Empire en espa 241 ol diciembre 2017 by Carlos Vañó

+ SUBURBICON, UNCONVENIENT TRUTH 2, THE SQUARE, ยกESPECIAL DE NAVIDAD! DICIEMBRE 2017 $59.00

29 /1 2/ 20 17

STAR WARS

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L AKE TENQUILLE , BRITISH COLUMBIA .

ESPECIAL STAR WARS DE EMPIRE Con miras al estreno de The Last Jedi, EMPIRE se dio a la tarea de reclutar a la Primera Orden de conocedores de la mitología de Star Wars. Aquí el Episodio I, de II, donde analizamos los inicios de esta saga extraordinaria, su creador, sus interprétes y las primeras dos trilogías.

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SUBURBICON El señor George Clooney vuelve a la silla del director, esta vez para emular a sus más grandes inspiradores, los hermanos Coen, quienes escribieron el guion de Suburbicon y, ¿qué hizo Clooney con él?

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THE LAST JEDI Sí, cuando saliste de la sala en diciembre pasado muy emocionado, también pateabas lo que se atravesara pensando en todo lo que faltaba para que llegara diciembre de 2017. Ponte un casco y traje, porque te esperamos en la función de medianoche.

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ESPECIAL DE NAVIDAD A pesar de compartir apelativo con el niño Jesús, su tocayo Chavarría es tan Grinch que se dedicó a buscar las cintas en donde la Navidad es una pesadilla de muerte y destrucción. Debemos confesar que no fue nada díﬁcil.

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HARVEY WEINSTEIN Con este potentado de la industria cinematográﬁca se destapó una cloaca de acoso y abuso sexual en Hollywood que ha cobrado ya algunas carreras, provocando una cacería de brujas que tiene temblando a las celebridades.

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BLACK PANTHER Sin duda, la movie más esperada del MCU porque es de la que no se sabe qué esperar. Seguro que ésta fantástica historia cambiará por completo la jugada para las producciones de superhéroes y en particular de Marvel.

LA BATALLA DE LOS SEXOS Bella historia sobre la campeona y excampeón de tenis; su búsqueda de justicia, identidad y amor. Emma Stone y Steve Carell garantizan dejar la sala con una enorme y franca sonrisa.

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BLACK MIRROR EMPIRE visitó a Jodie Foster mientras dirigía un episodio de tu serie favorita.

THE DISASTER ARTIST Como no le bastan sus propias malas películas, ahora James Franco y su hermano Dave harán una, acerca de la peor.

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CAMINO A MARTE A veces el triángulo es una ﬁgura perfecta para darnos cuenta de que el amor es un extraño extraterrestre. LOVING VINCENT Imponente y conmovedora “película al óleo” acerca de la vida y obra de Vincent van Gogh a través de las cartas a Theo, su hermano.

VIEWING GUIDE: BABY DRIVER Si te capturó el ritmo trépidante de esta hermosa historia de amor, crímenes y persecuciones, ahora te invitamos a verla con más calmita y de la mano de su autor y director. SEÑORA VENGANZA La obra maestra de EMPIRE esta vez es la joya coreana que te dejará con los pelos de punta, enamorado de la estética y listo para echarte la trilogía completa. MIS FAVORITAS: PACO AYALA Este elemento vital de la banda Molotov te comparte sus cinco cintas predilectas.

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CARTAEDITORIAL Star y Wars y el Marvel Cinematic Universe compiten por ser las franquicias que más dinero han recaudado en la historia del cine, pero tienen un común denominador: Disney.

EditorIAL

Ventas

Editor in Chief José Alberto Sánchez

Directora General de Ventas Marielos Rodríguez

Deputy Editor Eduardo Navarrete

Directora de Marketing Comercial y PR Karla Piña ventasTBG@editorial.televisa.com.mx

Coordinador Editorial César Hernández

El gigante del entretenimiento tiene en su poder dos de los referentes culturales más grandes de la historia moderna, uno basado en la mente de George Lucas y otro en los cómics. También, los rumores de adquisicion de 20th Century Fox (quienes actualmente tienen los derechos para llevar a la pantalla a los X Men, Cuatro Fantásticos y Deadpool) nos hacen pensar en la expansión del universo comiquero más allá de lo imaginable en los sueños de los nerds más hardcore, dónde hilos argumentales y subtramas presentes en los cómics (como Secret Wars) puedan llevarse a cabo con los personajes originales.

Editora Anaid Ramírez

ArtE Directora de Arte Isabel Cisneros

Traducciones Ary Snyder

¿Hasta cuándo durará la facinación del público por estas historias? ¿Podrán los estudios seguir con el estandar de calidad que han dado hasta la fecha? ¿Cómo resultará el cambio generacional de sus héroes? ¿Nos estamos cansando de las películas de superhéroes?

Directora de Relaciones Públicas Elmis Reyes Directora General de Agencia Diana Bonardel Director de Talento Gustavo Rincón

Televisa publishing international

Corrección Luis Antonio Torre

Online Por otro lado, la compañía del castillo anunció que no sólo habrá más spin offs de los personajes más íconicos de StarWars, si no un plan para OTRA TRILOGÍA desarrollada en el mismo universo.

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EMPIRE UK No lo sé, pero yo, más que cansado estoy doblemente emocionado. Disfruten la revista.

durden DIRECTOR EDITORIAL durden@durden.news

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EMPIRE EN ESPAÑOL. Marca en Trámite Año 1 N° 9. Fecha de publicación: 30-11-17. Revista mensual editada y publicada por EDITORIAL TELEVISA, S.A. DE C.V., Av. Vasco de Quiroga N° 2000, Edificio E, Col. Santa Fe, Del. Alvaro Obregón, C.P. 01210, Ciudad de México., tel. 52-61-26-00, por contrato celebrado con Bauer Consumer Media Limited. Editor responsable: Porfirio Sánchez Galindo. Número de Certificado de Reserva de derechos al uso exclusivo del Título EMPIRE EN ESPAÑOL: pendiente ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Certificado de Licitud de Título pendiente ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas. Distribuidor exclusivo en México: Distribuidora Intermex S.A. de C.V., Lucio Blanco N° 435, Azcapotzalco, C.P. 02400, Ciudad de México Tel. 52-30-95-00. Distribución en zona metropolitana: Unión de Expendedores y Voceadores de los Periódicos de México, A.C., Barcelona N° 25, Col. Juárez, Ciudad de México Tel. 55-91-14-00. Impresa en: Reproducciones Fotomecanicas S.A. de C.V. Durazno No. 1 Esquina Ejido Col. Las Peritas Tepepan Xochimilco, México D.F. C.P. 16010. Tel: 53344-1750. EDITORIAL TELEVISA S.A. DE C.V. investiga sobre la seriedad de sus anunciantes, pero no se responsabiliza con las ofertas relacionadas por los mismos. ATENCIÓN A CLIENTES: A toda la Republica Mexicana Tel. 01 800 REVISTA (7384782). Las opiniones expresadas por los autores no necesariamente reflejan la postura del editor de la publicación. Queda estrictamente prohibida la reproducción total o parcial de los contenidos e imágenes de la publicación sin previa autorización de Editorial Televisa, S.A. de C.V. EMPIRE MÉXICO. The Trademark and Tradename EMPIRE MEXICO is owned by CONSUMER MEDIA LIMITERD. Published by permission of CONSUMER MEDIA LIMITERD. Reproduction in whole or in part without the consent of the copyright proprietor is prohibited. Prohibida su reproducción parcial o total. IMPRESA EN MEXICO - PRINTED IN MEXICO. TODOS LOS DERECHOS RESERVADOS. ALL RIGHTS RESERVED. © Copyright 2017.

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EXCLUSIVA EN EL SET PACIFIC RIM: UPRISING ESTRENO 23 DE MARZO DE 2018

MR. BIG ROBOT

John Boyega se pone al tiro con monstruos de 200 metros. POR IAN FREER

UNO DE LOS ASPECTOS MÁS COLORIDOS de Paciﬁc Rim, junto con las

Los amigos y rivales Jake Pentecost (John Boyega) y Nate Lambert (Scott Eastwood) uniendo fuerzas / Atentos, Kaijus, los Jaegers están en el campo de batalla.

temibles criaturas, fue el espectacular apodo del cancela apocalipsis de Idris Elba: Stacker Pentecost (Apilador Pentecostés). La secuela tiene a John Boyega como su hijo así que, ¿qué tenemos esta vez? A un simple Jake. “Me sentí igual”, ríe Boyega en el set de Fox Studios en Australia. “¿Jake? ¿En serio?”. En Pacific Rim: Uprising, que tiene lugar una década después del primer filme, los alienígenas conocidos como Kaiju han regresado. Y aunque Jack (Boyega) sepa cómo usar un Jaeger —los trajes mecánicos de combate—, no es un héroe. “Al principio de la película mi personaje es todo un canalla”, afirma Boyega. “Hay Jaegers rebeldes: la gente ha juntado partes y fabricado sus propias máquinas. Jake es un ladrón y vende partes de Jaegers”. Si Jake es el hijo pródigo, entonces la escena que EMPIRE presencia es su bienvenida. Luego de ser arrestado, el chico es llevado al Shatterdome, el cuartel general de Defensa Pan Pacífica, en China. Ahí se topará con su distanciada hermana, Mako (Rinko Kikuchi) y su expareja en los cadetes, Lambert (Scott Eastwood), quien es ahora un comandante. “Es como encontrarte con un amigo de la uni y darte cuenta de que no eres tan exitoso”, dice. Si Uprising g se adentra en la dinámica de los personajes, no lo hace a expensas de la acción. “Tuve que deslizarme por el brazo de un Jaeger. Fueron más de seis metros. Eso fue muy loco”. Recordó el actor como todo un pentecostés.

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EXCLUSIVA EN EL SET BLACK MIRROR ESTRENO POR CONFIRMAR EN NETFLIX

FOSTER NOS DA MIEDO EMPIRE platicó con Jodie Foster, directora invitada de Black Mirror, para descubrir su lado oscuro. POR JOHN NUGENT

CADA DÍA DE ACCIÓN DE GRACIAS, mientras los miembros de la familia preparaban el pavo en la cocina, Jodie Foster se sentaba frente a la tele para ver The Twilight Zone. “Cada año”, recuerda. “Era como un maratón de la serie. Era mi favorita”. Ahora, cuando EMPIRE se reúne con ella en una gris mañana de enero al oeste de Londres, está terminando la posproducción del capítulo que dirigió para Black Mirrorr —la serie que ha sido descrita como la sucesora espiritual de The Twilight Zone—. “Arkangel”, de Foster, es una de las entregas en la última antología. Después de ﬁlmarla en Hamilton, Ontario, ahora está en Twickenham, adonde EMPIRE llegó para ver algo del pietaje original. Juntos vemos a Rosemarie DeWitt angustiada por su hija extraviada y corriendo por una calle de aspecto triste en el pueblo acerero

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canadiense. Vaya contraste frente a otro episodio de la nueva temporada que resuena a Star Trek (“USS Callister”). Foster describe su aportación como “cruda y real, como una película independiente”. En efecto, hay una sensación gris y apagada en el pietaje que nos muestran, a pesar de la típica tecnología de un futuro cercano en el corazón del episodio y que le permite a Hola (DeWitt) monitorear a su hija (Sarah Abbott) de una manera perturbadora. Fue el amor de Foster por Twilight Zone lo que la trajo a Black Mirror. El año pasado comió con un ejecutivo de Netﬂix (Foster había dirigido capítulos de Orange is the new Black) y se quejó de que Hollywood ya no hace “cosas cortas”. “Creo que las historias cortas son la forma artística más perfecta”, asevera. “Hoy todas son franquicias grandes y épicas o series de televisión de ocho temporadas”. Después de eso Netﬂix la puso en contacto con Charlie Brooker, el escritor y creador de Black Mirror, y en cuestión de días ya estaba en la alineación de directores invitados (que incluye a Joe Wright y John Hillcoat). “Lo que es interesante de trabajar con Jodie Foster es que

debes evitar que tu cerebro grite: ‘¡Es Jodie Foster!’, cada dos minutos. Creo que conseguí que no se diera cuenta”, dice Brooker después. El guionista describe el episodio “Arkangel” como “una historia de madre e hija, pero no tan aburrida como suena”. Foster admite que parte del atractivo fue su propia relación con su mamá. “Era madre soltera, fue mi mánager y mi vida de trabajo. Fue… inusual”. Eso es un tema clave del capítulo: aprender a relajar un control parental muy estrecho. “Se trata sobre la lucha entre madre e hija, el querer criar a una mujer que no tenga tus miedos y, aún así, controlarla. Significa que a veces tienes que mandar a volar a tus padres”. Frustrada con el sistema de los estudios (“hay muchas notas e ideas tontas…”), Foster está disfrutando de la libertad creativa que acompaña a un proyecto de Netflix. La también actriz querría que criticaras su capítulo como criticas sus películas. “Hago filmes que requieren que la gente ponga atención, siempre prefiero que no estén viendo su celular o preparando la cena”. Entonces quizá no sea buena idea considerarla para un maratón el Día de Acción de Gracias.

LAEDADDE LA PUNZADA Conoce a los imberbes que le darán horror al universo X-Men. POR TOM ELLEN

La directora Jodie Foster con su equipo en el episodio “Arkangel” de Black Mirror / Rosemarie DeWitt, la mamá, está buscando a su hija / Jodie tras la cámara en el set filmando una escena con DeWitt y su hija en pantalla, Sara (Sarah Abbott) / El gadget tecnológico que crea un infierno entre madre e hija.

THE NEW MUTANTS —la 11ª película de X-Men— no es exactamente un filme de superhéroes. De hecho, es mejor describirla como uno de horror, de transición a la adultez y que tiene superhéroes. Y para nada son superseres equis. Así que, ¿se trata de seres superiores? Bueno, están encerrados en una institución tipo asilo; se centra en la mutante nativa americana Mirage (Blu Hunt) cuyas habilidades psíquicas le permiten crear alucinaciones hiperrealistas de los peores temores de sus enemigos. En la serie de cómics “Demon Bear”, en la que se basa el filme, los sueños de Mirage son perseguidos por una fuerza maligna con forma de —adivinaste— un oso demoniaco. Los compañeros de Mirage en la cinta incluyen a la hechicera rusa Magik (Anya Taylor-Joy) y a la mutante escocesa Wolfsbane (Maisie Williams), quien lucha para alinear su crianza cristiana fundamentalista con su habilidad para transformarse en lobo. La pandilla es completada por el chico millonario brasileño Sunspot (Henry Zaga), quien puede aprovechar el poder del Sol, y el hijo de minero estadounidense Cannonball, un jet humano (Charlie Heaton, de Stranger Things). No verás spandex aquí: sólo mutantes jóvenes y confundidos que están comenzando a aceptar sus poderes. El director Josh Boone se hizo de un nombre con su blockbuster juvenil The Fault in our Stars, y ya firmó para adaptar The Talisman, de Stephen King, así que claramente tiene gusto por las angustias adolescentes y la fantasía oscura, lo cual es bueno porque The New Mutants parece tener algo de ambas. THE NEW MUTANTS ESTRENARÁ EN MÉXICO EL 11 DE ABRIL DE 2018.

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EL DEBATE

¿HIZO LUCASFILMS LOMEJOR DE LASAGA? Antes de retirarse del universo de Star Wars, George Lucas entregó una trilogía de precuelas que dividió a su público y la gente que siempre lo quiso aplaudió que Disney reviviera con justicia las historias que, según algunos, Lucas traicionó.

El día que Lucas vendió a sus hijos por hambre / Rey rescata a BB8 / Luke y Leia son como hermanos... aunque se besen.

SÍ

MARIO P. SZÉKELY, COLABORADOR

El futuro siempre en movimiento está. Yoda

PENSAR EN STAR WARS, S DE GEORGE LUCAS, es regresar por fuerza a la década de los años 70. Como si no lo hicieramos diario y a cada rato. Para quienes crecimos en esos años, la saga de Luke Skywalker fue lo más cercano de lo que los millennials de hoy hablan sobre series como Harry Potter, de la novelista J.K. Rowling, donde las historias se iban cocinando al tiempo que crecíamos y los autores se volvieron objeto de devoción pública.

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En la saga de Star Wars Lucas nos colocó en la misma cabina del Millennium Falcon, con Luke, Han Solo y la Princesa Leia —además de los androides y Chewbacca— para decirnos que el poder de la imaginación era infinito y que sus artistas en Lucasfilm, Industrial Light and Magic (ILM) y Skywalker Sound eran lo más cercano al taller de Santa Claus. Más de uno crecimos deseando algún día trabajar para Lucas o con él (directo con él) y, los que no, se imaginaron en profesiones apasionantes, trascendentes y divertidas como las que mostraban los magos de los efectos visuales que trabajaban para Lucas. John Williams se volvió el compositor del soundtrack de nuestras vidas y todos vimos al horizonte, escuchando sus notas y pensando que seríamos los héroes de nuestra propia vida. Ese idealismo es culpa de Lucas y del enorme logro de filmar la serie de Star Wars, ejemplo que con trabajo, disciplina y, ¡claro!, talento, se podría conquistar lo imposible. Aunque la recepción a la trilogía de los episodios I a III (1999-2005) no fue la misma que

la de la ya llamada trilogía clásica (1977-1983), en cuanto a apasionamiento del público por sus personajes e historias (la venta de boletos sí fue superior a los episodios IV a VI), jamás se podrá criticar que Lucas no tomó riesgos. Por ejemplo, su mera decisión de no poner cual matón del universo a Darth Vader desde el inicio de La amenaza fantasma, retó una visión más comercial y fácil del personaje. Así, Star Wars jamás careció de la ambición de Lucas por serle fiel a una historia que implicaba decisiones no populares hasta para los mismos fans, revelándose como un autor celoso de la construcción de su obra. Aunque la compra de Disney trajo la posibilidad de expandir Star Wars a nuevos públicos, más la preservación de la misma marca en centenas de licencias, también ha traído el lado oscuro de un Star Wars menos arriesgado y más en piloto automático. La suerte de esa galaxia con rugido wookie se irá forjando, proyecto tras proyecto, donde infinitamente rebotará esta sentencia: ¿qué hubiera sucedido si Lucas las hubiera filmado?

JESÚS CHAVARRÍA, COLABORADOR

AUNQUE ES INNEGABLE la habilidad como cineasta que mostró George Lucas con esa pequeña joya llamada American Graffiti, amén de que entregó al mundo la saga más importante de la industria hollywodense, también es un hecho que de la misma sólo dirigió una buena película y no es la mejor de todas. Ese honor, por cierto, le corresponde a Irvin Kershner y su The Empire Strikes Back. Tenemos que decirlo: aunque con su estupenda A New Hope supo iniciar y delinear con acierto ese maravilloso universo de caballeros y princesas espaciales, impulsando las siguientes películas, cuando volvió a embarcarse

en la dirección de una nueva trilogía se extravió en el afán de aprovechar lo más que pudo los avances tecnológicos y presentar una gran cantidad de novedades —personajes, naves espaciales y similares con el potencial de convertirse en loncheras, camisetas, champús, cepillos de dientes, cereales, edredones, máscaras, disfraces y un larguísimo y lleno de billetes etcétera —. Esto se reﬂejó en un evidente descuido de la historia y la traición de muchos principios, como ese asunto de darle una explicación cientíﬁca a la naturaleza de la Fuerza dentro de un marco claramente fantástico. Fue de esta forma que ofreció un Episodio I con varias secuencias gratuitas y aburridas, un Episodio II que cae en los excesos —porque ahí quiso reponer el tiempo perdido con su predecesora— y un Episodio III con cabos sueltos y abruptos cierres en sus líneas argumentales. Sin duda fue una trilogía que aprovechó bien el factor nostalgia, pero aún así resultó irregular y fallida en muchos sentidos.

Incluso la serie animada Clone Wars, de Genndy Tartakovsky, estuvo mucho más acorde a la naturaleza del concepto. Es justo por eso que las cintas actuales, presentadas bajo el sello Disney, se ponen por encima de la trilogía anterior. Y es que a pesar de que el Episodio VII es casi un remake del Episodio IV, le falta acción Jedi a Rogue One y que ambas cintas también se valen del factor nostalgia, éstas no poseen nada más efectos especiales espectaculares, pues además lucen un acabado más acorde con la saga original y recuperan el aire evocador y tono de inquietud de la misma. Gracias a esos aspectos que el propio George Lucas casi olvidó en aquel regreso a la silla del director, sin demeritar nunca su capacidad para consolidar con el paso de los años el sueño llamado Star Wars, hoy podemos decir que cedió a tiempo el timón y que además lo dejó en buenas manos. También es diﬁcíl, como siempre en esta sección, deﬁnir si de verdad las de Disney son mejores películas cuando lo mejor es lo que falta.

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Primer vistazo OLÉ, EL VIAJE DE FERDINAND ESTRENO 22 DE DICIEMBRE

TOMAR AL TORO POR LOS CUERNOS La animación que acompañará tus vacaciones decembrinas. POR ANA LUCÍA ALTAMIRANO

Ferdinand, como tú, tiene amigos bieeen raritos, pero se lo pasan bien en el campo / Si piensas llevar a Ferdinand en el asiento de atrás de tu coche, procura no pasar por Peralvillo / ¿Un toro jugando con globos? No acabará nada bien.

UN NUEVO PERSONAJE de la animación está por tomar la pantalla grande: Ferdinand, un toro en apariencia fuerte y valiente, pero un tanto a disgusto con lo que ha sido marcado para su especie. Basado en el libro de Munro Leaf, el director brasileño Carlos Saldanha —quien antes hizo La era del hielo y Río— busca sorprendernos de nuevo con un relato que, para él, no puede llegar en mejor momento. “Hoy en día hay una gran carencia de tolerancia: si eres diferente, no encajas; y si no encajas eres maltratado, rechazado y eso es muy fuerte. Creo que eso nunca había sido tan marcado como ahora”, explicó a EMPIRE el realizador. Por eso, Saldanha encontró en El viaje de Ferdinand d una oportunidad para dejar en el público infantil un mensaje al respecto: “Esta historia tenía que contarla”. La cinta animada se sitúa en un pueblo de España y te adentra en una reﬂexión sobre la amistad, así como los juicios y prejuicios, y el respeto a las diferencias. “Juzgar no es un problema local, está en todo el mundo. Yo tengo hijos y hablo con ellos. Me queda claro que la única forma de ser feliz es jjusto siéndolo para nosotros. No culpemos a los demás porque no somos felices o nos dicen ciertas cosas, tenemos que ser auténticos y está bien ser diferente”. Como el libro es un cuento pequeño acerca de Ferdinand, el director tuvo que expandir la aventura y con ello crear nuevos personajes. La intención de las añadiduras es enriquecer la trama y exponer el mismo punto desde diferentes perspectivas.

“Así aparece Lupe. Se trata de un personaje que también es juzgado; es una cabra y mucha gente dice que no hay nada menos valioso que una cabra. Ella también debe lidiar con todo eso, tiene que creer en ella misma y realmente piensa en poder hacer más, aunque nadie la respeta”, añadió el director. Además de emoción, mensaje y aventuras, la cinta buscó innovar en la tecnología con respecto a la animación. De esta manera, se utilizó un software nuevo y específico para dar color a las imágenes y se mejoraron texturas que hacen todo mucho más real. “Cada vez que hacemos una película tratamos de mejorar, pero a veces no se nota porque todo está en los pequeños detalles como, por ejemplo, cada pasto que llena un campo, las hojas de los árboles y el pelo de cada animal”, contó el realizador. En concreto, para Ferdinand se creó una textura especial a fin de darle vida a ese halo brillante que tienen los toros. “Además dimos colores mucho más vivos y reales. Lo mismo pasa con las sombras y luces que se reflejan, todo es mucho más cercano a la vida real y provoca que uno se meta más y más en la trama”, afirmó Saldanha. Como en sus anteriores proyectos, el cineasta trabajó mucho en la creación del ambiente que envuelve la historia, y el desafío no fue sencillo. “Cada proyecto es un reto, uno aprende mucho en cada proyecto y Ferdinand es toda una atmósfera diferente. Ahora es España y debes tratar de hacerlo real, pero con el esfuerzo de no tomar estereotipos para hacer que luzca mucho más real”, concluyó.

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¡ESTO ES LA GUERRA!

El reloj checador y los tuppers son las armas en el campo de batalla que encabeza el director Chava Cartas. POR ANAID RAMÍREZ

UNA BANDERA DEL CLUB A AMÉRICA A tamaño pared, una tupida alfombra verde —muy vintage— y una cama mejor tendida que en la militarizada no logran que EMPIRE desvíe la mirada del pantalón de vvestir y la camisa bien planchada que Genaro (Daniel Tovar) tiene sobre el colchón. El personaje de Tovar está en el baño con una toalla amarrada a la cintura, viéndose al espejo. Acaba de salir de la regadera, con lo que comienza su ritual para emprender el rumbo de casa al trabajo; puntual, como siempre. Apenas puede moverse entre los azulejos y la cortina del baño, pues está rodeado de dos cámaras con sus respectivos operadores. Hay que capturar hasta lo más mínimo. “La historia parte de los detalles, va de lo particular a lo general”, aclara Chava Cartas. Y es que para el director de Mirreyes contra godínez era importante recrear los dos estilos de vida que menciona en el título de su ﬁlme de manera

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íntegra. Parte de los pormenores de lo que hace y tiene cada uno de los bandos en su día a día, “y de ahí se desprenden hacia afuera: las locaciones, adónde se mueven, su hábitat... ¿Dónde vive un chavito que va a trabajar todos los días de nueve a cinco? ”. Por esta razón, la producción se dio a la tarea de encontrar locaciones muy precisas y EMPIRE está ahora de mirón en el baño de Genaro, en una casa cerca de los Estudios Churubusco. Pero la película tendrá otras locaciones: desde bares típicos para ir en cuanto cae la quincena hasta el restaurante más cool del Pedregal; sin embargo, el set principal es una fábrica de zapatos en la colonia Doctores. “Ahí se desarrolla casi toda la historia, es donde se encuentran los godínez y los mirreyes”, explica Cartas. Así que espera la campal en ese lugar, entre tuppers, engrapadoras y pasteles de cumpleaños. Descuida, eso no signiﬁca que en la banda sonora ﬁguren “Las mañanitas” o el sonido de las impresoras. “Hay música para cada una de las tribus, por decirlo así; entonces será muy interesante la parte musical”. Y como el director no quería un soundtrack ya armado, “tenemos gente dedicada al score, estamos con cosas más estructurales y hechas para la cinta”, cuenta el cineasta. Por esa razón, Mauricio Arroyo —“Le decimos Gonzo”, bromea Cartas— ya tiene las plumas sobre el pentagrama.

Debido a lo anterior es sencillo imaginar el resultado como el ensamble de un montón de estereotipos y burlas, pero la materia prima del ﬁlme es la anécdota de esos dos mundos. Fue esto lo que llamó la atención de Cartas y lo motivó a sumarse al proyecto: “Me pareció que toca de manera muy inteligente un tema en el cual todos estamos involucrados, ya sea del lado de los godínez o el de los mirreyes. Cuando leí el guion y me enteré de que no era una película de clases sociales, sino dos géneros que enfrentan dos modos de vida, encontré ahí lo más importante”. La fusión de mundos que hace este largometraje a través de personajes, ambientes y sonidos tiene la intención de mostrar “cómo los grupos se topan, se encuentran y, al ﬁnal del camino, se dan cuenta de que todos somos iguales”, cierra el realizador. El bando de los godínez será encabezado por el Genaro de Tovar, clan al que también pertenecerá la Sofía de Gloria Stálina; mientras que el mirreynato será encabezado por Michelle y Santi, interpretados respectivamente por Regina Blandón y Pablo Lyle —en su primer trabajo en cine—. ¿A quién le vas, al yoyo con credencial o a la cuba de bacacho blanco? MIRREYES CONTRA GODÍNEZ ESTRENA EN 2019.

Trailer park Un experto te recomienda tráilers por su valor como avance, sin importar si la película es buena o no.

THE NEW MUTANTS

LOS X-MEN SE VUELVEN UNA HISTORIA DE TERROR. POR ESO EN EL TRÁILER APARECEN LÚGUBRES PASILLOS DE UN PSIQUIÁTRICO Y CHICAS DE CARITA DIÁBOLICA. ECOS DE THE WALL LA HACEN MÁS APETECIBLE.

RÉPLICAS

ES COMO VER LA FAMOSA PET SEMATARY, DE STEPHEN KING, PERO COMO SI FUERA EN SERIO. EN UN TRISTE FUTURO, KEANU REEVES REVIVE CON ROBÓTICA A SU FAMILIA MUERTA EN UN ACCIDENTE.

¿QUÉ VA A PEDIR LA PRINCESA? Danna Paola alista su primer protagónico en cine, una niña fresa muy enamoradiza. POR ANAID RAMÍREZ

LAST OF US PART II

ES EL TRÁILER DE UN VIDEOJUEGO PERO ESTÁ ESPELUZNANTE: ES LA TÍPICA ESCENA EN LA QUE NO PUEDES INTERVENIR PERO QUE TE DEJA DESTROZADOS LOS NERVIOS. NO ES NADA BONITO DE VER, AUNQUE ES JUSTO LO QUE BUSCAMOS EN EL JUEGO.

UNA ADOLESCENTE que habla con la papa en la boca, fiel creyente del destino y dispuesta a hacer todo lo necesario para estar con el amor de su vida son las ideas con las que se definiría a Renata, el rol principal en Lo más difícil es complicarlo todo y el primer estelar de Danna Paola en pantalla grande. “Renata fue más mía que de todos”, afirma la actriz al momento de referirse a su papel. Y es que, cuenta Danna Paola, tuvo muchas libertades para encarnar a Renata. “En cuanto empezamos a hacer las lecturas, lo primero que le dije a René (Bueno) fue: ‘No se puede llamar Mónica’, que era su nombre inicial, porque justo antes hice La doña y tenía un personaje que se nombraba igual”. Y el director lo confirmó: “Soy pésimo para darle nombre a mis personajes, batallo mucho para encontrarlos y luego para recordarlos”. El cambio en el nombre de la protagonista también encontró una justificación por la asociación: “Para mí una niña fresa de 17 años se

llamaría Renata”, agregó la actriz. Y ni cómo contrariarla. El debut oﬁcial en cine de Danna Paola —antes tuvo un pequeño papel en Arráncame la vida, de Roberto Sneider— es una comedia romántica. El ﬁlme se desarrolla a partir de que Renata se enfrenta con la indiferencia de su amor platónico, el mejor amigo de su hermano mayor, Leonardo (Alosian Vivancos) —“A él también le cambiamos el nombre; yo le había puesto Juan Pablo”, dijo Bueno—, y la aparición de la perfecta novia de éste, Susana (Marjorie De Sousa). Pero como buena niña fresa y caprichosa, no se medirá a la hora de luchar por lo que quiere y se apoyará de su mejor amiga, Valeria (Daniela Wong), para aplicar la de “en la guerra y en el amor, todo se vale”. ¿Y de dónde va a sacar inspiración para idear cada una de sus estrategias? Del séptimo arte. “Renata es fan del cine”, cuenta la actriz, y debido a eso aparecerán escenas de la protagonista con su BFF recreando situaciones de diversos géneros, ayudándose de vestuarios, cambios de color y melodías. Por esta razón, cuenta la intérprete, “parte principal de la película también fue la musicalización”. Hay temas que se compusieron en especial para la cinta. “La canción que podría ser la principal va del amor que le tiene Renata a Leonardo, con ella le dice que es el hombre del que está superenamorada. También hay un cover de una canción setentera; estamos todavía trabajando en los detalles”. Después de ver todo lo que es capaz de hacer Renata, verás que en Danna Paola no queda ni un rayito de luz de María Belén. LO MÁS SENCILLO ES COMPLICARLO TODO ESTRENA EL 19 DE ENERO.

DICIEMBRE 2017

Chanoc lo hubiera amado / Black Panther aferrado / No le creas nada a Andy Serkis si no está hecho por computadora / Algunos guerreros de Wakanda / Las Wakanda Chicks.

exclusiva Primer vistazo BLACK PANTHER ESTRENO 12 DE FEBRERO DE 2018

LISTO PARA SALTAR

Black Panther ilumina una parte poco representada en el canon de los cómics. POR TERRI WHITE

THOR: RAGNAROK acaba de llegar a hulkazos al mundo, pero la 18ª película del Universo Cinemático Marvel está a sólo tres meses de estrenarse y, aunque no es la última en una larga línea, promete ser diferente a las demás. No sólo Black Pantherr es la primera cinta individual de un superhéroe negro en el actual UCM —y también lo fue en los cómics

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prevalecientes cuando fue creado por Stan Lee y Jack Kirby en los 60—, sino también la primera producción de alto presupuesto basada en un cómic con un elenco y equipo técnico predominantemente negro. La primera vez que vimos a T’Challa (Chadwick Boseman), el joven rey que debe proteger de amenazas externas a Wakanda —un paraíso afrofuturista y la nación más avanzada de la Tierra—, fue en Captain America: Civil War. Black Panther se desarrolla inmediatamente después de los eventos de Civil War, donde el padre de T’Challa es asesinado, por lo que el joven regresa a su hogar para convertirse en rey en un momento de mucha agitación. La trama de fondo de este ﬁlme: “Es que debíamos asegurarnos que Black Panther se sostuviera por sí misma”, revela el productor ejecutivo Nate Moore en el set de Atlanta, añadiendo: “No se parece a nada que hayamos hecho antes”. Moore, quien de pequeño estaba obsesionado por completo con los cómics, ha tenido la historia de Black Panther en su mente desde que se unió al programa de escritores de

planta de Marvel a ﬁnales de los 90. Esta pasión, que se convirtió en un proyecto multimillonario, es dirigida por el director y guionista de Creed, Ryan Coogler, con un elenco tan expansivo como impresionante: Boseman, Danai Gurira, Lupita Nyong’o, Michael B. Jordan, Forest Whitaker, Angela Bassett, Daniel Kaluuya, Andy Serkis y Martin Freeman. La estrella, Chadwick Boseman, habla del signiﬁcado de ser parte de esto: “No tiene precedentes. Cada día piensas que no puedes creer que t eencuentres en este proyecto. Es impresionante llegar al set y ver a Angela, Forest, Lupita, Danai y Michael B conmigo. Somos nosotros aquí, es ver el set y permitir que te caiga el veinte”. Las producciones de cómics que rompen la fórmula han sido exitosas en años recientes —Deadpool y Guardians of the Galaxy, para mencionar apenas dos— y ahora Black Panther podría ser la más arriesgada de todas ellas. Moore señala: “Si es buena, la gente la verá sin importar el color. En Marvel nunca nos preocupamos de si funcionaría, sólo de que fuera una buena historia”.

LA CONDICIÓN DESERACTOR

El protagonista de 120 latidos por minuto habla sobre los numerosos retos de encarnar a un personaje con una enfermedad terminal. POR STIVI DE TIVI

EL ACTOR ARGENTINO Nahuel Pérez Biscayart es ﬁel ejemplo de que ya no existen fronteras territoriales: un actor latinoamericano puede trabajar en el cine europeo sin mayor problema. Su último trabajo, 120 latidos por minuto, ganadora del premio del Jurado en Cannes 2017 y representante de Francia para el Óscar 2018, lo ha catapultado como el actor hispano a seguir —lo sentimos, Gael—. Sin saberlo, el histrión comenzó su camino para llegar a dicho ﬁlme hace tiempo. Aunque tiene apenas 31 años, cuenta con una carrera extensa: ha trabajado en televisión (la versión argentina de Mujeres asesinas), cine internacional (Todos están muertos) y teatro (Karamazov). El rubro de la experiencia está completo en su CV, pero ¿qué hay de expresarse en otras lenguas?

La barrera del idioma nunca ha sido un impedimento para sus necesidades laborales: “Aprendí inglés a los 21 años porque entré a un grupo de teatro llamado Wooster Club en Nueva York”, confiesa. Luego trabajó en Francia, en una película cuyo director “buscaba a una actor que tuviera un acento francés espantoso”. Al término de la filmación permaneció en el país para aprender el idioma y trabajar en otra cinta. “Estando allá se confirmaron otras dos, entre ellas 120 latidos por minuto”, contó Nahuel durante su visita al Festival Internacional de Cine de Morelia. Además de dominar el francés, su participación en la cinta de Robin Campillo implicó retos físicos, pues interpreta a Sean Dalmazo, un joven seropositivo: “Lo que hice con Sean fue volver visible su enfermedad, entender la contradicción y sus ganas de sobrevivir. Sólo tuve 15 días para perder peso, no los seis meses que Matthew McConaughey tuvo en Dallas Buyers Club. Bajé siete kilos”, cuenta. Pero el reto mayor, sin duda, será captar al público, aunque no dudamos que lo conseguirá. 120 LATIDOS POR MINUTO ESTRENA EL 1 DE DICIEMBRE.

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EMPIRE apuesta a las futuras estrellas, hoy, en cash.

SADIE SINK POR HELEN O’HARA FOTOGRAFÍA RYAN PFLUGER/NETFLIX

Edad __ 15 Interpreta a __ A Max en Stranger Things 2. “Es una marimacho y le gusta la patineta”, define Sink. “Es muy introvertida y tiene un hermanastro mala onda”.

Trasfond __ “No comencé a actuar profesionalmente sino hasta los 10. Soy originaria de Texas, pero nos mudamos a Nueva Jersey cuando mi hermano y yo comenzamos a actuar en obras de Broadway”. Su gran oportunida __ “Annie [en Broadway], porque en ese momento era mi sueño. Después pasé a las películas y ahora es lo que quiero hacer”. Mejor dirección __ “El director de una obra de Broadway me dijo: ‘El mejor consejo de actuación que puedo darte es que seas una niña de verdad. ¿Cómo vas a interpretar a una estudiante si no sabes lo que es ir a una escuela real?’. Eso es muy importante”.

Nuevas habilidades __ “Antes de que comenzáramos a grabar Stranger Things nunca había andado en patineta, así que tomé clases antes de llegar al set. No diría que soy la mejor en la tabla, pero puedo hacer varios trucos”. Hobbies __ “Me gusta la fotografía. Tengo una Canon Rebel. Mi hermanita es mi modelo”. Héroes en la actuación __ “Yo diría que Emma Stone. Amo cada una de las películas que ha hecho. Amy Adams, definitivamente, y también Jennifer Lawrence”.

Lo que sigue __ “Estoy esperando que estrene la temporada 2 de Stranger Things para ver a dónde me lleva”. STRANGER THINGS 2 YA ESTÁ DISPONIBLE EN NETFLIX

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Jake Gyllenhaal como una de las víctimas del atentado de Boston, Jeff Bauman.

EL MARATÓN DELAMUERTE Jake Gyllenhaal llega muy lejos con su interpretación en Stronger, el drama sobre el atentado en Boston. POR OLLY RICHARDS

JAKE GYLLENHAAL estaba aterrado antes de reunirse por primera vez con Jeff Bauman. Para interpretarlo en Stronger, Gyllenhaal sabía que pasaría un año aprendiendo a “convertirse” en Bauman, un tipo ordinario que saltó a una fama indeseada después del atentado del maratón de Boston en 2013, que mató a tres personas e hirió a 256, incluyendo a Bauman. En esa época, él tenía 29 años, trabajaba en una deli y perdió ambas piernas. Su historia de supervivencia y determinación para caminar de nuevo lo convirtieron en el símbolo de la ciudad para rehusarse a aceptar el terror. “Estaba muy nervioso”, señala Gyllenhaal. “Tenía la sensación de ser un fraude. Sabía que lo que iba a hacer era pretender. Cuando conoces a alguien que ha pasado por lo que vivió Jeff y sobrevivió lo imposible, hay algo que te lo reclama”. En una comida donde también estuvieron el director David Gordon Green y el guionista John Pollono, a Gyllenhaal le costó trabajo ser natural. “Después Jeff contó un chiste y nos relajó a todos. Es muy carismático. Creo que tiene un don”. Extrañamente, el humor fue la clave para convencer a Gyllenhaal de aceptar Stronger. Cuando supo que la vida de Bauman sería llevada al cine se preguntó qué tipo de ﬁlme sería. “Había visto la famosa foto de Jeff agarrando lo que

quedaba de su pierna minutos después de la explosión y me pregunté si sería morbosa”, recuerda Gyllenhaal. “Eso me preocupaba, pero leí el guion y a la cuarta página me estaba riendo. Sin los convencionalismos que me chocan”. Ambos descubrieron que tenían mucho en común —la mayoría de los amigos de Gyllenhaal crecieron en Boston—. Jake nota cómo Bauman ha cambiado desde que lo conoce. En la película, Bauman es un bebedor que vive con su mamá y no es capaz de mantener una relación. Ahora es padre y lleva sobrio 15 meses. “En estos días bebe leche de almedra”, revela Gyllenhaal. Aunque conocer a Bauman fue sencillo para Jake, transformarse físicamente en él fue difícil. “Cuando lo vi quitarse las piernas por primera vez me resultó difícil procesarlo”, concluye. A Bauman le amputaron las extremidades arriba de las rodillas, así que Gyllenhaal sólo podía mostrar un poco de movimiento más abajo de la cintura. Estudió cómo Jeff usaba su cuerpo y pasó horas entrevistando a su equipo de médicos. En el set, una silla de ruedas diseñada para ocultar las piernas de Gyllenhall, así como hoyos en las paredes, pisos, camas y efectos especiales completaban la transformación. Se dice que es una de las mejores interpretaciones en la trayectoria del actor y lo ha puesto a la cabeza de la carrera por el Óscar para Mejor actor. Si gana, será porque resistió los sensibleros clichés del típico actor en forma interpretando a un discapacitado. Podrías llorar, pero él preferiría que rieras. STRONGER SE ESTRENA EL 8 DE DICIEMBRE.

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TIROAL BLANCO

El Premio Iberoamericano de Cine Fénix llega a su cuarta edición con ambiciones muy definidas. POR ANAID RAMÍREZ

HACE CUATRO AÑOS, en el Teatro de la Ciudad de México, se realizó la primera entrega del Premio Iberoamericano de Cine Fénix, iniciativa de Cinema 23 para reconocer y difundir el cine realizado en dicha región. En 2017 se habla de su crecimiento, ¿pero cómo medir la evolución de una ceremonia de premiación? “En la exhibición de las películas”, responde Rodrigo Peñaﬁel, presidente de los Premios Fénix. Y es que antes de comenzar con el proyecto los organizadores no pudieron ignorar que los blockbusters se comían por completo el cine iberoamericano, si es que éste llegaba a exhibirse. Por eso comenzaron con Cinema 23 —“Una plataforma para promover el cine de la región”— y luego con los Premios Fénix. Como en el comienzo de la iniciativa, las películas iberoamericanas “no llegan a seis mil salas de cine”; sin embargo, “están ya en las salas de arte y en plataformas como FilminLatino y Cinépolis Click, las están programando en aerolíneas, en canales como NBC Universal y en Cinelatino”, recalca Peñaﬁel. El interés de los medios de comunicación también ha sido una variable para medir el impacto de la ceremonia. “Se sumaron al proyecto diferentes medios aliados y páginas web... Si están pidiendo el contenido es porque alguien lo está viendo”. El incremento no sólo se debe a que la ceremonia les queda chula, sino por cómo se conforma la iniciativa y también lo que se desprende de ella. De entrada, los Premios Fénix han reunido a 22 países y tienen ya alrededor de 880 miembros de diferentes áreas del cine.

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“Son personas que ven cientos de películas al año, eso te asegura una curaduría increíble y eso no lo tienen... bueno las academias americanas sí, pero sólo premian el cine de su país”. Igualmente su progreso es gracias al esfuerzo de la Semana Fénix, con la que llevan las cintas nominadas a diferentes cines comerciales y salas independientes. Por eso es la ramita en la que más cuidados invertirán en los próximos años. “El objetivo es extender la Semana Fenix a más países, entonces unir fuerzas con Cinépolis y cinetecas locales para proyectar las cintas”. La idea es mostrarlas en los 22 países miembros de Cinema 23 durante 10 días: “Como una especie de colección, de selección festivalera”. Por el momento sólo la presentan en México, Guatemala, Colombia y Costa Rica. Mientras agregan cada día kilómetros para llegar a ese objetivo, los Premios Fénix alistan su cuarta edición que, como ya es tradición, tendrá como sede el Teatro de la Ciudad. El ciudadano ilustre (Argentina-España), La región salvaje (México) y Una mujer fantástica (Chile-España) encabezan la lista de nominaciones. Los reconocimientos especiales se entregarán a la actriz Norma Aleandro (trayectoria) y a Isaac León Frías (trabajo crítico); el premio de los exhibidores, que ahora se dará con ayuda del público, se lo disputan ¿Qué culpa tiene el niño? (México), Os dez mandamentos (Brasil), Julieta (España), Me casé con un boludo (Argentina) y Un monstruo viene a verme (España).

Una mujer fantástica (Chile-España) / La región salvaje (México) / ¿Qué culpa tiene el niño?

LOS GANADORES DEL PREMIO IBEROAMERICANO DE CINE FÉNIX SE DARÁN A CONOCER EL 6 DE DICIEMBRE.

(México).

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DE REGRESOALASELVA Jack Black se une a los exploradores atrapados en la fiesta de un videojuego noventero. POR ÓSCAR URIEL

HAN TRANSCURRIDO 22 AÑOS desde que Judy y Peter se internaron en ese divertimento aventurado de nombre Jumanji. Por ﬁn nos llega la esperada secuela de aquella que es considerada como una clásica contemporánea del cine para niños. Jumanji: Bienvenidos a la jungla promete mantener la emoción de la original además de transformarse a partir de los adelantos en efectos digitales. Platicamos con Jack Black en exclusiva para EMPIRE sobre la experiencia de integrarse a esta saga tan entrañable, además de todo lo que implica, por la participación del siempre recordado Robin Williams, de también muy trágica memoria. 30

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Jack, ¿qué recuerdas de la cinta original? ¿Cómo es tu relación con ella? ¿Sábes? Nunca ví la cinta cuando se estrenó. Mi relación con ella ha sido fría y distante a través de los años (ríe), ¡pero no me malinterpretes! No tengo sentimientos negativos hacia ella, simplemente formo parte del escaso grupo de personas que no la vieron en su momento porque no participé en el fenómeno de taquilla en que se convirtió. Años después, cuando me ofrecieron el personaje, la ví y me encantó, y no nada más a mí, sino a mis hijos, quienes tienen 11 y nueve años de edad. Robin Williams está insuperable, Kirsten Dunst es de verdad fantástica en su personaje. Todo el elenco es increíble. A eso se resume mi relación con la original: la ví hace apenas un año y me fascinó. Recuerdo que cuando se estrenó se consideró una producción familiar atípica. Era una anécdota muy extraña para contarla en el cine… De acuerdo. Era una película que mezclaba géneros de una manera poco vista dentro del

rango de las producciones realizadas para toda la familia. Había comedia, aventura, acción y terror, pero hay que ser justos y darle crédito a que se trataba de una adaptación bastante ﬁel al libro que generó todo el suceso de Jumanji. Creo que el fundamento de su éxito es que se trataba de un relato que parecía estar diseñado para el lucimiento del talento de Robin. Era un actor siempre al límite, por lo que cuando se requería de un intérprete para dar vida a un personaje en situaciones extremas, él llegaba para darle credibilidad a la descabellada premisa, haciendo creer al espectador que llevaba 20 años atrapado en una selva. Cuando tuviste la oportunidad de leer el libreto de la secuela, ¿qué te hizo decidirte a participar en ella? El guion era francamente sensacional. Se trataba de un texto divertido y emocionante. Soy de los actores a quienes les gusta encontrar libretos que sean entretenidos, con el simple hecho de leerlos, ¿sabes? Por lo general me quedo dormido a mitad de una lectura; digamos que no soy

No sólo los juegos de mesa que son de prendas son peligrosos: ahí está el Jumanji.

precisamente veloz. Y cuando sucede esto, lo entiendo como un inexorable síntoma de que no debo hacer la cinta en cuestión. Pero con ésta fue todo lo contrario porque quería saber qué sucedería después de cada situación. Me tenía literalmente enganchado. Mira, el personaje me venía de forma espléndida, pues he interpretado a la chica popular del colegio toda mi vida, ¿entiendes? Siempre he hecho reír a mis amigos y he sido líder de grupos con tal de formar parte. Cuando leí el guion pensé: “Díos mío, ¡jamás imaginé caracterizar a la niña admirada de la prepa”, y mira. Es un sueño hecho realidad, pues sé a la perfección cómo abordar este rol. Como mexicano, tengo que mencionar Nacho Libre. Una de nuestras películas favoritas estelarizada por ti… ¿Qué recuerdas de esa ﬁlmación? No podríamos haberlo pasado mejor en Oaxaca. Eran unas locaciones fastuosas, pero sobre todo estaba su gente, personas de primer nivel. Recuerdo a Jared Hess, director de la cinta, quien había sido mormón y pasado mucho tiempo en México antes de hacer la película. Era fan de la lucha libre; nunca me lo dijo pero estoy seguro que esa historia era casi autobiográﬁca, era un relato sobre él, sobre su lucha por acoplar esa parte espiritual y la otra, un tanto rebelde, representada en el carácter de un contrincante en el deporte. JUMANJI: WELCOME TO THE JUNGLE ESTRENA EL 22 DE DICIEMBRE.

TAN MALA QUE FUE BUENA De la peor película y su fascinante historia. POR ÓSCAR URIEL

JAMES FRANCO SE AVENTURA a contar la historia del fiasco cinematográfico de nuestros tiempos en una cinta que fue aclamada en SXSW y Toronto hace apenas unos meses. “Tuve la oportunidad de leer el libro The Disaster Artist porque me llamó mucho la atención una crítica que leí en The New York Times. Me apasionan las historias sobre Hollywood pero me quedó claro que ésta no se parece a ninguna otra: se trataba de una de las anécdotas más descabelladas que había tenido la oportunidad de escuchar. Aparentemente, Tommy Wiseau es una especie de Ed Wood contemporáneo, pero creo que Tom es todavía más demente que Ed. Tommy dirigió The Room en 35 mm y en alta definición al mismo tiempo por ocho meses, teniendo como escenario principal el estacionamiento de una tienda de equipo de cámaras. ¡Imagínate!”, expresa emocionado Franco, quien funge como director y protagonista de The Disaster Artist, cinta que recolecta lo que aconteció detrás de la filmación de la excéntrica The Room, un drama que pretende hacer homenaje al realismo norteamericano y a James Dean. Bueno, eso creemos. “Cuando le pregunté (a Tommy Wiseau) sobre a quién consideraría para interpretarle, me respondió que Johnny Depp. Le traté de explicar que Johnny es una de las estrellas mas ocupadas de Hollywodd. Al fin fue el mismo Greg quien me sugirió para el rol, a lo que Tommy contestó: ‘No es mala idea. He visto tus películas. Unas son buenas, otras son terribles’. Simplemente no pude contener las carcajadas”, finaliza Franco. THE DISASTER ARTIST ESTRENA EL 22 DE DICIEMBRE.

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EL QUE PEGA PRIMERO, PEGA DOS VECES Al Gore revisa los efectos del cambio climático a una década de An Inconvenient Truth. POR ANAID RAMÍREZ

“CADA NOCHE, cuando ves los noticiarios de la televisión, es como abrir el libro del Apocalipsis. Ha sido un gran cambio, incluso peor de lo que predijeron los cientíﬁcos”, le cuenta Al Gore, el exvicepresidente de Estados Unidos, a EMPIRE con respecto al calentamiento global. Después de 10 años de haber presentado An Inconvenient Truth (2006), el documental que expuso a gran escala los efectos del aumento de la temperatura de la Tierra, el también Premio Nobel de la Paz en 2007 encontró dos razones para hacer una secuela de ese ﬁlme: la perspectiva más desalentadora y también la optimista. “Es obvio que los eventos climáticos ahora son mucho más destructivos y comunes”, expone Gore. Y es que las tormentas que en los últimos meses han azotado a Estados Unidos, México, Puerto Rico y otros países del Caribe, así como la disminución del volumen de los glaciares, dan evidencia de los efectos devastadores del llamado cambio climático. 32

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Pero con el transcurso de esa década también ha habido avances que dan esperanza, como acuerdos internacionales, las nuevas tecnologías y la mayor conciencia de la población, por ejemplo. “Ahora tenemos la solución”, argumenta el veep, “es el caso del pueblo Georgetown —la primera ciudad texana en funcionar con energía 100 % renovable—, pero también es la historia de India y de Chile, de México... casi en cada nación”. Durante la charla también afirma: “En casi todo el mundo se han firmado nuevos contratos a favor de una electricidad vía páneles de energía solar y creo que eso ha ayudado a reducir los costos. Así me convencí de que era un buen momento para hacer la segunda parte. Estamos en el inicio de la revolución de la sostenibilidad mundial”. El político, que presentó An Inconvenient Sequell durante el 15º Festival Internacional de Cine de Morelia, también habló del papel que debe ejercer la ciudadanía para proteger el planeta, pues además de la contaminación hay que frenar a los hombres de negocios que impiden un cambio en la materia. Ante el poder económico que tienen los mayores emisores de carbono y la fuerza que pueden tener en los gobiernos, “la única solución es la demanda de los ciudadanos”, afirma. Por esta razón, el nuevo filme tiene la intención de concientizar a la población acerca de

su posibilidad de alzar la voz y su compromiso de exigir para cuando los gobiernos quieren hacer caso omiso de los efectos del carbono en nuestra atmósfera —cof, cof, Donald Trump—. “Cada gran revolución social tiene grandes demandas”. Y ahora toca decirle a los políticos: “Aceptaste el dinero de esos contaminantes; si quieres nuestro voto vamos a estar más alerta, te estaremos vigilando y si no haces lo correcto, no votaremos por ti”. De esta forma, reflexiona Gore, “cada vez será más difícil para los políticos continuar sirviendo a los contaminadores e ignorar a los votantes”. Dirigida por Bonni Cohen y Jon Shenk, An Inconvenient Sequell ya ha tenido su respectivo tour festivalero. Además de Morelia hizo escala en Sundance, donde recibió ovaciones de pie, y fue nominado para el premio Golden Eye, que en Cannes se da a lo mejor del cine documental. Ante la decisión de Donald Trump de sacar a Estados Unidos del acuerdo de París firmado en 2016, en donde 193 países acordaron reducir las emisiones de gases de efecto invernadero, y con el 60 por ciento de los estadounidenses en desacuerdo con las medidas que está teniendo el presidente actual, Gore afirma que Trump: “No es la verdad, sólo es incómodo”. AN INCONVENIENT SEQUEL: TRUTH TO POWER, ESTARÁ EN CINES A PARTIR DEL 19 DE ENERO.

Tom Hanks y Meryl Streep ya ensayan su discurso para el Dolby Theatre.

Al Gore lanzando una sonrisa a Trump, de esas que tienen otro significado / El político en una de las conferencias que da para crear líderes ambientalistas.

LOS TITULARES

Steven Spielberg, Meryl Streep y Tom Hanks forman un equipo de ensueño para un drama de la vida real: The Post.

POR IAN FREER

A FINALES DE FEBRERO DE ESTE AÑO, la guionista novata Liz Hannah recibió una llamada telefónica que le cambiaría la vida. Su primer guion cinematográﬁco, The Post, escrito sólo para asegurar a un agente pero que compró el productor Andy Pascal, ahora estaba en la mira de, nada menos, tres leyendas de Hollywood: Steven Spielberg, Tom Hanks y Meryl Streep. “Me escondí en un rincón por un tiempo”, dijo y rió. “Pero entonces me di cuenta de que no era broma, en realidad lo estaban considerando”. Y ellos también lo hicieron (lo de reír, no lo de esconderse). Dirigido por Spielberg, The Post traza la relación entre la editora del Washington Post, Katharine Graham (Streep), y el editor ejecutivo, Ben Bradlee (Hanks), en el momento que tomaron la difícil decisión que cambió su historia como pareja, en 1971, al publicar los “Documentos del Pentágono”, papeles del gobierno filtrados que expusieron las crecientes muertes de soldados norteamericanos durante la Guerra de Vietnam.

Sin embargo, Spielberg quería la película lista a finales del 2017, por lo que Hannah se asoció con Josh Singer, ganador del Óscar por Spotlight, cinta igualmente de temática periodística, para cumplir con la fecha límite. “Estábamos bajo una gran crisis de tiempo”, recuerda Singer. “Creo que escribí más en el lapso más corto que lo que había escrito antes. Es desalentador; empiezas con Steven, a quien quieres agradar, y luego tienes todo el talento de actuación. Es un estado complicado entre terror y alegría”. Spielberg mantuvo a ambos presentes durante la producción, permitiendo tanto a Hannah como a Singer presenciar a las leyendas dando su mejor actuación. “No quiero ser hiperbólica, pero es bastante mágico verlos a los dos”, agrega Hannah. Aunque ella escribió el guion antes de las elecciones presidenciales de Estados Unidos, Hannah da la bienvenida al aura de actualidad que rodea a la trama desde la ascensión de Donald Trump a la presidencia. “Hay una gran necesidad de hacer preguntas”, afirma. “Hay una enorme necesidad de desafiar a la autoridad. Una necesidad de no dejar que las cosas vayan a la deriva. Hay algo importante sucediendo en esa habitación en donde el público no puede estar. Tratamos de retratar eso”. Si The Post se conecta al zeitgeist, también llega a tiempo para la carrera del Óscar 2018. Dado el talento, la materia de la vida real y su relevancia, se convirtió en un favorito de la temporada de premios sin que nadie vea malicia en ello. “Tienes que tomar todo eso con un grano de sal”, enfatiza Singer. “Sólo espero que nuestra escritura esté a la altura de la dirección y la actuación”. Aún así, Spielberg, Hanks y Streep suman entre ellos 41 nominaciones al Óscar en su trayectoria. El dinero inteligente está en The Post. THE POST ESPERA SU FECHA DE ESTRENO EN MÉXICO.

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Toma la leche más cara de México POR ISA CISNEROS

¿Qué fue lo que hizo que decidieras salir en Cuando los hijos regresan? El guion, sin duda, fue lo primero. Cuando lo leí me divirtió mucho, me vibró para bien y quería formar parte de ello. Finalmente, cuando me dijeron el elenco completo, supe que iba a ser un buen proyecto. ¿Qué sería lo mejor y lo peor de regresar a casa de tus papás? Uno sería el que me consientan y me arreglen las cosas, que llegue a casa y ya está todo listo. Lo peor sería volver a tener que cumplir reglas y rendirle cuentas a alguien. Haciendo memoria de tus inicios como actor, ¿cuál fue el momento más difícil de estar en Protagonistas de novelas? ¡Híjole! Ese proyecto fue algo que la verdad no sé si volvería a hacer, no comparto mucho el tema de los reality shows pero me divertí mucho, lo tomé como una buena experiencia. Yo creo que el encierro fue lo más duro: estuve más de 75 días aislado. ¿Cómo fue tu primer beso actuado? Creo que fue en un cortometraje que hice en

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México, pero fue muy relajado. Estaba con la mentalidad de ser actor, así que nunca lo tomé muy a pecho. ¿Cuánto cuesta un litro de leche? Cuesta $70 —ríe e intenta corregirse—: ¿40? ¿Cuál ha sido el momento más vergonzoso que has tenido en un rodaje? Pues no recuerdo alguno. Bueno, puede ser uno donde nos teníamos que meter al mar con ropa, pero yo no traía calzón y traía ropa blanca, así que no me podía salir del mar. Estudiaste diseño industrial; ¿qué fue lo primero que diseñaste en la carrera? Fue una lámpara de mesa, pero creo que ya la tiré. Me acuerdo de cómo estaba hecha y le faltaba mucha calidad. Tenía una propuesta interesante pero no estaba bien ejecutada. ¿En qué papel te diviertes más: siendo protagonista o antagonista? Uy, pues debo decir que depende totalmente del proyecto. Pero yo creo que en este caso coincido con la respuesta de la mayoría: hacer un

personaje que contraste realmente con tu personalidad es a lo que más me gusta jugar y siendo un villano puedo descubrir emociones en mí que no salen día a día. Me divierto más haciendo maldades. Si checáramos tu teléfono ahora, ¿cuál fue la última canción que escuchaste? La última que escuche… Ahorita traigo pegada una de Soﬁ Tukker, un dúo neoyorkino. ¿Cuál es tu primer recuerdo de chiquito? Ya no sé si es recuerdo o es por fotos, pero me acuerdo mucho de una ﬁesta de cumpleaños, no sé qué edad tenía... donde estaba disfrazado de Popeye. ¿Qué es lo más preciado que tienes? Mis hijas. ¿Qué serie no has podido dejar de ver? No he podido dejar de ver y de repente todavía me hecho todo Friends. CUANDO LOS HIJOS REGRESAN ESTRENA EL 22 DE DICIEMBRE.

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DICIEMBRE 2017

É VER LO QUE VERÁS Á BUENA

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PASABLE

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CINE

THE SQUARE ++++

AHORA EN CINES / 142 MINUTOS

DIRECTOr

Ruben Östlund Claes Bang, Elisabeth Moss y Dominic West

ELENCO

SINOPSIS Previo a la apertura de su exposición más importante, el curador principal de un museo de arte contemporáneo en Suecia se enfrenta a situaciones que ponen su paciencia y altruismo a prueba. Desde la campaña mediática del museo hasta sus relaciones personales, todo parece estar en su contra.

EL ARTE ES UNA CONVENCIÓN. Es decir: las maneras o preceptos en las técnicas que lo forman son elegidos de forma más o menos deliberada a través del tiempo por distintas razones y necesidades. Establecemos, entonces, cuáles serán las políticas que rigen el arte, pero quizá ello también implica que instauramos discursos para percibirlo y apreciarlo. El cineasta Ruben Östlund se pregunta por esas políticas de una manera peculiar en The S Square , sugiriendo que la arena artística es equivalente o se desenvuelve en la misma proporción que la arena social. A través de la exposición —cuyo título da nombre a la película— que prepara el curador en jefe de un prestigiado museo sueco, Christian (Claes Bang), nos encontramos con una serie de críticas ácidas hacia la moral contemporánea, que se vuelve interesante desde que la percibimos cifrada por la migración, las diferencias de clase, las redes sociales y las relaciones interpersonales. La placa de la pieza principal de la exposición reza así: “‘The Square’ es un santuario de confianza y protección. Dentro de él todos compartimos las mismas obligaciones y los mismos derechos”. Y la pregunta que Östlund arroja al espectador es: ¿acaso somos todos iguales? Los personajes que habitan el universo del realizador sueco parecen indicarnos que no existe tal ecuanimidad, por razones tanto sencillas como avasalladoras. La producción manifiesta un discurso fuera de juicios. Demuestra que todos nos encontramos en distintos escenarios, situaciones, condiciones y oportunidades, que poseemos diferentes privilegios… No obstante, convenimos como sociedad que tenemos (o deberíamos tener) los mismos derechos, aceptamos tácitamente una ficción en donde no reparamos en dichas diferencias. The Square es un filme deliciosamente corrosivo y paradójicamente cuidado en su manufactura, del mismo modo que el cubo

blanco que ha significado la controversial idiosincrasia de casi todo espacio museístico. Emulando la imaginería de cualquier galería contemporánea, vemos desfilar a una serie de personajes llenos de neurosis e incómodos sentimientos de culpa. El lugar que habitan los protagonistas es una zona donde a todos se les debe algo, no porque lo merezcan, sino porque cada uno así lo exige. Desde ese punto de vista paseamos entre sátiras que igual reflejan todo lo obsceno de la caridad, como lo grotesco de la sobreintelectualización del arte, estableciendo ejercicios de poder tan divertidos como desconcertantes, mismos que ya son un sello personal de Östlund. El cineasta plantea que, quizá, sólo en lo salvaje hay algo cercano a la igualdad o a la justicia. En el momento climático de The Square irrumpe lo animal, algo que queda fuera de toda convención. Aquello que no enunciamos, sino que se da por instinto y deja fuera toda posibilidad de que lo políticamente correcto actúe. En el plano de lo bestial no hay juicios, nada más emociones. ¿No es acaso eso lo que pretende el arte no narrativo? En Europa, la corrección política le ha ganado la partida al criterio, y el irreverente cine de Ruben Östlund es prueba de ello. El filme ganador de la Palma de Oro en el pasado Festival de Cannes es una parada obligada en el cine de este año y las razones para verlo son importantes: The Square nos da la oportunidad de encontrarnos con nuestras culpas y contradicciones, y al mismo tiempo provoca un humor que nos lleva de la carcajada a la reflexión. JULIO CÉSAR DURÁN

Imperdible si disfrutas el cine provocativo. Es obligatorio ir a la sala para encontrarte con la obra de un director que se está consagrando como verdadero maestro del séptimo arte. VEREDICTO

DICIEMBRE 2017

cine

AN INCONVENIENT SEQUEL: TRUTH TO POWER +++ D DIRECTORES

AHORA EN CINES / 98 MINUTOS

Bonni Cohen y Jon Shenk

Tras cumplirse 10 años de An I Inconvenient Truth, Al Gore es de nuevo la guía para hacer una revisión del impacto del cambio p climático y dónde está parada la humanidad c ante ese problema mundial. a

S SINOPSIS

SI HACE UNA DÉCADA, cuando estrenó el controversial documental An IInconvenient Truth (Davis Guggenheim), alguien dudaba de los efectos del calentamiento global, ahora es testigo de esos hechos: el incremento del nivel del mar, que ha impactado ciudades costeras de países como Estados Unidos, Francia y Costa de Marﬁl o el aumento anual de fuerza de las tormentas tropicales.

DICIEMBRE 2017 D

Ante una mayor conciencia y dimensión del problema —que se puede constatar con el Acuerdo de París, ﬁrmado por 195 naciones en 2016—, parecería innecesaria una nueva entrega del documental protagonizado por Al Gore. Sin embargo, el exvicepresidente de Estados Unidos encontró dos razones para hablar de nuevo del tema y convertir su discurso en una película: la claridad de las consecuencias ambientales de los gases invernadero y, por fortuna, una más amplia y viable línea de soluciones. La cinta, que ahora dirigen Bonni Cohen y Jon Shenk, arranca con presentadores de noticias que hace 10 años demeritaron las consecuencias del calentamiento global y tacharon de loco, ante el estreno de la cinta de Gugghenheim, a Al Gore y con él a todos los ambientalistas. La oportunidad del Premio Nobel de la Paz de defender la otra postura es lo que verás durante el resto del metraje. Lo que viene es la suma de imágenes de archivo de los efectos del cambio climático y otras tomas en donde la cámara sigue ﬁelmente a Gore en sus labores de cabildeo mientras da conferencias para crear a líderes ambientalistas y en uno que otro momento personal. Al darle más voz a quien buscara la presidencia de Estados Unidos en el año 2000, de momentos da la

sensación de que la cinta es más un elemento de propaganda para el político y no una herramienta para concientizar a la gente so obre el problema. Los análisis, las visitas a los lugares afectados y las propuestas de soluciones y su ejecución —energías renovables, exigenc l sociedad civil— son un incentivo para no abandonar la batalla ecológica y dejarle un planeta más saludable a las siguientes generaciones: “Pelea como si tu mundo dependiera de ello”, es una de las reﬂexiones que recalca el ﬁlme. No podían excluirse los disparatados e ignorantes discursos del actual presidente del país del norte: Donald Trump, quien se ha ganado el repudio de millones —entre muchísimas otras cosas— ante su decisión de sacar a Estados Unidos del Acuerdo de París y no destinar presupuesto a la lucha contra el cambio climático. Incluso este personaje podría ser la verdadera razón incómoda que motivó la realización de la secuela. ANAID RAMÍREZ

Aquí no encontrarás algo revelador y sin precedentes. Sin embargo, las escenas de los desastres naturales no dejan de sentirse como un balde de agua fría; el lado opuesto lo verás en las imágenes satelitales y silentes de nuestro planeta.

VEREDICTO

TODO LO DEMÁS +++

ESTRENO 1 DE DICIEMBRE / 98 MINUTOS DIRECTORA Natalia ELENCO

Almada Adriana Barraza y Alejandro de Icaza

CON UN RITMO LENTO, a fin de hacer énfasis en la rutina, Natalia Almada cuenta la historia de doña Flor y su constante lucha contra la soledad, la invisibilidad, los hábitos, recuerdos y miedos de una mujer de edad madura a quien, parece, la vida no tiene nada más que ofrecerle. Interpretada magistralmente por Adriana Barraza, doña Flor transita entre un camino casi de silencios y los largos trayectos en el metro, topándose con los rostros de la cotidianidad de la CDMX sólo para hacer visible que todo le es intrascendente. Los gestos y detalles marcan la pauta de la trama, cuya temporalidad es un juego de recuerdos que apenas se asoman para sugerir que un signo de compasión puede devolverle la fe a una persona. ALA

CINE

ABRIL Y EL MUNDO EXTRAORDINARIO ++++

ESTRENO 1 DE DICIEMBRE / 105 MINUTOS

Christian Desmares y Franck Ekinci Marion Cotillard, Philippe Katerine y Jean Rochefort DIRECTORES VOCES

Como muchos científicos de su tiempo, Abril vive en la clandestinidad. La joven se refugia con su gato Darwin en los lugares más inesperados de París para inventar un elixir que asegure la inmortalidad de las especies, hasta que un día recibe el llamado de sus padres, quienes fueron secuestrados 10 años atrás, y descubre una misteriosa conspiración.

SINOPSIS

EL HIJO DE PIE GRANDE ++

ESTRENO 8 DE DICIEMBRE / 92 MINUTOS

Ben Stassen y Jeremy Degruson Cinda Adams, Bob Barlen y Laila Berzins DIRECTOR VOCES

ASÍ COMO BUSCANDO A NEMO, Hotel Transylvania e Isla Calaca, la animación belga que aquí te presentamos habla sobre la búsqueda de identidad al crecer a partir de un conflicto entre padre e hijo. Todo comienza cuando Adam descubre que no es fortuito que su cabello crezca un centímetro cada día y sus zapatos se rompan por el tamaño de sus pies: su papá es Pie Grande. Creada por los mismos productores de La casa mágica, la cinta fluye en animación y procura hacer lo mismo en cuanto refiere a la historia y sentido de aventura; sin embargo, no está exenta de obviedades que los niños descubren fácilmente. Pese a esto, puede ser entretenida para los chicos. AR

CIERTAS PRODUCTORAS DE CINE ANIMADO han provocado que se asocie ese género con musicales, cuentos de hadas e historias un tanto simples. Afortunadamente no deja de haber propuestas que esquivan los lugares comunes y logran captar así la atención de público infantil y adulto por igual. Tal es el caso de Abril y el mundo extraordinario (Avril et le monde truqué). La producción ganadora en la edición 2015 del Annecy, el festival de cine animado por excelencia, no deja a un lado el toque fantástico para aprovechar al máximo su formato. La aventura que Christian Desmares y Franck Ekinci te presentan es la de un mundo ﬁcticio donde los mejores cientíﬁcos desaparecen jóvenes y la humanidad debe conformarse con inventos básicos, explotando a todo lo que da el carbón y luego, tras acabar con las minas, la leña. Ante una inminente crisis energética, la deforestación provoca una guerra intercontinental. En ese contexto conoces a Abril (Marion Cotillard), una chica que vive en una París de 1941 gobernada por Napoleón V. La joven

desarrolla a escondidas inventos químicos para darle continuidad a lo que aprendió de sus padres, hombres de ciencia secuestrados 10 años atrás, y crear la fórmula de la inmortalidad. Acompañada de su gato parlante —llamado Darwin y con voz de Philippe Katerine— y de un infiltrado de la policía, Julius (Marc-André Grondin), la heroína pronto se involucra en una misión para dar con los líderes de una conspiración y reencontrarse con su familia. Como notarás, la acción predomina en esta cinta, pero entre cada momento a contrarreloj y las persecuciones hay tiempo para reflexionar sobre luchar por los intereses propios y comunes, del cuidado al medio ambiente y las bases irracionales que suelen tener los conflictos bélicos, así como la facilidad con la que el bien y el mal pueden diluirse. En resumen, hará pensar a los más chicos como pocos filmes de clasificación A lo han logrado. La animación hace lo suyo para aportar al sentido de aventura y a las expresiones de los personajes —no necesitas un motion capture 3D, Steven Spielberg—. Inspirada en el universo gráfico de Jacques Tardi, quien aparece en los créditos del filme como diseñador gráfico, la imagen es más tradicional y tiene un trazo sencillo pero con mucho cuidado al detalle. Habrá tomas que te harán sentir como si estuvieras leyendo un libro ilustrado, deseando con ansias pasar a la siguiente página. Y sí, el rol protagónico aquí cae sobre los hombros de una mujer, pero no por ello te encontrarás en absoluto con el cliché de princesa. Al mero estilo de Coraline (Coraline) y Marjane (Persépolis, que comparte productores con la cinta de la que aquí hablamos), Abril está dispuesta a ensuciarse las manos para defender su ideología y su lugar en el mundo. ANAID RAMÍREZ

Funciona muy bien para presentarle a los niños una animación que los saque de su zona de confort. Una película que no juega con las emociones pero sí con las ideas, por lo que puedes ir libre de pañuelos y con la mente muy despierta.

VEREDICTO

DICIEMBRE 2017

CINE

BATTLE OFTHE SEXES ++++

ESTRENO 24 DE NOVIEMBRE/ 121 MINUTOS

Jonathan Dayton y Valerie Faris Emma Stone, Steve Carell, Andrea Riseborough, Bill Pullman y Elisabeth Shue

DIRECTORES ELENCO

Enojada con razón por no recibir el mismo sueldo que los hombres, la estrella del tenis, Billie Jean King (Stone), y otras jugadoras, forman su propia gira a manera de protesta. Viendo la oportunidad, la exestrella masculina Bobby Riggs (Carell) las reta a una “batalla de los sexos”: un partido para resolver el debate de una vez por todas.

SINOPSIS

DICIEMBRE 2017

LAS PELÍCULAS DE TENIS SON COMO LOS AUTOBUSES. Nada durante años, luego dos en el espacio de dos meses: primero Borg vs McEnroe y ahora Battle of the Sexes. Jonathan Dayton y Valerie Faris dramatizaron el recuento del partido de 1973 entre la reina del tenis, Billie Jean King, y el exganador del US Open, Bobby Riggs: una escaramuza histórica en la lucha políticamente cargada por los derechos de las mujeres. El partido alcanzó una asombrosa audiencia global de 90 millones de personas y se le atribuye ampliamente el aumento de tenistas en el mundo. Pero el cambio estaba en el aire: en el mismo año (y en el punto de partida para esta cinta), con King al frente y al centro, se encontraban las principales jugadoras que abandonaron la Federación Internacional de Tenis, dominada

por hombres hasta entonces, para formar la Asociación de Tenis Femenino. Y como resultado directo de esta hazaña, ese año el US Open premió con el mismo monto económico tanto a los campeones masculinos como a las femeninas. Estos hilos de la historia se entrelazan en la película junto con otra revolución más personal en la vida de King: la constatación de que, a pesar de tener un matrimonio feliz, ella es gay. Hasta ahora y con tan buen tino, Dayton y Faris —quien dirigió la encantadora Little Miss Sunshine— han creado otro ﬁlme muy agradable, tan ligero como su ﬁgura central. Gran parte del encanto proviene del estudiado reparto. Emma Stone, la modesta pero motivada Billie Jean, es muy atractiva, capturando el carisma y la inteligencia de una estrella del tenis mientras persigue con pasión su causa y la confusión privada sobre sus sentimientos hacia

CAMINO A MARTE ++++

DIRECTOR Humberto

Hinojosa Gerardo Méndez, Tessa Ía y Camila Sodi ELENCO Luis

ESTRENO 1 DE DICIEMBRE / 95 MINUTOS

Dos amigas emprenden un viaje a Balandra, una playa en el norte de México, teniendo en su contra la amenaza de una tormenta y la enfermedad de una de ellas. En el camino se encuentran a un joven de personalidad extraña con quien vivirán aventuras que podrían ayudarlas a adoptar una nueva perspectiva de la vida.

SINOPSIS

Las chicas y su gira de cero tornillos / Se establece la batalla / Billie Jean King tiene confusión en el corazón por el bombón que es Marilyn, la estilista / No por ser femenino no merece ser remunerado por igual.

la peluquera Marilyn (Riseborough). Steve Carell, mientras tanto, es perfecto como el colorido y controvertido Bobby. En realidad no tiene ningún sentido político a pesar de sus insolentes exclamaciones (“Volveré a poner el ‘chou’ en chovinismo”). En su lugar, está aburrido de ser un fantasma y sólo hace todo lo posible por llamar la atención. Visualmente se aprovechan del color de los años 70: desde los vestidos de tenis hechos a medida del estilista Ted Tinling (Alan Cumming) hasta el cielo azul y el sol dorado de los escenarios. Y a pesar de todos los problemas serios que se exploran, los directores y el guionista, Simon Beaufoy, mantienen un descarado sentido del humor. Una escena destacada es la desastrosa reunión de Riggs en Jugadores Anónimos en la

cual, para horror del líder del grupo, pone sobre la mesa la muy mala idea de que el problema para los asistentes a la institución es que simplemente “no son muy buenos en eso”. Es una cinta que comunica de forma verosímil el sentido de la posibilidad: incluso el ridículo espectáculo del partido, con un cerdo (para los autoproclamados machistas) corriendo por la arena, aumenta la sensación de que algo bueno está por pasar. Estamos frente a la celebración de una época en donde un partido de tenis y un puñado de mujeres decididas podrían cambiar el mundo para bien. Si tienes corazón, amarás este ﬁlme que trata simplemente de juego, set y partido. LIZ BEARDSWORTH. VEREDICTO Un tema ligero, gracioso y felizmente entretenido sobre temas complicados aunque, por desgracia, todavía relevantes.

“ES RARA”, DICEN ALGUNOS. “Es conmovedora”, comentan otros. Lo cierto es que es una película que aporta frescura a la oferta actual del cine mexicano en medio de la vorágine de comedias románticas que casi cada semana llegan —y no es queja— a la cartelera, por lo que una historia como ésta se agradece. La nueva propuesta del cineasta Humberto Hinojosa se vuelve aún más arriesgada que en anteriores trabajos, como I hate love u Oveja negra, pues en este filme las protagonistas —Tessa Ía como Emilia y Camila Sodi como Violeta— se enfrentan a Mark (Luis Gerardo Méndez), un personaje del que, de inicio, no sabes ni de dónde viene ni qué pretende, pero gracias a su inocencia plantea preguntas y situaciones para reflexionar. En una atmósfera que revela el desierto y las playas de Baja California de manera hermosa pero al mismo tiempo apocalíptica, a través de unos cielos y horizontes trabajados con sutiles efectos especiales, cada personaje y su importancia parece cambiar de un momento a otro sólo para invitarte a pensar sobre el presente, acerca de la importancia del ahora. Camino a Marte no deja de lado la sensualidad, el poder de la juventud, la libertad de la sexualidad, la vitalidad de la amistad y la belleza de lo humano y lo que, aún sin entenderlo, rodea su existencia y sus decisiones. ANA LUCÍA ALTAMIRANO VEREDICTO Tiene que estar dentro de tus planes si quieres acercarte a una visión conmovedora y nostálgica, pero diferente, en las propuestas nacionales de cartelera y que, por serlo, puede tomar elementos casi absurdos con el único fin de hacerte testigo y cuestionar acerca de tu felicidad y tiempo.

DICIEMBRE 2017

CINE

UNABELLALUZ INTERIOR ++++

ESTRENO 15 DE DICIEMBRE / 94 MINUTOS

DIRECTORA Claire

Denis Juliette Binoche, Xavier Beauvois y Nicolas Duvauchelle

ELENCO

SINOPSIS Isabelle (Juliette Binoche) es una pintora parisina y madre que, luego de su divorcio, desea encontrar el verdadero amor. Entre sus citas con viejos romances, encuentros fortuitos con nuevos rostros y lecciones de desconocidos, la artista se encuentra en un ir y venir de emociones.

DICIEMBRE 2017

“TE ADMIRO. Eres encantadora, pero mi mujer es extraordinaria”, son algunas de las frases con las que se debe topar la Isabelle de Juliette Binoche en el nuevo ﬁlme de la directora Claire Denis (Una bella luz interior / Un beau soleil intérieur). Y no es que sus compañeros de elenco no admiren su belleza y talento, sino que la actriz ganadora del Óscar (The English Patient) encarna a una mujer que intenta dejar atrás un divorcio con la ayuda de diversos amantes de ocasión... pese a que ella busca algo verdadero y a largo plazo. Retomando algunas ideas de Fragmentos de un discurso amoroso, de Roland Barthes, Denis y su coguionista, Christine Angot, conducen a Isabelle por una serie de meollos que le dejan algunas lecciones amorosas, aunque no siempre las conserva. Las vivencias del personaje, una

artista plástica de París, dan pie a reﬂexiones serias acerca de la soledad, la compañía y el enamoramiento, pero —y es lo que hace única a esta pieza de Denis— a partir de situaciones de elegante comedia que se insertan cuando menos lo imaginas. Las risas aparecen al encontrarte con lo absurdo de un momento casual y cotidiano: una confesión dentro de un baño que provoca llanto y éste se convierte en carcajada en sólo cuestión de segundos, para luego volver al desasosiego del personaje de Binoche. Las contrariedades de la inquieta protagonista y las de sus affairs igualmente son algo que te hará reír; bien dice el dicho: “Es gracioso porque es real”. La elegancia de Un beau soleil intérieur no sólo reposa en su ejecución del humor y la contundencia de los diálogos: su técnica también

WONDER +++

ESTRENO 8 DE DICIEMBRE / 113 MINUTOS DIRECTOR Stephen

Chbosky Jacob Tremblay, Julia Roberts y Owen Wilson

ELENCO

EL NUEVO PROYECTO DE Stephen Chbosky, Wonder, presenta a Auggie (Jacob Tremblay), un niño que parecería tener la vida perfecta: una familia amorosa y todos los juguetes que desea, pero quien sufre una deformidad facial que lo ha obligado a estudiar en casa. El filme arranca justo cuando da el gran paso de continuar su educación en el sistema escolarizado. El director muestra aquí su habilidad para contar historias sobre madurez y crecimiento pero, al tratarse de una cinta familiar, extrañarás el sello ácido y atrevido que mostró en The Perks of Being a Wallflower. Se trata de una “feel good movie” en toda la extensión de la palabra: entretenida, esperanzadora y emotiva. SDT Ni Juliette Binoche aguanta la carcajada nerviosa en una cita / Isabelle (Binoche) descansando de los tacones / El duelo con el amante / La protagonista recibiendo consejo de un amigo.

CÓMPLICES ++

ESTRENO 15 DE DICIEMBRE / 90 MINUTOS

Luis Eduardo Reyes Arath de la Torre, Jesús Zavala y Marina de Tavira

DIRECTOR

va en concordancia. Hay una escena, por ejemplo, donde Isabelle conversa con su amante Vincent (Xavier Beauvois): mientras el lente se mueve horizontalmente frente al rostro de cada actor, como un péndulo que avanza y regresa despacio, de forma tan cadenciosa como la música que escuchan los personajes en el bar, las palabras del sujeto intentan marear a la artista, pero la determinación de Isabelle le pone un alto a ese ir y venir de la cámara y a una relación que no va hacia ningún lado. Por fortuna, tú no querrás detener la trama. Claire (White Material) te convence de seguir al lado de Isabelle gracias a sus ocurrencias, disparidades y tropezones. Ese personaje se quedará por un buen rato en tu cabeza, tanto por sus prendas favoritas —una chamarra de piel y unas botas de licra larguísimas y de tacón alto, son su must para seducir—, como por la propia

interpretación de la actriz. Binoche, con las risas ligeras y los puntos de quiebre que aquí te regala, se convierte en la luz interior del ﬁlme. Es posible que la Isabelle de esta cinta te haga recordar por momentos a la Gloria de Paulina García (Gloria, de Sebastián Lelio), otra mujer que, luego de una separación, vive su “segundo aire” como toda una adolescente. La diferencia entre una y otra la da el contexto que las rodea: una chilena y otra francesa, pero ambas mujeres, en su búsqueda de una alegría liberadora, te contagian de su energía y satisfacción. ANAID RAMÍREZ VEREDICTO Prepárate para reír y hacer catarsis con escenas que te muestran lo absurdo que llegas a hacer por amor, y también para una interesante lección en voz de un oportuno Gérard Depardieu.

ELENCO

JUAN (ARATH DE LA TORRE) es un conquistador imparable; su sobrino, Mauricio (Jesús Zavala), prefiere el romanticismo. Cuando se ven obligados a viajar juntos a las playas del Caribe empieza un choque de personalidades, y no es difícil predecir que uno aprenderá del otro, pero Reyes se ve ágil al no ofrecerte un desenlace por completo rosa. Seguro en las primeras escenas te toparás con algunos discursos un tanto machistas, pero luego Reyes intenta reivindicarse con la oportuna llegada de Susana (Marina de Tavira). El resultado entretiene, pero no contiene la comedia que promete o pareciera tener. AR

DICIEMBRE 2017

CINE

SUBURBICON ++

ESTRENO 24 DE NOVIEMBRE/ 104 MINUTOS

George Clooney Matt Damon, Julianne Moore, George Clooney, Noah Jupe y Oscar Isaac

DIRECTOR ELENCO

SINOPSIS En los Estados Unidos de los 50, el vecindario de Suburbicon se estremece con la llegada de una familia negra, los Meyers (Karimah Leith M. Westbrook, Burke y Tony Espinosa), que serán discriminados. Del otro lado de la calle, Gardner Lodge (Matt Damon) sufre un allanamiento de morada y necesita convencer a un muy profesional y entregado investigador de seguros peor que uno de los de Hacienda.

DICIEMBRE 2017

EL PRINCIPIO DE SUBURBICON, de George Clooney, es familiar pero divertido: un promocional de un vecindario estadounidense de los 50, descrito como “una mezcla de diversidad”, pero exclusivamente blanco, donde los niños juegan a atrapar la bola, las amas de casa chismean y el cartero conoce a todos por su nombre de pila. Dentro de este lugar idílico, el ﬁlme de Clooney entreteje dos líneas narrativas: una basada en un guion medio noir y de poca monta de los hermanos Coen y otra de un drama sobre los derechos civiles inspirada en un incidente de la vida real en Levittown, Pennsylvania. El resultado es un híbrido raro, con los corazones negros de los Coen mezclándose con el corazón liberal de Clooney, y el resultados es a veces entretenido pero va de un lado a otro tonalmente y termina por ser desconcertante.

La película inicia con la trama del racismo de pueblo chico. El cartero arquetípico le entrega una carta a la Sra. Meyers (Westbrook), horrorizándose cuando se da cuenta de que es negra (inicialmente cree que es la sirvienta). La llegada de los Meyers desata oprobio, una reunión de emergencia en la alcaldía y, en una reacción de proporciones Trumpianas, una cerca construída alrededor de la casa de los Meyer (sí, huele a muro). Clooney entrega algunos momentos de la vida de los Meyers —al ir a la tiendita, la señora Meyers descubre que el precio de la leche aumenta de súbito a 20 dólares sólo para ella— pero ultimadamente su historia es dejada de lado por la de los Coen. Excepto por su hijo Tony (Espinosa), los Meyers nunca son personajes por derecho propio. Son digniﬁcados y estoicos ante el odio,

pero no se les da dimensión ni matiz alguno. Al ﬁnal sabemos de ellos tan poco como al principio. Del otro lado de la calle está Gardner Lodge (Damon), casado con Rose (una rubia Moore), amargada y en silla de ruedas debido a un accidente de auto, su hijo Nicky (Jupe) y comparten la casa con la hermana de Rose (una castaña Moore). Sus vidas son alteradas por un allanamiento de morada que da inicio a un desgastado nexo de decepción, planes frustrados y partes corporales acumuladas. Esta sección es el problema. Clooney no tiene nada nuevo que decir sobre lo que se esconde tras las cercas de los años 50. También es un trabajo parchado en cuanto a tonos y emociones, desde una comedia (Damon en la bici de un niño) hasta un drama social (un disturbio racial) vía el sadomasoquismo del personaje del mismo Damon.

El tenor irónico de los Coen sale a momentos, pero en otros parece como si hubiera sido dirigida por Douglas Sirk, Alfred Hitchcock, Stanley Kramer y el David Lynch de la época de Blue Velvet. Sin embargo, la mayor falla de la película es que Clooney nunca logra unir ambas historias, ya sea narrativa, tonal o temáticamente, y la mayor perdedora es la historia sobre intimidación racial soltada en un mundo claramente “Coenesco”, sin espacio para desarrollarse, que representa el tipo de marginalización que sientes que Clooney aborrece. Los eventos reales de Levittown merecían algo mejor. Hay cosas rescatables: Clooney muestra hábilmente la desconﬁanza de un niño (Jupe es excelente) —una pelea violenta vista desde bajo la cama de Nicky es particularmente efectiva—. La realización es pulida, desde los visuales

atractivos de Robert Elswit hasta la pista sonora de Alexandre Desplat. Y Oscar Isaac como el investigador de una aseguradora, un “escéptico profesional” buscando pistas de Moore, es una delicia. Pero es una lástima que esté en un ﬁlme diferente a los demás, porque en el que está se ve excelente. Entenderíamos a un Clooney buscando su propio estilo pero perdió a Suburbicon. Con buenas intenciones hubieran descoenizado el guion y después clooneyzarlo para tener algo decente que ver. IAN FREER VEREDICTO Suburbicon es una bestia extraña: un film noir de los 40, estilo Coen, catapultado a un drama racial de los 60 estilo Clooney, envuelto con una sátira estadounidense de los 50 como ninguna otra. Un ejercicio interesante con un resultado inesperado.

DICIEMBRE 2017

cine

LOVING VINCENT ++++

AHORA EN CARTELERA / 94 MINUTOS

Dorota Kobiela y Hugh Welchman Douglas Booth, Robert Gulaczyk y Saoirse Ronan

DIRECTORES ELENCO

Armand Roulin (Booth), hijo del cartero de Vincent van Gogh, tiene la misión de entregar la última carta que el recién fallecido escribió, sin saber que en el camino se involucrará en el misterio del repentino suicidio del artista neerlandés.

SINOPSIS

QUÉ MEJOR FORMA de rendir homenaje a Vincent van Gogh que con una animación imitando su técnica en óleo e involucrar en ese relato, de manera esencial, uno de los más importantes ejercicios en la cotidianidad del pintor: escribirle cartas a su hermano Theo. La biopic del pintor es un cuadro muy ambicioso de los realizadores Hugh Welchman y Dorota Kobiela. Por un lado está el aspecto técnico, el cual implicó que 125 pintores —entre ellos, la mexicana Mayra Hernández— realizaran juntos alrededor de 65 mil piezas de

DICIEMBRE 2017

óleo sobre lienzo para sustituir con ellas las imágenes que, previamente, se habían capturado con actores reales sobre green screen. El resultado es de tal calidad que hay escenas en las cuales incluso percibes el empaste del óleo. Te será inevitable abrir más los ojos con el movimiento de cada escena o la suma y resta de luz y sombra, lo cual implica detallados, pero notorios, cambios de saturación en la pintura. Quizá también fue un desafío la forma en que se podía abordar la historia de van Gogh (Robert Gulaczyk en esta versión). Entre las ya varias cintas biográﬁcas acerca del mismo personaje era necesario hacer una distinción narrativa. Aquí no conoces sus aventuras a través de sus propios ojos, más bien se cuentan desde la perspectiva de un tercero, Armand Roulin (Douglas Booth). Recorrer la vida de Vincent de esa forma, guiado por el hijo de su cartero, encuentra su “pretexto” en una asignación del propio empleado del servicio postal: Joseph Roulin (Chris O'Dowd) le pide a Armand entregarle a Theo (Bartlomiej Sroka), directamente en su mano, la última carta que escribió el pelirrojo. La misión se convierte en un odisea para el joven Roulin: va de un lado a otro y lidia con varios personajes, cada uno describiéndole un fragmento en la vida de van Gogh. Los diálogos que van armando este rompecabezas funcionan para confundir a Armand (y a ti como espectador) con la ﬁnalidad

de jugar con los prejuicios, pero también para eliminarlos paulatinamente: “La vida puede acabar hasta con el más fuerte”, dice en una de sus líneas el mayor de los Roulin. Así que más que al óleo, esta película biográfica huele a una cinta de crimen que fluye como las pinceladas del artista. En Loving Vincent no hay cábida para los diálogos de relleno, pero sí para los flashbacks que se presentan en cuadros de escala de grises y para dimensionar las lecciones personales que el pintor dejó entre quienes lo rodearon en vida. Este tipo de relato permite asimismo que la técnica de animación aporte nostalgia al filme. Hay escenas que lucen como si los cuadros de van Gogh cobraran vida o fueran sutilmente invadidos por los personajes que arman esta historia —muchos de ellos fueron retratados por el propio artista—; te emocionará ver “La habitación de van Gogh en Arles” o uno de sus tantos autorretratos, por ejemplo. Sin embargo, seguro los momentos que más te fascinarán serán las transiciones que hilan una pintura con otra, tanto que casi podríamos apostar que se te saldrá una lágrima traicionera cuando a “La noche estrellada” le llegue el turno de “diluirse”. ANAID RAMÍREZ Si buscas una película que toque tus emociones, debes considerar Loving Vincent al formarte en la taquilla; convierte el arte y vida de van Gogh en una experiencia en movimiento.

VEREDICTO

THE FOREIGNER +++

ESTRENO 29 DE DICIEMBRE / 113 MINUTOS

Martin Campbell Jackie Chan, Katie Leung y Pierce Brosnan

DIRECTOR ELENCO

¡JACKIE CHAN ESTÁ DE REGRESO! De nuevo se presenta en el rol del hombre inteligente y que las puede todas para lograr su objetivo; en este caso, vengar el asesinato de su hija, que ocurrió en un ataque terrorista. Así inicia una persecución entre su personaje, Quan Ngoc Minh, y Liam Hennessey (Brosnan), un trabajador del gobierno británico relacionado con los ataques que Londres ha estado enfrentando. Como se esperaría de una cinta protagonizada por Chan, es él quien tiene los planes maestros y el que supera cualquier escena de acción, haciendo que el público quede en suspenso y espere la vuelta de tuerca entre las historias secundarias de traición e intriga. ALC

CINE

AGHOSTSTORY +++

ESTRENO 15 DE DICIEMBRE / 92 MINUTOS

David Lowery Casey Affleck, Rooney Mara y Will Oldham

DIRECTOR ELENCO

La mudanza que planean el músico C (Affleck) y su esposa M (Mara) provoca algunas riñas. Un día él fallece y su espíritu sigue a M hasta su casa, donde C queda atrapado para atestiguar el paso del tiempo.

SINOPSIS

UNA CITA DEL CUENTO A Haunted

120 LATIDOS POR MINUTO

++++

ESTRENO 1 DE DICIEMBRE / 140 MINUTOS

Robin Campillo Nahuel Pérez Biscayart, Arnaud Valois y Adèle Haenel

DIRECTOR ELENCO

CON ESTA PRODUCCIÓN conocerás al grupo de activistas Act Up, iniciado en París a principios de los 90 para crear conciencia en la sociedad acerca del VIH, combatir la negligencia gubernamental al respecto y exigir derechos médicos a los portadores. En medio de esto te conviertes en testigo de la relación que surge entre Nathan (Arnaud Valois) y Sean (Nahuel Pérez Biscayart), quien es seropositivo. El cine ya ha contado el tema, pero lo que logra Campillo es único: te sumerge en los debates para vivirlos como si estuvieras ahí, y sus movimientos de cámara (llenos de energía) te hacen sentir el arrojo de los jóvenes luchando contra las injusticias. SDT

House, de Virginia Woolf, es el prólogo de la nueva película de David Lowery: “Whatever hour you woke there was a door shutting”; así que, aunque es el relato de un fantasma, no esperes la nueva aventura de Gasparín, sino el deambular de una sábana en busca de su tesoro y de darle sentido a su (no) existencia. Nominada en el Festival de Sundance y ganadora de varios premios en Sitges y Deauville, la cinta te acerca a la pareja conformada por C y M en medio de una serie de discusiones y desacuerdos respecto a su próxima mudanza. Las escenas de la intimidad de los enamorados concluyen con una toma de él sobre el volante de su carro, ensangrentado, y después con una de M reconociendo el cuerpo de su esposo sobre una plancha de la morgue. Luego de que el muertito se endereza cubierto por la tela blanca que lo tapaba en el sanatorio, empieza a seguir los pasos de su pareja hasta su casa. A partir de ahí, el ﬁlme se convierte en una especie de odisea, pero en lugar de moverse el fantasma hacia otros destinos, estos llegan a él. El comienzo del viaje es el duelo de M: prepárate para ver a una Mara sobriamente deprimida, en escenas de composiciones simples pero llenas de emotividad, sobre todo por los

sonidos de fondo. Y es que el fallecimiento de C provoca que los diálogos se suplan metafóricamente por la banda sonora; seguro entenderás al ente, quien en vida fue músico, por cada canción que acompaña su lamento. La necesaria huida de M provoca el “abandono” de C en el hogar, pues él no puede salir de la construcción. De esta forma llega una familia latina. Luego, algún otro inquilino sorprende al espectro con un festín masivo y un discurso —del tipo honesto y filosófico que a veces destapa el alcohol— acerca de la permanencia y la trascendencia: “Pero haces lo que puedes para asegurarte de que seguirás ahí después de que te hayas ido”, recita el invitado. Todo transcurre con un uso mínimo de los diálogos. Sin embargo, esa ausencia se compensa por las reacciones de los personajes ante lo que ocurre más allá de tu alcance visual: los extraños sonidos de la medianoche y la manera en que los personajes se dirigen y dan referencia a lo que existe fuera del encuadre. Sin palabras te hacen sentir angustia, miedo y tristeza. Te atrapará también el estilismo de la imagen, tanto por la iluminación como por la simetría que prevalece en la mayoría de los encuadres y el escaso movimiento de la cámara, muy al estilo de Terrence Malick. Si los silencios son efectivos, se debe a la expresividad de los actores. Digamos que Affleck y Mara ya dominan el estilo de Lowery, pues antes estelarizaron el tercer filme del cineasta, Ain’t Them Bodies Saints. Seremos sinceros y te advertimos que habrá momentos contemplativos dignos de retar a tu paciencia, incluso pensarás que el relato pudo contarse en muchísimo menos tiempo —y eso que apenas dura una hora y media—, pero luego de superar esas secuencias, que se concentran en el primer tercio de la cinta, verás que valió la pena. Será como disfrutar de una rebanada de pay cocido a fuego lento. ANAID RAMÍREZ Veredicto Para quienes gustan de filmes efectivos en emociones y reflexiones. Hay momentos en los que la fusión de las imágenes con las canciones te erizarán la piel.

DICIEMBRE 2017

CINE

SNOWMAN ++

AHORA EN CINES / 119 MINUTOS

DIRECTOR Tomas

Alfredson Fassbender, Rebecca Ferguson, Charlotte Gainsbourg, J.K. Simmons, Val Kilmer, Toby Jones y Chloë Sevigny ELENCO Michael

Basada en una novela del autor noruego Jo Nesbø, es una pieza más de la escena scandinoir. Mientras investiga un caso de personas desaparecidas, el detective noruego Harry Hole (Michael Fassbender) se da cuenta de que en realidad está tras un asesino serial que ha dejado cadáveres como paletas heladas por todo Noruega.

SINOPSIS

DICIEMBRE 2017

DOS VECES EN LOS ÚLTIMOS 12 MESES Michael Fassbender ha intentado iniciar una franquicia —Assassin’s Creed y The Snowman— y en ambos casos parece que la cosa no pasará de la primera producción. Fassbender es Harry Hole, una mala ﬁgura paterna, ebrio y el mejor detective de la policía de Oslo. Sólo necesita un caso en el cual centrarse. Corte a la recluta Katrine Bratt (Rebecca Ferguson), quien lo deja acompañarla a su caso de personas desaparecidas que, obvio, resulta ser más de lo que parece, particularmente su relación con una buena cantidad de casos no resueltos y una tarjeta de presentación inusual: cada víctima es encontrada junto a un hombre de nieve recién hecho. Basada en la séptima novela de la serie del autor noruego Jo Nesbø (que ya va en la undécima) y dirigida por Tomas Alfredson (Let

The Right one In, Tinker Tailor Soldier Spy), parecía muy buena en inicio. Agrégale a eso un elenco que incluye a Val Kilmer, Chloë Sevigny y Toby Jones y el creciente interés en el género escandinoir, y apuntaba a ser cosa segura. Por desgracia, no logra mantenerse. Una buena parte de sus problemas se encuentran en la narrativa, que toma muchos rumbos disparejos, algo muy peligroso para una historia de detectives y no logra entretejer en un conjunto cohesivo —dos líneas distintas en ﬂashback, una puja para la sede de la Copa Mundial de los Deportes de Invierno liderada por Arve Støp (J.K. Simmons), otra la investigación de Hole y su vida familiar—. El resultado es que ver este largometraje se siente como una caminata en nieve profunda y cuando llegan sus revelaciones, no logran el impacto deseado.

DADDY'S HOME 2 +++

ESTRENO 1 DE DICIEMBRE / 100 MINUTOS

Sean Anders Will Ferrell, Mark Wahlberg, Mel Gibson y John Lithgow DIRECTOR

ELENCO

Fassbender pensando en nieve de limón / Malo hasta para dibujar / En Noruega los asesinatos son a sangre fría / Para resolver el misterio hace falta cabeza helada / Este detective tiene buen ojo para las chicas.

Alfredson parece conocer el género, o al menos la versión de David Fincher —elementos de Seven, Zodiac y The Girl with the Dragon Tatoo son identiﬁcables—. Tristemente, ésta no llega al nivel de dichas películas y, como la historia no nos atrapa, sus elementos más extraños sobresalen de manera ridícula: las nuevas cámaras portátiles y “ocultas” de la policía que son tamaño laptop; una escena rara de sexo sin sexo entre Fassbender y Gainsbourg (su ex); Val Kilmer disparando un arma para espantar unos pájaros en una zona que se ve propicia para las avalanchas —y no hablamos del carro deslizador Avalancha—... Claro que tiene sus momentos. Sobre todo te podemos recomendar una escena brutal donde una cabeza decapitada está colocada sobre el cuerpo del hombre de nieve, pero en realidad,

tan sólo sirven para resaltar el potencial no realizado del ﬁlme. Sería una sorpresa ver a Fassbender vestir el abrigo verde otra vez. JONATHAN PILE

Es una oportunidad perdida. Hace referencia a las películas correctas, pero The Snowman no es, sino una mala imitación.

VEREDICTO

PARECÍA QUE NO HABÍA razones para darle continuidad a Daddy's Home: la crítica no la favoreció y no era para menos. La comedia descansó en pastelazos y situaciones tan forzadas que apenas dejaban una ligera sonrisa en el público; además de que el director, Sean Anders, desgastó pronto el estira y afloja entre el Brad de Will Ferrell y el Dusty de Mark Wahlberg. Conforme avanzó la cinta, la risa fue cada vez menos efusiva. ¿Entonces para qué hacer una secuela? Se lo debemos al efecto taquilla —con un presupuesto estimado de 50 millones de dólares, lograron recaudar más de 242.7 mdd a nivel mundial—. Y todo apunta a que saldrá bien librada. Daddy's Home 2 (Guerra de papás 2) tiene, de entrada, un tema alrededor del cual ejercer su comedia: la estigmatización de cómo los hombres deben (o no) mostrar sus sentimientos. Así ves a un Ferrell besando a su padre y esperando sus abrazos, momentos que se adornan con los diálogos y circunstancias necesarias como para que sueltes la carcajada en más de una ocasión. Asimismo se agradece que, justamente, la película te haga "cosquillas" con las líneas de sus personajes, sobre todo los infantiles. Al estar un poquito más grandes Megan (Scarlett Estevez) y Dylan (Owen Vaccaro), así como la adicta a la tecnología Adrianna (Didi Costine), se les concedan diálogos más hilarantes que en la anterior cinta. Gibson, como el padre de Wahlberg, y Lithgow, como el progenitor de Brad, aparecen para agregar química al elenco y provocarte más carcajadas. Tampoco hay que demeritar la breve participación de John Cena: ¡vas a querer cantarle una canción navideña! Cada uno tiene un objetivo en la trama y se les da continuidad. Gracias a esto, todo fluye más en la nueva entrega de Daddy's Home. Y sí, los chicos, los buenos y los malos, también lloran. ANAID RAMÍREZ Seguro no querrás una Navidad tan desastrosa como la de los protagonistas de esta película, pero si le pides a Santa Claus una secuela digna y un montón de carcajadas, seguro Guerra de papás 2 aparecería debajo de tu árbol.

VEREDICTO

DICIEMBRE 2017

CINE

LADYMACBETH ++++

ESTRENO 29 DE DICIEMBRE/ 89 MINUTOS

DIRECTOR William

Oldroyd Pugh, Cosmo Jarvis, Paul Hilton, Naomi Ackie, Christopher Fairbank, Golda Rosheuvel, Anton Palmer y Rebecca Manley ELENCO Florence

Es Northumberland, en 1865. Resintiendo un matrimonio arreglado con el viejo Alexander (Paul Hilton), heredero de una mina de carbón, Katherine (Florence Pugh), de 17 años, se embarca en una aventura con un novio más estable, Sebastian (Cosmo Jarvis), y recurre al asesinato cuando su romance es descubierto.

SINOPSIS

DICIEMBRE 2017

A PESAR DEL TÍTULO, no hay nada de escocés o shakespeariano sobre esta historia de asesina pasión victoriana. La dramaturga Alice Birch basó el argumento principal en la novela de Nikolái Leskov, Lady Macbeth of the Mtsensk District, de 1865, pero su primer guion también invoca el espíritu de heroínas nefastas como Madame Bovary, Thérèse Desqueyroux y Lady Chatterley. Sin embargo, la inﬂuencia más clara del debut del director teatral William Oldroyd es la sombría interpretación de Andrea Arnold, en 2011, en Wuthering Heights, de Emily Brontë, que exploró las actitudes históricas británicas sobre el género, la clase y la raza que persisten hasta hoy. Una pieza noir escrita con inteligencia e imponentemente ejecutada. Aunque ella ha sido vendida al matrimonio para cumplir con una deuda familiar, Katherine nunca es una damisela

angustiada en un cuento de hadas gótico. Ella puede ser rechazada por Alexander, un hombre que le dobla la edad, en su noche de bodas, pero también rechaza la simpatía de su criada negra y casi muda, Anna (Naomi Ackie), y se resiente profundamente de su desaprobación temerosa de Dios cuando comienza a alardear de su aventura con Sebastian. Además, cuando es reprendida por su imprudente adulterio, Katherine recurre al asesinato, revelando el largo alcance de su despreciada y contenida furia hasta el momento. Gran parte del poder de esta imagen duramente austera proviene de la actuación deslumbrante de Florence Pugh, de 19 años de edad. Su transición de novia renuente a una astuta psicótica puede deberse tanto a una forma de maldad... llamémosle clásica, como al excesivamente conveniente mutismo de Anna,

ESCALA SUICIDA ++

ESTRENO 1 DE DICIEMBRE / 138 MINUTOS

Nikolai Lebedev Vladimir Mashkov, Danila Kozlovsky y Agne Grudyte

DIRECTOR ELENCO

TRAS SER EXPULSADO de la Fuerza Aérea Militar, el incorruptible y joven piloto Alexey (Danila Kozlovsky) tiene la nueva oportunidad de regresar a los cielos en una aerolínea bajo las órdenes del capitán Leonid (Vladimir Mashkov), cuyo motor profesional es seguir las reglas al pie de la letra. Después de varios desacuerdos ambos se enfrentan a una situación límite que supone rescatar sobrevivientes de una serie de fenómenos naturales dentro de una isla. Llena de lugares comunes y partiendo de los peores clichés del cine comercial, este filme es la respuesta rusa al cine industrial norteamericano: está repleta tanto de errores de continuidad como de personajes estereotipados. JC DURÁN

#LadyTeDejoSinAsiento / #LadyTodosMíos /

47 METERS DOWN

#LadyVenenoEnArroz /

#LadyApretada.

ESTRENO 15 DE DICIEMBRE / 89 MINUTOS

Johannes Roberts Mandy Moore, Claire Holt y Matthew Modine

DIRECTOR

pero el autoconﬁado desafío de Katherine hacia Alexander y su saturnino suegro, Boris (Christopher Fairbank), es tan natural como su deleite en los páramos y su deseo emancipatorio por Sebastian. En sólo su segundo papel, el cantante y compositor, Jarvis, es más persuasivo que un cordero sacriﬁcado, pero es tan víctima como los juguetes que Kika Magalhaes mantiene encadenados en Los ojos de mi madre, de Nicolas Pesce. De hecho, las dos cintas tienen mucho en común a través de su elevado uso del sonido y restricción visual. El eco sordo de las botas en las tablas desnudas muestra con claridad la lamentable grandeza del entorno (en realidad, el castillo de Lambton en Durham) tan hábilmente como la espartana decoración de Jacqueline Abrahams. Los vestuarios enlistonados de Holly Waddington refuerzan la naturaleza restrictiva

de la existencia de Pugh, pero la simetría formal de los muebles se contrasta con el romanticismo indómito del campo circundante de la misma manera que la autoexcitación de Alexander se yuxtapone con el salvaje abandono de Katherine al hacer el amor con Sebastian. A pesar de estar enamorada de él, Katherine aún usa a Sebastian como un peón en su juego de poder. Y al ﬁnal no sólo ha desaﬁado el patriarcado: parece que la única forma de superarlo es adoptando su hipocresía como herramienta. DAVID PARKINSON Fantasía noir con guion inteligente e imponentemente interpretada; el mejor pretexto para revisitar las convenciones del melodrama victoriano y para comentar sobre las actitudes modernas frente a la opresión, los prejuicios y la moralidad.

VEREDICTO

ELENCO

LISA (MANDY MOORE) Y KATE (Claire Holt) están de vacaciones en una playa mexicana y aceptan hacer un tour clandestino para sumergirse en el mar dentro de una jaula y ver de cerca a unos tiburones. Johannes Roberts intenta crear una atmósfera aterradora a partir de la inmensidad del océano, la incapacidad humana de respirar bajo el agua y un depredador acuático. Se lograría de no ser por la deficiente construcción de los personajes y la mala toma de decisiones de estos. Digamos que si hubiera una carrera de supervivencia entre Lisa, Kate y Nancy (Blake Lively), de The Shallows, esta última tendría un poquito más chance de sobrevivir y de caerte mejor. AR

DICIEMBRE 2017

TV & Streaming

THE CROWN ++++

ESTRENO 8 DE DICIEMBRE / 2ª TEMPORADA EN NETFLIX

EPISODIOS VISTOS 3 / 52 MINUTOS

Peter Morgan Claire Foy, Matt Smith y Victoria Hamilton

CREADOR ELENCO

Con un poco de más experiencia al frente del Palacio de Buckingham, la reina Elizabeth (Foy) se enfrenta a una guerra contra Egipto, su tambaleante matrimonio y un dolor de cabeza llamado Anthony Eden, el nuevo Primer Ministro del Reino Unido.

SINOPSIS

¡QUE ALGUIEN SALVE A LA REINA! Es muy probable que pienses eso después de vver los primeros capítulos de la segunda temporada de The Crown. La reina Elizabeth II de Claire Foy ya había tenido suﬁcientes momentos dignos de una gastritis monumental —por fortuna sólo toma té— en su aparición anterior: el amorío de la princesa Margaret (Vanessa Hamilton), su hermana,

DICIEMBRE 2017

con Peter Townsend (Ben Miles); el carácter de Winston Churchill (John Lithgow) y su renuencia a dejar su cargo como Primer Ministro, y los berrinches de un marido que, poco a poco, saca a relucir su sentimiento de inferioridad ante las responsabilidades de su célebre esposa. Elizabeth le exige a su esposo poner las cartas sobre la mesa y “hablar con honestidad por primera vez”. No entiendes qué ha llevado a la pareja real hasta una discusión de esa magnitud, menos si consideras la forma en que arrancaron la serie; pero lo descubrirás por medio de un ﬂashback que abarca algo así como tres capítulos. Esa licencia temporal funciona para presentarte la crisis matrimonial de la protagonista, pero por fortuna no se limita a eso. Como ya te acostumbró el programa creado por Peter Morgan —experto en retratar la realeza inglesa con piezas como The Other Boleyn Girl y The Queen—, cada capítulo es un equilibrio entre el aspecto personal de la reina Elizabeth y una clase de historia. Por ejemplo, si en la temporada anterior te encontraste con una de las mayores catástrofes ambientales del Reino Unido, en ésta te toparás con el comienzo de la Guerra del Sinaí y lo complicado que resultó para Anthony Eden (Jeremy Northam) sustituir en el cargo a Winston Churchill.

En el tercer round te ubicas otra vez en la escena de arranque de la segunda temporada. Y entonces todo tiene más sentido. Llegar hasta ese punto también implicó hablar del contexto social: un divorcio que tiene eco en la familia real da pie para hablar acerca de las complicaciones de las separaciones y de las trabas que una mujer tenía si prefería estar sola, por mencionar un caso. Igualmente son indispensables y se agradecen las pistas visuales para que termines de crear la atmósfera que requiere el programa: las cámaras, las texturas del vestuario, los sillones y cada detalle de utilería te ayudan en ese viaje al pasado. Además de la maestría de Morgan para trenzar con aciertos los dramas personales, pasionales, nobles y bélicos, en The Crown aún es vital y destacable la actuación de Foy. La intérprete le hace justicia a la compleja y elegante construcción de su personaje, así que no dudes en apostarle nuevamente a esta serie en la próxima temporada de premios. ANAID RAMÍREZ Amerita un maratón, pero acompañado de té y scones. Es indispensable que hayas visto la temporada anterior para no perder el hilo de la historia. Los diálogos de Foy están permeados de tal distinción y fuerza que, con este personaje, se merece el trono de las actrices de Netflix.

VEREDICTO

JEAN-CLAUDE VAN JOHNSON +++

ESTRENO 15 DE DICIEMBRE / PRIME VIDEO

Peter Atencio Jean-Claude Van Damme, Kat Foster y Moisés Arias

DIRECTOR ELENCO

tv & streaming

THE PUNISHER ++

AHORA EN NETFLIX / 44 MINUTOS

Steve Lightfoot Jon Bernthal, Amber Rose Revah, Ebon Moss-Bachrach, Ben Barnes, Jaime Ray Newman y Jason R. Moore

CREADOR ELENCO

Frank Castle (Jon Bernthal) cree que ya fue suficiente de ser The Punisher. Pero seis meses después es arrastrado de vuelta como vigilante por un hacker y un agente de seguridad nacional, ambos determinados a exponer una conspiración de la CIA en la que Frank podría estar involucrado.

SINOPSIS

NO ES DE SORPRENDER QUE MARVEL Y NETFLIX decidieran sacar a The Punisher de su agenda para Comic-Con Nueva York en vista del tiroteo ocurrido en Las Vegas el pasado 1 de octubre. Virtualmente cada episodio muestra una violencia similar, usando armas que no estarían fuera de lugar en una película de John Wick. A pesar de compartir el mismo mundo que Daredevil, Jessica Jones y Luke Cage, Frank Castle no es un superhéroe. Ni siquiera es un héroe. Es un psicópata dañado, peligroso y solitario cuyo rígido sentido de la justicia lo hace juez, jurado, torturador y verdugo. Todo en uno. Lo vemos de francotirador dando disparos perfectos a criminales a la distancia, ametrallar habitaciones atascadas de gente y balear el cerebro de sujetos. Considerando los eventos recientes y la aterradora facilidad con que los estadounidenses se tirotean a muerte, tienes que preguntarte si The Punisher es de verdad el antihéroe que ese país necesita en este momento. Se siente que estas preguntas surgieron entre los escritores del director de la serie, Steve Lightfoot, pero para el episodio 13 es obvio que no hay respuestas sólidas —o no pueden darlas—.

Karen Page (Deborah Ann Woll), de Daredevil, aparece para oponerse al control de armas, debatiendo insulsamente el tema con un senador antiarmas a quien llama hipócrita. Después de eso se convierte en damisela en peligro que necesita rescate en una situación donde se sugiere que pudo evitarse si hubiera traído su pistola en la bolsa. Al mismo tiempo, la serie trata con misericordia a los veteranos de guerra: hombres entrenados a matar por su país pero enviados a otras naciones para asesinar en nombre de agendas políticas bastante oscuras antes de ser traídos a casa y abandonados a su suerte y con sus traumas. Frank Castle es el producto de este maltrato sistemático, como lo es otro personaje que toma la posición antagonista, un tipo entre Timothy McVeigh y el Unabomber. La línea entre él y Frank no es clara a propósito, pero ¿será ésta la razón de la diferencia en la que canalizan su violencia asesina o sólo una excusa? Es una serie problemática; pocas veces puedes aprobar los métodos de Frank aunque los pases, pero si dejas de lado esta parte, hay mucho para disfrutar. La coreografía de la acción es excelente, sobre todo en el episodio 10, que mezcla elementos de Léon y la película japonesa de 1950, Rashômon. Bernthal es el actor más fuerte de Marvel/ Netﬂix, tan cautivador durante sus momentos de ternura como cuando está que arde en modo hombre-ejército. A los fans del personaje del cómic les encantará que The Punisher presente su historia más fuerte hasta ahora —incluyendo el debut de Bernthal como Castle en la temporada 2 de Daredevil—, pero como es una serie de Marvel/ Netﬂix de 13 episodios, se siente demasiado delgada, mientras que otros podrían preguntarse si es un personaje que debió llevarse a la pantalla en esta frágil y sensible época. DAN JOLIN Vale la pena que veas la interpretación de Jon Bernthal. Hay que ver qué sigue ahora para el violento castigador.

VEREDICTO

NO ES LO MISMO LOS TRES MOSQUETEROS que 20 años después, pero como este personaje vale por tres, la cosa está más interesante: Jean-Claude Van Damme sabe cómo tomar al toro por los cuernos en su regreso a los reflectores, burlándose de los hombres de acción del cine —sobre todo de sí mismo— y con ello regalando momentos que te darán más risa que su meme bailador, todo intencional. El actor da vida a una estrella de cine que ya pasó sus años de gloria. Cuando un viejo amor reaparece en su vida crece su necesidad de regresar a los escenarios y a su vida alterna como espía. Verás a JC fracasando en los splits pero “triunfando” como maestro del disfraz. AR

¡AY GÜEY! ++

ESTRENO: 24 DE DICIEMBRE / BLIM

Ben Stassen y Jeremy Degruson Cinda Adams, Bob Barlen y Laila Berzins

DIRECTOR ELENCO

¿QUÉ HARÍAS SI te encuentras una maleta repleta de dinero? Esto es lo que les sucede a Susana y Verónica, dos chicas que trabajan mesereando en un food truck. Sin caerse bien, se encuentran en el lugar incorrecto y en el momento menos indicado cuando ocurre un crimen en el cual se ven involucradas. Por ello terminan con una maleta con 10 millones de dólares que se llevan con ellas. Esta serie es producida por Rodolfo de Anda, mismo que ideó El Pantera y, quien durante 13 capítulos, hace de Acapulco el escenario de una persecución en torno del dinero y de estas dos estereotipadas chavas. EN

DICIEMBRE 2017

PUNK ROCK JESUS +++++

SALE 18 DE DICIEMBRE

cómics

SECRETEMPIRE: ¿ELFIN DELCAPITÁN AMÉRICA? ++++

SALE 18 DE DICIEMBRE

SINOPSIS:

Red Skull, el enemigo más importante del Capitán América, logra manipular un arma moldeadora de la realidad, el Cubo Cósmico, y como consecuencia el héroe es reemplazado en secreto por una versión malvada de sí mismo: el más terrible agente de Hydra, con una agenda propia de dominación mundial.

EL CAPITÁN AMÉRICA llegó a los 75 años con uno de los cambios más radicales de su accidentada existencia: Steve Rogers se volvió el más terrible villano del Universo Marvel. Poco antes de Secret Empire vimos al portador original del suero del supersoldado perder sus poderes aumentados y envejecer, y se dio paso a Sam Wilson, el héroe conocido como Falcon y frecuente aliado de Steve, como un nuevo Capitán América, y quizás el único digno de serlo. Tras algunos sucesos por los que Steve recupera su juventud y el manto del héroe americano, el villano Red Skull, con el control del arma conocida como Cubo Cósmico, logra reescribir el pasado de Rogers para convencerlo de que es un doble agente cuya lealtad pertenece a Hydra, la organización terrorista que busca imponer al mundo una agenda totalitaria y la principal razón de ser de los superespías y agencias de seguridad del Universo Marvel. Así inicia Secret Empire, cuya cabeza principal fue el escritor Nick Spencer. Suponer a Steve Rogers como parte de Hydra es algo similar a que se descubriera que John F. Kennedy

DICIEMBRE 2017

era un agente nazi o el arma definitiva de la URSS para infiltrarse en Estados Unidos. La gran capacidad y reconocimiento a la figura de Rogers lo lleva a dominar Hydra, a la agencia de defensa del gobierno gringo S.H.I.E.L.D. y a unir a los héroes Marvel en su contra. El resultado: la muerte de algunos personajes importantes de la Casa de las Ideas. Marvel Comics México trae este evento en tres ediciones de lujo que ofrecen el panorama completo de la saga que cuenta la caída y regreso del Capitán América. Un primer tomo que reseña los eventos previos nos muestra la pérdida del suero del supersoldado y los motivos del resultante encumbramiento de Sam Wilson —tal vez el compañero más leal de Steve Rogers— como el nuevo Capitán, además de lo ocurrido en Pleasant Hill y la forma en que el justiciero recupera su juventud. El siguiente tomo consta de los 11 números centrales de Secret Empire, además de los títulos unitarios Omega y Free Comic Book Day 2017. Por último, el tercer tomo da cuenta de los tie-ins de la saga, presenta los tres one shot titulados Uprising, United y Underground, el epílogo a la segunda Guerra Civil de Marvel llamado Civil War II: The Oath que conecta este evento con Secret Empire, y también incluye Captain America #25, que marca el enfrentamiento de Sam Wilson con su amigo e inspiración, Steve Rogers. Es temprano para saber si el público lector perdonará a Rogers la estela sangrienta que deja tras de sí. Esta saga pone al centro del debate la idea del Capitán América: si ésta reside en el escudo, en la persona o en un conjunto de ideales por los que vale la pena luchar. La respuesta no es sencilla, pero Secret Empire da algunas luces para conocerla. JORGE SALVADOR JURADO VEREDICTO: Un evento largo y polémico en tres ediciones que permiten conocerlo a cabalidad. A pesar de los detractores de la etapa de Nick Spencer al frente del destino del Capitán América, se trata sin duda de una pieza importante en toda la historia del héroe patriota de Marvel Comics.

LA CAPACIDAD del mundo del espectáculo para trivializar la realidad es una idea que nos ha inquietado por décadas. Por ello, no es extraño que se reciclara el leitmotiv que animó el musical setentero Jesus Christ Superstar: imaginar a Jesucristo funcionando en la sociedad moderna. Pero ante la profunda mirada de Sean Murphy, sus alcances son imponentes. Punk Rock Jesus, nueva joya de Vertigo Comics México, narra la historia de un polémico programa de TV que pretende mostrar en directo la vida de Cristo, y para ello crea a Chris, un clon del salvador, al extraer ADN del Santo Sudario. Tras un debate moral y religioso a nivel global, Chris acabará declarándose ateo y liderando una banda de punk con mensajes antirreligiosos, razón por la cual la vida del hijo de Dios peligra. JORGE SALVADOR JURADO

THE PUNISHER MAX: MADRE RUSIA +++++

PUBLICADO YA A LA VENTA

UNA HISTORIA FUNDAMENTAL del rey de la violencia y las malas palabras ya disponible gracias a Marvel Comics México. Y no nos referimos a Punisher, sino al escritor Garth Ennis, cuyo trabajo en títulos como Preacher, Hellblazer y Judge Dredd lo calificaron para guionizar la historia de Frank Castle. En Madre Rusia, realizado con el dibujante Dougie Braithwaite, Nick Fury vuelve patriota a Castle y lo lleva a infiltrarse en una base rusa en Siberia para recuperar a una niña portadora de un virus caníbal. Sabedor de la libertad que daba el subsello MAX de Marvel, cuyos títulos eran clasificación R, Ennis presentó al antihéroe recuperando la vieja rencilla EUA vs. Rusia para despojar a Punisher de uno de sus lastres: el dilema moral que implica ejercer la violencia para buscar la paz. J.S. JURADO

SUPER MARIO ODYSSEY +++

DISPONIBLE PARA SWITCH DIRECTOR Kenta

Motokura Kate Higgins, Charles Martinet, Samantha Kelly y Kenny James VOCES

SIENDO UNA RANA CON BIGOTE, un tanque, una bala o un T-rex, los jugadores de Odyssey pasarán mucho tiempo habitando los cuerpos de sus enemigos. Gracias a la cabeza sensible de Cappy, Mario (Martinet) ahora puede engañar a sus enemigos utilizando sus habilidades para atravesar los diversos mundos del juego, coleccionar naves estelares que energicen lunas y salvar a Peach (Kelly) de las garras de un Bowser (James) inusualmente bien vestido. Este es Mario en su forma más libre. Explorar los niveles evoca el júbilo de Super Mario 64 mientras le arrebata el gorro al original de 1985, con secciones en 2D bellamente retro. JD

Juegos

MIDDLE-EARTH: SHADOW OFWAR ++++

DISPONIBLE PARA PC, PS4 Y XBOX ONE

J.B. Blanc, Michael de Plater Troy Baker, Alastair Duncan, Laura Bailey, Robin Atkin Downes, Jennifer Hale y Steve Blum SINOPSIS El Ranger Talion (Baker), Celebrimbor (Duncan) y el espíritu elfo que lo posee forjan un nuevo Anillo de Poder para tratar de derrotar a Sauron (Blum). DIRECTORES VOCES

CON LA PROMESA DE PASAR VARIAS HORAS en Middle-Earth: Shadow of

ECHO

+++ DISPONIBLE PARA PC Y PS4 DIRECTOR Martin VOCES Rose

Emborg Leslie y Nick Boulton

UN HORRIPILANTE Y ENFERMO aislamiento espacial, una clase magistral en tensión. Tú eres En (Leslie), una mujer joven perdida en un laberinto, cazada por clones insaciables que aprenden de sus errores y se vuelven cada vez más peligrosos. Pero hay un respiro. A medida que exploras, el mundo cambia entre fases oscuras e iluminadas: los clones desaparecen durante la fase oscura, lo que te permite moverte con libertad; cuando regresen se habrán adaptado para contrarrestar tu estilo de juego. Si te sentías confiada disparando la última vez, por ejemplo, tus enemigos se regenerarán con sus propias armas. La velocidad de movimiento de En es frustrante en general y la animación es algo burda, pero dadas sus raíces indie, Echo es un logro espectacular. MK

War, Talion, el personaje del jugador, tiene la oportunidad de montar un drake (básicamente un dragón) para inspeccionar desde el cielo una fortaleza ocupada por orcos, antes de comandar a su montura para lanzar abajo una corriente de ame sobre sus enemigos de piel verde. Mientras estos adversarios son cocinados desde una distancia segura, los aliados orcos de Talion —a quien lavaron el cerebro para unirse a su causa unas horas antes—, luchan contra la muerte en tierra. Entre sus filas se encuentra un ogro que convierte las fortificadas puertas de la resistencia en mondadientes, mientras que un uruk que cabalga en busca de caña corta las cabezas de cualquier cosa que se cruce en el sendero de su gruñido. Engullir la fortaleza desde una bestia que haría envidiar a la Madre de los Dragones, mientras observas a tus tropas desgarrar las cosas en la superficie, te recuerda el tipo de enfrentamientos épicos a los que nos acostumbramos en la conclusión de un juego. En Shadow of War, sin embargo, este tipo de cosas suceden todo el tiempo. De hecho, la escaramuza de arriba no era más que una pequeña muestra de una batalla mucho más grande, una en la que podremos apreciar cómo se teletransporta a una docena de adversarios antes

de abrirlos desde el vientre hasta el tallo cerebral, enjambres de arañas sobre sus enemigos y el esperado enfrentamiento con el poderoso señor supremo de la fortaleza, un combate empapado de sangre. Aunque les dan forma los diversos sistemas de conﬁguración de historias del juego, tales encuentros no tienen guiones y más bien resultan sorprendentes, dinámicos y fuertemente dirigidos por el jugador. Matar incluso al orco más humilde durante el juego signiﬁca que ese enemigo subirá de nivel, será promovido en el ejército de Sauron y te recordará la próxima vez que te encuentres con él y mantengan una charla inútil antes de llegar una segunda (o tercera o cuarta) posibilidad de matarlos. Mientras asesinas, reclutas, humillas y manipulas a los adversarios, te permite personalizar tu encuentro y la narrativa general. En la parte superior de las fortalezas hay numerosas misiones de historia y tareas secundarias que abordar, botines por asegurar y mejorar y ejércitos para amasar. Donde Shadow of War tropieza es en su narración. El juego ofrece una visión muy adecuada y madura del universo de Tolkien (cosa que se agradece), pero también avanza liberalmente en acción empapada de gore o cambios innecesarios, como los hechos a la araña gigante, Shelob, siendo la más buscada por los fanáticos de la franquicia. La trama se extiende en numerosas direcciones, lo que sí le ayuda a tener sentido, incluso en las misiones más mundanas, aunque también divide el enfoque y puede volverse confuso mientras saltas de una tarea a otra. Si intentas no sufrir con los errores canónicos y nada más andar el camino, de preferencia encima de una montura que escupe fuego, descubrirás una secuela muy satisfactoria que no sólo es uno de los lanzamientos destacados de este año, sino que podría decirse que es el único juego de Lord of the Rings que los gobierna a todos. MATT CABRAL. Un juego más grande, más profundo y mejor que su predecesor, con un sistema Nemesis más avanzado y grandes piezas de acción.

VEREDICTO

DICIEMBRE 2017

gadgets

POR FIN: ¡TU SABLE LÁSER! Si te preocupaba el título del Episodio VIII, con Star Wars: Jedi Challenges tendrás para entrenar y empoderarte con el accesorio que siempre soñaste arrebatarle a la pantalla: el sable láser.

ADHIERE ESTOS THE MOON, BY1-RING, ALIADOS A TU BATALLA ES LAPRIMERA CONTRA EL LADO CÁMARAFLOTANTE OSCURO Sip, levita de verdad.

¿LISTO PARA, POR FIN, empuñar el sable

que más se acerca a lo que has visto en la saga? La solución para materializar este ansiado sable fue sencilla: traerlo al ambiente de realidad virtual. Te colocas las gafas, calibras un módulo de seguimiento, prendes la app en tu teléfono y el resto dependerá de tus habilidades en la defensa y ataque o de qué tan grande sea el pollo que vas a cortar en pedacitos. Podrás perfeccionar tus habilidades en combate con Kylo Ren y Darth Vader o, si lo preﬁeres, jugar una partida de Holochess, el reto de estrategia en el tablero. También hay un modo en donde asumes el rol de comandante rebelde y guías a todas tus unidades en diferentes misiones de ataque estratégico. Parece nuevo, pero lo has jugado toda la vida, es sólo que ahora las proyecciones holográﬁcas provienen del smartphone, no de tu imaginación. Ya, cierra la quijada y asegúrate de tener un teléfono compatible en Android o iOS.

ES REAL: UNA CÁMARA redonda que levita para brindarte una visión de 360º, suave, silenciosamente, estable y fácil de controlar a distancia. Imagina una videollamada con una cámara que rota hacia la persona que está hablando, con dos micrófonos para eliminar ruidos y una bocina HQ para una comunicación de dos vías. En tu casa puedes ver remotamente lo que sucede con su Smart Event Detection, y su rotación automática tiene Smart Alerting y Smart Voice Recognition. Con esto te avisará quién llegó, si ladró el perro o se rompió una ventana. Obvio, puedes saludar a tu cachorro de ciempiés desde la oﬁcina, entre varias útiles aplicaciones. Detecta cambios en la temperatura, si se derramó algún líquido tóxico o si algo se quema. Funciona con Android, iOS y Windows.

$200 dólares en lenovo.com.

$209 dólares en 1-ring.net, en marzo de 2018.

DICIEMBRE 2017

Porque tu carita lo merece, Philips acaba de entregarnos dos nuevas rasuradoras con el tema de la saga más amada: Star Wars.

SI AÚN NO DECIDES A QUÉ LADO de la fuerza perteneces pero ya pareces Bud Spencer por no rasurarte, puedes elegir entre los dos modelos que representan, cada uno, un lado opuesto de la fuerza, no sólo ostentan tecnología nivel espada láser sino que tienen un diseño súper cool. La rasuradora del lado de la luz inspirada en el genial BB8 (SW5700) está especialmente diseñada para un afeitado rápido y cómodo, y la del lado oscuro, inspirada en Kylo Ren (SW9700) ostenta la tecnología exclusiva V-track Pro, cómoda y con esa rasurada al ras con la que sueña Chewbacca. $5,499 (SW 9700) y $2,999 (SW5700). De venta en Liverpool, Palacio de Hierro, Best Buy, Sanborns y Amazon.

WHAT’S THE MATRIX?

Aquí es donde le ponemos título alternativo y clasificamos todo lo que verás en cartelera este mes.

sorprendente A GHOST STORY Los fantasmas saben todos tus passwords

THE GRATEST SHOW MAN Wolverine se escapo con el circo 47 METROS Aunque la jaula sea de oro, no deja de ser prisión

EPISODE VIII: THE LAST JEDI ¿El último de este año?

THE FOREIGNER Sale Jackie Chan

JEAN CLAUDE VAN JOHNSON Y varios splits después LA BÓVEDA ¿Algo más monstruoso que los banqueros? GUERRA DE PAPÁS 2 Sale Mel Gibson

JUMANJI Como Africam Safari en esteroides

LA BATALLA DE LOS SEXOS Que gane la raqueta

CÓMPLICES Cyrano naco

WONDER A nadie le gusta Zucarita

LADY MACBETH #LaLadyDeTodasLasLadies

OLÉ, EL VIAJE DE FERDINAND Es de un toro o de Del Toro

LA CORDILLERA Política ficción

TODO LO DEMÁS Como la flor, tanto amor

THE PUNISHER Mátalas callando M

ROSTROS DE UNA MUJER Para casos de la vida real

PERFECTOS DESCONOCIDOS Prefiero que e ttiemble

ACTOS DE VENGANZA Bruce Willies llamó para que le regresen su película

NO VAYAS A COLGAR La broma duró hasta que se le acabó el saldo

EL HIJO DE PIE GRANDE No alcanza para zapatos

BING BANG MADE: LA PELÍCULA Otro maldito reencuentro

120 LATIDOS POR MINUTO We found love in a hopeless place

clavada

SUBURBICON Como de los Cohen, pero más barato

¡AY GUEY! Las Kardashians de Acapulco

LA MARCHA DE LOS PINGÜINOS ¿Para cuándo la de los chocoroles?

UNA BELLA LUZ INTERIOR Un segundo aire con sabor a croissant

CAMINO A MARTE Amores marcianos

palomera

ABRIL Y EL MUNDO EXTRAORDINARIO Animación para pensar

LA NAVIDAD DE LAS MADRES REBELDES En Navidad, TODAS las madres son rebeldes

LA ESTRELLA DE BELÉN El burrito sabanero

CUANDO LOS HIJOS REGRESAN Chavorrucos mantenidos

INCONVENIENT SEQUEL Mejor que nos echen DDT

RODIN Rodin, las piedras se encuentran

THE CROWN Tomando la corona por los cuernos LA MELODÍA Mejor una marimba TERROR EN LA OSCURIDAD Peor que si naciera en un eclipse

predecible DICIEMBRE 2017

DICIEMBRE 2017

“ÉSTE SERÁ UN DÍA POR SIEMPRE RECORDADO", DIJO TARKIIN. ASÍ COMO CADA VIAJE COMIENZA CON EL PRIMER PASO, EL DE LA SAGA MÁS IMPORTANTE DEL CINE FUE TORPE, PEROO LA RESISTENCIA DE SU CREADOR CAMBIARÍA EL CINE PARA SIEM PRE. POR MARIO P. SZÉKELY

ILUSTRACIÓN ALETS KLAMROTH

ESPE

EPISODIO 1

DICIEMBRE 2017

ESPECIAL

EPISODIO 1

EL VIAJE DEL PADRE DE LAS GALAXIAS

de 1944 nació George Walton Lucas Jr., hijo de Dorothy Ellinore Bomberger y George Walton Lucas, quien era dueño de una papelería que proveía de material a las grandes tiendas de su poblado en Marin County. El pequeño George se refugiaba en los cómics y los maratones de televisión que incluían la primera era de Disneylandia y Dimensión desconocida, así como en escuchar su colección de discos de rock and roll. A Lucas nunca le fascinó mucho la idea de crecer en Modesto, y mucho menos cuando supo que su padre tenía pensado entrenarlo para heredarle su papelería. Pronto el volante y la velocidad se volvieron sus aliados: fascinado con asistir a las carreras de autos en el norte de California, incluso se volvió parte del equipo de pits de un piloto de la región. Pero todo cambió el 12 de junio de 1962 cuando George, pilotando su Bianchina, derrapó frente a un Chevy Impala en una curva pronunciada, estrellándose a toda velocidad contra un árbol. El destino obró aquí con maestría, pues el cinturón de seguridad de Lucas se abrió en el aire milagrosamente, arrojando al adolescente al piso mientras su vehículo perecía con la forma de un acordeón. Lucas quedó inconsciente y despertó en una cama de hospital. La calma llevó a la meditación, mientras que leía para no aburrirse. Ahí descubrió que el promedio de edad para que un hombre pueda dejar su marca en el mundo era de 30 años. George se comprometió a lograrlo. Con un padre que atesoraba la seguridad económica como un todo, Lucas tuvo que desaﬁarlo y apostar primero por enfocarse en su

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preparatoria a los temas de sociología e historia. Luego, cuando pudo, acompañó a un amigo a hacer su examen de admisión a la Universidad del Sur de California, USC, donde aprovechando la oportunidad también llenó una aplicación. Lucas pensó que la carrera más cercana a sus gustos era la de fotografía —producto incluso del hobby de su padre y de sus centenas de ﬁnes de semana yendo a San Francisco a ver cine europeo y de animación experimental— así que solicitó espacio ahí, para toparse con que también se impartía el grado en producción de cine. Ante la incredulidad de su padre y amigos de Modesto, George comenzó a callar bocas mostrando que no habría marcha atrás, llevando a la facultad de Los Ángeles todo su legado de la cultura pop. Su fascinación por la abstracción lo llevó a que sus primeros cortometrajes tuvieran por nombre letras y números, siendo el más famoso THX 1138 4EB. Lucas consiguió una beca para invertir en una producción para la Warner Bros., donde se topó con aquel que lo tomaría bajo su tutela, cual maestro Jedi: Francis Ford Coppola. Invitó a George a asociarse con él para crear American Zoetrope.

George con su debut de ciencia ficción que nadie entendió: THX 1138 / Dirigiendo su primer éxito comercial y de crítica: American Graffiti / Frente al diner donde todo sucede en American Graffiti.

La primera gran lección de Hollywood vino para Lucas cuando, ya graduado y bajo el apoyo del intrépido Coppola, ﬁlmó THX 1138 8 (1971) basándose en el cortometraje de su universidad y con una de las estrellas de The Godfather, Robert Duvall. El ﬁlme fracasó en taquilla y puso al borde de la quiebra a la recién nacida compañía . George respondió haciendo una película comercial, inspirada curiosamente en el ambiente de su adolescencia en Modesto, llamada American Graffiti (1973), que fue un gran éxito en taquilla y obtuvo nominaciones al Óscar de la Academia, incluyendo Mejor Película y Mejor Director, además del guion. George se dio cuenta de que había un grupo de jóvenes afuera listos para compartir su fascinación por la cultura pop y la nostalgia de ser del país del norte, en un tiempo donde las brasas de Vietnam les quemaban las plantas de los pies a los estadounidenses y donde volver a soñar era muy urgente. Y si alguien podía poner a soñar no sólo a Estados Unidos, sino al mundo, era Lucas.

ELLARGOVIAJEASTARWARS

El dinero obtenido por American Graffiti le permitió a Lucas dedicarse al cien por ciento a arrastrar el lápiz en sus libretas amarillas. El título que encabezaba todo era The Journal of the Whills e iniciaba así: “Esta es la historia de Mace Windy, un venerado Jedi-bendu de los Ophuchi, como nos lo presenta C.J. Thorpe, aprendiz padawan del famoso Jedi”. Nadie, excepto su autor, entendía qué tipo de personajes y escenarios insinuaba esto. Imposibilitado de ﬁlmar una nueva aventura de Flash Gordon por no poder obtener los derechos de la serie que enmarcó las matinées de la infancia de Lucas, tuvo que crear entonces a su propio héroe espacial. A nombres como el mismo Jedi-Bendu se sumaron Luke Starkiller y la princesa de Ondos. Sus personajes habitaban una galaxia con sabor al cine de aventuras de los 50, pero cortadas en viñetas cual cómic, no necesariamente contándose desde sus orígenes, sino en medio de la aventura. También aparecían los sobrevivientes de una antigua religión.

Para presentar a sus personajes y conocer sus orígenes, Lucas tuvo que bocetar las historias de donde procedía cada uno. Así quedaron guardadas en un cajón las semillas de las historias para una nueva trilogía. Pero antes de sagas, secuelas y precuelas, Lucas tenía que ﬁlmar su cinta, que terminaría bautizando inicialmente como The Star Wars, donde el autor primero tenía que entender cómo descifrar el rompecabezas que había gestado. Ahí había dos robots que caminaban al lado de los héroes, como también exguardianes del Imperio Galáctico. Luke era un hombre sabio y anciano y el héroe era un adolescente llamado Anakin. Los Jedi-Bendu se enfrentaban a los asesinos Sith y había que ayudar a la princesa Leia, de 14 años, a reclamar su trono. ¡Ah!, también se les unía una criatura tipo el monstruo de la laguna verde llamada Han Solo. En 1974, con borrador en mano, Lucas comenzó a tocar puertas en Hollywood, obteniendo sólo como aliado al productor de la 20th Century Fox, Alan Ladd Jr., quien tampoco entendía esta aproximación a personajes tipo rey Arturo en el espacio, pero que tenía amplia fe en el talento de Lucas. En pocas palabras, estaba el ejecutivo pagando por ver, esperando que George regresara con una maravilla mientras le apoyaba monetariamente para terminar su primer guion de The Star Wars. Para acabar de entender el universo que gestaba, y también para vender mejor su visión, Lucas contrató a Ralph McQuarrie, quien había sido diseñador del Boeing 747. El artista dibujó algunas escenas del guion, incluyendo criaturas y naves. Esas imágenes tradujeron la imaginación de George y se lo agradecería reclutándolo para visualizar toda la cinta una vez que la 20th Century Fox dio luz verde al proyecto.

LOSHÉROES

Luke Skywalker.- El héroe de la historia. Un granjero de 20 años de edad que trabaja en el planeta desértico de Tatooine, el cual está alejado del corazón del Imperio Galáctico. Sin saberlo, Luke porta en su sangre el legado Jedi, que puede convertirlo en un poderoso guerrero. Dato curioso: es el alter ego de Lucas y su semblante nos recuerda a Flash Gordon. Obi-Wan Kenobi.- Guerrero místico que perteneció a la orden Jedi; estos podían comunicarse con la Fuerza (energía que une al universo y que puede hacer a una persona leer pensamientos, levantar objetos con su mente, ver el futuro y hacer acrobacias impresionantes, además de manejar un sable de luz como arma). Kenobi está refugiado en Tatooine y se volverá mentor de Luke para enseñarle los caminos de la Fuerza y ayudarlo a encontrar su destino. Dato curioso: Lucas imprimió en Kenobi la personalidad de su mentor, Francis Ford Coppola. Princesa Leia Organa.- A sus 20 años, es hija adoptiva del Senador Organa, del planeta Alderaan. En misión secreta para llevar a la base

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secreta de la Alianza Rebelde los planos de la estación espacial Estrella de la Muerte, es capturada por el Imperio y encarcelada en la misma mortífera estación. Dato curioso: Lucas imaginó su peinado como las adelitas mexicanas revolucionarias. Han Solo.- Es un pirata espacial coreliano, quien pilotea su nave, el Millennium Falcon. Representa el cinismo en esta historia de Star Wars, muy propio de la era pos-Vietnam. Dato curioso: Lucas imaginó de copiloto para Han Solo a un ser peludo, como su perro Alaskan Malamute, al que llamó Chewbacca. C-3PO y R2-D2.- En Star Wars los robots son llamados droides y éste par sirve de coro —o compañía— de los héroes. El primero es un droide entrenado para el protocolo (“sabe seis millones de formas de comunicación”) y el segundo se especializa en funciones de navegación de naves. Dato curioso: En homenaje al Gordo y el Flaco por sus formas características, Lucas concibió que estos droides podrían traer mucho humor a la historia.

LOSVILLANOS

Lord Darth Vader.- Caballero oscuro y señor del Sith, Vader es lo único que públicamente queda visible de los Jedi, quienes perecieron dos décadas atrás por su mano. Su misión es asegurarse de que los designios del Emperador se cumplan y la Alianza Rebelde, a la que pertenece la princesa Leia, sea asﬁxiada de una vez por todas. Dato curioso: La palabra “vader” en neerlandés signiﬁca “padre”, dato que servirá para entender el futuro del personaje. En el momento de Star Wars, Lucas quiso representar la corrupción del espíritu cuando apuesta por la tecnología y se olvida de lo humano. Moff Tarkin.- Gobernador de la Estrella de la Muerte, estación espacial que puede desintegrar a un planeta entero. No está cómodo con tener a Darth Vader a bordo y cree que el miedo será la manera de poner a todos los sistemas planetarios en línea con el Imperio. Dato curioso: Tarkin había sido imaginado antes por Lucas como un hombre santo. En el guion de Star Wars el personaje cambió a representar lo peor del Imperio. Stormtroopers.- Soldados entrenados en la Academia, la tropa de uniformados con armaduras blancas son los centuriones que manda el Imperio a toda la galaxia para controlar, conquistar y poner orden. Dato curioso: Lucas imaginó a estos soldados como la milicia nazi.

LASCARAS

Mark Hamill (Luke Skywalker).- Tenía 25 años cuando ﬁlmó Star Wars. Llegó a la audición porque su mejor amigo actor, Robert Englund (futuro Freddy Krueger), prácticamente lo obligó. Su aspecto ingenuo y de alguien recién llegado a

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Hollywood capturó la atención de Lucas, quien deseaba un rostro no conocido para su héroe. Carrie Fisher (Princesa Leia).- Hija de la realeza de Hollywood: Eddie Fisher (cantante) y Debbie Reynolds (actriz de Singing in the Rain), Carrie sólo había hecho una película previa a Star Wars, Shampoo (1975) con Warren Beatty. Su humor, belleza de 19 años y actitud bravucona se ganaron a Lucas de inmediato. La actriz se quejaría años después de que Leia, en esta primera cinta, pasa mucho tiempo enojada o regañando, que era la forma de presentarla como una mujer fuerte. El ﬁlme sería el inicio de una amistad de por vida entre Fisher y Lucas. Harrison Ford (Han Solo).- A sus 34 años, el actor que había tenido un pequeño rol en American Graffiti, de Lucas, y en The Conversation, de Coppola, captó la atención de George cuando éste le pidió de favor que ensayara los parlamentos con los actores para Star Wars. Ford tenía entre sus talentos ser carpintero y trabajaba en las oﬁcinas en esos momentos. Sir Alec Guinness (Obi-Wan

Kenobi).- Veterano del gran cine espectacular de la era de oro de Hollywood con películas como Bridge over River Kwai, Oliver Twistt y Doctor Zhivago, Guinness validó con su presencia el ﬁlme de princesas y criaturas peludas en el espacio de Lucas. El británico pasaría el resto de sus días pidiendo ser no sólo reconocido por Star Wars, pero el impacto de la misma en la cultura pop era indiscutible. Nominado a Mejor Actor Secundario, Alec fue el único candidato al Óscar. Peter Mayhew (Chewbacca).- Con su altura de 2.20 m, Peter era la persona ideal para actuar como una criatura espacial. El actor inyectó de personalidad al ser de la raza Wookie, al que se le agregaron después sus gruñidos tipo oso. Años después, la cadena de videos MTV le daría su medalla tan merecida al ﬁnal de Star Wars. Peter Cushing (Grand Mofff Tarkin).Emblema del cine de Hammer, donde interpretó a personajes clásicos como el Barón Frankenstein, Sherlock Holmes y Dr. Van Helsing. El actor vivió aterrado por guardar el secreto de la historia 18 meses antes del estreno.

En California, ILM sumó cuanta técnica de efectos visuales existiera, desde animación con objetos (stop motion) para escenas como las ﬁguras tipo alien que pelean en el ajedrez del Millennium Falcon, hasta animación, requiriendo que una persona dibujara fotograma por fotograma el sable de luz. Los fondos en varias escenas que requerían planetas y espacio fueron pintados sobre vidrio, en un proceso conocido como matte painting. El mismo Ralph McQuarrie, quien había ayudado a Lucas a vender Star Wars a los estudios, pintó todos esos escenarios.

La carita de menso de Luke, con el viejo Ben (Obi-Wan) Kenobi y el pirata coreliano Han Solo, de los Solo de toda la vida / Harrison Ford, David Prowse, Peter D h w, Carrie Fisher, M k Hamill y Kenny Baker.

David Prowse ( rth Vade .- Cua o conoció a Lucas, éste le dijo q tenía dos pe onajes que él podría vestir por su al ra una suerte de perro espacial (Chewie) y o el villano de la cinta. David eligió ser el villano, pues es el personaje que la gente siempre recuerda. Kenny Baker y Anthony Daniels (R2-D2 y C-3PO).- Ambos tuvieron que soportar los calores de más de 50 grados en Tunez para ﬁlmar Tatooine. El primero era encerrado en la carrocería de R2-D2 y el segundo tuvo que colgarse en su armadura dorada un letrero que dijera: “Hay una persona dentro” para que no lo empujaran como objeto.

LACREACIÓN

Si bien 20th Century Fox no pudo mandar a Lucas al espacio, si le dio un boleto directo a Inglaterra para usar los estudios Elstree, donde John Huston ﬁlmó Moby Dick y Stanley Kubrick Lolita. Ahí, George se topó con un choque generacional. Él, vestido con jeans y tenis,

enfrentando a un staff repleto de técnicos con la tradición del cine clásico, ceñidos a horarios regidos por un sindicato. Lucas se la pasó frustrado gran parte del rodaje al no poderse concretar algunas de sus escenas más anheladas, particularmente la de la cantina en Mos Eisley, donde los maquillistas no pudieron crear muchas máscaras convincentes. El guion de Lucas contaba con muchos tecnicismos que debían decirse rápido, como si fuera parte de la conversación habitual. Harrison Ford llegó a decirle a George: “Una cosa es escribirlo y otra poder decirlo”. Los actores pasaban muchas horas esperando poder ser ﬁlmados, dados los esfuerzos de Lucas y su staff por iluminar bien las escenas o preparar vestuarios y coreografía. Las órdenes que más se escuchaban por parte de George eran: “¡Más rápido!”, “¡Más intenso!”. Los escenarios, vestuarios, maquillaje y utilería (armas) fueron raspados y maltratados u para cumplir la idea de Lucas de un “universo usado”, creando la sensación al espectador de que esos personajes y mundos ya existían desde siglos antes de que iniciara la película. Y mientras el staff de técnicos locales en Inglaterra se reía a espaldas de Lucas pensando que estaban ante la peor cinta de la historia, en California la recién fundada empresa de efectos especiales Industrial Light & Magic (creada por Lucas para Star Wars) se peleaba con el presupuesto para poder crear los efectos de las naves espaciales. Contratado por su habilidad de hacer comerciales para la Comisión de Agua usando animación con objetos (stop motion), John Dykstra inventó una cámara conectada a una computadora que podría retratar más de una vez los movimientos alrededor de naves ensambladas a escala. Así nacieron los famosos TIE Fighter y los X-wing. Recordando su experiencia como editor en documentales para el ejército, Lucas ensambló una serie de imágenes de la Segunda Guerra Mundial con aviones en pleno combate para comunicar su idea de que con edición podrían crear el sentido de velocidad en la pantalla, que realmente se viera volar a esas naves espaciales. Quería que Star Wars tuviera la adrenalina del circuito Fórmula 1.

ELRUIDOYLAFURIA

Al igual que Star Wars se separó de otras cintas de ciencia ﬁcción por no tener escenarios y vestuarios pulcros, Lucas quiso darle un diseño de sonido y música totalmente distinto. El sonidista Ben Burtt entró a escena cuando Lucas vio su cortometraje que ganó un premio nacional titulado Vape God, d donde compartía su fascinación con George por la aviación clásica. Burtt entendió al leer Star Wars que necesitaban crearse centenas de sonidos para computadoras, droides, naves, sables de luz y la máscara del villano principal. Igualmente tenía que inventar lenguajes alienígenos. El primer acierto de Burtt fue buscar sonidos naturales para no alienar por completo a la audiencia y hacerle sentir que estaba visitando un universo cuyas criaturas respiraban en verdad, con cierta familiaridad al entorno natural de nuestra Tierra. Para los moradores de arenas, Tusken, el sonido de un burro fue mezclado para crear su grito de guerra, mientras que para Chewbacca se grabó a osos. Burtt encontró que apuntando su micrófono a la bobina de un proyector y combinándolo con un televisor descompuesto se creaba el sonido del sable de luz, totalmente manipulable según se desenvainara en escena. Para los sonidos de las pistolas tipo blaster, Burtt, en un accidente, descubrió que podía golpear con una llave de metal los cables que sostenían las torres de alta tensión. En cuanto a la música, Lucas sabía que su Star Wars era una aventura épica y que debía ser narrada con una orquesta completa. Su amigo Steven Spielberg le recomendó contratar al compositor John Williams, quien se había dedicado más a hacer televisión, pero que ya le había orquestado su The Sugarland Express (1974) y Jaws (1975). Williams primero pensó en Richard Wagner para impregnar a Star Wars de ese espíritu de guerra entre el cielo y la tierra, pero también le agregó su amor por Richard Strauss, Gustav Holst y Antonin Dvorak. Incluso su admiración por el compositor cinematográﬁco Max Steiner (King ( Kong, 1933). Para dividir su partitura, Williams innovó creando temas para distintos personajes de Star Wars, a la leitmotiv, creando así una narrativa

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melodiosa que provocaría distintas emociones y contaría de forma distinta el viaje de Luke Skywalker y sus amigos. “La música de Star Wars es lo único que sobrepasó mis expectativas en todo el proceso de ﬁlmación y edición”, dijo un orgulloso George Lucas al momento de estrenarse el ﬁlme. El soundtrack de Star Wars marcó un hito al volverse el más vendido de la historia en su momento, incluso teniendo una versión pop del tema, que se escuchaba en las discotecas, cortesía la banda Meco.

BIENVENIDOAOTROMUNDO

Star Wars se estrenó el 25 de mayo de 1977 en sólo 32 salas de Estados Unidos, siendo su propio creador el primer sorprendido de la euforia que provocó. La fila de gente que llegaba a la entrada del famoso Teatro Chino en Hollywood daba vuelta a la cuadra, con recién iniciados a este universo que al salir de la experiencia del celuloide volvían a formarse para entrar. Fox entendió pronto el fenómeno que tenía en las manos y expandió a 900 salas la proyección de Star Wars entre Estados Unidos y Canadá; luego vendrían los estrenos escalonados en el resto del mundo. En México sería para la Navidad de 1977 bajo el adecuado nombre de La guerra de las galaxias. Star Wars había llegado y con ella un nuevo inicio para la historia del cine. La manera de concebir una producción cambiaría al enterarse los grandes estudios de cine que eran los jovencitos quienes podían conformar un éxito de taquilla completo. Los fans de Luke, Leia y Han Solo pronto desarrollaron un sentido de pertenencia sobre el filme de Lucas, quien aprovechó el trato que había conseguido con la 20th Century Fox de cederle todos los derechos de la mercancía para poder licenciar juguetes, pósters y demás. “Yo pensaba que si a la película le iba medianamente bien podía, con estos derechos de propiedad, vender algunas camisetas y pósters que me permitieran sacar un extra de dinero”, afirmó Lucas en su momento, viendo cómo el frenesí se desataba y que la juguetería Kenner era rebasada, teniendo que dar cupones a los compradores con la promesa de que para Navidad les enviarían a casa las figuras y naves de plástico. Star Wars se convirtió en el filme más taquillero de la historia, rebasando los 300 millones de dólares. La película consiguió seis premios Óscar y uno extra especial por el diseño de sonido de Burtt. Lucas fue nominado como director y guionista. Era apenas el inicio de una historia que se volvería mito en Hollywood y en el mundo, abanderando una nueva cultura pop y tocando a millones de personas al sugerir con su optimismo que todo podía ser posible.

VIÑETASDEANEWHOPE(1977)

La entrada triunfal: En sólo unos segundos Star Wars se insertó en nuestra imaginación con una introducción de letras de oro ﬂotando al inﬁnito —hablándonos de los eventos que antecedieron al inicio de esta aventura—, para de inmediato ver cómo un Star Destroyer enorme y con forma de triángulo zurca sobre

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nuestras cabezas con una lentitud y marcialidad muy difíciles de olvidar. Los droides: En el interior del transporte diplomático Tantive IV descubrimos a un par de personajes de metal, cuya forma delgada-dorada y pequeña-regordeta nos hacen sentir de ya un calor humano. ¿Quién no confiaría la libertad de la galaxia a esos seres? Darth Vader y la princesa: El Imperio entra a escena tras el semblante de Darth Vader, respirando de manera forzada bajo su armadura oscura. Al recorrer los pasillos blancos del Tantive IV, Leia llega atada como presa. Mal y bien frente a frente y Leia mostrándose calzonuda as usual. La puesta de los soles: En Tatooine, el joven granjero Luke Skywalker desea enlistarse a la Academia para algún día aliarse a la Rebelión. Su tío le pide quedarse en casa a ayudar en la granja. En el horizonte, los dos soles, Tatoo 1 y Tatoo 2 se ocultan, como sus sueños yéndose a dormir. La aventura está a punto de llegar a su vecindario para sacarlo de ahí para siempre. El llamado de la princesa Leia: De uno de los apéndices de R2-D2 se proyecta el pequeño holograma de la princesa Leia pidiendo ayuda, hablando de unas guerras del pasado y suplicando: “Tú eres mi única esperanza”. Ella confiaba en que los Caballeros Jedi de la antigua República podían volver en su auxilio. Han Solo y Greedo: En la cantina del puerto de Mos Eisley, el pirata Han Solo recibe la visita del cazarrecompensas Greedo, amenazándolo. Greedo es abatido por Han, que disparó primero. El Millennium Falcon: Anclado en un puerto de Mos Eisley, la nave de Han Solo aguarda. Al verla, Skywalker exclama: “¡Qué pedazo de basura!”. La muerte de Obi-Wan Kenobi: “El círculo está ahora completo”, espeta Darth Vader a su antiguo maestro Jedi, confirmándonos que ambos tenían cierta historia detrás de este momento. Luego viene un duelo de sables de luz y el noble sacrificio del héroe. La destrucción de la Estrella de la Muerte: Creyendo únicamente en la Fuerza, donde se simboliza y concentra el poder del espíritu sobre la tecnología, Luke Skywalker destruye de un tiro certero a la imponente Estrella de la Muerte. La entrega de medallas: No hubo medalla para Chewie, pero sí para Luke y Han Solo, quienes reciben además la sonrisa coqueta y complacida de la princesa Leia.

C-3PO / “Jala mi dedo”, dice Lord Vader a la princesa y senadora Leia Organa / Leia queriendo echarle una moneda a la rockola.

Taquilla Episodio IV en 1977: $307,263.857 USD (en Estados Unidos) + 314 mdd a nivel mundial.

Número de efectos visuales: 365. Días totales de rodaje: 84. País latinoamericano en DONDE se filmó una escena: Guatemala (base de Yavin).

Número de días para filmar la escena del duelo entre Vader y Obi-Wan Kenobi: 3. Para filmar la escena de la trinchera de la Estrella de la Muerte se construyó un modelo a escala en pleno estacionamiento de ILM.

En uno de sus primeros conceptos, George Lucas imaginó a Star Wars usando sólo actores enanitos.

El diseño aplanado del Millennium Falcon proviene de que Lucas sugirió a sus modelistas que podían usar la forma de la carne de una hamburguesa como inspiración.

sus personajes. Por contrato, los derechos le pertenecen a Lu Lucasfilm.

En los años 80, el presidente Ronald Reagan bautizó a su sistema de defensa espacial como Star Wars, mismo que fue criticado por Lucas, por no querer ver relacionada su marca con algo bélico.

Fue hasta el relanzamiento de Star Wars, cerca del estreno de su secuela a El Imperio Contraataca (1980), que Lucas colocó antes de la introducción el subtítulo Episodio IV.

El museo Smithsonian, en Washington, ha expuesto más de una vez en sus salas el arte de Star Wars y sus influencias bajo el título El poder del mito.

En 1997 se hizo una edición especial de Star Wars, donde Lucas enfureció a muchos por alterar algunas escenas, sobre todo la de Han Solo y Greedo donde se revelaba que el alienígena dispara primero. De ahí se creó la campaña: “¡Han Solo disparó primero!”.

Hasta la fecha, ninguno

En Los Ángeles existe un bar abierto al público

de los actores ha recibido ni un sólo dólar por la venta de mercancía en relación a

que recrea la experiencia de la cantina de Mos Eisley. Y sí, hay leche azul.

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DESPUÉS DEL INUSITADO ÉXITO DE A NEW HOPE , GEORGE LUCAS SE REIVINDICÓ CONSIGO MISMO Y EMPEZÓ A DISFRUTAR MIENTRAS FUNDABA UN IMPERIO. POR JESÚS CHAVARRÍA

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ILUSTRACIÓN ALETS KLAMROTH

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EPISODIO 1

tiempo (en 1977), en una galaxia nuestra), una gran perturbación se ue el estreno de Star Wars. Así, nque hoy es más que sabido que el cinta es Star Wars Episode IV: A tonces se popularizó simplemente gó para cambiar para siempre la e fantasía y, por supuesto, los deran una obra de culto, aunque no s principales reglas para serlo: no atención en las salas de cine. En ontrario. Esto fue algo que ni el vaticinado. La película fue su realización; aquellos que or el lugar de ﬁlmación veían todo ensando: “Están haciendo otra película de monitos y naves”, pero seguro se atragantaron cuando vieron el recibimiento que tuvo el ﬁlme, lo que, por cierto, sí predijeron algunos de los primeros que pudieron verla.

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Como maestros Jedi, amigos cercanos y colegas de George Lucas que asistieron a una proyección especial le dieron el visto bueno, entre ellos Steven Spielberg, el famoso Rey Midas de Hollywood, que aseguró: “Es fantástica y va a recaudar millones”. En contraste, sólo un par de invitados expresaron lo contrario, como el caso de Brian De Palma, quien se mofó de ella. A él se unió después Robert Altman, quien declaró que la película que algunos catalogaban como “un parque de diversiones” era la muerte del cine. Eso no sucedió, pero siempre debe haber alguien que traiga equilibrio a la Fuerza. En cuanto a la crítica internacional, la manita arriba fue la tendencia. La lista de críticos fascinados con el resultado la encabezó el legendario Roger Ebert, quien en su momento dijo que Star Wars había traído de regreso las queridas visiones pulp perdidas en la memoria colectiva, que su verdadera Fuerza estaba en cómo la narrativa reactivaba las viejas emociones y, ﬁnalmente, la comparó con 2001: Odisea en el espacio, lo cual no es poca cosa. En el caso de la revista Variety el comentario fue que Lucas conseguía una brillante aventura de fantasía con base en las series y películas de acción que marcaron su infancia. Otro que vistió la túnica de Jedi e hizo declaraciones que se convirtieron en certeras predicciones fue Vincent Canby, quien en las páginas de The New York Times escribió: “Es una película que mantendrá entretenidas a muchas generaciones futuras, que desde ahora guardan un trato sensible hacia los rituales virtualizados con los que se crean las aventuras del cómic”. ¿Qué tal? Con el paso de los años está situación no ha cambiado. Por el contrario, la cinta ha sido revalorada, motivando a interminables interpretaciones que han incrementado los halagos: “Un magníﬁco ejercicio de imaginación

George Lucas, Irvin Kershner y Steven Spielberg / La prensa recibe con elogios a Star Wars / La primera camada de merchandising creada por Kenner para Lucasfilm.

que se ha convertido en clásico”, son las palabras con las que se refiere a ella Fernando Morales del diario El País, por ejemplo. En contraste a lo anterior, un fatalista Francis Ford Coppola señaló en entrevista a Vanity Fair: “George es una especie de genio, pero es una pena que acabara tan absorto en esa franquicia. Espero que George no se ofenda, pero lo cierto es que Star Wars nos ha costado 10 películas suyas que hubieran sido maravillosas”. A pesar de estas duras declaraciones y de que no podemos basarnos en el “hubiera”, queda claro que no sólo fueron los excelentes resultados en taquilla lo que convirtió a Star Wars en un más que exitoso inicio para una saga que hoy parece no tener fin, sino que los diversos valores fílmicos que posee fueron reconocidos por los especialistas, quienes no pudieron resistirse a la influencia Jedi.

LA CONSTRUCCIÓN DE UN IMPERIO

Una regla de todos conocida y que Hollywood suele seguir puntualmente es que si una película consigue excelentes resultados en taquilla debe tener una secuela. Principalmente si, además, cuenta con la venia de la crítica especializada. Ése fue el caso de Star Wars: Episode IV - A New Hope, que no sólo se convirtió en el primer ﬁlme de la historia en recaudar más de 300 millones de dólares, además recibió alabanzas por todos lados e incluso alcanzó 10 nominaciones a los premios de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográﬁcas, de los que se quedó con seis.

Con tales antecedentes, la producción de Star Wars: Episode V - The Empire Strikes Back tendría que haber comenzado en mucho mejores condiciones que su predecesora. Sin embargo, el siempre visionario George Lucas, en lugar de exigir a los estudios, decidió hacer algunos sacrificios y confiar en el éxito obtenido por la primera entrega, apostando por financiarla a través de Lucasfilm; es decir, usó las ganancias obtenidas por la misma como garantía de un préstamo bancario. Todo con tal de no verse en la necesidad de compartir los derechos de autor. Por otro lado, ya muy consciente de lo absorbente que había sido el proceso anterior y que le desencadenó problemas de salud, también optó por ceder la silla de director a Irvin Kershner. Éste fue su profesor en la University of Southern California y, hasta ese momento, contaba con una trayectoria bastante gris —sobre todo con títulos para televisión—, y eso lo convertía en alguien manejable, pues otra de sus consignas era mantener el control total de su obra. Para ese entonces, al quedar muy insatisfecho con un primer guion que realizó la escritora Leigh Brackett —con base en las novelas de Alan Dean Foster, pensadas como secuelas por si Star Wars era un éxito—, Lucas ya tenía listo un nuevo tratamiento. El encargado para revisar y trabajar nuevamente el guion fue Lawrence Kasdan. Kasdan y Brackett siempre estuvieron bajo la atenta mirada y la estricta supervisión del creador de todo el concepto. Quizá fue tal conjunción lo que hizo que esta segunda parte encontrara mayor cohesión dentro de la trama, que aterrizó los rasgos planteados en el Episode IV y de paso se volviera más oscura y adulta. John Williams brindó continuidad mediante el que debe ser el segundo gran tema distintivo de la saga, “La Marcha Imperial”.

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EPISODIO 1

Una de las más grandes franquicias de todos los tiempos / Oficialmente, la trilogía más famosa / El Early Bird era un vale que Kenner otorgaba cuando se le terminaron los primeros juguetes / Halcón Milenario/ El láser que usó Samuel L. Jackson en Episode II / La primeras figuritas de Star Wars.

Fue así como se gestó la que, después de un rodaje accidentado, recaudó 538 millones de dólares en las taquillas de todo el mundo, convirtiéndose en la película más taquillera del año y una de las mejores secuelas de la historia. Pero lo más importante es que fue el paso deﬁnitivo para que George Lucas lograra la independencia que tanto deseaba y redundó en un notable avance de su empresa de efectos especiales, Industrial Light & Magic, amén de la fundación del por igual legendario Skywalker Ranch.

UN MERCADO ESPACIAL

Si la película de Star Wars se convirtió, en su momento, en un ejemplo de innovación en el uso de los efectos especiales y la forma de ver la fantasía en el cine, del mismo modo representó una revolución del mercadeo al replantear las bases para la negociación de derechos sobre su contenido e implementar estrategias de explotación que ni la misma Federación de Comercio y su relación con la vieja República hubieran imaginado. Todo empezó cuando el buen Lucas, luego de estrenar American Graffiti (1973), renegoció las condiciones bajo las cuales comenzaría la ﬁlmación de su siguiente trabajo. Haciendo oídos sordos a aquellos que le aconsejaban que buscara un pago mayor por su trabajo, pidió a los estudios 20th Century FOX conservar los derechos de cesión de las licencias y demás merchandising —incluyendo los de las posibles secuelas—, a lo cual de inmediato accedieron pensando que las ganancias no serían signiﬁcativas. Un grave error, pues ese fue el detonante para que, tras el éxito de Star Wars, se lanzaran toda clase de productos relacionados con la futura saga y se vendieran como pan caliente.

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Ese movimiento ya Disney lo había puesto en práctica —de hecho, ellos fueron los pioneros entre los años 30 y 40— pero que esta vez, apoyándose en un previo estudio de segmentación del mercado y la consigna de que hubiera productos para toda la familia, fue llevado a otro nivel de inmediatez, variedad y consumo: libros, pijamas, mochilas, playeras, tazas, juguetes, libros y mucho, mucho más, incluyendo por supuesto figuras de acción, llegaron hasta el último rincón de la galaxia, logrando que lo que antes era una forma de promover las películas adquiriera entonces un propósito independiente. De esta forma, la primera oleada de productos llegó apenas siete meses después de la cinta, para Navidad. Dado que la compañía Mego, responsable de producir las figuras basadas en Star Trek y el universo DC Comics no mostró interés, Lucas decidió lanzarlo bajo el ahora clásico sello Kenner. La pequeña empresa encontró un gran reto. En su momento se vio abrumada por la demanda y tuvo que replantear su estrategia y métodos de trabajo para tener sus productos “listos” para la temporada decembrina. Por ello implementaron estrategias un tanto insólitas, como lanzar 600 mil paquetes con escenarios galácticos de cartón, estampas, una suscripción a un “club” y cupones para cambiar las figuras posteriormente, ya cuando Kenner tuviera los monitos listos. La campaña se denominó Early Bird Certificate Package. Pero lo mejor es que lo que comenzó como un puñado de réplicas de los personajes protagonistas se extendió cuando fabricaron las de los secundarios, y posteriormente hasta las de aquellos que apenas aparecían segundos en pantalla. Además de que todos venían acompañados por algunos accesorios —cascos, espadas, pistolas, lanzas y otras armas— y correspondían con los vehículos, que por supuesto resultaban muy

atractivos al tratarse de diversas naves, como el legendario Halcón Milenario y la fastuosa Estrella de la Muerte. Por si fuera poco, y para acentuar el deseo de los fans de tener todas y cada una de las piezas, se diseñaron coleccionadores tan atractivos que algunos tenían, incluso, la apariencia de Darth Vader. No todo quedó ahí. Con el paso el tiempo, aquellos niños que morían de ganas por tener en su poder la línea completa de ﬁguras y demás chucherías, crecieron manteniendo este afán y luego lo transmitieron a sus hijos. El gusto de las nuevas generaciones por el merchandising de la franquicia ha logrado trascender el paso del tiempo. No por nada este 2017, por el 40 aniversario de la llegada del Episode IV, la juguetería Hasbro — que terminó por absorber a la ya mencionada Kenner— lanzó una línea de 12 ﬁguras basadas en las que se vendieron en 1977. Lo que diferencia a las nuevas de las originales son algunos detalles, como que son un poco más estilizadas, con agregados de tela en lugar de plástico y nuevas articulaciones. De esta forma, George Lucas construyó un Imperio y con él sustentó durante mucho tiempo su estatus de “Hombre dueño de su sueños”, hasta que en 2012 vendió a The Walt Disney Company la franquicia espacial que, en ese entonces, en productos derivados, generaba mucho más que las propias películas y los videojuegos subsiguientes —algo así como 200 millones de dólares—. Hagamos un recuento: la empresa del ratón también posee Marvel, además de las creaciones propias y las de Jim Henson —The Muppets y compañía—, así que puedes considerarla como la dueña de casi toda nuestra infancia.

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CAMBIOS DE DIRECTOR, NUEVOS PERSONAJES Y PLOT TWISTS CON REVELACIONES FAMILIARES LOGRARON QUE LOS EPISODIOS V Y VI CONSOLIDARAN LA TRILOGÍA. POR JACQUELINE WAISSER

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ILUSTRACIÓN ALETS KLAMROTH

ESPECIAL

EPISODIO 1

Luego de haber batallado con la realización de A New Hope, la singular ópera galáctica que le costó salud y por poco lo lleva a la quiebra, George Lucas comenzó a recibir los frutos de su arduo trabajo. Pero en ese momento aún no le era posible medir el alcance de lo que había creado ni comprender que había cambiado las reglas del juego de la industria de Hollywood. Su única inquietud era terminar de contar su historia, que por cuestiones de logística y viabilidad tuvo que dividir en tres partes. Dado el enorme éxito de A New Hope, Lucas supo que las secuelas de Star Wars serían un hecho. Así como también que para tener el control absoluto de ellas debía autofinanciarse. Esto constituía razón suficiente para que cediera la batuta a otro director y entrara de lleno en sus funciones como productor. Su compañía Lucasfilm se encontraba en un momento coyuntural: era tiempo de que la empresa diera un gran salto y, como su líder, tenía que dedicarle el cien por ciento. Para la ambiciosa labor de capitanear The Empire Strikes Back eligió a Irvin Kershner, quien fuera uno de sus maestros en la University of Southern California. La designación fue inesperada, pues Kershner era un director de bajo perfil cuya carrera se había enfocado en cine independiente, por no mencionar su edad: 57 años. La apuesta resultó ser justo lo que se requería para plasmar la complejidad narrativa y desarrollar los arcos dramáticos de los personajes que exigía esta segunda historia. Con las palabras de aliento “nothing’s gonna work”, Lucas le dio la bendición a su director. Y en efecto, casi desde el inicio del rodaje, las cosas se complicaron.

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Se pretendía comenzar la filmación en un glaciar de Noruega, locación que serviría para recrear el nevado planeta Hoth. Para los estándares del arriesgado Lucas, que se tratara de un territorio literalmente inexplorado era peccata minuta… hasta que el crew arribó al lugar. Se toparon con una temperatura de 32 ºC bajo cero y las peores condiciones climatológicas registradas en 50 años, situación que pedía a gritos un plan B. El pragmatismo de Kershner sacó a flote la enrevesada filmación. Su capacidad de resolución contrarrestó la “Ley de Murphy” referida por Lucas, que decretaba el caos por default en proyectos de esa magnitud (bueno, casi: la cinta terminó excediéndose en presupuesto y tiempo). Al menos en cuanto a elenco, ya había pasado la parte más difícil. El cast principal —probado y aceptado— estaba de vuelta. Trabajar con un nuevo director les resultó un plus inesperado. Kershner, a diferencia de Lucas, tenía un estilo afable y directo. En tanto que su predecesor era reservado y arisco, Kersh disfrutaba la interacción con sus actores. La producción trajo consigo diversos retos. Uno de ellos era rodar las escenas en las que Luke y R2 quedan varados en Dagobah. Para ello, Mark Hamill estuvo semanas filmando, sin ningún otro humano a cuadro, en un set de los estudios Elstree, entre props, puppets, animatronics y animales cuyas voces o sonidos serían añadidos posteriormente. Poco antes del estreno de A New Hope, Hamill estuvo involucrado en un accidente automovilístico que le fracturó la cara. Tuvo que someterse a una cirugía para reconstruirse la nariz y una parte del pómulo. La diferencia en las facciones del joven actor en esta segunda parte era

Irvin Kershner dirigiendo a sus personajes / Lando Calrissian y Han Solo / La escena más reveladora de la saga.

evidente. Se podían distinguir las cicatrices debajo de la reparada nariz, lo que dotaba a su rostro —antes angelical y perfectamente simétrico— de una apariencia más dura. Esto, lejos de interferir con la historia, jugó a su favor: aludía a un Luke Skywalker más curtido, cuya inocencia inicial había desaparecido por la experiencia de vida y las lesiones adquiridas. En lo que respecta al otro par, Leia y Han Solo, cumplieron a cabalidad con su función de sacarle chispas a la pantalla —y no de las que a cada rato brotan del averiado Millennium Falcon—. La narrativa de su atracción contenida regala los mejores momentos, o al menos los más cómicos, a lo largo de la cinta. Ahora sabemos, gracias al libro The Princess Diarist, escrito por Carrie Fisher, que Harrison Ford y ella tenían un pasado. La tensión sexual entre la princesa rebelde y el contrabandista espacial no era actuada, pues la disímil pareja —con una diferencia de edad de 14 años— vivió un tórrido romance mientras rodaban A New Hope. Dentro de las novedades de esta segunda entrega desde luego figuraron nuevos personajes, entre ellos uno que hoy en día es de los más emblemáticos y queridos: Yoda. Cuando conocimos a la criatura, se asemejaba más a un viejito senil gruñón que a un maestro Jedi. Al igual que Skywalker, el público ignoraba su verdadera identidad. Para dar vida a este puppet, el maquillista de efectos especiales, Stuart Freeborn, tuvo la ocurrencia de basarlo en su propia cara, lo que resultó una decisión afortunada tomando en cuenta la curiosa apariencia del diseñador. Frank Oz sería el manejador y la voz de Yoda, por lo que pasó largas horas debajo de una tarima para manipular adecuadamente al muñeco. La otra adición fue Lando Calrissian, interpretado por Billy Dee Williams, un antiguo conocido de Han Solo y administrador de Cloud City, cuyas lealtades son inciertas en un principio. Su personaje tenía la complejidad y claroscuros requeridos para una cinta en la que se deseaba mostrar una gama moral más allá del blanco y negro. Hablemos ahora de esa escena final, quizás una de las más recordadas del cine contemporáneo. La vuelta de tuerca se mantuvo en total confidencialidad hasta un día antes de filmarla. Como se sabe, Darth Vader era interpretado por el actor y fisicoculturista David Prowse. Sin embargo, la voz pertenecía a James Earl Jones. La logística era que, aunque a la postre fuera doblado, Prowse decía sus parlamentos al filmar sus escenas como cualquiera de los actores. Los diálogos que le dieron para esa secuencia en particular no eran los finales (ni revelaban el gran secreto). A Mark Hamill, en cambio, lo llamó Kershner poco antes de rodar para explicarle de lo que trataría en realidad el encontronazo. Hamill, como el resto del mundo, no lo esperaba y se quedó pasmado. Con esa información, que sólo él sabía, actuó su parte. En posproducción agregaron los diálogos correctos de Vader. El 21 de mayo de 1980 se estrenó The Empire Strikes Back, para muchos la mejor película de la saga con todo y que no tenía un final feliz. La cinta ingresó alrededor de 300 millones de dólares tan sólo en la taquilla estadounidense. Gracias a esas ganancias y a los tratos de merchandising que había negociado Lucas con 20th Century Fox, el joven director y productor se convirtió en un millonario certificado.

Irónicamente, George Lucas se había transformado en lo que tanto repudiaba: un poderoso productor de blockbusters. No obstante, era la única forma de ejercer el control total sobre sus proyectos. Después del estreno de The Empire Strikes Back, el californiano estaba en la posición de dar otro salto cuántico. Adquirió 800 hectáreas en el condado de Marin para construir Skywalker Ranch, un complejo alejado de Hollywood donde diversos creadores podrían trabajar con todas las facilidades y tecnología a la mano. Sería la sede de Lucasﬁlm y otras ﬁliales como Industrial Light & Magic. El guion de Return of the Jedi fue reescrito por Lawrence Kasdan. Kershner declinó la oferta de dirigir, por lo que Lucas contrató al galés Richard Marquand. Se rumora que los motivos detrás respondían al deseo de Lucas por un director al que pudiera controlar con facilidad.

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ESPECIAL

EPISODIO 1

La presencia del creador original de Star Wars en el set se alzaba amenazante sobre Marquand. A pesar de ello, el nuevo cineasta logró dejar su sello en el producto final: un tono sentimental y optimista rociado de guiños cómicos que no se habían visto en las anteriores. No es casualidad que algunas secuencias se sientan ligeramente fuera de lugar, como el número musical en la guarida antro de Jabba the Hut o el baile de los Ewoks hacia el final de la cinta. La trama arranca justo después de que Han Solo es entregado a Jabba, uno de los personajes nuevos en la saga. La criatura anfibiana llamó la atención por su desagradable aspecto que reforzaba su corrupta naturaleza. Han Solo quedó congelado en carbonita y se desconocía su suerte. A estas alturas de la trilogía, Harrison consideraba prudente matar a su personaje, pues ya no tenía cabida en la historia, aunado a que no estaba contractualmente obligado a participar en ella. Por fortuna, Lucas ignoró esa idea. ¿Se imaginan el filme sin el malencarado y sarcástico galán de Leia quien, las más de las veces, tenía los mejores diálogos? Sin mencionar los lamentos de Chewy que nos habríamos chutado si se hubiera muerto su compañero en ese entonces. En su intento por rescatar a su amado de las babas del moluscoso gángster intergaláctico, la lideresa de la rebelión termina metida en aprietos y en un diminuto bikini metálico. Ver a Carrie Fisher como la esclava/objeto de Jabba alimentó las enardecidas fantasías de los fans de Star Wars. Si bien la joven de 25 años lucía espectacular, el revelador vestuario la hacía sentir muy incómoda por varias razones. La primera, su endeble autoestima y pobre autoimagen. La segunda, la muy real presión que sentía por parte del estudio de verse delgada. Desde A New Hope, los productores le habían “sugerido” que bajara unos kilos. Fisher misma narra que temía ser sustituida por Jodie Foster. Si Lucas no tenía pensado matar a Han Solo, Yoda y Darth Vader correrían con otra suerte. En un afán por encontrarle una resolución a la historia de Luke era preciso sacrificar algunas cabezas y soltar más giros familiares del calibre: “No. Yo soy tu padre”. Ahora el turno de revelar el gran secreto de: “Soy tu hermano” le tocaba a Luke. Pero vayamos al clímax de la trilogía, el momento en el cual el amor de un hijo redime a su padre y lo extrae del lado oscuro. Por más de seis años el público esperó con ansia ver al hombre debajo de la máscara. Cuando por fin sucedió, el mito del villano se rompió dejando al descubierto el rostro de un viejo disminuido. Aún más triste que presenciar a Luke perdiendo a su padre justo cuando se había contentado con él es la historia detrás de quien interpretara a Vader, David Prowse. Este actor, a diferencia del resto del elenco, terminó en la ignominia y tal vez haya sido víctima de una de las más grandes injusticias en la industria. Según relata Prowse, a Marquand no le simpatizaba. Poco a poco el director lo fue ignorando al grado de que prefería trabajar con su stunt que con él. La estocada máxima fue enterarse, por rumores, que los productores no tenían ninguna intención de que él filmara la escena final. Lo que era más, ya tenían al actor que prestaría su cara al moribundo Lord Sith, robándole así la merecida gloria que correspondía a Prowse después de seis pacientes años. Sólo se puede especular —Lucas nunca ha hecho declaraciones al respecto— que la medida se tomó como represalia a Prowse por hablar de más con la prensa. Se le acusó de filtrar el spoiler de la muerte de Darth Vader. Sin embargo, la incriminación era infundada. El gran estreno se llevó a cabo el 25 de mayo de 1983. La respuesta fue apoteósica y la cinta rompió record en taquilla.

GEORGE LUCAS, GENIO SOLITARIO Para George Lucas, el adagio de “buena suerte en el dinero, mala suerte en el amor”, resultaría cierta. Después de concluir su anhelado proyecto y enriquecerse más de lo que jamás imaginó, su matrimonio de 14 años con Marcia Lucas colapsó. Fue un duro golpe para el realizador, pues además de la pérdida sentimental que implicaba, Marcia tenía gran inﬂuencia creativa

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los brazos abiertos y lo colocó en el pedestal de icono cinematográfico. Irónicamente el papel de su vida fue la causa del estancamiento de su carrera actoral. Encarnar a Luke lo encasilló sin retorno: no había forma de separar al personaje del histrión. Después de terminar con la trilogía no hay una sola película en la que salga digna de mencionar; cintas de serie B intrascendentes de las que nadie se acuerda ni vio. ¿Fue entonces una maldición velada tener tanto éxito y tan temprano? Antes de pronunciarse un one hit wonder, Hamill tomó la hábil decisión de incursionar en el mundo del doblaje, un medio en donde podía demostrar sus verdaderos dotes histriónicos sin que su rubia melena y cara de Jedi interfirieran. Resultó poseer un extraordinario don para las voces. Desde entonces ha prestado su voz a infinidad de personajes animados, entre ellos el Joker de las series animadas de Batman. No fue sino hasta 2015, con el estreno del Episodio VII, que volvió a tener relevancia en la pantalla grande.

HARRISON FORD, EL CASCARRABIAS CON TOQUE MIDAS

El final de la película más aclamada / El artista del escape, Han Solo, vuelve a sacar a sus amigos sanos y salvos de un brete espacial.

sobre George y había desempeñado un papel crucial en la elaboración de esos primeros episodios de Star Wars como editora. Con la conclusión de su saga, Lucas desaparecería un rato de los reflectores para criar a la hija que había adoptado un par de años atrás. Eso no significaba un retiro. Al contrario, Lucas se dedicó a crecer su compañía ILM y a trabajar en otros proyectos como productor o guionista, tales como Indiana Jones (1981). Eso sí, no volvería a dirigir una cinta en 22 años. Antes de cumplir los 40 su patrimonio neto rondaba los dos billones de dólares, pero los lujos jamás fueron su estilo de vida. Todo el dinero generado se reinvirtió en la compañía, sobre todo en el avance de tecnologías de efectos especiales, por lo que Lucas se convirtió en pionero y líder del ramo y se consolidó como el principal proveedor de efectos digitales de Hollywood. Recluido en su santuario al norte de California llevaría una existencia de bajo perfil, prefiriendo la vida en familia —adoptó dos hijos más— a las apariciones públicas.

MARK HAMILL, EL JEDI DE LAS MIL VOCES Cuando Mark Hamill fue elegido como el héroe de Star Wars era un actor de 25 años con una aceptable —mas no estelar— trayectoria. El acierto de contratarlo como Luke se evidenció desde el principio. La inocencia y pureza de espíritu que requerían el personaje compaginaban perfecto con el fenotipo de Hamill y su benévola personalidad. El público lo aceptó con

De todos los protagonistas, sin duda Ford sería quien gozaría de la carrera actoral más fructífera. Su carisma y áspera galanura lo perfilaban como un leading man de Hollywood desde sus pininos como Han Solo. La leyenda urbana en torno a sus comienzos cuenta que, de humilde carpintero, saltó a superestrella. Lo anterior es un tanto exagerado. Sí era maestro carpintero y en ciertos periodos vivía de ese oficio, pero cuando se puso el traje de Han Solo ya tenía 33 años y varias cintas y programas en su haber, incluyendo American Graffiti, del mismo Lucas. La trilogía sólo fue el empujón que le faltaba para propulsarse a la estratósfera y convertirse en uno de los actores más cotizados. Entre The Empire Strikes Back y Return of the Jedi dio vida a Indiana Jones, otro personaje que sería tanto o más icónico que Solo. Los 80 constituyeron una prolífica década para él, con al menos un filme de alto perfil al año. Por si parecía poca cosa haberle pegado al gordo con dos personajes memorables, Ford lo consiguió una tercera vez con Blade Runner y su Rick Deckard. En 1986 recibió una nominación al Óscar como Mejor actor por Único testigo y, aunque no ganó ni ha vuelto a ser nominado, sí recibiría numerosas preseas por sus filmes de enorme atractivo comercial. Harrison se convirtió en el perfecto héroe de acción, presidente, agente de la CIA, fugitivo y arqueólogo.

CARRIE FISHER, DETRÁS DE LOS CHONGOS La existencia de Carrie Fisher culminó de la misma manera en que fue vivida: de forma precipitada y rodeada de adicción. A diferencia de sus coactores, la princesa Leia provenía de una verdadera realeza: la de Hollywood. Hija de Debbie Reynolds y Eddie Fisher, la joven había vivido inmersa en un mundo VIP donde su madrastra era Elizabeth Taylor. Pero estar familiarizada con el funcionamiento de la industria y relacionarse con grandes estrellas desde que tenía uso de razón no contrarrestaba sus inseguridades en el set de Star Wars. Después de todo, vivía bajo la sombra de sus legendarios padres, a los que difícilmente podía superar. También abusaba de las drogas en un afán de mitigar su trastorno bipolar, entonces aún no diagnosticado. Es probable que el cauce de su carrera se haya desviado debido a su problemática personal. Aún así participó en múltiples producciones con papeles secundarios o cameos, en muchas instancias burlándose de sí misma. Su cáustico sentido del humor siempre la acompañó y borró de un plumazo la refinada imagen de Leia Organa. Fisher demostró tener un gran talento en la escritura, ámbito en el que destacó con diversas novelas y libros de no ficción. Quizás el más famoso de ellos sea Postcards from the Edge, escrito semibiográfico que más adelante se convirtió en película con Meryl Streep y Shirley MacLaine. Otra de sus actividades fue escribir guiones... o más bien, reescribirlos de manera anónima en calidad de script doctor. Al igual que su gemelo ficticio, Carrie jamás pudo rebasar al personaje que la volvió una celebridad.

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A GEORGE LUCAS SE LE OCURRIÓ DARLE UNA MANITA DE GATO A SU PRIMERA TRILOGÍA, PERO SE PASÓ POR MÁS DE DOS RAYITAS. HAN SHOOT FIRST. POR STIVI DE TIVI

ILUSTRACIÓN ALETS KLAMROTH

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ESPECIAL

EPISODIO 1

efinitivamente vivimos en una época gloriosa para los fanáticos de la ciencia ficción. En especial de Star Wars: información hasta por d omnipresencia en la c s que en los últimos años se han hecho. Lo curioso es que entre las nuevas entregas y el anuncio de spin offs, seguro olvidas que este 2017 se cumplieron 20 años del relanzamiento de la trilogía original. Para quienes nacimos después del estreno de las primeras tres entregas, saber que podíamos ver en cine A New Hope, The Empire Strikes Back y Return of the Jedi en los 90, fue un acontecimiento único. Fue en enero de 1997 cuando regresó a la pantalla grande la ahora conocida como Episode IV V y no sólo era verlas en cine: se presentaban con mejor calidad de imagen y sonido. Tampoco ibas a toparte con la misma versión que tus papás vieron a finales de los 70, eran versiones con escenas mejoradas y con la adición de nuevas que antes no se pudieron realizar. Estábamos por conocer la visión que Lucas soñó desde un principio y que, por presupuesto, tecnología y tiempo, no pudo hacer.

DE VUELTA EN UNA GALAXIA, MUY,PEROMUYLEJANA

Las presiones que 20th Century Fox ejerció sobre Lucas para que entregara en 1975 A New Hope eran tan fuertes que creó Industrial Light & Magic, una empresa dedicada a producir efectos especiales y visuales para cintas. Retrasos en la edición provocaron que Star Wars aplazara su estreno de la Navidad de 1976 al verano de 1977, dándole al cineasta seis meses para coordinar y controlar que todo quedara de la manera en que él había imaginado. La película fue aprobada por Fox y, tiempo después, se convirtió en el suceso que todos conocemos. En 1994, cuando Lucas salió de la premiere de

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Jurassic Park, descubrió que Industrial Light & Magic ya contaba con la tecnología para realizar el filme galáctico que siempre soñó. Como ya nada era impedimento y se acercaba el 20 aniversario de A New Hope, tenía más de un pretexto para retocar a sus retoños. No sería barato. Se invirtieron 10 millones en la reedición de Episode IV y gran parte del presupuesto se repartió en efectos visuales, otra en la mejora del audio —se le aplicó tecnología de audio Dolby Digital, pues la primera era Dolby Stereo— y el formato de película fotográfica pasó de los 35 mm, como se rodó originalmente, a 70 mm para conseguir mejor rango visual. Al final, la cinta contaba con cuatro minutos y medio adicionales entre las escenas mejoradas digitalmente y nuevas tomas, como una confrontación entre Han Solo y Jabba the Hutt. A finales de 1996 cada una de las entregas de la trilogía original de Star Wars tenía una nueva versión y con ello un presupuesto un poquito más elevado: la reedición de A New Hope costó lo

Luke Skywalker amenaza a Jabba the Hutt / Selfie del mal / C-3PO impide que Han Solo llegue a tercera base / Los hermanos Luke y Leia ensayando su lambada.

versiones de aniversario? Las reediciones de 1997 también han sido exprimidas varias veces para... “complacer a los fans”.

VHS – 1997

mismo que el presupuesto de la cinta en 1975; mientras que The Empire Strikes Back y Return of the Jedi requirieron una inversión de 2.5 millones de dólares cada una.

¡CA$HING,CA$HING,CA$HING!

El 31 de enero de 1997 reestrenó Star Wars: Episode IV, A New Hope y logró recaudar 35 millones de dólares en su primer ﬁn de semana, convirtiéndose de inmediato en el estreno lanzado en enero con más ingresos en la historia del cine hasta ese momento. El fervor por esta saga estaba más fuerte que nunca y logró mantenerse en el primer sitio de taquilla por tres semanas, hasta que llegó Episode V, The Empire Strikes Back, que se estrenó el 21 de febrero del mismo año y recaudó 21 millones en sus primeros días de exhibición. Originalmente, Episode VI, Return of the Jedi estrenaría el 14 de marzo del 97, pero el público pedía más tiempo en cartelera para las otras

entregas, así que la retrasaron siete días. Durante siete semanas consecutivas, un episodio de Star Wars conservó la corona de la taquilla y eso provocó que ningún título —ni la esperada cinta de desastre natural Dante´s Peak— pudiera debutar en primer lugar. Todo por la Fuerza de los Skywalkers. Al ﬁnal, la reedición de la trilogía logró 892 millones de dólares alrededor del mundo. Esta cifra dio luz verde a las tres precuelas que Lucas quería realizar.

EL DESPERTAR DELFORMATOCASERO

De donde más dinero puede sacar el cine es de la ventas de películas en formatos para ver en casa. Y la gente de Lucasﬁlm ha ordeñado esa vaca desde hace tres décadas. ¿Para qué limitarse a sacar una cinta a la venta si se puede lanzar por separado, en paquete, en ediciones especiales y

En aquellos tiempos sin-video-bajo-demanda todo el mundo tenía una videocasetera, por lo que las ediciones enVHS fueron de lo más vendido en Navidad ese año. Venían en paquete especial de tres que contenía material extra con entrevistas y detrás de cámaras que mostraba todos los cambios hechos.

DVD – 2004 Luego del éxito en ventas de The Phantom Menace y Attack of the Clones en DVD, era momento de sacar la trilogía original por primera vez en esos discos, y ello sucedió el 21 de septiembre. Aunque no se vendía como la versión de 1997, era lo que encontrabas. Aparte de incluir las nuevas escenas en mejor calidad de video, el paquete de DVD contaba con un cuarto disco, y en éste iba el documental Empire of the Dreams: The Story of Star Wars, que cubría el rodaje de la trilogía, así como información adicional, entrevistas, el nacimiento del sable de luz y otras curiosidades para enamorar a los fans de la saga, pero también a los que llegaran recién. En esta edición podías encontrar audios con comentarios de varias ﬁguras de la franquicia.

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ESPECIAL

EPISODIO 1

DVD – 2006 No pasaron tantos años para que otra vez saliera a la venta esta trilogía en DVD, pero sólo estaría disponible de septiembre a diciembre de 2006. ¿Qué tenían de especial? Cada entrega se vendía por separado y con dos discos: Si comprabas A New Hope te llevabas la edición de 1997 y la de 1977. Por primera vez podías tener ambas con la mejor calidad audiovisual.

DVD – 2008 Ese año, por primera vez, salió a la venta el paquete de Episode I, II y III y, aprovechando, también Episode IV, V y VI. No había nada en especial en estas versiones, nada más la caja era muy bonita... y había que sacar dinero.

BLU-RAY – 2011 Las seis películas llegan en Blu-ray por primera vez en septiembre de 2011. El paquete incluía nueve discos (uno por película) y tres con materiales extra: el primero dedicado a Episodes I, II y II; I el segundo a las tres entregas iniciales; el tercero era un documental con duración de 84 minutos, un compilado de las parodias de Star Wars y un detrás de cámaras de A New Hope.

BLU-RAY Y DVD – 2013 ¿Y de qué otra forma podían convencer a los fans de comprar más y más de Star Wars? En 2013 salió la trilogía completa en ediciones de colección en Blu-ray y DVD. De nuevo, no hay alguna sorpresa para presumir. Uno que otro comentario extra y nada especial.

EL PEOR ENEMIGO DESTARWARS

En 1997, mientras que Hollywood presenciaba el poder de la Fuerza de Star Wars, el público descubrió el lado oscuro de quien pensaron era un aliado y que resultaría ser todo lo contrario: George Lucas. Miles de fanáticos entendieron que a quien alguna vez llamaron “padre” era tan sólo un comerciante que buscaba la manera de explotar económicamente su franquicia. Con el pretexto de regresar la trilogía al cine por su aniversario le hizo unos “arreglos”, que, en su mayoría, eran bastantes innecesarios. Sí, técnicamente hizo mejoras para aumentar la calidad de las imágenes, pero era algo que iba a suceder tarde o temprano porque, para poder ajustarse a las nuevas tecnologías y formatos caseros, tenían que hacer la conversión. La idea era mejorar el producto sin tocar la narrativa, pero eso a Lucas le valió. Visualmente hasta los prostéticos se vieron beneﬁciados, pero agregar más personajes y situaciones se sintió como besar a un guardia Gamorrean. Por ejemplo, los cambios en la escena de la cantina Mos Eisley en Episode IV V es algo imperdonable hasta la fecha. Un momento clave

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en la franquicia es cuando, con una acción de Han Solo, describen por completo su personalidad. El cazarrecompensas se encuentra en la cantina y es acorralado por Greedo, por lo que decide matarlo para que no le ocasione problemas. El público lo entendía y hasta disfrutaba ese momento. ¿Qué decidió hacer Lucas en la reedición? Inventar un forzado disparo de Greedo para que Solo disparara en defensa propia y tuviera “justiﬁcación”. ¡Nadie la necesitaba! Todos querían ver a Solo disparar primero. Fue tan comentado el caso que salieron playeras a la venta con la leyenda “Han Shot First”. Es como si de repente Leonardo da Vinci decide ponerle una pestaña extra a la Mona Lisa: NADIE QUIERE ESO. Ya sé que la comparación se lee exagerada, pero para muchos eso dolió porque no veían a Star Wars como un producto, sino como algo propio que ellos dominan y protegen porque crecieron con esta saga. Así es como inició la caída de George en el ojo público, y la razón por la que éste celebró cuando se anunció la venta de los derechos de la franquicia a Disney, en 2012.

UNA MANITA DE GATO... OUNZARPAZODEWOOKIE

George Lucas y Steven Spielberg protagonizan el bromance más famoso de Hollywood. Por esta razón, cuando Lucas obtuvo toneladas de dinero al estrenar su reedición de la trilogía original de Star Wars le aconsejó al realizador de Tiburón que hiciera lo mismo con sus ﬁlmes. Y como resultado obtuvimos, en 2002, una versión de ET en la cual cambiaron las armas de los agentes del FBI por walkie-talkies. La furia de los fanáticos no se hizo esperar, y hasta se promovió un boicot contra estos dos gigantes cinematográﬁcos. Incluso la serie animada South Park se subió al tren del mame y en el episodio “Free Hat” de la sexta temporada, Stan, Kyle, Cartman y Tweek tratan de salvar sus películas de la manos de Spielberg, Lucas y hasta Francis Ford Coppola mientras son perseguidos por policías que usan walkie-talkies como armas. Pero no todos los cambios son malos. Hay algunos directores que han logrado mejorar su producción en la reedición.

BLADE RUNNER - RIDLEY SCOTT ¿Qué puedes reeditar de una pieza perfecta? Al parecer muchas cosas, y es que existen varias versiones editadas de este clásico de la ciencia ﬁcción. Scott realizó en 1992 el primer “Director’s Cut” donde mejora la calidad de imagen, los sonidos y hasta elimina momentos cursis que no le agradaban. Pero no quedó satisfecho y volvió a hacer otra edición en 2007 llamada “Final Cut”. En éste, la tecnología se pone al servicio de la película, visualmente es más impactante, el aspecto futurista se percibe y no se siente acartonado. La incorporación de

Así se filmó la icónica escena de la confesión de Darth Vader a Luke / Shmi y Anakin comparten el pan con una mascota y una princesa / Han Solo disparo primero.

ciertas imágenes por computadora provocan que no se sienta que ha pasado el tiempo por ella y hace perfecta conexión en todos los sentidos con la secuela, Blade Runner 2049.

WATERWORLD - KEVIN REYNOLDS En su momento se consideró como la cinta más cara de la historia del cine (175 millones de dólares, en 1995) y también el fracaso más fuerte de la década. Fue una producción que sufrió el ataque de la naturaleza, las complicaciones de trabajar con gigantescos sets acuáticos y el ﬁnal de la amistad entre el propio realizador y el protagonista, Kevin Costner. El estudio forzó a Reynolds a cortar la cinta para que tuviera una duración de 135 minutos, así que lo que vimos en pantalla era un caos absoluto. Por esta razón el director peleó para después sacar la versión que él quería, añadiéndole un extra a su aventura acuática y, para sorpresa de muchos, se convirtió en una cinta mejor ejecutada, cargada del humor que le hacía falta y con secuencias de acción que tienen sentido. Gustó tanto la versión ﬁnal de Reynolds que cuando transmiten la cinta en TV pasan la “Director’s Cut”.

ALMOST FAMOUS - CAMERON CROWE Uno de los ﬁlmes más queridos del año 2000, y que es una especie de biografía del realizador, al relatar su adolescencia como reportero mientras seguía el tour de una banda por todo Estados Unidos. La fuerte carga musical y la excelente recreación de la década de los 70 emocionó a los críticos y al público. Crowe decidió sacar la versión “No autorizada” de su propia película en lugar del “Director’s Cut”, y el resultado fue una emotiva cinta con 30 minutos extra que sabe sacar provecho a la nostalgia. Al ﬁnal todos queremos ser roadies.

LÉON: THE PROFESSIONAL - LUC BESSON Una de las razones por las que amamos esta cinta de acción es por la excelente química entre Léon (Jean Reno) y Mathilda (Natalie Portman), y la reedición de esta película nos da 23 minutos extras concentrados en esta relación. Aquí no meten escenas de relleno: cada momento agregado ayuda para entender más la psicología de los personajes. Más que una cinta de acción, es sobre encontrar alguien que te comprenda y los lazos que se crean.

DAREDEVIL - MARK STEVEN JOHNSON Este ﬁlme es la razón por la que gran parte de los cinéﬁlos odian a Ben Affleck y es considerada como una de las peores adaptaciones de cómics en la historia. Sorprendentemente, la versión de Steven Johnson que no llegó al cine tiene más carnita y es un poco más oscura. Hace buena balanza entre las ridículas escenas de acción y la poca pasión del guion. No estoy diciendo que este “Director’s Cut” es una joya, pero si te quita el mal sabor de boca que dejó la primera.

DICIEMBRE 2017

O DE CÓMO GEORGE LUCAS ENCONTRÓ LOS PLANOS PARA ACABAR CON SU PROPIA ESTRELLA. POR MARIO P. SZÉKELY

ILUSTRACIÓN ALETS KLAMROTH

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EPISODIO 1

Anakin algún día será Darth Vader / El maldito Palpatine se saldrá con la suya / Jake Lloyd y George Lucas / La boda de Anakin y Amidala en Las Hadas.

"You can't stop the you can stop the

any more than from -Shmi Skywalker

Parece que sucedió hace tiempo, en un cuadrante de la historia del cine donde no parecía posible escuchar este anuncio entre las constelaciones de películas del fin del siglo XX. Pero pasó: George Lucas afirmó su regreso a la mesa de escritor para forjar los argumentos de tres nuevas cintas de Star Wars que fungirían como precuelas de la saga que filmó entre 1977 y 1983. “Cuando escribí la original Star Wars tuve que desglosar una historia del pasado de los personajes, con su entorno político, aventuras, así como la explicación de la procedencia de los Jedi y la presencia de la República”, declaró Lucas por ahí de 1997, en pleno aniversario de la primera incursión de Luke Skywalker en la pantalla. El cineasta explicó que por fin la tecnología estaba lista para filmar una nueva trilogía, la cual tendría como objetivo principal averiguar cómo Anakin Skywalker había crecido como Jedi y caído al Lado Oscuro de la Fuerza para ser Darth Vader. Siendo Vader el villano más famoso en la historia del cine y teniendo a Lucas como precursor, escritor y director de las nuevas cintas, no había nada que podría salir mal... ¿o sí? Como si se tratara del mismísimo Pentágono, Lucasfilm LTD guardó con celo cada secreto de la edificación del entonces sólo llamado Star Wars: Episode I. Pronto, hordas de clubes de fans comenzaron a especular sobre el contenido del filme y sus dos secuelas, a estrenarse en 2002 y 2005. A medida que se anunciaban los nombres de los actores de personajes nuevos como la reina Padmé Amidala (la futura esposa de Anakin y madre de Luke y Leia) o del nuevo villano, Darth Maul, se daba por entendido que su consagración en la historia del cine era un hecho. También se generó gran expectativa alrededor del niño que encarnaría los primeros años de Anakin, así como quién sería el afortunado que daría rostro a los años juveniles del Jedi Obi-Wan Kenobi. Los fans acudieron a sus conocimientos de árboles genealógicos y de antemano supieron que un personaje como Yoda podría aparecer, siendo que para el Episode VI: Return of the Jedi tenía 900 años y el Episode I sucedería 32 años antes de cuando conocimos a Luke, en Episode IV. Los rumores sobre si Lucas acudiría a algunas de las historias del universo expandido de Star Wars en libros, cómics y videojuegos se disiparon cuando el autor dijo que él siempre señaló que podría hacer lo que le diera en gana en sus historias cinematográficas, sin ser coherente con lo que otros escritores o artistas imaginaron con sus personajes. Cuando 20th Century Fox anunció, en noviembre de 1998, que el primer teaser del ya rebautizado Star Wars: Episode I - The Phantom Menace aparecería en la cinta romántica de Brad Pitt Meet Joe Black, jamás imaginaron que centenas de fans iban a pagar un boleto para una cinta que no les interesaba: sólo querían ver las primeras imágenes de Star Wars en más de una década. Lo mismo sucedió con el lanzamiento del tráiler, que se proyectó previo a la intrascendente Wing Commander en marzo de 1999. Fue en abril, en Denver, Colorado, que la megaconvención Star Wars Celebration I se llevó a cabo por el club oficial de Star Wars y el soporte de Lucasfilm. Varios actores atendieron el llamado y se dio la oportunidad de ver un video musical de MTV con el primer tema musical del legendario John Williams acompañado escenas del Episode I.

Ese mismo fin de semana, las jugueterías de todo Estados Unidos inundaron sus estantes —como nunca antes— con mercancía de la franquicia. Darth Maul, en figuras, pijamas y juguetes, era el personaje a coleccionar por su presencia en los avances que prácticamente lo ponían como el villano del filme. El actor Ahmed Best se convirtió en celebridad de la noche a la mañana, aún sin estrenarse la cinta. Su personaje de Jar Jar Binks prometía ser un ente simpático y digno de ocupar un sitio en los corazones de los fans.

AHORA SÍ EL INICIO

Fiel a su tradición de nunca empezar a contar la historia por el principio, George Lucas arrancó su Episode I en el vértice de la antigua República, cuando la corrupción minaba los pasillos del senado y una Federación de Comercio cobraba impuestos en toda ruta sideral, además de hacerle la guerra a quien no pagara. Es en esa era que los Caballeros Jedi son guardianes de la galaxia y su cuartel general está en el mismo planeta donde el Senado de la República se reúne: Coruscant. En ese lugar, el maestro Mace Windu dirige la asamblea de los servidores de la Fuerza y el sabio Yoda tiene un asiento en la Torre del Concilio. Lejos de ahí, en el planeta Naboo, la reina Amidala ve con malos ojos las amenazas de la Federación de Comercio, que intenta obligarla a ﬁrmar un tratado con riesgo a invadir y someter a su reino. Al pedir ayuda, los Jedi Qui-Gon Jinn y su aprendiz, Obi-Wan Kenobi, llegan al rescate, pero terminan huyendo con la monarca para buscar auxilio en Coruscant. El destino daña la nave de Amidala y los Jedi, y terminan varados en el planeta Tatooine, donde habita un niño amable y virtuoso llamado Anakin, quien es esclavo y vive con su madre, Shmi Skywalker. Qui-Gon descubre que el chico merece un entrenamiento, aunque el mentor Yoda dirá que es demasiado grande para iniciarse en los caminos de la Fuerza, pues el miedo anida en su corazón. En Episode I Lucas se volvió más político que nunca, incluso emulando la crisis de credibilidad entre los partidos Demócrata y Republicano en Estados Unidos, con la amenaza del juicio político al presidente Bill Clinton por su inﬁdelidad y mentiras en la Casa Blanca. Pero más allá de eso, el cineasta deseaba crear una fábula espacial sobre la importancia de trabajar en conjunto, conviviendo distintas razas por el bien común, incluyendo la protección del medio ambiente.

UNIVERSO I

En la nueva entrega Lucas pudo explorar visualmente su concepto de “universo usado” que había planteado en los episodios anteriores,

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en los que era evidente que las glorias del pasado habían sucumbido con el surgimiento del Imperio Galáctico. El concepto de que el Millennium Falcon era una chatarra o que las naves X-Wing estaban hechas de partes de otros maltrechos vehículos por la Alianza Rebelde, incluso que los TIE Fighters llevaban en su chasis el sello de una línea de ensamblaje en masa y sin preocupación por la estética, quedó palpable al darle un vistazo al diseño de Episode I. Lucas recurrió una vez más a su infancia y adolescencia, cuando los autos Chevrolet Impala y Ford Thunderbird eran sinónimo de ingeniería automotriz y la cima de una industria interesada en hacer arte con sus máquinas. Como Lucas era quien dirigía el proyecto de inicio a fin, se dio el lujo de poner a su departamento de arte y diseño de Industrial Light & Magic —productora de efectos visuales de Lucasfilm— a confeccionar planetas, razas alienígenas, vehículos y naves, aún sin haber terminado de escribir el argumento. En lugar del retirado artista Ralph McQuarrie, que ayudó a Lucas y a ILM en la visualización de la ahora llamada trilogía clásica de Star Wars (1977-1983), George contrató al taiwanés Doug Chiang para trazar los diseños de las precuelas. Entre lo más notable: las naves de combate de Naboo y el transporte personal de la reina Amidala, se asemejaban a lo plateado de las vistas y salpicaderas de los autos que tanto admiraba Lucas en sus tiempos de rock and roll. Se hizo un elaborado mapeo sobre qué arquitecturas y escenarios naturales podrían ser aprovechados. Por ejemplo, para el palacio de Naboo se viajó al palacio de Caserta, en Italia, por sus cúpulas y escalinatas en mármol construidas en el siglo XVIII. Para el hogar de Anakin, Tatooine, se regresó a la antigua locación en Túnez donde se filmaron las escenas en 1976 de Luke con un vecindario enterrado entre las piedras del desierto. Igual se levantaron los escenarios para crear Mos Espa, donde Anakin tiene a su amo y protector. La mayoría de los interiores de naves y muchos paisajes se dejaron para pintarlos después digitalmente, pasando los actores la mayoría del tiempo en sets virtuales —green screens— en los estudios de Leavesden. Lucas, quien fue precursor de la era digital con su empresa ILM con cintas como Terminator 2 y Jurassic Park, estaba listo para dar el siguiente paso al crear personajes enteramente digitales con aspecto humanoide que pudieran interactuar con los actores principales. Así nació Jar Jar Binks. Entre los aciertos de Episode I estuvo la confección de la carrera de vainas, o podracing. Lucas fusionó el concepto de competencia de

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autos en su natal Modesto, California, con su fascinación por los Fórmula 1 y la secuencia de carruajes de la cinta Ben-Hur. El vehículo de carreras tipo pod que Anakin pilota cruza trincheras de roca —que se parecen a las de la original Estrella de la Muerte— mientras su sistema de propulsión era jalado por dos turbinas tipo jumbo 747. Cerca de mil 950 tomas de The Phantom Menace requirieron efectos visuales. Lucas terminó explicando que ﬁlmar Episode I fue como producir dos películas a la vez: una con actores y sus acciones, otra con puros personajes, naves y escenarios digitales y animados.

PORTANDO LAS TÚNICAS

Anakin Skywalker (Jake Lloyd).- Tras una ardua búsqueda entre miles de niños, el actor Jake Lloyd fue reclutado basándose en su trabajo en cintas como El regalo prometido (1996) y una intervención en TV, en un episodio de E.R. Lloyd encarna a Anakin de nueve años, esclavo en el planeta Tatooine e hijo único de Shmi Skywalker, con habilidades en la Fuerza al poder manejar maquinaria, pilotar vehículos y naves, además de vislumbrar el futuro. Qui-Gon Jinn (Liam Neeson).- Nominado al Óscar por Schindler’s List, mostró que podía manejar bien la espada en su Rob Roy (1995). Neeson tenía la presencia, altura y voz para ser el Maestro Jedi de Obi-Wan Kenobi. La filosofía de Qui-Gon es que el Jedi debe prestar atención “a la forma de vida” que contiene y convive con la Fuerza. Sus métodos poco ortodoxos lo meten en problemas con el Concilio Jedi, pero está dispuesto a morir por darle a Anakin la oportunidad de ser instruido en su orden de protectores. Obi-Wan Kenobi (Ewan McGregor).- Desde su debut en Trainspotting (1996), el escocés captó la atención de los grandes públicos. Su estilo pícaro y divertido, pero igual dispuesto a ser formal y alguien en quien confiar, provocaron que le ofrecieran la versión joven del personaje que antes interpretó Sir Alec Guinness. McGregor había crecido con Star Wars como parte de su vida, pues su tío Denis Lawson interpretó al piloto rebelde Wedge Antilles en la trilogía clásica. Natalie Portman (Reina Amidala).- Niña prodigio desde su debut en Léon: The Professional (1994), Natalie fue reclutada por Lucas al sorprenderle su sentido de liderazgo y autonomía, sumado a su belleza monumental, en plena postadolescencia. Amidala rige al planeta pacífico Naboo y es quien enfrenta a la Federación de Comercio. El planeta con filosofía ecológica tiene en el Senado de la República al Embajador Valorum.

Mace Windu amenaza a Jango Fett / Darth Maul jugando chocaditas con Qui-Gon Jinn / El Emperador y los despojos de Anakin Skywalker.

Sin saberlo, Amidala está por conocer al niño virtuoso Anakin, quien en el futuro será su esposo y padre de sus gemelos, Luke y Leia. Ian McDiarmid (Senador Palpatine/Darth Sidious).- Brazo derecho de Amidala en Naboo, se gana su confianza para después colocarla en trayectoria directa a sembrar la desconfianza en el Senado de la República y así destituir a sus líderes en el futuro. Él es la amenaza fantasma de la historia y el futuro Emperador del Imperio Galáctico. McDiarmid, actor de teatro clásico británico, poco imaginaba que al tomar el rol de Emperador para Return of the Jedi (1983) estaba aceptando ser el jefe de Darth Vader y su mentor en las precuelas a filmarse 15 años después de aquella ocasión. Ray Park (Darth Maul).- Experto en artes marciales y presto para roles que requirieran expresarse físicamente y con pocas palabras, Park también hizo su nombre fuera de Star Wars al interpretar a Toad en la serie de X-Men. Anthony Daniels (C-3PO), Kenny Baker (R2-D2) y Frank Oz (Yoda).- Los actores clásicos de las primeras tres cintas de Star Wars regresaron a las precuelas. De hecho, Lucas anunció que los droides C-3PO y R2-D2 aparecerían en todas, pues son los únicos personajes que servirían como hilo conductor y testigos de los hechos. La novedad fue descubrir que a C-3PO lo ensambló Anakin Skywalker y que R2-D2 era parte de los asistentes mecánicos de la nave de Amidala. Oz regresó manipulando al Yoda tipo muppet y prestando su voz, ya para la edición de Blu-ray el muñeco fue sustituido por un personaje digital. Cameos.- Como trivia queda saber que la actriz Keira Knightley (Pirates of the Caribbean) y la directora Sofia Coppola (Lost in Translation) fungen como damas de compañía tipo señuelo de Amidala.

TROZOS DE LA LEYENDA

Al saber que contaba con un producto que todo Hollywood deseaba tener, George Lucas primero puso a los grandes estudios a disputar su distribución y proyección. La ganadora fue su casa original —20th Century Fox— y parte del argumento fue que “nadie podría imaginar una cinta de Star Wars iniciando sin las fanfarrias de la productora del logo dorado”. Luego, el realizador arremetió con todo en la industria del merchandising al hacer negocio con cuanta marca quisiera pagar por la franquicia de Star Wars. Entre las más célebres están la línea de juguetes Hasbro, Lego y Pepsi Co. Lo que era escaso en 1977 con la primera Star Wars ahora desbordaba los anaqueles. Los personajes de Episode I eran lo mismo ﬁguras de acción que shampoos, cepillos de dientes, ropa, relojes, toallas y un muy, muy amplio etcétera. Tanta oferta afectó la demanda. No todo el mundo salió contento del trato con Lucas.

LA AMENAZA O LA ESPERANZA

“Es imposible darle gusto a todos. Cada quien trae en la cabeza la película de Star Wars que desea ver”, comentó George Lucas cuando las primeras reacciones a su Episode I comenzaron a publicarse el 19 de mayo de 1999. En esos tiempos todavía no existían los teléfonos inteligentes con su internet para propagar rumores y juicios. Tampoco las redes sociales de Facebook y Twitter. Ni siquiera los trolls pintaban en escena... ¡de la que se salvó, sin querer! Pero la controversia surgió desde la primera proyección. Star Wars se había vuelto una experiencia rígida y acartonada, con personajes que

hablaban de alianzas, líneas de comercio y burocracia gubernamental. El cinismo de Han Solo de la primera serie no existía. No había novatos héroes que se cuestionaran los métodos de un Jedi ni tampoco un punto de vista rebelde y fresco. Parecería que el sistema que tanto criticó Lucas se había apoderado de él cual Darth Vader. No pasó mucho sin que los primeros titulares dijeran que George era el nuevo Emperador de Hollywood y que su sed de vender juguetes eran el “beso de la muerte” de su marca. La crítica y el público se sintieron desconectados emocionalmente de Episode I, extrañaron el humor de la trilogía clásica y se quedaron fríos con los escenarios digitales. Incluso, aquellos amantes de la filosofía de Star Wars de que toda mujer u hombre puede desafiar al sistema confiando en sí mismos, se sintieron algo traicionados cuando Lucas puso a explicar a Qui-Gon Jinn que cada ser nace con una cantidad de organismos microscópicos (midiclorianos) que lo vuelven más o menos susceptible a la Fuerza. Para terminar con el desencanto, el tan prometido villano Darth Maul aparecía sólo unos minutos, sin mucha presencia y trascendencia. Y claro está, Jar-Jar Binks se volvió de inmediato el personaje más odiado del universo Star Wars, dado su sentido del humor infantil, de payasito corriente y totalmente ingenuo. Lucas quiso hacer de él una especie de cómico y mimo de la era de cine mudo y no le funcionó. “La gente esperaba que Episode I fuera sobre una versión más joven de Darth Vader matando gente a diestra y siniestra, pero ésa no era la historia. Tenía que contar el origen de este niño talentoso y soñador que al crecer pierde su camino. La idea es que el público sienta el dolor de verlo convertirse en Darth Vader”, comentó el realizador. El realizador también justificaba su precuela, recordando que la original Star Wars era dedicada a los niños y que el público que experimentó su cinta en 1977 ya había crecido para 1999. El argumento fue que el Episode I era para sus hijos. Pero al final no todo salió tan mal. Incluso para Lucasfilm y la 20th Century Fox fue un éxito, volviéndose The Phantom Menace la cinta más taquillera del año y sumando 474 millones de dólares tan sólo en Estados Unidos. Aunque los escenarios digitales fueron criticados, Lucas innovó con un sistema de transferencia de datos para que editores, artistas y el director de la película pudieran trabajar en conjunto. La posproducción se empezaba hacer desde la filmación. Episode I dejó la mesa puesta para que Episode II se filmara en digital por completo.

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POR SI A ALGUIEN LE HUBIERA PREOCUPADO QUE LA SAGA MÁS HERMOSA DEL UNIVERSO COMENZARA EN EL CUARTO EPISODIO, UN DÍA GEORGE LUCAS DECIDIÓ CONTARNOS LOS TRES PRIMEROS CAPÍTULOS DE SU ÓPERA FANTÁSTICA. ¿CUÁL SERÍA EL COSTO DE LAS PRECUELAS? POR ALF NORIEGA

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EORGE LUCAS, con su Industrial Light & Magic y Skywalker Sound, hizo posible que los cineastas de la época pudieran contar, al fin, sus historias en la pantalla grande como ellos deseaban hacerlo. Desde James Cameron hasta Peter Jackson, Christopher Nolan y Robert Zemeckis, todos estos directores le deben parte de su éxito a las compañías fundadas por Lucas. Además, Pixar fue en origen un proyecto con George detrás de su desarrollo junto con Ed Catmull y Alvy Ray Smith formando parte de The Graphics Group, la rama propia de animación de Lucasfilm. Una nueva esperanza, El imperio contraataca y El regreso del Jedi llegaron en un momento y situación perfectas para el pueblo norteamericano. Los rezagos de la Guerra de Vietnam seguían en boca de todos, el cine mantenía una visión desesperanzadora del mundo y los artistas cada vez eran menos valorados por una industria cinematográfica que,

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en vez de pensar en el arte, se concentraba en los números e ingresos. Además de traer la “esperanza” de vuelta a las salas de cine, el elenco irradiaba una empatía difícil de conseguir, máxime en los nuevos talentos (sin importar de qué época hablemos): Harrison Ford, quien ya había trabajado antes con Lucas, fue el actor más cotizado durante y después del estreno; Carrie Fisher era una mujer de otra galaxia, con mentalidad y personalidad muy avanzadas para cualquier chica de su época, mientras que Mark Hamill cargaba plenamente y sin problemas con el peso de ser el protagonista del proyecto más ambicioso del cine hasta aquél momento. Tendrían que pasar 20 años para volver a visitar esta lejana galaxia repleta de caballeros Jedi, soldados de asalto y criaturas de otros mundos. La nueva trilogía acertó, entre otras cosas, en recuperar ese trío de personajes que encabezan las aventuras de la República Galáctica. Si bien muy criticadas, las precuelas fueron una experiencia que la industria del cine jamás olvidaría, no tanto por sus aportes a las nuevas técnicas digitales de producción, sino más bien por los desaciertos a la hora de revivir una marca tan importante como es Star Wars, pues a pesar de todos sus errores, la historia de la familia Skywalker sigue viva y ahora aparece más fuerte que nunca antes.

¡SEGUNDO ROUND! EL ATAQUE DE LOS CLONES

Tras el inicio de su nueva trilogía, Lucas cambió la percepción del cine moderno. La era de los efectos prácticos estaba muerta: llegó el tiempo de ceder el camino a nuevos mundos digitales. Pantallas verdes, personajes completamente animados y mundos creados y conﬁnados a una mera sala de edición. “La gran aventura de Jar Jar”, nombre clave de producción con el que titularon a la segunda entrega de Star Wars en esta nueva trilogía, tuvo que pagar los pecados de su predecesora: George Lucas, ahora más un hombre de negocios que cineasta, había asumido el control total de la cinta en curso; su aliado más cercano respondía al nombre de Rick McCallum, productor al que le debemos todas las libertades creativas que Lucas se tomó durante el desarrollo del ﬁlme. Él sería su primer gran error.

GEORGE LUCAS, ¿SITH O NOTH? Si hay un nombre causante de las amenazas a Star Wars desde 1997, es el de McCallum. El productor y amigo de George es la mente detrás de las ediciones especiales, remasterizaciones, escenas eliminadas y cambios digitales que se

hicieron a los episodios cuatro, cinco y seis. ¿Alguna razón en específico? Negocio. El relanzamiento de la trilogía original en 2004, 2006 y 2011 otorgó a Lucasfilm los recursos suficientes para posicionarse, de nuevo, como una de las empresas más rentables del mundo. A causa de esto, la ambición del director se centró en tener el control absoluto de los personajes, escenarios y desarrollo en la historia de Anakin Skywalker, rompiendo con una de las promesas que se había hecho mucho tiempo atrás, en 1977. Un plan maravilloso para cualquiera en Hollywood: heredar la saga al futuro del cine, permitiéndose dirigir la primera película y entregando la batuta de director a nuevos talentos que pudieran experimentar con sus creaciones más cercanas con el objetivo de volver mucho más rica, artística y culturalmente, a la galaxia. El ataque de los clones hizo a un lado todo esto y se convirtió en una obra llena de ambición, excesos y poderío por dominar la tecnología de la época sin considerar los elementos clave que volvieron a la franquicia un referente en la cultura pop. Los errores no sólo recayeron en los aspectos técnicos: cada decisión tomada por los encargados de llevar a la pantalla grande el comienzo de La Guerra de las Galaxias: La amenaza fantasma fue un desacierto tras otro. El elenco, encabezado por Ewan McGregor y Natalie Portman, perdía su fortaleza al mostrar a cuadro la poca habilidad histriónica de Hayden Christensen, actor que interpretó a Anakin en su versión adulta. El Episodio III al igual que su predecesora, falló al establecer quién era el protagonista: por un lado está el maestro Obi-Wan enseñando a su aprendiz cómo lidiar con las pruebas que la galaxia le ponía enfrente y, en contraste, la lenta caída de Skywalker rumbo al lado oscuro. La relación entre maestro y aprendiz es forzada, gris en sus interacciones, sin provocar nada más que una sensación de extrañeza e incomodidad en el espectador al introducirlo en una supuesta “amistad” basada en algo sin precedentes (pues Kenobi, a pesar de ser un buen líder, tiene una personalidad distante y solemne con su pupilo, a

quien vemos volverse más arrogante hasta el punto de romper con su dogma Jedi). Existen algunos momentos dignos de recordar con una sonrisa en El ataque de los clones: la batalla final en la arena de gladiadores, lejos de ser un momento innecesario previo al gran final, nos muestra todo lo que el personaje de Alec Guinness contaba a Mark Hamill en la primera entrega: caballeros Jedi luchando por la paz y la justicia en la galaxia en secuencias que recuperaban el heroísmo de la visión de George Lucas y, a su vez, explotando cada avance tecnológico que su empresa había logrado dominar con esfuerzo. El largo y complejo contexto político de la historia fue otro factor que afectó la percepción del público respecto a la cinta. El corazón de estas obras tenía su base en las aventuras de fantasía espaciales y la simpleza de éstas: un joven aventurero con su mentor rescatando a la princesa de la tiranía de un gran villano. La historia de amor entre Padmé Amidala y el joven caballero Jedi nunca existe de forma verosímil. En El ataque de los clones se distrae al público con arcos elaborados que pretenden establecer una base real del conflicto intergaláctico. Senadores, cancilleres, debates y votos de no confianza eran algo con lo que la audiencia infantil no iba a poder simpatizar.

LA VENGANZA DE LOS SITH: LA PRECUELA QUE DEBIÓ SER

Tras la crítica negativa por parte de los fans, el público y los medios hacia sus primeras dos cintas, Lucas tuvo que reconsiderar su estrategia para la última entrega: La venganza de los Sith. Sith Con una sola oportunidad restante para establecer los vínculos narrativos entre episodios tres y cuatro, el ahora odiado cineasta debía, en un ﬁlme no mayor a tres horas, mostrar la verdadera tragedia de Anakin Skywalker y su transﬁguración al personaje más icónico de la historia del cine: Darth Vader. Aquí, muchos de sus errores pasados fueron resueltos de manera agradable y amistosa. La película tuvo un modo más oscuro, dejando atrás

George Lucas dirigiendo a sus protagonistas, Mark y Harrison, vestidos de Stormtroopers / Hayden Christensen, Lucas e Ian McDiarmid / Lucas, master of his domain / Los tres héroes originales / Aquel que un día será Darth Vader / Lo fuerte de la Fuerza / Ni el amor pudo con la muina suprema de Anakin.

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el tono infantil que se había manejado desde la presentación de los personajes en el capítulo uno. La acción se centró en el protagonismo de Anakin, convirtiéndolo por primera vez en la figura central de la trama. La política no tuvo un papel primordial en la cinta, aunque sí fue una inteligente crítica al gobierno de George W. Bush y sus relaciones con Irak en aquél entonces. En cuanto al elenco, Ewan McGregor como antagónico logró reflejar el espíritu noble y paciente de Sir Alec Guinness en su interpretación como Obi-Wan Kenobi. Aunque la mención honorífica se la llevó el villano de la trilogía original, McDiarmid, histrión de teatro que había dado vida al Emperador Palpatine desde 1983. Además de la impecable banda sonora a cargo de John Williams, el diseño de los efectos de sonido fue clave en Star Wars: desde el rugir de los enormes wookies hasta el choque de los sables de luz, las batallas espaciales y los androides de otra época demostraron que no necesitabas viajar a otro universo para ser parte de los extraños mundos dentro de la mente de su creador. A pesar de que el uso de la tecnología persistió en cada minuto de La venganza de los Sith, fue uno de los recursos más alabados de toda la producción gracias a la secuencia final,

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pues replicar escenarios volcánicos repletos de lava y montañas ardiendo que ﬂuían naturalmente en un ambiente hostil para los personajes nos entregó escenas de lo más memorable en toda la saga. Todo esto convergió en una de las conclusiones más esperadas en el mundo cinematográﬁco: desde una fría sala de operaciones, rodeado de androides y seres mecánicos, con el malvado Emperador a su lado contemplando su dolor, Darth Vader, señor oscuro de los Sith, nacía. Mientras que en su cálido rancho en Nicasio, California, George Lucas terminaba con la franquicia que le había arrebatado su primer matrimonio, varios miles de dólares y su vida entera. El futuro estaba sellado. Aquella historia iniciada en mayo de 1977 en una galaxia muy, muy lejana, había terminado, temporalmente.

JAR JAR BINKS: EN DEFENSA DEL PERSONAJE

Todos lo odian. Eso es a menudo lo que escuchamos sobre Jar Jar Binks, un gungan perteneciente a la ciudad submarina de Otoh Gunga. Esta criatura, ideada por un dibujo del hijo menor de George Lucas en su infancia, tuvo un desarrollo tan pobre que se quedó en la

Ya más para allá que para acá / El Emperador / Obi-Wan, Jar Jar Binks y Qui-Gon Jinn / Darth Maul se lanza desde la tercera / Amidala Asaltacunas / Cuando vas por tu papá a la cantina.

memoria colectiva como el causante de todos los males en la galaxia. Su especie, una que podría considerarse como “inferior” a los humanos, jugó un papel clave en la guerra contra los invasores, pero fue él quien unió a las diferentes razas del planeta, logrando por primera vez la paz en Naboo. Irónicamente, como suele jugar Lucas en su franquicia, este ser fue el único que mantuvo la esencia de los personajes originales del género fantástico: los caballeros, las princesas y los mentores rompieron los esquemas, mostrando a un maestro Kenobi duro y sin fe en su aprendiz, aquél joven y arrogante piloto que cometía error tras error. Jar Jar Binks fue ﬁel a su papel en la saga: un antagónico con alma de niño, lleno de comedia, dispuesto a hacer lo que sea por salvar a sus seres amados, deseando aprender lo más posible de sus superiores y arriesgándose cuando la situación lo ameritaba. Además, como modelo de negocios, Jar Jar Binks era perfecto. No como ejemplo a seguir, sino como producto para invadir la ropa, los juguetes y el resto de la mercancía. Para cuando el primer episodio estrenó, Jar Jar era el ser más popular de la galaxia, empatando en fama con el villano, Darth Maul. Su rostro, voz y ﬁgura eran

referentes de los años 2000, por lo que se convirtió en tema de mesas de debate para expertos en cine, arte e incluso sociología. Como si esto no bastara, Jar Jar fue explorado póstumamente en otros proyectos de Lucasfilm, buscando la “redención” entre el sector adulto. Es cierto que se vuelve pesado y molesto en las series animadas por su forma de expresar sus intereses, pero haciendo eso a un lado podemos conocer a Jar Jar como lo que realmente era: un acto de amor de un padre a su hijo y un negocio redondo. ¿Quién dijo que una está peleada con la otra? Gracias a Jar Jar Binks una nueva generación mantuvo viva a la franquicia de Lucas. Las ventas de juguetes de Star Wars aumentaron en las tiendas departamentales, los Jedi por fin regresaban de manera empática y con un agradable aliado naranja, Darth Vader poseía un pasado y la franquicia se mantuvo a flote durante 10 años más, hasta que fue comprada por de The Walt Disney Company. A él es a quien debemos en realidad el éxito de toda la saga. A él le debemos todo lo que tenemos ahora, así que... ¡gracias por todo y por tanto, Jar Jar Binks! Ahora que ya lo dijimos, por favor, que no se te ocurra regresar nunca más, Jar Jar.

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RASÚRATE COMO UNJEDI

SABEMOS QUE ESTÁS LISTO PARA RECIBIR EL EPISODE VIII,, THE LAST JEDI ESTE MES PERO, ¿ESTÁS REALMENTE LISTO, LIMPIO, RASURADITO? STAR WARS ES UNA SAGA que habla acerca de la cercanía entre el bien y el mal, aunque se piense lo contrario. Efectivamente la Alianza Rebelde no podría estar más lejos de la esencia del Imperio o de la Primera Orden pero en la Fuerza, cualquier mínimo desequilibrio te puede conducir hacia el lado oscuro; es una línea muy delgada la que divide el mal del bien en la Fuerza. Del mismo modo el bienestar de tu piel está vinculado a una rasurada perfecta, al ras, mediante un equipo que combine la fuerza para acabar con la barba pero siendo suave con la piel dejándola impecable. Philips es la propuesta más avanzada en cuanto a tecnología para obtener esa rasurada con el poder de la Fuerza. Justo esa combinación es la que nos brinda ahora lo último en cuidado de la apariencia masculina; la aplicación de tecnología de galaxias lejanas inspirada por la fantasía espectacular de la saga más grande del universo. Así como Star Wars es una celebración del arte y la vida, Philips conmemora la continuidad de la saga con una edición no especial, única en la galaxia, con rasuradoras que representan valores y personajes de Star Wars.

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exagonal de las huestes imperiales. El botón de encendido ostenta el logo de la Primera orden que brilla cuando está en uso. Si eres avezado en las artes de la fuerza, el botón lo oprimirás con la mente y tu cara brillará aunque tu corazón permanezca oscuro.

EL PODER DE LA OSCURIDAD

EL NUEVO ENTENADO

En el balance de la fuerza existe una atracción por la oscuridad; representada en el modelo SW9700 que ofrece el confort excepcional de una rasurada al ras, digna de quien no puede tener vello entre su rostro y la máscara que le permite respirar para dominar la galaxia. Ese corte único proviene de la tecnología V-Track Pro, creada por el Imperio y con un diseño acorde con su marcialidad; drámatico color rojo y degradados a negro con el característico patrón

El símbolo de la evolución de la saga y la tecnología, además del consentido de la nueva trilogía, BB8, se hace presente en esta edición exclusiva en el SW5700, ergonómico, naranja y blanco y con el sistema Philips MultiPrecision Blade que levanta y corta cada bello para una rasurad fuera de esta galaxia.

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ESTA NAVIDAD HAZ QUE LA FUERZA DE LA SUAVIDAD ESTÉ CONTIGO, SIEMPRE.

PROMOTION ¿Por qué oculta su rostro ese muchacho? / Kylo Ren tiene esa presencia por el desdén que siente por todos esos Jedis barbados / La SW9700, con su tecnología exclusiva V-Track Pro que asegura confort excepcional / BB8 se asoma a nueva era en rasuradoras / BB8 ahora es una máquina perfecta de afeitado, la SW5700 con tecnología Philips Multiprecisión.

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ASÍ COMO QUIEN GANA EN UN PROGRAMA DE CONCURSOS, PARECE QUE LOS PERSONAJES DE STAR WARS , UNA VEZ QUE TRIUNFARON, LO ÚNICO QUE QUE RÍAN ERA IR A DISNEYLANDIA. POR MARIO P. SZÉKELY

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ILUSTRACIÓN ALETS KLAMROTH

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ESPECIAL BB8 y Rey esperando

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que les caiga la respuesta del cielo / Kylo Ren y su ejército de huachicoleros / Finn Chewbacca y Han Solo con Storm Troopers bailando la Macarena / Finn tratando de convencer a Poe de que no quiere sus pertenencias.

5 se estrenó Star Wars: enge of the Sith, George Lucas que ya no habría más películas de s para él la pantalla grande sólo lbergar la historia de Anakin Skywalker, enso, caída y redención con la Fuerza. Lucas permitió que cómics, videojuegos y sobre todo) novelizaciones, exploraran a sus personajes consentidos, así como que crearan otros nuevos; incluso muy motivado produjo la serie animada de The Clone Wars —con eventos entre los Episode II y Episode III—, explorando más allá de la familia Skywalker. Llegó el año 2012 y, de pronto, el estudio Disney anunció con bombo y platillo que adquiría Lucasfilm LTD y, con ella, los derechos de los personajes de Star Wars. El cheque a nombre de George Lucas estaba acuñado con la cantidad de 4.06 mil millones de dólares, cifra récord para una transacción de este tipo. Disney de inmediato anunció que a partir de 2015 se estrenaría una película al año dentro del universo Star Wars y que se gestaría una nueva trilogía de cintas, llenando los espacios de episodios VII, VIII y IX. La transacción de Lucas con Disney no debió verse con ojos de sospecha. El autor de Star Wars, desde sus inicios en los años 70, había imitado el modelo de Walt Disney (con su venta de relojes de Mickey Mouse) para exigir los derechos de la mercancía relacionada con sus películas del espacio. Atracciones como Star Tours se edificaron en los parques de Disney a raíz de la confianza ciega que Lucas tenía en el estudio tras Blancanieves y La cenicienta. Para los seguidores del estilo de Lucasfilm, la confianza llegó al saber que en lugar de George se quedaba su exsocia productora en los proyectos de Indiana Jones, Kathleen Kennedy, brazo derecho también de Steven Spielberg en sus memorables E.T. y Jurassic Park, entre muchas otras producciones. Disney, ya con la experiencia de crear el Universo Marvel en el cine tras adquirir la casa de cómics que Stan Lee levantó con Spider-Man, Iron Man y The Avengers, sabía que podía crear

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una experiencia similar con Star Wars. El proyecto punta de lanza tendría que ser el Episodio VII, al cual le urgía un director y escritores. Sin complicarse la existencia, Disney llamó a J.J. Abrams, famoso por salvar al universo de Star Trek con sus modernas cintas en el 2009 y 2013, así como su poderosa serie de televisión Lost. Abrams, autocaliﬁcado como el más grande fan de Star Wars, expresó de inmediato su preocupación por hacerle justicia al universo de Lucas. Para eso contrató al guionista Lawrence Kasdan, quien coescribió The Empire Strikes Back y Return of the Jedi. No había duda que los Skywalker regresarían al cine, ahora con Mark Hamill y Carrie Fisher pasando los 60 años. Al lado de ellos, Harrison Ford (con 73), aún podría sentarse en los controles del Millennium Falcon. Y, ¡claro!, John Williams vuelve como compositor de la serie, creando nuevos temas musicales y trayendo consigo las tonadas del pasado al ritmo de “hace mucho, mucho tiempo, en una galaxia muy, muy lejana”.

Ubicada 30 años después de los eventos del Episode VI: Return of the Jedi, el Episodio VII nos situaría en una galaxia donde el Imperio no desapareció sino, mermado por el triunfo Rebelde, se reagrupó para convertirse en la Nueva Orden. La princesa Leia ahora ya es General y Harrison Ford se ha autodesterrado por razones familiares desconocidas, dejando a su pareja guerrera atrás con todo y sus peinados particulares y liderazgo incondicional a la Alianza Rebelde, ya transformada en la Resistencia. Y mientras el lado oscuro de la Fuerza se maniﬁesta en un Jedi que ya se ha sumido en él, de nombre Kylo Ren, nuevas alianzas han de formarse entre un piloto de la Resistencia, Poe, junto con un soldado que renuncia a la Nueva Orden, Finn, quien cruza su camino con Rey, una joven abandonada en el planeta Jakuu y con amplias habilidades provenientes de la Fuerza, aun cuando no está entrenada para

usarlas. Juntos deberán hacer equipo para buscar a Luke Skywalker e intentar detener a Kylo y a la Nueva Orden. Todo esto en el rebautizado Episode VII: The Force Awakens.

REY (DAISY RIDLEY).- Aunque Star Wars cuenta con un gran grupo de seguidoras, generacionalmente se le ha relacionado con todos esos niños y adolescentes que coleccionaban naves y ﬁguras de acción. Con la llegada del estudio Disney la atención se volcó en crecer la audiencia identiﬁcada con la princesa Leia. Rey nació para abanderar esta nueva generación de heroínas. El misterio alrededor de Rey es su procedencia, donde las pocas claves indican que fue abandonada en el planeta Jakuu, decidiendo no escapar de ahí por esperar que sus padres regresaran un día a recogerla. Además de las manifestaciones de la Fuerza, acrobacias perfectas, piloter naves (no

tan) soﬁsticadas como el Millennium Falcon y empuñar un sable de luz de manera natural, han hecho que Rey sea considerada la heredera de un poder tan signiﬁcativo como para cambiar el curso de la historia, así como para enfrentar la maldad de Kylo. La actriz Daisy Ridley fue reclutada por J.J. Abrams buscando replicar el espíritu de la saga original, donde no había estrellas de Hollywood representando a los protagonistas centrales. Ella surgió de pequeñas intervenciones en programas británicos de televisión. Abrams hizo varias pruebas con Ridley y sus posibles compañeros de reparto, buscando una química entre ellos a la Luke, Han y Leia. Los esfuerzos de la nacida en Londres fueron recompensados con una llamada del propio J.J: “Tu vida va a cambiar para siempre. ¡Bienvenida a Star Wars!” Durante meses, Ridley (de 23 años) tuvo que guardar el secreto sin decirle a sus padres siquiera. Nadie sospechó esa Navidad que en un año los niños de todo el mundo tendrían a Daisy bajos sus pinos.

FINN (JOHN BOYEGA).- Para el actor de origen inglés pelear contra seres alienígenas no fue una novedad en The Force Awakens, pues ya lo había hecho en la cinta de ciencia ficción independiente Attack the Block (2011). En Episode VII el personaje de Boyega es Finn, un soldado Stormtrooper que deserta de la Nueva Orden para unirse a la Resistencia. En su aventura conoce a Poe y luego a Rey, por quien siente afinidad y deseos de aliarse, siendo ambos aficionados a la historia de Luke Skywalker como líder Jedi.

POE DAMERON (OSCAR ISAAC).- Actor nacido en Guatemala que escuchó en su niñez que una de sus locaciones piramidales se usó para Star Wars: Episode IV (1977). Oscar tenía un récord de papeles menores en cintas, luego protagonizó Inside Llewyn Davis y A Most Violent Year; pero es su papel de piloto de la Resistencia, pilotando un X-Wing, el que lo presentó formalmente a la escena internacional. Poe es el soldado de más conﬁanza de la General Leia Organa, quien tiene ahora la misión

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ESPECIAL ESPE

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de seguir el rastro de un mapa que pueda indicar el paradero de Luke Skywalker, elemento clave para el triunfo de la rebelión.

personiﬁcó con tecnología de captura de movimiento al siniestro personaje.

BB-8.- Desde el inicio, Abrams propuso que HAN SOLO (HARRISON FORD).- El hombre que resolvía todo con una pistola blaster dejó su hogar y a Leia, su pareja, para junto con su ﬁel amigo wookie, Chewbacca, vivir del contrabando lejos de las narices de la Nueva Orden y buscando sanar viejas heridas del pasado. En algún momento su impulso de buen padre lo lleva a querer rescatar al casi convertido al lado oscuro de la Fuerza, Kylo Ren. El regreso de Ford a la franquicia de Star Wars encabezó las mejores noticias. Él había deseado que Han Solo muriera en sacriﬁcio dentro de la trama de Return of the Jedi y ahora podrían darle gusto en Episode VII.

debería existir para esta nueva trilogía un droide distintivo y que éste pudiera en verdad interactuar con los actores. El resultado fue el operado a control remoto BB-8, que utiliza una tecnología de magnetos.

CAMEOS.- El evento de rodar The Force Awakens atrajo a muchos fans del mismo medio. Abrams permitió que el actor y director Kevin Smith (Clerks) apareciera en un papel de extra disfrazado, mientras que al moderno 007, Daniel Craig, se le dio un papel de Stormtrooper en la escena del interrogatorio con Rey.

CARRIE FISHER (GENERAL LEIA ORGANA).- Como hermana de Luke Skywalker y expareja de Han Solo, Leia debe enfocarse en ser líder y pilar de la Resistencia, pero su corazón está en el horizonte, sabiendo que su hijo Kylo Ren sigue los pasos que su padre, Anakin, caminara alguna vez y que lo convirtieron en un ser corrupto y lleno de rabia. Fisher, quien muriera en diciembre de 2016 después de terminar la secuela Episode VIII: The Last Jedi, dejó en The Force Awakens un legado importantísimo al abrazar, como Leia, a la nueva heroína, Rey.

MAZ KANATA (LUPITA NYONG’O).- Todo aprendiz Jedi se cruza con personajes sabios en su vida, siendo Maz Kanata un personaje femenino milenario estacionada en los entretelones de una cantina del planeta Takodona. Ahí llega Rey para recibir de sus manos el gran trofeo del sable de luz de Luke Skywalker. La mexicanokeniana Lupita Nyong’o, ganadora del Óscar como Mejor actriz de reparto por 12 Years a Slave, fue invitada por su mirada expresiva y voz que invoca sabiduría de la naturaleza.

CAPITÁN PHASMA (GWENDOLINE CHRISTIE).Comandante de la legión de Stormtroopers de la Nueva Orden. Aunque no ha revelado su rostro, sabemos que hay una ﬁgura femenina con autoridad y poder debajo. Los aﬁcionados a la teleserie Game of Thrones saben bien que Christie es la guerrera con armadura Brienne de Tarth.

R2-D2 (KENNY BAKER), C-3PO (ANTHONY DANIELS), CHEWBACCA (PETER MAYHEW).- Los actores de la trilogía clásica de Star Wars regresaron a sus personajes tras las máscaras y armaduras. Algunos de manera más simbólica, como Baker (R2-D2), que aparece en una escena, y otros más a cuadro, como Daniels. Como el malvado Líder Supremo Snoke, el actor Andy Serkis (famoso por darle vida a Gollum en Lord of the Rings) prestó su voz y

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Tanto los avances tipo teaser y los tráilers de Star Wars, Episode VII: The Force Awakens rompieron récord en vistas en las redes sociales, volviendo al ﬁlme el evento obligado a experimentar la Navidad de 2015. A diferencia de la trilogía de 1977-1983, donde Lucasﬁlm hizo directo sus alianzas de negocios, ahora la empresa comprada por Disney en conjunto con los ejecutivos de la casa matriz consiguieron licenciar centenas de productos relacionados con la marca de Star Wars. Entre los aciertos se encontró el traer de vuelta en juguetes e imagen a los personajes de las cintas clásicas, como Darth Vader, aun cuando no aparecían en el Episode VII. La nueva entrega de Star Wars tuvo una buena aceptación por parte de la crítica especializada y, aunque hubo fans que se quejaron de que su estructura dramática se asemejaba mucho a la de 1977, no impidió que familias enteras vieran el Episode VII más de una vez, convirtiéndola en la película más

taquillera de la historia en Estados Unidos con 936 millones de dólares recaudados. Star Wars estaba de vuelta y nada podría detenerla.

REY Y BB-8.- El escenario es familiar: dunas de desierto, una ﬁgura beduina y un robot achaparrado y redondo. La joven pepenadora de basura, con los ojos puestos en el horizonte, camina a paso ﬁrme sobre la arena que intenta tragarla. A su lado, el recién llegado BB-8 rueda indicándole, rodada tras rodada, que su vida está por cambiar. EL MILLENNIUM FALCON PERSEGUIDO POR CAZAS TIE FIGHTER.- En el planeta Jakku se encuentran las ruinas de un Star Destroyer, mientras que Rey pilota la nave insignia de Han Solo, librando obstáculos en corredores profundos y usando la Fuerza sin saberlo.

EL REENCUENTRO CON EL PASADO.- Han Solo y Chewbacca, a bordo de una nave de carga, se cruzan con el Millennium Falcon. Al recuperarla y entrar en su cabina sólo se escuchan estas nostálgicas palabras por parte del expirata espacial: “¡Chewie, estamos en casa!”.

REY ES LA NUEVA ELEGIDA.- De las manos de la sabia Maz Kanata, la recién iniciada Rey recibe el sable de luz de Luke Skywalker, que perdiera en el duelo mítico de la Ciudad de las Nubes de The Empire Strikes Back. Rey y su negocio de autopartes del espacio / C-3PO atestigua el reencuentro entre el pirata y la princesa / Los malos aquí también son todos rubios / Poe es el nuevo héroe de la saga.

PAREJA LEGENDARIA.- Han Solo y la princesa Leia, ahora General, se funden en un abrazo. No hay mucho qué decir. Ambos saben se pertenecerán por siempre. MUERTE EN LA FAMILIA.- Una vez más, las dimensiones épicas y de un destino trágico estallan. Kylo Ren asesina a su propio padre y te deja bien claro que su consagración al lado oscuro de la Fuerza es inminente. No fue una escena fácil para los fans. EL DUELO: RAY Y KYLO son los dos lados de una moneda que aún no tiene calibradas sus energías. La primera se descubre hábil y poderosa, el segundo débil por primera vez en mucho tiempo pero con el deseo de guiar los pasos de esta joven que ha llegado recién al vecindario Jedi.

LA ENTREGA DE ESTAFETA.- En un momento épico sin diálogo, Rey encuentra a Luke Skywalker y le devuelve su sable de luz. No sabemos si ha caído el telón del pasado para dar la bienvenida a la nueva sangre Jedi o si apenas inicia el reclamo de los antecesores por aquello que se perdió y no se desea soltar. Y como todo buen cuento, lo más emocionante está apenas por comenzar.

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KY L O R E N E S S O B R I N O DE LUKE SKYWALKER Y TIENE MÁS FURIA QUE DARTH VADER. PENSAMOS QUE SÓLO SU TÍO ES CAPAZ DE DETENERLO, PERO ¿P ODRÁ LA PADAWAN RE Y PERSUADIRLO DE REGRESAR A LA PELEA? RIAN JOHNSON Y MARK HAMILL NOS HABLAN DE S TA R WA R S : T H E L AS T JEDI. POR JAMES DYER

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AN QUENTIN, LA PRISIÓN donde Johnny Cash hizo una presentación y que fuera hogar tanto de Charles Manson como de Danny Trejo, es el lugar más famoso del condado Marin, en California. Está construida alrededor de una casa color gris y crema con toldos a rayas azules. Si hay un centro en el universo de Star Wars, sin duda es esta propiedad con vista al lago Ewok.

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El Rancho Skywalker ha sido la residencia espiritual de Star Wars desde que George Lucas lo compró en 1978. Hogar de las oﬁcinas de Lucas, de Skywalker Sound y un pequeño viñedo que produce un Pinot Noir sorprendentemente bueno, el rancho ha incubado casi todos los proyectos de la saga desde The Empire Strikes Back. Se rumora que Lucas pagó por él 100 millones de dólares, pero su valor real se encuentra en un granero detrás de los establos. Dentro de esa construcción están los archivos de Lucasﬁlm y casi todos los props, vestuarios y artefactos que se han usado en la saga Star Wars a lo largo de 40 años. Entre sus múltiples repisas hay modelos de X-Wings como si fueran juguetes infantiles entre maquetas de varios prototipos para el Halcón Milenario. Entre un arsenal de sables de luz y otras armas reluce el Arca de la Alianza de Raiders of the Lost Ark y, tras ella, Harrison Ford todavía congelado en carbonita gris. Busca y encontrarás el último casco de Vader, aún crujiente de la pira de Endor

—una escena ﬁlmada de último minuto justo en este rancho en 1983 —. Si desearas inspirarte para continuar con la trama de Star Wars, no hay un lugar en toda la galaxia con más potencial que éste. “Pasé días enteros aquí”, se maravilla Rian Johnson. “Estar solo entre todos estos modelos y props, ¡fue increíble! La percepción de estas películas es que están planeadas por adelantado en alguna hoja secreta de papel, pero no es así. Ni siquiera me dieron un esbozo sobre a dónde ir o una lista de temas para tocar. Fue algo así como: ‘Ok, ¿y ahora qué sigue?’”. A diferencia de Luke Skywalker, el director de The Force Awakens, J.J. Abrams, no dejó ningún rastro críptico de la siguiente locación de la historia, ningún mapa escondido en la memoria de algún androide catatónico. Después de presentar a una nueva miembro de la Fuerza —Rey (Daisy Ridley)—, la historia de Abrams terminó en el planeta acuático-archipelágico Ahch-To, con un maestro Jedi desgastado por el

Rey hace salir al abue Luke para que se oree / Rian Johnson le explica a la Generala Organa cómo se usa la lavadora de monedas / Johnson y Chewbacca intercambiando memes.

tiempo y mirando a los ojos de esta joven cuando ella le muestra un artefacto que creía perdido desde hacía mucho. Eso fue todo. Una toma ﬁlmada desde un helicóptero, una fanfarria de John Williams y 10 minutos de créditos. No es una gran pista para lo que pueda ocurrir después. Con ese ﬁnal de Abrams como punto de partida, Johnson se forzó a mirar al renuente héroe de Star Wars bajo una nueva luz. “¿Quién es Luke Skywalker? Pero más que eso, ¿quién es él ahora? Crecí con una idea sobre quién es Luke y la pregunta era: ‘¿Por qué está en esa isla? Luke no es un cobarde, no se esconde de alguna batalla, así que debe haber una razón que tenga sentido para él’. Eso fue lo primero que tuve que responder. La semilla de toda la historia estaba ahí, sólo tenía que ir por ella”. Más de tres décadas después de darle la espalda a la galaxia, Luke Skywalker lleva una existencia muy diferente. Cansado y canoso, es un hombre que se separó de la vida que conocía y lucha con los demonios de su pasado hasta que,

sin anunciarse, una posible aprendiz lo localiza. Al final de un largo peregrinaje ascienden los infinitos escalones de su casa en Malibú y encuentran al Jedi solo en su ensoñación. Skywalker, confrontado por este peticionario, plantea una tarea muy específica. “Me hizo ver Sgt. Bilko”, indica Johnson. “Había ido a casa de Mark para conocerlo y no podía creer que nunca la hubiera visto. Así que me llevó a su cueva y pasamos un rato juntos viendo viejos programas de tele”. El episodio en cuestión —donde el chimpancé Zippy es reclutado por accidente en el ejército y después enfrenta una corte marcial— no es, uno podría pensar, el sitio más obvio para empezar un curso relámpago para escribir episodios de Star Wars. Pero mientras miraban, Hamill contó historias de Peter Cushing y Sir Alec Guinness; de largos días en los Elstree Studios y noches locas en Londres; de la arena tunisia al limo dagobahno y ese final en los cielos de Endor —Hamill recordó la saga desde la

perspectiva de Luke—. Johnson escuchó y, mientras lo hacía, una historia comenzó a surgir. “Tenía un par de ideas claves y después comencé a escribir libremente sobre cada personaje”, rememora. “¿Qué sé de ellos? ¿A dónde veo que van? ¿Qué sería lo más difícil que cualquiera de ellos enfrentaría? Comencé con un documento que crecía y crecía, y entonces una línea comenzó a hacerse clara”. Si Luke hubiera encontrado el primer templo Jedi entre las rocas de Ahch-To, ¿qué signiﬁcaría ello? ¿Qué habría dentro? Y lo más importante: ¿por qué él lo necesitaba? Traicionado por su pupilo —su sobrino Ben Solo— y con todos los Jedi corrompidos o asesinados, ¿podría Luke, como hizo Obi-Wan, buscar tranquilidad en el exilio? “Estaba aterrado pensando que iba a ser como Barton Fink, con un guion que debía entregar hace seis meses y apenas voy en la página tres”, ríe Johnson. “Pero nunca me había divertido tanto al escribir algo. La vivencia total

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fue increíble, desde regresar a mi yo de 10 años. Aunque sea Star Wars, me siento como cuando hice Looper o Brick o The Brothers Bloom”. El director de 43 años, conocido por ese trío de ﬁlmes independientes y realizador del mejor episodio de Breaking Bad (“Ozymandias”), armó The Last Jedi momento a momento. Tenía un título —“Eso me llegó muy al principio, parecía muy obvio”—, una historia y a Luke Skywalker: un personaje central que era familiar y, adelanta, por completo inesperado.

“OH, BABY, ¡VAYA QUE ME ENCANTARÍA interpretar a mi gemelo malvado!”, declara Mark Hamill, saltando con gusto ante el prospecto. “Sería genial porque podrías no revelar que es el Luke malvado hasta que el verdadero Luke aparezca. Podríamos ver a este tipo terminar con los buenos en secreto, quizás hasta asesinando a algún personaje de reparto sólo para que todos se pregunten qué diablos pasa. ‘¡Está loco!’. Y después, claro, el buen Luke aparece”. Ésta, debemos enfatizar, NO es la trama de The Last Jedi ni la respuesta de Johnson al misterio de Skywalker. Es la visión de Hamill sobre dónde debió terminar el héroe de la Alianza Rebelde. “Cuando sugerí esa línea narrativa me dijeron que ya se había hecho”. Se le nota de verdad desilusionado, y luego hace de lado la objeción con un gesto. “Aparentemente en una de las novelas de Star Wars clonan a un Luke malvado a partir de la mano que le cortó Vader. A lo largo de los años ha habido tantas transformaciones de estos personajes que ya no queda mucho. ¡Eso es muy limitante!”. Hamill es, por admisión propia, “una fuente de ideas terribles”, desde tratar de que George Lucas hiciera que Boba Fett fuera la madre de Luke disfrazada —“Ella era una doble agente, ¿ves?”— hasta un clímax más realista para The Force Awakens —“Leia me contacta telepáticamente, yo llego, me enfrento al peligro y me apresuro al lado de Solo”—. Pero aunque no le sorprende que sus ideas alocadas hayan sido dejadas de lado, sí esperaba que J.J. Abrams le diera un poco más qué hacer. Después de casi un año de entrenamiento intensivo y una dieta que daría envidia a la mayoría de los velocistas olímpicos —“No he visto una papa frita desde el verano de 2012”—, a Hamill le dieron un papel que consistió de una escena, dos tomas y ningún diálogo. “J.J. es un sádico”, gruñe. “Si me hubiera conﬁado que toda la película trataría de ellos buscándome, habría estado bien. En lugar de ello me dijo: ‘Te voy a mandar el guion. Léelo desde la página uno e imagínalo como una película’. Te diré esto: cuando me llegó el guion de Episode VIII me fui a la última página y comencé a leer de atrás para adelante”.

THE FORCE AWAKENS PUDO SER una cinta sobre Luke Skywalker, pero The Last Jedi sí lo es. Desaparecido desde hace décadas, con su conﬁable X-Wing oxidándose y llenándose de percebes bajo las olas, Luke encuentra redención en Rey: una pepenadora de Jakku, una posible padawan en quien la Fuerza ya se muestra, es autodidacta y tiene el poder de los

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La Capitana Phasma con su armadura recién chaineadita con Brasso, escoltada por Stormtroopers sospechosamente chaparros.

Jedi. Ella busca a Skywalker para que la guíe y él acepta entrenarla. Hamill nos dice que no es el tipo de entrenamiento al que estamos acostumbrados —“Rey no corre cargándome en su backpack”— ni Skywalker es el maestro que Rey esperaba. “Él ha cambiado mucho”, aﬁrma Hamill. “Fue un shock para mí leer lo que Rian había escrito y estoy seguro de que lo será para la audiencia. Me sorprendió la manera en que vio a Luke —escucharlo decir algo como: ‘Es hora de que los Jedi se acaben’— y ni siquiera estaba seguro de estar de acuerdo con eso. Al ser el cuidador del personaje, tengo una actitud posesiva hacia él, pero aunque no es el camino que yo habría seguido, entre más me adentré en el trabajo, más noté que estaba equivocado”. The Force Awakens, con sus planos robados, su valiente huérfana y su arma mortal con fallas estructurales fue un homenaje a la Star Wars original: una carta de amor de J.J. Abrams a la película que le dio forma a su infancia. En lugar

de tratar de reinventar la obra espacial de Lucas, Abrams eligió revitalizarla actualizando al Imperio con la Primera Orden y continuando el legado de Vader a través del volátil Kylo Ren. Los Stormtroopers fueron estilizados, los X-wings mejorados, y con Rey y Finn (John Boyega) llegó una nueva generación de héroes. Para la vieja guardia, el golpe emocional fue un trancazo: viejos amigos volvieron y fueron arrancados abruptamente. Y Luke, el chico al que conocimos hace 40 años, era ahora un viejo ermitaño y silencioso en un promontorio azotado por el viento. ¿Emoción? ¿Aventura? Un Jedi no ansía eso, pero para las audiencias Episodio VII fue todo lo que esperaban del regreso de Star Wars. Y ahora Rian Johnson tiene que darle seguimiento. Porque si The Force Awakens fue la Star Wars de Abrams, entonces The Last Jedi tiene que ser el Empire Strkes Back de Johnson. “Esta es la segunda entrega de la trilogía, así que es fácil dibujar paralelismos con The Empire

CINCO ÚTILES TEORÍAS SOBRE EL LÍDER SUPREMO, ANTES DE QUE ENTRES AL CINE

Darth Plagueis La reina de las teorías de Snoke. Palpatine le cuenta a Anakin la historia de Darth Plagueis en la burbuja flotante en Revenge of the Sith. Impregnado de la Fuerza, Plagueis es un Muun, no muy diferente a Snoke. ASÍ LO VIMOS EN: Looper.com

Mace Windu Windu se fue al lado oscuro como revancha para matar a los hijos de Anakin Skywalker, y la Fuerza del rayo de Palpatine alteró su apariencia. Porque tener a Andy Serkis en lugar de a Samuel L. Jackson para la captura de movimiento es el misterio real. ASÍ LO VIMOS EN: Inverse.com

Vaneé

en términos de una sensación más oscura”, reﬂexiona Johnson. “Y escarbamos en los personajes: los retamos y las cosas serán muy difíciles para todos. Pero no quería que fuera demasiado oscura. Una de las cosas que noté en la cinta de J.J. fue que era juguetona y divertida, y eso es tan Star Wars como el ‘Yo soy tu padre’”. La primera adición a la cartografía de Star Wars involucra a un montón de luces brillantes y un horizonte que pulsa como la avenida de casinos de Las Vegas. De hecho, si el Bellagio se expandiera para cubrir la mitad del desierto de Mojave, reemplazando cada autopista con salas de juegos y apostadores de altos vuelos, podría acercarse a la opulencia de Canto Bight. Esta ciudad casino, adonde la élite de la galaxia llega para gastar sus cuestionables créditos, es uno de los escenarios de The Last Jedi. “Quería un ambiente nuevo que fuera como un balde de agua fría a la mitad de la historia”, agrega Johnson. “Aparte de las precuelas, todo lo que hace que algo se sienta como Star Wars

involucra polvo y mugre. Yo quería algo diferente en absoluto. Me pregunté cómo sería el Monte Carlo del universo Star Wars”. En una de sus casas de juego, un alien con cara de perro hace rodar dados a lo largo de una mesa de felpa roja mientras una criatura con cara de yak muestra una mano ganadora de sabacc. Con una amplia gama de apostadores nacidos en el taller de criaturas de Neal Scanlan y no en los servidores de ILM, Canto Bight era tan vibrante en pantalla como fuera de ella. “Es como Mos Eisley, pero todos ahí son patanes ricos en lugar de tipos del bajo mundo. De hecho, ellos son peores: son patanes del bajo mundo que visten smokings y tienen yates”. Menos limoso pero igual de turbio es D.J. (Benicio del Toro), una gran adición al elenco, con su comportamiento peligroso y su gabardina de cuello alto como un Deckard venido a menos. También es presentada la vicealmirante Amilyn Holdo, una oﬁcial de la Resistencia interpretada por Laura Dern. La valiente mecánica Rose Tico

Vaneé es el aliado de Darth Vader que le informa al Lord Sith de la llegada de Krennic en Rogue One. Supuesto acólito de Vader, se especula que Vaneé juró manipular al nieto de Vader hacia el lado oscuro, lo que explica que Ren tenga la máscara de Vader. ASÍ LO VIMOS EN: Fandom.wikia.com

El padre de Anakin Anakin es producto de una concepción inmaculada. Pero una teoría predice que Snoke será revelado como el padre ausente de Anakin, dándole a The Last Jedi una revelación onda The Empire Strikes Back. ASÍ LO VIMOS EN: Cheatsheet.com

Un personaje nuevo Aftermath, la novela precuela de Force Awakens, de Chuck Wendig, sugirió que luego de la era Jedi, los últimos leales al Imperio huyeron a las Regiones Desconocidas. ¿Pudieron toparse ahí con Snoke, quien los convirtió en la Primera Orden? ¿O sólo se trata de Mike Snoke? ASÍ LO VIMOS EN: Screenrant.com

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(Kelly Marie Tran) y su hermana Paige (Veronica Ngo). Johnson habla sobre expandir los rangos de Star Wars, desarrollar a los jóvenes héroes del ﬁlme y pelar las capas del Jedi erosionado de Hamill. Pero entre todo eso, hablar de un rol en particular hace que el director se avive. Todo mundo adora el lado oscuro. “Escribir a Kylo Ren es una gran diversión”, señala incapaz de suprimir una sonrisa pícara. “Star Wars se reduce a la transición de la adolescencia a la adultez. Eso es lo que hay en el corazón de estas películas y Rey es la más obvia. Pero también es Kylo. En las originales lo proyectas en Luke, mientras que Vader es el otro aterrador, el minotauro. Lo fascinante de Kylo y Rey es que son dos lados de algo. Todos podemos identiﬁcarnos con Kylo, con el enojo del tormento adolescente y tratar de decidir quién va a ser como hombre; lidiar con la rabia y querer separarse de su familia. No es Vader —al menos no es Vader todavía— y eso es algo en lo que de verdad quería clavarme”.

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Con cicatrices por dentro y por fuera después de su duelo en el bosque con Rey, Kylo Ren (Adam Driver) inicia The Last Jedi llamado por su maestro. En cuanto al Líder Supremo de la Primera Orden, visto hasta ahora a través de un holograma gigantesco, Episode VIII por ﬁn revelará a un Snoke (Andy Serkis) de carne y hueso. Pero no esperes atisbar al interior desnudo del personaje. Johnson es de la opinión de que tratándose de villanos, menos es más. “En las precuelas tenemos toda la historia del ascenso de Palpatine al poder, pero en los ﬁlmes originales es lo que necesita ser, simplemente ‘el Emperador’. Es una fuerza oscura. Así fue exactamente mi acercamiento a Snoke. No me interesaba explicar de dónde venía ni contar la historia de su vida, excepto si le servía a la trama”. Lo que descubriremos es lo que pasa con Finn después de su herida de sable casi fatal, si la Nueva República sobrevive la destrucción de su capital, Hosnian Prime, y cómo la Primera Orden

se sobrepone a la pérdida de su arma suprema. Veremos ecos de Episode V cuando Rey comience su entrenamiento y los Assault Walkers enfrenten a los Skimmers de la Resistencia en las planicies de sal de Crait. También regresaremos a Ahch-To para obtener por ﬁn la respuesta sobre Skywalker que dio inicio a todo esto.

“FUE UNA COSA EPISODE VII, donde no tengo que hacer mucho”, reﬂexiona Hamill. “Si era un fracaso, no sería mi culpa. Pero la presión en ésta es enorme. Me encanta actuar en el teatro fuera de Broadway o el anonimato de la animación. Hay un nivel de comodidad en ello. Con Star Wars, ¡dios mío! Es demasiado y nunca termina. Es aterradora y a veces ya no quiero lidiar con ella. Fue divertido cuando estaba en mis veintes, pero ahora…”. Con una taquilla de más de dos mil millones de dólares, The Force Awakens tiene una sombra muy larga. Ahora que sale al frente es fácil ver por qué Hamill se siente ansioso sobre el futuro

Finn y Rose (Kelly Marie Tran) en la ciudad casino de Canto Bight / Poe Dameron es intolerante a la lactosa / Kylo Ren se pregunta en soledad: “¿Ser o no ser del lado oscuro?”.

inmediato. Él, como el mismo Skywalker, ha estado en el exilio durante mucho tiempo. Sin embargo, cuando la conversación gira hacia el pasado, se relaja visiblemente y cualquier signo de ansiedad se disuelve en los gratos recuerdos. Escuchar a Hamill contar anécdotas sobre la realización de la trilogía original debe ser uno de los mayores placeres de la vida; es fácil ver cómo atizó el entusiasmo de Johnson hace meses. “¿Recuerdas cuando Han Solo voltea hacia mí desde una torreta del Halcón Milenario y me dice: ‘Grandioso, chico. Pero no te vuelvas arrogante’? Eso fue un invento total de Harrison. Cada vez que yo quería cambiar un diálogo en Star Wars le preguntaba primero a George y él me decía que no, que lo dijera como estaba escrito. Pero Harrison me dijo: ‘No le preguntes, ¡sólo hazlo! ¡Muchas veces ni siquiera se da cuenta!’. Así que eso hicimos. Esa parte en la Estrella de la Muerte cuando suelto: ‘No veo nada con este casco’, fue un diálogo que dije en los ensayos”.

Después de 40 años, la barra y las apuestas son bastante más altas. Los fans se cuelgan como mynocks a cualquier clave sobre la trama, quieren un vistazo de Finn y Rose en uniformes de la Primera Orden y de los porgs. Las expectativas son enormes pero Johnson, a diferencia de Hamill, parece tranquilo por completo, dejando que todo se le resbale con una despreocupación casual. “Estoy muy zen”, responde calmadamente. “Espero con ansia la reacción de la audiencia después de que vean el resultado. He sido parte de los fans de Star Wars desde hace 40 años y siempre hay reacciones complicadas. Pero espero éstas con ansias: las buenas y las malas”. En un mes podremos ver la visión de Johnson del último Jedi. ¿Quién es de verdad? ¿Cuando destrone al Emperador y desarme al Señor Oscuro de los Sith, en qué se convertirá? “Esa es la pregunta con la que empecé y la manera más interesante de responderla fue haciendo esta cinta”, nos comparte parándonos

en seco. “Es lo que quiero que la gente llegue preguntándose y lo que espero que descubra a lo largo del ﬁlme”. Y luego, como Abrams antes de él, Johnson se irá felizmente dejando que J.J. termine la saga como la Fuerza le dé a entender. “No me dirigieron y no le he dado a Colin un esbozo de hacia dónde creo que deba seguir. Él reaccionará a lo que considere emocionalmente importante y descubrir qué tiene sentido para él a partir de ello”. ¿No hubo palabras de sabiduría? ¿Ningún consejo antes de irse? ¿Podría Johnson convertirse en el maestro Jedi de Trevorrow como Hamill lo fue de él? “No lo sé. Ya veremos”, ríe. “Sólo espero no ser su Greedo”. Al menos en este caso sabemos con seguridad quién disparó primero. STAR WARS: THE LAST JEDI ESTRENA EL 15 DE DICIEMBRE.

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Con Suburbicon, George Clooney se embarcó en una atrevida misión: descongelar una historia de hace 30 años de Joel e Ethan y realizarla él mismo. Esta es su guía para ser un Coen.

POR IAN NATHAN

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eorge Clooney está haciendo una imitación de los hermanos Coen. No de Joel o Ethan, sino un combo típico de Ethan y Joel, unidos en la diversión. “Eso es chistoso. Ok. ¿Por qué no? Ja, ja, ja…”. Después de casi 20 años de ser el hazmerreír de sus chistes en pantalla, los llamó para pedirles un favor. ¿Qué pensarían si dirigiera su siguiente película? El guion que tenía en mente se llamaba Suburbicon y mostraba la típica infusión de múltiples venenos, fraudes a aseguradoras, asesinos ineptos y venalidad sin sentido ubicada, como el título sugiere, en un suburbio pristino estadounidense. Él haría los arreglos necesarios, elenco, ﬁlmación, edición y deshacerse de los cuerpos. Ellos podían quedarse en la cama. Otra cosa: ¿les importaría si cambiaba un poquito su no realizada trama de un allanamiento de morada? Bueno, más bien un montón. Quería que fuera relevante. Clooney enciende su motor Coen de nuevo: “Claro. Adelante. Ja, ja, ja…”. En el revuelo del Venice Film Festival, donde Suburbicon está debutando, Clooney es un oasis de carisma. La estrella de 56 años es imperturbable aun cuando lo bombardean con preguntas sobre el actual presidente de su país. De hecho, esas preguntas son más relevantes para su nueva cinta de lo que te podrías imaginar: después de todo, los hermanos Coen podrían haber inventado a Donald Trump, otro idiota estadounidense con cabello raro. Y el Estados Unidos de Trump es la razón principal por la que Clooney quiso realizar Suburbicon. Pero aunque George Clooney es George Clooney, no es un Coen. Lo que tenía que hacer era pensar como un Coen, actuar como un Coen y dirigir como un Coen. A continuación están todas las reglas que siguió para armar su nuevo ﬁlme.

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MIRA EN TU CORAZÓN “Había pasado como un año buscando algo que dirigir”, nos cuenta la estrella. “Mi agente me dice que leí 80 guiones”. Niega con la cabeza. “La mayoría no deberían ser convertidos en ﬁlmes, y en cuanto a las megaproducciones de acción, yo no soy el indicado para ellas. En resumen: no encontraba una trama”. Corte a las elecciones presidenciales en Estados Unidos cuando el impensable bufón tomó el escenario central bajo un montón de pelos anaranjados, como indica Clooney, amenazando con “construir muros y convirtiendo a las minorías en chivos expiatorios y toda esa mierda”. Tembló al pensar en las semejanzas con la época de McCarthy que mostró en su segunda producción como director: Good Night, and Good Luck. También había resonancias con la sucia campaña de The Ides of March, su cuarta. Pero para capturar este nuevo nivel de locura necesitaba buscar en el oscuro pozo de los hermanos Coen.

BUSCA EN EL FONDO DEL CAJÓN DE LOS COEN

Suburbicon no es un guion recién salido del horno. Los Coen lo escribieron a mediados de los 80, cuando Blood Simple ardía con un rastro irónico de misantropía tejana. Se quedó atorado en Warner Bros. durante 30 años, hecho menos por demasiados productores y estrellas potenciales. “Esta es una enfermedad que a veces sufren los buenos proyectos”, suspira Clooney. “Toda esta gente acepta y luego exige una cantidad ridícula de dinero. De pronto resulta que es prohibitivamente caro hacer la película”. Ocasionalmente, los hermanos lo intentaban. Sus guiones permanecieron durmientes varias veces: The Hudsucker Proxy tenía una década, Fargo había sido dejado de lado durante años mientras que A Serious Man comenzó su vida como parte de una propuesta de cortos locos. Clooney leyó Suburbicon por primera vez en 1999, cuando los Coen pensaron en él para el papel de un investigador sucio de una aseguradora que huele la corrupción en el ambiente. Pero no llegó a nada.

A Margaret (Julianne Moore) no le gustan los términos de Bud / El director y guionista

Gardner (Matt

George Clooney

Damon) con Bud, el

canaliza su mejor

tipo del seguro

Joel en el set.

(Oscar Isaac).

Como es un “coenista” jurado, Clooney admite que Suburbicon todavía necesitaba trabajo. “No había un acto ﬁnal bien formado y habían hecho cintas con los mismos temas. Como que se estaban pirateando a ellos mismos: Fargo y Burn After Reading tienen los mismos tipos de desventurados malandrines y así”. Seguro ya sabes cómo Suburbicon te lleva a otra trama de los Coen. Detrás de las cercas de madera de un suburbio impecable, un asesinato bastante ordinario se sale de control. El poco excepcional contador Gardner Lodge (Matt Damon), su esposa malgeniuda, Rose (Julianne Moore), y su hijo de nueve años, Nicky (Noah Jupe), deben sobreponerse a que un par de villanos ineptos (Glenn Fleshler y Alex Hassell) invadan su casa y ocurra una tragedia. Como esta es otra historia de los Coen donde los niños son mucho más inteligentes que los adultos adultos, Nicky comienza a sospechar que el crimen pudo haber sido tramado, sobre todo cuando aparece Margaret, la hermana gemela de Rose (también interpretada por Moore). Aparte del incrédulo de Nicky, todos son horripilantes en esencia. Otra comedia estadounidense tan dulce como un lobo acorralado.

APRENDEDELOSMEJORES

No fue sin trepidación que Clooney y su socio en guionismo y producción Grant Heslov (el Ethan de su Joel) se pusieron a rehacer Suburbicon. En los diálogos agudos como navajas de los Coen, ninguna sílaba está fuera de lugar. La improvisación no es motivada. Mantente apegado al plan. “Cuando hice O Brother, si cambiaba ‘damn’ por ‘darn’, que es lo mismo, me caían encima”, ríe Clooney. “Son muy estrictos”. Sin embargo, si pasas el tiempo suﬁciente metido en esto, lo captas. “Esa naturaleza repetitiva, ciertas palabras que usan con frecuencia. No digo que yo sea los hermanos Coen, ese no es el punto. El punto era que teníamos que encontrar la manera de expresar su forma de hablar hablar, y eso no es fácil” fácil , explica Clooney. Además, ellos siempre estaban del otro lado del teléfono si quería probar una idea: “Ajá, ajá, ajá”. Y ya. Cuando les mostró la película terminaba —“lo cual, como te puedes imaginar, fue enervante”—, lo primero que mencionaron fue

una escena suya que había sobrevivido lla textualidad. En ella el investigador de laa aseguradora (Oscar Isaac) amarra a Moore con nudos verbales. “¡Oye, esa escena funcio ona!”, dijeron los hermanos. Después le dieron n una crítica más amplia. “De verdad amaron la película”, recuerda un aliviado Clooneyy. El ﬁlme recibió una recepción mixtta por parte de los críticos en Venecia. Sin emb bargo, siguen siendo disfrutables los temas obvvios de los Coen, incluyendo el par de asesinos que llegan a la historia en un vocho destartaalado para hacer un trabajo sucio. “De inmediato p piensas en Fargo”, responde Damon. La cámara su uele estar detrás de un par de tacones voladores o en un primer plano sin ﬁn de una cara sonrien nte. Pero si algo hizo Clooney fue subirle a la maldad de la historia. Con orgullo admite que una escena en la que el cada vez más perturbado Damon amenaza con asesinar a su propio hijo mientras come ruidosamente un sándwich de queso es confección completamente suya y de Heslov. “Esa escena es una locura”, admite Damon. “Aunque bromeaba con Noah entre tomas para tratar de aligerar el ambiente, después me enteré de que regresó a su tráiler y lloró porque no

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logramos lo que queríamos de él. Al día siguiente George dijo: ‘Mira esto…’. Me puse los audífonos y George lo estaba regañando y él lloraba a gritos. Y al ﬁnal de la escena Noah le sonríe y le da esos cinco”. Los Coen estaban tan impresionados por la habilidad de Clooney de imitarlos que insistieron en compartir el crédito del guion. “Créeme, Grant y yo no queríamos ﬁgurar en ningún momento como guionistas”, nos asegura Clooney. “Lo último que quieres es tu nombre junto al de los hermanos Coen, no soy estúpido. Pero ellos insistieron: ‘No hay jodida manera. Ustedes hicieron esto así que pónganle su nombre’. Insistieron tanto que terminó por ser algo irritante”.

MANTENLO EN FAMILIA

Mientras que Clooney podría haberse quedado sólo en la seguridad tras la cámara, su elenco tenía un nombre de por medio. Damon (True Grit), Moore (The Big Lebowski) y Isaac (Inside Llewyn Davis) han pululado por el Coeniverso. De hecho, Damon, más llenito y con lentes, fue la única elección de Clooney para su homicida común. Es una estrella de cine que fácilmente puede parecer “el papá de alguien”. Habiendo terminado cinco películas al hilo, Damon había planeado pasar un tiempo con su muy funcional familia, así que cuando Clooney requirió su presencia en Suburbicon, lo rechazó. “Se filmaría en Atlanta, así que le escribí y le dije que prefería que me torturaran antes que decir que no a una de sus películas, pero quería estar con mi familia”. Media hora después Clooney volvió a escribirle: “¿Y si filmamos en Los Ángeles?”. Josh Brolin (No Country for old Men) era otro veterano de los Coen que aparecía en el filme como un entrenador de beisbol que enseña a quienes tiene a su cargo lo que significa la palabra “joder”. Pero terminó en el piso del cuarto de edición. “Cuando hicimos proyecciones de prueba era la escena más chistosa, pero le daba al niño un adulto a quien podía acudir. Tuvimos que sacarlo de nuestro

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mundo”, revela Clooney. Invasion of the Body Snatchers nos viene a la mente. Mientras tanto, Moore estaba encantada de volver a los personajes “elevados” de los Coen. Aunque no está tan en tu cara como Maude en The Big Lebowski, Rose es muy espinosa y Margaret una violeta marchita con un corazón de piedra. “Cuando estás ﬁlmando te preguntas dónde habita la cinta, cuál es la realidad de su mundo”, agrega.

UBÍCALA EN UN ESTADOS UNIDOS MENTAL

Cuando vio por primera vez la notoria llamada de Trump (“Haz a Estados Unidos grande otra vez”) en su tele, a Clooney se le ocurrió que se refería a los míticos Estados Unidos de los 50. El sueño americano de prosperidad, alegría y electrodomésticos siempre que fueras blanco, heterosexual y hombre. “Cuando de hecho sabes que todos cogían en el asiento trasero de sus autos y todo mundo se embarazaba y los negros no podían sentarse en la barra de un restaurante”, suelta. “Todo eso

ocurría justo bajo la ilusión de lo hermoso que era el país entonces”. Para alimentarse del fervor nacionalista de Trump, a Clooney le resultó relativamente fácil redirigir el drama del guion original de la era consumista Reagan de los 80 a los “tiempos mejores” de los 50 de Eisenhower, cuando los suburbios surgieron por todo el país. Era una década que pudieron haber inventado los Coen: una visión hiperrealista y casi herméticamente sellada de Estados Unidos. “Son tan especíﬁcos en lo que escriben que crean un mundo en sus guiones, en los personajes, en el diálogo. Pero debajo ﬂuye una corriente subterránea…”.

BÁSALO EN UNA HISTORIA REAL... SÍ, EN SERIO

Clooney se topó con un corto documental titulado Crisis In Levittown, dirigido por Lee Bobker y Lester Becker en 1957. Con pietaje en blanco y negro muestra la mudanza de una familia afroestadounidense a un suburbio. “En

Más guiones de Joel y Ethan que los hermanos no han realizado

TO THE WHITE SEA Adaptación de una historia de James Dickey sobre un tirador aéreo estadounidense. Iba a realizarse en 2002 con Brad Pitt.

62 SKIDOO En esta misteriosa comedia de la Guerra Fría iba a salir el verdadero Henry Kissinger. Nos imaginamos que el título está inspirado en el dicho “23 skidoo”, que se traduce como “sal de ahí mientras todo va bien”.

THE CONTEMPLATIONS Antología de cortos filosóficos enmarcada por un viejo en una librería polvosa leyendo. Cada corto es un capítulo. O Brother, The Man who wasn’t There y A Serious Man comenzaron como parte de Contemplations. ¿Está a punto de enloquecer Gardner? / La joven estrella Noah Jupe se pregunta cuándo es su turno.

seis horas había 500 personas enojadas en su jardín”, Clooney mueve la cabeza con desaprobación. “El tema no es nuevo. Es nuestro pecado original”. Se dio cuenta de que los tiempos exigían más que una imitación de los Coen. “Sólo déjame decir que mis directores favoritos de todos los tiempo son quizá los Coen. Estos tipos le han dado al blanco durante treinta y tantos años”, dice. “Pero sus películas no siempre tienen una razón. Les gusta que no tengan un motivo. Tienden a tener un poco menos corazón en ciertas áreas. Eso es parte de lo que los hace mis realizadores favoritos. Pero yo sentí que era importante mostrar lo que pienso personalmente sobre algunas cosas”. Así que Suburbicon podría ser mejor descrita como “Cl “Clooneyesca”” porque ell actor-director di mezcla la visión satírica de los hermanos con esta rebanada vil de historia real, hasta incluyendo escenas del documental. Una súplica pasional directa del corazón, la dramacomedia salta del asesinato clasemediero a la siguiente calle, donde una familia negra acaba de mudarse, aguantando estoicamente las reacciones racistas de sus vecinos. La ironía es que los crímenes se apilan en la casa blanca mientras que es la familia negra

—inocente— la culpada. “Crecí en Kentucky durante el movimiento por los Derechos Civiles”, rememora Clooney. “Puedo hablar de hombres blancos pensando que su mundo se acaba y culpando a las minorías por ello”. El suburbio venenoso del filme nunca es ubicado con precisión, pero como Levittown estaba en Pennsylvania, en el noreste de Estados Unidos, Clooney estaba decidido a mostrar el racismo lo más alejado del sur. “Todas las películas que ves sobre racismo son Mississippi Burning. Por eso quería un filme que tuviera una sensación muy noreste”, ríe. Cuando estaba clavado en la edición de Suburbicon, y con Trump instalado en la Casa Blanca, imágenes de supremacistas blancos marchando en Charlottesville dejaron sorprendido did a Clooney. Cl V Volviendo l i d a su cinta, i vio i un mar de caras blancas en el césped de sus nuevos vecinos —la vida imitando al arte imitando a la vida. Diablos: la vida imitando a los hermanos Coen—. “Las mejores películas reflejan su lugar en la historia”, concluye Clooney. “Esta es una película de los Coen muy enojada”.

THE YIDDISH POLICEMEN’S UNION Del autor Michael Chabon, sigue un homicidio en Alaska, inventando un slang basado en yiddish. Sin embargo, en 2012 Chabon dijo que “parece que los hermanos siguieron con otra cosa”.

PELÍCULA SIN TÍTULO SOBRE UNA ÓPERA Promoviendo Inside Llewyn Davis, los Coen sugirieron que trabajaban en un filme del mundo de la ópera. “Tiene piezas musicales tradicionales”, indicó Joel, lo cual no significa que sea un musical.

THE SONS OF BEN COFFEE ¿Podría ser este el origen de The Ballad of Buster Scruggs, su próximo western en Netflix? Fue, afirmó Ethan, un “tipo de contemplación del paso del hombre en la Tierra en el Viejo Oeste”.

BLACK MONEY Adaptación de la obra noir y violenta de Ross Macdonald, que estaba en planes de realizarse con Warner Bros. en 2015. Hubo una versión en 1966, Harper, con Paul Newman como el detective Lew Harper.

SUBURBICON ESTÁ AHORA EN CINES COMERCIALES.

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LOS REGALOS Y BUENOS DESEOS DE ESTAS FECHAS NO LLEGAN A TODO EL MUNDO. EL CINE NOS HA DEMOSTRADO QUE LAS TRAGEDIAS TAMBIÉN PUEDEN APARECER EN LA BOTA DE LA CHIMENEA. POR JESÚS CHAVARRÍA

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HORA RESULTA QUE EN ESTAS FECHAS todo el mundo está feliz y regala paz y amor. No puede uno salir y dar unos cuantos pasos en la calle sin encontrarse a personas que van por ahí repartiendo asﬁxiantes abrazos y quesque buenos deseos. Y lo que es peor: se la pasan cantando villancicos mientras preparan ﬁestas con luces de bengala y piñatas, salpicando todo con su espíritu. Pero si algo nos ha enseñado el cine es que detrás de esa fachada, sólo se esconde una serie de jornadas que con facilidad pueden convertirse en recuerdos trágicos. Para constatarlo, el espíritu grinch de EMPIRE te invita a dar una vuelta por algunos casos que son para llorar.

Rebelióndelospingüinos

Batman regresa Tim Burton, 1989 Nadie pone en duda que se trata de una de los mejores filmes que se han hecho sobre el Vigilante de Ciudad Gótica, pero eso de que en plenas posadas, un sujeto con aspecto de pingüino esté rondando la urbe para secuestrar niños, colocando murciélagos en el árbol de Navidad de la plaza principal y matando de paso a Miss Gotham hace que a cualquiera se le atragante el pavo. Por eso no ponemos arbolito, aunque lo haríamos si una gatita como la que sale ahí lo pide. SIEMPRE PUEDE SER PEOR Con un Batman cuyo traje marcara intensamente sus pezones y, luego de este episodio, dejar que la saga la dirija Joel Schumacher. O sea, a partir de la siguiente entrega sí fue peor.

Secuestro terrorista

Duro de matar John McTiernan,1988 ¿Qué pensarías de un sujeto que, un día cualquiera, cuando va a recoger a su esposa al trabajo, se encuentra con que el edificio está tomado por terroristas? Así la sufrida historia del detective John McClane (Bruce Willis) que, mientras suenan villancicos, debe introducirse en respiraderos, evitar explosiones y saltar por las ventanas con tal de llegar al piso 30 del Nakatomi Plaza. Por suerte se la pasa haciendo comentarios sarcásticos y hace más llevadero todo el lío. SIEMPRE PUEDE SER PEOR Capaz que el tipo llega a la hora de los aguinaldos y, al ver el de su esposa, él mismo secuestra el edificio gritando: “Yippee-ki-yay, motherfucker!”.

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Abandono

Mi pobre angelito Chris Columbus, 1990 El famoso “¡Kevin!” que enuncia Kate McCallister (Catherine O'Hara) al notar que dejó en casa a uno de sus hijos esconde algo aún peor: ¿a quién le parece linda una familia que está más preocupada por un viaje que por uno sus miembros? A nadie, por supuesto. Podría justificarse el asunto si tomas en cuenta que el tal Kevin (Macaulay Culkin) sólo tiene la pinta de angelito, porque por dentro es un sádico que se la pasa atormentando a un par de ladrones idiotas que insisten en ser víctimas de cada una de las absurdas trampas que les pone —como si no hubiera más casas que robar—. SIEMPRE PUEDE SER PEOR Culkin, al más puro estilo de Xavier López “Chabelo”, pudo quedar atrapado toda su vida en ese papel, alargando de forma infinita su saga insoportable. De haber ocurrido, uno de los títulos bien pudo ser Solo en casa con Michael Jackson. ¿O eso sí pasó?

Crisis matrimonial

Ojos bien cerrados Stanley Kubrick, 1999 La última obra del genial Kubrick empieza justo con una fiesta de Navidad e incluye escenas de sexo grupal entre personas enmascaradas, Nicole Kidman desnuda y… un momento, eso no suena nada mal: así hasta podríamos dejar de odiar estas fechas. ¿Entonces por qué la incluí en la lista? Por Tom Cruise, esposo de Kidman en la cinta, que en el papel de William se sumerge en un casi febril infierno mental con todo y su sonrisa que es capaz de arruinar toda la Navidad. SIEMPRE PUEDE SER PEOR El mencionado actor pudo salir en casi cada cuadro, como en otras de sus cintas; eso sí sería una verdadera pesadilla navideña.

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Rituales satánicos

El bebé de Rosemary Roman Polanski, 1968 Mientras más intenso sea el espíritu navideño de tu vecino, toma mayores precauciones hacia él. Hay quienes, por estas fechas, empiezan a ser más metiches que de costumbre, mostrando un extraño interés por los inquilinos nuevos. Pero detrás de su supuesta amabilidad suelen ocultar oscuras intenciones. Si no nos crees, pregúntale a Rosemary (Mia Farrow), quien al mudarse junto a su mejor amigo terminó en medio de los rituales de un grupo de dementes religiosos que pensaban que ella estaba destinada a dar a luz al Anticristo en plena Nochebuena. SIEMPRE PUEDE SER PEOR Por ejemplo, que en lugar de un niño, la pobre Rose estuviera embarazada de gemelos y entonces la señalaran de ser madre de dos posibles Anticristos. Eso se pondría muy feo.

Intercambio

Cazafantasmas Ivan Reitman, 1984 ¿Creías que los chocolates rancios eran lo peor que podías recibir en Navidad? Ahora piensa que tu amigo secreto es un fantasma mala onda. Aquí toda la energía negativa de los neoyorkinos hace que los espectros aparezcan para darle su Nochebuena a nuestros viejos amigos cazadores de fantasmas, incluyendo al hombre de malvavisco gigante de regalo. SIEMPRE PUEDE SER PEOR En lugar de la tan esperada tercera parte pudieron regalarte un poco acertado reboot con Melissa McCarthy como protagonista.

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Invitados inesperados

Gremlins Joe Dante, 1984 Ahora hablemos de quienes se sentarán a compartir los romeritos contigo: está la tía regañona, el sobrino inquieto y también los monitos que se reproducen con el agua y no deben comer después de la medianoche porque se transforman en monstruos. Basta un puñado de esos invitados para que todo se vuelva un sangriento desastre. SIEMPRE PUEDE SER PEOR Imagina que invitaran a sus amigos más gordos, sanguinarios y menos chistosos: los Critters. ¡Ese crossover hay que verlo! De hecho nos recuerda la cena familiar del 97.

La cola del diablo

Pastorela Emilio Portes, 2011 No hay nada más navideño que las pastorelas, aunque muchas veces pueden traer la desgracia para ciertas personas, como en el caso del padre Edmundo que, por andar de acomedido montando una de ellas, termina en el féretro. A eso hay que sumar que ya tenía una rivalidad con un agente judicial, detonando el enfrentamiento entre hordas de civiles disfrazados de diablos y policías disfrazados de ángeles. SIEMPRE PUEDE SER PEOR Algunos partidos políticos pudieron haberse involucrado, de esos que usan infiltrados y grupos de choque. ¿Sí hay de esos, no?

Asesinatos seriales

Jack Frost Michael Cooney, 1997 Nunca confíes en un muñeco de nieve, su sonrisa falsa y ojos impávidos que siempre están ahí tan… quietos. Uno nunca sabe, en cualquier momento pueden cobrar vida y convertirse en un asesino serial como Jack Frost (Scott MacDonald), que usa a una persona como árbol de Navidad y ataca a una chica con su nariz de zanahoria. SIEMPRE PUEDE SER PEOR El muñeco de nieve pudo protagonizar un aburrido cortometraje animado que se proyectara antes de la cinta Coco.

2.H A RVEY W EINSTEIN Un DeLorean para viajar al pasado y pedirle a su mamá que le amarre las manos.

3.GUILLER MO DEL TORO Él quiere un monstruo que sea su amigo.

4.BEN A FFLECK Batirrepelente para los haters en su baticinturón.

5.DIEGO LU NA Que George A. Romero haga Rogue 2: Living Dead Rebels.

6.EIZA GONZÁ LEZ Otra portada de EMPIRE.

7.GA L GA DOT Nada. No le hace falta nada.

8.K EVIN SPACEY Tener el poder de Francis J. Underwood para salirse con la suya... y con la de los demás.

9.GEORGE A. ROMERO Día de Muertos, todo el año.

10.EUGENIO DER BEZ Celebrar Navidad rodeado de puras caras familiares.

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IMPUNIDAD delos GENIOS

El asunto de Harvey Weinstein lleva 30 años: que hoy al fin esté pagando las consecuencias resulta un parteaguas. Sin embargo, la victoria tiene un sabor agridulce. Primero, por lo tarde que lleg y, segundo, por lo que revela, no sólo de Hollywood, sino de la realidad cotidiana que viven las mujere en la mayoría de los ámbitos. Ref lexionemos en torno a la permisividad y doble moral que hay cuando se trata de hombres talentosos, cuyo arte es innegable. POR JACQUELINE WAISSER

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unos días de la ceremonia del Óscar en la que Casey Affleck se llevó la estatuilla como Mejor actor, posteé este comentario en Facebook: “Casey Affleck está excelso en Manchester by the Sea. Y sí, merece el Óscar. Sin embargo, me conﬂictúa lo que se dice de su persona: que es un misógino, un ojete y que, además, dos mujeres que trabajaron con él en uno de sus proyectos como director, lo hayan denunciado por acoso sexual (verbal y físico). Sé que la Academia no es hermanita de la caridad y su labor no consiste en premiar la calidad moral de las personas, sus valores o su tipo de vida. Aún así, ¿cómo ignorar la bajeza moral del comportamiento de Casey Affleck y por qué celebrarlo? Es el eterno dilema y el doble estándar de condonar la transgresión y las faltas por tratarse de hombres talentosos y con genio artístico”. Algunas de las reacciones obtenidas fueron: “Su vida personal no es problema de nadie”. “Debe separarse su conducta de su obra”. “Su comportamiento en la vida real no está relacionado con su actuación”. Tal vez no hablamos de asesinato, en muchos casos ni siquiera de violencia física visible, pero no nos engañemos: el acoso sexual, en todos sus niveles, es un delito. Y aunque en demasiadas esferas es normalizado, quizás en ninguna tanto como en Hollywood. La pregunta aquí sería: si una persona decide llevar una vida delictiva, ¿merece vivir como si nada y además ser premiado? Eso fue lo que sucedió con Casey Affleck el 26 de febrero de 2017. El mensaje fue: “Tu trabajo es tan extraordinario que cancela el daño perpetrado a terceras personas”.

ElescándaloHarveyWeinstein Al cierre de esta edición, las agraviadas por Weinstein sumaban 82. El efecto dominó sigue en curso y no se sabe aún en qué va a parar. El nivel de abuso de este productor ha escalado a territorios insospechados; lo suyo no eran deslices ocasionales, sino una forma de vida. La cloaca se destapó cuando el New York Times publicó un artículo de investigación llamado “Harvey Weinstein Paid Off Sexual Harassment Accusers for Decades” en el que varios testimonios,, incluidos los de las actrices

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Cuando el peso de las imputaciones era insostenible, Georgina Chapman, esposa de Weinstein, anunció que se separaría de él. Pero no sólo eso: el escándalo abrió la puerta a una avalancha de confesiones por parte de distintos actores sobre sus propias experiencias de abuso a manos de otros productores, pintando un panorama bastante sombrío de Hollywood.

Unaverdadincómoda Pensemos en la filmografía de este productor y distribuidor. Seguro muchas de sus cintas estarán entre tus favoritas y no concibes el mapa cinematográfico actual sin ellas. Es innegable el talento y la visión de Weinstein, uno de los productores más poderosos y revolucionarios de la escena indie. A él debemos títulos como Sex, Lies and Videotapes, Shakespeare in Love, Pulp Fiction, The English Patient, Good Will Hunting, Gangs of New York, Chicago y Scream, por mencionar sólo algunos. Aquí es donde afloran los sentimientos encontrados. Estas películas nos han marcado de tal forma que no queremos asociarlas con el hombre de aspecto desagradable que utilizaba su corpulencia y autoridad para intimidar. ¿Quedan inválidas todas estas obras que definieron la cultura pop y el cine de arte de las últimas tres décadas? Pero la ironía crece. ¿Cómo debemos interpretar que Weinstein fuera el productor del documental The Hunting Ground, excelente pieza que devela la rampante epidemia de violación en prestigiadas universidades y la impunidad que cobija a los agresores? ¿O que fuera un férreo impulsor de Hillary Clinton? Weinstein será el caso más notorio, pero no es el único. A lo largo de la historia del cine abundan. ¿O creen que las patrañas de Alfred Hitchcock eran simples excentricidades? Revisemos los casos más mediáticos de los últimos tiempos.

WoodyAllen-Papitoquerido

Ashley Judd y Rose McGowan, la modelo Ambra Battilana y exempleadas de Miramax y The Weinstein Company, exponen la conducta del individuo. El reportaje desencadenó el despido del ejecutivo de su compañía. A la par, The New Yorkerr preparaba su propia investigación: “From Aggressive Overtures to Sexual Assault: Harvey Weinstein’s Accusers tell their Stories”, bajo autoría de Ronan Farrow. Ésta salió unos días después. Farrow es un reconocido periodista con especial sensibilidad por el tema del acoso sexual. En el informe relata las historias de otras víctimas, entre ellas Mira Sorvino y Asia Argento. Ambas publicaciones dejan en claro el modus operandi del depredador: citar a una joven en un cuarto de hotel bajo falsas pretensiones, recibirla en bata —o en su defecto, desvestirse después—, meterse a bañar, solicitarle un masaje o forzarse sobre ella. En algunas instancias se habla de violación. La premeditación implícita en estos encuentros es evidente: Weinstein utilizaba a sus empleadas femeninas como señuelo. Al iniciar la “reunión” estaban presentes para bajar la guardia de la víctima y hacerla sentir segura, pero al poco rato se retiraban, dejándola a merced del victimario. El perfil de las agredidas es otra constante: todas ellas, en el momento de la vejación, eran jóvenes actrices aspirantes con el deseo de participar en algún proyecto de este monstruo (literal y metafórico) del cine. Lo que sucedió tras la divulgación de estos trabajos periodísticos es algo sin precedentes. Mujeres a diestra y siniestra levantando la mano diciendo: “Sí, también fui abusada por Harvey Weinstein”. Hasta actrices de tan alto perfil como Gwyneth Paltrow, Angelina Jolie, Kate Beckinsale, Lupita Nyongó, Léa Seydoux o Cara Delevingne, que al pronunciarse sólo ganan recobrar el poder que años atrás les fue robado por este hombre. Incluso miembros de la industria de Hollywood que no fueron víctimas comenzaron a admitir que esto era un secreto a voces.

La aplaudida producción de Weinstein dirigida por Quentin Tarantino, Pulp Fiction / Padre e hija tras convertirse en marido y mujer / Casey Affleck en el personaje que le dio el Óscar, Lee, de Manchester by the Sea.

El drama generado por la relación entre el director y su hija adoptiva, Soon-Yi, es conocido por todos. Si bien es indignante que un hombre de 56 años se fije en su hijastra de 21 y que a la fecha haga declaraciones como: “Mi relación con Soon-Yi Previn funcionó por nuestra relación padre-hija previa. Ella respondió a mi comportamiento paternal”, no es eso lo más polémico en su vida. Allen fue acusado de abusar sexualmente de su hija Dylan Farrow. En 2014, año en que lo premiaron con el Cecil B. DeMille Award, Dylan publicó una carta en donde afirmaba haber sido abusada sexualmente por él desde los siete años. Las acusaciones datan de 1993, pero se exoneró a Allen por falta de pruebas. Para ese momento ya se había desatado la tormenta del affair incestuoso con Soon-Yi, y decir que la relación entre Mia Farrow —su entonces pareja— y Woody Allen era hostil, es quedarse cortos. En parte, esa “Guerra de los Roses” en la que estaban inmersos desvirtuaba el testimonio de la niña. Allen afirmaba que sólo se trataba de una venganza urdida por Mia. No obstante que la culpabilidad nunca fue probada, el incidente ensombreció la integridad del director neoyorquino. La postura de Ronan Farrow —único hijo biológico de Allen— es tajante. En un ensayo para The Hollywood Reporterr que salió el mismo día del estreno de Café Society en Cannes dijo: “Actores, incluyendo varios que admiro, continúan haciendo fila para estelarizar sus películas. ‘No es personal’, me dijo uno de ellos. Pero mi hermana sufre cada vez que uno de sus héroes, como Louis C.K., o una actriz de su edad, como Miley Cyrus, trabajan con Woody Allen. Es precisamente personal —para mi hermana y para

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aquellas mujeres cuyos alegatos de abuso sexual jamás han sido reivindicados por una condena… Hoy arranca el Festival de Cannes con una película nueva de Woody Allen. Habrá conferencias de prensa y desﬁles por la alfombra roja… Las estrellas estarán a su lado. Estarán conﬁadas de que la prensa no les hará preguntas difíciles. No es el momento ni el lugar, simplemente no es apropiado. Ese tipo de silencio es nocivo, peligroso”. Allen es un favorito del público. Sus cintas van de lo genial a lo cómico. Sus estilo es inconfundible. Un autor hecho y derecho. ¿Cómo conciliar su ignominia personal con sus obras?

RomanPolanski-Directorfugitivo Pocas cintas relatan el triunfo del espíritu humano ante la adversidad con mayor emotividad y fuerza que El pianista. Naturalmente, Polanski se llevó el premio a Mejor director en los Óscar de 2003. La ausencia del realizador polaco en la ceremonia fue notoria, más no sorprendente. Y es que Polanski no ha ingresado a Estados Unidos desde 1978 por ser considerado prófugo de la justicia. Su caso es bastante conocido. Incluso se ha explorado a profundidad en documentales como Roman Polanski: A Film Memoir y Roman Polanski: Wanted and Desired. Cuando el director tenía 43 años sostuvo relaciones sexuales con Samantha Geimer, una menor de 13 años. Que se trató de una violación no hay duda, por la edad de la niña y las circunstancias en las que sucedió. Polanski manipuló una cita de trabajo —un estudio fotográfico para Vogue— para armar el perfecto escenario; además le administró alcohol y metacualona a la joven para facilitar su objetivo. Al director le imputaron cinco cargos: violación con uso de drogas, perversión, sodomía, actos lascivos con un menor de 14 años y administración de sustancias controladas a un menor de edad. Sí, Polanski estaba deprimido; acababa de perder a su esposa Sharon Tate y a su futuro bebé a manos del asesino serial Charles Manson. Sí, aún lidiaba con sus traumas de infancia en el gueto de Cracovia, la pérdida de su madre en Auschwitz y la asimilación de otra identidad para sobrevivir. Sí, eran los revoltosos 70, década en la que las costumbres sociales, el sexo y la droga tenían distintos matices a los de ahora. Nada de lo anterior, empero, justifica la deplorable y bestial conducta del director. A diferencia de otros agresores, Polanski se entregó, aceptó su culpa y un acuerdo conciliatorio que le prometía 90 días de cárcel y libertad condicional. Cumplió la condena inicial de 42 días. Poco antes de que el juez dictara su sentencia final, Polanski se enteró de que había cambiado de parecer y le endilgaría 50 años. Convencido de que el juez fue manipulado y que tenía una vendetta personal contra él, se dio a la fuga. Años más tarde lo arrestaron en Suiza por petición de las autoridades estadounidenses. Pasó dos meses en la cárcel y después seis meses de arresto domiciliario.

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El argumento de Polanski es que ha pagado por el crimen que cometió. Aunado a que recibió el perdón de la víctima, quien retiró los cargos y obtuvo una compensación de más de medio millón de dólares. Lo cierto es que hay otras tres mujeres que lo acusan de violaciones sucedidas durante los 70 y 80, siendo también adolescentes. Con todo eso, ¿cuántos de nosotros correremos a ver Based on a True Story, su más reciente cinta? ¿Cuántas veces hemos dicho: “Pobre viejito, ya déjenlo entrar a Estados Unidos”?

BillCosby-Dr.HuxtableyMr.Hyde Para los que crecimos en los 80, el doctor Heathcliff Huxtable (irónicamente, un ginecólogo), era el padre que todos queríamos tener. La muestra de que se podía ser estricto y cariñoso a la vez, que las familias podían reñir y molestarse sin dejar de amarse, que el sentido del humor era suficiente para resolver cualquier conflicto. Con sus estrafalarios suéteres, gesticulaciones exageradas y gran timing cómico, Bill Cosby era adorado. Detrás de esa imagen se escondía un peligroso depredador sexual. Nada más 60 mujeres lo han acusado de abuso entre 1965 y 2008. De ser ciertos los reclamos —y no tendrían por qué no serlos, es inexplicable que tantas agraviadas mientan o tengan algo personal en contra del actor—, estamos ante uno de los peores violadores seriales contemporáneos. El método más recurrente del comediante: drogar a sus víctimas para después violarlas. En ocasiones les prometía papeles o ser su mentor. En abril de 2017 por fin procedió un juicio en su contra, con acusaciones formales de cerca de 30 mujeres. El juicio se llevó a cabo entre junio y julio de este año. El jurado no pudo llegar a un veredicto y el caso sigue pendiente.

Un jovencito Bill Cosby / Björk al lado del director Lars von Trier / Tarantino posando con su entonces novia, Mira Sorvino, quien también sufrió abuso por parte de Weinstein / Polanski con unos años menos.

“Una vez que comenzó la ﬁlmación me di cuenta de que en verdad quería que le diéramos todo. La mayoría de los directores jamás se atreverían a pedir lo que él nos pidió y son más respetuosos”, confesó Adele Exarchopoulos respecto a las escenas sexuales que las obligó a recrear. En suma, ambas se sintieron explotadas y utilizadas por su director y, a pesar de las alabanzas y premios que les trajo la película, jamás volverían a trabajar con él. Ni hablar de Bernardo Bertolucci y su Last Tango in Paris. Maria Schneider tenía 19 años cuando, tanto el director como Marlon Brando, en aras de obtener el mayor realismo posible, la obligaron a participar en una escena que no estaba en el guion: la infame violación con mantequilla. Schneider quedó traumatizada de por vida. Bertolucci no parece entender las implicaciones de sus actos a estimar por su declaración en una entrevista de 2013 en La Cinémathèque Française: “Me siento culpable, pero no me arrepiento”.

Conelaguahastaelcuello

The Cosby Show marcó un antes y un después al retratar a una familia afroamericana de clase media alta alejada de los estereotipos raciales. Ni modo: el epítome del sueño americano se convirtió en pesadilla.

Bajosinstintos A juzgar por la cantidad de actrices, celebridades y simples ciudadanas de a pie que han alzado la voz de sus propias historias de abuso a raíz del destape (sin albur de por medio) de Weinstein, uno pensaría que el acoso sexual no es algo aislado que sucede en lo oscurito, sino una grave pandemia fuera de control. Nos exhorta a preguntarnos: ¿qué sucede con la sociedad? ¿Se vale utilizar el concepto de “adicción sexual” como justificación? ¿El grueso de los hombres es incapaz de controlar su libido o necesidad de dominar a las mujeres? ¿Es algo genético o cultural? Específicamente en el cine, un arte en donde el cuerpo y las emociones son la herramienta de trabajo, los límites se tornan borrosos. ¿Dónde termina la instrucción de un director en una escena de cama y comienza algo más siniestro? Si una actriz debe hacer un desnudo, ¿está abriendo la puerta a un proceso de cosificación?

Lo que distingue el caso de Harvey Weinstein de los anteriores es que, al parecer, ahora no ganará la impunidad. Es poco factible que el productor logre salir de este berenjenal. Eso, si no termina en la cárcel. Podría deberse al poder de las redes sociales. A que por fin se muestra cero tolerancia a estas prácticas. A tantas marchas feministas. Por desgracia, es más factible que se deba a otro motivo: a últimos tiempos, Weinstein ha perdido su toque de Midas, provocando la devaluación de su marca. La gente a su alrededor dejó de protegerlo porque la ganancia obtenida por hacerlo dejó de ser atractiva. Qué gran decepción escuchar a Quentin Tarantino decir que sabía lo que ocurría con su socio, productor y amigo, pero jamás hizo nada. Prefirió ser leal a Weinstein antes que a su propia novia, Mira Sorvino, quien le confesó los abusos sufridos a manos del productor. Esto nos lleva a pensar que quizá sí haya una manera de prevenir y detener estos perniciosos actos. Una de ellas es quitándole el poder, Con algunos directores europeos se ha reconocimiento y dinero a estos hombres para traspasado esta ambigüedad moral laboral. Lars mermar su campo de acción. von Trier se dedicó a sobajar a Björk durante la filmación de Dancer in the Dark, que trata, justo, de una mujer sobajada. El director danés es famoso por sus métodos crueles y controversiales para obtener el Desde la creación de Hollywood existe el mito de realismo absoluto que busca, llevando a sus que las audiciones se llevan a cabo en posición actores al límite y a un verdadero sufrimiento. horizontal, en el sillón del productor o director. Durante el rodaje de Dancer in the Dark el Gajes del oficio, podría decirse, pero subestimar cineasta colocó a la cantante islandesa en tal esta práctica es fruto de la sociedad patriarcal estado de angustia que ella escapó unos días del machista en la que vivimos (ojo, también los set. Un par de semanas después del escándalo hombres han sido sometidos a ella). ¿Por qué Weinstein, Björk declaró que von Trier la hostigó existe ambivalencia en torno a este concepto? En sexualmente. Cuando puso un alto a sus diversas ocasiones se piensa que la mujer no es impropiedades comenzó el maltrato sistemático. una víctima, sino que se trata de una transacción El realizador niega el acoso, pero lo que sí en la cual ambas partes se verán beneficiadas. reconoce es haber sido malvado con ella. Fue la La trampa está en asumir que los primera y última película de Björk. involucrados están en igualdad de circunstancias. Lo mismo pasó con Blue is the Warmest No es así. El productor siempre tiene el poder, las Color, ganadora de la Palma de Oro en 2013. Las conexiones, el dinero, los abogados... Puede protagonistas no temieron externar su sentir construir o romper una carrera y, al final, las sobre el director Abdellatif Kechiche. “Francia estrellitas le son intercambiables. no es como Estados Unidos. Aquí el director ¿Un Óscar por cinco minutos de fingir tiene todo el poder. Cuando eres actor en Francia placer? ¡Por Dios, no parece un precio tan alto a y firmas tu contrato, te entregas y, de alguna pagar!, podría suponerse, pero la dinámica del manera, estás atrapado”, explicó Léa Seydoux en abuso es mucho más compleja que eso y sus una entrevista en el Festival de Telluride. secuelas, más duraderas.

El“castingcouch”

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ALERTA: SPOILERS

V U E LV E A V E R L O Q U E YA V I ST E C OM O S I F U E R A L A P R I M E R A V EZ

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LAGUÍADE EMPIRE PARAVER EN CASA BABY DRIVER

Bajo el capó del éxito de verano, le pedimos al guionista y director Edgar Wright, que te cuente sus secuencias favoritas de la cinta.

POR NICK DE SEMLYEN

EL VEREDICTO DE

BABY DRIVER

+++++ CERT 15

Nuestra humilde opinión: “Una sorprendente e inspiradora obra que funciona como un musical visto como un thriller de acción. Dulce, divertida y definitivamente original”. Extras notables: Escenas eliminadas y extendidas, 10 featurettes, pietaje de audición.

00:05:07 VIENDO ROJO ___ Huyendo del peligro, Baby (Ansel Elgort) ve una oportunidad en la autopista 85 en forma de otros dos autos que van en dirección opuesta. Wright cita este paneo de alta velocidad como la toma de acción de la que está más orgulloso. “Fue increíblemente complicada”, asegura Wright. “Volver a realizar la toma llevaría media hora, así que piensas: ‘Por favor no la eches a perder’”.

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00:06:25 __ _ Los créditos iniciales muestran a Baby bailando en una calle de Atlanta durante dos minutos 45 segundos, desde el edificio Healey a la ficticia cafetería Octano. “El Healey era el hotel de Tom Hanks en Sully”, dice Wright. La canción (“Harlem Shuffle”, de Bob & Earl) se escucha a través de bocinas escondidas, excepto dentro del Octano, donde los personajes la oyen con audífonos.

00:25:54

EL DEPA DE JOE ___ Después de una reunión MALDITOS SEAN ___ La pista asesina de en la bodega de Doc, Baby regresa a casa con su padre adoptivo sordo, Joe (CJ Jones). “CJ es un comediante que sí es sordo, pero es 20 años menor de lo que parece en pantalla y no necesita silla de ruedas”, explica Wright. “Es algo sorprendente trabajar con un actor sordo, porque hace que te des cuenta de la cantidad de palabras que dices y que son incomprensibles”.

Baby para el segundo asalto es “Neat Neat Neat”, de la banda inglesa de punk rock The Damned. Confía tanto en el ritmo que hay un momento en que la para y la regresa. El mismo Wright es así de fan. “En el documental sobre The Damned del año pasado, el cantante Dave Vanian se queja: ‘¿Por qué nadie nos usa en una película?’. Y tenía ganas de decirle que yo los tenía”.

00:26:28

00:34:02

00:37:31

BUENA ONDA, BABY

__ _ Un trío con escopetas y disfraces de Austin Powers caminando hacia un banco. Wright era amigo de Mike Myers, así que pudo llamarle para pedirle permiso. “Tuve que actuar la escena en el teléfono para él”, ríe Wright. “Me contó de una vez que fue al banco antes de ser famoso y que la chica de la ventanilla le dijo: ‘¿Michael Myers? Oh, ¿vas a apuñalarme?’”.

BABY BABY ___ Se revela la razón del

TREX ___ Baby y Debora se conocen hablando

zumbido de oídos: un choque de autos durante un viaje con sus padres cuando era muy pequeño. Baby era adicto a los audífonos aun antes de que comenzara a conducir. Wright confirma que es un hábito de toda la vida para el personaje. “Le quita el sonido a lo que le moleste, ya sean sus padres discutiendo o una huída. Lo usa para escapar en todos aspectos”.

de canciones, y Baby cree que la banda T-Rex se pronuncia “trex”. “El estudio quería que cortara ese chiste”, comparte Wright. “Alguien dijo que hacía que pareciera un bobo, pero les dije que eso es lo que lo hacía tan encantador”. Quentin Tarantino sugirió la canción “Deborah”, de Dave Edmunds, para la escena. “¡Pero la ‘Deborah’ en esa canción es una maldita!”.

01:02:40

01:21:55

01:40:31

REUNIÓN CARNOSA

ADIÓS, MURCIÉLAGO ___ El Bats de Foxx

___ Paul Williams, de Smokey and the Banditt y Phantom of the Paradise, se roba la escena como traficante con monólogos cárnicos. La idea para la escena surgió por un artículo de The New York Times sobre narcos adolescentes que usan claves que tienen que ver con carnes. Y resulta que hay otra película de 2017 que usa la frase “todo excepto el hocico”: Okja.

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00:13:33

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acaba como brocheta a causa de una pieza de metal mal puesta, dando inicio al tercer acto. “Tanto Kevin Spacey como Jamie Foxx dijeron lo mismo: que no querían morir”, recuerda Wright. “Casi me da un infarto”. Por fortuna pudo convencerlos de tener una muerte espectacular, citando el poder de muertes sorpresivas en cosas como Django Unchained.

CRISIS EN EL ESTACIONAMIENTO

__ Buddy (Jon Hamm) se vuelve loco. Algunas tomas fueron capturadas después de que George Miller viera una de las primeras ediciones y diera su opinión. “La cirugía con el Dr. Miller fue increíble”, dice Wright. “Agregamos la línea de Jon: ‘Aquí está, Baby: tu rola asesina’”. BABY DRIVER ESTÁ DISPONIBLE EN DVD Y BLU-RAY.

BUENA TARDE |MALA TARDE SAM CLAFLIN

POR JOHN NUGENT

MOMENTO Fácil: la primera vez que hice una película, que fue Pirates of the Caribbean: On Stranger Tides, en Hawái. Recuerdo haberme sentado a leer con Johnny Depp a mi derecha y Penélope Cruz a mi izquierda y pensar: “¿Qué está pasando?”. ¡Tenía un año de haber salido de la escuela de actuación!

En My Cousin Rachel tuve que nadar desnudo en el Canal de la Mancha y había un barco lleno de gente mirando —principalmente hombres—. Era un día frío y el océano estaba helado. Recuerdo salir del agua y preguntarles: “¿Vieron todo?”. Me respondieron que sí. Y desde luego, fue horrible.

ÓN Estaba en un pub por el cumpleaños de un amigo cuando recibí una llamada de mi agente diciendo que iban a audicionarme en ese momento. Además me dijo: “¿Qué tal tu acento estadounidense? ¿Y te sabes la Declaración de la Independencia? Es para Abraham Lincoln”. Sobra decir que no me fue nada bien, aunque el filme no fue realizado.

Hubo una de la que me enorgullezco y no obtuve el papel: The Green Goblin en The Amazing Spider-Man 2. Le di todo, hice una prueba de pantalla con Andrew Garfield y estuve allí durante horas interpretando varias escenas. Recuerdo que me fui sintiéndome muy contento conmigo mismo. No fue suficiente, pero me sentí muy bien.

LOCACIÓN Acabo de terminar de filmar The Nightingale, de Jennifer Kent, en Tasmania, en lo alto de una montaña y el viento era una locura. No podía hablar porque mi cara estaba congelada.

Hawái: He trabajado allí dos veces. La primera vez en Pirates of the Caribbean y la segunda en Hunger Games. Hawái es mi lugar feliz.

ENCUENTRO CON FANS Me gustan las cosas dulces y algunos seguidores lo saben porque lo he dicho en entrevistas. Hubo un momento, en París, en que un grupo de fans me llevó un frasco enorme lleno de dulces y de regreso en el Eurostar me los comí todos. Esas chicas son increíbles y van a todas la premieres, es algo que realmente valoro.

En una premiere de The Hunger Games una fan italiana muy dulce me pidió matrimonio y me puso un anillo en el dedo antes de que pudiera decir nada. Después su padre recitó lo que imagino, son los votos de matrimonio italianos y terminó con un: “¡Ahora besa a la novia”. Respondí: “No te ofendas, ¡pero no voy a besar a tu hija de 12 años!”.

VESTUARIO Por lo fácil que era ponérmelo y quitármelo, el traje de neopreno de The Hunger Games era muy conveniente. No había problema. Además tenían tinas calientes en el set para que no muriéramos de frío.

Sólo porque nunca supe si iba a la izquierda o a la derecha —obviamente tengo asuntos con mi pene— ese mismo traje de neopreno era difícil en cierta zona. MY COUSIN RACHEL ESTÁ DISPONIBLE ON DEMAND.

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OBRAS MAESTRAS DE EMPIRE PRESENTA:

SEÑORA VENGANZA 2005 PARK CHAN-WOOK

La visión de una vida en cautiverio supone el contrapeso natural de la venganza, que para que realmente sepa, ha de llevarse a cabo con minuciosa elegancia.

POR EDUARDO NAVARRETE

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SEÑORA PELÍCULA. Señora trilogía. Señora lección de vida en que, a la merced de un inclemente invierno, el director Park Chan-wook escarba emociones abisales sólo factibles (y replicables) en la nieve (y en la especie humana). Es el inicio de la cinta y ya estás siendo advertido de que tratará de algo, en palabras de Mario Hugo, “hermoso y desconocido”. Un grupo de religiosos liderados por su pastor hacen guardia a las puertas de una prisión disfrazados de Santa Claus. Corrección: “Absurdo y desconocido”. La tradición local marca que al salir de prisión, si es que uno quiere expiar y puriﬁcar sus actos, coma tofu, pero Geum’-Ja Lee responde a quien se lo ofrece, como las grandes: “¿Por qué no, mejor, te vas al carajo?”. No hay la más tibia intención de puriﬁcarse ni de acercarse a esa idea, y de eso va este tratado que pendula entre el pecado y su expiación. Park Chan-wook no hizo Sympathy for Lady Vengeance pensando ganar Mejor película ni Mejor dirección en el Festival de Venecia. Quiso

transmitir la colección de emociones celosamente almacenadas durante 13 años de prisión, así como el indecible placer de estar libre sólo para entender esa condición como la manera más humana de traducir una nueva oscura y paradójica misión de vida. Si el jurado tuviera a bien ofrecer el premio Mejor verdugo, lo hubiera ganado bostezando. Esta cinta cierra una trilogía que tiene los elementos para marcar un antes y un después en la vida de un cinéﬁlo y lo hace con una teatralidad seductora, una atmósfera envolvente y una actuación que hace a uno olvidar que alguien está actuando. Si bien Oldboy hizo que el mundo cuadrara los ojos ante los rasgados de este director, Lady Vengeance cierra con una aplastante fuerza femenina, determinante pero encantadora, la oscura y deliciosa serie. Pudiera en ocasiones recordar a Gloria (1980), de John Cassavetes, al pagarle a la maﬁa con su propio método, pero Señora Venganza aborda a Geum’-Ja Lee de una manera más fría y

DIEZ REGLAS DE EMPIRE PARA LAS PELÍCULAS NAVIDEÑAS POR CÉSAR HERNÁNDEZ

calculadora. Aún más oscura y estereotipada Luego de un embarazo no pensado busca protección en Mr. Baek (Min-Sik Choi, protagonista de Oldboy), y quien más bien ﬁgura como una fábrica de pulsiones torcidas, como involucrarla en el secuestro y homicidio de Geun, un pequeño de seis años. Lo insólito: Geum’-Ja asume la autoría del crimen. Lo interesante: lleva a cabo esto, sólo para salvar a su hija recién nacida y para expiar de manera personal sus culpas. Lo fuera de serie: la frialdad seductora con la que se arma de valor para encarnar una versión invencible de sí. Si acaso la única debilidad que puede llegar a experimentar es el fantasma de Geun, con quien visiblemente se desmorona y cae. Vivimos una existencia en la que creemos necesario acreditar la posibilidad de ser felices y vivir en franca paz. Los fantasmas encarnados, los miedos y castigos autoimpuestos a partir de premisas moralinas y concepciones del ser a partir del pecado o de los “y si sólo”, nada más

hacen que compartamos el ser tocados por el dolor y ver en cualquier señal una esperanza que irremediablemente termina en el mismo lugar. La asesina, quien purgó su condena y se tiende como Magdalena posmoderna en la puerta de un reclusorio, es también la heroína que balancea las cuentas vitales en esta historia. Conforme avanzan los minutos navegarás por diversos flashbacks de su historia en prisión: la convivencia con sus compañeras y su conexión empática, como aporte para su cometido final. No sólo hay rabia en la venganza, también hay amor a una hija; después de todo, se hace lo que sea por un vástago. Incluso, dar la vida. O lo que queda de ella. El fondo aquí siempre será el sufrimiento. La emoción básica de la cual uno buscaría por naturaleza huir, pero en este mundo, eso ni es tan básico, ni es tan fácil. Se sufre para hacer que sufra quien generó el dolor. Se sufre porque no hay de otra. Se sufre para encontrar sentido cuando parecía no haber otra cosa. Y el pecado supone un boleto para abandonar momentáneamente ese sufrimiento para luego hundirse en el fondo del mismo. ¿Sufrir para pretender estar realizado en el momento en el que se cobra venganza? Ni por asomo cuenta con el ritmo incansable de Kill Bill, pero tiene una línea narrativa y una estética monumental que Tarantino sólo podría haber soñado. El público se sienta a ver una línea punteada de revelaciones y motivaciones acontecidas en el pasado que sirven para justificar —acaso vitorear— las, en principio inexplicables, acciones de la protagonista. La línea acción–motivación–circunstancias es dibujada como caligrafía oriental a modo de argumento y ahí está el secreto de su delicia. Los colores y la música son dos personajes protagónicos que fungen como materia prima en la estética de la desesperación, del encierro y del crimen. Los espacios fuera del encuadre te involucran como aliado. Estás viendo, participando, padeciendo y hasta disfrutando, la conducta más salvaje y básica del hombre, pero envuelta en seda y perfumada en empatía. El final de la cinta es también el de la trilogía de Park Chan-wook. Marca el profundo suspiro que sólo puede dar un anhelado acto de venganza y la consecuente absolución ante la mirada de un ser que en verdad aprecia y entiende el valor de lo que supone el soltar. El director es un todoterreno que, si algo sabe hacer, es proponer temas con emociones contundentes y problemáticas en apariencia simples, contados de una manera cruda y original. Esta cinta no sólo es sabia en su planteamiento de fondo, sino en la forma en la que es ejecutada. Señora Película. Con todas las de la ley.

En EMPIRE encontramos ciertas reglas de cintas navideñas que en veces aplican y en veces no:

1. No hay Navidad sin nieve Si vives de Chihuahua pa’ abajo, tu Navidad carece de sentido. 2. Los gatos son enemigos de los árboles de Navidad Suﬁcientes gatos en internet legitiman este feudo milenario. 3. No hay maldad que sobreviva a una lección navideña Si Javidú y su esposa hubieran recibido un gesto desinteresado del pequeño Timmy... Nah, no es cierto. 4. Todos los gringos están obsesionados por adornar sus casas Y entre más luces y más adornos y más porquerías, más nos queda claro que no han entendido todavía el sentido. 5. La Navidad sólo se trata de una cosa: regalos La altura de la pila de regalos es directamente proporcional a la alegría. 6. Volar a casa para Navidad: la última aventura Un vuelo para ver a la autora de tus días: la perfecta película de Navidad. 7. La cena es la medida de la integración de las clases Si eres pobre pero tu corazón es puro, tienes tu pavo asegurado. 8. Santa Claus es magia y sabiduría Y a veces sólo es un negro pestilente y malhumorado. 9. El perdón es más fuerte que la sangre En Navidad todo se perdona. 10. Las compras navideñas generan encuentros y desencuentros El mall es uno de los mejores escenarios para vivir en pleno el espíritu de las ﬁestas.

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¡APÚNTELE!

Isabelle Huppert habla de Elle, directores maleducados y la política en Hollywood. POR PHIL DE SEMLYEN

sólo una frialdad en la manera en que enfrenta los eventos. Quiere entender algo sobre sí misma, sobre los hombres, sobre el deseo y la violencia. Quiere que ese episodio se convierta en una experiencia”.

Sobre que el filme fue llamado “una comedia de violación” ISABELLE HUPPERT FUE NOMINADA A —sorprendentemente por primera vez— para el Óscar por su interpretación de Michèle Leblanc en Elle, de Paul Verhoeven. El personaje es directora de una empresa de videojuegos y reacciona de forma nada ortodoxa a una agresión sexual. Ese giro con agallas es emblema de toda una carrera, no sólo de las interpretaciones que ha realizado, sino de su actitud refrescantemente honesta.

Sobre interpretar a Michèle, la protagonista de Elle “Michèle tiene una mezcla de fortaleza y vulnerabilidad. Trabajar con Paul fue la colaboración perfecta. Hice lo que quería hacer por mi parte y él hizo lo que quería por la suya. No en cada rol puedes sentarte y decir: ‘Ok, ¿por qué crees que hizo esto?’. Pienso que la historia habla por sí misma”.

Sobre las reacciones mixtas de la película “Esperaba que provocara a la gente, de lo contrario la cinta hubiera fallado su propósito. No hay sentimentalismo o dulzura en Michèle,

“Creo que es una confusión. La violación es un asunto muy importante en la trama, aunque por otro lado hay mucho sentido del humor. Pero ¿comedia de violación? Ni siquiera sé qué signiﬁca eso. El ﬁlme es chistoso porque ella lo es, pero es más irónico que chistoso”.

Sobre Paul Verhoeven “Lo he admirado desde el principio de su carrera. Me gustó mucho Turkish Delight, t después vi sus grandes producciones de Hollywood y me gusta Showgirls. Fue rechazada en su época, pero ahora todos admiten que es buena. Como director es muy preciso —casi delicado—. Sus películas son brutales a veces, pero él es justo lo contrario: muy generoso y dedicado”.

Isabelle Huppert como Michèle Leblanc en Elle / Con el director de Heaven’s Gate, Michael Cimino / En Rosebud, de 1975,

Sobre su nominación al Óscar

Joyce (Kim Cattrall),

“Todo el viaje hacia las nominaciones del Óscar y el Golden Globe fue increíble. No esperábamos recibir tanta atención y reconocimiento porque no buscábamos poner a la película sobre ese camino, pero le dio legitimidad. Me senté junto a Jeff Bridges en la ceremonia de premiación de los Óscar. Hice Heaven’s Gate con él y no nos habíamos topado desde entonces”.

Sabine (Brigitte Ariel), Helene (Huppert) y Gertrude (Debra Berger) / Como la tutora Erika Kohut con su pupilo Walter Klemmer (Benoît Magimel) en The Piano Teacher.

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Sobre participar en el infame fracaso Heaven’s Gate “Es uno de mis mayores recuerdos profesionales. Michael Cimino siempre dijo que tuvo que luchar para que me dieran el papel, pero en realidad luchó por todo desde el principio. Claro que hubiéramos deseado que fuera un éxito, pero no puedes desligar la grandeza del ﬁlme de semejante rechazo. Michael nunca se recuperó de ello”.

XAVIER VELASCO LAS FUNCIONES VITALES

Sobre trabajar con Otto Preminger “Rosebud, en 1975, fue una experiencia para mí a una edad muy temprana. Interpreté a una de las cinco chicas secuestradas. Kim Cattrall también era una de ellas y aún somos buenas amigas. ¿Me gusta Otto? Era muy grosero con todos. Todos los días decía con su acento austriaco: ‘Si no les parece, regrésense a París’. Era su mantra. Lo admiraba mucho. Era un gran director, aunque ésa no fue su mejor película”.

Sobre la escena donde se apuñala en The Piano Teacher, que requirió 52 tomas “No me molestó hacer múltiples tomas. El libro de Elfriede Jelinek describe la expresión del rostro de mi personaje en esa escena como la de un caballo relinchando. Tanto Michael (Haneke, el director) como yo tratábamos de dar con ella. No sé cuál toma se usó al ﬁnal”.

Sobre no protagonizar The Piano “Nunca audicioné para ella, pero Jane Campion vino a verme. Yo estaba haciendo Measure for Measure en el teatro Odéon, llegó a mi camerino y me habló del proyecto. No me di cuenta de lo que era, si no me habría abrazado a sus pies para rogarle hacerla. Pero no lo lamento. No habríamos tenido a Holly Hunter: fue increíble”.

Sobre las limitadas oportunidades en Hollywood para las realizadoras “Cuando estoy en Estados Unidos escucho lo difícil que es para las mujeres hacer películas y que el porcentaje de realizadoras es mucho menor. En Francia no es un tema: cualquiera puede hacer ﬁlmes”. ELLE ESTÁ DISPONIBLE EN DVD, BLU-RAY Y DESCARGA.

EL VEREDICTO DE

ELLE

++++ CERT 18

Nuestra humilde opinión: “Huppert siempre ha sido buena, pero este trabajo suspera todo lo anterior. Emocionante, sorpresivamente divertida y poderosa, la película es intensa y fascinante”. Extras notables: Un tributo del American Film Institute Huppert.

Amada replicante... El amor está lleno de efectos Nadie entiende al amor, pero al final especiales, sólo que estos nos pasan de eso se trata. No se le ve venir más inadvertidos porque tal es su modus que cuando ya es tarde y sólo queda operandi. Vamos de la ilusión a la rendirse a sus pies, por absurdo que desilusión, y de ahí hasta la alucinación, sea. Entre menos sentido creas que asumiendo que es todo realidad porque tiene, mayor será el mazazo que te dé. así le conviene a la historia encantada Pocos afanes hay tan gratificantes que uno quiere vivir. ¿Qué como el de apasionarse por lo pensar, pues, de una irracional, mirarse MI superproducción cuyo desafiado por la RECOMENDACIÓN gran atractivo no es adversidad y lanzarse Esperando la carroza tanto su poder para de todas formas al (1985). Cora se pierde y sus engañarnos sino, ay, vacío. hijos la dan por muerta. sus notorios efectos Sin decirlo, el Nunca antes tantas risas especiales? ¿Disfruta romántico espera del malsanas cupieron en uno del cine porque amor que sea inocente, un sólo velorio. parece verdad o porque a arduo, heroico, febril, cada tanto exhibe el intrincado, fanático, mecanismo de sus mentiras? dañino... y en general, idiota Si alguien quiere quitarme el interés como un lemming delante de un por una película, empiece por hablar de precipicio. Por eso se enamora uno en sus efectos. el cine, donde nada es más fácil que Entiendo que Blade Runner 2049 solidarizarse con las causas perdidas y supere en calidad y recursos técnicos a verse en el pellejo de sus defensores. su predecesora, pero no hay que ir muy Fue justo así como, varios años atrás, lejos para encontrar que se trata de un me uní al equipo de un cazador de distinto animal. Si continuar una androides que respondía al nombre de historia de amor es de por sí un Rick Deckard y cuyo mero oficio — empeño peliagudo, ir del romance a la blade runner: matancero de aventura épica implica un rompimiento autómatas— daba nombre a la historia. que no admite ya enmienda. La acción tenía lugar en un futuro por En sus 35 años como filme de culto, entonces distante, donde ya los robots Blade Runner ha ejercido influencia serían tan perfectos que para planetaria, tanto que el puro intento de distinguirlos de los seres humanos enumerar las huellas de esa deuda habría que someterlos a un examen sería ocioso e iluso. Ahora bien, si se profundo y puntilloso. Ciertamente era trata de hallar una secuela clara, osado situar la historia en 2019, mas si brillante y memorable de la trama de de atrevimiento se tratara, nadie iría amor de Ridley Scott y Philip K. Dick, más lejos que Harrison Ford en el papel ahí está Her, de Spike Jonze, cuyo del intrépido Deckard. ¿No es la mayor protagonista no se apasiona por una audacia del verdugo caer enamorado humana, sino por un sistema operativo. de la víctima, quien por si fuera poco no Algunos años antes de Blade Runner, es gente sino máquina? Luis G. Berlanga dirigió a Michel Piccoli Quien todavía no haya visto Blade en Tamaño natural: la historia de un Runner, o la recuerde poco, tendría que obseso que abandona a su esposa por dejar ahora mismo estas líneas y correr una muñeca de plástico. Por eso digo, a gozarla de una vez. Urgencia que, por ¿quién entiende al amor, con todos sus cierto, se multiplica para quien asistió absurdos? ¿Quién sabría sustituirlo, ya a Blade Runner 2049 sin haberse rescatarlo, arreglarlo, continuarlo? ¿Era acercado a la original. Como quien dice, tan complicado dejarlo como estaba? sin haber amado.

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SOBREDOSIS DE TV

Nuestro maratonista no sale a la calle porque los maratones que le gustan no cierran avenidas.

este mes:

BLADE RUNNER POR SIMON CROOK ILUSTRACIÓN PETER STRAIN

¿QUÉ PASA CUANDO VES cinco versiones de Blade Runnerr al hilo? Después de diez horas sumergido en su opresivo retrofuturo he perdido el sentido de la realidad. Ha llovido todo el día afuera y en la pantalla; no tengo idea de si es el Londres de 2017 o Los Ángeles del 2019 y mi mente está pasando por un exprimidor existencial. Irónicamente, a una película sobre la identidad le ha tomado 30 años y cinco ediciones encontrar su sentido verdadero, pero sigue habiendo sólo una sencilla pregunta: ¿es Deckard humano? O para ponerlo de otro modo, ¿es replicante o no? Arrancada de las manos de Ridley Scott, el estudio editó el corte de 1982 para los cines estadounidenses; ése identifica a Rick Deckard (Harrison Ford) como de carne y hueso. No hay nada de malo con esta interpretación —es como Philip K. Dick escribió a Deckard—. Lo que no funciona es esa voz superpuesta que Ford hizo muy mal, dicen algunos, con la esperanza de que no fuera usada. Cierto,, establece a Deckard como un Philip Marlowe cyberpunk, pero al igual que el vacío final feliz con Deckard y Rachel (Sean Young) perdiéndose hacia el atardecer, lo único que hace es sacarte de su mundo. Algunos dicen que el final es un sueño de Deckard, pero no me dobla ese origami. Ahora sigue la “Edición Internacional”, casi idéntica excepto por tres escenas con una violencia amplificada que fue cortada por los censores estadounidenses. La más notable es la de Roy Batty (Rutger Hauer) arrancándole los ojos a Tyrell (Joe Turkel) con lujo de detalles. Llevo dos versiones y ya estoy transformándome en máquina: prácticamente escucho el clic de mis pestañas mientras escaneo pistas. Y ahí están. Checa el unicornio escondido en el departamento de Sebastian (en 1:01:07) —una premonición críptica de los cortes siguientes—. Los puristas de la pantalla grande me odian por esto, pero con un dedo forense en el control remoto, Blade Runner funciona mucho mejor en la pantalla chica.

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Esto va a ser un tanto meta: cada edición es como un recuerdo alterado, y el “Corte de Trabajo” sólo lo confirma. Desenterrado a finales de los 80,, la función usada en las pruebas p ofrece una mirada a las intenciones originales de Scott. No hay final feliz. No hay voz en off hasta el clímax. Roy no es baleado por los policías. Bajo la mirada de Deckard se marchita en su lecho de muerte en el tejado. “Lo vi morirse toda la noche y luchó hasta el final”, dice Ford. Es por mucho mi final favorito. Pero esta no es la manera de experimentar Blade Runnerr —los visuales son borrosos por una copia degradada y la música de Jerry Goldsmith (de Planet of the Apes) s resalta lo vital que fue la música electrónica de Vangelis—. Estamos en el cuarto corte y mi corteza cerebral se está licuando. Podría llamarse “Brain Runner”. Para confundir las cosas, la “Director’s Cut” de 1992 fue aprobada por Scott pero no es la edición del director. Por último, sin embargo, aparece el famoso unicornio —cinco segundos de pietaje que ponen de cabeza la experiencia Blade Runner. Una vez que aceptas que Deckard es un replicante cazando a sus similares, varias cuestiones molestas son resueltas: siempre me pareció que el romance de Deckard y Rachel era

ilógico y un poco escalofriante, pero si ambos son replicantes, la conexión androi-gena cobra un sentido total. Editada por p Scott p para su aniversario 25,, “The Final Cut” de 2007 es una versión más limpia de “The Director’s Cut”: la secuencia del unicornio ha sido restaurada por completo, la sacada de ojos es reinstalada. Sin embargo, aquí está la cosa: habiendo inhalado la película cinco veces, he cambiado de bando. Dullard Deckard no es el centro emocional del ﬁlme. Es el triste y enojado hijo sin padre Roy quien lentamente se vuelve humano, buscando la vida eterna: una estrella convirtiéndose en polvo estelar. En una película tan carente de emociones, en cualquier edición que veas será el soliloquio “lágrimas en la lluvia”, de Rutger Hauer, el único momento donde encuentres emoción. Es tan poderoso, de hecho, que me quedo con una duda que hace que mi cabeza dé vueltas: tal vez Roy sea el héroe y Deckard el villano. Oh, no. Tendré que echármela de nuevo. Estoy viendo cosas que no creerías…

BLADE RUNNER: THE FINAL CUT AHORA A LA VENTA EN BLU-RAY.

Te lo dice un experto autoridad en su ramo sus tres más grandes recomendaciones para que tú no te gastes.

MANUEL FERNÁNDEZ JARAMILLO DIRECTOR DE CONTENIDOS ONLINE AUTOMÓVIL PANAMERICANO

NO SON PELÍCULAS que tienen que ver con autos, pero cada fanático las recordará por las persecuciones, por un coche icónico que marcó a una generación o por la mezcla de ambos elementos.

BULLITT (1968) Si amas los V8 no puedes ignorar la película del gran Steve McQueen, en la que trata de alcanzar en su Ford Mustang Fastback del 68 a un no menos espectacular Dodge Charger R/T.

UNACHICA PARASALVAR BACKSTAGE HOLLYWOOD.

POR MARIO P. SZÉKELY

THE ITALIAN JOB (1969) Michael Caine y Benny Hill liderando el robo de un cargamento de oro: tres Mini Cooper modificados por las calles de Turín son perseguidos por una patrulla Alfa Romeo.

RONIN (1997) Una masacre de autos europeos en las calles de Niza: desde un raro Citroën XM y un BMW Serie 5 de quienes huyen, pasando por los Audi S8 y MercedesBenz Clase S del equipo de ladrones.

POR DIFÍCIL QUE PAREZCA, el Universo Marvel, producido por Disney, aprendió una lección de los filmes de DC Comics a cargo del estudio Warner Bros. cuando este 2017 se estrenó Wonder Woman y se comprobó que una película con una protagonista femenina podría arrasar con todo, además de que tener a una mujer en los controles del filme, como la directora Patty Jenkins, era una gran idea. La cinta con Gal Gadot es el filme más exitoso para una historia de origen con más de 820 millones de dólares recaudados alrededor del mundo. Ahora la escritora de cintas de corte independiente, Anna Boden, es llamada por Marvel-Disney a debutar como realizadora, haciendo mancuerna con su colega de varios años, Ryan Fleck, para darle vida en pantalla a Captain Marvel. Ocupando la posición 29 en la lista de las heroínas más sexys de los cómics, Capitán Marvel fue creada por Roy Thomas y Gene Colan en 1968, contando la historia de Carol Danvers, piloto de la Fuerza Aérea de Estados Unidos cuyo cuerpo muta al ser expuesta a una explosión con carga genética alienígena, obteniendo habilidades sorprendentes como volar, manipular la gravedad, controlar campos de energía y viajar a la velocidad de la luz.

Aunque no es novel para la audiencia mundial, como lo fue Gal Gadot, la ganadora del Óscar Brie Larson (Room ( , 2015), tiene ahora la oportunidad de trascender al mundo de la cultura pop vistiéndose de Capitán Marvel y estrenando su cinta en marzo de 2019. Larson mostró su valor humano cuando, tras el reciente terremoto del 19 de septiembre en México, de inmediato puso su cuenta de Twitter a disposición de quien necesitara que ella le replicara para ayudar al pueblo mexicano. Otra rubia que está dando de qué hablar por su talento y belleza es Margot Robbie, quien para ﬁnes de este 2017 es considerada con fuertes posibilidades de nominación al Óscar por encarnar a la patinadora olímpica y desalmada Tonya Harding en I, Tonya. La actriz regresará en la secuela de Suicide Squad con su sexy Harley Quinn. La también protagonista de El lobo de Wall Streett será parte del proyecto Gotham City Sirens que se cocina ahora, donde Quinn será parte del trío con Poison Ivy y Catwoman, mientras Joker les sonríe en el vecindario. Surgiendo de su incursión en Star Wars: The Last Jedi (2017), la mexicanokeniana Lupita Nyong’o está en pláticas formales para ser una de los Ángeles de Charlie acompañada, por lo pronto, por Kristen Stewart y esperando a su tercer colega. Para julio de 2018 veremos a otra dupla con una heroína de carácter cuando Ant-Man and The Wasp salven al mundo y el personaje de Evangeline Lilly suelte más de una patada en el trasero de los malos. Sony Pictures y sus derechos con Spider-Man no se quiere quedar sin el poder femenino, y desarrollan Silver & Black, sobre las mercenarias Silver Sable y Black Cat como las chicas malas del barrio. Y cruzamos los dedos para una historia de Black Widow con Scarlett Johansson. En un 2017 donde Emma Watson fue de las actrices más taquilleras, el lazo dorado de Wonder Woman conquistando lo más altos puestos de popularidad y Rey (Daisy Ridley) arrancando chispas en The Last Jedi, Hollywood todavía nos debe más cintas de heroínas, pero podremos decir, viendo el panorama del futuro, que las chicas están listas para reclamar su merecido sitio en pantalla que nadie les arrebatará jamás.

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CASA DE MUÑECAS Stephanie Sigman te da las razones por las que Annabelle: Creation te dejó temblando hasta hoy... Y a ella también. POR ANAID RAMÍREZ

ESTA VEZ NO FUE A MITAD DEL BOSQUE, sino en el desierto despoblado. De nuevo te topaste con una casa pero no abandonada: de hecho, sus dueños siempre han vivido ahí. Sin embargo, ese lugar te provocó terror a causa de la muñeca diabólica que tiene como inquilina y a las travesuras que les hizo a sus nuevas amigas humanas. Hablamos de Annabelle: Creation (Anna ( belle 2: la creación), la película que superó a su antecesora en cuanto a tensión y sustos se refiere. Además de una historia más atractiva, por la construcción de sus personajes y la forma en que se vincularon los eventos con los de la primera cinta, las actuaciones y escenarios fueron claves para hacer de esa segunda entrega una más terrorífica. El filme cuenta la llegada de un grupo de niñas huérfanas que son auspiciadas por una pareja madura y solitaria. En el hogar del matrimonio se educan bajo la guía de una monja cuya labor se extenderá cuando la muñeca empiece a torcer el cuello. Stephanie Sigman, integrante del elenco, se confesó con EMPIRE acerca del reto de reaccionar a sustos imaginativos en el set, para con ellos aterrorizar al público en salas. El resultado fue tan

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efectivo que los gritos se tradujeron en la modesta cantidad de 305.1 millones de dólares recaudados en las taquillas de todo el mundo.

TODO ESTÁ EN LA MENTE De acuerdo con Sigman, encargada de darle vida a la hermana Charlotte, lograron horror en el foro con “mucha imaginación”, y eso no fue difícil gracias al joven elenco de la cinta. Con los hábitos puestos, la histrión tiene la responsabilidad de guiar a un grupo de pequeñas huérfanas que encuentran refugio en la casa de la familia Mullins, pero fueron las chiquillas quienes aleccionaron a la actriz mexicana. “Siempre estoy con las niñas y la verdad ellas son... no sé cómo lo hacen, supongo que también inﬂuye mucho el hecho de ser niño. Tienen la imaginación a todo lo que da, podían hacer lo que sea, creen muchísimo en ellas mismas y eso es algo que no sé por qué perdemos con la edad, pero es muy bonito ver”, cuenta la actriz.

PRESENCIA DEL MÁS ALLÁ Durante el rodaje, para no dejar todo los elementos terroríﬁcos en la imaginación de Sigman y de las niñas Talitha Eliana Bateman y Lulu Wilson —

en los roles de Janice y Linda, respectivamente—, la producción optó por efectos prácticos y no agregarlos después en CGI. Eso también ayudó a que el cast reaccionara de forma más espontánea a lo que ocurría en el lugar. “Cuando el set se mueve, las escaleras y las paredes de verdad se movían, todo temblaba. Fue increíble ver eso porque la diseñadora de producción (Jennifer Spence) realmente creó una iluminación y un ambiente perfecto para poder interpretar”, explicó Sigman.

HASTA LOS ACTORES TIENEN MIEDO Eso que cuenta Sigman (el apoyo visual en locaciones), en los cines dio pie a sobresaltos de los que ni el elenco se libró. “Terminada la película, la vi. Y a pesar de que sabía lo que iba a suceder, porque leí el guion e hice la película, existe el factor sorpresa y hay muchas cosas que me hacen saltar del asiento y sentir miedo”. De toda la cinta, el espacio que más horror le causa a la actriz es la habitación de su propio personaje. “Tiene un elevadorcito en la pared. Cuando me asomaba por ahí no sabía qué es lo que

POP TIMES ¿Creías tener suficientes referencias del cine y TV? POR CÉSAR HERNÁNDEZ

iba a salir de ese hueco, porque estaba muy oscuro y se movía. Fue un momento de mucho miedo verdadero para mí”. Tal fue el ambiente que se creó en las habitaciones que la intérprete llevó a un sacerdote al set para que echara agua bendita y en el camerino tenía siempre cerca una Biblia. Además de que ha confesado que sí cree en energías y espíritus, Sigman preﬁrió tomar sus precauciones — ¡quién no!— ante los mitos que hay alrededor de las ﬁlmaciones de películas de horror.

La película Watchmen, de Zack Snyder, es un prodigio de referencias, en particular en la secuencia de créditos de entrada, donde se presentan eventos previos en la historia de la película. Se ve a Mick Jagger y a David Bowie saliendo del Studio 54, pero también ves al Nite Owl original dándole un puñetazo

a un ladrón mientras atrás de él hay pósters del cómic de Batman y al lado están sus padres saliendo del cine. De ahí deducimos que, como los Wayne no murieron esa noche, Batman no tiene necesidad de existir en el universo de los Watchmen y por eso nada más es un personaje de ficción en el universos de las historietas.

Existe un libro editado en 1978 por Edinorma en Colombia, avalado por The Star Wars Corporation, llamado La Guerra de las Galaxias que presenta nombres “traducidos” de los personajes. Aquí, Luke Skywalker es Lucas Trotacielos y vive en el planeta Tatuín. C3PO es Trespo

y, por muy obvio que suene, R2D2 es Artu-rito; Chewbacca es el buen Masca y Darth Vader es Dar Vader. El libro es hermoso y está profusamente ilustrado con fotos de la película. La copia en poder de EMPIRE literalmente se está deshaciendo: le falta la parte final.

¿A qué se debe el color esmeralda de este famoso personaje de Marvel? Nuestro muy buen amigo Hulk fue creado por Jack Kirby y Stan Lee, basados en la novela El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde, de Robert Louis Stevenson. En un principio, Stan Lee no quería darle a su personaje ningún tipo de etnicidad,

por lo que lo creó gris, como color neutral, pero en esa época era en realidad imposible hacer la tinta de un gris que siempre fuera igual, por lo que el monstruo podía aparecer en múltiples variaciones de ese color. A partir de ahí, Stan Lee decidió que Hulk sería del color que ahora todos conocemos.

FÁBULAS DEL HORROR Pese a ser un ﬁlme de horror, después de participar en Annabelle: Creation Sigman no se queda con miedo, sino con valiosas lecciones; no se lleva consigo las secuencias de posesiones y puertas que se abren solas, sino aquellas en las que lucha por las niñas. “Me conmueven mucho por la relación que tengo con ellas, de lo que la hermana Charlotte pude hacer por ellas y de lo que no pude lograr por ellas (...). Ahora tengo nuevas y muy jóvenes amigas”, reﬂexiona. ANNABELLE 2: LA CREACIÓN ESTÁ DISPONIBLE EN DVD Y BLU-RAY.

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Parece que Kevin McCallister lee el periódico, pero en realidad traza su plan para deshacerse de unos ladrones en Mi pobre angelito 2.

TOP 10 EMPIRE: CINTAS NAVIDEÑAS OBLIGADAS Listas muy listas. Nuestro crítico te confía su top 10 mensual de temas ultraespecíficos. POR ÓSCAR URIEL

LAS FIESTAS NAVIDEÑAS pueden convertirse con facilidad en experiencias sumamente extremas. Vayamos por partes. Se trata de una fecha feriada que sirve de pretexto para reunir a la familia, sin importar cuan disfuncional sea ésta, en una festividad que requiere de la convivencia obligada entre sus miembros. Los ingredientes exactos para una catástrofe doméstica. El cine ha retratado esta celebración y sus consecutivos ﬁascos en varias ocasiones. A continuación nuestro listado de películas que sugerimos revisitar en estas fechas.

MI POBRE ANGELITO (1990) Han transcurrido 27 años desde que los padres de Kevin McCallister (Macaulay Culkin) lo abandonaron en casa y se fueron de vacaciones... ¿Qué tipo de tutores son esos que olvidan a sus vástagos en el hogar? Viéndola a destiempo, en la actualidad esta cinta sería considerada políticamente incorrecta.

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Se trata de una cáustica comedia dirigida por Ted Demme en donde un ratero (Denis Leary) es hostigado por la misma pareja que pretende atracar (Judy Davis y Kevin Spacey), todo teniendo como marco las ﬁestas decembrinas.

debido a su constante estado ‘inconveniente’ en el set. ¿La trama? Claudia (Hunter) opta por pasar las ﬁestas en compañía de su familia en lugar de su novio. No es precisamente la mejor decisión; sin embargo, con ella, Claudia conﬁrma que los lazos consanguíneos son más sólidos que la disfuncionalidad.

THE FAMILY STONE (2005)

LESS THAN ZERO (1987)

Nos encontramos con una amena cinta sobre cómo un grupo de antipáticos personajes celebran la Navidad en familia. La anécdota es estelarizada por un reparto coral (Diane Keaton, Sarah Jessica Parker, Rachel McAdams y Luke Wilson, entre otros) y las ocurrencias van desde diferencias políticas entre integrantes del clan hasta la liberación sexual de otros. Poco a poco, The Family Stone se ha convertido en un clásico contemporáneo que se revisita cada temporada.

Basada en el bestseller de Bret Easton Ellis, narra el regreso a casa de Clay (Andrew McCarthy), quien retorna a pasar Navidad en Beverly Hills en compañía de sus amigos Blair y Julian (Jami Gertz y Downey Jr.). Se trata de los 80, por lo que las melodías de The Bangles y la cocaína pululan en las ﬁestas de los hijos de los acaudalados. La invitación que recibe Clay inscribe categóricamente ‘Let’s Fuck Christmas’.

THE REF (1994)

HOME FOR THE HOLIDAYS (1995) La celebración aquí no es precisamente Navidad, sino el Día de Acción de Gracias. Aún así decidimos incluir este entrañable título porque es dirigido por la consentida Jodie Foster y estelarizado por Holly Hunter y la legendaria Anne Bancroft, aunque la revelación la dió Robert Downey Jr. hace algunos años al confesar que no recordaba nada del rodaje de la cinta

UN CONTE DE NOËL (2008) Cargada de una fuerte dosis de humor galo, Arnaud Desplechin nos presenta a la familia anómala gloriﬁcada. Catherine Deneuve interpreta a la matriarca, quien requiere de un trasplante en calidad de apremio. Melvil Poupaud, Mathieu Amalric y Chiara Mastroianni completan el reparto de excéntricos personajes de una historia agridulce en donde se mezcla la tragedia con situaciones hilarantes.

FERNANDO RIVERA CALDERÓN LA GARGANTA MECÁNICA La peor película de la historia

FOUR CHRISTMASES (2008) Reese Witherspoon y Vince Vaughn protagonizaron una pareja en conﬂicto, dentro y fuera de la ﬁcción, al interpretar a un matrimonio que decide visitar a sus respectivos padres divorciados justo el día de Navidad. No fue secreto para nadie que los actores tuvieron pronunciadas diferencias durante el rodaje, lo que provocaría que Vaughn no hiciera publicidad durante el estreno. El director, Seth Gordon, insiste en que la premisa de esa historia está basada en sus propias experiencias en la época decembrina; ¿le creemos?

THE LION IN WINTER (1968) Peter O’Toole es el rey Eduardo II. Katharine Hepburn caracteriza a Leonor de Aquitania. Sólo ver a estrellas de este calibre en los roles estelares en la adaptación cinematográfica de la dramaturgia de James Goldman es motivo suficiente para echarle un vistazo a esta fastuosa producción. Lo que también resulta gratificante es observar que lo ambiguo de las relaciones familiares no es exclusivo de nuestros tiempos.

PETER’S FRIEND (1992) Hay un dicho común que reza: “Los amigos son la familia que uno escoge”, pero ¿qué sucede cuando repetimos nuestras patologías y regresamos a lo disfuncional? Esto es justo lo que sucede en la comedia con tintes dramáticos que dirige Kenneth Branagh, quien reunió a sus amistades en la vida real para protagonizar una emotiva historia sobre seis amigos unidos en la dicha y la adversidad.

UNA HISTORIA DE NAVIDAD (1983) Ésta es mi película favorita de la temporada. Va de una fantasía por demás americana situada en la década de los 40 donde Ralphie (un sensacional Peter Billingsley) sueña con tener como regalo navideño una escopeta con la ﬁnalidad de enfrentar al enemigo. Habría que replantear esta misma situación a nuestro contexto sólo para darnos cuenta de que la anécdota no tendría cabida en los parámetros sociales actuales, pero que, paradójicamente, es la misma ingenuidad de la historia lo que hace de la cinta un clásico de la época.

protagonizada por Nicolas Cage, aquí Hablar de la peor cinta que uno ha llamada El aprendiz de brujo, y en la visto es tan complicado y frustrante versión de Alicia en el país deliciosamente ocioso como hablar de de las Maravillas que dirigió Tim la mejor. Depende del gusto de cada Burton en su peor momento, así como quien y a veces, lo que para uno es una en cualquier película protagonizada joya, para otro es una basura. Además por Vicente Fernández. hay filmes malísimos que resultan Todas estas historias inolvidables, pero esta vez no MI son radicalmente malas voy a hablar de Ed Wood ni RECOMENDACIÓN y además muchas de Juan Orol, sino de Destiny. (Alemania, 1921) fueron un fracaso en producciones asquerosas Fritz Lang es conocido por taquilla, pero debo de las que hay que Metrópolis, pero aquí mencionar dos que no alejarse a toda costa. presenta una fantasía sobre soporto ver más de Lo primero que viene la vida y muerte a la que cinco minutos y han a mi mente es el vomitivo mucho le debe sido quizá las más bodrio de Frozen. Un “corto” Macario. exitosas de los últimos larguísimo retacado de tiempos en México. No puedo cursilería y canciones gazmoñas con Nosotros los Nobles ni con No se que te hacen odiar la existencia por aceptan devoluciones. No me dan risa unos minutos. y me declaro intelectualmente incapaz Otra aberración cinematográfica de acceder al mensaje de dichos muy reciente que me puso de muy mal éxitos, aunque también tengo claro humor fue Geotormenta. Infame que el que no me guste algo que a película de Dean Devlin quien, pese a mucha gente sí, no me otorga ningún su apellido, tuvo muy mala visión para tipo de superioridad moral; nada más dirigir esta historia sin pies ni cabeza me parecen pinchísimas. Si estuviera que, para acabarla de amolar, cuenta en una isla desierta con un cine y sólo con la actuación especial de Eugenio pasaran Nosotros los Nobles, No se Derbez (que no sé cómo le hace para aceptan devoluciones y El Garañón II, mantener el tonito de Burro de Shrek con Alfonso Zayas, les juro que nada en todos sus personajes). Los efectos más vería El Garañón II hasta el final especiales parecen hechos desde un de mis días. teléfono celular y la película en general Ver las malas cintas es tan te hace pensar que Gerard Butler, Andy necesario como ver los clásicos para García y Ed Harris realmente formarnos un criterio cinematográfico, necesitaban mucho el dinero para y además algunas de ellas tienen aceptar hacer el ridículo de la forma en detrás historias en verdad dignas de que lo hicieron. contar o directores sobre los que vale Además de estos dos ejemplos de la pena detenerse un poco más. Ya ha que la evolución de la tecnología no sucedido con Orol y con Wood, y ahora implica necesariamente que se hagan el genial James Franco ha hecho un mejores cintas, no puedo dejar de homenaje al locazo de Tommy Wiseau mencionar otros esperpentos que van y su cinta The Room, considerada la apareciendo aleatoriamente en mi peor película de la historia, en The memoria. Pienso en El Chanfle, de disaster artist, poniendo en evidencia Chespirito; en Fando y Lis, de una vez más que las malas cintas Alejandro Jodorowsky; en Vacaciones también tendrán su espacio en la de terror, de René Cardona III; en historia de la cinematografía, aunque Verano peligroso, con Alejandra sean horribles. Guzmán; en esa porquería

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LAÚLTIMA ESCENA POR CÉSAR HERNÁNDEZ

En EMPIRE sabemos que llevar las cosas a un buen fin es virtud de pocos directores. Aquí una última escena que nos dejó con el ojo cuadrado.

THE EMPIRE STRIKES BACK, 1980 IRVIN KERSHNER

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HACIA EL FINAL DEL Episodio V tiene lugar la traumática batalla entre Luke y Anakin Skywalker, ahora envestido de su sagrado poder como Lord del lado oscuro de la Fuerza y temible guardián de las Fuerzas del Imperio Galáctico, en la que este último, Darth Vader, le pone en su madre a su hijo... física, psicológica y espiritualmente. Mientras trata de defenderse, Luke aprende que tiene una hermana y que a su papá no lo mató Darth Vader, sino que ES Darth Vader, o sea, su papá versión el lado oscuro de la Fuerza. Maltrecho y habiendo perdido su mano derecha, su sable de luz y la esperanza de vencer a Vader, Luke recibe la oferta de su padre para pasarse al

lado oscuro y manejar juntos el destino de la galaxia entera. Si no acepta, Vader ira por su bella hermana. Luke utiliza lo último de sus fuerzas para lanzarse por una ventila y queda colgado de una antena de la base en Cloud City. Con sus incipientes poderes de Jedi, de la embarradita que recibió apenas por el maestro Yoda, Luke llama a Leia, su hermana, quien ya huía con Lando y Chewbacca en el Millennium Falcon. Ella los obliga a regresar y encuentran a Luke malherido y sin sentido. Estos son los hechos que conducen al ﬁnal de una de las películas más importantes de la historia, no sólo para nostros, los ñoños de Star

Wars. En esta entrega, primera que no dirigió su creador George Lucas, ganan los malos y no dejan de suceder cosas imporantes para la saga, además de que todos los actores entregan lo mejor en cada uno de sus papeles. Esto porque Kershner, a diferencia de Lucas, si sabía y disfrutaba al dirigir a actores. Nuestros héroes escapan de Cloud City mientras Luke estrena la comunicación telepática con su padre y recrimina suavemente a Ben (Obi-Wan) Kenobi por no haberle dicho la verdad en vida. La última escena representa claramente lo que este episodio trajo a la ecuación completa. Asimismo presagia lo que aún faltaba por contar.

Después de que Lando deja a un Luke convalesciente, a Leia, C-3PO y R2-D2 en un convoy de la Alianza Rebelde que escapa hacia una nueva base, él se lanza con Chewbacca en busca de Boba Fett para intentar rescatar a Han de las garras de Jabba the Hut. Quedan de encontrarse en Tatooine una vez que ellos hayan ubicado al monstruoso maleante. A Luke le han colocado una mano cibernética en lugar de la que perdió contra su padre, algo que, irónicamente, lo acerca más a él. El último en expresar algo en la película es R2, al que C-3PO mira con “tristeza”. Los droides y Leia observan por un ventanal de la nave rebelde cómo el Millennium Falcon se marcha

hacia Tatooine; a ellos se une Luke, en bata, aún vapuleado, y los cuatro miran hacia las estrellas en uno de los ﬁnales más hermosos de toda la saga. Al concluir, la cámara los observa desde afuera y se aleja de ellos mientras John Williams nos regala un subidón de notas de despedida que, a quienes la vimos en el cine, nos hizo un nudo en la garganta que precedió a una sorpresa satisfecha, a una paz incómoda cuando apareció en la pantalla el crédito de Kirshner y sabíamos que no seríamos los mismos jamás. Todavía tendríamos que esperar tres años más para conocer el desenlace... y éste sería simplemente extraordinario.

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KENNETH BRANAGH: NUESTRO LAURENCE OLIVIER POR SUSANA MOSCATEL

MUCHOS LO CONOCEN COMO “el inglés que nos regresó a Shakespeare”, pero la realidad es que Kenneth Branagh es irlandés. Y aunque sí, ha jugado un rol indispensable en hacer que las nuevas generaciones se enamoren del gran dramaturgo, lo cierto es que basta un paseo por su ﬁlmografía como director para ver qué es lo que le atrae de llevar estos grandes textos a públicos acostumbrados a pocas palabras y mucha acción. Platicamos con Branagh por el estreno de su versión de Asesinato en el Expreso Oriente, de Agatha Christie, y justo por ahí empezamos. “¿El amor a estas cintas es un tema de formación o una respuesta al deseo de tantos de volver a lo bien hecho y básico?”.

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“Esa es la razón por la que amo a los clásicos, no pierden vigencia”, contestó con la emoción de un director orgulloso de lo que ha logrado. “A veces parece fácil y la gente da por sentado que manejar 15 personajes principales es algo simple, pero de hecho es un toque de genialidad en un misterio de asesinato porque entre más hay, es incluso más difícil averiguar quién lo hizo. Ella fue muy audaz en darse cuenta de ello y, si puedes rodar una película donde llenas esos roles con actores fascinantes, ya la hiciste”. Que se reﬁera a Agatha Christie como “ella” es un deleite, porque de verdad te hace sentir que en algún extraño plano los dos coincidieron para platicar sobre las adaptaciones que hizo de uno de sus más clásicos misterios. E igual que Christopher Nolan (con quien tiene mucho en común) posee la convicción de que una buena película debe ser hecha de la manera clásica. “¡Sí, ﬁlmamos en 65 milímetros!”, respondió ante el cuestionamiento del cómo logró algunas de las tomas panorámicas más bellas que hemos visto en mucho tiempo, al menos en el cine comercial. “Todas mis producciones han sido en celuloide, y ésta en particular, con el negativo más amplio, te permite capturar el detalle de manera especial. Sientes más detalles cuando vas a lugares

como Estambul o Israel, pero también logras más. Mucho más en esos closeups, cuando tratas de proyectar las particularidades que hacen que alguno de ellos parezca culpable, todas esas cosas del lenguaje corporal que te hacen preguntarte: ‘¿Eso es culpa?’, ‘¿acaba de mentir?’”. Clásicos o no, Branagh siempre encuentra la manera de imprimir su estilo en las cintas que está dirigiendo y, en (muchas) ocasiones, como la más reciente, también protagonizando. Quizás esa ha sido la crítica más constante en su amplia trayectoria. Algunos hasta de megalómano lo han acusado. No en el trato personal, donde siempre se ha destacado por ser uno de los hombres más queridos del teatro y el cine anglo, sino en el escenario. ¿Pero a quien no le pasaría eso si la primera vez que das el salto de las tablas al celuloide es con tu propia adaptación de Enrique V, de William Shakespeare, por la cual te nominan al Óscar como actor protagónico y director?

OLIVIER Y BRANAGH Si bien apareció como intérprete y no como realizador en My Week with Marilyn, Kenneth hizo algo que sacudió a muchos, pero generó una increíble satisfacción en la mayoría: interpretó a Laurence Olivier, el gran histrión que muchos

aseveran había portado la corona que naturalmente heredó Branagh. “Ya era hora”, publicaron varios críticos en su tiempo. En el pasado, las comparaciones entre los dos, también directores, llegaron a tal grado que la familia de Lord Olivier vetó la propuesta de que Branagh se presentara en el funeral en 1989. Sentían que llamaría demasiado la atención la presencia del joven actor que todos señalaban como sucesor de la gloria de Olivier.

LAS NUEVAS MITOLOGÍAS Si bien como director Kenneth Branagh se ha dado el dudoso gusto de sacar adelante partes de franquicias como Jack Ryan (Shadow Recruit), también ha tacleado un par de retos que francamente eran para preocuparse. En retrospectiva, esa preocupación no pudo estar más equivocada, como pudimos ver en Cenicienta (2015), con Lily James, donde mostró de nuevo su enorme talento por darle un leve giro a los clásicos. Con Cate Blanchett como la madrastra, la cinta superó todas las posibles expectativas al mostrar que un clásico tiene varias capas que se pueden seguir descubriendo... si el director se lo propone. Por el otro lado, Thor (con Chris Hemsworth) es probablemente uno de los éxitos más importantes del director shakespeariano, quien seguro no busca sus proyectos con base en el potencial de lo que pueden lograr en la taquilla. Pero, por el otro lado, 440 millones de dólares en 2011 no pudieron caerle mal al hombre que de por sí, a puros golpes de calidad, siempre se ha dado el gusto de hacer lo que ama. Eso, por supuesto, incluye joyas cinematográficas como Much ado about Nothing (con el horrible título en español —de origen— Mucho ruido y pocas nueces) o su Hamlet de cuatro horas, cosa que ni Olivier logró en la pantalla grande (existe una versión corta de la misma producción). Branagh es, a fin de cuentas, un seductor que sabe traducir los clásicos para las nuevas generaciones y que logra la perfecta combinación entre lo comercial (ha transmitido obras de teatro de su compañía a miles de salas de cine simultáneamente) y lo tradicional. Siempre con un toque personal que los puristas rechazan y que los demás apreciamos. Sobre todo cuando tienes la oportunidad de escucharlo platicar de sus pasiones y te contagia su entusiasmo al narrar su enamoramiento por el celuloide de esta manera: “Es todo un ritual cuando tienes que cambiar el film y gritar ‘corte’. Es un ritmo distinto cuando haces una producción en cinta y creo que los actores responden a ello. ¡Me encanta!”.

LAS TRES DE BRANAGH (COMO DIRECTOR) Mucho ruido y pocas nueces Hamlet Los amigos de Peter

EDITORS’ CHOICE

¡ANÓTALAS PARA VERLAS LO MÁS PRONTO POSIBLE!

EMPIRE te dice qué ver.

1 AMERICAN VANDAL DISPONIBLE EN NETFLIX ¿De qué va? Un día aparecen 27 autos graffiteados con imágenes fálicas EDUARDO en el estacionamiento del Hanover NAVARRETE High School. Mientras Peter Maldonado (Tyler Álvarez) trata de dar con el responsable, Dylan Maxwell (Jimmy Tatro) figura como el principal sospechoso. ¿Por qué la recomiendo? Pocas series combinan de forma ingeniosa el suspenso, el dramedy y el falso documental. Compartirás risas involuntarias con un genuino interés por la trama y sus personajes. No creerás que en la misma plataforma en la que aparece Making a Murderer puedas ver esta especie de innovadora mofa hacia ella.

2 LOS NIBELUNGOS DISPONIBLE EN DVD ¿De qué va? Basada en el Cantar de los nibelungos, este clásico del ANAID RAMÍREZ expresionismo alemán cuenta la premisa sencilla del príncipe (Sigfrido) que lucha contra un dragón para recuperar a la princesa (Krimilda), no sin tener un traidor en el camino (Hagen) y desatar en la doncella una implacable sed de justicia. ¿Por qué la recomiendo? Es una de las cintas imperdibles de Fritz Lang y también de las primeras historias del cine en tener dos entregas —cada una de 90 minutos aproximadamente—. Indispensable y emocionante título para entender cómo llegan al cine los relatos de venganza.

3 IMPRACTICAL JOKERS DISPONIBLE EN TRUTV ¿De qué va? Cuatro amigos de la universidad se hacen bromas desde sus años CÉSAR escolares y han construido un HERNÁNDEZ exitoso programa de ello. En cada episodio, Murr, Q, Joe y Sal se ponen retos y quien no logra completarlos sufre un castigo al final, que siempre involucra avergonzar al perdedor o enfrentarlo con una de sus peores fobias o aversiones. ¿Por qué la recomiendo? A veces hace falta desconectarse un poco de la realidad y estos cuatro bobos te aseguran horas de diversión. Si eres de los que disfrutan ver gente en posiciones incómodas y embarazosas, vas a gozar muchísimo con este programa.

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MIS FAVORITAS ELEGIDAS POR PACO AYALA

E DEL REMIER DE LA P de peda y s ía D FIEST : OV r, MOLOT L A d T e N lr edo E whisky a DOCUM edo ni p que hay i n n u a tá s y, cruda nda no e uy de la ba alibra m orque c el bajista p s os o rn m a s o nota de confe crudo. L istoria: a la hora h s la a e n e id ritas bien sus las favo ntre su o pelícu undos e g e s sus cinc s o n u n . ¿Su a s lo a p otro títu apenas de uno y ck. n ri ió b c u ia K c y enun ? Stanle to ri o v fa director

EMPIRE le pide cada mes a una figura del cine, la sociedad o la cultura que enliste sus cinco movies favoritas. Algunos aplican la presidencial y no las recuerdan; otros las tienen muy presentes. De ahí, EMPIRE emite un diagnóstico de la salud cinematográfica del pacientito. POR ANAID RAMÍREZ

STAR TAR WARS WARS: EL IMPERIO CONTRAATACA (1980) TIBURÓN (1975) TIBURÓ DIRIGIDA POR Steven e Spielberg EMPIRE DICE La c cinta que convirtió a una especie marina en un u monstruo del que no se puede escapar apar. Lo Loss efectos especiales que aplicó có Spi Spielberg en n esta cinta siguen sigue tan frescos y vigentes q fre que todavía “vas a necesitar un bote m más grande”.

DIR DIRIGIDA POR Irvin Kershner EMPIRE PIR DICE Aunque sólo figuró en los Óscar por or sus efectos visuales y sonido, su historia es un una de las mejores de la saga. En este episodio to oca ver a Luke Skywalker comenzando su ue entrenamiento para convertirse en tod co do un Jedi gracias a la guía y sabiduría abid de Yoda.

EL RESPLANDOR NDOO (1980)

TRAINSPOTTING (1996) DIRIGIDA POR Danny Boyle EMPIRE DICE El segundo filme de este director inglés se convirtió en EL ícono de los 90, tanto por su historia de amistad y drogas como por su selección musical y de elenco. Nadie olvida al Renton de Ewan McGregor o al Spud de Ewen Bremner, ni si quiera a la Diane de Kelly Macdonald. ¿Alguien puede no pensar en esta producción al escuchar a Underworld? Y qué decir del resto de bandas, como Blur, Pulp e Iggy Pop.

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NARANJA MECÁN Á ICA (1971) DIRIGIDA POR Stanley a Kubrick EMPIRE DICE Junto n con Lolita, es una de las películas más controversiales de Kubrick. El cineasta recibió decenas de cartas —de sacerdotes y civiles— que le pedían reconsiderar el estreno de esta cinta y parar su filmación. Basado en la obra de Anthony Burgess, el filme retrata las vivencias de Alex —fascinado por la violencia y el sexo—, así que las escenas explícitas de violaciones y asesinatos eran indispensables. Por si fuera poco, tiene un póster hipnótico.

DIRIGIDA AP POR Stanley Kubrick EMPIRE RE DICE D Cuando las casas abandonadas and ya daban miedo, llegó el Hotel Overlook para decirles “quítate que ahí te Ov voy”. Olas de sangre, niñitas fantasma, máquinas de escribir que funcionan solas... papás psicópatas. ¿Hay algo que no dé miedo en esta película basada en una novela de Stephen n King? Kin

DIAGNÓSTICO Paco prefiere las tramas oscuras y directores que no se miden a la hora de retratar sangre o dar espacio a diálogos aniquiladores. Aprecia aquellos trabajos que crean atmósferas completas y abarcan tanto lo visual como lo sonoro. Si quieres una recomendación de ciencia ficción, Ayala te la da sin titubeos.