Carcara #17

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Cover Photo Rosângela Rennó Untitled (Procurado) - Nuptia Series (Detail)

EDITORIAL IN DEFENSE OF ECLECTICISM IN ART, MEDIA AND SOCIETY: DEMOCRACY AND JUSTICE. This issue of Carcara is particularly eclectic. Our editorial philosophy remains the same: to promote photographic art. But there is something adjacent that sustains our esthetic conviction: democracy, justice and freedom. Freedom is not an empty word, it is always connected to something. There is only freedom to! Society, like art, needs freedom for gender, religion, political opinions. Freedom so that we can exist without race prejudice. More freedom means more plural expressions and more possibilities to live intensely. In this issue, freedom strolls from the conceptual art of Rosangela Renno (The viewer before himself, under the weight or lightness of memory) and Silvana Tinelli (Four elements: from physical to metaphysical in sensitive impressions) to the ethic and esthetic incursions of Gianluca Zonza (In search of the poetry which flows from the body itself) and Gustavo Pozza (Sex boldy exposed with craft and art); from the mysticism of Paul Winternitz (From the concreteness of form emerges a telluric surrealism) to the ineffable and plastic dissolutions of Willy Biondani (Emotions which form and dissolve symbolically). Our multifaceted issue also brings: Adriano Avila (Reality as scenario and stage, carefully enlightened), Claudio Brandao (Realities to live with and rebel against symbolic imposition), Rafic Farah (Background and form propose a critical reading), Roberto Stelzer (Geometrizing esthetics which throw us inside and out), Sidney Gaspar (A beautiful recreation of the world in black and white). The register of real is represented here by two photojournalists: one of them is an icon of editorial photography: Lew Parrella (A magic builder of impeccable images), a master of a generation of press photographers; the other, young Felipe

Beltrame (The sensitive register of horror) and his overwhelming report of the crime that the company Vale do Rio Doce committed in Brumadinho. We defend eclecticism in our publications, valuing the young and the veterans. We defend eclecticism in society, in a solid democratic base rooted in justice so that responsibilities and culpabilities are investigated and so that the culprits are punished accordingly. Although we live a particularly dark moment of our governmental institutions, we maintain our convictions. We believe truth will surface and knowledge will prevail over ignorance. CARLO CIRENZA


Rosangela Renno has been speculating in a critic and poetic way

on the archive since late 1980s. Her interest resides in that manifestation which is both special and mundane, midway through words and things, common to high and low culture: photography. Rosangela, however, is a photographer who (almost) does not photographs, an attitude which seems to be founded on finding out the image excess that drowns the world every second. ADRIANO PEDROSA Belo Horizonte: Pampulha Art Museum, 2002. Exhibit folder.

Gothic, baroque, conceptual. Poetry, memory, time. Subject, verb, predicate. Rosangela Renno floods us with grammatical and literary architecture. Her images turn objects into subjects: photos in immemorial sensations; spaces in semantic galaxies. The viewers can no longer contain themselves before the appeals to multiply themselves in perceptions. To decodify themselves and feel the multiple presences of the other. And there are so many others‌ In this universe, we ontologically sail in search of our own time, our own memory. If it is the other that gives me sense, it is in the other’s memory that I am made historically concrete. I make and undo myself before the weight of mass communication. How can one turn it into something light? Here, means are the best way to question the message. Rosangela Renno, one of the most important Brazilian visual artists, was born in Belo Horizonte, Minas Gerais, in 1962. She lives and works in Rio de Janeiro. She photographs and makes installations and objects using photo images from public and private archives. She graduated in Architecture at Universidade Federal de Minas Gerais, in 1986, and in visual arts at Escola

Guignard, in Minas Gerais, in 1987. She has a doctoral degree in Communication Sciences at Escola de Comunicacoes e Artes of Universidade de Sao Paulo (1997). To Alysson Camargo (Obvious / Photography domestica/2016/02/rosangela-rennomemoria-sujeito -e-fotografia-contemporanea. html#ixzz5iAetaJuL), “the central question in Renno’s work, which perpetuate among many of her works, is if it is possible that photography, with its factual, fictional and bidimensional discourse, can rescue memory from people, in relation to their memories, traumas, life experiences and feelings”.

Ivo Mesquita (“Sem Título” [untitled]. In: Seis Artistas na XXII Bienal de São Paulo. Sao Paulo. Sao Paulo: Galeria Camargo Vilaça, 1994, p.34-35.) is incisive: By questioning codes of identification, photography is not a mere self-evident reproduction of reality –Renno is interested precisely in the imperfection of memory and photography, because both are fragmented and approximative experiences –but are not something we build, products of a way of looking which entangles the viewer in a political view that highlights the viewer as the master of what it observed.


Rosângela Rennó

REALITY AS SCENARIO AND STAGE, CAREFULLY ENLIGHTENED. Adriano Avila is fascinated by light. His look searches it where it is not present. The result of his obsession are metaphorical compositions. A detail calls attention: there is a distance between what they say and what they mean. To decode them, one has to penetrate the plasticity of his compositions. There are two vectors: on one hand, the exuberance of colors; on the other hand, in almost antithesical contraposition, the proposition of black and white as a dramatic approach to real. And always the careful and densely inserted light. The artist works reality as scenario and stage. And, as a theater director, he introduces his actors in it. In a talk about photography with Antonio Zardos, (https://, Adriano Avila reveals that from early age he was linked to various fields of art, like theater, painting and music, but it was in photography that he found his mean of expression and merged his artistic experiences: “Photography arrived through a theater play, she came really strong, a play I was directing and in which we spread mud on the bodies of the actors, so I began working a light in the theater which became wonderful as an image. I thought: I have to work it in another way! Take it from the theater to photography. It was my first work and it was awarded. Then I plunged into photography.” Adriano has a special attraction to places which keep Brazilian culture’s traditions: “An arraial, a quilombo or a fishermen’s community which nowadays, almost extinct, became inhospitable isles of preservation of a faith culture, simplicity and harmony with nature and things of life. Each object or individual has their own universe, and each universe, its mystery. What I seek with my photography is a little of that mystery.” Born in Aluminio, in Sao Paulo state, in 1973, Avila is dedicated

to research and creation with social themes. He exhibits both in Brazil and abroad, in countries like Netherlands, United States Australia, China. He collaborates with National Geographic, Terra, Horizonte Geografico, Raça, amongst other magazines. His work is represented by agencies and image banks like Agefotostock, in Spain, Futurapress and Sambaphoto, in Brazil.

Adriano Ă vila


If the current moment is characterized by the excess of images and

they have just taken the place of mediators between human beings and things of the world, we affirm that studying the issue of image since its beginnings seemed to us an adequate mean of investigation, since someone is playing this role for us, if we no longer see the world through our conscience. Governments, churches and all social institutions seek to impose their ideology with the aid of images in the form of symbolic imposition. CLAUDIO BRANDÃO REFLECTIONS ON PHOTOGRAPHIC ACTS AS MODERN SOCIAL REPRESENTATION Doctoral thesis, 2012. h t t p s : / / w w w. m a x w e l l .v r a c . p u c - r i o . b r / B u s c a _ e t d s . php?strSecao=resultado&nrSeq=21126@1

Claudio Brandao’s look is multisensorial and carries multiple signs. By taking images from reality, he builds other realities. As an ad professional, he creates and spreads consumable realities, esthetically arranged, delicately posted to sensitize latent memories. In his personal work, he extracts realities from reality, creates times and spaces manifested to make concrete memories which are sensitive and perceivable. In fact, both worlds interpenetrate: pop reality, urban, striking; and ephemerous reality, which capitalism dilutes every moment. But the looks made concrete in Claudio Brandao’s images strike us, and we are solemnly invited to reflect upon which reality we shall act, and which conscience must we have over them. Here he mixes machines, laces, models, tells us about time and spaces, and sharpens the critical memory. Maybe so that we can rebel against symbolic imposition. This series “Materia de Memoria” shows two moments of the emptied embroidery factory Hoepcke, which operated in Florianopolis from 1913 to 1979. Brandao highlights that this is a register, a very

particular reflection of the constant remaking of the cities, of their relations with culture and the tensions between memory and market. Claudio Brandao was born in Curitiba, capital of Parana state, but he has been living in Florianopolis, capital of Santa Catarina state, since he was two. He graduated in Mechanical Engineering at Universidade do Vale do Rio dos Sinos in 1977; but his look opted for the cameras’ viewfinder. He got a master’s degree in the same field in 1985 at Universidade Federal de Santa Catarina. In 2012, he finished his doctoral studies at Pontificia Universidade Catolica do Rio de Janeiro, with the thesis Reflexoes sobre o ato fotografico como representação social moderna. He is a teacher at Universidade do Estado de Santa Catarina. Site:

Claudio Brandão

THE SENSITIVE REGISTER OF HORROR Felipe Beltrame went to Brumadinho and registered the visible consequences of a crime: the burst of a dam of Vale do Rio Doce company. He photographed landscapes and people. That was not a tragedy, that was a drama. Following the Greek concept, tragedies can’t be avoided. A tsunami, a storm, a hurricane, an avalanche: these are uncontrollable forces of nature. They can be predicted, but not controlled. Both in Brumadinho and Mariana, the events were dramatic; they could be avoided. Someone can and must take responsibility for them. This someone is the company Vale do Rio Doce and its directors. In his site, Beltrame wrote: “Mariana never more marked the campaign of Vale’s president, Fabio Schvartsman. It happened again. In January 26th, 2019, the dam of Mina do Corrego do Feijao broke. Around 12:20 pm, mining company Vale spilled its mud over the residents of Brumadinho, also killing river Paraopeba. These are the registers of ten consecutive days in the regions affected by the disaster (January 26th to February 2nd, 2019).”

In Felipe Beltrame’s registers, the impact of the destruction comes through sensitive framing. Can we speak of art before the Holocaust? Yes, artists can transmit pain and suffering artistically. These are just some examples: Saturn devouring one of his sons, by Francisco de Goya; The Raft of the Medusa, by Théodore Géricault; Guernica, by Pablo Picasso. In some of these photos, Felipe Beltrame can do that. He offers us his emotion, suffering, indignation: as a libel, a manifest, his photos demand justice. In an interview for Carcara, he talks about his journey: “I was born in Araraquara, in the state of Sao Paulo, in the 14th of May 1994. I bought my first camera in July 2017 and graduated in Architecture and Urbanism in the end of 2018. I have learnt all I know about photography on the internet or with my uncle Ricardo, a

photographer and filmmaker dedicated to advertising. In my last year in college, I dedicated myself to a photo documental project on Latin America’s largest agglomerate of stilts. I am currently an independent photographer, I have a documental project in study stage and report some events as a photojournalist. In the beginning, my goal was to photograph surf, beautiful landscapes and sea life, to further strengthen my relationship with the ocean and show its beauty. In 2018, my curiosity began to permeate other universes, I started taking interest in other people’s stories, people whose realities are distinct from mine, and I saw a very strong power to communicate and inform in photography. Today I marvel at photography as a document that allows us to make realities eternal and encourages discussions.� His


Felipe Beltrame

IN SEARCH OF THE POETRY WHICH FLOWS FROM THE BODY ITSELF At the same time that he dives in nature with the intimacy of an almost abstract expressionist, Gianluca Zonza escapes from the amplitude and turns to the details of the landscape and of the daily scenario in fleeting registers. In this scape, he comes across himself and offers his body esthetically to himself and to curious eyes. In this series, like some kind of restrained Narcissus, his body seems to reflect upon his bodily unreality, something natural and human, sometimes almost artificial, but always esthetically touching. This is his statement: “I was born in the winter of 1995, at La Spezia, in Italy’s Northwestern region. I held the first disposable camera at 14 and still remember the thrill I felt in that very moment. I currently dedicate myself mainly to analogic photography, I am fascinated by the roll which flows within the camera. Every moment has an amazing power over my existence. What I live everyday leaves a groove in my skin. Time is a tyrant, you sleep and when you wake up days, stations, years have gone by. Registering a moment, an emotion or a chill through images is my goal. My work explores closely the connection between delicacy and suggestion. My work observes the paradox between distance and intimacy. I love being alone, solitude is near me. It conquered an important position in my quiet being in the world. I don’t speak much about myself and, if I do, I do it through my photography work. I reflect upon environmental issues like pollution, climate change and endangered species. I also think a lot about the meaning of life and death. I spend my time asking questions and not finding answers. My only interest is to photograph, I don’t want to do anything else. Natural and artificial environments. The connection between nature and myself. The sun, the earth and my shadow.

This series, called Naive, is a collection of 4o autobiographic

and therapeutic photos. Self-portraits in black and white. It was

a deliberate choice. My work _from 2016 to 2017_ documents my mood in sad and difficult moments. My research comes from the concept of delicacy, absence and solitude. This long work touches my difficulties, my skin, my spirit, my flesh, my spirit, my flaws, my anxieties. With Naive, I wrote my serene story of inner conflict and peace. In some works my bones come to life, creating an imperceptible and raw alchemy. Naive extracts my body from imagination to observe it carefully in a softer and deeper perspective, in which an individual sense of identity emerges. An intellectual dirt road between my body and those who look at it. I did not have a goal or an specific purpose, but this project transmits an evocative sense of visual poetry.�

Gianluca Zonza

SEX BOLDY EXPOSED WITH CRAFT AND ART [...] it is an artist’s role to build manifestations which frequently break technical, linguistic or moral barriers. [...] From shock to empathy, the representation of the body in contemporary photography, as an element of artistic creation, provokes conflicting feelings in audiences and raises ethical questions about its possibilities of aesthetic appreciation. [...] it is not due to art critics to authorize the exhibition of an immoral speech, but to evaluate, from an objective analysis, the merit of art in exhibiting or the author’s aesthetic expertise, in order to justify the choice of the representation, its form and its understanding by the audiences. GUSTAVO POZZA


Gustavo Pozza chose the most banal, used and consumed object in photography for his work: the human body. Amongst the means to expose the human body, he chose the one which presents itself as object, desire and censure: sex. Pozza is bold because he knows how to confront esthetically, with craft and art, the skewed look from traditional fundamentalists. Because his photos are beautiful, strong, striking, erotic. They should not be looked at furtively. They ask us to halt, not as voyeurs, but as someone who respectfully knows how to contemplate and be touched by a work of art. By accomplishing his art, Pozza sensitizes us and invites us to ponder. Why do bodies erotically photographed cause such a stir anywhere in the world? Though they disagree on the intensity, Freud and Jung place libido as one of mankind’s engines. But they are amongst the most censored

things in all cultures. Is that repression attracting and shunning people when it comes to erotism in photography? Why are there so many pornographic magazines aimed at men, and none at women? If newspapers stands are full of pornographic magazines, erotism in increasingly censored in museums and art galleries. At least in Brazil. What is behind this repressed desire? Gustavo Pozza is a conceptual photographer, teacher at Caxias do Sul University, speaker and researcher. He has a master’s degree in Philosophy from UCS (2015), graduation in Photography (2005 and 2013) and an specialization in Advertising Image from PUC-RS (2008). He ponders: – Because it is something very commercial, people have this idea that nudity is unidimensional, that it is only related to sexual exploitation, to erotism. The idea I have to spread is that there are other things to explore. I like photographing as much as I like the effect these photos have on you. Some of my articles and books on philosophy are about photography and how it changes the world we live in. Site: index.html#home

Gustavo Pozza

A MAGIC BUILDER OF IMPECCABLE IMAGES Lew Parrella (1927-2014) has been much more than a brilliant photojournalist. He was a kind of engineer/architect builder of sophisticated images. An esthete, extremely strict in his framing, devoted to detail, he almost never resorted to chance. He had technic care and a magic look. He was born in New Haven (USA), has lived in Brazil for over 50 years and made striking editorials for magazines like Realidade, Claudia, Manequim, Quatro Rodas, Veja. Just before he died, he donated all his collection to Museu de Arte de São Paulo (MASP). Journalist Silvio Lancelotti made a tribute to him in his blog in November 8, 2014 ( “Actually Luigi Giorlando Parrella, son of two immigrants who had gone to USA in the 1920’s, Lew enchanted us with his combination of charm and cartesianism. He was very organized –and super elegant. He flaunted a very white mane, even at young age, and shaved twice a day, in the bathroom of the floor where he had a studio, in Abril’s pioneer building. […] Not even in the situations of extreme nuisance, irritation, he was upset or used dirty words.”

In November 5, 2014, a week after Lew Parella’s death, MASP - Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand made a tribute to the photographer by publishing a text from Angelo Manjabosco – photography researcher and, at that time, a postgraduate student in Esthetic and Art History at Universidade de Sao Paulo -, in its Facebook page (https:// -falecimento -de-lew-parrella-e-como -forma-dehomenage/10152523220336025/), from which we extracted these excerpts: “It was raining, as it rains today, in the day I met Lew Parrella. It

was last June, in his apartment at Praça da Republica. He shook my hand protractedly and said: “Lew is an artistic name. My name is Luigi. I am a photographer”. […] North American Luigi Giorlando Parrella started his career as assistant to photographers Eugene Smith and Phillipe Halsman. After that, he was a curator at pioneer photo gallery Limelight, in New York. He was around people like Edward Steichen (MoMA’s curator at that time), Edward Weston and writer Henry Miller. In the gallery, he organized the first individual exhibit of photographer Claudia Andujar, in 1960. Claudia brought him to Brazil (in 1961) and with her he travelled to Amazon, Bolivia and Peru [...] At 37, Lew [...] took the post of director of the photographic department [...] He was part of a team which included, among other photographers, Maureen Bisilliat, Walter Firmo, David Zingg, George Love, Luigi Mamprim, Jean Solari, Cristiano Mascaro and Claudia Andujar. At the beginning of the 1970’s, he started working as an independent photographer. [...] He quite photography at the beginning of the 2000s. His tired eyes no longer had the precision of the old days.”

Lew Parrella


We came from nature. We were created by its forces. The

fountains I build are projected to reconnect us with life’s matrix. To remind us, even in our inner lives, that we are part of the miracle of life. PAUL WINTERNITZ

Paul Winternitz works in an ancestral, atavistic reality. His goals transcend his objects. Mystical and romantic, he proposes a catharsis from the transformation of objects into sensations. Like William Turner, in his painting The Burning of the Houses of Parliament, from 1835, he puts us before the flames, and they almost burn us, Winternitz proposes to experience the world’s transformation. The primal explosion multiplies in each scene. Even in the more objective ones, when he iconographically turns real something which was only an image. These images obscure our perception. Would those be moments the universe has highlighted to alert us about something special? However, in the next moment, surreal emerges. Both in photos and in our imagination. Are we conscient enough to manage our atavistic unconscious ranging the history of the universe? Paul Winternitz, north American photographer, was in Sao Paulo in 1997 to take part in Mes Internacional da Fotografia, when he held an exhibit at Centro Cultural Sao Paulo. In an e-mail sent to Carcara’s editor, Carlo Cirenza, he revealed: It seems that my work of art contains my life, letting me know what is really happening inside myself. When I was in Sao Paulo in the 1990s for my exhibit, it was the first time I heard the word shaman linked to my work. I think it came from you! In the beginning of the 2000s, I was grabbed by the spiritual world! It has been a trip since then! I stopped making any art for a while and focused my free time in

exploring my internal sphere. The most terrorizing worlds and also the most beautiful and deeply meaningful within worlds. I made a photobook about these experiences. I also started making spiritual fountains. But as in my deeper self I remain a photographer, the photos I took of the fountains emerged as works of this inner me. I have a site about these fountains Wellspring Healing Fountains:

In his site, he talks about what seems to be the inspiration for his current work: Sources of fountains

There is nothing like water. It calms, cures and

rejuvenates. When it moves, its sound is deep. It makes life possible. The goal of Wellspring Fountains is to bring the beauty of running water to our lives. Wellspring focuses on using the capacity of water in movement to amplify the healing power of holy geometry, of stones and earth’s energy. This carried water brings a sensation of quietness and depth to our houses and workplaces to help us heal. It can make us stop and be a nice reminder that we are part of the miracle of life.

Paul Winternitz

BACKGROUND AND FORM PROPOSE A CRITICAL READING A black model walking downtown is not a white model on a fashion catwalk. In the catwalk, there is an effort in glamour, and the model is only and object, a walking hanger. She is not important. The important is the clothing. When a black woman walks through the city, she not only composes the scenario. Her body grows, she fills the streets, contraposes to urban equipment and the linguistic signs on the walls. Here, body is language and presents itself as a subject. Our prejudice emerges. One has to be conscious of it in order to exorcize it. There will be a day when all bodies will be equals and valued as protagonists of their subjectivity. Rafic Farah delicately, esthetically, admonishes us. His almost humoristic verve leads us in the search of meanings. It is the beauty of the model that highlights among the biased speech of texts and façades. Here, photography also demands a critical look, not only a contemplative one. Background and form metabolize our conscience. Rafic Farah is one of the most important Brazilian graphic designers. He was born in Sao Paulo, graduated in Architecture at Universidade de Sao Paulo (FAU-USP), in 1976, and is also a screenwriter, a set designer, a photographer and a furniture and object designer. When he was a student, he dreamt of writing movie scripts. Since 1979, he has been working in his studio, Sao Paulo Criaçao, where he creates communication projects using various means, mainly art and design. He became famous for creating posters, logos and catalogs for important brands and restaurants in Brazil, besides graphic projects for magazines and books. He won awards and took part in several international exhibits, as the ones in Paris, Tel Aviv, Rome and Frankfurt. In 2001, he represented Brazil with 30 works at the exhibit “Graphistes Autour du Monde”, in the French capital. He won the award Premio Design Museu da Casa

Brasileira with the lamp Finestra (1988), bench Osso (2013) and was a finalist with coffee table K2 (2013), both launched exclusively by Dpot, and received an honorable mention at 6th International Biennial of Architecture in Sao Paulo (2005) for his project of a house at Pombal Street. His site:

Rafic Farah

GEOMETRIZING ESTHETICS WHICH THROW US INSIDE AND OUT The multipurpose head and the comprehensive look of Roberto Stelzer propose us plastic enigmas like a test of Rorschach. Only with geometrizing esthetic. Besides esthetic emotion, what does he want us to decode in ourselves? Contemplating geometries demands patience. It takes calm not to lose oneself in curves and stretches and in their encounter. But it is exactly in this patience that we can enjoy the beauty of stretches and curves and their encounters. Both Rorschach and Stelzer provoke the introverted. In these situations we often find ourselves. But here there is a basic difference beyond the striking lines, stretches and curves: there is no one to interpret what we see and feel. Only ourselves and our infinite individuality. Roberto Stelzer’s photos throw us inside and out of them; outside and inside ourselves. In this journey we can let multiple feelings blossom and know our inner paths. Try it! Roberto Stelzer was born in 1966 in Santo Andre, in Sao Paulo state, and since 1984 he has been living and working in the capital Sao Paulo. He started in professional photography in 1988, as an assistant in the studios of Claudio Elisabetsky, Tuca Reines and Bob Wolfenson. In 1995, he started his own studio for authorial, ad and editorial work. In 2000 and 2001, he began his studies on painting and engraving with Selma Daffre; on metal engraving with Claudio Mubarac; and on creative design with Dudi Maia Rosa. His first individual was “Aeroplanos”, in 2004, at hospital Albert Einstein. Also in 2004, he documented a selection of relevant architecture and engineering works in the state of Sao Paulo for a commemorative exhibit of the 70 years of CREA-SP, a joint project with photographer Gal Oppido, which resulted in an exhibit at Memorial da America Latina. In 2005 and 2006, Stelzer studied Industrial Design at Istituto Europeu di Design in Sao Paulo. In the following years, he taught photography in that same

school. In 2007, he started the company Troyart, which develops characters and playful objects. In 2011: he did the photographic exhibit “Stay Robots! 45” at store/gallery The Early Bird Hype, in Berlin, Germany; his “Livro Branco Nº1” was selected for Bienal Brasileira de Design, in Curitiba; and got the seal Design Excellence Brazil. In February 2012, Stelzer received the prestigious award IF Design Awards for “Livro Branco Nº1”, in Hanover, Germany. In December 2012, he accomplished the individual exhibit “Robografia” at Galeria Mezanino, in Sao Paulo, in which he showed a new series of engravings made with laser-cut matrices, and also paintings, photography, sculptures and acrylic assemblage. Roberto Stelzer


Perpetual Ephemerous is a [...] study of artistic language based

in the ontological relation of the cycles of existence, symbolized by the four essential elements: water, earth, fire and air. [‌] Distant from fantastic concepts which incapacity to be transmitted almost always makes the work incomprehensible, the subtle and delicate photography sustain a story which, despite metaphysical in its essence, becomes even objective, making the readers comfortable in their understanding. JUAN ESTEVES

With much simplicity, the four elements transubstantiate into bidimensional images. From physical to metaphysical. The four elements in cyanotype (water and air) and brown Van Dick (earth and fire) bring the transparency of transcendence. The softness of the images, the proposed impression, the epistemological distance: we are before works of art which refer to introspection, to reflection. They are not only contemplative: they are reflexive, philosophically presented. There is something essential, an invitation for each person to range your path, almost an anamnesis. Because time is short, and life, brief, Silvana Tinelli throws us, calmly, the vortex of existence, contraposing time and space to us. Her book, Efemero Perpetuo, edited by Eder Chiodetto, released in 2015, uses revelation techniques from the 19th century. Juan Esteves explains: Cyanotype, also called blueprint, brings a beautiful color close to Prussian blue. Amongst the alternative processes of the 19th century, it is one of the simplest and satisfies both the beginners and the experienced. Van Dyke brown results from the action of light impregnating ferric salts. Like the previous, it results from a simple production process. The name is a tribute to the colors of Flemish master Anthony van Dyke (1599-

1641). Both processes date from 1842 and have origins in research of the English astronomer and chemist John Herschel ( 1792-1871).

Who is Silvana Tinelli? She defines: ex-ad professional, artist and entrepreneur with more than 28 years of experience in photography and advertising; cook, art and animal lover. She was born in Italy, but chose Brazil to live, work and have a family. She made photography her mean of expression. After selling her ad agency, she has been dedicating herself exclusively to artistic activities that she has always loved, like photography, painting and pottery. Her site: Silvana Tinelli / Gastronomia, Cultura & Arte. Silvana Tinelli


We are colder, we use too much technology in communication,

but we are not able to escape great dilemmas, like the fear of solitude, of death, of not making our dreams come true. SIDNEY GASPAR

Sidney Gaspar feels the world in black and white. Actually, he recreates the world in black and white. The multicolored reality does not fill the individual emotion of taking nuances and leaving just two colors and the tonalities between them. Here, real is imaginary in the first place, a kind of collective unconscious turned individual and, through clicks and image treatment, made real through a fiat lux après la lettre. Maybe he proposes: life is ahead of us to be recreated; and art can be an excellent ally. His look and his consciousness, so, present us with beautiful realities to populate and stimulate our unconscious. Psychiatrist, self-made photographer, Sidney Gaspar creates his work from daylight photos. His goal is to reproduce the American night, when Hollywood filmed night scenes during the day. In a statement for Carcara magazine, he says: I see photography as a possibility to be art, once one of the biggest pillars of art is how the artist sees the world, and that is something photography also allows, one can show the world in detail, through other angles or forms, can go far beyond showing an image, but a vision of the photographed object. I believe photography has been vulgarized, but it results in us having different photographic expressions, from banal daily life to creativity taken to its extreme, with many wonderful and artistic photos.

Sidney Gaspar was born in Sao Paulo, on November 3rd , 1955. He has learnt to realize the importance of detail for building the story of people’s lives and to look, through photography, at

details, cities, mountains, birds, etc.:

I started photographing in a Kodak at 12 and have

never stopped. I took a movie direction course with Carlos Reichenbach and Julio Bressane and an ad film direction course at ESPM; I have painted during some years. I liked very much the photos in color, similar to my very colorful paintings, but ten years ago I started editing my photos in black and white, and today practically all my work is presented like this. When I click, I already see the image in black and white. In the last three years, I took part in some contests and was selected to exhibit at Agora Gallery, in New York. Three of my photos were selected for two consecutive years at Black & White Spider Awards, 12th and 13th edition, respectively.�

Sidney Gaspar

EMOTIONS WHICH FORM AND DISSOLVE SYMBOLICALLY What would Morandi say about these spectral continents? What would his eyes contemplate? He, who was so subtle, mellifluous, soft in his compositions, would face an antithesis. Sadly, Morandi did not have this pleasure. Contemplating Biondani’s forms is a dive in an inhospitable reality, thrilling, where we look for meanings in seamless signs, forms that compose and dissolve esthetically, offering a beauty that runs over our organizes memory. He does not want order, he proposes disorder. A disorder to contrapose our necessity of rationality. These are photos to be absorbed slowly, in their multiple symbolisms, meanings and nuances. Willy Biondani, Brazilian photographer and filmmaker, was born in Sao Paulo in 1961. He graduated at Faculdade de Belas Artes and started his career in the 1980s as photography assistant. In 1982 he started to sign his first works and specialized in fashion and advertising. He has lived in Paris between 1989 and 1995, and began making ad movies in 1992, initially as a scene director. He has published works in magazines like the English ID, the German Wienner and French Votre Beauté and Marie Claire. As a photographer, his works were also exhibited in galleries and exhibitions such as: Rome Biennial, Pirelli/MASP collection, La Gitane exhibition, project Arte/Cidade, 1st International Photography Biennial and exhibit at Ludwig Museum. He returned to Brazil in 96 and directed advertising campaign to clients like Unilever, L’Oréal, Procter, Siemens, Nivea, Natura and GM. He directed the short movie Noites brancas num sábado de glória, with Victor Lema Riqué. In 2005, he founded the producer BossaNovaFilms. He was one of the directors of Sertão: Veredas, a movie which mixes fiction and documentary, based in the work Grande Sertão: Veredas, by Guimaraes Rosa. In all his work, the symbolism of images have a central place in the narrative. Além do Homem is his first feature film. Site: http://

Willy Biondani

EDITORIAL EM DEFESA DO ECLETISMO NA ARTE, NA MÍDIA E NA SOCIEDADE: DEMOCRACIA E JUSTIÇA. Este número de Carcará está particularmente eclético. Nossa filosofia editorial se mantém: promover a arte fotográfica. Mas há algo subjacente que sustenta nossas convicções estéticas: a democracia, a justiça e a liberdade. Liberdade não é uma palavra vazia, está sempre ligada a algo. Só existe liberdade para! A sociedade, assim como a arte, precisa de liberdade para gênero, religião, opiniões políticas. Liberdade para que possamos existir sem preconceitos raciais. Quanto mais liberdade mais expressões plurais, mais possibilidades de vivermos intensamente. Nesta edição, a liberdade passeia das artes conceituais de Rosângela Rennó (O espectador diante de si, sob o peso ou a leveza da memória) e Silvana Tinelli (Quatro elementos: do físico ao metafísico em sensíveis impressões) às incursões éticas e estéticas corporais de Gianluca Zonza (Em busca da poesia que flui do próprio corpo) e Guztavo Pozza (O sexo exposto corajosamente com engenho e arte); do misticismo de Paul Winternitz (Da concretude da forma emerge um surrealismo telúrico) às inefáveis e plásticas dissoluções de Willy Biondani (Emoções que se formam e se dissolvem simbolicamente). Nossa multifacetada edição traz ainda: Adriano Ávila (A realidade como cenário e palco, cuidadosamente iluminados.), Claudio Brandão (Realidades para conviver e se rebelar contra a imposição simbólica), Rafic Farah (Fundo e forma propõem uma leitura crítica), Roberto Stelzer (Estéticas geometrizantes que nos jogam para dentro e para fora), Sidney Gaspar (Uma bela recriação do mundo em preto e branco). O registro do real está aqui representado por dois fotojornalistas: um deles, um ícone da fotografia editorial: Lew Parrella (Um mágico engenheiro/

arquiteto construtor de imagens irretocáveis) mestre de uma geração de fotógrafos de mídia impressa; o outro, o jovem Felipe Beltrame (O sensível registro do horror) e suas contundentes denúncias do crime que a empresa Vale do Rio Doce cometeu em Brumadinho. Defendemos o ecletismo em nossas publicações, valorizando jovens e veteranos. Defendemos o ecletismo na sociedade, numa sólida base democrática alicerçada pela justiça para que se apurem culpas e responsabilidades e para que os culpados sejam exemplarmente punidos. Apesar de estarmos vivendo um momento particularmente sombrio de nossas instituições governamentais, mantemos nossas convicções. Acreditamos que a verdade virá à tona e o conhecimento prevalecerá sobre a ignorância. CARLO CIRENZA


Rosângela Rennó vem especulando de forma crítica e poética

sobre o arquivo desde o final dos anos 1980. Seu interesse reside naquela manifestação tão especial quanto mundana, a meio caminho entre as palavras e as coisas, comum à alta e à baixa cultura: a fotografia. Rosângela, porém, é uma fotógrafa que (quase) não fotografa, uma atitude que parece se fundar na constatação do excesso de imagens que a todo segundo inundam o mundo. ADRIANO PEDROSA Belo Horizonte: Museu de Arte da Pampulha, 2002. Folder de exposição.

Gótico, barroco, conceitual. Poesia, memória, tempo. Sujeito, verbo, predicado. Rosângela Rennó nos inunda com arquiteturas gramaticais e literárias. Suas imagens transformam objetos em sujeitos; fotos em sensações imemoriais; espaços em galáxias semânticas. O espectador já não cabe em si, tantos são os apelos para que ele se multiplique nas suas percepções. Para que ele se decodifique nele mesmo para sentir as múltiplas presenças do outro. E são tantos outros... E nesse universo, navegamos ontologicamente, em busca de nosso próprio tempo, de nossa própria memória. Se é o outro que me dá sentido, é na memória do outro que me concretizo historicamente. E me faço e desfaço diante do peso da comunicação de massa. Como torná-la leve? Aqui, o meio é a melhor maneira de questionar a mensagem. Rosângela Rennó, uma das mais importantes artistas plásticas brasileiras, nasceu em Belo Horizonte, MG, em 1962. Vive e trabalha no Rio de Janeiro. Produz fotografias, instalações e objetos utilizando imagens fotográficas de arquivos públicos e privados. Formou-se em arquitetura pela Universidade Federal

de Minas Gerais, em 1986, e em artes plásticas pela Escola Guignard, em Minas Gerais, em 1987. Obteve seu doutorado em ciências da comunicação pela Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo em 1997. Para Alysson Camargo (Obvious / Fotografia domestica/2016/02/rosangela-rennomemoria-sujeito -e-fotografia-contemporanea. html#ixzz5iAetaJuL),

“a questão central no trabalho de Rennó que

perpetua entre várias de suas obras é se é possível que a fotografia, com seu discurso factual, ficcional e bidimensional, consegue resgatar a memória do sujeito, em relação as suas recordações, seus traumas, experiências de vida e sentimentos”.

Ivo Mesquita (“Sem Título” [untitled]. In Seis Artistas na XXII Bienal de São Paulo. São Paulo. São Paulo: Galeria Camargo Vilaça, 1994, p.34-35.) é incisivo:

Questionando os códigos de identificação, as

fotografias não são simples reproduções auto-evidentes do real – Rennó justamente se interessa pela imperfeição da memória e da fotografia, pois ambas são vivências fragmentárias e aproximativas – mas são construções, produtos de um modo de olhar que enreda o espectador numa política do olhar, que evidencia o espectador como senhor do observado.


ADRIANO ÁVILA A REALIDADE COMO CENÁRIO E PALCO, CUIDADOSAMENTE ILUMINADOS. Adriano Ávila é fascinado pela luz. Seu olhar a procura onde ela não está. E o resultado de sua obsessão são composições metafóricas. Um detalhe chama a atenção: há uma distância entre o que elas dizem e o que querem dizer. Para decodificá-las, há que se penetrar na plasticidade nas suas composições. Aqui há dois vetores: por um lado, a exuberância de cores; por outro, e em contraposição quase antitética, a proposição do preto e branco como abordagem dramática do real. E sempre a luz cuidadosa e densamente inserida. O artista trabalha a realidade como cenário e como palco. E como diretor de teatro, nela introduz seus atores. Num Bate Papo sobre fotografia com Antônio Zardos, (, Adriano Ávila revela que muito cedo esteve ligado a diversas áreas da arte, como teatro, pintura e música, mas foi na fotografia que encontrou sua forma de expressão onde fundiu suas vivências artísticas: “A fotografia veio através de uma peça de teatro, ela veio forte mesmo, uma peça de teatro que eu dirigia, onde se usava lama no corpo dos atores, então comecei a trabalhar uma luz no teatro, que ficou maravilhoso enquanto imagem. Pensei: preciso trabalhar isso de outra forma! Tirar do teatro e levar para a fotografia. Foi meu primeiro trabalho e de cara foi premiado. Daí, mergulhei na fotografia.” Adriano tem uma atração especial por lugares que mantêm uma tradição da cultura brasileira: “Um arraial, um quilombo ou uma comunidade de pescadores, que hoje, quase extintos, se tornaram inóspitas ilhas de preservação de uma cultura de fé, simplicidade e harmonia com a natureza e com as coisas da vida. Cada objeto ou indivíduo tem seu próprio

universo, e cada universo, seu mistério. O que busco com a minha fotografia é um pouco desse mistério”. Natural de Alumínio, cidade do interior do Estado de São Paulo, onde nasceu em 1973, Ávila dedica-se à pesquisa e à criação voltada à temática social. Expõe tanto no Brasil quanto no exterior, em países como Holanda, Estados Unidos, Austrália, China. É colaborador da National Geographic, Terra, Horizonte Geográfico, Raça, entre outras. Tem seu trabalho representado por agências e bancos de imagens como Agefotostock, na Espanha, Futurapress e Sambaphoto, no Brasil.


Se o momento atual se caracteriza por excesso de imagens e estas

acabam de tomar o lugar de mediadoras entre humanos e as coisas do mundo, afirmamos que estudar a problemática da imagem desde os seus primórdios nos pareceu uma forma adequada de investigação, visto que, se não vemos mais o mundo através de nossa consciência, alguém está desempenhando este papel por nós. Governos, igrejas e todas as instituições sociais procuram impor sua ideologia com auxílio das imagens na forma de imposição simbólica. CLÁUDIO BRANDÃO REFLEXÕES SOBRE O ATO FOTOGRÁFICO COMO REPRESENTAÇÃO SOCIAL MODERNA Tese de doutorado, 2012. php?strSecao=resultado&nrSeq=21126@1

O olhar de Cláudio Brandão é plurissensório e plurissígnico. Ao retirar imagens da realidade, ele constrói outras realidades. Como publicitário, cria e difunde realidades consumíveis, esteticamente arranjadas, delicadamente postadas para sensibilizar memórias latentes. Nos seus trabalhos pessoais, extrai realidades da realidade, cria tempos e espaços manifestos para concretizar memórias sensíveis e perceptíveis. Na verdade, os dois mundos se interpenetram: a realidade pop, urbana, contundente; e a realidade efêmera, que o capitalismo faz diluir a todo instante. Mas os olhares concretizados em imagens de Cláudio Brandão nos atingem e somos solenemente convidados a refletir sobre qual realidade devemos atuar e que consciência precisamos ter sobre elas. Aqui, ele mistura máquinas, rendas, modelos, nos fala de tempos e espaços, e nos aguça a memória crítica. Talvez, para que possamos nos rebelar contra a imposição simbólica.

Esta série “Matéria de Memoria” mostra dois momentos da já vazia Fábrica de Bordados Hoepcke, que funcionou em Florianópolis entre 1913 e 1979. Brandão ressalta que se trata de um registro, uma reflexão bem particular do refazer constante das cidades, das suas relações com a cultura e das tensões entre memoria e mercado. Cláudio Brandão nasceu em Curitiba, capital do Estado do Paraná, mas mora em Florianópolis, capital do Estado de Santa Catarina desde os dois anos. Formou-se em Engenharia Mecânica na Universidade do Vale do Rio dos Sinos em 1977; mas seu olhar optou pelos visores das câmaras fotográficas. Concluiu mestrado na mesma área em 1985 na Universidade Federal de Santa Catarina. Em 2012, terminou o doutorado na Pontifícia Universidade Católica do Rio de Janeiro defendendo a tese Reflexões sobre o ato fotográfico como representação social moderna. É professor da Universidade do Estado de Santa Catarina. Site:

FELIPE BELTRAME O SENSÍVEL REGISTRO DO HORROR Felipe Beltrame foi a Brumadinho e registrou as consequências visíveis de um crime: o rompimento de uma barragem da empresa Vale do Rio Doce. Fotografou paisagens e pessoas. Aquilo não foi uma tragédia, foi um drama. Pelo conceito grego, tragédias não podem ser evitadas. Um tsunami, um temporal, um furacão, uma avalanche de neve: são forças incontroláveis da natureza. Podem ser previstas, mas não controladas. Tanto em Brumadinho quanto em Mariana, os acontecimentos foram dramáticos; podiam ter sido evitados. Alguém pode e deve ser responsabilizado por eles. Esse alguém é a empresa Vale do Rio Doce e seus diretores. No seu site, Beltrame escreveu:

“Mariana nunca mais marcou a campanha do presidente da

Vale, Fábio Schvartsman. Aconteceu novamente. 26 de Janeiro de 2019, a barragem da Mina do Córrego do Feijão se rompeu. Por volta do meio dia e vinte, a mineradora Vale derramou sua lama sobre os moradores de Brumadinho, matando também o Rio Paraopeba. Esses são registros de dez dias consecutivos nas regiões afetadas pelo desastre (26 de janeiro a 02 de fevereiro, 2019).”

Nestes registros de Felipe Beltrame, o impacto da destruição nos chega por meio de sensíveis enquadramentos. Pode-se falar em arte diante do holocausto? Sim, artistas conseguem transmitir dor e sofrimento artisticamente. Estes são apenas alguns exemplos: Saturno devorando um de seus filhos, de Francisco de Goya; A Jangada da Medusa, de Théodore Géricault; Guernica, de Pablo Picasso. Em algumas destas fotos, Felipe Beltrame consegue. Ele nos oferece sua emoção, seu sofrimento, sua indignação: como um libelo, como um manifesto, suas fotos pedem justiça. Em entrevista concedida à revista Carcará, ele fala sobre

seu percurso:

“Nasci em Araraquara, cidade do interior do

Estado de São Paulo, no dia 14 de Maio de 1994. Comprei minha primeira câmera fotográfica em julho de 2017 e me formei em arquitetura e urbanismo no final de 2018. Aprendi tudo que sei sobre fotografia pela internet ou com o meu tio Ricardo, um fotógrafo e cineasta dedicado à área publicitária. No meu último ano de faculdade, me dediquei a um projeto foto documental no maior aglomerado de palafitas da América Latina. Atualmente, sou fotógrafo independente, tenho um projeto documental em fase de estudo e cubro alguns acontecimentos como fotojornalista. No início, meu objetivo era fotografar surfe, belas paisagens e a vida marinha e assim estreitar ainda mais a minha relação com o oceano e mostrar a sua beleza. Em 2018, minha curiosidade começou a permear outros universos, passei a me interessar pelas histórias de outras pessoas com realidades distintas da minha e vi na fotografia um poder muito forte de comunicar e informar. Hoje me encanto pela fotografia como um documento que permite eternizar realidades e fomentar discussões.” Seu site:

GIANLUCA ZONZA EM BUSCA DA POESIA QUE FLUI DO PRÓPRIO CORPO Ao mesmo tempo em que mergulha na natureza com a intimidade de um expressionista quase abstrato, Gianluca Zonza foge da amplidão e se volta para os detalhes da paisagem e do cenário quotidiano em registros fugazes. E nessa fuga, se depara com ele mesmo, e se oferece esteticamente a si mesmo e aos olhos curiosos. Nesta série, como uma espécie de Narciso comedido, seu corpo parece refletir sobre sua irrealidade corpórea, algo natural e humano, algumas vezes, quase artificial, mas sempre esteticamente emocionante. Este é seu depoimento:

“Nasci no inverno de 1995 em La Spezia, noroeste da Itália.

Segurei a primeira máquina descartável aos 14 anos e ainda me lembro da emoção que senti no momento. Atualmente me dedico mais à fotografia analógica, sou fascinado pelo rolo que flui dentro da câmera. Cada momento tem um incrível poder na minha existência. O que eu vivo todos os dias deixa um sulco na minha pele. O tempo é um tirano, você adormece e, quando acorda dias, estações, anos se passaram.

Registrar um momento, uma emoção ou um arrepio por meio de

uma imagem é meu principal objetivo. Meu trabalho explora de perto a conexão entre delicadeza e sugestão. Meu trabalho observa o paradoxo entre distância e intimidade. Eu amo estar sozinho, a solidão está perto de mim. Ela conquistou uma posição importante no meu ser quieto no mundo. Não falo muito de mim e, se o faço, faço com o meu trabalho de fotografia. Eu reflito sobre questões ambientais, tais como: poluição, mudanças climáticas e espécies animais ameaçadas. Eu também penso muito sobre o significado da vida e da morte. Eu gasto tempo fazendo perguntas e não encontrando respostas. Meu único interesse é fotografar, não quero fazer mais nada. Ambientes naturais e artificiais. A ligação entre a natureza e minha pessoa. O sol, a terra e a minha sombra.

Esta série, chamada Naive, é uma coleção de 40 fotografias

autobiográficas e terapêuticas. Autorretratos em preto e branco. Foi uma escolha deliberada. Este meu trabalho – de 2016 a 2017 - documenta meu humor em momentos difíceis e tristes. Minha pesquisa vem do conceito de delicadeza, ausência e solidão. Este longo trabalho toca minhas dificuldades, minha pele, meu espírito, minha carne, meus defeitos, minhas ansiedades. Com Naive, escrevi meu relato sereno de conflitos e paz interior. Em algumas obras meus ossos ganham vida, criando uma alquimia imperceptível e crua. Naive extrai meu corpo da imaginação para observá-lo com cuidado em uma perspectiva mais suave e profunda em que um senso de identidade individual emerge. Uma estrada de terra intelectual entre o meu corpo e aqueles que olham para ele. Eu não tive uma meta ou propósito específico, mas este projeto transmite um sentido evocativo de poesia visual.”


[...] é papel do artista a construção de manifestações que frequentemente rompem barreiras técnicas, linguísticas ou morais. [...] Do choque à empatia, a representação do corpo na fotografia contemporânea, como elemento da criação artística, provoca sentimentos conflitantes no público e levanta questões éticas sobre suas possibilidades de apreciação estética. [...] não deve caber ao crítico de arte o papel de autorizar a exibição de um discurso imoral, mas sim o de avaliar, a partir de análise objetiva, o mérito da arte em exibir ou a perícia estética do autor, de forma a justificar a escolha da representação, sua forma e sua compreensão pelo espectador. GUSTAVO POZZA A REPRESENTAÇÃO ÉTICO-ESTÉTICA DO CORPO NA FOTOGRAFIA CONTEMPORÂNEA. Dissertação de Mestrado, 2015.

Gustavo Pozza escolheu o mais banal, utilizado e consumido objeto da fotografia para seus trabalhos: o corpo humano. E entre as formas de exposição do corpo humano, aquela que mais se apresenta como objeto, desejo e censura: o sexo. Pozza é corajoso, porque sabe enfrentar esteticamente, com engenho e arte, os olhares enviesados dos tradicionais fundamentalistas. Porque suas fotos são belas, fortes, contundentes, eróticas. Elas não devem ser olhadas furtivamente. Pedem que nos detenhamos, não como voyeurs, mas como alguém que respeitosamente, sabe contemplar e se emocionar com uma obra de arte. Ao realizar sua arte, Pozza nos sensibiliza e convida à reflexão. Por que corpos eroticamente fotografados provocam tanta celeuma em qualquer lugar do mundo! Apesar de discordarem quanto à intensidade, Freud e Young colocam a

libido como um dos motores da humanidade. Mas é também das coisas mais censuradas em todas as culturas. Será essa repressão que atrai e afasta as pessoas do erotismo em fotografia? E por que há tantas revistas pornográficas voltadas para homens e nenhuma para mulheres? Se as bancas de jornal estão repletas de revistas pornográficas, o erotismo nas galerias de arte e em museus é cada vez mais censurado. Pelo menos no Brasil. O que está por trás do desejo reprimido? Gustavo Pozza é fotógrafo conceitual, professor da Universidade de Caxias do Sul, palestrante e pesquisador. Mestre em Filosofia pela UCS (2015), tem graduação em Fotografia (2005 e 2013) e especialização em Imagem Publicitária pela PUC-RS (2008). Ele reflete: – Como é uma coisa bastante comercial, as pessoas têm ideia de que a nudez é unidimensional, que só está ligada à exploração sexual, ao erotismo. A ideia que tenho a passar é de que há outras coisas para explorar. Eu gosto de tirar fotos tanto quanto eu gosto do efeito que elas têm em você. Alguns dos meus artigos e livros sobre filosofia são sobre fotografia e como ela mudou e muda o mundo em que vivemos. Site: http://

LEW PARRELLA UM MÁGICO CONSTRUTOR DE IMAGENS IRRETOCÁVEIS Lew Parrella (1927-2014) era bem mais do que um brilhante fotojornalista. Era uma espécie de engenheiro/arquiteto construtor de sofisticadas imagens. Esteta, extremamente rigoroso nos seus enquadramentos, detalhista, quase nunca recorria ao acaso. Tinha apuro técnico e um olhar mágico. Nasceu em New Haven (EUA), viveu no Brasil por mais de 50 anos, marcou editoriais para revistas Realidade, Claudia, Manequim, Quatro Rodas, Veja. Pouco antes de morrer, doou todo o seu acervo ao Museu de Arte de São Paulo (Masp). O jornalista Silvio Lancelotti o homenageou em seu blog em 8 de novembro de 2014 ( lew-parrella-1927-2014/):

“Na verdade Luigi Giorlando Parrella, filho de dois peninsulares

que haviam buscado os EUA na década de 20 do século passado, o Lew encantava pela sua combinação de charme e cartesianismo. Era organizadíssimo – e superelegante. Ostentava uma cabeleira branquérrima, mesmo ainda jovem, e se escanhoava duas vezes ao dia, no próprio banheiro do andar que ocupava, com o seu estúdio, naquele prédio pioneiro da Abril. [...]. Nem nas situações de mais incômodo, irritação, se contrariava, soltava um palavrão. “

No dia 5 de novembro de 2014, uma semana depois da morte de Lew Parrella, o MASP - Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand prestou uma homenagem ao fotógrafo, publicando um texto do Ângelo Manjabosco - pesquisador em fotografia e, na época, pós-graduando em Estética e História da Arte pela Universidade de São Paulo -, no seu facebook (https:// -falecimento -de-lew-parrella-e-como -forma-dehomenage/10152523220336025/) do qual extraímos estes trechos:

“Estava chovendo, como chove hoje, no dia em

que conheci Lew Parrella. Foi em junho do ano passado, em seu apartamento na Praça da República. Ele apertou minha mão de maneira demorada e disse: ‘Lew é nome artístico. Me chamo Luigi. Sou fotógrafo’.[...] O norteamericano Luigi Giorlando Parrella começou sua carreira como assistente dos fotógrafos Eugene Smith e Phillipe Halsman. Depois, foi curador da Limelight, pioneira galeria de fotografia em Nova York. Convivia com Edward Steichen (então curador do MoMA), Edward Weston e o escritor Henry Miller. Na galeria, organizou a primeira exposição individual da fotógrafa Claudia Andujar, em 1960. Foi Claudia quem o trouxe para o Brasil (em 1961) e com ela viajou pela Amazônia, Bolívia e Perú [...] Aos 37 anos, Lew [...] assumiu o posto de diretor do departamento fotográfico. [...] Era parte de uma equipe que tinha, entre outros fotógrafos, Maureen Bisilliat, Walter Firmo, David Zingg, George Love, Luigi Mamprim, Jean Solari, Cristiano Mascaro e a própria Claudia Andujar. No começo dos anos 1970, passou a atuar como fotógrafo independente. [...] Lew parou de fotografar no princípio dos anos 2000. Sua vista cansada já não tinha a precisão de antes.”


Nós viemos da natureza. Nós fomos criados por suas forças. As

fontes que construo são projetadas para nos reconectar com a matriz da vida. Para nos lembrar, mesmo em nossas vidas interiores, que somos parte do milagre da vida. PAUL WINTERNITZ

Paul Winternitz trabalha uma realidade ancestral, atávica. Seus objetivos transcendem seus objetos. Místico e romântico, ele nos propõe uma catarse a partir da transformação de objetos em sensações. Assim como William Turner, em seu quadro The Burning of the Houses of Parliament, de 1835, nos coloca diante das chamas, e elas quase nosso queimam, Winternitz nos propõe vivenciar a transformação do mundo. A explosão primal se multiplica em cada cena. Mesmo nas mais objetivas, quando iconograficamente ele torna real algo imagético. E essas imagens turvam nossa percepção. Seriam momentos que o universo destacou para nos alertar de algo especial? Contudo, no momento seguinte, emerge o surreal. Tanto nas fotos quantos na nossa imaginação. Somos suficientemente conscientes para administrar nosso atávico inconsciente percorrendo a história do universo? Paul Winternitz, fotógrafo norte-americano, esteve São Paulo em 1997 para participar do Mês Internacional da Fotografia, quando fez uma exposição no Centro Cultural São Paulo. Num e-mail que enviou ao editor de Carcará, Carlo Cirenza, ele revelou: Parece que minha obra de arte contém a minha vida, me deixando saber o que realmente está acontecendo dentro de mim mesmo. Quando fui para São Paulo nos anos 90 para minha exposição, foi a primeira vez que ouvi a palavra xamã ligada ao meu trabalho. Eu acho

que veio de você! No início dos anos 2000, fui agarrado pelo mundo espiritual! Tem sido uma viagem desde então! Parei de fazer qualquer trabalho de arte por um tempo e concentrei todo o meu tempo livre explorando minha esfera interna. Os mundos mais aterrorizantes e belos e profundamente significativos dentro dos mundos. Eu fiz um fotolivro sobre essas experiências. Eu também comecei a fazer fontes espirituais. Mas sendo que no meu eu mais profundo eu continuo fotógrafo, as fotografias que eu tirei das fontes emergiram como obras dessa parte interna de mim.Eu tenho um site sobre as fontes Wellspring Healing Fountains: https://

No seu site, ele fala sobre o que parece ser a inspiração de seus trabalhos atuais:

Fontes da fonte

Não há nada como água. Acalma, cura e

rejuvenesce. Quando se move seu som é profundo. Isso torna a vida possível. O objetivo do Wellspring Fountains é trazer a beleza da água corrente para nossas vidas. A Wellspring se concentra em usar a capacidade da água em movimento para amplificar o poder de cura da geometria sagrada, das pedras e das energias da Terra. Esta água carregada traz uma sensação de quietude e profundidade em nossas casas e locais de trabalho para nos ajudar a curar. Pode nos fazer parar e ser gentil lembrete de que somos parte do milagre da vida.

RAFIC FARAH FUNDO E FORMA PROPÕEM UMA LEITURA CRÍTICA Uma modelo negra andando no centro de uma cidade não é uma modelo branca desfilando numa passarela da moda. Na passarela, esforça-se pelo glamour e a modelo é apenas um objeto, um cabide que se movimenta. Ela não tem importância. O importante é a roupa. Quando uma negra anda pela cidade, ela não apenas compõe o cenário. O corpo cresce, preenche as ruas, se contrapõe aos equipamentos urbanos e aos signos linguísticos das paredes. Aqui, o corpo é linguagem e se apresenta como sujeito. Nosso preconceito emerge. Há que se ter consciência dele para exorcizá-lo. Haverá o dia em que todos os corpos serão iguais e valorizados como protagonistas de suas subjetividades. Rafic Farah, delicadamente, esteticamente, nos admoesta. Sua verve quase humorística nos conduz na busca de significados. É a beleza da modelo que se destaca no discurso enviesado de textos e fachadas. Aqui, a fotografia também exige um olhar crítico, não apenas contemplativo. Fundo e forma metabolizam nossa consciência. Rafic Farah é um dos mais importantes designers graficos brasileiros. Formado na Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade de São Paulo (FAU-USP), em 1976, o paulistano Rafic Jorge Farah é também roteirista, cenógrafo, fotógrafo, designer de mobiliário e de objetos. Nos tempos de estudante, sonhava escrever roteiros para o cinema. Desde 1979, trabalha em seu estúdio, o São Paulo Criação, onde cria projetos de comunicação utilizando diversos meios, sobretudo arte e design. Tornou-se conhecido pela criação de cartazes, logotipos e catálogos para importantes marcas e restaurantes brasileiros, além de projetos gráficos para revistas e livros. Recebeu prêmios e participou de diversas exposições

internacionais, como em Paris, Tel Aviv, Roma e Frankfurt. Em 2001, representou o Brasil com 30 obras na mostra “Graphistes Autour du Monde”, na capital francesa. Foi vencedor do Prêmio Design Museu da Casa Brasileira com a luminária Finestra (1988), com o banco Osso (2013) e finalista com a mesa de centro K2 (2013), ambos lançados com exclusividade pela Dpot, e recebeu menção honrosa 6ª Bienal Internacional de Arquitetura de São Paulo (2005) pelo projeto da residência unifamiliar da Rua Pombal. Seu site:


A cabeça polivalente e o olhar abrangente de Roberto Stelzer

nos propõem plásticos enigmas como um teste de Rorschach. Só que com uma estética geometrizante. Além da emoção estética, o que ele pretende que decodifiquemos em nós mesmos? Contemplar geometrias exige paciência. É preciso calma para não se perder em curvas e retas e no encontro delas. Mas é exatamente nessa paciência que podemos usufruir da beleza das retas e curvas e de seus encontros. Tanto o Rorschach quanto Stelzer provocam ensimesmados. Nessas situações, muitas vezes, nos encontramos. Mas aqui há uma diferença básica além das contundentes linhas, retas e curvas: não há ninguém para interpretar o que vemos e sentimos. Apenas nós mesmos, e nossa infinita individualidade. As fotos de Roberto Stelzer nos jogam para fora e para dentro delas; para fora e para dentro de nós mesmos. E nesse transitar podemos deixar aflorar múltiplos sentimentos e conhecer nossos caminhos interiores. Experimente!

Roberto Stelzer nasceu em 1966 na cidade de Santo André,

Estado de São Paulo, e desde 1984 vive e trabalha na Capital São Paulo. Começou na fotografia profissional em 1988, como assistente nos estúdios de Claudio Elisabetsky, Tuca Reines e Bob Wolfenson. Em 1995, abriu estúdio próprio para trabalhos autorais, publicitários e editoriais. Entre 2000 e 2001, começou seus estudos de pintura e gravura com Selma Daffre; de gravura em metal com Cláudio Mubarac; e de desenho criativo com Dudi Maia Rosa. Sua primeira individual de pintura foi “Aeroplanos”, em 2004, no hospital Albert Einstein. Também em 2004, documentou uma seleção de obras relevantes da arquitetura e engenharia do Estado de São Paulo para a mostra comemorativa dos 70 anos do CREA-SP, em projeto conjunto com o fotógrafo Gal Oppido, que gerou exposição no Memorial da América Latina. Nos anos de 2005 e 2006, Stelzer fez o

curso de Industrial Design no Istituto Europeu di Design de São Paulo. Nos anos seguintes, lecionou fotografia na mesma escola. Em 2007, fundou a empresa Troyart, que desenvolve personagens e objetos lúdicos. Em 2011: realizou a exposição fotográfica “Stay Robots! 45” na loja/galeria The Early Bird Hype, em Berlim, Alemanha; seu “Livro Branco Nº1” foi selecionado para a Bienal Brasileira de Design, em Curitiba; e recebeu o selo Design Excellence Brazil. Em fevereiro de 2012, Stelzer recebeu o prestigioso prêmio IF Design Awards pelo “Livro Branco Nº1”, em Hanover, Alemanha. Em dezembro de 2012, fez a exposição “Robografia”, individual na Galeria Mezanino, em São Paulo, onde mostrou nova série de gravuras feitas com matrizes criadas com corte laser, além de pinturas, fotografias, esculturas e assemblage de acrílico.









comunicação, mas não conseguimos escapar dos grandes dilemas, como o medo da solidão, da morte, de não realizarmos nossos sonhos. SIDNEY GASPAR

Sidney Gaspar sente o mundo em preto e branco. Quer dizer, na verdade, ele recria o mundo em preto e branco. A realidade multicolorida não preenche a emoção individual de retirar nuances e deixar apenas duas cores e suas tonalidades entre elas. Aqui, o real é primeiramente imaginário, uma espécie de inconsciente coletivo tornado individual e, por meio de cliques e tratamentos de imagens, concretizados num fiat lux après la lettre. Talvez ele nos proponha: a vida está à nossa frente para ser recriada; e a arte pode ser uma excelente aliada. Seu olhar e seu consciente, então, nos brindam com belas realidades para povoar e estimular nosso inconsciente. Psiquiatra, fotógrafo autodidata, Sidney Gaspar cria seu trabalho a partir de fotografias diurnas. O objetivo é reproduzir a noite americana, quando Hollywood filmava durante o dia cenas que eram noturnas. Em depoimento para a revista Carcará, ele comenta:

Vejo a fotografia como uma possibilidade de ser arte, visto que

um dos maiores pilares da arte é como o artista vê o mundo, e isso a fotografia também permite, pode se mostrar o mundo em detalhes, em outros ângulos ou outras formas, pode sim ir muito além de mostrar uma imagem, mas sim uma visão desse objeto fotografado. Creio que a fotografia se vulgarizou, mas isso faz com que tenhamos diferentes expressões fotográficas, das banais do cotidiano até a criatividade levada ao extremo, com muitas fotos maravilhosas e artísticas.

Sidney Gaspar nasceu em São Paulo, no dia 03 de

novembro de 1955. Aprendeu a perceber a importância do detalhe na construção da história da vida das pessoas e dessa forma também a olhar via fotografia os detalhes, das cidades, das montanhas, dos pássaros etc.: Comecei a fotografar numa Kodak aos 12 anos nunca mais parei. Participei de cursos de direção de cinema com Carlos Reichenbach e Júlio Bressane; de direção de filme publicitário na ESPM; pintei durante alguns anos. Gostei muito das fotos em cores, semelhantes aos meus quadros que eram muito coloridos, mas de uns 10 anos para cá passei a editar minhas fotos em preto e branco e hoje praticamente todo o meu trabalho é nessa apresentação. Quando faço um clique, já enxergo a imagem no preto e branco. Nos últimos três anos participei de alguns concursos tendo sido selecionado para expor na Agora Gallery de New York e tive três fotos selecionadas em dois anos consecutivos no Black & White Spider Awards na 12ª e 13ª edição respectivamente.”


Efêmero Perpétuo é um [...] estudo da linguagem artística

calcada na relação ontológica acerca dos ciclos da existência, simbolizados pelos quatro elementos essenciais: água, terra, fogo e ar. [...] Distante de conceitos mirabolantes cuja incapacidade de serem transmitidos quase sempre tornam o trabalho incompreensível, as sutis e delicadas fotografias sustentam uma narrativa que, apesar de metafísica na essência, chega a ser até mesmo objetiva, deixando o leitor confortável em seu entendimento. JUAN ESTEVES

Com muita simplicidade, os quatro elementos se transubstanciam em imagens bidimensionais. Do físico ao metafísico. Os quatro elementos em cianotipia (água e ar) e marrom Van Dick (terra e fogo) trazem a transparência da transcendência. A suavidade das imagens, a proposta de impressão, o distanciamento epistemólgico: estamos diante de obras de arte que remetem ao ensimesmamento, à reflexão. Não são apenas contemplativas; são reflexivas, filosoficamente apresentadas. Há algo de essencial, um convite para que cada pessoa percorra seu caminho, quase realize uma anamnese. Porque o tempo é curto e a vida breve, Silvana Tinelli nos lança calmamente no vórtice da existência, contrapondo-nos tempo e espaço. Seu livro, Efêmero Perpétuo, com edição de Eder Chiodetto, lançado em 2015, usa técnicas de revelação do século XIX. Juan Esteves explica: Cianótipo, também chamado de blueprint, traz uma bela cor próxima do azul prussiano. Entre os processos alternativos do século XIX, é um dos mais simples que atende tanto aqueles iniciantes quanto

os mais versados. Van Dyke brown, ou marron van Dyke, é resultado da ação da luz impregnando sais férricos. Como o anterior, é também um processo simples de produção. O nome é uma homenagem as cores das pinturas à óleo do mestre flamengo Anthony van Dyke (1599-1641). Ambos processos são de 1842 e tem suas origens nas pesquisas do astrônomo e químico inglês John Herschel ( 1792-1871).

Quem é Silvana Tinelli? Ela se define: expublicitária, artista e empreendedora com mais de 28 anos de experiência em fotografia e publicidade; cozinheira, amante das artes e dos bichos. Nasceu na Itália, mas elegeu o Brasil para morar, formar a sua família e trabalhar. Fez da fotografia sua forma de expressão. Apos vender sua agência de publicidade, dedica-se exclusivamente a atividades artísticas pelas quais sempre foi apaixonada, como fotografia, pinturas e cerâmica. Seu portal: https://www. Silvana Tinelli / Gastronomia, Cultura & Arte.

WILLY BIONDANI EMOÇÕES QUE SE FORMAM E SE DISSOLVEM SIMBOLICAMENTE O que diria Morandi destes continentes espectrais? O que seus olhos contemplariam? Ele que foi tão sutil, melífluo, suave nas suas composições se depararia com uma antítese. Infelizmente, Morandi não teve esse prazer. Contemplar as formas de Biondani é mergulhar numa inóspita realidade, emocionante, onde buscamos significados em signos inconsúteis, formas que se compõem e se dissolvem esteticamente, oferecendo uma beleza que atropela nossa memória organizada. Ele não quer ordem, propõe desordem. Uma desordem para se contrapor a nossa necessidade de racionalidade. São fotos para serem sorvidas lentamente, em seus múltiplos simbolismos, significados e nuances. Willy Biondani, fotógrafo e cineasta brasileiro nasceu em São Paulo, em 1961. Formou-se na Faculdade de Belas Artes e começou sua carreira nos anos 80 como assistente de fotografia. A partir de 1982, passou a assinar seus primeiros trabalhos, especializando-se nas áreas de moda e publicidade. Morou em Paris entre 1989 e 1995, tendo começado a fazer filmes publicitários em 1992, inicialmente como diretor de cena. Tem trabalhos publicados em revistas como a inglesa ID, a alemã Wienner e as francesas Votre Beauté e Marie Claire. Como fotógrafo também seus trabalhos foram exibidos em galerias e mostras como: Bienal de Roma, coleção Pirelli/MASP, exposição La Gitane, projeto Arte/Cidade, 1a bienal internacional de fotografia e mostra no Ludwig Museum. Voltou para o Brasil em 96 e dirigiu campanhas publicitárias para clientes como Unilever, L’Oréal, Procter, Siemens, Nivea, Natura e GM. Dirigiu o curta-metragem Noites brancas num sábado de glória, ao lado de Victor Lema Riqué. Em 2005, fundou a produtora BossaNovaFilms. Foi um dos diretores

de Sertão: Veredas, filme mesclando ficção e documentário, baseado na obra Grande Sertão: Veredas, de Guimarães Rosa. Em todas as suas obras, o simbolismo das imagens têm um lugar central na narrativa. Além do Homem é o seu primeiro longametragem. Site: br/diretor/pt/30/willy-biondani

Credits Publisher: Alaide Rocha Editor: Carlo Cirenza Research and text: Fernando Rios Graphic Project: Marcelo Pallotta Designer Assistant: Katharina Pinheiro Translation: Bruna Martins Fontes Acknowledgements: Galeria Vermelho, Eduardo Brandão, Gabriel Zimbardi, Edouard Fraipont, Rosângela Rennó and Gabriela Carrera. 1 - Suggestions, complaints and praise should be sent by email to: 2 - Portfolios should be submitted in the following format: JPEG ( 20 x 30 cm ), 300 dpi by email to:

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