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Cover Photo Guilherme Toneli

EDITORIAL OUR TRIBUTE TO A BRAZIL WHICH DOESN’T APPEAR IN THE MEDIA No art could reproduce real and imaginary better that photography. Realistically or abstractly. This exhibition --Transoeste-- which Carcara Photo Art registers is an excellent example. It took place at Foto em Pauta 2018/8th Photography Festival of Tiradentes, curated by Joao Castilho and Pedro David. Transoeste is a trip. This is the idea we propose to our readers. Trip. Trip through Brazil’s West, through the look of 25 photographers. They bring us, concretely, abstractly, a region with around 10.000 years of population, but only 500 years of human register made by colonizers. And it has been populated by Indians, black, white, yellow, purple, red, lilac, blue, green, pink, orange, violet. People, human beings of all this immense world. We started giving importance to that region recently, around 100 years ago. Brasília, capital of a dream of ex-president Juscelino Kubitschek, was founded in 1960. And in these thousand years of existence, our registers outside caves are scarce. Out of Rio-São Paulo axis, our bourgeois culture doesn’t appreciate properly this immense historical and ethnological scenery. The individualist liberalism that our elite defends doesn’t acknowledge the grandiosity of a region that chose the profit of land cultivation over the humanist genealogy of blood and sweat from native conquerors and black and white people who came to cultivate the land. The landscape, the rich diversity of cerrado and of the beginning of the Amazon forest have been disadvantaged in the name of the growth of Gross Domestic Product and of rural oligarchies. This Transoeste is a trip to the core of a Brazil which is rarely mentioned. Carcara Photo Arte not only mentions it but reveres and honors it. CARLO CIRENZA

FOTO EM PAUTA 2018 8TH PHOTOGRAPHY FESTIVAL OF TIRADENTES TRANSOESTE A photographic trip in which the main work developed were not the photos we took, but the ones we saw, taken by artists we have known in our destinations, the four capitals of Brazil’s Midwest during the first twelve days of this 2018. Through these artists’ looks, we wove the history of this trip. As we rode around 4.500 km and analyzed over 65 portfolios. This region came to our minds due to a myriad of factors, among them a certain proximity to reach, in little time, by car, and the fact that none of the people involved (Bruno Magalhaes, Eugenio Savio, Joao Castilho and Pedro David) knew beforehand the work of regional artists. Midwest appeared a unique chance to enterprise this solar delirium and quickly took us by assault. Like every traveler, we left full of expectations about what we might find, but as the region was a little unknown for each one of us, we knew we could see various possibilities of work, themes and approaches. This vast region showed us a diverse photo production, with a strong expressive weight. Land which comprises --with all the contradictions that might exist-the Pantanal, with the largest number of birds in all the continent; Brasília, our distant dream of a modern capital; vertiginous soy crops, that violently proliferate through all the ways; just to mention part of the determinant elements of this poorly outlined drawing. In this sertao --which doesn’t exist anymore--, artists are pondering about misty facts of our history, told and investigated in loco. Daily life imposes itself and, far from great centers, survives what insists, doesn’t satisfy, and does, and goes on. Delusions are interpreted in free digital manipulations, today more indispensable for the artist to imprint his or her magic dream.

Habits once so banal in dealing with animals, through a repetitive close-up, can finally bring us the obvious sensation of pain, and of impossible possession, that the strong cowboy prefers not to question, but that drags through times. In an immense road network, of a country crisscrossed essentially by asphalt, the twisted steel of car accidents is cheap, abundant paint. Raw material. Elements mix in a divided screen, what are they? Commodities? Simple lives matter? There is no shortage of crime scenes, and everybody stops to see. One doesn’t need to experience many of those to understand the problems that each look can reflect when sensitized by shock. What is being done to South America’s original people? What will we do with their history when there is no more future for them, which are also us? Only a little Indian takes part in this exhibition. May he be a whole people, no, many people, all that inhabit this earth, which was theirs once. A flag flames in the hands of a naked man, that if once was the opening of a soap opera now is forbidden but runs from the reactionary wave we are forced to survive. To the infinite, like the loaded truck that rode during a time lapse ahead of us, showing in its canvas the logo TRANSOESTE. Or might it all have been a great trip?


LUCAS LAS CASAS A GREEK MYTH AT CERRADO A myth assaults us. After thousands of years, appropriately cultivated in Greece, it appears in Cerrado. It appears aggressively in a red land, not in a labyrinth. Its apparent immobility is threatening. Its vision proposes enigmas. There is nowhere to go, there is no way out. Which Brazil is that under its feet? There are no Ariadne’s thread here, just a tangle which defies our existence. To contemplate it is to defy it with our conscience. Lucas Las Casas is a student of Biology at the University of Brasília. His photographic investigation began eight years ago, and since then he has already won two national photography awards: silver medal at Scholastic Art and Writing Awards, North Carolina - USA (2012) and 1st place at Prêmio SESC Marc Ferrez de Fotografia, Brasília – DF (2015). He has worked for a year as printing assistant at Galeria Ponto (2014) and as free-lance photographer at events, exhibitions and art books. Exhibits: “Historias, memorias e outros resgates fotograficos” at Espaco Cultural Zumbi dos Palmares, Brasília - DF (2011); “Moradas imaginarias e suas telhas aparentes” at Galeria Ponto, Brasília - DF (2015); “1º Salão Mestre D’armas de Arte Contemporânea” at Museu Historico e Artistico de Planaltina (MHAP), Brasília – DF (2016).

CECÍLIA ARAÚJO POWER IN METALANGUAGE Each mark registered by Cecília Araújo’s camera is a symbol of power. A surface apparently innocuous, carefully composed, aesthetically offered as if nothing existed beyond it. A simple photo of an ox’s skin with a mark. This is the plastic originality of this metalanguage that emerges of skin faced with skin. She composes a symbology which, besides touching us, makes us rethink time, space, surface, inside, outside. Would those be the vicissitudes of power? These skins with their mark cover it? Just an animal? Or do they reveal owners and properties? Cecilia Araujo was born in Goiania (1979), where she lives. She graduated in Pedagogy and Photography. She tells: “I started photographing in my adolescence, I have always liked photography, but I have only developed authorial photo projects from 2011 on”. She is founder and current president of photo collective Olhares do Cerrado. She dedicates her time to authorial projects and has been adventuring in the world of independent publications. Site: www.ceciliaraujo.com

CAMILA BRANDĂƒO A PHOTO THAT BURNS What is this sun that comes to heat cerrado and lighten consciences? Can it be inconsequential fire? In this incendiary composition, Camila Brandao proposes a Holocaust or the beginning of a new era? This abstraction seems to refer to a ritual dance which reports. The frontiers of Central Brazil are being remade, many times by iron and fire. And action urges. This photo burns! She graduated in the Faculty of Arts --French, Portuguese and Literature-- at Universidade Federal de Mato Grosso. In Dublin, Ireland: graduated in Photography at Griffith College; she worked at TLP PhotoIreland and gave classes at Show Academy. She took part in exhibitions, has publications and participations in national and international festivals.

JOSÉ MEDEIROS INQUISITORIAL IMAGES What tragic irony places, side by side, the slaughter man and his victim? Even if, in reality, they are not victim nor slaughter man. What tragic realism Jose Medeiros offers us in plastic conceptions? Two images look at us attentively, inquisitorially: they have the power to leave us at the same time indignant and guilty. Jose Medeiros and his photos charge commitments from us. He started photographing at 16. He has always shown deep interest in Brazilian popular culture. He was born in 1973, in Campo Grande, Mato Grosso do Sul, and graduated in photojournalism. In 1995, he worked at the news agency Diario da Serra. He arrived at Cuiaba, where he lives, in 1996. He photographed for Diario de Cuiabá; founded, with a partner, the first photo agency in the state of Mato Grosso - Phocus; created his own photo agency, Fotos da Terra, where he develops his projects, among them www.jafuifloresta.com.br, Vida de Peao, O Boi nosso de cada dia, Seres Humanos, Expedicao 300 - O Rio das Lontras Brilhantes. Books: 2014 - O Pantanal de Jose Medeiros; 2017 - ANDANÇAS – Reportagens pelos confins de Mato Grosso. Site: https://josemedeirosimagem.wordpress. com/

GUSTAVO MINAS REAL, SURREAL, UNREAL Times and spaces in miscellaneous. How many dimensions? What Gustavo Minas sees multiplies in his brain. He can’t handle the reality he experiences. But he wants them to be offered at the same time so that the viewers can share his anguishing impotence. So, cathartically, he creates works of art. He gets rid of his anguish and transfers it to us, careless absorbers of art. But as they have already passed through an aesthetic filter, we can savor them with some tranquility. Some! Gustavo Minas was born in Cassia, Minas Gerais, in 1981. He graduated in Journalism at Universidade Estadual de Londrina, Paraná, and studied History and Photography Language with Carlos Moreira. Since 2009, he dedicates his time to photograph the day by day of the cities he visits. In 2017, his series “Rodoviária” was the winner of POY LATAM award, in the category “Future of the Cities”, besides being a finalist at Prêmio Conrado Wessel. Site: www.gustavominas.com. Instagram: @gustavominas

JONAS BARROS ENIGMA SHADOWS The realism of Jonas Barros’ images is impressive. His shadows, of an abyssal concreteness, oppose to the soil. But it is in this opposition that the strength and the doings of the characters are revealed. In contrast to the Chinese shadows, which are shown in their historical wholeness, these images point to a narrow symbiosis between human beings and their environment. Would it be something close to the images of the myth of Plato’s cave? Would we be the prisoners who believe only in shadows? They send us to an almost cinema: here we have critic and bold photography, aesthetically exciting, enigmatic, which leaves us perplexed before the various possibilities of photographic art. Jonas Ferreira Barros is a painter, a designer, a photographer and an autodidact maker of objects. He was born in Cuiaba, in 1967. In 1986, he took part, for the first time, of Salão Jovem Arte Mato-Grossense. He started drawing when he was a child; after that, he got closer to artists of Mato Grosso such as Benedito Nunes, Dalva de Barros and Gervane de Paula. Awards: 1989 - Prêmio Fundação Cultural at I Salão Mato-grossense de Artes Plásticas; 1990 and 1994 - Prêmio Aquisição at XII Salão Jovem Arte Mato-grossense; 1999 - Prêmio Aquisitivo at contest Pintando Cuiaba, from the capital’s culture department.

JOSÉ RENATO LEITE OUR OWN MASKS? Masks are associated with fetish. And why do they fascinate us so much? There is something inhospitable and seamless in this image by José Renato Leite. That is the mystery which attracts us. Both in the photo and around us. Who are these people/ animals? The answers are getting more internalized, engrained in our memory. Jose Renato invites us to face our own masks. He tells us: “this work is self-portraits or representations of emotions, feelings and concerns in contemporary world.” José Renato Leite Pereira da Silva was born in Rio de Janeiro in 1951. “At 6 I went to Piaui. The free childhood marked me through child’s plays, farms, rivers and caatingas. The folklore, rich in symbols and colors, like the bumba meu boi, June celebration, the Tale of the Golden Apple, the Legend of Bowl Head and Cordel literature marked my imagetic representations.” Exhibits: Núcleo de Fotografia Contemporânea (Galeria do Ponto, 2015 - Brasília); SESC Brasília, Marc Ferrez, 2013 and 2014; Mês da Fotografia 2016 (Brasília); Luz na Lente Photoclub, Espaço Lucio Costa, in 2016 (Brasília).

ANTONIO ALBERTO NEPOMUCENO EMOTIONS IN DENSE ABSTRACTIONS What is possible to glimpse? How to build a reality from a look? How to abstract the surroundings and fix an image retained only in memory? This is the craft of Antonio Alberto Nepomuceno. He can concentrate emotions in dense abstractions. There is no need to look for identities. Just to let the feeling take over and enjoy magically what the artist presents to our vision. It is up to the viewer to recreate creation. Antonio Alberto Nepomuceno is a civil engineer and a retired professor of Brasília University, where he developed research on buildings listed by Unesco as World Cultural Heritage. His works focus mainly on memory and literature and were published at numerous photo festivals, including Paraty em Foco and Foto em Pauta Tiradentes. He published the book Reflexos do Tempo, with poet Wilson Pereira, from Minas Gerais. Exhibits: Bienal das Artes – SESC DF- 2018; Onde Anda a Onda – Cartografia das Artes Plásticas no DF - 2015, at Museu da Republica. https://www.facebook.com/ antonioalberto.nepomuceno/photos_albums

WEIMER CARVALHO PHILOSOPHICAL, INQUISITIVE SCENES Weimer Carvalho photographs anguishes. Few times do we find a group of people with so many questions, with so much anxiety. The characters on this bus seem to have been ordered by a screenwriter who writes about uncertainties. Each one of these photos could become a movie. In black and white slightly impressionist, Weimer Carvalho bestows us and puts us before our own uncertainty and anguish. These are philosophical, inquisitive photos. They explode “whys”! Weimer Carvalho (1974), photojournalist, is photography editor in chief at O Popular and Daqui newspapers, from Goiania. His work was prized in national and international contests, such as French magazine Photo, with “Le Plus Grand Concours Photo Du Monde” ; International AGFAnet Photo Award; and he got honorable mention at Prêmio Vladimir Herzog in 2010. Site: www.weimercarvalho.com.br

DANIEL FAMA CONTAINED DENSE GESTURES Secrets and caresses. Or caresses secret and secret caresses. The register of this simplicity may make a work of art concrete. This may be the main feature of photography: to make a moment immortal, offering temporality to the viewer, summarized mentally in a before and after. Daniel Fama has this sensibility to catch in the act contained gestures which reveal to be dense and deep. Daniel Fama was born in Fortaleza (1974) and graduated in Visual Arts, focusing on Technology Art. He initially experienced painting, engraving, drawing and sculpting. Later, in 2000, he got to photography. He lives in BrasĂ­lia, where he owns a studio and a photo lab.

DEBORA BAH (*) TELLURIC SENSATIONS With this video Mantra em Colores, Debora Bah puts us in an implausible situation. Her abstractions in movement refer to the origin of the universe. We are spectators of the creation of the world. But this world, which seems so distant, suddenly, before us, transmutes into presentification. Each moment makes almost divine sensations explode in us. We are in and out of this universe. We see creation being created and feel our own creation. Before this cosmic paraphernalia, we realize we are undermost and immense, creatures and creators, because we give meaning to ourselves and to the universe. In terms of the planet, we feel like spermatozoons searching for universal eggs. Debora Bah was born in Francisco Alves, Parana, in 1989. She started photographing at 17 in Campo Grande, Mato Grosso do Sul, where she lives and works. She has a specialization in Medios y Tecnologías para la Producción Pictórica, Universidad Nacional de las Artes (UNA) - Buenos Aires, Argentina. Graduated is Communication – Journalism at Universidade Federal de Mato Grosso do Sul – Campo Grande, Mato Grosso do Sul. Member of the collective Sagarana – 2013 and 2014. National Award in the category Journalist Photography (single), INTERCOM. Corpos Molhados, Fortaleza, CE. (2012); Vimeo: https://vimeo.com/ search?q=debora+bah

(*) This video is the outcome of the collaborative work of five artists from Mato Grosso do Sul: Maíra Espíndola, original concept of the video; Gabriel Savala, first video editing; Denis Feliz and Leonardo Copetti, music, composition and musical arrangement; Deborah Bah, cinematography and final editing. The edition of the piece in this format that was exhibited at Foto em Pauta 2018/8th Photography Festival of Tiradentes, Minas Gerais.

FARID FAHED CORRECTING A CHAUVINIST MISTAKE Where are these naked women who show themselves such as models of sensuality and eroticism? Are they really without clothes or do they dress up only with their immense femininity? Farid Fahed does nothing more than register these women, who would be called objects, and turns them into subjects. Full, fertile, sensual, feminine women. Farid Fahed rescues them in their wholeness. But they are not in the media, for the media is only a chauvinist mistake. For how long? Farid Fahed is a freelancer and started to work in Communication in 2010, in ad agencies, newspapers, with Photography, in audiovisual production. It is worth highlighting her contribution as a graphic designer at Slogan Publicidade, art designer at Rede Record MS, creative director of Doze agency, in 2013, photographer at Prefeitura Municipal de Campo Grande, teacher at technical course of Photography at Senac-MS. Photographic Exhibitions: Mujeres, 2014, Campo Grande/ Mato Grosso do Sul (CG MS), Mulheres Protagonista do Estado de MS (MS 2016), Mes da Fotografia (BrasĂ­lia 2017), Festival de Fotografia de Tiradentes (MG 2018), NUANCE (CG MS). Site: https://faridfahedfotograf. wixsite.com/portifolio/sobre

TON SALLES SURREALIST COSMOGONY In these works of Ton Salles, there seems to exist an indignant tellurism which suggests an uprising, a revolution against human inconsistency. From this surrealistic cosmogony emerges a substrate of agony. Or is it all a fantasy before indescribable? It is up to us to feel and, if it is the case, decode. However, it is not always necessary or recommended. Why not penetrate images with open eyes and then with eyes shut? Why not only breathe, contemplate deeply and let us go by the unconscious? Ton Salles is a visual artist, independent photographer at Fine Art Fotografia, researcher of contemporary photography. He studied Visual Arts at UFMS and lives in Campo Grande, Mato do Sul.

GUILHERME TONELI SUBVERSIE LYRICISM A hyper realist who uses two languages: image and text. And text also inserts plastically. A photo which can be heard. It is necessary to let yourself be involved by Guilherme Toneli’s art: see it, hear it, taste it in detail. It is constructed in the concreteness of his composition and in the lyricism of his poetry. This antagonism hits and subverts us. Guilherme Tonelli was born in Brasília in 1996. He won his first Photography contest at 11, but only at 17 started to dedicate to photography as an art. Since then he dedicates his time to seek self-knowledge through his photo. He organizes photographers’ meetings to make photography more accessible. He photographs to turn simple moments into unforgettable photos. https://www.behance.net/gstonellis99ed

PRISCILLA PESSOA LANGUAGE, METALANGUAGE, METAPHOR Photography is language. It can be metalanguage. It creates metaphors. Priscila Pessoa uses these three dimensions. We are before language, metalanguage, metaphor. There is more: there is a contraposition between verbal sign and visual representation. The reference is immediate: René Magritte’s anthological iconpainting “Ceci n’est pas une pipe” (This is not a pipe). Magritte puts us surrealistically before an oxymoron: a real unreality. Priscilla Pessoa puts us before our conscience. The underlying aesthetic of the images and texts sends us to interpretations, recreations, controversies. And all is, at the same time, a cartoon, a joke. The photographer’s creativity expands poetically the reach of photography as Fine Art. Priscilla Pessoa (Campo Grande/MS, 1978) transits through painting, design and installation in a poetic operation related to intimacy. Since 2009 she has taught Visual Art at UFMS. She has graduated in Visual Arts, UFMS, and got an specialization in Sound and Image, UFMS. She has a master’s degree in Language Studies, UFMS. Exhibitions: XXV Mostra Cascavelense de Artes Plásticas - Cascavel/PR – 2017; XI Mulier Mulieiris - Alicante - Spain – 2017; Temporada de Exposições do Museu de Arte de Ribeirao Preto/SP – 2016; 1o. Award: Moldura Minuto de Arte Contemporânea - Belo Horizonte/MG- 2013

VINICIUS ANDRE DA SILVA APPOLARI DENUNCIATION AND WARNING From which planet can we extract a close nature and other lightyears away? This is Brazil, Pantanal, gravitating around a human ecology which searches sense in here and now and in a future we glimpse in the illuminated sky. A challenge: surviving in here and now. We live with endangered macaws, with endangered ourselves, before an universe in constant transformation. All far and close, all finite and infinite. We are very small and fragile‌ and we need special care, we, in our human condition, and nature. Plastically, Vinicius Andre da Silva Appolari reports and warns. He has to be heard. He is a visual artist, master’s in visual arts (Unicamp/Campinas), and is a doctoral student in Contemporary Culture (UFMT/Cuiaba), Coordinator of Higher Education Technology in Photography Course (Unic/Cuiaba). Instagram: @viniciusappolari.

ELIS REGINA NOGUEIRA A MANIFEST PHOTO This Indian child in black and white pleas in very strong colors. All it takes is to see the look which comes from his eyes, feel the gesture in his hands. It is almost possible to touch him in his naive age. He is a symbol which seems to ask: what are we doing with human beings of the forest? Elis Regina Nogueira leads us to the core of a suffering population, trampled, murdered with impunity. This single photo is enough...and all atrocity committed against Brazilian Indians surfaces. In this manifest photo, the Indian child asks us not to be alien to him and his people. Elis Regina is a journalist post graduated in Communication. She works with image production and creates audiovisual in institutional and advertising photography. In recent years she has been dedicating her time to Gastronomy. She published her work in several magazines, such as Piaui, Bravo, Isto E, Globo Rural. She makes still photography for movies. In 2002 she created, with Vania Juca, the project “Nosso Olhar – Fotografia para a Cidadania”, aiming to provide contact with photographic language and expression through image to children and adolescents who face social exclusion. Some awards: 12º Salão de Artes de Mato Grosso do Sul, 1º Auto Retrato de Campo Grande, 5º Salão de Artes de Dourados and selection at the 34th International Student Salon Photo Album of Hong Kong. She lives and works in Campo Grande, Mato Grosso do Sul. Site: https://www.elisreginafoto.com

LUCIANA FARS THE OTHER / EL OTRO The photo book O Outro/El Otro is about an intersection of lives. Individuals, each one with their conditions, live experiences either similar or very different. Such distinction define their roles in society and can be determinant so that some identity groups, sometimes without knowing, can be dominant in detriment of others, which are made invisible. This project’s intention is to provide, through reports and portraits, the opportunity to ponder about the complexity of experiences we share and identify the obstacles and benefits we experience in our life. Each portrayed volunteer answered YES or NO to a list of 60 questions about subjects like gender, sexuality, social class, body, race and nationality. The amount of positive answers determines the proportion of the portrait, one in relation to other. All the people who took part in it are part of the artist’s social circle. (TEXT: LUCIANA FARS) Luciana Fars is a photographer and graphic designer and lives in Goiania, Mato Grosso. She has studied Visual Arts at Universidade Federal de Goiania - UFG. Between 2015 and 2016 she lived in Madrid (Spain), where she studied Contemporary Photography and Personal Projects and started the projects La Pared and El otro. About project O Outro/El Otro, see: http://www.proyectokahlo.com/2018/05/o-outro-el-otro/

RAQUEL CAMARGO REVERENT PROTEST Photography can be protest, manifest, resistance, mobilization, indignation. Many photos scream, as we could hear the scream of the girl Phan Thi, immortalized in a photo by Nick Ut, from Associated Press, in the 8th of June 1972: the girl, terrified and naked, ran from napalm bombs. Here, Raquel Camargo proposes a solemn silence, a reverent protest, a respectful indignation in defense of Santuario dos Pagés, an Indian land within a sector of real estate expansion in Brasília. The area reclaimed by Indians has 50,91 hectares, but after 13 years of court battles, they got only 32 hectares. Raquel Camargo is a photographer, graduated in Geography at Universidade de Brasília (UnB), and specialist in Geotechnology. She has developed works in geoprocessing, environment, database, landscape ecology, social development. Her work in photography began in 2007, as a hobby. She currently works with events, advertising, shootings and artistic and documental production. Exhibits: Subir, nada a temer com Santuario, Noroeste - relação de vizinhança (2017) in Brasília – DF; Centro-Oeste revelado (2018) in Tiradentes – MG; Lugar de Mulher pelo ColetivAs (2018) in Brasília - DF. Her photographic works are part of the permanent acquis of Museu Nacional da Republica.

STEFAN GROL CONTEMPLATE AND PONDER When comparing human beings to bees or ants, most thinkers make a point of highlighting the fact that human beings have freedom to choose; bees and ants, don’t. Even then, these working insects are shown as examples to follow. Differently, Stefan Grol seems to make a reverse path. He seems to humanize these bees. They seem to ponder about their work, show indecision. And in this relation, we, human beings, aesthetically, reflexively, benefit from the beautiful images of an intense work. Stefan Grol is passionate about the natural world and this world is the inspiration for his art. He was born in Rio de Janeiro and soon moved with his family to England, in 1978, returning to Brazil in 2009, to Pantanal. He moved to Campo Grande in the beginning of 2014. He studied “Master of Arts” in French and Corporate Studies at Edinburgh University (Scotland), exposed acrylic paintings at “The Society of Wildlife Artists” – an annual exhibit at Mall galleries (London). He post-graduated in Education at Kingston University (England), worked as a teacher of primary school at Pyrford Church of England Primary School, where he taught all courses, including Arts. Site: www.stefangrol.com

MARIANA CAPELETTI HISTORY RESCUE Once more, photography rescues History. The attempts to change the world, even when frustrated, always leave scars, but are always heroic and leave a seed of transformation as heritage. These reports show moments and registers of Araguaia guerilla (1967-1974), when violent acts of repression and torture took place: there were 5.000 military soldiers against 80 guerilla fighters of Brazil’s Communist Party who fought the dictatorial regime. Less than 20 guerilla fighters survived. Photography prevents it from being forgotten. Mariana Capeletti was born in 1987 and lives in Goiania, Goias. She graduated in Communications at PUC-GO and got one specialization in Culture and Creation at Senac and another in Process, Management and Contemporary Culture at Madalena Centro de Estudos da Imagem/Unimes. She has a master’s degree in art and Visual Culture from Universidade Federal de Goiás, where she taught photography until 2017. She won Petrobras’ international contest of analogic photography in 2011. She does authorial projects in her region, such as the photographic work about Araguaia guerilla, awarded at 13º Paraty em Foco in Shoot category.

JANINE MORAES EMOTIONS IN OPEN WORK All is broad in Janine Moraes’ work. She condenses real aesthetically to fit in the space captured by the camera. However, she subverts time. In this conflict between what was captured and what really exists, each works demands that the viewer expands its look and realizes the immense world drawn in and out. She proposes sensations to our look. We can’t let her down. In this way, we transfer colors, lines and rhythms to the whole world. And, emotionally, we expand her open work. Since 2008, Janine Moraes calls herself a “photo newswoman”. She lives in Brasília. She graduated in Communication and Journalism at Universidade de Brasília (UnB). She takes part in the collective of female photographers Mamana. She has worked for the Ministry of Culture, Correio Braziliense newspaper, Agencia Brasil-EBC, House of Representatives, Federal Senate, Federal Port Department, Campus Reporter magazine (FACUnB) and took part in the maker collective Aferidor de Vuelos. Instagram: @janinemoraees.

MICHELLE BASTOS EXPRESSIONIST PLURALISM One needs to dive with body and soul at Michelle Bastos’ landscape surfaces. Landscapes? Surfaces? She offers troubled seas, violent colors, vibrant moments, allegorical spaces, traumatic times. She gets close to Mark Rothko and his color fields, at the same time she moves away from him, through the expressionist pluralism of her surfaces. Her photos vibrate, and we vibrate with them. Michelle Bastos was born in Brasília, where she lives and works. She is a political scientist, graduated in Arts and got an specialization in portrait and visual identity at Speos Paris Photographic Institute. She has a master’s degree in Fine Art Photography from Madrid’s European Design Institute. Between 2016 and 2017 she received the following awards: national call for the 1º Goyazes Photography Award; FotoCapital; second place in open reading of portfolio at Tiradentes’ Festival Foto em Pauta; finalist at Helie Memorial award, in 2015. She exhibited her work in Madrid, Granada, Alicante, Lisbon, Brasília and Goiania. Her production focus on the perception of feminine being and popular aesthetic manifestations. She currently develops an individual research of what she calls “analogies to portraits”.

CLEO ALVES PINTO TO GLIMPSE THE BEAUTY OF THE UNUSUAL What reveals daily life? What kind of look do we need to glimpse the beauty in the unusual? Cleo Alves Pinto teaches us to contemplate the prosaic aesthetically. She teaches and gives examples. Her Duchampian ready-made composition is, at the same time, Dadaist and anti-Dadaist, as far as it collects elements, composes them and aestheticizes them. She inserts us in her artistic universe and invites us to create our own universes. Cleo Alves Pinto was born in Curitiba (1979), lived a long time in Minas Gerais and since 2009 has been living in Brasília. She is an architect and town planner and has graduated in Pedagogy. She started taking pictures professionally in 2015. Through authorial projects, she has been investigating questions like the relations of public and private spaces, privacy and ways of living. She was one of the 12 awarded with images of the series Vitrinas de La Habana, at Transborda Brasília - Prêmio de Arte Contemporânea, in 2018. In 2017 she took part in the collective exhibition “Sobre linhas, membranas e fronteiras”, at Museu Nacional da Republica, in Brasília, with project Membranas. Site: www.cleoalvespinto. com

ELAINE RODRIGUES ANCESTRY THAT HUMANIZES There is some ancestry in Elaine Rodrigues’ works. Of permanence. Here, memory drains patiently. And we start to imagine and admire that people inhabit, inhabited and will inhabit this house. Each object, iconically, becomes coexistence, fraternity, solidarity. This aesthetic of Elaine Rodrigues, by collecting signs of our memory, humanizes us. Elaine Rodrigues was born in Inhumas, Goias, in 1958. She is a photographer, an engineer, an architect, master in Theory and History of Architecture at Escola de Engenharia de Sao Carlos da Universidade de São Paulo – EESC/USP. She is a technologist in Photography and studied at Instituto de Educação Superior de Brasília - IESB/Brasília. She took part in the XXIV Bienal de Arte Fotográfica Brasileira em Preto e Branco; got a honorable mention at 4ª Maratona Fotográfica de Pirenópolis. She has published the book Paisagens Internas. Lives and works in Brasília/DF.


Nenhuma arte conseguiu reproduzir o real e o imaginário melhor do que a fotografia. Realistica ou abstratamente. Esta exposição – Transoeste – que Carcara Photo Art registra é um excelente exemplo. Ela aconteceu no Foto em Pauta 2018 / 8º Festival de Fotografia de Tiradentes, com curadoria de João Castilho e Pedro David. Transoeste é uma viagem. Essa é a ideia que propomos para os leitores. Viagem. Viagem pelo oeste brasileiro, pelo olhar de 25 fotógrafos. Eles nos trazem, concretamente, abstratamente, uma região que tem cerca de 10.000 anos de povoamento, mas apenas 500 anos de registro humano feito por colonizadores. E tem sido povoada por índios, negros, brancos, amarelos, roxos, vermelhos, lilases, azuis, verdes, rosa, laranja, violeta. Gente, ser humano de todo esse mundo imenso. Começamos a dar importância a essa região recentemente, coisa de 100 anos. Brasília, capital de um sonho do então presidente, Juscelino Kubstchek, foi fundada em 1960. E nesses tantos mil anos de existência, nossos registros fora de cavernas são escassos. Fora do eixo Rio-São Paulo, nossa cultura burguesa não valoriza adequadamente este imenso cenário histórico e etnológico. O liberalismo individualista que nossas elites defendem não reconhece a grandiosidade de uma região que preferiu o lucro do cultivo da terra à genealogia humanista do sangue e do suor dos conquistadores autóctones e negros e dos brancos que vieram cultivar a terra. A paisagem, a rica diversidade do cerrado e do início da floresta amazônica, tem sido preterida em nome do aumento do Produto Interno Bruto e das oligarquias rurais. Esta Transoeste é uma viagem ao âmago de um Brasil poucas vezes mencionado. Carcara Photo Arte não apenas o menciona como o reverencia e homenageia. CARLO CIRENZA

FOTO EM PAUTA 2018 8º FESTIVAL DE FOTOGRAFIA DE TIRADENTES TRANSOESTE Uma viagem fotográfica onde o principal trabalho desenvolvido não foram as fotografias que fizemos, mas as que vimos, realizadas por artistas que conhecemos em nossos destinos, as quatro capitais da região Centro-Oeste do Brasil, durante os doze primeiros dias deste ano de 2018. Através dos olhares destes artistas, tecemos a história desta viagem. Enquanto percorremos cerca de 4.500 km e analisamos mais de 65 portfolios. A região veio à mente por uma miríade de fatores, entre eles, uma certa proximidade, para a alcançarmos em pouco tempo, de carro, e o fato de nenhum dos envolvidos (Bruno Magalhães, Eugênio Sávio, João Castilho e Pedro David) conhecer, de ante mão, muitos trabalhos de artistas da região. O Centro-Oeste apareceu então como uma oportunidade ímpar de empreender este delírio solar e rapidamente tomou-nos de assalto. Como todo viajante, saímos cheios de expectativas sobre o que poderíamos encontrar, mas como a região era um tanto desconhecida de cada um de nós, sabíamos que poderíamos ver inúmeras possibilidades de trabalho, temas e formas de abordagem. Esta extensa região nos apresentou uma produção de fotografia diversa e com forte carga expressiva. Terra que abriga - com todas as contradições que podem existir -, o pantanal, com o maior número de aves de todo o continente; Brasília, nosso longínquo sonho de uma capital moderna; vertiginosas lavouras de soja, que proliferam violentamente por todos os caminhos; apenas para citar parte dos elementos determinantes deste mal traçado desenho. Neste sertão - que não existe mais -, artistas estão refletindo sobre fatos nebulosos de nossa história, contada e investigada in loco. O cotidiano se impõe e, à distância de grande centro, sobrevive o que insiste, o que não se contenta, e faz, e continua.

Delírios são interpretados em livres manipulações digitais, hoje talvez imprescindíveis para que o artista imprima seu sonho mágico. Hábitos outrora tão corriqueiros na lida com os animais, pelo viés de um close-up repetitivo, podem finalmente trazernos a óbvia sensação de dor, e de uma posse impossível, que o vaqueiro forte prefere não questionar, mas que se arrasta pelos tempos. Numa malha viária imensa, de um país cruzado essencialmente por asfalto, o aço retorcido dos acidentes automobilístico é tinta barata, abundante. Matéria prima. Elementos misturam-se em uma tela dividida, o que serão? Commodities? Vidas simples importam? Cenas de crimes não faltam, e todos param para ver. Não é preciso vivenciar muitas delas para entender os problemas que cada olhar pode refletir ao ser sensibilizado pelo susto. O que está sendo feito com os povos originários desta América do Sul? O que faremos com sua história quando não houver mais nenhum futuro para eles, que também somos nós? Apenas um curumim participa desta exposição. Que ele seja todo um povo, não, vários povos, todos os que habitam esta terra, que já foi deles. Uma bandeira flameja nas mãos de um homem nu, que se um dia foi apresentação de novela, hoje está proibido, mas corre da onda reacionária em que estamos sendo forçados a sobreviver. Rumo ao infinito, como o caminhão carregado que trafegou durante um lapso de tempo à nossa frente, exibindo em sua lona a logomarca TRANSOESTE. Ou terá sido tudo uma grande viagem? JOAO CASTILHO / PEDRO DAVID

LUCAS LAS CASAS UM MITO GREGO NO CERRADO O mito nos assalta. Depois de milhares anos, devidamente cultivado na Grécia, ele surge no cerrado. Surge agressivamente numa terra vermelha, não num labirinto. Sua aparente imobilidade é ameaçadora. Sua visão nos propõe enigmas. Não há para onde ir, não há como sair. Que Brasil é esse sob seus pés? Aqui, não há fios de Ariadne, apenas um emaranhado de fios que desafiam nossa existência. Contemplá-lo é enfrentá-lo com nossa consciência. Lucas Las Casas é estudante de graduação de Licenciatura em Ciências Biológicas pela Universidade de Brasília. Sua investigação fotográfica começou há 8 anos e desde então já ganhou dois prêmios nacionais de fotografia: medalha de prata no Scholastic Art and Writing Awards, Carolina do Norte - EUA (2012) e 1º lugar no Prêmio SESC Marc Ferrez de Fotografia, Brasília – DF (2015). Trabalhou por um ano como assistente de impressão na Galeria Ponto (2014) e como fotógrafo freelancer de eventos, exposições e livros de arte. Exposições: “Histórias, memórias e outros resgates fotográficos” na sala de exposições do Espaço Cultual Zumbi dos Palmares, Brasília - DF (2011); “Moradas imaginárias e suas telhas aparentes” na Galeria Ponto, Brasília - DF (2015); “1º Salão Mestre D’armas de Arte Contemporânea” no Museu Históricos e Artístico de Planaltina (MHAP), Brasília – DF (2016).

CECÍLIA ARAÚJO PODER EM METALINGUAGEM Cada uma das marcas registradas pela câmara de Cecília Araújo são símbolos de poder. Uma superfície aparentemente inócua, cuidadosamente composta, esteticamente oferecida como se nada existisse além dela. Uma simples foto de uma pele de boi com uma marca. Essa é a originalidade plástica desta metalinguagem que emerge pele ante pele. Ela compõe uma simbologia que, além de nos emocionar, nos obriga a repensar tempo, espaço, superfície, dentro, fora. Seriam as vicissitudes do poder? Essas peles com suas marcas o que encobrem? Apenas um animal? Ou elas revelam proprietários e propriedades? Cecília Araújo nasceu em Goiânia (1979), onde mora. É formada em pedagogia e fotografia. Ela conta: “comecei a fotografar na adolescência, sempre gostei de fotografia, mas desenvolver projetos de fotografia autoral só de 2011 para cá”. É fundadora e atual Presidenta do Coletivo Fotográfico Olhares do Cerrado. Dedica-se a projetos fotográficos autorais e tem se aventurado no mundo das publicações independentes. Site: www.ceciliaraujo. com

CAMILA BRANDÃO UMA FOTO QUE QUEIMA Que sol é esse que vem aquecer o cerrado e acender consciências? Pode ser fogo inconsequente? Nesta composição incendiária, Camila Brandão propõe um holocausto ou um início de nova era? Essa abstração parece nos remeter a uma dança ritual que denuncia. As fronteiras do Brasil Central estão sendo refeitas, muitas vezes, a ferro e fogo. E pedem urgente providência. Esta foto queima! Formou-se em Letras – Francês, Português e Literatura – na Universidade Federal de Mato Grosso. Em Dublin, na Irlanda: formou-se Bacharel em fotografia pela Griffith College; trabalhou na TLP PhotoIreland e deu aulas na Show Academy. Fez exposições, tem publicações e participações em festivais nacionais e internacionais.

JOSÉ MEDEIROS FIGURAS INQUISIDORAS Que trágica ironia coloca lado a lado o magarefe e sua vítima? Mesmo que, na realidade, eles não sejam nem vítima nem magarefe. Que trágico realismo José Medeiros nos oferece em plásticas concepções? São duas figuras que nos olham atentamente, inquisidoramente: elas têm o poder de nos deixar ao mesmo tempo indignados e culpados. José Medeiros e suas fotos nos cobram compromissos. Ele começou a fotografar aos 16. Sempre demonstrou profundo interesse pela cultura popular brasileira. Nasceu em 1973, em Campo Grande, MS e formouse em fotojornalismo. Em 1995 trabalhou na agência de notícias Diário da Serra (MS). Chegou a Cuiabá em 1996, onde mora. Fotografou para o Diário de Cuiabá; fundou em parceira a primeira agência de fotografia do Estado de Mato Grosso – Phocus; criou sua agência de fotografia Fotos da Terra onde desenvolve seus projetos, dentre eles www.jafuifloresta. com.br, Vida de Peão, O Boi nosso de cada dia, Seres Humanos, Expedição 300 - O Rio das Lontras Brilhantes. Livros publicados: 2014 - O Pantanal de José Medeiros; 2017 - ANDANÇAS – Reportagens pelos confins de Mato Grosso. Site: https:// josemedeirosimagem.wordpress.com/

GUSTAVO MINAS REAL, SURREAL, IRREAL. Tempos e espaços em miscelânea. Quantas dimensões? Aquilo que Gustavo Minas vê se multiplica no seu cérebro. Ele não dá conta da realidade que experimenta. Mas ele quer todas elas oferecidas ao mesmo tempo para que os espectadores possam compartilhar sua angustiante impotência. Então, catarticamente, ele cria obras de arte. Livra-se de sua angústia e a transfere para nós, incautos sorvedores de arte. Mas como elas já passaram por um filtro estético, podemos saboreá-las com alguma tranquilidade. Alguma! Gustavo Minas nasceu em Cássia, Minas Gerais, em 1981. É formado em jornalismo pela Universidade Estadual de Londrina, Paraná, e estudou história e linguagem da fotografia com Carlos Moreira. Desde 2009, se dedica a fotografar o dia a dia das cidades por onde passa. Em 2017, sua série “Rodoviária” foi vencedora do prêmio POY LATAM, na categoria “O Futuro das Cidades”, além de ter sido finalista do Prêmio Conrado Wessel. Site: www.gustavominas.com Instagram: @gustavominas

JONAS BARROS SOMBRAS ENIGMAS É impressionante o realismo destas imagens de Jonas Barros. Suas sombras, de uma concretude abissal, se contrapõem ao solo. Mas é nessa contraposição que se revela a força das personagens e dos seus fazeres. Ao contrário das sombras chinesas, que se apresentam na sua inteireza estórica, estas imagens apontam para a estreita simbiose entre ser humano e meio ambiente. Seria algo próximo das figuras do mito da caverna de Platão? Seríamos nós os prisioneiros que acreditam apenas nas sombras? Elas nos remetem a um quase cinema: aqui temos uma fotografia crítica e ousada, esteticamente excitante, enigmática, que nos deixa perplexos diante das inúmeras possibilidades da arte fotográfica. Jonas Ferreira Barros é pintor, desenhista, fotógrafo e objetista autodidata. Nasceu em Cuiabá, em 1967. Em 1986, participa pela primeira vez do Salão Jovem Arte Mato-grossense. Começou desenhando, ainda criança; depois, aproximou-se de artistas mato-grossenses, como Benedito Nunes, Dalva de Barros e Gervane de Paula. Prêmios: 1989 - Prêmio Fundação Cultural no I Salão Mato-grossense de Artes Plásticas; 1990 e 1994 - Prêmio Aquisição no XII Salão Jovem Arte Mato-grossense; 1999 - Prêmio Aquisitivo no certame Pintando Cuiabá, da Secretaria de Cultura da Capital.

JOSÉ RENATO LEITE NOSSAS PRÓPRIAS MÁSCARAS? Máscaras nos remetem a fetiches. E por que elas nos fascinam tanto? Há algo de inóspito e inconsútil nesta imagem de José Renato Leite. É esse mistério que nos atrai. Tanto na foto quanto ao nosso redor. Quem são essas pessoas/animais? Quem somos nós, animais/pessoas? As respostas estão cada vez mais interiorizadas, entranhadas na nossa memória. José Renato nos convida a enfrentarmos nossas próprias máscaras. Ele nos conta: “este trabalho são autorretratos ou representações de emoções, sentimentos e inquietações no Mundo Contemporâneo”. José Renato Leite Pereira da Silva, nascido no Rio de Janeiro em 1951. “Aos 6 anos, fui morar no Piauí. A infância livre me marcou, através das brincadeiras, fazendas, rios e caatingas. O folclore, rico em símbolos e cores, como o bumba meu boi, festas juninas, o Conto da Maçã Dourada, a Lenda do Cabeça de Cuia e a literatura de Cordel marcaram minhas representações imagéticas.” Exposições: Núcleo de Fotografia Contemporânea (Galeria do Ponto, 2015 - Brasília); no SESC Brasília, Marc Ferrez, 2013 e 2014; Mês da Fotografia 2016 (Brasília); Fotoclube Luz na Lente, Espaço Lúcio Costa, em 2016 (Brasília).

ANTONIO ALBERTO NEPOMUCENO EMOÇÕES EM DENSAS ABSTRAÇÕES O que é possível vislumbrar? Como construir uma realidade a partir de um olhar? Como abstrair o entorno e fixar uma imagem retida apenas na memória? Esse é o ofício de Antônio Alberto Nepomuceno. Ele consegue concentrar emoções em densas abstrações. Não há que procurar identidades. É deixar o sentimento tomar conta e curtir magicamente o que o artista apresenta à nossa visão. Cabe ao espectador recriar a criação. Antônio Alberto Nepomuceno é engenheiro civil, professor aposentado da Universidade de Brasília, onde desenvolveu trabalhos de pesquisa sobre as edificações tombadas pela Unesco como Patrimônio Cultural da Humanidade. Seus trabalhos têm foco principalmente na memória e na literatura e já foram publicados em vários festivais de fotografia, incluindo o Paraty em Foco e Foto em Pauta Tiradentes. Publicou o livro Reflexos do Tempo, com o poeta mineiro Wilson Pereira. Exposições: Bienal das Artes – SESC DF- 2018; Onde Anda a Onda – Cartografia das Artes Plásticas no DF - 2015, no Museu da República. https:// www.facebook.com/antonioalberto.nepomuceno/photos_ albums

WEIMER CARVALHO CENAS FILOSÓFICAS, INQUISITIVAS. Weimar Carvalho fotografa angústias. Poucas vezes encontramos um grupo de pessoas com tantas perguntas, com tanta ansiedade. As personagens deste ônibus parecem terem sido encomendadas por um roteirista que escreve sobre incertezas. Certamente, cada uma destas fotos daria um filme. Em um preto e branco levemente impressionista, Weimar Carvalho nos brinda e nos coloca diante de nossa própria incerteza e de nossas angústias. São fotos filosóficas, inquisitivas. Explodem por quês! Weimer Carvalho (1974), fotojornalista, é editor chefe de fotografia nos jornais O Popular e Daqui, em Goiânia. Possui trabalhos premiados em concursos nacionais e internacionais, entre eles, o da Revista francesa Photo, com o concurso “Le Plus Grand Concours Photo Du Monde” ; o Internacional AGFAnet Photo Award; e recebeu Menção Honrosa no Prêmio Vladimir Herzog de 2010. Site: www.weimercarvalho.com.br

DANIEL FAMA DENSOS GESTOS CONTIDOS Segredos e carícias. Ou carícias segredos e segredos carícias. O registro dessa simplicidade pode concretizar uma obra de arte. Isto talvez seja a principal característica da fotografia: imortalizar um momento, oferecendo ao espectador uma temporalidade, resumida mentalmente num antes e depois. Daniel Fama tem essa sensibilidade de flagrar gestos contidos, mas que se mostram esteticamente densos e profundos. Daniel Fama é natural de Fortaleza (1974), formado em Artes Visuais com ênfase em Arte Tecnologia. Inicialmente, passou pela pintura, gravura, desenho e escultura. Mais tarde, em 2000, chegou à fotografia. Mora em Brasília, onde tem um Estúdio e Laboratório Fotográfico.

DEBORA BAH (*) SENSAÇÕES TELÚRICAS Com este vídeo Mantra em Colores, Debora Bah nos coloca numa situação inverossímil. Suas abstrações em movimento nos remetem à origem do universo. Somos espectadores da criação do mundo. Mas esse mundo, que parece tão distante, de repente, diante de nós, se transmuta em presentificação. Cada momento faz explodir em nós sensações quase divinas. Estamos dentro e fora desse universo. Vemos a criação sendo criada e sentimos a nossa própria criação. Diante dessa parafernália cósmica, nos percebemos ínfimos e imensos, criaturas e criadores, porque damos significado a nós e ao universo. Planetariamente, nos sentimos espermatozoides em busca de óvulos universais. Debora Bah nasceu em Francisco Alves, PR, em 1989. Começou a fotografar aos 17 anos na cidade de Campo Grande, MS, onde mora etrabalha. Tem especialização em Medios y Tecnologías para la Producción Pictórica, Universidad Nacional de las Artes (UNA) - Buenos Aires, Argentina. Graduada em Comunicação Social – Jornalismo em Universidade Federal de Mato Grosso do Sul – Campo Grande, Mato Grosso do Sul. Integrante do coletivo Sagarana – 2013 e 2014. Prêmio Nacional na Categoria Fotografia jornalística (avulso), INTERCOM. Corpos Molhados, Fortaleza, CE. (2012); Vimeo: https://vimeo.com/search?q=debora+bah

(*) O vídeo é o resultado do trabalho colaborativo de cinco artistas sul-mato-grossenses: Maíra Espíndola, ideia original do vídeo; Gabriel Savala, primeira montagem; Denis Feliz e Leonardo Copetti, música, composição e arranjo; Debora Bah, fotografia e edição final. A edição da peça neste formato que foi exibido no Foto em Pauta 2018 / 8º Festival de Fotografia de Tiradentes, Minas Gerais..

FARID FAHED CORRIGINDO UM EQUÍVOCO MACHISTA Onde estão essas mulheres nuas que se exibem tão modelos de sensualidade e erotismo? Estão mesmo sem roupas ou vestem-se apenas e tão somente com sua imensa feminilidade? Farid Fahed não faz nada mais do que registrar essas mulheres que seriam chamadas de objetos e as transforma em sujeitos. Mulheres fartas, férteis, sensuais, femininas. Farid Fahed as resgata nas suas inteirezas. Mas elas não estão na mídia, porque a mídia é apenas um equívoco machista. Até quando? Farid Fahed é freelancer e começou a trabalhar na área da comunicação em 2010, em agências publicitárias, jornais, com fotografia, em produção audiovisual. Vale destacar sua contribuição como designer gráfica na Slogan Publicidade, diagramadora na Rede Record MS, diretora de criação na agência Doze, em 2013, fotógrafa na Prefeitura Municipal de Campo Grande, , professora do curso técnico de fotografia do SenacMS. Exposições Fotográficas: Mujeres, 2014, Campo Grande/ Mato Grosso do Sul (CG MS), Mulheres Protagonista do Estado de MS (MS 2016), Mês da Fotografia (Brasília 2017), Festival de Fotografia de Tiradentes (MG 2018), NUANCE (CG MS). Site: https://faridfahedfotograf.wixsite.com/portifolio/sobre

TON SALLES COSMOGONIA SURREALISTA Nestes trabalhos de Ton Salles, parece existir um telurismo indignado que sugere uma revolta, uma revolução contra a inconsistência humana. Desta cosmogonia surrealista emerge um substrato de agonia. Ou tudo não passa de uma fantasia diante de um inefável? Cabe a nos sentir e, se for o caso, decodificar. Porém, nem sempre isso é necessário nem recomendável. Por que não penetrar nas imagens, primeiro com olhos abertos, depois, com olhos fechados? Por que não apenas respirar, contemplar profundamente e deixar-se levar pelo inconsciente? Ton Salles é artista visual, fotógrafo independente na Fine Art Fotografia, pesquisador de fotografia contemporânea. Estudou Artes Visuais na UFMS. Mora em Campo Grande, Mato do Sul.

GUILHERME TONELI LIRISMO SUBVERSIVO Um hiper-realista que utiliza duas linguagens: imagem e texto. E o texto também se insere plasticamente. Uma foto que pode ser ouvida. Há que se deixar envolver pela arte de Guilherme Toneli: vê-la, ouvi-la, degustá-la nos detalhes. Ela é construída na concretude de sua composição e no lirismo de sua poesia. Esse antagonismo nos atinge e nos subverte. Guilherme Tonelli nasceu em Brasília em 1996. Ganhou o primeiro concurso de fotografia aos 11 anos, mas apenas aos 17 começou a se dedicar a fotografia como arte. Desde então, se dedica a buscar autoconhecimento por meio das suas fotos. Organiza encontros de fotógrafos com o objetivo de democratizar o acesso a fotografia. Fotografa pela vontade de transformar momentos simples em fotos inesquecíveis. https://www.behance.net/gstonellis99ed

PRISCILLA PESSOA LINGUAGEM, METALINGUAGEM, METÁFORA. Fotografia é linguagem. Pode ser metalinguagem. Cria metáforas. Priscila Pessoa utiliza as três dimensões. Estamos diante de linguagem, metalinguagem, metáfora. E mais: há uma contraposição entre signo verbal e representação visual. A referência é imediata: o antológico quadro-ícone de René Magritte “Ceci n’est pas une pipe” (Isto não é um cachimbo). Magritte nos coloca surrealisticamente diante de um oxímoro: uma real irrealidade. Priscilla Pessoa nos posiciona diante de nossa consciência. A estética subjacente às imagens e aos textos nos remete para interpretações, recriações, controvérsias. E tudo é, ao mesmo tempo, uma charge, uma piada, um cartoon. Essa criatividade da fotografa amplia poeticamente o alcance da fotografia como fine art. Priscilla Pessoa (Campo Grande/MS, 1978) transita pela pintura, desenho e instalação numa operação poética ligada ao íntimo. Desde 2009 é docente dos cursos de Artes Visuais da UFMS. É Bacharel em Artes Visuais, UFMS, Especialista em Imagem e Som , UFMS, Mestre em Estudos da Linguagem, UFMS. Exposições: XXV Mostra Cascavelense de Artes Plásticas - Cascável/PR – 2017; XI Mulier Mulieiris - Alicante - Espanha – 2017; Temporada de Exposições do Museu de Arte de Ribeirão Preto/SP – 2016; 1o. Prêmio Moldura Minuto de Arte Contemporânea - Belo Horizonte/MG- 2013

VINICIUS ANDRE DA SILVA APPOLARI DENÚNCIA E ADVERTÊNCIA De que planeta podemos extrair uma natureza próxima e outra a milhões de anos luz? Isto é Brasil, Pantanal, gravitando em torno de uma ecologia humana que procura sentido no aqui agora e num futuro que vislumbramos no céu iluminado. Um desafio: sobreviver no aqui agora e no futuro. Convivemos com araras ameaçadas de extinção; convivemos conosco mesmos, ameaçados de extinção, diante de um universo em constante transformação. Tudo longe e perto, tudo finito e infinito. Somos muito pequenos e frágeis... e precisamos de cuidados especiais, nós, em nossa condição humana, e a natureza. Plasticamente, Vinicius André da Silva Appolari denuncia e adverte. Há que ouvi-lo. Ele é artista visual, mestre em Artes Visuais (Unicamp/ Campinas), Doutorando em Estudos de Cultura Contemporânea (UFMT/Cuiabá), Coordenador do Curso Superior de Tecnologia em Fotografia (Unic/Cuiabá). Instagram: @viniciusappolari

ELIS REGINA NOGUEIRA UMA FOTO MANIFESTO Este curumim em preto e branco faz uma súplica em cores muito fortes. Basta enxergar o olhar que vem de seus olhos, basta sentir o gesto de suas mãos. Quase é possível tocá-lo na sua ingênua idade. Ele é um símbolo que parece perguntar: o que estamos fazendo com os seres humanos da floresta? Elis Regina Nogueira nos conduz ao âmago de um povo sofrido, espezinhado, assassinado impunimente. É suficiente essa única foto... e toda a atrocidade cometida contras os índios brasileiros vêm à tona. Nessa foto manifesto, o curumim pede que não fiquemos alheios a ele e a seu povo. Elis Regina é jornalista, com pós graduação em Comunicação Social. Trabalha com produção de imagens e cria audiovisuais em fotografia institucional e publicitária. Nos últimos anos tem-se dedicado á área de gastronomia. Publicou em diversas revistas como Piauí, Bravo, Isto É, Globo Rural. Faz Fotografia Still em filmes. Em 2002 criou com Vânia Jucá o Projeto “ Nosso Olhar – Fotografia para a Cidadania” com o objetivo de proporcionar a crianças e adolescentes em situação de exclusão, um contato com a linguagem fotográfica e a expressão através da imagem. Alguns prêmios: 12º Salão de Artes de MS , 1º Auto Retrato de Campo Grande , 5º Salão de Artes de Dourados e seleção no The 34th International Student Salon Photo Álbum de Hong Kong. Vive e trabalha em Campo Grande , MS. Site: https:// www.elisreginafoto.com

LUCIANA FARS O OUTRO / EL OTRO O fotolivro O Outro/El Otro trata de intersecção de vidas. Os indivíduos, cada um com sua condição, vivem experiências ora similares, ora muito diferentes. Tais distinções definem seus papeis dento da sociedade e podem ser determinantes para que alguns grupos identitários, às vezes sem saber, sejam dominantes em detrimento de outros que são tornados invisíveis (invisivilizados). A intenção deste projeto é proporcionar, a partir de relatos e retratos, a oportunidade de refletir sobre a complexidade de vivências que compartilhamos e identificar os obstáculos e os benefícios que experimentamos em nossa vida. Cada voluntário retratado respondeu SIM ou NÃO a uma lista de 60 perguntas sobre temas como gênero, sexualidade, classe social, corpo, raça e nacionalidade. A quantidade de respostas positivas determina a proporção do retrato, um em relação ao outro. Todas as pessoas que participaram fazem parte do círculo social da artista. (TEXTO: LUCIANA FARS) Luciana Fars é fotógrafa e graphic designer , mora em Goiânia, MT. Estudou Artes visuais na Universidade Federal de Goiânia UFG.. Entre os anos de 2015 e 2016 morou em Madrid (Espanha) onde estudou Fotografia Contemporânea e Projetos Pessoais e deu início à elaboração dos projetos La Pared e El otro. Sobre o projeto O Outro/El Otro, ver: http://www.proyecto-kahlo. com/2018/05/o-outro-el-otro/

RAQUEL CAMARGO REVERENTE PROTESTO Fotografia pode ser protesto, manifesto, resistência, mobilização, indignação. Muitas fotos gritam, como se podia ouvir o grito da menina Phan Thi, imortalizada numa foto de Nick Ut, da Associated Press, em 8 de junho de 1972: a garota, aterrorizada e nua, fugia das bombas de napalm. Aqui, Raquel Camargo propõe um solene silêncio, um reverente protesto, uma respeitosa indignação, em defesa do Santuário dos Pagés, uma terra indígena que se encontra dentro de um setor de expansão imobiliária em Brasília. A área reclamada pelos indígenas é de 50,91 hectares, mas depois de 13 anos de disputas judiciais, eles receberam apenas 32 hectares. Raquel Camargo é fotógrafa, bacharel e licenciada em Geografia pela Universidade de Brasília (UnB), especialista em Geotecnologias. Desenvolveu trabalhos na área de geoprocessamento, meio ambiente, banco de dados, ecologia de paisagens, desenvolvimento social. A atuação na fotografia iniciou em 2007, como hobby. Atualmente trabalha para eventos, publicidade, ensaios, produção documental e artística. Exposições: Subir, nada a temer com Santuário, Noroeste - relação de vizinhança (2017) em Brasília – DF; CentroOeste revelado (2018) em Tiradentes – MG; Lugar de Mulher pelo ColetivAs (2018) em Brasília - DF. Possui uma obra fotográfica que compõe o acervo permanente do Museu Nacional da República.

STEFAN GROL CONTEMPLAR E REFLETIR A maioria dos pensadores faz questão de, ao comparar seres humanos com abelhas ou formigas, destacar o fato de que o ser humano tem liberdade de escolha; abelhas e formigas, não. Mesmo assim, esses laboriosos insetos são apontados como exemplos a serem seguidos. Diferentemente, Stefan Grol parece fazer um caminho ao contrário. Ele parece humanizar estas abelhas. Elas parecem refletir sobre seu trabalho, mostrar uma indecisão. E nessa relação, nós, humanos, esteticamente, reflexivamente, nos beneficiamos com as belas imagens de um intenso trabalho. Stefan Grol é apaixonado pelo mundo natural e este mundo é a inspiração para a sua arte. Nasceu no Rio de Janeiro, e logo se mudou com sua família para Inglaterra em 1978, retornando ao Brasil em 2009 para região do Pantanal. Mudou – se para Campo Grande no início de 2014. Cursou “Master of Arts” em Estudos Franceses e Empresariais na Universidade de Edimburgo (Escócia), expôs pinturas acrílicas no “The Society of Wildlife Artists” – Uma exposição anual realizada nas galerias Mall (Londres). Cursou pós-graduação em Educação na Universidade de Kingston (Inglaterra), trabalhou como professor nas séries primárias na escola Pyrford Church of England Primary School, onde ensinou todas as disciplinas, incluindo artes. Site: www. stefangrol.com

MARIANA CAPELETTI RESGATE DA HISTÓRIA Mais uma vez a fotografia resgata a História. As tentativas de mudar o mundo, mesmo quando frustradas, sempre deixam cicatrizes, mas são sempre heroicas e fica de herança uma semente de transformação. Estes registros mostram momentos e registros da guerrilha do Araguaia (1967-1974), quando ocorreram violentos atos de repressão e tortura: eram 5000 militares contra 80 guerrilheiros do Partido Comunista do Brasil que lutavam contra a ditadura. Menos de 20 guerrilheiros sobreviveram. A fotografia impede que isso seja esquecido. Mariana Capeletti nasceu em 1987 e reside em Goiânia, Goiás. É bacharel em comunicação social pela PUC-GO; especialista em Cultura e Criação pelo Senac; e em Processos, Gestão e Cultura Contemporânea pelo Madalena Centro de Estudos da Imagem/ Unimes. Mestre em Arte e Cultura Visual pela Universidade Federal de Goiás, onde lecionou fotografia até 2017. Ganhou o concurso internacional de fotografia analógica experimental da Petrobrás em 2011. Realiza projetos autorais de temas da sua região, como por exemplo trabalho fotográfico documental sobre a Guerrilha do Araguaia, premiado no 13º Paraty em Foco na categoria ensaio.

JANINE MORAES EMOÇÕES EM OBRA ABERTA Tudo é amplo na obra de Janine Moraes. Ela condensa o real esteticamente para caber no espaço capturado pela câmara. Mas ela subverte o tempo. Nesse conflito entre o que foi capturado e o que realmente existe, cada trabalho pede que o espectador alargue seu olhar e perceba o enorme mundo desenhado dentro e fora. Ela propõe sensações ao nosso olhar. Não podemos desapontá-la. Assim, transferimos cores, linhas e ritmos para o mundo inteiro. E, emocionalmente, ampliamos sua obra aberta. Janine Moraes, desde 2008, se autodenomina “fotojornaleira”. Vive em Brasília. Graduada em Comunicação Social com habilitação em jornalismo pela Universidade de Brasília (UnB). Integra o coletivo de mulheres fotógrafas Mamana. Fotografou para o Ministério da Cultura, jornal Correio Braziliense, Agência Brasil-EBC, Câmara dos Deputados, Senado Federal, Secretaria dos Portos da Presidência da República, Revista Campus Repórter (FAC-UnB) e integrou o coletivo fazedor de coisas Aferidor de Vuelos. Instagram: @janinemoraees.

MICHELLE BASTOS PLURALISMO EXPRESSIONISTA É preciso mergulhar de corpo e alma nas paisagens superfícies de Michelle Bastos. Paisagens? Superfícies? Ela nos oferece mares conturbados, cores violentas, momentos vibrantes, espaços alegóricos, tempos traumáticos. Aproxima-se de Mark Rothko e seus campos de cor, ao mesmo tempo em que se afasta dele, pelo pluralismo expressionista de suas superfícies. Suas fotos vibram, e nós vibramos com elas. Michelle Bastos nasceu em Brasília, onde reside e trabalha. É cientista política e bacharel em artes, com especialização em retrato e identidade visual pelo Speos Paris Photographic Institute e mestrado em fotografia Fine Art pelo Instituto Europeu de Design de Madri. Entre 2016 e 2017 conquistou os seguintes prêmios: a convocatória nacional do 1º Prêmio Goyazes de Fotografia; o FotoCapital; o segundo lugar da leitura aberta de portfólios do Festival Foto em Pauta de Tiradentes; finalista do prêmio Helie Memorial, em 2015. Realizou exposições em Madri, Granada, Alicante, Lisboa, Brasília e Goiânia. Sua produção é voltada para a percepção do ser/ estar feminino e manifestações estéticas populares. Atualmente desenvolve pesquisa individual no que chama de ”analogias ao retrato”.

CLEO ALVES PINTO VISLUMBRAR A BELEZA DO INSÓLITO O que nos revela o cotidiano? Que tipo de olhar é preciso para vislumbrar beleza no insólito? Cleo Alves Pinto nos ensina a contemplar o prosaico esteticamente. Ensina e dá exemplos. Sua composição de ready made duchampiana é, ao mesmo tempo, dadaísta e antidadaísta, na medida em que recolhe elementos, os compõe e os estetiza. Ela nos insere no seu universo artístico e nos convida a criar nossos próprios universos. Cléo Alves Pinto nasceu em Curitiba (1979), viveu muito tempo em Minas Gerais e desde 2009 mora em Brasília. É arquiteta e urbanista e formada em Pedagogia. Começou a fotografar profissionalmente em 2015. Por meio de projetos autorais tem investigado questões como relações entre espaços públicos e privados, privacidade, modos de viver e de morar. Foi uma das 12 premiadas, com imagens da série Vitrinas de La Habana, no Transborda Brasília – Prêmio de Arte Contemporânea em 2018. 2018.Em 2017, participou da Exposição coletiva “Sobre linhas, membranas e fronteiras”, no Museu Nacional da República, em Brasília, com o projeto Membranas. Site: www.cleoalvespinto.com

ELAINE RODRIGUES ANCESTRALIDADE QUE HUMANIZA Há algo de ancestral nos trabalhos de Elaine Rodrigues. De permanência. Aqui, a memória escorre pacientemente. E nos colocamos a imaginar e a admirar que pessoas habitam, habitaram e habitarão essa casa. Cada um dos objetos, iconicamente, se traduz em convivência, irmandade, solidariedade. Essa estética de Elaine Rodrigues, ao recolher signos de nossa memória, nos humaniza. Elaine Rodrigues nasceu em Inhumas, Goiás, em 1958. É fotógrafa, engenheira, arquiteta, mestre em Teoria e História da Arquitetura pela Escola de Engenharia de São Carlos da Universidade de São Paulo – EESC/USP. Fez o curso tecnólogo em fotografia pelo Instituto de Educação Superior de Brasília - IESB/Brasília. Participou da XXIV Bienal de Arte Fotográfica Brasileira em Preto e Branco; recebeu Menção Honrosa na 4ª Maratona Fotográfica de Pirenópolis. Publicou o livro Paisagens Internas. Mora e trabalha em Brasília/DF.

Credits Publisher: Alaide Rocha Editor: Carlo Cirenza Research and text: Fernando Rios Graphic Project: Marcelo Pallotta Designer Assistant: Katharina Pinheiro Translation: Bruna Martins Fontes Acknowledgment: Pedro David, João Castilho, Bruno Magalhães, Mariana Rettore, Eugênio Sávio, Foto em Pauta | Festival de Fotografia de Tiradentes, Artmosphere - Luiz Rodrigo Cerqueira 1 - Suggestions, complaints and praise should be sent by email to: contact@carcaraphotoart.com 2 - Portfolios should be submitted in the following format: JPEG ( 20 x 30 cm ), 300 dpi by email to: contact@carcaraphotoart.com


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Carcara #15  

Photo Art Brazilian Magazine - Carcara #15; - Fall, 2018; - September, 2018; Photographers: . Lucas Las Casas; . Cecília Araújo; . Camila B...

Carcara #15  

Photo Art Brazilian Magazine - Carcara #15; - Fall, 2018; - September, 2018; Photographers: . Lucas Las Casas; . Cecília Araújo; . Camila B...

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