Carcara #21

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ISSN 2596-3066

Cover Photo Daniel Malva

EDITORIAL THE CREATIVITY, BEAUTY AND VIGOR THAT PHOTOGRAPHIC ART GIFTS US Good photographic art is and will eternally be a surprise, sometimes pleasant, sometimes unpleasant. War photos, as creative and aesthetically composed as they can be, provoke embarrassment. But let’s hold on to the pleasant surprises. In this issue, Carcará is particularly diverse. Its pages reveal innovation possibilities and traditional registers, all in high quality. We start by highlighting two artists, the awarded Amador Perez and Manoel Veiga, who visit the classics of painting to create new works and stimulate new reinterpretations. Registers very different from one another are the documents of Alexandre Frigeri, Andréia M. Ferrari, James Stuart / Jamie Stewart-Granger, Mônica Vendramini and Francine Nagata. In all, a great sensitivity emerges. And the lessons from Daniel Malva and Vânia Toledo? He shoots women, she shoots men, in nudes of splendid composition and atmosphere. We also have Jarkko Wickström, Marcelo Pallotta and Pedro Paulo Rocha, exploring an almost lyrical conceptualism. And there is still space for an amateur expressionist, José Américo / Jsilvares, and his manifests. All this confirms the eternity and valuing of an art which has reproducibility in its democratic proposition. Art should be for all and reproduction expands the possibilities to reach and sensitize more and more interested people. Art is one of the main features of human beings. And photographic art can help humanity to become more sensitive, more observative of injustice and more prone to solidarity. With sophisticated equipment or a simple smartphone we can make history by registering facts, people, landscapes… In all, valuing life, of people and nature. Enjoy the photos! CARLO CIRENZA

A LIQUID ATMOSPHERE, SLIGHTLY EROTIC, WHERE BODIES SEEM TO MOVE IN SLOW MOTION. We can feel languid movements in slow motion in each body revealed by Daniel Malva. They move, they liquify, they almost dissolve. We have the impression that, when we return from our contemplative journey, they will no longer be there. What a strange and deep temporality Daniel Malva can capture. We need to praise photography and, above all, the photographer who offers us new registers of this object which is the main icon of art history: the feminine nude. Associated to it, eroticism emerges. Female nudes and eroticism are Siamese twins, though they are sometimes apart. In this case, they are together. Slightly together. So one of the main feature of this series comes in: atmosphere. A reflection is needs: all art is intervention in the world, a representation, a particular look turned into image. All this happens in this work. We suddenly become voyeurs of the body and its details and of the character’s soul. And we get lost in our interiors. Daniel Malva’s art sends us to other realities which inhabit the consciousness and the unconscious, timelessly. Let’s hear what he says: “Studying photography is a mixed and hybrid practice, and to deepen in its questions is also to deepen in multiple fields of knowledge. We can see in works such as the ones from Edward S turneteichen the influences of painting in his work, for instance. But we can also see the inverse path, when we see some paintings of Francis Bacon, in the artist’s interpretation of the photography of Eadweard Muybridge. I have always worked with photography outside the traditional scope, with expanded photo or post-photography. Even before my current work, my work already had hybrid questions far from conventional photography”.

Daniel Malva is a visual artist, photographer, art educator and researcher. He has a master’s degree in Art from Unesp (2019); is a technologist in Industrial Mechatronics (SENAI/2015) and has graduated in Photography (SENAC/2006). He is part of research groups GIIP and CAT (certified by Instituto de Artes of Unesp and by CNPq). His research seeks new approaches to his creative and photographic process –building lenses, creating new film developers, alternating and creating software for digital cameras. It is also part of the scope of his research hybrid themes of science art and technology art (mechatronics, linguistic, mathematics, biology, chemistry, programming and physics). His works were acquired by the acquis of Museu da Cidade de São Paulo (2015); galleries Kristin Hjellegjerde Gallery (London) and Galeria Mezanino (São Paulo).


ECUMENALIZED PARIS, NO LIGHT, PLASTICALLY TRANSCENDENTAL. Recreating Paris, as if that was possible. To look at Paris from within. Subverting the Parisian collective unconsciousness. In Duchamp style, Alexandre Frigeri uses the camera to build ready mades. And to deconstruct Paris. Unlike Robert Rauschenberg’s collages, this photographic record does not propose to reveal urban chaos and incommunicability. Frigeri’s aesthetics, even with a joyful influence from American pop art, does not report anything. Plastically, it proposes new ways to look at a city, here absent of light. Do we stand before Parisian aporias, in which finding new meanings is only possible through deconstruction? We, mere viewers, are indignant before such daring. This is the greatness of art: it is not possessed by narcissism. Beyond the presentification of the photographic click, Frigeri’s photographic art proposes a transcendence. It metabolizes reality. It ecumenizes the city. It globalizes urbanity. Selfishly, Frigeri kept an archetype for himself and, from his look, he offers in return a beautiful unreality with abyssal concreteness. One needs to have perceptive eyes to see and courage to register and show. We are before geopolitical aesthetics. The ones who know will deeply feel the incredible arguments which run from Parisian walls gutsily open to the eyes of the world. That is why it is important to dive carefully in each photo from Alexandre Frigeri. Here, one of his statements: “I try to communicate through photographic registers a momentary sensation I’d like to eternize, initially, for my satisfaction. At the point in which personal registers can be extended to a broader audience, it becomes progressively authorial. In this case, I wanted to make registers which are out of ordinary in Paris, different from the tourist’s view, about the city I visit every year and for which I

have great affinity and great admiration. I have photographed, numerous times, what could be banal and tried to turn it into something that, at least for me, would be a personal register of my walks through new looks and could be shared. In this way, with no pretension to express myself as a professional photographer, what drove me to exhibit such registers is the opportunity to share moments and sensations when I observed them.” Alexandre Frigeri was born in Caxias do Sul, in 1956. He graduated in Tourism and Hospitality and has a master’s degree in Cultural Heritage and Social Projects from Centro de Pesquisa e Documentação de História Contemporânea do ALEXANDRE FRIGERI Brasil, from Fundação Getúlio Vargas.

META-ART IN AN ENIGMATIC AND SENSITIVE AESTHETIC SUBVERSION Manipulating images. Strumming images. The touch, the opposing thumb which distances us from primitive hominids. Feeling the dense poetry of classics through a caress. Bidimensional amplifies. Tridimensionally goes from consciousness to the unconscious, which is made concrete before us. A gesture turned into vision to transmute to emotion. A conductor before an orchestra of characters. A deep dive into a scenery now turned into infinite in black and white, positive and negative. Amador Perez enigmatically subverts conventional aesthetics and turns it into a thrilling concept. Reality, unreality? A free-for-all to absorb each moment of these almost impenetrable stages. The concreteness and the forcefulness in those hands ask for careful and perceptive gazes. And meta-art emerges beautifully glorious. Amador Perez describes his path: “Excited with my admiration and constant observation of the works of Dürer, Vermeer, Watteau and Courbet, I took photos with my phone, my fingers playing with a print of Gilles, a famous painting by Watteau, an stimulating representation of the character Pierrot, and this originated the series DVWC Fotos e Variações. I currently use photography as one more mean to extend my work, and in DVWC Fotos e Variações I keep working with questions of materiality and immateriality, singularity and multiplicity, which I have been investigating for decades, establishing relations between the images of the original works and their reproductions.” The work DVWC, by Amador Perez, is comprised of a set of images in black and white, divided in four series, each one corresponding to an initial of the title: D for Dürer (Albrecht Dürer, 1471-1528), V for Vermeer (Johannes Vermeer, 1632-1675),

W for Watteau (Jean-Antoine Watteau, 1684-1721), C for Courbet (Gustave Courbet, 1819-1877) (the series selected by the editor for this issue). The images of all series were made with essentially photographic resources, including digital manipulation. To this core, a second set, in which the same images are subjected to decomposition and recompositing through manual interference –drawing, pastel, engraving—, is added and receives the overlapping of colors. Artist, graphic designer, photographer, teacher. Amador Perez was born in 1952 in Rio de Janeiro, where he lives and has a studio. He graduated in 1976 in Graphic Project at Escola de Belas Artes of Universidade Federal do Rio de Janeiro. In 1977, he made his first individual exhibition,Waslaw Nijinsky. He took part in XXI Bienal Internacional de Sao Paulo (1991). In 2014, he celebrated 40 years of activities with exhibitions Quantos Quadros, at Centro Cultural Cândido Mendes-Ipanema, and Memorabilia - Amador Perez - 40 Anos , at Centro Cultural Correios Rio de Janeiro; in 2019, he celebrated 45 years of his career, exhibiting Amador Perez - DVWC - Fotos e Variações, at Paço Imperial, Rio de Janeiro. He has been an university lecturer since 1981, mainly at ESDI/UERJ - Escola Superior de Desenho Industrial of Universidade do Estado do Rio de Janeiro, from 1984 to 2011, and at Departamento de Artes e Design/PUC Rio - Pontifícia Universidade Católica do Rio de Janeiro, from 1991 to 2017.


LANDSCAPES, DOCUMENTS, ABSTRACTIONS? AN ART WHICH CHALLENGES SENSITIVE NEURONS. Where is reality? What do our eyes send to our brain? Where do we feel more comfortable and touched: before what we see or within what we feel? How can we see and feel what is presented to us? Is it possible to separate things? A little philosophy is valuable: for Aristotle, our thoughts don’t come from the contact of our soul with the world of ideas, but from the sensitive experience. “Nothing is in the intellect without passing through the senses”, said the philosopher. Now, we enter the magic universe of photography: it amazes us and Andréia Ferrari, wise and explosively, drowns us in images which are and are not, at the same time, what we think they are. Geologists can see the signs of time; we, lay people, know how to read the grandiosity and the intensity that the rocks propose us. Shapes and colors. Universe is abstract and infinite; the real universe has an end. That broadens our interior; this concentrates our intention. In any of these dimensions, Andréia Ferrari amazes and challenges us. We are before millions and millions of years; we are before millions of emotions; we are before art works from the future because our mind is infinite. But here the senses send us directly to emotion. Even for geologists, I believe reality tends to dissolve aesthetically. And we all enter the geological universe transformed in an unknown landscape, in recondite abstraction, in timeless humanity. We have only two million years. But enough time to interact with these inhospitable surfaces. We question them and they question us. This interaction is a pleasure and a challenge. And art saves us from depression which can emerge from our finitude before so much permanence. By proposing such works, Andréia Ferrari strengthens us with the fruition they offer. May the neurons of

each of us work it out. Andréia Maria Ferrari, whose artistic name is Dhéia Ferrari, is a visual artist who also works with fine art photography. She was born in Sao Paulo, Brazil, where she lives and works. She graduated in Law school and has a master’s degree from Southampton University, in England. In 2005, she had her first collective painting exhibit at Galeria do Senac, in São Paulo, and then took part in collective exhibitions in galleries and art exhibits. As a visual art, she has been in exhibitions at Casa de Portugal, Casa da Fazenda do Morumbi, Instituto Tomie Ohtake, Paço das Artes de Santo André/SP, Centro Cultural Aúthos Pagano/ SP, Galeria Romero Britto. In 2015, her interest in photography, applying concepts of abstraction in image capturing, emerged. Her photographic works have been exhibited and awarded in Brazil and Europe. Her works are in acquis at Museu da Cidade de Aveiro/Portugal, at Museu da Imagem e do Som de Maceió, Alagoas’ state capital, Brazil, and Fundação Mokiti Okada, in São Paulo.


IMAGES WHICH SUGGEST CONCRETENESS AND TRANSCENDENCES, REALITIES AND UNREALITIES. Getting in Amazonia’s collective unconsciousness. Proposing unrealities from realities. Creating signs –signified and signifier—from only one image. Then the magic of photographic art emerges: the use of real as a document to formulate unrealities. Iconic polyvalences, transcendences. At the same time, aesthetically, it allows an objective image fruition. Francine Nagata delicately penetrates the Amazon memory and astonishes us by taking it from its ancestral myths carefully presentified. Journalist Fábio Itasiki has a poetic version of her work: “When the feeling of natural preservation of the Amazon forest’s ecosystems harmonize with the need to preserve culture, folklore and the strength of local traditions to the essence of existence, Francine Nagata’s photographic register materializes in a trip which permeates primitive, mysterious, divine. Words in masculine which also keep, in their framework, the femininity of Amazon beliefs. Nagata connects the culture of legend by capturing the lightness of the Amazon river dolphin in the materialization of the popular imagistic of transformation – and from the symbiosis of man and nature. Dichotomy of worlds which exist between the clarity of simple and darkness. Diaphragms, drowned bellies, enclosures which appear in the biodiversity of flowers, sacred fruit, legends, animals. In these photographic narratives –pictorial in culture preservation, trees, forests, simple lives interlaced by the vines of Amazon stories--, there is the energy of natural forces which are confronted by men, by the lack of faith, by the predatory immediacy which has already been fought against by singer Sting, an advocate for environment purposes: “Some people don’t feel that the world,

as it is, will be too fragile”. Francine Nagata graduated in Communication and Advertising at Universidade Anhembi Morumbi, in São Paulo, Brazil. Her works were published at magazines Elle (Dutch), Nieuwe Revu, Esquire, Cosmopolitan, Casa Vogue, Quem Acontece. She lives in São Paulo, Brazil.


A CLASSIC PHOTOJOURNALIST AND PHOTO ARTIST WHO TURNED OFF HIS LENSES James Stuart and Jamie Stewart-Granger are the same person, the same photographer. Almost 60 years working, photos from all over the world. He is a classic of world photography, in a pure sense. He is a brilliant landscape architect and portrayer; shoots cars, boats, sports; frames women aesthetically, sensually and carefully. Works in photojournalism and photo art, sometimes mixes both in the same click. James or Jimie started in the movies, as some kind of director’s assistant. He left England, went to Rome, visited Africa filming with Henry Hathaway. The team’s photographer got sick and, as he was always with a camera, he was nominated the official photographer. He travelled around the world. He chose Brazil to live. Stuart was born in Windsor, England, in 1944. He first knew the country in 1974 and settled there in 1980. He has lived in Rio de Janeiro, Sao Paulo, Tiradentes (in Minas Gerais) and settled in Cumuruxatiba, in the south part of Bahia. In an e-mail addressed to Carcará Photoart magazine, in 2019, he confided: “[...] I am now 75 years old and have turned off my lenses.”


READY-MADE AND CONCEPTUALISM, NO PREJUDICE. Prosaic ads of prostitutes transformed in art. This original gaze from Jarkko Wickström refers to Marcel Duchamp’s ready-made and Joseph Beuys’ conceptualism (art is what I say is art). There is no glamour in such proposal, there is fetish. It is, at the same time, challenging and bold. We need to take off our prejudices and at least try to have a look like Wickströn’s. We are slowly seduced: by the intentionality which puts us in the place of others and by the eroticism. He invites us to pay more attention around us: it is possible to find out many art in the surroundings. One only needs to know how to see, signify and ressignify. Jarkko Wickström graduated in Communication Studies and has a master’s degree in Social Sciences at Tampere University, from Finland. He is Operations Director in Brazil and Latin America for Finland University, in Sao Paulo. He makes partnerships with universities and educational enterprises in Brazil. He was also the coordinator of cooperation in education and science between Finland and Brazil at the Finnish Embassy in Brazil (2016 – 2018).


A SOPHISTICATED EXPRESSIONISM WHICH ENGENDERS REVOLUTIONS José Américo’s art transcends the painting’s bidimensional space. It is there. But its symbolic meaning merges with visual metaphors. They can’t be separated. We should penetrate these images political and socially. It is true that art structures itself as language. But here the artist elaborates manifests to be felt. Each elaborate composition from José Américo develops sagas. In each photo there is a long story which develops before our consciousness. What we see reveals and hides. One needs to search. Before us, sometimes, a sophisticated naïf; in others, an elaborate expressionist. In all of them, indignation. One needs to penetrate these photos as someone who walks towards and in a demonstration. When we introject consciously José Américo’s photographic speech, we realize a certain epiphany. But to achieve that we need some time of contemplation and isolation. In these art works, a revolution is prepared. Jose Américo Silvares Costa, well known by the artistic name of Jsilvares, is a lecturer, retired bank employee from Banco do Brasil, graduated in Pedagogy, with a post-graduation in Psychology, has a master’s degree in Administration at Fundação Getúlio Vargas, has been an amateur photographer since 15, and loves all kinds of arts. Brazilian, from Vitória, capital of Espírito Santo state, married, two children, a grandson. Collector of vintage cameras, builder of “lambe-lambe” cameras with old material. About the importance of portrait photography, he says: “A portrait is the capture of emotion, and I make an anamnesis of each person to find out different and rich worlds in the simplest human being”.


A TRANSCENDENTAL AUDACITY WHICH OVERFLOWS BEAUTY, ART, CREATIVITY. Manoel Veiga is bold. He dared to challenge Michelangelo Merise de Caravaggio. To me, the most baroque of the baroque; the most aggressive; the most rebel; the most chased; the masterful colorist almost tridimensional in his “chiaroscuro”. The painter is a protagonist of passages and characters from the Bible, using prostitutes, beggars, homeless children as models. And he challenges the most Caravaggian of the features: the gloominess. One has to be bold to offer the viewers an hypertrophy of white and its variations up to black. Time and again, photography outgrows itself, recreates itself, metabolizes itself energetically, through special creativity. And overflows beauty, vigor, aestheticism. Manoel Veiga’s baroque leap presentifies Caravaggio and sends it to the future, then in its own transubstantiated language. And the result of this transcendental challenge is the exaltation of beauty, of art, of creativity. Because there can’t be another Caravaggio, Manoel Veiga left his own paintings (very awarded), captured Caravaggio’s and resourced to photography. He created original works, as ingenious and original as the paintings of the man who inspired him. It is good to see and feel the XVI, XVII and XXI centuries walk and overflow together artistically. We all win this challenge: immortal Caravaggio, transcendental Manoel Veiga and each viewer who has the pleasure to experience these works, regaining the classicism of his proposals. Manoel Veiga was born in 1966, in Recife, capital of Pernambuco state. He grew up in Boa Viagem beach. He has been an avid reader and drawer since childhood. His growing interest in science and mathematics leads him to an early and intense contact with computers. In 1985, he started studying Electronic Engineering at

Universidade Federal de Pernambuco, also gaining a scholarship in the Physics Department. He starts photographing as a hobby. After getting his diploma, he worked with industrial automation. After four years, he gets back to drawing and attends the atelier of the artist Renato Valle, where he starts painting. Months later, he leaves Engineering. An autodidact in arts, he meets artist Gil Vicente, who orients him in this new career. During lessons took at Fundação Joaquim Nabuco, in Recife, he meets the Arts critic Agnaldo Farias, who years later would provoke his moving to São Paulo, where he currently lives. In 1997, he has been at Escola de Belas Artes de Paris. MANOEL VEIGA

AN AESTHETIC FOR MULTIPLE TRIPS Between minimalism, conceptualism and expressionism. Pallotta’s photos provide infinite trips. There is no hard edge in his works. They luxuriate in spreading through space. And our gaze can follow them freely. Each work can turn into a mini installation. And we can penetrate them. This photographer converts into an artist, using photography as part of its support. His creation is free, spatial, so that we can follow him in his proposal. His making surpasses the gaze. It’s as if ego, superego and id got together to propose an interpretation of reality not yet realized. Then Pallota makes something of the subconscious concrete. And offers us a very particular contemplative, poetic experience. His works demand a little more time to be felt and admired. Marcelo Pallotta is an Art Director, a graphic designer, a photographer and an artist. He is also the most requested poster maker for the cinemas of São Paulo. At 50, and 20 of career, he has created over 150 posters for movies like Carandiru, O Ano em que Meus Pais Saíram de Férias, Cidade de Deus e Que Horas Ela Volta?. He started photographing in 1991.


BEAUTIFUL AND STRONG COMPOSITIONS WHICH TAKE US AWAY FROM A COMFORTABLE ANESTHESIA Who are the human beings Mônica Vendramini proposes aesthetically? Their photos are not mere and easy documents; they are not paintings either; much less registers to be archived. They ask to be seen, questioned, analyzed, pondered upon, physical and metaphorically. They mobilize our memory’s archives; oblige us to rethink a reality we usually avoid; contemplate us with a distance we have created; question our humanity. What is this reality that refers to the complex simplicity of urban outskirts where glamour is absent? There is anguish in some moments; there is joy in others; there are frozen times in the beginning of nights; silences; but there is also lack of hope. Which memories should we preserve? What is aesthetically within our eye’s reach overflows emotion. They need to be contemplated carefully and then challenge us to mobilization: but in what direction? The more we contemplate them, the more they take us away from a comfortable anesthesia. This is the aesthetic force of Mônica Vendramini. She doesn’t steal the soul of her characters, as many indigenous people fear. She exposes the soul of each human being she reveals. Some of them are very painful. Monica Vendramini was born in São Paulo, in 1965, and graduated in the Faculty of Arts of Pontifícia Universidade Católica de São Paulo (PUC SP, 1989). She spent a year in Tokyo, Japan, before taking up a career as a photojournalist at newspaper Folha de S. Paulo, at 21. She worked for O Estado de São Paulo and Veja magazine. Since 2002 she has been collaborating with newspapers Libération, Le Soir and Le Temps. She directed two documentaries: “Maiakovski”, about the Russian poet (and won an award: Prêmio Estímulo, from

São Paulo’s Culture State Department); and “Sato”, about the Japanese immigrant Kan Ichi Sato. She lives and works in São Paulo.


METAPHORS, SIGNS AND SYMBOLS COMPOSE A SOPHISTICATED AESTHETIC The aesthetic communication proposed by Pedro Rocha goes through a sophisticated semantic scheme. Decodifying the images he creates implies in an immersion in Ferdinand de Saussure’s linguistic. We start with a metaphor - a figure of speech which produces figured meanings through comparison. We move to the concept of sign, which comprises signifier and signified. The works of Pedro Rocha are structured as language and present themselves aesthetically as photographic art. Two more words: sign and symbol. Here, a simple dagger is full of intentions and semantic interactions. All spiced up with structures collected from mass communication. Pedro Paulo Rocha, son of Glauber Rocha, is a transmedia artist and filmmaker: he makes movies, poems, songs, photos. His flickr ( com/people/pedropaulorocha/) registers: “His works are in constant synthesis, rotation and intersemiotic translation. His projects are characterized by collective collaboration, aesthetic hybridism and technological interfaces to expand the frontiers of cinema and its reconfiguration to new formats, languages and means of presentation.”


BODIES WHICH ASK FOR METAPHYSICAL CONTEMPLATION The body as a mystery. Not a mysterious body. An enigma body which doesn’t ask to be deciphered. Each body Vânia Toledo registers (timeless bodies with no space) keeps a no sex, a no sport, a no exhibition, a no object. However, all these negations perform the plastic body quality proposed by the photographer. They present themselves as subjective bodies made eternal. How much revival and mannerism do we find in these bodies? In its tense immobility, these beautiful exercises of photographic art demand a metaphysical contemplation. Vânia Toledo highlights: “There is no censoring in the body, the body is free. People forget that male nudity is the most natural thing for those who admire art –it is not banal, but it is normal. I claim for physical, psychological, artistic freedom and all that. We are free, we don’t need clothes -braces, censorships. I think a lot about Ansel Adams as a reference, those mountains –like the volumes that the male body has. Women have curves, men have volumes. My vision is very clear and modern about everything, I don’t censor myself ”. Vânia Rosa Cordeiro de Toledo was born in Paracatu, Minas Gerais, in 1945. She graduated in Social Sciences at Universidade de São Paulo (USP) and taught economic and universal history. She worked at Editora Abril and newspaper Aqui São Paulo. Her prestige increased when she launched the book and the exhibition “Homens” (1980), in which she photographed 28 nudes with men like Caetano Veloso, Ney Matogrosso, Nuno Leal Maia, Walter Franco and Roberto de Carvalho. She produces photos for Vogue, Interview, Claudia, Veja, IstoÉ, Time, Life, Folha de S. Paulo, O Estado de S. Paulo. In 2007, she was awarded an Ordem do Mérito Cultural, an acknowledgment for national and foreign personalities who contribute to Brazil’s culture.


EDITORIAL A CRIATIVIDADE, A BELEZA E O VIGOR COM QUE A ARTE FOTOGRÁFICA NOS PRESENTEIA A boa arte fotográfica é e será eternamente uma surpresa, algumas vezes, agradável, outras, desagradável. Fotos de guerra, por mais criativas e esteticamente compostas que sejam, provocam constrangimento. Mas vamos ficar com as surpresas agradáveis. Neste número, Carcará está particularmente diversificada. Suas páginas revelam possibilidades de inovação e registros tradicionais, todos de alta qualidade. Começamos destacando dois artistas plásticos, os premiados Amador Perez e Manoel Veiga que vão aos clássicos da pintura para criar novas obras e estimular releituras. Registros muito diferentes entre si são os documentos de Alexandre Frigeri, Andréia M. Ferrari, James Stuart / Jamie Stewart-Granger, Mônica Vendramini e Francine Nagata. Em todos, brota uma grande sensibilidade. E as lições de Daniel Malva e Vânia Toledo? Ele fotografa mulheres, ela fotografa homens, em nus de esplêndidas composições e atmosferas. E temos Jarkko Wickström, Marcelo Pallotta e Pedro Paulo Rocha, explorando o conceitualismo quase lírico. E ainda cabe um expressionista amador, José Américo / Jsilvares, e seus manifestos. Tudo isso nos confirma a eternidade e valorização de uma arte que tem na reprodutibilidade sua proposta democrática. A arte deve ser para todos e a reprodução amplia as possibilidades de atingir e sensibilizar cada vez mais interessados. A arte é uma das principais características do ser humano. E a arte fotográfica pode ajudar a humanidade a ser mais sensível, mais observadora de injustiças e mais voltada à solidariedade. Com sofisticados equipamentos ou com um simples telefone celular podemos fazer história, registrando fatos, pessoas, paisagens... enfim, valorizando a vida, das pessoas e da natureza. Boas fotos! CARLO CIRENZA

DANIEL MALVA UMA ATMOSFERA LÍQUIDA, SUAVEMENTE ERÓTICA, ONDE OS CORPOS PARECEM SE MOVER EM CÂMARA LENTA. Podemos sentir lânguidos movimentos em câmara lenta em cada corpo revelado por Daniel Malva. Eles se movem, se liquefazem, quase se dissolvem. Temos a impressão de que, quando voltarmos de nosso percurso contemplativo, eles não estarão mais lá. Que estranha e profunda temporalidade Daniel Malva consegue captar. Há que se louvar a fotografia e, sobretudo, o fotógrafo que nos oferecer novos registros desse objeto que é o principal ícone da história da arte: o corpo nu feminino. Associado a ele, emerge o erotismo. Nu feminino e erotismo são irmãos xifópagos, apesar de algumas vezes estarem separados. Neste caso, estão juntos. Suavemente juntos. Então, entra em cena uma das principais características desta criativa série: a atmosfera. Uma reflexão se faz necessária: toda arte é uma intervenção no mundo, uma representação, um olhar particular transformado em imagem. Tudo isso acontece nestes trabalhos. De repente, nos tornamos “voyeurs”, do corpo, de seus detalhes e da alma das personagens. E nos perdemos em nossos interiores. A arte de Daniel Malva nos remete para outras realidades que habitam o consciente e o inconsciente, atemporalmente. Vamos ouvir o que ele diz: “Estudar fotografia é uma prática mista e híbrida, e se aprofundar em suas questões, é também se aprofundar em campos múltiplos do conhecimento. Podemos ver em trabalhos como o de Edward Steichen, as influências da pintura em seu trabalho, por exemplo. Mas também podemos ver caminhos inversos, quando olhamos algumas pinturas de Francis Bacon, na leitura do artista sobre as fotografias de Eadweard Muybridge. Sempre trabalhei com fotografia fora do escopo tradicional, ou seja, com fotografia

expandida ou pós-fotografia. Mesmo antes dos trabalhos atuais, meu trabalho já possuía questões híbridas e longe da fotografia convencional”. Daniel Malva é artista visual, fotógrafo, arte educador e pesquisador. Mestre em Artes no Programa de Pós-Graduação (UNESP/2019); Tecnólogo em Mecatrônica Industrial (SENAI/2015) e Bacharel em Fotografia (SENAC/2006); Integrante nos grupos de pesquisas GIIP e CAT (certificados pelo Instituto de Artes da UNESP e pelo CNPq) Sua pesquisa busca novas abordagens para seus processos criativos e fotográficos construindo lentes, criando novos reveladores de filmes, alterando e criando softwares para câmeras digitais. Faz também parte do escopo de sua pesquisa temas híbridos da arte-ciência e artetecnologia (mecatrônica, linguística, matemática, biologia, química, programação e física). Possui obras adquiridas pelo acervo do Museu da Cidade de São Paulo (2015); nas galerias Kristin Hjellegjerde Gallery (Londres) e Galeria Mezanino (São Paulo).

ALEXANDRE FRIGERI PARIS ECUMENIZADA, SEM LUZ, PLASTICAMENTE TRANSCEDENTAL. Recriar Paris, como se isso fosse possível. Olhar Paris de dentro para fora. Subverter o inconsciente coletivo parisiense. Duchampianamente, Alexandre Frigeri utiliza a máquina fotográfica para construir ready mades. E desconstruir Paris. Ao contrário das colagens de Robert Rauschenberg, este registro fotográfico não se propõe a revelar um caos urbano e incomunicabilidades. A estética de Frigeri, mesmo com uma feliz influência da pop art norte americana, não denuncia. Plasticamente, ela propõe novos olhares para uma cidade, aqui, ausente de luz. Estamos diante de aporias parisienses, nas quais a ressignificação só e possível a partir das desconstruções? Nós, meros espectadores, nos colocamos indignados diante de tal ousadia. Está aí a grandeza da arte: ela não se deixa possuir pelo narcisismo. Para além da presentificação do clique fotográfico, a arte fotográfica de Frigeri propõe uma transcendência. Ela metaboliza a realidade. Ecumeniza a cidade. Globaliza a urbanidade. Egoisticamente, Frigeri guardou um arquétipo só para ele e, a partir de seu olhar, oferece em troca uma bela irrealidade com uma concretude abissal. É preciso ter olhos perspicazes para ver e coragem para registrar e mostrar. Estamos diante de uma estética geopolítica. Quem souber, sentirá profundamente os incríveis argumentos que escorrem das paredes parisienses abertas intestinamente aos olhares do mundo. Por isso é importante mergulhar cuidadosamente em cada foto de Alexandre Frigeri. Aqui, um depoimento dele: “Procuro comunicar através do registro fotográfico uma sensação momentânea que gostaria de eternizar, inicialmente, para minha satisfação pessoal. Na medida em que o registro pessoal pode ser estendido a um

público mais amplo ele se torna progressivamente autoral. Neste caso, queria fazer um registro fora do corriqueiro sobre Paris, diferente do olhar turístico, sobre a cidade que visito todos os anos e em relação a ela tenho afinidade e grande admiração. Inúmeras vezes fotografei o que poderia ser banal e tentei transformar em algo que, ao menos para mim, seria um registro pessoal das minhas caminhadas por novos olhares e que pudesse compartilhar. Dessa forma, sem a pretensão de me expressar como um fotógrafo profissional, o que me levou a expor tais registros é a oportunidade de compartilhar momentos e sensações quando da sua observação.” Alexandre Frigeri nasceu em Caxias do Sul, em 1956. Formou-se em Turismo e Hotelaria; tem mestrado em Bens Culturais e Projetos Sociais pelo Centro de Pesquisa e Documentação de História Contemporânea do Brasil, da Fundação Getúlio Vargas.

AMADOR PEREZ METAARTE EM ENIGMÁTICA E SENSÍVEL SUBVERSÃO ESTÉTICA Manipular imagens. Dedilhar imagens. O toque, o polegar opositor que nos distancia dos primitivos hominídeos. Sentir a densa poesia dos clássicos por meio de uma carícia. O bidimensional se amplifica. Tridimensionalmente se transporta do consciente para um inconsciente que se concretiza à nossa frente. Um gesto transformado em visão para ser transmutado em emoção. Um regente diante de uma orquestra de personagens. Um profundo mergulho num cenário agora tornado infinito em preto e branco, positivo e negativo. Amador Perez, enigmaticamente, subverte a estética convencional e a transforma num emocionante conceito. Realidade, irrealidade? Vale tudo para sorvermos cada momento destes palcos quase impenetráveis. A concretude e a contundência das mãos pedem olhares cuidadosos e perspicazes. E a metaarte emerge belamente gloriosa. Amador Perez descreve seu caminho: “Animado com minha admiração e” constante observação das obras de Dürer, Vermeer, Watteau e Courbet, fotografei com o celular meus dedos brincando com uma reprodução impressa de Gilles, célebre pintura de Watteau, uma instigante representação do personagem Pierrô, e assim originou-se a série DVWC Fotos e Variações. Atualmente utilizo a fotografia como mais um meio e extensão do meu trabalho, e em DVWC Fotos e Variações, dou continuidade às questões de materialidade e imaterialidade, singularidade e multiplicidade, que investigo há décadas, estabelecendo relações entre as imagens das obras originais e suas reproduções.” A obra DVWC, de Amador Perez, é constituída por um conjunto de imagens em preto e branco, divididas em quatro

séries, cada uma correspondendo a uma das iniciais do título: D de Dürer (Albrecht Dürer, 1471-1528), V de Vermeer (Johannes Vermeer, 1632-1675), W de Watteau (Jean-Antoine Watteau, 1684-1721), C de Courbet (Gustave Courbet, 1819-1877) (a série selecionada pelo editor para esta edição). As imagens de todas as séries foram produzidas com recursos essencialmente fotográficos, aí incluída a manipulação da fotografia por meios digitais. A esse núcleo central, agrega-se um segundo conjunto em que as mesmas imagens são sujeitadas a um processo de decomposição e recomposição por meio de interferências manuais – desenho, pastel, gravura –, recebendo a sobreposição de cores. Artista plástico, designer gráfico, fotógrafo, professor. Amador Perez nasceu em 1952 no Rio de Janeiro onde reside e mantém ateliê. Graduou-se em 1976 em Projeto Gráfico pela Escola de Belas Artes da Universidade Federal do Rio de Janeiro. Em 1977 realizou sua primeira exposição individual, Waslaw Nijinsky . Participou da XXI Bienal Internacional de São Paulo (1991). Em 2014 comemorou 40 anos de atividades realizando as exposições Quantos Quadros, no Centro Cultural Cândido Mendes-Ipanema, e Memorabilia Amador Perez - 40 Anos , no Centro Cultural Correios Rio de Janeiro; e em 2019 completou 45 anos de trajetória expondo Amador Perez - DVWC - Fotos e Variações, no Paço Imperial, Rio de Janeiro. Magistério: professor universitário desde 1981, principalmente na ESDI/UERJ - Escola Superior de Desenho Industrial da Universidade do Estado do Rio de Janeiro, de 1984 a 2011, e no Departamento de Artes e Design/PUC Rio - Pontifícia Universidade Católica do Rio de Janeiro, de 1991 a 2017.

ANDRÉIA M. FERRARI PAISAGENS, DOCUMENTOS, ABSTRAÇÕES? UMA ARTE QUE DESAFIA NEURÔNIOS SENSÍVEIS. Onde está a realidade? O que nossos olhos enviam para nosso cérebro? Onde nos sentimos mais confortáveis e emocionados: diante do que vemos ou dentro do que sentimos? E como ver e sentir o que se nos apresenta? É possível separar? Aqui, vale um pouco de filosofia: para Aristóteles, nossos pensamentos não surgem do contato de nossa alma com o mundo das ideias, mas da experiência sensível. “Nada está no intelecto que não tenha passado pelos sentidos”, dizia o filósofo. Agora, adentramos no universo da magia da fotografia: ela nos encanta e Andréia Ferrari, sábia e explosivamente, nos inunda de imagens que são e não são, ao mesmo tempo, o que pensamos que são. Os geólogos sabem ver os sinais do tempo; nós leigos sabemos ler a grandiosidade e a intensidade que as rochas nos propõem. Formas e cores. O universo abstrato é infinito; o universo real é finito. Aquele, amplia nosso interior; este concentra nossa intenção. Em qualquer dessas dimensões, Andréia Ferrari nos encanta e desafia. Estamos diante de milhões e milhões de anos; estamos diante de milhões de emoções; estamos diante de obras de arte futurificadas, porque nossa mente é infinita. Mas aqui, os sentidos nos remetem diretamente para a emoção. Mesmo para os geólogos, acredito que a realidade tende a se dissolver esteticamente. E todos nós adentramos no universo geológico transformado em incógnita paisagem, em recôndita abstração, em humanidade atemporal. Temos apenas dois milhões de anos. Mas tempo suficiente para interagir com essas inóspitas superfícies. Nós as questionamos e elas nos questionam. É um prazer e um desafio essa interação. E a arte nos salva da depressão que pode emergir pela nossa

finitude diante de tanta permanência. Ao nos propor estas obras, Andréia Ferrari nos fortalece pela fruição que elas proporocionam. Que os neurônios de cada um de nós resolvam. Andréia Maria Ferrari, que assina artisticamente, Dhéia Ferrari, é uma artista visual que atua também em fotografia “fine art”. Nasceu, vive e trabalha na cidade de São Paulo, Brasil. É graduada em Direito com Mestrado na Universidade de Southampton na Inglaterra. Em 2005, teve a primeira mostra coletiva de pintura na Galeria do Senac, em São Paulo, e posteriormente participou de exposições coletivas em galerias e salões de arte. Como Artista Visual, esteve em exposições e salões de arte em locais como Casa de Portugal, Casa da Fazenda do Morumbi, Instituto Tomie Ohtake, Paço das Artes de Santo André/SP, Centro Cultural Aúthos Pagano/ SP, Galeria Romero Britto. Em 2015, despertou seu interesse por fotografias, empregando os mesmos conceitos da abstração na captação das imagens. Seus trabalhos fotográficos já foram expostos e premiados no Brasil e na Europa. Tem trabalhos em acervo no Museu da Cidade de Aveiro/Portugal, no Museu da Imagem e do Som de Maceió, capital de Alagoas, Brasil, e Fundação Mokiti Okada, na cidade de São Paulo.

FRANCINE NAGATA IMAGENS QUE SUGEREM CONCRETUDES E TRANSCENDÊNCIAS, REALIDADES E IRREALIDADES. Adentrar ao inconsciente coletivo da Amazônia. Propor irrealidades a partir de realidades. Criar signos – significados e significantes – com apenas uma imagem. Então, emerge a magia da arte fotográfica: a utilização do real como documento para formulação de irrealidades. Polivalências icônicas, transcendências. Ao mesmo tempo, esteticamente, possibilita uma objetiva fruição imagética. Francine Nagata penetra delicadamente na memória amazonense e nos deixa deslumbrados ao retirar dela mitos ancestrais cuidadosamente presentificados. O jornalista Fábio Itasiki faz uma poética leitura de seu trabalho: “Quando o sentimento de preservação natural dos ecossistemas da Floresta Amazônica se harmoniza com a necessidade da preservação da cultura, do folclore e da força das tradições locais para a essência da existência, materializase o registro fotográfico de Francine Nagata, em uma viagem que permeia o primitivo, o misterioso, o divino. Vocábulos em gênero masculino que também guardam em seus arcabouços a feminilidade das crenças amazonenses. Nagata faz a conexão da cultura de lenda ao capturar a leveza do boto cor-de-rosa na materialização do imagístico popular da transformação – e da simbiose do homem com a natureza. Dicotomia de mundos que vivem entre a claridade do simples e o a escuridão. Diafragmas, ventres submersos, invólucros que surgem na biodiversidade das flores, frutos sagrados, lendas, animais. Nessas narrativas fotográficas - pictóricas de preservação de cultura, de árvores, de floresta, de vidas simples entrelaçadas pelos cipós dos contos amazonenses – encontra-se a energia das forças naturais que

são afrontadas pelo homem, pela falta de crença, pelo imediatismo predatório que já foi combatido pelo cantor Sting, defensor de causas ambientais: ‘Tem gente que não sente que o mundo assim, ficará frágil demais’.“ Francine Nagata é bacharel em Comunicação e Publicidade pela Universidade Anhembi Morumbi em São Paulo, Brasil. Tem trabalhos publicados nas revistas Elle (holandesa), Nieuwe Revu, Esquire, Cosmopolitan, Casa Vogue, Quem Acontece. Mora em São Paulo, Brasil.

JAMES STUART / JAMIE STEWART-GRANGER UM CLÁSSICO FOTOJORNALISTA E FOTOARTISTA QUE DESLIGOU AS LENTES James Stuart ou Jamie Stewart-Granger são a mesma pessoa, o mesmo fotógrafo. Quase sessenta anos de profissão, fotos de todas as partes do mundo. Ele é um clássico da fotografia mundial, no sentido puro. É um exímio paisagista e retratista; faz carros, barcos, esportes; enquadra mulheres estética, sensual e cuidadosamente. Faz fotojornalismo e fotoarte, às vezes, junta os dois no mesmo clique. James ou Jimie começou no cinema, uma espécie de assistente de diretor. Saiu da Inglaterra, foi para Roma, passou pela África filmando com Henry Hathaway. O fotógrafo da equipe ficou doente e como ele sempre estava com uma máquina fotográfica, o nomearam fotógrafo oficial. Saiu mundo afora. Escolheu o Brasil para morar. Stuart nasceu em Windsor, Inglaterra, em 1944. Ele conheceu o país em 1974 e se estabeleceu aqui em 1980. Morou no Rio de Janeiro, em São Paulo, Tiradentes em Minas Gerais, e se estabeleceu em Cumuruxatiba, no sul da Bahia. Em um e-mail endereçado à revista Carcará Photoart, em 2019, ele confidenciou: “[...] agora tenho 75 anos e desliguei minhas lentes.”

JARKKO WICKSTRÖM READY MADE E CONCEITUALISMO, SEM PRECONCEITOS. Prosaicos anúncios de garotas de programa transformados em arte. Esse olhar inusitado de Jarkko Wickström nos remete aos ready made de Marcel Duchamp e ao conceitualismo de Joseph Beuys (arte é aquilo que eu digo que é arte). Não há glamour nesta proposta, há fetiche. Ela é, ao mesmo tempo, desafiadora e ousada. Precisamos nos despir de preconceitos e utilizar ou, pelo menos, tentar utilizar um olhar semelhante ao de Wickströn. Aos poucos, vamos sendo seduzidos: pela intencionalidade que nos coloca no lugar do outro e pelo erotismo. Ele nos convida a prestar mais atenção ao redor: é possível descobrir muita arte no entorno. Basta saber ver, significar e ressignificar. Jarkko Wickström é graduado em Estudos da Comunicação e mestre em Ciências Sociais pela Universidade de Tampere, na Finlândia, e Diretor de Operações para Brasil e América Latina na Universidade da Finlândia, em São Paulo. Constrói parcerias com universidades e setor educacional no Brasil. Foi coordenador de cooperação em educação e ciência entre a Finlândia e o Brasil na Embaixada da Finlândia no Brasil (2016 – 2018).

JOSÉ AMÉRICO / JSILVARES UM SOFISTICADO EXPRESSIONISMO QUE ENGENDRA REVOLUÇÕES A arte de José Américo transcende o espaço bidimensional do quadro. Ela está lá. Mas seu significado simbólico se funde com as metáforas visuais. Não há como separá-los. Devemos penetrar política e socialmente nestas imagens. É verdade que a arte se estrutura como linguagem. Mas aqui, o artista elabora manifestos para serem sentidos. Cada elaborada composição de José Américo desenvolve sagas. Em cada foto, uma longa história que se desenrola diante de nossa consciência. O que vemos revela e oculta. É preciso perscrutar. Diante de nós, às vezes, um sofisticado naïf; outras, um elaborado expressionista. Em todas, a indignação. Há que se penetrar nestas fotos como quem caminha para e numa manifestação. Quando introjetamos conscientemente o discurso fotográfico de José Américo, percebemos uma certa epifania. Mas para isso é preciso algum tempo de contemplação e ensimesmamento. Nestas obras de arte, há uma revolução sendo preparada. Jose Américo Silvares Costa, mais conhecido pelo nome artístico Jsilvares, é professor universitário, bancário aposentado do Banco do Brasil, formado em pedagogia, com pós-graduação em psicologia, mestrado em administração pela Fundação Getúlio Vargas, fotógrafo amador, desde os 15 anos, que ama todo tipo de arte. Brasileiro, capixaba de Vitória, capital do estado de Espírito Santo, casado, dois filhos, um neto. Colecionador de câmeras antigas, construtor de uma câmera tipo lambe-lambe com materiais antigos. Sobre a importância da fotografia de retrato, ele revela: “Retrato é captura de emoção, e eu faço uma anamnese da pessoa e descubro mundos diferentes e ricos do ser humano mais simples”.

MANOEL VEIGA UMA OUSADIA TRANSCENDENTAL QUE TRANSBORDA BELEZA, ARTE, CRIATIVIDADE. Manoel Veiga é ousado. Foi desafiar logo quem: Michelangelo Merise de Caravaggio. Para mim, o mais barroco dos barrocos; o mais agressivo; o mais rebelde; o mais perseguido; o magistral colorista quase tridimensional nos seus “chiaroscuros”. O pintor que protagoniza passagens e personagens bíblicas utilizando como modelos prostitutas, mendigos, crianças de rua. E foi desafiar naquilo que é a característica mais caravággica: o tenebrismo. Há que ser ousado para oferecer ao espectador uma hipertrofia do branco e suas variações até o preto. Vez por outra, a fotografia se supera, se recria, se metaboliza energeticamente, por meio de uma especial criatividade. E transborda beleza, vigor, esteticidade. O salto barroco de Manoel Veiga presentifica Caravaggio e o remete ao futuro, agora na sua própria linguagem transubstanciada. E o resultado desse desafio transcendental é a exaltação da beleza, da arte, da criatividade. Como é impossível existir outro Caravaggio, Manoel Veiga saiu de suas próprias pinturas (muito premiadas), capturou as de Caravaggio e foi à fotografia. Criou uma obra original, genial, como geniais e originais são as telas de seu inspirador. Como é bom ver e sentir os séculos XVI, XVII e XXI caminharem e transbordarem juntos artisticamente. Desse desafio, vencemos todos: o imortal Caravaggio, o transcendental Manoel Veiga e cada espectador que tiver o prazer de vivenciar estas obras, recuperando o classicismo de suas propostas. Manoel Veiga nasceu em 1966, no Recife, capital do estado de Pernambuco. Cresceu na praia de Boa Viagem. Desde a infância, torna-se ávido leitor e desenhista. Cresce seu interesse pela ciência e pela matemática que o leva a um contato precoce

e intenso com a informática. Em 1985 inicia curso de engenharia eletrônica na Universidade Federal de Pernambuco, se tornando bolsista de iniciação científica no Departamento de Física. Começa a fotografar como hobby. Após receber o diploma, trabalha com automação industrial. Após quatro anos volta a desenhar, frequentando o ateliê do artista Renato Valle e começa a pintar. Meses depois abandona a engenharia. Autodidata em artes, conhece o artista Gil Vicente que o orienta nessa nova formação. Durante curso realizado na Fundação Joaquim Nabuco em Recife, conhece o crítico de arte Agnaldo Farias que, anos depois, provocaria sua mudança para São Paulo, onde vive atualmente. Em 1997, esteve na Escola de Belas Artes de Paris.

MARCELO PALLOTTA UMA ESTÉTICA PARA MÚLTIPLAS VIAGENS Entre o minimalismo, o conceitualismo e o expressionismo. As fotos de Pallotta proporcionam infinitas viagens. Não há hard edge nos seus trabalhos. Eles se dão ao luxo de se estender pelo espaço. E nosso olhar pode acompanhálos livremente. Cada obra pode se transformar numa mini-instalação. E podemos penetrá-las. Este fotógrafo se converte em artista plástico, utilizando a fotografia como uma parte do suporte. Sua criação é livre, espacial, para que possamos acompanhá-lo na sua proposta. O seu fazer ultrapassa o seu olhar. É como se ego, superego e id se juntassem para propor uma interpretação da realidade não percebida. Então, Pallota concretiza algo do subconsciente. E nos oferece para uma vivência poética contemplativa bem particular. Seus trabalhos pedem um pouco mais de tempo para serem sentidos e admirados. Marcelo Pallotta é diretor de arte, designer gráfico, fotógrafo e artista plástico. É também o mais requisitado cartazista do cinema paulistano. Com 50 anos, e vinte de carreira, já criou cerca de 150 pôsteres de filmes, como Carandiru, O Ano em que Meus Pais Saíram de Férias, Cidade de Deus e Que Horas Ela Volta?. Começou a fotografar em 1991.

MÔNICA VENDRAMINI COMPOSIÇÕES BELAS E FORTES QUE NOS TIRAM DE UMA CONFORTÁVEL ANESTESIA Quem são os seres humanos que Mônica Vendramini nos propõe esteticamente? Suas fotos não são meros e fáceis documentos; também não são pinturas; e muito menos registros para serem arquivados. Elas pedem para serem vistas, questionadas, analisadas, refletidas, física e metafisicamente. Elas mobilizam arquivos da nossa memória; nos obrigam a repensar uma realidade que costumamos evitar; nos contemplam com uma distância que criamos; questionam nossa humanidade. Que realidade é essa que nos remete à complexa simplicidade de uma periferia urbana onde o glamour passa ao largo? Há angústia em alguns momentos; há alegria, em outros; há tempos congelados em inícios de noite; silêncios; mas há também desesperança. Quais lembranças devemos conservar? Aquilo que esteticamente está ao alcance dos olhos transborda emoções. Há que serem contempladas cuidadosamente e então, nos desafiam a uma mobilização: mas em que direção? Quanto mais as contemplamos, mais elas nos tiram de uma confortável anestesia. Essa é a força da estética de Mônica Vendramini. Ela não rouba a alma de suas personagens, como temem muitos de nossos indígenas. Ela expõe a alma de cada ser humano que revela. Algumas delas são bem doloridas. Monica Vendramini nasceu em São Paulo, em 1965 e é formada em Letras pela Pontifícia Universidade Católica de São Paulo (PUC SP, 1989). Passou um ano em Tóquio, no Japão, antes de iniciar carreira como fotojornalista no jornal Folha de S. Paulo, aos 21 anos de idade. Trabalhou para O Estado de São Paulo e revista Veja. Desde 2002 colabora com os jornais Libération, Le Soir e Le Temps. Dirigiu dois documentários:

Maiakovski, sobre o poeta russo (Prêmio Estímulo da Secretaria de Estado da Cultura de São Paulo); e Sato, sobre o imigrante japonês Kan Ichi Sato. Vive e trabalha em São Paulo.

PEDRO PAULO ROCHA METÁFORAS, SIGNOS, SÍMBOLOS E SINAIS COMPÕEM UMA ESTÉTICA SOFISTICADA A comunicação estética proposta por Pedro Rocha passa por um sofisticado esquema semântico. Decodificar as imagens criadas por ele implica uma imersão na linguística de Ferdinand de Saussure. Começamos por metáfora - uma figura de linguagem que produz sentidos figurados por meio de comparações. Passamos aos conceitos de signo que engloba significado e significante. Os trabalhos de Pedro Rocha se estruturam como linguagem. E se apresentam esteticamente, como arte fotográfica. Mais dois termos: sinal e símbolo. Aqui, um simples punhal está carregado de intenções e interações semânticas. Tudo isso temperado com estruturas recolhidas da comunicação de massa. Pedro Paulo Rocha, filho de Glauber Rocha, é um artista e cineasta transmídia: faz filmes, poemas, canções, fotos. O seu flickr ( pedropaulorocha/) registra: “Seus trabalhos estão em constante síntese, rotação e tradução intersemiótica. Seus projetos são caracterizados por colaboração coletiva, hibridismo estético e interfaces tecnológicas, com o objetivo de expandir as fronteiras do cinema e sua reconfiguração para novos formatos, linguagens e formas de apresentação.”

VÂNIA TOLEDO CORPOS QUE PEDEM UMA CONTEMPLAÇÃO METAFÍSICA O corpo enquanto mistério. Não um corpo misterioso. Um corpo enigma que não pede para ser decifrado. Cada corpo que Vânia Toledo registra (corpos atemporais sem espaço) guarda um não sexo, um não esporte, uma não exibição, um não objeto. E, no entanto, são todas essas negações que realizam a plástica corporeidade proposta pela fotógrafa. Eles se apresentam como corpos subjetivos eternizados. Quanto de renascimento e maneirismo encontramos nesses corpos? Nas suas tensas imobilidades, estes belos exercícios de arte fotográfica pedem uma contemplação metafísica. Vânia Toledo enfatiza: “Não existe censura no corpo, o corpo é livre. As pessoas esquecem que a nudez masculina para quem admira a arte é a coisa mais natural – não chega a ser banal, é normal. E eu clamo por liberdade física, psicológica, artística e tudo mais. Somos livres, não precisamos das roupas – amarras, censuras. Penso muito no Ansel Adams como referência, aquelas montanhas – como os volumes que o corpo do homem tem. Mulher tem curvas, homem tem volumes. Minha visão é muito clara e moderna sobre tudo, não tenho censura”. Vania Rosa Cordeiro de Toledo nasceu em Paracatu, Minas Gerais, em 1945. Formou-se em Ciências Sociais na Universidade de São Paulo (USP); lecionou história econômica e universal. Trabalhou na Editora Abril e no jornal Aqui São Paulo. Seu prestígio aumentou com o lançamento do livro e a exposição Homens (1980), em que fotografou 28 nus, entre eles Caetano Veloso, Ney Matogrosso, Nuno Leal Maia, Walter Franco e Roberto de Carvalho. Produziu fotos para Vogue, Interview, Claudia, Veja, Isto É, Time, Life, Folha de S. Paulo, O Estado de S. Paulo. Recebeu em 2007 a Ordem do Mérito Cultural, uma comenda dada a personalidades

nacionais e estrangeiras como reconhecimento por suas contribuiçþes à cultura do Brasil.

Credits Publisher: Alaide Rocha Editor: Carlo Cirenza Research and text: Fernando Rios Graphic Project: Marcelo Pallotta Designer Assistant: Katharina Pinheiro Translation: Bruna Martins Fontes Acknowledgements: Daniela Bousso e Marcia Mello 1 - Suggestions, complaints and praise should be sent by email to: 2 - Portfolios should be submitted in the following format: JPEG ( 20 x 30 cm ), 300 dpi by email to: ISSN 2596-3066

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