Carcara #18

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#18 SUMMER 2019

ISSN 2596-3066

Cover Photo Roberto Cecato

EDITORIAL NUMEROUS POSSIBILITIES TO PERFECT OUR GAZE AT REAL AND UNREAL This issue of Carcara brings important questionings and reflections around bodies, landscapes, urbanities, realities and unrealities. It features three photographers who use photographic art beyond their professional work: acclaimed cinematographer Murilo Salles, with his accurate vision of essentialities; the driver from Madrid, who teaches us to see our daily lives with care and discover its intensity; and lawyer Pedro Amorim, who inserts us in a black and white world full of metaphors. It has plural incursions through the body by Donaire, Maximo Jr. and Roberto Cecato. Something real and surreal emerges in the proposals of Dulla, Havane Melo, Jamille Queiroz. And a reevaluation of the relations between landscapes and humanity, as Marcio Menasce, Paulo Brazyl and Sergio Poroger reveal. Plus the instigating portraits from Alex Pozuello. Carcara, once more, proves that photographic art increasingly moves people worried about communicating subjectivities, concrete or abstract. And, this way, in applying the numerous possibilities that human beings have to perfect the look at real and unreal through sophisticated equipment or simple smartphones. Once more, it is worth repeating a jargon which is common in the photography universe, but is usually forgotten: more important that the equipment, it’s the photographer’s eye which defines his or her art. But before knowing how to see, one needs to know how to think. This issue of Carcara is full of possibilities of thinking, seeing, registering multiple realities and unrealities. Art is this, to provide beautiful emotions from subjectivities. In our case, we reproduce the work of photo artists. Check it out! CARLO CIRENZA

POETIC ALLEGORY WHICH GOES FROM REAL TO SURREAL There are poetry and mystery in these portrait/poems from Roberto Cecato. But that’s too little to translate this very personalist aesthetics, these allegorical interventions (not make up) in the faces and bodies that are presented to us and lead us to reflect upon transcendence and immanence. On one hand, each image contains a totality, beginning and ending, in itself; but it also transcends as it refers to other temporalities. There are not presentable people there, to be known, these are esthetic objects to be contemplated. Cecato walks through real and surreal masterfully, with simplicity and density. In his authorial work, he doesn’t have a favorite object: “what interests me is the journey and the discovery of new possibilities. I am very curious, and I have no interest in always doing the same thing. When I photograph for myself, I have no goals which are not the discovery of something new, it’s a freedom exercise. A photographer who has always inspired me was Irving Penn, who photographed objects, portraits and fashion with great originality and essentiality”. These images were taken from their context and appear vitalized, creating other meanings. “The images I sent were suggested by Carlo Cirenza, the magazine’s editor, and in a way, they surprised me, because I am known for my still life and authorial work. They were mostly produced for magazines and ads in Europe and Brazil and they are, in a way, more connected to still life than to fashion, for their static and contemplative character. I live to photograph beauty because the skin is like a white canvas, and make-up is like painting, it allows infinite possibilities of intervention. In all of them, besides the model, the makeup artist’s role is essential, for it is him or her who has the capacity of giving life to what I want to express.” About the immense possibilities of photographing which emerge

with cellphones, Roberto Cecato comments: “It’s the democratization of image production. As Pedro Meyer, an icon of Mexican photography, said, we are all photographers today, but visual illiterates.” He summarizes his trajectory: “I was born in Sao Paulo, studied Electronic Engineering, Nuclear Physics and Cinema, before I decided to live from photography. I started as camera assistant in a film, went to photojournalism and then to advertising and editorial. I have been president and director of class entities, wrote for photo magazines and took part in several collective exhibits, as well as individual ones in Brazil before I moved to Italy. In the 21 years I have spent in Milan, I have worked for big magazines and great names of international fashion and have held individual exhibits in many countries. I returned to Brazil in 2012, I have a studio in Sao Paulo where I still photograph. Three years ago I decided to share my knowledge in an online project, called Fotoweb Academy, which is in YouTube and Instagram.” Site:

Roberto Cecato

QUESTIONS WHICH PENETRATE US, SHOT BY EYES Alex Pazuello has the capacity to put an interrogation in each portrait he makes. Especially in close-ups. An interrogation which seems to be part of many questions. The look asks. And what answer do we give to these looks which penetrate us? Photography has the amazing capacity of confronting us directly with others through art. We exchange looks. Before photography, several painters portrayed people. The first painted portrait we are aware of is probably Giovani, The Good (Florence, Giovanni di Bicci de’ Medici, 1360-1429). But ingenious portrait painters came later: Rafael, Ticiano, Velasquez, Rembrandt, Franz Hals, Vermeer and the most famous of all, Leonardo da Vinci and his Mona Lisa. In the 19th century, the photographers appeared. These are some of them: Lee Jeffries, Jimmy Nelsson, Rehahn, Eric Lafforgue, Manny Librodo, Joel Santos, Yousuf Karsh, Jane Bown, Sebastiao Salgado, Helmut Newton, Annie Leibovitz, Richard Avedon and, maybe, the two most famous: Steve McCurry and his “Afghan Girl”, and Dorothea Lange with her “Migrant Mother”. Both painters and photographers are ultra-aware of one detail: the eyes! They communicate and question. They express anguish, suffering. The eyes of Alex Pazuello’s real characters seem to ask and reveal the photographer’s desire: “to provoke a reflection, instigate people to think of their relation with others, with the world and everything it contains; to me, photography has a primordial role of rescuing and registering history and be a chronicle of its time, of how mankind lives and relates to things; I like to photograph people, to make portraits; this conversation between me and the people I portray, knowing the other, all this fascinates me, but I love commercial photography, all the process of creating and building a set to solve problems excites me and turns an idea into photos.” Alex Pazuello was raised in Manaus, the capital of Amazonas state. He says:

“My interest in photography was an influence of a friend, Cesar Oiticica Filho, in the 80’s, when I was 15. In the 90’s, I moved to Rio de Janeiro to study communication, and then graduated in Journalism at Faculdade da Cidade. Still in Rio, I have worked as an assistant to Dario Zalles, Sergio Nedal, Ayrton Camargo. In 1995, I moved to New York to study photography at School of Visual Art and International Center of Photography. In NY, I have worked as an assistant of Gille Berger’s, Gus Butera’s and Adriano Fagundes’ fashion and ad photographer, as well as studio manager at Hashi Studio. I also did freelance jobs to Folha de S. Paulo, Estado de S. Paulo, Revista Caras, Isto É Gente. Back in Manaus, in 2005, I have worked at Jornal Amazonas Em Tempo, where I won Ayrton Senna award in photojournalism, in 2007. I currently work at the municipal Communication Department, where I am also an editor and make authorial work” Site: https://www.

Alex Pazuello


In each position, the camera reveals a different woman, a new woman,

as if she were numerous in one. Maybe that is the mystery. The duplicity. The woman and the other. The woman and her reflection. In no moment, though, the sensuality is altered. On the contrary, it seems reinforced from one position to other. Caleidoscopic woman, multifaceted. Fragmented and one. Just woman. IGNACIO LOYOLA BRANDAO , journalist and writer. In his symbolic or explicit bets, Donaire’s photos have the force of a dried flower which says everything, present, past, future, what the look translated into desire, what is kept forever, the rescue of a delicacy one thought was lost. XICO SÁ – journalist and writer

Donaire seems to want to confuse our eye. He makes us voyeurs and pervasive. Some photos communicate with our libido; others, with our atavistic curiosity. All with careful aesthetic rigor. We shall be prepared for such polarity. To each one of them, a different emotion. But in none of them an explicit reality. How can we relate to these bodies that attract and shun us? Donaire’s photographic art fulfills its role. It updates and values a moment in photography’s history, that passage in which the photographer registers not real things, but subjectivity’s achievement. The image created in the brain only appears in development stage. And the photographer ceases to possess his intention. His images belong to us and, although they provide antithetical emotions, we are attacked and attracted, we keep our critical and voyeur look. It is a strange duality free of Manichaeism which makes us keep admiring Donaire’s art. To him, photography is “to write poetry with images”. And more: “it is to portray mankind in a different way from the moment it was discovered, as it was and still is painting,

sculpting, music, cinema and, nowadays, social media and smartphones changed the way we see the same things, and that interferes both on the social aspect and in behavior, politics and fashion of each time.” Donaire was born in Sao Paulo, Brazil. He started his work in photography in 1974 in J. Walter Thompson Publicidade. But he says his career as a photographer began in 1981, when he published his first editorial works in Vogue, Playboy, Elle, Trip, Marie Claire, among others. In advertising, he worked at the agencies DPZ, DM9/DDB, Young Rubican, WMcCann, among others. He has always dedicated time to personal shootings and uses numerous materials and supports to execute and exhibit these works. He took part in collective exhibits, such as: Seducao - MIS Museu Da Imagem e do Som, Sao Paulo, Brazil; Biennale Internazionale di Arte di Roma, 2010. Some individual exhibits: in New York: Donaire Photography; in São Paulo: 23 Esgrimistas, Sala D’armas, Nude Beats, Desejos, Donaire Experience. He lives in Castro, Parana, Brazil.


OVERWHELMING BEAUTY WHICH SENSITIZES US AND DEMAND MOBILIZATION The poetry which is offered at first sight is accompanied by more meanings beyond the aesthetic placidity proposed by the carefully illuminated and colored images. An aesthetic which uses metalanguage – a speech inside another, two contents simultaneously—text and photo, to wake people up and call them into the troubled, polluted, unfair world we live in. There is no salvation. There are consciences which can save. This seems to be Dulla’s demand. A beauty which sensitizes and demands mobilization. Hope, fraternity, faith. A submerged credit in humanity. This humanity made by people who believe in the future, that propose to intervene, that are indignant. Each photo almost forms a hymn, such is its literality, its objective forcefulness. We can almost hear them, the sound of bubbles. By speaking aesthetically to our consciences, Dulla believes we can make the world better. He uses his work to “exclusive and literally pass along, share a message, using the way I know how to tell a story: photography, with the hope of touching someone”. And he deeply touches. He talks about this shoot, “Pass On”: “this project started with the invitation of the editor of a lifestyle magazine for the nautical universe. The theme was water and I thought immediately of the already seen, told and sung message in a bottle. The challenge would be to reinterpret the subject. The project didn’t evolve, and the idea never left my mind. Two years passed until the subject became obvious to me. After pondering a little about this world full of disease, terrorism, tragedies caused by greed, millions of refugees and famished, I questioned myself about what the needed message was. None. We need cure, tolerance, food and justice. As I am a photographer and I have neither the pretension nor the power to act, I send my sincere photographic demand, in almost childish messages, but unequivocally powerful messages -- “pass on”! The decision to use English considered the universality of the language, but the words and messages of the bottles refer to the event that inspired the message: Same Blood, for the terrorist attacks in Paris; Reverse of Courage, for the

terrible disasters in Mariana and Brumadinho... My hope is not to have newspaper pages as inspiration.” Eduardo Dulla was born in 1965, in Sao Paulo, where he works and lives: “I started taking photography courses and got an internship with Willy Biondani. I took specific classes of photography and worked as an assistant to other photographers, like Miro, Moa Sitibaldi, Cláudio Elisabetsky and Klaus Mitteldorf. With Klaus I started to photograph, and it was a gift to share his studio. It was a time when editorial could be very authorial, I met ingenious and incredible people, learned a lot, so I see that time as my training stage and my definition as a photographer”. Site: Dulla TECHNICAL SHEET: Photos made with Canon digital camera and lenses. In studio, lighting equipment from Broncolor, Elinchron, Arri and Dedolight was used. All photos of this series have interference and image fusion. COLLABORATION AND THANKS TO: Regiane Mancini, Judite Scholz, Tiago Matos, Adilson Tucão and Jujuba Digital.

A CONCEPTUAL REALISTIC AESTHETICS CLOSE TO SURREAL ABSURD Maybe a police novel. A murder, a suicide, a body. Nothing makes sense. Realistic art. Conceptual art. Languages don’t match, but complete. They also reinforce the idea of comics, so we are in art’s pop dimension. What if we look at each photo individually? Jean Paul Sartre’s phrase comes to mind: “Life is an useless passion”. We stand before “in itself” and “for itself”. Objects and subjects searching meanings. We stare at the photos and turn to ourselves. It’s necessary to exercise an ontology. So me (subject to self) and art works (objects in itself ) demand decoding. They are existentially free, like me. And they lose authorial meaning first. They keep authorship, but now they are part of another significant dimension. And what does the author say? Havane Melo calls the three black and white photos “Revolution is not a banquet”, they are from 2017: “[...] I’ve been thinking about a work about Jean-Luc Godard’s work and I am finally getting to finish it. One of his most impressive movies is ‘La Chinoise’, from 1967, and its young eloquent characters. This work refers to the movie, and its title is the adaptation of one of the verses of the song ‘Mao’, interpreted by Claude Channes, which is included in the soundtrack. Like in the movie, I use real and toy weapons to blend humor and drama in a three-frame narrative in which I play the part of a character with a mad face.” But there are also legs and hands, apparently dumped, but which reveal absurd gestures, random compositions. They are no longer part of a body when seen as a set. The set is called “Deslizes”. First decoding by Havane Melo: “Deslizes is a set of photos about messing up, making mistakes, slipping up, fumbling and losing the capacity of giving a proper answer at the moment. This expression is also used to refer to someone who got to make something one didn’t have the skills to and ended up tangled.

In part I, we fumbled with feet. In part II, with hands.” We stand before completely open works. So, we believe, Havane Melo reached her goal: she created her works and handed them to the viewer. It is up to the viewer, to us, to be touched, feel, decode them. Can we include a political bias? What do red gloves and shoes have to do with Mao Tse Tung’s red books of the movie “La Chinoise”? How to create a dialogue between Godard and Sartre? Probably with one of Sartre’s aphorisms: “Existence precedes essence”. But who is Havane Melo to give birth to these complex and intriguing creatures? Her site answers: “a woman from Recife striving to have an academic life in Brasilia. Visual artist (photo, illustration and graphic design), teacher and researcher of comics and photography. Doctoral student in arts –contemporary poetics, with Capes’ scholarship. Master’s in communication. Graduated in Law. Studying to get a licentiate degree. Works as free-lance photographer, holds classes and workshops” (Site:

Havane Melo

TO WEAVE AND PAINT THE BODY, AS METAPHORS TO COVER AND UNCOVER ONESELF. Penelope, Ulysses’ wife for ten years, wove a shroud for Laerte, Ulysses’ father. When it was ready, she would marry one of her wooers, once Ulysses, who fought the Trojan war for ten years and, when the conflict ceased, took ten more years to come home, seemed to no longer come back. Penelope wove the shroud during the day and undid it at night. Therefore she delayed, each day, the choice of her new husband. Ulysses returned, killed all wooers and resumed his interaction with Penelope. Which Penelope, nowadays, would weave a shroud to wait? Which Penelope would weave her own skin in the attempt to cover and uncover herself? Jamille Queiroz’s Penelope searches for herself through a careful web. So she would declare her intentionality. Body as expression, as language, as sign. To weave and paint one’s own body. What a complex metaphor for life. These Jamille Queiroz’s allegories, at the same time conceptual and expressionist, refer to the polarities of each subject, man or woman, and their search for a sense. Presented stoically or in sensual movements, the bodies of Jamille Queiroz question us. But what does Jamille Queiroz thinks? “in many mythologies, the sewing line represents escape routes, choices, autonomy and creation. Seeing life as an entanglement of lines, routes, a physical drawing, vulnerability of journeys. In this project, still in process, I create and relate crochet clothes in my route through the five neighborhoods I lived in Fortaleza, capital of Ceara. Like walking, crochet is a slow task, dense, repetitive. In this research, I work with weaving and undoing this clothing in some points, until it is completely undone, getting finally to my design of entanglements of routes, paths, life.”

Journalist Rosana Romão, in an article published at Tribuna do Ceara, in May 12th, 2015, stated: “Ceara’s photographer Jamille

Queiroz, 23 years old, decided to leave Fortaleza to look for a calmer place to live. She chose the city of Alto Paraíso de Goiás, a preserved area. The reason to leave the city was the arrival of little Kira, her daughter, who is currently two years old. She decided to giver her daughter a free childhood and reeducate with her. Jamille says: ‘It is a very simple village, a quilombola community. We have a garden, trade with neighbors, there are fruits everywhere, beautiful waterfalls three kilometers away… In all, the scenery and the routine are totally different from the ones I had in Fortaleza.’ To live, Jamille makes photo shootings. She also takes individual and couples’ photos. To make the shootings, she has her outdoor studio: nature.” (https:// fotografa-cearense-troca-cidade-pelo-campo-e-criafilha-em-total-contato-com-a-natureza/)

Jamile Queiroz

THE HARD WORK OF EXISTING, METAPHORIZED BY THE SEA’S IMMENSITY. Between work and capital, Marcio Menasce chooses the first. Between city and sea, he chooses the sea. Between industry and agriculture, the latter wins. In all contexts, he highlights and values work, at sea or land. This shoot, called Arquipelago, reveals a dense relationship between human beings and nature, dismay and hope. And between heaven and earth, mankind waits. A humanity which seems to fight daily before the uncertainty metaphorized by the sea, the immense challenging sea. At the same time, his photos reveal a hard, challenging life. This seems to be Marcio Menasce’s exercise: to bring a landscape where human beings are highlighted, not always bigger than certainty, not always… His realism impregnates us, his art stirs us. There is a strange movement in his framing, and we don’t know where it is heading to: us, viewers; infinite? Everything seems to materialize in the present and in him; life, here, doesn’t seem to flow, but to happen suddenly. He reveals his intention, even knowing of the multiple readings and sensations his art provides: “Arquipelago is a poetic fictional narrative which presents a world in which isolation and loneliness feelings prevail. In the images, water appears as a metaphor for the political, social and cultural distances which emerged in Brazilian society in the last two years. In this period, political narrative of opposition of ideas between left and right, created by actors of power and media, spread and were broadly incorporated by the people, provoking ruptures in family and groups of old friends. Suddenly, and when we were unprepared, we saw a sea of political disagreement and world views flood us, separating us like islands in an archipelago. We are still part of the same geographic region, but we are isolated, each group in its own island.”

Marcio Menasce was born in Rio de Janeiro, in May 20th, 1986; he lives and works there. He graduated in Journalism at Facha - Faculdades Integradas Hélio Alonso and has a postgraduate degree in photography and image from Iuperj Cândido Mendes, both in Rio de Janeiro. He worked as a free-lance reporter at newspapers O Globo and O Dia, besides writing as a free-lancer for Folha de S.Paulo. He teaches at A Casa - Fotografia e Arte Contemporânea, in Rio de Janeiro, and is Marcos Bonisson’s monitor at Escola de Artes Visuais do Parque Lage. His work is represented in New York (USA) by art gallery Perseus Gallery and sold at American site, Brazilian www. and French

Marcio Menasce

CORPOREAL IDEALIZATION TURNED INTO PHOTOS The body as a work of art is not new. It has been present throughout mankind history since the Venus of Willendorf, a small sculpture of a woman’s body from 28 thousand years ago. As we see, feminine Body Art has a long history. But there is also the fetish for painted women. In the 007 movie “Goldfinger”, a golden woman dies of subcutaneous suffocation, caused by gold paint. Marcel Duchamp, creator of ready-made, was a precursor of contemporary body art, with the phrase: “all can be used as a work of art “, especially the human body. The artist Yves Klein used women’s bodies as “living brushes” and created a blue color to paint and print them in big canvases during happenings. Not to mention classic painters (Ticiano, Goya, Degas, Manet) and photographers (Duran, Richard Avedon, André Kertész, Herb Ritts, Haruo Kaneko, Laura Makabresku, Fabio Stachi, Araki Nobuyoshi, Dan Hecho): the feminine nude is one of the most present artistic expressions in the history of art. Here, Maximo Jr dives in his artistic intention: he uses the fetish of painted bodies and chooses silver. But he doesn’t expose the whole, concrete body. He offers an idealization materialized in a photo. It is not the body that presents itself to the viewer. It is an aestheticized idea. Carefully aestheticized. Pure fetish, beautiful and artistically built. He says: “Yes, photography is art. Every artist wants to pass some information/emotion to viewers, and photography also does that. My authorial work are images to transmit emotion, awaken a feeling in the viewer. For instance, I have published two books and each one is an authorial work, but with totally different ‘information’. I am writing the third one, this is the one I most want to see completed, because it is more ‘artistic’ in my opinion, and it is from a field in which I don’t usually work: these are images of 50 cities from all the world (cities I visited and

chose as my favorite). These are images with a lot of contrast and drama. (Visit in my site the section ‘cidades’” Maximo Jr. was born in Sao Paulo (capital). He studied Engineering, but never worked with it. “I have worked at Estudio Abril from 1989 to 1991, my real school, with the best editorial photographers of that time.” He has been a fashion and ad photographer since 1987. He has been a teacher (1987 to 2007) and director of Pan-Americana Escola de Arte e Design (1991 to 1994). He lives in Sao Paulo and his studio is located in Perdizes. He was awarded “Profissional do Ano – 2018” for his work with fashion and beauty, Fotógrafo de Moda e Beleza” (Associacao Brasileira de Liderança”; Prêmio HD AWARDS 2017 – as best beauty and celebrities’ photographer; Prêmio Excelência e Qualidade Brasil 2016 - Profissional do Ano/Fotógrafo. His books: 2015, “ELEMENTOS”, based in the elements Earth, Water, Air and Fire and its elementals, representing it with artistic makeup; 2014, “ANJOS”, using people turned into angels.

Maximo Jr.

PHOTOS TO DIVE IN, AESTHETICALLY. Filmmaker, adman. Director, Cinematographer, Producer, Screenwriter. He filmed and photographed fiction and documentaries. When there is some time left, he becomes a photographer and creator of art. Critic Luiz Carlos Merten once said: “Before he became a director, Murilo was one of the most competent cinematographers of Brazilian cinema –for many critics, the best”. In his movies there is always a basic question: what country is this? Each movie is a possible answer. So, what does he intend with photography? Which images would he choose to transmit an ethereal, striking sensation, beyond the glamour of advertising? His look has already registered almost everything movement can express. From detail shots to big panoramas. But photography demands a selective eye, so that the moment is not only fugacious, but contains a meaning decodified or to be decodified at the moment or in memory. Sometimes the meaning is an emotion, simple or intense. The authorial photos of Murilo Salles must be seen with care: it is not necessary to see through them, it’s necessary to enter them, penetrate and live them in their pluralities, impressionist, realistic or conceptual. They carefully offer to provide the needed aesthetic sensation. Before each one, no hurry, pay attention! Now read what he says: “I like to crop real producing erroneous images. Which take us to strangeness in perception. I also like to discuss with photography. A lot. I have lust for her. As I also like to dialogue with painting, yes, with painting more than with conceptual art. I like when image becomes a ghost of itself, of something we don’t identify very well, an image which dissolves itself, an image shroud. Because all this puts us in an inconclusive state. And in this way, it opens new possibilities to see real and beauty outside common place.” This mini CV was written by him (difficult task for somebody

else): “I was born in Rio de Janeiro, in October 2nd, 1950. I graduated in Information Theory at Escola de Comunicacao at UFRJ in 1973. I already photographed and lived from cinematography when I graduated. University was purely theoretical. My training was totally autodidact. 100%. I don’t boast about that. It was hard. I learned by doing and feeling the anguish of experimentation and the challenge before the unknown. I wasn’t anybody’s assistant. I did things. It was insane. At 25 I had been a cinematographer for six movies, like Dona Flor e seus dois maridos, and over 20 short films. One of them was the only colored movie from the master Humberto Mauro. All was very meteoric and precocious. After Dona Flor, from 25 to 29 I travelled, wandering through the world, and it was when I took this book’s photography (“Fotografias 1975-1979”) and the ones of the exhibit which took place in Rio de Janeiro and Sao Paulo, respectively in May and August 2019.” Site: http://

Murilo Salles

BEAUTIFUL TIMES AND SPACES IMPRISONED IN POLYSEMIC AESTHETICS In these Paulo Brazyl works, I see a beautiful and evanescent lyricism which emerges musically, like musical scores, from the almost fractal created to the sound of expressionists (avant la lettre), prison drawing of Giovanni Battisti Piranesi and from plastic entanglements of Mauritis Cornelis Escher. Something more like a careful geographical geometry, sensitive, polyhedral, polymorphic, polysemic. All very far from the concrete rationalism of Geraldo de Barros and Waldemar Cordeiro, who he quotes as influencers. Brazyl imprisons time and space and recreates them in multiple playful images. To extract necessary emotion from them, one needs to stop; it is not enough to simply look at them. One needs to look and see. But what? That seems to be the answer Paulo Brazyl asks his interlocutor viewers. This inner dialogue must happen with the gaze, contemplatively, in soliloquies. These pictures, called “nanoCidades”, are part of Projeto Vórtice. Paulo Brazyl explains: “Urban Photography inspired by Vorticism; aesthetical theory created by Ezra Pound. Each register is produced taking in consideration the proper depth and perspective to create vortexes –spiral, whirlwind, tourbillon – edited from given sequencing in GIF format. A proposal to take to the audience a series of moving photography.” They can be seen at Paulo Brazyl was born in Bilac, in the state of Sao Paulo, in 1962. In his statement for Carcara Photoart, he tells his story: “My first contact with photography began when I was less than one year old: flicking through my mother’s photo series magazines was my favorite thing. Around 11 I had my first contact with cameras that relatives from Sao Paulo took to the countryside in their vacations. In Sao Paulo, I studied at Escola Panamericana de

Arte. Because of the influence I felt there, I dedicated much more to drawing and painting. I think this time was crucial for me to learn to deal with COR. I went back to photography by the end of the 1990’s and in the beginning of the 2000’s I was established as a stage photographer. I have photographed for SESI, SESC, SKOL. I ended up getting involved with experimentation, and pinhole became a frequent activity. I am one of the precursors of Light Stencil in Latin America and have presented that work twice at Virada Cultural Paulista, in 2014 and 2015. I held many workshops, classes, lectures and meetings, mostly about experimental photography. I took part in interventions and photographic performances in festivals like FIT – Festival Internacional de Teatro de São José do Rio Preto, and pinhole collectives in Mexico, Argentina and Venezuela. I have been a photographer at Cia do Pessoal do Faroeste between 2016/17, took part in PIXEL SHOW and held classes at Centro de Pesquisa e Formação at SESC Sao Paulo.”

Paulo Brazyl

METAPHORS IN A HIGHLY QUESTIONABLE UNIVERSE Photography is born as a literal union between art and science.

What is an allegory but the exercise of semantic alterity? PEDRO AMORIM

With allegories, extracting art from daily life. Striking metaphors of living. Scenarios, questioning faces, reflexive, lonely. There are physics and metaphysics. This is the exercise of this accurate photographer (also a lawyer and, in his texts, philosopher). By the care he shows, we have the impression that images come towards him, not the contrary. There is an intimacy between Pedro Amorim and the object of his work. It even seems to exist a complicity. And this complicity reaches the viewers. As we enter this universe, we feel part of it. The density of black and white, which could shun us, on the contrary, attracts us, introduces us. We are side by side with the man who fell, and we want to support him; we want to know what the girl standing in the middle of the street thinks; we are carrying giant dolls; we dance with rhythmists; we are on the bus. Each register invites us to be part of the story. Each one of Pedro Amorim’s literal narratives can compose a chronicle, a tale; together, they propose a dramatic romance. Surely these are stories of people in a questionable world. In communication, we usually say that understanding is a variable between what is said and what one wants to say: the closer, the better is understanding… and emotion. In these images, proximity is total: they say, and they mean. What Pedro Amorim says about his work: “These images are part of a book I published last year. I wanted to work with the book format because I believed in an edition which not only told a story but touched the reader. The book is about solitude. I chose Carnival because I always thought it was a melancholic feast. It is a cut in our daily lives. To be beautiful and immense, Carnival trusts

in the monotony and solitude of our other days.” Pedro Amorim was born in Rio de Janeiro in January 1991. He graduated in Law at UERJ (2009 – 2014) and completed post-graduation in Photography and Image at IUPERJ (2016 – 2018). He has a master’s degree in Law Theory at FND-UFRJ, where he studied Human Rights, Society and Art (2017 – 2019). He completes: “At IUPERJ, my project was to create a book, my first one. Alegoria da violência was a project oriented by Marcos Bonisson. The second book, Outro Carnaval, was launched in 2018 and resulted from two years photographing the streets and street Carnival in Rio and Minas. I consider that a work in progress. I currently work as a Still photographer. I also keep my long-term authorial projects: Outro Carnaval, which I present here; and “Memorias de Terra”, in which I explore the relation between Landless Workers Movement’s members settled in Goiana with the land and regional memory. (Instagram: https://www. Facebook: https://

Pedro Amorim


“What is, therefore, time? If nobody asks me, I know; if I want to explain

it to the one who asks me, I don’t know”. SAINT AUGUSTINE

Cinema fascinates. But it is more fascinating to turn time/movement of cinematographic scenes into eternal time/ static. Cinema merges past, present and future and offers us, in the shape of timeless temporalities, non-time imprisoned in the film: time in movement is filtered by us, processed in our memory, registered in its fugacity. Photography, on the contrary, hypertrophies present time, makes it present and, at the same time, makes the moment eternal. It is in this and from this confrontation that Sergio Poroger’s photos are born in this new project, Cenas On Movies. A human density extrapolates his images obtained outside cinema’s glamour, outside cinema time, and invites us to think about the moment, reality, life. In cinema, we live a fantasy; in these photos, experiences which contour and extrapolate cinematographic registers stand out. Through the warmth and intimacy of the images, possibly, these experiences merge with ours, whether we have or haven’t lived the glorious times of small cinemas of cities in the countryside or capitals. Sergio Poroger takes us physically and sensorially to an encounter of those who lived and those who haven’t lived this time. These hot, intense images provide different emotions, but very intense, relived and recreated in memory or lived and created from a primary subjectivity. In his site he explains: Poroger launches his new photographic project: Cenas On Movies. The work is a sequel to Cold Hot, released in 2016, which shows landscapes and places in the south of the United States and exhale musicality, history

and emotion, tracing a parallel of music and its influence on landscapes, architecture and habits of people. This time, focusing on cinema, he shows, with images, cinema’s historical influence in the habits of people and of American cities. It was a long research project. The premise was to find out which places in USA would be ideal to photograph the movie industry reflected in people’s daily lives.

Poroger captured images and places which are not

obvious –far from Hollywood and Los Angeles’ great studios. He made images of an unexpected area, the American east coast, which keeps fantastic images and histories of this industry, so strong and present in our daily lives. Travelling by car, from NY to Miami, through over seven cities (Wilmington DE, Philadelphia, Richmond/Virginia, Wilmington NC, Charleston SC, Savannah/ Georgia e Jacksonville/Florida).”

Sergio Poroger graduated in Journalism at Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo. He worked at BBC in London and Antenne 2 in Paris; he was a reporter at the Leisure section of Diário Popular and general news at Estadao and Jornal da Tarde. He is director and partner of SPMJ Comunicações. Site:

Sergio Poroger

AWARE, ORDINARY LOOKS TURNED INTO ART. By looking thousands of times at a landscape, does it disappear? Does habit make us insensitive before a reality we systematically glimpse? When we get used to something, do we become automated, robots, in relation to it? What repeats itself almost infinitely before us loses its contemplative, sensitive, emotional side? The answer to all those questions is: “no”. Even if we want to say “yes”. The multiplication of real can be boring if we don’t know how to see it, look at it, observe it. This shoot from Virginia Heredia Nieto can be the first lesson to change our way of seeing repetition. In her Instagram she writes: “Conduzco un autobús, pero me gusta el cine y la fotografia” (“I drive a bus, but I like cinema and photography”). By offering us images of her ways, she taught us to daily review our own ways to discover and rediscover them as different things. This makes us live it more intensely. All can be discovered and rediscovered. Examples: these ordinary gazes of Virginia Heredia Nieto turned into art. To her, “photography is a way of transmitting sensations and feelings. It is an universal mean of communication, like music, painting, cinema, in all, it is one of many artistic manifestations. We are surrounded by daily life art, the sensation of seeing without running away is unique. Art only exists if the viewer appreciates and enjoys what he or she sees. There are vulgar photos being taken by sophisticated cameras and wonderful photos taken with a smartphone. It is the eye of the observer which influences the result. I photograph because I can’t compose or paint, but I know how to look. Photography allows me to express myself without speaking. My favorite photographers: Cartier Bresson, Sebastiao Salgado, Gervasio Sánchez, Cristina Garcia Rodero, William Klein. They know how to see”. Virginia Heredia Nieto was born in Madrid, in July 13th, 1968, and studied photographic image. She is a bus driver at Empresa Municipal de Transportes de Madri. In her Instagram, she ponders:

There are still people in love and that also read in

the bus in S I L E N C E

Warning to EMT users: don’t touch or get near the

bus after it started its march – danger of crashing.

The bus is not lost. After a bus comes another and

another and so on during 365 days in a year.

More NOISE‌ Today I had to tell a man that the bus

is no place for trimming nails, better do it in his bathroom...

Seems like a quiet photo, and still, inside the

approaching bus, the driver is subject to many incessant noises seven hours a day. For instance, someone should tell children that screaming, screaming and throwing tantrums are things to be done at home from 3 a.m.

Virginia Heredia Nieto

EDITORIAL AS INÚMERAS POSSIBILIDADES DE APERFEIÇOAR O OLHAR PARA O REAL E O IRREAL Esta edição de Carcara traz importantes questionamentos e reflexões, em torno de corpos, paisagens, urbanidades, realidades e irrealidades. Temos três fotógrafos que utilizam a arte fotográfica para além de seus trabalhos profissionais: o cultuado diretor de fotografia e diretor cinematográfico Murilo Salles, com sua acurada visão de essencialidades; a motorista de em Madri, que nos ensina a ver com cuidado nosso cotidiano e descobrir sua intensidade; o advogado Pedro Amorim que nos insere num mundo preto e branco pleno de metáforas. Temos plurais incursões pelo corpo com Donaire, Máximo Jr., Roberto Cecato. Algo real e surreal emerge nas propostas de Dulla, Havane Melo, Jamille Queiroz. E uma reavaliação das relações paisagem e humanidade, como nos revelam Marcio Menasce, Paulo Brazyl, Sérgio Poroger. Mais os retratos instigantes e instigadores de Alex Pozuello. Carcara, mais uma vez, comprova que a arte fotográfica, cada vez mais, mobiliza pessoas preocupadas em comunicar subjetividades, concretas ou abstratas. E assim, aplicar as inúmeras possibilidades que o ser humano tem de aperfeiçoar seu olhar para o real e o irreal por meio de sofisticados equipamentos ou de simples celulares. Mais uma vez vale repetir um jargão que frequenta o mundo da fotografia mas que costuma ser esquecido: mais importante do que o equipamento, é o olho do fotógrafo que define sua arte. Mas, antes de saber ver, há que saber pensar. Esta edição de Carcara está plena de possibilidades de pensar, de ver, de registrar múltiplas realidades e irrealidades. A arte é isso, proporcionar belas emoções a partir de subjetividades. No nosso caso, reproduzimos obras de fotoartistas. Confiram! CARLO CIRENZA

ROBERTO CECATO POÉTICAS ALEGORIAS QUE TRANSITAM DO REAL AO SURREAL Há poesia e mistérios nestes retratos/poemas de Roberto Cecato. Mas isso é pouco para traduzir esta estética bem personalista, estas intervenções alegóricas (não maquiagem) nas faces e nos corpos que se nos apresentam e que nos remetem para uma reflexão sobre transcendência e imanência. Por um lado, cada imagem traz em si uma totalidade, um princípio e um fim; mas também se transcende, na medida em que remete para outras temporalidades. Ali não estão pessoas apresentáveis, para serem conhecidas, são objetos estéticos para serem contemplados. Cecato transita entre o real e o surreal com maestria, com simplicidade e densidade. No trabalho autoral, ele não tem um objeto de preferencia: “o que me interessa é o percurso e a descoberta de novas possibilidades. Sou muito curioso e não me interessa fazer sempre a mesma coisa. Quando fotografo para mim não tenho metas ou objetivos que não sejam a descoberta de algo novo, é um exercício de liberdade. Um fotógrafo que sempre me inspirou foi Irving Penn, que fotografava objetos, retratos e moda com grande originalidade e essencialidade”. Estas imagens foram retiradas de seu contexto e surgem vitalizadas, criando outros significados. “As imagens que enviei foram sugeridas pelo Carlo Cirenza, editor da revista, e de certo modo me surpreenderam, porque sou mais conhecido pelo meu trabalho de still life e autoral. Elas foram produzidas em sua maioria para revistas e publicidade na Europa e no Brasil e são, de certo modo, mais ligadas ao still life que à moda, pelo seu caráter estático e contemplativo. Gosto muito de fotografar beleza porque a pele é como uma tela em branco, e a maquiagem é como pintura, que permite infinitas possibilidades de intervenção. Em todas elas, além da modelo, o papel do maquiador

é fundamental, pois é ele ou ela que tem que ter a capacidade e a sensibilidade para dar vida ao que eu quero exprimir.” Sobre as imensas possibilidades de fotografar que emerge com os celulares, Roberto Cecato comenta: “É a democratização da produção de imagens. Como disse Pedro Meyer, ícone da fotografia mexicana, hoje, todos somos fotógrafos, mas analfabetos visuais.” Ele resume sua trajetória: “Nasci em São Paulo, estudei Engenharia Eletrônica, Física Nuclear e Cinema, antes de me decidir a viver de fotografia. Comecei como assistente de câmera num longa metragem, passei ao fotojornalismo e sucessivamente à publicidade e ao editorial. Fui presidente e diretor de entidades de classe, escrevi para revistas de fotografia e participei de diversas exposições coletivas, além de algumas individuais no Brasil, antes de me decidir a morar na Itália. Nos 21 anos que passei em Milão trabalhei para grandes revistas e nomes da moda internacional, além de realizar exposições individuais em diversos países. Voltei ao Brasil em 2012, tenho um estúdio em São Paulo onde continuo a fotografar. Há três anos resolvi compartilhar meu conhecimento com um projeto online chamado Fotoweb Academy, que também está presente no Youtube e no Instagram.” Site:

ALEX PAZUELLO PERGUNTAS QUE NOS PENETRAM ATIRADAS PELOS OLHOS Alex Pazuello tem a capacidade de colocar uma interrogação em cada retrato que faz. Sobretudo nos closes. Uma interrogação que parece fazer parte de muitas perguntas. O olhar pergunta. E que respostas damos nós a esses olhares que nos penetram? A fotografia tem a incrível capacidade de, pela arte, nos confrontar diretamente com o outro. Trocamos olhares. Antes da fotografia, inúmeros pintores retrataram pessoas. Provavelmente, o primeiro retrato pintado de que se tem notícia é Giovani, o Bom (Florença, Giovanni di Bicci de’ Medici, 1360-1429). Mas os gênios pintores de retratos vieram depois: Rafael, Ticiano, Velasquez, Rembrandt, Franz Hals, Vermeer e o mais famoso de todos, Leonardo da Vinci e a sua Mona Lisa. A partir do século XIX, vieram os fotógrafos. Estes são apenas alguns deles: Lee Jeffries, Jimmy Nelsson, Rehahn, Eric Lafforgue, Manny Librodo, Joel Santos, Yousuf Karsh, Jane Bown, Sebastião Salgado, Helmut Newton, Annie Leibovitz, Richard Avedon e, talvez, os dois mais famosos: Steve McCurry e a “Menina Afegã”, e Dorothea Lange, com sua “Mãe Emigrante”. Tanto pintores quanto fotógrafos estão ultra atentos para um detalhe: os olhos! Eles comunicam, questionam. Expressam angústia, medo, alegria, sofrimento. Estes olhos das reais personagens de Alex Pazuello parecem perguntar e revelar o desejo do fotógrafo: “provocar uma reflexão, instigar as pessoas a refletirem sobre sua relação com o outro, com o mundo e tudo que nele esta; para mim, a fotografia tem um papel primordial de resgatar e registrar a história e fazer uma crônica do seu tempo, de como a humanidade vive e se relaciona com as coisas; gosto de fotografar pessoas, fazer retratos; essa interlocução entre eu e as pessoas que retrato me atraem, conhecer o outro me fascina, mas amo a fotografia comercial, me

excita muito todo o processo de criação e construção do set para solucionar problemas e transforma uma ideia numa fotografia”. Alex Pazuello cresceu em Manaus, capital do estado de Amazonas. Ele conta: “Meu interesse pela fotografia se deu pela influência do amigo Cesar Oiticica Filho, nos anos 80, aos 15 anos. Nos anos 90, me mudo para o Rio de Janeiro para estudar comunicação, onde me formei em Jornalismo na Faculdade da Cidade. Ainda no Rio, trabalhei como assistente de Dario Zalles, Sergio Nedal, Ayrton Camargo. Em 1995, vou morar em Nova Iorque para estudar fotografia na School of Visual Art e no International Center of Photography. Em NY, trabalhei como assistente de fotógrafos de moda e publicidade de Gille Berger, Gus Butera, Adriano Fagundes e como studio manager do Hashi Studio. Paralelamente, fazia free lancer para os jornais Folha de S. Paulo, Estado de S. Paulo, Revista Caras, Isto É Gente. De volta a Manaus, em 2005, trabalhei no Jornal Amazonas Em Tempo onde venci o concurso Ayrton Senna, na categoria fotojornalismo, em 2007. Atualmente, trabalho na Secretaria de Comunicação da Prefeitura onde também sou editor e faço meus trabalhos autorais.” Site: https://www.


Em cada posição a câmera revela uma mulher diferente, uma nova

mulher, como se ela fosse várias em uma. Talvez seja esse o mistério. A duplicidade. A mulher e a outra. A mulher e seu reflexo. Em nenhum momento, contudo, a sensualidade se altera. Ao contrário, de uma posição para outra parece reforçada. Mulher caleidoscópio, multifacetada. Fragmentada e una. Apenas mulher. IGNACIO LOYOLA BRANDÃO , jornalista e escritor. Nas suas apostas simbólicas ou explícitas, as fotos de Donaire têm a força da flor seca que diz tudo, presente, passado, futuro, o que o olhar traduziu em desejo, o que ficou guardado para sempre, o resgate da delicadeza que já se dava por perdida XICO SÁ – jornalista e escritor

Donaire parece querer confundir nosso olhar. Ele nos faz voyeurs e críticos percucientes. Umas fotos falam à nossa libido; outras, à nossa atávica curiosidade. Todas, com um cuidadoso rigor estético. Devemos estar preparados para essas polaridades. Para cada uma delas, uma emoção diferente. Mas em nenhuma delas uma realidade explícita. Como nos relacionarmos com esses corpos que nos atraem e nos afastam? A arte fotográfica de Donaire cumpre seu papel. Ela atualiza e valoriza um momento da história da fotografia, aquela passagem em que o fotógrafo registra não o real, mas uma concretização de subjetividade. A imagem criada no cérebro só aparece na revelação. E o fotógrafo deixa de ser proprietário de sua intenção. Suas imagens nos pertencem e, apesar de proporcionarem emoções antitéticas, somos agredidos e atraídos, mantemos nosso olhar crítico e de voyeurs. É uma estranha dualidade sem maniqueísmo que nos

faz continuar admirando a arte de Donaire. Para ele, fotografia “é escrever poesias com imagens”. E mais: “é retratar a humanidade de uma forma diferente a partir do momento em que foi descoberta, como era e ainda é a pintura, escultura, música, o cinema e, hoje, as redes sociais, os celulares com câmera mudaram a forma de ver as mesmas coisas e isso interfere tanto no lado social, no comportamento, na politica e moda de cada época”. Donaire nasceu em São Paulo, Brasil. Começou a trabalhar com fotografia em 1974 na J. Walter Thompson Publicidade. Mas considera que iniciou sua a carreira como fotografo em 1981, publicando seus primeiros trabalhos em editorias para Vogue, Playboy, Elle, Trip, Marie Claire, entre outras. Em publicidade trabalhou para as agencias, DPZ, DM9/DDB, Young Rubican, WMcCann, entre outras. Sempre se dedicou aos ensaios pessoais onde interfere e usa vários materiais e suportes para a execução e exposição desses trabalhos. Participou de exposições coletivas, como: Sedução – MIS Museu Da Imagem e do Som, São Paulo, Brasil; Biennale Internazionale di Arte di Roma, 2010. Algumas exposições individuais: em Nova Iorque: Donaire Photography; em São Paulo: 23 Esgrimistas, Sala D’armas, Nude Beats, Desejos, Donaire Experience. Mora em Castro, Paraná, Brasil.

DULLA UMA BELEZA CONTUNDENTE QUE SENSIBILIZA E EXIGE MOBILIZAÇÃO A poesia que se oferece à primeira vista vem acompanhada de mais significados, além da placidez estética proposta pelas imagens cuidadosamente iluminadas e coloridas. Uma estética que utiliza metalinguagem - um discurso dentro do outro, dois conteúdos simultaneamente – texto e foto, para acordar as pessoas e chamá-las para o mundo conturbado, poluído, injusto que habitamos. Não há tábua de salvação. Há consciências que podem salvar. Esse parece ser o pedido de Dulla. A beleza que sensibiliza e exige mobilização. Esperança, fraternidade, fé. Um crédito submerso na humanidade. Essa humanidade formada por pessoas que acreditam no futuro, que se propõem a intervir, que se indignam. Cada uma das fotos quase forma um hino, tal a sua literalidade, sua objetiva contundência. Quase podemos ouvi-las, ao som de borbulhas. Ao falar esteticamente às nossas consciências, Dulla acredita que podemos transformar o mundo para melhor. Ele utiliza seus trabalhos pessoais para: “exclusiva e literalmente passar adiante, compartilhar uma mensagem, usando a maneira que sei para contar uma história: a fotografia, com a esperança de tocar alguém”. E toca profundamente. Ele fala deste ensaio, “Pass on”: “Este projeto teve início com o convite da editora de uma revista de lifestyle voltada para o universo náutico. O tema era água e pensei imediatamente na já vista, falada e cantada mensagem na garrafa. O desafio seria a re-leitura do tema. O projeto não avançou e a ideia não saiu da minha cabeça. Dois anos se passaram até que o tema ficasse óbvio para mim. Depois de refletir um pouco sobre este mundo repleto de doenças, terrorismo, tragédias causadas por ganância, milhões de refugiados e famintos, me questionei sobre qual seria a mensagem necessária. Nenhuma. São necessárias a cura,

tolerância, comida e justiça. Como sou fotógrafo e não tenho a pretensão nem o poder de providências concretas, envio daqui meu sincero pedido fotográfico, em mensagens quase infantis mas inegavelmente poderosas - “pass on”! A decisão de usar inglês foi tomada considerando a universalidade da língua, mas as palavras/mensagens das garrafas, fazem referência ao acontecimento que inspirou a imagem: Same Blood, pelos atentados terroristas em Paris; Reverse of Courage, pelos desastres terríveis em Mariana e Brumadinho... Minha esperança é não ter páginas de jornal como fonte de inspiração.” Dulla nasceu em 1965, em São Paulo, onde mora e trabalha: “Comecei fazendo cursos de fotografia e consegui um estágio com Willy Biondani. Fiz cursos específicos de fotografia e assistência para outros fotógrafos, Miro, Moa Sitibaldi, Cláudio Elisabetsky e Klaus Mitteldorf. Com o Klaus, eu comecei a fotografar e foi um presente dividirmos estúdio. Era época que os editoriais ainda podiam ter muito de autoral, conheci pessoas geniais e incríveis, aprendi muito e vejo essa fase como minha formação e definição como fotógrafo. Site: https:// FICHA TÉCNICA : Fotos realizadas com câmera digital e lentes da Canon. Em estúdio foram utilizados equipamentos de luz Broncolor, Elinchron, Arri e Dedolight. Todas as fotos desta série tem interferências e fusões de imagens. COLABORAÇÃO E AGRADECIMENTO: Regiane Mancini, Judite Scholz, Tiago Matos, Adilson Tucão e Jujuba Digital.

HAVANE MELO UMA ESTÉTICA REALISTA CONCEITUAL PRÓXIMA DO ABSURDO SURREAL Talvez, um romance policial. Um assassinato, um suicídio, um cadáver. Tudo sem sentido. Arte realista. Arte conceitual. As linguagens não combinam, mas se complementam. Também reforçam a ideia da história em quadrinhos. Então, estamos na dimensão pop da arte. E se olharmos individualmente cada foto? Vem-me à cabeça a frase de Jean Paul Sartre: “A vida e uma paixão inútil”. Estamos diante de “em sis” e “para sis”. Objetos e sujeitos em busca de significados. Olhamos as fotos e nos voltamos para nós. Há que exercitar uma ontologia. Então, eu (sujeito para si) e as obras de arte (os objetos em si) exigem decodificações. Elas são existencialmente livres, como eu. E perdem o significado autoral primeiro. Mantêm a autoria, mas passam a fazer parte de outra dimensão significante. E o que diz a autora? As três fotos em preto e branco Havane Melo intitula “A revolução não é um banquete” e são de 2017: “[...]venho pensando um trabalho sobre a obra de Jean-Luc Godard e finalmente estou conseguindo concluir. Um dos seus filmes que mais me impressiona é ‘La Chinoise’, de 1967, e seus jovens personagens eloquentes. Esse trabalho é uma referência ao filme e o título é a adaptação de um dos versos da música ‘Mao Mao’, interpretada por Claude Channes, que integra a trilha sonora. Assim como no filme, utilizo armas reais e de brinquedo no intuito de mesclar humor e drama numa narrativa de três quadros na qual interpreto uma ousada personagem com cara de louca”. Mas há também pernas e mãos, aparentemente, jogadas, mas que deixam transparecer gestos absurdos, composições aleatórias. Já não são partes de um cadáver quando olhadas em conjunto. O conjunto leva o título de “Deslizes”. A primeira decodificação é de Havane Melo:

“Deslizes é um conjunto de fotos sobre ‘meter os pés pelas mãos’, cometer erros, dar uma puta mancada, atrapalhar-se e perder a capacidade de dar uma resposta adequada para o momento. Essa expressão também é utilizada para nos referirmos a alguém que se meteu a fazer algo para o qual não tinha competência e terminou se enrolando. Na parte I, a gente se atrapalhou com os pés. Na parte II, com as mãos.“ Estamos diante de obras completamente abertas. Assim, acreditamos, Havane Melo atingiu seu objetivo: criou suas obras e as entregou ao espectador. Cabe a ele, a nós, emocionarmo-nos, senti-las, decodifica-las. Podemos incluir um viés político? O que os sapatos e luvas vermelhas têm a ver com os livros vermelhos de Mao Tse Tung do filme “A Chinesa”. Como criar um diálogo entre Goddard e Sartre? Provavelmente, com um aforismo sartreano: “A existência precede a essência”. Mas quem é Havane Melo que deu à luz estas intrigantes e complexas criaturas? Seu site responde: “Recifense correndo atrás de uma vida acadêmica em Brasília. Artista visual (foto, ilustração e design gráfico), professora e pesquisadora de quadrinhos e fotografia. Doutoranda em artes – poéticas contemporâneas, bolsista CAPES. Mestre em comunicação. Bacharel em direito. Cursando licenciatura em artes. Atua como fotógrafa freelancer, ministra aulas e oficinas.” (Site: )

JAMILLE QUEIROZ TECER E PINTAR O CORPO, COMO METÁFORAS, PARA COBRIR-SE E DESCOBRIR-SE. Penélope, esposa de Ulisses, durante dez anos, se ocupou de tecer um sudário para Laerte, pai de Ulisses. Quando ele estivesse pronto, ela se casaria com um dos pretendentes à sua mão, já que Ulisses, que durante dez anos, lutou na guerra de Troia, e quando o conflito terminou, levou mais dez anos para voltar à sua casa, parecia não mais regressar. Penélope tecia a mortalha de dia e a desfazia à noite. Assim, adiava a cada dia a escolha de seu novo marido. Ulisses retornou, matou todos os pretendentes e retomou o convívio de Penélope. Que Penélope, hoje em dia, teceria um sudário para esperar? Que Penélope teceria sua própria pele, na tentativa de se cobrir e se descobrir? Esta Penélope de Jamille Queiroz vai à procura de si mesma, por meio de cuidadosa teia. Até quando? Talvez, quando descobrisse sua própria pele. Então, ela professaria sua intencionalidade. O corpo como expressão, como língua e linguagem, como signo e sinal. Tecer e pintar o próprio corpo. Que complexa metáfora para a vida. Estas alegorias de Jamille Queiroz, ao mesmo tempo, conceituais e expressionistas, nos remetem para as polaridades de cada sujeito, homem ou mulher, e sua busca de sentido. Apresentados estoicamente ou em movimentos sensuais, os corpos de Jamille Queiroz nos questionam. Mas o que pensa Jamille Queiroz?: “em diversas mitologias, a linha de costura representou rotas de fuga, escolhas, autonomia e criação. enxergar a vida como um emaranhado de linhas, de trajetos, um desenho físico, uma vulnerabilidade de percursos. nesse projeto, ainda em processo, crio e relaciono essa roupa de crochê em meus percursos pelos cinco bairros que morei em fortaleza, capital do ceará. assim como o caminhar, o crochê é um trabalho lento, denso, repetitivo. nessa pesquisa, trabalho com o ato de tecer e desfazer essa roupa em alguns pontos, até desfazê-la completamente,

chegando assim ao meu desenho de emaranhado de trajetos, de cursos, da vida.”

A jornalista Rosana Romão, em reportagem publicada na Tribuna do Ceará, em 12 de maio de 2015, relatava: “A fotógrafa cearense Jamille Queiroz, de 23 anos, decidiu deixar Fortaleza em busca de um lugar mais tranquilo para viver. A cidade escolhida foi Alto Paraíso de Goiás, uma Área de Proteção Ambiental (APA). O motivo que a fez largar a cidade foi a vinda da pequena Kira, sua filha que hoje tem dois anos de idade. Decidiu dar uma infância livre para a filha e se reeducar junto com ela. Jamille conta: ‘Aqui é um vilarejo bem simples, é uma comunidade quilombola. Temos uma horta, trocamos com os vizinhos, tem fruta para tudo que é lado, cachoeiras lindas a três quilômetros… enfim, é um cenário e uma rotina totalmente diferente da que eu levava em Fortaleza.’ Para sobreviver, Jamille realiza ensaios fotográficos. Também faz fotos individuais e de casais. Para realizar os ensaios tem o seu estúdio ao ar livre: a natureza.” (


Entre trabalho e capital, Márcio Menasce escolhe o trabalho.

Entre cidade e mar, ele escolhe o mar. Entre indústria e agricultura, vence a agricultura. Em todos os contextos, ele destaca e valoriza o trabalho, no mar e na terra. Este ensaio, intitulado Arquipélago, deixa transparecer uma densa relação entre ser humano e natureza, entre desalento e esperança. E entre o céu e o mar, uma humanidade que espera. Uma humanidade que parece travar um combate diário, diante das incertezas, metaforizadas pelo mar, o imenso mar que desafia. Ao mesmo tempo, suas fotos revelam uma dura vida que desafia. Este parece ser o exercício de Marcio Menasce: trazer uma paisagem onde o ser humano se destaca, nem sempre maior do que a paisagem, nem sempre maior que a certeza, nem sempre maior... Seu realismo nos impregna, sua arte nos inquieta. Há um estranho movimento nos seus enquadramentos, um movimento que não sabemos em que direção: a nós, espectadores; ao infinito? Tudo parece se concretizar num presente e nele, a vida, aqui, não parece fluir, mas acontecer abruptamente. Ele revela sua intenção, mesmo sabendo das múltiplas leituras e sensações que sua arte proporciona:

“Arquipélago é uma narrativa poética ficcional que apresenta

um mundo em que predominam as sensações de isolamento e solidão. Nas imagens, a água aparece como metáfora para os distanciamentos políticos, sociais e culturais que emergiram na sociedade brasileira nos últimos dois anos. Neste período, as narrativas políticas de oposição de ideias entre esquerda e direita, criadas pelos atores do poder e da mídia, se disseminaram e foram amplamente incorporadas pela população, provocando uma cisão entre famílias e grupos de antigos amigos. Abruptamente e sem que estivéssemos preparados, vimos um mar de divergências políticas e de visões de mundo nos inundar, nos separando,

como ilhas num arquipélago. Continuamos parte de uma mesma região geográfica, porém estamos isolados, cada grupo em sua própria ilha.“

Márcio Menasce nasceu no Rio de Janeiro, em

20 de maio de 1986, onde vive e trabalha. É formado em jornalismo pela Facha - Faculdades Integradas Hélio Alonso e pós-graduado em fotografia e imagem pelo Iuperj Cândido Mendes ambos no Rio de Janeiro. Trabalhou como repórter nos Jornais O Globo e O dia, além de escrever como freelancer para a Folha de São Paulo. É professor do espaço A Casa - Fotografia e Arte Contemporânea, no Rio de Janeiro e monitor do Marcos Bonisson na Escola de Artes Visuais do Parque Lage. Seu trabalho é representado em Nova York (EUA) pela galeria de arte Perseus Gallery e vendido pelo site americano, pelo brasileiro e pelo francês

MAXIMO JR IDEALIZAÇÕES CORPÓREAS TRANSFORMADAS EM FOTOS O corpo enquanto obra de arte não é novidade. Ele esteve presente em toda a história da humanidade, desde a Vênus de Willendorf, uma pequena escultura de um corpo de mulher, de 28 mil anos atrás. Como se vê, a Body Art feminina tem uma longa história. Mas há também o fetiche das mulheres pintadas. No filme “007 Contra Goldfinger” uma mulher dourada morre por “sufoco cutâneo”, causado por tinta de ouro. Marcel Duchamp, criador do heady made, foi um precursor da body art contemporânea, com a frase: “tudo pode ser usado como uma obra de arte”, principalmente o corpo humano. O artista Yves Klein usava corpos femininos como “pincéis vivos” e criou uma cor azul para pintá-los e imprimi-los em grandes telas durante happenings. Sem falar nos clássicos pintores (Ticiano, Goya, Degas, Manet) e fotógrafos (Duran, Richard Avedon, André Kertész, Herb Ritts, Haruo Kaneko, Laura Makabresku, Fabio Stachi, Araki Nobuyoshi, Dan Hecho): o nu feminino é uma das expressões artísticas mais presentes na história da arte. Aqui, Máximo Jr vai fundo na sua intenção artística: usa o fetiche do corpo pintado, escolhe a prata. Mas não expõe o corpo na sua inteireza, na sua concretude. Ele oferece uma idealização concretizada numa foto. Não é o corpo que se apresenta ao espectador. É uma ideia estetizada. Cuidadosamente estetizada. Puro fetiche, bela e artisticamente construído. Ele declara: “Sim, fotografia é arte. Todo artista quer passar alguma informação/emoção ao observador e fotografia também faz isso. Meu trabalho autoral são imagens para passar emoção, para despertar algum sentimento ao observador. Por exemplo, tenho dois livros publicados e cada um é um trabalho autoral, mas com ‘informações’ totalmente diferentes. Estou fazendo o terceiro, este sim é o que mais quero ver finalizado, até por ser mais ‘artístico’ na minha opinião e por ser de uma área

que não é a que mais atuo profissionalmente: são imagens de 50 cidades de todo o mundo (cidades que eu fui e elegi como as minhas preferidas) além de ser uma área da fotografia que eu quase não atuo profissionalmente são imagens com muito contraste e dramáticas. (Veja no meu site a sessão ‘cidades’” Máximo Jr. nasceu em São Paulo, capital. Fez engenharia, mas nunca atuou na área. “Trabalhei no Estúdio Abril de 1989 a 1991, verdadeira escola e com os melhores profissionais da área editorial na época.” É fotógrafo de moda e publicidade desde 1987. Foi professor (1987 a 2007) e Diretor Geral de Fotografia da Panamericana Escola de Arte e Design (1991 a 1994). Mora na cidade de São Paulo e seu estúdio fica no bairro das Perdizes. Recebeu o Prêmio “Profissional do Ano -2018, Fotógrafo de Moda e Beleza” pela Associação Brasileira de Liderança; Prêmio HD AWARDS 2017 - Melhor Fotógrafo de Beleza e Capas de Celebridades; Prêmio Excelência e Qualidade Brasil 2016 - Profissional do Ano/Fotógrafo. Seus livros: 2015, “ELEMENTOS”, baseado nos elementos Terra, Agua, Ar e Fogo e seus elementais, tendo como representação maquiagens artísticas; 2014, “ANJOS”, utilizando pessoas transformadas em anjos.

MURILO SALLES FOTOS PARA SE MERGULHAR NELAS, ESTETICAMENTE. Cineasta, publicitário. Diretor, Diretor de fotografia, Produtor, Roteirista. Filmou e fotografou ficção e documentários. E quando sobra tempo, vira fotógrafo criador de arte. O crítico Luiz Carlos Merten já afirmou: “Antes de se tomar diretor, Murilo foi um dos mais competentes diretores de fotografia do cinema brasileiro - para muitos críticos, o melhor.” Nos seus filmes, sempre está uma pergunta básica: que país é este? Cada um de seus filmes é uma possibilidade de resposta. Então, o que ele pretende com fotografia? Que imagens ele iria selecionar para transmitir uma sensação etérea, contundente, para além do glamour da publicidade? Seu olhar já registrou quase tudo que o movimento pode expressar. De planos de detalhe a grandes panorâmicas. Mas fotografia exige um olhar seletivo, para que aquele momento não seja apenas um momento fugaz, mas um significado decodificado ou a ser decodificado no momento ou na memória. Às vezes, o significado é uma emoção, simples ou intensa. As fotos autorais de Murilo Salles devem ser vistas com cuidado: não é necessário ver através delas, é preciso entrar nelas, penetrá-las, vivê-las, nas suas pluralidades, impressionistas, realistas ou conceituais. Cuidadosamente, elas se oferecem para proporcionar a necessária sensação estética. Diante de cada uma delas, sem pressa, preste atenção! Agora, leia o que ele diz: “Gosto de recortar o real produzindo imagens equivocantes. Que nos leve a um estranhamento na percepção. Gosto também de discutir com a fotografia. Muito. Meu tesão é ela. Como gosto também de dialogar com a pintura, sim com a pintura mais do que com a arte conceitual. Gosto quando a imagem se torna um fantasma dela mesma, de algo que não identificamos muito bem, uma imagem que se dissolve, um

sudário da imagem. Porque isso tudo nos coloca num estado inconclusivo. E dessa forma nos abre novas possibilidades de enxergar o real e a beleza fora do lugar comum.” Este minicurrículo foi ele mesmo quem resumiu (coisa difícil para outra pessoa): “Nasci no Rio de Janeiro em dois de outubro de 1950. Me formei em Teoria da Informação pela Escola de Comunicação da UFRJ em 1973. Já fotografava e vivia da fotografia de cinema profissional quando me formei. A universidade era puramente teórica. Minha formação foi totalmente autodidata. 100%. Não me vanglorio por isso. Foi sofrido. Aprendi fazendo e sentindo angústia da experimentação e do desafio diante do desconhecido. Não fui assistente de ninguém. Meti as caras. Foi uma loucura. Com 25 anos tinha fotografado seis longas metragens, dentre eles, Dona Flor e seus dois maridos, além de mais de 20 curtas. Um deles, o único filme colorido do mestre Humberto Mauro. Tudo foi muito meteórico e precoce. Depois do Dona Flor, dos 25 até os 29 anos viajei errante pelo mundo, foi quando fiz as fotografias deste livro (“Fotografias 1975-1979”) e da exposição que aconteceu no Rio de Janeiro e São Paulo, respectivamente em maio e agosto de 2019.” Site:

PAULO BRAZYL BELOS TEMPOS E ESPAÇOS APRISIONADOS NUMA ESTÉTICA POLISSÊMICA Nestes trabalhos de Paulo Brazyl, vejo um belo e evanescente lirismo que emerge musicalmente, como partituras, dos quase fractais criados ao som dos expressionistas (avant la lettre) desenhos de prisões de Giovanni Battisti Piranesi e dos plásticos emaranhados de Mauritis Cornelis Escher. Algo mais para uma cuidadosa geometria geográfica, sensível, poliédrica, polimórfica, polissêmica. Tudo bem longe do racionalismo concreto de Geraldo de Barros e Waldemar Cordeiro, que ele cita como influenciadores. Brazyl aprisiona tempo e espaço e os recria em múltiplas imagens lúdicas. Para tirar deles uma necessária emoção, é preciso se deter: não basta simplesmente olhá-los. É preciso ver e enxergar. Mas o quê? Essa parece ser a resposta que Paulo Brazyl pede aos seus espectadores interlocutores. E esse diálogo interior deve ser feito com o olhar, contemplativamente, em solilóquios. Estas fotos, batizadas “nanoCidades”, fazem parte do Projeto Vórtice. Paulo Brazyl explica: “Fotografia Urbana inspirada no Vorticismo, teoria estética criada por Ezra Pound. Cada registro é produzido considerando profundidade e perspectiva adequadas à criação de vórtices - espiral, redemoinho, turbilhão - editados a partir de determinados sequenciamentos em formato GIF. Uma proposta de levar ao público uma série de fotografias em movimento”. Elas podem ser vistas em https://projetovortice. Paulo Brazyl nasceu em Bilac, interior do Estado de São Paulo, em 1962. Em seu depoimento para a Carcara Photoart, ele conta sua trajetória: “Meu primeiro contato com a fotografia começou com

pouco menos de um ano de idade: folhear as revistas de fotonovelas de minha mãe era minha coisa preferida. Por volta dos 11 anos, tive meus primeiros contatos com câmeras que parentes de São Paulo levavam para o interior no período de férias. Em São Paulo, cursei a Escola Panamericana de Arte. Por conta da influência que tive na EPA, me dediquei muito mais ao desenho e a pintura. Penso que esse período foi fundamental para que aprendesse a lidar com a COR. Volto para a fotografia no final dos anos 90 e é no início dos anos 2000 que me firmo como fotógrafo de palco. Fotografei para o SESI, o SESC, a SKOL. Acabei me envolvendo com experimentação e a fotografia estenopeica – pinhole – tornou-se prática frequente. Sou um dos precursores do Ligth Stencil na América Latina, tendo apresentado esse meu trabalho em duas edições da Virada Cultural Paulista, em 2014 e 2015. Realizei dezenas de oficinas, cursos, palestras e encontros, a maioria voltada para a fotografia experimental. Participei com intervenções e performances fotográficas em festivais como FIT – Festival Internacional de Teatro de São José do Rio Preto, e de coletivas estenopeica no México, na Argentina e na Venezuela. Fui fotógrafo da Cia do Pessoal do Faroeste entre 2016/17, integrei a programação do PIXEL SHOW e dei um curso no Centro de Pesquisa e Formação do SESC São Paulo.”


A fotografia nasce como união literal entre arte e ciência.

O que é uma alegoria que não o exercício de uma alteridade semântica? PEDRO AMORIM

Com alegorias, extrair arte do cotidiano. Contundentes metáforas do viver. Cenários, rostos questionadores, reflexivos, solitários. Há física e metafísica. Esse é o exercício deste acurado fotógrafo (também advogado e, nos textos que escreve, filósofo). Pelo cuidado que demonstra, tem-se a impressão de que as imagens vêm na sua direção e não o contrário. Há uma intimidade entre Pedro Amorim e o objeto de seu trabalho. Parece mesmo haver uma cumplicidade. E essa cumplicidade chega a atingir os espectadores. À medida que adentramos neste universo, sentimo-nos parte dele. A densidade do preto e branco, que poderia nos afastar, ao contrário, nos atrai, nos introduz. Estamos ao lado do homem que caiu e queremos amparálo; queremos saber no que pensa a garota parada no meio da rua; estamos carregando bonecos gigantes; dançamos com os ritmistas; estamos dentro do ônibus. Cada registro nos convida para fazer parte da história. Cada uma das narrativas literais de Pedro Amorim pode compor uma crônica, um conto; juntas, elas propõem um romance dramático. Com certeza: são histórias de pessoas em um mundo questionável. Em comunicação, costumase dizer que a compreensão é uma variável entre o que se diz e o que se quer dizer: quanto mais próximos, melhor a compreensão... e a emoção. Nestas imagens, a proximidade é total: elas dizem e querem dizer. Mas o que diz Pedro Amorim sobre seu trabalho: “Estas imagens fazem parte de um livro que publiquei em meados do ano passado. Quis trabalhar com o formato do livro

porque acreditava em uma edição que não apenas contasse uma história, mas afetasse o leitor. O livro é sobre solidão. Escolhi o carnaval porque sempre o achei uma festa melancólica. É um corte no nosso cotidiano. O carnaval, para ser belo e intenso, confia na monotonia e na solidão dos nossos outros dias.” Pedro Amorim nasceu no Rio de Janeiro em janeiro de 1991. É graduado em Direito pela UERJ (2009 – 2014), pós-graduado em Fotografia e Imagem pelo IUPERJ (2016 – 2018) e mestre em Teoria do Direito pela FND-UFRJ na linha de Direitos Humanos, Sociedade e Arte (2017 – 2019). Ele complementa: “No IUPERJ, meu projeto de conclusão de curso foi a criação de um livro, o meu primeiro. Alegoria da violência foi um projeto orientado por Marcos Bonisson. O segundo livro, Outro Carnaval, saiu no meio de 2018 e foi o resultado dos dois anos em que fotografei as ruas e os carnavais de rua no Rio e em Minas. Considero-o como trabalho em andamento. Atualmente, trabalho como fotógrafo de Still. Também mantenho meus projetos autorais de longo prazo: Outro Carnaval, que apresento aqui; e “Memórias de Terra”, em que exploro a relação dos membros do MST assentados em Goianá com a terra e as memórias da Região. (Instagram: https:// Facebook:


“O que é, portanto, o tempo? Se ninguém me pergunta, eu sei; se

quero explicá-lo a quem me pergunta, não sei”. SANTO AGOSOTINHO

O cinema fascina. Mas fascina mais transformar o tempo/ movimento da cena cinematográfica num tempo/estático eterno. O cinema funde passado, presente e futuro e nos oferece, em forma de temporalidades atemporais, aquele não-tempo apreendido no filme: o tempo em movimento é filtrado por nós, processado em nossa memória, registrado na sua fugacidade. A fotografia, ao contrário, hipertrofia o tempo presente, presentifica-o e, ao mesmo tempo, eterniza o momento. É nesse e desse confronto que nascem as fotos de Sérgio Poroger, neste seu novo projeto Cenas On Movies. Uma humana densidade extrapola suas imagens obtidas fora do glamour do cinema, fora do tempo do cinema, e nos convida a pensar sobre o momento, sobre a realidade, sobre a vida. No cinema, vivemos uma fantasia; nestas fotos, sobressaem-se vivências que contornam e extrapolam os registros cinematográficos. Pelo calor e intimidade das imagens, possivelmente, aquelas vivências se fundem com as nossas, quer tenhamos ou não vivido os tempos gloriosos dos pequenos cinemas de cidades interioranas ou das capitais. Sérgio Poroger nos transporta física e sensorialmente para um encontro entre os que viveram e os que não viveram esse tempo. Essas imagens quentes, intensas, proporcionam emoções diferentes, mas muito intensas, revividas e recriadas na memória ou vividas e criadas a partir de uma subjetividade primeira. No seu site ele explica: Poroger lança seu novo projeto fotográfico: Cenas On Movies. A obra dá

sequência a Cold Hot, lançado em 2016, que mostra paisagens e localidades do Sul dos Estados Unidos que exalam musicalidade, história e emoção, traçando um paralelo da música e sua influência nas paisagens, arquitetura e os costumes de seus moradores. Desta vez, com foco no cinema, onde mostra, com imagens, a influência histórica do cinema nos hábitos dos cidadãos e das cidades norte-americanas. Foi um longo projeto de pesquisa. A premissa era descobrir quais locais nos EUA seriam ideais para fotografar a indústria do cinema refletida no dia-a-dia das pessoas. Poroger captou imagens e locais não óbvios – distante de Hollywood e dos grandes estúdios de Los Angeles. Fez imagens de uma região inusitada, a costa leste americana, que guarda imagens e histórias fantásticas desta indústria, tão forte e presente no dia-a-dia americano. Viajando de carro, de NY a Miami, passando por mais sete cidades (Wilmington DE, Philadelphia, Richmond/Virginia, Wilmington NC, Charleston SC, Savannah/Georgia e Jacksonville/Florida).”

Sérgio Poroger formou-se em jornalismo pela Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo. Trabalhou na BBC de Londres e Antenne 2 de Paris; atuou como repórter de cultura do Diário Popular e de noticiário geral do Estadão e do Jornal da Tarde. É sócio-diretor da SPMJ Comunicações. Site:

VIRGINIA HEREDIA NIETO OLHARES ATENTOS, QUOTIDIANOS, TRANSFORMADOS EM ARTE. Ao olharmos milhares de vezes uma paisagem, ela desaparece? O costume nos torna insensíveis diante da realidade sistematicamente vislumbrada? Quando nos acostumamos com alguma coisa, tornamo-nos autômatos, robôs em relação a ela? Aquilo que se repete quase infinitamente diante de nós perde seu valor contemplativo, sensitivo, emocional? A reposta para todas essas questões é: “não”. Por mais que queiramos dizer “sim”. A multiplicação do real pode ser enfadonha se não soubermos ver, olhar e reparar. Este ensaio de Virginia Heredia Nieto pode ser a primeira lição para mudarmos nossa maneira de ver a repetição. No seu espaço no Instagram ela escreve: “Conduzco un autobús, pero me gusta el cine y la fotografia”. Ao nos oferecer imagens do seu percurso, ela nos ensina a rever diariamente nossos mesmos caminhos para descobri-los e redescobri-los diferentes. Isso nos faz viver mais intensamente. Tudo pode ser descoberto e redescoberto. Exemplos: estes olhares quotidianos de Virgínia Heredia Nieto transformados em arte. Para ela, “a fotografia é uma maneira de transmitir sensações e sentimentos. É um meio universal de comunicação, assim como música, pintura, cinema, enfim, é uma das muitas manifestações artísticas. Estamos cercados pela arte cotidiana, a sensação de ver sem fugir é única. Só existe arte se o espectador apreciar e desfrutar o que está vendo. Há fotos vulgares feitas com câmeras sofisticadas e fotos maravilhosas feitas com celurares. É o olho do observador que influencia o resultado. Fotografo, porque eu não posso compor, ou pintar, mas eu sei como olhar. A fotografia me permite me expressar sem falar. Meus fotógrafos preferidos: Cartier Bresson, Sebastião Salgado, Gervásio Sánchez, Cristina García Rodero, William Klein. Eles sabem como olhar”. Virginia Heredia Nieto

nasceu em Madrid, em 13 de julho de 1968, estudou imagem fotográfica. Ela é motorista de ônibus na Empresa Municipal de Transportes de Madri. No seu endereço no Instagram, ela reflete:

Ainda há pessoas apaixonadas e também leem no

ônibus em S I L Ê N C O

Aviso aos usuários do EMT: não toque ou aproxime-se

do ônibus depois de ter iniciado a marcha - perigo de bater.

O ônibus não está perdido. Atrás de um ônibus vem

outro, e outro, e assim dia após dia durante 365 dias por ano.

Mais RUÍDO ... Hoje eu tive que dizer a um homem,

que o ônibus não é um lugar para cortar as unhas, isso é melhor no banheiro da casa dele ...

Parece uma foto quieta, e ainda, dentro daquele

ônibus que se aproxima, o motorista está sujeito a vários ruídos incessantes sete horas por dia. Por exemplo, alguém deve dizer às crianças que os gritos, gritos, birras e chutes são feitos em casa a partir das três horas da manhã

Credits Publisher: Alaide Rocha Editor: Carlo Cirenza Research and text: Fernando Rios Graphic Project: Marcelo Pallotta Designer Assistant: Katharina Pinheiro Translation: Bruna Martins Fontes Acknowledgements: Marcos Bonisson and Solon Ribeiro 1 - Suggestions, complaints and praise should be sent by email to: 2 - Portfolios should be submitted in the following format: JPEG ( 20 x 30 cm ), 300 dpi by email to: ISSN 2596-3066