REVISTA ATELIER by comunicacionmodaatc2018

EDICIÃ&#x201C;N 2019-I

PRESENTACIÓN

8/ COMUNIDAD

4/ Contenido

9/ Harajuku Fashion, una fuente ilimitada de creatividad y estilo

6/ Créditos

contemporáneo de Tokyo para el mundo.

7/ Carta de los editores

Por Andrea Chiappe y Daniela Rico Camelo 16/ África despierta en Bogotá es tendencia. Por Jennifer Camargo y Angela Velásquez 20/ Pintas chirriadas sobre ruedas.

24/ RESUENA

Por Andrea Chiappe y Carolina Velandia Barbudo

25/ Libertad de crear, libertad de ser

CONTENIDOS

Por Andrea Chiappe y Daniela Rico Camelo 30/ Re-interpretación de los 90’s Por Jennifer Camargo y Angela Velásquez 32/ Ellas conquistan el bombo y c aja con liricas y poesía Por Jennifer Camargo y Angela Velásquez 34/ Kpop, una expresión de confianza que supera el género musical.

38/ PERSONAJES

Por Andrea Chiappe y Daniela Rico Camelo

39/ El rostro detrás de Poison, una drag queen Por Lina Tatiana Gonzalez y Daniela Pinzón Pineda 46/ Rocca, el insurgente criollo de las rimas parisinas Por Ae. Quijano y Carolina Velandia Barbudo 52/ Nicki Zarama, un personaje de fantasía en el mundo real Por Andrea Chiappe y Daniela Rico Camelo

61/ ECO-LÓGICA

62/ Anfibia, en la piel de la marca Por Ae. Quijano y Carolina Velandia Barbudo 68/ Black is gold, moda vintage con sentido de reciclaje Por Tatiana Alvis y Luisa Fernanda Mora 72/ Fibra de pet, una tendencia ecológica que lucha por quedarse Por Andrea Chiappe y Daniela Rico Camelo 76/ Vegetariano Eco shoes, marca consciente por el medio ambiente Por Tatiana Alvis y Luisa Fernanda Mora 8 0/ El eco de KUPA: el despertar de la conciencia ambiental y social Por Ae. Quijano y Carolina Velandia Barbudo

86/ DESCUBRE

87/ Guerreros urbanos sin armaduras ni ataduras Por Andrea Chiappe y Daniela Rico Camelo

90/ Libertad, equidad y rebeldía son las palabras que describen a Flora Por Tatiana Alvis y Luisa Fernanda Mora

94/ LeZapatiere, calzado que rompe estereotipos y se vuelve complemento innovador Por Tatiana Alvis y Luisa Fernanda Mora

96/ Eliett, irreverencia de los 80´s Por Jennifer Camargo y Angela Velásquez

102/ El encanto mitológico del anime tiene un espacio en Bogotá Por Andrea Chiappe y Daniela Rico Camelo

Créditos Atelier Director General Luis Enrique Taboada Rojas Editora en jefe Stefania Ramírez López

Coeditoras Andrea Chiappe Ferroni Catalina Montenegro Avellaneda

Estimados lectores, en esta edición de Atelier queremos que nos acompañen en un recorrido por el street style bogotano. Escogimos lo mejor de la moda de la ciudad, llena de matices que expresan la diversidad cultural que componen la capital.

Periodistas Tatiana Alvis Jennifer Camargo Mellizo Ana Elizabeth Dueñas Quijano Lina Tatiana Gonzalez Buitrago Luisa Fernanda Mora Cordero Daniela Pinzón Pineda Daniela Rico Camelo Carolina Velandia Barbudo Ángela María Velásquez Penagos

En este proceso hemos descubierto comunidades que proporcionan puntos de encuentro para todos los gustos en moda y estilos de vida; aprendimos sobre los diversos ritmos que mueven las calles, su influencia en la forma de vestir, conocimos personajes que con su estilo único son generadores de tendencias. Nos sorprendió positivamente ver que Bogotá le está apostando a procesos productivos con conceptos alternativos, para disminuir el impacto negativo que esta industria tiene sobre nuestro planeta.

Fotógrafos Sergio Esteban Durán Gutiérrez Daniel Felipe Morales Rojas Danna Valentina Rivera Becerra

Diseñadores Gráficos Laura Valentina Parra Díaz Robert de Jesús Quintana Ortiz

Institución Universitaria Politécnico Grancolombiano 2019

Por último, convencidas de la calidad del emprendimiento colombiano, recopilamos una oferta de tiendas con un sello único donde pueden ver reflejados los hallazgos de esta aventura y escoger un lugar que les permita expresarse con la moda de una manera creativa y original. Queremos agradecer a todos nuestros colaboradores y compañeras que han aportado su tiempo, y esfuerzo para lograr construir la presente revista. Para nosotras ha sido una experiencia de aprendizaje inolvidable pues nos abrió los ojos a una ciudad vibrante que queremos compartir con ustedes, descubriendo y disfrutando de diferentes mundos que caminan por una sola calle, usando la ropa como una segunda piel.

Nos despedimos con un afectuoso abrazo,

Catalina Montenegro y Andrea Chiappe

HARAYUKU FASHION Por Daniela Rico y Andrea Chiappe Fotos: Andrea Chiappe

Una fuente ilimitada de creatividad y estilo contemporáneo de Tokio para el mundo

Palabras como Visual kei, Fairy kei, Kawaii y cosplay, eran hasta hace unos años desconocidas en Colombia, para la mayoría, ausentes de cualquier sentido y referencia conocida, ignoradas o consideradas como una excentricidad más de los jóvenes de hoy en día. Sin embargo, para una comunidad creciente en el país, hacen parte de una variedad de estilos símbolo de identidad y forma de vida traído directamente desde Tokio, Japón. Pero, ¿Cuál es el atractivo de la moda de una ciudad remota para jóvenes en Bogotá?

COMUNIDAD

Alex Blue, una cantante barranquillera de 25 años residente en Bogotá, decidió investigar en internet, siguiendo con su curiosidad por el mundo del anime y de las series que veía cuando pequeña, encontrando en la estética harajuku una forma de expresar su personalidad y carácter de una manera en la que nunca había podido. En 2013 asistió a un evento Harajuku en su ciudad natal, quedando atrapada en el encanto de poder expresarse libremente a través del vestuario. Allí encontró la forma de superar un bullying que la había encapsulado en el miedo al qué dirán y comprendió “lo bonito de ser uno mismo” y de explorar lo que le gusta. “Cuando salí de la zona de confort me di cuenta de que estaba bien ser fiel a mi esencia”.

Street Fashion es un término especial para los Tokiotas, se diferencia del street style del resto del mundo, porque reúne en sus calles la esencia de un país que expresa su individualidad dentro de una sociedad controlada y uniformada mezclando elementos históricos, fantásticos y musicales. Harajuku es un movimiento que inició como una tendencia en los años sesenta luego de la Segunda Guerra Mundial, cuando algunos jóvenes japoneses decidieron explorar la combinación de diferentes estilos, presentando una contrapropuesta a la uniformidad por parte de los adultos y una sociedad estricta (Winge & M., 2017).

a combinación de prendas tradicionales influenciadas por un estilo extranjero junto a accesorios llenos de color y texturas dan origen al denominado Harajuku Style, una forma de expresión mediante la vestimenta (Laemmerhirt, 2013). Recibe su nombre gracias al lugar donde se concentró la afluencia de jóvenes en el distrito Shibuya en Tokio donde puede apreciarse la diversidad y autenticidad en los atuendos, la mezcla de texturas, estampados, juego de formas, volúmenes donde se crean identidades, representando al mundo interior aceptando igualmente la belleza y oscuridad que reside en cada individuo como objetivo principal. Siguiendo esa premisa, Alex adoptó elementos de los diferentes estilos del street fashion Japonés para crear uno propio, comenzó a utilizar pelucas de colores pasteles traídas de China, atuendos diseñados y confeccionados por ella misma haciendo cada look único, combinándolo con accesorios que encuentra en sus tiendas favoritas o en el mercado de las pulgas.

Su estilo cambia todos días según el estado de ánimo según se encuentre y lo incluye en el ambiente ecléctico de su banda homónima. Alex hace parte de una comunidad creciente donde personas encuentran en la moda de las calles de Tokyo y en especial de harajuku, un medio de expresión alternativo. Eventos como el Salón del Ocio y la Fantasía, SOFA, que se realiza anualmente en Corferias y la Marcha Harajuku realizada simultáneamente en varios países de Latinoamérica, Europa y por supuesto Japón, acompañados de fiestas de té y sesiones fotográficas temáticas son espacios para que estas comunidades le den un giro más artístico a sus atuendos, dedicándoles más tiempo de elaboración y caracterización. Para el público general es todo un espectáculo, es una vitrina para dar a conocer lo que se denominan como las subculturas que encierra el harajuku.

Son muchos los estilos que envuelven este imaginario, por su acogida en Bogotá hacemos especial mención a Las lolitas que surgen a finales de los ‘60 como subcultura Natural Kei que admiraba el romanticismo de la época victoriana, evolucionó en la década de los setenta y ochenta al Dolly kei con vestidos, accesorios de muñecas que adoptó el Otome Kei o házlo tu mismo que es una tendencia presente en la mayoría de los subgéneros del harajuku. No busca representar sensualidad, sino la feminidad, delicadeza y elegancia (Monteiro, 2011).

Igualmente, el Visual Kei nace a finales de los años setenta tiene una relación íntima con la música como el Jrock (rock japonés), ya que fueron los integrantes de algunas bandas quienes comenzaron a utilizarlo. Caracterizado por el uso de maquillaje cargado, peinados exagerados similar al estilo Glam de Occidente y un aire andrógino en la moda permitiendo a los hombres descubrir su lado femenino y a las mujeres su libertad sexual. El objetivo de este movimiento es lograr que cada individuo sea “único” (Saenz, 2016). Los jóvenes que adoptan este estilo son conscientes del impacto que tienen para el común de la sociedad, que siempre ha tenido un prejuicio frente a lo diferente o que “desentona” de la normalidad. Para Alex las miradas no se hacen de esperar “algunas son de extrañeza, asombro o de morbo” pero lo que más disfruta es captar las miradas de los niños que con asombro y curiosidad la ven como un personaje salido de un cuento.

Pareciera limitarse a una subcultura enfocada en el DIY y tal vez lo sea en sus formas más extremas pero la comunidad global ve hoy en día el potencial como un nicho comercial importante. Marcas como Forever 21, Supreme y diseñadores como Jeremy Scott para Moschino y Adidas han adoptado elementos de Harajuku en su propuesta de diseño. En Bogotá tiendas como Iasumi en Chapinero y Quimera Kei, ofrecen productos enfocados en esta estética.

Para sus seguidores es una forma de llevar sus emociones a flor de piel, todos los estilos mencionados evolucionan cada día y se convierten en nuevas categorías gracias a la libertad de personalizarlos donde lo importante es mantener la esencia e invitar al mundo a presentarse como son, sin miedo al qué dirán, hacer parte de una comunidad global y divertirse.

Referencias Bibliográfícas Joy, A. (2016). The History Of Harajuku Style In 10 Iconic Looks. Recuperado de https ://bit.ly/2OB1U8k Monteiro, N. (2011). Gender bending in Anime, Manga, visual Kei and Lolita fashion: representations from Portugal. Recuperado de https://bit.ly/2OtxQwk Saenz, C. (2016). El visual kei como producto cultural y su huella en la cultura popular. Recuperado de https://bit. ly/2CzQBti Tokyo Travel: Harajuku. (Sin Fecha) Recuperado de https://bit.ly/2nzU2Zl

Sin miedo a las críticas, se reafirma como una forma de comunicar sin palabras, que inspira a encontrar belleza en las diferencias y permite a jóvenes de todo el mundo encontrar una manera pura de expresión.

Esta homogeneización cultural causó una transformación en sus creencias y costumbres dando paso a nuevos códigos patrimoniales, por ejemplo, en el Quibdó se celebra desde el 20 de septiembre y por los siguientes 20 días un hecho histórico que fragmenta la población afrocolombiana; la llegada de misioneros franciscanos el 4 de octubre de 1648 al Pacífico colombiano por el río Atrato, realizando una procesión con la imagen de San Francisco de Asís con el fin de evangelizar a los habitante de la región y también buscar rutas de oro en el Chocó, dio inicio a la fiesta de San Pacho, por la que los afrocolombianos dejan de lado sus deidades y dioses africanos para comenzar la alabanza de personajes Católicos. “Ser una persona en las culturas africanas significa pertenecer a una comunidad, y ello implica participar en sus creencias, ceremonias y rituales” se afirma en el libro “Historia del pueblo afrocolombiano” (Orobio et al, 2003, P.1).

ÁFRICA DESPIERTA

EN BOGOTÁ ES TENDENCIA Por Jennifer Camargo y Angela Velásquez Fotos: Felipe Mateus, Fernando Eede, Juliana Pachón, Karen Gonzáles y Maria Fernanda Rubiano

La industria de la moda ha retomado y transformado símbolos africanos para volverlos tendencia

Foto: Karen Gonzáles

16 Al haber irrumpido en esta civilización fue obligada a mezclarse con tradiciones extranjeras, creando así signos que más Foto: Juliana Pachón adelante se verán reflejados en las usanzas de la población al igual que la moda en general. El mayor ejemplo de la apropiación de sus símbolos ha sido las trenzas africanas, que surgieron hace más de quinientos años durante la época de la esclavitud; al no conocer su verdadero significado, la mayoría lo asocia con raperos y artistas urbanos como Snoopdogg, Sean Paul, Ivy Queen, entre otros, que implementaron estos peinados a partir de los 90´s, gracias a esto, se le adjudicó este estilo al género Urbano. Foto: Fernando Eede

Con el paso del tiempo se han notado cambios positivos hacia la población Afrocolombiana, que en sus inicios, cuando llegó el pueblo africano a Colombia esclavizado, se daba un trato discriminatorio e indiferente, hasta llegar a una complicidad en la que se adoptan algunas de sus tradiciones y simbologías, mezcladas con tradiciones españolas acogidas, incluso sin conocer su verdadero significado.

Sin embargo, el verdadero significado surge en los palenques, con las tropas, trenzas delgadas pegadas al cuero cabelludo que elaboraban las mujeres mayores con las que planteaban las rutas de fuga, mostrando en sus cabezas los caminos, montes, ríos y árboles más altos; estos mapas de cabello les servían a los esclavos para comunicarse sin ser detectados por sus amos, minimizando así el riesgo de ser atrapados. Foto: Juliana Pachón

Foto: Felipe Mateus

Gracias a los comentarios de Lia Perea, estudiante de Ciencias Políticas del Politécnico Grancolombiano, se conocieron otros símbolos de la cultura africana, “últimamente se están utilizando mucho los dashiki y kaftan, además del uso cada vez más aceptado de los turbantes, manteniendo la tela, el uso de color y la variedad en los símbolos”. Los Dashiki como los Kaftan son prendas coloridas, similares a camisetas, empleadas principalmente en áfrica occidental, la diferencia es que el primero es para hombre y el segundo para mujer.

El uso de los turbantes se ha democratizado, dejando de lado lo que han comunicado durante toda la historia y perdiendo la exclusividad de la población africana; por otra parte, dependiendo de la localización geográfica se transforma su significado, por ejemplo, en el Antiguo Egipto era un símbolo de estatus social, mientras en América Latina las esclavas los portaban para poder esconder oro. En otros lugares del mundo se utilizaba por obligación ya que era prohibido mostrar sus cabellos negros, haciéndolo también un símbolo de esclavitud.

19 Foto: Maria Fernanda Rubiano

Ya para los años 60’s, gracias a los movimientos de derechos civiles resurgen los turbantes dándole un significado de identidad y dejando el símbolo de esclavitud. En los años 80 el grupo salt-N-Pepa lo utiliza como símbolo de hermandad con el pueblo africano, momento en que se comienza a entender que no es un pañuelo con tejidos coloridos, sino un pedazo de tela lleno de historia. Hay muchas personas que consideran que el turbante es una forma de apropiación cultural, siendo ahora tendencia, apareciendo en pasarelas, viéndose cada vez más en las calles y sí, es un símbolo de moda, pero también de resistencia y una manera de comunicar y reafirmar la identidad. Referencias Bibliográficas Mendivelso, N. (2004) Mapa de fuga y otros secretos afro. Recuperado de https://bit. ly/2UZctEu Orobio et al.(2003) Historia del Pueblo Afrocolombiano - Perspectiva Pastoral. Recuperado de https://bit.ly/2VH5DZT

Foto: Felipe Mateus

Playground. (2018) ¿Sabes lo que significa ponerse un turbante? [Video] Disponible en https://bit.ly/2V0yMK2

PINTAS CHIRRIADAS SOBRE RUEDAS Por Andrea Chiappe y Carolina Velandia Barbudo Fotos: Cortesía Archivo Cachaco y Gabriela Amaya

Bogotá se viste de cordialidad, pedaleando en una máquina del tiempo Adentrarse en un mundo de fantasía haciendo el papel del adulto, ponerse los antiguos tacones de la abuela, pintarse los labios con un colorete para hacerse grande o usar el portafolio de cuero, reliquia del bisabuelo, ha superado la prueba del tiempo para llegar a la actualidad. Se ha convertido en el ejercicio anual de muchos de los participantes del Ciclopaseo Cachaco, evento cultural organizado por Ivonne Leguizamón, Camilo Rey, Toto Serrath, David Serna y Jorge Malagón, cinco Bogotanos amantes de la bici y de su ciudad.

Faltando pocos meses para el magno evento, Ivonne Leguízamón, diseñadora de moda y la única mujer de los cuatro organizadores, alista su bicicleta y prepara sus atuendos, buscando entre las cosas de sus abuelas o bisabuelas. Con apoyo de sus padres, vendedores de ropa de segunda, ha creado un closet lleno de prendas, accesorios que parecen sacados de un álbum de fotos antiguo en el que podríamos reconocer la moda que nuestros abuelos usaron en sus años mozos. “Me parece importante tomarse el tiempo, para llevar algo que cuando me vean puedan decir - eso lo usaba mi abuelo o eso es de hace 20 o 30 años” comparte Ivonne. A este popular paseo se unen cada vez más personas interesadas en la actividad que consta de rodar en “bici” por las calles de la ciudad, recorriendo lugares emblemáticos. Este importante acontecimiento bogotano, que ocurre el tercer sábado del mes de Agosto, convierte la ciudad en una pasarela de moda andante con atuendos de época, con todos los estilos, tendencias y gustos para el que quisiera asistir o celebrar el cumpleaños de Bogotá.

Foto: Cortesía Archivo Cachaco

¿Por qué llaman la atención los particulares atuendos? o más bien ¿de dónde surge inicialmente la “pinta cachaca”? Retrocediendo en el tiempo, los habitantes de la urbe se encuentran con un almacén de textiles, la Galería Arrubla, fundada por Antioqueños, que pretendía imponer la moda londinense. La tendencia de usar la Ca-misa, la Cha-queta y la Co-rbata, es una de las teorías del origen del apodo al bogotano de a pie: el CA-CHA-CO. Los elegantes atuendos le dieron un giro a la perspectiva que se tenía de Bogotá; con un clima frío, lluvioso, húmedo, permitió que los habitantes citadinos destilaran aires de moda sofisticada, pero a su vez recatada, característica que definió al bogotano de los 30’s y 40’s. Otra de las teorías que surgen del apodo proviene del abrigo utilizado popularmente en la época, de origen inglés, llamado “cachet coat”. La transformación de la palabra pudo darle origen al término “cachaco”, invocando a su vez la distinguida moda de Inglaterra. En este punto el estilo criollo se entreteje con las tendencias londinenses, creando un look particular para el ciudadano de la época: a pesar de la llegada de nuevos

21 estilos, la gruesa ruana de lana que servía para el frío, pasó a ser sobrepuesta en las elegantes “pintas”. Los chalecos le dieron categoría a los atuendos, imitando el estilo de los lores, con accesorios como el reloj de bolsillo, que aún se pueden encontrar en anticuarios con grabados del tranvía de la ciudad y en closets empolvados esperando por una segunda oportunidad. Sombreros que protegían del sol sabanero, tímido y presente en raras ocasiones, que a la vez cubría, como elegantes sombrillas, las cabezas de la lluvia y del viento. Las mujeres no aparecen en nuestro imaginario del Bogotano, sin embargo la moda de las décadas del 30 o 40 están llenas de ricos detalles que ellas pueden aprovechar para resaltar sobre el uniformado estilo de los hombres. Manteniendo la influencia europea, las faldas en A y al estilo Corolla de Christian Dior, ondeaban con el viento haciéndolo de nuevo en dos pedales; los foulards de polka dots no pasan de moda y adornan los cuellos o mantienen en su lugar los cuidadosos peinados y rizos que completan el look.

La Bogotaneidad es celebrada en cada cumpleaños de la ciudad con el Ciclopaseo, resaltando las buenas costumbres, el respeto, dar las gracias; integrando en un ambiente diverso a gente de todos los rincones de Colombia y a extranjeros que llegaron de muy lejos, enamorados de las bondades, las bellezas, la variedad de esta tierra, todos conviviendo en un mismo territorio urbano. Esta celebración invita hasta al menos esperado de los ciudadanos a compartir la herencia cultural de Bogotá andando en bicicleta; también nos incita a experimentar con la moda, a retomar tesoros de la historia y hacerlos nuestros llevando un poco de nuestra familia en el camino.

Foto: Cortesía Archivo Cachaco

Para los fundadores del Ciclopaseo, la cultura de los cordiales saludos, los amables apretones de mano, la venia de caballerosidad hacia las mujeres con el aclamado sombrero, y pequeños detalles de la cordialidad bogotana del pasado se ha ido disolviendo en el tiempo. El Ciclopaseo Cachaco intenta rescatar esas buenas costumbres, trayendo, como si se tratara de una máquina del tiempo, lo que caracterizaba un afable, educado, considerado bogotano. No se habla de unos simples hábitos pasados, se trata de recuperar un sentido de apropiación por la ciudad, de respetarla, disfrutarla, infundir los buenos modales y el respeto por el otro. En definitiva, aportar a un ambiente agradable en una ciudad hostil como caótica.

Otro tipo de combinación que aporta el interesante paseo son los “caballos de acero”; en palabras de Ivonne, “andar en dos ruedas por la ciudad, no implica necesariamente un atuendo deportivo”. La organizadora enfatiza que los tacones y las bicicletas son un estilo que hace relucir hasta el más sencillo de los looks. Una de las respuestas que ha tenido este recorrido con 9 años de trayectoria, es lograr influenciar sobre la población bogotana en su manera de vestir, pues se pueden ver ciclistas oficinistas en sus trajes de sastre montados en sus bicicletas, con uno que otro accesorio para protegerse, como el casco, las rodilleras y el elástico que retiene la tela del pantalón en el tobillo para evitar daños. Los ciclistas urbanos ahora tienen una nuevo estilo: el caché al vestir.

Referencias Bibliográficas Angarita V. (Sin fecha) Los últimos dandis de Bogotá. Recuperado de https://bit.ly/2J1LQ0i El New Look, una leyenda (Sin fecha). Recuperado de https:// bit.ly/2GZQYzH Gómez, L.M y Salive, M.C (2012) Maneras de verse, estar y socializar en la Bogotá de 1920 a 1960, a través del vestido Recuperado de https://bit.ly/2W6807y Foto: Gabriela Amaya

LIBERTAD DE CREAR, LIBERTAD DE SER Por Andrea Chiappe y Daniela Rico Camelo Fotos: Andrea Chiappe

Historia y presente del rock y el punk en la moda.

Moda y música van de la mano, es algo imposible de negar; en el momento en que se genera una contracultura o reviven géneros musicales, se verá una respuesta equivalente en la moda afín a la tendencia del momento. Hay ciertos vínculos que perduran en el tiempo y una de las influencias más notables en la moda son el rock y el punk. La sinergia entre moda y estos géneros es tal que se alimentan entre sí dificultando identificar el origen de sus símbolos.

RESUENA

Es el caso de la chaqueta de cuero o chamarra negra; en el imaginario colectivo es una prenda asociada al rock, tanto a sus representantes musicales como a su público, parecería que fue el rock hubiera generado la tendencia cuando en realidad fue el cine en los años sesenta cuando Marlon Brando apareció en la película The Wild One (1953) utilizando una reinterpretación de la chaqueta bomber de los aviadores de la primera guerra mundial como el epítome de la rebeldía. (“A Brief History of the Leather Jacket in Rock n Roll”, 2016) Y fue precisamente la actitud detrás de este personaje la que resonó en la mente de jóvenes y músicos en una época de inconformidad y cambios radicales; nacería de esa manera el look greaser, con jeans ceñidos, camiseta blanca, chamarra y el pelo peinado hacia atrás con vaselina.

Los años sesenta fueron más que el movimiento hippie, fue la década en la que el denominado Youth Quake (terremoto juvenil) se tomó todas las esferas de la cultura y le dio a los jóvenes una voz; la moda y la música fueron sus principales medios de expresión. Con orígenes en los sonidos de la música Afroamericana como el blues, jazz, gospel y country, el rock and roll, era un sonido fuerte y liberador , un estilo que reunió grupos de jóvenes dispuestos a romper con los esquemas de sus padres, trasgrediendo normas como la integración racial, los bailes sugestivos y la experimentación con instrumentos y con el volumen de la música. (“Rock and roll | History, Songs, Artists, & Facts”, 2019) Elvis Presley, uno de los primeros ídolos mundiales del género, incorporó la chaqueta de cuero negra como parte de su look provocativo y validó su uso en la cultura de masas y no solo en un grupo aislado de la sociedad. De esta manera la chaqueta de cuero se convierte en el uniforme del rock y en la identidad de sus seguidores. Desde el rock psicodélico de Jimmy Hendrix y Jim Morrison en los 70’s al punk de The Ramones y Patty Smith, la llegada del pop rock en los 80 con Michael Jackson con su icónica chaqueta roja en Thriller, hasta Kurt Cobain y el grunge en los 90’s cargando una

tonelada de angustia juvenil en sus hombros, la relevancia de esta prenda y del género está en haber trascendido las épocas y haber perdurado en el tiempo. En la actualidad, la chaqueta se despoja de elementos que componían un look total y se convierte en una pieza independiente con toda la carga simbólica del género. Moda y música sufren de la misma ciclicidad y por lo tanto su influencia también, en todas las generaciones grupos de jóvenes que se identifican con la actitud expresada por el rock y sus subgéneros adoptan la chaqueta de cuero como su uniforme; a su vez de manera independiente trasciende el nicho y se convierte en pieza icónica de diseño, es por eso que es común ver sus múltiples posibilidades en los hombros de artistas de diferentes géneros musicales, en modelos, editoras de moda, fotógrafos y ciudadanos ordinarios que tienen una en su closet y la visten por comodidad y para darle un toque de intensidad y actitud a su atuendo. La actitud de rebeldía, inconformidad y desacato que inspiró la chaqueta de cuero es común a otra importante influencia musical en la moda, el punk. Nacido inicialmente en Nueva York como un deseo de los músicos de alejarse de la tendencia

brillante y producida del Disco de los años 70, para regresar a una manera más pura de hacer música, el punk se convierte en un estilo de vida que reflejaba no solo una nueva actitud sino un tipo de artista que reflejaba la realidad de una época sumida en una crisis económica y en un malestar social general. Artistas como Joey Ramone de The Ramones y Debbie Harry de Blondie se convirtieron en íconos del género gracias al poder de atracción de la moda y no a una intención consciente, los jeans rotos, las mangas de las chaquetas raídas, las camisetas sujetadas con nodrizas eran una consecuencia de la falta de dinero y del deseo de generar controversia frente al establecimiento. Antes de recibir el calificativo de moda, la influencia de estos artistas y la visión del Michael Mclaren, manager de la banda The New York Dolls, llegaron al Reino Unido donde el manifiesto del punk tuvo una acogida que convertiría el género - al igual que con el rock- en una voz de protesta. La juventud Británica adoptó el punk como forma de rechazo frente a unas condiciones laborales precarias, pocas oportunidades y un rechazo contundente frente a la monarquía. Es aquí donde, consecuente con sus orígenes en la clase obrera, el punk rescata los jeans y las botas utilitarias de los trabajadores como complemento del estilo traído desde Estados Unidos.

Para entender el ambiente que rodeó la influencia del punk, sobretodo el de Inglaterra, desde el inconformismo y protesta frente a una sensación de opresión y marginación, Daniel cita a la película “Rodrigo D No Futuro” del director Víctor Gaviria. Desde el punto de vista de la moda, en Colombia conservó las características del punk inglés ya que sigue siendo el soporte de una ideología que se adapta a cada país. La moda a pesar de sufrir constantes cambios ha permanecido casi intacta para el rock y el punk, ha sido enriquecida por la visión de diseñadores que respetan y aprecian la simbología de sus piezas icónicas. El concepto de personalización, la expresión de identidad y de pensamiento a través de la ropa han motivado a diseñadores (al igual que en el resto del mundo) a adoptar el estilo para sus propias marcas de ropa, inspiradas en la filosofía de las culturas urbanas que acompañan su gusto musical por la vestimenta que la representa. La exhibición “Punk: Chaos to Couture” del Museo Metropolitano de arte de Nueva York en 2013 es el mejor ejemplo del traspaso de fronteras de un género musical en la moda. Referencias Bibliográficas Butchart, A. (2016). A Brief History of the Leather Jacket in Rock n Roll. Recuperado de https://bit.ly/2Jfcty0 Palmer, R. (1990). 1950s Rock and Roll: A Decade of Music That Changed the World – Rolling Stone. Recuperado de https://bit.ly/2Whjhip Punk: Chaos to Couture. (2013). Recuperado de https://bit.ly/2Q31CZD

Michael Mclaren abrió junto a su pareja Vivienne Westwood -una de las diseñadoras más importantes e irreverentes de la moda inglesa- una tienda en Londres llamada Sex, que se convertiría en el punto de encuentro y de evolución del estilo punk a lo que conocemos hoy como moda punk, (entendiendo la palabra como un sistema de códigos que identifican un grupo de la población), pelo en puntas (cresta), chaquetas de cuero personalizadas con taches, nodrizas y pantalones ajustados en estampado escocés. Además de las icónicas botas Dr Martens punta de acero que han sufrido un destino similar al de la chaqueta al trascender el nicho y volverse parte de la cultura popular. Como hemos mencionado anteriormente, la influencia de estos géneros va más allá de su época de nacimiento y la moda que los acompaña; al representar la voz de una generación que expresa sus opiniones a través de la música y el vestir, el punk y el rock son igualmente relevantes para la juventud de diferentes países del mundo y como estilo de vida permea diferentes lugares y áreas de la sociedad; en Colombia podemos encontrar en Bogotá y Medellín, ejemplos de la moda y cultura del rock y del punk una década después de sus inicios en Estado Unidos e Inglaterra. En Bogotá y Medellín, “el género atrapó a la juventud, su contenido antisistema y decadente luminiscencia hicieron de esta manifestación musical un estilo de vida” (“La importancia de “Rodrigo D. No futuro” | ELESPECTADOR.COM”, 2016). Daniel Jones, líder de la banda Two Way Analog y en los 90’s de Danny Dodge, hizo parte de la escena aunque su propuesta no cabía cien por ciento en el género; para el músico, el grupo insignia del punk en el país fue IRA, de Medellín, presentes desde los 80 y vigentes como una “bandera del género en Colombia”.

Rip It to Shreds: A History of Punk and Style (Sin fecha). Recuperado de https://bit.ly/2GIKnJW Villano, J.(2016). La importancia de "Rodrigo D. No futuro". Recuperado de https://bit.ly/2VD4TUJ

REINTERPRETACIÓN DE LOS 90’S Por Jennifer Camargo y Angela Velásquez Fotos: Sergio Salazar

Las tradiciones musicales africanas e isleñas han llegado a Bogotá influyendo en los hábitos de la sociedad y en la forma de vestir, esto mezclado con las costumbres ‘rolas’ y las nuevas tendencias mundiales, crean un estilo de vida

La influencia de África ha ocasionado una gran cantidad de reacciones en la moda, la música y la cultura en el mundo, y Bogotá no se queda atrás, pues con estos ritmos urbanos evocados en las últimas dos décadas, poco a poco se han ganado un lugar en la historia musical. No es Reggaeton, se llama Dembow, un género musical que nace en Jamaica a mediados de 1980, influenciado por el rap y el hip hop. En el inicio de su auge, hacia 1990, las productoras B. Dixon y Super Power Records, siendo pioneros Shabba Ranks y Bobo General y Sleepy Wonder en Jamaica y Nueva York respectivamente, movilizaron el mismo género, pero con sonidos diferentes; de aquí se empieza a desplegar por República dominicana, Panamá, Puerto Rico y el resto de Latinoamérica, siendo a partir del 2000 gran influenciador de toda la música urbana, así lo explica el “El Chombo” en uno de sus videos. Por otra parte, dentro de los países con mayor influencia se han visibilizado Puerto Rico y República Dominicana debido a sus representantes artísticos, llegando a la conclusión que en su mayoría son artistas dedicados al reggaetón que sacan una o dos canciones de dembow y se mueven dentro de

los diferentes géneros de música urbana. Gracias a estos artistas se ha incidido en una forma específica de vestuario con la que se puede identificar a los seguidores de este género; así mismo se ha creado un estilo de vida y una comunidad. El Streetwear, que es su estilo de vestuario, combina la comodidad y tendencias callejeras, sin dejar de lado el lujo, siendo su principal característica la versatilidad de las prendas y sus múltiples usos.

Para las mujeres se retoman prendas de los 80’s como las chaquetas de talla grande de muchos colores, estilo “El principe del Rap”, jeans estilo Boyfriend con múltiples desgastes o rotos y sudaderas de grandes proporciones, también se caracterizan por sus peinados con trenzas adornadas, maquillaje recargado de color al igual que las zapatillas, buscando siempre la comodidad para poder bailar, pues este demanda muchos movimientos bruscos, sin dejar de lado la sensualidad. En cuanto a los hombres, también portan chaquetas grandes, tipo bomber, vaqueras con mucha decoración, camisetas holgadas y pantalones ajustados, zapatillas coloridas con estampados y apliques con lettering, estos se caracterizan por ser en Blanco y negro, además de llevar el nombre de la marca, pues la idea es estar dentro del mercado de lujo. En Bogotá se destacan Cacao Blunt y Casa Babylon en Chapinero, Bellagio bar Bogotá en el Centro y El Pepino Bogotá en la 85, asimismo hay muchos otros bares y discotecas en los que, además de pasar una noche de fiesta, ofrecen entre semana cursos para aprender a bailarla. El evento más influyente para esta comunidad, y en donde podemos evidenciar la importancia de este fenómeno, es el Festival Jamming, uno de los eventos más importantes en Latinoamérica, donde participan grandes exponentes de este género urbano. En conclusión, esta es una invitación para conocer este género y todos los demás que han sido derivados del Hip-Hop y el Reggae, pues representa a una comunidad que lo sigue y que están evolucionando.

Referencias Bibliográficas Amezcua, M. Este es el origen del dembow y la primera canción que lo menciona (2018). Recuperado de https://win.gs/2GdLxeu

ELLAS CONQUISTAN EL BOMBO Y CAJA CON LÍRICAS Y POESÍA Por Jennifer Camargo y Angela Velásquez Fotos: Sergio Salazar y Pixabay

En la cultura hip hop lograr un lugar respetado siendo mujer, ha tenido un proceso que se debe valorar En los últimos años el Hip Hop ha tenido grandes cambios, tanto en la estructura musical como en la moda, y con ello la llegada poderosa de las mujeres en la cultura, gracias a su constante lucha por tener una voz protagonista, exigiendo la igualdad de derechos y el respeto. Hiphoperas como Nira Ce, nos cuenta cómo ha logrado un puesto importante dentro de este mundo agresivo y poco incluyente, como lo ha sido el Hip Hop en Bogotá. “Nira, hablando como artista, es la única representante de este género en Bogotá que no pertenece a un sello disquero, no pertenece a un club o cosas del distrito, colectivos feministas ni nada de eso, esto es sudor, sangre y mis ganas de salir adelante, con la gente que me cree y que yo contrato para que trabajen conmigo”.

Foto: Sergio Salazar

Foto: Pixabay

Con la acogida del género en los años 70’s se comienza a evidenciar un tipo de vestimenta particular, la necesidad de diferenciarse entre grupos musicales del Bronx, en la ciudad de Nueva York, gracias a que los hiphoperos comenzaron a utilizar la ropa de segunda que a los ‘blancos’ no les quedaba por lo general prendas talla XL o XXL, surge así la tendencia de moda en donde se usaban prendas extra grandes y prendas al revés. En los últimos años se ha visto como marcas conocidas han tomado estos hábitos del inicio de la cultura, para transformarlas y convertirlas en tenencia, uno de estos estilos fue la camisa leñadora, que “en un principio surgió de la necesidad de las mujeres por vestirse y vestir a sus hijos durante la gran depresión en Estados Unidos; en esta época, los sacos de harina tenían tejido de cuadros, lo que fue aprovechado por mujeres para elaborar camisas; cuando las fábricas se dieron cuenta que las mujeres hacían esto, comenzaron a sacar diseños diferentes, todo esto nació de la necesidad” relata Nira, hiphopera bogotana. Otra de las tendencias más marcadas y que aún está vigente es el uso de zapatillas Jordan y botas Timberland, estos zapatos hacían parte de la vestimenta de las clases

bajas, ya que los obtenían en compraventas y ropa de segunda, dejada por personas de estratos altos, esto en el caso de las zapatillas Jordan, pero las Timberland, eran las botas de trabajo de los obreros, así que al no contar con recursos para adquirir otro calzado, utilizaban estas todo el tiempo, convirtiéndose en un icono de la cultura Hip Hop. Es por esto que cada Hiphopera bogotana ha reinterpretado y creado su estilo, porque evidenciaron que la mujer era vista como el adorno del videoclip de un cantante de hip hop y no por sus líricas o su estilo al rimar. Vestir ancho dejo de ser una moda masculina, las chicas como Sweetkilla, Kt. Dosis, Lianna y Vivian Oranch empezaron a combinar los atributos de la mujer con lo ya impuesto, surgiendo así la seguridad y empoderamiento femenino en la cultura. Dándose paso lograron ser respetadas por sus letras y talento, obviando sus características físicas. Referencias Bibliográficas Paskual, I. El Bronx: el verdadero origen del hip hop (2017). Recuperado de https://bit.ly/2uRPjHW

El Kpop es la expresión artística y cultural que lidera la expansión del Hallyu la denominada “Ola Coreana” (Hallyu Korean Wave The official website of the Republic of Korea, 2019). Nace en Corea del Sur en la década de los noventa, influenciado por otros géneros musicales provenientes de Japón y Estados Unidos como el jazz, hip-hop, la música electrónica, el Jrock y Jpop (Gendler, 2017, p.3). dando paso a un nuevo estilo con canciones interpretadas en coreano con algunas palabras en inglés y español.

KPOP,

UNA EXPRESIÓN DE CONFIANZA QUE SUPERA EL GÉNERO MUSICAL Escrito por Andrea Chiappe y Daniela Rico Foto: Andrea Chiappe

Su atractivo radica en la presencia de Idols, jóvenes entre 15 y 25 que han sido seleccionados por diferentes agencias musicales y entrenados para debutar y triunfar, no solo como cantantes sino como actores y modelos. El formato que los ha lanzado a la fama mundial son llamativos videoclips con coreografías complejas, donde la puesta en escena define el género y presenta a los múltiples integrantes de cada grupo como ideales a imitar, tanto en imagen como en comportamiento, por ello deben cuidar sus acciones y mostrar su mejor faceta al público.

Las tendencias de occidente en los grupos de pop coreano, amplían el espectro cultural de la reinterpretación de la moda, inspirando a los fans a expresar libremente su identidad

En un país donde la cirugía plástica hace parte de la vida cotidiana, las mujeres en Corea sienten presión de mantener una imagen prístina y muy femenina, gracias al Kpop han empezado a adaptar elementos considerados masculinos como el cabello corto o rapado, combinando prendas como suéteres, sudaderas y overoles oversized; así mismo, los hombres están experimentando con siluetas más fluidas, optando por chaquetas largas, camisas estilo kimono y estampados coloridos desdibujando los límites de género como en el caso de Ren de la agrupación N’UEST. Redes sociales como Instagram han permitido a los jóvenes coreanos el acceso a las tendencias de Streetstyle del mundo, el Kpop las implementa dentro de su estilo tomando varios elementos de occidente, despojados de su significado original y re-interpretados en su contexto para crear un look único. Una característica que ha llamado la atención no solo de los fans que siguen las bandas sino de diseñadores de talla mundial como Jeremy Scott, que encontraría en CL su musa y en el grupo 2NE1, inspiración para su colaboración con Adidas; asimismo, Karl Lagerfeld nombró a estrellas del kpop como G-Dragon, líder de la agrupación Big Bang, Siwon de Super Junior, Suzy de Miss A y Park Shin Hye, una de las actrices más reconocidas de Corea, como embajadores de su marca.

Colores y siluetas de los 90’s, accesorios en cuero de estilo bondage, junto con camisetas básicas y retro como en el caso de la agrupación BTS se usan en la cotidianidad. Elementos de la moda hip hop y rock como chaquetas tipo bomber con parches, jeans rasgados, botas Timberland y Dr Martens acompañados de un constante cambio en peinados y colores vivos de cabello hacen que el estilo del Kpop sea una mezcla de elementos personalizables que se pueden encontrar en cualquier almacén. Gracias a redes sociales como Youtube, Facebook, Twitter y Amino de Corea, la expansión de la “Ola Coreana” (Kim 2013) ha llegado a países de habla hispana como Colombia, donde el interés ha sido tal que muchos de los jóvenes han comenzado a estudiar coreano, consumir comida típica y vestirse o maquillarse como sus ídolos, convirtiéndolo en un estilo de vida. Daniel Espitia, diseñador de moda y fan del Kpop desde el año 2010, no le teme a experimentar con prendas, usando colores pasteles como el rosa y aguamarina, mezclandolas con prendas masculinas. No tiene un lugar específico para conseguir sus prendas, le gusta comprar ropa en tiendas como Zara e intervenirlas haciéndolas más llamativas por medio de cortes, enfocándose en lo que le parece más importante, los detalles.

36 La influencia coreana no es una novedad en el país, cada vez tenemos más acceso a sus contenidos con programas como Kpop by LG y el Kpop World Festival, una competencia de baile y canto organizado anualmente por el Ministerio de Asuntos Exteriores de Corea del Sur, con el apoyo de agencias gubernamentales en Colombia, logrando reunir una alta cantidad de espectadores. En Bogotá, el punto de encuentro en redes sociales es el grupo de Facebook Kpop Bogotá que opera desde el 2011, manteniendo el contacto entre las fans y sus grupos favoritos por medio de eventos, concierto y noticias. Referencias Bibliográfícas Gendler, M. (2017). Cuando el KPOP conoció Internet (e Internet conoció al KPOP): retroalimentaciones dentro de un fenómeno global en crecimiento. Recuperado de https://bit.ly/2UrBQTc Simón Eiras, R. (2019). Repercusiones sociales de género de la Ola Coreana (Hallyu) Recuperado de https://bit. ly/2OAZDL2 Victoria Molnar (2014) La Ola K-Pop Rompe En América Latina: Un Fanatismo. Transnacional Para Las Relaciones Exteriores De Corea Del Sur (2019). Recuperado de https://bit.ly/2I002FP

EL ROSTRO DETRÁS DE POISON, UNA DRAG QUEEN Por Lina Tatiana Gonzalez, y Daniela Pinzón Pineda Foto: Danna Rivera, Sergio Durán, Felipe Morales. Locación: Ragnarok Viking Pub Modelo: Nicolás Asprilla

Con su estilo irreverente conquista un mundo al que nunca imaginó llegar

Foto: Sergio Durán

Nicolás Asprilla es un joven de 21 años, estudiante de Mercadeo de Moda en LaSalle College, fotógrafo y maquillador; dueño de una personalidad arrolladora y abierto a todas las posibilidades de vestuario, desafía sin temor todos los estereotipos que impone una sociedad conservadora, utilizando prendas de hombre o mujer.

39 Ha sabido lidiar con las miradas y opiniones que genera su estilo, mas no siempre fue así. Al finalizar el colegio sintió curiosidad por la moda, explorando emociones a través del uso de distintas prendas que le llamaban la atención. Su gusto por la ropa femenina lo consiguió luego de encontrar dificultades con ciertos pantalones que no se ajustaban a su cuerpo, por lo cual optó por probarse unos de su mamá que se acoplaban perfectamente a él.

PERSONAJES

Cuando visitó Europa reafirmó su gusto por crear nuevas combinaciones que actualmente le brindan, no solo comodidad, sino libertad a la hora de expresarse. A partir de esa experiencia, se forjó la convicción de acabar con la estigmatización, el expresa que “te puedes vestir como tú quieras, no está mal, tienes que saber defender la manera en cómo quieres verte, las prendas que desees usar, sin importar la opinión de los demás”.

Sus referentes de moda incluyen a Ezra Miller, un actor que cuestiona la distinción de género en la moda, protagonizando los estilos más extravagantes a nivel global; de igual manera siente admiración por Tutina de Santos, quien se ha consolidado como un icono que busca comunicar su estilo a nivel nacional. Decidió ingresar al mundo artístico de los Drag Queen, cuando un fotógrafo decidió invitarlo a una sesión de modelaje, junto con representantes de este estilo, donde se enamoró y se consolidó como uno de los iconos de este mundo en Bogotá.

Foto: Felipe Morales

Foto: Danna Rivera

Foto: Sergio Durรกn

Foto: Danna Rivera

Expresa que al principio fue difícil conseguir la aceptación de esta comunidad, pero con el paso del tiempo, bajo el nombre de “Poison’’, logró establecerse como miembro activo de los Drag Queen, esto se vió reflejado en la marcha del Pride 2018. Actualmente define este arte como una parte vital de su vida “no es que las personas se quieran vestir de mujer para llamar la atención, sino que en ocasiones desean llenar vacíos, lo cual nadie entiende hasta que forma parte de esta comunidad”. En el futuro Nicolás quiere terminar su carrera, viajar a Europa, trabajar allí e involucrarse en la industria de la moda colombiana, para producir un cambio, pues señala que en Colombia la “industria es muy cerrada de mente, hasta ahora se está adaptando a cosas que vemos de hace tiempo y aún siguen sorprendiendo’’.

Con el paso del tiempo conviven Poison y Nicolás, aunque a veces el uno extrañe al otro, la mezcla de los dos hace que su vida se complemente. Referencias Bibliográficas Holland, B. (2018). How Activists plotted the first gay pride parades. Recuperado de https://bit.ly/2JqHfBn López, P. (2018). La escena drag en Bogotá y el país, cada vez más fuerte y potente. Recuperado de https://bit.ly/2Q86hcH

Foto: Felipe Morales

ROCCA, EL INSURGENTE CRIOLLO DE LAS RIMAS PARISINAS Por: Ae Quijano y Carolina Velandia Barbudo Fotos: Larit Guerrero

El rapero conquista las fronteras navegando entre dos lenguas, amante del arte musical africano que, con versos llenos de mezclas culturales, impregna su estilo original

El rap es una herramienta ideológica manifestada en líricas, de vidas caóticas, que cuentan historias, algunas narradas sobre armas, enfrentamientos de bandas, de sociedad o de ámbito político; sin embargo la Moda hace parte de su estética, pues es una fusión entre lo “old school’’ con lo moderno, una mezcla cultural expresada por uno de los artistas de la escena más reconocido a nivel nacional: Sebastián Rocca. Este multifacético artista, nacido en París, pero Colombiano de padre y madre no se deja encasillar. Considera que el arte es diverso, pues abarca todos los ritmos, influencias, escenas. Desde muy jóven se vió rodeado por una familia de músicos, lo que dejó plasmada en su esencia una gran sensibilidad heredada tanto de sus padres, artistas plásticos como tíos folkloreros en todo el sentido de la palabra. La “Ciudad Luz” lo vió crecer, formarse como rapero, lanzarse al estrellato de esta escena, pues este magnífico lugar le permitió entretejer vivencias multiétnicas, aunque actualmente reside en Bogotá va pasando de un lado al otro, uniendo pueblos con su canto. Su comienzo en la música fue como el de cualquier joven que se reunía con sus amigos de barrio, formando clanes, desafiandose entre sí, con frases improvisadas que terminan en rimas. Como inmigrante en París, resaltó por su manejo de dos idiomas, el español al tiempo que el francés; esto hizo que surgiera en él la curiosidad de escuchar a raperos locales y americanos, impulsandolo a mejorar sus arreglos melódicos, para encontrar progresivamente su esencia. Por consiguiente, fue con La Cliqua grupo de rap parisino de los años 90’, que ascendería en su carrera profesional sin imaginar las dimensiones, en donde adquirió importantes conocimientos, pues aprendió las disciplinas necesarias de la cultura del hip hop.

La gran pandilla conformada por MC’s, compuesta por vocalistas, djs, los mejores grafiteros, bailarines, productores del underground; fueron quienes lo estructuraron para su formación, como si se tratara de una pieza artística donde se van contando historias en cada escena, combinando diferentes ritmos con sonidos cargados de poesía, llenos de poderosos escritos, para así llegar a convertirse en la banda más influyente de París dentro del género del rap. La marca de ropa de streetwear llamada WRUNG, nacida en las calles parisinas en el año 95 de espíritu libre y influencia cultura urbana, fue creada por un grupo de amigos, artistas grafiteros apasionados, quienes introdujeron a Rocca al mundo de la Moda, volviéndose una de las caras de esta importante insignia. Con el impulso mediático logrado por La Cliqua, obtuvieron mayor fuerza para ser reconocidos, realizando un trabajo conjunto logrando visibilizar el estilo que ofrecían,a los mismos diseñadores y por supuesto a los cantantes como él lo menciona ‘’Siempre han estado a mi lado, me han apoyado en todo lo mío, son amigos de verdad, Wrung es familia’’.

Con esta experiencia procedente del Fashion World y de la mano de su esposa Laritza Guerrero crearon un concepto procedente a sus raíces: con una identidad indígena, africana, local en su máxima expresión de autenticidad. Sebastián siente orgullo de ser CRIOLLO, nombre con el que decidió bautizar su marca un año antes del lanzamiento en el 2015 con el slogan “Latinos por el Mundo”, con una colección de gorras que lograron hacer eco, gracias a colaboraciones de la talla de importantes artistas como ChocQuibTown, Dj Cas, entre varios. Sin embargo, este camino ha sido complejo, rudo, pues la fuerza para expresar sus líricas tiene un componente distinto al del ritmo que impone el depredador mundo de la Moda, “ ahora llegó el momento de crear cosas más grandes y desarrollar la marca de verdad” Rocca enfatiza, los planes y proyectos no paran.

En efecto por toda esta conexión, desde el seno familiar, desde sus experiencias, Rocca expresa ‘’Soy pacífico, soy selva, monte, valle o mar, me siento Colombiano sin pretender defender una región más que otra; mi familia es Santandereana, mi esposa caucana, amo tanto el folklore del pacífico como el de los llanos, desde un bambuco viejo, un contrapunteo, el currulao hasta una cumbia; me pertenece por herencia cultural porque crecí oyendo y viviendola’’. Con emoción cuenta que sus instrumentos favoritos son de percusión, pues se alimenta de los golpes de los bongos a la hora de componer, entendiendo la música, con sus rimas, con su flow.

En su constante evolución logró pasar de las escena rapera parisina al mundo latino junto al grupo musical Tres Coronas, agrupación formada en el año 2001, por un colombiano P.N.O, un francés (ROCCA), un dominicano REYCHESTA, en Queens, Nueva York, dejando un legado significativo en la cultura Colombiana, de gran influencia para el rap latinoamericano. Luego tomó la decisión de lanzarse como solista en 2012 con un álbum en francés titulado “Le calme sous la pluie” (Calma bajo la lluvia), es ahí donde comienza a conectar sus dos culturas, los dos países que ha querido con locura, para mostrar sus trabajos en las lenguas que le han dado tanto.

Todos sus éxitos, sus derrotas, sus vivencias lo han llevado al punto en el que hoy se encuentra: listo para lanzar su nuevo disco “Cimarrón” donde conjuga los dos idiomas a pesar de sus diferencias lingüísticas el francés y español de manera poética logra mezclar colores, sabores, ritmos, culturas, uno de sus trabajos más completos, enriquecidos por los distintos tonos que ofrecen Colombia y Francia. “Un nuevo proyecto que tenemos con Sebastián es nuestra fundación Escuela del Arte, por medio de la cual queremos transmitir e impulsar todos estos conocimientos artísticos, que hemos tenido la oportunidad de aprender, a jóvenes que quizá no han tenido las mismas oportunidades pero tienen las ganas, el talento y la vocación para hacerlo” explica Laritza, agradecida, esperanzada en poder dar oportunidades como las han recibido ella y Rocca.

Referencias Bibliográficas Durán, R. (2017). Rocca: De Bogotá a París (round trip). Recuperado de https://bit.ly/2GvgXgV Goodka, D. (2011). La Cliqua - freestyle et interview Rocca des 90s. Recuperado de: https://bit.ly/2UR9eE8 Juan, J. (2017). La Edad de Oro del Rap por Rocca, Marko 93 y Dj Kodh Radiónica. Recuperado de: https://bit.ly/2ICgBIP

''Soy pacífico, soy selva, monte, valle o mar, me siento Colombiano sin pretender defender una región más que otra; mi familia es Santandereana, mi esposa caucana, amo tanto el folklore del pacífico como el de los llanos, desde un bambuco viejo, un contrapunteo, el currulao hasta una cumbia; me pertenece por herencia cultural porque crecí oyendo y viviendola''.

Nicki Zarama, un personaje de fantasía en el mundo real Por Daniela Rico Camelo y Andrea Chiappe Fotos: Danna Rivera, Sergio Durán y Felipe Morales,

Entre lazos y felpas nos sumergimos en el imaginario de una niña fresa de Bogotá 52

53 Nicole Zarama es una joven Bogotana de 23 años, estudiante de comunicación gráfica en la Uniminuto que desde 2013 combina su vida de estudiante con la de harajuku girl, un concepto de vestir Japonés, que recibe su nombre por una de las calles más frecuentadas de ese país donde los jóvenes se pasean expresando su identidad a través de la moda. Explorando en internet sobre el mundo del cosplay y las tendencias de street style asiáticas, lo primero que le llamó la atención fueron los lentes que aumentan el tamaño de la pupila, circle lenses, que se usan para lograr un aspecto de muñeca, esto le despertó más curiosidad y decidió seguir investigando sobre diferentes estilos. En esa búsqueda encontró el Ulzzang de Corea, que traduce “de buen rostro”, una subcultura entre los jóvenes coreanos, japoneses y chinos quienes llaman la atención por su apariencia atractiva y tierna.

Foto: Sergio Durán

Foto: Felipe Morales

N Hombres y mujeres buscan lucir un rostro perfecto y natural donde los ojos son protagonistas, por eso utilizan dichos lentes, junto con pestañas y delineadores que les alargan la mirada 55 haciéndolos lucir casi como un personaje de anime. Su estilo de vestir se rige de acuerdo a las tendencias del momento y cabe resaltar que muchas veces se vuelven referentes de moda para muchos otros jóvenes que buscan parecerse a ellos. Su curiosidad la llevó al estilo Gyaru, una subcultura popular en Japón que comenzó como una forma de expresión para las jóvenes de preparatoria, quienes inconformes por los cánones de belleza decidieron crear su propio estilo. Se vestían de manera llamativa y colorida con maquillajes recargados inspirados en el prototipo de mujer rubia bronceada de California. Ha evolucionado radicalmente y en la actualidad se han enfocado en resaltar la belleza natural con peinados más elegantes como el long bob y con un estilo de vestir basado en las tendencias de la marca Uniqlo.

Foto: Felipe Morales

Descubrió el estilo Lolita, también originario de Japón, que busca mezclar corrientes juveniles, resaltando características como la inocencia y la dulzura, con la vestimenta de la aristocracia de épocas pasadas como del Rococó, el Barroco y la era Victoriana. Nicki usa dicho estilo cuando asiste eventos especiales, pero finalmente encontró en el estilo Kawaii un espacio para experimentar; esta cultura se enfoca en la ternura, lo bello e infantil, permitiendo a los jóvenes expresar su individualidad a través de atuendos muy coloridos con variedad en los accesorios. Tiene una relación estrecha con el cosplay y casi siempre sus amantes buscan personificar personajes de anime, manga o sus íconos favoritos. Nos cuenta que ama el rosa, todo lo que es tierno y cute, aplicándolo diariamente en su vestuario con tendencias más modernas del street style japonés, que considera un estilo muy expresivo, lleno de color, rico en texturas y capas. Actualmente está experimentando con el estilo Larme Kei, que aunque no hace parte de las subculturas harajuku japonesas se ha popularizado en occidente. Éste recibe el nombre por una revista popular en Japón que muestra las últimas tendencias incorporadas a una cultura que evoca la imagen de una chica dulce, sofisticada con un aire de inocencia y feminidad. Para la revista Larme “muchas niñas en Japón tienen como prioridad verse tiernas y femeninas. Se puede decir que es similar a las mujeres de occidente que quieren verse sexy y maduras, ya sea por atracción o por autoestima” (Oran, 2018).

Foto: Felipe Morales

Nicki hace parte de Harajuku kids Colombia, una comunidad que busca reunir gente que ha adoptado esta estética, además de crear un espacio para intercambiar ideas y visibilizar lo que se ha convertido en una creciente tendencia en el país. Gracias a ellos ha tenido la oportunidad de asistir a eventos con códigos de vestuario como fiestas de té, ferias y pasarelas, así como hacer producciones fotográficas con atuendos mucho más elaborados, que pueden tomar entre una y dos horas para completar su vestuarios. Siguiendo la premisa del “hazlo tu mismo” que caracteriza a la comunidad harajuku, Nicki confecciona casi toda su ropa, compra algunas cosas por internet pero prefiere apoyar los emprendimientos locales, que considera muy originales, de buena calidad y precio. Expresar su identidad a través de una moda tan llamativa, es algo que para Nicole es completamente natural, pero es consciente que en Colombia, especialmente en Bogotá, aún falta mucha aceptación. Se ha acostumbrado a ser objeto de miradas curiosas y a veces con desdén, pero prefiere ignorar las opiniones negativas, encontrando graciosas las reacciones de sorpresa.

Descubrimos que su afinidad con estos estilos son sólo una faceta de su personalidad, detrás de sus ojos grandes, voz suave y orejas de conejo de peluche, hay una niña enérgica de múltiples matices, que nos invita a salir del molde y atrevernos a ser nosotros mismos. Nicki resume su experiencia con las siguientes palabras “ser harajuku girl me permite comunicarme con mi estilo, expresando mi personalidad; no es solo salir con atuendos llamativos, es usar lo que te hace sentir bien, no tienes que seguir reglas, puedes expresarte libremente con la ropa y los accesorios que desees”.

Foto: Sergio Durán

Referencias Bibliográficas Estudillo, J. (2019). Llegan las Lolitas: una moda que crece y se extiende desde Japón. Recuperado de: https://bit.ly/2LJoZZB Larme-kei Does Not Exist. (2019). Recuperado de https://bit. ly/2Q2JVcD My Modern Met. (2019). What is Kawaii? Discover What Led to Japan’s Culture of Cuteness. Recuperado de https://bit.ly/2JFj32R Writers, Y. (2019). Defining The Gyaru Girl: A Look Into Japan's Gyaru Culture | YABAI - The Modern, Vibrant Face of Japan. Recuperado de: https://bit.ly/2IN7Dp1

ECO-LOGICA

Anfibia, en la piel de la marca Por Ae. Quijano y Carolina Velandia Barbudo Foto: Diego Pedreza y Ae Quijano

Viviendo una transformación, de la tormenta a la calma con estilo responsable se movilizan algunos ciclistas en Bogotá Ana María Vásquez, mercadóloga, y Diego Pedraza, realizador audiovisual, son dos jóvenes creadores de la marca Anfibia. Influenciados de profesiones entrelazadas obtienen una sensibilidad flamante desde sus dos ángulos, uno con miras al marketing y el otro más artístico y visual, lograron transformar los sencillos impermeables en prendas con diseño, imitando la alta costura, interpretándose sobre materiales repelentes al agua. Un estilo nuevo que se ver por las calles de Bogotá.

El nombre viene de la palabra αμφίβια o amfivia en griego, traida entonces a la lectura en español anfibia. Sus creadores quisieron retomar, dentro de su concepto, los aspectos de estos animales, como su piel repelente a los líquidos, el juego entre agua, tierra, y los colores en cada uno de los raincoats. También se divierten con la variedad de tonalidades translúcidas que, en muchas ocasiones, dejan ver el outfit que se lleva debajo. Todo inició cuando decidieron reinterpretar un básico como es la gabardina, logrando llevarlo al PVC, elemento del cual están hechas todas sus referencias. Este es un material derivado del vinilo cuya composición lo hace impermeable y consistente, pues según Valencia, C. (2010) es “resistente y liviano: Su fortaleza ante la abrasión, bajo peso (1,4 g/cm3), resistencia mecánica y al impacto, son las ventajas técnicas claves para su elección.” Sumado a esto la idea de volver un producto más estético, conservando su funcionalidad. Lo que los sorprende a ellos es el alcance a su público, pues además de tener el nicho de las “bicis” , las motos, siguen expandiéndose a plazas internacionales, según cuenta Diego “el producto gusta tanto que varios de los países Nórdicos nos escriben para pedirnos. Ya tenemos convenios con empresas de transporte que nos dejan en un buen precio los fletes para comenzar exportar”.

Puede incluirse la frase back to the basics, donde a partir de lo esencial, se apela al deseo de los consumidores apetentes de este tipo de productos. Las referencias varían desde chaquetas, pantalones, gabardinas, cubre maletas para andar en bicicleta, entre otros, todas pensadas y producidas con bases en la alta costura incluyendo detalles elaborados, llamativos con componentes radiantes; buscan que sus bases textiles sean suaves y funcionales ante los cambios climáticos, resistentes y duraderos. Sus prendas son tan prácticas que se pueden guardar en una pequeña bolsa directamente en el morral. Algunos de los clientes llegan pensando que son prendas muy llamativas, pero al probarlas se sienten bien, según explica Ana María, además de que “son personas más arriesgadas que quieren verse diferente”. Adicionalmente, las prendas son originales y bien diferenciadas de las de la competencia, pues no son confeccionadas de modo tradicional, no se observa una sola costura, ya que estas son producidas por medio de máquinas de termosellado permitiendo así la impermeabilidad total de cada pieza. Los diseños son estandarizados manteniendo el concepto elemental, con estilos variados y tonalidades armoniosas que juegan con el atuendo de las personas. La variación de colecciones es reducida debido a la complejidad en el ensamble, sin embargo juegan con los básicos, transformando bolsillos, cortes, cremalleras, botones y colores, además de contar con la posibilidad de personalizar el producto, o incluso arreglarlo si es el caso.

Una manera de ser sostenibles es que los artículos que venden, luego de cierto tiempo pueden ser utilizados como forma de pago para uno nuevo, obteniendo un descuento. La mercancía que es reingresada se le da otra vida, ya sea con arreglo, renovandola o creando un nuevo artefacto. Esto lleva a que sea casi nulo el desperdicio, además de mantener contacto con los clientes, generando fidelización con la marca. Su fuerte es la venta directa de manera online, a través de sus redes sociales, como Facebook e Instagram, aunque también cuenta con clientes institucionales, distribuidores en Bogotá como principal sede, y en otras ciudades como Manizales, Tunja, Medellín. En la capital comercializan en diferentes lugares, como tiendas independientes, ferias importantes como Estéreo Picnic, Oktoberfest, Expobike Colombia, entre otros eventos. Se pueden encontrar las prendas con precios desde $45.000 hasta $130.000, dependiendo del artículo a comprar. Actualmente están trabajando en potencializar la marca a nivel internacional, estudiando nuevos mercados e incursionando en otros nichos.

Referencias Bibliográficas VALENCIA, C. (2010). La Ciencia y el Bicentenario III. Recuperado de https://bit.ly/2Vejuqb

Black Is Gold,

moda vintage con sentido de reciclaje

Por Luisa Fernanda Mora y Tatiana Alvis Fotos: Camilo Giraldo, Catalina Garcés, David Castro

La marca bogotana que ayuda al medio ambiente, rescata el estilo afroamericano de los 80’s y 90’s en New York En los últimos años ha habido un furor por la ropa vintage a nivel mundial y Bogotá no es la excepción para adoptar esta nueva tendencia. Elvia Robledo, Diseñadora Industrial de 33 años, en su adolescencia notó que las marcas tenían los mismos conceptos, por esto empezó a comprar en las tiendas de segunda mano de la época; con el tiempo le surgió la idea de suplir la necesidad de muchas personas que como ella, querían tener un estilo con prendas y accesorios únicos. Así da vida a Black Is Gold, un concepto que se enfoca en traer a la actualidad, el gusto por la ropa que usaban las poblaciones afro descendientes de los barrios más populares de New York entre 1980 y 2000; El look que se utilizaba en nueva york era el de "guerrero rebelde" que pronto se transformó en los primeros estilos B-Boy, los que el fotógrafo de street style, Jamal Shabazz, fotografió con el fin de capturar el orgullo y la dignidad de la comunidad. (Brumfitt, 2015), el concepto, influenciado por el hip hop en su mayoría, se plasma en prendas con estampados retro, colores fuertes y neones, materiales como denim, cuero, sintético, seda, tejidos de punto, complementando las siluetas rectas, al cuerpo y holgadas.

Elvia asegura que “vender ropa de segunda mano contribuye al medio ambiente porque las prendas que confeccionan ahora son muy desechables, generan mucha contaminación, cuando compras y usas ropa vintage, tienes prendas para toda la vida porque son de 20 o 30 años, pero están en perfecto estado, ahora compras un jean y al mes ya está muy desgastado, esto es un reciclaje para darle un respiro al planeta. “la industria de la moda produce el 20% de las aguas residuales y el 10% de las emisiones de carbono en el mundo” (CMNUCC, 2018). Black Is Gold vende prendas únicas por el concepto y el origen de las mismas, cuando surgió la idea de crearla, dos meses fue el tiempo para la búsqueda del nombre, investigación de mercado, creación de las páginas en redes sociales y definición del público objetivo, que serían personas entre 28 y 35 años. Los compradores de hoy en día son diseñadores, fotógrafos, bailarines y publicistas.

Black Is Gold vende prendas únicas por el concepto y el origen de las mismas, cuando surgió la idea de crearla, dos meses fue el tiempo para la búsqueda del nombre, investigación de mercado, creación de las páginas en redes sociales y definición del público objetivo, que serían personas entre 28 y 35 años. Los compradores de hoy en día son diseñadores, fotógrafos, bailarines y publicistas. La agrupación colombiana de música hip hop ChocQuibTown y diferentes artistas se han acercado a obtener prendas de la tienda, no obstante personas menores del rango de edad, han visto de moda el concepto de comprar vintage y hacen parte de sus clientes.

Black Is Gold, vende a través de sus redes sociales de Instagram y Facebook, además de su punto de venta ubicado en la casa de Elvia, su otra tienda ubicada en el sector de Chapinero y participando en ferias de la ciudad como Black Vintage que se realiza cada tres meses, cuyo objetivo es atraer nuevas audiencias para expandir el concepto en el mercado.

BG afirma que la competencia en este mercado ha aumentado de manera significativa en los últimos años, algunas personas ahora van directamente a las tiendas de compra y venta en Chapinero, o a lugares como la Plaza España ubicada en el centro de Bogotá, donde la búsqueda profunda es la clave para tener cosas únicas; sin embargo, se mantienen en el mercado y con clientes fieles por ser un concepto diferente, con precios asequibles. Bogotá escenario para todo y todos, apuesta a las estrategias de mercado que son básicas en muchos países del mundo, para así estar a la vanguardia de la moda internacional y aportar a la economía en general. Referencias Bibliográficas Brumfitt, S. (2015). Fresh Dressed: El legado del hip hop en la industria de la moda. Recuperado de https://bit.ly/2EaB03W CMNUCC (2018). La ONU ayuda a la industria de la moda en su transción hacia una economía baja en emisiones. Recuperado de https://bit.ly/2NWBRYY

FIBRA DE PET, UNA TENDENCIA ECOLÓGICA QUE LUCHA POR QUEDARSE Por Daniela Rico Camelo y Andrea Chiappe Fotos: Andrea Chiappe

Mediante el reciclaje de botellas de plástico y otras alternativas, la industria del denim busca minimizar el impacto ambiental

La contaminación producida por la industria de la moda es una de las más altas, el sector con mayor impacto ambiental es el denim, con uno de los patrones de producción más preocupantes (Osorio, 2018), pues requieren largos procesos en donde el uso de agua que se requiere es excesivo, aproximadamente 10.000 litros se utilizan en un jean en todo su proceso productivo (Ademe.fr., 2019), donde la energía y los químicos son protagonistas. Solo un pequeño porcentaje de las lavanderías industriales a nivel nacional cuentan con plantas residuales, el resto vierte los desechos químicos en corrientes vivas de agua. Según un diagnóstico ambiental realizado por la Universidad Francisco José de Caldas acerca de los vertimientos de lavanderías industriales, sólo el 60% de estas lavanderías realiza algún tipo de tratamiento a las aguas residuales (Velázquez et al., 2019,p.33-36). Además, se han realizado numerosos estudios alrededor de la práctica encontrando sustancias peligrosas y potencialmente cancerígenas (Greenpeace, 2012), el ciclo de vida de un jean representa un 48% de efecto gas invernadero (Fossati,2019), sumado a un sinnúmero de colorantes, pesticidas e insecticidas. Cifras como estas multiplicadas en escala mundial crearon la necesidad de desarrollar métodos alternativos de cultivos, producción de fibras y acabados menos contaminantes.

Es por esto que comenzaron a crear fibras de poliéster a base de botellas recicladas, la marca PET presenta a la industria una manera de atacar dos problemas de frente: la fase de cultivación de algodón que es la que más agua consume y el tiempo de descomposición del plástico, por ejemplo 1 de cada 30 animales se sofoca con desechos de este tipo, (Pearce, 1995, p. 26-31). Las empresas de textiles y los diseñadores colombianos han apostado a propuestas menos contaminantes siendo ENKA y Fabricato las pioneras en la producción de fibras con plástico y denim a base de dicho material respectivamente. El proceso requiere de una selección de las botellas por color, sin tapas y etiquetas para ser posteriormente molidas, las hojuelas que se obtienen se lavan y se filtran para eliminar cualquier residuo. Después de un proceso de secado se pasa al proceso de hilatura y extrusión para su transformación en poliéster, que será combinado con otros materiales para crear un textil de bajo impacto ambiental.

Un jean confeccionado con este material cuenta con cerca de doce botellas que tardarían cerca de cien años en biodegradarse asegura Martha Patiño, directora de producto de Fabricato. En Bogotá Víctor Rodríguez, director y diseñador de la marca Vittorio Bio Denim, quien trabajó durante 18 años en el sector, gracias a su experiencia en toda la cadena productiva del Jeanswear logró crear un producto atractivo con una oferta eco-amigable. Consciente del nivel de contaminación de la industria de la moda y especialmente la del denim, decidió buscar procesos alternativos en materias primas y acabados como la impermeabilización, uso de pigmentos naturales para la tinturación del material y el desgaste con láser para reducir el número de lavadas del jean y uso de químicos.

Es una de las pocas marcas en Bogotá que hace uso de este textil, pero en el camino se encontró con un número limitado de proveedores, ubicados en Medellín principalmente y con el poco interés por parte de los consumidores. Un proceso como el de fibra reciclada implica un incremento en costos y empresas de confección, marcas comercializadoras y clientes finales buscan volumen, diseño y precio. Las consecuencias de su impacto ambiental las ven como algo lejano y dejan al descubierto una animosidad frente al cambio por parte del país y la pérdida de una oportunidad única para la industria de la moda en Colombia.

Referencias Bibliográficas Avnir.org. (2019). An Environmental Product Declaration of Jeans.. Recuperado de https://bit.ly/2UUC0PW Fossati, M. (2019) Carnet de vie d’un jean. Recuperado de https://bit.ly/2HxpsLE Greenpeace.org (2012). Puntadas tóxicas: El oscuro secreto de la moda. Recuperado de https://bit.ly/2Czc2dP Osorio, S. (2018). Estudio de caso del denim y su impacto medioambiental en Fabricato: Sostenibilidad de la Industria Textil. Recuperado de https://bit.ly/2Oh94iR Pearce, F. (1995). Dead in the water. New Scientist, p.26-31. Recuperado de https://bit.ly/2PHy9nC Velázquez, L. et al (2019). Diagnóstico ambiental del sector lavanderías en el Distrito Capital, p.33-36. Recuperado de https://bit. ly/2JuxBSQ

Vegetariano Eco Shoes, marca consciente por el medio ambiente Por Ae. Quijano y Carolina Velandia Barbudo Fotos: Luisa Fernanda Mora

Pioneros en hacer zapatos 100% vegetarianos, ofrecen productos sostenibles con una segunda oportunidad a los materiales reciclables y orgánicos

El nuevo milenio trae consigo una evolución tecnológica e industrial impresionante, por consiguiente, hace cuestionar si causan efectos desfavorables para nuestro entorno. El fast fashion debe dejar de regir las tendencias actuales y las insignias tienen el deber de hacer una transición para que sean sustentables en el tiempo; ellas son responsables de ser una plataforma donde se visibilice lo que está sucediendo en nuestro entorno como lo hace esta marca, pues, según la Fundación Ellen Macarthur, existen casas de Moda importantes como Stella McCartney, diseñadora de moda británica que implementa estrategias como la Economía Circular (2017), abriéndole camino para que iniciativas, como esta, generen impacto en la comunidad. Este emprendimiento Bogotano se encarga de concientizar mediante sus fuertes estampados los desastres ambientales generados por la contaminación y el mal manejo de los recursos, los cuales quedan impresos en prendas de vestir como

chaquetas, vestimentas impermeables, morrales en tela, entre varios accesorios, un aspecto que invita a las personas a pensar diferente, sin depender de un estereotipo definido, desbordando creatividad a la hora de realizar las ilustraciones con un concepto para cada colección. La crisis ambiental a nivel mundial ha dejado de ser tratada como un mito, para mostrarse en cada cambio del clima, huracán, deforestación de los pulmones del planeta o cada desastre natural como un llamado a los seres humanos a reaccionar. Bogotá empieza a sentir los efectos, viéndose obligada a tomar decisiones sobre cómo desarrollar empresas que luchen por transformar el entorno de manera positiva; junto a ello, la industria de la Moda está en vías de transición, adentrándose en crear mayor sostenibilidad con sus tendencias y prendas que actualmente circulan por la capital, como las de Kupa.

77 Ana María Nieto es una de las diseñadoras de la marca que nos cuenta cómo se enfoca en tres temas principales por medio de una narración ilustrada: primero, las olas de migración de especies animales por la desaparición de sus hábitats, o la de seres humanos a otros entornos por desplazamiento forzado; segundo, la de seres vivos que terminan ingiriendo o apropiándose de nuestra basura; tercero, el calentamiento global. Estas son las temáticas que se ven reflejadas en sus estampados, como en la colección SOS de

2018 o en la Museo, donde las ilustraciones muestran una serie de osos polares y pingüinos amenazados por el cambio climático, usando flotadores, refrescos, con algunos elementos que representan la idea de vacaciones calurosas, utilizando la ironía como componente de alerta para resaltar las circunstancias trágicas del hábitat de estos mismos, “más allá de vender ropa, Kupa vende un estilo de vida”, expresa Ana María. La diseñadora recalca la importancia de pasar a la acción y de no quedarse en simples palabras, así es como KUPA ha logrado avances de empaques plásticos a papel, posteriormente a un material a base de maíz biodegradable compostable. Gracias a las conexiones de su socio, dieron con un proveedor que experimentaba con esta, obteniendo el resultado deseado para entregar sus productos a los clientes de manera ecológica, dejando una huella positiva en el entorno, reforzando así el concepto de la marca.

De esta manera consiguen un despertar en la sociedad, provocando un cambio significativo en ella con pasos firmes, brindando un aire fresco que reinventa la forma de comunicar; a través de sus redes sociales invitan a los consumidores o seguidores a participar de charlas sobre el medio ambiente, empoderamiento femenino, igualdad de género, entre varios de sus temas que están relacionados con la colección por lanzar; hablando directamente de los problemas reales que están destruyendo el planeta, para lograr influenciar en el pensamiento y estilo de vida. Por Instagram hacen diferentes campañas como #Cancionesdeducha, que pretende incentivar que la duración en el baño logre ser menor o igual a una canción, sin necesidad de desperdiciar más agua de la requerida. Asimismo, promueven productos que colaboren con este concepto de aprovechamiento del agua, como la compañía AguaLogic, donde se logra volver potable agua contaminada, generando alianzas que propongan ideas innovadoras, ayudando de esta manera al planeta, volviendo Moda un estilo de vida sostenible.

Así como Kupa otras voces se suman a la labor de generar cambios mentales, razón por la cual existe hoy en día un movimiento global sin fines de lucro llamado Fashion Revolution Day, que conmemora a 1.100 trabajadores en el edificio Rana Plaza de textiles, en Savar, Bangladesh para hacer un llamado por la moda sostenible, en más de 100 países; Colombia es uno de ellos. Referencias Bibliográficas Farias, G. (2018). El pulso de la industria de la moda en el 2018. Recuperado de: https://bit.ly/2JzdwKX Macarthur, E. (2017). Economía Circular. Recuperado de: https://bit.ly/2dJpDTD Rubiano, M. (2017). El verde es el nuevo negro, o cómo la industria de la moda podría ser sostenible. Recuperado de: https://bit.ly/2DnSeb1 Salazar, A. (2019). Fashion Revolution Colombia. Recuperado de: https://bit.ly/2WhRwFT

El eco de KUPA: el despertar de la conciencia ambiental y social Por Ae. Quijano y Carolina Velandia Barbudo Fotos: Andrea Chiappe

El último grito de la Moda lo hace el planeta, exigiendo un cambio en los hábitos de consumo: las tendencias en las calles deben estar a favor de nuestra ciudad y entorno

Kupa nace de la idea de ser la voz de conciencia para contrarrestar los efectos del Calentamiento Global, con el fin de lograr transformaciones importantes en la mentalidad ciudadana, valiéndose del diseño como herramienta, venden artículos de moda llevando mensajes contundentes sobre lo que está sucediendo. El nuevo milenio trae consigo una evolución tecnológica e industrial impresionante, por consiguiente, hace cuestionar si causan efectos desfavorables para nuestro entorno. El fast fashion debe dejar de regir las tendencias actuales y las insignias tienen el deber de hacer una transición para que sean sustentables en el tiempo; ellas son responsables de ser una plataforma donde se visibilice lo que está sucediendo en nuestro entorno como lo hace esta marca, pues, según la Fundación Ellen Macarthur, existen casas de Moda importantes como Stella McCartney, diseñadora de moda británica que implementa estrategias como la Economía Circular (2017), abriéndole camino para que iniciativas, como esta, generen impacto en la comunidad.

Este emprendimiento Bogotano se encarga de concientizar mediante sus fuertes estampados los desastres ambientales generados por la contaminación y el mal manejo de los recursos, los cuales quedan impresos en prendas de vestir como chaquetas, vestimentas impermeables, morrales en tela, entre varios accesorios, un aspecto que invita a las personas a pensar diferente, sin depender de un estereotipo definido, desbordando creatividad a la hora de realizar las ilustraciones con un concepto para cada colección. La crisis ambiental a nivel mundial ha dejado de ser tratada como un mito, para mostrarse en cada cambio del clima, huracán, deforestación de los pulmones del planeta o cada desastre natural como un llamado a los seres humanos a reaccionar. Bogotá empieza a sentir los efectos, viéndose obligada a tomar decisiones sobre cómo desarrollar empresas que luchen por transformar el entorno de manera positiva; junto a ello, la industria de la Moda está en vías de transición, adentrándose en crear mayor sostenibilidad con sus tendencias y prendas que actualmente circulan por la capital, como las de Kupa. Ana María Nieto es una de las diseñadoras de la marca que nos cuenta cómo se enfoca en tres temas principales por medio de una narración ilustrada: primero, las olas de migración de especies animales por la desaparición de sus hábitats, o la de seres humanos a otros entornos por desplazamiento forzado; segundo, la de seres vivos que terminan ingiriendo o apropiándose de nuestra basura; tercero, el calentamiento global. Estas son las temáticas que se ven reflejadas en sus estampados, como en la colección SOS de 2018 o en la Museo, donde las ilustraciones muestran una serie de osos polares y pingüinos amenazados por el cambio climático, usando flotadores, refrescos, con algunos elementos que representan la idea de vacaciones calurosas, utilizando la ironía como componente de alerta para resaltar las circunstancias trágicas del hábitat de estos mismos, “más allá de vender ropa, Kupa vende un estilo de vida”, expresa Ana María.

La diseñadora recalca la importancia de pasar a la acción y de no quedarse en simples palabras, así es como KUPA ha logrado avances de empaques plásticos a papel, posteriormente a un material a base de maíz biodegradable compostable. Gracias a las conexiones de su socio, dieron con un proveedor que experimentaba con esta, obteniendo el resultado deseado para entregar sus productos a los clientes de manera ecológica, dejando una huella positiva en el entorno, reforzando así el concepto de la marca. De esta manera consiguen un despertar en la sociedad, provocando un cambio significativo en ella con pasos firmes, brindando un aire fresco que reinventa la forma de comunicar; a través de sus redes sociales invitan a los consumidores o seguidores a participar de charlas sobre el medio ambiente, empoderamiento femenino, igualdad de género, entre varios de sus temas que están relacionados con la colección por lanzar; hablando directamente de los problemas reales que están destruyendo el planeta, para lograr influenciar en el pensamiento y estilo de vida. Por Instagram hacen diferentes campañas como #Cancionesdeducha, que pretende incentivar que la duración en el baño logre ser menor o igual a una canción, sin necesidad de desperdiciar más agua de la requerida. Asimismo, promueven productos que colaboren con este concepto de aprovechamiento del agua, como la compañía AguaLogic, donde se logra volver potable agua contaminada, generando alianzas que propongan ideas innovadoras, ayudando de esta manera al planeta, volviendo Moda un estilo de vida sostenible.

Referencias Bibliográficas Farias, G. (2018). El pulso de la industria de la moda en el 2018. Recuperado de: https://bit.ly/2JzdwKX Macarthur, E. (2017). Economía Circular. Recuperado de: https://bit.ly/2dJpDTD Rubiano, M. (2017). El verde es el nuevo negro, o cómo la industria de la moda podría ser sostenible. Recuperado de: https://bit.ly/2DnSeb1 Salazar, A. (2019). Fashion Revolution Colombia. Recuperado de: https://bit.ly/2WhRwFT

Guerreros urbanos sin armaduras ni ataduras Por Andrea Chiappe y Daniela Rico Camelo

Fotos: Andrea Chiappe

Warriorâ&#x20AC;&#x2122;s Store invade la ciudad al mejor estilo punk

DESCUBRE

Nataly Páez es la diseñadora detrás de Warrior’s Store. Creció rodeada del rock por su padre y el mundo de la confección por su abuela, fue así como desarrolló una pasión por ambos que decidió combinarlos. Estudió Diseño de Moda en la Escuela Arturo Tejada Cano y se especializó en cuero y marroquinería en el SENA, dándole paso a la creación de sus propias prendas, además de compartir un poco de la obra de sus manos con el resto de personas amantes del punk. Nataly comenzó a tener una relación muy cercana con “El

88 Duro”, como ella le dice a Dios, y es allí cuando se da cuenta que hay una legión de Warrior’s“, muchachos que guerrean día a día queriendo expresarse de alguna manera, aquellos que llevan una vida de manera consciente y con un proyecto de vida responsable” comparte la diseñadora. Y es así como entiende que a través del diseño puede transformar la vida de los demás, rompiendo los esquemas que tiene la sociedad con respecto a los chicos que se visten diferente, que se pintan el cabello y utilizan taches.

Warrior’s Store nace en el año 2009, buscando resaltar la esencia del punk, por medio de la creación de bolsos, chamarras y pantalones, todo exclusivo para el cliente quien interviene a conveniencia propia convirtiéndose en el Guerrero Urbano, “a través de su ropa logra expresar autenticidad, libertad e inconformismo con la sociedad” (Ivaylova, 2015). De ahí la razón por la que el logo de la marca cuente con cadenas ya que cada cliente es un eslabón, “aquellos que buscan salir de lo convencional y que por medio de mi marca han logrado identificarse”. Hoy en día Warrior’s Store se encuentra ubicado en la localidad de Chapinero, en la Calle 51 #13-99, donde Nataly presenta sus diseños al público.

Referencias Bibliográficas

Ivaylova Dimitrova, V. (2015). El punk como resistencia: el arte, el estilo de vida y la acción política del movimiento como camino para crear un nuevo mundo. Recuperado de https://bit.ly/2UUmlEu

Libertad, equidad y rebeldía son las palabras que describen a Flora Por Luisa Fernanda Mora y Tatiana Alvis. Fotos Cortesía Katherine Cabrera

La marca de camisetas que incursiona en el mercado con mensajes de empoderamiento femenino y sentido social

Creada en el 2016 por Katherine Cabrera y Daniela Tovar, Flora nació de un encuentro casual entre amigas, allí surgió la idea de crear una marca que ofreciera un sentido a la mujer, donde se fomenta el gusto por el arte, la cultura y el amor propio; sin embargo el objetivo era vender un producto que se quedara mucho tiempo y siempre tuviese gran recordación a la hora de usarse, para darle más significado, Flora lanzó la primera colección el 8 de marzo de 2018, Día Internacional de la Mujer, como declaró La Asamblea General de las Naciones Unidas en 1972 ‘‘En reconocimiento a los 25 años de trabajo de La Comisión Jurídica y Social de la Mujer, por la lucha contra la discriminación de la mujer’’ (UN,2019). Daniela es la directora creativa de la marca, realiza los diseños, el arte, pero las dos creadoras definen los mensajes de las camisetas; personajes como Marie Curie, Chimamanda Ngozi Adichie, Nina Simone y Frida Kahlo, son las protagonistas de muchos diseños, puesto que tienen un legado de inspiración en muchas épocas de la historia del feminismo en el mundo. Flora es una marca inclusiva, maneja un precio de $50.000 para todas las camisetas, así se ajusta al presupuesto de todas las mujeres; por la estética de la marca, son muchos círculos sociales a los que llega, puesto que una compradora lleva la prenda y causa curiosidad con el mensaje y objetivo social. En este momento Flora se encuentra en la tarea de expandirse, diseñando libretas, cosmetiqueras y bolsas de mercado, con estos productos quiere innovar y dar más opciones a las mujeres, sin embargo, tienen diseños unisex para que los hombres también adquieran el producto. La marca considera que el mayor obstáculo ha sido poder involucrar a más mujeres, para multiplicar el mensaje y qué problemáticas sociales como el maltrato físico y psicológico disminuyen significativamente.

Las dos creadora, tienen un fuerte interés en el movimiento social con las mujeres, buscan pedir, el reconocimiento de esfuerzos, capacidades e igualdad de derechos que tradicionalmente han estado reservados para los hombres, es por esto que realizaron una alianza con el Centro Penitenciario de Reclusión de Mujeres en Popayán, que como lo dice Katherine, ‘‘estas mujeres privadas de la libertad, son las que van a estar encargadas de la fabricación de las camisetas, no solamente de la costura, sino también del estampado, lo cual nos pone muy contentas porque queríamos que Flora tuviera una parte de responsabilidad social fuerte y con esta alianza lo logramos’’. Marcas independientes con objeto social, es la tendencia no solo en Bogotá sino en grandes capitales del mundo, con estos nuevos emprendimientos, se contribuye positivamente a la moda en el mundo, para que deje de parecer, un campo que solo produce prendas desechables y contaminación, sino que busca fortalecer la visión del mundo que van a tener las futuras generaciones.

Referencias Bibliográficas Naciones Unidas (2019). Día Internacional de la Mujer, 8 de Marzo. Recuperado de https://bit.ly/2I5TbL7

LeZapatiere, calzado que rompe estereotipos y se vuelve complemento innovador Por Tatiana Alvis y Luisa Fernanda Mora Foto: Luisa Fernanda Mora

Concepto que se destaca por crear diseños únicos que van a la vanguardia de la moda colombiana

LeZepatiere nace de la necesidad de complementar y romper con las barreras del diseño habitual; inspirado en la cultura, esta marca es creada por los hermanos Bogotanos Natalia Campuzano, profesional en Negocios Internacionales del Politécnico Grancolombiano, y Nicolás Campuzano, Artista Visual de la Universidad Javeriana, expresa que ‘‘sentimos que somos la combinación perfecta para los negocios y que mejor que pensar en un producto único para nuestro cliente’’. LeZapatiere está inspirado en el estilo Psicodélico, acuñado por el científico Humphrey Osmond en 1957 que significa “manifestación del alma o de la mente aplicado a aquellas obras inspiradas o relacionadas con la experiencia producida por el uso de drogas alucinógenas’’(Roncero, 2015, p.4). Rescata además la época de los años 80’s y 90’s con influencia en cada colección y retroalimentación de lo que el cliente quiere. Esta marca logró encontrar un nuevo público al cual suplir una necesidad que no estaba cubierta por el mercado convencional, se caracteriza por tener zapatos que salen de los estereotipos dando pie a nuevas propuestas, para así crear una nueva comunidad alrededor de este estilo. Está dirigido a personas entre los 18 y 35 años que son amantes del arte y la moda, cuya convicción de salir de lo común utilizando diseños diferentes es lo que los identifica con estilo propio. Para

Nicolás el calzado es un accesorio muy importante pues es un complemento que da sentido a la indumentaria del cliente. Su última colección está inspirada en procesos químicos, desgastes y tratamientos únicos a los materiales para obtener el sello de diferenciación. El primer acercamiento de la marca con clientes fue a través de redes sociales, tras la acogida positiva y la evolución de Instagram, más personas fueron llegando; iniciaron en las ferias, espacios en tiendas de diseño independiente, no solo en Bogotá o Colombia, sino en varios paises de Latinoamerica y Estados Unidos. Con más de seis años en el mercado, finalmente LeZapatiere tiene local propio en la capital colombiana, y espera a corto plazo tener en Miami y México. Su trayectoria en el mercado abarca pequeñas vitrinas pero también importantes ferias de moda como. El Círculo de la Moda de Bogotá y una participación en London Fashion Week; de igual relevancia haber sido ganadores del Fondo Emprender, programa del SENA que apoya a emprendedores e innovadores en la industria colombiana. Son muchas las marcas independientes que surgen en Bogotá con el objetivo de capturar diversos estilos, LeZapatiere se destaca por apostarle a una industria 100% colombiana, para así incentivar el crecimiento económico y el emprendimiento.

Referencias Bibliográficas Roncero, L. (2015). ECOS LISÉRGICOS: El Rock Psicodélico y la Estética del Ácido en la Industria Musical. (2015). Retomado de https://bit.ly/2VagztuPor Tatiana Alvis y Luisa Fernanda Mora

Eliett, irreverencia de los 80´s Por Jennifer Camargo y Ángela Velásquez Foto: Samuel Lopez

Jessica cuenta la transición de su marca pasando de bolsos a chaquetas y buzos, en los que se destaca la irreverencia, espontaneidad y el color

Eliett Store nace en diciembre del 2016, partiendo de una experiencia de Jessica Valderrama, una diseñadora de moda de 25 años, egresada del LCI de Bogotá. Cuando ella trabajaba en una empresa de marroquinería, le pidieron diseñar para esta, y al presentarlo, aunque les gustó, decidieron no exhibirlo pues no era el estilo de esta marroquinera; a raíz de esto, decidió crear su propia marca, utilizando los diseños que ya tenía en bocetos.

Todo comenzó como un proyecto de bolsos con diseños poco convencionales, colores llamativos como magenta, rosa, turquesa, verde y azul, tonalidades que siempre están presentes en la marca, esto con el fin de dar un toque de vida al atuendo de la persona solo con un accesorio además de incentivar a la audacia y la espontaneidad. Con este principio Jessica y su pareja Daniel Castaño deciden continuar con esta línea de diseño, pasando por morrales y evolucionando a buzos y chaquetas con una personalidad ochentera. Dentro de su personalidad se encuentra la inspiración para cada colección, que se enfoca en la época de los 80’s, “toda la música que se generó en ese momento, el funk y la variación del pop, además de mucho color, irreverencia y naturalidad, generando sensaciones de libertad y querer bailar, siendo estas prendas sin género ni etiquetas” comenta Daniel Castaño y agrega “si te gusta hazlo, si te gusta póntelo, úsalo pero se tú mismo”. Dirigida para jóvenes estudiantes entre los 18 y 33 años que cultivan el arte, están en constante movimiento, se sienten libres y tienen una personalidad definida; poder correr, bailar, montar bici, hasta volar si así se quisiera, es la esencia de Eliett. Un estilo tan Streetwear en donde la comodidad y la estética van de la mano, desaprendiendo sobre las ocasiones de uso y reaprendiendo la versatilidad de una prenda.

En cuanto a la publicidad de Eliett, todo es promovido a través de Instagram, incluso la forma de venta, ya que en el momento no cuentan con página web ni tienda física; para el proceso, los interesados escriben a la página preguntando por un diseño en específico, a lo que se informa sobre la prenda, el material y la variedad de colores disponible. Si es en Bogotá, prestan un servicio a domicilio con un costo de $7.000, en este se lleva la prenda hasta la casa del cliente y otras dos o tres que quiera ver, él se las mides y escoge la que más le guste.

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Si no les gusta ninguna simplemente se cancela el domicilio, sin ningún recargo extra. Fuera de Bogotá, se hace envíos, en los que el cliente cancela primero el producto y al tener la consignación se entrega el pedido. Gracias a su estilo, Eliett ha participado en diversas ferias de moda, como Colombiamoda con su primera colección de carteras y morrales, la Feria del Banco AVAL y la Feria Sip & Shop programada en un bar de la 85. Esta estética también se ve reflejada en sus empaques, pues aprovechando los retazos que quedan de cada colección y evitando usar plásticos, crean tulas combinando los colores de estos, ayudando al medio ambiente al reutilizar y disminuir los residuos. Cada vez más se ven nuevas marcas y nuevos emprendedores que apuestan a las ventas y la publicidad por internet, permitiendo una gran variedad de oportunidades de compra, también al desarrollo de la originalidad y la comunicación más personal entre el diseñador y sus clientes, por ello entre los planes a futuro de la marca no está abrir una tienda física sino seguir arriesgándose por conquistar todo el mundo virtual. Referencias Bibliográficas Fisher, L. y Algoo, J. (2019) Años 80. Universidad de Palermo. Recuperado de https://bit.ly/2FDDQ16

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El encanto mitológico del anime tiene un espacio en Bogotá

Comenzó con un grupo de Facebook ofreciendo la realización de prendas personalizadas por encargo pero no imaginó que dos días después tendría varias cotizaciones esperando respuesta. Con emoción y de manera apresurada junto a una amiga diseñadora de moda, adecuó un pequeño espacio en su casa como taller, iniciando su negocio con una máquina de coser.

Por Andrea Chiappe y Daniela Rico Camelo Foto: Andrea Chiappe

Como el monstruo con cabeza de león, cuerpo de cabra y cola de dragón, Quimera Kei nace como un híbrido de muchos estilos en una sola entidad Sindy Losada, diseñadora gráfica bogotana, se sintió atraída por el universo geek y la cultura asiática desde muy joven; mientras estudiaba disfrutaba hacer trajes de cosplay para sus amigas cuando apenas tomaba fuerza este movimiento en Colombia.

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Hacia el año 2000 la quinta de Bolívar y el Museo Nacional fueron los primeros espacios en donde junto a un grupo de amigas que se hacían llamar Ryoku Han, comenzaron a realizar talleres para jóvenes interesados en la cultura asiática organizando cine foros, enseñando dibujos manga y origami, proporcionando un espacio donde un grupo emergente amantes de la cultura oriental podían dar rienda suelta a su imaginación y sentirse parte de una comunidad. Fue la primera vez que notó una oportunidad en el mercado para crear productos inspirados en Oriente. Más adelante en su camino profesional se encontró con la industria textil donde aprendió cómo funcionaban todos los procesos en la moda, tomando la decisión de tener un negocio propio, dándole vida a Quimera Kei, una tienda online dedicada a la fabricación, comercialización de prendas inspiradas en la cultura gráfica oriental así como trajes y accesorios personalizados para cosplay.

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El anime, kpop, jpop jrock, los videojuegos y el cyberpunk, son la principal fuente de inspiración. Para Quimera sus clientes son lo más importante, busca que la experiencia sea especial por eso se enfoca en la necesidad de cada uno, en sus opiniones y sugerencias que le ayuden a ofrecer un mejor producto. Su crecimiento ha sido exponencial, con mucho esfuerzo ha logrado conseguir las herramientas y maquinaria adecuadas para la realización del trabajo, actualmente cuenta con un equipo de confección experimentado, “considero que cada proceso debe ser desarrollado por personas idóneas para asegurar la calidad de los artículos, trabajamos con amor y dedicación” comparte Sindy. La acogida de sus productos ha sido tan positiva que hoy en día distribuye por diferentes ciudades de Colombia y tiendas de moda como Arbórea en el Centro Comercial Santa Fe. Ha exportado a Ecuador, Francia e Italia sin dejar de lado a sus clientes en el país. Es además participante asidua de las principales ferias de temática geek en Colombia, como lo son el SOFA en Bogotá, Comic-Con en Medellín, el ShinAnime en Cali y el Oz Fest en Barranquilla. Después de diez años de experiencia, Sindy nos cuenta emocionada que Quimera Kei se prepara para la inauguración de su primera tienda física en Bogotá, un espacio que espera se convierta en un lugar de encuentro para diseñadores independientes y amantes de la cultura del manganime.

Referencias Bibliográficas Geeks.media. (2018). The Philosophy of Cosplay. Recuperado de https://bit.ly/2GZRUEq

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