Carcara #19

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ISSN 2596-3066

Cover Photo Helmut Newton

EDITORIAL KIM ESTEVE: AN AMAZING PATRON, AN IMPECCABLE HOST. Kim Esteve is a character to figure in any art history in Sao Paulo state. Nobody knew, like he did, how to gather artists of all arts - cinema, photography, visual arts, theater, ballet - in his house. The 1970s, 80s and 90s had Kim as an outstanding protagonist. He not only received and connected artistic personalities, businessmen, curators, art critics, journalists: he also acquired works and created one of the city’s best art acquis. This issue of Carcara, besides presenting his photo collection, pays homage to this amazing patron and impeccable host. Thank you, Kim Esteve. CARLO CIRENZA



“Photography is history, that’s its fundamental role. The machine shows nowadays to those who want to see nowadays. But the machine also shows yesterday to those who want to learn. (…) The photographer’s duty in Brazil, it seems to me, is to insist in registering suffering and pleasure, beautiful and ironic. Only time and the audience will decide the meaning that photos really have.” DAVID DREW ZINGG SOBRE DAVID DREW ZINGG / IMS / INSTITUTO MOREIRA SALLES

David Drew Zingg seems to have been the most Brazilian of the American journalist photographers who lived in our country. When he arrived in Brazil (which he called “sambolândia”), in 1964, he was already an experienced and renowned man. In the US (which he called “gringolândia”), he worked at NBC’s newsroom; volunteered at American Air Force in World War II and was a war correspondent in France and Germany, for the Military Service Radio. In New York, he worked as an editor, copydesk and reporter for magazines Look and Life. He also produced texts and photos for Esquire, Show, Town and Country, CG, Sports Illustrated, Vogue, Interview, El Paseante, Zoom, Modern Photography, Popular Photography, New York Times, London Sunday Telegraph and The Observer. He photographed and has been close to personalities such as: John Kennedy, Winston Churchill, Che Guevara, Marcel Duchamp, Lawrence Durrell, Louis Armstrong, Duke Ellington, Bobby Short and Ella Fitzgerald. During his stay in Brazil, he

photographed for: Realidade, Manchete, Playboy, VIP, Veja, Claudia, Elle, Quatro Rodas, Status, IstoÉ, Fotóptica, Iris, Ícaro and Macmania. He also collaborated with newspapers Folha de S. Paulo, O Estado de S. Paulo, Jornal da Tarde, Jornal do Brasil, O Globo, Zero Hora and Notícias Populares. Zingg also took part in the band Joelho de Porco and, from 1987 to 2000, wrote the column Tio Dave for Folha de S.Paulo. He was present at the opening night of the Show de Bossa Nova, presented by Tom Jobim and Vinicius de Moraes at Clube Bon Gourmet (1962), in Rio, and contributed to organizing the Bossa Nova concert at Carnegie Hall, in Nova York, 1962. DAVID DREW ZINGG

John F. Kennedy

Nina Simone

Barbra Streisand

Lawrence Durrell

Duke Ellington

Ella Fitzgerald


Marcel Duchamp

Helena Rubinstein

Robert Dash

Ricardo Piloto, Kim Esteve, Grimaldi Kim Esteve



[...] discreet and deep poetry, desperate and fine irony emanate from the photos of Manuel Álvarez Bravo [...]. DIEGO RIVERA All of Mexico poetic things has been put within our reach by him; where Manuel Álvarez Bravo has halted, where he has stopped to fix a light, a sign in silence, is not only where Mexico’s heart barks, but where the artist could scent, with unique discernment, the full objective value of his emotion. ANDRÉ BRETON

This Mexican photographer and filmmaker was called a poet of imagery: Octavio Paz, one of the most important poets of world literature, called him a photo-poet. Manuel Álvares Bravo and Mexico interpenetrate themselves. Even in the most striking photos, he could manage light and shadow to compose the impact of a dramatic poet. In his photos, Mexico is offered to us with rare and dense plasticity. Either these are people or landscapes, details or panoramic, his photos always propose a reflection. We can say that by the poet’s side there is a contained indignant philosopher. A highlight for his nudes: sensuality, lust, eroticism with much dignity. Manuel Álvares, not by any chance, is the main name of Mexican photography of the 20th century and one of the icons of photography in the world. This is a summary of the biography in his website (

“Manuel Álvarez Bravo, one of the founders of modern photography, is considered the biggest character of Latin American photography in the 20th century. His work extends from the end of the 1920s to the 1990s. He was born in the center of the Mexican capital in the 4th of February, in 1902. He interrupted his studies when he was 12 because of his father’s death and started to work to help his family. His grandfather, a painter, and his father, a teacher, were fans of photography. At first, he approached pictorialism because of the influence of his painting studies at Academia de San Carlos. He soon explores modern aesthetics, discovers Cubism and the possibilities of abstraction. From 1943 to 1959, he worked at the cinema, taking fixed photography, which leads him to produce some personal experiments. According to many critics, the work of this ‘poet of lenses’ expresses the essence of Mexico, but the humanistic look, the aesthetical, literary and musical references it contains also give him an universal dimension.”




“My work as a portrait photographer is to seduce, charm and entertain” “A picture of some people is art, but not mine. Art is a dirty word in photography” “Any photographer who claims not to be a voyeur is either stupid or a liar” HELMUT NEWTON MESTRES DA FOTOGRAFIA DE MODA: HELMUT NEWTON CENTRO DE FOTOGRAFIA / ESPM / JUNE 17, 2011

Is it possible to be stern and sensual? And to make feminine glamourous but not vulgar? How to extract fetish in a complex aesthetic rigor? And how to eternize the right moment of a story which develops before us with no beginning and no end? How to gather the maximum femininity and eroticism without pornography? Gathering sternness, sensuality, glamour, fetish, atemporality, femininity, eroticism, in a rigorous black and white aesthetics. All this is not enough to try to interpret Helmut Newton’s art and propose a possible reading of his photos. The history of fashion photography can be written as before and after HN. And we are not yet talking about his nudes: in some cases, we feel a bit of surreality; in others, a universe. Before his nudes, we feel like the oxymoron itself: his women seduce us and repel us. We feel static before these women’s real and surreal beauty. Helmut Newton will provoke us forever with his art, although he refuses this word. Helmut Newton Foundation’s website (https:// sums up his story:

“As a photographer who dominated the gap between art and commerce, Helmut Newton almost always could surprise and polarize his audience. Among the editorial team of many magazines, he found kindred and creative spirits which responded to his uncommon visual ideas. The result was a set of photos which not only were exceptionally recognizable and accomplished but also reached millions of viewers through publications and magazines.� Helmut Newton was a German photographer naturalized Australian. He was born in Berlin in 1920, son of a Jewish German and an American: he escaped Nazism and took refuge in Australia. He photographed famous actresses like Marilyn Monroe, Catherine Deneuve, Monica Bellucci, always in black and white. He was an innovator, a revolutionary, worldly famous, in the 1950s and 1960s. He lived in London and Paris, worked for French Vogue and spent his last years in Monte Carlo and Los Angeles. He died in a car crash in California.


Kim Esteve

Esquerda para direita (em pĂŠ): Meg McHale, Peter Becker, Melissa Tardiff & baby daughter, Rose, Bob Dash, Pat Birch Becker, Kim Esteve, Emma Torres Becker holding J. Sebastian Becker, Nick Emmanuel, Jonathan Becker, Harry Hurt III, Alison Becker, A. William J. Becker III, Melinda Hackett, Walter Hutchins Esquerda para direita (sentados): Anne Hearst, Barbara Leary, Jill Emmanuel

David Bowie

David Bowie



There was light in the kitchen, and this is one of my ‘things’ to go where the light is. I feel photography is a form of documentary art. I feel it is very important to have a negative film as proof that this was real. I have nothing against digital image in itself since there is some starting point and reference –what does not exist. JONATHAN BECKER

Jonathan Becker chases light. Not flash, not studio light. He always wants a natural light, or even incidental, the lightest it may be. Candlelight, for instance. Becker also chases an authentic space, one not created artificially. He cuts reality and intensifies it with the strength of his characters. Becker also chases humor, when possible. And never forgets to imprint, magically, a touch of literature in his compositions. The result of such combination of intentions, with unexpected frames, allowed the celebration of 30 years of images in Vanity Fair, in 2012. This iconic doyen of photojournalism, who was also a taxi driver in New York, always with a camera by his side, is a citizen of the world. He was in the Amazon jungle to photograph the first meeting of Yanomami tribe members, and at Buckingham Palace for the first photography which show the Prince of Wales and Camilla Parker-Bowles together. Hundreds of personalities were clicked by him: “Dr. Death” Jack Kevorkian; Chinese artist and human rights activist, Ai Wei Wei; the mother of modern dance Martha Graham, and various characters of art, literature, politics, pop culture and society. But these publications also had

portraits and features from Becker: The New Yorker, Vogue, W, The Paris Review. His four books are sought after all over the world: Bright young things London; Bright young things New York; Studios by the Sea: Artists of Long Island’s East End; Jonathan Becker: 30 Years at Vanity Fair. Becker was born and grew up in New York; he travelled to Paris where he had cult photographer Brassaï, as preceptor, who became his idol.


John Chamberlain

Elaine’s Kitchen - Chevy Chase, Dan Aykroyd, John Belushi & Lorne Michaels

Madonna, Martha Graham e Calvin Klein

Barbara Leary

Kenny L. Lane e Nicky Neymouth




I use photography to help me explain my experience to myself. I believe in imagination. What I don’t see is infinitely more important that what I can see. DUANE MICHALS

Duane Michals is absolutely literary. He has individual photos, sequence photos, writes about photos. His literature breathes photographic speech, even in his individual photos. Oneiric, surrealist, metaphysic. His reality happens bidimensionally and immediately is tridimensionally transferred to our conscience. But it is unconscious which reacts. Duane Michals does not deny one of the main roles of photography: to register memory. But which memory does he register? Maybe one which does not exist in our unconscious, and that begins to exist and turns into past. It is not possible to find a more creative photographer than Duane Michals. His photos move, instigate and defy us. His stories are actually our stories, because we create them before the pictures, they have many meanings, surpass the concepts of meaning. Besides all possibilities that Michal’s work brings us, before him, some questions seem to hover: what is life, what is living, who are they, who are us, what is this world? Michals is a juggler who doesn’t tell the secret of his magic; a philosopher that offers himself to our philosophical thoughts. The texts Michals incorporated to his works add another dimension to the meaning of images, which are, many times, at the same time poetical, tragical and funny. Michals got his BA from Denver University in 1953 and worked as a designer, then shifting to photography by the end of

the 1950s. He portrayed influent artists like Andy Warhol, René Magritte and Marcel Duchamp. His first individual exhibit took place at The Museum of Modern Art, in New York, in 1970, and Michals celebrated 50 years working as a photographer in 2008, with a retrospective at Museu de Fotografia de Thessaloniki, in Greece, and Scavi Scaligeri, in Italy. Michals was honored with a CAPS Grant (1975), the National Endowment for the Fellowship (1976), the International Center of Photography Infinity Award for Art (1989), the Foto España International Award (2001), and a Honorary PhD in Fine Arts at Montserrat’s Art College, in Beverly, Massachusetts (2005). DUANE MICHALS


A female photographer will never get what a man gets from a woman. I have used all my actress’ skills to make people relax, turn to themselves, enter themselves and just look at me. I cannot photograph anyone without considering the eyes. You will never see that concern about the eyes in someone shot by Helmut. You will only see

eyes. He wasn’t interested in people. ‘I am not interested in soul’, he said. But I was and I have tried to steal them. And, in many cases, I have succeeded.” ALICE SPRING / JUNE NEWTON I can see truth and simplicity in the portraits of Alice Springs. HELMUT NEWTON

Alice Springs, June Brownes’s pseudonym, began her professional life as an actress and model, with the name June Brunell. She has been an editor, art director and Helmut Newton´s curator for almost 60 years. And his wife. She met her husband in 1947, during a photo shoot. He had just opened a studio in Australia. Helmut Neustädter, son of Jewish, had escaped Berlin in 1920, had worked in the prostitution world in Singapore and ended up being deported to Australia, where he changed his name. One year after the photos, they got married. They have lived in London and Paris, June still as an actress; they go back to Australia. From 1961 on, they live in Paris. Her work as a photographer began when Helmut Newton caught a flu in Paris, in 1970. June Newton asked her husband to show her how to operate the camera and the light meter and she photographed an ad for French cigarette brand Gitanes. Throughout her career, Alice Springs’ photos appeared in magazines like Vogue, Elle, Marie Claire, Vanity Fair, Entrevista,

Stern. Working at first as a fashion photographer and then as a portrayer, June shot famous people, like William S. Burroughs, Anthony Burgess, Catherine Deneuve, Graham Greene, Roy Lichtenstein, Robert Mapplethorpe, Christopher Reeve e Diana Vreeland,Yves Saint Laurent, Brigitte Nielsen, Nicole Kidman. She supervises the production of all books and catalogs for Helmut Newton’s exhibits as an Art Director. It is worth it to visit the site of Helmut Newton Foudation:


Barbara Leary


A CLASSIC PHOTOGRAPHER –PHOTOJOURNALIST AND PHOTO ARTIST WHO TURNED OFF THE LENSES James Stuart or Jamie Stewart-Granger are the same person, the same photographer. Almost sixty years in the profession, photos from all over the world. He is a classic of world photography, in the pure sense. He is an excellent landscaper and portrayer; shoots cars, boats, sports; frames women aesthetic, sensual and carefully. Makes photojournalism and photo art, sometimes both in the same click. James or Jimie started in the movies, editing films, a kind of director’s assistant. He left England and went to Rome, been to Africa shooting with Henry Hathaway. The team’s photographer got sick, an as he always carried a camera, he was named official photographer. Then he started in the photographic life and travelled around the world. He chose Brazil to live. “In Europe everything was made, whereas in Brazil I knew places, like the north of Mato Grosso, in complete transformation. I photographed thickets, the beginning of the colonization, and shortly after there were a hundred thousand people.” He knew the country in 1974 and settled here in 1980. He lived in Rio de Janeiro, Sao Paulo, Tiradentes, in Minas Gerais, and settled in Cumuruxatiba, in the south of Bahia. In an e-mail addressed to the magazine’s copydesk, Fernando Rios, he confides:

Fernando, I am now 75 and have turned off my lenses. I have worked

mainly at B&P Nikon 35, Hasselblad 6X6, Mamiya 6X7. All my impressions and negatives are at Silvio Pinhatti’s lab. My last book was Bahia Desconhecida / Unknown Bahia, you can probably find a copy in secondhand shops, for it is sold off.

Now I am taking care of my mangos, bananas, coconuts, pineapples

and other fruit trees. We have rented our little house to friends and friend’s friends. Any photographer who wishes to stay here with a marvelous nature will be welcome. My style and thoughts on photography are in sync with those of Sebastiao Salgado, Cartier Bresson. Old school, too old to involve with the digital world. I hate to spend hours in a computer manipulating images with Photoshop. So I don’t think I have much to offer, but I will send you some parts of my book, but if you want quality, get in touch with Silvio. Best, Jamie Stewart-Granger.

He is son of Hollywood actor Stewart Granger and many of his photos can be seen at granger/?hl=pt-br


Carol e Penny Shorto

David Drew Zingg

Ed Leffingwell

Kim Esteve e Jonatham Becker



I find it amazing that Tulsa, a book which was photographed in 1962

and printed in 1971, is still selling and people are still buying. People still think it is controversial and dangerous. I think it is good to feel dangerous after all these years. I don’t embrace controversy, it simply happens. I am just trying to show real life. All my work throughout the years is based on a small group of people you wouldn’t have known any other way. You wouldn’t know about my friends in Tulsa. You wouldn’t know about the secret life of teenagers, where adults can’t enter. When Kids was released, people said it was just an old man’s fantasy. “Our kids are not like that.” And by reading the paper the following years one could see that all that happened in Kids happened in the United States. I was always a little early. Then the country catches up with me. LARRY CLARK, STATEMENT TO ERICA EUSE, 29.MAY.2014. O Larry Clark Continua Perigoso

Crude and nude photos, ipsis verbis. Young junkies taking drugs. Larry Clark has shocked the world with his registers. Clark’s realism became art. He confesses: “I am a storyteller. I was never interested in only getting a single image and moving on. I always like to stay for a while with people I photograph, for long time periods.” Simon Lee Gallery ( registers: “Clark was born in Tulsa, Oklahoma, in 1943. His mother was a photographer and at 13 he joined the family’s work. His first book, Tulsa, published in 1971, started a crude and confessional photographic style which influenced photographers and filmmakers like Nan Goldin, Ryan McGinley, Gus Van Sant and Martin Scorsese.

In 1995, he launched his first movie - Kids -, a seminal and mature portrait of the life of a group of teenagers of New York. Clark’s other cinematographic projects are: Another Day in Paradise (1998), Ken Park (2002), Wassup Rockers (2005) and Marfa Girl (2012), The Smell of Us (2014).�



MANIFEST PHOTOS OF AN INDIGNANT PHOTOGRAPHER Valdir Cruz is a mix of guerrilla man, journalist, anthropologist. He is indignant, as we all should be. And he executes his contesting action as a photographer. Valdir Cruz’s photos are a libel presented realistic and aesthetically and are a manifest to defend a millenary culture. Not only of yanomami/ yanomamo. Of all indigenous he portrayed, among then Brazilian Ingarikó and Macuxi, from Roraima; Corubos and Matis, from Vale do Javari, in Amazonas; or the Kaxinawa and Yawanawa, from Acre. Valdir Cruz does not acquiesce. He gathers his equipment and indignation and goes to the forest. There is a kind of clamor in the images he shows us. One has the impression that even nature calls for attention and reveals the painful contrast with a degraded human condition. And we feel humiliated and ashamed for our urban inertia, for our unconsciousness and for being inconsequent. Valdir Cruz, then, instigates and fustigates us. Beyond aesthetics there is a denunciation. He reports: “In the fall of 1994, I met and photographed Davi Kopenawa Yanomami, a shaman and e leader of Demini-teri, an Yanomami village in the North of Brazil, next to the Venezuelan border. He was in New York to make it clear, at the UN, what was the situation of indigenous people in the Brazilian Amazon. His message awoke me to the people of my country. At that time I had already left Brazil for over fifteen years and was shocked to learn that indigenous people were suffering terribly after contact with illegal gold miners, loggers, professional hunters and other invaders. Diseases brought by these people were decimating the Yanomami. [...]

I made other trips to Amazon, hoping to register other indigenous people whose culture were threatened, so I met the Macuxi, Ingarikó, Yawanawa, Kaxinawa, Matis and Corubo. That new experience made it clear to me that continuous and unrestricted contact with forest natives could only lead to more cultural degradation. And the saddest part is that this is an irreversible loss.” VALDIR CRUZ / FACES DA FLORESTA / OS YANOMAMI / Cosac & Naify, São Paulo, 2004, p. 14.

Super Brazilian Valdir Cruz has been living in the United States since 1984. His main themes are the people, architecture and the landscape of Brazil. He has studios in New York and São Paulo. VALDIR CRUZ

Maryanne Savino

Wesley Duke Lee e Kim Esteve

David Drew Zingg

Kim Esteve, Maciej Babinski, Ed Leffingwell

MOMA’s visit to São Paulo + Ed Leffingwell e Maciej Babinski

KIKYTO AMARAL THE RETURN OF A 1980’S REFERENCE In the works Kikyto Amaral does currently for exhibitions, he manages a special way to photograph faces in close-ups. The main feature is seriousness; there are few smiles; Then the framing, which lets sobriety overflow. Then comes color: black and white. Gathering all, each photo turns into a great interrogation. Despite the whole faces offered to us, they hide truths. This striking plasticity invites us to ask and try to answer: who is behind that face? But the name is not enough. Would these be photos from Kim Esteve collection, taken last century, an omen of figures who ask to be deciphered? (https://www. Glamurama site highlights his work in the l980s (https://

The 80s were not the same without the clicks and the look of

photographer Kikyto Amaral, who was known for portraying the ones who partied in that time’s effervescent scene. Then the project três×4:PxB 1981 was born, in which 305 people were portrayed, as Joyce Pascowitch, the artist Antônio Dias and Mariângela Bordon.

Kikyto Amaral speaks of his trajectory, which goes through the Architecture classes, Milan, Madrid and Paris. At 12, I was sure. It would be a passion for the rest of my life. I was born in Rio de Janeiro, in a street besides Corcovado station, with all those tourists all the way around taking pictures. His cameras registered the enamored, families, groups and, of course, the lonely. The clicks never stopped, and that fascinated me. I spent hours observing all that movement from my house’s corner. When I close my eyes, these are the memories which remain. Photography entered my life like this. And stayed.

Returning to Brazil, I opened Studio Z, at Oscar Freire street, and

started producing. With lambe-lambe light, assembled at the studio, I have photographed for eight months people from different areas; famous, not famous, artists, passers-by rich ladies, professors, politicians, many people. At Galeria Mônica Filgueiras, in 1981, over six hundred of these portraits were exhibited. When I created the series “Série Azul”, in 2002, I couldn’t imagine that in 2008 13 photos of this series would be part of the collection of Pinacoteca do Estado de São Paulo. This honor makes me constantly feed “Série Azul”, as I walk towards new challenges. One of these is the exhibit 3×4:PxB 2017 – AS 1000 FACES, programmed for 2020. (


Martin Penrose

Ivald Granato

Luisa Strina

Antonio Dias

Eduardo Longo

Telmo Martino

Rubens Gerchman

Wesley Duke Lee

JosĂŠ Roberto Aguilar

Carlos Fajardo

Paulo Figueiredo

Monica Filgueiras


Allen Ginsberg was not only the most prestigious North American poet of the second half of the 20th century but also the great romantic rebel and anarchist contemporary poet. He promoted, with partner like Ke¬rouac, Burroughs, Corso, Ferlinghetti, Snyder and others, a revolution in language and literary values which turned into a collective rebellion, in the series of revolutionary events which was the cycle of beat generation in the 1950s, counterculture and youth rebellions in the 60s and 70s. Consequences of the impact of the release of Howl and Other Poems, in 1956 and, soon afterwards, On The Road, by Kerouac, in 1957, and other representative works of beat literature, like Kaddish and Other Poems, by Ginsberg, and Naked Lunch, by Burroughs. CLAUDIO WILLER Geração Beat. Porto Alegre, RS: L&PM, 2010 (ColeçãoL&PM Pocket; v.756)

Irwin Allen Ginsberg was a writer, American poet, philosopher and activist. He is considered one of the main characters of Beat Generation in the 1950s. He became known for his poetry book Howl and Other Poems (1956). He vigorously opposed to militarism, economic materialism and sexual repression, and incorporated many aspects of his counterculture: he approved the use of drugs, he was against bureaucracy, and favorable to opening to oriental religions. Ginsberg also liked photography. In 1953, he bought a camera for 13 dollars and made photos of all his friends. He had known the main characters of the group _ William S. Burroughs, Gregory Corso, Jack Kerouac_ since his student days at Columbia. He saw them like a new literary vanguard. In 1983, he reviewed images from the 1950s. He bought a new camera and started reproducing old images in larger formats with a white space for

notes in the margins, especially from Jack Kerouac and William Burroughs.


Jack Kerouac

BARBARA LEARY BARBARA CHASE Barbara Chase/Leary is a North American actress who acted in movies like Money to Burn (1983), Stitches (1985) and Ryan’s Hope (1975). She was married to Timothy Leary (1920 1996), from 1978 to 1992, a North American psychologist and writer known for defending the exploration of the therapeutical potential of psychedelic drugs, as LSD, with medical and psychological support. She was once called “LSD muse”. She was also Kim Esteve’s ex-partner.


Barbara Leary

John Chamberlain


I wanted to scramble the military government, which was reducing Brazil to one more republic of bananas, as were the other South American little

republics. My challenge was to paint and, at the same time, reflect about torture and prisons in something explosive, sarcastic, mocking. ANTONIO HENRIQUE AMARAL SILAS MARTI / FOLHA DE S. PAULO / ILUSTRADA / DECEMBER 9TH 2013

One of the most important Brazilian artists of the 20th century, Antonio Henrique Amaral was a painter, engraver and draughtsman. He also left a few photographic registers, such as this from Kim Esteve collection. He was more known for the series of paintings which had bananas as a them, accomplished from 1968 to 1975. Between December 7th, 2013 and February 23rd, 2014, Pinacoteca do Estado de São Paulo promoted a retrospective exhibit of his work. To present his works, Pinacoteca’s site (https:// registered: Antonio Henrique Amaral developed his career from Sao Paulo and lived for almost ten years in New York – from 1971 to 1981 -, when he definitively returned to Brazil. It was in the great North American metropole, then center of the art in the world, that he consolidated his name as a painter, experiencing the expansion of pop-art and hyper-realism, movements with which he dialogues, and enjoying the diversity of the cultural environment attended, at the time, by Latin American artists of his generation.

With the series Brasiliana, Amaral begins to explore banana as a theme,

an iconography which reaches its peak with the dark paintings of the series Campos de batalha, an allegory of political repression times in Brazil in the 1970s.

Then there come the Bambus and ExpansĂľes, when composition fragments until it reaches the great pictorial freedom of the 1980s. The 1990s are marked by the



AN ANTHROPOLOGIST WHO USED PHOTOGRAPHY TO MAKE SCIENCE, ART AND A LITTLE SPYING. Carleton Stevens Coon was a North American anthropologist from Pennsylvania and Harvard universities and president of the American Association of Physical Anthropologists. Coon’s theories about race are questioned by contemporary anthropologists for allegations of the superiority of European races above all others. He began his studies at Phillips Academy in 1921 and then graduated Magna Cum Laude at Harvard University, in 1925. Coon got a master’s and doctoral degree at Harvard University in 1928. His field work was vast, including excavations of five cave sites in Iran (1949-1955), Afghanistan (1954), Syria and Central Africa (1955) and Chad and Libya (1966-1967). Highlight for the archeological excavations of 1949-1955, in five cave sites in Iran: Visito, at Lorestan; Tamtama at Azerbaijan; the rocky shelter Khunik in the southern Khorasan; and Belt and Hotu in Gorgan. He took a leave from Harvard from 1942-1945, a time when he served the State Special Assistance Department (194243) and as major in US Army (1943-45). In 1945 he was awarded a Legion of Merit. In the Second World War, Dr. Coon served in Africa and Middle East at the Bureau of Strategic Services. “A North Africa Story” is a book about his war experiences. Coon also did photography jobs for US Air Force between 1954 and1957. He photographed areas where American planes could be attacked. It led him to travel through Korea, Ceilan, India, Pakistan, Saudi Arabia, Japan, Taiwan, Nepal, Sikkim and the Philippines. In archeology, Dr. Coon made pioneer contributions to the study of human transition from hunters-gatherers to the first farming

communities. He also did important initial work in studying the physical adaptations of human beings in extreme environments, like deserts, the Artic and great altitudes. In social anthropology, he wrote the important “A Reader in General Anthropology”, published in 1948. He also wrote a monography about Morocco’s Rif tribes in 1931. A camera always accompanied him.



The photographic origin of each Close painting is well known;

however, the exploitation of Close by the media extends way beyond the use of photography as a programmatic tool. If he uses a photographic image as origin material or as an end in itself, all he creates begins with a photo. TERRIE SULTAN, DIRECTOR OF PARRISH ART MUSEUM NY

The advice I like to give to young artists or to anybody who listens to me is not to wait for inspiration. Inspiration is for amateurs; the rest of us just shows up and starts to work. If you wait for the clouds to part and a

lightning to strike your brain, you won’t work much. The best ideas come from the process; from your own work. Things occur to you. If you are sitting and trying to imagine a great art idea, you may sit for too long before something happens. But if you start to work, something will occur to you, and something else and another thing you reject will pull you in another direction. Inspiration is absolutely unnecessary and somehow misleading. CHUCK CLOSE

It is very difficult to find an artist who frequented photography as much as Chuck Close. With photos he made paintings. But not always. He was famous for his hyper restricted. But one can’t say he is a portrayer. Here, he cheers to Kate Moss and Kim Esteve with a single click. But his work is much more complex. Before his photos and paintings, he transforms us from viewers to viewed. Aesthetically, he magnifies our humanity and confronts us. He uses, above all, photorealism, a technique in which painting is similar to photography and which is framed in an artistic movement called hyper realism. From afar, some of his

paintings are perfect portraits. From a close range, there are numerous marks in diverse forms (circles, squares‌). In 1988, Close is paralyzed in a wheelchair due to a blood clot in his spine. Later he would get a partial arm mobility. He doesn’t give up and goes back to painting, using techniques which allowed him to work in the wheelchair. He starts painting with the brush in his mouth. His portraits are outlined by his assistants and then painted with a technique similar to the ones used in Impressionism and Pointilism. The result is a canvas with small paintings that seem a single image when looked at a certain distance. It is absolutely indispensable to visit his site: http:// CHUCK CLOSE

Kate Moss e Kim Esteve

DAVID VAISMAN References regarding this photographer were not found.


Willem Defoe e modelo



As we were two gringos, we got close fast and friendship grew throughout the years. He was an ambassador of Brazilian culture. Almost everyone who took an interest in art, especially in the 1980’s, visited Kim’s

house. It became a cultural cauldron, and visitors were always important people. JAMES STEWART-GRANGER, ENGLISH PHOTOGRAPHER. Kim was very generous with artists. He not only invited and payed for parties but presented them to critics from all over the world and bought, himself, the works. These were wonderful times, part of an era, one can’t come back, as I don’t see a substitute for Kim. LUÍSA STRINA, GALLERIST. Your house and gardens are most attractive, and the collection you have assembled is a very outstanding one... DAVID ROCKEFELLER

In the 1980s, no one was a better host in Sao Paulo than Kim Esteve. At that time, he was also the most important patron. Whatever happened in Visual Arts in the city was linked to him. Curators, galleries, Sao Paulo’s Biennial, all wanted to arrange their events’ dates with the parties at his house. “One of the best things we can provide to people is to introduce them to people they would like to meet”, that was Kim Esteve’s motto. If the very welltrimmed lawn of his house, at Chácara Flora, in São Paulo, could talk, its stories would certainly become one of the most faithful portraits of the dazzling 1980s in Sao Paulo. At lunches in his house, the most disputed being the one which took place in the

eves of biennials launches, it was common to meet people like New York Museum of Modern Art curator, Rob Storr; photographer Jonathan Becker, from Vanity Fair; mega collector Gilberto Chateaubriand. In another occasion, the center of attentions were performer Laurie Anderson, conductor Zubin Mehta, actor Willem Defoe, singer Ray Charles... Son of Americans who ran cotton businesses and came to Brazil at the first half of the 19th century, Kim Esteve was born in São Paulo, studied at Connecticut, lived in Nova York, sailed in Long Island, in all, had enough time to attend the best art galleries in the world. At his house one could find artists like Ivald Granato, Antônio Peticov, Tomoshigue Kasuno, James StewartGranger, Wesley Duke Lee, Charles Bosworth and David Drew Zingg. And many, many others.

SOURCE: Revista Private Brokers, nº 34, January 6th,

2015 / o-guardiao-do-jardim/


Jonathan Becker, Sven Lukin, Elaine Kauffman



[...] to do something to benefit Brazilian photography. Actually, all that I wanted, and still want to this day, was to make my photos “as a poet” […] My intention was always to use the book as a mean of expression, without (like a poet) expecting financial returns. On the other hand, I also worried about doing something socially engaged, which contributed to the country –in affinity with what Mario de Andrade’s concern of only publishing “what was useful” --, a longing which led me to work in different fields in the last 40 years. PEDRO VASQUEZ INTERVIEW TO ANDRÉ TEIXEIRA

Pedro Vasquez’s poem photos (or would they be photo poems) lead us to many moments of photographic history: landscapes, portrait stages, conceptual art, the simple register of something unexpected which composes aesthetically. They can be lyrical, epic, dramatic. And they are timeless, for they sensitize us today. Pedro Vasquez is a master who makes one of the best imagetic literature. We should let ourselves go with each photo and dive in how many stories we want to create. Pedro Vasquez was born in Rio de Janeiro in 1954. He is a photographer, historian, curator, teacher. He lived in Paris between 1974 and 1979, where he graduated in Cinema at Sorbonne. He studies photography independently. He is one of the creators of Funarte’s Instituto Nacional de Fotografia, in 1982, and managed this organ until 1986; he was a curator at Photography, Video and New Technologies at Rio de Janeiro’s Museum of Modern Art,

until 1989. Between1980 and 1990, he worked as photography editor at magazines Photo Camera, Best View and newspaper O Dia. He got a masters’ degree in Science and Art at Universidade Federal Fluminense, in Niterói, in 1999, teaches photography at Pontifícia Universidade Católica, at Universidade Federal do Rio de Janeiro and post-graduate course of Universidade da Cidade. He was awarded a Prêmio Nacional de Fotografia da Funarte, in 1996, and Bolsa Vitae de Fotografia, in 1998. His books: Fotografia: Reflexos e Reflexões, Álbum da Estrada União e Indústria, Pedro II e a Fotografia no Brasil, Mestres da Fotografia no Brasil, Revert Henrique Klumb: Um Alemão na Corte Imperial Brasileira e Fotógrafos Alemães no Brasil do Século XIX.




When I photograph, I don’t want to reproduce real, but alter it… I

don’t want to see what everybody sees, but, on the contrary, I seek results that strike me. LORIS MACHADO CASTELLO, JOSÉ. Loris Machado busca o imprevisto nas cataratas. O Estado de S. Paulo, São Paulo, 19 jun 1995. From the artist’s studio to the performances, from model to painting, from the dance of gestures of the moment of creation (gasps, smells, pendor, decency) to the insertion of the work in the cultural circuit, Loris Machado has been documenting, since late 70s, the best and most radical Brazilian art. Actually, she goes way beyond the bureaucratic and well-behaved register. What she does is to recreate atmospheres, environments, situations, is revealing what escapes the artist –gestures, looks, postures, accidents, chance, results--, is finally, to give continuity to the joy of creation, whether the artist is in his or her (relative) intimacy or at the gallery, museum, stage or street. FREDERICO MORAIS MACHADO, LORIS. ARCHIVE. Text Frederico Morais. Brasília : Museu de Arte de Brasília, 1993. Uma folha dobrada. Loris Machado is a surprising photographer. For years, her photos were essentially urban. More than anyone she captured moments which are now part of Brazil’s contemporary art history. Where there was a happening, a performance, Loris was there. In the future, if we want to know what happened there, in the 70s, 80s and early 90s, Loris’ photos will inform accurately. CARLOS VON SCHMIDT Flots de Lumière, Embaixada do Brasil em Paris, 1995, and Unesco, Paris, 1995.

Loris Machado graduated in Social Sciences at Universidade de São Paulo in 1974. She learned photography by herself and has been working professionally in this field since 1976, documenting works of some of the most prominent Brazilian artists: Hélio Oiticica, Rubens Gerchman, Antonio Dias, Lygia Pape, Artur Barrio, Tunga, Ivald Granato, José Roberto Aguilar, Guto Lacaz, Cristina Salgado. In 1988, she dedicates also to registering landscapes in a plastic way, to folklore and popular culture. She makes several individual exhibits, among them the opening exhibit of the photographic cabinet of Pinacoteca do Estado de São Paulo, in 1980. SOURCE: ESCRITÓRIO DE ARTE.COM



THE SOUL OF VILLAGE VOICE FOR HALF A CENTURY Few photographers lived so intensely New York’s art and literature of the second half of the 19th century as Fred W. McDarrah. He not only was one of the most important photographers to document the beat generation and gay movement, but also registered the young and influent NY Art School, which got incentives from federal government and emerged after the declining prestige of Parisian art. McDarrah was an exemplary representative of photojournalism. Before his camera he had: Jack Kerouac, Bob Dylan, Jimi Hendrix, Andy Warhol, Allen Ginsberg, Robert Mapplethorpe, Susan Sontag, Bobby Kennedy in campaign and the first activists of gay pride. As a photojournalist, McDarrah portrayed the city --and Greenwich Village in particular. He was in jazz clubs and cafes; concerts and poetry readings; sit-ins, be-ins, loves and teachings. He nabbed famous faces, like Norman Mailer and William S. Burroughs; lost places, like Peace Eye Library at Avenue A; and historical moments like Stonewall, in 1969. One of his most famous images is a portrait of Bob Dylan, in 1965, at Sheridan Square, dressed in black and greeting the camera. Frederick William McDarrah was born in Brooklyn. He bought an Univex camera by impulse, for 39 cents, at the World Fair in 1939. In the Second World War, he served as a parachutist, remaining in Japan at the end of the war to photograph the American occupation. In 1954, he graduated in journalism at New York University. McDarrah was, maybe, the most important professional of The Village Voice, weekly alternative newspaper which started in Greenwich Village and became a national institution. He started as its only

photographer, became chief of staff and was still working at Voice when he died. He was The Voice’s image editor and consultant, in a relationship which lasted half a century.


Willem De Kooning e John Chamberlain


A REFINED, SOPHISTICATED MASTER: PIONEER OF FASHION PHOTOGRAPHY IN BRAZIL, EXCELLENT PORTRAYER, BRILLIANT PHOTOJOURNALIST. The artist’s greatest challenge is to find his own voice. I was considered photo portraits as familiar photos. I am a fashion photographer who repels posed photos. I have always tried to make models feel as relaxed as possible, as actresses, to live the situation they would experience at the location. My kind of photography was to spend the whole day with someone, sometimes more than a day, for example, with royal highness Grace of Monaco (Grace Kelly) and her daughter Stephanie. I photographed Sophia Loren four or five times, there was a little bit more intimacy, I even spent the night at her bungalow, but I never had the illusion that I was friend with these celebrities. I started photographing at seven. At 16, I went to Los Angeles to study photography. OTTO STUPAKOFF Interview to Augusto Olivani, UOL Entretenimento, June 24th, 2005.

Otto Stupakoff is a pioneer, the most famous Brazilian fashion photographer and one of the best of the world. He was a precursor of fashion photography in Brazil, in 1958, when he photographed actress Duda Cavalcanti, “the first girl of Ipanema”,

wearing costumes from stylist Dener Pamplona. In 1965, already famous in Brazil, he moved to New York and worked for Life and Look. Besides fashion, he portrayed celebrities and anonymous people. His idols were Richard Avedon, Helmut Newton and Balthus, a Polish-French painter which flirted with surrealism and realism, famous for the eroticism of his adolescents. Stupakoff also produced shoots for magazines like Vogue, Harper’s Bazaar, Cosmopolitan, Elle, Esquire, Stern. He settled in Paris, between 1973 and 1976. He got back in Brazil in 1976, where he remained until 1980. In 1981, he moved to New York and became an American citizen in 1984. He received the special jury award from Art Directors Club (Paris, 1981) and Dupont Award (Paris, 1986). He photographed several personalities, like Truman Capote, ex-president Richard Nixon, actress Bette Davis, Grace Kelly, Jack Nicholson, Sharon Tate, Tom Stoppard, Leonard Cohen, Paul Newman, Sophia Loren, Jorge Amado, Antonio Carlos Jobim, Pelé, Kate Moss. He was one of the first Brazilian to integrate the collection of New York’s Museum of Modern Art. Otto was also a photography teacher at Parsons The New School for Design, in New York.


Wesley Duke Lee


PHOTOS WHICH SHOCK US AND CALL RESPONSIBILITY Richard Ross not only put his finger in the wound, he exposed the wound, not one, but around 200. Ross went to American prison system, especially the ones destined to young people. His books are disturbing. His art/report is a clear, authentic, striking exposition of the repression the system executes against those who are judged as out of pattern. Reality shocks, hurts our conscience. The society that creates deviants is the same that punishes them. “This society are us”, he seems to say. Richard Ross, American photographer, researcher and art teacher, is best known for his work Juvenile in Justice, which documented the juvenile justice system of the US. The project was produced with the support of Annie E. Casey Foundation and John D. and Catherine T. MacArthur Foundation. In 2007, Ross was granted a Guggenheim scholarship to finish Architecture of Authority , a set of interesting photos and disturbing architectural spaces all over the world which wield power over confined individual. Ross’ first book, Museology, is a photographic register of museums and their work. His second book, Gathering Light, explores natural light and artificial light and their intrinsic relation with photography itself through photos of objects and places all over the world. His third book, from 2004, Waiting for the End of the World, brings photos of subterranean shelters over the world. Michael Darling, chief curator of Chicago’s Museum of Contemporary Art, said about this book: “Ross’ images of bomb shelters are a report of the current status of world affairs and are a call to our consciousness and a challenge to act”. Ross’ work

was exhibited at Tate Modern, in London; National Building Museum, Washington DC; Santa Monica’s Art Museum, Los Angeles; Aperture Gallery, New York; ACME. Gallery, Los Angeles; and San Francisco’s Modern Art Museum. He was the main photographer of Getty Conservation Institute and Getty Museum in many of his architectural projects. He photographed for Canadian Architecture Center, Nike, New York Times, Los Angeles Times, SF Examiner, Vogue, COLORS, Courrier.


Ann Hamilton


A PHOTOGRAPHER WHO TURNED INTO A PRINTING MASTER Silvio Pinhatti was a photographer; he worked at a lab and as a teacher of Fine Art at Focus Escola de Fotografia. He swapped photography for printing. He assembled a high-end photo lab, of international prestige, to print photos for exhibits in great galleries, museums, professional photographers and ad agencies in Brazil and abroad, from renowned masters of photography, like Sebastiao Salgado, Pierre Verger, Mario Cravo Neto, Robert Doisneau, Helmut Newton, Irving Penn Henri Cartier Bresson, Ansel Adams, Man Ray… The researcher, curator and teacher Rubens Fernandes managed to beautifully sum up Silvio Pinhatti: It is very likely that in 1989, at Teatro Sergio Cardoso, in the city of Sao Paulo, young photographer Silvio Pinhatti didn’t think of the future. In that moment he was only photographing one of his myths –Japanese dancer and choreographer Kazuo Ohno. But some certainty hovered in the air, once he was contaminated by image and photographic labor. Twenty years later, Pinhatti became a legend, for now we are writing about the biggest and most important printer in Brazil. Being a photographer requires technique, discipline, patience, among other qualities. Little by little, Pinhatti became known not only as a photographer of shows and performances, but as a demanding, innovative and dedicated lab man. This complex mix of photographer and printer brought him an unprecedented experience but drove him away from photographic creation. A renunciation in the name of the new quality paradigm that emerging spaces of photo exhibition – galleries, museums and cultural institution – imposed to Brazilian production.



MEMORY, PERCEPTION AND REPRESENTATION IN CONCEPTUAL REBUILDING OF CHARACTERS AND CLASSICAL WORKS Vik Muniz is one of the most renowned Brazilian artists in international market. He intensely strolled through land art and in the last years has been dedicated to photograph compositions made with unusual material: food, cotton, recyclables, hair, wire, sawdust, earth, amongst others. He has been a staunch defender of nature and has criticized negatively the consumerist society. His aesthetics sends us to a place of doing, undoing, reviewing artistic process. His videos register the creative process which leads to final work. Photography appears here as a register. The act of photographing proposes the consolidation of a process. Video and final art are complementary works, dialoguing intensely in a linguistic process which mixes meaning and significant. We are flooded by the art of Vik Muniz, which demands definition from us. Nothing he does is static. Before his works, our look is the mediator of our conscience. Many of his works are reproductions of renowned works, like Mona Lisa by Leonardo Da Vinci. He portrayed several personalities, like Pele, Che Guevara, Freud, Barack Obama, Elvis Presley, Seu Jorge, Pollock, amongst others. Vik (Vicente José de Oliveira) Muniz studied Advertising at Fundação Armando Álvares Penteado Faap, in São Paulo. In 1983, he started living and working in New York. Since 1988, he has been making series of works in which he investigates, mainly, themes related to memory, perception and representation of images of the art world and the means of communication. Photography took by Vik Muniz are Paris, Moscow and Tokyo, besides museums like Tate Modern and Victoria & Albert Museum, in London, Getty Institute, from Los

Angeles, and MAM, in SĂŁo Paulo. The work Boom, from the series The Sarzedo Drawings, from 2002, with gelatin silver photography, is available for the audience in Museu do Inhotim, in Brumadinho, Minas Gerais. He lives and works in New York and Rio de Janeiro.


Kim Esteve no Conselho do MOMA



Anything being demolished and removed from our landscape interested me, because I feel it is what is happening to us as individuals.

JAMES FEE An archeologist, exposing debris of a civilization in fast mutation. CRAIG KRULL, GALLERIST.

James Fee has a disturbing view of the world. His moments in Second World War probably brought him a bitterness he never stopped experiencing. His images are beautiful. But they are also dark, bleak, chaotic. Be it a naked body, an abandoned ship, a lonely road, a virgin forest. They are also touching. They bring something of baroque in their tonality, expressionism in proposals, surrealism in content. Hence the density of each one. And they sensitize us for the drama they seem to reveal. In her obituary for Los Angeles Times, Mary Rourke comments: He photographed in black and white and in colors, creating frequently a series of images around a certain theme, like his “Photography of America”, about decrepit icons. Another series, “Four Days in New York”, shows touristic attractions from unusual angles.

An image of the Statue of Liberty called “Real Meaning” refers to

the promises of freedom and equal rights the statue represented for Fee. “He was disappointed with what the US became in opposition to what they could be”, said his gallerist, Craig Krull. His most autobiographical series, “Project Peleliu”, is a sinister set of images based in a battle from World War II, between American and Japanese troops.

Fee taught Photography at Art Center College of Design

in Pasadena, California, from 1994 to 2003. In 1993, he taught at Otis College of Art and Design, in Los Angeles. His photos are part of the acquis of San Diego’s Museum of Photographic Artes, William Benton Art Museum, Getty Museum and Philadelphia Art Museum.


GEORGE NELSON SMITH AN ENGLISH AVIATOR SPECIALIZED IN AERO PHOTOGRAMMETRY George Nelson-Smith was an English aviator who was responsible for making aero photogrammetric surveys in the states of Sao Paulo and Rio de Janeiro between 1928 and 1941, conducted on demand for extinguished energy company Light. In Sao Paulo, the aerial images register locations as Pinheiros river before its rectification, Serra do Mar and cities like Santos and SĂŁo Vicente, areas with hydroelectrical potential and of interest for the Canadian company. During the First World War, George Nelson-Smith served as a pilot in the English Army and started practicing aerial photography when he was still at the French border of the conflict.

George Nelson Smith

Chacara Flora, 1932 Casa de Drury McMillen


John Chamberlain

Bob Keys

Wesley Duke Lee

EDITORIAL KIM ESTEVE: UM INCRÍVEL MECENAS, UM IRREPREENSÍVEL ANFITRIÃO. Kim Esteve é uma personagem para frequentar qualquer história da arte do Estado de São Paulo. Ninguém, como ele, soube reunir artistas de todas as artes – cinema, fotografia, artes plásticas, teatro, balé – em sua residência. Os anos 1970, 1980 e1990 tiveram em Kim Esteve um protagonista destacado. Ele não apenas recebia e colocava em contato personalidades artísticas, empresários, curadores, críticos de arte, jornalistas: ele também adquiria obras e montou um dos melhores acervos artísticos da cidade. Esta edição de Carcará, além de apresentar sua coleção de fotos, presta uma homenagem a este incrível mecenas e irrepreensível anfitrião. Obrigado Kim Esteve. CARLO CIRENZA



“Fotografia é história, e é essa sua função fundamental. A máquina mostra os dias de hoje àqueles que queiram ver os dias de hoje. Mas a

máquina também mostra o ontem àqueles que queiram aprender. (…). O dever de um fotógrafo no Brasil, me parece, é insistir no registro do sofrimento e do prazer, do belo e do irônico. Só o tempo e o público decidirão o significado que as fotografias realmente têm.” DAVID DREW ZINGG SOBRE DAVID DREW ZINGG / IMS / INSTITUTO MOREIRA SALLES

David Drew Zingg parece ter sido o mais brasileiro dos fotógrafos jornalistas americanos que viveram em nosso País. Quando chegou ao Brasil (que ele chamava de “sambolândia”), em 1964, já era experiente e reconhecido. Nos EUA (que ele apelidou de “gringolândia”) trabalhou na redação da NBC; foi voluntário na Força Aérea Americana, na Segunda Guerra Mundial e correspondente de guerra na França e na Alemanha, para a Rádio do Serviço Militar. Em Nova York, foi editor, redator e repórter das revistas Look e Life. Também fez textos e fotos para Esquire, Show, Town and Country, CG, Sports Illustrated, Vogue, Interview, El Paseante, Zoom, Modern Photography, Popular Photography, New York Times, London Sunday Telegraph e The Observer. Fotografou e esteve próximo de personalidades como: John Kennedy, Winston Churchill, Che Guevara, Marcel Duchamp, Lawrence Durrell, Louis Armstrong, Duke Ellington,

Bobby Short e Ella Fitzgerald. Durante seu período no Brasil, fotografou para: Realidade, Manchete, Playboy, VIP, Veja, Claudia, Elle, Quatro Rodas, Status, IstoÉ, Fotóptica, Iris, Ícaro e Macmania. Também colaborou com os jornais Folha de S. Paulo, O Estado de S. Paulo, Jornal da Tarde, Jornal do Brasil, O Globo, Zero Hora e Notícias Populares. Zingg também participou da banda Joelho de Porco e, de 1987 a 2000, escreveu a Coluna Tio Dave para a Folha de S.Paulo. Esteve presente na noite de abertura do Show de Bossa Nova, apresentando Tom Jobim e Vinicius de Moraes no Clube Bon Gourmet (1962), no Rio, e contribuiu para a organização do concerto de Bossa Nova no Carnegie Hall, em Nova York, 1962.



[...] la poesía discreta y profunda, la ironía desesperada y fina, emanan de las fotos de Manuel Álvarez Bravo [...]. DIEGO RIVERA Todo lo poético mexicano ha sido puesto por él a nuestro alcance: allí donde Manuel Álvarez Bravo se ha detenido, donde se ha parado para fijar una luz, un signo, un silencio, es no solamente donde late el corazón de México, sino donde el artista ha podido presentir, con discernimiento único, el valor plenamente objetivo de su emoción. ANDRÉ BRETON

Este fotógrafo e cinefotógrafo mexicano foi chamado de poeta da imagem: Octávio Paz, um dos mais importantes poetas da literatura universal, o cognominou de foto-poeta. Manuel Álvares Bravo e o México se interpenetram. Mesmo nas fotos mais contundentes, ele soube administrar luz e sombra para compor o impacto de um poema dramático. Nas suas fotos, o México nos é oferecido com rara e densa plasticidade. Sejam pessoas ou paisagens, detalhes ou panorâmicas, suas fotos sempre propõem uma reflexão. Podemos dizer que ao lado do poeta, encontra-se um filósofo contidamente indignado. Um destaque para seus nus: sensualidade, lascívia, erotismo com muita dignidade. Manuel Álvares, não por acaso, é o principal nome da fotografia mexicana do século 20 e um dos ícones da fotografia mundial. Este é um resumo da biografia que está no seu portal (http:// “Manuel Álvarez Bravo, uno de los fundadores de la fotografía moderna, es considerado el mayor representante de la fotografía latinoamericana del

siglo XX. Su obra se extiende de finales de la década de 1920 a la de los noventas. Nace en el centro de la capital mexicana el 4 de febrero de 1902. Interrumpe sus estudios a los doce años al fallecer su padre y comienza a trabajar para ayudar en la economía familiar. Su abuelo, pintor, y su padre, maestro, eran aficionados a la fotografía. En un inicio aborda el pictorialismo, influido por sus estudios de pintura en la Academia de San Carlos. Explora luego las estéticas modernas, con el descubrimiento del cubismo y las posibilidades de la abstracción. De 1943 a 1959 trabaja en el cine realizando fotografías fijas, lo que lo lleva a producir algunos experimentos personales. Según numerosos críticos, la obra de este ‘poeta de la lente’ expresa la esencia de México, pero la mirada humanista que refleja su obra, las referencias estéticas, literarias y musicales que contiene, lo confieren también una dimensión universal.”



“Meu trabalho como um fotógrafo de retratos é seduzir, encantar e entreter” “A fotografia de algumas pessoas é arte, mas não a minha. Arte é uma palavra suja na fotografia” “Qualquer fotógrafo que afirma não ser um voyeur é ou um estúpido ou um mentiroso” HELMUT NEWTON MESTRES DA FOTOGRAFIA DE MODA: HELMUT NEWTON CENTRO DE FOTOGRAFIA / ESPM / 17 DE JUNHO DE 2011

É possível ser austero e sensual? E glamurizar o feminino sem torná-lo vulgar? Como extrair fetiche num complexo rigor estético? E como eternizar o momento certo de uma história que se desenrola à nossa frente sem começo e fim? Como obter o máximo de feminilidade e erotismo sem pornografia? Reunindo austeridade, sensualidade, glamur, fetiche, atemporalidade, feminilidade, erotismo, numa rigorosa estética em preto e branco. Tudo isso é pouco para tentar interpretar a arte de Helmut Newton e propor uma possível leitura de suas fotos. A história da fotografia de moda pode ser escrita como antes e depois de HN. E veja que ainda não estamos falando de seus nus: em alguns casos, sentimos uma pitada de surrealidade; em outros, um universo. Diante de seus nus, nos sentimos o próprio oxímoro: suas mulheres nos seduzem e nos repelem. Percebemonos estáticos diante da beleza real e surreal dessas mulheres.

Helmut Newton nos provocará para sempre com sua arte, apesar de ele recusar essa palavra. O site da Helmut Newton Foundation ( resume sua trajetória: “Como fotógrafo que dominou a lacuna entre arte e comércio, Helmut Newton sempre conseguiu surpreender e polarizar seu público. Entre a equipe editorial de muitas revistas, ele encontrou espíritos afins criativos, que responderam às suas idéias visuais incomuns. O resultado foi um conjunto de fotografias que não só foram excepcionalmente reconhecíveis e bem-sucedidas, como também alcançaram milhões de espectadores através de publicações de revistas.” Helmut Newton foi um fotógrafo alemão naturalizado australiano. Nasceu em Berlim em 1920, filho de um alemão judeu e uma norteamericana: fugiu do nazismo e se refugiou na Austrália. Fotografou atrizes famosas como Marilyn Monroe, Catherine Deneuve, Monica Belluci, sempre em preto e branco. Foi um inovador, um revolucionário, mundialmente famoso, nas décadas de 1950 e 1960. Viveu em Londres e Paris, trabalhou para a Vogue francesa, passou os últimos anos de sua vida em Monte Carlo e Los Angeles. Morreu em um acidente de automóvel na Califórnia.


UM MÁGICO ÍCONE, DECANO MUNDIAL DO FOTOJORNALISMO. Havia luz na cozinha e essa é uma das minhas ‘coisas’ é ir onde a luz está. Eu sinto que a fotografia é uma forma de arte documentarista. Eu sinto que é muito importante ter um filme negativo como prova de que isso era real. Eu não tenho nada contra imagens digitais em si, desde que haja algum ponto de partida e referência - o que não existe. JONATHAN BECKER

Jonathan Becker persegue a luz. Não o flash, não a luz do estúdio. Ele quer sempre uma luz natural, ou até mesmo incidental, por mais tênue que seja. A luz de velas, por exemplo. Becker também persegue um espaço autêntico, aquele não criado artificialmente. Ele recorta a realidade e a intensifica com a força de suas personagens. Becker também persegue o humor, sempre que possível. E jamais deixa de imprimir, magicamente, um toque de literatura nas suas composições. O resultado dessa combinação de intenções, com inusitados enquadramentos, possibilitou a comemoração de 30 anos de imagens na Vanity Fair, em 2012. Este icônico decano do fotojornalismo, que foi inclusive motorista de taxi em Nova Iorque, sempre com uma câmara ao lado, é um cidadão do mundo. Esteve na selva amazônica, para fotografar o primeiro encontro de membros da tribo Yanomami, e no Palácio de Buckingham, para as primeiras fotografias que mostram o príncipe de Gales e Camilla Parker Bowles juntos. São centenas de personalidades clicadas por ele, principalmente, para a Vanity: o “Dr. Morte” Jack Kevorkian; o artista plástico e ativista de direitos humanos da China, Ai Wei Wei; a mãe da dança moderna Martha Graham, e inúmeras personagens da arte,

literatura, política, cultura pop e sociedade. Mas estas publicações também contaram com retratos e reportagens de Becker: The New Yorker, Vogue, W, The Paris Review. Seus quatro livros são disputados no mundo inteiro: Bright young things London; Bright young things New York; Studios by the Sea: Artists of Long Island’s East End (Inglês); Jonathan Becker: 30 Years at Vanity Fair. Becker nasceu e cresceu em Nova York; viajou para Paris onde teve como preceptor o cultuado fotógrafo Brassaï, que se tornou seu ídolo.



Eu uso a fotografia para me ajudar a explicar minha experiência para mim mesmo. Eu acredito na imaginação. O que eu não vejo é infinitamente mais importante do que o que eu posso ver. DUANE MICHALS

Duane Michals é absolutamente literário. Ele tem fotos individuais, fotos em sequência, escreve sobre as fotos. Sua literatura respira no discurso fotográfico, mesmo nas suas fotos individuais. Onírico, surrealista, metafísico. Sua realidade acontece bidimensionalmente e imediatamente se transfere tridimensionalmente para nosso consciente. Mas é o inconsciente que reage. Duane Michals não nega uma das principais funções da fotografia: registrar a memória. Mas que memória ele registra? Talvez, uma que inexista em nosso inconsciente, e que passa a existir, e se transforma em passado. Não é possível encontrar um fotógrafo mais criativo do que Duane Michals. Suas fotos nos comovem, nos instigam, nos desafiam. Suas histórias, na verdade, nossas histórias, porque nós as criamos diante das fotos, são polissígnicas, ultrapassam os conceitos de significado e significante. Além de todas as possibilidades que o trabalho de Michals nos proporciona, diante dele, algumas perguntas parecem pairar: o que é a vida, o que é viver, quem são eles, quem somos nós, que mundo é este? Michals é um prestidigitador que não conta o segredo de sua mágica; é um filósofo que se oferece ao nosso filosofar. Os textos que Michals incorporou aos seus trabalhos acrescentam outra dimensão ao significado das imagens, que são, muitas vezes, ao mesmo tempo, poéticas,

trágicas e engraçadas. Michals recebeu o BA da Universidade de Denver em 1953 e trabalhou como designer gráfico, partindo para a fotografia no final dos anos 50. Fez retratos de artistas influentes como Andy Warhol, René Magritte e Marcel Duchamp. Sua primeira exposição individual aconteceu no The Museum of Modern Art, em Nova York, em 1970, e Michals comemorou 50 anos trabalhando como fotógrafo em 2008, com uma retrospectiva no Museu de Fotografia de Thessaloniki, na Grécia, e Scavi Scaligeri, na Itália. Michals foi homenageado com o CAPS Grant (1975), o National Endowment for the Fellowship (1976), o International Center of Photography Infinity Award for Art (1989), o Foto España International Award (2001), e um Doutorado Honorário de Belas Artes da Faculdade de Arte de Montserrat, Beverly, Massachusetts (2005).


Uma mulher fotógrafa jamais poderá obter o que um homem

consegue de uma mulher. Eu usei todas as minhas habilidades como atriz para fazer as pessoas relaxarem, se voltarem para elas mesmas, entrarem dentro de si e apenas olharem para mim. Eu não posso fotografar ninguém sem considerar seus olhos. Você nunca verá essa preocupação com os olhos em alguém fotografado por Helmut. Você só verá os olhos. Ele não estava interessado em pessoas. “Eu não estou interessado em alma”, disse ele. Mas eu estava e tentei roubá-las. E em muitos casos, consegui. ALICE SPRING / JUNE NEWTON Eu posso ver a verdade e a simplicidade nos retratos de Alice Springs. HELMUT NEWTON

Alice Springs, pseudônimo de June Browne, começou sua vida profissional como atriz e modelo, com o nome de June Brunell. Foi editora, diretora de arte e curadora de Helmut Newton durante quase 60 anos. E sua esposa. Ela conheceu seu marido em 1947, durante uma seção de fotos. Ele acabara de abrir um estúdio na Austrália. Helmut Neustädter, filho de judeus, fugira de Berlim em 1920, trabalhara no mundo da prostituição em Singapura e acabara deportado para a Austrália, onde muda o nome. Um ano depois das fotos, eles se casam. Vivem temporadas em Londres e Paris, June ainda como atriz; regressam à Austrália. A partir de 1961 passam a morar em Paris. Seu trabalho como fotógrafa começou com uma gripe sofrida por Helmut Newton, em Paris, em 1970. June Newton pediu que o marido mostrasse como se operava a câmera e o fotómetro e ela fotografou um anúncio da marca francesa de

cigarros Gitanes. Ao longo de sua carreira, as fotografias de Alice Springs apareceram em revistas como Vogue, Elle, Marie Claire, Vanity Fair, Entrevista, Stern. Trabalhando primeiro como fotógrafa de moda e depois como retratista, June fotografou figuras famosas como William S. Burroughs, Anthony Burgess, Catherine Deneuve, Graham Greene, Roy Lichtenstein, Robert Mapplethorpe, Christopher Reeve e Diana Vreeland,Yves Saint Laurent , Brigitte Nielsen, Nicole Kidman . Ela supervisiona a produção de todos os livros e catálogos de exposições de Helmut Newton como Diretora de Arte. Vale a pena uma visita ao portal Helmut Newton Foudation:

JAMES STUART / JAMIE STEWART-GRANGER (1944, WINDSOR, INGLATERRA) UM FOTÓGRAFO CLÁSSICO – FOTOJORNALISTA E FOTOARTISTA – QUE DESLIGOU AS LENTES. James Stuart ou Jamie Stewart-Granger são a mesma pessoa, o mesmo fotógrafo. Quase sessenta anos de profissão, fotos de todas as partes do mundo. Ele é um clássico da fotografia mundial, no sentido puro. É um exímio paisagista e retratista; faz carros, barcos, esportes; enquadra mulheres estétic, sensual e cuidadosamente. Faz fotojornalismo e fotoarte, às vezes, junta os dois no mesmo clique. James ou Jimie começou no cinema, editando filmes, uma espécie de assistente de diretor, Saiu da Inglaterra, foi para Roma, passou pela África filmando com Henry Hathaway. O fotografo da equipe ficou doente e como ele sempre estava com uma máquina fotográfica, o nomearam fotógrafo oficial. Daí caiu na vida fotográfica e saiu mundo afora. Escolheu o Brasil para morar. “Na Europa já estava tudo pronto, enquanto no Brasil conheci lugares, como o norte do Mato Grosso, em completa transformação. Fotografava a mata fechada, o início da colonização, e pouco depois já havia cem mil pessoas.” Ele conheceu o país em 1974 e se estabeleceu aqui em 1980. Morou no Rio de Janeiro, em São Paulo, Tiradentes em Minas Gerais, e se estabeleceu em Cumuruxatiba, no sul da Bahia. Em um e-mail endereçado ao redator da revista, Fernando Rios, ele confidencia: Fernando, agora tenho 75 anos e desliguei minhas lentes. Trabalhei principalmente na B&P Nikon 35, Hasselblad 6X6, Mamiya 6X7. Todas as minhas impressões e negativos estão no laboratório Silvio Pinhatti. Meu último livro foi Bahia Desconhecida / Unknown Bahia, você provavelmente pode encontrar uma cópia em livrarias de sebos, pois está esgotado.

Agora estou cuidando de minhas mangas, bananas, cocos, abacaxis e

outras árvores frutíferas. Alugamos nossa pequena casa para amigos e amigos

de amigos. Qualquer fotógrafo que queira ficar aqui em uma natureza maravilhosa será bem-vindo. Meu estilo e pensamento sobre fotografia estão em sintonia com Sebastian Salgado, Cartier Bresson. Velha escola, velha demais para me envolver com o mundo digital. Odeio passar horas em um computador manipulando imagens com o photoshop. Portanto, acho que não tenho muito a oferecer, mas enviarei alguns trechos do meu livro, mas se você quiser qualidade, precisará entrar em contato com Silvio. Atenciosamente, Jamie Stewart-Granger.

Ele é filho do hollywoodiano ator inglês Stewart Granger e muitas de suas fotos podem ser vistas no endereço jamie_stewart_granger/?hl=pt-br



Acho incrível que mesmo o Tulsa, um livro que foi fotografado em 1962 e saiu em 1971, ainda esteja à venda e as pessoas ainda estejam comprando. As pessoas ainda acham esse livro perigoso e controverso. Acho que é bom ainda se sentir perigoso depois de todos esses anos. Eu não abraço a controvérsia, ela simplesmente acontece. Só estou tentando mostrar a vida real. Todo meu trabalho ao longo dos anos se baseia num pequeno grupo de pessoas das quais você não saberia da existência de outra maneira. Você não saberia sobre meus amigos de Tulsa. Você não saberia sobre esses garotos do gueto de South Central. Você não saberia sobre a vida secreta dos

adolescentes, onde os adultos não podem entrar. Quando Kids saiu, as pessoas disseram que o filme era apenas a fantasia de um velho. “Nossos filhos não são assim.” E era só ler o jornal nos anos seguintes e ver que tudo que acontecia em Kids acontecia nos Estados Unidos. Eu sempre estive um pouco adiantado. Depois o país me alcança. LARRY CLARK, DEPOIMENTO A ERICA EUSE, 29.MAIO.2014. O Larry Clark Continua Perigoso

Fotos nuas e cruas, ipsis verbis. Jovens drogados se drogando. Larry Clark chocou o mundo com seus registros. O realismo de Clark virou arte. Ele confessa: “Sou um contador de histórias. Nunca me interessei apenas em obter uma imagem única e seguir em frente. Eu sempre gosto de ficar com as pessoas que fotografo por longos períodos de tempo.” A Simon Lee Gallery ( registra: “Clark nasceu em Tulsa, Oklahoma, em 1943. Sua mãe era fotógrafa e aos treze anos, Clark entrou no ofício da família. Seu primeiro

livro, Tulsa, publicado em 1971, inaugurou um estilo fotográfico cru e confessional que influenciou fotógrafos e cineastas, como Nan Goldin, Ryan McGinley, Gus Van Sant e Martin Scorsese. Em 1995, lançou seu primeiro longa-metragem - Kids -, um retrato seminal e amadurecido da vida de um grupo de adolescentes de Nova York . Outros projetos cinematográficos de Clark: Another Day in Paradise (1998), Ken Park (2002), Wassup Rockers (2005) e Marfa Girl (2012), The Smell of Us (2014).”


AS FOTOS-MANIFESTO DE UM FOTÓGRAFO INDIGNADO Valdir Cruz é um misto de guerrilheiro, jornalista, antropólogo. É um indignado, como todos nos deveríamos ser. E sua ação contestatória ele executa como fotógrafo. As fotos de Valdir Cruz são um libelo apresentado realística e esteticamente, e constituem um manifesto em defesa de uma cultura milenar. Não só dos yanomami/yanomamo. De todos os indígenas que retratou, entre eles, os brasileiros Ingarikó e Macuxi, de Roraima; Corubos e Matis, do Vale do Javari, no Amazonas; ou os Kaxinawa e Yawanawa, do Acre. Valdir Cruz não se conforma. Ele reúne seu equipamento e sua indignação e vai à floresta. Há uma espécie de clamor nas imagens que ele nos mostra. Tem-se a impressão de que até a natureza pede atenção e revela o doloroso contraste com uma condição humana degradada. E nos sentimos humilhados e envergonhados pela nossa inércia de urbanoides inconscientes e inconsequentes.. Valdir Cruz, então, nos instiga, nos fustiga. Para além da estética, está a denúncia. Ele relata:

“No outono de 1994, encontrei e fotografei Davi Kopenawa Yanomami,

um xamã e líder de Demini-teri, aldeia yanomami no norte do Brasil, perto da fronteira da Venezuela. Ele se encontrava em Nova York com a finalidade de esclarecer, na Organização das Nações Unidas, a situação dos povos indígenas da Amazônia brasileira. Sua mensagem me fez despertar para o povo do meu país.

Naquela época, eu já estava fora do Brasil há mais de quinze anos e

fiquei chocado ao saber que os povos indígenas estavam sofrendo terrivelmente após o contato com garimpeiros ilegais de ouro, madeireiros, caçadores profissionais e outros intrusos. As doenças trazidas por essas pessoas estavam dizimando os Yanomami.


Fiz outras viagens à Amazônia, na esperança de

registrar outros povos indígenas, cujas culturas estavam ameaçadas, e assim conheci os Macuxi, Ingarikó, Yawanawa, Kaxinawa, Matis e Corubo. Esta nova experiência deixou claro para mim que o contato contínuo e irrestrito com os nativos da floresta só poderia levar a mais degradação cultural. E o mais triste é que se trata de uma perda irreversível.” VALDIR CRUZ / FACES DA FLORESTA / OS YANOMAMI /Editora Cosac & Naify, São Paulo, 2004, p. 14.

O brasileiríssimo Valdir Cruz há mais de 30 anos mora nos Estados Unidos desde 1984. Seus principais temas são o povo, a arquitetura e a paisagem do Brasil. Tem estúdios em Nova York e São Paulo.


A VOLTA DE UMA REFERÊNCIA DOS ANOS 1980 Nos trabalhos que Kikyto Amaral faz atualmente para expor, ele administra um jeito especial de fotografar rostos em close. A principal característica é a seriedade; há poucos sorrisos. Depois, o enquadramento, que deixa transbordar sobriedade. Então vem a cor: preto e branco. Juntando tudo, cada foto se transforma numa grande interrogação. Apesar de os rostos se nos oferecerem inteiros, eles escondem muitas verdades. Essa plasticidade contundente nos convida a perguntar e a tentar responder: quem está por trás dessa face? Mas o nome apenas não basta. Seriam estas fotos da coleção Kim Esteve, feitas no século passado, um prenúncio das figuras que pedem para serem decifradas? (https:// O site Glamurama destaca sua atuação nos anos l980 ( Os anos 80 não foram os mesmos sem os cliques e o olhar do fotógrafo Kikyto Amaral, que ficou conhecido por retratar quem pintava e bordava na cena efervescente da época. Surgiu aí o projeto três×4:PxB 1981, no qual 305 pessoas foram retratadas, entre elas Joyce Pascowitch, o artista Antônio Dias e Mariângela Bordon.

Kikyto Amaral fala de sua trajetória, que passa pelo curso de arquitetura, Milão, Madri e Paris. Aos doze, já tinha certeza. Seria paixão pro resto da vida. Nasci no Rio de Janeiro, na rua ao lado da estação do Corcovado, com todos aqueles turistas, para cima e para baixo, tirando fotos. Suas máquinas registravam os enamorados, as famílias, turmas e, claro, os solitários. Os cliques não paravam e aquilo me fascinava. Passava horas, observando da esquina de minha casa, toda aquela movimentação. Quando fecho os olhos, são estas as lembranças que permanecem.

A fotografia entrou, assim, em minha vida. E ficou.

Voltando para o Brasil, montei o Studio Z, na Rua

Oscar Freire e comecei a produzir. Com luz de lambe-lambe, montada no estúdio, fotografei durante oito meses pessoas de diversas áreas; famosos, não famosos, artistas, transeuntes, dondocas, acadêmicos, políticos, muita gente. Na Galeria Mônica Filgueiras, em 1981, foram expostas mais de seiscentas fotos desses retratos. Quando em 2002, elaborarei a “Série Azul”, não imaginava que, em 2008, treze fotos dessa série entrariam para o acervo da Pinacoteca do Estado de São Paulo. Essa honra faz com que eu siga alimentando, constantemente, a “Série Azul”, enquanto caminho rumo a novos desafios. Um deles, é a exposição 3×4:PxB 2017 – AS 1000 FACES programada para 2020. (


Allen Ginsberg foi não apenas o poeta norte-americano de maior prestígio da segunda metade do século XX, como também o grande rebelde romântico e poeta-anarquista contemporâneo. Promoveu, em parceria com Kerouac, Burroughs, Corso, Ferlinghetti, Snyder e outros, uma revolução na linguagem e nos valores literários que se transformou em rebelião coletiva, na série de acontecimentos revolucionários que foi o ciclo da Geração beat, na década de 50, e da contracultura e rebeliões juvenis dos anos 60 e 70. Consequências do impacto provocado pelo lançamento de Howl and other poems, em 1956, e, logo em seguida, de On the Road, de Kerouac, em 1957, e de outras obras representativas da literatura beat, como Kaddish and other poems, do próprio Ginsberg, e Naked Lunch, de Burroughs. CLAUDIO WILLER Geração Beat. Porto Alegre, RS: L&PM, 2010 (ColeçãoL&PM Pocket; v.756)}

Irwin Allen Ginsberg foi um escritor, poeta estadunidense, filósofo e ativista. Ele é considerado como uma das principais figuras da Geração Beat nos anos 50. Ficou conhecido pelo seu livro de poesia Uivo e Outros Poemas (1956). Se opôs vigorosamente ao militarismo, ao materialismo econômico e à repressão sexual e incorporou vários aspectos de sua contracultura: era favorável ao uso de drogas, contra a burocracia e a favor da abertura para religiões orientais. Ginsberg também gostava de fotografia. Em 1953 comprou uma máquina por 13 dólares fez fotos de todos seus amigos. Ginsberg registrou o grupo que viria a ser a geração beat em 1953, quando estava perto dos 30 anos. Ele havia conhecido as principais personalidades do grupo - William S. Burroughs, Gregory Corso, Jack Kerouac - desde seus dias de estudante em Colúmbia. Ele os via como uma nova vanguarda literária. Em 1983, ele reviu imagens dos anos 50. Comprou uma câmera nova e passa

a reproduzir velhas imagens em formatos maiores e com espaço em branco nas margens para anotaçþes, sobretudo de Jack Kerouac e William Burroughs.

BARBARA LEARY/BARBARA CHASE Barbara Chase/Leary é uma atriz norteamericana que atuou em filmes como Money to Burn (1983), Stitches (1985) e Ryan’s Hope (1975). Foi casada com Timothy Leary (1920 - 1996), de 1978 a 1992, um psicólogo e escritor americano conhecido por defender a exploração do potencial terapêutico de drogas psicodélicas, como LSD, com acompanhamento médico e psicológico. Ja foi chamada de “a musa do LSD”. É também excompanheira de Kim Esteve.


Queria esculhambar com o governo militar, que estava reduzindo o Brasil a mais uma república das bananas, como eram as republiquetas

centro-americanas. Meu desafio era pintar e, ao mesmo tempo, refletir sobre a tortura e as prisões numa coisa explosiva, sarcástica, de deboche. ANTONIO HENRIQUE AMARAL SILAS MARTI / FOLHA DE S. PAULO / ILUSTRADA / 9 DE DEZEMBRO DE 2013

Um dos mais importantes artistas plásticos brasileiros do século XX, Antonio Henrique Amaral foi pintor, gravador e desenhista. Deixou também uns poucos registros fotográficos, como este da coleção Kim Esteve. Ele ficou mais conhecido pela série de pinturas cujo tema eram bananas, realizada de 1968 até 1975. Entre 07 de dezembro de 2013 e 23 de fevereiro de 2014, a Pinacoteca do Estado de São Paulo realizou uma exposição retrospectiva de suas obras. Na apresentação de seus trabalhos, o site da Pinacoteca ( antonio-henrique-amaral/) registrou: Antonio Henrique Amaral desenvolveu sua carreira a partir de São Paulo e viveu quase dez anos em Nova Iorque – de 1971 até 1981 -, quando retornou definitivamente ao Brasil. Foi na grande metrópole norte-americana, então centro mundial das artes, que se firmou como pintor, vivenciando a expansão da pop-art e do hiper-realismo, movimentos com o quais dialoga, e usufruindo da diversidade do ambiente cultural frequentado, na época, por artistas latino-americanos de sua geração.

Com a série Brasiliana, Amaral começa a explorar a “banana” como

tema, iconografia que atinge seu ponto alto com os sombrios quadros da série Campos de batalha, uma alegoria dos tempos da repressão política no Brasil, os

anos de 1970. Surgem depois os Bambus e Expansões, quando a composição se fragmenta até atingir a grande liberdade pictórica dos anos de 1980. A década de 1990 vem marcada pela ambiguidade dos Torsos e pela dramática série de pinturas intitulada Anima & mania.


UM ANTROPÓLOGO QUE UTILIZOU A FOTOGRAFIA PARA FAZER CIÊNCIA, ARTE E UM POUCO DE ESPIONAGEM. Carleton Stevens Coon foi um antropólogo americano, professor de antropologia da Universidade da Pensilvânia, da Universidade de Harvard e presidente da Associação Americana de Antropólogos Físicos. As teorias de Coon sobre raça são questionadas por antropólogos modernos por alegações de superioridade das raças europeias sobre todas as outras. Ele iniciou seus estudos na Phillips Academy em 1921 e depois se formou Magna Cum Laude pela Harvard University, em 1925. Coon fez mestrado e doutorado na Harvard University, em 1928. O trabalho de campo de Coon foi extenso, incluindo as escavações de cinco locais de cavernas no Irã (1949-1955), Afeganistão (1954), Síria e África Central (1955) e Chade e Líbia (1966-1967). Destaque para as escavações arqueológicas de 1949-1955, em cinco locais de cavernas no Irã: Visito, no Luristão; Tamtama no Azerbaijão; o abrigo rochoso Khunik no sul de Khorassan; e Belt e Hotu em Gorgan. Tirou uma licença da Universidade de Harvard de 19421945, período em que serviu no Departamento de Assistência Especial do Estado (1942-43) e depois como Major no Exército dos Estados Unidos (943-45). Em 1945, foi premiado com a Legião do Mérito. Na Segunda Guerra Mundial, o Dr. Coon serviu na África e no Oriente Médio com o Escritório de Serviços Estratégicos. “A North Africa Story” é um livro sobre suas experiências de guerra. Coon também fez trabalhos de fotografia para a Força Aérea dos Estados Unidos entre 1954 e1957. Ele fotografou áreas onde aviões americanos poderiam ser atacados. Isso o levou a viajar pela Coréia, Ceilão, Índia, Paquistão, Arábia Saudita,

Japão, Taiwan, Nepal, Sikkim e Filipinas. Em arqueologia, o Dr. Coon fez contribuições pioneiras para o estudo da transição humana da cultura de caçadores-coletores para as primeiras comunidades agrícolas. Ele também fez importantes trabalhos iniciais no estudo das adaptações físicas dos seres humanos em ambientes extremos como desertos, ártico e grandes altitudes. Na antropologia social, ele escreveu o importante “A Reader in General Anthropology”, publicado em 1948. Também foi autor de uma monografia sobre as tribos Rif do Marrocos em 1931. Uma câmara fotográfica sempre o acompanhava.


A origem fotográfica de cada pintura Close é bem conhecida; no entanto, a exploração de Close da mídia se estende muito além do uso de

fotografias como ferramenta programática. Se ele usa uma imagem fotográfica como material de origem ou como um fim em si, tudo o que ele cria começa com uma fotografia. TERRIE SULTAN, DIRETOR DO PARRISH ART MUSEUM NY O conselho que eu gosto de dar a jovens artistas, ou a qualquer pessoa que me ouça, não é esperar por inspiração. A inspiração é para amadores; o resto de nós apenas aparece e começa a trabalhar. Se você esperar as nuvens se separarem e um raio atingir o seu cérebro, você não fará muito trabalho. Todas as melhores ideias saem do processo; eles saem do próprio trabalho. As coisas lhe ocorrem. Se você está sentado tentando imaginar uma ótima ideia de arte, pode ficar sentado muito tempo antes que algo aconteça. Mas se você começar a trabalhar, algo lhe ocorrerá e algo mais ocorrerá para você e outra coisa que você rejeitar o empurrará em outra direção. A inspiração é absolutamente desnecessária e de alguma forma enganosa. CHUCK CLOSE

É muito difícil encontrar um artista plástico que frequentou tanto a fotografia quanto Chuck Close. Com as fotos ele fazia pinturas. Mas nem sempre. Ficou famoso pelos seus hiper-restritos. Mas não se pode dizer que ele é um retratista. Aqui, ele brinda Kate Moss e Kim Esteve com um simples clique. Mas sua obra é muito mais complexa. Diante de suas fotos e suas pinturas, ele nos transforma de observadores em observados. Esteticamente, ele amplia nossa humanidade e nos confronta. Ele utiliza, sobretudo o fotorrealismo, técnica em que a pintura é similar a uma fotografia e que se enquadra no movimento

artístico denominado de hiper-realismo. De longe, alguns de seus quadros são perfeitos retratos. Vistos de perto são incontáveis marcas de formas diversas (círculos, quadrados…). Em 1988, Close fica paralisado numa cadeira de rodas devido a um coágulo sanguíneo na coluna vertebral. Mais tarde acabaria por conseguir readquirir a mobilidade parcial dos seus braços. Não desiste e regressa à pintura, embora recorrendo a algumas técnicas que lhe permitissem trabalhar na sua cadeira de rodas. Passa a pintar com o pincel na boca. Os seus retratos são delineados pelos seus assistentes, para depois serem pintados numa técnica similar à utilizada no Impressionismo e no Pontilhismo. O resultado é uma tela com pequenas pinturas que vistas a uma determinada distância parecem uma única imagem. É absolutamente indispensável uma visita ao seu site:


Não foram encontradas referências a este fotógrafo.



Como éramos dois gringos, nos aproximamos rapidamente e a amizade cresceu ao longo dos anos. Ele era um embaixador da cultura

brasileira. Dificilmente alguém com interesse em arte, especialmente nos anos 1980, não passou pela casa do Kim. Aquilo virou um caldeirão cultural e os visitantes eram sempre importantes. JAMES STEWART-GRANGER, FOTÓGRAFO INGLÊS. O Kim era muito generoso com os artistas. Ele não só convidava e bancava as festas, mas os apresentava a críticos do mundo todo e comprava, ele mesmo, as obras. Foram tempos maravilhosos, mas fizeram parte de uma época, não dá para voltar, até porque eu não vejo substituto para o Kim. LUÍSA STRINA, GALERISTA. Your house and gardens are most attractive, and the collection you have assembled is a very outsanding one... DAVID ROCKFELLER

Na década de 1980, ninguém em São Paulo era melhor anfitrião do que Kim Esteve. Nessa época, ele era também o mais importante mecenas. O que quer que ocorresse em termos de artes visuais na cidade estava associado a ele. Curadores, galeristas, a Bienal de São Paulo, todos queriam combinar as datas de seus eventos com as festas na casa dele. “Uma das melhores coisas que se pode proporcionar às pessoas é apresentá-las a gente que elas gostariam de conhecer”’, esse era o lema de Kim Esteve. Se o gramado bem aparadíssimo da casa do colecionador Kim Esteve, na Chácara Flora, em São Paulo, falasse, suas histórias certamente renderiam um dos retratos mais apurados dos deslumbradíssimos

anos 1980 em São Paulo. No “almoço na casa do Kim”, cuja versão mais concorrida acontecia nas vésperas das inaugurações das bienais de artes plásticas, era comum cruzar com figuras como o curador do Museu de Arte Moderna de Nova York, Rob Storr; o fotógrafo Jonathan Becker, da Vanity Fair; o megacolecionador Gilberto Chateaubriand. Em outra ocasião, o centro das atenções era a performer Laurie Anderson, o maestro Zubin Mehta, o ator Willem Defoe, o cantor Ray Charles... Filho de pais americanos que tinham negócios com algodão e se estabeleceram no Brasil na primeira metade do século passado, Kim Esteve nasceu em São Paulo, estudou em Connecticut, viveu em Nova York, velejou em Long Island, enfim, teve tempo suficiente para frequentar as melhores galerias de arte do mundo. Em sua casa, era possível encontrar artistas como Ivald Granato, Antônio Peticov, Tomoshigue Kasuno, James Stewart- Granger, Wesley Duke Lee, Charles Bosworth e David Drew Zingg. E muitos, muitos outros. FONTE: Revista Private Brokers, nº 34, de seis de janeiro de 2015 / http://www.coelhodafonseca.



[...] fazer algo em benefício da fotografia brasileira. Na verdade tudo o que eu queria, e continuo querendo até hoje, seria fazer minhas fotografias “como um poeta”[...] Minha intenção sempre foi a de utilizar o livro como meio de expressão, sem (como um poeta) alimentar esperança de retorno financeiro. Mas, por outro lado, eu me preocupava também em fazer alguma coisa socialmente engajada, que contribuísse para o país — em afinidade com a preocupação de Mário de Andrade que afirmava só publicar “o que era útil” -, anseio que me levou a atuar em diferentes campos de atividade durante os últimos 40 anos. PEDRO VASQUEZ ENTREVISTA A ANDRÉ TEIXEIRA

As fotos poemas de Pedro Vasques (ou seriam poemas fotos) nos remetem para vários momentos da história da fotografia: o paisagismo, a fase retratista, a arte conceitual, o simples registro de algo inusitado que se compõe esteticamente. Podem ser líricos, épicos, dramáticos. E são atemporais, porque sensibilizam hoje. Pedro Vasquez é um mestre que faz uma das melhores literaturas imagéticas. Devemos nos deixar levar por cada uma de suas fotos e mergulhar em quantas histórias quisermos criar. Pedro Vasquez nasceu no Rio de Janeiro em 1954. É fotógrafo, historiador, curador, professor. Viveu em Paris entre 1974 e 1979, onde se formou em cinema pela Sorbonne. Estuda fotografia de forma independente. É um dos responsáveis pela criação do Instituto Nacional de Fotografia da Funarte, em 1982, órgão que dirige até 1986; foi curador do Departamento

de Fotografia, Vídeo e Novas Tecnologias do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, até 1989. Entre os anos 1980 e 1990, trabalhou como editor de fotografia das revistas Photo Camera, Best View e do jornal O Dia. Conclui mestrado em ciência da arte na Universidade Federal Fluminense, em Niterói, em 1999, leciona fotografia na Pontifícia Universidade Católica, na Universidade Federal do Rio de Janeiro e no curso de pós-graduação da Universidade da Cidade. Recebe Prêmio Nacional de Fotografia da Funarte, em 1996, e Bolsa Vitae de Fotografia, em 1998. Seus livros: Fotografia: Reflexos e Reflexões, Álbum da Estrada União e Indústria, Pedro II e a Fotografia no Brasil, Mestres da Fotografia no Brasil, Revert Henrique Klumb: Um Alemão na Corte Imperial Brasileira e Fotógrafos Alemães no Brasil do Século XIX.



Quando fotografo, não quero reproduzir o real, mas alterá-lo... Não quero ver o que todos veem, mas, ao contrário, busco resultados que me desconcertem. LORIS MACHADO CASTELLO, JOSÉ. Loris Machado busca o imprevisto nas cataratas. O Estado de S. Paulo, São Paulo, 19 jun 1995.

Do ateliê do artista às performances, do modelo à pintura, da dança de gestos no momento da criação (arfares, odores, pendores, pudores) à inserção da obra no circuito cultural, Loris Machado vem documentando, desde o final dos anos 70, o melhor e o mais radical da arte brasileira. Na verdade, vai muito além do registro burocrático e bem-comportado. O que ela faz é recriar atmosferas, ambientes, situações, é revelar aquilo que escapa ao próprio artista - gestos, olhares, posturas, acidentes, acasos, resultados -, é, enfim, dar continuidade ao gozo da criação, esteja o artista na intimidade (relativa) do ateliê ou na dinâmica da galeria, do museu, do palco ou da rua. FREDERICO MORAIS MACHADO, LORIS. ARQIVIVO. Texto Frederico Morais. Brasília : Museu de Arte de Brasília, 1993. Uma folha dobrada. Loris Machado é uma fotógrafa surpreendente. Durante anos suas fotografias foram essencialmente urbanas. Mais do que ninguém, captou momentos que hoje fazem parte da História da Arte Contemporânea do Brasil. Onde houvesse um happening, uma performance, Loris estava lá. No futuro, se quisermos saber o que aconteceu nessas áreas, nos anos 70, 80 e início dos anos 90, as fotos de Loris informarão com precisão.

CARLOS VON SCHMIDT Flots de Lumière, Embaixada do Brasil em Paris, 1995, e Unesco, Paris, 1995.

Loris Machado formou-se em ciências sociais na Universidade de São Paulo em 1974. Autodidata em fotografia, trabalha profissionalmente nesse campo em 1976, documentando obras de alguns entre os mais proeminentes artistas plásticos brasileiros: Hélio Oiticica, Rubens Gerchman, Antonio Dias, Lygia Pape, Artur Barrio, Tunga, Ivald Granato, José Roberto Aguilar, Guto Lacaz, Cristina Salgado. Em 1988. Dedica-se também ao registro de paisagens de forma plástica, ao folclore e a cultura popular. Realiza diversas exposições individuais, entre as quais a mostra inaugural do Gabinete Fotográfico da Pinacoteca do Estado de São Paulo, em 1980. FONTE: ESCRITÓRIO DE ARTE.COM


A ALMA DO VILLAGE VOICE POR MEIO SÉCULO Poucos fotógrafos viveram tão intensamente a arte e a literatura nova-iorquinas na segunda metade de 1900 quanto Fred W. McDarrah. Ele não foi apenas um dos principais fotógrafos a documentar a beat generation e o movimento gay, mas registrou também a nascente e influente escola de artes plásticas de Nova Iorque, que teve um significativo estímulo do governo norte-americano e emergiu depois da diminuição de prestígio da arte parisiense. McDarrah foi um exemplar representante do fotojornalismo. Estiveram diante de suas câmaras: Jack Kerouac, Bob Dylan, Jimi Hendrix, Andy Warhol, Allen Ginsberg, Robert Mapplethorpe, Susan Sontag, Bobby Kennedy em campanha e os primeiros ativistas do orgulho gay. Como fotojornalista, McDarrah retratou a cidade - em particular Greenwich Village. Esteve em clubes de jazz e cafés; concertos e leituras de poesia; sit-ins, beins, amores e ensinamentos. Ele flagrou rostos famosos, como Norman Mailer e William S. Burroughs; lugares desaparecidos, como a Livraria Peace Eye na Avenida A; e momentos históricos, como o levante de Stonewall, em 1969. Entre suas imagens mais conhecidas, está um retrato de Bob Dylan, de 1965, na Sheridan Square, vestido de preto e saudando a câmera. Frederick William McDarrah nasceu no Brooklyn. Visitando a Feira Mundial de 1939 quando jovem, ele comprou uma câmera Univex por impulso por 39 centavos. Na Segunda Guerra Mundial, serviu como paraquedista do Exército, permanecendo no Japão no final da guerra para fotografar a ocupação americana. Em 1954, ele se formou em jornalismo pela Universidade de Nova York. McDarrah foi, talvez, o mais importante profissional do The Village Voice, jornal semanal

alternativo que começou no Greenwich Village, mas se tornou uma instituição nacional. Ele começou como seu único fotógrafo, transformou-se em chefe de equipe e ainda estava trabalhando Voice quando morreu. Ele foi editor de imagens e consultor do The Voice, num relacionamento que durou meio século.



O maior desafio do artista é o de encontrar sua própria voz. Sempre tratei o retrato de moda como uma foto familiar. Sou fotógrafo de moda que tem ojeriza a fotos posadas. Sempre tentei que as modelos fossem o mais descontraídas possível, que fossem atrizes, que pudessem viver a situação com a qual elas se deparariam na locação. O meu tipo de fotografia era o de passar o dia inteiro com a pessoa, às vezes mais de um dia, por exemplo, com a alteza real Grace de Mônaco (Grace Kelly) e sua filha Stephanie. Eu fotografei Sophia Loren quatro ou cinco vezes, havia um pouco mais de intimidade, cheguei a passar a noite em seu bangalô, mas nunca tive a ilusão de que era amigo dessas celebridades. Eu comecei a fotografar aos sete anos. Com 16 anos, fui para Los Angeles estudar fotografia. OTTO STUPAKOFF Entrevista a Augusto Olivani ,Uol Entretenimento, 24 de junho de 2005.

Otto Stupakoff é pioneiro, o mais famoso fotógrafo de moda brasileiro e um dos melhores do mundo. Foi o precursor da fotografia de moda no Brasil, em 1958, ao fotografar a atriz Duda Cavalcanti, “a pioneira garota de Ipanema”, com uma roupa do estilista Dener Pamplona. Em 1965, já famoso no Brasil, mudouse para Nova York e trabalhou para Life e Look. Além de moda, fez retratos de celebridades e também de pessoas anônimas. Seus ídolos foram Richard Avedon, Helmut Newton e Balthus, um pintor polonês-francês, que namorou o surrealismo e o realismo, famoso pelo erotismo de suas adolescentes. Stupakoff fez

também ensaios para revistas como Vogue, Harper’s Bazaar, Cosmopolitan, Elle, Esquire, Stern. Instalouse em Paris, entre 1973 e 1976. Voltou ao Brasil em 1976, onde permaneceu até 1980. Em 1981, mudouse para Nova Iorque, tornando-se cidadão americano em 1984. Recebeu o prêmio especial do júri do Art Directors Club (Paris, 1981) e o Dupont Award (Paris, 1986). Fotografou várias personalidades como Truman Capote, o ex-presidente norte-americano Richard Nixon, a atriz Bette Davis, Grace Kelly, Jack Nicholson, Sharon Tate, Tom Stoppard, Leonard Cohen, Paul Newman, Sophia Loren, Jorge Amado, Antonio Carlos Jobim, Pelé, Kate Moss. Foi um dos primeiros brasileiros a integrar o acervo do Museu de Arte Moderna (Nova Iorque). Otto também foi professor de fotografia na Parsons The New School for Design, em Nova York.


FOTOS QUE NOS CHOCAM E NOS CHAMAM À RESPONSABILIDADE Richard Ross não apenas colocou o dedo na ferida, ele expôs a ferida, não uma, mas cerca de 200. Ross foi ao sistema prisional norte-americano, principalmente aqueles destinados a jovens. Seus livros são perturbadores. A arte/denúncia de Richard Ross é uma exposição clara, autêntica, contundente da repressão que o sistema executa contra aqueles que são julgados fora do padrão. A realidade choca, machuca nossas consciências. Ele nos chama à responsabilidade. A sociedade que cria desvios e a mesma que os pune. “Essa sociedade somos nós”, ele parece dizer. Richard Ross, fotógrafo americano, pesquisador e professor de arte, é mais conhecido por seu trabalho Juvenile in Justice , que documentou o sistema de justiça juvenil dos EUA. O projeto foi produzido com o apoio da Fundação Annie E. Casey e da Fundação John D. e Catherine T. MacArthur . Em 2007, Ross recebeu uma bolsa de estudos Guggenheim para concluir Architecture of Authority , um conjunto de fotos instigantes e perturbadores de espaços arquitetônicos em todo o mundo que exercem poder sobre os indivíduos confinados a eles. O primeiro livro de Ross, Museology , é um registro fotográfico de museus e suas obras. Seu segundo livro, Gathering Light , explora a luz natural e artificial e sua relação intrínseca com a própria fotografia através de fotografias de objetos e lugares de todo o mundo. Seu terceiro livro, de 2004, Waiting for the End of the World, traz fotos de abrigos subterrâneos em todo o mundo. Michael Darling, curador-chefe do Museu de Arte Contemporânea de Chicago, disse sobre esse livro: “As imagens de Ross de abrigos de bombas representam uma denúncia sobre o estado atual dos assuntos mundiais e são um chamamento à nossa consciência e um

desafio à ação”. O trabalho de Ross foi exibido na Tate Modern, em Londres; Museu Nacional da Construção, Washington DC; Museu de Arte de Santa Mônica, Los Angeles; Galeria Aperture, Nova York; ACME. Galeria, Los Angeles; e o Museu de Arte Moderna de São Francisco, São Francisco. Ele foi o principal fotógrafo do Getty Conservation Institute e do Getty Museum em muitos de seus projetos arquitetônicos. Ele fotografou para o Centro Canadense de Arquitetura, Nike, New York Times, Los Angeles Times, SF Examiner, Vogue, COLORS, Courrier.


UM FOTÓGRAFO QUE SE TRANSFORMOU NUM MESTRE IMPRESSOR Silvio Pinhatti foi fotógrafo; trabalhou como laboratorista e professor de Fine Art na Focus Escola de Fotografia. Trocou a fotografia pela impressão. Montou um laboratório fotográfico de alto padrão, de prestigio internacional, responsável pelas impressões de fotos para exposições em grandes galerias, museus, fotógrafos profissionais e agências de publicidade, do Brasil e exterior, de consagrados mestres da fotografia, como Sebastião Salgado, Pierre Verger, Mario Cravo Neto, Robert Doisneau, Helmut Newton, Irving Penn Henri Cartier Bresson, Ansel Adams, Man Ray… O Pesquisador, Curador e Professor Rubens Fernandes conseguiu fazer um belo resumo de Sílvio Pinhatti: É muito provável que em 1989, no Teatro Sergio Cardoso, na cidade de São Paulo, o jovem fotógrafo Silvio Pinhatti, não pensava no futuro. Naquele momento estava apenas fotografando um dos seus mitos – o dançarino e coreógrafo japonês Kazuo Ohno. Mas alguma certeza pairava no ar, já que estava contaminado pela imagem e pelo fazer fotográficos. Vinte anos depois, Pinhatti tornou-se uma lenda, pois agora estamos escrevendo sobre o maior e mais importante impressor do Brasil.

Ser fotógrafo exige técnica, conhecimento, disciplina, paciência, entre

outras qualidades. Aos poucos Pinhatti tornou-se conhecido não apenas como fotógrafo de shows e performances, mas como um laboratorista exigente, inovador e aplicado. Essa mistura complexa de fotógrafo e impressor trouxe uma experiência sem precedentes, mas afastou-o da criação fotográfica. Uma renúncia em nome do novo paradigma de qualidade que os emergentes espaços de exibição de fotografia – galerias, museus e instituições culturais – impos para a produção brasileira.


MEMÓRIA, PERCEPÇÃO E REPRESENTAÇÃO EM RECONSTRUÇÕES CONCEITUAIS DE PERSONAGENS E OBRAS CLÁSSICAS Vik Muniz é um dos mais conceituados artistas plásticos brasileiros no mercado internacional. Passeou intensamente pela land art e, nos últimos anos, tem se dedicado a fotografar composições feitas com materiais inusitados: como alimentos, algodão, materiais recicláveis, cabelo, arame, serragem, terra, dentre outros. Tem sido ferrenho defensor da natureza e criticado negativamente a sociedade de consumo. Sua estética nos remete a um fazer, refazer, rever o processo artístico. Seus vídeos registram o processo criativo que leva ao trabalho final. A fotografia aqui surge como um registro. O ato de fotografar propõe a consolidação de um processo. Vídeo e arte final são trabalhos complementares, dialogando intensamente num processo linguístico que mescla significado e significante. Somos inundados pela arte de Vik Muniz, que nos exige uma definição. Nada do que Vik Muniz faz é estático. Diante de suas obras, nosso olhar é o mediador da nossa consciência. Muitas de suas obras são reproduções de outras já conceituadas, como a Mona Lisa de Leonardo Da Vinci. Retratou diversas figuras como Pelé, Che Guevara, Freud, Barack Obama, Elvis Presley, Seu Jorge, Pollock, dentre outros. Vik (Vicente José de Oliveira) Muniz cursou publicidade na Fundação Armando Álvares Penteado - Faap, na cidade de São Paulo. Em 1983, passa a viver e trabalhar em Nova York. Realiza, desde 1988, séries de trabalhos nas quais investiga, principalmente, temas relativos à memória, à percepção e à representação de imagens do mundo das artes e dos meios de comunicação. As fotografias feitas por Vik Muniz fazem parte do acervo particular e de galerias em São Francisco, Madri, Paris, Moscou e Tóquio, além de museus como

Tate Modern e o Victoria & Albert Museum, em Londres, o Getty Institute, de Los Angeles, e o MAM, em São Paulo. A obra Boom, integrante da série The Sarzedo Drawings, de 2002, fotografia de gelatina de prata com viragem, está disponível a apreciação no Museu do Inhotim, em Brumadinho, Minas Gerais. Vik Muniz vive e trabalha em Nova Iorque e no Rio de Janeiro.


BARROCO, EXPRESSIONISMO E SURREALISMO EM BELAS E AMARGAS IMAGENS. Qualquer coisa que estivesse sendo demolida e removida de nossa paisagem me interessava, porque sinto que é isso que está acontecendo conosco como indivíduos.


Um arqueólogo, expondo os detritos de uma civilização em rápida mutação. CRAIG KRULL, GALERISTA.

James Fee tem uma visão perturbadora do mundo. Seus momentos na segunda guerra mundial, provavelmente, lhe trouxeram uma amargura que ele jamais deixou de experimentar. São belas suas imagens. Mas são também sombrias, lúgubres, caóticas. Seja um corpo nu, um navio abandonado, uma estrada solitária, uma floresta virgem. São também emocionantes. Trazem algo de barroco nas tonalidades, expressionistas nas propostas, surrealistas nos conteúdos. Daí a densidade de cada uma delas. E elas nos sensibilizam pelo drama que parecem revelar. No obituário que escreveu para o Los Angeles Times, Mary Rourke comenta: Ele fotografou em preto e branco e também em cores, criando frequentemente uma série de imagens em torno de um determinado tema, como suas “Fotografias da América”, sobre ícones decrépitos. Outra série, “Four Days in New York”, mostra atrações turísticas de ângulos incomuns.

Uma imagem da Estátua da Liberdade intitulada “Verdadeiro

Significado” refere-se às promessas de liberdade e direitos iguais que a estátua representou a Fee. “Ele ficou desapontado com o que os EUA se tornaram em oposição ao que poderia ser”, disse seu galerista Craig Krull. Sua série mais

autobiográfica, “Projeto Peleliu”, é um conjunto sinistro de imagens baseadas em uma batalha da Segunda Guerra Mundial entre tropas americanas e japonesas.

Fee ensinou fotografia no Art Center College of Design em Pasadena, Califórnia, de 1994 a 2003. Em 1993, lecionou no Otis College of Art and Design, em Los Angeles. Suas fotos fazem parte dos acervos do Museu de Artes Fotográficas de San Diego, do Museu de Arte William Benton, do Getty Museum e do Museu de Arte da Filadélfia.

GEORGE NELSON SMITH UM AVIADOR INGLÊS ESPECIALIZADO EM AEROFOTOGRAMETRIA George Nelson-Smith foi um aviador inglês responsável por levantamentos aerofotogramétricos, nos estados de São Paulo e Rio de Janeiro, entre 1928 e 1941, realizados sob encomenda da extinta companhia de energia Light. Em São Paulo, as imagens aéreas registram locais como o Rio Pinheiros antes de sua retificação, a Serra do Mar e cidades como Santos e São Vicente, áreas de potencial hidrelétrico e de interesse para a empresa canadense. Durante a Primeira Guerra Mundial, George Nelson-Smith serviu como piloto ao exército inglês e iniciou a prática em fotografia aérea quando ainda atuava na fronteira francesa do conflito.

Credits Publisher: Alaide Rocha Editor: Carlo Cirenza Research and text: Fernando Rios Graphic Project: Marcelo Pallotta Designer Assistant: Katharina Pinheiro Translation: Bruna Martins Fontes Acknowledgements: Kim Esteve, Frederico Ian Americano, Barbara Leary, Murilo Moser, Gabriel Borba and Claudio Morioka 1 - Suggestions, complaints and praise should be sent by email to: 2 - Portfolios should be submitted in the following format: JPEG ( 20 x 30 cm ), 300 dpi by email to: ISSN 2596-3066

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