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#16 WINTER 2018


Cover Photo Luiz Braga


EDITORIAL AN INTERNATIONALLY RENOWNED ART, WORTHY OF THE AMAZON FOREST Land art, body art, performances, ready-made, engraving, drawings, painting, sculptures, objects, installations, videos, conceptual art. This issue of Carcara magazine is eclectic and intense. It has the competent conception and curatorship of Marcia Mello, from Rio. She gives us a vision of the excellence that lives in the visual arts of Para. Of course it is just a sample. But Carcara is a photo magazine. Where are the photographers? Of the 13 professionals selected, a few dedicate themselves only to photography. Almost all of them are multiartists. We chose their photographic work. It may be a surprise for many people from the South of Brazil to find such erudite and competent people in their artistic doings. They are much more known in other countries than in our own. Is that a prejudice of ours? Are we egocentric and narcissist Southern people? It might as well be so. However, little by little, we face the grandiosity of an art which corresponds to the beauty and enchantment of the Amazon forest. These works are striking. They are political, not partisan-political. They are visceral, reporting, combative. They are means of social and ecological awareness. But, most of all, they are impeccable works of art. Once more we carry out our mission: to present remarkable works, aesthetically conceived, which provide good emotions, mobilize consciences, refer to action. The current times, more than ever, demand lucidity and determination. Here we have good examples. CARLO CIRENZA


THE KALEIDOSCOPE OF AN INEXISTENT REALITY WHICH ASKS TO EXIST Posture and proportion of figures compared to spaces give them (photos) the sobriety and melancholy which resemble Edward Hopper’s paintings (18821967). Like the North American artist’s work, the photos also present doors and windows which fragment space and insert the natural or urban landscape in interior scenes. Besides, open windows allow access to multiple rooms, framings and layers both of reality and image. […] Framings also remind us of cinema. However, the blurred register of people walking or of branches swinging in the wind gives things a ghostly consistency which, like the dense tonalities, enhances ambiguity between reality and fiction which can inhabit photographic sign.” http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa16738/luiz-braga

Is Luiz Braga a photographic poet or a poetic photographer? His poem photos or photo poems reverberate an intense colorful poetry, providing many levels of emotion. They codify and decodify before our eyes. We are happy observers which absorb every detail of his compositions. Luiz Braga recreates Amazon and its inhabitants. And proposes a magical entrance in this fantastic world. His realism subverts us, for Amazon is a gigantic archetype which occupies all our brain. Luiz Braga breaks this archetype in almost holograms so that we can create a puzzle, aesthetically, where time and space interact like a kaleidoscope. I think Luiz Braga is a conjurer, or maybe a witch, who uses forms and colors to put us into an inexistent reality which asks to exist. This is a summary of the presentation he made at Galeria da Gávea (http://www.galeriadagavea.com.br/artista/luiz-braga): Autodidact photographer, Luiz Braga was born in 1956, in Belem (Para), and his first contact with photography was at 11. In 1983, he graduated in Architecture, but he never worked as


an architect. Until 1981, he photographed mainly in black and white. His main exhibits (1979 and 1980) were composed of dance scenes, nudes, architecture and portraits. After that stage, he discovered the vibrant and popular Amazon colors and, invited by Funarte, travelled the region deepening the shoot he called “No Olho da Rua” (Centro Cultural Sao Paulo, 1984). In “A Margem do Olhar” (1985 to 1987), he returns to black and white of first times, portraying the Amazonian caboclo with dignity in his land. Exhibited nationally in 1988, this shoot gave him a Marc Ferrez Award, from Instituto Nacional da Fotografia. The enchantment by the colors of his region and pictorial possibilities extracted from the confrontation between natural light and multiple light sources from boats, parks and popular bars results in the shoot “Anos Luz”, awarded in 1991 with “Leopold Godowsky Color Photography Awards” from Boston University and exhibited at Museu de Arte de Sao Paulo in 1992. He executed over 200 individual or collective exhibits in Brazil and other countries, and his photography composes important public and private collections, such as the ones of Museu de Arte Moderna de Sao Paulo; Centro Portugues de Fotografia; Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro and Pinacoteca do Estado de Sao Paulo. In 2009 he was chosen to represent Brazil at 53th Biennial of Venice. His exhibit “Retumbante Natureza Humanizada” was awarded the Premio APCA 2014 for best photo exhibit. He lives and works in Belem.

Luiz Braga


IMEMMORIAL TIME WHICH OVERFLOWS AESTHETICALLY “To use these memories in the production of my authorial work in photography and video has been an recurrent and pleasant experience. Besides being a tribute to the aviators who crossed the Amazon forest, Imemores Voos brings me nostalgia, for I usually remembered the trips in my father’s twinjet while I was taking these pictures.” ALBERTO BITAR PIPA AWARDS http://www.premiopipa.com/2014/12/abertura-imemores-voos-de-alberto-bitar/

Alberto Bitar is absolutely essential. He goes straight to the essence of taking pictures. He combines aesthetics and memory. And presents us a kind of petrified time that brings to present stories which are almost lost, now found again, which ask to be told once more. Which objects are those? Which moments lie behind those spaces? We experience, at the same time, synchrony and diachrony, for time goes through, condenses and overflows before us. He summarizes: “Imemores is a series composed of many other series which can be shown individually or in a set and which are about the same subject: forgotten objects, items which, even being the focus of attention of one or several people, even having received affection, for some reason were left behind and carry marks provoked by the action of time. Imemores (docs): documents of people and companies, public or private, with its packagings; Imemores (flights): small and medium-sizes airplanes abandoned at Amazon’s airports and runways (there is a book on this series); Imemores (cities): cities formed around large enterprises in Amazon that, for whatever reason, were left behind, almost abandoned, like Serra do Navio, in Amapa.” Bitar was born in Belem (PA) in 1970. He graduated


in Business Management in 1995, four years after starting in Photography, in the workshops of Associacao Fotoativa. Since 1992 he has been developing authorial shoots. In 1996, he started photographing for newspaper O Liberal, in Belem, where he remained until 2001. Some individual exhibits: Sobre o Vazio (2011); Corte Seco (2013 in Belem and 2015 in Porto Alegre) – with these two he was awarded Premio Marc Ferrez de Fotografia from Funarte; Flux (2017 at Galerie Ramp-Arts, in Durbain-Corbieres, France). Collectives in Brazil and abroad; Evocaciones – videoart exhibit in Art Lima (Peru); Salao Internacional de Fotografia Abelardo Rodrigues Antes - Havana/Cuba; Festival Internacional de Curtas de Sao Paulo; Desidentidad, at Instituto Valenciano de Arte Moderno, na Espanha; Une Certaine Amazonie, in Paris. He was invited to 30ª Bienal Internacional de Sao Paulo and to 10ª Bienal do Mercosul. His works are in collections such as Colecao Pirelli/MASP, Museu de Arte Contemporanea da USP - MAC/USP, MAC/RS - MAC Rio Grande do Sul, Museu de Arte Moderna de SAo Paulo, MAM da Bahia, Museu de Arte do Rio - MAR, Museu de Arte Brasil Estados Unidos. Since 2010 he has been working as photo editor at newspaper Diario do Pará. Site: https://www. albertobitarfoto.com/.

Alberto Bitar


SOCIAL POETRY WHICH TRANSPIRES ETHICS AND AESTHETICS Not too much effort is needed to unveil poetry, politics, society, ethics and aesthetics in Alexandre Sequeira and his sophisticated photo technique expanded to creative serigraphy. In this series from 2003, called “Identidade Calcinada”, he exposes his characters before our eyes not only for us to contemplate them. They ask for more, maybe through a question: do you know in whom you are looking? Alexandre Sequeira’s characters are about to resuscitate. They seem to threaten us in their immobility, but they are only waiting for an opportunity. Meanwhile, before a black surface, almost in protest to Kazimir Malevich’s black square, he proposes to redo things with semiotics: by adding shapes like signs and signals, Sequeira refers to meanings like inequality, poorness, exclusion, composed ethical and aesthetically. To capture those images, Sequeira established a close relationship with street workers in Belem and asked them for residues of their craft: pieces of paper of Jogo do Bicho’s gamblers, sugarcane bagasse from the man who cut it, corn leaves from corn sellers. With such raw material, he made hand made paper and painted it in matte black. Over them he printed images in bright black. With this work he won an award at Salao Arte Para, Belem, in 2003. Sequeira finishes: “Blackened paper reveals the difficulty in noticing those people in their condition of social exclusion; the vulnerability of support in the Amazonian moisture reproduces, metaphorically, the threat of its real disappearance.” The visual artist and photographer Alexandre Sequeira was born in Belem do Para, in 1961. He has a master’s degree in art and Technology at UFMG and teaches at Instituto de Ciencias da Arte da UFPA. In 2004 and 2007 he got a grant for research, experimentation and artistic creation at IAP, in Belem. Exhibits: individual - Nazare do Mocajuba, 2011, Fotograma,


Montevideo, Uruguay; Projeto Portfolio, 2007, Itau Cultural, Sao Paulo, Brazil; collective - Gigante pela propria natureza, 2011, Valencia, Spain; Simposium and exhibition Brush with Light, 2010, at University of Art Midia and Design of NewPort, UK; Festival Internacional de Fotografia de Pingyao, 2010, China; X Bienal de Havana, 2009, Cuba; Exhibit and artistic residence at Centro Cultural Engramme, 2007, Quebec, Canada; Bienal Internacional de Fotografia, 2006, Liège, Belgium. His works are at the collection of Museu da UFPA (1993), Espaco Cultural Casa das 11 Janelas (2007), Colecao Pirelli/MASP (2010) and MAC/RS(2012). Site: http://www.alexandresequeira.com/. Alexandre Sequeira


A BODY ART WHICH MULTIPLIES IN MANIFESTS “My work is about how violence becomes something acceptable, shared, natural. People have a morbid pleasure in unpleasant news, they share, they want to see”. […] My works go straight to the point. My work does not try to have a sophisticated language because it doesn’t try to conquer the artistic class or the intellectuals. I am much happier if common people are seeing my work. I make no point of having an intellectualized work, which speaks through extremely sophisticated or specific codes that only part of the society understands.” BERNA REALE(*)

Where is Berna Reale’s body? You might face it suddenly. It announces, declares, presentifies, presents itself strikingly. Each corporeal circumstance composes a poetic of incision in reality. Berna Reale’s body is a wedge in reality. You can’t trespass it with impunity. In each time around her body, she amplifies embodiments. She expands, symbolically, the range of her body, breaking away from a cultural atavism which turns us into animals, highlighting humanization as a form of intervention for survival. In each temporal and spacial embodiment, Berna Reale acts as a guerilla fighter, political apartisan activist. There is no subtlety in her work. Her art is dimensioned in the interstices of violence and of the power that hovers around us. However, at all times, pacifically, she invites to dialogue, but offers a precondition: where are you, do you know in which reality we live? Her body art multiplies in manifests: to live is not enough; without conscience, humanity is emptied in the inconsequent tolerance of narcissist and exacerbated individualism. Berna Reale’s body is a small volcano which attracts reflection and refers to a critical living experience. Quoting Karl Marx, she seems to say: so far, we have interpreted reality in different ways; we need to transform it. El Pais’ reporter, Marina Rossi, tells us: “ [...] she has already danced Singing in The Rain on a red carpet over a landfill, all dressed in gold. She rowed a boat full of rats and ran with an Olympic torch through the corridors of a prison. Naked, she was carried through the streets of Belem tied to a pole, just


coming out of a refrigerated truck, as a dead ox. The works don’t need much elaboration to cause impact.” (*) Berna Reale was born in 1965, Belem, Para, Brazil, where she lives and works. She photographs and makes installations and performances. She studied Art at Universidade Federal do Para and took part in many individual and collective exhibits in Brazil and other countries, such as biennials. “It is so much it doesn’t fit here”, Brazilian representation at 56th Venice Biennial (Italy), 2015; 34o Panorama da Arte Brasileira (Sao Paulo, Brazil), 2015; Foto Bienal Masp, MASP (Sao Paulo, Brazil), 2013; Photo Biennial of Liège (Belgium), 2006; Cerveira’s Biennial (Vila Nova de Cerveira, Portugal), 2005. Individuals: “Eccoci!”, urban intervention project conducted in 2015 in Venice (Italy); “Vapor”, in 2014 at Galeria Millan (Sao Paulo, Brazil), and “Vazio de Nos”, in 2013 at MAR – Museu de Arte do Rio (Rio de Janeiro, Brazil). Collective: “Singularidades/Anotacoes – Rumos Artes Visuais 1998-2013”, Itau Cultural (Sao Paulo, Brazil), 2014; “Amazonia – Ciclos da Modernidade”, Centro Cultural Banco do Brasil (Rio de Janeiro, Brazil), 2012; “From the margin to the edge”, Somerset House (London, England), 2012. She was awarded at 5th edition of Premio CNI SESI SENAI Marcantonio Vilaca para as Artes Plásticas (2015); Grande Premio of Salao de Arte Para (Belem, Para, 2009). Selected for two editions of Rumos Visuais – Itau Cultural (2011 and 2013/14), in the last of them with project “Precisa-se do Presente”, conducted in BRIC countries (Brazil, Russia, India, China and South Africa), in 2015. Nominated twice for PIPA (Premio IP Capital Partners de Arte), in 2012 and 2013, being a finalist in the last one. In 2010, she became a criminal expert at Centro de Pericias Cientificas do Estado do Pará and lives closely with various matters of offenses and social conflict. ( * ) h t t p s : / / b r a s i l .e l p a i s .c o m / b r a s i l / 2 0 1 7 / 0 7 / 1 3 / cultura/1499967146_171656.html

Berna Reale


LOOKS AND GESTURES RECREATE POETIC (UN)REALITIES The illusion that carries the image needs a margin, a mystery, a space and a time to imagine itself. DIRCEU MAUES

Dirceu Maues is a recreator of unrealities. With brilliant aesthetics, with rudimentary equipment (as pinhole cameras made in matchboxes), he broadens our possibility of seeing unrealities which turn into realities. In another technique, his action painting on photographic paper is very far from Jackson Pollock’s Baroque, from Jose Oiticica Filho’s graphism, from Cesar Oiticica Filho’s winding geometry. Not entering an abstract expressionism, Maues uses chemical agents to act mechanically on photographic paper. The result is a beautiful and sullen landscape, full of poetry. Here, the photographic making doesn’t happen with a look and a click. There is image enlargement, obtained with gestures. This fusion of eye and gesture is one of the important paths of contemporary photographic art. And Dirceu Maues travels through it with a lot of competence. In his text Extremo Horizonte - Fotografia Pinhole Panoramica, (Brasilia, 2012), his graduation work in Visual Arts at the Arts Department of Instituto de Artes da Universidade de Brasília, guided by PhD teacher Geraldo Orthof, he declares, emphatically: “We can observe in recent history that, even under the hegemony of an authoritative speech in the sense of an absolute homology –especially in modern photography, marked by the concept of “decisive instant” and by the domain of documental photography—, many artists worked to question those values, always putting their poetic question ahead, even in the dialogue with new technologies. What is the point of an image which does not make me think, where everything is given from the beginning? What is the use of an image which doesn’t question me in any way? What is the point of an image which doesn’t make me dream? This image that is intended to be “perfect”, with a complex code of abstraction, is readier to serve processes of alienations and social control.” P.8.


This is the presentation made by Galeria Karla Oosório (http://karlaosorio.com/dirceu-maues/): “Born in Belem, Dirceu Maues lives and works in Brasilia. He has graduated and has a master’s degree in Fine Arts at UnB. He has been photographing for the main newspapers of Belem-PA. In 2003, he started his authorial work in photography, cinema and video, from research about building handcrafted cameras and using precarious devices. Resident artist of Künstlerhaus Bethanien/Berlin (Rumos Itau Cultural); he got a scholarship from Funarte to foster artistic creation; he took part in project Encontros com a Fotografia - FNAC/2009. He had individual exhibits in Berlin, Montevideo, Katowice (Poland), Sao Paulo, Rio de Janeiro, Porto Alegre, Curitiba and Belem. Resident artist at WBK Vrije Academie, in Haia/Netherlands, due to an award at 17º Festival SESC_VideoBrasil. Works in collections such as: Pirelli-Masp, FNAC, Videobrasil, MACPR (Museu de Arte Contemporanea – Parana), MARP-SP (Museu de Arte de Ribeirao Preto), MEP-PA (Museu do Estado do Para), Colecao Joaquim Paiva, Colecao Rubens Fernandes Jr and Colecao do MAR (Museu de Arte do RIo). Awards and scholarships: Premio Brasil Fotografia 2013 – XII Premio Funarte Marc Ferrez Fotografia 2012. 17o Videobrasil. Sao Paulo, 2011- Atelie Residency/Rumos Artes Visuais 2008/2009 Künstlerhaus Bethanien, Berlin, Germany – Funarte’s Program of Scholarships to Foster Artistic Creation, Belem, 2008; Premio Fotografia – Secult/PA, Belem, 2008- XII Salao Unama de Pequenos Formatos (Acquisition Prize), Belem, 2006- Scholarship from Instituto de Artes do Para – IAP/2004. Salao Arte Para (Acquisition Award). Fundacao Romulo Maiorana, Belem. Editions 2009, 2004, 2003. II Salao de Fotografia of CCBEU (Acquisition Prize). CCBEU’s Art Gallery, Belem, 1997.

Dirceu Maues


BODY, NATURE AND POETRY TO A (RE)VISION OF PLANET EARTH Freedom. Protest. Subversion. Body art. Land art. To dive in space and time. Luciana Magno dresses her own hair to cover and uncover her nudity and nature’s. She is, at the same time, culture and nature, nature and culture, as far as she metamorphoses and is metamorphosed. Her art –poetical, conceptual, ecological and mimetical—unrests us, leave us ready to an action which already occurs and is brought by Luciana Magno, but which makes us small and impotent. What is this woman doing among trees, rivers, roads? What are we doing, inconsequent urbanoids? The classes, the preaching, the gestures of this artist/photographer/ video maker from Para, in her visionary dance, in the love she lets shine through, invite us: “come make nature unhuman, it doesn’t need our catastrophic gestures, it need affection.” Luciana Magno doesn’t sacrifice herself, as she doesn’t ask for sacrifice. Politically, artistically, humanely, she reports. And uses her own body as an instrument. Even if nature is large, her body isn’t smaller. Professor and curator Orlando Franco Maneschy, from Universidade Federal do Pará, analyses: “By ranging the Amazon, Luciana Magno discusses the body in relation to landscape, in confrontational routes, which also search for mimesis with the environment and ends up activating relations that sometimes make political situations reverberate, as, for instance, when she goes into a place where there is wood illegally extracted. In this space, the artist makes contact with destroyed nature and its little pieces of life. In the images, between wood logs, her body rests as a bird lands in her hair. In the artist’s work, things conjugate in an integrated way, manifest in happening and provide the emerging of experience to materialize in the form of art.” (http://www.janainatorres.com. br/2018/08/18/luciana-magno-um-corpo-movente-na-amazonia/)

Luciana Magno was born in 1987, in Belem do Para. She


lives and works in this city and Sao Paulo. She was awarded Pipa Online in 2015 and nominated to Pipa 2018. She graduated in Visual Arts and Image Technology at Universidade da Amazonia, Belem, and has a master’s degree at Universidade Federal do Para. She works with performance, photography, video, object and website. Her research focuses on the body and performing actions, comprises political, social and anthropological issues related to the impact of the development of the Amazon region. Her work was exhibited at Centro Cultural Banco do Nordeste, Fortaleza (2014); at Arte Para, Museu de Arte do Estado do Para, Belem (2014), where she was awarded; at Museu de Arte do Rio de Janeiro (MAR) (2013). She won the 10th edition of Programa Rede Nacional Funarte Artes Visuais with project “Telefone Sem Fio”, which crossed the country, from Oiapoque to Chui by road and rivers, and resulted in archives of video and audio of Brazil’s cultural, historical and geographical diversity. Her work is at Museu de Arte do Rio (MAR), Museu de Arte Contemporanea do Rio Grande do Sul, Museu da Universidade Federal do Para, Fundacao Romulo Maiorana and Associacao Cultural VideoBrasil. Site: www.lucianamagno.com.

Luciana Magno


MIMESIS AND POETRY, SURREALISTICALLY PROPOSED Absent Presence. The existence of a broader reception context for the artist’s work is equally shown in some of the few occasions in which he makes an explicit use of images. In one of them, in a work called Ausente Presenca, a photo of feet shaped in clay, sunken in mud –also a probable evidence of hard work--, is side by side with another which register the plate which remembers the names of the nineteen landless workers killed in 1996 by the police in Eldorado dos Carajas, in south Para. Deaths which remain unpunished and happened among protests against the delay in the expropriation of unproductive land in that region. MOACIR DOS ANJOS http://www.premiopipa.com/pag/20253-2/

The paths of Marcone Moreira are done and undone. Surrealistically. His brainy constructions mimic and poetize realistically. There is a merge between image and thought. To say and to want to say are very close. That is why decodification, although very personal, is semantically proposed. The lack of bodies doesn’t stop him from walking in and out the works. The photos call us. And impregnate memory. The mud proposes a heavenly ancestralism, where the silence of a lonely Adam hovers. The question takes us by assault: which ways do we want to travel? The work of Marcone Moreira comprises many languages: paintings, sculptures, videos, objects, photography, installations. His work is related to the memory of shabby material (vessels, car bodies, work utensils) and impregnated of culturally built meanings. Winner of Marcantonio Vilaça award twice, in 2009 and 2011, the artist develops his own techniques since he was a child. “My first influence was my father, a farmer who made parts in clay”, says Marcone. “The work Ausente Presença is a tribute to him”, says the artist. “It is also a political work, which is about the


massacre of Eldorado de Carajas”. Marcone Moreira was born in Pio XII, Maranhao, Brazil, in 1982. He lives and works in Maraba, Pará. Awards: X and XV Salao da Bahia; Projéteis de Arte Contemporanea, Funarte; Programa de Exposicoes do Centro Cultural Sao Paulo; Scholarship Pampulha, Museu de Arte da Pampulha, Belo Horizonte. Individuals: 2007, Margem, at Galeria Lurixs, Rio de Janeiro; 2006, Vestigios, Museu de Arte da Pampulha, Belo Horizonte; 2005, Vestigios, Galeria Virgilio, Sao Paulo. Collectives: 2009, Nova Arte Nova, CCBB, Sao Paulo; 2008, Arco, Feira de Arte Contemporanea, Madrid, Spain; Os Tropicos, CCBB, Rio de Janeiro and Museu Martin Gropius Bau, Berlin, Germany. 2007, PINTA, Feira de Arte Contemporanea, New York. 2005 Amalgamas, in Mantes la Jolie in France and Desarranjos, Museu do Marco, Vigo, Spain; 2003, Panorama da Arte Brasileira, Museu de Arte Moderna de Sao Paulo. Fonte: http://marconemoreira.blogspot.com/

Marcone Moreira


WE ARE CHARACTERS AND VIEWERS OF THESE COMPLEX UNIVERSES Human beings inhabit the entrails of universe and universe inhabit the entrails of human beings. This amazing ambiguity comes to us devastatingly through Mariano Klautau Filho’s work. These are different, complex, but, each on its own way, infinitely big universes. The concrete infinity of exterior is opposed to the unusual and fluid inner reality. Before the universe’s infinity, Klautau ponders on the finiteness of human beings. This paradox is materialized in anguish, melancholy. Bodies and landscapes search meanings. But it is up to human beings to mean. Where does the look reach? Where is the end of conscience? Placidly, poetically, we are introduced in these images. Then, what to do? Mariano Klautau Filho helps us: “Finisterra is the title of individual exhibit from the series ‘Materia Memoria’ and ‘Hoppe’, accomplished between 2002 and 2007. Materia Memoria is a color series which proposes the articulation of two images composing each work. In this composition there is the intention of looking for a dynamic between interior and exterior landscape, between the limits of what is in and outside a particular visual experience. From images I call visual diaries, captured in different times and places, I propose to think of image as concrete matter of imagination. This shoot is about a possible internal landscape connected to urban memory, special where vague, fluid, becomes matter for photographical image. [...[As part of this context, like a development, there is a series of diptych and triptych called Hoppe, a direct allusion to the atmosphere of certain pictorial scenes of Edward Hopper. In these photos, duality of images remains, broadening to an exercise in which the presence of characters is more evident, so the narrational and fictional experiment with photography is intensified. […] Finisiterra is a word related to geography and it means the extreme point of a


region, place or country. The earth’s extremity, its limit, its end. Finisterra is a word composed by finis (“end” in Latin) and earth in Portuguese. The meaning of end suggests a plurality of senses as limit, frontier, far reaches, dividing mark, spot, death, final cause, as it indicates the action of finishing, defining, delimitating, marking.” Mariano Klautau Filho was born in Belem do Para, in 1964. He is a doctoral student in Visual Arts at ECA/USP and has a master’s degree in Communication and Semiotics from PUC/SP. He teaches at Universidade da Amazonia and works as an independent coordinator and curator in projects such as “Fotografia Contemporanea Paraense – Panorama 80/90”, “Coloquio Fotografia e Imagem”, from Fotoativa, and “Premio Diario Contemporaneo de Fotografia”. He took part in the IX Bienal de Arte de Havana and I Bienal do Fim do Mundo, in Ushuaia, Argentina. His works are at these collections: Museu de Arte Moderna de Sao Paulo/MAM-SP, Museu de Fotografia da Cidade de Curitiba-PR, Museu do Estado do Para – Belem-PA, Colecao Joaquim Paiva – Rio de Janeiro-RJ and Colecao Pirelli/MASP – Museu de Arte de Sao PauloSP. He won the Major Award (Photography) at Salao Arte Pará in Belem, in 2001 (photography) and 2007 (videoinstallation). Site: http:// marianoklautau.com/.

Mariano Klautau Filho


AN EPIPHANY WITHOUT MYSTICISM “Silence…” is the title of this series of photos of Octavio Cardoso. They ask, maybe demand, solemnity and introspection to be contemplated. There is something beyond them. They are not completed only at our glance. They invade our subconscious. At the same time that we look at them, we look at ourselves. What do the photos hide in their aesthetics, dark and silent? The beauty of these photos interferes directly in the subjectivity of each one of us. Our history merges with the hidden story of each viewer. In the relation subject/object something happens, like an epiphany without mysticism or religiosity. Octavio Cardoso transfers his introspection to each of us. His open work invites us to dive in his work and in our unconsciousness. The stories which emerge will bring more emotions to contemplation. From Para, Octavio Cardoso subverts the Amazon forest. To obtain these images, he looked for moments with less intensity of light – before sunrise and in the afternoon, with discreet luminosity. “For the mood I wanted to create in the imagens, it was not possible to photograph in high sun, once I distorted colors, playing with filters. I realized that in light it didn’t work and that in the dark it was better.” Until that moment, first semester of 2013, most of Cardoso’s photos were in black and white. He explains: “Color, to me, was for documentational photography. So the distorted color of this series means to make images more subjective, mysterious, to take objectivity from colorful. Blue is more unreal, and I tried to create this place, my particular world, with features of loneliness, calmness, silence. These are landscapes of absence, nothing or almost nothing, to see, to feel, to think… in silence.” He has photos in Colecao Pirelli/Masp de Fotografia (https://www.colecaopirellimasp.art.br/autores/285), which sums up his biography like this: Octavio Cardoso was born


in Belem do Para in 1963. He graduated in Civil Engineering at Universidade Federal do Para, started photographing professionally in 1984 at Associacao Fotoativa. In 1985 and 1986 he worked as a photojournalist at newspaper O Liberal, Belem, and received a Premio Esso in Regional Journalism at the North region in 1986, with Ana Marcia Souza. In 1987 he worked at Luis Braga’s studio. In 1990, he associated with other photographers at Kamara Kó Fotografias, Belem, where he worked until 1994. In the same period, he developed a parallel work as a cameraman and cinematographer at DCampos Producoes and in project “Academia Amazonia”, at Universidade Federal do Para. In 1995 he founded WO Fotografia with Walda Marques. He was president of Associacao Fotoativa between 2000 and 2007. He develops works of documentation, architecture and advertising in his own studio. He received Grande Premio, Salao de Arte Para, Fundacao Romulo Maiorana, Belem, 1987; Premio Aquisicao, Salao de Arte Para, Fundacao Romulo Maiorana, Belem, 1988; and a scholarship in research and artistic experimentation at Instituto de Artes do Para, Belem, 2009. Site: http://octaviocardoso.com.br/.

Octavio Cardoso


POETIC TRANSCENDENCE WHICH COATS A VOLATILE SUBJECTIVITY

As a starting point of these “electronic matrix”, drawings and photos

are used and compose pages of artist’s ancient notebooks, prayers and family registers, as well as files deposited at the computer and images appropriated from the cloud. These are bonds and poetic vehicles of all within my reach, of contemplative look, graphic or photographic, directed to plants grown by my mother; to radiography of a recent fracture. These are experiences, accumulation, residues of time, which try to reset as a form of resistance and spiritual quest. Recorded as small cracks of time, these fantastic indexes can reveal new and multiple passages to being. PABLO MUFARREJ

Almost nothing escapes Pablo Mufarrej’s artistic perception. His vision of the world (weltanschauung) and of the cosmos can shrink, comprises from flies to sidereal space. His sensibility captures and reproduces all in form of art: photos, engravings, sculptures, installation, performances, videos, objects, ready-made. Here we offer a little sample of his work: a compromise with transcendence. Despite the concreteness of objects, there ineffable volatilization of subjectivity. There is poetry which hovers before finite. Behind details, bodies are offered in absences. He signals concepts through the titles of some works: “the verb became silence, faith is like the hidden side of the moon.” Pablo Mufarrej was born in 1982. He graduated in Art Education – Visual Arts at Universidade Federal do Para. He has been a teacher of Arts since 2008 at schools Dr. Carlos Guimaraes and Almirante Tamandare. He was an instructor at workshops of wood engraving, silk screen, drawing and painting at Fundacao Curro Velho (2001 to 2007). Main exhibits: Lugar-Comum, Museu de arte de Belem/PA from 12/11/07 to 01/13/2008, as a result of a scholarship for researching Experimentation and Artistic


Creation – Instituto de Artes do Para – 2007; Olhares Cruzados Sobre a Natureza na Gravura Francesa e Brasileira , Year of France in Brazil, Museu Casa das 11 janelas , Belem /PA, 2009; Arte Para 2005 - Contemporaneo, Museu de Arte do Estado, 2005 (3º Grand Prize); 3ª Biennial of Engraving of Santo Andre, Paco Municipal de Santo Andre – SP, 2005 (invited artist); Evidencias, Kunsthans/Wisbaden – Hessen, Germany, 2003. Blog: http://pablomufarrej. blogspot.com/.

Pablo Mufarrej


AN ACTIVISM THAT CHARMS AND REPORTS “Photography, to me, is a way of being in the world, of screaming, of talking about love, of politics, of dreams, of life, of rebelling and, mostly, is a language that allows relationships, sharing and an immense learning. It is an exercise of humanity.” PAULA SAMPAIO

HOW DO WE LOSE OUR STORIES? / PAULA SAMPAIO Project “Antes do fim | Itinerary of reinventions” proposes a reinterpretation of part of my archives, which deteriorated with time (photo negatives, writings, cassette tapes, diskettes, photos copied by hand and other memories) and have been collected for almost thirty years of photo documentation in Amazon. The part which was most affected by the action of time refers to the beginning of the project “Antonios e Candidas tem sonhos de sorte”, between 1990 and 1998, inspired by the daily life of migrant workers who settled along the roads Transamazonica and Belem-Brasilia. These are stories and images that marked my first contact with that theme, determining the route I chose and which are disintegrating before my eyes. The little map reinforces the project’s subheading and shows the path of two roads: horizontal, Transamazonica; vertical, Belem-Brasilia.


ARCHEOLOGY OF THE LOOK / ADOLFO GOMES “Everything has been said before, but as no one listens, it is necessary to say it once more”. Andre Gide

Does image exist outside the look? It is certainly created in other levels, maybe it is born from the friction of unconsciousness, dreams, imagination and the unavoidable materiality of the device/ support used for register/production. But its autonomy, beyond our look, is limited. Not only as an ancient gesture, remain of our search for permanence (memory safeguard), the image demands painfully the visibility as the meaning of its existence. And we need, as the gidean aphorism advocates, to recognize this fatalist connection: any possible archeology goes through a reiteration of the look. Visual tautology that moves photographer Paula Sampaio to revisit the “road people” who were part of her itinerary for decades of affective documentation of various historical and social side roads underlying great projects of memory. A fragile, perishable matter, despite its intrinsic promise of perpetuity; image must humbly penetrate nature and time. What is given to us is the look: if it will achieve the duration of our memorialist utopia, we don’t know. After all, “all passes over the Earth” (Jose de Alencar).

Creative and sophisticated framings; careful capture of light; a dive in a needy society; revelation of marginalized people full of life, waiting for… Paula Sampaio, from Minas Gerais, “amazoned” herself and invites us to moments of contemplation and ponderation. Her activism is striking; her aesthetics, deep. With her work, she charms and reports. Paula moved to Belem do Para as a girl, and there she started photographing professionally in 1987. She graduated in Communication at UFPA and has a


specialization in Communication and Semiotics at PUC-MG. She has been reporter and editor assistant at O Liberal newspaper. Her projects and shoots received awards from Funarte/RJ, Mother Jones Fund for Documentary Photography /USA, Fundacao Vitae, Premio Porto Seguro Brasil Fotografia, Fundação Romulo Maiorana, ANDI/ FENAJ/DF. She is responsible for Centro Cultural Sesc Boulevard/PA’s Photo Center, studies History (PPHIST/UFPa) and develops her shoots and projects. She talks about her work and journalist and movie critic Adolfo Gomes offers us his deep and sharp look.


Paula Sampaio


ANARCHIC AND FEATHERY CONCEPTUAL ART There is a difference between photos of cock fights and their conceptual manifestation: to jump from real to imaginary and let the viewer decide what is more real and what is more imaginary. He works on concepts. Eruditely, consistently. And there is more: the photography of Victor de la Rocque overflows unconsciousness. Actually, better said, the art of la Rocque overflows unconsciousness. He creates and seizes archetypes to establish a communication between his unconscious and the collective one. Before so many myths related to birds (of the world, as harpys, griffons, sirens or mermaids –who actually had wings, not tails; or from Amazon: yorixiriamori – the singing birdtree of the Yanomami--, tincua, urutau, cancao, caure, uirapuru, birds that bring good and bad luck, love and wealth), de la Rocque chose prosaic hen and not so prosaic cocks. And he incorporates them, turns them into references. And gets closer to Anselm Kiefer and Joseph Beuys. In one of his performances, he opposes to the platonic concept of men being a not feathered biped. Naked, he dresses as a hen and parades through the streets of Belem do Para. A feathery biped then shows up. And covers us in questions like: what is art, what is it for, what is life, what is its meaning? With a lot of seriousness and a dose of humor, he seems to say: only human beings can answer these questions. With or without feathers. Preferably anarchically. By answering two questions from Tales Frey, he reveals a little of his cosmogony (https:// performatus.net/perfil-de-artista/victor-de-la-rocque/):

Tales Frey: [...] is there a main theme that motivates your creation?

How do you relate a work to another in your own artistic trajectory?

Victor de la Rocque: I don’t see a main theme in my production, but


I am frequently searching for the nuisance sensation that such propositions cause to initiate a dialogue, as a figure which leaves from a fold in language which articulates it in the shadow. The contradiction is also recurrent. Camus said that the only true role of a man, born in an absurd world, is to be conscious of his life, of his revolt, of his freedom; maybe, by chance, I engender monsters, or the monstrosity itself, reflected. There is an attempt to articulate absurd and revolt; however, with the conscience of a troubled man. In this moment I could describe my work as a collection/succession of failures which preserve the same resonance, and in time it will manifest its own worthlessness, echoing my sterile secret. And in the end, I would like to state that all this can still be only an occasional flourish, born from a desire to forge its own escape, to where we don’t know yet, but bound for freedom and a passion with no tomorrow.

Victor De La Rocque is an artist from Para, influenced by theater, by Marina Abramovic, David Bowie, Anselm Kiefer, Joseph Beuys. He expresses himself through videos, photography, happenings, performances. Exhibits: Caos e efeito (Itau Cultural, 2011); Festival Performance Arte Brasil (MAM Rio de Janeiro, 2011; Landscape Bodies (IKRA Dance and Performance Art Festival, Haparanda/ Tornio, Sweden). He takes part in artistic residences in Brazil, Portugal, France, Scotland, Sweden, Mexico, USA and Colombia. Site: https://cargocollective.com/victordelarocque.

Victor Del La Rocque


MULTIPLE TENDENCIES TO SENSITIZE OUR IMAGINARY The mannerism of Walda Garcia Marques (conscious or subconscious) invites us to visit Art History. Yes, she impresses a visionary, particular, aesthetics to her work. If mannerism (XVI century) presents itself between Renaissance and Baroque with remains of these two artistic movements, the aesthetics of Walda Garcia Marques also uses elements of those schools. But what stands out is a particular, personal primacy, in mannerist style. Even her “decoration” of characters, exaggerated on purpose, is fully according to the mannerist canon. But her bodies reveal something of Renaissance; what she hides in clear darkness strolls over an incipient Impressionism. However, we don’t need erudition to contemplate and enjoy her beautiful compositions. It is enough to be before them and let the imaginary flow. Emotion will certainly surface. Walda Marques was born in Belem, in 1962, where she lives. Before photography, she worked as a makeup artist at 18, what opened the doors for her on the theater, television and photo studios. In 1989 she started working at TV Cultura in Para as makeup artist, costume designer and also composing characters and their features. She even acted on TV and on stage. As a photographer, she began in 1989, in the workshops of Miguel Chikaoka, at Associacao FotoAtiva. Her work merges the language of photo soap opera, performance and installation. She took part in the exhibits: “Manobras Radicais” - Centro Cultural Banco do Brasil - Sao Paulo (2006); “Cartografias Contemporaneas – Fotoativa Para – Sesc-Sao Paulo (2009); Pororoca no Mar – Museu de Arte do Rio (2014); A Arte da Lembrança – Itau Cultural, Sao Paulo (2015). Individual: Maria tira a mascara que eu quero te ver (1994); Era uma vez caixa de fosforo (1996); Romanticos de Cuba (2013); as an invited artist of IV Premio Diario Contemporaneo de Fotografia; A Cidade em Silencio, in Belem. She has four publications, such as:


photo soap operas “O Homem do Central Hotel” and “A Iludida”. Her work is in the acquis of Museu Historico do Para, Colecao Pirelli-Masp of Museu de Arte de Sao Paulo and MAR- Museu de Arte do Rio – RJ. In her interview for the site Cultura Para (http://www.culturapara. art.br/fotografia/waldamarques/index.htm), she says: “Photography comes from home, brought by my beloved father, who was a lover of this art. I created WO Fotografia in 1992, with photographer Octavio Cardoso. From 2005 to 2010 I was ahead of Espaco Cultural Taberna Sao Jorge, a venue that hosted many artistic releases in Belem, and shows, exhibit and theater. I currently work at my studio with cultural projects, advertising, portraits (many on demand), weddings and develop my authorial work.”

Walda Garcia Marques


EDITORIAL UMA ARTE RECONHECIDA INTERNACIONALMENTE, DIGNA DA FLORESTA AMAZÔNICA. Land art, body art, performances, ready made, gravuras, desenhos, pinturas, esculturas, objetos, instalações, vídeos, arte conceitual. Este número da revista Carcará está eclético e intenso. Ele tem a competente concepção e curadoria da carioca Marcia Mello. Ela nos proporciona uma visão do que há de excelência na arte plástica do Pará. Claro, é apenas uma amostra. Mas Carcará é uma revista de fotografia. Onde estão os fotógrafos? Dos treze profissionais escolhidos, poucos se dedicam apenas à fotografia. Quase todos são multiartistas. Escolhemos suas obras fotográficas. Talvez seja surpresa para muitos sulistas encontrar pessoas tão eruditas e competentes nos seus afazeres artísticos. Eles são muito mais conhecidos no exterior do que no nosso País. Será preconceito nosso? Somos nós sulistas egocêntricos e narcisistas? Pode ser. Contudo, aos poucos, nos deparamos com a grandiosidade de uma arte que corresponde à beleza e ao encantamento da floresta amazônica. São contundentes estes trabalhos. São políticos, não político-partidários. São viscerais, denunciadores, combativos. São instrumentos de conscientização social e ecológica. Mas, sobretudo e principalmente, são impecáveis obras de arte. Mais uma vez cumprimos nossa missão: apresentar obras marcantes, esteticamente concebidas, que proporcionem boas emoções, mobilizem consciências, remetam à ação. Os tempos atuais, mais do que nunca, exigem lucidez e determinação. Aqui, temos belos exemplos. CARLO CIRENZA


LUIZ BRAGA O CALEIDOSCÓPIO DE UMA REALIDADE INEXISTENTE QUE PEDE PARA EXISTIR

A postura e a proporção das figuras em relação aos ambientes conferem

a algumas delas (fotos) sobriedade e melancolia que lembram as pinturas de Edward Hopper (1882-1967). Em comum com a obra do artista norte-americano, as fotos apresentam também portas e janelas, que fragmentam o espaço e inserem a paisagem natural ou urbana nas cenas de interiores. Além disso, as janelas abertas possibilitam o acesso a múltiplos ambientes, enquadramentos e camadas tanto da realidade quanto da imagem. [...]

Os enquadramentos lembram também o cinema. No entanto, o registro

borrado de pessoas caminhando ou de galhos balançando ao vento dá às coisas uma consistência fantasmagórica que, assim como as tonalidades densas, potencializa a ambiguidade entre realidade e ficção que pode habitar o signo fotográfico. http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa16738/luiz-braga

Luiz Braga é um poeta fotógrafo ou um fotógrafo poeta? Suas fotos poemas ou poemas fotos reverberam uma intensa poesia colorida, proporcionando vários níveis de emoções. Elas se codificam e decodificam à nossa vista. Somos os felizes observadores que sorvemos cada detalhe de suas composições. Luiz Braga recria a Amazônia e seus habitantes. E nos propõe uma entrada mágica nesse mundo fantástico. Seu realismo nos subverte, porque a Amazônia é um arquétipo gigantesco que ocupa todo o nosso cérebro. Luiz Braga quebra esse arquétipo em quase hologramas para que possamos criar um quebra cabeça, esteticamente, onde tempo e espaço interagem como um caleidoscópio. Acho que Luiz Braga é um prestidigitador, ou talvez um bruxo, que utiliza formas e cores para nos colocar dentro de uma realidade inexistente que pede para existir. Este é um resumo de sua apresentação feita pela Galeria da Gávea (http://www.galeriadagavea.com.br/artista/luiz-braga): Fotografo autodidata, Luiz Braga nasceu em 1956, em Belém (Pará) e teve o primeiro contato com a fotografia aos 11 anos. Em 1983


graduou-se em arquitetura, mas nunca trabalhou como arquiteto. Até 1981, fotografava principalmente em preto e branco. Suas primeiras exposições (1979 e 1980) eram compostas de cenas de dança, nus, arquitetura e retratos. Após essa fase, descobre as cores vibrantes da visualidade popular amazônica e, convidado pela Funarte, viaja pela região aprofundando o ensaio que foi exibido com o título de “No Olho da Rua” (Centro Cultural São Paulo, 1984). Em “A Margem do Olhar” (1985 a 1987), retorna ao preto e branco dos primeiros tempos, retratando com dignidade o caboclo amazônico em seu ambiente. Exibido nacionalmente em 1988, esse ensaio rendeu-lhe o Prêmio Marc Ferrez conferido pelo Instituto Nacional da Fotografia. O encantamento pela cor da sua região e as possibilidades pictóricas extraídas do confronto entre a luz natural e as múltiplas fontes de luz dos barcos, parques e bares populares, resulta no ensaio “Anos Luz”, premiado em 1991 com o “Leopold Godowsky Color Photography Awards” da Boston University e exibido no Museu de Arte de São Paulo em 1992. Realizou mais de 200 exposições entre individuais e coletivas no Brasil e no exterior, e suas fotografias compõem coleções públicas e privadas importantes como a do Museu de Arte Moderna de São Paulo, do Centro Português de Fotografia, do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro e da Pinacoteca do Estado de São Paulo. Em 2009, foi escolhido para ser um dos representantes do Brasil na 53ª Bienal de Veneza. Sua exposição “Retumbante Natureza Humanizada” recebeu o Prêmio APCA 2014 de melhor exposição de fotografia. Vive e trabalha em Belém.


ALBERTO BITAR TEMPOS IMEMORIAIS QUE TRANSBORDAM ESTETICAMENTE “Me utilizar dessas memórias na produção dos meus trabalhos autorais em fotografia e vídeo tem sido bastante recorrente e prazeroso. Em Imêmores Voos, além de uma homenagem aos aviadores que cruzaram a Amazônia, também traz pra mim o sentir saudade, pois era frequente, enquanto fotografava, lembrar das viagens que fiz com meu pai nos bimotores que ele pilotava.” ALBERTO BITAR PRÊMIO PIPA http://www.premiopipa.com/2014/12/abertura-imemores-voos-de-alberto-bitar/

Alberto Bitar é absolutamente essencial. Ele vai à essência do fotografar. Junta estética e memória. E nos apresenta uma espécie de tempo petrificado que torna presente histórias quase perdidas, agora reencontradas, que pedem para serem recontadas. Que objetos são aqueles? Que momentos estão por traz daqueles espaços? Experimentamos, ao mesmo tempo, sincronia e diacronia, porque o tempo perpassa, se condensa e transborda à nossa frente. Ele sintetiza: “Imêmores é uma série formada por várias outras séries que podem ser exibidas individualmente ou em conjunto e que tratam de um mesmo assunto: objetos esquecidos, itens que mesmo tendo sido causa de atenção de uma ou de várias pessoas ou mesmo que tenha recebido alguma forma de afeto, por algum motivo, foram deixados para trás e trazem marcas provocadas pela ação do tempo. Imêmores (docs): documentos de pessoas físicas ou jurídicas, públicas ou privadas, além de formas de acondicionamentos dos mesmos; Imêmores (voos): aviões de pequeno e médio porte abandonados em aeroportos e pistas na Amazônia (tem um livro publicado com essa série); Imêmores (cidades): cidades que nasceram em torno


de grandes projetos na Amazônia e que por quaisquer motivos, foram deixadas para trás, quase abandonadas, como Serra do Navio no Amapá.” Bitar nasceu em Belém (PA) em 1970. Formou-se em Administração de Empresas em 1995, quatro anos depois de se iniciar na fotografia, nas oficinas da Associação Fotoativa. Desde 1992 desenvolve ensaios pessoais. Em 1996, começou a fotografar para o jornal O Liberal, em Belém, onde permaneceu até 2001. Algumas exposições individuais: Sobre o Vazio (2011); Corte Seco (2013 em Belém e 2015 em Porto Alegre) - com essas duas recebeu o Prêmio Marc Ferrez de Fotografia da Funarte; Flux (2017 na Galerie Ramp-Arts, em Durbain-Corbieres, França). Coletivas no Brasil e exterior; Evocaciones – mostra de videoarte em Art Lima (Perú); Salão Internacional de Fotografia Abelardo Rodrigues Antes - Havana/Cuba; Festival Internacional de Curtas de São Paulo; Desidentidad, no Instituto Valenciano de Arte Moderno, na Espanha; Une Certaine Amazonie, em Paris. Foi convidado para a 30ª Bienal Internacional de São Paulo e para 10ª Bienal do Mercosul. Tem obras em acervos como o da Coleção Pirelli/MASP, Museu de Arte Contemporânea da USP - MAC/USP, MAC/RS - MAC Rio Grande do Sul, Museu de Arte Moderna de São Paulo, MAM da Bahia, Museu de Arte do Rio - MAR, Museu de Arte Brasil Estados Unidos. Desde 2010 é editor de fotografia do jornal Diário do Pará. Site: https://www.albertobitarfoto.com/


ALEXANDRE SEQUEIRA POESIA SOCIAL QUE TRANSPIRA ÉTICA E ESTÉTICA Não é preciso muito esforço para descortinar em Alexandre Sequeira poesia, política, sociedade, ética e estética na sua sofisticada técnica fotográfica expandida para uma criativa serigrafia. Nesta série de 2003, intitulada “Identidade Calcinada”, ele expõe suas personagens aos nossos olhos não apenas para que as contemplemos. Elas pedem mais, talvez por meio de uma pergunta: você sabe em quem está olhando? As personagens de Alexandre Sequeira estão prestes a ressuscitar. Elas parecem nos ameaçar na sua imobilidade, mas estão apenas à espera de uma oportunidade. Enquanto isso, diante de uma superfície negra, quase em protesto ao quadrado negro de Kazimir Malevich, ele propõe um refazer semiótico: ao acrescentar figuras em forma de signos e sinais, Sequeira nos remete a significados como desigualdade, pobreza, exclusão, compostos ética e esteticamente. Para capturar essas imagens, Sequeira estabeleceu uma relação de proximidade com trabalhadores de rua de Belém e pediu a eles resíduos do ofício de cada um: aparas de papel de apontadores de jogo do bicho, bagaço de cana do cortador de cana-de-açúcar, folha de milho de um vendedor de milho verde. Com essa matéria prima, produziu papéis artesanais e os pintou de preto fosco. Sobre eles imprimiu imagens em preto brilhante. Com esse trabalho, ganhou o prêmio do Salão Arte Pará, Belém, em 2003. Sequeira arremata: “O papel enegrecido revela a dificuldade de perceber aquelas pessoas em sua condição de exclusão social; a vulnerabilidade do suporte frente à umidade amazônica reproduz, metaforicamente, a ameaça de seu efetivo desaparecimento.” O artista plástico e fotógrafo Alexandre Sequeira nasceu em Belém do Pará, em 1961.


É mestre em Arte e Tecnologia pela UFMG e professor do Instituto de Ciências da Arte da UFPA. Em 2004 e 2007 recebeu a Bolsa Pesquisa, experimentação e criação artística IAP, em Belém. Exposições: individuais - Nazaré do Mocajuba, 2011, Fotograma, Montevideo, Uruguai; Projeto Portfólio, 2007, Itaú Cultural, São Paulo, Brasil; coletivas - Gigante pela própria natureza, 2011, Valência, Espanha; Simpósio e exposição Brush with Light, 2010, na University of Art Midia and Design of NewPort, Reino Unido; Festival Internacional de Fotografia de Pingyao, 2010, China; X Bienal de Havana, 2009, Cuba; Exposição e residência artística no Centro Cultural Engramme, 2007, Quebec, Canadá; Bienal Internacional de Fotografia, 2006, Liège, Bélgica. Possui obras no acervo do Museu da UFPA (1993), Espaço Cultural Casa das 11 Janelas (2007), Coleção Pirelli/MASP (2010) e MAC/RS(2012). Site: http://www.alexandresequeira.com/


BERNA REALE UMA BODY ART QUE SE MULTIPLICA EM MANIFESTOS

“Meu trabalho é sobre como a violência se torna uma coisa aceitável,

compartilhada, naturalizada, As pessoas têm um prazer mórbido com uma notícia desagradável, elas compartilham, querem ver”.[...] “Minhas obras são diretas. Meu trabalho não tenta ter uma linguagem sofisticada porque ele não tenta conquistar a classe artística ou o meio intelectual. Eu fico muito mais feliz se tiver gente comum vendo meu trabalho. Não faço a mínima questão de o meu trabalho ser intelectualizado, dele falar de algo com códigos extremamente sofisticados ou específicos que só uma parte da sociedade entende”. BERNA REALE(*)

Onde está o corpo de Berna Reale? Você poderá se deparar com ele de repente. Ele se anuncia, se declara, se presentifica, se apresenta, contundentemente. Cada circunstância corporal compõe uma poética incisão na realidade. O corpo de Berna Reale é uma cunha na paisagem. Você não consegue passar por ele impunemente. Em cada tempo espaço em torno de seu corpo, ela amplia corporificações. Ela expande simbolicamente a abrangência de seu corpo, rompendo um atavismo cultural que nos animaliza , destacando a humanização como forma de intervenção para sobrevivência. Em cada corporificação temporal e espacial, Berna Reale atua como guerrilheira, ativista política sem partido. Não há sutilezas nos seus trabalhos. Sua arte está dimensionada nos interstícios da violência e do poder que paira ao nosso redor. Porém, a todo momento, pacificamente, ela convida ao diálogo, mas oferece um pressuposto: onde você está, você sabe que realidade vivemos? Sua body art se multiplica em manifestos: viver apenas não é suficiente; sem consciência, a humanidade se esvazia na tolerância inconsequente do individualismo capitalista exacerbado e narcisista. O corpo de Berna Reale é um pequeno vulcão que atrai a reflexão e remete a uma vivência crítica. Parafraseando Karl Marx, ela parece nos dizer: até agora, interpretamos a realidade de maneiras diferentes; precisamos transformá-la. A repórter de El País, Marina Rossi, conta: “ [...] ela já dançou Cantando na chuva


sobre um tapete vermelho estirado em pleno lixão, toda vestida de dourado. Remou um barco cheio de ratos e correu com uma tocha olímpica pelos corredores de uma penitenciária. Nua, foi carregada pelas ruas de Belém amarrada numa vara, recémsaída de um carro frigorífico, como um boi morto. Os trabalhos não precisam de uma grande elaboração para causar impacto.” (*) Berna Reale Nasceu em 1965, Belém, PA, Brasil, onde vive e trabalha. Fotografa e realiza instalações e performances. Estudou arte na Universidade Federal do Pará e participou de diversas exposições individuais e coletivas no Brasil e no exterior, como as bienais “É tanta coisa que nem cabe aqui”, representação brasileira na 56a Bienal de Veneza (Itália), 2015; 34o Panorama da Arte Brasileira (São Paulo, Brasil), 2015; Foto Bienal Masp, MASP (São Paulo, Brasil), 2013; Bienal de Fotografia de Liège (Bélgica), 2006; Bienal de Cerveira (Vila Nova de Cerveira, Portugal), 2005. Individuais: “Eccoci!”, projeto de intervenção urbana realizado em 2015 em Veneza (Itália); “Vapor”, em 2014 na Galeria Millan (São Paulo, Brasil), e “Vazio de Nós”, em 2013 no MAR – Museu de Arte do Rio (Rio de Janeiro, Brasil). Coletivas: “Singularidades/ Anotações – Rumos Artes Visuais 1998-2013”, Itaú Cultural (São Paulo, Brasil), 2014; “Amazônia – Ciclos da Modernidade”, Centro Cultural Banco do Brasil (Rio de Janeiro, Brasil), 2012; “From the margin to the edge”, Somerset House (Londres, Inglaterra), 2012. Contemplada pela 5a edição do Prêmio CNI SESI SENAI Marcantonio Vilaça para as Artes Plásticas (2015); Grande Prêmio do Salão de Arte Pará (Belém, PA, 2009). Selecionada para duas edições do Rumos Visuais – Itaú Cultural (2011 e 2013/14), na última delas com o projeto “Precisa-se do Presente”, realizado nos países do BRICS (Brasil, Rússia, Índia, China e África do Sul), em 2015. Indicada duas vezes para o PIPA (Prêmio IP Capital Partners de Arte), em 2012 e 2013, sendo finalista neste último. Em 2010, tornou-se perita criminal do Centro de Perícias Científicas do Estado do Pará e vive de perto as mais diversas questões de delito e conflitos sociais. (*)https://brasil.elpais.com/brasil/2017/07/13/ cultura/1499967146_171656.html


DIRCEU MAUÉS OLHARES E GESTOS RECRIAM POÉTICAS (IR)REALIDADES

A ilusão que carrega a imagem necessita de uma margem, de um

mistério, de um espaço e um tempo para imaginar a si mesma. DIRCEU MAUÉS

Dirceu Maués é um recriador de irrealidades. Com uma estética brilhante, com equipamentos rudimentares (por exemplo, câmaras pinholes feitas com caixas de fósforos), ele amplia nossa possibilidade de ver irrealidades que se transmutam em realidades. Em outra técnica, sua action painting sobre papel fotográfico está bem longe do barroco de Jackson Pollock, do grafismo de José Oiticica Filho, da geometria sinuosa de César Oiticica Filho. Sem entrar num expressionismo abstrato, Maués utiliza agentes químicos para agir mecanicamente sobre papel fotográfico. O resultado é uma bela e soturna paisagem plena de poesia. Aqui, o fazer fotográfico não acontece com um olhar e um clique. Há uma ampliação imagética, obtida com gestos. Essa fusão olho e gestos é um dos importantes caminhos da arte fotográfica contemporânea. E Dirceu Maués o percorre com muita competência. No seu texto Extremo Horizonte - Fotografia Pinhole Panorâmica, (Brasília, 2012), trabalho de conclusão do curso de Artes Plásticas, habilitação em Bacharelado, do Departamento de Artes Visuais do Instituto de Artes da Universidade de Brasília, orientado pelo Prof. Dr. Geraldo Orthof, ele declara enfaticamente: “Podemos observar na história mais recente, que mesmo sob a hegemonia de um discurso impositivo no sentido de uma homologia absoluta – principalmente na fotografia moderna, marcada pelo conceito do “instante decisivo” e por um domínio da fotografia documental – muitos artistas trabalharam de forma a questionar esses valores, colocando sua questão poética sempre a frente, mesmo quando em diálogo com as “novas tecnologias”. De que serve uma imagem que não me faz pensar, onde tudo já está dado desde o principio? de que serve uma imagem que não me


questiona de nenhuma maneira? de que serve uma imagem que não me faz sonhar? essa imagem que se pretende “perfeita”, com um código de abstração complexo, está mais apta a servir processos de alienação e de controle social.” P.8 Esta é a sua apresentação feita pela Galeria Karla Oosório (http:// karlaosorio.com/dirceu-maues/) “Nascido em Belém, Dirceu Maués vive e trabalha em Brasília. Graduado e Mestre em Artes Plásticas pela UnB. Foi fotógrafo dos principais jornais impressos em Belém-PA. Em 2003, iniciou trabalho autoral nas áreas da fotografia, cinema e vídeo, a partir de pesquisas com a construção de câmeras artesanais e utilização de aparelhos precários. Artista residente na Künstlerhaus Bethanien/Berlim (Rumos Itaú Cultural); ganhou a Bolsa Funarte de estimulo à criação artística; participou do projeto Encontros com a Fotografia – FNAC/2009. Realizou exposições individuais em Berlim, Montevidéu, Katowice (Polônia), São Paulo, Rio de Janeiro, Porto Alegre, Curitiba e Belém. Artista residente na WBK Vrije Academie, em Haia/Holanda, resultado de uma premiação no 17º Festival SESC_VideoBrasil. Obras em coleções como: PirelliMasp, FNAC, Videobrasil, MAC-PR (Museu de Arte Contemporânea – Paraná), MARP-SP (Museu de Arte de Ribeirão Preto), MEP-PA (Museu do Estado do Pará), Coleção Joaquim Paiva, Coleção Rubens Fernandes Jr e Coleção do MAR (Museu de Arte do RIo). Prêmios e Bolsas: Prêmio Brasil Fotografia 2013 – XII Prêmio Funarte Marc Ferrez Fotografia 2012. Res. Artística–WBK-Vrije Academie Haia, Holanda. 17o Videobrasil. São Paulo, 2011- Ateliê Residência/ Rumos Artes Visuais 2008/2009 Künstlerhaus Bethanien, Berlim, Alemanha – Programa de Bolsas de Estímulo à Criação Artística– FUNARTE, Belém, 2008; Prêmio Fotografia – Secult/PA, Belém, 2008- XII Salão Unama de Pequenos Formatos (Prêmio Aquisição), Belém, 2006- Bolsa do Instituto de Artes do Pará – IAP/2004. Salão Arte Pará (Prêmio Aquisição). Fundação Rômulo Maiorana, Belém. Edições 2009,2004,2003. II Salão de Fotografia do CCBEU (Prêmio Aquisição). Galeria de Arte do CCBEU, Belém, 1997.


LUCIANA MAGNO CORPO, NATUREZA E POESIA PARA UMA (RE)VISÃO DO PLANETA TERRA

A ilusão que carrega a imagem necessita de uma margem, de um mistério,

de um espaço e um tempo para imaginar a si mesma. DIRCEU MAUÉS

Liberdade. Protesto. Subversão. Body art. Land art. Mergulhar no espaço e no tempo. Ser mergulhada pelo espaço e pelo tempo. Luciana Magno se veste de seu próprio cabelo para cobrir e descobrir sua nudez e a nudez da natureza. Ela é, ao mesmo tempo, cultura e natureza, natureza e cultura, na medida em que se metamorfoseia e é metamorfoseada. Sua arte - poética, conceitual, ecológica, mimética - nos deixa inquietos, emocionados, prontos para uma ação que já acontece e nos é trazida por Luciana Magno, mas que nos torna pequenos e impotentes. O que essa mulher faz no meio de árvores, rios, estradas? O que fazemos nós, urbanoides inconsequentes? As aulas, a pregação, os gestos dessa artista/fotógrafa/videomaker paraense, na sua dança visionária, no amor que deixa transparecer, nos convida: “venham desumanizar a natureza, ela não precisa de nossos gestos catastróficos, ela precisa de carinho.” Luciana Magno não se sacrifica, como ela não pede sacrifícios. Politicamente, artisticamente, humanamente, ela denuncia. E utiliza seu próprio corpo como instrumento. Por maior que seja a natureza, seu corpo não é menor. O professor e curador Orlando Franco Maneschy, da Universidade Federal do Pará, analisa: “Luciana Magno, ao percorrer a Amazônia discute o corpo em relação a paisagem, em percursos de enfrentamento e de busca de mimeses com o ambiente, e que termina por ativar relações que, por vezes, fazem situações políticas reverberarem, como por exemplo, quando adentra um ambiente em que existe madeira retirada de forma ilegal da floresta. Nesse espaço, a artista entra em contato com a natureza destruída e com pequenos pedaços de vida. Na imagem, entre toras de madeira, seu corpo repousa, enquanto um pássaro pousa sobre seus cabelos. Na produção da artista as coisas conjugam-se de maneira integrada, manifestam-se no acontecimento e propiciam a experiência despontar enquanto vivência, para materializar-se na forma


de arte.” (http://www.janainatorres.com.br/2018/08/18/luciana-magno-umcorpo-movente-na-amazonia/)

Luciana Magno nasceu em 1987, em Belém do Pará, Vive e trabalha entre essa cidade e São Paulo, SP. Foi vencedora do prêmio Pipa Online de 2015 e indicada ao Prêmio Pipa 2018. É graduada em artes visuais e tecnologia da imagem pela Universidade da Amazônia, Belém, e mestre em artes pela Universidade Federal do Pará. Trabalha com performance, fotografia, vídeo, objeto e website. Com uma pesquisa focada no corpo e em ações performáticas, aborda questões políticas, sociais e antropológicas, relacionadas ao impacto do desenvolvimento da região amazônica. Suas obras já foram exibidas no Centro Cultural Banco do Nordeste, Fortaleza (2014); no Arte Pará, Museu de Arte do Estado do Pará, Belém (2014), onde foi artista premiada; no Museu de Arte do Rio de Janeiro (MAR) (2013). Foi ganhadora da 10ª edição do Programa Rede Nacional Funarte Artes Visuais com o projeto “Telefone Sem Fio”, que cruzou o país do Oiapoque ao Chuí por rodovias e hidrovias, a partir do qual se constituiu um arquivo de vídeo e áudio acerca da diversidade cultural, histórica e geográfica do Brasil. Possui obras no acervo do Museu de Arte do Rio (MAR), Museu de Arte Contemporânea do Rio Grande do Sul, Museu da Universidade Federal do Pará, Fundação Romulo Maiorana e Associação Cultural VideoBrasil. Site: www.lucianamagno.com


MARCONE MOREIRA MIMESIS E POESIA, SURREALISTICAMENTE PROPOSTAS. Ausente Presença. A existência de um contexto de recepção mais largo para a obra do artista é igualmente evidenciada em algumas das poucas ocasiões em que faz uso explícito de imagens. Em uma delas, no trabalho chamado Ausente Presença, uma fotografia de pés modelados em barro afundados na lama – também índice provável de trabalho árduo – é avizinhada de outra que registra a placa que relembra os nomes dos dezenove trabalhadores sem-terra mortos em 1996 pela polícia militar em Eldorado dos Carajás, no sul do Pará. Mortes que permanecem efetivamente impunes e que ocorreram em meio a protestos causados pela demora em concluírem-se processos de desapropriação de terras improdutivas da região. MOACIR DOS ANJOS http://www.premiopipa.com/pag/20253-2/

Os caminhos de Marcone Moreira se fazem e desfazem. Surrealisticamente. Suas construções cerebrais mimetizam e poetizam realisticamente. Há uma fusão entre imagens e pensamento. O dizer e o querer dizer estão bem próximos. Por isso a decodificação, apesar de bastante pessoal, está semanticamente proposta. A falta de corpos não impede o caminhar para dentro e para fora da obra. As fotos nos chamam. E nos impregnam a memória. O barro nos propõe uma ancestralidade paradisíaca, onde paira o silêncio de um Adão solitário. A pergunta nos assalta: que caminhos queremos percorrer? A obra de Marcone Moreira abrange várias linguagens: pinturas, esculturas, vídeos, objetos, fotografias, instalações. Seu trabalho está relacionado à memória de materiais gastos (embarcações, carrocerias, utensílios de trabalho) e impregnados de significados culturalmente construídos. Ganhador do prêmio Marcantonio Vilaça por duas


vezes, nas edições de 2009 e 2011, o artista desenvolve suas técnicas desde criança. ‘Minha primeira influência foi meu pai, um agricultor que fazia peças com cerâmica’, conta Marcone. “A obra Ausente Presença, é uma homenagem a ele”, diz o artista. “Também é uma obra política, que fala do massacre de Eldorado de Carajás”. Marcone Moreira nasceu em Pio XII, Maranhão, Brasil em 1982. Vive e trabalha em Marabá, no Pará. Prêmios: X e XV Salão da Bahia; Projéteis de Arte Contemporânea, Funarte; Programa de Exposições do Centro Cultural São Paulo; Bolsa Pampulha, Museu de Arte da Pampulha, Belo Horizonte. Individuais: 2007, Margem, na Galeria Lurixs, Rio de Janeiro; 2006, Vestígios, Museu de Arte da Pampulha, Belo Horizonte; 2005, Vestígios, Galeria Virgílio, São Paulo. Coletivas: 2009, Nova Arte Nova, CCBB, São Paulo; 2008, Arco, Feira de Arte Contemporânea, Madri, Espanha; Os Trópicos, CCBB, Rio de Janeiro e Museu Martin Gropius Bau, Berlim, Alemanha. 2007, PINTA, Feira de Arte Contemporânea, Nova York. 2005 Amálgamas, em Mantes la Jolie na França e Desarranjos, Museu do Marco, Vigo, Espanha; 2003, Panorama da Arte Brasileira, Museu de Arte Moderna de São Paulo. Fonte: http://marconemoreira.blogspot.com/


MARIANO KLAUTAU FILHO SOMOS PERSONAGENS E EXPECTADORES DESTES COMPLEXOS UNIVERSOS O ser humano frequenta as entranhas do universo e o universo frequenta as entranhas do ser humano. Essa incrível ambiguidade nos chega avassaladoramente por meio destes trabalhos de Mariano Klautau Filho. São universos diferentes, complexos, mas, cada um a seu modo, infinitamente grandes. A concreta infinitude do exterior se contrapõe à insólita e fluida realidade interior. Diante de infinitude do universo, Klautau se debruça sobre a finitude do ser humano. Esse paradoxo se materializa em angústia, melancolia. Corpos e paisagens em busca de significados. Mas cabe ao ser humano significar. Até onde o olhar alcança? Até onde vai a consciência? Placidamente, poeticamente, somos introduzidos nestas imagens. E então, o que fazer? Mariano Klautau Filho nos ajuda: “Finisterra é o título de exposição individual a partir das séries ‘Matéria Memória’ e ‘Hoppe’, realizadas entre os anos de 2002 e 2007. Matéria Memória é uma série em cor que propõe a articulação de duas imagens compondo cada obra. Nesta composição há a intenção de buscar uma dinâmica entre paisagem exterior e interior, entre os limites do que está fora e do que está dentro de uma experiência visual particular. A partir de imagens que chamo de diários visuais, captadas em lugares e tempos diferentes propõe-se pensar a imagem como matéria concreta da imaginação. Trata-se de um ensaio sobre uma possível paisagem interna ligada a uma memória urbana, espacial onde o vago, o fluido torna-se matéria para a imagem fotográfica. [...[Fazendo parte deste contexto, como um desdobramento, há também a série de dípticos e trípticos chamados Hoppe, numa alusão direta à atmosfera


de determinadas cenas pictóricas de Edward Hopper. Nestas fotografias, a dualidade de imagens permanece, ampliando-se para um exercício em que a presença de personagens é mais evidente, portanto o experimento narrativo e ficcional com a fotografia se intensifica.[...] Finisterra é um termo ligado ao campo da geografia que significa ponto extremo de uma região, lugar ou país. A extremidade da terra, seu limite, seu fim. Finisterra é uma palavra composta por finis (fim em latim) e terra em português. O significado de fim indica uma pluralidade de sentidos como limite, fronteira, confins, marco divisório, ponto, morte, causa final, falecimento, assim como indica a ação de terminar, definir, delimitar, demarcar.” Mariano Klautau Filho nasceu em Belém do Pará, em 1964. É doutorando em Artes Visuais na ECA/USP e Mestre em Comunicação e Semiótica pela PUC/SP. Professor da Universidade da Amazônia e coordenador e curador independente em projetos como “Fotografia Contemporânea Paraense – Panorama 80/90”, “Colóquio Fotografia e Imagem” da Fotoativa e “Prêmio Diário Contemporâneo de Fotografia”. Participou da IX Bienal de Arte de Havana e da I Bienal do Fim do Mundo, em Ushuaia na Argentina. Possui obras nestes acervos: Museu de Arte Moderna de São Paulo/MAM-SP, Museu de Fotografia da Cidade de Curitiba-PR, Museu do Estado do Pará – Belém-PA, Coleção Joaquim Paiva – Rio de Janeiro-RJ e Coleção Pirelli/MASP – Museu de Arte de São Paulo-SP. Ganhou o Grande Prêmio (Fotografia) no Salão Arte Pará em Belém, nos anos de 2001 (fotografia) e 2007 (videoinstalação). Site: http://marianoklautau.com/


OCTAVIO CARDOSO UMA EPIFANIA SEM MISTICISMOS “Silêncio...” é o título desta série de fotos de Octávio Cardoso. Elas pedem, talvez, exijam, exigem solenidade e introspecção para serem comtempladas. Há algo além delas. Elas não se completam apenas com nosso olhar. Elas invadem nosso inconsciente. Ao mesmo tempo em que olhamos para elas, olhamos para nós mesmos. O que as fotos ocultam na sua estética, sombria e silenciosa? A beleza destas fotos interfere diretamente na subjetividade de cada um. Nossa história se mescla com a história oculta de cada imagem que, por sua vez, se mistura com a história oculta de cada espectador. É na relação sujeito/objeto que acontece algo como uma epifania sem misticismo, sem religiosidade. Octávio Cardoso transfere sua introspecção para cada um de nós. Sua obra aberta nos convida a um mergulho na sua obra e em nossa inconsciência. As histórias que emergirem trarão mais emoções à contemplação. O paraense Octavio Cardoso subverte a floresta amazônica. Para obter estas imagens, ele procurou momentos com menor intensidade de luz - antes da alvorada e ao entardecer, com luminosidade discreta. “Para o clima que eu queria criar nas imagens, não era possível fotografar com sol a pino, já que eu distorcia o colorido, mexendo no filtro. Percebi que no claro não funcionava e que no escuro era melhor”. Até aquele momento, primeiro semestre de 2013, a maioria das fotos de Cardoso eram em preto e branco. Ele explica: “A cor para mim era para fotografia de documentação. Então a cor distorcida dessa série é para deixar as imagens mais subjetivas, misteriosas, para tirar a objetividade do colorido. O azul é mais irreal e a tentativa foi criar esse lugar, meu mundo particular, com as características de solidão, tranquilidade, silêncio. São


paisagens de ausências, um nada ou quase nada, para ver, sentir, pensar… em silêncio”. Tem fotos na Coleção Pirelli/Masp de Fotografia (https:// www.colecaopirellimasp.art.br/autores/285), que resume assim sua biografia: Octavio Cardoso nasceu em Belém do Pará, em 1963. Graduado em Engenharia Civil pela Universidade Federal do Pará, começa a fotografar profissionalmente em 1984 pela Associação Fotoativa. Em 1985 e 1986 atua como fotojornalista no jornal O Liberal, Belém, recebendo o Prêmio Esso na categoria “Jornalismo Regional Norte”, em 1986, juntamente com Ana Márcia Souza. Em 1987, trabalhou no estúdio de Luis Braga. Em 1990, associa-se a outros fotógrafos na Kamara Kó Fotografias, Belém, onde atua até o ano de 1994. Na mesma época desenvolve trabalho paralelo como cinegrafista e diretor de fotografia na DCampos Produções e no projeto “Academia Amazônia”, na Universidade Federal do Pará. Em 1995 cria a WO Fotografia com Walda Marques. Foi presidente da Associação Fotoativa entre 2000 e 2007. Desenvolve trabalhos de documentação, arquitetura e publicidade em estúdio próprio. Recebeu o Grande Prêmio, Salão de Arte Pará, Fundação Rômulo Maiorana, Belém, 1987; Prêmio Aquisição, Salão de Arte Pará, Fundação Rômulo Maiorana, Belém, 1988; e a Bolsa de Pesquisa e Experimentação Artística, Instituto de Artes do Pará, Belém, 2009. Site: http:// octaviocardoso.com.br/


PABLO MUFARREJ A POÉTICA TRANSCENDÊNCIA QUE REVESTE UMA SUBJETIVIDADE VOLÁTIL Como ponto inicial destas “matrizes eletrônicas”, são utilizados desenhos e fotografias que compõem páginas de antigos cadernos de artista, orações e registros de família, bem como arquivos depositados no computador e imagens apropriadas da nuvem. São vínculos e veículos poéticos de tudo que está ao meu alcance, do olhar contemplativo, gráfico ou fotográfico, dirigido às plantas cultivadas por minha mãe; à radiografia de uma fratura recém adquirida. São experiências, acúmulos, resíduos do tempo, que tentam se reconfigurar como forma de resistência e busca espiritual. Gravadas como pequenas frestas de tempo, esses índices fantásticos podem revelar novas e múltiplas passagens para o existir. PABLO MUFARREJ

Quase nada foge à acurada percepção artística de Pablo Mufarrej. Sua mundividência - sua visão de mundo (weltanschauung), sua cosmovisão – pode escolher, abrange de moscas a espaços siderais. Sua sensibilidade apreende e reproduz tudo em forma de arte: fotos, gravuras, esculturas, instalações, performances, desenho, vídeo, objeto, ready made. Aqui, oferecemos uma peque mostra de sua produção: um compromisso com a transcendência. Apesar da concretude dos objetos, há uma inefável volatilização da subjetividade. Há uma poesia que paira diante da finitude. Por trás dos detalhes, os corpos se oferecem em ausências. Ele sinaliza conceitos por meio dos títulos para algumas obras: “o verbo se fez silêncio, a fé é como o lado oculto da lua”. Pablo Mufarrej nasceu em 1982. É formado em Educação Artística – Habilitação em Artes Plásticas, pela Universidade Federal do Pará. Professor desde 2008 da disciplina Artes nas Escolas Dr. Carlos Guimarães e Almirante


Tamandaré. Foi instrutor de oficinas de nos cursos de xilogravura, serigrafia, desenho e pintura da Fundação Curro Velho (2001 a 2007). Principais exposições: Lugar-Comum, Museu de arte de Belém/PA de 11/12/07 à 13/01/2008, resultado da Bolsa de Pesquisa, Experimentação e Criação Artística – Instituto de Artes do Pará – 2007; Olhares Cruzados Sobre a Natureza na Gravura Francesa e Brasileira , Ano da França no Brasil, Museu Casa das 11 janelas , Belém /PA, 2009; Arte Pará 2005 - Contemporâneo, Museu de Arte do Estado, 2005 (3º Grande Prêmio); 3ª Bienal de Gravura de Santo André, Paço Municipal de Santo André – SP, 2005. (artista convidado); Evidências, Kunsthans/Wisbaden – Hessen, Alemanha, 2003. Blog: http://pablomufarrej.blogspot. com/


PAULA SAMPAIO UM ATIVISMO QUE ENCANTA E DENUNCIA

“Para mim, fotografia é uma forma de estar no mundo, de gritar, de

falar de amor, de política, de sonhos, de vida; de me rebelar e principalmente, é uma linguagem que me possibilita relacionamentos , partilhas e um imenso aprendizado. É um exercício de humanidade.” PAULA SAMPAIO

COMO PERDEMOS NOSSAS HISTÓRIAS? / PAULA SAMPAIO O projeto “Antes do fim | Itinerário de reinvenções” é uma proposta de releitura de parte do meu arquivo que se deteriorou ao longo do tempo (negativos fotográficos, escritos, fitas cassete, disquetes, fotografias copiadas artesanalmente e outras lembranças) recolhido ao longo de quase trinta anos de documentação fotográfica na Amazônia. A parte mais comprometida pela ação do tempo é referente ao início do projeto “Antônios e Cândidas têm sonhos de sorte”, entre 1990 e 1998 , pautado no cotidiano de trabalhadores migrantes que se estabeleceram ao longo das rodovias Transamazônica e Belém-Brasília. São histórias e imagens que marcaram o meu contato inicial com essa temática determinando o percurso que escolhi e estão se desmanchando diante dos meus olhos. O mapinha reforça o sub título do projeto e mostra o percurso das duas estradas: horizontal, Transamazônica; vertical, Belém-Brasília.


ARQUEOLOGIA DO OLHAR / ADOLFO GOMES “Tudo já foi dito antes, mas como ninguém escuta é preciso dizer mais uma vez.”. André Gide

A imagem existe fora do olhar? Certamente, ela (a imagem) é criada em outras instâncias, talvez nasça da fricção entre o inconsciente, o sonho, a imaginação e a materialidade incontornável do dispositivo/ suporte usado para o seu registro/produção. Mas sua autonomia, para além do nosso olhar, é limitada. Não só como gesto ancestral, vestígio da nossa busca por permanência (salvaguarda da lembrança), a imagem demanda dolorosamente a visibilidade como sentido da sua existência. E precisamos, tal e qual preconiza o aforismo guideniano, reconhecer essa ligação fatalista: qualquer arqueologia possível passa pela reiteração do olhar. Tautologia visual que move a fotógrafa Paula Sampaio a revisitar as “pessoas-estradas” que fizeram parte do seu itinerário durante décadas de documentação afetiva das inúmeras vicinais histórico-sociais subjacentes aos grandes projetos da memória. Uma matéria frágil, perecível, a despeito da sua intrínseca promessa de perenidade; a imagem deve se inserir na natureza e no tempo com humildade. O que nos cabe é o olhar: se ele vai alcançar a duração de nossas utopias memorialistas não sabemos. Afinal, “tudo passa sobre a Terra” (José de Alencar). Criativos e sofisticados enquadramentos; cuidadosa captura da luz; mergulho numa sociedade carente; revelação de pessoas marginalizadas, mas cheias de vida, à espera de... A mineira Paula Sampaio amazonou-se e nos convida a momentos de contemplação e reflexão. Seu ativismo é contundente; sua estética, profunda. Com seu trabalho, ela encanta e denuncia.


Paula mudou-se menina para Belém do Pará, onde começou a fotografar profissionalmente em 1987. É graduada em Comunicação Social pela UFPa e especialista em Comunicação e Semiótica pela PUC–MG. Foi repórter fotográfica e editora assistente do Jornal O Liberal. Seus projetos e ensaios foram premiados pela Funarte/RJ, Mother Jones Fund for Documentary Photography /EUA, Fundação Vitae, Prêmio Porto Seguro Brasil Fotografia, Fundação Romulo Maiorana, ANDI/ FENAJ/DF. É responsável pelo Núcleo de Fotografia do Centro Cultural Sesc Boulevard/Pa, estudante de História (PPHIST/ UFPa) e continua desenvolvendo seus ensaios e projetos. Ela fala sobre seu trabalho e o jornalista e crítico de cinema Adolfo Gomes nos oferece seu olhar profundo e aguçado.


VICTOR DE LA ROCQUE ARTE CONCEITUAL ANÁRQUICA E EMPLUMADA Há uma diferença entre as fotos de rinhas de galos e suas manifestações conceituais: saltar do real para o imaginário e deixar o espectador concluir o que é mais real e mais imaginário. Ele trabalha conceitos. Eruditamente, consistentemente. E tem mais: a fotografia de Victor de la Rocque transborda inconsciências. Na verdade, melhor seria dizer que a arte de la Rocque transborda inconsciências. Ele cria e se apropria de arquétipos para estabelecer a comunicação de seu inconsciente com o inconsciente coletivo. Diante de tantos mitos relacionados com aves (mundiais: harpias, grifos, sirenes ou sereias - que na verdade tinham asas e não caudas; ou amazônicos: yorixiriamori - o pássaro-árvore cantante dos ianomâmis -, tincuã, urutau, cancão, cauré, uirapuru, aves que trazem sorte, azar, amor e fortuna), de la Rocque escolheu prosaicas galinhas e não tão prosaicos galos. E os incorpora, e os transforma em referências. E se aproxima de Anselm Kiefer e Joseph Beuys. Numa de suas performances, ele se contrapõe ao conceito platônico de que o homem é um bípede implume. Nu, ele se veste de galinhas e desfila pelas ruas de Belém do Pará. Surge então, um bípede emplumado. E nos cobre com perguntas como: o que é arte, para que serve a arte, o que é a vida, qual seu significado? Com muita seriedade e uma boa dose de humor ele parece nos dizer: só seres humanos podem responder a essas questões. Implumes ou emplumados. De preferência, anarquicamente. Ao responder a duas perguntas de Tales Frey, ele revela um pouco de sua cosmogonia (https://performatus.net/perfil-de-artista/victorde-la-rocque/):


Tales Frey: [...] há um tema central que tem motivado suas criações? Como

você relaciona uma obra e outra na sua própria trajetória artística nesse sentido?

Victor de la Rocque: Não percebo um tema central dentro da minha

produção, porém quase sempre estou em busca da sensação de incômodo que tais proposições causam, para através dele iniciar um diálogo, como uma figura que parte de uma dobra da linguagem que a articula na sombra. A contradição também é recorrente. Camus dizia que “o único papel verdadeiro do homem, nascido num mundo absurdo, é ter consciência da sua vida, da sua revolta, da sua liberdade”; talvez, ao acaso, engendro monstros, ou a própria monstruosidade refletida. A tentativa é de articular o absurdo e a revolta, porém com o nível de consciência de um atormentado. Neste momento poderia descrever meus trabalhos como uma coleção/sucessão de fracassos que conservam a mesma ressonância, e com o tempo ela manifestará sua própria inutilidade, ecoando meu segredo estéril. E no final gostaria de afirmar que tudo isso ainda pode ser apenas um pequeno “floreio ocasional”, nascido de um desejo de forjar a própria fuga, para onde ainda não sabemos, mas com destino à liberdade e a uma paixão sem amanhã.

Victor De La Rocque é artista paraense, influenciado pelo teatro, por Marina Abramovic, David Bowie, Anselm Kiefer, Joseph Beuys. Expressa-se por meio de vídeos, fotografia, happenings, performances. Exposições: Caos e efeito (itaú cultural, 2011); Festival Performance Arte Brasil (MAM Rio de Janeiro, 2011; Landscape Bodies (IKRA Dance and Performance Art Festival, Haparanda/ Tornio, Suécia). Participa de residências artísticas no Brasil, Portugal, França, Escócia, Suécia, México, EUA e Colômbia. Site: https://cargocollective.com/victordelarocque


WALDA GARCIA MARQUES MÚLTIPLAS TENDÊNCIAS PARA SENSIBILIZAR NOSSO IMAGINÁRIO O maneirismo de Walda Garcia Marques (consciente ou inconsciente) nos convida a uma visita à história da arte. Sim, ela imprime uma estética visionária, particular, às suas obras. Se o maneirismo (século XVI) se apresenta entre a renascença e o barroco com resquícios dos dois movimentos artísticos, a estética de Walda Garcia Marques também se vale de elementos daquelas escolas. Mas o que se destaca é um primado particular, pessoal, bem à moda maneirista. Mesmo a sua “decoração” das personagens, propositadamente exagerada, está plenamente de acordo com os cânones maneiristas. Mas seus corpos deixam transparecer algo de renascimento; seus ocultamentos em clarosescuros passeiam por um incipiente impressionismo. Contudo, não é necessário erudição para contemplar e saborear suas belas composições. Basta estar diante delas e deixar o imaginário fluir. Certamente, a emoção vai aflorar. Walda Marques nasceu em Belém, em 1962, onde vive. Antes da fotografia, trabalhou com maquiagem aos 18 anos, o que lhe abriu portas para o teatro, para a televisão e para os estúdios fotográficos. Em 1989, ingressou na TV Cultura do Pará como maquiadora, figurinista e também compondo personagens e suas caracterizações. Chegou a atuar como atriz na TV e nos palcos. Como fotografa, começou em 1989, nas oficinas de Miguel Chikaoka, na Associação FotoAtiva. Seu trabalho mistura linguagens da fotonovela, performance e instalação. Participou das exposições: “Manobras Radicais” – Centro Cultural Banco do Brasil – São Paulo “(2006); “Cartografias Contemporâneas – Fotoativa Pará” – Sesc-São Paulo (2009); Pororoca no Mar – Museu de Arte do Rio (2014); A Arte da Lembrança – Itaú Cultural, São Paulo (2015). Individuais: Maria


tira a máscara que eu quero te ver (1994); Era uma vez caixa de fósforo (1996); Românticos de Cuba (2013); como artista convidada do IV Prêmio Diário Contemporâneo de Fotografia; A Cidade em Silêncio, em Belém. Tem quatro publicações entre elas: as fotonovelas O Homem do Central Hotel e A Iludida. Possui obras nos acervos do Museu Histórico do Pará, Coleção PirelliMasp do Museu de Arte de São Paulo e MAR- Museu de Arte do Rio – RJ. No seu depoimento para o site Cultura Pará (http://www.culturapara.art.br/fotografia/ waldamarques/index.htm) ela complementa: “A fotografia vem de casa trazida pelo meu querido pai que era amante desta arte. Criei a WO Fotografia em 1992, numa parceria com o fotógrafo Octávio Cardoso. De 2005 a 2010 fiquei à frente do Espaço Cultural Taberna São Jorge, local de vários lançamentos artísticos em Belém, e shows, exposições e teatro. Atualmente trabalho em meu estúdio com projetos culturais, publicidade, retratos (muitos deles encomendados), casamentos e desenvolvo meu trabalho autoral.”


Credits Curator: Marcia Mello Publisher: Alaide Rocha Editor: Carlo Cirenza Research and text: Fernando Rios Graphic Project: Marcelo Pallotta Designer Assistant: Katharina Pinheiro Translation: Bruna Martins Fontes 1 - Suggestions, complaints and praise should be sent by email to: contact@carcaraphotoart.com 2 - Portfolios should be submitted in the following format: JPEG ( 20 x 30 cm ), 300 dpi by email to: contact@carcaraphotoart.com


www.carcaraphotoart.com

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Carcara #16  

Photo Art Brazilian Magazine - Carcara #16; - Winter, 2020; - December, 2020; Photographers: . Luiz Braga; . Alberto Bitar; . Alexandre Se...

Carcara #16  

Photo Art Brazilian Magazine - Carcara #16; - Winter, 2020; - December, 2020; Photographers: . Luiz Braga; . Alberto Bitar; . Alexandre Se...

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