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Mo a r r e i S Daniela


Uno de los mayores exponentes del movimiento cultural artistico que hubo en Nueva York durante los años 80, muestra rasgos de la generación pop y la cultura juvenil de la época, dio vida a la cultura “urban street”. Sus obras de arte son conocidas en todo el mundo y su fama internacional ha seguido creciendo hasta hoy. Creó y desarrolló un léxico visual único, cuyos conceptos esenciales como el nacimiento, la muerte, el amor y la guerra, han sido transmitidos en los más simples símbolos: ondas de energía, corazones, niños incandescentes (su más famoso símbolo que da la vida) y antiguos graffitis. inmediatamente reconocible, el imaginario de Keith Haring, ha dejado una huella imborrable en el siglo XX y se ha convertido en el lenguaje universal de nuestra época, su capacidad como un gran artista, para conservar el espíritu de un niño, sorprenderse, mirar las cosas con ojos siempre nuevos. Su obra refleja una explosión de vitalidad y energía, trazos decididos e inimitables que diseñan un mundo fabuloso, donde crecer es una aventura cotidiana.


Contexto Social y Cultural del artista

E

l contexto historico se centra de 1970-1990, que son los años en los que Keith Haring surgió como artista en la ciudad de Nueva York. 1970 es considerado como el punto bajo en la historia de Nueva York, y esto es por que durante esa época había un número elevado de criminalidad y existía un entorno con trastornos sociales que ya venían de 1960, como son los disturbios que hubo en Stonewall en 1969. Hubo una desindustrialización y una caída demográfica que puso casi en quiebra a la ciudad de Nueva York, las construcciones quedaron sin acabar por falta de subvenciones. En 1973 se inaguró el World Trade Center con una ceremonia por todo lo alto. Pero los préstamos a corto plazo entre 1965 y 1975 endeudaron considerablemente a la ciudad; aunandose la crísis del petróleo, esto empeoró mucho más la situación, traduciendose en un aumento de criminalidad en diversas zonas, el narcotráfico en barrios como Harlem o el Bronx. La población disminuyó hasta un 27% en East Harlem. Para recuperarse y no caer en la bancarrota se solicitó un préstamo federal. Del 13 al 14 de Julio de 1977, hubo un apagón general, este suceso reflejaba la problemática ordinaria, dando lugar a saqueos públicos y desorden social. Los 80 en Nueva York fueron notables ya que había muchas cosas que sucedían en paralelo con ella; la sustituciòn de la generación hippie con esta nueva generación de artistas, el surgimiento de clubs y música punk-rock y la aparición del graffiti; el rebote de Wall Street, hace que la ciudad retome su rol de liderazgo mundial economicamente y financieramente hablando. Se llego a un equilibrio presupuestario en un período de 1981 al 1987. La reactivación de la inmigración subió el crecimiento económico aunque bajo las cifras de desempleo en Nueva York se creo por ello un sello de “Ciudad Peligrosa” . 1980 también estuvo marcado por el racismo o tensiones raciales que llevaron a a agresiones; David Dinkins fue elegido alcalde, el cual hizo mejorar la situación, ya que fue el primer alcalde afroamericano de la ciudad.

En 1990, más concretamente 1993 a Nueva York la marco el primer atentado terrorista contra el World Trade Center; este suceso ocurrió debido a un camión cargado de 680 Kg. de explosivos de nitrato, este estalló en la parte suberránea de la Torre Norte y acabo con la vida de 6 persona y 1049 heridos. Hubo daños en 5 niveles del subsuelo y apesar que solo se daño ligeramente una de las columnas centrales las dos torres permanecieron cerradas varios meses. En 1994, Nueva York estaba atravesando por una crísis profunda debido a varias tensiones raciales, muchos creían que esto no se iba a poder solcionar, sin embargo, en unos años Rudolph Giuliani (que empezó sus funciones), logró convertir a la ran Manzana en una ciudad segura y atractiva, cosa que atraía a los inversionistas. El mismo Giuliani lucho contra las mafias familiares en los barrios más peligrosos y contra los delitos; inciado en Wall Street. Sus medidas resultaron audaces, con un carácter radical, usaba una política de “Tolerancia cero” a lo que la criminalidad bajo radicalmente de 430,500 crímenes regristrados en 1993, antes de entrar en funciones, a 184.100 crimenes en 2000. Con estos resultados los neoyorkinos recuperaron su confianza en la seguridad.


Los antecedentes o inspiración de Keith Haring se centran en el arte pop, a continuación algunos artistas y estilos que marcaron e influenciaron su obra.

Pierre Alechinsky

Bruselas, Bélgica. 1927. Fue un pintor y grabador belga. Poseía un estilo vigoroso, gestual y muy cercano al expresionismo abstracto, pero con elementos que tienen que ver bastante con el surrealismo. Miembro destacado entre otros artistas plástico del grupo Cobra, fundado en 1948. Estudio en 1944 enla Ecole Nationale Superieure d´Architecture et des Arts Decoratifs de Bruselas.

pictórica como escrita se caracteriza por un gran sentido del humor. Ademas ha ilustrado libros de importantes escritores franceses de siglo XX como Michel Butor, Roger Caillois y Jean Tradieu. Obras de este artista están, entre otros, en el Fine Arts Museums de San Francisco y en el Museo Reina Sofía de Madrid.

Andy Warhol

Pennsylvania 1928 - Nueva York, 1987.

Viajo a París una vez disuelto el grupo Cobraen 1951, en París estudio las técnicad de Grabado. En 1955 dio un giro a su carrera en Japón, convirtiendo su estilo mas tranquilo y contemplativo. En 1965 aplica notas y narraciones en sus pinturas.

Artista estadounidense, considerado como el máximo exponente del arte pop. Empezó a estudiar pintura en el 1945 en el Carnegie Institute, y acabando sus estudios dirigió la sección artística wwde la revista estudiantil “Cano”. finalizo sus estudios en 1949 y se mudo a Nueva York con un trabajo de ilustador y dibujante en revista como “Glamour”, “Vogue”, “Bazar” y “Tiffnay & Co” a la vez que colaborba con agencias de publicidad.

Trazos orientales, dibujos infantiles y figuras rupestres, marcan su obra, experimentaciones en las que abundan elementos extrapictóricos, agregados a manera de collage a sus lienzos. Tanto su creación

En sus primeros años diseñó objetos y escaparates para Tiffany´s y zapatos para la prestigiosa firma I. Miller, el expresionismo abstracto que era lo que despuntaba en esa época, no le interesaba,


apreciaba mas los productos de consumo y la importancia de la televisión y medios como vehículos de extender el arte. Surgieron así sus primeras serigrafías de la sopa Cambell y las botellas de coca-cola, envase de jabón , comics o mitos eróticos como Marilyin Monroe. Fred Hughes fue su agente desde 1967 y gracias a el Andy se convierte en el retratista de la alta sociedad, captando el alma de sus modelos empleando vivos colores. En la década de 1960 traslada su estudio y crea la “factory” lugar de reunión y de experimentacion en diversas actividades para los artistas “underground” y también hizo sus pinitos en el cine y en 1968 introdujo su obra en la política. El giro que Andy dio a la cultura popular al conseguir que los elementos de consumo se conviertiran en arte permitio la creacion del arte pop.

Mark Tobey

Centerville, 1890- Basilea, 1976. Pintor norteamericano, desde muy joven se sintió atraido por los pintores abstractos; su experimentación le llevo a adoptar la técnica de la caligrafía oriental para crar cuadros donde la profundiad se consigue, no mediante las regals de la perspectiva tradicional , sino mediante el juego y superposición de finas lineas blancas, casi filigranas, sobre oscuros fondos. Esta forma de expresión fue denominada por él mismo como escritura blanca, y resulto el mejor y más vivo precedente de la técnica desarrollada por los artistas del expresioneismo abstracto , el drip-painting.


Caracteristicas Genrales del Arte y del Diseño

L

os años 70 y 80 vieron una explosión de formas, estilos y técnicas. Los artistas ya no están recluidos en sus estudios, o incluso restringidos a la creación de objetos. La obra de un artista podría ser una galería vacía, o un descomunal dibujo grabado en el desierto del oeste, o un suceso videograbado, o un manifiesto escrito; estas diferentes clases de arte llevan distintos nombres: arte terrenal, arte conceptual, arte en escena. EstadosUnidos en el período 1980-1990. En la década del 80, este país protagonizaba los últimos momentos de la Guerra Fría, por lo que se sucedieron diversos acontecimientos, entre ellos la caída del muro de Berlín (1989), que permitieron llevar a cabo, a partir de los ’90, una extensión de la democracia y de los mercados hacia el resto del mundo. La economía de Estados Unidos estaba fortaleciéndose gracias a los diversos avances tecnológicos que facilitaron la llegada de las ideas dominantes del capitalismo empresarial al resto del mundo. El proceso de globalización ya estaba en marcha. En cuanto a lo social, las personas se encontraban inmersas en una especie de “encanto” consumista, desatado por las nuevas tecnologías y el acceso a los lujos que alguna vez fueron de las clases privilegiadas, y una preocupación excesiva por lo individual. Este individualismo se caracterizaba por la presencia de un falso optimismo en la gente, lo cual en realidad era una pérdida de las esperanzas y un abandono de las causas políticas, lo cual llevaba a un conformismo con el orden existente. Los eslóganes del capitalismo tardío tienen que ver con: espontaneidad, placer, objetos de lujo, publicidad, moda, megarrecitales auspiciados por políticos y empresas multinacionales, medios masivos y crédito. Para sobrevivir y crecer, museos, galerías de arte, orquestas sinfónicas, sociedades de música de cámara y teatros, han tuvieron que depender de be-

nefactores particulares, donaciones universitarias y venta de boletas, como sus medios principales pare obtener recursos. Sin la seguridad de los subsidios gubernamentales, que por costumbre el arte de otros países goza, en Estados Unidos las artes siempre han estado vinculadas al comercio. En la escena artística norteamericana de los primero años ocehenta se dieron diversas tendencia con un denominador común: superar los limites impuestos por la austerida teórica de los últimos episodios de la modernidad (minimalismo y arte conceptual) y propiciar un retorno a la pintura y, más especificamente, a la imagen y su potencial narrativo. En Nueva York ocurrió una situacion plural, empezaron a perfilarse como dominantes dos tendencias de planteamientos diversos y en ocasiones antagónicos que no obstante compartían el gusto por la imagen que la iconoclasta de las vanguardias de origen conceptual había proscrito: las apropiacionista, supeditada a la teoría de la imagen y al universo de los media(medios de comunicación) y representada por artistas como Robert Longo, Sherrie Levine y Cindy Sherman, y la neoexpresionista, paralela a los nuevos expresionistas alemnaes y a los transvanguardistas italianos. Corrio paralelo a otra tendencia cercana a la sensibilidad y al espíritu de época que desde Europa reclamaba un retorno a la pintura a través de maneras expresionistas subjetivas y emocionales.


Esta última tendencia, que tuvo sus principales intérpretes en Julian Schnabel y David Salle, buscaba en los territorios creativos del pasado (tradición e historia) las fuentes de una pintura exuberante y prolija, mezcla de figuaración y abstracción imbuida de fisicidad, sensualidad, autocomplacencia y exhibicionismo existencial. La tendencia apropiacionista en Nueva York a finales de los 70 por los artistas que exponian en el Artists Space y en las galería Metro Pictures y Nature Morte, puede considerarse el inicio de la posmodernidad teórico-citacionista. El neoexpresionismo se fue imponiendo al apropiacionismo en parte gracias a la pujanza económica que elevó a altas cotas el precio del arte y, especialmente, de la pintura, y en parte gracias al apoyo de galeristas y coleccionistas. La crtítica si embargo, no fue unánime en su valoración, siendo habitual la denuncia de la falta de base teórica del discurso neoexpresionista, circunstancia que se explica también el escaso eco que tuvo esta tendencia en los artístas mas jovenes. La pintura neoxpresionista quedaba reducida a un producto de consumo y, como tal, a un echo creativamente descualificado y vulgar. Los neoexpresionistas alemanes y trasvanguardistas italianos gozaron de apoyo institucional, en Estados Unidos, las instituciones museísticas actuaron con estrategias muy diversas en relación al neoexpresionismo, aunque la mayoria de ellas dieron la razón a aquellos que lo consideraban un producto importado y desarraigado de los verdaderos problemas de arte norteamericano. Los museos que se interesaron por el neoexpresionismo no lo hicieron planteando exposiciones temáticas o de época, sino a través de muestras individuales que desde el halago y la adulación confirmaban la consideración del artista autor. La expansión del arte del graffiti y, en cierta manera; el echo de dejar de ser exclusivamente una manifestación marginal se produjo a raíz de que una serie de artistas desvinculados en principio del

sistema mainstream, es decir, de la cadena comisario/galeria/crítico, exhibiendo sus obras en la exposición Times Square Show (1980) antiguo edificio en la Septima Avenida. Organizado por el colectivo Colab (Collaborative Porjects Inc.) que desde finales de los años setenta pretendía crear una alternativa a la << academia minimalista>> de los muros blancos y limpios de las galerías del Soho, se mezclaron de forma indiscriminada y anónima (sin nombre de autores, ni rotulos con nombres de las obras) artistas profesionales y graffitistas desconocidos que en una pared situada delante del edificio crearon un gran mural con tags utilizados a modo de signos territoriales que pertenecia a distintas calles y barrios de la ciudad. Times Square Show amalgamó diferentes medios: pintura, escultura, filmes, videos, performances, a mendio camino entre la sensibilidad pop y la fluxus; apareció como algo en estado bruto irreverente, rebelde, ejempo de mal gusto y carente de cualquier atisbo de artisticidad. Sin embargo a partir de esta exposición los artistas del graffiti fueron objeto de un progresivo reconocimiento e integración en el sistema del arte. En Europa, la presencia del arte del graffiti fue raltivamente temprana, y alcazó gran difusión entre las “tribus urbanas”, aunque con escaso eco institucional. Las artes en Estados Unidos han crecido velozmente, especialmente durante los últimos 30 años. Una tendencia importante ha sido el crecimiento de las universidades en su papel de centros para la creación y la representación artísticas. Con objeto de satisfacer la creciente demanda de adiestramiento que requieren los estudiantes, éstas han incluido en su personal compositores, músicos, pintores y otros artistas. Además, las universidades han desplegado actividades culturales fuera de sus centros acostumbrados, como Nueva York y Chicago hacia otras ciudades y regiones por todo el país.


Keith Allen Haring 4 de mayo de 1958 - 16 de febrero de 1990

Nace el 4 de Mayo de 1958, en Reading ( Pennsylvania), fue criado en una granja comunitaria de origen alemán. Era el mayor de tres hemanas. Siempre creyò que era un niño de aspecto gracioso y tal vez por eso, todo el mundo comprende a su persona y a su obra . Sus imágenes se instalan a medio camino entre la ingenuidad infantil y la crueldad más dura. Keith Haring uno de los principales exponentes de la cultura demótica. Este artista consigue fusionar la moda, la música y el arte por medio de los graffitis. Aunque esta práctica fue y es muy cuestionada en la actualidad por ser considerada un acto vandálico, se trata del mayor exponente de la moda urbana. Se lo conoce y se lo critica en el ámbito callejero pero pocas veces se tiene en cuenta cuáles son los conceptos y sentimientos expresados por medio de esta manifestación artística . Keith afirmó: “he encontrado que podia hacer cualquier tipo de sonrisa infantil. Es probalbe que por tener una cara


graciosa en primer lugar , por aparentar ser y actuar como un niño. Y asímismo los niños pueden relacionarse con mis dibujos dada la simplicidad de las lineas”. Sus primeros garabatos eran inspirados en los dibujos animados que veía en televisión. Sus profesores quedaron impresionados por la imaginación y la capacidad de trazos de este, reflejando una obsesión con el dibujo y un talento innato. Ya en el instituto tenia claro que quería ser artista y aunque admiraba los personajes tanto de Disney , Charlie Brown entre otros, así empezó a investigar el dibujo abstracto. Fue en un viaje a Washington, en el que visitó el Hirshhorn Museum y vio un grupo de Marilyn Monroes pintadas por Andy Warhol, cuando quedo impresionado e impactado por la potencia de esas imágenes aún siendo planas y bebió de este estilo bastante tiempo. Acabo la secundaria y en 1976 se mudó a Pittsburg, ingreso en la escuela de Arte “ Ivi School of Art” donde empezó a hacer serigrafías para utilizarlas en camisetas, estudió allí 2 semestres y se cambio a la “The Pittsburgh Center for the Arts” aqui realizó su primera exposición en solitario, Keith amaba la línea , cualquier cosa que realizaba presentaba esta trama; trabajaba intincadamente la forma que sus modelos llevarían a través y alrededor. En su lanzamiento fue simplemente etraordinario y muy elogiando por su imaginación. Cuando tenia 20 años en 1978 decidió viajar a Nueva York y se inscribió en la School of Visual Arts. Parte del reconocimiento del arte del graffiti en los años ochenta y en los noventa ha sido fruto, en buena medida, de la activida de Keith Haring, que se formo junto a Josep Kosuth en su etapa de profesor en la School for Visual Arts de Nueva York . En la escuela de Artes Visuales era muy activo, tomaba clases básicas de dibujo, pintura, escultura, arte e historia, lo que le dio gran reconocimiento por parte de sus profesores por ser extrañamente dedicado. Más tarde, realizo cursos de video arte, semiótica y arte de performances. Keith estuvo influenciado por Keith Sonnier y Joseph Kosuth, los cuales le animaron a convertirse en un artista conceptual.


ciado a la clase baja negra, Haring era blanco, de clase media y había ido a la universidad, eso llamó mucho más la atención.

Su energía y lucha por su independencia fue tambien un elemento de suma importancia para el descubrimento de su sexualidad, aceptando el echo de ser gay , y con ello vino su liberación interior. Vivió en Greenwich Village, en su propio apartameto y asistía a los cursos .Conoció a Kenny Scharf y Jean Michel-Basquiat que también soñaban con ser artistas. Fue en el verano de 1979 en el que realizo su primer performance que llevaba el nombre de “Poetry-WordThings”. En 1980 comenzó a dibujar sus propios graffitis en las calles, buscó desde el principio hacer un arte directo y popular, marcando su particular estilo y firma, empezó a aficionarse con los graffitis y el rotulador, llegó a pintar en las calles coloridos murales. De “accion conceptual” y de “arte público” hay que calificar los primeros dibujos (pictografias), realizadas por K. Haring con tiza blanca sobre unos paneles de pizarra negros que etaban reservados en las estaciones del ferrocarril metropolitano de Nueva York, para publicidad en el metro, realizo dibujos donde combinaba personajes de Mickey Mouse y de los Smurfs con otros inventados por él donde confrontaba símbolos sexuales y políticos; aunque debido a ello fue arrestado varias veces por “dañar” la propiedad pública, se fue haciendo cada vez más célebre. Era una época en que el graffiti estaba aso-

Dicen que fue un virtuoso de la comunicación. Un superdotado capaz de entender los pensamientos ocultos, los deseos inexpresados, los miedos de una sociedad y una época (la sociedad americana de los años setenta-ochenta) y hacérselos reconocibles y aceptables a sus conciudadanos. Lo más parecido a su logo fue un animal que fue evolucionando en forma de perro. Luego también en una especie de bebe que gateaba, los dibujos eran particularmente sencillos- pirámides, platillos volantes, figuras humanas, firguras aladas, conjuntos de televisiones, animales y niños. Rápidamente el niño con rayas se convirtió en su “firma” y la gente de Nueva York que viajaba en metro, eran una serie de pictogrmas , signos que se familiarizaron contodos, comenzó a reconocer esos dibujos, aunque no tenia idea de quien los hacia. A Keith le agradaba la idea de realizar cosas que duraran más de lo pensado y estar en un lugar donde cualqueir persona fuera capaz de verla por mucho tiempo. Keith decia “ los grafitis son las más hermosas cosas que nunca he visto, los chicos que los hacian eran muy jóvenes y de la calle, pero tenían un dominio tan increibles del dibujo que me enloqueció totalmente. Quiero decir que la técnica de dibujar con una pistola de pintua o un spray era asombrosa porque es muy dificil de realizar. Y la fluidez de las lineas, las proporciones, las lineas negras de los contornos que unían los dibujos. Eran lineas que siempre me habían obsesionado desde la infancia. “ “Cada dos semanas añando nuevos elementos a los dibujos”. explicaba el artista. A menudo hacia trece o catorce dibujos en un día. Encontrando una forma de participar con los artistas del graffitti , sin copiarles, dado que no podía pintar en los trenes. Sus dibujos sobre el papel negro de los paneles lo hacía más vulnerable a ser cazado por los policias añadiendo un elemento de peligro. Comenzo a emplear más y más tiempo en el subterráneo ; siguiendo una ruta que le permitía ir de estación en estación precisamente para hacer esos dibujos.


Para diviertirse, Keith y sus amigos iban muchas noches al Paradise Garage o en el Club 57 un antro donde Keith ralizó acciones de performance que enlazaba el recitado de poemas, el visionado de vidocreaciones hechos por él. Con trabajos así, y de camarero se financio a sí mismo. Al poco tiempo, empezó a vender más sus obras fuera de su estudio. En un principio se negaba a exponer en las galerías. “sentia que la situación de las galerías resultaba increiblemente cerrada, confinada” - manifestó. Pero ahora la nececesidad de una galería era esencial. A los 20 años, Haring refrescó la escena underground, fue apadrinado por Andy Warhol y se codeó con otros artistas pop, como Jean-Miquel Basquiat y Robert Rauschenberg. Desarrolló una iconografía propia, mezclando música, moda y caricaturas: hoy sus bebés radiantes, figuras danzantes y eróticas, perros y ovnis son aún famosos. Sus imágenes son atemporales, provocativas y misteriosas, logró hacer una obra que permanece, pero que fue efímera. Intentado combinar en su obra el arte, la música y la moda, Keith rompe las barreras entre todos estos campos. La iconografía includia una mezcla de elementos sexuales con platillos volantes, personas y perros, animales y figuras danzantes, se añadieron figuras corriendo, bebes gateando, pirámides, televisores y algunas referencias de energia nuclear. Keith trata temas como el poder y el miedo a la tecnología que le sugiere angustia e inquietud moral. Haring utilizaba soportes variados y accesibles para sus obras pictóricas (papel, fibra de vidrio, lienzo, pieza de acero esmaltados, camisetas, vasos y vaciado en escayola - replicas de obras famosas-). Sus fuentes son el arte esquimal, africano, maya y de los aborigenes, el estilo de caligrafía china o los all- overs de, Alechinsky, Andy Warhol y Mark Tobey, con estas fuentes e inspiraciones desarrollo su estilo semiabstracto tan característico. Era gran fiel de las lineas gruesas en negros, que formaban figuras esquemáticas con una carga muy llamativa. Su estilo recordaba notablemete a la generación pop. Era minimalista en el sentido de que las cosas la solía plantear de la manera mas simple posible.


Como el mencionado Warhol, Haring se acogió a mezclar la moda, el arte y la música, el rompía las barreras entre estas vertienes y así conseguia darle a sus obras mayor extensión, esto era importante para comprender su éxito comercial en todo el mundo, en varios géneros como murales, esculturas, poster y pintura corporal. Se asocio profesionalmente con la Galería Tony Shafrazi en el Soho. La premera exposición de Keith se hizo en octubre de 1982 y tuvo un fantástico éxito. Cuidadosamente organizada por el artista y su galerista, unas 4000 personas vieron esa exposición. Las obras expuestas reflejaban, desde los grupos callejeros de breakdance, la música rap, los graffitis, libertad de elección y los intercambios sexuales entre etnias, eran reflejo de su personalidad y la libertad sexual de esa época; el nacimiento y la muerte, el amor y el sexo, son los temas recurrentes. Los críticos denominaron la exposición como “excitante” en sus creatividad y energía, y en el nombre de Keith Haring pasó a ser parte de la vanguardia artística de la ciudad. En ese mismo año, a mediados de los ochenta, sus grandes esculturas de acero pintado estuvieron expuestas en la galería Leo Castelli. Los padres de Keith estaban orgullosos de su hijo, como diria su madre :

“ Nunca supe que es lo que Keith estaba hacindo en Nueva York, pero estaba segura de que haría algo grande. Cuando habia pasado dos o tres años en la ciudad, regreso a visitarme. Entonces rebuscó en sus bolsillos y sacó unos billetes de cien dólares. Cuando le pregunte qué era aquello, respondió: He vendido algunas cositas y esto es para devolverte parte de todo lo que me has dado en los años pasados” Despué de éxito expuso en diversas partes del mundo, la gente apreciaba un estilo que combina lo sencillo y lo completo, que combinaban el color y el dibujo para unas imágenes variadas dinámicas con una gran originalidad. En menos de una década, el artista había convertido sus murales callejeros en Manhattan en piezas de arte apreciadas en todo el mundo: en 1986 fue invitado a pintar un pedazo del Muro de Berlín 3 años antes de su caída y en 1988, decoró el exterior de la iglesia San Antonio en Pisa, Italia. Sin embargo, su vida se volvió una bomba de tiempo, cuando supo que tenía SIDA. Era un estilo que sugería misteriosamente las tradiciones de África, Asia, Australia, Ocenía y América. Keith miraba el mundo desde la perspectiva del oprimido, y a través de su arte transmitía sentimientos.


La energía y la creatividad de altura Keith, también formó parte de las exposiciones internacionales, para el Times Square, los teatros y escenarios de clubes, relojes para Swatch y la Campaña para Absolut Vodka, así como la creación de murales internacionales . Expuso su trabajo alrededor del mundo, los Países Bajos, Italia, Bélgica, Inglaterra y Japón. Las personas respondieron a su estilo, a colores, imágenes y patrones formados de manera variada y original. El artista presto sus dibujos a causas sociales creando obras para promover - por ejemplo- campañas de alfabetizacion de la UNICEF, contra el apartheld en Sudáfrica, el uso de drogas y un apoyo muy especial contra los daños del SIDA, creando trabajos artísticos avisando a los jóvenes sobre la necesidad de tener sexo seguro. Ya reconocio, Keith comenzó a ampliar su horizonte creativo pintando grandes murales alrededor del mundo y diseñando esculturas al aire libre que semajaban ser grandes juguetes infantiles de colores brillantes. Le otorgaron con dos titulos de prestigio a sus 27 años y fue invitado a hacer una exposición de toda su obra entre 1980-1985 en el Museo de Arte Contemporáneo de Burdeos. A pesar de su reconocido éxito Keith seguía manifestándose contra la causa que creía deber apoyar, e incluso fue arrestado durante una de estas manifestaciones, Keith no vivía en el aburrimeinto, le encantaban las fiestas y rodearse de gente hermosa y con talento. Una de sus fans fue Madona, a quien Keith conoció por haber comenzado juntos en el East Village. “Éra-

mos como dos pájaros raros en el mismo ambiente”, dio la cantante. Trabajado con varios artistas: Madonna, Grace Jones, Bill T. Jones, William Burroughs, Timothy Leary, Jenny Holzer, Yoko Ono y Andy Warhol entre otros. Otro amigo fue el artista Roy Lichtenstein, que manisfesto sobre su obra: “Cando Keith finaliza una pieza, no hay nada que se pueda pensar en cambiar, incluso si hacia algo de repente o improvisado todo resultaba perfeco. Todo es bello” Haring eligió el grabado antes que el óleo para difundir mejor su obra, y cuando los precios de éstos se dispararon, en 1986, abrió Pop Shop en el Soho, una tienda donde comercializó arte en tazones, camisetas, postales, gorras, botones y otros productos diseñados por él, quería que fuera un lugar donde no sólo los colecionistas pudierán comer, sino que tambien los niños de todos lugares.Además de su labor artística, Haring también fungió como un activista social, por lo cual creó la Fundación Keith Haring, cuyo objetivo es difundir su obra y al mismo tiempo, ayudar a los niños desposeídos o afectados por el SIDA, así como combatir problemas sociales. ”El verdadero artista sólo es el vehículo de todo lo que pasa a través de él”, escribió. Y a través de Keith Haring pasaba un verdadero río. Ya antes de que muriera, los críticos y los profesores se esforzaban por encontrar las claves de un éxito que iba más allá de la calle y más allá de los museos. Los más humildes usuarios del metro neoyorquino, y aquellos otros que jamás pisaron semejante cloaca, se sentían destinatarios del mensaje del artista. En todos ellos pensaba Keith cuando, como un proceso, pintaba durante días, sin descanso, uno de aquellos inmensos murales alucinantes.


En 1985, la marca Swatch usó sus diseños para sus relojes. Hoy, sus obras se reparten por museos como el MoMa de Nueva York, el Centro Pompidou en París y el Stedelijk en Amsterdam. Keith alcanzaba la fama mas alta y el reconocimeinto en el mundo del arte perdió a numerosos amigos por el SIDA. Fue a finales de 1988, descubrió un punto púrpura en su pierna, una señal de SIDA llamado sarcoma de Kaposi. Su médico confirmó quien también había sido tocado por el VIH. El pincipio de esto no afectó a sus hábitos de trabajo y sus planes de viajes.Pero a medida que la enfermedad avanzaba, fue delimitándose cada vez mas, hasta que le fue imposible sujetar un lápiz siquiera. La enfermedad teminó con la vida de Keith Haring falleció el 16 de febrero de 1990, a la edad de 31 años. Cuando el SIDA acabó con su vida era ya famoso. Al morir coleccionistas atesoraron sus obras, sus murales, cacharros pintados, muñecos de cartón, máscaras, esculturas de yeso pintado, fotografías, pintadas robadas de los paneles del metro donde este artista generoso dejó durante años una muestra de violencia, sexo y amor.


The barking dog Lleva hasta el estallido ciertos conceptos y términos que rigen el pensar de Occidente y la vida de los hombres. Realiza una fisura u horada la plasticidad de su época llevando la representación del graffiti a galerias trascendiendo los limites impuestos por la sociedad.

Lucky Strike Lucky Strike es una reconocida marca de cigarrillos propiedad de British American Tobacco. Haring estetifica la realidad de su época y la reinterpreta como el consumismo, “la actitud del espirtú libre es la labor destructiva”. Serigrafía simbolista, sentimiento nacionalista u ordinario, recupera las imágenes del recuerdo probablemente para una denuncia o fenomeno social. O tal vez muestre al hombre como sujeto cerrado en si mismo frente a un mundo considerado como objeto.

Free South Africa Una composición con matices de multiplicidad al ser la conjugación del trabajo, conexiones, circunstancias y contexto de K.Haring. Con la ruptura por su enfermedad (SIDA) muestra un resurgimiento en su obra mostrando en ella lucha por los derechos sociales y contra de esta; siendo su obra la evidencia de una corta pero productiva vida, que representa su propio drama. Keith al final de sus días determina y refleja en su obra, tejidos y tramas que conducen a esta abstracción en un plano de consistencia donde confluyen sus interéses, vivencias y aportaciones. Haciendo prolífica y permanente su obra .


Conclusión Creo que el arte debe formar parte necesariamente de nuestro entorno, de nuestra sociedad. El arte es una idea, una forma de vivir, de ver y de ser, una actitud hacia la vida, es el respeto y la comprensión del orden Keith Haring fue una de las grandes estrellas del arte internacional de la década de los años 80 del siglo XX. Su arte y su vida son sendos paradigmas de una época contradictoria. Supo moverse entre el glamour de las estrellas de la música y los ambientes callejeros. Vivió y triunfó rápidamente y falleció en plena juventud víctima del SIDA, se involucró con la cultura y sus protagonistas, buscando llevar su arte a un mundo globalizado, sin dejar de lado sus propósitos sociales reconocidos mundialmente. Al investigar a este artista pude entender su forma de expresar sus críticas, de forma poco convencional, arriesgándose y enfrentándose a la leyes por el hecho de que el graffiti es un acto ilegal. No solo logré comprender el porqué de sus líneas sino los conceptos básicos que manejaba, tales como que el arte no tiene que ser algo complejo e indescifrable, pero que sí tiene que tener un significado, un pensamiento o un sentimiento trascendiendo los limites dispuestos por la sociedad.

Fuentes Guasch, Anna María. El arte último del Siglo XX. Del posminimalisamo a lo multicultural. Editorial Alianza, Madrid 2000. Celant, Germano y Blinderman, Barry . Keith Haring . Ed, Prestel.Munich, 1992 Gruen, John. Keith Haring : the authorized biography. Ed. Thames and Hudson. London, 1991 Revista Arte al limite: arte global. No.59 http://keithharingfoundationarchives.wordpress. com/pop-culture http://www.haringkids.com http://www.artchive.com/artchive/H/haring.html http://www.haring.com http://www.pop-shop.com hhtp:// www. islaternura.com hhtp:// www. picassomio.es hhtp:// www. biografiasy vidas.com hhtp:// arte y cultura.tv http://fido.palermo.edu/servicios_dyc/publicacionesdc/archivos/272_libr http://es.scribd.com/doc/44917891/Keith-Haring



Keith Haring