sensible, abierta a las artes y alejada de la virilidad clásica. Hoy es uno de los grandes del cine gracias a la inteligencia con la que ha guiado su carrera.

La sombra de James Dean LUKE PERRY En algún momento a todos nos llaman ‘el nuevo James Dean’, pero ni yo ni nadie más lo es. A Luke Perry le pesaba la etiqueta que le colgaron por su rol de adolescente rebelde en Sensación de vivir, la serie que reavivó hasta el delirio el fenómeno fan en los años 90. De su reparto, que incluía a Jason Priestley, Shannen Doherty y Tori Spelling, él fue quien tuvo mayor recorrido en televisión y cine, con títulos como Buffy, cazavampiros, con Kristy Swanson. Falleció de un derrame cerebral antes de estrenarse su última película, Érase una vez en… Hollywood, de Tarantino, en la que coincidió con dos de sus rendidos fans, Leonardo DiCaprio y Brad Pitt.

Años 2000 Una pareja de tres DANIEL, EMMA Y RUPERT Desde que Mickey Rooney encarnó, de los 16 a los 25 años, entre 1937 y 1946, al alocado Andy Hardy en 15 películas seguidas, pocas veces habían tenido los espectadores más jóvenes la oportunidad que les brindó la saga Harry Potter de ir creciendo a la vez que lo hacían sus ídolos en la pantalla. La identificación de sus seguidores con Daniel Radcliffe, Emma Watson y Rupert Grint se vio reforzada por el éxito de las novelas de J.K. Rowling que eran fuente de sus aventuras. Otro efecto inusual de la franquicia es que ofreció a unos muchachos ingleses la posibilidad de alcanzar el estrellato sin tener que emigrar a Hollywood. Daniel ha seguido su carrera con personajes fuera de lo usual, que suponen retos físicos, y a Emma la hemos visto en la reciente Mujercitas.

En alas de la danza ZAC EFRON Y VANESSA HUDGENS El día que Michael Jackson lo llamó para felicitarlo por su trabajo en High School Musical, Zac Efron descubrió lo insospechados que pueden ser los fans. La fórmula clásica de los ídolos juveniles cantantes funcionó muy por encima de lo esperado. Lo que iba a ser una puesta al día de Grease en formato tv-movie para Disney Channel se convirtió en un arrollador fenómeno teen que generó dos secuelas, la última estrenada en cines. Con el fin de la saga se acabó también el romance que mantuvieron sus protagonistas fuera de la pantalla. Zac y Vanessa no han renunciado a los proyectos musicales, pero han preferido centrarse en su faceta de actores. A veces con papeles tan alejados de la imagen romántica con la que saltaron a la fama como el asesino en serie Ted Bundy, a quien él encarnó en Extremadamente cruel, malvado y perverso.

Fotos: Archivo FOTOGRAMAS y Getty Images.

Futuro perfecto KRISTEN Y ROBERT El que Robert Pattinson esté en Tenet, la tan esperada nueva película de Christopher Nolan, y que Kristen Stewart sea la única actriz estadounidense que ha ganado el prestigioso César, o sea el Oscar francés, son buena muestra de que hay futuro para los ídolos teen. Desde que dejaron de ser la pareja de la saga vampírica Crepúsculo, por la que suspiraban millones de adolescentes, él ha trabajado con David Cronenberg, Werner Herzog, James Gray y Claire Denis, y ella, con Woody Allen, Walter Salles, Olivier Assayas y Ang Lee. El mérito de las novelas de Stephenie Meyer, que inspiraron la franquicia y explotan la vena más romántica del vampiro, fue resucitar a este personaje, que habían enterrado hacía años en Hollywood. FOTOGRAMAS.ES · SEPT IEM BRE 2 02 0

ESTRENOS

El entrenador Marco (Kad Merad), al frente de su equipo.

UN EQUIPO DE LO MÁS SINGULAR ‘¡Va por nosotras!’. El director Mohamed Hamidi (‘Bienvenidos al barrio’) juega en casa gracias a una comedia con el fútbol como excusa y a través de la cual busca marcarle un gol por toda la escuadra a los prejuicios de género. DE QUÉ VA: Tras una pelea que es castigada con la suspensión de todo el equipo de fútbol de Clourrières, el entrenador Marco (Kad Merad) decide acabar la liga y salvar el club con un equipo formado íntegramente por chicas.

Una cuestión de género. Más que de denuncia, yo veo mis películas como cine de reconciliación, asegura el director francés de origen argelino Mohamed Hamidi, aunque en este trabajo, por

‘Antebellum’ DE QUÉ VA: La espléndida vida de la novelista superventas Veronica Henley termina súbitamente cuando queda atrapada en el pasado de su país, justo antes de la guerra civil.

Pretérito imperfecto. Antebellum es el nombre que recibe el período de la historia estadounidense justo anterior a su Guerra de Secesión, cuando la liberación de los esclavos era solo un sueño en muchos estados del sur. Para los directores debutantes Gerard Bush y Christopher Renz es un período vital que sigue reflejándose cada día en la actualidad de su país y que les ha ‘obligado’ a afrontar un film con raíces sociales después de un pasado en la dirección de videoclips y publicistas de marcas de lujo como Porsche o Moët. Un día nos preguntamos si íbamos a seguir vendiendo champán 80

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encima del choque entre las culturas francesas y árabes de La vaca (2016) o Bienvenidos al barrio (2019), el rival a batir es el machismo. Crecí rodeado de mujeres: mi madre, seis hermanas, tías, primas… han sido claves para ser lo que soy. Quería contar una historia en la que ellas fueran el centro de todo. Míster Merad. Y con un reparto formado por Céline Sallette, Laure Calamy o

durante los próximos 20 o 30 años, así que decidimos dejar nuestra profesión y empezar a rodar cortometrajes contra las agresiones policiales [Against the Wall, 2016] y a escribir Janelle un guion que estuMonáe y la viera relacionado niña London Boyce. con las muertes violentas de tantos afroamericanos que suceden en nuestro día a día, señalan. Actriz activista. El siguiente paso consistió en asegurarse el protagonismo de la cantante y actriz Janelle Monáe (Moonlight), muy comprometida con las causas raciales, y la producción de Ray Mansfield y Sean McKittrick, con

Sabrina Ouazani lo son, como también Kad Merad, una estrella del cine francés que encarna al entrenador del equipo y fue clave para salir adelante, cuenta Hamidi. Su estatus como una garantía comercial y su variedad de registros hicieron de él el corazón del film. ESTRENO: 28 AGOSTO

Une belle équipe (Fra., 2019, 95 min.). COMEDIA.

premiada experiencia en películas de género con una profunda denuncia del racismo como Déjame salir (Jordan Peele, 2017) e Infiltrado en el KKKlan (Spike Lee, 2018). ESTRENO: 2 SEPTIEMBRE

Antebellum (EE. UU., 2020, 105 min.). TERROR.

ESTRENOS # ENTREVISTA

Eva (Clarice Alves) y Tomás (Carlos Urrutia), en la selva amazónica en busca de su hija desaparecida.

EN EL NOMBRE DEL PADRE

ÔUrubœÕ. Alejandro Ibáñez Nauta escribe y dirige su primer largometraje de terrorífica ficción a imagen y semejanza de su progenitor, Chicho Ibáñez Serrador. El debutante nos cuenta su arriesgado homenaje rodado en la selva, cámara en mano, que en origen iba a ser un corto y que el creador de ‘Historias para no dormir’ no pudo ver finalizado. Por Sonia Guijarro. DE QUÉ VA: Tomás es un ornitólogo que arrastra a su mujer y su hija al corazón del Amazonas en busca del urubú albino. Un empeño menos romántico de lo que cabría esperar.

cuando te lo imaginas que cuando lo ves. Cuando salimos hacia Brasil le dije que iba a hacer un documental. Le mentí por miedo a que me hubiera mandado a la mierda y desinflara mi ilusión. Usted es especialista en documentales. ¿Por qué no un tributo paterno en ese formato? Urubú nació como corto. ¿Por qué creció? Me decidí por el género documental porPorque vimos que aquel entorno paradique mi padre nunca lo realizó, y así evisíaco era el escenario perfecto para el tetaba comparaciones. Sin embargo, cuanrror. Total, nos iba a costar lo mismo pordo cayó enfermo, decidí que teníamos que lo complicado era llegar hasta allí. que hacer algo juntos aunque lamentaRodar en la selva no parece fácil. blemente solo vio algún corte; falleció Fueron dos meses salvajes. El Amazonas dos semanas antes de terminar la proen época seca baja 16 metros el nivel del ducción. En la película hemos tardado agua, y cada semana sube uno. Buscábaunos meses; un documental es mucho mos localizaciones y, cuando íbamos a más laborioso. De hecho, lo esrodar, estaban anegadas. Una EL DATO toy preparando, pero necesito actriz se clavó pinchos de una Alejandro y Chicho años de investigación (llevo 2) . palmera de 12 cm que le atratrabajaron juntos en TV, Es este un thriller psicológico con vesaron la mano, un niño se en Waku Waku y Un, el sello Historias para no dormir y desmayó por malaria, miles dos, tres. Pero no se entendían, y Alejandro ¿Quién puede matar a un niño? de bichos… y sin embargo, el se marchó a Mallorca a Esa era la idea. Quería que fueurubú albino que necesitábatrabajar como diseñador ra una película como las que se mos no quiso aparecer… gráfico y vendedor de ropa. Cuando su padre hacían antes, con muy poco Tuvimos que conformarnos enfermó, regresó para material técnico, cámara en con el común. hacerse cargo de la mano y un equipo reducido, naEse empeño por ser fiel al cine productora familiar. da de efectos especiales. Amo el de Chicho lo ha llevado a resercine de terror y nos empapamos varse (como él) un papel en la del de mi padre para mantener cinta, incluso a fumar puros… la estética. Teníamos presente lo Está lleno de guiños. ¡Yo no que él siempre decía: El monsfumo! En una secuencia, mi truo da mucho más miedo personaje hablaba del amor

por su padre, de agradecimiento, de todo lo que había aprendido. La eliminamos porque al final me chirriaba. Este proyecto lo he hecho con el corazón, más que con la cabeza. Por suerte [y por contrato] estrenamos en salas. Una peli de terror en TV no es igual. Usted ha crecido con el cine de su padre. Afortunadamente. Él tenía una visión del cine adelantada a su época, era un visionario, un genio. Sus películas han envejecido de maravilla. Tan fiel ha querido ser a ese genio que su casting es ‘de la casa’, ¿no es así? Pepe Carabias ha trabajado con mi abuelo [el actor Narciso Ibáñez Menta] y mi padre toda la vida. Carlos Urrutia, que debuta en cine [es actor de teatro] es como mi hermano. A la protagonista, Clarice Alves [esposa del futbolista del Real Madrid Marcelo Vieira] no la conocía, y me daba miedo que le pusiera pegas a un rodaje tan salvaje. Pero no, superó todas nuestras expectativas, un 10. ¿Cuáles son sus próximos proyectos? Un Historias para no dormir con nuevos directores y el sello de la casa, y un thriller basado en un hecho real, con denuncia social de fondo. ◆ ESTRENO: 18 SEPTIEMBRE

Urubú (España, 2019, 90 min.). THRILLER.

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ESTRENOS

APRENDIENDO A VIVIR

Judd Apatow (‘Virgen a los 40’) dirige ‘The King of Staten Island’, comedia semibiográfica con regusto amargo sobre la estrella del show ‘Saturday Night Live’ Pete Davidson, que interpreta a un tipo inmaduro (especialidad de la casa). DE QUÉ VA: Scott (Pete Davidson) arrastra una preocupante inadaptación e inmadurez desde que su padre bombero falleció en los atentados del 11-S. Incapaz de abandonar el hogar materno, su único sueño es convertirse en tatuador.

Forever young. Regresa el genuino rey de la comedia americana Apatow a sus temas de siempre –el síndrome de Peter Pan (o cómo sus protagonistas se niegan a dejar de sentirse y comportarse como niños), la búsqueda de sentido a la edad adulta, la persecución aparentemente infructuosa de la identidad, la imposibilidad de iniciar el despegue hacia el mundo exterior…–, aunque con matices más dramáticos. En esta ocasión, y durante más de dos horas que dura el film, el sujeto de la inmadurez es el famoso cómico Pete Davidson, que produce y coescribe el guion con Judd Apatow, y que se reserva el papel principal (que para eso es un film ‘bastante’ autobiográfico). En cuanto a las armas del director, aplica el manual de estilo que nunca le falla: Scott (Davidson) vive en Staten Island en casa de su madre Margie (Marisa Tomei) con su hermana pequeña

Claire (Maude Apatow, hija del realizador del film en la vida real) y ha tocado fondo. Sin expectativas, y un carácter agresivo solo sueña con montar un negocio de tatuajes. En clave de biopic. Lo que marca la diferencia esta vez es haber utilizado el entorno real y gran parte de la verdadera vida del integrante más joven del show televisivo americano Saturday Night Live Pete Davidson. Opino que todas las películas deben tener algo de humor, pero en este caso no me he sentado a escribir chistes, sino a contar una historia (casi) real y dejar que la comicidad o no surja de la propia trama, no del guion premeditado. Esta es una película más profunda que las anteriores, y tiene el humor que debía tener. Quería que fuera graciosa y auténtica a la vez, y al principio me preocupaba lastimar a Pete si fracasaba, porque era algo muy personal, comenta Apatow. ESTRENO: 18 SEPTIEMBRE

The King of Staten Island (EE. UU., 2020, 136 min.). COMEDIA DRAMÁTICA.

‘TEMBLORES’

‘A LAND IMAGINED’

Intolerancia. Pablo, cristiano evangélico

Tierra soñada. El director singapurense

practicante, casado y con dos hijos ejemplares, es un espejo en el que toda su comunidad se mira… hasta que el destino pone en su camino a un hombre del que se enamora y que hará temblar sus (presuntamente) sólidos cimientos con ayuda de los prejuicios de su iglesia.

Yeo Siew Hua se alzó con el Leopardo de Oro del Festival de Locarno con este drama criminal de impactante factura visual –Mejor Fotografía en Valladolid– y sentido mensaje social que hurga en la complicada situación de los emigrantes chinos en Singapur.

Los elegidos. Segunda película basada

ESTRENO: 4 SEPTIEMBRE

ESTRENO: 11 SEPTIEMBRE

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‘MY HERO ACADEMIA: EL DESPERTAR DE LOS HƒROES’ en los cómics manga de Kôhei Horikoshi My Hero Academia (han superado los 25 millones de ejemplares), ambientada en un futuro en el que el 80% de los jóvenes sueñan con ser héroes, pero solo algunos nacen con el don necesario.

El cómico Pete Davidson, protagonista (y guionista) del film.

Y ADEMÁS…

‘TECHNOBOSS’

‘SALIR DEL ROPERO’

Musical crepuscular. Premio del

Amar es un placer. Ópera prima escrita y

Jurado en el último Festival de Sevilla, el portugués João Nicolau, autor también del guion, mezcla la comedia costumbrista y el musical experimental al seguir a un comercial (Miguel Lobo Antunes), quien, a punto de jubilarse, se replantea el tipo de vida que quiere llevar.

dirigida por Ángeles Reiné que reivindica en clave de comedia familiar el derecho a la libertad sexual y la búsqueda de la felicidad allá donde cada uno la encuentre. En los papeles protagonistas, Rosa Maria Sardà (su último film), Verónica Forqué, Ingrid García-Jonsson y David Verdaguer.

ESTRENO: 11 SEPTIEMBRE

26 AGOSTO ‘Mi gran despedida. Dir.: A. Hens, A. Álamo. DRAMA. 28 AGOSTO ‘Judy & Punch’. Dir.: Mirrah Foulkes. DRAMA. ‘Solo las bestias’. Dir.: Dominik Moll. DRAMA. 2 SEPTIEMBRE ‘Hasta el cielo’. Dir.: Daniel Calparsoro. THRILLER. ‘100% Wolf: Pequeño gran lobo’. Dir.: Alexs Stadermann. ANIMACIÓN. 4 SEPTIEMBRE ‘El siglo de Galdós’. Dir.: Miguel Ángel Calvo Buttini. DOCUMENTAL. ‘La diosa Fortuna’. Dir.: Ferzan Ozpetek. DRAMA. ‘Un acuerdo original’.

Dir.: P. Rebbot y R. Bohringer. COMEDIA. 11 SEPTIEMBRE ‘Coco, el pequeño dragón. Aventuras en la jungla’. Dir.: A. Power. ANIMACIÓN. ‘En busca de Summerland’. Dir.: Jessica Swale. DRAMA. ‘The Father’. Dir.: K. Grozeva y P. Valchanov. COMEDIA. 18 SEPTIEMBRE ‘Sin olvido’. Dir.: Martin Šulík. DRAMA ‘Uno para todos’. Dir.: David Ilundain. DRAMA. ‘Vivo’. Dir.: Jorge Pareja. DOCUMENTAL. ‘Y llovieron pájaros’. Dir.: Louise Archambault. DRAMA.

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LO MEJOR DEL ENTRETENIMIENTO EN CASA

MultiPantallas SERIES

INÉDITOS VOD

DVD # BD

Hilary Swank nos cuenta las claves de ‘Away’, su nueva serie espacial, y Bárbara Lennie e Irene Escolar nos hablan de ‘Escenario 0’. Págs. 88 y 90

Mario Casas luce madurez y serenidad en una reveladora entrevista con motivo del estreno de ‘El practicante’. Pág. 96

Los últimos trabajos de autores tan dispares como Taika Waititi, Albert Serra o Pablo Larraín desembarcan en formato casero. Pág. 104

SERIES

Miki Esparbé y Javier Gutiérrez, en el set de la serie.

SOLOS EN LA MADRUGADA ‘Reyes de la Noche’ nos acerca a la guerra de egos entre quienes lideraban la radio deportiva nocturna de los 80 y 90, seguida por millones de españoles. Hablamos con los creadores de esta miniserie en pleno rodaje. Por Óscar Cabrera. Tres amigos. Todo parte del éxito de Lo dejo cuando quiera (2019), la última película exhibida de Carlos Therón (Salamanca, 1978), en la que él y los guionistas, Adolfo Valor y Cristóbal Garrido, nos entendimos tan bien que acepté enseguida su nuevo proyecto, explica el realizador en una pausa del rodaje, todavía con la incertidumbre sobre el destino de su último film, Operación Camarón, que tras meses suspendida en el limbo vírico, parece

que se estrenará el 25 de septiembre. Aunque ni Valor ni Garrido son futboleros vislumbraron que la guerra nocturna que disputaron hace décadas ídolos de la radio española como José María García o José Ramón de la Morena era un tema apasionante que merecía una ficción. Nacía Reyes de la Noche, miniserie de seis episodios producida por Zeta Studios y Movistar+ que regatea el deporte para adentrarse, entre

alcohol y tabaco, en las pasiones oscuras del ser humano, ligadas al poder y al dinero. En este caso, a muchos millones de pesetas. Yo era más de Carlos Pumares y su Polvo de estrellas, pero como empezaba justo después de Supergarcía, algo oía de esos imposibles escándalos de corrupción, por lo que el tema me resultaba conocido, dice el realizador. Solo faltaba cincelar los personajes de una trama que estaba ya en el imaginario popular: Francisco Javier Maldonado (Javier Gutiérrez), alias Paco el Cóndor, es el rey de la radio española, tan temido como respetado en ambientes futbolísticos y con un pupilo, Jota (Miki Esparbé), que pronto le hará sangrienta competencia desde otra FOTOGRAMAS.ES · SEPTIE M BRE 2 02 0

MULTIPANTALLAS # SERIES # REPORTAJE

“CON MIKI ESPARBÉ YA SABÍA A DÓNDE IBA, PERO TRABAJAR CON JAVIER GUTIÉRREZ ERA UNA ASIGNATURA PENDIENTE”. Carlos Therón, director. emisora de radio. La periodista Marga Laforet (Itsaso Arana) será una de las perjudicadas de esta rivalidad, ya que a causa de ella su programa queda relegado a la madrugada. Plantillas actorales. Con Miki ya había coincidido en Es por tu bien (2017), pero los demás intérpretes son nuevos para mí, dice Therón. Me ha encantado encontrarme con Javier, una asignatura pendiente, y con Itsaso, a la que admiraba desde La virgen de agosto. El resto del reparto está dividido entre las dos plantillas que se enfrentan en la radio. Ahí entran actores menos conocidos de lo que se merecen, como Carlos Blanco, Cristóbal Suárez, Óscar de la Fuente, Sonia Almarcha, Manuel Gancedo o Celia de Molina. Y también algunas estrellas invitadas, como Alberto San Juan, Mariano Venancio, Dani Pérez Prada y Fele Martínez. La dificultad de la serie estriba, por una parte, en la alusión indirecta a personajes que existieron y que Therón ha solucionado de la mejor manera: se habla de ellos, pero no aparecen en pantalla. Hay un juego entre la ficción y la vida real muy interesante, pero para evitar cualquier conflicto, aunque todos tienen algo que ver con aquellos años, todo es ficción. Cosas que no creerías. Las otras dos piedras en el camino de Reyes de la Noche son igualmente arduas. Por un lado, reflejar el machismo de la época: ¡Aquel era un mundo tan animal, tan ‘machirulo’ que hoy puede dar risa! Incluso revisando grabaciones nos hemos sorprendido de algunas cosas que ahora no se pueden ni insinuar. Sin embargo, no podemos ni queremos evitar el componente machista porque formaba parte del día a día. Y ahí es donde toma relevancia el papel de Itsaso: Exacto. Su programa no tiene sitio en el prime time; y su presencia 86

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en la historia es nuestro homenaje a las periodistas de la época. Por otro lado, apostar hoy por una trama que carece de escenas de acción. Ese es el gran reto. Es mi trabajo más fundamentado en el guion; las palabras son lo importante, lo que aporta velocidad a la narración y tomando como referencia Luna nueva, de Howard Hawks, los diálogos serán rápidos y con mucho ritmo, a veces incluso con conversaciones entre los dos protagonistas a través de sus micrófonos, dice Therón. Diálogos cortantes y rápidos que no implican la ausencia de exteriores. No todo transcurrirá en los estudios. También habrá espacio para salir a las calles madrileñas de los 80 y seguir las

investigaciones periodísticas de los equipos de Maldonado y Jota, en los que hasta el espectador no demasiado avezado en guerras mediáticas y egos radiofónicos encontrará un trasunto de José María García y su exitoso pupilo José Ramón de la Morena. Radioadicto. Apasionado del cine desde que vio de niño E.T. y La misión, Therón siempre ha alternado películas y series en una carrera sin complejos. Debuté con tres capítulos en la última temporada de Los hombres de Paco y estaba muy verde, asegura, pero aprendí muchísimo de unos actores increíbles. Ahora sé que vuelve y no me importaría estar ahí de nuevo ¡y demostrar que valgo! Recuerda satisfecho el capítulo cuarto de la

1 1. Miki Esparbé e Itsaso Arana son Jota y Marga, compañeros en la emisora. 2. Javier Gutiérrez interpreta a Maldonado, el rey de las ondas.

primera temporada de Mira lo que has hecho, con sus saltos en el tiempo; me hizo muy feliz. Y siempre la radio como protagonista en su casa: Por eso también acepté este proyecto, porque sigo siendo un gran oyente, me crie con el transistor conectado en la cocina y mi rutina es poner la radio nada más llegar a casa o antes de dormir. ¡Hasta hice un programa radiofónico de chaval en Salamanca!, confiesa. Por eso estoy disfrutando del homenaje al medio que conlleva la serie. El resto es responsabilidad de Valor y Garrido,

que vuelven a trabajar con Therón tras el paréntesis de su última película. Me llevo genial con la ‘especial raza’ de los guionistas, lo paso muy bien con ellos y con sus ametralladoras de chistes. Valor es también realizador y la experiencia de Garrido con Fariña nos ha ayudado mucho. Con Manuel Burque y Josep Gatell, que escribieron Es por tu bien y Operación Camarón, también me compenetré perfectamente. Todos cuentan dos chistes buenos de cada diez, pero merece la pena estar con ellos, ríe.

‘JUEGO DE TRONOS’ EN LA ESPAÑA DE LOS OCHENTA La comparación de los guionistas Cristóbal Garrido y Adolfo Valor puede ser exagerada, pero tiene base real. A Adolfo y a mí nos encantan las historias de despacho, los secretos, porque somos muy cotillas. Cuando nos fijamos en el periodismo deportivo español de los años ochenta vimos que ahí teníamos nuestro particular Juego de Tronos, con sus traiciones y ambiciones. Valor, que ha dirigido dos de los capítulos, añade: También tenía reminiscencias del cine de espías de los setenta, o del film El desafío: Frost contra Nixon (Ron Howard, 2008). Y de las referencia a la puesta en página. Nuestro método de trabajo es hablar, repartirnos las secuencias y luego pulirlo a cuatro manos. Reyes de la Noche llega tras una trayectoria exitosa (Velvet, Cuerpo de élite…) que nació al conocerse en un lugar insospechado: el foro de fans de Álex de la Iglesia: Todavía nos emocionamos al recordar cuando nos abrazó en el preestreno de nuestro debut, Promoción fantasma, en el cine Capitol de Madrid, dicen los dos amigos.

Adolfo Valor y Cristóbal Garrido.

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■ MULTIPANTALLAS # SERIES # ENTREVISTA

Hilary Swank es Emma Green, la comandante de la Misión Atlas que busca poner por primera vez a un ser humano en Marte.

HILARY SWANK, ELEGIDA PARA LA GLORIA

ÔAwayÕ. La doble ganadora del Oscar, por ‘Boys Don’t Cry’ y ‘Million Dollar Baby’, pone rumbo a Marte en una espectacular serie en la que el gran efecto especial son las relaciones humanas. Hablamos con ella en exclusiva. Por R. S.

Un sueño cumplido. Antes de querer ser actriz, soñaba con ser astronauta, cuenta a FOTOGRAMAS Hilary Swank (Lincoln, Nebraska, Estados Unidos, 1974). Creo que tendría unos nueve años cuando me regalaron un telescopio. Era de los baratos y con él poco se podía ver, pero daba igual. Hoy aún siento esa misma curiosidad al mirar al cielo que tenía de niña. Esa sensación de inmensidad, de querer ir a lo desconocido. Me encantaría poder viajar al espacio alguna vez, quizás en alguna de estas misiones para civiles de las que se hablaba hace un tiempo, el turismo galáctico, pero de momento ser actriz y haber podido interpretar a una no está nada mal, asegura. La oportunidad de cumplir, aunque sea delante de una cámara, este sueño de niñez ha llegado con Away, una serie de 10 episodios creada por Andrew Hinderaker, guionista curtido en la sala 88

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de escritura de Penny Dreadful, y Jessica Goldberg (The Path). El punto de partida es un artículo que el periodista Chris Jones publicó en Esquire en 2014 sobre la experiencia de la astronauta estadounidense Scott Kelly, que pasó un año en la Estación Espacial. En este caso, seguimos a la comandante Green, el papel de Swank, y su equipo en una misión que les llevará tres años de su vida, pero que los convertirá en los primeros humanos en pisar Marte. Más que el espacio o el viaje en sí, explica la actriz, la serie se centra en los sentimientos, los miedos, y los sacrificios que los tripulantes deben hacer para cumplir con ese objetivo. Misión Atlas. Uno de ellos, alejarse de su marido Matt (Josh Charles, al que tras The Good Wife hemos visto en personajes puntuales en Ley y orden o La voz más alta), ingeniero de la NASA, y de su hija Lex (Talitha Eliana Bateman).

Más cuando los eventos en la Tierra toman un giro inesperado. Mientras, la comandante Green se ve forzada a crear vínculos con una nueva familia: los otros cuatro tripulantes de la Misión, un equipo internacional formado por los actores Mark Ivanir, Ato Essandoh, Ray Panthaki y Vivian Wu. Mi rol, Emma Green, cuenta Swank, es una expiloto de la Marina, una ingeniera experta. Es una mujer fuerte, pero también vulnerable. Y eso es algo que a veces echo de menos cuando hablamos de personajes femeninos fuertes. Se les arrebata esa vulnerabilidad porque de alguna manera se ve como una debilidad. Un nuevo medio. Ni Swank, con 46 años cumplidos y dos Oscar a Mejor Actriz en el currículo, no es la joven que casi dejó la interpretación cuando su personaje en la serie Sensación de vivir fue cortado sin previo aviso, ni tampoco lo es un medio, las series de TV, que evitó desde

Por Conchi Cascajosa.

El bisturí teléfilo SERIES PARA EL OTOÑO Lex (Talitha Eliana Bateman) y Matt (Josh Charles) son la hija y el marido que Emma Green deja en la Tierra.

suficiente para explorar y dejar crecer a tu personaje y por el otro, estás a salvo de los vaivenes habituales con los que tenían que lidiar las series. Abrir nuevos caminos. Este punto y el nuevo escenario abierto Mark Ivanir, por las plataformas así como su Ray Panthaki y capacidad para atraer a cineasAto Essandoh interpretan tas como Edward Zwick, direca tres de los tor del episodio piloto y producastronautas. tor de Away, contextualizan la última reflexión de Swank: Yo entonces. Away es su segundo trabajo antes solo quería hacer cine porque en la ficción seriada en más de 20 años. creía que era la única forma de conseEl anterior fue Trust, un proyecto de guir lo que quería: meterme en la piel Danny Boyle en el que se dramatizaba de cuantos más personajes mejor y ver el secuestro de John Paul Getty y donel mundo desde distintas perspectivas. de interpretaba a Gail, su madre. Uno Ahora eso puedes hacerlo, además con de los grandes cambios que veo, al más trabajo y profundidad, en series menos en mi caso, en la producción como la nuestra. Aquí he gozado de 10 televisiva viene de trabajar en series capítulos, 10 horas para conseguirlo, limitadas, que sabes que empiezan y para usar muchos más colores de terminan, explica. No es como hace la paleta que tienes como actor. Eso años, cuando la gran aspiración era me permite explorar lo que nos hace aguantar cuantas más temporadas humanos, lo que nos conecta más allá mejor. Creo que este formato tiene lo de raza, género o lo que nos distancie. mejor de ambos universos, por así Y ese también es un gran sueño. decirlo. Por un lado, tienes el tiempo ESTRENO: 4 SEPTIEMBRE EN NETFLIX

Fotos: Diyah Pera y Katie Yu.

EL EXTRAÑO CASO DE CARLY En enero de 1998 se emitió el 17º capítulo de la 8ª temporada de Sensación de vivir, el último en el que apareció Hilary Swank, quien, tras roles secundarios en series como Los problemas crecen, empezaba su carrera en TV. Su personaje, Carly Reynolds, una madre soltera que era el interés amoroso de Steve (Ian Ziering), no gustaba al público y los productores decidieron cortarlo. Swank se planteó seriamente dejar la actuación. Dos años después ganaba su primer Oscar.

Hilary Swank en ‘Sensación de vivir’.

La ficción televisiva española afronta el otoño más anómalo de su historia. Las cadenas generalistas han perdido la fe en las series para atraer grandes audiencias. TVE se ha quedado casi sola en su apuesta por la ficción en abierto, que pretende reforzar en otoño con HIT, drama escolar que será inevitablemente comparado con Merlí, y la coproducción internacional Inés del alma mía, con una magnífica Elena Rivera como la heroína de Isabel Allende. Atresmedia mantiene en la práctica invisibilidad todas sus ficciones excepto Veneno, una máquina de hacer ruido en redes. Aunque es posible que por fin sea el turno de La valla, oportuna distopía sobre una España dictatorial tras una letal pandemia. Por su parte, Telecinco ha encontrado la clave de la rentabilidad en un acuerdo con Amazon Prime Video para sus estrenos. Veremos si, y cuándo, se emiten en abierto ficciones como Madres y Desaparecidos. La vanguardia de la industria de la ficción está ahora en otro sitio. En el otoño llegarán las grandes series de los servicios de pago, con el Festival de San Sebastián como principal plataforma de lanzamiento para los títulos con más pedigrí. Allí se verán Patria de HBO, llamada a generar controversia en su revisión del periodo final de ETA, y Antidisturbios de Movistar+, ficción de Rodrigo Sorogoyen sobre los excesos policiales. Antes de eso, en Venecia se estrenará 30 Monedas, el thriller de Álex de la Iglesia para HBO. Netflix guarda también para el otoño el drama rural El desorden que dejas y el retrato de época Alguien tiene que morir. La tendencia irá a más en 2021 porque más operadores internacionales se suman a producir en España: Starz ya ha encargado sus dos primeras series de ficción, sobre secuestros (Express) y la vida del actor porno Nacho Vidal. FOTOGRAMAS.ES · SEPTIEM BR E 2 02 0

■ MULTIPANTALLAS # SERIES # ENTREVISTA

LA FUNCIÓN VA A COMENZAR

‘Escenario 0’. Hablamos con Bárbara Lennie e Irene Escolar sobre la audaz serie que han creado. Un híbrido entre las artes escénicas y el cine. Por Laura Pérez. De la necesidad, virtud. Durante los meses de confinamiento, con las funciones de teatro suspendidas, los rodajes de cine paralizados, los actores comiéndose las uñas ante la incertidumbre y el público encerrado en casa con la televisión como principal ventana al mundo, a Bárbara Lennie e Irene Escolar se les ocurrió una idea: hacer una serie donde las artes escénicas saltaran al audiovisual. Hace tiempo que las pantallas forman parte de la dramaturgia de muchas obras y los actores, empezando por mí, pasamos del cine al teatro con facilidad. ¿Por qué no llevar el teatro a un formato más cinematográfico que se emitiera en una plataforma?, explica Lennie. No es teatro filmado, aclara. Son como seis películas independientes que nacen de un texto teatral adaptado a este lenguaje híbrido. Irene Escolar lo explica así: Cada uno de los seis capítulos tiene su propio 90

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director y director de fotografía, por lo que el resultado, el universo creado es completamente diferente en todos. Es como Black Mirror, donde cada capítulo tiene su propia estética. Los tiempos de producción se aceleraron más de lo que ellas mismas imaginaron. Preparamos una propuesta y enseguida entusiasmó a HBO. Es un formato muy inusual, pero creyeron en él, apostaron tal y como lo planteamos nosotras y nos han dado absoluta libertad para sacarlo adelante, dice la actriz. Las dos ejercen de creadoras y productoras ejecutivas de este serie de Calle Cruzada para HBO Europe, que se emitirá en decenas de países.

“EL TEATRO SIN PÚBLICO DEJA DE SER TEATRO, PERO PUEDE CONVERTIRSE EN OTRA COSA MARAVILLOSA A TRAVÉS DE LA CÁMARA”. Irene Escolar, actriz.

Sinergias creativas. El primero de los seis textos que grabaron es Hermanas, de Pascal Rambert, que interpretan ellas mismas, como ya hicieron en el teatro la temporada pasada. La dirige Diego Postigo. Es la primera que filmamos y que pudimos ver terminada. Ha sido un alivio comprobar que había quedado tal y como la habíamos imaginado, cuenta Bárbara Lennie. También han elegido Todo el tiempo del mundo, con texto de Pablo Messiez y que dirige Carlos Marques-Marcet, y Juicio a una zorra, el monólogo de Miguel del Arco interpretado por Carmen Machi, dirigida en esta versión por Clara Roquet. Los Mariachis, originalmente de Pablo Remón, está dirigida por Lino Escalera y estará interpretada por Emilio Tomé e Israel Elejalde. Completan esta temporada (y por el momento única) Vania, de Àlex Rigola, en manos de Carla Simón, y Mammón, que tanto en el escenario como ahora en la plataforma dirigen Nao Albet y Marcel Borràs. Se han creado dinámicas muy bonitas en cada uno de los equipos, entre el autor del texto y el director del capítulo correspondiente. Nuestra labor era juntarlos a todos, reunir a

Fotos: Gianfranco Tripodo.

gente que creíamos que tenía unas sensibilidades similares y esa comunicación ha dado frutos maravillosos. Nosotras no hemos intervenido en ningún momento, hemos elegido los textos, los equipos y hemos dejado que trabajaran ellos, explica Escolar, que interviene como actriz en tres de los seis capítulos, mientras su compañera lo hace en Hermanas. ¿Han tenido alguna tentación de dirigir ellas? Ninguna, confiesan. Nos hemos sabido rodear de gente muy buena. El rodaje se llevó a cabo en apenas un mes y medio durante el verano, con solo una semana para tra-

1 y 2. Bárbara Lennie e Irene escolar, creadoras de ‘Escenario 0’ e intérpretes de ‘Hermanas’. 3. Íñigo Rodríguez-Claro en un ensayo de ‘Todo el tiempo del mundo’. 4. Carmen Machi protagoniza ‘Juicio a una zorra’. 5. Gonzalo Cunill y Ariadna Gil en un momento del rodaje de ‘Vania’.

bajar en la reescritura del texto y otra para los ensayos. Los seis proyectos se llevaron a cabo de manera simultánea en localizaciones separadas a veces por decenas de kilómetros e involucrando a más de 250 personas a la vez. Oportunidad inesperada. Hemos sabido aprovechar un momento único. Era ahora o nunca, porque no vamos a volver a encontrar unas circunstancias similares, en la que todos estos artistas estén disponibles para reunirse en un tiempo récord. Los actores suelen estar rodando o de gira, los directores tienen sus agendas y ahora, por las circunstancias,

A CADA TEXTO SU DIRECTOR Carla Simón (Verano 1993) tenía previsto rodar este verano su segunda película, Alcarràs, que ha debido retrasar un año. De esta manera recibió entusiasmada la llamada de Lennie y Escolar con la propuesta de dirigir el capítulo de Vania, con Ariadna Gil, Gonzalo Cunill y la propia Escolar en el reparto. Creíamos que tenía una sensibilidad muy adecuada para el texto de Àlex Rigola y que crearía un universo propio con él. Y así ha sido, dice la actriz.

Carla Simón en el rodaje de ‘Vania’, en el Hayedo de Tejera Negra.

hemos podido juntar a gente que era un sueño reunir. Creo que cuando terminemos nos vamos a sentir muy orgullosas de este trabajo. Entre sus referentes citan Un dios salvaje, de Yasmina Reza, que Roman Polanski adaptó para el cine, y Marat/ Sade, de Peter Brook, que el dramaturgo dirigió en teatro y después en cine. Pero lo cierto es que no existen precedentes de un proyecto con este formato que ellas han ideado. Su fuerza está en unos textos maravillosos que hablan con una profundidad inmensa del ser humano. Ese es el valor del teatro, lo que hace que perdure. Con este formato se pierde la sensación del momento único e irrepetible que tiene cada función, pero se gana el poder de la cámara, que escruta la mirada y el alma de los actores hasta el fondo, dice Lennie. Yo creo que el teatro, cuando no tiene público, deja de ser teatro, pero puede convertirse en otra cosa y es maravilloso tener ese objeto tan cerca que parece que a través de ella se puede ver el alma, concluye Escolar. ESTRENO: 14 SEPTIEMBRE EN HBO

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MULTIPANTALLAS # SERIES # A LA CARTA

OTROS MUNDOS DISTÓPICOS El esperadísimo debut de Ridley Scott en la televisión estadounidense, ‘Raised by Wolves’, es la principal alegría posveraniega en un septiembre al que también asisten Ryan Murphy (‘Ratched’) y Luca Guadagnino (‘We Are Who We Are’). Por Ó. C.

La actriz danesa Amanda Collins.

‘RAISED BY WOLVES’ Volver a empezar. Desde que debutara como director en 1965 en algunas series de la BBC, Ridley Scott no se había acercado a la ficción televisiva en las labores de realización, aunque como productor no pasa un año sin un destacado estreno con su firma. Hemos tenido que esperar a 2020 para que el inglés, ya con 83 años, decidiera dirigir dos episodios de los diez que componen esta historia

de dos androides, Padre y Madre, que protegen a los niños humanos en un misterioso planeta virgen. Hasta que un día descubren que las creencias religiosas pueden acabar con su misión. Todo queda en familia. Presentada virtualmente hace unas semanas por HBO Max –se emitirá en TNT, la productora original, en España–, Raised by Wolves (Criado por lobos) ha sido desarrollada por Aaron Guzikowski,

‘EL TERCER DÍA’ Dos personajes, dos estaciones del año y un pueblo. En los primeros tres capítulos, titulados Verano, de esta miniserie de seis, Sam, interpretado por un Jude Law que sigue fiel a HBO tras The Young Pope y The New Pope, es un hombre desesperado que viaja a la isla de Osea, donde sus habitantes se niegan a abrazar la modernidad. Durante unos días es feliz, encuentra a gente maravillosa, pero cuando intenta regresar en coche, la pequeña península donde se erige el pueblo se ha convertido en una isla. En la segunda parte, Invierno, es Helen (Naomie Harris, Moonlight) quien llega a la isla con sus dos hijas para pasar unos días maravillosos, según ella. No será así, claro. Dirigen Marc Munden (Utopia) y Philippa Lowthorpe (¡Llama a la comadrona!), toda una garantía. ESTRENO: 15 SEPTIEMBRE EN HBO

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guionista de Prisioneros, el aclamado thriller de Denis Villeneuve, director elegido por Scott para hacerse cargo de Blade Runner 2049. No es el único hilo a seguir: uno de los hijos del cineasta, Luke, que debutó con Morgan en 2016, y que se encargó de la segunda unidad en Exodus: Dioses y reyes (2014) y Marte (2015), es el realizador de otros tres episodios. ESTRENO: 10 SEPTIEMBRE EN TNT

Jude Law.

Mildred Ratched, en su psiquiátrico.

SERIES TOP

‘RATCHED’ De locos. Hollywood sigue siendo la principal inspiración del hiperactivo Ryan Murphy (American Crime Story, Hollywood). Este mes es el turno de esta serie que fabula sobre la supuesta vida de la diabólica Mildred Ratched (Sarah Paulson), la enfermera que atiende a McMurphy en la novela Alguien voló sobre el nido del cuco de Ken Kesey, llevada al cine por Milos Forman. Atención al resto del reparto femenino: Sharon Stone, Judy Davis, Amanda Plummer, Rosanna Arquette… Michael Douglas interviene en la producción. ESTRENO: 18 SEPTIEMBRE EN NETFLIX

‘UPRIGHT’

CADA MES, ELEGIMOS NUESTRAS SERIES EN EMISIÓN FAVORITAS. TOP 5 ÓSCAR CABRERA

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‘TED LASSO’ (T. 1). Apple TV+ ‘TERRITORIO LOVECRAFT’ (T. 1). HBO ‘TALKING HEADS’ (T. 1). Movistar+ ‘ESTOCOLMO, ESTACIÓN CENTRAL’ (T. 1). Filmin ‘RAMY’ (T. 2). Starzplay

TOP 5 ISABEL VÁZQUEZ

Triste melodía. Como ya demostró Jane Campion en su película, un piano no es un objeto que se abandone fácilmente y un viaje largo no es ninguna excusa. Lucky Flynn, interpretado por el australiano Tim Minchin (Californication), carga con su instrumento 4.000 kilómetros para poder despedirse de su madre. En el camino, se cruzará con todo tipo de personajes. ESTRENO: 7 SEPTIEMBRE EN SUNDANCE TV

Vernon (Romain Duris) a los platos.

‘VERNON SUBUTEX’ La Movida francesa. En los noventa, la música gala tuvo un especial protagonismo en la pista (Daft Punk…) y fuera de ella, con DJ y grupos variados. La trilogía literaria de la escritora y directora Virginie Despentes llega a las pantallas como homenaje a esta época de intensidad creativa musical fuera de Internet que no volverá. Protagoniza el incansable Romain Duris como ex-DJ abocado a pegar ‘sablazos’.

Lucky (Tim Minchin) y su piano vertical.

ESTRENO: 15 SEPTIEMBRE EN FILMIN

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‘EL ALA OESTE DE LA CASA…’ (T. 1-7). Amazon Prime Video ‘THE GREAT’ (T. 1). Starzplay ‘VENENO’ (T. 1). Atresplayer TV ‘LO QUE HACEMOS EN LAS…’ (T. 2). HBO ‘PODRÍA DESTRUIRTE’ (T. 1). HBO

TOP 5 ROGER SALVANS

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‘EL ALA OESTE DE LA CASA…’ (T. 1-7). Amazon Prime Video ‘TED LASSO’ (T. 1). Apple TV+ ‘TERRITORIO LOVECRAFT’ (T. 1). HBO ‘PODRÍA DESTRUIRTE’ (T. 1). HBO ‘HIPÓCRATES’ (T. 1). Filmin

PONTE EN SERIE

SOMETEMOS A LOS PROTAGONISTAS A NUESTRO TEST SERIƒFILO.

Foto: Pablo Sarabia.

EDUARDO NORIEGA (‘INÉS DEL ALMA MÍA’).

Es Pedro de Valdivia en la adaptación del libro de Isabel Allende (Amazon Prime Video). La serie que me marcó: Marco y Heidi dejaron profunda huella, seguramente por ser la primera vez que me enfrentaba a hechos dramáticos tan tristes y dolorosos para sus protagonistas, niños muy pequeños. De Pippi

Calzaslargas también tengo grandes recuerdos por todo lo contrario, por su libertad, anarquía y felicidad.

Recuerdo em mi adolescencia no soportar Salvados por la campana, y al mismo tiempo, no poder dejar de verla

Mi último enganche:

¿Mi personaje favorito?

El colapso. Un alarde técnico impresionante.

Tony, de Los Soprano.

La serie de culto que abandoné:

Creo que se abusa mucho de los actores que hablan a la cámara en tono cómico.

Perdidos. No puedo con las ficciones de varias temporadas. ¿Cómo y cuándo me gusta verlas? De noche, tranquilo

y sin hacer otra cosa. Mi placer culpable:

¿El que no soporto?

La mayor maratón de mi vida:

No lo he hecho nunca, pero vi algunos capítulos seguidos de Mad Men y Juego de Tronos. FOTOGRAMAS.ES · SEPTIEM BR E 2 02 0

MULTIPANTALLAS # SERIES # A LA CARTA

Jack Dylan Grazer y Jordan Kristine Seamon.

Por Isabel Vázquez.

In my opinion ESTIRPE

‘WE ARE WHO WE ARE’ Jóvenes cómplices. Debut del realizador Luca Guadagnino en la televisión con algunos ingredientes comunes a Call Me by Your Name, por la que fue nominado al Oscar en 2018. Hay jóvenes atractivos, está Italia (el Véneto) y fluye el amor en verano en bicicleta. Jack Dylan Grazer interpreta a Fraser, un joven tímido de 14 años, que se muda de Nueva York a una base militar en Italia con sus madres, Sarah (Chloë Sevigny) y Maggie (Alice Braga), ambas al servicio del ejército de EE. UU. Allí conocerá a Caitlin (Jordan Kristine Seamon), una joven atrevida con mucha experiencia aventurera en la citada base. ESTRENO: 15 SEPTIEMBRE EN HBO

‘POWER BOOK II: GHOST’ El negocio no cierra. El primero de los cuatro spin-off previstos de la serie Power, finalizada a principios de año, llega a las pantallas con nuevo protagonista, el joven Tariq (Michael Rainey Jr.), el hijo de James ‘Ghost’ St. Patrick. Muerto su padre y con su madre en la cárcel, el chaval decide continuar con los estudios y, también, los trapicheos de droga para pagar al abogado MacLean, interpretado por el rapero y actor Clifford (‘Method Man’) Smith.

Mary J. Blige y Paige Hurd.

ESTRENO: 6 SEPTIEMBRE EN STARZPLAY

‘VAGRANT QUEEN’

Adriyan Rae es Elida.

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Nueva heroína espacial. Estrenada en EE. UU. en lo más duro del confinamiento, esta modesta comedia de ciencia ficción, realizada y protagonizada (casi) solo por mujeres, ha sido bien recibida por su afán lúdico y escasas pretensiones. Elida (Adriyan Rae) es la heredera de un imperio galáctico que, mientras huye de sus perseguidores, limpia el espacio de delincuentes y partidarios del comandante Lazaro (Paul du Toit), su gran enemigo. ESTRENO: 1 SEPTIEMBRE EN SYFY

Cuando la porfiria volvió loco del todo al rey Jorge III (a quien ya solo imagino con los ojos desquiciados y la saliva de Jonathan Groff en Hamilton, Disney+), su atolondrado heredero se hizo cargo de Inglaterra. Hugh Laurie (uno de los mejores actores vivos, hay que recordar esto de cuando en cuando) compuso hace años una mítica caricatura del regente como un imbécil caprichoso, descacharrante y sin ninguna pretensión de veracidad histórica, en la tercera temporada de La víbora negra (Filmin), una interpretación emparentada en forma e intenciones con la que Nicholas Hoult hace de Pedro III de Rusia en The Great. La espléndida serie de Tony McNamara, como la de Richard Curtis, se toma a chufla los hechos probados. Hoult se regodea en la maldad arbitraria del tirano Románov, un niñato tan simpático como peligroso que derrocha toneladas de encanto y complicidad con los espectadores, virtudes adquiridas de su padre putativo en la ficción, el otro gran Hugh, Grant (Hoult era el menor de edad de Un niño grande). Injustamente olvidado en las nominaciones a los Emmy de este año, Nicholas Hoult y su Pedro III pertenece ya por derecho a esa estirpe gloriosa de cabrones divertidos que acumulan rendidos cortesanos, una dinastía bastarda de mamones a los que solo deseamos impunidad y larga vida. Nicholas Hoult.

MULTIPANTALLAS # SERIES # EN CUATRO FLASHES

YO FUI UN JAMES BOND ADOLESCENTE En el año 2000, Anthony Horowitz publicó la primera novela de una saga juvenil liderada por un chaval de 14 años que se convierte en el espía más joven del MI6. Tras vender más de 13 millones de ejemplares y superar una adaptación fallida al cine, ‘Alex Rider’ vuelve como serie de TV. Hablamos con sus protagonistas, Otto Farrant y Brenock O’Connor. Por R. S.

Operación Rider. 13 libros, seis de ellos publicados en castellano por Edaf; seis novelas gráficas y siete relatos cortos. Este es el bagaje literario de Alex Rider, la saga juvenil creada por Anthony Horowitz en el año 2000 que lleva más de 13 millones de ejemplares vendidos en todo el mundo. En ella, Alex, un chaval huérfano de 14 años, descubre tras la muerte de su tío y tutor que desde pequeño y sin saberlo lo han preparado para convertirse en espía. La saga es conocida en todo el mundo, nos cuenta Otto Farrant (Londres, 1997), su rostro en la versión para TV de la franquicia, pero en Inglaterra es algo muy grande. Todos la hemos leído de niños, es como un rito.

Panorama para adaptar. Con Guy Burt (The Hole) al guion y Andreas Prochaska (El valle oscuro) como director de los cuatro primeros episodios, esta adaptación televisiva se aleja del tono infantil de Alex Rider: Operación Stormbreaker (G. Sax, 2006), fracasada primera versión para el cine, para abrazar un tono más oscuro, realista y en la línea de las cintas de Jason Bourne, cuenta Brenock O’Connor (Worthing, Inglaterra, 2000), el Olly de Juego de Tronos que en la serie es Tom, el mejor amigo de Alex. Stephen Dillane (The Tunnel), Ronke Adekoluejo (Doctor Who), Vicky McClure (Line of Duty) y Thomas Levin (Borgen) completan el cast principal.

Alex (Otto Farrant) y Tom (Brenock O’Connor), planes para salvar el mundo en el recreo.

Superagente menos juvenil. Visto en series como La reina blanca o Guerra y paz, Farrant se enfrenta en Alex Rider a su primer protagonista. Un personaje que él ve distinto al de la saga de Horowitz, pese a que la segunda entrega literaria, Point Blanc, es la base de estos primeros 10 episodios. Para empezar, Alex tiene 16 años, no 14. No es que intentáramos alejarnos del personaje o el tono de los libros, pero sí hay una intención de abrir el espectro, de dar con una historia más madura y oscura que apele a un público más amplio: jóvenes, adultos… Es una serie para ver en familia. Además, no hay que olvidar que los niños que leyeron el primer libro hace 20 años hoy son adultos.

La estocada a Jon Nieve. Alex Rider tiene un punto fantástico, no en vano lleva a pantalla el sueño por excelencia de todo adolescente, ser el héroe y salvar el mundo. Pero creo que hemos dado con un equilibrio que atrapará al espectador, cuenta O’Connor que asegura sentirse orgulloso de haber dado la puñalada final a Jon Nieve. Es entrar por la puerta grande en la Historia de la TV. Sin eso, hoy no estaría aquí. Pero tan pronto vi que lo había matado, supe que Jon regresaría de entre los muertos, ríe. No podía ser de otra manera. Eso sí, lo hicieron muy bien. No lo sabía nadie. Los productores supieron guardar el secreto, serían unos buenos espías. ◆ ESTRENO: 17 SEPTIEMBRE EN MOVISTAR SERIES

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LA MADUREZ DE MARIO CASAS Da vida a un psicópata en silla de ruedas en ‘El practicante’, donde demuestra que ha llovido mucho desde que triunfara como ídolo adolescente. Hablamos con él de esta evolución y de sus ansias por empezar a dirigir. Por L. P. Fotos: Fernando Roi.

ace cuatro años, Mario Casas (La Coruña, 1986) leyó el guion de El practicante y se empeñó en interpretarlo costara lo que costara. Tuvo que tener paciencia mientras el proyecto peleaba por salir adelante. En ese tiempo hizo El bar (Álex de la Iglesia, 2017), El fotógrafo de Mauthausen (Mar Targarona, 2018) y Adiós (Paco Cabezas, 2019), entre otras cosas. Adelgazó 22 kilos, engordó de nuevo 10, volvió a adelgazar y, al fin, se dieron las circunstancias para que la película saliera adelante. Un thriller psicológico dirigido por Carles Torras en el que da vida a un enfermero que tras un accidente en la ambulancia donde trabaja queda en silla de ruedas. Se obsesionó con el personaje y se sumergió en una nueva transformación física que daba hasta miedo a quienes tenía cerca, según confiesa. Pasó dos semanas en el Hospital Nacional de Parapléjicos de Toledo, se rapó unas entradas en la frente tan poco favorecedoras que no las querían ni los productores del film, y construyó un carácter de psicópata capaz de cualquier cosa. Yo me lo creo, le dijo un paciente del hospital cuando lo vio moverse sin utilizar sus piernas. Y aquello fue su gran premio. 96

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¿Qué le enganchó tanto de este personaje? El enorme trabajo que tenía que hacer desde la no emoción, que es lo que es la psicopatía. Yo trabajo mucho desde las tripas y aquí había que hacer lo contrario, separarse de eso y crear un personaje nada empático. Un malo de verdad, y nunca había hecho algo así. Creo que es ahora, con mi edad, cuando estoy capacitado para hacerlo. La lesión y la silla

“CUANDO LLEVO A MI COACH A RODAJES VEO CARA DE EXTRAÑEZA. YO TRATO DE REIVINDICAR SU TRABAJO PORQUE ME PARECE MUY NECESARIO”. de ruedas me parecían muy atractivas también para dar forma al personaje. ¿Ha utilizado como referencia algún personaje para crear el suyo? Javier Bardem en No es país para viejos es el mejor psicópata que he visto. De hecho, leí un reportaje donde una serie de psiquiatras analizaban esta figura en el cine y coincidían en que nadie lo había interpretado mejor. Controla en todas las secuencias el

tempo de sus reacciones. Alguien así no responde inmediatamente cuando le hablan, porque eso es una muestra de empatía, sino que tiene sus propios ritmos. Lo vi mucho en esa película. Sobre la parte física no necesité inspirarme en nadie porque me metí tan de lleno que tenía suficiente. Primero estuve en Toledo, después en el Institut Guttmann de Barcelona y finalicé el trabajo con muchos ensayos. Me subí en la silla de ruedas dos semanas antes del rodaje y no me bajé hasta que terminamos. Así fue mi vida durante esos meses. ¿Siempre se mete tan de lleno en el papel? Siempre. Y si escuchas a grandes actores te cuentan que han hecho cosas parecidas. Yo pensé: Tengo que sentir esto las 24 horas del día. Y así fue. ¿Ser tan perfeccionista pasa factura? Cada vez más. Me trae cosas muy buenas porque en esos tres meses consigo evadirme del mundo y convertirme en otra persona. Sin embargo, en el día a día, me supone cargar con miedos e inseguridades, querer trabajar más y más sin tomar más distancia ni conseguir ser menos obsesivo. A veces quien tienes cerca sufre por eso. Desde hace un tiempo trabaja con un coach. ¿En qué ha cambiado gracias a él? Se llama Gerard Oms y desde hace dos años intentamos estar en todas las películas juntos. Me ayuda a tomar distancia, me hace psicoanálisis actoral y personal, es un apoyo que me ha venido muy bien. En lo que he hecho que se verá próximamente, como No matarás (David Victori) o la serie El inocente (Oriol Paulo) creo que se va a ver una evolución en mi forma de actuar. Esa figura del coach no es común en la industria española. ¿Puede llegar a entrar en conflicto con el director?

Ayudante de fotografía: Carlos Hidalgo. Grooming: María Solans y Ginna Agume para merymakeup.com.

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“HE CRECIDO, HE PERMANECIDO AHÍ, ME HAN DADO OPORTUNIDADES Y CREO QUE SIGO DEMOSTRANDO QUE PUEDO HACER MUCHAS COSAS. NOTO QUE EL PÚBLICO ME RESPETA MÁS”.

■ MULTIPANTALLAS # INÉDITOS VOD # ENTREVISTA

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Absolutamente. Agarrarse a eso, en cierto sentido, puede hacerlo más fácil porque cuando te transformas empiezas desde el principio con algo a lo que aferrarte y la energía fluye enseguida. Lo verdaderamente complicado es trabajar desde donde lo hacen Ricardo Darín o Javier Cámara, creando personajes normales, como cualquier amigo que conozcas. Para mí es muy atractivo cambiar físicamente porque me ayuda mucho. Para quienes me conocen no lo es tanto porque lo pasan mal. Con el personaje de El practicante lo he pasado fatal, y he llegado a estar en lugares muy oscuros.

“MIS SIGUIENTES PASOS VAN HACIA LA DIRECCIÓN, YA ESTÁ AHÍ. TENGO LA NECESIDAD DE HACERLO Y ME ENCANTARÍA QUE FUESE ALGO INMEDIATO”. Ha sido ídolo adolescente con películas como Tres metros sobre el cielo o Palmeras en la nieve. ¿Siente que por eso ha tenido que demostrar más con sus otros papeles? Yo sé qué carrera he hecho: Fuga de cerebros, Mentiras y gordas… Y sé que mucha gente se ha quedado en eso. Pero aunque era más niño, ya entonces intentaba hacer creación de personajes. Puede que en ese momento ese tipo de cine tampoco interesase a cierto tipo de público. Pero he ido creciendo, he permanecido ahí, me han dando opor-

tunidades y creo que sigo demostrando que puedo hace muchas cosas. Noto que el público me respeta más y también los actores más jóvenes que yo. ¿De qué compañeros ha aprendido más? De esos grandes, ya mayores, que cuando te ven meterte mucho dicen: Ten cuidado, relájate que se puede hacer desde otros sitios. En su día fueron Juan Diego, José Sacristán, Carmen Maura, Ana Wagener… De ellos también he aprendido que hay que ser muy constante y trabajar mucho. He entendido por qué han llegado donde están y por qué siguen ahí. Llevan toda la vida en la profesión, pero se dejan la vida todavía más que actores de mi generación. Son mucho más intensos, no paran de formarse haciendo teatro, leyendo y viendo cine. ¿Se ve llegando a su edad en este oficio? Me gustaría tener la energía de Ana Wagener. Posee una fuerza enorme, es una mujer muy inteligente, gran actriz y buena compañera. Hace un análisis constante de los personajes, pelea siempre por superarse, evolucionar, no quedarse en la zona de confort. A su edad me gustaría ser como ella. ¿Qué ha aprovechado para hacer estos últimos meses de parón obligado? Escribir. Llevo tres meses con un par de historias porque mis siguientes pasos van hacia la dirección. Tengo la necesidad de hacerlo y me encantaría que fuese de inmediato. Estoy preparando algo muy de actores y con mi hermano Óscar como intérprete. ESTRENO: 16 SEPTIEMBRE EN NETFLIX

UNA MALA NOCHE EN URGENCIAS Carles Torras (Callback) ha creado una atmósfera claustrofóbica en la que rara vez vemos un espacio exterior o la luz del día. Prácticamente todo sucede entre las paredes de un piso donde una pareja (Déborah François y Mario Casas) trata de continuar con su vida tras el accidente que a él lo deja en silla de ruedas. Obsesionado con que ella le es infiel y gracias a sus conocimientos como sanitario, convierte su existencia en un infierno, con tintes entre Misery (Rob Reiner ) y Mientras duermes (Jaume Balagueró). Completa el reparto Celso Bugallo.

Déborah François y Mario Casas.

Foto. Quim Vives.

Puede ser. Todos los actores americanos los tienen. No uno, varios: de interpretación, baile o canto. En España, sin embargo, muchos directores no quieren que esté presente. Cuando me he llevado a Gerard a rodajes veo al equipo con cara de extrañeza. Yo trato de reivindicar su trabajo porque me parece muy necesario y los intérpretes tenemos que estar constantemente activos. Un director carga con muchas responsabilidades, y me parece positivo tener a una persona que se ocupe de ir midiendo cómo estás. El director es el director, pero el actor puede necesitar a alguien que lo ayude. Para un intérprete debe de ser difícil también rodar con esa presión y escrutinio constante. Desde luego, te destroza el ego porque te dice todo lo malo, incluso lo que crees que estás haciendo bien. En El practicante yo estaba metidísimo, pasaba el día en la silla de ruedas con las rodillas destrozadas. Aun así, hubo momentos en que me dijo: Lo que acabas de hacer es la mierda más grande que le he visto a un actor. Y se iba. Eso es duro, pero te ayuda a mejorar. Se percibe un cambio de registro en su trabajo, con mucho thriller y personalidades oscuras. ¿A qué lo achaca? Tiene que ver con los personajes que estoy eligiendo, que tienen más sombras y grietas que los que elegía antes. Tengo 34 años y ahora sé meter más figuras a los personajes. También influye el coach porque estamos trabajando mucho con un psiquiatra que nos ayuda en el análisis de las personalidades y se nota. ¿Se ve muy distinto respecto a películas en las que era más joven, como La mula? Esa película es intocable para mí. Me cuesta elegir uno de los papeles que he interpretado, pero si tuviera que hacerlo sería el Juan Castro de La mula. Me pilló en un momento vital con algo todavía muy fresco que supe dar al personaje. Me he hecho mayor, sigo siendo ese actor, pero he cambiado. Lo compruebo cuando trabajo con Álex de la Iglesia, quien te da la oportunidad de volverte loco, probar cosas, volar… Con él vuelvo a ese Mario de La mula. Se ha sometido a muchas transformaciones físicas por exigencias del guion. ¿Hay una manera de interpretar que se produce con la transformación física?

“SER TAN PERFECCIONISTA ME TRAE COSAS MUY BUENAS, PERO CADA VEZ ME PASA MÁS FACTURA”.

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Juan Diego Botto y Raúl Arévalo.

AZCONA HA VUELTO

‘Los europeos’. Un mordaz relato del gran Azcona con inspirados protagonistas. Hablamos con Víctor García León (‘Selfie’) de su adaptación. Por Paula Ponga.

Subversión. Entraba en los planes de Berlanga llevarla al cine, pero es el único gran texto de Azcona que se le escapó, dice García León. Es muy probable que a su padre, José Luis García Sánchez, y al padre de su colega Jonás, Fernando Trueba, les hubiera gustado adaptarla. Pero esta obra sobre un niñato franquista juerguista (Juan Diego Botto) y el amigo (Raúl Arévalo) a sueldo de su progenitor al que arrastra a sus farras en la Ibiza del 58 cayó en sus manos. La novela se prestaba a algo un tanto rijoso sobre dos españolitos que se van a follar. Pero a mí lo que me interesaba era subvertir todo lo que se espera de la historia; traicionar todas las expectativas de lo que vas viendo. Como decía Bette

Davis en Eva al desnudo: ‘Las chicas malas no somos tan malas y las buenas no son tan buenas’. Aquí pasa lo mismo, pero con personajes masculinos. Ambos están soberbios. En el caso de Raúl, no ves las costuras del cambio de su personaje. Y en el de Botto, pocos actores son capaces de hacer un canalla con tanto humor. El paraíso perdido. Según el director, Azcona estaba obsesionado con el paraíso perdido, con la imposibilidad de ser felices. Se fue a Ibiza unos cuantos años y allí encontró su edén. Puede que este sea uno de sus textos menos estrafalarios y divertidos, pero más honestos en su manera de ver el mundo. ¿Lo que más le gustaría al escritor de El pisito, El cochecito,

LA SEDUCCIÓN HABLA FRANCÉS Para mí es una historia sobre el amor y sobre cómo nos enamoramos de fantasías, que es lo que le ocurre a ella, apunta el director. Ella es Odette, una francesa luminosa. Cree que se enamora de un chico bondadoso y simpático, pero no. Y relata: Estábamos a tres o cuatro semanas de empezar a rodar cuando nos falló la actriz francesa que iba a hacerla, así que el productor y yo nos plantamos en París prácticamente con un cazamariposas y apareció Stéphane (Caillard). Un milagro.

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Stéphane Caillard.

Plácido o El verdugo de esta adaptación? Sin parecer muy azconiana en la forma, en el fondo es muy de Rafael. Si viviera, se la enseñaría con cierta confianza. Lo hemos traicionado donde se habría traicionado él mismo. Me interesaba y divertía más ir conociendo a los personajes que contar ese Madrid gris de posguerra del que vienen, dice García León, que tras Selfie (2017) ha trabajado como guionista y director en las series Vota Juan y su secuela Vamos Juan; El vecino, de Netflix, y se dispone a dirigir varios episodios de Los hombres de Paco: El regreso. Curiosidades: en una de las farras de la película, Miguel (Arévalo), jaleado por Antonio (Botto), hace un pase torero utilizando a modo de capote un ejemplar de FOTOGRAMAS. Un cartel cinematográfico del legendario Jano asoma también entre el mobiliario urbano a modo de homenaje y la envolvente banda sonora corre a cargo de una compositora peruana afincada en París, Selma Mutal (La teta asustada). Oscuro como el betún. ¿Se está especializando en finales implacables? Ese final, que está en la novela, fue uno de los motivos para hacerla. El productor compró los derechos y nos dijo: Solo pido que respetéis el final. Es una gozada que un productor te pida riesgo, porque no suele ser así. Producen Jaime Gona y Enrique López Lavigne. ESTRENO: ÚLTIMA SEMANA AGOSTO EN ORANGE TV

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SEPTIEMBRE DE NOVEDADES

‘El magnífico Iván’ es solo una de las grandes películas que nos esperan a la vuelta de las vacaciones. Al humanísimo gorila de Disney lo acompañan Robert Pattinson, Millie Bobby Brown y la última criatura de Charlie Kaufman. Por Ó. C.

Mack (Bryan Cranston), el domador y dueño de Iván.

» ‘EL MAGNÍFICO IVÁN’ En busca de la libertad. En la estela de fábulas de animales con sentimientos como Dumbo, El poderoso Joe o Madagascar, el nuevo film de Disney+ combina acción real y animación digital, para adaptar el libro infantil de Katherine Applegate con la inglesa Thea Sharrock (Antes de ti, 2016) en la dirección. Iván –voz original de Sam Rockwell– es un gorila de espalda plateada de 180 kilos que convive en un pequeño circo de un centro comercial de Atlanta con la elefanta

Stella (Angelina Jolie, tambien en la producción del film), el perro Bob (Danny DeVito), el caniche Snickers (Helen Mirren) y otros animales. Capturado en la selva africana cuando era un bebé, es adoptado como ‘mascota’ por Mack (Bryan Cranston), y desde entonces trabaja para él con el nombre de El magnífico Iván. Cuando llega al recinto un bebé elefante llamado Ruby (Brooklynn Prince), separado de su familia en la sabana, vuelven los recuerdos de una infancia que Iván mantenía bloqueados y algo

Cindy (Jessie Buckley) y unas raras camareras.

se remueve en su interior. En un momento en el que está siendo aún más explotado debido a sus habilidades para pintar, se replantea su futuro y el de todos sus amigos encerrados. Con la fuerza de la amistad y el sentido de pertenencia como pilares de un argumento agridulce basado en las vivencias de animales salvajes exhibidos como trofeos en centros comerciales, El magnífico Iván es la primera película animada de Disney calificada para mayores de 13 años. ESTRENO: 11 SEPTIEMBRE EN DISNEY+

‘ESTOY PENSANDO EN DEJARLO’

Otro mundo raro. El primer film del director y guionista Charlie Kaufman basado en un texto ajeno, una novela de Iain Reid, llega directamente a streaming tras las críticas del siempre excéntrico autor por la falta de riesgo artístico de los estudios tradicionales de cine. Estoy pensando en dejarlo, su tercera película tras Synecdoche, New York (2008) y Anomalisa (2015) gira en torno a los planes de Cindy (Jessie Buckley), de romper con su novio de toda la vida Jake (Jesse Plemons) justo cuando termine la más que incómoda visita a sus extraños padres, interpretados por actores familiarizados en turbios papeles: Toni Collette y David Thewlis. Un perro que no deja de sacudirse será la primera señal de alarma para la pobre Cindy. ESTRENO: 4 SEPTIEMBRE EN NETFLIX

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■ MULTIPANTALLAS # INÉDITOS VOD # ESTRENOS

Pierre Deladonchamps y Valérie Donzelli.

» ‘NOTRE DAMEÕ Crisis y amores. Rodada unas semanas antes de que la catedral homónima ardiera en abril de 2019, la quinta película de la actriz, guionista y realizadora Valérie Donzelli (Declaración de guerra, 2011) se centra en las aventuras sentimentales y laborales de Maud –interpretada por la propia Donzelli–, una arquitecta algo desastrosa, madre divorciada de dos

preadolescentes, que gana sin querer un concurso municipal para reformar una plaza enfrente de la emblemática catedral. Cuando intenta sobrellevar su nueva responsabilidad como gran talento de la arquitectura, descubre que está embarazada. Quiero que el título de mi película se escriba en minúsculas, porque esta comedia es también un homenaje a todas las mujeres que siempre tienen tiempo

para trabajar y, a la vez, llevar la casa y educar a sus hijos. Mi Maud es insegura, porque muchas veces la sociedad provoca que seamos inseguras y es gracias a nuestra valentía como lo superamos, ha dicho en diferentes festivales Valérie Donzelli. En el reparto, breve papel para Virginie Ledoyen, todo un icono del mejor cine francés de los noventa. ESTRENO: 2 SEPTIEMBRE EN MOVISTAR+

En lucha contra los zombis.

Robert Pattinson, en la iglesia.

‘BLOOD QUANTUM’

Vidas de pesadilla. Robert Pattinson, Tom Holland, Jason Clarke, Bill Skarsgård, Riley Keough, Haley Bennett y Mia Wasikowska protagonizan, entre otros, la adaptación de la segunda novela de Donald Ray Pollock, todo un clásico del gótico norteamericano. Antonio Campos (The Sinner) narra el drama diario de un pastor sin vocación (Pattinson), una pareja de psicópatas (Clarke y Keough) y un chico, Arvin (Holland), que lucha con las secuelas que le ha dejado la Segunda Guerra Mundial y con la enfermedad que está matando a su esposa Charlotte (Bennett).

Zombis nativos. Una reserva india era uno de los espacios físicos que quedaban sin explorar por las hordas de muertos vivientes. Pero ya no. El director y guionista canadiense Jeff Barnaby, nacido en una reserva de nativos red crow, dirige esta nueva variación del subgénero que se estrenó en el Festival de Toronto y que en España hemos visto en los de Sitges y Málaga.

ESTRENO: 16 SEPTIEMBRE EN NETFLIX

ESTRENO: 16 SEPTIEMBRE EN MOVISTAR+

‘EL DIABLO A TODAS HORAS’

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Millie Bobby Brown, hermana adolescente de Sherlock.

‘ENOLA HOLMES’

Cosas de familia. El héroe de Arthur Conan Doyle ha sido joven, ha tenido hijos, nuevos hermanos y, por supuesto, cientos de imitadores después de la muerte de su creador. Pero faltaba una hermana y esta apareció en la cuarta temporada de Sherlock, la serie de la BBC, con el nombre de Eurus Holmes. Ahora Netflix, basándose en la saga escrita por Nancy Springer, la rescata cambiándole el nombre y con el rostro de uno de sus descubrimientos, Millie Bobby Brown, la actriz de Stranger Things. Después de una infancia en completa libertad, Enola queda de pronto al cuidado de sus hermanos Sherlock (Henry Cavill) y Mycroft (Sam Claflin), ambos decididos a mandarla a un internado femenino. ESTRENO: SEPTIEMBRE EN NETFLIX

Sam (Peyton Elizabeth Lee), en el centro, y su club real.

Y ADEMÁS… 1 SEPTIEMBRE ‘La historia de la Motown’. Dir.: Benjamin y Gabe Turner. DOCUMENTAL. MOVISTAR+. 3 SEPTIEMBRE ‘Tom Cruise’. Dir.: Régis Brochier. DOCUMENTAL. MOVISTAR+

‘EL CLUB SECRETO DE LOS NO HEREDEROS AL TRONO’

Los segundos salvarán la Tierra. Dirigida por Anna Mastro (The Bold Type) y con guion de Alex Litvak (Los tres mosqueteros) y Andrew Green (Hannah Montana), la segunda película que estrena Disney+ este mes trata un tema muy afín a la casa: la realeza. El film narra la historia de Sam (Peyton Elizabeth Lee), una adolescente rebelde miembro de las casas reales europeas que descubre que tiene superpoderes debido a un rasgo genético que solo tienen los segundos en la línea de sucesión. Para dominar sus fuerzas, deberán asistir, por supuesto, a clases especiales del profesor James Morrow (Skylar Astin). ESTRENO: 25 SEPTIEMBRE EN DISNEY+

Ali Mousa Sarhan es el niño refugiado.

‘A PESAR DE LA NIEBLA’

En busca del paraíso. Llega a inéditos Movistar la última película del serbio Goran Paskaljevic –ganador de tres Espigas de Oro en la historia de la SEMINCI y de varios premios en San Sebastián, Venecia y Berlín–, un drama sobre uno de los miles de niños refugiados que desaparecen en Europa. Con Donatella Finocchiaro y Anna Galiena. ESTRENO: 8 SEPTIEMBRE EN MOVISTAR+

18 SEPTIEMBRE ‘Steven Universe: La película’. Dir.: Rebecca Sugar. ANIMACIÓN. HBO. 23 SEPTIEMBRE ‘VFW’. Dir.: Joe Begos. ACCIÓN. MOVISTAR+. SIN FECHA ‘Amor garantizado’. Dir.: Mark Steven Johnson. DRAMA. NETFLIX. ‘La niñera: Reina Letal’. Dir.: Joseph McGinty Nichol. TERROR. NETFLIX ‘You Don’t Nomi’. Dir.: Jeffrey McHale. DOCUMENTAL. FILMIN. ‘El hombre que pudo salvar la vida de Michael Jackson por segunda vez’. Dir.: David Chaumel. DOCUMENTAL. FILMIN. ‘Joe Cinque’s Consolation’. Dir.: Sotiris Dounoukos. INTRIGA. FILMIN.

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■ MULTIPANTALLAS # DVD + BD

DVD

Scarlett Johansson interpreta a la madre del niño alemán Jojo Betzier (Roman Griffin Davis).

DEL ODIO AL AMOR

‘Jojo Rabbit’. El neozelandés Taika Waititi protagoniza, dirige y firma el guion de esta provocativa comedia negra que regresa a los horrores del nazismo a través de los ojos de un niño, y que cuenta con sus comentarios en la versión home. Por Sonia Guijarro. Sátira. Desde la intransigente perspectiva de las juventudes hitlerianas a las que pertenece, el pequeño de 10 años Jojo Betzier (Roman Griffin Davis) debe enfrentar su nacionalismo a la bondad de su madre (Scarlett Johansson), que esconde en su ático a una niña judía (Thomasin McKenzie). En este abrupto proceso de madurez, Jojo se acompaña de un amigo imaginario (Taika Waititi) llamado Adolf Hitler con el que urde la mejor manera de identificar y atrapar judíos, mientras va descubriendo que el amor es capaz de desmontar, pieza por pieza, al odio. Este provocativo film, Premio del Público en el Festival de Toronto, dirigido por el neozelan104

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dés Waititi (Lo que hacemos en las sombras, nominado al Oscar por su corto Two Cars, One Night y director, guionista y actor también en la próxima entrega de Thor: Love and Thunder) encuentra una ingeniosa forma de abordar los horrores de la historia de la Segunda Guerra Mundial y de hacerlos accesibles a las nuevas generaciones. En sus palabras: Tenemos que seguir recordando y encontrando formas innovadoras de contar la misma historia, y seguir enseñándonos a nosotros mismos y a nuestros hijos lecciones sobre cómo avanzar y utilizar el amor para emprender el camino hacia el futuro.

En primera persona. Casi diez minutos de Escenas Eliminadas inauguran el contenido adicional de la versión Blu-ray de la cinta que edita Fox, con los títulos El göring imaginario, Los cerditos y Adolf vuelve a morir. Por lo que respecta a las Tomas Descartadas, incluye otros tres minutos, y un análisis pormenorizado de la figura protagonista al que han denominado Dentro de Jojo Rabbit. Taika Waititi se asoma al formato home brindando al espectador la posibilidad de escuchar sus audiocomentarios sobre cómo surgió la idea de esta comedia antiodio, la manera en que se desarrolló el guion (premiado con un Oscar), la elección de los actores protagonistas y el desarrollo de una controvertida comedia negra que juega con fuego sin quemarse. Una burla del Tercer Reich a medio camino entre la estética a color de Wes Anderson y el corazón tragicómico de La vida es bella de Benigni. LANZAMIENTO: 9 SEPTIEMBRE

El último romántico Debut tras la cámara del actor y dramaturgo francés Alexis Michalik, la comedia ‘Cartas a Roxane’ reivindica al desconocido autor de ‘Cyrano de Bergerac’, Edmond Rostand, e incluye una hora de extras.

‘El silencio de la ciudad blanca’

DIR.: DANIEL CALPARSORO. INT.: BELÉN RUEDA, JAVIER REY, AURA GARRIDO, MANOLO SOLO. (TRIPICTURES). THRILLER.

Asesino camaleónico. Editado en DVD y BD, este thriller de Calparsoro (Cien años de perdón, 2016) que adapta la primera parte de la Trilogía de la ciudad blanca, de Eva García Sáenz de Urturi, con crímenes y asesino en serie en Vitoria, añade una selección de las escenas más representativas explicadas, así como el tráiler extendido y un reportaje en el que se desmenuza el making of, cargado de secuencias arriesgadas y unos actores en plena forma física. LANZAMIENTO: 11 SEPTIEMBRE

‘Liberté’

DIR.: ALBERT SERRA INT.: HELMUT BERGER, MARC SUSINI, ILIANA ZABETH, BAPTISTE PINTEAUX. (CAMEO). DRAMA.

Creación y musas. Nominada a dos Premios César por su vestuario y sus decorados, esta ópera prima del actor Alexis Michalik (que también firma el guion) pretende saldar cuentas con el autor Edmond Rostand y su Cyrano de Bergerac, personaje imprescindible de la cultura francesa. La acción se instala en el París de 1897, en plena belle époque, cuando Rostand se ha convertido en un dramaturgo prometedor que sufre una parálisis creativa. Gracias a su admiradora, la actriz Sarah Bernhardt, se pone en contacto con el mejor actor del momento, que le propone interpretar su siguiente obra, para lo que le apremia a estrenar en dos semanas. Rostand accede, a pesar de que lo único que tiene de su próxima obra es el título: Cyrano de Bergerac. En busca del autor. El Blu-ray que edita A contracorriente cuenta con un reportaje en el que se analiza la banda sonora del film. Además, una entrevista con el debutante director Michalik guía al espectador por el universo de una época en la que la obra superó al autor: Todo el mundo en Francia conoce a Cyrano,

pero nadie sabe quién es Edmond Rostand. Mezclo ficción con realidad, pero todo está documentado. Además, se añaden Escenas Eliminadas y un completo making of. También se edita en DVD, con 30 minutos de extras. LANZAMIENTO: 15 SEPTIEMBRE

‘Ema’ DIR.: PABLO LARRAÍN. INT.: MARIANA DI GIROLAMO, GAEL GARCÍA BERNAL, SANTIAGO CABRERA. (BTEAM). DRAMA.

Provocador. Exclusivamente en formato DVD se lanza la última película del director de Honor de cavalleria, un banquete sensorial ambientado en los años previos a la Revolución francesa. Con más de una hora de extras, destaca la masterclass del cineasta en el Círculo de Bellas Artes de Madrid: El ojo de la cámara, el ojo de la cabeza, el ojo del culo, así como una galería de imágenes y piezas promocionales. LANZAMIENTO: 23 SEPTIEMBRE

El actor galo Thomas Solivérès encarna a Edmond Rostand, autor de ‘Cyrano de Bergerac’.

La maternidad anómala. Ficha artística, técnica completa y tráiler es el contenido adicional que incorpora el DVD de este potente drama del audaz Larraín sobre una joven bailarina profesional que decide separarse y ‘devolver’ al hijo que habían adoptado ante la imposibilidad de poder criarlo. Mientras intenta aplacar la culpa buscándose a sí misma urde un plan para recuperar su vida anterior. Mariana Di Girolamo y Gael García Bernal.

LANZAMIENTO: 15 SEPTIEMBRE

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■ MULTIPANTALLAS # DVD + BD

‘Gretel & Hansel’

‘Una gran mujer (Beanpole)’

‘Underwater’

DIR.: OZ PERKINS. INT.: SOPHIA LILLIS, SAMUEL LEAKEY, ALICE KRIGE, JESSICA DE GOUW. (KARMA). TERROR.

DIR.: KANTEMIR BALAGOV. INT.: VIKTORIA MIROSHNICHENKO, VASILISA PERELYGINA, ANDREY BYKOV. (BTEAM). DRAMA.

DIR.: WILLIAM EUBANK. INT.: KRISTEN STEWART, VINCENT CASSEL. (FOX). THRILLER.

La sombra del clásico. Oscura revisión

Suplemento. Disco extra que com-

del célebre cuento de hadas de los hermanos Grimm. Una niña (Sophia Lillis) y su hermano (Samuel Leakey) abandonan su hogar en plena hambruna en busca de una vida mejor. Durante su agónica travesía son acogidos en casa de una anciana (Alice Krige), que resulta tener intenciones opuestas a lo que aparenta. En el DVD se incorpora el tráiler, y para el Blu-ray se añaden un documental sobre el cuento, así como reportajes describiendo a Gretel y a la bruja. Para finalizar, una entrevista con la protagonista, Sophia Lillis, desvela detalles del making of y secretos del rodaje.

prende como contenido adicional una segunda película, Demasiado cerca, ópera prima del ruso Kantemir Balagov –director de Una gran mujer (Beanpole)–, premiada en Cannes en 2017, y en competición en Zabaltegi en Zinemaldia ese mismo año, además de haber recibido numerosos premios internacionales. Una gran mujer (Beanpole) se sitúa tras la II Guerra Mundial, en Leningrado, cuando el asedio ha finalizado y la vida y la muerte siguen midiendo sus fuerzas en medio del desastre. En ese contexto, dos mujeres jóvenes perdidas intentan encontrarle el sentido a sus vidas.

Stewart protagoniza este thriller de ciencia ficción en el papel de una ingeniera mecánica que debe salvar a sus compañeros de tripulación cuando un terremoto destruye la plataforma minera submarina que ocupaban. Disponible en DVD y Blu-ray, se acompaña de escenas eliminadas (Paseo por el suelo oceánico, Jardín de rocas y La salida de Smith) y audiocomentarios a cargo del director William Eubank, el ilustrador Jared Purrington y el escritor Phil Gawthorne. Además: documental sobre el proceso de diseño, producción y efectos visuales de la cinta, y el tráiler que se estrenó en cines.

LANZAMIENTO: 15 SEPTIEMBRE

LANZAMIENTO: 23 SEPTIEMBRE

‘El caso Collini’

‘La verdadera historia de la banda de Kelly’

‘Corre como una chica’

Nazismo. Casper Leinen es un joven abogado al que asignan la defensa de un presunto asesinato ocurrido años atrás con la que irá destapando algunos de los escándalos legales más importantes de la historia de la Alemania nazi. El DVD cuenta con filmografía del director, Marco Kreuzpaintner, y ficha técnica (Flins & Pinículas). LANZAMIENTO: 2 SEPTIEMBRE

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Buceando en el rodaje. Kristen

Melodrama deportivo. Feel-good

ría de imágenes se suman en BD a este western punk de Justin Kurzel editado por Divisa, grito rebelde que combina vísceras y poesía para contar la leyenda del bandido australiano Ned Kelly. Mejor Guion en el BCN Film Fest.

movie de Flins & Pinículas sobre la vida de la primera mujer jinete que ganó la Copa Melbourne, Michelle Payne, y que lidió con un mundo (el de la hípica) dominado por los hombres. Una inspiradora historia de superación con Teresa Palmer y Sam Neill que incluye la ficha técnica completa.

LANZAMIENTO: 3 SEPTIEMBRE

LANZAMIENTO: 2 SEPTIEMBRE

Neowestern. Tráiler extendido y gale-

■ MULTIPANTALLAS # DVD + BD NEWS Por Jesús Palacios. Jude Law y John Malkovich.

La cripta embrujada

Foto: Gianni Fiorito.

LARGA VIDA A LA NUEVA CARNE

MALKOVICH, EL (NUEVO) PAPA DANDI Con Pío XIII en coma, y un aristócrata inglés, encantador y sofisticado (sir John Brannox, que adopta el nombre de Juan Pablo III) en el trono papal, los secretos y fragilidades del nuevo líder pondrán al descubierto la dificultad de reemplazar con éxito el carisma de su antecesor. The New Pope, secuela de The Young Pope, creada y dirigida por Paolo Sorrentino (La gran belleza, 2013) y defendida con maestría por Jude Law (Pío XIII) y John Malkovich (sir John Brannox) tiene ahora su versión Blu-ray a cargo de Divisa con un completo making of, selección de escenas eliminadas, perfil comentado con los pormenores de los personajes, un documental en el que se muestra la forma en que fueron creados los decorados y una galería de imágenes.

BUSCO A JACK Las cinco películas del agente Jack Ryan, empaquetadas para cinéfilos. Paramount ha preparado para este mes un pack especial que comprende: La caza del Octubre Rojo (1990), con comentarios de su director John McTiernan y escenas inéditas. La segunda, Juego de patriotas (Phillip Noyce, 1992), se acompaña del reportaje Más cerca de Juego de patriotas y el tráiler de cine. Para Peligro inminente, estrenada dos años después, se incluyen entrevistas con el reparto y el equipo técnico. Pánico nuclear, la cuarta película de la saga, dirigida por Phil Alden Robinson en 2002, no cuenta con extras, y la última, Jack Ryan: Operación Sombra, presenta escenas eliminadas con comentarios del director Kenneth Branagh y del productor Lorenzo di Bonaventura, así como el reportaje Vuelven los viejos enemigos.

Paul Guers y Jeanne Moreau.

ÁNGELES Y DEMONIOS

Poco conocido drama romántico del cuatro veces nominado al Oscar Jacques Demy (Los paraguas de Cherburgo, 1964), ambientado en los lujosos casinos de la Riviera francesa, cargado de deseo y avaricia, con una irresistible Jeanne Moreau adicta al juego, y hechizante banda sonora a cargo del oscarizado Michel Legrand. A Contracorriente lanza en DVD y BD una edición exclusiva de La bahía de los ángeles (1963) con 104 minutos de contenido adicional: La película vista por Mathieu Demy, Crónica de una restauración, documental El universo de Jacques Demy por Agnès Varda y un libreto de 54 páginas sobre aspectos inéditos del film.

En 1983 todavía no existía un programa de televisión llamado Gran Hermano, que transmitiría 24 horas al día la vida íntima, privada (de sentido) y por supuesto manipulada de sus voluntarios protagonistas. Todavía no existían televisiones capaces de adivinar tus preferencias y autoprogramarse para ofrecértelas antes casi de encenderlas. Aún no existían monitores, pantallas de ordenador que sirven tanto para satisfacer nuestra mirada de voyeur, como para espiarnos con descaro. Ni siquiera existía una Internet entretejida por redes sociales, más redes que sociales, capaz de ofrecerte perversiones sexuales a la carta, a la vez que te archiva como un dato más en su inmenso cerebro al servicio de… ¿de quién? Alucinación, realidad, mutación. En 1983, estábamos lejos de suponer que llegaría un día en el que una Nueva Normalidad, una Nueva Realidad, cabalgando en alas invisibles de un virus mutante, aceleraría el proceso de sustituir el mundo físico y material por otro construido con bytes, abstracciones digitales y alucinaciones consensuadas. Pero en 1983 tuvimos Videodrome, la visionaria obra maestra de David Cronenberg, que ahora edita en Blu-ray Universal. La pesadilla paranoico-crítica de Cronenberg, servida en clave de thriller hitchcockiano en ácido mayor, supuso la confirmación de uno de los mejores cineastas del siglo XX, y si Blade Runner creó el escenario apocalíptico urbano del ciberpunk, Videodrome, entre Dick y Burroughs, Kafka y McLuhan, retrató su paisaje interior, físico, mental y metafísico. Hoy, todos podemos decir con Max Renn: Larga vida a la Nueva Carne. FOTOGRAMAS.ES · SEPTI EMBR E 2020

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VIDEOJUEGOS

Por Adonías.

O EL JUEMG ES DEL

MICROSOFT FLIGHT SIMULATOR De Asobo Studio para PC y Xbox One (lanzamiento de esta versión: 2020). 64,99 €

MARVEL’S AVENGERS De Crystal Dynamics y Eidos-Montréal para PS4, Xbox One, Stadia y PC (PS5 y Xbox Series X al lanzamiento de estas versiones). 69,99 €

Con un aspecto más Ultimates ilustrados por Bryan Hitch que sus encarnaciones humanas del MCU, estos Marvel’s Avengers arrancan su aventura lúdica desunidos, con el Capitán América aparentemente fallecido y la población en contra como consecuencia de las bajas civiles (¿por ellos?) provocadas tras su caótico enfrentamiento con Taskmaster; Hulk aplastará, Thor reinterpretará su papel de mesías rebelde según designios comiqueros redactados por Mark Millar, y Ms. Marvel reunirá a los Héroes más poderosos de la Tierra para este fantástico tebeo interactivo de acción destructiva en tercera persona.

Decir que la realidad supera la ficción hablando sobre Microsoft Flight Simulator: la experiencia de vuelo definitiva (real, o simulada) es quedarse muy corto. Según la versión (Standard, Deluxe, Premium Deluxe), gozar con hasta 35 aviones y 45 aeropuertos detallados hasta niveles sobrecogedores, climatología y tráfico aéreo sincronizado en tiempo real on-line, ser ídolo del aire, águila de acero y aterrizar como puedas. El cielo ya no es el límite.

CARRION Treyarch para PS4, Xbox One y PC. 64,99 €

Concebido por sus creadores como juego de terror inverso: en esencia, disfrutaremos un laberíntico monstervania protagonizado por un híbrido entre pegajosa pesadilla tentacular de Rob Bottin y pizza simbionte cuatro quesos sanguinolentos con extra de fiambre cocinada por KNB EFX Group, más partitura deliciosamente electrónica à la Pino Donaggio escrita por Cris Velasco para lograr un título de maravillosa ambientación serie B y diversión triple A.

SHOPPING

TONIC, GIN-TONIC Así, con nombre y apellido. Bombay Sapphire & Tonic marca tendencia en el universo de las bebidas ready to drink con este combinado de su clásica London Dry Gin, infusionada al vapor, y la mejor tónica. Sobran las presentaciones.

TOMAN El nuevo rey del (pequeñas) rueda el patinete eléc velocidades, foc de hasta 45 km s modernos, p de m

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SE P TI E MBR

UN PÍCNIC DE CINE Los jueves (y los viernes, y los sábados…), ¡milagro! El primogénito del realizador Luis García Berlanga y su madrileño restaurante Berlanga ofrecen la oportunidad de disfrutar del parque más emblemático de la capital y de la mejor comida con su Pack Retiro, que incluye un entrante ligero, arroz y una bebida para degustar al aire libre. La opción más segura y exquisita, en una propuesta de película.

ARMANI, A SU MANERA Ya lo cantaba Frank Sinatra en 1969, y ahora es Giorgio Armani quien atrapa My Way en una esencia a base de flores blancas y el concepto de sostenibilidad. Los tiempos cambian, pero no los deseos de vivir ‘a nuestra manera’. Para defender la nueva fragancia, Armani ha elegido a la actriz puertorriqueña Adria Arjona (Morbius, 2021), embajadora de la firma.

CON LAS PILAS CARGADAS El nuevo Wiko View4 llega en color Cosmic Blue y con 72 horas de autonomía para usuarios non-stop que necesitan estar siempre conectados. Triple cámara de 13 MP y 64 GB de memoria se convierten en compañeros inseparables para el trabajo y el ocio.

ESCUCHAR

Por Conrado Xalabarder.

THE PIANO FRAMED Shogun. 70’. ★★★★★

George Fenton es hoy un compositor prácticamente olvidado, que apenas trabaja en el cine y cuando lo hace es en films por debajo de su talento. Cosechó cinco nominaciones al Oscar y en su trayectoria destacan músicas como las de En compañía de lobos (1984), Las amistades peligrosas (1988), El rey pescador (1991) o la maravillosa Tierras de penumbra (1993). Son reseñables sus colaboraciones con Ken Loach, Stephen Frears o Richard Attenborough, y merecen también reconocimiento sus bandas sonoras para documentales televisivos de naturaleza. El legado de Fenton, tanto

GREYHOUND

Lakeshore Records. 77’. ★★★

en su Reino Unido natal como en Estados Unidos, es encomiable, y a sus casi 70 años de edad lanza este álbum en el que recopila algunas de sus mejores creaciones versionadas para piano solo, que interpreta Simon Chamberlain. Es un repaso a su larga filmografía presentado con gran exquisitez y un placer para los oídos. Debería servir para que la industria considerara recuperarlo para los mejores proyectos. Pocas músicas se hacen ya así.

Un arranque prometedor y el aval del siempre interesante Blake Neely generan unas expectativas que poco a poco se diluyen al entrar en terrenos convencionales. Aun así hay elementos destacables con experimentaciones que, como pasó con la música de Hans Zimmer en Dunkerque (2017), fusionan música con elementos físicos y sonoros del entorno (aquí el metal o el radar), con momentos de poderosa intensidad. Sobresale también por su dramatismo expuesto en la bellísima elegía final.

GRETEL & HANSEL Waxwork Records. 39’. ★★

El cine de terror tiene incontables ejemplos de cómo ser abordado musicalmente con eficiencia y originalidad, pero ninguna de ellas se refleja en esta apática creación de Rob (Robin Coudert) con anodina música electrónica que pretende generar entornos crípticos y perturbadores, pero que acaba siendo rutinaria y sobre todo vacía. No mejora en sus partes dramáticas y todo ello deriva en que esta música no tenga otra utilidad que la ambiental. Una oportunidad desperdiciada.

LEER

OFRENDA A LA TORMENTA Quartet Records. 65’. ★★★

Fernando Velázquez cierra su Trilogía del Baztán musical con poco interés dramático y ciertos excesos hiperbólicos. Es una banda sonora tan errática como las anteriores (El guardián invisible y la algo más interesante Legado en los huesos) y más dispuesta a impactar –y exagerar– que a explicar. La falta de solidez en su estructura se palía, aunque solo en parte, por algunos momentos emotivos. Pero en su conjunto, como trilogía musical, resulta muy poco memorable. Por C. X.

LA VISIÓN DEL CINEASTA. EL LENGUAJE DE LAS ÓPTICAS Anaya.

208 págs. 26 € ★★★★★

El subtítulo de este libro, el poder de las ópticas y su expresividad en el cine, da una muy clara indicación de lo que aborda. Su autor, Gustavo Mercado, es un cineasta que se dedica aquí a explicar el uso de la cámara en el cine como forma de comunicar ideas, dramaturgia y también narración. Prolijo en ejemplos, detallado en explicaciones y con un orden temático muy claro (entre otras, con categorías como espacio, movimiento o enfoque, y dentro de ellas numerosas subcategorías), el autor une los aspectos técnicos a los emocionales, la preparación

de planos y tomas con la necesidad de comunicación con la audiencia. Todo ello, de modo muy interesante y accesible, que invita a revisar o ver las películas mencionadas y que hace de las comparaciones verdaderas lecciones, como por ejemplo, la explicación de las diferencias en planos similares con los protagonistas de Cowboy de medianoche (1969) y de Tootsie (1982) cuando caminan por la calle entre multitudes de gentes. Este es un libro útil, muy instructivo, y además muy bien presentado y con fotografías de calidad.

LA OTRA DISNEY Applehead Team. 496 págs. 24 € ★★★★

Este es el primer volumen de un exhaustivo repaso que aquí abarca de 1946 a 1967 de los films que produjeron los estudios Disney al margen del cine de animación e infantil. Alberto Corona, el autor, los presenta de modo cronológico arrancando con la ahora polémica Canción del Sur (1946), llegando a El más feliz millonario (1967) e incluyendo Mary Poppins (1964) y films de comedia y aventuras.

EL CINE COMIENZA CON GOYA

MATEMÁTICAS DE CINE

Juan Pedro Quiñonero firma un interesante y muy completo ensayo que busca en el cine trazos de la influencia de la obra pictórica de Francisco de Goya, de cuyo lenguaje y dramaturgia visual encuentra sinergias en el cine de Méliès, Griffith, Lang, Hitchcock, Kubrick, Rohmer o Saura, entre muchos otros directores que buscaron incorporar el elemento visual como parte fundamental de la explicación en sus films.

Jose María Sorando es un matemático apasionado tanto de su Ciencia como del Arte de la cinematografía. Dedica este libro a mostrar y demostrar las muchas conexiones que existen entre las matemáticas y el cine en films diversos como Casablanca (1942), El Padrino (1972) o Titanic (1997), con ecuaciones incluidas. Hasta 350 películas son mencionadas; también, cómo no, las que tienen personajes matemáticos, reales o de ficción.

Cátedra. 336 págs. 15 € ★★★★

Guadalmazán. 256 págs. 15 € ★★★★

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REWIND & FAST-FORWARD

Willem Dafoe con su hijo Jack en 1988.

Cabeza de cartel Los mil rostros. Un mal comienzo, ser expulsado de su primera película, La puerta del cielo (M. Cimino, 1980), resultó ser para Willem Dafoe (Appleton, Wisconsin, 1955) el punto de partida de una trayectoria fructífera y poliédrica. Desde que Kathryn Bigelow y Monty Montgomery lo sacaran del teatro experimental para devolvérselo al cine con The Loveless (1981), su rostro ‘mickjaggero’, de uno de los ‘feos’ más atractivos de la pantalla, se ha acoplado a todo tipo de personajes y cineastas, yendo, con realismo y dignidad, de historias reverenciadas (Vivir y morir en Los Ángeles, Platoon, Arde Mississippi, The Florida Project...) a otras más naïves (El cuerpo del delito) o, incluso, a algunas polémicas (La última tentación de Cristo, que presentó en el Festival de San Sebastián en 1988, certamen que le dio el premio Donostia en 2005 y que lo ha convertido en símbolo de su 68.ª edición). Todo en él suma y todo en él sigue. ◆

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Audi A la vanguardia de la técnica

Algunas bienvenidas cambian la historia.

Audi e-tron Sportback Vehículo Oficial del Festival de San Sebastián