STUDIO
@théâtre national
« Un outil de professionnalisation et d’accompagnement pour les artistes et les compagnies » Le « Studio » est un projet d’accompagnement des artistes, résolument pensé pour les compagnies, dédiant un espace du théâtre à la création, à l’optimisation des ressources et du lieu. Ce centre de création insuffle une créativité nouvelle au Théâtre en rythmant la saison autour des répétitions, des laboratoires de recherche, des rencontres avec les artistes et finalement de leurs spectacles. Au cours des saisons, plusieurs artistes se succéderont et travailleront dans le Studio TN, notre laboratoire de création. Ces artistes sont des meneurs de troupes, ils partagent un sens du collectif et du travail d’équipe qui confère à leur travail une grande exigence du plateau, rendant possible l’invention d’un langage singulier, où la forme et le fond n’ont définitivement plus de raison de se distinguer. Ces artistes prennent en main leur histoire et leur questionnement au travers d’une compagnie, une aventure dont le Studio TN sera l’écrin, le temps d’une création. Nous vous invitons à faire un pas de plus dans ce lieu, et à entrevoir le spectacle avec le regard de ceux qui le font. Le Théâtre National Wallonie-Bruxelles est un outil de partage, et il s’agit de vous ouvrir aujourd’hui la porte du Studio TN. Fabrice Murgia
“A tool for the professionalisation and guidance of artists and companies” The « Studio » is a project aimed at supporting artists: it is catered to the company’s needs, provides them with a space in the theatre in which they can create, and gives them a multitude of tools and resources to work with. This creative hub will breathe life into the Theatre by breaking up the season into periods dedicated to lab research, rehearsals, talks with the artists, and finally the performances themselves. Each season, several artists will take turns to work in the Studio TN, our laboratory of creation. These artists head up theatre companies, they share a sense of the collective and team work which informs their work with a rigorous approach to stage craft, giving rise to the invention of a unique language which no longer sees any reason to separate form and content. Backed by a theatre company, these artists engage with their history and their questions, an initiative showcased by the Studio TN for the duration of a production. We are inviting you to step a little further into this theatre and see the shows through the eyes of those who put them on. The Théâtre National Wallonie-Bruxelles is a sharing tool and we now want to throw open the doors of the Studio TN. Fabrice Murgia
creations 4
20
Amor
L’ATTENTAT
Jaco Van Dormael & Michèle Anne De Mey Astragales ASBL 6
J’abandonne une partie de moi que j’adapte
YASMINA KHADRA VINCENT HENNEBICQ POPI JONES ASBL 22
FROM HERE I WILL BUILD EVERYTHING CÉDRIC EECKHOUT
JUSTINE LEQUETTE 8
24
CODEBREAKERS
arctique
VLADIMIR STEYAERT CIE VLADIMIR STEYAERT
Anne-Cécile VanDalem das frÄulein (kompanie)
STUDIO
@théâtre national
10
26
frankenstein
LA CLOCHE DE VERRE
Mary Shelley Jan Christoph Gockel PEACHESTANDROOSTER 12
SYLVIA PLATH FABRICE MURGIA CIE ARTARA 28
l’éveil du printemps
ITHAQUE
Frank Wedekind Armel Roussel (e)utopia(4)
NOTRE ODYSSÉE, PARTIE 2 CHRISTIANE JATAHY
14
histoire du théâtre
still ON TOUR
Milo Rau International Institute of Political Murder
30
16
LA REINE LEAR
going home
TOM LANOYE CHRISTOPHE SERMET COMPAGNIE DU VENDREDI 18
THE STORY OF A MOTHER
HANS CHRISTIAN ANDERSEN OSSAMA HALAL KOON THEATER GROUP
vincent hennebicq 30
IS THERE LIFE ON MARS ?
HELOÏSE MEIRE COMPAGNIE WHAT’S UP ?!
AMOR Jaco Van Dormael & Michèle Anne De Mey Astragales ASBL
5 ‒ FR ‒ Conséquence d’un choc thermique à -30° lors d’une tournée hivernale au Canada, la danseuse et chorégraphe Michèle Anne De Mey est soudain, dans l’aéroport de Toronto, frappée d’un coma abrupt dont elle ne reviendra que plus tard. Cette « expérience imminente de la mort », c’est ainsi qu’elle est scientifiquement répertoriée, engendre en son subconscient une puissante vision de lumière et de chaleur qui réunit ses proches les plus intimes dans une submergeante bouffée d’amour. De l’autre côté du miroir – de la vie, de la mort ? -, Lewis Carroll n’est pas très loin, ni les interrogations
existentielles et métaphysiques d’Alice au pays de ce qui nous étonne et nous pose question. Une glace sans tain aux dimensions du plateau, possible véranda, constituera l’écran d’où surgira la scène du rêve et de l’imaginaire, via les images de paysages ou d’intempéries filmées par Julien Lambert et Giacinto Caponio, soulignée par une musique qui évoquera les rivages des ténèbres, à l’image des « laments » de la reine Didon de Purcell. Elle suggèrera aussi la frontière ténue de l’agonie et du trépas, dans un no man’s land confusément habité d’absurde et de nonsense.
‒ EN ‒ After suffering thermal shock from temperatures of minus 30 degrees during a winter tour of Canada, Michèle Anne De Mey suddenly fell into a coma, in Toronto airport, from which she did not immediately recover. This “near-death experience”, as it is scientifically named, gave rise to a potent vision of light and warmth in her subconscious, producing an overwhelming feeling of love for her nearest and dearest. On the other side of the mirror – of life, of death? – Lewis Carroll is not that far away, nor are the existential and metaphysical questions asked by Alice
in a land full of surprise and wonder. A mirror without silvering the same size as the set, possibly a veranda, forms the screen which spawns dreamlike, fanciful scenes, via images of landscapes or the elements filmed by Julien Lambert and Giacinto Caponio, enhanced by music which conjures up the shores of darkness, in the same way as the queen’s “Lament” in Purcell’s Dido and Aeneas. It also suggests the insubstantial boundary that exists between the agony of dying and death itself, in a no-man’s-land chaotically inhabited by absurd and meaningless elements.
CREATION BE-Théâtre National Wallonie-Bruxelles → 03 > 15.10.17
DANSE/DANCE
on TOUR Calendar: astragales.be
Mise en scène/Direction : Jaco Van Dormael • Chorégraphie/Choreography : Michèle Anne De Mey • Scénographie/Scenography : Sylvie Olivé • Créateur lumière/Light design : Nicolas Olivier • Création images filmées/Filmed images : Juliette Van Dormael, Julien Lambert • Création son/Sound : Boris Cekevda • Création des effets spéciaux et vidéo/Special effects & video : Giacinto Caponio • Prod. : Astragales asbl | Création Studio Théâtre National Wallonie-Bruxelles • Coprod. : Théâtre de Namur, Mars Mons arts de la scène, La Coop asbl • En partenariat avec/In partnership with : Charleroi Danses, Centre chorégraphique de la Fédération Wallonie-Bruxelles et le KVS • Avec le soutien de/With the support of : Fédération Wallonie-Bruxelles (production en cours) • Avec le soutien de/With the support of : taxshelter.be & ING & tax shelter du gouvernement fédéral de Belgique • ©Getty Images - Portrait M. A. De Mey & J. Van Dormael : ©Maarten Vanden Abeele
J’abandonne une partie de moi que j’adapte justine lequette
7 ‒ FR ‒ Profondément marqués par le film documentaire tourné par Edgar Morin et Jean Rouch en 1960, Chronique d’un été, première expérience française de cinéma-vérité, Justine Lequette et ses 4 comédiens en reprennent les questionsclés, adressées à des passants, étudiants, ouvriers, employés, immigrés, dont l’entretien se prolongeait parfois dans un cadre plus intime. Ces questions, qui portent sur le bonheur, la vie, le travail, les utopies etc., ils se les posent aujourd’hui dans une société qui,
cinquante-sept ans plus tard, est à la fois restée la même et a beaucoup changé. Mettant les deux époques en perspective, ils insistent, en se nourrissant aussi de séquences documentaires de Pierre Carles, d’extraits de pièces d’Alexandra Badea ainsi que d’écritures de plateau, sur la question du sens que nous donnons à nos vies, dans une esthétique inspirée du réel mais qui toujours développe un point de vue et une dimension ludique.
‒ EN ‒ Deeply touched by the documentary film made by Edgar Morin and Jean Rouch in 1960, Chronique d’un été, the first French experiment in cinema vérité, Justine Lequette and the actors take up the film’s key questions, directed at passers-by, students, workers, employees and immigrants, whose interviews were sometimes continued in a more intimate setting. These questions, about happiness, life, work, utopias are now asked by them in a society which, fifty-seven
years down the line, has stayed the same and, at the same time, has changed a great deal. Putting these two periods into perspective, they also draw on documentary sequences by Pierre Carles, extracts from plays by Alexandra Badea and improvisations by the actors to focus on the meaning of our existence, in an aesthetic that, despite being inspired by real life situations, always develops a point of view and a playful dimension.
CREATION BE-Théâtre National Wallonie-Bruxelles → 21.11 > 02.12.17
on TOUR Calendar: theatrenational.be FRENCH
THéâtre/Theatre
Un projet initié et mis en scène par/A project initiated and staged by : Justine Lequette • Ecriture collective/Collective writing • Avec/With : Rémi Faure, Benjamin Lichou, Jules Puibaraud, Léa Romagny • Projet issu de/Project from : Solo Carte Blanche de l’ESACT • Prod. : Création Studio Théâtre National Wallonie-Bruxelles • Avec le soutien de/With the support of: l’ESACT, La Chaufferie-Acte1, Festival de Liège • Projet développé dans le cadre de La Chaufferie-Acte1 • © Dominique Houcmant/Goldo - Portrait Justine Lequette : ©DR Le spectacle J’abandonne une partie de moi que j’adapte inclut des extraits de : - la pièce Je te regarde d’Alexandra Badea, représentée et publiée dans son intégralité par L’Arche Editeur. www.archeediteur.com - de textes des films Attention Danger Travail et Volem Rien Foutre al pais réalisés par Pierre Carles, Christophe Coello et Stéphane Goxe et produits par C-P Productions - des extraits de textes et d’images du film documentaire Chronique d’un été, réalisé par Jean Rouch et Edgar Morin et produit par Argos lms. Avec le soutien de/With the support of
Arctique Anne-Cécile VanDalem das frÄulein (kompanie)
9 ‒ FR ‒ Anne-Cécile Vandalem était déjà intéressée par le Danemark, on l’a vu dans Tristesses. Elle se passionne aujourd’hui pour le Groenland, et le mythique passage Nord-Ouest que le changement climatique et la fonte des glaces ont désormais rendu accessible aux navires de croisière. En 2025, l’Arctic Serenity, un bateau de luxe prochainement transformé en hôtel pour touristes fortunés, est remorqué jusqu’au Groenland.
A son bord, sept passagers clandestins vont être pris au piège d’un complot destiné à les faire disparaître. Fidèle à son goût pour le thriller politique, Anne-Cécile Vandalem nous dévoilera progressivement les stratégies et manipulations qui aboutiront à l’échouage. Et ce sont les projections vidéos qui, depuis le salon principal du navire, évoqueront le passé des personnages et ce qui les a conduits là.
‒ EN ‒ Anne-Cécile Vandalem was already interested in Denmark, as can be seen in Tristesses. She currently has a passion for Greenland, and the legendary Northwest Passage which can now be visited by cruise ships due to climate change and ice melt. In 2025, we are on board the Arctic Serenity, a luxury ship being towed to Greenland, where it will be converted into a hotel for wealthy tourists.
Seven clandestine passengers hiding on a cruise ship find out they are being conspired against; they have been made to disappear. True to her love of political thrillers, Anne-Cécile Vandalem gradually reveals the various strategies and manipulative manoeuvres which will cause the ship to run aground. Through video projection and storytelling, we will discover the past of these characters and the events that lead to their demise.
CREATION BE-Théâtre National Wallonie-Bruxelles → 23.01 > 03.02.18
on TOUR Calendar: dasfrauleinkompanie.com
FRENCH
théâtre/Theatre
Conception, écriture et mise en scène/Conception, writing, direction : Anne-Cécile Vandalem • Scénographie/Scenography : Ruimtevaarders • Composition musicale et sound design/Original music & sound design : Pierre Kissling • Création lumière/Light design : Enrico Bagnoli • Création vidéo/Video design : Arié van Egmond, Fédérico D’Ambrosio • Chef Opérateur/Director of photography : Fédérico D’Ambrosio • Création costumes/Costumes design : Laurence Hermant • Création coiffure et maquillage/Hair & make- up : Sophie Carlier • Avec/ With : Véronique Dumont, Eric Drabs, Philippe Grand’Henry, Zoé Kovacs, Gianni Manente, Jean- Benoit Ugeux (en cours) • Prod. : Das Fräulein (Kompanie), Création Studio Théâtre National Wallonie-Bruxelles • Coprod. : Théâtre de Namur, Théâtre de Liège, MARS Mons Arts de la scène, L’Odéon - Théâtre de l’Europe, Le VolcanScène nationale du Havre, La Comédie de Reims, La Comédie de Caen, Scène nationale de l’Oise en préfiguration – Compiègne, Les Théâtres de la Ville de Luxembourg, (en cours) • Coprod. : la Coop asbl & Shelter Prod, avec le soutien de/With the support of : taxshelter.be & ING & du tax shelter du gouvernement fédéral de Belgique • Portrait Anne-Cécile Vadalem : @Phile Deprez
FRANKENSTEIN Mary Shelley – Jan Christoph Gockel PEACHESTANDROOSTER
11 ‒ FR ‒ On pense toujours que Frankenstein est le monstre issu de l’imagination fantasque de Mary Shelley. Il n’en est rien. Victor Frankenstein est le nom du savant fou qui, dans la solitude de son laboratoire, recueille des fragments hétéroclites de squelettes et de cadavres pour les assembler, les faire revivre et créer ainsi un nouvel être composite et artificiel. Jan Christoph Gockel, metteur en scène allemand actuellement en résidence au Théâtre de Mayence, et Michael Pietsch, son partenaire
scénique de longue date, manipulateur et facteur de marionnettes, ont imaginé de transformer la scène en laboratoire, et d’y composer un monstre gigantesque d’une autre nature, composé d’objets de récupération qui tous ont une histoire de vie, celle des gens auxquels ils ont appartenu. Première pièce de ce mécano ludique autant qu’étrange : la montre en or héritée d’une grandmère centenaire. Mais qu’en faire : un œil ? une dent en or ?…
‒ EN ‒ Everyone always thinks that Frankenstein was the monster spawned by the outlandish imagination of Mary Shelley, but this is not the case. Victor Frankenstein is the name of the mad scientist who, alone in his laboratory, collected assorted fragments of skeletons and corpses in order to assemble them, bring them back to life and thereby create a new manmade, composite creature. German director, Jan Christoph Gockel, currently in residence
at the Staatstheater Mainz, and Michael Pietsch, his long-standing stage collaborator, a puppet maker and puppeteer, have imagined the stage as a laboratory, in which a different type of giant monster is made from recycled objects, each of which has a life story shared with the people to whom it once belonged. The first piece used by this strange and playful mechanic: the gold watch inherited from a centenarian grandmother; but what should it become: an eye? A gold tooth?
CREATION BE-Théâtre National Wallonie-Bruxelles → 07 > 17.03.18 on TOUR BE-MARS (Mons Arts de la Scène) → 21 & 22.03.18 FR-TANDEM scène nationale → 27 & 28.03.18 BE- LE MANÈGE, scène nationale de Maubeuge → 04.04.18 Calendar: theatrenational.be frENCH & german
théâtre-marionnettes/theatre-puppets
Metteur en scène/Direction : Jan Christoph Gockel • D’après le roman/From : Frankenstein or, The Modern Prometheus de Mary Shelley • Scénographe/Scenography : Julia Kurzweg • Créateur son & Musicien/Sound design & musician : Anton Berman • Créateur Marionnettes & Marionnettiste/ Creator of Puppets and Puppeteer : Michael Pietsch • Avec/With : Alfredo Cañavate, Gianni La Rocca, Bruce Ellison, Thomas Halle, Léone François, Michael Pietsch • Prod. : Création Studio Théâtre National Wallonie-Bruxelles • Coprod. : Théâtre de Namur, Tandem Scène nationale, Le Manège Maubeuge, MARS Mons arts de la scène • Coprod. : Shelter Prod, avec le soutien de/with the sup- port of/met de steun van : taxshelter.be & ING & tax shelter du gouvernement fédéral de Belgique • © Julia Kurzweg • Portrait Jan Christoph Gockel : @ Andreas Etter
L’éveil du printemps Frank Wedekind – Armel Roussel (e)utopia(4)
13 ‒ FR ‒ L’ éveil du printemps, c’est dans une petite ville de province à la morale oppressante, la poussée de sève d’une douzaine d’adolescents qui s’ouvrent à la sexualité, à ses emballements, à ses angoisses, et qui se heurtent au mur de répression, d’interdits et de tabous érigé par le monde adulte. La mort rôde (avortement, suicide…) mais l’Homme Masqué, personnage allégorique et abstrait, veille au grain et au triomphe de la pulsion de vie. Voici vingt-quatre ans que ce texte
écrit en 1891 par l’auteur de Lulu, hante la table de nuit d’Armel Roussel, qui l’a visité déjà trois fois mais sans véritablement le mettre en scène par lui-même. Pour ce faire, et pour mieux souligner la composition chorale de la pièce, il a engagé onze comédiens et deux musiciennes. Et plutôt que la touffeur de maisons bourgeoises, il a opté pour l’évocation du plein air : une fête populaire, sur une place publique de village, là où, les soirs de bal, les langues se délient, les désirs s’abandonnent.
‒ EN ‒ L’éveil du printemps is set in a small morally oppressive town in the provinces, where a dozen teenagers with raging hormones become aware of sexuality, with all its attendant flights of passion and anxieties, and come up against a wall of repression, restrictions and taboos constructed by the adult world. Death is on the prowl (abortion, suicide, etc.) but the Masked Man, an allegorical, abstract figure, keeps a weather eye open for trouble and makes sure the survival instinct triumphs. For twenty-four years, this text, written in 1891 by the author of
Lulu, has been sitting on Armel Roussel’s bedside table: although he has drawn on it three times already, he has not properly staged it himself before. In order to do this, and to bring out the play’s ensemble structure more effectively, he has brought twelve actors and two musicians on board. And instead of the stuffiness of bourgeois homes, he has chosen to give the play an open-air setting: a festival on one of the village squares where, on dance evenings, tongues are loosened, desires indulged and gossip spread.
CREATION FR-La Foudre, CDN de Haute Normandie, Rouen → 14 > 16.03.18 BE-Théâtre national wallonie-Bruxelles → 25.04 > 05.05.18
on TOUR Calendar: utopia2.be frENCH
théâtre/theatre
Adaptation, scénographie et mise en scène/Adaptation, scenography, direction : Armel Roussel • Création costume/Costume design : Coline Wauters • Créateur son/Sound design: Pierre Alexandre Lampert • Créateur lumière/Light design : Amélie Géhin • Collaboration artistique/Artistic collaboration : Nathalie Borlée • Avec/With : Nadège Cathelineau, Romain Cinter, Thomas Dubot, Julien Frege, Amandine Laval, Nicolas Luçon, Florence Minder, Julie Rens, Sophie Sénécaut, Lode Thiery, Sacha Vovk, Uiko Watanabe, Judith Williquet • Création de [e]utopia[4] - Création Studio Théâtre National Wallonie-Bruxelles, CDN de Normandie (Rouen) • Avec l’aide de/ With the help of : Commission Communautaire Française & Centre des Arts Scéniques • [e]utopia est une compagnie subventionnée par la Fédération Wallonie/Bruxelles – Service Théâtre. Armel Roussel / [e]utopia3 est artiste associé au Théâtre Les Tanneurs jusqu’en décembre 2017. © Nous n’avons pu identifier les ayants droit de la photo. Nous nous tenons à la disposition du photographe pour régulariser la situation.
histoire du théâtre Milo Rau International Institute of Political Murder
15 ‒ FR ‒ Qu’est-ce que le théâtre ? Que signifie l’émotion, la présence, l’Histoire sur scène ? Qu’est-ce que le tragique, le vrai, le comique ? Quels évènements et quelles images nous touchent ou nous blessent, déchaînent notre colère et motivent notre engagement artistique ? Avec Histoire du théâtre, le metteur en scène et auteur Milo Rau entreprend avec les acteurs Johan Leysen, Sara de Bosschere et Sébastien Foucault un voyage à travers l’histoire du plus ancien des arts de l’humanité, questionnant les obsessions et les
techniques fondamentales de son « théâtre du réel » : l’impossibilité de la reprise et de la reconstitution du réel sur scène, la manipulation du public, la création de l’illusion au théâtre et l’engagement artistique. Histoire du théâtre clôture la Trilogie de la Représentation amorcée par Milo Rau en 2016 avec Five Easy Pieces et continuée avec Les 120 Journées de Sodome.
‒ EN ‒ What is theatre ? What does emotion, presence, and history mean on the stage ? What is tragedy, truth, comedy ? Which events and images touch us or harm us, unleash anger within us, summon our artsitic dedication ? With Histoire du Théâtre, director Milo Rau and his actors Johan Leysen, Sara de Bosschere and Sébastien Foucault take us on a journey through the history of the oldest artform known to man. Together they will tackle the fundamental
techniques of « real theatre » : the impossibility of recreating real events on stage, the manipulaton of the audience, the creation of the illusion of theatre and the implications of artistic committment. Histoire du Théâtre will conclude the trilogy following Five Easy Pieces and The 120 days of Sodom.
CREATION be-Théâtre National Wallonie-Bruxelles → 4 > 10.05.18 dans le cadre du kunstenfestivaldesarts
on TOUR Calendar: international-institute.de
FRENCH & DUTCH
théâtre/theatre
Auteur & Metteur en scène/Author & Direction : Milo Rau • Dramaturge/Dramaturgy : Eva-Maria Bertschy, Mirjam Knapp • Scénographe & Costumes/Scenography & costumes : Anton Lukas • Créateur lumière/Light design : Rainer Casper • Avec/With : Johan Leysen, Sara de Bosschere, Sébastien Foucault (...) • Prod. : International Institute of Policital Murder, Création Studio Théâtre National Wallonie-Bruxelles • Coprod. : Kunstenfestivaldesarts, Théâtre Vidy Lausanne, Théâtre Nanterre-Amandiers, Tandem Scène Nationale, Schaubühne am Lehniner Platz, Münchner Kammerspiele, Künstlerhaus Mousonturm Frankfurt a. M, Theater Chur, Gessnerallee Zürich • © Markus Tomsche • Portrait Milo Rau : @ IIPM/Thomas Müller
LA REINE LEAR TOM LANOYE / CHRISTOPHE SERMET COMPAGNIE DU VENDREDI
17 ‒ FR ‒ Six ans après l’énorme succès de Mamma Medea, Tom Lanoye et Christophe Sermet, tous deux experts en réécriture décapante des classiques, se retrouvent pour s’attaquer à Lear : le vieux roi est devenu une reine d’aujourd’hui, à la tête d’un empire financier multinational. L’intrigue se concentre sur les trois fils : deux incapables assaillis par la concurrence et les mauvais conseils, et leur frère, Cornald, alias Cordelia, exilé dans un pays du tiers monde pour y développer le concept de micro crédit. De retour
au pays où se déchaîne une double tempête financière et climatique, il sera à son heure la victime sacrificielle de ce conflit économique et familial, précipité du haut de la tour de verre qui sert de siège au clan. Un décor urbain, au cœur d’un quartier d’affaires, évoquera une sorte de lande digitale mondialisée, envahie par les images et les écrans, et dont l’ascenseur sera la principale artère de vie et de communication.
‒ EN ‒ Six years after the enormous success of Mamma Medea, Tom Lanoye and Christophe Sermet, both past masters in the art of producing mordant rewrites of the classics, have again joined forces to take on Lear: the ageing king has become a present-day queen at the head of a multinational financial empire. The plot revolves around the three sons: two incompetent businessmen under pressure from competition and beset by poor advice, and their brother, Cornald, alias Cordelia, who has taken exile in a third-world country to develop
the concept of microcredit. On his return to his country, in the grip of twin financial and climate crises, he ends up becoming the sacrificial victim of this economic and family conflict when he is thrown from the top of the glass tower serving as the clan’s headquarters. An urban setting at the heart of the financial district conjures up a type of globalised digital milieu, filled with a plethora of images and screens, in which the elevator functions as the main artery of communication and life.
CREATION 2018-2019 On Tour Calendar: theatrenational.be
FRENCH
théâtre/theatre
D’après le texte/From : La Reine Lear, Tom Lanoye | Metteur en scène/Direction : Christophe Sermet • Scénographie/Scenography : Simon Siegmann • Création sonore/Sound design : Max Bodson • Avec/With : Claire Bodson, Yannick Renier, (en cours/tbc) • Prod. : Création Studio Théâtre National Wallonie-Bruxelles • Coprod. : Théâtre de Namur (en cours/tbc) • © Marc Debelle.
THE STORY OF A MOTHER HANS CHRISTIAN ANDERSEN / OSSAMA HALAL KOON THEATER GROUP
19 ‒ FR ‒ Après le succès de Above Zero, Ossama Halal, metteur en scène syrien résidant au Liban, propose avec son collectif cosmopolite Koon Theater Group une libre adaptation du conte d’Andersen : L’Histoire d’une mère. En résonance avec ce que vivent les familles dans les pays du ProcheOrient dévastés par la guerre, l’artiste nous raconte la quête initiatique d’une mère à qui la Mort a enlevé son enfant. Un parcours ponctué d’énigmes et d’épreuves
où, à chaque station, elle doit abandonner quelque chose d’ellemême, à la manière d’un sacrifice ou d’un renoncement. Ossama Halal a choisi les motifs symboliques de la table tournante, du tamis et des marionnettes costumées aux couleurs du soufisme, pour accompagner le cheminement de cette mère jusqu’aux jardins de la Mort, où la vie de chaque être humain est symbolisée par une plante ou une fleur.
‒ EN ‒ Following the success of Above Zero, the new production by Syrian director, Ossama Halal, resident in Lebanon, and his cosmopolitan collective, the Koon Theater Group, is a free adaptation of Hans Christian Andersen’s short story: The Story of a Mother. Mirroring the experiences of families in the war-torn countries of the Middle East, the artist recounts the initiatory quest of a mother whose child has been snatched by Death. Her progress is punctuated
by mysteries and ordeals which cause her, at every stage of this journey, to give up something that belongs to her, in the manner of a sacrifice or a renunciation. Ossama Halal has chosen the symbolic motifs of the séance table, the sieve and puppets dressed in the colours of Sufism to accompany this mother on her way to the gardens of Death, where each human life is symbolised by a plant or a flower.
CREATION 2018-2019 On Tour Calendar: theatrenational.be
arabIC & frENCH
théâtre/theatre
D’après le conte/From : L’Histoire d’une mère, Hans Christian Andersen • Metteur en scène & scénographie/Direction & scenography : Ossama Halal • Dramaturge/Dramaturg : Chrystèle Khodr • Marionnettiste/puppeteer : Natacha Belova • Avec/With : Rawya El Chab, Marie Thérèse Ghosn, Antoine Bouguier, Stéphanie Kayal, Sara Zein, Nour Shammaa • Composition musicale/Music composition : Khaled Omran • Création costumes/Costume designer : Natacha Belova en collaboration avec les Ateliers Costumes du Théâtre National Wallonie-Bruxelles • Photographie & vidéo/ Photography & video : Ziad Al Halabi • Prod. : Création Studio Théâtre National Wallonie-Bruxelles• Coprod. : en cours/tbc • Avec le soutien/With the support of : Zoukak Theatre Company & Institut Français du Liban.
L’ATTENTAT YASMINA KHADRA/VINCENT HENNEBICQ POPI JONES ASBL
21 ‒ FR ‒ Vincent Hennebicq s’empare du roman de l’écrivain algérien Yasmina Khadra, L’ Attentat, l’histoire d’Amine, chirurgien arabe israélien qui découvre, après une journée d’urgences passée au bloc à opérer les survivants d’un attentat, que la kamikaze qui s’est faite exploser n’est autre que sa femme. Le roman prend alors des allures de thriller et de road movie, épousant la quête de cet homme qui cherche à comprendre le geste d’une femme dont il a partagé l’intimité mais
dont il ignorait peut-être l’essentiel : un voyage vers la vérité d’une identité territoriale et culturelle complexe, qui prend aussi les aspects de l’introspection et du questionnement intérieur. Le roman est adapté pour un acteur, à la fois témoin et conteur. Il sera soutenu par la partition de Fabian Fiorini, interprétée par quatre musiciens et une chanteuse soliste, comme le fantôme de la femme d’Amine cheminant à ses côtés.
‒ EN ‒ From the novel, L’ Attentat, by Algerian writer, Yasmina Khadra, Vincent Hennebicq has taken the story of Amin, an IsraeliArab surgeon who discovers, after a day spent in the casualty ward operating on survivors of an attack, that the suicide bomber who blew herself up was none other than his wife. Becoming more akin to a thriller or a road movie, the novel then follows the quest of a man trying to understand the actions of his wife, whose life he had shared intimately without perhaps really getting
to the bottom of what made her tick: a journey of discovery towards the truth of a complex territorial and cultural identity, which also becomes a pretext for introspection and inner questioning. The novel has been adapted for one actor, who is both witness and storyteller. He is supported by a score composed by Fabian Fiorini performed by four musicians and a female soloist as the ghost of Amine’s wife walking beside him.
CREATION 2018-2019 On Tour Calendar: theatrenational.be
Arabic, Hebrew & French
théâtre MUSICAL/MUSICAL theatre
D’après le roman/From : L’Attentat, Yasmina Khadra • Texte & Mise en scène/Text & Direction: Vincent Hennebicq • Composition musicale/Music composition : Fabian Fiorini • Avec/With : Atta Nasser • Musique Live/Live Music : Fabian Fiorini, Tcha Limberger, Laurent Blondiau, Antoine Pierre • Chant/Singing : en cours/tbc • Scénographie & création lumières/Scneography & Light design : Fabrice Murgia & Giacinto Caponio • Création costumes/Costume designer : Emilie Jonet • Création vidéo & réalisation/Video design & Film direction : Jean-François Ravagnan • Prod. : Création Studio Théâtre National Wallonie-Bruxelles • Coprod. : MARS Mons Arts de la Scène, Maison de la culture de Tournai, Théâtre Jean-Vilar de Vitry-sur-Seine, en cours/tbc.
FROM HERE I WILL BUILD EVERYTHING CÉDRIC EECKHOUT
23 ‒ FR ‒ C’est l’histoire de Cédric, 39 ans, fils déchiré d’une mère wallonne et d’un père flamand trop tôt divorcés, gay, en crise, et qui a mal à l’Europe : jouisseur des libertés que lui a permis de vivre ce continent politique, il s’interroge sur les effets ambivalents du néo-libéralisme en ce qu’il a aussi réveillé les revendications identitaires, avec leur cortège de pulsions négatives et meurtrières. Entre théâtre, stand up et cabaret, la performance met en scène,
en interactivité avec le public, un chevalier du Moyen Âge en armure et en quête d’amour, sa mère – la vraie ! – qui épluche des pommes de terre et découpe des frites, le plat national, sur une table de cuisine, et un pianiste travesti en chat de carnaval, Jésus, autre irruption de la vraie vie de Cédric dans cette fantaisie autofictionnelle qui sans cesse ramène la petite histoire à la grande.
‒ EN ‒ This is the story of 39-yearold Cédric, the conflicted son of a Walloon mother and a Flemish father who divorced too early, a gay man in crisis who is struggling, like Europe: while enjoying the freedom given to him by this political continent, Cédric ponders on the ambivalent effects of neoliberalism, in so far as it has also given rise to a quest for identity that brings with it an array of negative and murderous impulses. A cross between theatre, standup and cabaret, this performance,
with audience interaction, brings to the stage an armour-clad medieval knight in search of love, his mother—in real life!—peeling potatoes and cutting fries, the national dish, on a kitchen table, and a pianist in the costume of a carnival cat, Jésus—another real figure from Cédric’s life—for an autobiographical fantasy which continually highlights the parallels between personal history and History with a capital H.
CREATION 2018-2019 On Tour Calendar: theatrenational.be
english & French
théâtre/theatre
Texte & Mise en scène/Text & Direction : Cédric Eeckhout • En collaboration avec/In collaboration with : Douglas Grauwels • Dramaturge/Dramaturg : Nils Haarman • Avec/With : Cédrick Eeckhout, Douglas Grauwels, Jo Libertiaux • Scénographie & Création costumes/Scenography & Costume designer : Laurence Hermant • Création lumières/Light design : en cours/tbc • Création vidéo/ Video Maker : en cours/tbc • Prod. : Création Studio Théâtre National Wallonie-Bruxelles • Coprod. : en cours/tbc • © Alice De Vestel & Rachel Lang
CODEBREAKERS VLADIMIR STEYAERT COMpAGNIE VLADIMIR STEYAERT
25 ‒ FR ‒ Formé à la Comédie de SaintEtienne, Vladimir Steyaert a eu l’idée de réunir autour d’Alan Turing, génial déchiffreur de la machine Enigma utilisée par les nazis pour crypter leurs communications, et dont les découvertes permirent aux Alliés de remporter la bataille de l’Atlantique, trois autres « casseurs de codes » à qui leur audace transgressive valut également condamnation, répression et enfermement : l’astronome Giordano Bruno, la sculptrice Camille Claudel et la lanceuse d’alertes Chelsea Manning.
Au-delà de l’ingratitude d’une société à l’égard de ses génies, voyants ou visionnaires, l’auteur et metteur en scène du spectacle souhaite également aborder la question de la répression sexuelle qui parfois accompagne ces mauvais procès : adultère, homosexualité, mutation transgenre… Tout en distinguant les biographies et les cas, la pièce, à la manière de certains romans aux destins croisés, nous emportera dans un tourbillon narratif vertigineux où les quatre personnalités ne formeront plus qu’une seule et même histoire universelle.
‒ EN ‒ In this production by Vladimir Steyaert, who trained at the Comédie de Saint-Etienne, Alan Turing, the brilliant man who cracked the Enigma machine code used by the Nazis to encrypt their messages and whose discoveries enabled the Allies to win the Battle of the Atlantic, is placed alongside three other “code-breakers”, who were also condemned, punished and imprisoned for their transgressive bravery: the astronomer, Giordano Bruno, the sculptress, Camille Claudel, and the whistle-blower, Chelsea Manning.
Quite apart from society’s ingratitude towards its visionary geniuses, the author and director also wanted to tackle the issue of the sexual repression which sometimes goes hand in hand with accusations of adultery, homosexuality, transgender change… While treating each biography and case individually, the play, like certain novels about intertwined destinies, propels us into a breathless narrative which merges four characters into one universal story.
CREATION 2018-2019 On Tour Calendar: lagds.fr
French
théâtre/theatre
Ecriture & Mise en scène/Writing & Direction : Vladimir Steyaert • Scénographie/Scenography : Rudy Sabounghi • Création lumières/Light design : Yann Loric • Création vidéo/Video design: Giacinto Caponio • Création sonore/Sound design : Jean-Christoph Murat & Anthony Gonçalves (Collectif 6am) • Univers informatique/IT design: Camille Sanchez • Recherches dramaturgiques/ Dramaturgical Research : Charles-Eric Petit • Avec/With : Maïanne Barthès, Christophe Brault, Vincent Hennebicq, François Sauveur, (en cours/tbc) • Prod. : Compagnie Vladimir Steyaert/ Création Studio Théâtre National Wallonie-Bruxelles • Coprod. : en cours/tbc • Avec le soutien de/ With the support of : La Chartreuse de Villeneuve-lez-Avignon.
LA CLOCHE DE VERRE (THE BELL JAR) SYLVIA PLATH / FABRICE MURGIA CIE ARTARA
27 ‒ FR ‒ Fidèle à son intérêt pour les destins brisés, Fabrice Murgia évoque le souvenir de Sylvia Plath, poétesse américaine émigrée en Angleterre qui voulait à la fois s’investir dans la passion incandescente de l’écriture et vivre pleinement sa vie de femme, d’épouse et de mère. Ecrasée par un mari peut-être jaloux de son génie ainsi que par une société encore très oppressante pour la liberté des femmes, cette bipolarité effective la conduira à la dépression puis au suicide en 1963. Fabrice Murgia s’inspirera principalement de son unique roman poétique, La Cloche de détresse, et démultipliera la voix de la poétesse en un chœur de onze actrices soutenues par une partition musicale aux tonalités des années 60, entre jazz et pop.
« Au-delà de la force des images que les mots de Sylvia Plath m’évoquent, je veux raconter le geste d’« Autofiction » d’une femme en prise avec son époque. D’une part, le spectacle dresse le portrait d’une artiste en création errant dans les coulisses d’un plateau de tournage, et d’autre part, il lève le voile sur son œuvre : un film opératique, joué uniquement par des femmes. À mesure que la romancière est emportée par sa détresse, le processus de création et l’œuvre se confondent, et nous plongent dans une perception du monde aussi solitaire et désemparée, que douce, poétique et musicale. »
‒ EN ‒ In keeping with his interest in ill-fated lives, Fabrice Murgia evokes the memory of Sylvia Plath, the American poet who emigrated to England and who was desperate to give free rein to her passion for writing while, at the same time, living life fully as a woman, wife and mother. Kept down by a husband, who may have been jealous of her talent, as well as by an oppressive society which continued to restrict women’s freedom, this bipolarity caused her to suffer from depression then commit suicide in 1963. Fabrice Murgia draws his inspiration mainly from Plath’s only poetic novel, The Bell Jar. He has divided the poet’s voice into a chorus of eleven actresses, supported by a musical score with a sixties feel, combining jazz and pop.
“Quite apart from the images conjured up for me by the words of Sylvia Plath, I want to describe the foray into “autofiction” by a woman in touch with her times. On the one hand, the production paints the portrait of a creative artist at work, wandering around behind the scenes of a film set and, on the other hand, it reveals the truth about this work: an operatic film, performed by women only. As the novelist unhappiness overwhelms her, the creative process and the work merge, plunging us into a view of the world which is as solitary and distraught as it is gentle, poetic and musical.”
Fabrice Murgia
Fabrice Murgia
CREATION 2018-2019 On Tour Calendar: ARTARA.BE French, ENGLISH, DUTCH
théâtre/theatre
Mise en scène/Direction : Fabrice Murgia • Avec/With : Valérie Bauchau, Clara Bonnet, Vanessa Compagnucci, Léone François, Scarlet Tummers, (en cours/tbc) • Musique/Music : An Pierlé • Création vidéo/Video design : Giacinto Caponio • Image/Film : Juliette Van Dormael • Prod. : Cie Artara / Création Studio Théâtre National Wallonie-Bruxelles • Coprod. : en cours/tbc.
ITHAQUE NOTRE ODYSSÉE, PARTIE 2 CHRISTIANE JATAHY
29 ‒ FR ‒ Après le succès de Julia d’après Strindberg, de What if they went to Moscow ? d’après Les Trois sœurs de Tchekhov, puis de La Règle du jeu d’après Jean Renoir à la Comédie-Française, la metteure en scène et réalisatrice brésilienne Christiane Jatahy s’aventure aujourd’hui dans une relecture de L’Odyssée, d’après Homère, où la Guerre de Troie fera résonner l’antique légende jusque dans les guerres, exils et migrations d’aujourd’hui. Conçu comme un triptyque, la première partie de ce spectacle à la fois épique et intime sera créée à l’Odéon-Théâtre de l’Europe en avril 2018. Et c’est à Bruxelles, au Théâtre National, que sera créée la
deuxième partie. Plusieurs Ulysse et plusieurs Pénélope déclineront les figures du voyage et du retour au pays, à la maison d’Ithaque. Chacun des points de vue, masculin et féminin, sera scruté à la manière d’un journal intime, écrit ou filmé. Dans la deuxième partie, les Pénélope et les Ulysse partiront à travers le monde à la recherche d’un fils perdu. On y retrouvera le langage artistique si singulier de Christiane Jatahy qui confronte en permanence et en tension théâtre et cinéma, la scène et la caméra, y ajoutant pour l’occasion le trouble suggestif et démultiplicateur de l’hologramme.
‒ EN ‒ Following the success of Julia after Strindberg, What if they went to Moscow? after Chekhov’s Three Sisters, then La Règle du jeu after Jean Renoir at the ComédieFrançaise, the Brazilian director and film-maker, Christiane Jatahy, is now assaying a new interpretation of Homer’s Odyssey, bringing out the parallels between the ancient legend of the Trojan War and the wars, exiles and migrations of today. Conceived as a triptych, the first part of this epic yet intimate production will be premiered at the Odéon-Théâtre de l’Europe in April 2018. The second part will receive its first performance at the Théâtre National in Brussels.
Several Ulysses and several Penelopes will embody the various facets of the journey away from and back to the House of Ithaca. The different viewpoints, both male and female, will be examined in the style of a written or filmed diary. In the second part, the various Penelopes and Ulysses will travel the world in search of a lost son. This production will again showcase the idiosyncratic artistic language devised by Christiane Jatahy, who always presents an edgy fusion between theatre and cinema, stage and film camera, with the addition, on this occasion, of the evocative and multiplicative use of holograms to create a sense of confusion.
CREATION 2018-2019 On Tour Calendar: theatrenational.be
théâtre/theatre
Mise en scène, dramaturgie, scénographie/Direction, dramaturgy, scenography : Christiane Jatahy • Collaboration artistique, à la lumière, à la scénographie/Artistic collaboration, lights & scenography : Thomas Walgrave • Distribution/Cast : en cours/tbc • Prod.: Création studio Théâtre National Wallonie-Bruxelles/Companhia Vertice • Coprod. : Odéon-Théâtre de l’Europe, Künstlerhaus Mousonturm, en cours/tbc • © Thomas Walgrave
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still on tour
COPRODUCTIONS
going home
Vincent hennebicq ‒ FR ‒ «...Going Home défile en une heure de diamant brut. Inflammable, la performance de Dorcy Rugamba est le premier combustible d’un récit à la fois noir et lumineux, dur et touchant. Les pulsations de son jeu sont encore attisées par la musique live (et les compositions originales) de Vincent Cahay et François Sauveur. À la batterie ou au violon, ils embrassent le combat de Michalak contre la fatalité, ils exaltent les images vidéo d’une Éthiopie belle, lyrique, fière, loin du misérabilisme dont la parent habituellement les jumelles occidentales...»
En tournée dans 30 villes françaises en 2017-2018 ‒ EN ‒ “...Going Home is a diamond in the rough. Dorcy Rugamba brings a fiery intensity to the role in this hourlong production, fuelling a story that is dark yet filled with light, tough yet touching. The live music (and original compositions) of Vincent Cahay and François Sauveur add fire to every beat of his performance. Playing the drums or the violin, these musicians take up Michalak’s fight against fate, and ennoble the video images of a beautiful, lyrical and proud Ethiopia, a far remove from the miserabilism usually associated with this country when seen from afar through Western eyes...” Catherine Makereel – Le Soir
@théâtre national
TRISTESSES
MENUET
Théâtre National Wallonie-Bruxelles
→ 22 & 23.09.17
THéâTRE NATIONAL WALLONIE-BRUXELLES → 14 > 17.02.18
CROONERS
BLACK CLOUDS
Anne-Cécile Vandalem I Das Fräulein (Kompanie)
NICOLAS BUYSSE, JEAN-MICHEL FRèRE & DITTE VAN BREMPT | CIE VICTOR B. THéâTRE NATIONAL WALLONIE-BRUXELLES → 24 > 27.09.17
BLOCKBUSTER
NICOLAS ANCION | COLLECTIF MENSUEL THéâTRE NATIONAL WALLONIE-BRUXELLES → 26 & 27.09.17
is there life on mars ?
HELOÏSE MEIRE | COMPAGNIE WHAT’S UP ?! ‒ FR ‒ «...Héloïse Meire explore dans son nouveau spectacle, un univers jamais montré au théâtre, celui de l’autisme. Elle n’en fait ni une conférence, ni une simple suite de témoignages, c’est une véritable œuvre qu’elle crée à partir des nombreuses rencontres qu’elle a faites pendant deux ans avec des autistes ou leur entourage. Elle propose un spectacle poétique et troublant, important. Elle restitue à ce monde autiste son humanité même si cet univers nous reste obstinément étrange...»
En tournée au Théâtre des Doms/Avignon en juillet 2017 & dans 15 villes belges en 17-18 ‒ EN ‒ “...In her new production, Héloïse Meire, explores the world of autism, never before shown on the theatre stage. Rather than delivering a lecture or merely stringing together a series of accounts, she has created a genuine work of theatre from the many meetings she has had over a period of two years with autistic people or their friends and families. This is a poetic, unsettling and important show. She gives a human face back to autism even though that world remains stubbornly alien to us...”
LOUIS PAUL BOON | DAAN JANSSENS | FABRICE MURGIA | LOD MUZIEKTHEATER
LAÏKA
ASCANIO CELESTINI | DAVID MURGIA FESTIVAL DE LIège THéâTRE NATIONAL WALLONIE-BRUXELLES → 31.10 > 05.11.17
LA ROUTE DU LEVANT
DOMINIQUE ZIEGLER JEAN-MICHEL VAN DEN EEYDEN L’ancre/charleroi THéâTRE NATIONAL WALLONIE-BRUXELLES → 11 > 24.01.18
FABRICE MURGIA/CIE ARTARA THéâTRE NATIONAL WALLONIE-BRUXELLES → 18 > 21.04.18
ITHAQUE NOTRE ODYSSÉE, PARTIE 1 CHRISTIANE JATAHY | Odéon-Théâtre de l’Europe
THéâTRE NATIONAL WALLONIE-BRUXELLES → season 18-19
Les Bas Fonds / Nachtasiel Maxime Gorki, Raven Ruëll | Theater Antigone
Théâtre National Wallonie-Bruxelles → season 18-19
Maître Puntila et son valet Matti
Bertolt Brecht, Mathias Simons | Théâtre de Liège Théâtre National Wallonie-Bruxelles → season 18-19
Guy Duplat – La Libre Belgique
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