Trecento Italiano

Trecento

Italiano

Un siglo privilegiado que contó con los primeros nombres reconocidos como genios de la cultura y marco un espíritu nuevo que pone al hombre como eje de la creación.

El término " trecento" (italiano para "trescientos") es la abreviatura de "milletrecento" ("mil trescientos"), que significa el siglo XIV. Un período muy creativo, testigo de la aparición de pintura prerrenacentista, así como escultura y arquitectura durante el período 1300-1400. Un siglo privilegiado que contó con los primeros nombres reconocidos como genios de la cultura: Dante, Petrarca, Giotto, Duccio son algunos de ellos. Sus producciones en sus respectivos campos marcan un espíritu nuevo que pone al hombre y su voluntad en el eje de la creación.

Pintura

Durante este siglo, el XIV, se van a desarrollar dos escuelas diferentes, la florentina y la sienesa, cada una ella ubicada en sendas repúblicas poderosas. Pero las dos escuelas tienen características comunes, tales como son la individualización de los personajes, lejos ya de los estereotipos practicados durante el medioevo. A esta individualización corresponde una mayor expresividad de los rostros y el gesto, lo cual marca la separación de los tipos bizantinos practicados el siglo anterior, hieráticos, inmóviles en su diginidad eterna. También se presta mayor atención al cuerpo, con lo que se consigue una mayor corrección anatómica, más realista, sin idealizar. Esto implica introducir volumen y modelado en los cuerpos, que inmediatamente repercute en los objetos que lo rodean y en el fondo, que deja de ser un panel dorado para llenarse de paisajes.

Escultura

El padre del siglo XIV en la escultura renacentista italiana fue el artista de Pisa Giovanni Pisano (1250-1314), quien talló una Virgen y un niño para la Capilla Scrovegni en Padua cuando Giotto estaba pin-

tando allí en 1305, y que se destacó por su magnífica arte plástico para el púlpito de la catedral de Pistoia. Fue una gran influencia en otro importante escultor de trecento como Andrea Pisano (1295-1348), cuyas obras maestras incluyeron tres puertas de bronce para el baptisterio de la Catedral de Florencia (terminado en 1336). Un precursor del estilo gótico internacional cortesano también fue influenciado por Giotto, a cuya muerte en 1337, Andrea Pisano lo sucedió como arquitecto jefe de la Catedral de Florencia. Mientras tanto, el principal escultor y arquitecto veneciano fue Filippo Calendario (c.1315-1355) que dirigió la reconstrucción del Palacio Ducal del siglo XIV, antes de ser condenado a muerte por traición.

Arquitectura

Mientras que la arquitectura gótica predominó en el norte de Europa hasta el siglo XVI, fue reemplazado en Italia durante el siglo XV por diseños renacentistas. Sin embargo, pocas obras arquitectónicas importantes tuvieron lugar durante el trecento. Las razones de esta calma no están claras, aunque vale la pena recordar que la Peste Negra (1346) acabó con un tercio de la población de Europa, y la brutal Guerra de los 100 años entre Francia e Inglaterra comenzó en 1339. El siglo también tuvo que hacer frente a numerosas cosechas catastróficas. Ninguno de los cuales representaba condiciones ideales para un programa de construcción de la Catedral. En cualquier caso, la Iglesia, el mayor mecenas de arquitectura – Estaba lleno de desacuerdos sobre asuntos espirituales y seculares. Dos excepciones a esta situación general incluyen: el ayuntamiento de estilo románico (Palazzo Vecchio) de Florencia, que fue construido entre 1299 y 1314; y el Piazza della Signoria, la principal plaza pública de la ciudad, que se completó alrededor de 1330.

La Anunciación

Pintada alrededor de 1333 por Simone Martini y el cuñado Lippo Memmi para el altar de San Ansano en el catedral de Siena. El autógrafo de los dos pintores quedó inmortalizado en la inscripción latina abajo “SYMON MARTINI ET LIPPVS MEMMI DE SENIS ME PINXERVNT ANNO DOMINI MCCCXXXIII”. La pintura es considerada una absoluta obra maestra y uno de los grandes ejemplos de la pintura Sienese, caracterizada por la maravillosa elegancia de las líneas y del color.

El Arcángel acaba de tocar el suelo delante de la Virgen como lo demuestran el despliegue de sus alas y su manto todavía en movimiento. La escena es casi teatral, como salida de una historieta con el saludo del ángel. La Virgen se retrae casi sorprendida y asustada por la repentina aparición. Este movimiento, recatado y elegante se suma al efecto de extrema sofisticación de la obra. El retablo tiene el fondo dorado, ligado aún a la tradición y todavía solicitado en las representaciones sagradas.

Los artistas se apegaban a lo solicitado por los clientes, pero solían agregar algunos detalles que hicieran que la composición fuera más realista. Con estos fines Simone Martini incluyó algunos detalles encantadores en la escena principal como el suelo de mármol, el manto del arcángel, el jarrón de lirios, todo lo cual sugiere un espacio real, aunque si penalizado por el fondo dorado.

La pintura representa plenamente el gusto por la belleza, la suavidad de las líneas y colores, propias de la pintura de Siena, justo lo opuesto al estilo Florentino, más relacionada con el volumen y la forma.