Carcara #20

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Cover Photo Dayane Araújo



Among many women photographers of very high quality, it was difficult to choose thirteen for this issue. They flow between the sea, the mountains, the city, the arid lands of Brazilian sertão, the conscious and the unconscious. They register moments or reality, merge reality and unreality, creating infinite times and spaces. They manage surrealities. A detail calls our attention: the theoretical consistency of their proposals, all very well-founded. Anie Barreto feeds unforgetfulness; Beatriz Bley creates an ecological hymn; Dayane Araújo makes a puzzle for the viewers to recreate; Delfina Rocha and her pearls to pigs which terrify us; Denise Luz and her metaphorical metaphysics; Esterline Góes, aesthetically, gives a vulnerable cry for help; Ianara Alencar merges our roots and nature’s; Laís Pontes used metalanguage to expose an open work; Maíra Ortins gives subjectivity to invisible subjects; Marcela Elias registers the marks of living in D. Elisa: Sheila Oliveira and her sensitive journalistic photo poems; Tatiana Tavares cruelly exorcizes daily life. This is a small sample of the immense quality of feminine photography in Fortaleza and Ceará.

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This issue had the inestimable collaboration of Patrícia Veloso, member of Museu de Fotografia de Fortaleza’s Curator Council and specialist in Culture Management and Modern and Contemporary Photography, one of the most important culture promoters in Brazil. She provided us a list of almost 50 excellent photographers. Hence our difficult to choose not the best, for they are equivalent, but those who could help us on schedule. To you, Patrícia Veloso, our special thanks.


Each detail of time/space Dayane Araújo selects and collects with accurate sensibility, soon turning it into image/ register, is an attempt to retrieve a memory/sensation. She seems to desire to interfere in the fugacity of reality. All seems volatile. But she doesn’t acquiesce. As in a refined police novel, she elucidates each enigma/claim. As she elucidates each one, she offers them plastically. So she creates photos/pieces of many puzzles in which the missing pieces should be brought by the viewer. Despite looking timeless, we can almost feel time passing when we stop before them. Then it is possible to give them new sensorial and historical meanings. Not by chance, they are part of the series/project “Conto a inquietação de cada gota que me percorre como infiltração”. Dayane Araújo argues:

“Certain silences remain where there’s strong desire for listening, and so I proceed a walking sum of memories, not feeling them running through my fingers, infiltrating them. The body, in its interstices, being a passage, becomes a landscape. Documental autobiographical project in development over affective memory and photographic intention, rescue of time lapses through preventive inventory and recollecting insistence to deal with the fear of genetic propensity to oblivion. Imagery listing as a notepad with the acquis of photographic registers started at age 11, from the family’s daily life and ordinary intimate.”

Dayane Araújo was born in Fortaleza, in 1990. She graduated at Escola Porto Iracema das Artes and took other classes in photography, narratives and visual poetry (20172019). She studied Interior Design at Faculdade Integrada do Ceará. She researches affective memory and photographic intention, from the editing process as auto analysis and imagery listing, from her own acquis produced in twenty years.

Collective exhibitions (2018-2019): As cidades das

mulheres – II Encontro com o Feminino Plural / Unifor – Universidade de Fortaleza, Fortaleza; Miragem – 1ª Edição Solar FotoFestival / Multigaleria do Centro Cultural Dragão do Mar, Fortaleza; Itinerância Miragem – 2ª Edição Festival QXas do Sertão Central / Casa de Saberes Cego Aderaldo, Quixadá; Os pensamentos do coração2ª Exposição coletiva / Porto Dragão, Fortaleza; all in Ceara state, Brazil. ( instagram@dayaraujo)



“from the cashew smell which awoke joy, but then distance. from hanging roots, in hot water, in the hands. to be far and yet make me feel I belong. even losing the cartographic line, I feel I belong. from women who are flesh of my flesh. from roots embedded in my spirit, firmament. I retell and relive pains, but also watch the woman, who is also me, my mother and my sister.

with a strong name, Ilda, and stronger hands, I ask the goddess not to lose memory of what I was, am and will be.”

Ostracism was the worst punishment in Ancient Greece. To be condemned to oblivion. There is pain in oblivion. We have always cultivated memories. This bond with what came before assures us that we are, we have history, we are building present and hoping for the future. Anie Barreto builds her images from unforgetting. This kind of register, the most traditional in photography, when refined, becomes art. Anie Barreto’s art drives ostracism away. Exposing the present rescues the past. It gives meaning to real or immemorial subjects. Angles, details. A literary imagery. Strong. Striking. In her sites, she defines herself:

Anie Barreto is a 30-year old Latin American photographer and artisan who was born in Fortaleza, the capital of Ceara state, and raised in Maracanau, Brazil. She is the founder of Estufa e Psicodelícia and a member of Mulheres da Imagem. She weaves images through embroidery and registers through photography.

She strolls between the worlds of drawing, painting, embroidery and

photography. She currently takes fashion photos for the vintage clothing shop Retroagir and, eventually, for local brands. Anie is dedicated to the research of different photographic languages and hybrid possibilities in the creation of image, memory and gender.”

She determines:

“I feel there is some prejudice about women expressing themselves freely in photography once I need a masculine indication so that my work is appreciated. But I believe we are moving towards a positive transformation. It is quite slow, but I see it is getting better because of the force and the unity of our voice, which is becoming louder.

( instagram @aniebarreto )


Beatriz Bley has a panoramic look, both to landscapes and details. It works, at the same time, as a macro and a tele lens. And it is precisely in this antithetical polarities that she exercises her aesthetics. Her pictorialism sends us to introspection. Diving in a landscape or in detail makes us consider the essence of photography. A register. But, here, register is timeless. It closes in itself. And we face essentialities that refer to ourselves. Beatriz Bley’s plasticity reveres the individual by proposing an emotional journey to nature. A nature which gets closer, ideologically, to awareness. Beatriz Bley’s photos are an ecological hymn. Let us carefully listen to it with our eyes.

Beatriz Bley, photographer and camerawoman, was born in 1994, in Pernambuco state, Brazil. She lives and works in Fortaleza, the capital of Ceará state. She begun her career in photojournalism in 2013. She is an entrepreneur and through her professional path she gained an objective vision by working in newspapers, ad agencies and a magazine. She confesses to “aim to extract, in the details of human presence and in nature elements, the mystery and sensibility that she searches in her daily life”. Music and poetry form a pillar of references which present themselves in oneiric images. She is part of Ceara’s collective Sol para Mulheres. ( @beatrizbley )



“Pearls to pigs” is this shoot’s title. A metaphor about contemporary society? A metonymy? Does it have something to do with us? How much does the capitalist system contributes to mucking our society, our individuality, our humanity? How many pigsties did we create in dumpsites, in stilts, in urban outskirts? Delfina Rocha is overwhelmingly striking. A surrealism, an unreality. At the same time, a harsh reality. She goes deep into the unconscious: it suddenly surfaces, we contemplate ourselves very dirty. When we are not the pigs, we feel like we are the creators of the pigsties. How this esthetics of Delfina Rocha hurts. How it hurts! Is it worth remembering George Orwell and his book “The Animal Farm”? Is it worth remembering the homeless, the alcoholic, the addicted, walking like zombies? By portraying herself, Delfina Rocha also portrays us. And she seems to propose a question: “what do I have to do with that? What do we?”. With the word, Delfina Rocha:

“Amid the process of rupture with aseptic aesthetics, so impregnated in my ad work, I started investigating new subjects and got to a region of rocky landscapes. It was there, in the middle of nothing, that I unexpectedly turned to a pigsty that held some pigs. In that moment, seduced, I understood that my look had been dislocated –from the idealized image of nature around me to a dirty and corrupted aesthetic. It was a leap into chaos, from order to disorder. I saw, in that animal voracity, in the fight for food, the clearest metaphor of my anguish in searching the subversion of image. After that, in the studio, this subversion became concrete in the edition of these files, when the images of pigs started to gain the presence of nymphs borrowed from my ad campaigns which, slowly, started to mix and interlace in digital layers, creating, thus, a metaphysical image of hybrid DNA.”

Delfina Rocha started her activities as a photographer in the 1980’s, as an assistant to photographer Chico Albuquerque.

She took part in exhibits and was awarded the first place in Unifor’s Salão Universitário. From 1986 to 1993, she has worked between Rio and Sao Paulo with ad and still photography in cinema in over 11 films, highlighting her work with directors Roberto Faria, Tizuka Yamazaki, Rui Guerra, Fábio Barreto, Hugo Carvana, Alvarenga Jr and Renato Aragão and Xuxa’s productions. In 1995, she started her photo studio in Fortaleza and since then she has been working with advertising and fashion. In 2003, she published the photobook “Sabores e saberes do Ceará”, which was awarded a graphic quality certificate at PIA (Printing Industries of America – in 2004). She got second place in the art book category of XI Latin American contest of graphic products Theobaldo de Negris. (



Denise Luz photographs classically. She has a special eye for social photography. She follows the steps and the lessons of great masters of photojournalism, like Cartier-Bresson, Steve McCurry and Evandro Teixeira. Her faces have something of Dorothea Lange. Her small ones remind us of a tropical Anne Geddes. We feel shots of Pierre Verger and Sebastião Salgado. Details of Walter Firmo and Evandro Teixeira. Landscapes of Araquém Alcântara. All good photographers went to privileged sources.

Denise Luz is no exception. But she found her way. As the photos of good photojournalists, hers also do not sustain themselves only in presentification. She goes deep in this concept. Her photos are far from only reproducing here and now. They seem to teach lessons about the “consciousness internal time” (the beautiful title of one of philosopher Edmund Husserl’s books). Metaphorical physical reality transubstantiates into metaphysics. That is why there is no fantasy in her framing. They are offered to our look and wait for us to understand their multiple meanings, anchored in a time perspective. In Denise Luz’s photos, time doesn’t stop.

Denise Luz – is a photographer, audiovisual creator and geographer. She developed a research in her post-graduation in Geography emphasizing her studies about cinema and the city. She produced and directed the documentary “I Love You Ferrão”, exhibited at Festival de Cinema de Futebol (CINEfoot). Her projects focus on photography and documental cinema which comprise culture, urban fringes, daily life and memory. She is currently developing “FRONT”, an audiovisual photography project and documentary about women prominence from the

experience and organization of rural working women who are ahead of the fight for access to lands and form a resistance front.



I am three, four, many. how many have I been? so many. I am soul trying to overcome frustration, they are everywhere, in each step, close into myself, I can’t breathe. I am afraid. but I see light, I see color, I see a way out so there it enters, it gives me strength calm.

I can tear it...

Esterline Góes, consciously, proposes that we admire her conceptual language by using our conscious and our unconscious. Before something that seems catastrophic, we are reduced, become small, because images take us away from time and space. It makes us vulnerable. To decode her work, we need to decode ourselves. In this confrontation, surfaces aesthetical emotion. Heavy. Striking. Challenging. Life and death circle Esterline Góes’ intentions. There is no need for effort in order to feel her scream. It starts suffocated, but bursts. It is no more a still cry in the air, much less in the throat. It is an immense mute cry. But we are not before silence. Something echoes in the viewer, something that can burst eardrums, madden neurons. There is a deranged facial icon asking for survival. A torture? How to live after that? Paranoia is the result of this imagery experience. How to ask for this cry for help?

Esterline Góes comments on her shoot: “it portrays a personal restlessness about the difficulties of moving on; I portrayed myself because I needed to expel my difficulty in dealing with pain and frustration; I portrayed myself to recognize myself.”

Esterline Góes, 26 years old, is an artist from Ceara. She lives in Maracanaú, in the metropolitan area of Fortaleza, capital of Ceará state. An autodidact, she has been studying photography since 2011, through videos on YouTube and reading a lot:

“In 2014 I bought my first camera, but only started photographing professionally in 2016. I joined photographic meetings in Fortaleza with amateur photographers that did it as a hobby, until the first opportunity for paid work appeared, and I haven’t stopped since. In 2018 I was selected at the school Porto Iracema das Artes for a photography course. It opened my eyes to another kind of photography, photo art.

At the end of the course, I took part in an intern project called Preamar, where I exhibited a work called “Agora você vai olhar”. When the students of the 2018 class left Porto Iracema, we united and created Coletivo Cassão (https://, promoting the first independent exposition, called ESCORPO, in the artistic space at Casa Vândala. I exhibited a work called ‘Três por eu’.”

(@esterlinegoes e



Remake nature according to sign principles. Signifiers and signified, mixed by an individual unconsciousness, almost religiously. Cultivate or worship nature, taking its signs and turning them into language. Ianara Alencar transgresses nature’s visual semantics and transforms it in human semantics. A deaf clash between nature and human condition. A way in or a way out? She codifies and challenges us to do the same, beyond imagery sensation. The eyes look, realize, see, notice. But they take long to penetrate. In between, signs challenge us: nature or culture, real or imaginary, image or ritual? Humanity is re-signified before recreated nature; nature loses its naivety before human condition. Which humanized roots stand before us: ancient roots taken from their habitat or our own roots metaphorically disposed?

These are excerpts from her statement for Carcara:

“I like to photograph the invisible, what is there and is not noticed. In the moment of capture, I look for detail, and in edition I try to enlarge this detail to the maximum so that it becomes visible. What is interesting is that, as soon as I do that, what is enlarged becomes invisible again, once the amplification ends up deconstructing its original shape. It is like Freudian ‘fort-da’ game of making images appear and disappear.

Project Raízes was conceived in a photographic stroll with my first big reference in photography, Celso Oliveira. In this group stroll, I realized people ignored completely the exuberance of the roots that crossed the walls. I went back to the park several other times and keep coming back, because I still don’t know exactly what they want to tell me. Maybe I still haven’t heard it right.”

I was born in Fortaleza, Ceara, in September 20, in 1966; I graduated in Psychology and I work as a psychoanalyst. I took my first course in Photography in the 2000s, at Senac-Fortaleza. Since then, photography was

forgotten. In 2017, a course on mobile photo with Heideger Nascimento relit the flame and in the last two years I took an uninterrupted sequence of courses and workshops, such as the ones of Travessa da Imagem, Museu da Fotografia and Imagem Brasil Galeria. I am currently studying at Imagem Brasil Galeria, in Fortaleza, a space dedicated mainly to the reflection about contemporary production.”

(Instagram: @nara_alen;; )



In The Girls On Instagram, Laís Pontes built an open work. A happening. An installation. A work which dialogues with the infinite. Digitally. It transcends reality. Space and time are simultaneously made concrete. Do they become tangible? There is a concept to elucidate: ubiquity. How is it possible to be everywhere in the world at the same time and testify that? Subject and object interact physically, metalinguistically. Language over language, image over image. Only the possibility of the look gives sense to concept. It is always the eye. We are the civilization of the look. By turning their backs to the landscape, the characters seem to try to persuade us of something implicit: I am here, where are you? Beyond metaphysics, there is a relation in dialogue. Characters, viewers, landscape. And art happens, almost magically. One has to accept the invitation to a dive in this bidimensional space time and let it be tridimensionally. This project’s self-portraits were originated in the series Born onere: through digitally modified self-portraits, the artist transforms her features, building new personalities for herself. According to renowned theories on personality, each individual is the result of the interaction of three different factors: what the person really is; who he/she wants to be and what others believe him/her to be. In the images we publish, entitled The girls on Instagram, the virtual characters originated in Born Nowhere transcend Facebook’s domain. Photos are then published at Instagram to document the character’s adventures. In this way, The Girls on Instagram remains in a constant state of flux and expansion.

Laís Pontes has a master’s degree in Fine Arts in Photography from SAIC, in Chicago - 2012-2014. She studied

Photography at the International Center of Photography, in New York - 2010-2011. She graduated in Business Management at Universidade de Fortaleza (UNIFOR), Fortaleza, Brazil - 1999-2004. Some recent exhibitions: Photomonth International Photography Festival of East London (London, United Kingdom): Women of XXI Century, 2018. Southwark Playhouse (Oxford, United Kingdom): Representatives, 2018; Cosmos Arles Books (Arles, France): Nobody’s Family, 2018. Ray 2018 (Frankfurt, Germany): Extreme. Self, 2018. Onde Paved Court Gallery (London, United Kingdom): Things we leave behind, by Teresa Albor and Laís Pontes, 2018.

Awards: London International Creation Competition (London, England). Talent of the year, 2013; PX3 Prix de la Photographie, (Paris, France), 2012; Filter photo (Chicago, USA. Jury Award - Barbara DeGenevieve, 2011.




Khôra (khora or chora) was a polis’ territory outside the city itself

What can be built between the intelligible and the sensitive? What does it mean to inhabit a space-time between not being and being? Maíra Ortins sculps her narrative politically. She inserts a non-identified body among rejected ones. She reports the presence of people who left a past and are not accepted in the present. Which future can they have? The Western look is cruel when one feels threatened. But threatened by what, by whom? Using a performative pedagogy

Maíra Ortins rescues the subjectivity of migrants. And includes us in this ritual: we are and always will be migrants, all of us. Our ancestors came from the African continent. We have spread throughout the world. We have destroyed and built civilizations. And cowardly excluded subjects like us from human convivence! All migration is the extension of the process of humanization. In this engaged art, Maíra Ortins proposes an aesthetics which points places as the space of critical and political positions. Masks become responsible for reporting exclusion. Maíra Ortins proposes a manifest: we all exist and need a solidary gesture. Objectively, aesthetically, she puts us back in the migration universe. Maíra Ortins explains that “Khôra is a long work dedicated to immigration through performing photography, and the series “Judith: somos todos iguais perante a lei” also tackles the same subject”. In an interview to art historian Carolina Ruoso, published in the newspaper O Povo, she reveals:

Judith is not a hero. Unknown, she reveals the strange around us. Characters who go on with their lives without thinking about it, as in the long Barcelona series, with immigrants from all over the world. Because

the immigrants are useful, they work, produce, earn little and remain placeless. They don’t integrate completely, lose themselves in themselves, because they don’t belong to what they have been and will never be like what is always the same. That is what I realized in Barcelona, Rome, Budapest, Valencia, Frankfurt, Berlin... There is isolation. There is a community in each of those cities, for each nation of immigrants, and this is their place, this interval, a Khôra, inhabitants who don’t belong to anything but to be without being originally from there.

( html)

Maíra Ortins is a multimedia artist. She lives and works in Fortaleza, capital of Ceara state, Brazil. She was born in Recife, capital of Pernambuco state, in 1980. She graduated in Literature at Universidade Federal do Ceará (2006). From 1995 to 1998, she has studied design, painting and sculpture in clay at Escola de Arte do Recife. She has exhibited her work in Barcelona, Madrid, Nürnberg, Havana, Cuba. (http://mairaortins.



Portraits and landscapes are the most traditional and difficult photographic registers. They are in all the phases of photography history. That is why it is difficult to turn them into photo art. Nowadays, smartphones multiply and trivialize portraits and landscapes. Photographic biographies are made using only portraits, from birth to death. Marcela Elias chose the harder way: to register the present of Dona Elisa and let us, viewers, imagine her trajectory. She didn’t turn it into romance, she made a chronicle. A chronicle so intense that it sometimes leaves us breathless. What we see is a 96-year old character who glimpsed at the future. Her epidermic geography asks for our reading. Her face inquires us. One has to remember the verses quoted by Fernando Pessoa: “Sailing is necessary, living is not necessary”. This chronicle by Marcella Elias shows us that d. Elisa arrived precisely at the end of life. The photographer says:

“It is a shoot of a 96-year old lady, Elisa, the only survivor of her family. She had seven brothers, a daughter a great friend and house company, a husband, and saw everybody leave. She lived alone, made her meals, took care of the house, walked 38 blocks a day, told her stories enthusiastically, and loved Coca-Cola and guava roly-poly. Her secret for longevity was moderation. This shoot was selected at Festival de Fotografia Encontros de Agosto 2017 and was exhibited at Museu da Cultura Cearense, from Dragão do Mar, Galpão Super 8, Unifor, at North Shopping’s Espaço Cultural. In 2019 it was shown at Festival For Rainbow, exposed at Multigaleria. It was exhibited in Rio de Janeiro, at Feira do Oriente de Artes Visuais, in November 2019, as an installation.

Marcella Elias is a multimedia artist and works with photography, video and cinema. She graduated in

Communications and is studying Cinema. She directed the short movie “Grilhões” (Apenado). Her current research, “Mulheres Invisíveis”, is an installation about the feminine and the visibility of the history of women. In her flickr, she says:

“I feel and I photograph. After finishing three courses, one of them on advanced photography in one of the best schools in Brazil, Travessa da Imagem, I decided to work with photography. I had the honor of exhibiting at Galpão Super 8 an authorial work about the strength of women. So I am interested in contemporary photography and art. It is an immense pleasure to photograph people, shows and urban interventions, and especially making portraits, both outside and in my studio. As a great cinephile, I make cinema stills.”


Princess and plebeians. How daring is Priscila Smiths! She has the nerve to personify the collective unconsciousness of a princess archetype, to be experimented by passersby, surely not an archetype but a rude plebs in its subjectivity! Feud capitalism! However, surprise: in this antagonism there is neither subservience nor conflict. There is even some scorn in the audience. In this boldness, impregnated by a conceptual aesthetic, based in a possible installation in which bodies contrapose themselves, there seems to be a cry for awareness. Here, this shoot’s strong political charge comes in. What could emerge from this dialectic between royalty and its subjects, from wealth and poverty? It is in this dialectic that conflict is built, awareness emerges, from aestheticizing the relations. Priscila Smiths manages conflict and places it before her audience. Can we make a reference to Friedrich Hegel’s dialectics of master and slave? Where and when do we face our awareness and the other’s? A question is left: what kind of awareness is possible; what kind of conviviality? Until when? There is a deaf rebellion, aesthetically elaborated.

“I like to photograph people. It instigates me to discover people. Look at them as characters I find or create. Sometimes I am in a place where I remain observing a person’s behavior for a long time, his or her way of talking, walking, this opens me an universe of who that person is and/or what he or she wants to be.

In this work, entitled Feudo-Capitalismo, elegant and marginal meet and coexist, although they clash visually. Its proposal is to reflect the social divisions established throughout mankind’s history. This work has personal importance to me, for being my first work to have been exhibited in galleries and

museums. I recognized myself in it. It was a start about paths and possibilities which interest me in photography.

I was born in Fortaleza, Ceará, in November 5, 1991, and still live there. I study Visual Arts at Instituto Federal do Ceará. I started studying photography in 2012, at Travessa da Imagem. My work was exhibited at Galeria Dragão do Mar de Arte e Cultura, at Museu da Cultura Cearense, Sobrado José Lourenço, Museu de Arte da Universidade Federal do Ceará. Through photography I got into cinema and audiovisual and directed my first short movie in 2017. I work as a photographer for O Povo newspaper. I also take part in the creation lab of Porto Iracema das Artes, developing scripts for movies with tutors and filmmakers Karim Aïnouz, Sérgio Machado and Nina Kopko.



The river no longer flows / in the sand of waterfoam. / It only flows in time (dry) / and no longer goes anywhere.

The river goes with time / (disappeared water). Its death perdures in time / waiting for another life


Photographer Sheila Oliveira is a poet, intentionally or not. She makes journalism. Writes stories. But her real making is to build memories from the selectivity and sensibility of her look. Her photos pour a waterfall of lyricism before us. What respect for the real she has! What emotion she captures and offers us, sending us beyond each register, mobilizing our brain to a hidden story we can remake. There is such delicacy in her clicks that we can lose ourselves in them. Sheila Oliveira’s photojournalistic poetry turns her work into photographic art. One of her inspirations was the book from Ceara’s poet Luciano Maia, “Jaguaribe – memória das águas”: “Turning its pages, I let my heart be conducted by this wave of poems and follow the currents which took me through a path of stone curves, sand and converging waters.” All this is in the book “Rio Jaguaribememória no tempo e nas águas”. Sheila Oliveira and journalist Claudia Albuquerque also ranged Ceara searching for artisans and makers of sleeping hammocks. The work was registered in a book. “I remembered of swaying in hammocks, playing with my brothers, my mother feeding my baby sister with a porridge bottle in this swaying... Images of hammocks in the porch of the house of my grandparents in the sertao [...] About the book “Carnaúba a árvore que arranha”, she comments: “My

photographer look made me wish to engrave, forever, images of a tree which scratches and gives life. The carnauba turns the arid soil from Nordeste green and gives life to many who use its fruits, from the gathering of straw to the dust refining and the production of wax and its derivates.” Sheila Oliveira lives and works in Fortaleza – Ceará. She has studied photography at Foximage, in Paris, 1988; and made an specialization in photojournalism in Sao Paulo, at Escola Focus, 1992. She has worked at France Press, 1989 – AFP (Paris) and newspaper Folha de S.Paulo. In 2005 she won the photography award Chico Albuquerque, from Ceara’s state Culture Department, with the book “Carnaúba a árvore que arranha”; in 2012, she won the award of Edital das Artes da Secultfor with the book “Redes de Dormir”.





Exorcizing daily life. Ritualize by de-ritualizing. A rough aesthetics, almost wild. There is something toneless in the images of Tatiana Tavares. The body as a message. The multiplication of signs. Signifier and significant merge in aggressive images, consciously aggressive to bother the viewer. These photos protest against an artificial humanity. They are realistically artificial by portraying a hassling reality: dependence, repudiation to dependency. At the same time they protest out loud, in major tones, they paradoxically reveal an anguishing intimacy. They are photo-manifestations. They are presented as protest raids. In which walls can they perform their role? They defy us to keep looking at them. Before them, we lose a little of our ephemeral power. But one has to look and them and ponder. Tatiana Tavares is striking in her proposal:

“Rotina is a photo performance made in the second semester of this year. I had the opportunity to be part of an exhibit outside Ceara state and I wasn’t happy anymore with my previous work.

I am in the middle of a research about photography, seeing the work of many women, and this moment of creating a new shoot made me feel the need to talk about a more intimate, personal subject, that is within me, so I have authority to talk about it, which is anxiety.

It is not the first time this subject surfaces in my work, but my creative process was more focused and organized. The images are strong for me, because they are about demonstrating the relation between the anxiety and the need to take medicines to make routine happen. Sometimes we can carry our day without that aid, with no need for chemicals to make the simplest and more complicated of things. But in other days it is necessary. Even the title, Rotina, aims to humanize people who have anxiety. Not stigmatize. Many people live their daily lives and have to face their problems, with or without anxiety. And I can talk about this, or, better, photograph.”

Tatiana Tavares was born in 1992, in Fortaleza, Ceara. She has a degree in Visual Arts and currently attends an Art History course. She is an Art teacher. “My artistic influences are photographers as Julia Margaret Cameron and Francesa Woodman. I like art movements such as Surrealism, so my work don’t register scenes, but are more documental. I believe that, because I like this aesthetics, I treat images to create textures and new image layers. I have learnt a lot in courses, workshops, group studies. I find it important to know Art History because it widens our imagery knowledge.”





Entre tantas fotógrafas de altíssima qualidade, foi difícil escolher treze delas para esta edição. Elas transitam entre o mar, a montanha, a urbe, o sertão, o consciente, o inconsciente. Registram momentos da realidade; fundem realidades com irrealidades, criando tempos e espaços infinitos. Administram surrealidades. Um detalhe chama a atenção: a consistência teórica de suas propostas, todas muito bem fundamentadas. Anie Barreto alimenta o desesquecimento; Beatriz Bley cria um hino ecológico; Dayane Araújo criar quebra-cabeça para o espectador recriar; Delfina Rocha e suas pérolas aos porcos que nos aterrorizam; Denise Luz e suas metáforas metafísicas; Esterline Góes, esteticamente, faz um vulnerável pedido de socorro; Ianara Alencar funde nossas raízes com as raízes da natureza; Laís Pontes usa metalinguagem para expor uma obra aberta; Maíra Ortins subjetiva sujeitos invisíveis; Marcela Elias registra as marcas do viver em D. Elisa: Sheila Oliveira e seus sensíveis poemas fotojornalísticos; Tatiana Tavares exorciza o quotidiano cruelmente. Esta é uma pequena amostra da imensa qualidade da fotografia feminina de Fortaleza e do Ceará.

Esta edição contou com a inestimável colaboração de Patrícia Veloso, membro do Conselho Curador do Museu de Fotografia de Fortaleza, especialista em Gestão Cultural e Fotografia Moderna e Contemporânea, uma das mais importantes promotoras culturais do Brasil. Ela nos proporcionou uma relação de quase 50 excelentes fotógrafas. Daí a nossa dificuldade para


escolher, não as melhores, porque são equivalentes, mas aquelas que poderiam nos atender no prazo que necessitávamos. A você, Patrícia Veloso, nosso especial agradecimento.




Cada detalhe de tempo/espaço que Dayane Araújo seleciona e recolhe com acurada sensibilidade, logo transformado em imagem/registro, é uma tentativa de recuperar alguma memória/sensação. Ela parece desejar interferir na fugacidade da realidade. Tudo parece volátil. Mas ela não se conforma. E como num refinado romance policial, ela elucida cada enigma/argumento. E ao elucidar cada um deles, os oferece plasticamente. Por isso cria fotos/peças de vários quebra-cabeças cujas peças faltantes devem ser construídas pelo espectador. Apesar de parecerem atemporais, quando nos detemos diante delas, quase podemos sentir o tempo passando. Assim é possível ressignificá-las sensorial e historicamente. Não por acaso, elas fazem parte da série/projeto “Conto a inquietação de cada gota que me percorre como infiltração”.

Dayane Araújo argumenta:

“Certos silêncios permanecem onde tanto se quer ouvir e assim, prossigo uma soma ambulante de memórias, não as sentir escorrendo por entre os dedos, infiltrando-as. O corpo em seus interstícios sendo passagem vira paisagem. Projeto autobiográfico documental em desenvolvimento sobre memória afetiva e intenção fotográfica, resgate de lapsos temporais por meio de inventário preventivo e insistência recordatória para lidar com o medo de propensão genética ao esquecimento. Catalogação imagética como um bloco de notas com acervo de registros fotográficos iniciados aos onze anos de idade do cotidiano, de família e do íntimo ordinário.”

Dayane Araújo nasceu em Fortaleza, em 1990. Formouse na Escola Porto Iracema das Artes e fez outros cursos em fotografia, narrativas e poéticas visuais (2017-2019). Estudou Design de Interiores na Faculdade Integrada do Ceará.

Desenvolve pesquisa acerca da memória afetiva e intenção fotográfica, do processo de edição como autoanálise e catalogação imagética, a partir de acervo próprio produzido em vinte anos.

Exposições coletivas (2018-2019): As cidades das mulheres – II Encontro com o Feminino Plural / Unifor – Universidade de Fortaleza, Fortaleza; Miragem – 1ª Edição Solar FotoFestival / Multigaleria do Centro Cultural Dragão do Mar, Fortaleza; Itinerância Miragem – 2ª Edição Festival

QXas do Sertão Central / Casa de Saberes Cego Aderaldo, Quixadá; Os pensamentos do coração - 2ª Exposição coletiva / Porto Dragão, Fortaleza; todas no estado do Ceará, Brasil. (

instagram: @dayaraujo)



“do cheiro de caju que me despertou alegria, mas depois distanciamento. das raízes penduradas, na água quente, nas mãos. é estar longe e ainda assim me fazer sentir que pertenço. mesmo perdendo a linha cartográfica, eu sinto que pertenço. das mulheres que são carne da minha carne. das raízes que são fincadas no meu espírito, firmamento. reconto e revivo dores, mas também observo a mulher, que também sou eu, minha mãe e minha irmã. de nome forte, Ilda, e mãos mais ainda, peço à deusa que eu não perca a memória do que fui, sou e serei.”


O maior castigo na Grécia da antiguidade clássica era o ostracismo. Ser condenado ao esquecimento. Há dor no esquecimento. Desde sempre cultivamos a lembrança. Esse vínculo com o antes nos traz a certeza de que somos, temos história, estamos construindo presente e esperançando o futuro. Anie Barreto constrói suas imagens com desesquecimento. Esse tipo de registro, o mais tradicional da fotografia, quando apurado, se transforma em arte. Esta arte de Anie Barreto afasta o ostracismo. A exposição do presente resgata o passado. Dá significado aos sujeitos reais ou imemoriais. Ângulos, detalhes. Uma imagética literária. Forte. Contundente. Nos seus sites, ela se define:

“Anie Barreto é uma fotógrafa e artesã latino-americana de 30 anos, nascida na cidade de Fortaleza, capital do estado do Ceará, e criada na cidade de Maracanaú, Brasil. É fundadora do grupo Estufa e Psicodelícia e membro da Mulheres da Imagem. Tece imagens através do bordado e registra através

da fotografia.

Caminha entre os mundos do desenho, pintura, bordado e fotografia. Atualmente realiza fotos de moda para o brechó Retroagir e, eventualmente, para marcas locais. Anie dedicase à pesquisa sobre as diferentes linguagens fotográficas e às possibilidades híbridas na criação de imagem, memória e gênero.”

Ela constata:

“Sinto existe algum preconceito em relação à mulher se expressar livremente em relação à fotografia, quando preciso de uma indicação masculina para que meu trabalho seja visto com bons olhos. Mas acredito que estamos caminhando para uma transformação positiva. É meio lenta, mas percebo que isso vem melhorando diante da força e união da nossa voz, que tem ficado cada vez mais alta.”

( instagram @aniebarreto


Beatriz Bley tem um olhar panorâmico, tanto para paisagens quanto para detalhes. Ele funciona, ao mesmo tempo, como uma lente macro e uma tele. E é exatamente nessas polaridades antitéticas que ela exercita sua estética. Seu pictorialismo nos remete para a introspecção. Mergulhar na paisagem ou no detalhe nos leva a considerar a essência da fotografia. Um registro. Mas aqui, o registro é atemporal. Ele se fecha em si mesmo. E nos deparamos com essencialidades que nos remetem a nós mesmos. A plasticidade de Beatriz Bley reverencia o indivíduo ao propor uma incursão emocional à natureza. Uma natureza que se aproxima ideologicamente da consciência. As fotos de Beatriz Bley constituem um hino ecológico. Vamos ouvi-lo cuidadosamente com nossos olhos.

Beatriz Bley, fotografa e cinegrafista, nasceu em 1994, no estado de Pernambuco, Brasil. Mora e trabalha em Fortaleza, capital do Ceará, Brasil. Iniciou sua carreira no fotojornalismo em 2013.É empresária e durante o seu caminho profissional conquistou uma visão objetiva atuando em jornais, agência de publicidade e revista. Confessa que “busca nos detalhes da presença humana e nos elementos da natureza, extrair o mistério e a sensibilidade que procura no seu cotidiano”. A música e a poesia formam um alicerce de referências que se apresentam em imagens oníricas. Integra o coletivo cearense

Sol para Mulheres. ( @beatrizbley)


“Pérola aos porcos” é o título deste ensaio. Uma metáfora à sociedade contemporânea? Uma metonímia? Têm algo a ver conosco? Quanto o sistema capitalista contribui para o emporcalhamento de nossa sociedade, de nossa individualidade, de nossa humanidade? Quantas pocilgas criamos nos lixões, sobre palafitas, nas periferias urbanas? Delfina Rocha é por demais contundente. Um surrealismo, uma irrealidade. Ao mesmo tempo, uma dura realidade. Vai fundo no inconsciente: de repente, aflora, contemplamo-nos imundos. Quando não somos nós os porcos, sentimos que somos os criadores das pocilgas. Como dói esta estética de Delfina Rocha. Como machuca! Vale lembrar George Orwell e seu livro “A revolução dos bichos”? Vale lembrar sem tetos, alcóolatras, drogados, circulando como zumbis? Ao se retratar, Delfina Rocha também nos retrata. E parece propor uma questão: “e eu com isso; e nós com isso?”. Com a palavra, Delfina Rocha:

“Em meio ao processo de ruptura com a estética asséptica, tão impregnada no meu trabalho publicitário, sai investigando novos temas e cheguei a uma região de paisagens rochosas. Foi ali, em meio ao nada que, inesperadamente, me voltei para uma pocilga que aprisionava alguns porcos. Naquele instante, seduzida, entendi que meu olhar havia sofrido um deslocamento – da imagem idealizada da natureza à minha volta, para uma estética suja e corrompida. Foi um salto para o caos, da ordem para desordem.

Vi, naquela voracidade animalesca, na disputa pela comida, a mais clara metáfora da minha angustia pela busca da subversão da imagem.

Depois, já no estúdio, essa subversão se concretizou durante a editoração dos arquivos, quando as imagens dos porcos começaram a ganhar a presença de ninfas emprestadas de minhas campanhas publicitárias que, aos poucos, foram se misturando e se entrelaçando em camadas digitais,

criando assim uma imagem metafísica, de DNA hibrido.” Delfina Rocha Iniciou suas atividades como fotógrafa na década de 1980 como assistente do fotógrafo Chico Albuquerque. Participa de exposições e é premiada no Salão Universitário da Unifor – 1º lugar .De 1986 a 1993, trabalha entre Rio e São Paulo com foto publicitária e como fotógrafa de cena (still) para cinema em mais de 11 produções cinematográficas, destacando trabalhos junto aos diretores Roberto Faria, Tizuka Yamazaki, Rui Guerra, Fábio Barreto, Hugo Carvana, Alvarenga Jr e produções de Renato Aragão e Xuxa. Em 1995 cria seu estúdio fotográfico em Fortaleza e a partir daí atua na área de publicidade e moda. Em 2003, publica o fotolivro “Sabores e saberes do Ceará”, premiado com o certificado de qualidade gráfica no PIA (Printing Industries of América – em 2004). No XI concurso Latino Americano de Produtos gráficos Theobaldo de Negris, em excelência, ficou em 2º lugar na categoria de livro de arte.


Denise Luz fotografa classicamente. Tem um olho especial para a fotografia social. Segue os passos e as lições dos grandes mestres do fotojornalismo, como Cartier-Bresson, Steve McCurry e Evandro Teixeira. Seus rostos têm algo de Dorothea Lange. Seus pequenos lembram uma Anne Geddes tropical. Sentimos planos de Pierre Verger e Sebastião Salgado. Detalhes de Walter Firmo e Evandro Teixeira. Paisagens de Araquém Alcântara. Todos os bons fotógrafos foram a fontes privilegiadas.

Denise Luz não é exceção. Mas ela encontrou seu caminho. Como nos bons fotojornalistas, suas fotos também não se sustentam apenas na presentificação. Ela vai fundo nesse conceito. Suas fotos estão longe de somente reproduzir o aquiagora. Elas parecem dar “lições sobre a consciência interna do tempo”. (Esse é o belo título do livro do filósofo Edmund Husserl) A realidade física metafórica se transubstancia em metafísica. Por isso, não há fantasia nos seus enquadramentos. Eles se oferecem ao nosso olhar e esperam que saibamos compreender seus múltiplos significados, ancorados numa perspectiva temporal. Nas fotos de Denise Luz, o tempo não para. Denise Luz – é fotógrafa, realizadora audiovisual e geógrafa. Desenvolveu pesquisa na pós-graduação em Geografia com ênfase nos estudos sobre Cinema e Cidade. Produziu e dirigiu o documentário “I Love You Ferrão”, exibido no Festival de Cinema de Futebol (CINEfoot). Possui projetos voltados para fotografia e cinema documental que abrangem cultura, periferias, cotidiano e memória. Atualmente desenvolve “FRONT”, projeto audiovisual de fotografia e documentário sobre o protagonismo feminino a partir da experiência e organização


das mulheres trabalhadoras do campo que estão à frente da luta pelo acesso à terra e formam o front de resistência.



sou três, sou quatro, sou muito. já fui quantos? tantos. sou alma tentando superar frustração, elas estão em todo lugar, em cada passo, me fecham, não consigo respirar. tenho medo.

mas vejo luz, vejo cor, vejo saída tão ali, ela entra, me dá força calma.

eu posso rasgar.


Esterline Góes, conscientemente, nos propõe que admiremos sua linguagem conceitual utilizando nosso consciente e nosso inconsciente. Diante de algo que parece catastrófico, nos reduzimos, ficamos pequenos, porque a imagem nos retira de tempo e espaço. Ela nos torna vulneráveis. Para decodificar seu trabalho, precisamos de nos decodificar. Nesse confronto, surge a emoção estética. Pesada. Contundente. Desafiadora. Vida e morte circundam as intenções de Esterline Góes. Não é preciso esforço para sentir seu grito. Ele começa sufocado, mas irrompe. Não é mais um grito parado no ar, muito menos, na garganta. É um imenso grito mudo. Mas não estamos diante de um silêncio. Alguma coisa ecoa no espectador, algo que pode arrebentar tímpanos, enlouquecer neurônios. Há um ícone facial transtornado pedindo sobrevivência. Uma tortura? Como viver após? A paranoia é o resultado dessa vivência imagética. Como atender a esse pedido de socorro? Esterline Góes comenta seu ensaio: “ele retrata uma inquietação pessoal sobre dificuldades de

seguir; me auto retratei pois precisava colocar para fora minha dificuldade de lidar com dores e frustrações; me retratei para me auto reconhecer.”

Esterline Góes, 26 anos, é artista cearense. Reside em Maracanaú região metropolitana de Fortaleza, capital do Estado do Ceará. Autodidata, estuda fotografia desde 2011, por meio de vídeos no YouTube e lendo muito:

“Em 2014, comprei minha primeira câmera, mas somente em 2016 comecei a fotografar profissionalmente. Participava de encontros fotográficos que aconteciam em Fortaleza para fotógrafos amadores que tinham isso como hobbie, até que surgiu a primeira oportunidade de um trabalho remunerado, desde então não parei mais. Em 2018 passei em uma seleção na escola Porto Iracema das Artes, para um curso de fotografia. Ele me abriu os olhos para outro tipo de fotografia, a fotoarte. Ao final do curso, participei de um projeto interno do Porto chamado Preamar onde coloquei em exposição a obra chamada “Agora você vai olhar”. Saindo do Porto Iracema, os alunos daquela turma de 2018 se uniram e criaram o Coletivo Cassão (https://www., promovendo a primeira exposição independente nomeada ESCORPO, no espaço artístico da Casa Vândala. Expus uma obra denominada ‘Três por eu’.”

(@esterlinegoes e



Refazer a natureza segundo princípios sígnicos. Significados e significantes, mesclados por um inconsciente individual, quase religiosamente. Cultivar ou cultuar a natureza, apropriando-se de seus signos e transformá-los em linguagem. Ianara Alencar transgride a semântica visual da natureza e a transforma em semântica humana. Um surdo embate entre natureza e condição humana. Uma entrada ou uma saída? Ela codifica e nos desafia a decodificar, para além da sensação imagética. Os olhos olham, percebem, veem, reparam. Mas demoram a penetrar. Enquanto isso, os signos nos desafiam: natureza ou cultura, real ou imaginário, imagem ou ritual?

A humanidade se ressignifica diante da natureza recriada; a natureza perde sua ingenuidade diante da condição humana. Que raízes humanizadas estão diante de nós: antigas raízes retiradas de seu habitat ou nossas próprias raízes metaforicamente dispostas?

Em seguida, trechos do depoimento que ela deu para a revista Carcara:

“Eu gosto de fotografar o invisível, aquilo que está lá e não é percebido. No momento da captura eu procuro o detalhe e no momento da edição eu tento ampliar ao máximo esse detalhe, de modo que ele se torne visível. O interessante é que, no momento que faço isso, aquilo que é ampliado fica novamente invisível, já que a amplificação acaba desconstruindo a sua forma original. É como o jogo do “fort-da” freudiano de fazer aparecer e desaparecer a imagem.

O projeto Raízes foi concebido num passeio fotográfico realizado com a minha primeira grande referência na fotografia, Celso Oliveira. Nesse passeio em grupo, percebi que as pessoas ignoravam completamente a exuberância daquelas raízes que atravessavam os muros. Voltei ao parque outras diversas

vezes e continuo voltando, pois ainda não sei exatamente o que elas querem me dizer. Talvez ainda não tenha escutado direito. Nasci em Fortaleza/CE, em 20 de setembro de 1966; formada em psicologia, trabalho como psicanalista. O primeiro curso de fotografia aconteceu nos anos 2000, no SenacFortaleza. De lá para cá, a fotografia ficou esquecida. Em 2017, um curso de fotografia mobile com o Heideger Nascimento fez reacender a chama e nos dois últimos anos fiz uma sequência ininterrupta de cursos e workshops, como na Travessa da Imagem, no Museu da Fotografia e na Imagem Brasil Galeria. Atualmente faço formação continuada na Imagem Brasil Galeria, em Fortaleza, um espaço dedicado principalmente à reflexão sobre a produção contemporânea.”

(Instagram: @nara_alen;;)



Em The Girls On Instagram, Laís Pontes construiu uma obra aberta. Um happening. Uma instalação. Uma obra que dialoga com o infinito. Digitalmente. Trata-se da transcendência da realidade. Espaço e tempo se concretizam simultaneamente. Tornam-se tangíveis? Há um conceito a ser elucidado: a ubiquidade. Como estar em todos os lugares do mundo ao mesmo tempo e dar testemunho disso? Sujeito e objeto interagem fisicamente, metalinguisticamente. Linguagem sobre linguagem, imagem sobre imagem. Somente a possibilidade do olhar dá sentido ao conceito. É sempre o olho. Somos uma civilização do olhar. As personagens, ao darem as costas para a paisagem, parecem tentar nos convencer de algo implícito: eu estou aqui, e você, onde está? Para além da metafísica, há uma relação dialógica. Personagens, espectadores, paisagem. E a arte acontece, quase magicamente. Há que aceitar o convite para um mergulho neste espaço tempo bidimensional e se deixar levar tridimensionalmente

Os retratos deste projeto têm origem na série Born onere: através de autorretratos modificados digitalmente, a artista transforma suas feições construindo novas personalidades para si. De acordo com teorias consagradas acerca da personalidade, cada indivíduo é resultado da interação de três fatores distintos: o que de fato a pessoa é; o que ela deseja ser; e o que os outros acreditam que ela seja. Nas imagens que publicamos, batizadas The girls on Instagram, os personagens virtuais, originários de Born Nowhere, transcendem o domínio do Facebook. As fotos são posteriormente publicadas no Instagram para documentar as aventuras dos personagens. Assim, The Girls on Instagram permanecem em

constante estado de fluxo e expansão. Laís Pontes é Mestre em Belas Artes em Fotografia pela Escola de Artes do Instituto de Chicago (SAIC), Chicago - 2012-2014. Fez Estudos

Gerais em Fotografia no Centro Internacional de Fotografia, Nova York - 2010-2011. É Bacharel em Administração de Empresas pela Universidade de Fortaleza (UNIFOR), Fortaleza, Brasil - 19992004. Algumas exposições recentes: Photomonth Festival Internacional de Fotografia de East London (Londres, Reino Unido): As mulheres no século XXI, 2018. Southwark Playhouse (Oxford, Reino Unido): Representantes, 2018; Cosmos Arles Books (Arles, França): A família de ninguém, 2018. Ray 2018 (Frankfurt, Alemanha): Extreme. Self, 2018. Onde Paved Court Gallery (Londres, Reino Unido): As coisas que deixamos para trás, por Teresa Albor e Laís Pontes, 2018. Alguns prêmios: Concurso Internacional Criativo de Londres (Londres, Inglaterra). Talento do ano, 2013; PX3 Prix de la Photographie, (Paris, França), 2012; Foto de filtro (Chicago, EUA). Prêmio do Júri - Barbara DeGenevieve, 2011.




Khôra (khora ou chora) era o território da pólis fora da cidade propriamente dita.

O que é possível construir entre o inteligível e o sensível? O que significa habitar um espaço-tempo entre o nãoser e o ser? Maíra Ortins esculpe politicamente sua narrativa. Ela insere um corpo não identificado entre corpos rejeitados. Ela denuncia a presença de pessoas que deixaram um passado e não são aceitas no presente. Que futuro elas podem ter? O olhar ocidental é cruel quando se sente ameaçado. Mas ameaçado pelo quê, por quem? Utilizando uma pedagogia performativa, Maíra Ortins resgata a subjetividade dos migrantes. E nos inclui nesse ritual: somos e seremos eternamente migrantes, todos nós. Viemos ancestralmente do continente africano. Espalhamo-nos por todo o mundo. Destruímos e construímos civilizações. E covardemente excluímos sujeitos como nós de uma convivência humana! Toda migração é a extensão do processo de humanização. Nesta arte engajada, Maíra Ortins propõe uma estética que nos aponta o lugar como espaço de posicionamento crítico e político. As máscaras chamam para si a responsabilidade de denunciar a exclusão. Maíra Ortins propõe um manifesto: todos existimos e precisamos de um gesto solidário. Objetivamente, esteticamente, ela nos reinsere no universo migratório. Maíra Ortins explica que “Khôra é um longo trabalho dedicado à imigração por meio da fotografia performática, cuja série “Judith: somos todos iguais perante a lei” também aborda o mesmo tema”. Em entrevista à historiadora

da arte Carolina Ruoso, publicada no jornal O Povo, ela revela:

Judith não é uma heroína. Incógnita, ela revela o estranho ao redor. Personagens que seguem a vida sem pensar sobre, como na longa série feita em Barcelona com imigrantes de todas as partes do mundo. Porque o imigrante é útil, ele trabalha, ele produz, ganha pouco e permanece sem estar. Não se integra totalmente, perde-se em si, porque não mais pertence ao que já foi e jamais será igual ao que sempre está. Foi o que percebi em Barcelona, em Roma, em Budapeste, em Valência, em Frankfurt, em Berlim... há um isolamento. Existe uma comunidade em cada cidade dessa, para cada nação de emigrados, e este é o lugar deles, este intervalo, um Khôra, habitantes que já não pertencem a nada que não seja estar sem ser exatamente dali. ( vidaearte/2018/03/um-mergulho-na-obra-imagetica-daartista-visual-maira-ortins.html)

Maíra Ortins é artista multimídia. Vive e trabalha em Fortaleza, capital do estado do Ceará, Brasil. Nasceu no Recife, capital do estado de Pernambuco, em 1980. Formou-se em Letras, pela Universidade Federal do Ceará (2006). De 1995 a 1998, estudou desenho, pintura e escultura em argila na Escola de Arte do Recife. Expôs em Barcelona, Madrid, Nürnberg, Havana, Cuba. (



Retratos e paisagens são os mais tradicionais e difíceis registros fotográficos. Estão em todas as fases da história da fotografia. Por isso mesmo, a dificuldade de transformálos em arte fotográfica. Atualmente, os telefones celulares se encarregam de multiplicar e banalizar retratos e paisagens. Biografias fotográficas são feitas utilizando-se apenas retratos, desde o nascimento até a morte. Marcela Elias escolheu o caminho mais difícil: registrar o presente de Dona Elisa e deixar que nós, espectadores, imaginemos sua trajetória. Não fez um romance, produziu uma crônica. Uma crônica com tal intensidade que por vezes nos deixa sem ar. Temos diante de nós, uma personagem de 96 anos que vislumbrava o futuro. Sua geografia epidérmica pede nossa leitura. Seu rosto nos inquire. Há que lembrar os versos citados por Fernando Pessoa: “Navegar é preciso, viver não é preciso”. Esta crônica de Marcella Elias nos mostra que d. Elisa chegou com precisão ao fim da vida. Vejamos o que diz a fotógrafa:

“Trata-se de um ensaio com uma senhora de 96 anos, Elisa, única sobrevivente de sua família. Teve sete irmãos homens, uma filha, uma grande amiga e companheira de casa, um marido e viu todos partirem. Ela morava só, preparava suas refeições, cuidava da casa, caminhava 38 quarteirões por dia, contava suas histórias com muita empolgação, adorava Coca-Cola e rocambole de goiaba. Seu segredo para longevidade era a moderação. Este ensaio foi selecionado no Festival de Fotografia Encontros de Agosto 2017 e ficou em cartaz no Museu da Cultura Cearense, do Dragão do Mar, Galpão Super 8, Unifor, Espaço Cultural do North Shopping. Em 2019 participou do Festival For Rainbow, exposto na Multigaleria. Foi exposto no Rio de Janeiro, na Feira do Oriente de Artes Visuais em novembro de 2019, no formato de

instalação . Marcella Elias é artista multimídia, atuando em fotografia, vídeo e cinema. É formada em Comunicação Social e está cursando especialização em Cinema. Fez a direção de fotografia do curtametragem “Grilhões” (Apenado). Sua pesquisa atual, chamada “Mulheres Invisíveis”, é uma instalação que gira em torno do feminino e de dar visibilidade à história de mulheres. No seu endereço no flickr, declara:

“Sinto e fotografo. Após concluir três cursos, sendo um deles o avançado de fotografia, numa das melhores escolas do Brasil, a Travessa da Imagem, resolvi fazer da fotografia um ofício. Tive a honra de expor no Galpão Super 8 um trabalho autoral sobre a força feminina. Assim, tenho interesse pela Fotografia e Arte Contemporânea. Prazer imenso em fotografar pessoas, espetáculos artísticos e intervenções urbanas. Principalmente de fazer retratos, tanto em externas, como no estúdio. Cinéfila de carteirinha, faço still de cinema.”



A princesa e os plebeus. Que ousadia essa da Priscila Smiths! Tem a coragem de personificar o inconsciente coletivo de um arquétipo de princesa, para ser experimentado pelos circundantes, seguramente, não um arquétipo, mas plebe rude na sua subjetividade! Feudo capitalismo! Contudo, surpresa: nesse antagonismo, não há subserviência nem conflito. Há até certo escárnio pela plateia. Nessa ousadia, impregnada de uma estética conceitual, baseada numa possível instalação na qual corpos se contrapõem, parece haver um pedido de consciência. Aqui, entra a forte carga política deste ensaio. O que pode emergir dessa dialética da realeza e seus súditos, da riqueza e da pobreza? É nessa dialética, na qual se constrói o conflito, que emerge a consciência, a partir da estetização da relação. Priscila Smiths administra o conflito e o coloca diante dos espectadores. Cabe aqui uma referência à dialética do senhor e do escravo de Friedrich Hegel? Onde e quando nos deparamos com as consciências de si e do outro? Resta a pergunta: que tipo de consciência é possível; que tipo de convivência? Até quando? Há uma rebelião em surdina, esteticamente elaborada. Gosto de fotografar pessoas. Fico instigada em descobrir as pessoas. Olhá-las como personagens que encontro ou que as crio. Às vezes, estou em um lugar e fico observando um tempão o comportamento de uma pessoa, a forma de falar, ou andar, isso abre um universo para mim de quem aquela pessoa é, e/ou de quem ela quer ser.

Neste trabalho, batizado Feudo-Capitalismo, o elegante e o marginal se encontram e coexistem, embora se choquem visualmente. O trabalho tem como proposta refletir as divisões sociais estabelecidas no decorrer da história da humanidade.

Esse trabalho tem uma importância pessoal para mim, por ter sido o meu primeiro trabalho exposto em galerias e museus. É um trabalho que me reconheci nele. Foi um start, sobre caminhos e possibilidades que me interessam seguir na fotografia.

Nasci em Fortaleza, Ceará, em cinco de novembro de 1991. Cidade em que resido. Estudo Artes Visuais no Instituto Federal do Ceará. Comecei estudar fotografia em 2012, na Travessa da Imagem. Expus na Galeria Dragão do Mar de Arte e Cultura, no Museu da Cultura Cearense, Sobrado José Lourenço, Museu de Arte da Universidade Federal do Ceará. Através da fotografia, entrei no cinema e audiovisual, realizando minha primeira direção de curta metragem em 2017. Trabalho como fotógrafa para o jornal O Povo. Também participo do laboratório de criação do Porto Iracema das Artes, no desenvolvimento de roteiro para longa metragem, com os tutores e cineastas Karim Ainouz, Sérgio Machado e Nina Kopko.


O rio não segue mais / na areia da aguespuma. / Só segue no tempo (seco) / sem mais ir a parte alguma.

O rio se vai com o tempo / (água desaparecida). Segue no tempo sua morte / á espera de outra vida.

A fotógrafa Sheila Oliveira é poetisa, intencionalmente ou não. Faz jornalismo. Faz reportagens. Mas seu fazer verdadeiro é construir memórias-poemas a partir da seletividade e sensibilidade de seu olhar. Suas fotos despejam diante de nós uma cascata de lirismo. Que respeito ela tem pelo real! Que emoção ela capta e nos oferece, remetendo-nos para além daquele registro, mobilizando nosso cérebro para uma história oculta que podemos refazer. Há uma tal delicadeza nos seus cliques que podemos nos perder poeticamente neles. A poesia fotojornalística de Sheila Oliveira transforma seu trabalho em arte fotográfica. Uma de suas inspirações foi o livro do poeta cearense Luciano Maia, “Jaguaribe – memória das águas”: “Folheando suas páginas, deixo meu coração ser conduzido por esta onda de poemas e sigo a correnteza que me levou por caminhos de curvas de pedras, de areia e águas convergentes.” Tudo isso está no livro “Rio Jaguaribe - memória no tempo e nas águas”. Sheila Oliveira e a jornalista Claudia Albuquerque também percorreram o Ceará em busca dos artesãos e operários produtores de “redes de dormir”. O trabalho foi registrado em livro. “Lembrei das brincadeiras de balançar na rede com os meus irmãos, da minha mãe dando a mamadeira de mingau para a minha irmã caçula no balanço da rede... Imagens de


redes armadas nas varandas da casa do sertão dos meus avós maternos [...]Sobre o livro “Carnaúba a árvore que arranha”, ela comenta: “Meu olhar de fotógrafa me fez desejar gravar para sempre imagens de uma árvore que arranha e dá vida. A carnaúba torna verde a árida terra nordestina e dá vida a muitos que se utilizam de todos os ‘frutos’ que ela produz, desde o recolhimento se suas palhas, até o refinamento do pó e a produção da cera e seus derivados.” Sheila Oliveira Vive e trabalha em Fortaleza – Ceará. Estudou fotografia na Foximage, em Paris, 1988; fez especialização em fotojornalismo em São Paulo, na Escola Focus, 1992. Trabalhou na France Press, 1989 – AFP (Paris) e no jornal Folha de São Paulo. Em 2005 ganhou o Prêmio de Fotografia Chico Albuquerque, da Secretaria de Cultura do Estado do Ceará com o livro “Carnaúba a árvore que arranha”; em 2012, ganhou o prêmio do Edital das Artes da Secultfor com o livro “Redes de Dormir”.

( httpwwwfotografasheilaoliveiracomphotos/)



A exorcização do quotidiano. Ritualizar desritualizando. Uma estética áspera, quase selvagem. Há algo de atonal nas imagens de Tatiana Tavares. O corpo como mensagem. Multiplicação de signos e sinais. Significado e significante se fundem em imagens agressivas, conscientemente agressivas, para incomodar o espectador. Estas fotos protestam contra uma humanidade artificial. Elas são realisticamente artificiais ao retratar uma realidade incômoda: a dependência, o repúdio à dependência. Ao mesmo tempo em que protestam em alto e bom som, em tom maior, paradoxalmente, revelam uma angustiante intimidade. São fotos-manifestações. Apresentamse como passeatas de protesto. Em que paredes elas podem cumprir seu papel? Elas nos desafiam a manter o olhar sobre elas. Diante delas, perdemos um pouco do nosso efêmero poder. Mas há que olhá-las e refletir. Tatiana Tavares é contundente na sua proposta:

“Rotina é uma fotoperformance feita no segundo semestre desse ano. Surgiu a oportunidade de participar de uma exposição fora do estado do Ceará e eu não andava mais contente com os meus trabalhos anteriores.

Estou em meio a uma pesquisa sobre fotografia e vendo trabalhos de muitas mulheres, e nesse momento de criar um novo ensaio, senti a necessidade de falar sobre um assunto mais íntimo, pessoal, que anda comigo e que tenho propriedade para falar, que é a ansiedade.

Não é a primeira vez que esse tema aparece em algum trabalho meu, mas meu processo criativo foi mais organizado e focado.

As imagens são fortes para mim, pois se trata de demonstrar essa relação da ansiedade e a necessidade de ingerir remédios para que essa rotina aconteça.

Às vezes conseguimos continuar o dia sem essa ‘muleta’, sem precisar de

algo químico para fazer das coisas simples às mais complicadas. Mas tem dias que isso é necessário.

Até o título Rotina vem para humanizar a pessoa que possui ansiedade. Não estigmatizar. Muitas pessoas vivem o seu dia a dia e tem que enfrentar seus problemas, com ansiedade ou não. E disso eu posso falar, ou melhor, posso fotografar.”

Tatiana Tavares nasceu em 1992, em Fortaleza, Ceará. Fez licenciatura em Artes Visuais e atualmente cursa especialização em História da Arte. É professora de Artes. “Minhas influências artísticas vêm de fotógrafas, como Julia Margaret Cameron e Francesa Woodman. Gosto de movimentos da arte como o Surrealismo, o que fez com que meus trabalhos não tenham um cunho de registrar cenas, e sejam mais documentais. Acredito que é por gostar dessa estética que faço um trabalho de tratamento de imagens, para criar texturas e novas camadas de imagens. Aprendi muito através de cursos, palestras, grupos de estudos. Acho importante conhecer história da arte porque amplia nossa bagagem imagética.”



Publisher: Alaide Rocha

Editor: Carlo Cirenza

Research and text: Fernando Rios

Graphic Project: Marcelo Pallotta

Designer Assistant: Katharina Pinheiro

Translation: Bruna Martins Fontes

Acknowledgements: Patricia Veloso e Solon Ribeiro

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ISSN 2596-3066