Carcara #13

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#13 SPRING 2018


Cover Photo: Marcio Scavone


EDITORIAL FROM PAPARAZZI MAGAZINE TO CARCARA PHOTO ART The editorial of the first issue of Paparazzi magazine, in 1995 to 2003, stated that Indians from Xingu region, in Brazil, were afraid of photographers and photography. They believed photos took away their souls. To me, the Indians were a little right: photographers don’t steal souls but reveal souls of people and things. Some of them, in this moment, could be classified as divine, like Ansel Adams, Henri Cartier-Bresson, Sebastiao Salgado, Anna-Lou (Annie) Leibovitz, Steve McCurry, Richard Avedon, Robert Capa, Helmut Newton, Robert Frank, Walter Firmo Guimaraes da Silva, Irving Penn, Diane Arbus, Elliott Erwitt, Alberto Korda, Mario Testino, Arnold Newman, Josef Koudelka, Pierre Verger, Walker Evans, Sally Mann, W. Eugene Smith, Vivian Maier, Patrick Demarchelier, Bob Gruen, Dorothea Lange, James Nachtwey, Martín Chambi, Evandro Teixeira, Marc Riboud, Brassai, Gregory Crewdson. Impossible to mention them all. By revealing the soul of things and people, photographic art relates to time, space and memory. Paparazzi magazine had a philosophy and a mission: contributing to make human beings reproduce their memories, revealing what their sensitivity creates, what they see and feel, fearlessly, artistically. The publication of that magazine, the achievement of a nine-year dream, was interrupted. However, that dream was resumed: this Carcara magazine is kind of Paparazzi’s child, a child who takes on that purpose. Publicizing and appreciating photographic art with the same commitment: to multiply the register of souls of things and people, from concrete to abstract, using sensibility, the mythical look and the magic gesture of the photographer’s hand. CARLO CIRENZA


DENSE PORTRAITS, SLIGHTLY DENSE, THAT QUESTION US I have always been a photographer. I spend my life dialoguing with light. I have a strong connection with the pose. [...] I think pose, in portrait, is a safety mechanism. Marcio Scavone There is tension in Marcio Scavone’s portraits. But there is also gentleness. A slight tension that touches our look and doesn’t leave us unaware of the characters’ subjective circumstances. Identified or not, they provoke us and want to know more about our intentions. Ontologies hover in the light that leave the eyes that contemplate us. In this intense exchange of glances, we are filled with beauty, care, heat, anguish, doubt, affection, mystery. In this deep relation to which Marcio Scavone’s portraits invite us, there is never indifference. In his book Copo de Luz (Sao Paulo, Alice Publishing Editora, 2018, p. 136), Scavone says: “No photographic mode has used the resources at its disposal, technical, creative, esthetic or simply formal, to tell a beautiful ´lie´. Yes, for what for the photographer is the definite search for someone, for others, the one that looks back at the camera, the portrait ends up being a hide and seek game.” Marcio Scavone was born in Sao Paulo, SP, in 1953. He started photographing while he was still a child, with his father’s Rolleiflex. At 20 he already worked as an ad photographer. In the 70’s he studied photography at Ealing College, in London. In 1998, he was one of the 50 photographers who were chosen for the celebrational issue of Hasselblad’s 50th anniversary. He won several awards in advertising, such as Clio Awards and Cannes’ Gold Lion. He is the author of “Marcio Scavone e Entre a Sombra e a Luz”, 1997; “Luz Invisível”, 2002; “A Cidade Ilustrada”, 2004. He is a member of Academia Paulista de Letras.

Marcio Scavone


E entre a sombra e a luz. Paris, 1990


A turista. Londres, 1975


Dalma Callado. SĂŁo Paulo, 2003

Branca Messina, Trip. Rio de Janeiro, 2008


Campanha Folha de São Paulo. Agência África, 2008

O sonho de Alexia. Nova York, 2014


Luis Fernando Verissimo. Porto Alegre, 2002

Maria Alice Arida. SĂŁo Paulo, 2015


Retrato de Peter Beard. Cassis, Franรงa, 2008

Ainesh. Nepal, 1995


Emanuel Araujo. São Paulo, 2001

Elliot Erwitt. São Paulo, 2008


Autorretrato, E entre a sobre e a luz. SĂŁo Paulo, 1995

Firmo. SĂŁo Paulo, 2004


Franz Krajberg. São Paulo, 2005

Lorca. São Paulo, 2004


José Zaragoza, Vogue. São Paulo, 1999

Liza et Paris. Paris, 2004


Maurren. SĂ o Paulo, 2004

Lorenzo. Campos de JordĂŁo, 2014


Oscar Niemeyer. São Paulo, 2002


ATEMPORALITIES RESCUE MEMORIES THAT MAKE THEMSELVES PRESENT What do we hear when we see Chico Gomes’ images in “Na Avenida - Maracatus e Afoxés”? We hear the sound of colors, we dance with the bodies. Here, temporalities seem to rescue memories that make themselves present. And they invite themselves to live forever. These images that pass through before our eyes are singular and plural. Suddenly we feel part of this euphoria, we are characters too. And tradition becomes part of our life. Chico Gomes says: “This is a work of 12 years capturing images, with over 26 thousand photos. It started in 2005 and the idea was always to show it in a publication, documenting the importance of this big cultural event for the city of Fortaleza. In December 2013, he published the book Homens Caranguejo, with Sergio Carvalho, Sergio Nobrega and Henrique Claudio. Amongst his many shoots are: Poetica da Saudade, about the city’s largest cemetery; and “Francisco de Caninde”, thirteen years of image documentation of Sao Francisco’s pilgrimage in Caninde. Francisco Antonio Oliveira Gomes, Chico Gomes, graduated in Fashion Design and has been photographing for twenty years. He has won several awards, like: Leica-Agfa, in 2004; Premio Chico Albuquerque, 2005; Curta Canoa, 2009; and Salao de Abril, from 2003 and 2005. He works in Fortaleza and publicizes Ceara’s photography, being one of the founders of Instituto da Fotografia do Ceara - IFOTO. He created and coordinates the Feira da Fotografia Fortaleza, an event held at Centro Dragao do Mar de Arte e Cultura every two months.

Chico Gomes














VULTURES AS A METAPHOR Each photo of Diego Fagiolo Bombonatti is surrounded by hundreds of people. By simply closing our eyes we can see them moving amongst the shadows of these bad omen birds. However, the birds are good, they are in charge of cleaning the landscape. But they can’t hide people. This exercise of arte povera reports a side that a part of society turns into something rotten, a side we daily try to forget. Bombonatti virulently points his finger at us: reports us, judges us, condemn us. He makes political fine art and forces us to think, reflect upon the consumerist society, capitalism, the exploitation of human beings, dignity, ethics. His photos may not earn a place in family rooms nor decorate an office. But they are permanently nailed in our memory. Diogo Fagioli Bombonatti presented an interesting graduating work in 2017, called FotoStampa, for the course in Multimedia Production at Unisanta - Universidade Santa Cecilia, in Santos. He deconstructs photos, turning them into drawings to be printed in T-shirts. He writes: “Photography expose important moments for the history and architecture of Baixada Santista. The project is made in the most artisanal way, an attempt to go against mass production graphic processes possibly originated by capitalism. My biggest source of inspiration are the experiences of interaction with physical means (photography) and social ones (especially teachers), and then the project alludes to Bauhaus and Constructivism.” The work can be read at: https://pt.scribd.com/ document/365659488/FOTOSTAMPA

Diogo Fagioli Bombonatti







METALINGUISTIC METAPHORS THAT ASK FOR A SENSITIVE AND INQUISITIVE LOOK “I am a person with a camera and another without it. I myself prefer the person I am with the camera. Photography was the lifeline for difficult times in my life and became, since then, a very special psychological space for me.” Iata Canabrava Iata Cannabrava chose sensuality to speak of black people. Black mystique and mythology explode and come together before our eyes. Before these beautiful and visceral images, we also come across our prejudice. We learn to depreciate black people as human beings, but to appreciate sensual aspects. Iata Cannabrava’s art doesn’t intend to avoid prejudice, which is impossible. He only intends to report it and fight it, artistically. There will surely be one day in which we won’t note the color of a person. This day, however, hasn’t arrived yet. But art is surely one of the best ways to make it happen. So that we can stay only with the emotion that our eyes bring, with no prejudicial filters. These metaphotos, metalinguistic metaphors, of an absolute realism, wait for our look, not only contemplative, but critical, inquiring, sensitive. This shoot has been awarded Marc Ferrez award (1988), from Funarte. With over 40 exhibitions and 90 workshops in his resumé, he is also responsible for many photography festivals (Paraty em Foco, Valongo em Santos). Iata Cannabrava, curator and cultural agitator, is one of Brazil’s most acclaimed photographers and one of the most important culture managers in Latin America. He created and is the curator of Forum Latino Americano de Fotografia de Sao Paulo. He got his first câmera when he was 15 to 16 anos years old and lived in the elementary school Basica do Campo, in Cuba, with his parents, in political exile from Brazil’s military dictatorship.

Iata Cannabrava











IMAGES THAT REGISTER, VALUE, REPORT AND QUESTION Everything is telluric in Jean Lopes’ photos. There’s immense will to live, a great fight for survival. There is symbiosis of bodies, human beings and nature. In big and minimal details. Even in urban spaces, Jean Lopes makes a point of registering, valuing and reporting. In color or black and white. At the same time, he pays homage, he reveals his indignation. He presents us to forgotten humans, that live intensely. What can be more prosaic than a greasy pole? People trying to reach the highest point, but they slip. People watching someone who avidly tries for a gift. A traditional play that turns into a reason to get people together and live together happily. What a beautiful metaphor! Jean Lopes asks us to stop a little, to leave our consumerist universe, our alienating daily lives, to think about how to make apparently meaningless things meaningful. His photos are eternal questions. In this series, called “Pau de Sebo”, he seems to ask: what are you doing with your life? Do you have your greasy pole? Jean Lopes has been photographing since 1992. He was born and works in Assu, a city located 200 kilometers west of Natal, the capital of Rio Grande do Norte. “I haven’t taken any course, I had contact with techniques from publications, and I have learnt from practice.” He won over 60 awards. He won twice the contest Leica-Fotografe (2006 and 2007). He was also awarded the international POY-Pictures of the Year Latin America 2013. He took part in dozens of exhibitions in Brazil and other countries.

Jean Lopes














A WORK OPEN TO SENSITIVE, CREATIVE AND SENSUAL PERCEPTION Kazuo Okubo is an ecumenical photographer. He has a sharp look for everything around. He is polyvalent, multifaceted. He intends to give meaning to any kind of flagrant. Sometimes he captures a nab; some other times he creates intellectually the nab and makes it concrete. Between real reality and imaginary reality made concrete, he affords the luxury of making humor. In all situations, Okubo chooses esthetical rigor. So, his multiple themes can sensitize multiple eyes. As in this shoot. Here, he creates a bodily universe. Body surfaces – planets? Nocturnal mountains of a desert? Magical sensual spaces that orbit our minds? Incentives for our voyeurism? All this and more: these are works which are open to our sensual, creative and sensitive perception. Kazuo Okubo Kazuo Okubo, authorial photographer, adman and gallerist, was born in Brasilia in August 1959. He began his career at 15, as his father’s assistant – Arlindo Okubo, owner of Cine Foto Okubo. In 1989, he started at advertising photography and received many awards. He has been developing authorial works since 2003. He created the first gallery of Midwest region that is specialized in photographic art, A Casa da Luz Vermelha. Amongst his individual exhibitions are: Minha praia (mObgraphia award, MIS, 2015); PAISAGimagem (curated by Rosely Nakagawa, 2012); and De todas as formas (curated by Paulo Faria, 2007). Coletivas: Onde anda a onda (Museu Nacional da República, 2015); Brazilian eyes (Miami, 2015); West Encounter East (Miami, 2012) and 11 Photographes Brésiliens (Paris, 2009). Photographers Terry Richardson, Noboyushi Araki and David La Chapelle are three of his inspirations.









AN INVITATION TO LIVE AN ECOLOGICAL HISTORICITY Monica Zarattini forces us to stand face to face with reality. She takes the reality that her eyes register and shows us reality as a whole. Each photograph exists wholly in itself. There is a kind of totality in the landscapes and pictures captured by Monica Zarattini. Her pictures seem to call us to be part of them. They seem to tell us that we are both part of the landscape and of history, not mere observers. There is a kind of ecological historicity in these images. Monica Zarattini travelled, between 1989 and 2016, to Bahia’s wilderness, where Guerra dos Canudos took place (from November 1896 to October 1897). In her first trip, she was going to write an article on the 80th anniversary of Euclides da Cunha’s death. In 2016, she met again five people who got very emotional to see their own images from 27 years before. These shoots are in the book Plano, seco e pontiagudo (Coedição/Editora Ipsis and Editora Madalena). Monica Zarattini is the daughter of ex-federal representative Ricardo Zarattini Filho, who was arrested, tortured and accused of terrorism after 1964’s military coup. Today she celebrates victory over lies spread out by the press. “My father, old Zara, won a lawsuit against Diario de Pernambuco! The day after his imprisonment, in 1968, the newspaper said he was the mentor of an attack and that he had placed a bomb that exploded at the airport of Guararapes, to hurt president Costa e Silva, in 1966.” Monica Zarattini graduated in History at Universidade de Sao Paulo, where she also took a master and a doctoral degree. She has worked as photographic reporter and photography editor at O Estado de S. Paulo newspaper.

Monica Zarattini









(VISIBLE) MEMORIES FROM INCARCERATION LEONEL KAZ(*) Nana is a small, thin, short-haired woman, with a candid, yet stinging glance. She could be taken for a prisoner. Someone who suffered in flesh and spirit the bitterness of life. However, Nana has not committed any crime. Nana got interested, at first, in road side prostitutes. Now, she got closer to women who were condemned to Brazil’s incarceration system. The one where the first measure taken is to marginalize them from socializing with their children. The artist entered the cages where they are kept incarcerated, these women, in Rio state. Only a little bunch of them agreed to be portrayed. To handwrite letters to their children. Who allowed Nana to photograph them. And to listen to testimonies of both sides, in word incarcerated in absence. That physical absence, that hurts, of bodies of mothers and children who don’t see each other. And don’t even touch. This could have been a photographic art shoot. It isn’t, although the photos, emptied of people, show light and shadow in grids, doors, cement banks of the penitentiary. Then there is the counterpoint between the faces of the condemned and the portraits embroidered, by the artist, with phrases from their children. This set originated the exhibit “Ausencia”, which took place in Rio and Paraty. There is a moving contemporaneity in Nana. The artist had no intention of reinventing tragedy. Or promoting hope. In a daily life so buried by commonplace, Nana writes us a letter, like all the others present here, to tell us that, beyond the grids and the anachronism of the criminal system, there is always a place for life to sprout, resurface, dazzle. (*) LEONEL KAZ IS A CURATOR, JOURNALIST, RESPONSIBLE FOR UQ EDITIONS AND AUTHOR OF THE TEXT FOR THE EXHIBIT AUSENCIA.

Nana Moraes











APPRECIATION AND PROMOTION OF PHOTOGRAPHIC ART Paparazzi was the first Brazilian magazine dedicated exclusively to photographic art. Twenty-three issues were published from 1995 to 2003. In 1999, the publication reached the American market, and up to 2003, its last year, it had circulated in 13 countries. Paparazzi magazine was one of the main media for photographic art, publicizing the work of great Brazilian photographers such as Geraldo de Barros, the Oiticicas – Jose Oiticica Filho, Helio Oiticica, Cesar Oiticica Filho -; Klaus Miltteldorf, Rui Mendes, Fabio Cabral, Grete Stern, Paul Winternitz, Willy Biondani, Donaire, Odires Mlászho (who first appeared at Paparazzi). As an extension of the magazine and with the same name, editor Carlo Cirenza created a street gallery of photographic art in the wall in front of municipal elementary school Pedroso de Morais, in Pinheiros district, in Sao Paulo; a 30-meter wide showcase that exhibited around 20 great photos from the magazine every month. Carlo Cirenza has always proposed to promote photographic fine art. This Carcara Photo Art is the continuation of this commitment, which will be expanded with the creation of Carcara portal, which shall have a gallery, a book shop, biographies and news about photographic fine art industry. Photographer, pressman and business manager, Carlo Cirenza, 58 years old, editor of this magazine, confesses: “What I like most to work with is the art market. It is very hard to survive, but this is the field in which photographers can exercise, free from agendas or interests, considering only their sensibility to make art”.

Paparazzi Magazine














A DEMIURGE WHO CREATES WORLDS WITH AGGRESSIVE PLASTICITY [...] from chance to chance, the eyes of the photographer create art where common eyes don’t see it. In their inversions/inventions, the photos gain colors still inexistent, counterintuitive movements, nonsense revelations about life, which seem impossible to explain. And that the photographer look helps us understand. Laura Barile Every instant Penna Prearo creates a world. But not little by little, like God. He doesn’t wait for seven days, he creates it immediately and at once. Prearo handicrafts worlds. Each series of photos compose a world. A world which disappears from the universe and resurfaces framed by Prearo. He gives us, as a gift, his worlds, sculpted in an aggressive and overwhelming plasticity. A surreal metabolism pervades his works. He doesn’t reveal intentions. Nor claim interpretations. He lets our emotions explode and reinvigorate at each glance. Prearo is a demiurge creator: he takes his worlds out of his hat/camera and deliver them for us to enter them and delight ourselves mysteriously. Penna Prearo was born in Maylasky, Sao Paulo, in September 1949. He says: “I arrive at the capital as an outsider and a dreamer around 1968 and 1969, when I was 19 to 20.” In the text “Tribunal das pequenas alterações”, Prearo ponders: Sao Paulo is a puzzle that doesn’t end, it has grown to expand horizons and horizons now overlap vertical walls. Sao Paulo has a river which isn’t a river, a mirage in constant transmutation. It requires a f-r-a-g-m-e-n-t-e-d look. The images form a kind of legography. I am a musician who takes photos. I dance according to the song, but don’t deceive the conductor: in the first breach I change the arrangement. Life is too short and time roars. Good morning to all on Earth!

Penna Prearo
















DAGUERREOTYPE MAKES EROTICISM AND PORNOGRAPHY POPULAR There is a basic difference between eroticism and pornography: in eroticism, subtleness prevails; in pornography, mockery predominates. However, eroticism and pornography have been part of mankind history since pre-historic times. Erotic or pornographic scenes already adorned walls of caves 30.000 years ago. Since then, through antiquity, Romans and Greeks (how they liked some dirty stuff), Middle Ages (despite the explicit surveillance of Catholic Church, we can see that in “The Garden of Earthly Delights”, from Hieronymus Bosch); libidinous figures of the Renaissance and Baroque; the Romantic art; modern and contemporary art. Art, in general, chooses erotic. Mass communications, though, opened pornography wide. And photography took care of multiplying and massifying sex, both subtle and explicit, since 19th century, through the daguerreotype. These photos were published in 1991, in the book “Akademien - Erotik & Pornografia em Der Daguerreotype”, by Kabinett, Überherrn/Saar, Germany, an edition with 500 copies, 72 pages, which reproduces colored daguerreotypes from the 19th century, from Uwe Scheid’s collection (1944-2000). The core of his collection were artistic erotic and pornographic photography from 1840 to 1940. Uwe Scheid was a tradesman and lived in Überherrn-Berus. He was one of the world’s most important collectors of erotic art. His Uwe Scheid Collection became the most famous of his time. Scheid was a member of German Photography Society, European Society of Photography History, Daguerre Club and Daguerrean Society.

Sex in Germany in the 19th century










AN ART MADE OF TIME, SPACE, MEMORY AND PHOTOGRAPHY How to offer a work of art in which endless Platonic return almost materializes; before which we almost feel in our skin the theory of the place of Zenao de Eleia, a place, inside another place, to the infinite; or that Kantian a priori allows us to experience sensitive space. We are before and within our sensibility. Solon Ribeiro offers us a bouleversement, something way beyond a simple disturbance. He makes us, at the same time, empiricists and rationalists. He doesn’t make cinema nor photography. He makes art in space and time, dispensing past, present and future, and forces us to reinvent memory. In his exhibit’s space, we get lost. Before these photos, we are found. They are part of the exhibit Quando o Cinema se Desfaz (Museu da Imagem e do Som, in Sao Paulo, 02.03 to 08.04.2018). The exhibit brings a sample of Solon’s production through installations, video and photography. In the 1990’s, Solon Ribeiro inherited from his father a collection of almost 20 thousand frames, showing protagonists of classic Hollywood movies. The frames are reconfigured and get a new meaning in the shape of installations and performative projections. Solon Ribeiro was born in the city of Crato, Ceara, in 1960. He has been working with photography since the 70’s. He lives and works in Fortaleza, Ceara. He is a visual artist, professor and curator. He graduated in communications and art at L’école Superieure des Artes Décoratifs, Paris, in 1990. He manages the Visual Arts Lab at Centro de Artes Visuais de Fortaleza. It is worth accessing http://www.ogolpedocorte.com.br/ fotogramas for a deeper dive in Solon Ribeiro’s work.

Solon Ribeiro













ANALOGIC PHOTOS, IN BLACK AND WHITE, CLOSE TO SOCIALIST REALISM “In photographic film I found a poetic way to deal with light that pervades our customs and cultures, which many times are forgotten or remain unknown for the very people.” Yan Belem In the middle of the crowd, many subjects dissolve. They are used to being made objects by prejudice, denied by dominant classes, forgotten in their fundamental role of surviving in society. Many are not proletarian who can unite to change the world. At most they move from one place to another. Carefully, Yan Belem rescues these individuals, making them subjects. Here they are subjects, protagonists, although anonymous. For this protagonism still can’t leave the image. But one day it will. However, in this first step, pioneers present themselves. They are portrayed with no glamour, but in vibrant esthetics, in careful light and shadow, an almost socialist realism. That is how Yan Belem goes to Ver o Peso market to register characters who give meaning to that space: the result of a two-year work done between 3h30 and 6h in the morning. Yan Santos was born in 1995, in Belem do Para. He has musical formation and adopted the artistic name of Yan Belem. At the beginning, he blended music and photography, then he chose analogic photo. His contact with photography happened in 2007: he studied image edition and learned to photograph by observing and searching in the internet, watching videos and living with professionals. He says: “There is a direct relation between feeling, light and look, a way of exercising the essences of photography at large: to feel the light, observe the surroundings and tasting a unique anxiety that renews at every developed film”.

Yan Belem







EDITORIAL Da revista Paparazzi à Carcará Photo art O editorial do primeiro número da revista Paparazzi, de 1995 a 2003, comentava que os índios da região do Xingu, no Brasil, tinham medo de fotógrafos e fotografias. Eles acreditavam que a foto lhes roubava a alma. A meu ver, os índios tinham um pouco de razão: os fotógrafos não roubam almas, mas revelavam almas de pessoas e coisas. Alguns deles, nesse momento, poderiam ser classificados de divinos, como Ansel Adams, Henri CartierBresson, Sebastião Salgado, Anna-Lou (Annie) Leibovitz, Steve McCurry, Richard Avedon, Robert Capa, Helmut Newton, Robert Frank, Walter Firmo Guimarães da Silva, Irving Penn, Diane Arbus , Elliott Erwitt, Alberto Korda, Mario Testino, Arnold Newman, Josef Koudelka, Pierre Verger, Walker Evans, Sally Mann, W. Eugene Smith, Vivian Maier, Patrick Demarchelier, Bob Gruen, Dorothea Lange, James Nachtwey, Martín Chambi, Evandro Teixeira, Marc Riboud, Brassai, Gregory Crewdson. Impossível citar todos. Ao revelar a alma das coisas e da pessoas, a arte fotográfica se relaciona com o tempo, o espaço e a memória. A revista Paparazzi tinha uma filosofia e uma missão: contribuir para que o ser humano reproduzisse sua memória, revelasse aquilo que sua sensibilidade cria, aquilo que ele vê e sente, sem medo, artisticamente. A publicação daquela revista, a concretização de um sonho de nove anos, foi interrompida. Contudo, aquele sonho foi retomado: esta revista Carcará é uma espécie de filha da revista Paparazzi, uma filha que continua aquele propósito. Divulgar e valorizar a arte fotográfica com o mesmo compromisso: multiplicar o registro da alma das coisas e das pessoas, do concreto ao abstrato, utilizando a sensibilidade, o olhar mítico e o gesto mágico da mão do fotógrafo. CARLO CIRENZA

MARCIO SCAVONE Retratos densos, suavemente tensos, que nos questionam Sempre fui fotógrafo. Passo a vida dialogando com a luz. Tenho uma forte ligação com a pose. [...] Acho que a pose no retrato é um dispositivo de segurança. Marcio Scavone Há tensão nos retratos de Márcio Scavone. Mas há também suavidade. Uma suave tensão que toca nosso olhar e não nos deixa alheios às circunstâncias subjetivas das personagens. Identificadas ou não, elas nos provocam e querem saber quais são nossas intenções. Pairam ontologias na luz que sai dos olhos que nos contemplam. Fomos contemplar e saímos contemplados. Nessa intensa troca de olhares, somos preenchidos de beleza, carinho, calor, angústia, dúvida, afeto, mistério. Nesta profunda relação à qual os retratos de Marcio Scavone nos solicitam jamais há indiferença. No seu livro Copo de Luz (São Paulo, Alice Publishing Editora, 2018, p. 136), Scavone conclui: “Nenhuma modalidade fotográfica se valeu do arsenal de recursos à sua disposição, técnicos, criativos, estéticos ou simplesmente formais, para contar uma bela ‘mentira’. Sim, pois o que para o fotógrafo é a busca da imagem definitiva de alguém, para o outro, aquele que olha de volta para a lente, o retrato acaba sendo um jogo de esconder.” Marcio Scavone nasceu em São Paulo, SP, em 1952. Começou a fotografar ainda criança com a Rolleiflex de seu pai, Rubens Scavone. Aos 20 anos, já era um fotógrafo de publicidade. Na década de 70, estudou fotografia no Ealing College, em Londres. Em 1998, foi um dos cinquenta fotógrafos escolhidos para a edição comemorativa dos 50 anos da marca Hasselblad. Recebeu diversos prêmios na área de publicidade, entre eles o Clio Awards e o Leão de Ouro, em Cannes. É autor dos livros Márcio Scavone e Entre a Sombra e a Luz, 1997; Luz Invisível, 2002; A Cidade Ilustrada, 2004. É membro da Academia Paulista de Letras.


CHICO GOMES Atemporalidades resgatam memórias que se presentificam O que se ouve quando vemos as imagens de Chico Gomes em “Na Avenida - Maracatus e Afoxés”? Ouvimos o som das cores, dançamos com os corpos. E não se trata de temporalidades. Aqui, atemporalidades parecem resgatar memórias que se presentificam. E se convidam a sobreviver eternamente. São singulares e plurais estas figuras que perpassam fixamente diante de nossos olhos. De repente, nos sentimos parte dessa euforia, somos também personagens. E a tradição passa a fazer parte de nossa vida. Chico Gomes diz: “Este é um trabalho de 12 anos de captura de imagens com cerca de 26 mil fotos. Começou em 2005 e a ideia sempre foi mostrá-lo em uma publicação, deixando documentada a importância deste grande evento cultural para a cidade de Fortaleza.” Em dezembro de 2013, publicou o livro Homens Caranguejo, em parceria com Sergio Carvalho, Sergio Nóbrega e Henrique Claudio. Entre seus vários ensaios estão: Poética da Saudade, sobre o maior cemitério da cidade; e “Francisco de Canindé”, treze anos de documentação imagética sobre a Romaria de São Francisco em Canindé. Francisco Antonio Oliveira Gomes, o Chico Gome, é formado em Design de Moda e fotografa há vinte anos. É detentor de vários prêmios, dentre eles: Leica-Agfa, em 2004; Premio Chico Albuquerque, 2005; Curta Canoa, 2009; e Salão de Abril de 2003 e 2005. Trabalha na cidade de Fortaleza. Atua na divulgação da fotografia cearense, sendo um dos fundadores do Instituto da Fotografia do Ceará - IFOTO. Criou e coordena a Feira da Fotografia Fortaleza, evento que se realiza no Centro Dragão do Mar de Arte e Cultura a cada dois meses.

DIOGO FAGIOLI BOMBONATTI Urubus como metáfora Cada uma das fotos de Diogo Fagioli Bombonatti está rodeada por centenas de pessoas. Basta fechar os olhos que podemos vê-las se movimento entre as sombras destas aves cheias de mau agouro. E, no entanto, as aves são boas, se encarregam de limpar a paisagem. Mas não conseguem esconder as pessoas. Este exercício de arte povera denuncia um lado que uma parte da sociedade torna podre, um lado que procuramos esquecer cotidianamente. Bombonatti, virulentamente, nos aponta o dedo: nos denuncia, nos julga, nos condena. Ele faz political fine art e nos obriga a pensar, a refletir sobre sociedade de consumo, sistema capitalista, exploração do ser humano, dignidade, ética. Suas fotos podem não conseguir espaço em salas de família ou escritórios para compor decoração. Mas ficam para sempre pregadas em nossa memória. Diogo Fagioli Bombonatti apresentou um interessante trabalho de final de curso em 2017, intitulado FotoStampa, no Curso de Produção de Multimídia na Unisanta – Universidade Santa Cecília, na mesma cidade. Ele desconstrói fotos, transformandoas em desenhos para estampar camisetas. Ele escreve: “As fotografias expõem pontos importantes para a história e/ou arquitetura da Baixada Santista. O projeto é feito da maneira mais artesanal possível, na tentativa de contrariar os processos gráficos de produção em massa possivelmente originados pelo industrialismo e acelerados pelo capitalismo. Minha maior fonte de inspiração está nas experiências de interação com o meio físico (fotografia) e social (em especial os professores), sendo assim o projeto se dedica a fazer uma alusão à escola Bauhaus e ao construtivismo.” O trabalho pode ser lido no endereço : https://pt.scribd.com/ document/365659488/FOTOSTAMPA


IATÃ CANNABRAVA Metáforas metalinguísticas que pedem um olhar sensível e questionador “Sou uma pessoa com câmera e outra pessoa sem câmera. E eu mesmo, prefiro a pessoa que sou com câmera. A fotografia foi uma tábua de salvação para momentos difíceis da minha vida e se transformou desde então num espaço psicológico todo especial pra mim.” Iatã Canabrava Iatã Cannabrava escolheu a sensualidade para falar de negros. A mística e a mitologia negras explodem e se realizam diante de nossos olhos. Diante destas belas e viscerais imagens, também nos deparamos com nosso preconceito. Aprendemos a depreciar negros como pessoas, mas a valorizar aspectos sensuais. A arte de Iatã Cannabrava não pretende evitar o preconceitos, mesmo porque isso é impossível. Ele pretende apenas e simplesmente denunciá-lo e combatê-lo, artisticamente. Certamente, haverá um dia em que não repararemos a cor de qualquer pessoa. Esse dia, contudo, ainda não chegou. Mas a arte é seguramente um dos melhores caminhos para que isso aconteça. Para que fiquemos apenas na emoção que nossos olhos nos trazem, sem filtros preconceituosos. Estas metafotos, metáforas metalinguísticas, de um realismo absoluto, aguardam nosso olhar não apenas contemplativo, mas crítico, questionador e sensível. Este ensaio recebeu o prêmio Marc Ferrez (1988), da Funarte. Com mais de 40 exposições e 90 workshops no currículo, responsável por vários festivais de fotografia (Paraty em Foco, Valongo em Santos), Iatã Cannabrava, curador e agitador cultural, é um dos fotógrafos mais aclamados do país e um dos mais importantes gestores culturais da América Latina. Criou e é curador do Fórum Latino Americano de Fotografia de São Paulo. Ganhou sua primeira máquina fotográfica quando tinha de 15 para 16 anos de idade e morava em uma Escola Secundária Básica do Campo, em Cuba, com seus pais, exilados políticos fugidos da ditadura brasileira.

JEAN LOPES Imagens que registram, valorizam, denunciam e questionam Há tudo de telúrico nas fotos de Jean Lopes. Há uma imensa vontade de viver, há uma grande luta pela sobrevivência. Há uma simbiose de corpos e paisagem, seres humanos e natureza. Nos grandes e nos mínimos detalhes. Mesmo nos espaços urbanos, Jean Lopes faz questão de registrar, valorizar e denunciar. Em cores ou preto e branco. Ao mesmo tempo em que homenageia, ele revela sua indignação. Ele nos apresenta seres humanos esquecidos, que vivem intensamente. O que pode ser mais prosaico do que um pau de sebo? Pessoas tentando chegar ao ponto máximo, mas que escorregam. Pessoas assistindo a alguém que se esforça avidamente em troca de um brinde. Uma tradicional brincadeira se transforma em motivo para reunir pessoas para conviverem alegremente. Que bela metáfora! Jean Lopes pede que paremos um pouco, que saiamos deste nosso universo consumista, de um quotidiano alienante, para refletir sobre como dar significado a coisas aparentemente sem significado. Suas fotos são eternos questionamentos. Nesta série, batizada “Pau de Sebo”, ele parece perguntar: o que você está fazendo de sua vida?; você tem o seu pau de sebo? Jean Lopes fotografa desde 1992. Nasceu e trabalha em Assú, cidade cerca de 200 quilômetros a oeste de Natal, capital do Rio Grande do Norte. “Não fiz nenhum curso, meu contato com a técnica foi através de publicações e fui aprendendo com a prática.” Recebeu mais de 60 prêmios. Venceu duas vezes o concurso Leica-Fotografe (2006 e 2007). Foi premiado no concurso internacional POY-Pictures of the Year Latim America 2013. Participou de dezenas de exposições coletivas dentro e fora do Brasil.


KAZUO OKUBO Uma obra aberta à percepção sensível, criativa e sensual Kazuo Okubo é um fotógrafo ecumênico. Tem um olhar aguçado para tudo o que está ao redor. É polivalente, multifacetado. Procura dar significado a qualquer tipo de flagrante. Algumas vezes, ele capta um flagrante; outras vezes, ele cria intelectualmente o flagrante e o concretiza. Entre a realidade real e a realidade imaginária concretizada, ele se dá ao luxo de fazer humor. Em todas as situações, Okubo opta pelo rigor estético. Então, seus múltiplos temas podem sensibilizar múltiplos olhares. Como neste ensaio. Aqui, ele cria um universo corpóreo. Superfícies de corpos-planetas? Montanhas noturnas deum deserto? Mágicos espaços sensuais que orbitam nossas mentes? Estímulos ao nosso voyeurismo? Tudo isso e mais: são obras abertas à nossa sensual, criativa e sensível percepção. Kazuo Okubo, fotógrafo autoral, publicitário e galerista, nasceu em Brasília, em agosto de 1959. Começou sua carreira aos 15 anos, como assistente do pai, Arlindo Okubo, proprietário do Cine Foto Okubo. Em 1989, passou à fotografia publicitária, tendo recebido diversos prêmios. Desenvolve trabalhos autorais desde 2003. Criou a primeira galeria do Centro-Oeste especializada em arte fotográfica, A Casa da Luz Vermelha. Entre suas exposições individuais destacam-se: Minha praia (Prêmio mObgraphia, MIS, 2015); PAISAGimagem (curadoria de Rosely Nakagawa, 2012); e De todas as formas (curadoria de Paulo Faria, 2007). Coletivas: Onde anda a onda (Museu Nacional da República, 2015); Brazilian eyes (Miami, 2015); West Encounter East (Miami, 2012) e 11 Photographes Brésiliens (Paris, 2009). Os fotógrafos Terry Richardson, Noboyushi Araki e David La Chapelle são três das suas inspirações.

MÔNICA ZARATTINI Um convite para vivermos uma historicidade ecológica Mônica Zarattini nos obriga a estarmos frente a frente com o real. Ela retira a realidade que seus olhos registram e nos apresenta uma realidade inconsútil. Cada foto existe integralmente nela mesma. Há uma espécie de totalidade nas paisagens e nas pessoas capturadas por Mônica Zarattini. Suas fotos parecem nos chamar, para que façamos parte delas. Elas parecem nos dizer que somos tanto parte da paisagem quanto parte de história e não meros observadores. Há uma espécie de historicidade ecológica nessas imagens. Mônica Zarattini viajou em 1989 e 2016 para o sertão da Bahia, onde ocorreu a Guerra de Canudos (de novembro de 1896 a outubro de 1897). Na primeira viagem, foi fazer uma reportagem sobre os 80 anos da morte de Euclides da Cunha. Em 2016, reencontrou cinco pessoas que se emocionaram muito ao ver suas imagens de 27 anos antes. Esses ensaios estão no fotolivro Plano, seco e pontiagudo (Coedição/Editora Ipsis e Editora Madalena). Monica Zarattini é filha do ex-deputado federal Ricardo Zarattini Filho que, depois do golpe de 64, foi preso, torturado e acusado de terrorismo. Hoje ela comemora a vitória contra uma mentira divulgada na imprensa: “Meu pai, o ‘Velho Zara’, ganhou um processo contra o Diário de Pernambuco! O jornal publicou no dia seguinte à sua prisão, em 1968, que ele era o autor de um atentado e que teria colocado a bomba que explodiu no Aeroporto de Guararapes, contra o presidente Costa e Silva, em 1966.” Mônica Zarattini é formada em História pela Universidade de São Paulo, onde fez mestrado e doutorado. Foi repórter fotográfica e editora de fotografia do jornal O Estado de S. Paulo.


NANA MORAES Memórias (visíveis) do cárcere LEONEL KAZ(*) Nana é uma figura miúda, magra, cabelos curtos, um olhar cândido embora contundente. Ela poderia ser confundida com uma prisioneira. Alguém que sofreu na carne e no espírito os agrumes desta vida. No entanto, Nana não cometeu crime algum. Nana se interessou, de início, por prostitutas de beira de estrada. Agora, se aproximou de mulheres condenadas ao sistema prisional brasileiro. Aquele mesmo cuja primeira providência é marginalizá-las do convívio com os seus filhos. A artista adentrou as jaulas que mantêm encarceradas, no Estado do Rio, essas mulheres. Foi uma pequena penca de meia-dúzia delas que se dispôs a ser fotografada. Que aceitou escrever, à mão, cartas a seus filhos. Que permitiu a Nana fotografá-los. E ouvir os depoimentos de ambos os lados, em palavras encarceradas em ausência. Aquela ausência física, doída, dos corpos de mães e filhos que não se veem. E nem se tocam. Este poderia ser um ensaio de arte fotográfica. Não o é, apesar das fotos, esvaziadas de gente, que mostram luz e sombra em grades, portas, bancos de cimento da penitenciária. Depois, há um contraponto entre as faces das condenadas e os retratos bordados, pela artista, com frases dos filhos. O conjunto deu origem à exposição “Ausência”, realizada no Rio e em Paraty. Há uma contemporaneidade comovedora em Nana. A artista não teve nenhuma intenção de reinventar a tragédia. Ou de promover a esperança. Num cotidiano tão sepultado pelo lugarcomum, Nana nos escreve uma carta, como todas as outras aqui presentes, para nos dizer que, para além das grades e do anacronismo do sistema penal, há sempre lugar para que a vida brote, ressurja, fulgure. (*) LEONEL KAZ É CURADOR, JORNALISTA, RESPONSÁVEL PELA UQ EDITIONS E AUTOR DO TEXTO DA EXPOSIÇÃO AUSÊNCIA.

REVISTA PAPARAZZI Valorização e promoção da arte fotográfica Paparazzi foi a primeira revista brasileira dedicada exclusivamente à arte fotográfica. Foram publicados 23 números no período de 1995 a 2003. Em 1999, a publicação chegou ao mercado americano e, até 2003, ano de sua última edição, havia circulado por 13 países. A revista Paparazzi se constituiu num dos principais veículos de arte fotográfica, divulgando trabalhos de grandes fotógrafos brasileiros e estrangeiros. Como uma extensão da revista e com o mesmo nome, editor Carlo Cirenza criou uma galeria de rua de arte fotográfica, no muro da frente da Escola Municipal de Educação Infantil Pedroso de Morais, no bairro de Pinheiros em São Paulo; uma vitrine de 30 metros de comprimento que expunha mensalmente cerca de 20 grandes fotos de profissionais publicados na revista. Carlo Cirenza sempre se propõe a promover a fine art fotográfica. Esta Carcará Photo Art é a continuação desse compromisso, que será ampliado com a criação do portal Carcará, que deverá contar com galeria, livraria, biografias e notícias sobre o mercado de fine art fotográfica. Fotógrafo, impressor e administrador de empresas Carlo Cirenza, 58 anos, editor desta revista, confessa: “O que eu mais gosto de trabalhar é o mercado de arte. É muito difícil de sobreviver, mas é a área em que o fotógrafo pode se exercitar livre de pautas ou interesses, levando em conta apenas sua sensibilidade para fazer arte”.


PENNA PREARO Um demiurgo que cria mundos com agressiva plasticidade [...] de acaso em acaso, os olhos do fotógrafo criam arte onde os olhos comuns não veem. Em suas inversões/invenções, as fotos ganham cores ainda inexistentes, movimentos contra-intuitivos, revelações nonsense sobre a vida, que parece impossível de explicar. E que o olhar do fotógrafo nos ajuda a entender. Laura Barile A cada instante, Penna Prearo cria um mundo. Mas não aos poucos, como Deus. Ele não espera sete dias, cria imediatamente, e de uma vez. Prearo cria mundos artesanalmente. Cada série de fotos compõe um mundo. Um mundo que desaparece do universo e surge enquadrado por Prearo. Ele nos brinda seus mundos esculpidos com uma plasticidade agressiva, contundente. Um metabolismo surreal permeia seus trabalhos. Ele não revela intenções. Nem reivindica interpretações. Deixa que nossas emoções explodam e se revigorem a cada mirada. Prearo é um criador demiurgo: tira seus mundos da cartola/câmara e nos entrega para que adentremos neles e nos deliciemos misteriosamente. Penna Prearo nasceu em Maylasky, São Paulo, em setembro de 1949. Ele conta: “Desembarco na capital como forasteiro e sonhador em 1968 para 1969, quando eu tinha de 19 pra 20 anos.” No texto “Tribunal das pequenas alterações”, Prearo reflete: São Paulo é um quebra-cabeça que não fecha, cresceu para expandir horizontes e os horizontes agora se sobrepõem em muralhas verticais.São Paulo tem rio que não é rio, miragem em constante transmutação. Isso requer leitura f-r-a-g-m-e-n-ta-d-a. As imagens formam uma espécie de legografia. Sou um músico que faz fotografia. Danço conforme a música, mas não se iluda o maestro: na primeira brecha mudo o arranjo. A vida é muito curta e o tempo ruge. Bom dia a todos aí na Terra!

SEXO NA ALEMANHA DO SÉCULO XIX Daguerreótipo populariza erotismo e pornografia Há uma diferença básica entre erotismo e pornografia: no erotismo, impera a sutileza; na pornografia, domina o escracho. Contudo, erotismo e pornografia fazem parte da história da humanidade desde os tempos pré-históricos. Cenas eróticas ou pornográficas já enfeitavam paredes de grutas há 30.000 anos. De lá para cá, passando pela antiguidade, pelos gregos e romanos (como gostavam de uma “sacanagem”); pela idade média (apesar da vigilância explícita de igreja católica, basta ver o quadro Os Jardins das Delícias de Hieronymus Bosch); pelas libidinosas figuras do renascimento e do barroco; pela arte romântica; a arte moderna e contemporânea. A arte, em geral, opta pelo erótico. A comunicação de massa, porém, escancarou a pornografia. E a fotografia se encarregou de multiplicar e massificar o sexo, tanto o sutil o quanto o explícito, a partir do século XIX, por meio do Daguerreótipo. Estas fotos foram publicadas em 1991, no livro Akademien - Erotik & Pornografia em Der Daguerreotype, pela editora Kabinett, Überherrn / Saar, Alemanha, numa edição de 500 cópias, com 72 páginas, que reproduz daguerreótipos colorizados do século XIX, da coleção de Uwe Scheid (1944-2000). O núcleo de sua coleção foram fotografias artísticas eróticas e pornográficas do período entre 1840 e 1940. Uwe Scheid era um comerciante; morava em Überherrn-Berus . Ele foi um dos colecionadores de arte erótica mais importantes do mundo. Sua Coleção Uwe Scheid tornou-se a mais famosa de sua época. Scheid era membro da Sociedade Fotográfica Alemã, da Sociedade Europeia de História da Fotografia, do Clube Daguerre e da Sociedade Daguerreia.


YAN BELÉM Fotos analógicas, em p&b, próximas do realismo socialista SOLON RIBEIRO Uma arte feita de tempo, espaço, memória, cinema e fotografia Como oferecer uma obra de arte na qual o eterno retorno platônico quase se materializa; diante da qual sentimos quase na pele a teoria de lugar de Zenão de Eleia, um lugar, dentro de outro lugar, de outro lugar até o infinito; ou que o a priori kantiano nos permita experimentar o espaço sensível. Estamos diante e dentro de nossa sensibilidade. Solon Ribeiro nos oferece um bouleversement, algo bem além de uma simples perturbação. Ele nos faz, ao mesmo tempo, empiristas e racionalistas. Ele não faz nem cinema nem fotografia. Ele faz arte no espaço e no tempo, prescindindo de passado, presente e futuro, e nos obriga a reinventar a memória. No espaço de sua exposição, nos perdemos. Diante destas fotos, nos encontramos. Elas fazem parte da exposição Quando o Cinema se Desfaz (Museu da Imagem e do Som, de São Paulo, 02.03 a 08.04.2018). A mostra traz um recorte da produção de Solon, por meio de instalações, vídeos e fotografias. Nos anos 1990, Solon Ribeiro herdou de seu pai uma coleção de mais de 20 mil fotogramas, mostrando protagonistas de filmes clássicos de Hollywood. Os fotogramas são reconfigurados, ganhando um novo sentido na forma de instalações e projeções performáticas. Solon Ribeiro nasceu na cidade do Crato, Ceará, em 1960. Trabalha com fotografia desde os anos 70. Vive e trabalha em Fortaleza, CE. É artista visual, professor e curador. Formoouse em comunicação e arte pela L’école Superieure des Artes Décoratifs, Paris, em 1990 Coordena o Laboratório de Artes Visuais do Centro de Artes Visuais de Fortaleza. Vale a pena entrar no portal http://www.ogolpedocorte.com.br/fotogramas para um mergulho mais profundo no trabalho de Solon Ribeiro.

“Nas películas fotográficas encontrei uma maneira poética de lidar com as luzes que percorrem nossos costumes e culturas, que muitas vezes são esquecidos ou desconhecidos pelo seu próprio povo.” Yan Belém No meio da multidão, muitos sujeitos se dissolvem. Costumam ser objetivados pelos preconceitos, negados pela classe dominante, esquecidos de seu papel fundamental na sobrevivência da sociedade. Mesmo que suas sobrevivências sejam precárias. Muitos não são proletários que podem se unir para mudar o mundo. No máximo, mudam de um lugar para outro. Cuidadosamente, Yan Belém resgata esses indivíduos, subjetivando-os. Aqui eles são sujeitos, protagonistas, ainda que anônimos. Porque este protagonismo ainda não consegue sair da imagem. Mas um dia sairá. Porém, neste primeiro passo, os pioneiros se apresentam. São retratados sem glamour, mas com uma estética vibrante, uma cuidadosa luz e sombra, um realismo quase socialista. É assim que Yan Belém vai ao mercado Ver-o-Peso e registra as personagens que dão significado ao espaço: o resultado de dois anos de trabalho, feito entre as 3h30 e as 6h da manhã.Yan Santos nasceu em 1995, em Belém do Pará. Tem formação em música e atuava com o nome artístico de Yan Belém. No começo, juntou música e fotografia. Ficou com a fotografia analógica. Seu contato com fotografia digital ocorreu em 2007: estudou edição de imagens e aprendeu a fotografar observando, pesquisando na internet, assistindo vídeos e convivendo com profissionais. Ele fala: “É uma relação direta entre o sentimento, a luz e o olhar, uma maneira de exercitar as essências da fotografia no geral: sentir a luz, observar o ambiente além de provar de uma ansiedade única e que se renova a cada filme revelado”.


Credits Publisher: Alaide Rocha Editor: Carlo Cirenza Research and text: Fernando Rios Graphic Project: Marcelo Pallotta Art Director: Henrique Nunes Translation: Bruna Martins Fontes 1 - Suggestions, complaints and praise should be sent by email to: contact@carcaraphotoart.com 2 - Portfolios should be submitted in the following format: JPEG ( 20 x 30 cm ), 300 dpi by email to: contact@carcaraphotoart.com


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