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#08 WINTER 2016


Cover Photo: Juan Valbuena


EDITORIAL FROM PARATY, RIO DE JANEIRO, TO SANTOS, SAO PAULO Restless Iata Cannabrava, photographer, curator, one of the most important cultural agitators in Brazil, creator of Estudio Madalena Produtores Culturais, left the historical city of Paraty, where he coordinated Paraty em Foco - International Photography Festival, and went to not less historical Santos, where he began Projeto Valongo - Festival Internacional da Imagem de Santos. The first edition of the event took place from October 12 to 16, 2016. Paraty, in Rio de Janeiro, started to be inhabited around 1531 and, along with Rio de Janeiro, was the main port of gold export in colonial Brazil (1530-1815). It is currently one of the main colonial historic centers of Brazil. Santos, a coastal city in the state of Sao Paulo, was discovered by the Portuguese in 1502 and was inhabited by them from 1510 on. Between 1545 and 1547, the city was elevated to the category of “vila”. Today, Santos is the home of Latin America’s main sea port. Valongo is a historic region which is being rebuilt. Valongo festival gathered series’ screenwriters, filmmakers, designers, videomakers, visual artists, curators, communities, architecture, occupation, photographers and collectives. In the event’s programme, coordinated by Iata Cannabrava and Thamyres Viegs Matarozzi, there were workshops, exhibitions, installations,lectures and 87 guests, 14 of which are foreigners. The male and female photographers that Carcara prints in this issue were selected by Estudio Madalena. It is a small but representative sample of the event and of its importance in the next years. Congratulations, Iata Cannabrava. Another honourable item in your beautiful curriculum. (Site: https://valongo.com/ ) CARLO CIRENZA


BEAUTIFUL AND INDIGNANT REALITIES THAT ARE DENUNCIATIONS Juan Valbuena penetrates reality and undoes it. Many photographers do that. Some try to, divinely, create a reality. One that only exists in the created image. Maybe that is the magic of photography. That reality only exists there, in that click, in that bidimensional space. Even if part of nature is rebuilt; even if an individualist profile is captured; even if still nature gives meaning. Valbuena, however, goes a little further. In his torn apart reality, he creates sensitive and overwhelming realities from Mediterranean ports (La Ancha Frontera); or from fishermen from Mucuripe, a Brazilian beach in Ceara (Mucuripe: los últimos jangadeiros). These particular realities, however, are denunciations, indignations. Attempts to recover the irrecoverable, of interrupting the shattering of a culture. But the register was made. Juan Valbuena dedicates himself to three activities: he is founding photographer of Nophoto agency, a spanish and internationally reputed collective; director of Phree, an independent publishing house specialized in documental photography, travel books and family albums, with awarded publications in festivals such as Arles, in France, Kassel, in Germany and Photoespaña, in Spain; and teacher since 2006, as well as a master course coordinator since 2013 at EFTI. It’s worth seeing the video ENCUENTRO CON JUAN VALBUENA (Meeting with Juan Valbuena. You Tube 24. March.2015. Interview with Juan Valbuena. The video includes images of his students’ works at El Proyecto Personal, by Tiago da Cruz at UFCA. https://www.youtube.com/watch?v=CJ_xMQ7tWgU).

Juan Valbuena


IN EACH PHOTO, A SILENT CRY STANDS STILL IN THE AIR Alejandro Chaskielberg’s world has a baroque light. Candle light. And this light will show how small human beings are in this world. A smallness that defies the world with willingness and determination. There is solemnity, sobriety and sadness in Alejandro Chaskielberg’s world. In this world, at the same time real and imaginary, metaphorical and objective, there is a strange and beautiful framing, as if it were possible to shape it. But no, Alejandro Chaskielberg’s world asks to be transformed. In each photo there is a silent cry that stands still in the air. This awarded Argentinian photographer’s works are in the frontier between documentary and fiction. His use of vibrant colors and his dramatic world perspective lead him to win awards such as Fotografo Emergente da Fundacao Magnum and All Roads Award, from National Geographic Society of America. His works were seen in many exhibitions around the world, such as Brighton’s Biennial, with the curatorship of Martin Parr, the Brazilian festival Paraty em Foco, Bienal de Fotografia Cordoba, in Argentina, Festival New York, Nordic Light Festival, in Norway, and Noortherlicht Festival,vin the Netherlands. Graduated in Instituto Nacional de Cine y Artes Audivisuales, Chaskielberg started working at 18, as photographic reporter for Buenos Aires’ newspapers. He won recognition with the series “Argentina Crisis”, that portrayed the crisis the country went through in 2001. In 2008, he was invited to join the project “All Roads”, from National Geographic, and in 2009 he was considered by Photo District News magazine as one of the 30 emerging photojournalists in the world. In 2010 he visited Brazil as a lecturer in Paraty em Foco festival.

Alejandro Chaskielberg


PROVOCATIONS THAT EMERGE FROM PLASTIC TIMELESS SENSATIONS Photography leads me to telling stories through a visual narrative. I am a storyteller. Anna Kahn Anna Kahn manages timeless sensations. Her colors, her lights, her framings, all relates to sensations that emerge from an indefinite time. One that claims, plastically, a place in the present. There is a certain déjà vu in her images. Because they send us to our memories. And, aesthetically, sensitize our past. The photographer subverts reality. What she shows is not what she wants to show. The sense is beyond the photo. And the viewer takes possession of the image, creating a meaning of its own. Anna Kahn is provocative, a competent one, that entices us to her cause. “In the essay ‘Bala Perdida’, Anna researches places where people were hit by lost bullets. When the sun begins to set, Anna goes out with her camera and photographs the empty place, where there used to be a living body, a human being.” And her subtitles identify the body of who was killed there. Anna Kahn was awarded the XV Premio Marc Ferrez de Fotografia by Funarte - Fundação Nacional de Artes for the project Sem medo do escuro. Anna Kahn was born in Rio de Janeiro, Brazil, in 1968. She graduated as a journalist from the Catholic University in 1992, and studied photography at the School of Visual Arts in New York, in 1995. She photographed for the NGO Medicins sans Frontières, in 1998, as a volunteer, before moving to Paris to live and work (mainly for Brazilian magazines and newspapers) between 1999 and 2007. (http://www.annakahn.com/site/biography/en/)

Anna Kahn


VIBRANT AESTHIC, DENUNCIATION OF INJUSTICE, A CREDIT TO LIFE I think Ana Lira does not propose to register images. I believe she hopes something happens after her photos: that reality can’t be the same anymore. She would probably wish that her own photos could transmute. Not like cinema; like audiovisual, as if it were possible for images to change by themselves at each look from the viewer. We have an impression that Ana Lira wants to make a revolution with her camera. A revolution that explodes at each click. Her black and white overflows light and shadow: they are vigorous, vibrant (and some devastating) images. These are images that talk of injustice, oppression, social disorder, marginalizes humanities. But her colorful photos give a credit to life and always relate to the need of change. Ana Lira’s camera is an instrument of social transformation through an aesthetic and critic look. Photographer, visual artist, researcher, educator, Ana Lira´s works address power relations and its implications in communication dynamics. She is currently author of researches that articulate visual narratives, press material, print media, urban interventions and educational projects. She was born in Caruaru, Pernambuco, at 135 km from the state capital, in December, 1977. She graduated in Journalism at Universidade Catolica de Pernambuco (UNICAP), and is a specialist in Critical Theory in Culture, with emphasis in photographic and art critic (Universidade Federal de Pernambuco). She lives and works in Recife, Pernambuco.

Ana Lira


PLASTIC ART, PHOTOGRAPHIC ART, SURPRISING AT EACH NEW LOOK [...] Cassio Vasconcellos uses procedures that move his photography away from their documental function and bring it closer to the universe of painting and graphic arts. As other contemporary artists, he resumes critically pictorialism, a photographic movement of the late XIX century. http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa6973/cassio-vasconcellos

Cassio Vasconcelos is an aesthete, an artist before being a photographer. That is why he has a particular look about something we can even call reality. A reality that initially exists only in your head. So he projects this image, through a click or interfering in negatives. So he provides us the pleasure of contemplating his cerebral, hidden, beautiful creations. Whether they are coastal landscapes, airports, whether navigable memories or natural registers inspired by artists and botanists that went to Brazil in previous centuries. Cassio Vasconcelos is always surprising in each work. There resides the competent art making. As a photojournalist, he worked at Folha de S.Paulo in 1988. In 1990 he worked in Estúdio DPZ Propaganda. Some of his books are: Aeroporto (Madalena, 2015), Aéreas do Brasil (BEI, 2014), Panorâmicas (DBA, 2012), Aéreas (Terra Virgem Editora, 2010) and Noturnos São Paulo (2002). He won several awards, such as Conrado Wessel de Arte, Associacao Paulista dos Criticos de Arte, Porto Seguro de Fotografia and Fundacao Nacional de Arte. His images are part of many collections in Brazil and other countries, like the ones in MASP - Museu de Arte de São Paulo, France’s National Library and Houston’s Art Museum.

Cassio Vasconcelos


PHOTOGRAPHY AS AN INSTRUMENT FOR EDUCATION What is really impressive about the collaboration between Noordenbos and her students is the professional standard of their work. The bar is set high. They devise good projects and make good photographs, and the presentation of these projects in book form has taken the students’ ambition and achievements to new levels. Noordenbos is an unsung facilitator of the photobook, and her work is mostly unrecognized, so I relish this opportunity to correct this oversight. She has made a very positive contribution to the Dutch photobook culture, which along with Japan is the most mature and exciting in the world. I look forward to seeing many more new and stimulating books from the Noordenbos stable. Martin Parr http://aperture.org/blog/martin-parr-corinne-noordenbos/ “Corinne Noordenbos is a photographer and an educator. Her contribution to education in Netherlands had an impact over the development of photography internationally. Her former students are now in the forefront of contemporary practice, and her legacy can be clearly celebrated in the work of artists like Rineke Dijkstra, Rob Hornstra, Vivianne Sassen and Wassink Lundgren. Corinne was Chief of Photography at the Royal Academy of Art, in Haia, until April, 2015. She has worked for many dutch magazines, making portraits and documentaries. Her series Madonna Moderna was made after she became a single mother, and his project on Alzheimer, after her mother was diagnosed with it.” (https://valongo.com/convidados/?_ c=299#corinne-noordenbos) Photographer Corinne Noordenbos’ brilliant career as an educator was highlighted at a ceremony conducted in London, when she was awarded the reputed Premio Educação from the Royal Photographic Society in 2014.

Corinne Noordenbos


NO ENIGMAS, PHOTOS THAT ASK TO BE DECIPHERED What happens when we start questioning our body, when images question and not only standardize? Cris Bierrenbach directs us to those questions, catapults us against the wall of rules, shifts our look, our very being, gives us a body which is questioned, a body which is challenged by the look of interrogation. Adriana Raggi y Bruno http://crisbierrenbach.com/textos/disidentes/#more-2028

Real. Unreal. Unusual. Metaphor. Concreteness. Abstraction. Cris Bierrenbach’s photos ask to be deciphered. But they propose no enigma. Neither are the photos enigmatic. Beyond aesthetic emotion, it is necessary to reveal the intention and the will of the photo. And that only happens through the viewer’s look. The photographer goes from the purest minimalist to multiplicity, collecting exclamations and interjections. Before Cris Bierrenbach’s photos, we are swept off the ground. Therefore we need to find new references. A photographer and an artist, she started her career as a photo reporter at the newspaper Folha de S.Paulo. Her art work includes video, performance, installation and research on photographic techniques in the XIX century, especially daguerreotypes. Among the awards she received are Porto Seguro de Fotografia, in 2004, Premio Candango de Direcao de Arte at the 41º Festival de Cinema de Brasília, in 2008, Marc Ferrez de Fotografia and Arte Contemporanea from Funarte, in 2010. Her works were exhibited in Germany, Belgium, Chile, Cuba, Spain, United States, France, Netherlands, Japan, Mexico, Czech Republic and Uruguay. Her works are also part of collections in MASP, MAM-SP, MAC-SP and Maison Européenne de la Photographie. The artist lives and works in Sao Paulo.

Cris Bierrenbach


THE COURAGEOUS ART OF PHOTOGRAPHING DANGER AND FEAR A photo can be a stimulus for you to feel something, but it doesn’t have to be necessarily a story, photography has this freedom. Federico Rios Escobar There is danger and fear in Federico Rios Escobar’s photos. And also in the eyes of the characters and in the emotion of viewers. Federico Rios Escobar knows how to transmit them. Incredible flagrants; pungent, vibrant documentary photojournalism; fast, beautiful and precise framings. There is a lot of fear in the looks. Federico Rios is courageous. He goes straight to danger. In the forest or in town. And registers it. And fear hovers. Not all his pictures are a libel against violence. But all have a strong social appeal, especially related to Latin America, to drug trafficking, to weapons’ smuggling and criminal groups that control parts of a city. His works bring something that provokes us, instigate and mobilize our consciences. He comments the work he presented at Valongo Festival: In the beginning, TRANSPUTAMIERDA seemed like a wonderful adventure, an Indiana Jones expedition, but the project really is critic towards Colombian government, of how it has been abandoning populations that live isolated and suffer with the complete lack of structure, in which no one gets to the city and they can’t go out. https://medium.com/@estudiomadalena/narrativas-visuaisexpandidas-uma-entrevista-com-federico-rios-escobar3ea095561863#.wwq8se669 Colombian Rios Escobar has more than ten years of experience as a photojournalist. His work is regularly published in international media, in newspapers and magazines like The New York Times, Times and El Pais.

Federico Rios Escobar


A FINE ART THAT ATTRACTS, SENSITIZES AND HURTS Three concepts seem to dominate Julio Bittencourt’s photos: a strange and overwhelming light, the ineffable and aesthetic rigor. The light seems to come from Julio’s own look; the ineffable is translated into result, an impeccable register, impossible to describe, it can only be seen; the aesthetic rigor unites all in an exquisite composition. Julio Bittencourt’s photography is pure art with incredible density. It attracts us, penetrates our retina and is engraved in a deep consciousness. At the same time, it sensitizes and hurts. Things and people merge, expressing multiple humanities. Whoever looks carefully at a Julio Bittencourt photo and savour it will never forget it. Julio Bittencourt was born in 1980 in Brazil and grew up between Sao Paulo and New York. His projects have been exhibited in galleries and museums worldwide, and his work has been published in magazines like GEO, Stern, TIME, Le Monde, The Wall Street Journal, C Foto, The Guardian, The New Yorker, Esquire, Francês Foto, Financial Times, Los Angeles Times, and Leica World Magazine. He wrote two books: “Em uma janela de Prestes Maia 911 Building” and “Ramos”. Among the awards he received are XIII Premio Marc Ferrez de Fotografia 2013; IPA (international Photography Awards) Colagem Prêmio, IPA (Photography Awards internacionais) Prémio Fine Art, both in 2012. (Site: http://www.juliobittencourt.com/)

Julio Bittencourt


REFINED AND OVERWHELMING IMAGES THAT ARE MANIFESTS A very curious theme plays in my head: it seems there are many more campaigns for other women models/bodies and I ask ply talk about women and this conversation wmyself if there will be a day when people will simill not be about their looks. Laia Abril http://www.xatakafoto.com/entrevistas/intento-reflexionarsobre-tematicas-que-son-incomodas-laia-abril-post-fotografa Almost every art making that falls in Laia Abril’s hands is transformed in a manifest by her eyes and brain. Her refined art is at awareness’ service. Laia Abril is a political militant. Her party is feminism. Her route goes from Duchampsian ready made to landscapes and intimate videos. The result is usually overwhelming denunciations. Laia Abril was born in Barcelona, Spain, 1986. She is a photographer, videomaker, graphic designer, writer and book editor whose work is related to the feminist movement. Her research and practice originate in themes such as identity, misogyny and problems with food. After graduating in Journalism, in Barcelona, and studying at Photography International Center, in New York, she took part in artistic home FABRICA, where she worked for four years. Her work was published in several reputed magazines and newspapers, like The New York Times and Vogue, she took part in exhibits in London, China, New York, Poland and Germany; and won important awards. Her most recent exhibit was at Les Rencontres d’Arles 2016 festival, where she was awarded the “Prix de la Photo Madame Figaro”. She lives in Treviso, Italy, and Barcelona. (Site: http://www.laiaabril.com/)

Laia Abril


BEAUTIFUL AND SENSITIVE RESCUES OF SENSES AND FEELINGS What do you prefer: a political or an aesthetic photographer; or a political-aesthetic photographer or an aesthetic-political? That is an artist that navigate in both strands. With the same forcefulness. Whether manipulating photos or clicking. His aesthetic leads us to think. Whether in the Buena Memoria/ Los Compañeros series or in Correspondencias. An attentive, subversive look, that subverts photos of other photographers or the reality he envisages. Argentinian Marcelo Brodsky graduated in Economy and became a photographer during his exile in Barcelona, in the 1980’s. When he returned to Argentina, in 1986, he incorporated political subjects in his work Palabras, his first exhibit in the country, in 1986. In 1997, he exhibited Buena Memoria for the first time, a series of pictures, videos and texts that related to the personal lives of a group of students of Colegio Nacional de Buenos Aires, all marked by the disappearance of endeared people during the Argentinian dictatorship. In 2000, he exhibited in Feira de Livros de Buenos Aires and in Centro Cultural Recoleta the project Los condenados de la tierra, an installation made of books that were buried by people that feared repression in Argentina in the 1970’s. He is a member of Derechos Humanos Buena Memoria and of Comissao pro Monumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado, that supervise the execution of Parque de la Memoria, a homage to people that disappeared or were killed during the dictatorship years.

Marcelo Brodsky


A HARD-EDGE THAT CREATE LYRIC SPACES WITHIN LANDSCAPES Marina Loeb is an architect. And, as all architects, she creates spaces within spaces. But she also photographs. And here she also creates spaces within spaces. And proposes merges. There is a rational lyricism in the land arts she performs from the port landscapes of Santos, a coastal city of Sao Paulo. A lyricism that unset geometry’s hard-edges, including them lyrically in the landscape. At first sight there is some strangeness. But it also unravels. The look strolls through the bidimensional space, creates a third dimension and integrates form and bottom. Marina Loeb is fearless and creative. Her aesthetic defies us to see beyond, to question reality, to recreate the landscape. Marina Mindlin Loeb is an architecture professional that thinks of quality of life and human, spacial and urban interactions and creates solutions that go beyond basic necessities, adding dimensions that instigate reflection and expand horizons. Marina Mindlin Loeb graduated as an architect and town planner in 1997, at Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade Mackenzie and got a masters’ degree in 2001 at Architectural Association School of Architecture in London. She worked abroad for 8 years, in offices like Moshe Safdie’s, in Boston, and Norman Foster and Rafael Viñoly’s in London, where she developed large scale projects in cultural, housing and corporate buildings, as well as buildings for commercial purposes and retail, so she acquired experience also in administrative and legislative aspects of managing whole projects. She is a founding director at Loeb Architecture Ltd, headquartered in London.

Marina Loeb


THE CRUDE REALITY OF LIVING TRANSFORMED IN ART Paz Errázuriz’s look plays with codes. In a part, it takes the presence of certain legendary figures in the register of urban upheaval, but what is crucial in her work is that her look trespasses physical need, mental rest, the mystery and dilemmas that organize sexuality to open many questions about spaces and bodies, about inhabited territories and social erosion. About the desire of the place. Eltit, Diamela http://www.pazerrazuriz.com/ Paz Errázuriz makes no concessions. She accepts and registers reality. She accepts images that seem to ask to be registered. Carefully, artistically, the Chilean photographer appears. What intense subjectivity transcends in these photos! There are no metaphors. Clear and crystalline images take us to our own lives through the other that is mirrored before us. Our own subjectivity is questioned. Where are archetypes? Where is the bonfire of vanities? Real Errázuriz leads us to an incredible lucidity. Paz Errázuriz Körner is a Chilean photographer and teacher. Her work, based on portrait as a social document, has been showing the most crude and decadent worlds of Chilean society. Her photos are in collections in Davos (Switzerland), Tate Gallery in London and Museu Reina Sofia in Madrid, and also in private collections. She has published Kawesqar, hijos de la mujer Sol, 2007; La Manzana de Adán, 1990; Agenda Cochrane, 1994; El Infarto del Alma, 1995; Paz Errázuriz. Fotografía 1982- 2000, 2004 and Amalia, 1973. She also won awards as Altazor, Trajetoria Artistica do Circulo da Critica, Ordem ao Merito Pablo Neruda and PhotoEspanã, besides Guggenheim, Fulbright and Fondart scholarships.

Paz Errázuriz


EDITORIAL De Paraty, Rio de Janeiro, para Santos, São Paulo O irrequieto Iatã Cannabrava, fotógrafo, curador, um dos mais importantes agitadores culturais do País, criador do Estúdio Madalena Produtores Culturais, trocou a histórica cidade de Paraty, onde, por dez anos, coordenou o Paraty em Foco – Festival Internacional de Fotografia, por uma cidade não menos histórica, Santos, onde iniciou o Projeto Valongo – Festival Internacional da Imagem de Santos. A primeira versão do evento aconteceu de 12 a 16 de outubro de 2016. Paraty, no Rio de Janeiro, começou a ser povoada por volta de 1531 e foi, junto com o Rio de Janeiro, o principal porto de exportação de ouro do Brasil Colonial (1530-1815). É atualmente um dos principais centros históricos coloniais do Brasil. Santos, cidade do Litoral do Estado de ao Paulo, descoberta por portugueses em 1502, começou a ser habitada por eles a partir de 1510 e entre 1545 e 1547 foi elevado à categoria de vila. Hoje, Santos é o principal porto marítimo da América do Sul. O Valongo é uma região histórica, em vias de reconstrução. O festival do Valongo reuniu roteiristas de séries, cineastas, designers, videomakers, artistas visuais, curadores, comunidades, arquitetura, ocupação, fotógrafos, coletivos. A programação do evento, Coordenado por Iatã Cannabrava e Thamyres Viegs Matarozzi, incluiu oficinas, workshops, exposições, instalações, palestras e 87 convidados, dos quais 14 são estrangeiros. As fotógrafas e os fotógrafos que Carcará publica nesta edição foram selecionados pelo Estúdio Madalena. É uma pequena, porém representativa, amostra do que foi o evento e da importância que ele deverá ter nos próximos anos. Parabéns Iatã Cannabrava. Mais um honroso item no seu belo currículo. (Site: https://valongo.com/ ) CARLO CIRENZA

JUAN VALBUENA Belas realidades indignadas que denunciam Juan Valbuena penetra na realidade e a desconstrói. Muitos fotógrafos fazem isso. Alguns se propõem a, divinamente, criar uma realidade. Aquela que só existe na imagem criada. Talvez essa seja a magia da fotografia. Aquela realidade só existe ali, naquele clique, naquele espaço bidimensional. Mesmo que se reconstrua uma parte da natureza; mesmo que se capte um perfil personalista; mesmo que naturezas mortas deem o significado. Valbuena, contudo, vai um pouco mais longe. Dentro de sua realidade desconstruída, cria sensíveis e contundentes realidades a partir de portos mediterrâneos (La Ancha Frontera); ou de pescadores de Mucuripe, praia brasileira do Estado do Ceará (Mucuripe: los últimos jangadeiros). Essas realidades particulares, contudo, são denúncias, indignações. Tentativas de recuperar o irrecuperável, de interromper o esfacelamento de uma cultura. Mas o registro foi feito. Juan Valbuena se divide em três atividades: fotógrafo fundador da agência Nophoto, coletivo espanhol reconhecido internacionalmente; diretor da Phree, editora independente especializada em fotografia documental, livros de viagem e álbuns de família com publicações premiadas em festivais como Arles na França, Kassel na Alemanha e Photoespaña na Espanhã; professor desde 2006 e coordenador desde 2013 do mestrado da EFTI. Vale a pena ver o vídeo ENCUENTRO CON JUAN VALBUENA (You Tube 24 de mar de 2015. Entrevista con Juan Valbuena con motivo de su visita a UFCA en marzo de 2015. El vídeo incluye imágenes de su visionado de trabajos de los alumnos del taller El Proyecto Personal impartido por Tiago da Cruz en UFCA. https://www.youtube.com/watch?v=CJ_xMQ7tWgU ).


ALEJANDRO CHASKIELBERG Em cada foto, um silencioso grito parado no ar O mundo de Alejandro Chaskielberg é iluminado barrocamente. À luz de velas. E essa luz vai mostrar a pequenez do ser humano nesse mundo. Uma pequenez que enfrenta o mundo com garra, determinação. Há solenidade, sobriedade e tristeza no mundo de Alejandro Chaskielberg. Nesse mundo, ao mesmo tempo, real e imaginário, metafórico e objetivo, há um estranho e belo enquadramento, como se fosse possível moldá-lo. Mas não, o mundo de Alejandro Chaskielberg pede para ser transformado. Em cada foto, há um silencioso grito parado no ar. Premiado fotógrafo argentino, possui trabalhos que se encontram na fronteira entre documental e ficção. O uso de cores vibrantes e visão de mundo dramática lhe renderam prêmios como o de Fotógrafo Emergente da Fundação Magnum e o All Roads Award, da National Geographic Society of America. Seus trabalhos foram também apresentados em diversas exposições pelo mundo, como a Bienal de Brighton com curadoria de Martin Parr, o festival brasileiro Paraty em Foco, a Bienal de Fotografia Córdoba na Argentina, a foto Festival New York, Nordic Light Festival na Noruega e o Noortherlicht Festival na Holanda. Formado pelo Instituto Nacional de Cine y Artes Audivisuales, Chaskielberg começou a trabalhar aos 18 anos como repórter fotográfico para jornais de Buenos Aires, ganhando reconhecimento com a série “Argentina Crisis”, que retratou a crise enfrentada pelo país latino-americano em 2001. Em 2008 foi convidado para participar do projeto “All Roads” da National Geographic e, em 2009, foi apontado pela revista Photo District News como um dos 30 fotojornalistas emergentes mais importantes do mundo. Em 2010, esteve no Brasil como palestrante convidado do festival Paraty em Foco.

ANNA KAHN Provocações que emergem de plásticas sensações atemporais A fotografia me leva a contar histórias através de uma narrativa visual. Eu sou uma contadora de histórias. Anna Kahn Anna Kahn administra sensações atemporais. Suas cores, suas luzes, seus enquadramentos, tudo remete a sensações que emergem de um tempo indefinido. Mas que reivindica plasticamente um lugar no presente. Há uma espécie de déjà vu nas suas imagens. Porque elas nos remetem para nossa memória. E esteticamente sensibilizam nosso passado. A fotógrafa subverte a realidade. Aquilo que ela mostra não é o que ela quer mostrar. O sentido está além da foto. E o espectador se apropria da imagem, criando seu próprio significado. Anna Kahn é uma provocadora, uma competente provocadora, que nos alicia para sua causa. “No ensaio “Bala Perdida”, Anna pesquisa os locais onde pessoas foram atingidas por balas perdidas. Quando o sol começa a se pôr Anna sai com a sua câmera e fotografa o local vazio, onde antes existia um corpo vivo, onde antes existia um ser humano.” E coloca legendas identificando o corpo de quem foi morto ali. Anna Kahn recebeu o prêmio XV Prêmio Marc Ferrez de fotografia da Funarte – Fundação Nacional de Artes, pelo projeto Sem medo do escuro. Anna Kahn was born in Rio de Janeiro, Brazil in 1968. She graduated as a journalist from the Catholic University in 1992, and studied photography at the School of Visual Arts in New York, in 1995. She photographed for the NGO Medicins sans Frontières, in 1998, as a volunteer, before moving to Paris to live and work (mainly for Brazilian magazines and newspapers) between 1999 and 2007. (http://www.annakahn.com/site/biography/en/).


CÁSSIO VASCONCELOS Arte plástica, arte fotográfica, surpreendente a cada novo olhar ANA LIRA Estética vibrante, denúncia de injustiça, um crédito à vida Penso que Ana Lira não se propõe a registrar imagens. Acredito que ela espera que alguma coisa aconteça após suas fotos: aquela realidade não poderá ser a mesma. Provavelmente, ela desejaria que as próprias fotos se transmutassem. Não como cinema; como audiovisual, como se fosse possível imagens mudarem por si sós a cada olhar do espectador. Tem-se a impressão de que Ana Lira quer fazer uma revolução com sua câmara. Uma revolução que explode a cada clique. Seu preto e branco transborda luz e sombra: são imagens vigorosas, vibrantes, algumas, avassaladoras. São imagens que falam de injustiça, opressão, desordem social, humanidades marginalizadas. Mas as fotos coloridas de Ana Lira dão um crédito à vida e remetem sempre à necessidade de mudança. A câmara de Ana Lira é um instrumento de transformação social por meio de um olhar estetizante e crítico. Fotógrafa, artista visual, pesquisadora, educadora, Ana Lira possui trabalhos que se debruçam sobre relações de poder e suas implicações nas dinâmicas de comunicação. Atualmente é autora de pesquisas que articulam narrativas visuais, material de imprensa, mídias impressas, intervenções urbanas e projetos educacionais.Nasceu no município de Caruaru – PE, a 135,5 km da capital, em dezembro de 1977. Graduou-se em jornalismo pela Universidade Católica de Pernambuco (UNICAP), é especialista em Teoria e Crítica da Cultura, com ênfase em Crítica Fotográfica e Artes pela Universidade Federal de Pernambuco (UFPE). Vive e trabalha no Recife, Pernambuco.

[...] Cássio Vasconcellos trabalha com procedimentos que afastam a fotografia de sua função documental e a aproximam do universo da pintura e das artes gráficas. Assim como outros artistas contemporâneos, ele retoma criticamente o pictorialismo, movimento fotográfico surgido no fim do século XIX. http://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa6973/cassiovasconcellos Cássio Vasconcelos é um esteta, um artista plástico, antes de ser fotógrafo. Por isso ele consegue ter um olhar particular sobre algo que até podemos chamar de realidade. Uma realidade que existe inicialmente apenas na sua cabeça. Então, ele projeta essa imagem, seja por meio de um clique, seja interferindo em negativos. Assim, nos proporciona o prazer de contemplar suas criações cerebrais, recônditas, belas. Sejam paisagens litorâneas, aeroportos, sejam memórias navegáveis ou registros naturais inspirados por artistas e botânicos históricos que vieram ao Brasil em séculos passados. Cássio Vasconcelos é sempre surpreendente a cada trabalho. Aí reside o competente fazer artístico. Ao longo de sua carreira, participou de mais de 190 exposições em 20 países. Como fotojornalista, trabalhou na Folha de São Paulo em 1988. Em 1990, trabalhou no Estúdio da DPZ Propaganda. Alguns de seus livros: Aeroporto (Editora Madalena, 2015), Aéreas do Brasil (BEI, 2014), Panorâmicas (DBA, 2012), Aéreas (Terra Virgem Editora, 2010) e Noturnos São Paulo (2002). Ganhou vários prêmios, como o Conrado Wessel de Arte, Associação Paulista dos Críticos de Arte, Porto Seguro de Fotografia e Fundação Nacional de Arte. Suas imagens fazem parte de diversas coleções no Brasil e no exterior, como MASP – Museu de Arte de São Paulo, Biblioteca Nacional da França e Museu de Belas Artes de Houston.


CORINNE NOORDENBOS A fotografia como instrumento de educação What is really impressive about the collaboration between Noordenbos and her students is the professional standard of their work. The bar is set high. They devise good projects and make good photographs, and the presentation of these projects in book form has taken the students’ ambition and achievements to new levels. Noordenbos is an unsung facilitator of the photobook, and her work is mostly unrecognized, so I relish this opportunity to correct this oversight. She has made a very positive contribution to the Dutch photobook culture, which along with Japan is the most mature and exciting in the world. I look forward to seeing many more new and stimulating books from the Noordenbos stable. Martin Parr http://aperture.org/blog/martin-parr-corinne-noordenbos/ “Corinne Noordenbos é fotografa e educadora. Sua contribuição para a educação na Holanda teve impacto sobre o desenvolvimento da fotografia internacionalmente. Seus exalunos estão agora na vanguarda da prática contemporânea e seu legado pode ser claramente celebrado na obra de artistas como Rineke Dijkstra, Rob Hornstra, Vivianne Sassen e Wassink Lundgren. Corinne foi Chefe de Fotografia na Royal Academy of Art, em Haia, até abril de 2015. Trabalhou para uma grande variedade de revistas holandesas, fazendo retratos e documentários. Sua série Madonna Moderna foi feita depois que ela se tornou mãe solteira e seu projeto sobre Alzheimer, depois que sua mãe foi diagnosticada com a doença.” (https://valongo. com/convidados/?_c=299#corinne-noordenbos) A brilhante carreira da fotógrafa Corinne Noordenbos como educadora foi destacada numa cerimônia realizada em Londres, quando ela recebeu o conceituado Prêmio Educação do Royal Photographic Society de 2014.

CRIS BIERRENBACH Sem enigmas, fotos que pedem para serem decifradas ¿Qué sucede cuando entra en juego el cuestionamiento del cuerpo, qué pasa cuando las imágenes cuestionan y no sólo estandarizan? A este cuestionamiento es al que Cris Bierrenbach nos dirige, nos catapulta contra la pared de la norma, nos provoca una desubicación de la mirada, del ser en sí, nos da un cuerpo que es cuestionado, un cuerpo que es desafiado mediante la mirada de la interrogación. Adriana Raggi y Bruno Bresani http://crisbierrenbach.com/textos/disidentes/#more-2028 Real. Irreal. Fantasia. Insólito. Metáfora. Concretude. Abstração. As fotos de Cris Bierrenbach pedem para serem decifradas. Mas ela não propõe qualquer enigma. Nem as fotos são enigmáticas. Para além da emoção estética, é preciso revelar a intenção e a vontade da foto. E isso só acontece através do olhar do espectador. A fotógrafa caminha do mais puro minimalismo à multiplicidade, arrancando exclamações e interjeições. Diante das obras de Cris Bierrenbach, perdemos nosso chão. Assim, precisamos encontrar novos referenciais. Fotógrafa e artista plástica, iniciou sua carreira como repórter fotográfica no jornal Folha de S. Paulo. Desenvolve um trabalho artístico que inclui vídeo, performance, instalação e pesquisa sobre técnicas de impressão fotográfica do século XIX, com ênfase na produção de daguerreótipos. Dentre os prêmios recebidos, destacam-se: Porto Seguro de Fotografia, em 2004; Prêmio Candango de Direção de Arte no 41º Festival de Cinema de Brasília, em 2008; Marc Ferrez de Fotografia e Arte Contemporânea da Funarte, em 2010. Seus trabalhos foram exibidos na Alemanha, Bélgica, Chile, Cuba, Espanha, Estados Unidos, França, Holanda, Japão, México, República Checa e Uruguai. Possui obras nas coleções do MASP, MAM-SP, MAC-SP e Maison Européenne de la Photographie, entre outros. A artista vive e trabalha em São Paulo.


FEDERICO RIOS ESCOBAR A arte corajosa de fotografar o perigo e o medo Uma foto pode ser um estímulo para que você sinta algo, mas não precisa ser necessariamente uma história, a fotografia tem essa liberdade. Federico Rios Escobar Há perigo e medo nas fotos de Federico Rios Escobar. E também nos olhos das personagens e na emoção dos espectadores. Federico Rios Escobar sabe como transmiti-los. Incríveis flagrantes; fotojornalismo documentário pungente, vibrante; rápidos, belos e precisos enquadramentos. Há muito medo nos olhares. Federico Rios é corajoso. Vai ao encontro do perigo. Na floresta ou na cidade. E o registra. E paira o medo. Não são todas as suas fotos um libelo contra a violência. Mas todas têm um forte apelo social, principalmente ligado à América Latina, ao tráfico de drogas, ao contrabando de armas e aos grupos de criminosos que controlam partes de uma cidade. Seus trabalhos trazem algo que nos provoca, nos instiga e mobiliza nossas consciências. Ele comenta o trabalho que apresentou no Festival Valongo: No princípio, TRANSPUTAMIERDA parecia uma aventura maravilhosa, uma expedição de Indiana Jones, mas o projeto é na verdade uma crítica ao governo colombiano, de como ele tem abandonado essas populações que vivem isoladas e sofrem com essa falta completa de estrutura, em que ninguém chega ao povoado e eles não conseguem sair. https://medium.com/@estudiomadalena/narrativas-visuaisexpandidas-uma-entrevista-com-federico-rios-escobar3ea095561863#.wwq8se669 O colombiano Rios Escobar tem mais de 10 anos de experiência como fotojornalista. Seu trabalho é publicado regularmente na mídia internacional, em periódicos como New York Times, Times e El País.

JULIO BITTENCOURT Uma fina arte que atrai, sensibiliza e machuca Três conceitos parecem dominar as fotos de Julio Bittencourt: uma estranha e contundente luz, o inefável e o rigor estético. A luz parece vir do próprio olhar de Júlio; o inefável se traduz no resultado, um registro impecável, impossível de ser descrito, ele só pode ser visto; o rigor estético alia tudo a uma primorosa composição. A fotografia de Julio Bittencourt é pura arte com uma incrível densidade. Ela nos atrai, penetra em nossa retina e fica gravada num profundo consciente. Ao mesmo tempo, ela sensibiliza e machuca. Coisas e pessoas se fundem expressando múltiplas humanidades. Quem vir cuidadosamente uma foto de Júlio Bittencourt e saboreá-la, jamais se esquecerá dela. Julio Bittencourt nasceu em 1980 no Brasil e cresceu entre São Paulo e Nova York. Seus projetos têm sido expostas em galerias e museus em todo o mundo e seu trabalho publicado em revistas como a GEO, Stern, TIME, Le Monde, The Wall Street Journal, C Foto, The Guardian, The New Yorker, Esquire, Francês Foto, Financial Times, Los Angeles Times, e Leica World Magazine, entre outros. Ele é o autor de dois livros: “Em uma janela de Prestes Maia 911 Building” e “Ramos”. Entre seus prêmios estão: XIII Premio Marc Ferrez de Fotografia. 2013; IPA (Photography Awards internacionais) Colagem Prêmio, IPA (Photography Awards internacionais) Prémio Fine Art, ambos em 2012. (Site: http://www.juliobittencourt.com/)


LAIA ABRIL Refinadas e contundentes imagens manifestos A mi hay un tema muy curioso que me tintinea en la cabeza: parece que hay muchas más ‘campañas’ a favor de ‘otros modelos/cuerpos’ de mujeres, y yo me pregunto, cuando será el día que simplemente se hable de las mujeres y que la conversación no tenga que ver con su aspecto. Laia Abril http://www.xatakafoto.com/entrevistas/intento-reflexionarsobre-tematicas-que-son-incomodas-laia-abril-post-fotografa Quase todo fazer artístico que cai nas mãos de Laia Abril seu cérebro e seus olhos transformam em manifesto. Sua refinada arte está a serviço de uma conscientização. Laia Abril é uma militante política. Seu partido é o feminismo. Seu percurso vai de ready made duchampsiano, às paisagens, a vídeos intimistas. O resultado, quase sempre, são contundentes denúncias. Laia Abril nasceu em Barcelona, Espanha, 1986. É fotógrafa, videomaker, designer gráfica, escritora e editora de livros que realiza um trabalho relacionado ao movimiento feminista. Sua pesquisa e prática artística se dão a partir de temas como a identidade, misoginia e problemas alimentares. Após se formar em jornalismo, em Barcelona, e estudar no Centro Internacional de Fotografía, em Nova York, Laia participou da residência artística FABRICA, na qual trabalhou como fotografa e editora criativa para a revista COLORS por quatro anos. Seu trabalho já foi publicado em diversos jornais e revistas de renome como The New York Times e Vogue; já participou de exposições em Londres, China, Nova York, Polônia, Alemanha, entre outros; e já ganhou importantes prêmios como o ‘Prix de la Photo Madame Figaro’. Vive en Treviso, Itália, e Barcelona. (Site: http://www.laiaabril.com/)

MARCELO BRODSKY Belos e sensíveis resgates de sentidos e sentimentos O que você prefere: um fotógrafo político ou um fotógrafo esteta; ou um fotógrafo político-esteta ou um esteta-político. Aqui temos um artista que embarca nas duas vertentes. Com a mesma contundência. Seja manipulando fotos, seja realizando cliques. Sua estética nos obriga a refletir. Seja na série Buena Memoria/Los Compañeros, seja nas séries Correspondências. Um olhar atento, subversivo, que subverte fotos de outros fotógrafos ou a realidade que contempla. O argentino Marcelo Brodsky formou-se em economia e tornouse fotógrafo durante o exílio em Barcelona, na década de 1980. Quando regressou à Argentina, em 1986, incorporou assuntos políticos no seu trabalho “Palabras”, sua primeira exposição naquele país, em 1986. Em 1997 expôs pela primeira vez Buena Memoria, uma série de fotografias, vídeos e textos que tratavam da trajetória pessoal de um grupo de alunos do Colegio Nacional de Buenos Aires que foram marcados pelo desaparecimento de seus entes queridos durante a ditadura argentina. Em 2000, apresentou na Feira de Livros de Buenos Aires e no Centro Cultural Recoleta o projeto Los condenados de la tierra, uma instalação feita a partir de livros que foram enterrados por medo da repressão na Argentina na década de 1970. É membro da organização Derechos Humanos Buena Memoria e da Comissão pro Monumento a las Víctimas del Terrorismo de Estado, que se ocupa de supervisionar a execução do Parque de la Memoria, em homenagem aos desaparecidos e assassinados pela ditadura militar.


MARINA LOEB Um hard-edge que cria líricos espaços dentro de paisagens Marina Loeb é uma arquiteta. E como todo arquiteta, cria espaços dentro de espaços. Mas ela também fotografa. E aqui também cria espaços dentro de espaços. E propõe fusões. Há um lirismo racional nas land arts que ela realiza, a partir das paisagens portuárias de Santos, cidade do litoral de São Paulo. Um lirismo que desconfigura os hard-edges das geometrias, inserindo-os liricamente na paisagem. À primeira vista, há um estranhamento. Mas logo ele se desfaz. O olhar passeia pelo espaço bidimensional, cria uma terceira dimensão e integra fundo e forma. Marina Loeb é ousada e criativa. Sua estética nos desafia e ver além, a questionar a realidade, a recriar a paisagem. Marina Mindlin Loeb é uma profissional de arquitetura que se propõe a pensar na qualidade da vida e das interações humanas, espaciais e urbanas, e a criar soluções que vão além das necessidades básicas, adicionando dimensões que instiguem reflexões e expandam horizontes. Marina Mindlin Loeb formou-se arquiteta e urbanista em 1997 pela Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade Mackenzie e concluiu mestrado em “Processos de Projeto na Arquitetura” (Design Research Laboratory) em 2001 na Architectural Association School of Architecture em Londres. Teve experiência profissional por 8 anos fora do Brasil, incluindo os escritórios de Moshe Safdie em Boston e Norman Foster e Rafael Viñoly em Londres, onde desenvolveu projetos de grande escala nas áreas de edifícios culturais, habitação, edifícios corporativos e de uso misto, sedes comerciais e retail, adquirindo experiência também nos aspectos administrativos e legislativos do gerenciamento integral do projeto. É fundadora e diretora da companhia Loeb Architecture Ltd com sede em Londres.

PAZ ERRÁZURIZ A crua realidade do viver transformada em arte La mirada de Paz Errázuriz es pues una mirada que transita jugando con los códigos. Por una parte recoge la presencia de unas ciertas figuras ya legendarias en el registro del trastorno urbano, pero, y eso es lo crucial en su trabajo, su mirada traspone la carencia física, la resta mental, el misterio y los dilemas que organiza la sexualidad para abrir unas cuantas interrogantes sobre los espacios y los cuerpos, sobre los territorios poblados y los eriazos sociales. Sobre el deseo del lugar. Eltit, Diamela http://www.pazerrazuriz.com/ Paz Errázuriz não faz concessões. Aceita e registra a realidade. Aceita as imagens que parecem pedir para serem registradas. Cuidadosamente, artisticamente, a fotógrafa chilena comparece. Que intensa subjetividade transcende nessas fotos! Não há metáforas. As imagens claras e cristalinas nos levam à nossa própria vida, por meio daquele outro que se espelha diante de nós. E a nossa própria subjetividade se questiona. Onde estão os arquétipos? Onde está a fogueira das vaidades? O real de Errázuriz nos obriga a uma incrível lucidez. Paz Errázuriz Körner é fotógrafa e professora chilena. O seu trabalho, baseado no retrato como um documento social, tem mostrado os mundos mais crus e decadentes da sociedade chilena. Suas fotografias estão em coleções como Davos, na Suiça; Tate Gallery, em Londres; e Museu Reina Sofia, em Madri., além de coleções particulares. Publicou Kawesqar, hijos de la mujer Sol, 2007; La Manzana de Adán, 1990; Agenda Cochrane, 1994; El Infarto del Alma, 1995; Paz Errázuriz. Fotografía 1982- 2000, 2004 e Amalia, 1973. Ganhou os prêmios Altazor, Trajetória Artística do Círculo da Crítica, Ordem ao Mérito Pablo Neruda e PhotoEspanã, além das bolsas Guggenheim, Fulbright e Fondart.


Credits Publisher: Alaide Rocha Editor: Carlo Cirenza Research and text: Fernando Rios Graphic Project: Marcelo Pallotta Art Director (original version): Fabio Sampaio Art Director (new graphic project): Henrique Nunes Translation: Bruna Martins Fontes Acknowledgment: Estudio Madalena, IatĂŁ Cannabrava e Isadora Belletti 1 - Suggestions, complaints and praise should be sent by email to: contact@carcaraphotoart.com 2 - Portfolios should be submitted in the following format: JPEG ( 20 x 30 cm ), 300 dpi by email to: contact@carcaraphotoart.com


www.carcaraphotoart.com

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Carcara #8  

Photo Art Brazilian Magazine - Carcara #8; - Winter, 2016; - December, 2016; Photographers: . Juan Valbuena; . Alejandro Chaskielberg; . An...

Carcara #8  

Photo Art Brazilian Magazine - Carcara #8; - Winter, 2016; - December, 2016; Photographers: . Juan Valbuena; . Alejandro Chaskielberg; . An...

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