TOMA 2 >> Noviembre de 2008
QUANTUM OF SOLACE
ISSN 2027-0496
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r a c s a g a d Ma
La otra reina
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El novio de mi madre
Vecinos en la mira
REC
Duelo de asesinos
Escape de África
En cartel clásicos Bandas sonoras en el cine Buda explotó por vergüenza
Space chimps Hermanastros COLOMBIA
$ 2.000
Especial
PVC1
Carrera mortal Detrás de cámaras
CONTENIDO CONTENIDO
6 Editorial
¡Enhorabuena por el cine alternativo!
8 EN CARTELERA 8 QUANTUM OF SOLACE 007 11 El novio de mi madre 12 BUDA explotó por vergüenza 15 Coversaciones con mi jardinero 16 Hermanastros 18 REC 19 Duelo de asesinos 20 La otra reina 22 La Carrera Mortal 24 Como la Vida Misma 26 Space Chimps 28 Madagascar 2 escape de África 32 Vecinos en la mira
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38 De interés
38 Semana del cine colombiano 40 bandas sonoras
Toma 2 // Noviembre de 2008
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3ES4PEMCIAALK: IPNVCG1 OFF
42 Detrás de cámaras
bre ulos... !Todo so íc h ve , s o ri a n e c Es l! carrera morta la filmación de
TOMA 2//Madagascar 2 escape de África Noviembre de 2008
ENTRETIEMPO LTDA.
Consejo Editorial Pía Barragán Ingrid Cadavid Juliana Cepeda Mauricio Chiappe Juan Pablo Mugno Marcela Nieto Juan Carlos Osorio Andrés Páez
45 Clásicos 46 Cortos
The Kid. El Niño - Nanook El Esquimal - La Edad de Oro
Directora Claudia Liliana Ospina Másmela opinioncinefilos@gmail.com
Director Gráfico Julio César Sandoval Bernal Directora Comercial Sandra Ivonne Malavet Lugo
48 Eventos
publicidadcinefilos@gmail.com
Fotos Cortesía www.image.net Sony Columbia
Lanzamiento de la Revista Cinéfilos
Agradecimientos Especiales Hotel 101 Park House Carrera 21 No. 101 -10 Colaborador Luis Fernando Algarra García Información nacional Tel. 404 24 63
Línea gratuita 019003317777 Información nacional
Movieplex Chia Tel 8850273 Cinema Paraiso Tel. 2133756
IMPRESIÓN D´Vinni S.A.
EDITORIAL EDITORIAL
¡Enhorabuena
por el cine alternativo!
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in la espectacularidad de los efectos especiales, con presupuestos totales que en la mayoría de casos son tan pequeños que no equivalen ni a los honorarios de uno solo de los protagonistas de una producción de Hollywood; pero con historias de excelente calidad, bien contadas y bien actuadas, el cine alternativo empieza a ganar tanto espacio en Colombia que incluso algunas empresas exhibidoras, tradicionalmente de producciones comerciales, han decidido destinarle salas exclusivas. En hora buena por los productores y, más aún, por los CINÉFILOS, pues ahora tendremos mayor oportunidad de acceder a este tipo de películas, que hasta hace poco eran subvaloradas en el mercado pero que hoy en día toman fuerza por sus propios méritos; traducidos en premios otorgados en festivales internacionales. Para no ir muy lejos, en esta edición presentamos dos películas alternativas o independientes que han logrado tal cantidad de premios, que cualquiera de las costosas producciones comerciales envidiaría. La primera de ellas es la producción colombiana PVC1, basada en un terrible hecho ocurrido en Colombia, la cual tiene en su haber 10 premios internacionales, y está a la espera de otros, pues aún no se han realizado todos los festivales en los que participa. La segunda es una cinta iraní, producida por una joven de 20 años que podría calificarse como niña genio, pues a los nueve años ya competía con cortometrajes en festivales y, ahora, con el título Buda Explotó Por Vergüenza nos trae una magnífica historia, que ha sido ganadora de 15 premios en varios países. Sin embargo, como lo hemos señalado anteriormente, cada espectador debe ver las películas que cumplan con sus expectativas de entretenimiento, por lo que si bien les sugerimos prestar más atención a estas películas, también les comentamos que la propuesta del cine comercial es amplia, variada y, por supuesto, espectacular. Hay para todas las edades y todas las preferencias, de manera que sólo basta con consultar CINÉFILOS para decidir lo que queremos ver. Buenas noticias Queremos compartir con nuestros lectores que el lanzamiento de Revista CINÉFILOS fue todo un éxito y, otra buena nueva, muy importante para quienes nos han escrito desde ciudades diferentes a Bogotá: a partir de esta edición circulamos en todo el país. De esta manera los CINÉFILOS de Colombia nos pueden encontrar, además de las salas de Cine Colombia, Procinal, Cinema Paraíso y Babilla Cine Moviplex, en almacenes, librerías y droguerías de cadena, en las principales ciudades. También les contamos que ya empiezan los concursos: nuestros lectores tendrán la oportunidad de concursar por kits promocionales y muñecos de la película Hellboy. Las instrucciones las encuentran en esta edición. Reitero la invitación: ¡disfruten del buen cine!, el que cumple con sus gustos y expectativas. Claudia Liliana Ospina M. Directora.
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CARTELERA EN CARTELERA
Director: Marc Forster. Guión: Paul Haggis, Robert Wade, Neal Purvis. Producción: Barbara Broccoli, Michael G. Wilson.Protagonistas: Daniel Craig, Mathieu Amalric, Olga Kurylenko, Gemma Arterton, Anatole Taubman, Joaquin Cosio, Jeffrey Wright, Judi Dench, Giancarlo, Giannini, Tim Pigott-Smith.
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a adrenalina vuelve a apoderarse de los seguidores de agente 007 en Quantum Of Solace, la continuación de las aventuras de James Bond (Daniel Craig) en Casino Royale. Traicionado por Vesper, la mujer que ama, el agente 007 lucha contra la tentación de convertir su más reciente misión en un asunto personal. Decididos a dar con la verdad a toda costa, Bond y M descubren que la organización que chantajeó a Vesper es mucho más compleja y peligrosa de lo que podrían imaginar. Los servicios extranjeros de inteligencia vinculan a un traidor con una cuenta bancaria en Haití, en donde un caso de identidad falsa propicia el encuentro entre Bond y la hermosa Camille, una mujer que tiene sus propios planes de venganza. Camille conduce James Bond directamente a Dominica Greene, un empresario despiadado y una de las figuras más poderosas al interior de la misteriosa organización. En una misión que lo lleva a Austria, Italia y Sudamérica, Bond descubre que Greene, quien conspira a fin de apoderarse totalmente de uno de los recursos naturales más importantes del planeta, se encuentra cerrando un trato con un exiliado, el General Medrano.
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CARTELERA EN CARTELERA
El agente 007 se adelanta a la CIA, a sus propios aliados y a un grupo terrorista para desenmarañar un siniestro plan, que entre otras cosas busca derrocar al gobierno de un país latinoamericano. Esta misiòn lleva a James Bond por Austria, Italia y Suramérica.
Zoom Marc Forster, director de esta cinta, de nacionalidad alemana y criado en Suiza debutó en 2000 con la cinta de horror psicológico Everything Put Together, de la cual es coautor. Forster dio seguimiento a este logro con una serie de aclamadas y taquilleras producciones, entre ellas, y de manera muy reciente, The Kite Runner, basada en el best-seller de Khaled Hosseini. La impresionante filmografía de Forster incluye Monster Ball (2001), que recibió dos nominaciones al Óscar y por la que Halle Berry salió invicta en la categoría de Mejor Actriz, y Finding Neverland (2004); protagonizada por Johnny Depp y Kete Winslet, que recibió siete nominaciones por parte de los Academy Awards, cinco nominaciones Golden Globe y once nominaciones BAFTA, incluyendo en cada ocasión la categoría de Mejor Película. Forster fue nominado en la categoría de Mejor Director por sus pares del Directors Guild of America. Olga Kurylenko, actriz que interpreta a Camille, ha participado en cintas tan reconocidas como Paris Je T’aime, Le Serpent, y Hitman, entre otras. Quantum of Solace es la aventura número 22 del agente James Bond llevada al cine. Los productores de esta cinta: Michael Wilson y su medio hermana Barbara Broccoli cumplieron la misma labor en las exitosas Golden Eye, Tomorrow Never Dies, The World Is Not Enough, Die Another Day y Casino Royale. Michael Wilson, ingeniero electrónico, abogado especialista en derecho internacional, fotógrafo y coproductor de esta película fue investido con la Orden del Imperio Británico y se encuentra en la Lista de Honores 2008 de su Majestad la Reina de Inglaterra.
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La nueva misión del agente 007 en esta película representa para Daniel Craig, el protagonista, todo un reto: superar el éxito de Casino Royal, la cinta más taquillera en la historia de la saga de James Bond. Daniel Craig nació en Chester y vivió en Liverpool hasta los 17 años, cuando se unió al National Youth Theatre de Londres, tras lo cual continuó su entrenamiento en el London Guidhall School of Music and Drama, de donde se graduó en 1991.
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Utilizando a sus socios en la organización y manipulando sus considerables contactos dentro de la CIA y el gobierno británico, Greene promete derrocar el actual régimen de un país latinoamericano; por lo que ofrece al General el control de esa nación a cambio de un yermo aparentemente inútil. En medio de una ciénaga de traición, homicidio y fraude, Bond se alía con viejas amistades para descubrir la verdad. Conforme se va aproximando al responsable de la traición de Vesper, el agente 007 debe adelantarse a la CIA, los terroristas y a la misma M, para desenmarañar el siniestro plan de Greene y acabar con su organización.
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En 1992 Craig debutó en el drama sudafricano The Power Of One, cuyo tema central es el boxeo. Comenzó a llamar la atención de la crítica y de los directores tras su aparición en la encomiada serie de televisión Our Friends in the North, transmitida en 1996. George Dyer el novio proletario del pintor Francis Bacon, fue interpretado por Daniel Craig en 1998 en la cinta Love Is The Devil, basada en la biografía de John Maybury. En 2002, Craig participó como figura principal en The Road To Perdition. Gracias a esta cinta, dirigida por Sam Mendes, el actor fue depositario de innumerables elogios por parte de la crítica. Un año más tarde protagonizó THE MOTHER, un poderoso drama dirigido por Roger Michell en el que interpretó a un joven implicado en una relación amorosa con una mujer de sesenta años.
Dirección y guión: Amy Heckerling. Protagonistas: Michelle Pfeiffer, Paul Rudd, Saoirse Ronan, Tracey Ullman. Jon Lovitz, Fred Willard, Stacey Dash, Sarah Alexander, Rory Copus.
El novio de mi madre Tras una ausencia de cinco años en las pantallas Michelle Pfeiffer reaparece en una comedia romántica en la que las relaciones conyugales, las laborales, y los vínculos afectivos entre madre e hija se confunden y confunden a su personaje: la productora de un programa de televisión que cree que un amor joven no es para ella.
Zoom
Esta comedia hace sátira a la cirugía plástica, al miedo a envejecer y la oda a la juventud. El nombre original de ésta producción es I Could Never Be Your Woman. Michelle Pfeiffer, quien en realidad tiene 49 años, representa en esta comedia a una mujer de 40. Paul Rudd, el joven enamorado de la productora de televisión es el actor que representó al novio de Phoebe en Friends. Michelle Pfeiffer ha sido la única actriz que ha aparecido en seis oportunidades en la lista de las más bellas de la revista People, así que, luego de saturarse con tantos cumplidos, la actriz afirmó: “Me gustaría ser irreconocible”. En repetidas ocasiones Pfeiffer ha dicho a la prensa que nunca ha considerado realizarse una cirugía estética y que su anhelo es tener “coraje suficiente para enfrentar la edad”.
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osie es una madre divorciada de 40 años que vive en Los Angeles. Su vida no transcurre exactamente como había planeado, pues el programa de televisión que ella produce: Adelante Chica, atraviesa serios problemas. Su jefe, un sexista incrédulo en el éxito de este tipo de programas, quiere remplazarlo por un reality, y su ayudante Jeannie, está dispuesta a sabotearla. En su vida privada las cosas no van mucho mejor, pues su ex marido va a tener un bebé con una mujer más joven, y su hija Izzie, ya adolescente deja las muñecas para dedicarle su tiempo a un muchacho llamado Dylan. Es entonces cuando el joven actor Adam Perl aparece en la sala de casting de su programa y Rosie queda prendada de él. El problema es que en el mundo en el que ella se desenvuelve las mujeres mayores no suelen salir con hombres más jóvenes porque… simplemente las cosas no funcionan así. Rosie lucha contra sus sentimientos, pero Adam le da la vuelta a la torta y, entre risas, consigue llevársela a la cama. Incluso a Izzie le cae bien. Convencida de que la relación está condenada al fracaso debido a la diferencia de edades, agobiada al pensar que Adam la haya utilizado para lanzar su carrera, y segura de que está jugando con ella, rompe con él. Sin embargo, Adam tiene otros planes…
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BUDA
explotó por vergüenza Esta cinta Iraní es la opera prima de una joven cineasta que con apenas 20 años ha recibido más de 15 premios internacionales. Aquí los escenarios naturales también son protagonistas de una historia sencilla y reveladora.
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Directora: Hana Makhmalbaf Guión: Marziyeh Meshkini Producción: Maysam Makhmalbaf Protagonistas: Nikbakht Noruz (Baktay), Abbas Alijome (Abbas), Abdolali Hoseinali (niño talibán).
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n el lugar donde estuvo la estatua de Buda, destruida por los talibanes, aún viven miles de familias. Baktay, una niña afgana de seis años, ve diariamente cómo su vecino Abbas recita diariamente el alfabeto. Ella decide entonces ir a la escuela para aprender a leer y que le cuenten historias divertidas. Para ello necesita un cuaderno y un lápiz, sin embargo la pobreza que aqueja a su familia y a su entorno hace que conseguirlos sea toda una aventura que, a su corta edad, la obliga a hacer todo lo posible para lograr su sueño. Camino a la escuela Baktay es acosada por unos niños que juegan de forma cruel reflejando la sociedad violenta que los envuelve. Los niños pretenden lapidarla, destruirla como el Buda, o dispararle como hicieron los americanos en el laberinto de cuevas.
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Algunos de los 15 premios obtenidos por esta cinta son: la Concha de Oro del Festival de San Sebastián 2007, el Premio de Paz y el Oso de Cristal del Festival de Berlín 2008, Premio Paolo Ungari del Festival Internacional de Cine de Unicef 2007. Hana Mahkmalbaf, la directora de Buda Explotó por Vergüenza, nació en Teherán en 1988 en una familia de cineastas. Su padre Mohsen Makhmalbaf es conocido, entre otras, por la cinta Kandahar. El primer cortometraje de Hana Mahkmalbaf: The Day My Aunt Was Ill, lo presentó en el Festival de Locarno de 1997, cuando sólo tenía sólo 9 años. Marziyeh Meshkini, guionista de la película y madre de la directora, es reconocida en la industria cinematográfica por la película Perros Callejeros. La historia que transcurre en un día en la película fue rodada a lo largo de tres estaciones diferentes: primavera, verano y otoño. Los hermanos de Hana Makhmalbaf son Samira Makhmalbaf, productora de A Las Cinco De La Tarde, y El Tablero; y el escritor y fotógrafo Maysam Makhmabaf, ampliamente reconocidos por su trabajo en Irán. A los 14 años, Hana realizó el documental Joy of Madness (La Alegría De La Locura), basado en el rodaje de la película de su hermana: A Las Cinco de la Tarde. A los 15 años publicó su primer libro de poesía, Visa For One Moment. Buda Explotó por Vergüenza es su primer largometraje. El diario El País, de España, se refirió a esta película como “conmovedora (...) Le basta con una cámara, escenarios naturales, niños que desprenden autenticidad y tener claro lo que quiere describir para lograr un documento terrible, tierno y necesario”. Otro diario español, el ABC, afirmó en su contenido editorial que “es la película más ingenua, deliciosa, pura, penetrante, alegórica, inteligente, sencilla y a la vez enrevesada que habrán visto en mucho tiempo”. En México el periódico La Jornada reseñó esta producción, de la que dijo “con Baktay como protagonista Makhmalbaf hace un retrato de lo que significa la frase “niños de la guerra”, una sociedad en la que los pequeños juegan a la guerra y reproducen la violencia que han visto”.
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Director: Jean Becker Guión: Jean Cosmos, Jacques Monnet, Jean BeckerProtagonistas: Daniel Auteuil, Jean Pierre Darroussin, Fanny Cottençon, Alexia Barlier, Hiam Abbass, Élodie Navarre.
Coversaciones con mi jardinero La vida del jardinero está marcada por referencias sencillas, como una felicidad sin aspavientos. Es un hombre que no conoce la amargura ni la envidia, y cuyos héroes siempre son gente modesta. Su sistema de valores tiene un criterio único con el que juzga cosas y personas: el sentido común.
Zoom Conversaciones Con Mi Jardinero está basada en la novela del mismo título de Henri Cueco, artista plástico y escritor francés. El personaje del jardinero se basa en un hombre que el autor de la novela conoció y quien por su personalidad, sencilla forma de ver la vida y sentido común lo impactó de tal manera que lo convirtió en eje de su narración. Jean-Pierre Darroussin, interpretó al jardinero, aunque inicialmente estaba previsto que quien lo personificaría sería Jacques Villeret, actor que falleció poco antes de estar concluido el guión. La cinta se rodó con dos cámaras que realizaron planos diferentes: primeros planos, planos medios, planos más generales, con el fin de dar más mérito a los personajes que a la puesta en escena. El actor Jean Pierre Darroussin aseguró que su personaje le recordó a uno de sus seres más queridos: “Cuando leí el guión, dije: ‘¡Ah, pero si es mi padre!’. Este papel ha sido un homenaje a él y a aquellos hombres que, tras la II Guerra Mundial, trabajaban en fábricas u otros lugares, pero tenían también su huerto y sabían hacer de todo con sus manos”, puntualizó en una entrevista para la prensa española.
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espués de haberse dado a conocer en París, un pintor que bordea los cincuenta años regresa a su pueblo natal en Francia para instalarse en la casa donde pasó su infancia. Un jardín de buenas proporciones rodea el edificio, pero no sabe ni le apetece cuidarlo. Prefiere poner un anuncio en el periódico local. El primer candidato, y el definitivo, es un antiguo compañero de colegio milagrosamente reencontrado después de tantos años. Será el jardinero. En su contacto diario con el jardinero, el pintor descubre, mediante toques impresionistas, a un hombre que primero le intriga y que luego acaba por asombrarlo, gracias a su franqueza y a la simplicidad de la mirada con la que ve el mundo. El arte del que vive su amigo no goza de la aprobación del jardinero, hasta que puede observarlo discretamente durante horas. Prosiguen una especie de adolescencia tardía y fraternal en la que se mezclan sus familias, sus conocimientos, las zanahorias, las calabazas, la vida, la muerte, viajar en avión, los gustos y los colores. Lo redescubren todo a través de la mirada del otro y renuevan el espectáculo del mundo. Estos personajes nos invitan a compartir su descubrimiento del día a día. El jardinero planta para ofrecer y el pintor pinta para mostrar.
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Director: Adam McKay Guión: Will Ferrell y Adam McKay Producción: Jimmy Miller y Jude Apatow. Protagonistas: Will Ferrell, John C. Reilly.
Hermanastros B
rennan UHF, un empleado ocasional de treinta y nueve años que vive con su madre, Nancy, y Dale Doback, un desempleado de cuarenta años que vive en casa de su padre, Robert, se ven forzados a compartir espacios cuando sus respectivos padres se casan y van a vivir juntos como una nueva familia. Para los ahora hermanastros la situación no es fácil, pues acostumbrados al narcisismo y holgazanería su comportamiento amenaza con acabar la unidad familiar. Estos dos inmaduros crónicos de mediana edad orquestan un complejo y delirante plan para que sus padres regresen con sus propias parejas. A fin de lograrlo harán un vínculo muy peculiar que quizás, sólo quizás, les obligue a abandonar la casa.
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Zoom Pese a que los hermanastros tienen características de personalidad similares, la diferenciación de ellas se logró con detalles sutiles como la ropa, que fue cuidadosamente escogida para reflejar la sensibilidad de cada uno de los personajes. Las camisetas con diseños relacionados con viajes y lugares populares entre la juventud, indicativo de que siguen viviendo con mamá, así como las de artes marciales y personajes populares de la televisión, como la clásica de Yoda, están presentes en esta comedia. Adam Mckay, director y coguionista de esta película afirmó que algunos de los elementos que nutrieron su película los obtuvo directamente de sus hijos pequeños, pues “al llegar a casa observaba las reacciones mis niños cuando no podían obtener lo que deseaban, o me fijaba muy bien en sus discusiones y rivalidades. Así, aunque esta es una película para adultos las situaciones irradian una cierta candidez e incluso un júbilo inocente”. Para adecuar el ambiente con la realidad de los personajes y realzar la comedia sin distorsionarla, el equipo de producción desperdigó cosas por todos lados en la casa escenario de la película localizada en Los Ángeles. El objetivo fue recrear lo que un adolescente suele hacer: dejan su motocicleta en la entrada principal, su abrigo o chaqueta en la sala, las bolsas vacías de alimentos en el estudio... y todos esos pequeños detalles con los que lograron que la casa pareciera habitada por dos niños pequeños.
Will Ferrell, uno de los protagonistas, en 2007 protagonizó junto con Jonh Herder la taquillera comedia Blades of Glory. Esta cinta logró recaudar más de $118 millones de dólares en taquilla.
Dale y Brennan son dos cuarentones estancados en el tiempo, que nunca superaron sus ideas adolescentes acerca de lo que es popular, entretenido y admirable, ni sobre lo que harían una vez convertidos en adultos. A ellos el egocentrismo e inmadurez les impide establecer diferencias entre lo adecuado o no.
Ferrell fue nominado por segunda vez para un Globo de Oro en la categoría de Mejor Actor de Comedia o Musical. También protagonizó la exitosa comedia Talladega Nights: The Ballad of Ricky Bobby, coprotagonizada por John C. Reilly y Sacha Baron Cohen. Además de haber recaudado más de $150 millones de dólares en taquilla, la cinta se convirtió en la comedia no animada número uno de la temporada. Ferrell, quien se vinculó al programa americano de televisión Saturday Night Live en 1995, completó su séptima y última temporada en 2002, luego de acaparar la atención de millones de personas con el segmento titulado “Indecision 2000”, en el que encarnó al presidente George Bush. También ha imitado personajes como Janet Reno, Alex Trebek, Neil Diamond y el comentarista de los Chicago Cubs: Harry Caray. Ha tenido dos nominaciones al Emmy en 2001 en las categorías Desempeño Individual Sobresaliente en un Programa Musical o de Variedad, y Escritura Sobresaliente para un programa de Musical, Cómico o de Variedad. John Reilly, co protagonista, se convirtió en uno de los favoritos del público y de la crítica gracias a su aclamado desempeño en cintas como The Hours, The Good Girl, Gangs of New York, y Chicago. Sus créditos cinematográficos más recientes incluyen: Talladega Nights: The Ballad of Ricky Bobby, A Prairie Home Companion, Dark Water, The Aviator y Criminal, The Perfect Storm, For Love of the Game y Never Been Kissed. Judd Apatow, productor de hermanastros debutó como director en 2005 con la película Virgen a los 40.
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La habitación que los hermanastros deben compartir tiene una mezcla muy particular de recuerdos juveniles entresacados de las mentes de los miembros del Departamento de Arte a cargo de la película: un juego de magia de esos que contienen espadas, una colección de latas de cerveza, carteles de bandas de rock con modelos sensuales y otros elementos que un adolescente utiliza para decorar sus paredes.
CARTELERA EN CARTELERA
Dirección: Jaume Balagueró y Paco Plaza. Protagonistas: Manuela Velasco, Ferrán Terraza, Jorge Yamam Serrano, Carlos Lasarte, Pablo Rosso, David Vert, Vicente Gil, Martha Carbonell, Carlos Vicente, María Teresa Ortega, Manuel Bronchud, Claudia Silva.
C E R
Con un presupuesto de 1,5 millones de Euros, esta película fue rodada en absoluto secreto en Barcelona. En la filmación se usaron cámaras digitales de alta definición y teléfonos móviles de última generación para narrar la historia en tiempo real, a manera de falso documetal. Este estilo es semejante al empleado en Tesis, producción española que aún permanece en la memoria de los aficionados al suspenso terror.
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ada noche Ángela, una joven reportera de un canal de televisión local, sigue con su cámara a un colectivo distinto. Esta noche el turno es para el cuerpo de bomberos, al que acompaña con el objetivo presenciar y registrar, en directo, un impactante incendio. La noche trascurre extremadamente tranquila, y al parecer no se presentará la circunstancia anhelada por los periodistas. Sin embargo, la llamada de una anciana que se ha quedado encerrada en su casa, aunque no es la situación esperada para hacer el informe periodístico, rompe la monotonía de la jornada. Sin otro camino que seguir a los bomberos asignados para atender dicho rescate, los periodistas se desplazan hasta el edificio donde vive la anciana. Allí los vecinos están muy asustados, pues la mujer, encerrada en su apartamento, lanza gritos desgarradores. Los bomberos destrozan la puerta y, seguidos por Ángela y el camarógrafo encuentran a la anciana fuera de sí. De repente, la mujer se abalanza sobre un policía presente en la escena, a quien muerde de manera feroz; delante de los incrédulos compañeros y de la cámara. Es solo el inicio de una larga pesadilla y de un dramático reportaje televisión, único en el mundo. Cuando los bomberos intentan salir del edificio descubren que la única salida está bloqueada por las autoridades, porque un extraño virus se ha propagado en el interior. En este punto, la terrorífica historia apenas comienza.
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Zoom El pasado 28 de agosto se estrenó REC en España. En su primer fin de semana en cartelera logró la mayor recaudación en la historia de un título de ese país, con un record de 172.289 Euros. Tan solo en la primera semana en las salas de cine, la película fue vista por más de 64.000 espectadores, que le representaron 312.326 Euros en taquilla. En el Festival de Cannes se anunció que habrá secuela de REC, pues esta cinta de terror, junto con El Orfanato, fueron las más exitosas del cine español en el 2007. La segunda parte de REC llevaría el mismo nombre. Filmax, la productora, confirmó que la dirección la asumirán nuevamente Jaume Balagueró y Paco Plaza, quienes se encargarán de que la nueva realización se haga con cámara al hombro al estilo falso documental. En Hong Kong la película se convirtió en la producción extranjera más taquillera, pese a que allí el público no acepta con facilidad las producciones occidentales. La cinta, ganadora de dos premios Goya, ya se ha estrenado en Francia, Reino Unido, Alemania, Italia, Portugal, Bélgica, Austria, Rusia, Grecia, Japón, Taiwán, Korea y Suiza. Actualmente está en salas de cine en México y Polonia. Próximamente llegará a las salas de Turquía y Oriente Medio. REC está nominada como Mejor Película Europea al Premio del Público, que otorgará la Academia de Cine Europeo el próximo 6 de diciembre.
Director: David Von Ancken. Protagonistas: Liam Neeson, Pierce Brosnan, Anjelica Huston, Michael Wincott, Ed Lauter, Kevin J. O’Connor, Tom Noonan. Guión: David Von Ancken y Abby Everett Jaques.
Duelo de
asesinos Los protagonistas de aclamadas películas como la Lista de Schindler, y James Bond conjugan su talento en esta película de vaqueros que ata al espectador a la pantalla durante 115 minutos, tomando como punto de partida los estragos de la guerra civil estadounidense, concluida en 1865. Las ráfagas de recuerdos acuden para orientar al espectador.
Esta película de vaqueros es el primer largometraje, el director David Von Ancken, con varios años de experiencia en series de televisión como The Shield y Cold Case.
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a Guerra Civil de Estados Unidos ha terminado, pero el coronel Morsman Carver tiene una última misión: matar a Gideon cueste lo que cueste. Impulsada por la propia furia, la persecución los lleva a ambos lejos de las comodidades y las convenciones de la civilización, y los adentra en los rincones más sangrientos de sus propias almas. La situación se plantea cuando Gideon es emboscado en las montañas de Nevada y al ser herido en un brazo huye dejando su rifle y su caballo. Los hombres que lo persiguen le permiten una pequeña ventaja solo para que su presa tenga tiempo de sufrir. Sólo hasta la última escena el espectador puede saber por qué Carver quiere cazar a Gideon.
Respecto a Von Ancken, algunos de quienes lo conocen señalan que es casi tan taciturno como sus personajes y para sus producciones opta por un lenguaje cinematográfico parco que corresponde admirablemente con lo que está contando. William John “Liam” Neeson, Carver en la película, nació en Irlanda hace 56 años. En desarrollo de su carrera actoral ha sido nominado a los premios Óscar y al Globo de Oro. La estatura de Neeson, 1,93 m y su contextura física le dan, en opinión de algunos directores, un perfil distintivo y presencia dominante. El actor es recordado por aclamadas interprestaciones entre las que se cuentan La Lista de Schindler, y Michael Collins. Sus personajes casi siempre se relacionan con perfiles complicados, de gran exigencia interpretativa. Pierce Brosnan, actor irlandés de 55 años alcanzó popularidad mundial con la interpretación del agente 007 James Bond, en cuatro películas: Golden Eye, El Mañana Nunca Muere, El Mundo Nunca es Suficiente, y Muere otro día.
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Director: Justin Chadwick Guión: Peter Morgan Protagonistas: Natalie Portman, Scarlett Johansson, Eric Bana, David Morrisey, Kristin Scott Thomas, Mark Rylance, Jim Sturgess, Ana Torrent.
La otra reina 20
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sta producción de ficción histórica se basa en la novela de Philippa Gregory: Las Hermanas Bolena. Justin Chadwick, el director, recrea una suntuosa historia en la que además de los actores la intriga, el romance y traición son protagonistas. Empujados por el ambicioso deseo de mejorar socialmente y aumentar el poder de la familia, el padre de las hermanas Bolena, Tomás, y su tío, el duque de Norfolk organizan un encuentro del Rey con las dos jóvenes, aprovechando la insatisfacción de él con su esposa Catalina de Aragón, quien no le ha dado un heredero varón.
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Inicialmente la escogida para atraer la atención del monarca es Ana, la mayor de las dos hermanas, considerada también la más calculadora y decidida. No obstante, cuando el rey es herido en un accidente de caza, indirectamente causado por Ana, se decide que sea precisamente María la encargada de curarlo. Más tímida y dulce, María tiene éxito donde su hermana no lo ha tenido y conquista al rey. Desde este momento empieza una continua disputa entre ambas: la primera, enamorada y deseosa de conservar el amor del rey, y la segunda, ambiciosa e interesada en mejo-
La feroz rivalidad entre las hermanas Bolena por conquistar el corazón del rey enrique viii es el punto de partida de esta cinta que sumerge a los espectadores en las pasiones de los personajes, los cuales se debaten entre las trampas del poder y el precio de la ambición, en una crónica que cambió la historia de Europa.
Zoom Tanto el director Justin Chadwick como el guionista Peter Morgan tienen experiencia previa con temas de ficción histórica, pues el realizador se dio a conocer en la televisión con la adaptación de la obra de Dickens La Casa Desierta, mientras que Morgan fue el responsable de escribir para la pantalla grande The Queen. La intención al hacer esta película, coinciden el director y el guionista, es hacer una película que se diferencie claramente de los productos televisivos. Históricamente Enrique VIII se destacó en diversas facetas artísticas, dejando unas cuantas composiciones musicales notables. En opinión de algunos cronistas su comportamiento era el de un divo. Luego de ser condenado por el Papa, tras su divorcio de Catalina de Aragón, Enrique VIII rompió relaciones con la Iglesia de Roma y haciendo uso de su poder creó la iglesia Anglicana. El diseño artístico de la película se inspiró libremente en las pinturas de Hans Holbein, el retratista oficial de la corte. El vestuario de los personajes de La Otra Reina se recreó fielmente, de acuerdo con el usado en la época en que sucedió la historia. Sin embargo, con el fin marcar y diferenciar el carácter de cada una de las hermanas Bolena, los vestuaristas acudieron al uso dramático de los colores, pues mientras el personaje de María requería toques románticos; el de Ana debía revelar la personalidad de una mujer ambiciosa y materialista.
El objetivo del director era rodar lo máximo posible en decorados naturales. Fue así como la mayoría de los exteriores de la película se filmaron en castillos y mansiones de Inglaterra. Para las escenas en espacios interiores se hicieron paredes y decoraciones específicas. Natalie Portman, nacida en Jerusalem, Israel, en 1981, debutó en el cine a los 11 años y desde entonces no ha dejado de actuar, aunque se graduò como sicóloga en la Universidad de Harvard.
rar su estatus social. Las situaciones acontecidas a las bellas hermanas Bolena definirán la historia de Europa; pues ellas, Ana (Natalie Portman) y María (Scarlett Johansson), presas de las ciegas ambiciones de su familia, compiten por el amor del apuesto y apasionado rey Enrique VIII (Eric Bana). Aunque cada una logra compartir el lecho con el Rey, solo una será reina. Sin embargo, su reinado será tan breve y turbulento, como su vida misma.
Las películas por las que ha logrado mayor reconocimiento Natalie Portman son: La Guerra De Las Galaxias, Cold Mountain, La Gaviota, Algo En común/ Garden State; y Closer, por la que fue nominada a un Oscar y ganó el Globo de Oro a la Mejor Actriz de Reparto. Scarlett Johansson, nacida en Nueva York en 1984, ha sido nominada a cuatro Globos de Oro, además de ganar el BAFTA. Fue aclamada por la crítica y obtuvo el Premio a la Mejor Actriz en el Festival de Venecia por su papel en Lost in Translation, segunda película de Sofía Coppola. Se dio a conocer a los 14 años por su papel protagónico en El hombre Que Susurraba A Los Caballos, de Robert Redford.
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La escenografía y los decorados de la película fueron difíciles de ajustar, pues los palacios del siglo XVI no se han conservado y con regularidad han ido sufriendo cambios. Los pocos existentes son usados como atracción turística y por lo mismo han sido alterados.
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CARTELERA EN CARTELERA
Director: Paul W.S. Anderson. Guión: Paul Anderson Protagonistas: Jason Statham, Joan Allen, Ian McShane.
La Carrera Mortal Conduciendo un poderoso Mustang V8 Fastback, equipado con dos miniametralladoras, un lanzallamas y napalm, un hombre inocente debe destruir todo lo que encuentre en su camino para ganar la competencia más implacable sobre la tierra, en la que participa forzado con la máscara del mítico corredor Frankenstein, un favorito de La Carrera de la Muerte, aparentemente imposible de matar.
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ituada en la Norteamérica del futuro, un prisionero a punto de ser liberado es forzado por su guardia a competir en una brutal y mortal carrera de autos junto con los otros prisioneros. La avidez del mundo por los deportes extremos y las competencias peligrosas se ha convertido en el ansia de sangre de los programas ‘reality’ de televisión. Ahora, se ha creado una carrera extrema de autos en la que los competidores son criminales prisioneros. Autos arreglados, matones encarcelados y sensuales copilotos femenina, también prisioneras, se han unido para crear una competencia transmitida por televisión con más público que el súper bowl. Las reglas de La Carrera de la Muerte son sencillas: quien gana cinco eventos queda en libertad. Quien pierde morirá en la pista y su muerte aparecerá en Internet.
Toma 2 // Noviembre de 2008
Zoom Paul Anderson, director y guionista de esta producción declaró que durante su adolescencia vio en video la película Carrera Mortal 2000, de Roger Corman y Paul Bartel, estrenada en 1975. La cinta es sobre un brutal campeonato de carreras de autos, donde los peatones son asesinados para obtener puntos. Anderson, admirador de Corman, lo conoció en el séptimo Festival Internacional de Cine de Tokio, donde conversaron sobre la idea de realizar una nueva versión de Death Race 2000. Sin embargo, pasó más de una década antes que el proyecto despegara. A pesar de que esta realización es bastante distinta a la película de culto de Corman, e incorpora elementos actuales como la obsesión por el internet, hubo algo que no cambió: como en el circo romano, los espectadores ven con el mismo entusiasmo cómo sus pilotos favoritos masacran a sus rivales. Al actor británico Jason Statham le ayudo a obtener el rol el hecho de que en su largo historial de películas de acción: El Transportador, Crank-Muerte Anunciada y El Robo del Siglo, entre otras, él ha filmado gran parte de sus escenas peligrosas sin dobles. Statham, gran aficionado a los autos, se sintió impactado con los bosquejos de los autos que el director le mostró cuando lo contactó para la producción; particularmente los del Mustang que él conduciría porque, afirmó: “he visto autos con sistemas de óxido nitroso antes, pero nunca algo parecido a lo que Paul presenta en este filme”.
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CARTELERA EN CARTELERA
Dirección: Peter Hedges. Protagonistas: Steve Carell, Juliette Binoche, Dane Cook, Dianne Wiest, John Mahoney, Emily Blunt, Alison Pill, Brittany Robertson, Marlene Lawston, Norbert Leo Butz, Amy Ryan, Jessica Hecht. Guión: Peter Hedges y Pierce Gardner.
Dan In The Real Life Como la Vida Misma
Aunque es una comedia, esta cinta reivindica el derecho a la felicidad, y revela las emociones que produce el amor cuando se le trata de ignorar.
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En su lanzamiento en Estados Unidos, la película recaudó 12,1 millones de dólares y se ubicó en el segundo puesto de la taquilla. Antes de dirigir esta cinta Peter Hedges ya había incursionado en la comedia al adaptar la novela About a Boy, de Nick Hornby.
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Respecto a las comedias románticas Hedges afirmó que aunque parecen inofensivas y simples, es un género en el que es muy difícil tener éxito, pues desde que comienza la cinta uno sabe que la pareja terminará junta, por lo que el proceso para llegar al final debe de ser muy atractivo para mantener la atención del público. Dani, Un Tipo de Suerte; Como La Vida Misma, y Dan In Real Life, son los nombres con los que se promueve esta cinta en diferentes países. Get Smart, 2008, es la más reciente producción en la que actúa Steve Carrell, encarnando al superagente 86 Maxwell Smart. Anteriormente alcanzó popularidad por la película Virgen A Los 40. Por la habilidad gestual de su rostro, Steve Carrell es comparado permanentemente con Jim Carrey. A propósito, Jim Carrey y Steve Carrell trabajaron juntos en la película animada Horton Y El Mundo De Los Quién, prestando sus voces a los protagonistas.
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an es un viudo cuya vida gira en torno a sus tres hijas y a su trabajo como columnista de un periódico, pues no logra reponerse de la pérdida de su esposa. Una vez al año comparte una semana con su familia en casa de sus padres, y es durante ese viaje que conoce a Marie en una librería. En su interior se enciende una chispa y Dan está feliz hasta que se da cuenta que ella es la novia de su hermano, quien la ha traído para presentarla a su familia. Dan y Marie tratan de ignorar la atracción que sienten el uno por el otro, pero parece una misión imposible.
CARTELERA EN CARTELERA
Dirección: Kirk De Micco. Voces: Andy Samberg/Álvaro Benito (Ham III), Cheryl Hines/Amaia Salamanca (Luna), Patrick Warburton (Titan), Jeff Daniels (Zartog), Stanley Tucci (senador), Jane Lynch (Doctora Poole), Kristin Chenoweth (Kilowatt), Zack Shada (Comet), Patrick Breen (Dr. Bob), Omid Abtahi (Doctor Jagu). Guión: Kirk De Micco y Robert Moreland
Space Chimps Misión espacial
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uando una sonda de la Agencia Espacial desaparece en un agujero de gusano intergaláctico, la agencia contrata a Ham III, nieto del primer chimpancé que fue al espacio, para ayudar a recuperar la nave extraviada. Pero Ham, que llevaba una vida feliz como mono volador en un circo, está más interesado en probar la gravedad cero que en estar a la altura de su gloriosa herencia. Sin pretenderlo, se convertirá en un héroe que aprenderá el verdadero significado del coraje, la amistad y el trabajo en equipo. Él y sus compañeros de tripulación, la teniente Luna y el comandante Titán, lo arriesgan todo para salvar a los pacíficos habitantes de un lejano planeta de los abusos del malvado Zartog, un extraterrestre megalómano, cuyos delirios de grandeza y obsesión compulsiva por controlar todo le han llevado a hacerse al control de la sonda Infinity.
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Zoom La producción de esta cinta estuvo a cargo de Barry Sonnenfeld, quien dirigió Hombres de Negro, Una Serie de Eventos Desafortunados, Los Locos Addams, y El Nombre del Juego, entre otras. Como dato curioso, Simios Espaciales, o Misión Espacial, nombres con los que se ha estrenado la película en los países de habla hispana, y cuyos protagonistas son chimpancés, fue dirigida por un señor de apellido De Micco. En la realidad, el chimpancé Ham, el 31 de enero de 1961, a la edad de tres años, fue el primer homínido en volar al espacio exterior. Pertenecía a un grupo de seis chimpancés entrenados en el centro de medicina aeroespacial de Holloman. Durante su entrenamiento recibía golosinas como premio o descargas eléctricas como castigo. El día que Ham partió al espacio a cumplir su misión, un problema en el regulador de aceleración del cohete proporcionó un exceso de velocidad que no se resolvería hasta que se agotó el oxígeno líquido, lo que llevó a la cápsula a una altitud superior a la esperada, e implicó un período de ingravidez de siete minutos para Ham. Luego de 16 minutos y 39 segundos de vuelo la cápsula amerizó en el Océano Atlántico. Por fortuna, Ham fue rescatado sano y salvo. Ya se consigue el videojuego basado en la película. Con una trama original los jugadores exploran zonas del planeta nunca vistas mientras cambian de nivel, ya sea a manera individual o por parejas. En España la película se promocionó como un homenaje al verdadero Ham, lanzado al espacio hace 47 años.
CARTELERA EN CARTELERA
Directores: Eric Darnell, Tom Mc Grath Voces: Sacha Baron Cohen, Ben Stiller, Jada Pinkett Smith, Chris Rock, David Schwimmer, Andy Richter, Cedric the Entertainer.
Madagascar 2
escape de Ă frica
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Zoom ALEX, el león, sabe que siempre puede contar con sus tres amigos. Y eso es algo muy bueno porque hasta un rey necesita amigos. Él se ha enfrentado a los salvajes gatos de Madagascar y a enloquecidas muchedumbres en Nueva York pero, ¿ podrá sobrevivir una reunión con sus progenitores? MELMAN, la jirafa, es un hipocondríaco que se preocupa mucho por todo. ¿Pero qué sucede luego que un hipocondríaco se cura? Bueno…, hay un puesto vacante para un nuevo médico brujo… MARTY, la cebra, está entusiasmado por compartir con su nueva manada pero después de un rato, divertirse con sus nuevos amigos se hace más aburrido que los colores blanco y negro.
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Luego de recaudar la nada despreciable cifra de 200 Millones de dólares en Estados Unidos y 532 Millones globales con Madagascar, estaba cantado que la compañía Dreamworks haría una segunda parte. La cinta que contará otra vez con Ben Stiller haciendo la voz de Alex el león, Chris Rock como Marty la Zebra, David Schwimmer dando vida a Melman la Jirafa y Jada Pinkett como Gloria la hipopótamo; revela la astucia de los animales protagonistas en su interés por regresar a Nueva York. Sin embargo, cuando parece que lo lograrán sucede algo que hace que Alex se encuentre con su verdadera familia. A partir de ahí comienza la nueva aventura.
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ALEC BALDWIN voz de Makunga, león
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CHRIS ROCK voz de Marty la zebra
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n Madagascar II, Escape de África, veremos de regreso a todos los adorados personajes de Madagascar: Alex el león, Marty la cebra, Melman la jirafa y Gloria la hipopótama; el Rey Julien, Maurice y los pingüinos. Perdidos en las lejanas costas de Madagascar, estos neoyorquinos elaboran un plan tan disparatado que puede llegar a funcionar. Con precisión militar, los pingüinos logran reparar, al menos eso creen, un viejo y averiado avión. Aunque levantan vuelo, este no dura mucho tiempo, y su viaje termina en medio de un sitio salvaje: las vastas llanuras de África, donde los amigos, criados en el zoológico de Nueva York , se encuentran por primera vez con cientos de animales de su propia especie. Mientras descubren sus orígenes, comienzan a ver las diferencias entre la jungla de cemento y el corazón de África. A pesar de estar llena de parientes, amantes, rivales y cazadores furtivos, África parece ser un lugar espectacular. Pero… ¿es mejor que su hogar en Central Park?
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DAVID SCHWIMMER voz de Melman la jirafa
Más de 500 millones de dólares en la taquilla internacional. Con esto, ‘Madagascar’ se convierte en uno de los cinco filmes animados más taquilleros de todos los tiempos, y el mayor éxito para su productora.
Zoom JADA PINKETT SMITH voz de Gloria la hipopotamo
A GLORIA, la dulce y pícara hipopótamo que nació y creció en el Zoológico del Parque Central de Nueva York, le gusta África (quizás tenga algo que ver con el a-m-o-r…) KING JULIEN¿Por qué no tener un reino mayor? El Rey Julian, el lemur de cola anilla, ha decidido unirse al grupo de neoyorquinos que intenta regresar a la gran ciudad. Si es que llegan a Nueva York, Julien está preparado para reinar… y divertirse. MAURICE Si el reino va a aumentar de tamaño, es obvio que el despistado Julien necesitará a su mano derecha, Maurice Aye-Aye. MORT Este lemur excesivamente seductor se caracteriza por sus ojos enormes y su nerviosismo pero no subestimen el poder que da ser pequeño y adorable.
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SKIPPER Un pingüino caracterizado por resolver problemas. En esta ocasión su plan tiene que ver con un avión. Y todo lo que necesita es ingenio, trabajo duro y gran cantidad de cinta adhesiva impermeable.
RICO Con una habilidad asombrosa para obtener lo que sea, Rico siempre está listo para conseguir cualquier herramienta que Skipper necesita para cada misión. PRIVATE El pingüino de menor rango en el orden jerárquico, su tarea es llamar la atención mientras los demás ponen en acción el plan… aparentando ser indefenso y encantador. LOS CHIMPANCÉS MASON Y PHIL El dúo de chimpancés del zoológico son capaces de lo que sea con tal de regresar a Nueva York. NANA La terrible adversaria de Alex en el museo. ¿Recuerdan a la viejita con la bolsa? Esta amenaza miope es ahora una turista que visita África. LOS PERSONAJES LOCALES ZUBA Y LA MADRE DE ALEX estos leones por fin se encuentran con su hijo Alex, quien creció en el zoológico de la gran manzana y cuyo comportamiento no es lo que ellos quisieran, pero nunca es demasiado tarde para aprender. ¿No es así? MAKUNGA es un león arrogante, agresivo, intrigante y poderoso que SHERRI SHEPHERD voz de la leona mamá de Alex
quiere ser el próximo cabecilla. Es todo lo que un león perfecto debe ser. ¿Mencionamos que es intrigante? MOTO, un hipopótamo súper viril y seductor que ha decidido enamorar a Gloria. ¿Caerá la sensata Gloria en los brazos de este casanova?
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BEN STILLER voz de Alex el león
KOWALSKI Un soldado admirado por los demás soldados, no hay código que se le resista ni plan muy obtuso para su constante genialidad técnica.
CARTELERA EN CARTELERA
Director: Neil La Bute Guión: David Loughery, Howard Korder Protagonistas: Samuel L. Jackson, Patrick Wilson, Kerry Washington, Ron Glass, Justin Chambers, Jay Hernández.
Vecinos en la mira 32
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Desde que comenzó su carrera en el cine, el director Neil La Bute ha sido calificado como dramaturgo controversial, pues aborda temas que revelan la parte más terrible de la naturaleza humana. En esta cinta crea situaciones incómodas que derivan en tensión real en los espectadores.
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Zoom El director Neil La Bute debutó en el cine en 1997 de la cinta In the Company of Men. En los años siguientes se ha creado la reputación de cineasta y dramaturgo controversial que aborda la parte más terrible de la naturaleza humana. Loughery, protagonista de Vecinos en la Mira, afirma que LaBute “es un hombre que realmente sabe cómo tocar las fibras del público. Las películas que hace y las obras que escribe son, en el buen sentido, atroces a la vista, porque crea situaciones increíblemente incómodas que, a esta cinta, la llenan de tensión real”.
Aunque el conflicto de los opuestos en la película está cargado racialmente, LaBute y Loughery están de acuerdo en que es sólo una de las facetas de la creciente batalla entre vecinos en la historia.
M
udarse a la casa de sus sueños en una tranquila calle cerrada, en el sur de California, se convierte en una terrible pesadilla para una joven pareja en Vecinos en la mira, la explosiva cinta del director Neil La Bute. Chris y Lisa Mattson acaban de mudarse a su nueva casa cuando se vuelven el blanco de su vecino de la casa del lado. El severo padre soltero, resentido oficial del Departamento de Policía de Los Ángeles, se autonombra vigilante del vecindario. Sus patrullajes nocturnos a pie, exageradamente vigilantes, hacen que algunos se sientan seguros. Sin embargo, cada vez es más amenazador para los recién casados, pues se convierte en un permanente intruso en sus vidas, que finalmente se vuelven trágicas cuando la pareja decide responder a sus agresiones.
El director de la película dice que su historia parte de un hecho vivido por la mayoría de gente: “todos hemos vivido al lado, arriba o debajo de vecinos que nos hacen exclamar: ¿qué hago?
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Walnut, California, donde se filmó Vecinos En La Mira, se localiza a unos 40 kilómetros de Los Ángeles. La calle cerrada donde viven los Turner y los Mattson está de frente a una magnífica colina y al cañón del área.
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MAKING OFF Director: Spiros Stathoulopoulos Guión: Spiros Stathoulopoulos, Dwaight Istanbulian. Productores: Spiros Stathoulopoulos, Jason Hall. Productores Ejecutivos: Vasilis Stathoulopoulos, Michael J. White, Edwin Figueroa, Dwight Istanbulian. Coproducción: Kiko Velarde, Frank Ramírez, Marti Resteghini. Director de fotografía/operador de steadycam: Spiros Stathoulopoulos. Protagonistas profesionales: Mérida Urquía, Daniel Páez, Alberto Zornoza. Actores naturales: Hugo Pereira, Patricia Rueda, Andrés Mahecha, Julián Escalante, Wilmer Sánchez, Liz Pulido, Christian Lamus, Ivonne Cadena, Camila Bejarano, Fernanda Medina, Guillermo Mahecha, Ricardo Chávez, Gilberto Ramírez, Isaías Rueda, David Rojas, Luis Téllez, Paola García, Marcelo Ramos, Johny Morales, Christian Ríos.
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omunicando la inalterabilidad del tiempo a través de un plano secuencia de 85 minutos (la película se filmó en una sola toma, con una secuencia que podría calificarse como perfecta sincronía, sin cortes). PVC-1 narra la historia de Ofelia, una ingenua mujer del campo a quien un grupo de delincuentes le pone un collar bomba, para extorsionar, por una pequeña suma de dinero, a su esposo Simón. La cinta sigue el recorrido de esta humilde campesina y su familia, mientras atraviesan el campo en busca de ayuda para poder escapar del tormento físico y psicológico que los aprisiona. En su recorrido, atravesando la colina, e incluso un rìo, la familia encuentra a Hurtado, el agente antiexplosivos del pueblo, quien mientras cautelosamente trata de desactivar el artefacto, desarrolla una amistad con Ofelia.
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¿QUIÉN ES SPIROUS STATHOULOPOULOS? Con solo 30 años de edad, este director ya ha recorrido un gran camino en su carrera, pues desde que estudió Producción de Cine en la Escuela Black María de Bogotá, entre el 2000 y el 2002, no ha parado un solo año en su preparación para convertirse, como lo demuestra hoy, uno de los mejores de Colombia. EL hecho de hablar cuatro idiomas: inglés, español, francés y griego, le ayudó en su propósito, pues no sólo estudió en Colombia y en Estados Unidos, sino que también se ha desempeñado como docente en el Taller de Realización de Cine en Hamburg Media Film School, de Hamburgo, Alemania; la Universidad Aristóteles Thessaloniki, de Grecia, la Universidad de California y otros escenarios académicos de Colombia. Aunque hasta ahora suena su nombre en los medios masivos, gracias a los diez premios obtenidos por su largometraje PVC1 en el contexto internacional, de alguna manera Spirous Stathoulopoulos ya está acostumbrado a los reconocimientos, pues durante cuatro años consecutivos recibió la Distinción de Honor del Decano del Departamento de Cine, en el A.A. Cinema Production, de Estados Unidos. En los cortometrajes Thessaloniki, Autobahn, Nekropolis y Eurotek desempeñó no solo el roll de director, sino que también asumió las tareas de fotografía, edición y producción; que para el desarrollo de su trabajo lo convierten en un profesional integral, capaz de ver en perspectiva cada proyecto aún antes de ejecutarlo. Actualmente, Stathoulopoulos trabaja en un largometraje cuya historia está inspirada en uno de los eventos más impactantes del los últimos tiempos, acontecido en 2006, respecto del cual no puede ampliar detalles pues media un contrato de confidencialidad.
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En el más reciente reconocimiento obtenido por PVC1: el Gran Premio Kinnaree de Oro, en el Festival Internacional De Bangkok, Tailandia, a finales de septiembre, el jurado la calificó como la Mejor película del Festival, “por su cruda, original e implacable visión combinada con la creatividad técnica de lograr un plano continuo”. Al circuito de festivales internacionales en los que ha participado y participará próximamente, se suma también la distribución de PVC-1 en tres continentes. Su estreno en Grecia se realizó el pasado 28 de Agosto, en Atenas. La película entrará a Asia con un espectacular estreno en Tokio, Japón, a principios del 2009.
Con bajo presupuesto pero con mucho talento spiros stathoulopoulos, de padre griego y madre colombiana, dirigió en la población de Villeta (Cundinamarca) su ópera prima con la cual ha ganado hasta ahora diez premios internacionales. El éxito de la cinta radica en factores clave: la innovación técnica plano secuencia para una película de 85 minutos de duración; los actores: sólo tres de ellos profesionales con amplia experiencia, y la historia basada en un hecho real, sin pretensiones de recrear a los verdaderos protagonistas.
En Colombia estará en las salas de cine a partir del 14 de noviembre. Para lograr la calidad y sincronía absoluta, la película fue filmada ocho veces, con la misma técnica plano secuencia. La octava filmación fue la más satisfactoria para el perfeccionista director. Con apoyo de los tres actores profesionales de la cinta, los actores naturales recibieron talleres previos a la filmación sobre comportamiento frente a la cámara y algunas técnicas para que sus diálogos resultaran fluidos. Se espera que PVC1 continúe la cosecha de premios, pues también participará en el Lisbon Village Festival, de Portugal; en el Raindance Film Festival del Reino Unido; en el Films From the South Festival de Noruega, y en el Bergen International Film Festival, también en Noruega. El plano secuencia de 85 minutos es todavía más meritorio si se considera que implicó un recorrido a campo abierto de tres kilómetros y medio en los que el director y al mismo tiempo único camarógrafo atravesó un río, subió una colina, caminó por senderos e incluso abordó un carro; todo ello sosteniendo la cámara en su hombro, sin posibilidad de descansar o retocar el maquillaje de los actores.
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En PVC1 Spirous Stathoulopoulos ejerció funciones de director, productor, guionista, director de fotografía, editor e incluso operador de cámara. Para llevar a cabo esta ùltima tarea con éxito tuvo que entrenar durante varios meses pues la cámara pesa más de 15 kilos, los cuales tuvo que soportar en jornadas de más de doce horas en las que se desplazó por varios kilómetros a campo abierto.
MAKING OFF
Los actores
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En la cinta participaron 24 actores, de los cuales solo tres son profesionales con amplia trayectoria en las tablas y en la televisión, mientras que los otros 21 son actores naturales que viven en la zona donde se filmó pvc1, a quienes impartieron talleres de actuación y comportamiento ante la camara. Aquí, una breve entrevista con los profesionales que encarnaron a los personajes protagónicos.
ALBERTO ZORNOZA, AGENTE HURTADO, TRATA DE DESACTIVAR LA BOMBA
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A sus 42 años la experiencia de Alberto Zornoza queda en evidencia con la actuación en esta producción, que le significó obtener el Premio al Mejor Actor en la Selección Oficial del 48 Festival de Tesalónica, Grecia. Desde niño se vinculó a las obras representadas en el colegio, y ya en la Universidad, mientras estudiaba diseño gráfico, hizo parte del grupo del Teatro Libre con el que se presentó en España. De las tablas pasó al cine con la participación en dos cortos que fueron llevados a Portugal. Además de PVC1 ha actudo en otros tres largometrajes. PVC1 se basó en una tragedia real, ¿qué conoció usted sobre el agente que intentó desactivar el collar bomba? La historia la conocía pero tuve que investigar sobre el agente, del que encontré muy poco, así que tuve que elaborar un perfil de acuerdo con el guión. La película se basó en lo sucedido, no específicamente en las personas que tuvieron esa situación. El hecho real fue doloroso y vergonzoso para Colombia, ¿por qué hacer una película con ese tema? Para mí, como actor, fue la interpretación de un personaje; un reto actoral porque el personaje real fue un héroe de la Policía Nacional que intentó hacer algo por una mujer que pasaba por un drama. Además, en Colombia hemos pasado hechos muy dramáticos que son históricos y hacen parte de la violencia, de la guerra absurda que vivimos y hay que decirlo. ¿En qué radica el éxito de la película? En un tema inusual tratado con una técnica inusual, porque el plano secuencia no es muy usado porque requiere una técnica actoral especial y las personas más idóneas para lograrlo son los actores de teatro, porque día a día hacen las representaciones sin cortes en las secuencias y están acostumbrados a improvisar sin equivocarse, mientras que las técnicas de cine y televisión trabajan con cortes. ¿Hubo confrontación interna de Alberto con el personaje del agente Hurtado? Sí. Al investigar las circunstancias que rodearon el hecho real pensé en su esposa y en su hija. Yo tengo dos niñas y desde el principio hubo coincidencias de la película con mi vida, porque el nombre de mi esposa en el guión es el mismo de mi hija mayor. También el hecho de que Hurtado era casado y para evidenciarlo se usó mi argolla de matrimonio. Yo pensé mucho en la familia de la historia real, ¿dónde estarán ahora?, ¿qué pensarán cuando la película salga?. Desde mi técnica actoral estoy acostumbrado a dedicar mi trabajo a alguien, y lo hice a él, al agente que en la realidad trató de desactivar el collar bomba.
MÉRIDA URQUÍA, OFELIA EN PVC1
Estudió actuación en la Academia Charlotte, ha desarrollado su carrera en producciones para televisión entre las que se cuentan el seriado Musidramas, donde hizo diferentes caracterizaciones. Hace poco representó a Mariño en la serie Sin Tetas No Hay Paraíso. Participó en el corto La Cerca, seleccionado para el Festival de Cannes de 2005, después de PVC1, filmada en 2006, ha orientado su carrera más hacia el cine, por lo que ha trabajado en otros cuatro largometrajes. PVC1 se basó en una tragedia real, ¿qué conoció usted sobre el esposo de la señora a la que le fue puesto el collar bomba? Detalles generales, fue un evento grotesco y sanguinario. Cuando leí la historia resultó traumático para mí saber que el collar no era para la señora sino para el esposo, eso aumentó la sensación de culpa y da más dramatismo, aunque el personaje real no tenía mucho conocimiento de lo que estaba pasando. El hecho real fue doloroso y vergonzoso para Colombia, ¿por qué hacer una película con ese tema? Sucesos tristes y vergonzosos pasan a diario en Colombia. Sólo para citar algunos está el Palacio de Justicia, el secuestro… pero la película PVC1 no es la recreación del caso de la familia que lo vivió, porque no es biográfica. ¿En qué radica el éxito de la película? Hasta ahora sólo se ha visto desde el plano secuencia, pero frente al lente hubo actores que transmitieron lo que sentían. Aunque solo fuimos tres actores profesionales hay que valorar el trabajo de los muchachos que actuaron naturalmente y siguen siendo personajes anónimos en un pueblo cerca a Bogotá. La cinta es un ballet perfectamente sincronizado donde la técnica trabajada permite salirse del modelo de Hollywood, el espectador aquí siente como la violencia afecta sicológicamente a esa familia. El público logra sentir la angustia… no hay iluminación, vestuario especial, ni maquillaje, el reto es actoral, y el actor aquí llega al extremo. ¿Hubo confrontación interna de Daniel con el personaje del esposo? El personaje real tuvo a su familia, las autoridades, el pueblo, que en un momento dado le ayudaban a llevar la carga. Lo que sucedió para mí era realidad porque como actor si no puedo transmitir esa realidad todo es falso; uno tiene que sentir lo que lleva el personaje. La película recuerda un evento monstruoso que la gente tiene que ver desde otro punto; una realidad que solo se presencia a través de las noticias con imágenes editadas, y esta es una forma diferente de ver la violencia absurda y estúpida por dinero.
Esta actriz cubana, con 20 años de experiencia en las tablas, interpretó a Ofelia, la señora a quien pusieron el collar bomba. Es licenciada en historia del arte, en la Universidad de La Habana, estudió teatro en Cuba, Italia y Dinamarca. Entre los premios que ha recibido a lo largo de su carrera se destaca el de la Fundación Stanislavsky, adjunta al Odin Theatre. Desde hace doce años vive en Colombia, a donde llegó a trabajar y se quedó por amor. PVC1 se basó en una tragedia real, ¿qué conoció usted sobre la señora a la que le fue puesto el collar bomba? Conocí una foto, y me costó trabajo considerarlo un personaje, porque fue un suceso real muy doloroso y toda su familia e hijos están vivos. Sentía que era un atrevimiento encarnar a la señora, pero se impuso el trabajo profesional, porque la película se basa en un hecho que ocurrió en 2000, pero no es estricta en los datos históricos ni familiares… es una historia de ficción a partir de un suceso. El hecho real fue doloroso y vergonzoso para Colombia, ¿por qué hacer una película con ese tema? Desde que leí el guión vi que es una obra de arte, la película ha tenido éxito por la técnica. Se han hecho muchas películas sobre sucesos como ese, por ejemplo Satanás, también hay cuadros de Botero sobre la guerra… Estas películas sirven para que el ser humano no olvide y no sea tan inocente, para no dejar en la indiferencia cosas tan terribles. ¿En qué radica el éxito de la película? Tiene muchos méritos, cosas innovadoras como el plano secuencia de 85 minutos sin cortes que amarren la historia; haber construido la secuencia perfecta para dar la carrera contra el tiempo. Mi personaje… Ofelia, que es una heroína esperanzadora. También tiene el mérito de los actores profesionales que defienden una situación extrema para un actor. ¿Hubo confrontación interna de Mérida con el personaje de Ofelia? Todos los días pedía permiso espiritual a la señora para hacer esto. Además la confrontación natural para construir el personaje, envejecerlo en pocas horas solo con actitud producida por la situación extrema en la que estaba; con la forma de caminar, neutralizando el acento porque soy cubana; sin maquillaje, porque por la técnica el sudor es natural… ¡todo es natural! No es lo mismo interpretar un personaje de Shakespeare que interpretar uno construido de la realidad.
PREMIOS OBTENIDOS POR LA PELÍCULA Premio ciudad de Roma a la Mejor Producción Iberoamericana. Festival de Internacional de Cannes, 2007. Alexander de Plata-Premio Especial del Jurado. Festival Internacional de Cine de Thessaloniki, Grecia, 2007. Nominación al Alexander de Oro. Festival Internacional de Cine de Thessaloniki, Grecia 2007. Premio del Público a Mejor Película. Festival Internacional de Cine de Thessaloniki, Grecia 2007. Mejor Actor –Alberto Zornoza (como el agente antiexplosivos) Festival Internacional de Cine de Thessaloniki, Grecia 2007.
Premio FIPRESCI de la Federación Internacional de Críticos de Cine a Mejor Película. Festival Internacional de Cine de Thessaloniki, Grecia 2007. Premio Mejor Película Jurado Joven. Festival Digital de Barcelona, 2008. Premio Gorchivata Chasha a la Evolución de la Expresión Moderna del Cine. Festival Internacional de Cine de Sofia, Bulgaria 2008. Premio FDC postproducción, Proimágenes Colombia. Ministerio de Cultura, 2007. Grand Prix, Kinnaree de Oro, Mejor Película. Festival Internacional de Bangkok, 2008.
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DANIEL PÁEZ, SIMÓN, EL ESPOSO DE OFELIA
DE INTERÉS Semana del Cine Colombiano
Reconocimiento a los logros, y reflexiones sobre los desafíos de la industria
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l pasado 23 de octubre, como parte de los eventos de la Semana del Cine Colombiano, 20 al 26 de octubre, la documentalista Martha Rodríguez recibió el Premio Nacional a toda una vida dedicada al cine; un reconocimiento a su dedicación de más de cuarenta años a la creación, promoción y educación del cine documental. Esta colombiana, licenciada en ciencias sociales, antropóloga y cineasta, se ha desempeñado como realizadora independiente de documentales desde la década del 60. Ha trabajado con movimientos agrarios, sindicales, estudiantiles; con comunidades indígenas y culturas afrocolombianas. Como investigadora ha publicado artículos sobre el origen del cine indígena nacional y es la representante por Colombia en el Festival de Cine y Video de pueblos indígenas. En la misma ceremonia el Ministerio de Cultura entregó los Premios Nacionales de Cine 2008 en las categorías: Mejor Película, Dirección, Guión, Actor y Actriz Protagónico y de Reparto, Fotografía, Música Original, Arte, Montaje y Diseño de Sonido. Todos los detalles en la próxima edición de CINËFILOS. Algunas actividades Con el fin de acercar el cine colombiano a las diferentes audiencias hubo exhibición de películas en centros penitenciarios y otros escenarios. En bibliotecas públicas de diferentes municipios del país se llevaron a cabo jornadas de reflexión sobre el cine colombiano, con participación de expertos nacionales e internacionales de la academia, el arte y la industria, y se entregaron también los Premios del Fondo para el Desarrollo Cinematográfico, entre otros. Como novedad, el Consejo Nacional de las Artes y la Cultura en Cinematografía, CNACC, entregó por primera vez en el marco de los Premios Nacionales
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Entre el 20 y el 26 de octubre pasado el Ministerio de Cultura y Proimágenes en Movimiento, en asocio con más de veinte entidades públicas y privadas de todo el país, otorgaron premios a lo mejor de la producción cinematográfica nacional y a algunos de sus exponentes más destacados, entre quienes está la documentalista Martha Rodríguez, con más de 40 años de labores. de Cine, estímulos en las modalidades de realización de cortometrajes y realización de documentales de la convocatoria del Fondo para el Desarrollo Cinematográfico.
Publicaciones Con el fin de aportar al conocimiento del público sobre lo mejor del cine nacional e internacional se lanzó la más reciente edición de los Cuadernos de Cine Colombiano de la Cinemateca Distrital, la tercera edición de Al cine & a las tablas; y Memorias de la XII Cátedra anual de historia ‘Ernesto Restrepo Tirado’ Versiones, Subversiones y Representaciones del Cine Colombiano. La Semana del Cine Colombiano representó un esfuerzo de guionistas, directores, productores, distribuidores, exhibidores, académicos, periodistas y críticos. En su organización participaron el Ministerio de Cultura y Proimágenes en Movimiento, en asocio con más de veinte entidades públicas y privadas de todo el país. David Melo, director de cinematografía del Ministerio de Cultura, destacó que “es un esfuerzo de más de veinte entidades públicas y privadas que realizamos cada dos años para mostrar la realidad de nuestra cinematografía, analizar el momento actual y mirar sus logros y desafíos hacia el futuro”.
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Imaginatón En la Semana del Cine Colombiano otro de los eventos de gran importancia fue Imaginatón 2008, la carrera contra el tiempo en la que la creatividad y una cámara fueron las únicas herramientas de realizadores profesionales y aficionados, quienes buscaron hacer el mejor filminuto, en desarrollo de una competencia simultánea en 10 ciudades del país. Como complemento a esa maratón se llevó a cabo la maratón de exhibición, planteada como abrebocas del Festival Internacional In Vitro Visual, a realizarse del primero al cinco de diciembre próximo.
DE INTERÉS El acompañamiento musical está presente desde el inicio del cine
El discreto… y espectacular encanto de ¿Qué hubiese pasado con producciones como Carros de Fuego, Star Wars, Fantasía, The Wall, entre otras, si no hubiesen sido musicalizadas? Acudiendo a uno de los sentidos que sensibiliza al ser humano: el oído, la industria cinematográfica, desde sus inicios optó por hacer acompañamiento musical a las producciones para destacar, a través de los acordes, las situaciones más impactantes e incluso revelar la personalidad o los sentimientos de los protagonistas.
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ción realizada por el griego Vangelis para la película Chariots Of Fire, en 1981, cuya banda sonora lleva el mismo título y se convirtió en uno de los discos más vendidos de los años siguientes.
La actualidad y la evolución cinematográfica evidencian que la musicalización ha adquirido gran importancia tanto para la película como para el registro histórico. Así, algunas bandas sonoras han trascendido y cumplieron más propósitos de los previstos inicialmente por directores, productores y compositores. Un claro ejemplo fue la composi-
El progresivo Vangelis logró su prestigio en el cine gracias a la percepción y correcta focalización de los conceptos fílmicos: Blade Runner, Chariots Of Fire; y 1492: Conquest Of Paradise, solicitada por el director Ridley Scott, las cuales marcaron un hito en la composición de bandas sonoras con música original. Vangelis obtendría un premio Óscar como mejor banda sonora por Chariots Of Fire. Por su parte, conmemorando los 500 años de la conquista de América, para la película 1492: Conquest Of Paradise, el compositor recurre a figuras complejas de la música clásica española y mediterránea de finales de la edad media, combinadas con su estilo moderno para la ejecución de los teclados.
Por Luis Fernando Algarra García.
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a acompañado al séptimo arte desde sus inicios. Nació antes del sonido editado incorporado a las películas y en los espectadores genera risas, temor, angustia e incluso llanto. Para algunos CINÉFILOS es indispensable en la estructura fílmica, mientras para otros es un recurso adicional pero no esencial. Este conjunto de características hacen ocupar un asiento preferencial a esta invitada que nunca nos ha dejado solos cuando una cinta llega a nuestros sentidos: la banda sonora.
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Bandas escritas Vs bandas preescritas Hablando de la originalidad de la música en las películas es necesario destacar el papel de dos tendencias utilizadas por los creadores y directores para el acompañamiento de los filmes: las bandas escritas y las preescritas. La música escrita es la compuesta de manera específica para una película, mientras que la preescrita reúne un conjunto de composiciones realizadas con otros fines pero que se adaptan a la producción. Entonces surge la pregunta: ¿Cuál es la forma correcta de ejecutar una banda sonora? En realidad no hay métodos o reglas establecidas para la elaboración de la música fílmica. Pero debe cumplir con los objetivos de calidad y sinergia entre la música y las escenas de la película; parámetros establecidos desde 1923 con la cinta The Jazz Singer, catalogada por algunos expertos como la primera película sonora de la historia.
las bandas sonoras el mismo Chaplin, quien siempre manifestó oposición a los libretos hablados, concibieron al cine como un verdadero de arte y no como una secuencia de imágenes que, si bien novedosas, sólo quedaban en lo curioso ante la ausencia de, como mínimo, de un melodioso piano.
En la historia cinematográfica los artistas contemporáneos y más
cercanos a lo popular también han realizado aportes relevantes. El hecho de aparecer musicalmente en las películas, además les ha representado un reconocimiento posterior, el cual ha generado culto entre los espectadores. Bandas de rock como The Doors: Apocalypse Now, Pink Floyd: The Wall, película basada en el álbum homónimo de 1979 y, recientemente, Elton John: The Lion King, facturaron por sus discos mucho más de lo que esperaban, gracias a la promoción implícita en las salas. ¿es posible el cine sin música? Imaginemos por un segundo nuestras películas favoritas sin sonidos o música que genere en nosotros sensibilidad. En varias entrevistas, el mismo John Williams ha asegurado que lo más gratificante de su carrera es poder componer para acompañar al cine y de esta manera generar un interés musical en las audiencias. Desde el principio, directores como DeMille, Griffith y
Entonces, surge la cuestión: ¿el silencio no podría ser considerado como una banda sonora ideal, dependiendo del filme, si per se es parte importante de nuestras vidas? El silencio otorgará.
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Un claro ejemplo de música preescrita llevada a la cumbre más virtuosa fue el conjunto de obras clásicas de Tchaikovsky, Beethoven y Bach, entre otros, que acompañaron a los personajes de Disney en Fantasía, musical desarrollado con la más óptima calidad de sincronización entre movimiento y sonido. En cuanto a la música escrita para cine, compositores como John Williams: Star Wars, Indiana Jones, Jurassic Park; John Barry: Out Of Africa, Dances With Wolves, Chaplin; y Ennio Morricone: The Good, the Bad and the Ugly, son algunos de los ejemplos más representativos. Su reconocimiento ha permitido que sus bandas sonoras sean ejecutadas con orquestas de la talla de la Filarmónica de Londres y la Orquesta de Cámara de Inglaterra. Sin contar los innumerables galardones, nominaciones y el Óscar honorífico de Morricone en 2006.
¿Cuál fue una de las características principales de la película de los hermanos Cohen No Country For Old Men, galardonada como la mejor producción del 2007 por la Academia de Artes y Ciencias? El silencio; la total ausencia de musicalización y el sonido ambiente como elemento fundamental de la trama. Totalmente válido.
DETRÁS DE CÁMARA
Los escenarios del futuro Carrera mortal 42
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El acabado de los autos es crudo porque estas máquinas son construidas por criminales. Statham, como Ames, conduce un Ford Mustang GT 2006 arreglado, conocido como El Monstruo que tiene una defensa de acero con ¾ pulgadas de espesor y dos mini-ametralladoras que disparan 3.000 balas por minuto.
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teriorado y hubiera sido peligroso rodar dentro de la misma, las escenas interiores de la Isla Terminal se filmaron dentro de los depósitos en Pointe St. Charles. Los autos de la carrera mortal Los autos que vemos en esta cinta de acción y suspenso no sólo son una extensión de los hombres que los conducen, son otros personajes claves en la historia. Fue clave para la producción que los autos de La Carrera de la Muerte fueran modificaciones dementes de los modelos usados. Fue como diseñar dos películas en una sola; crear los autos fue tan difícil como desarrollar los personajes. Anderson y Austerberry colaboraron con dos ilustradores para comenzar el proceso. “Seleccionamos autos que se pudieran reconocer fácilmente; con siluetas distintas,” explica el diseñador. El acabado de los autos es crudo porque estas máquinas son construidas por criminales. Statham, como Ames, conduce un Ford Mustang GT 2006 arreglado, conocido como El Monstruo que tiene una defensa de acero con ¾ pulgadas de espesor y dos mini-ametralladoras que disparan 3,000 balas por minuto. Gibson como Machine Gun Joe maneja un Dodge Ram 1500 Quad Cab 4WD 2004 blindado con una ametralladora Vulcan que le quita velocidad pero lo hace mortal. El neonazi Pachenko conduce un Buick
Riviera 1996 con capota recortada y removible bautizado como ‘Death Machine.’ Los otros autos conducidos por los principales competidores de La Carrera de la Muerte son una variedad de modelos diabólicos que incluyen el Porsche 911 de 1978 de 14K equipado con cuatro misiles Hellfire y cuatro minicohetes en la capota; el Jaguar XJS V12 de 1989 de Travis Colt con dos ametralladoras M2 frontales; el Chrysler 300C de 2006 de Grimm con tres ametralladoras MAG 58 en el frente, ametralladoras lanza-cohetes sobre la capota y misiles Hellfire en la parte de atrás. Por supuesto, el factor decisivo en el diseño fue la maniobrabilidad pero eso no significó que los competidores no podían morir con estilo. Otros que son eliminados tempranamente son un BMW Serie 7 (BMW 735i de 1989) modificado para que parezca la cabina de un avión. Los diseñadores eliminaron la mitad del auto y colocaron a la copiloto detrás del conductor (con una miniametralladora a un lado) para crear una silueta diferente. También hay un Buick Riviera ‘cola de bote’ de 1971. Anderson también mandó a modificar un Pontiac Trans Am reconstruido de 1979 con una ametralladora de calibre .50 sobre la capota y una mini-ametralladora calibre .308. Finalmente, la alcaldesa Hennessey controla el vehículo más mortal de todos: un Acorazado con un lanzallamas, seis cohetes guiados por
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ara crear un mundo futurista en decadencia, el director Paul Anderson, los productores y el diseñador de la producción Paul Denham Austerberry (30 Días de Noche, Toma mi Mano, Masacre en la Cárcel 13, Resident Evil: Apocalipsis) filmaron gran parte de los exteriores en el clausurado patio de trenes Alstom en el distrito Pointe St. Charles, en Montreal, y utilizaron su depósito industrial para crear los foros interiores de la Isla Terminal. Los exteriores no se construyeron para la película, explica Anderson, “los encontramos. La trama no se escribió para estos sitios, así que adapté el libreto para utilizar estos fantásticos lugares que encontramos.” La pista de La Carrera de la Muerte pasa entre los depósitos abandonados de Alstom. El diseñador de la producción creó foros separados, los cuales colocados juntos en el filme, forman un mundo contiguo. Este enfoque les permitió escoger cuáles elementos necesitaban para crear la pista de carreras y la prisión en la opresiva isla. “Filmamos en varios silos industriales en el Old Port en Montreal y combinamos esas escenas con otras rodadas en la pista recta en Alstom y en el Túnel Bleeker,” dice Austerberry. Las tomas exteriores de la prisión de la Isla Terminal se rodaron en San Vicente de Paul, una cárcel abandonada de finales del siglo pasado. Debido a que el interior de la prisión está muy de-
DE INTERÉS Utilizamos un escáner tridimensional conocido como Andiscan para trasladar el diseño de los automóviles a las computadoras,” explica Austerberry. “Entonces otro equipo en el departamento de efectos y diseño tomó los conceptos y dibujos tridimensionales y los usó para cortar y fabricar las diferentes partes.” Estos modelos tridimensionales le permitieron a Jean-martin DesMarais, el diseñador de efectos especiales y fabricación, validar la colocación de todas las partes y en-
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los cambios de temperatura, una ametralladora PKM y sólidas llantas Dayton Kevlar. El diseño de los autos tomó aproximadamente ocho semanas antes que el equipo comenzara el ensamblaje en una fábrica en Montreal. “Trabajamos con cuatro dibujantes y dos artistas conceptuales en Toronto y luego fuimos a Montreal,” explica Austerberry. “Para la fabricación contamos un equipo de 50 técnicos.” Jason Hanson, el capataz encargado de los efectos especiales y Brian Louis, el jefe de mecánica de los autos de la producción y su equipo, trabajaron con 30 vehículos. “Los desmantelamos y luego los reconstruimos con las especificaciones necesarias,” dice Louis. “Entonces, los técnicos en efectos comenzaron su labor”.
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contrar los conflictos potenciales entre ellas. También ayudó a Anderson a planear las tomas que necesitaría para cada vehículo y la visibilidad que los actores y sus dobles tendrían cuando manejaban. Los mecánicos y fabricantes trabajaron aproximadamente seis semanas en cada auto y luego una semana más para hacer la lámina de metal delgada que imitó la armadura de acero grueso necesaria para sobrevivir cualquier ataque. Los competidores en La Carrera de la Muerte no podrían durar mucho sin la protección de esa armadura. Para sostener las armas agregadas a los autos, Louis y su equipo de técnicos agregaron suspensiones de peso pesado. Un total de 34 vehículos, incluyendo seis Mustang, cinco Dodge Ram, cuatro Porsche, tres Jaguar, tres
BMW y tres de cada uno de los estilos de los Buick, se utilizaron para interpretar los 11 autos principales y varios de los extras de La Carrera de la Muerte. Los Ford, Chrysler y Dodge se adquirieron principalmente de sus fabricantes, mientras que los Riviera, Porsche y Jaguar se consiguieron en Internet. El resto se encontró a través de revistas de autos. Construir y luego armar el mortal Acorazado fue una tarea enorme: dos tractores fueron enviados de Los Ángeles y el armazón de un camión cisterna se consiguió en Canadá. El Acorazado fue construido en Calgary. Charles Taylor, el armero jefe, fue el encargado de agregar las armas a los autos. Originalmente, la producción pensó simular digitalmente los disparos pero Taylor los convenció de utilizar balas de salva porque para obtener el efecto deseado, las armas debían producir mucho ruido. Las cámaras Con numerosos vehículos desplazándose a toda velocidad, hubo muchos retos durante el rodaje. Algunas de las espectaculares acrobacias únicamente se pudieron realizar una vez, así que el equipo de Anderson rodó con ocho cámaras que captaron múltiples puntos de vista, tanto desde el aire como de la pista. Las cámaras se instalaron sobre aparejos en jaulas que las protegieron del fuego, el calor, los desechos y los impactos y también se montaron sobre los vehículos para que estuvieran en medio de la acción. Frecuentemente, la segunda unidad se colocó junto a las ventanas de autos que iban a toda velocidad. Para esta producción, dice el director, “hemos construidos muchos aparejos que nunca antes se habían usado en el cine. Logramos colocar las cámaras muy cerca de las colisiones y de las explosiones, de autos en llamas y vehículos girando 20 pies sobre el aire y todo fue real y seguro”.
CLÁSICOS CLÁSICOS
En cartel Aunque desde sus orígenes, hace más de 100 años, la producción de la industria cinematográfica en el mundo es abundante y variada, algunas películas permanecen en la mente y en el corazón de los espectadores, ya sea por su temática o por algún aspecto en particular que las hace especiales.
Director: Charles Chaplin Protagonistas: Charles Chaplin, Edna Purviance, Jackie Coogan.
Esta producción sin sonido, en blanco y negro, presenta en 56 minutos el abandono que sufre un niño por parte de su madre, una mujer soltera, que más tarde va en su búsqueda. El niño es recogido por un vagabundo que lo cría y lo educa a su manera hasta los cinco años, cuando se lo quita la autoridad de la Asistencia Pública. Justo entonces reaparece la madre, convertida en una famosa actriz.
Nanook of the North Nanook El Esquimal Director: Robert Flaherty
Aunque no se desarrolló con el rigor que exige un documental, es considerado el primer largometraje documental y el primer aporte de la antropología al cine. En él, su realizador, el antropólogo, explorador y cartógrafo Robert Flaherty, detalla la realidad de esta raza, representada por Nanook y su familia, quienes viven en medio de un clima casi imposible para el resto de los humanos. Producciòn en blanco y negro, sin sonido, filmada en la bahía de Hudson, Canadá.
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La Edad de Oro Director: Luis Buñuel
Cuando apenas se empezaba a adicionar el sonido al cine, Luis Buñuel musicalizó su película con ayuda de un técnico alemán cuyo nombre está hoy en el olvido. La sincronización de la incipiente “banda sonora” se hizo manualmente. Para muchos CINÉFILOS, la ausencia de sonido directo contribuyó a crear una serie de audacias formales en la relación entre la imagen y el sonido de la película que aún hoy resultan innovadoras. La edad de oro fue una de las primeras películas sonoras filmadas en Francia y la primera en explorar conscientemente el impacto de la voz en off.
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The Kid. El Niño
CORTOS CORTOS
Convocatoria para encuentro de coproducción
El Festival de Cine de Guadalajara abrió la convocatoria para participar en el 5° Encuentro Iberoamericano de Coproducción Cinematográfica, que se realizará del 21 al 23 de marzo de 2009. Las inscripciones se podrán hacer hasta el 19 de diciembre. En el Festival, Colombia será país invitado. Más información en: www.guadalajaracinemafest08.com/es/ o en promocion@festivalcinegdl.udg.mx
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Festival de cine en el oriente antioqueño
Para Vernos y Reconocernos, es la denominación del Segundo Festival de Cine de Oriente, a realizarse en el oriente antioqueño entre el 13 y ell 16 de noviembre próximo. En este evento se entregarán los Premios Sol, a los ganadores de la Convocatoria Nacional para Realizadores. Más información en: www.cineoriente.net y festival@cineoriente.net
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Proyectos colombianos para Catálogo Nuevas Miradas
Kung Fu Panda, para rato
Los realizadores de Kung Fu Panda están satisfechos con los más de 600 millones de dólares recaudados por la cinta; por lo que anunciaron que en 2009 empezará la producción de la segunda parte, que sería estrenada en el verano de 2011. Por la historia, afirman, “no hay problema porque fue dividida en seis capítulos”. El equipo humano a cargo sería el mismo de la primera parte, incluidos los actores que con sus voces dieron vida a los personajes. La idea de la película es continuar donde acaba la primera parte: siguiendo el camino que emprendió Po para convertirse en el maestro de kung fu de una antigua profecía.
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La escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños, Cuba, dio a conocer la lista de los proyectos seleccionados para hacer parte de las ediciones física y virtual del Catálogo de Nuevas Miradas/EICTV, Encuentro de Proyectos cinematográficos en desarrollo en su edición del año 2008. Entre los treinta proyectos escogidos hay dos colombianos: Matías El Titiritero, presentado por Carolina Osma y Libia Stella Gómez y, Call Center, presentado por Ángel Urrutia y Nicolás Ordóñez. Ambos proyectos recibirán los ejemplares del catálogo y sus creadores tendrán reuniones de asesoramiento con un comité de expertos los días 5 y 6 de diciembre, en Cuba. Además podrán ser recomendados para integrarse en diferentes áreas de la próxima edición del Festival Internacional de Cine en Guadalajara. Más información: nuevasmiradas@eictv.org.cu
Love Teresa irá a Nantes, Francia
El proyecto Love Teresa, de Ana Sofía Osorio, producido por Tatiana Villacob, fue seleccionado para participar en el Encuentro de Coproducción ‘Produire au Sud Worshop’, a realizarse del 26 de noviembre al 2 de diciembre en Nantes, Francia. Este evento reúne proyectos de Latinoamérica, Asia y África. Más información: www.3continents.com
Talleres para niños
La Cinemateca Distrital y la Fundación Cinecultura invitan a los niños y niñas entre ocho y doce años y a los muchachos de 13 a 16 años a participar en el proyecto Corticos en Movimiento. Los corticos son talleres gratuitos que se vienen realizando desde octubre y continuarán este mes. Más información en: www.cinematecadistrital.gov.co
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EVENTOS Lanzamiento de la Revista Cinéfilos
Noche de gala en el
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a velada estuvo amenizada por la soprano Janet Rojas, quien tuvo a su cargo la interpretación vocal de temas que han hecho parte de bandas sonoras de inolvidables películas como Titanic, El Guardaespaldas, El Fantasma de la Ópera y La Vida es Bella, entre muchas otras. La Violinista Diana Alarcón hizo gala de su talento, con el que deleitó a los cerca de 150 asistentes al evento.
Con la presencia de David Melo, Director de Cinematografía del Ministerio de Cultura, quien en nombre de la Ministra Paula Moreno celebró el nacimiento de la Revista CINÉFILOS, y el acompañamiento de directivos de Cine Colombia, Procinal, periodistas de radio, prensa y televisión, así como representantes de algunas de las más importantes empresas del país, el pasado 7 de octubre se realizó en el Hotel 101 Park House, en Bogotá, el coctel de lanzamiento de esta nueva publicación orientada a satisfacer la necesidad informativa de los aficionados al cine.
David Melo, Director de Cinematografía del Ministerio de Cultura; Gilberto Gallego, Vicepresidente Comercial de Cine Colombia, Claudia Liliana Ospina, Directora revista Cinéfilos, Munir Falah, Presidente de Cine Colombia, Carlos Llano, de Cine Colombia.
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Diana de Ospina, artista plástica; Verónica Silva, Ejecutiva Comercial de Aseditor; Juan Camilo Afanador, Álvaro Silva y Héctor Sanabria, del Departamento de Comunicaciones de la Universidad Central; Edna Rojas, periodista independiente, la directora de Cinéfilos, Pedro María Mejía, comunicador social del Departamento de Comunicaciones de la Universidad Central, y Jackelín Pedraza, Gerente de Compras de Merck Sharp and Dohme.
Jesús Jaimes, de la Universidad Católica, Claudia Liliana Ospina, Directora revista Cinéfilos Raúl Ángel, Gerente de Mercadeo de Procinal, y Mauricio Chiappe, Marketing Manager de 20Th Century Fox- Colombia.
Pablo Nieto, Gerente General del Hotel 101 Park House, la directora de Cinéfilos, y Miguel Jácome, Gerente de Desarrollo de Negocios de Dell, Región Andina.
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Sandra Malavet, Directora Comercial de Cinéfilos, Alba de Pinzón, Gerente Financiera del Fondo de Inversión Petrolera LAEFM; Claudia Liliana Ospina, y Julio Sandoval, Director Gráfico de Cinéfilos.
Jorge Francisco León, Presidente del Grupo Gestión América, Mariela de León
El popular paparazzito del programa El Lavadero, de RCN, conoció, de boca de la directora de la revista, todos los detalles de la nueva publicación, única en su género.
Claudia Gómez, María del Pilar Palacio, Angela Alegría, Diana Alegría, Stella Bernal. Invitados especiales María del pilar Palacio, Cristina Tingle, Paola Colmenares, Marco Quintero, Mónica Laverde, Julio Sandoval y Cecilia Torres
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Daniel Páez, protagonista de la película PVC1; Gilberto Gallego, Vicepresidente Comercial de Cine Colombia; David Melo, Director de Cinematografía del Ministerio de Cultura; Carlos Llano de Cine Colombia.
La soprano Janet Rojas interpretando el tema ¡O Sole Mío!. La acompañan musicalmente la virtuosa del violín Diana Alarcón y en la guitarra y los teclados Víctor Alarcón.
NEXT NEXT
Quemar después de leer
Directores: Ethan Coen, Joel Coen. Protagonistas: George Clooney, Brad Pitt, Tilda Swinton y John Malkovich.
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Un agente de la CIA decide escribir sus memorias en la agencia. En dicho libro relata todo tipo de actividades ilegales en las que se ven implicados numerosos personajes de gran relevancia. Su vida se complica cuando desaparece misteriosamente el ordenador donde tenía almacenado el libro ya finalizado.
El Nido Vacío
Esta producción argentina, dirigida por Daniel Burman, recrea lo que sucede a la mayoría de matrimonios cuando los hijos crecen y se marchan de casa. Es entonces cuando las parejas se enfrentan a la reconstrucción de su relación, que en adelante debe girar de nuevo en torno a ellos mismos.
Bolt
Voces: John Travolta, Miley Cyrus, Susie Essman, Mark Walton. Directores: Chris Williams, Byron Howard. Para el súper-perro Bolt cada día está lleno de aventuras, peligro e intriga... Al menos, hasta que las cámaras se apagan. Cuando la estrella canina de un exitoso programa de televisión es enviada por accidente desde su set de Hollywood hacia Nueva York empieza su verdadera aventura: un viaje a través del país en el mundo real para volver con su dueña y coestrella Penny. Con el único auxilio que le brinda la creencia de que sus sorprendentes hazañas y poderes son reales, y con la ayuda de dos singulares compañeros de viaje -una hastiada y abandonada gata doméstica llamada Mittens y un hámster llamado Rhino, Bolt descubre que no necesita súper poderes para ser un héroe.
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