Carcara #12

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#12 WINTER 2017


Cover Photo Pericles Mendes


“To photograph is to target the head, the eye and the heart at the same time.� Henri Cartier-Bresson


EDITORIAL THE RICH DIVERSITY OF NORTH AND NORTHEAST PHOTOGRAPHERS Beautiful documents of regional culture; elaborate image treatment; stimulating and challenging conceptual work. These photographers, who were born or live in North and Northeast of Brazil, provide us unquestionable works of art, worthy of any museum in the world. Brazilian photography, in its multifunctionality and plurality, is a benchmark. Leonardo Horta, the only one who lives abroad, resorted to photography as a way to see, feel and interpret the world; Beto Skeff captures effects of time and movement; with Paulo Rossi we transit viscerally and cerebrally, in images at the same time temporal and timeless; Amazonian Lula Sampaio transits from magic realism to constructivism; Daniele Rodrigues overflows her images of temporal transcendency; Cecilia Urioste offers an overwhelming conceptual expressionism by registering the 28 days of her menstrual cycle; Gustavo Moura proposes a beautiful introspection in an indefinite time; Fernando Vivas weaves poetic webs that express emptiness and indignation; Marcio Vasconcelos uses light, colors, details to make a tribute to Ferreira Gullar and his Dirty Poem; Roberto Vietri breaks the passivity of contemplation and asks for engagement; Hirosuke Kitamura uses the camera to make brilliant engaged art and throw a torn mankind at our face; Pericles Mendes reports capitalist and consumerist media and turns it into art; Thaisa Figueiredo brings a vibrant memory to mobilize consciences. Carcara Photo Art follow its path of offering works of excellent quality, stimulating the photographic market, making a tribute to Brazilian photographers and seeking to stimulate the emergence of many, new and competent values. CARLO CIRENZA


A TAMED, BEAUTIFUL AND HARMLESS MEDIA One has to go through Robert Rauschenberg’s iconoclastic art, his abstract and pop expressionism, to admire even more the melancholic, explosive and impacting images of Pericles Mendes, named A.T.O. (abbreviation of “activities of ocular transgression” in Portuguese). The pop expressionism brought by his photography is a result of intense pondering on the directions of mass media in contemporaneity. It makes individuals dull and full of disdain by misleading and promoting people as unique; it alienates them. Pericles Mendes turns TV media into abstraction, at the same time beautiful and harmless. Pericles Mendes is a media tamer. He argues: “A great part of the population is seduced by icons and symbols created and consolidated by audiovisual.” According to him, this media only brings sophism as freedom values. Pericles Mendes is a doctoral student (inclusion 2016) and master in Visual Arts at Escola de Belas Artes - Universidade Federal da Bahia. He works as a visual artist linked to the circuit of institutional and independent arts and as a self-employed photographer. […] He is currently researching elements of hybrid art and expanded photography so as to transfigure signs/objects aimed at mass consumption in esthetic objects directed to contemporary art. He took part in Salao de Arte Visual da Bahia from 2008 to 2012; in IX and XI Bienal do Reconcavo-BA; in II and V Diario Contemporaneo de fotografia - PA (2012-2014). He received an award at 18° Salao Anapolino de Arte - GO; and an honorable mention at 15° Festival Nacional 5 minutos (2012). Site: https://www.periclesmendes.com.br/

Pericles Mendes













ONEIRIC, TIMELESS, TRANSCENDENTAL IMAGES Beto Skeff unites real and imaginary. And he leaves to the viewer the task to choose which emotions to take from these compositions that bundle mysteries. His look is perceptive, penetrating. He looks for the invisible in the images; proposes something that merges conscious and unconscious. Signs and symbols are not enough to decode his works. They demand epistemology. What we see is and is not. These are oneiric, timeless, transcendental images. Maybe we can say there is rupture in time. To Beto Skeff, “to capture effects of time and movement are two fundamental themes in photography. Deleuze, inspired in Bergson, says time exists ‘without a moment determinable as present, except as an impersonal instant that unfolds in still-future and already-past’ and ‘movement always refers to a change, migration, seasonal variation. To look, see and photograph Maracatu inserts us in expressions and learning of embodied knowledge. A fraction of passing time between past, present and future that makes before and after meet, interpenetrate.” In the last five years, Skeff has been focusing his energy in research involving three aspects: the city, religious manifestations and the body, bringing to speech his tensions and contradictions, aiming to present invisible dimensions to daily life. Beto Skeff is a photographer and educator. Since 2014, he has been working at Escola de Fotografia Travessa da Imagem. He is the chief executive officer of Ifoto - Instituto da Fotografia. Social media: https://www.facebook. com/BetoSkeff ; https://www.instagram.com/betoskeff/

Beto Skeff







A CONCEPTUAL EXPRESSIONISM VISCERALLY EXPOSED Visceral. Absolutely visceral. Conceptual. Absolutely conceptual. Antithesis of Kasimir Malevich. Hand in hand with Joseph Beuys. If Malevich proposes to escape from nature with his iconic squares (black on white background; white on white background), Beuys goes to the world and fully integrates it to the concept of art. He says: “art is what I call art”. And what does Cecilia Urioste do? Walks from Malevich to Beuys and brings to the world her most intimate depths, in an overwhelming conceptual expressionism: the register of the 28 days of her menstrual cycle. Cecilia Urioste starts by dematerializing the object and finishes by materializing it with her intimacy. She says: “I photograph what I can’t say with words. As I don’t draw, sculpt, sing or dance, photography was left as the only subjective mean of communication. I have dealt well with hospitals, doctors, sick people, life and death since I am aware of myself. I have always questioned diagnoses and especially the passivity of patients. I have had migraines since I was five, panic attacks from adolescence, fibromyalgia and hypertension as an adult. I started seeing all this relations in a poetic way when I was 25, when art made more sense than prescriptions.” Cecilia Urioste, (Recife, Brazil, 1980) graduated in Design at UFPE. She worked with cinema and fashion and turned her attention to photography in 2005. She has special interest in self-portraits and playful metaphors about the intimate universe. She took a master artistic photography course at EFTI - Madrid in 2007. She is specialized at developing portfolios, handmade publications and fine art. Site: http://www.ceciliaurioste.com/.

Cecilia Urioste
















A SENSITIVE REGISTER WHICH ASKS FOR MORE THAN A FURTIVE LOOK Daniele Rodrigues seems to tell us: “attention to details!”. When we see her panoramic or close-ups, there is an appeal: the set is composed by a detail or many of them. Therefore, these photos by Daniele Rodrigues ask for more than a simple furtive look. Religion is a subject that sensitizes and attracts most photographers. We are before a beautiful and sensitive register. Objects, flowers, candles, faces, bodies: Daniele knows how to shower her images with temporal transcendences. Despite the instantaneous of the photo, she says something about before and what is to come. These pictures recreate an ethereal time in our brain. Daniele Rodrigues says: “Between sea and backwoods, I am a photojournalist in love with human relations. I have been living in Salvador since 2000 and I don’t relinquish living near the sea, but also don’t want to lose connection with the land I inherited from my parents and grandparents from the backwoods of Piaui. There are popular and religious feasts here and there. I have worked in a local newspaper and have been taking pictures for Bahia’s state government, so I can know a little bit about this state, which has the size and diversity of a country.” The 26-year-old artist lives photography since 2011, when she attended Journalism college. Being a specialist in art education graduated in UFBA’s Escola de Belas Artes, the photographer believes each person can and should tell its own story: “enough with white men, American or European always representing us, the people from the outskirts, Black people; women need to show the world their point of view, their place, I believe in that very much”. Websites: https://www.flickr.com/photos/governodabahia/ albums/72157678106243261 ; https://www.flickr.com/photos/ danielerodrigues

Daniele Rodrigues










POETIC WEBS THAT EXPRESS EMPTINESS AND INDIGNATION Which yarns weave the poetic webs of Fernando Vivas? He is incisive in his interventions. Because what he sees through his camera is not enough to placate his imaginary and his indignation. He asks for more. Besides reporting, he wants to be the creator of realities. This blue world contrasts with the skin of the black people Fernando Vivas framed to celebrate Black Awareness Day in 2016, for Muito magazine, that runs with A Tarde newspaper, from Bahia, where he worked from 2004 to 2015. He says: “Who sees all that sea? Who reads all those news? On the edge of the abyss of avenue Contorno, I think of my own emptiness. Blue. The avenue as a margin that hides men and women who share the same solitude. Absences. I have been portraying, for some years now, my rushed ascents and descents over Contorno, the softest connection between the contrasts of our two cities: the upper and the lower.” To journalist Katia Borges, “Fernando Vivas slides through symbolic by stressing the nuances, the knots, that still keep black people hostages of a society which insists in determining and limiting their spaces of manifestation and affirmation.” Fernando Vivas has been a photojournalist since 1988. He was born in Salvador, graduated in Social Communication at Universidade Federal da Bahia (2014) and in Design at Universidade do Estado da Bahia (2017). He works as a freelance for magazine publishers Abril and Globo and for Folha de S. Paulo and O Globo newspapers. Awards: Bienal do Reconcavo 2004 - honorable mention; Cofic de Meio Ambiente 2005 - 1st lugar, Photojournalism; Esso de Jornalismo 2008 - finalist, First Page category; and Society for News Design Annual Competition, 2009 Award of Excellence. Site: http://vivasf.wix.com/fernandovivas.

Fernando Vivas






PROSE, POETRY AND MUSIC THAT REFER TO AN INDEFINITE TIME Gustavo Moura photographs in prose. Even considering that his photos have a lot of poetry. He is literal. However, we need to know how to read his images. In these works of a set entitled “Quintal Imaginario” (“Imaginary Backyard”), he seems to go to the present to deny it. Everything refers to memory. His compositions, apparently unpretentious, provide us moments of pondering and comparison, because his objects, his people, his sceneries ask us to check our own history, our objects, our people, our sceneries. Therefore, we can also review our life in prose, understand our poetry, dive in a beautiful introspection in an indefinite time. In an interview to Paula Sacchetta, of O Estado de S. Paulo newspaper (http://alias.estadao.com.br/noticias/ geral,arrodeio-do-tempo,1624099), he reveals: “[…] photography is one sentiment. To photograph brings me closer to poetry and to myself. I photograph the rhythm and movement within me. Photography is the music I try to learn every day.” Gustavo Moura was born in Joao Pessoa, capital of the state of Paraiba, in March 15, 1960. He has been a professional photographer since the beginning of the 80’s and walks from documental to authorial. He wrote the books “Imaginario” and “Do Reino Encantado”. He received many awards, such as first place at Concurso Fotografico Cultural Leica. In 2013, he was awarded the Premio Marc Ferrez de Fotografia (Funarte/MINC) with his project Fotografia Paraibana Revista. He is currently a photographer at UFPB’s Coordenacao de Extensao Cultural and develops editorial works, documental projects and authorial shoots. Site: http://fgmoura.com/

Gustavo Moura







TORN MANKIND IN A BRILLIANT ENGAGED ART What does this Japanese from Osaka, graduated in Portuguese language at Kyoto’s University of Foreign Studies, 50 years old, 20 living in Bahia, passionate about music, has to do with expressionism? A lot! His compositions create dense, troubled spaces, in which human beings in the threshold of survival live. What is his close relationship with painter Francis Bacon? If this artist is visceral, hallucinating, portraying tormented, anguished people, Hirosuke Kitamura is just at his side. However, if Bacon registers, Kitamura reports. His images are public manifestations that demand attention from all of us for the need of major social changes. He uses the camera to make brilliant engaged art and throws a torn mankind at our faces, seeming to ask: why do we agree with this? Kitamura is a revolutionary. He arrived in Brazil in 1990 as an intern in an exchange. In 1993, he studied painting and observation drawing at Museu de Arte Moderna de Salvador, and in 1995 he took an intensive course on photography and started his work as a photographer. He became a correspondent for music magazine Latina, distributed monthly in Japan, making photos and writing about music events all over Brazil. Kitamura currently lives in Salvador, Bahia. At first sight, his photos refer to the esthetic of Miguel Rio Branco and Mario Cravo Neto. He has been portraying women from decaying whorehouses in Salvador, known as “bregas”. “I have been a foreigner in Bahia for 20 years and I use photography to express myself. Here I find many paradoxes and contradictions, as misery and pureness, in people and ambiances.”

Hirosuke Kitamura













QUESTIONINGS IN PLASTIC IMAGES THAT FADE AWAY In these photos, we are before unusual situations, esthetically composed. The plastic and diaphanous compositions of Leonardo Horta, in which women are hovering, awaken emotions and bear interrogations. These are ephemeral scenes that seem to vanish in the next moment. But what moments? Maybe moments of intense subjectivity, of questionings. Even his portraits (see http://www.leonardohorta.com/ portraits?lightbox=dataItem-iug2viub1), apparently conventional, let inquiries shine through, both from the people who are photographed and from viewers. This orthopedic surgeon from Belo Horizonte, Minas Gerais, who lives in Drachten, in Netherlands, resorted to photography to see, feel and interpret the world. He reveals, in his website (http://www.leonardohorta.com/about): “I was born and grew up in Brazil. Photography invaded my life during my last years in college when I started playing around with a new camera my father has just bought. After some time, I was using that camera much more than he did [‌] In 2003 I moved to the Netherlands. Photography remained a great passion, but it was not before 2015 when I decided to take it to the next level. I started studying photography at the Photo Academy, in Amsterdam. This opened my mind for new creative possibilities I had never tried before. My approach became much more conceptual and I also discovered a new passion for portraiture and documentary photography. Although my photographs have an undeniable aesthetic component to them, my main goal as a photographer is to evoke a strong emotion that touches the viewer on a deeper level.

Leonardo Horta









FROM MAGICAL REALISM TO CONSTRUCTIVISM “The heavy and intense use of pure color is usually typical of the artists from the northern region of Brazil. This is the case of photographer Lula Sampaio, from Amazonas state, who works exactly within the branch that researches the use of color by Amazonian people.” Oscar Ramos Galeria Do Largo https://sites.google.com/site/galeriadolargo/lula-sampaio What is the use of a boat, obviously, besides transporting people and things? In marines, they compose the landscape; in Pancetti, they complement the landscape; in Lula Sampaio, they are icons, lines, cognitive elements, identifiable or not, which compose bidimensionalities esthetically. They go from magical realism to constructivism. And always evoke enchantment. Lula Sampaio’s boats are means of transportation to beautiful esthetical sensations. Raised in Fortaleza, this civil engineer lived in Sao Paulo, where he studied Photography, Image and Action with professor Claudio Feijo in 1982, when he started to photograph Amazon regularly. From 1986 to 1996, he dedicated much of his time to black and white pictures, in laboratories and at home. In 2005, he started a work on street markets and emergency architecture. These constructions with canvas were used in boats, invaded houses and beaches. With this theme, he was selected by French curators to represent Amazon in Paris, in August 2005, with two panels, each with 3m x 1m and three photos. Some of his books: Ceara: A Civilizacao do Couro; Alma do Norte, about Amazonian vessels; 95 Anos Construindo Conhecimentos na Universidade Federal do Amazonas; 50 anos do Festival Folclorico do Amazonas.

Lula Sampaio










SOLID REALISM IN LIGHT AND COLORS City is in man / almost as a tree flies / in the bird that leaves it // Each thing is in another / in its own manner / and in a distinct manner / from what it is in itself.” Ferreira Gullar How strong are Marcio Vasconcelos’ photos! How they overflow life, vigor! What incredible light he pursues. His lights, his frames… so… His look is agile; his click, fast. We have no doubts before his pictures: a stunning realism, in the least detail. The photos, they live, they are before us. They only ask us to be contemplated in depth. His inspiration is “Poema Sujo” (“Dirty Poem”), written by Brazilian poet Ferreira Gullar in Buenos Aires in May/June 1975, when he was escaping Brazil’s military dictatorship. Unlike the poetic lament that exudes nostalgia and resistance, Marcio Vasconcelos’ photos promote a solid realism, neither magic nor fantastic. In an interview to reporter Daniela Guedes (https:// blog.saraiva.com.br/a-fotografia-documental-de-marciovasconcelos/), he reveals: “Photographic image, regardless of how it is captured, will always be an important instrument to show a reality, to report.” Marcio Vasconcelos lives in Sao Luis and has been dedicating his work to registering popular and religious culture of Afrodescendants in Maranhao. “Visoes de um Poema Sujo” has been awarded Premio Marc Ferrez, from Funarte, in 2014, and was shown in an exhibition and a book, launched at Museu AfroBrasil, in Parque do Ibirapuera, in Sao Paulo. “I create visual sensations as if I was in Gullar’s place. How would that Sao Luis be? Which shades, nuances?”, explains Marcio Vasconcelos. Site: http://www.marciovasconcelos.com.br/

Marcio Vasconcelos














A TRIBUTE TO ANALOG PHOTOGRAPHY We can classify this shoot, Poetica do Negativo, as metalanguage. Maybe an oxymoron, antithetic realities: photography registering the memory of cinema, the static time revering time in movement. This Paulo Rossi shoot transmutes time, merges two times, allegorizes time. Separates past and present. Puts us at the mercy of memory: “who am I who identify with these images and feel them almost viscerally?” Who are those who don’t identify with these images, people who never saw them yet can feel them in their brains, but not rationally? This is the magic of such photos. They remake memory and, at the same time, create memories in those who didn’t live those spaces and time. And we can transit viscerally and cerebrally, in hearty emotions, before these images, at the same time temporal and timeless. Andrea Ponte and Paulo Rossi ponder: “Poetica do Negativo is born from a process in which the photographer revisited his private collection. Working currently mainly with digital systems, Paulo Rossi reviews the material he produced (between 2002 and 2006) in film and gives it a new destiny. So, the shoot arises with a new meaning [...], as a tribute to analog photography.” Paulo Rossi was born in Sao Paulo and lives in Joao Pessoa. He is a photographer and a photography teacher. He taught in extension and college photography courses at SENAC-SP. He is a university professor at IESP-PB and in FAAP’s postgraduate photography course, in Sao Paulo. Sites and social media: www.paulorossifotografia.com.br; https://www.facebook.com/paulorossifotografo/; https://www.instagram.com/rossi_paulo/

Paulo Rossi











BREAKING THE PASSIVITY OF CONTEMPLATION There is a fundamental difference between minimal art and conceptual art: minimal art proposes an explosion of totalities in a detail; conceptual art proposes an explosion of details in a totality. Roberto Vietri transits in conceptual art, maybe in neoconceptualism. Seeking support in land art, he turned Galeria Janete Costa, in Recife, capital of Pernambuco state, in a beach… or vice versa; making photos, he recovers situations and memories so that the viewer can transgress himself/herself by contemplating moments of their lives, evaluating their lives here and now, physical and metaphysical, anthological and ontological. “Desmanche Construcao (dis) Juncao: Oxigenio e Outros Trabalhos” is the title of Vetri’s installation at Galeria Janete Costa. Some of these pictures helped to compose that installation. These pictures break the passivity of contemplation. They ask for more than emotion, they want interpretation. Before them, the viewer transits from himself/herself to a world of a size one desires. Roberto Vietri was born in Sao Paulo (1980), where he lives. He works photography critically by questioning a contemporaneity dominated by excesses and fragmentation of experiences. He started his studies with training in black and white photography at SENAC/Sao Paulo in 2006 and authorial photography at Museu de Arte Moderna/ Sao Paulo, in 2007. Invited by photographer and curator Marcelo Greco, he joined a study group under his guidance and also Leo Divendal’s (Gerrit Rietveld Academy/Amsterdam) from 2008 to 2010. He graduated at ICP - International Center of Photography - NY (2012/2013) in General Studies In Photography.

Roberto Vietri









MEMORIES THAT TRANSFORM AND INVITE THE SPECTATOR Memory is unfazed. When one least expects it, it resurfaces, at times singed by negation, but then it resurfaces. This Insistent Organisms of Thaisa Figueiredo are pure memory. They are subjacent between the lines of the possible circumstances they suggest. But they also make transformation present. A determined past without reference and a surface which is altered both physical and chemically show a conceptual photography which provokes the viewer. This is one of the magics of Thaisa Figueiredo: she exposes an ineffable, but makes an intentionality concrete as far as the viewer is outside the photo, but can be put inside. She says: “The photographs that compose this series are points of interaction between death and rebirth; they mark the appearance of new cycles that witness and exist only through the stubbornness of these insistent lives.” She does her work based on other people’s photographs, through interventions with chemical products and sewing. She was born in Custodia, in Pernambuco state, in 1988. She lives and works in Recife, capital of this state. She found out about photography in 2006. She graduated in Social Communications at Universidade Catolica de Pernambuco and completed an International Master in Conceptual and Artistic Photography in 2012, at Centro Internacional de Fotografia y Cine - Efti, in Madrid, Spain. She was a finalist at Premio Internacional de Fotografia Emergentes dst - Braga, Portugal – and took part in collective exhibitions such as O Grande Cubo ou Torre de Babel, at Festival de Fotografia Paraty em Foco, in 2013; Nueva Fotografia Internacional, at Circulo de Bellas Artes de Madrid, in 2014; Mostra Fotos Contam Atos, at Galeria Vermelho, in 2015.

Thaisa Figueiredo










EDITORIAL A rica diversidade destes fotógrafos do Norte e Nordeste Belos documentos de cultura regional; elaborados tratamentos de imagens; trabalhos conceituais instigantes e desafiadores. Estes fotógrafos que nasceram ou moram no Norte e Nordeste proporcionam obras de arte inquestionáveis, dignas de qualquer museu do mundo. A fotografia brasileira, na sua polivalência e pluralidade é referência. Leonardo Horta, o único que mora fora do Brasil, foi à fotografia como forma de ver, sentir e interpretar o mundo; Beto Skeff, captura os efeitos do tempo e movimento; com Paulo Rossi, podemos transitar visceralmente e cerebralmente, em imagens, ao mesmo tempo, temporais e atemporais; o amazonense Lula Sampaio transita do realismo mágico ao construtivismo; Daniele Rodrigues inunda suas imagens de transcendências temporais; Cecília Urioste oferece um contundente expressionismo conceitual ao registrar os 28 dias do seu ciclo menstrual; Gustavo Moura propõe uma bela introspecção num tempo indefinido; Fernando Vivas tece teias poéticas que exprimem vazios e indignação; Márcio Vasconcelos usa luzes, cores, detalhes para homenagear Ferreira Gullar e seu Poema Sujo; Roberto Vietri rompe a passividade da contemplação e pede participação; Hirosuke Kitamura usa a máquina fotográfica para fazer uma brilhante arte engajada e jogar em nossa cara uma humanidade dilacerada; Péricles Mendes denuncia a mídia capitalista e consumista e a transforma em arte; Thaisa Figueiredo traz uma memória pulsante para mobilizar consciências. Carcará Photo Art segue seu caminho de oferecer obras de excelente qualidade, estimular o mercado fotográfico, homenagear fotógrafos brasileiros e procurando estimular o surgimento de muitos, novos e competentes valores. CARLO CIRENZA

PERICLES MENDES Uma mídia domada, bela e inofensiva É preciso passar pela iconoclástica arte de Robert Rauschenberg, seu expressionismo abstrato e pop, para admirar ainda mais as melancólicas, explosivas e impactantes imagens de Péricles Mendes, batizadas de A.T.O – Atividades de Transgressão Ocular. Este expressionismo pop trazido pela fotografia é resultado de uma intensa reflexão sobre os rumos da mídia de massa na contemporaneidade. Ela embota, desdenha o indivíduo ao enganá-lo, promovendo-o a único; ela o aliena. Péricles Mendes transforma a mídia televisiva numa abstração, ao mesmo tempo, bela e inofensiva. Péricles Mendes é um domador de mídia. Ele argumenta: “Uma grande parcela da população é seduzida por ícones e símbolos criados e consolidados pelo audiovisual.” Segundo ele, essa mídia apenas agrega sofismas como valores de liberdade. Péricles Mendes é Doutorando (inclusão 2016) e Mestre em Artes Visuais pela Escola de Belas Artes-Universidade Federal da Bahia. Atua como artista visual ligado ao circuito das artes institucionais e independentes, além de exercer a atividade de fotógrafo autônomo. [...] Atualmente vem pesquisando elementos da arte híbrida e fotografia expandida com a finalidade de transfigurar signos/ objetos voltados para o consumo de massa em objetos estéticos direcionados ao âmbito da arte contemporânea. Participou dos Salões de Arte Visual da Bahia de 2008 a 2012; da IX e XI Bienal do Recôncavo-BA; do II e V Diário Contemporâneo de fotografia – PA (2012-2014). Foi premiado (aquisição) no 18° Salão Anapolino de Arte – GO; recebeu menção honrosa no 15° Festival Nacional 5 minutos (2012). Site: https://www.periclesmendes.com.br/


BETO SKEFF Imagens oníricas, atemporais, transcendentes

CECILIA URIOSTE Um expressionismo conceitual exposto visceralmente

Beto Skeff junta o real e o imaginário. E deixa para o espectador a tarefa de escolher que emoções retirar dessas composições que enfeixam mistérios. Seu olhar é percuciente, penetrante. Ele procura um invisível da imagem; propõe algo que funde consciente e inconsciente. Signos, símbolos e sinais não são suficientes para decodificar seus trabalhos. Eles pedem epistemologias. Aquilo que vemos é e não é; está e não está. São imagens oníricas, atemporais, transcendentes. Talvez, possamos falar em ruptura do tempo. Para Beto Skeff, “capturar os efeitos do tempo e movimento são dois temas fundamentais na fotografia. Deleuze, inspirado em Bergson, diz que o tempo existe ‘sem um momento determinável como presente, salvo como instante impessoal que se desdobra em ainda-futuro e já-passado’ e ‘o movimento remete sempre a uma mudança, migração, a uma variação sazonal. Olhar, ver e fotografar o Maracatu nos insere em expressões e aprendizados de saberes corporificados. Uma fração do tempo de passagem entre o passado, o presente e o futuro que faz com que o antes e o depois se encontrem, se interpenetrem.” Nos últimos cinco anos, Skeff tem concentrado suas energias em pesquisas que envolvem três vertentes: a cidade, manifestações religiosas e o corpo, trazendo ao discurso, suas tensões e contradições, buscando apresentar dimensões invisíveis do cotidiano. Beto Skeff é fotógrafo e educador. Desde 2014, atua na Escola de Fotografia Travessa da Imagem. É Diretor Presidente do Ifoto - Instituto da Fotografia. Endereços: https://www.facebook. com/BetoSkeff ; https://www.instagram.com/betoskeff/

Visceral. Absolutamente visceral. Conceitual. Absolutamente conceitual. Antítese de Kasimir Malevich. De mãos dadas com Joseph Beuys. Se Malevich se propõe a fugir da natureza com seus icônicos quadrados (preto sobre fundo branco; branco sobre fundo branco), Beuys vai ao mundo e o integra inteiramente ao conceito de arte. Ele diz: “arte é aquilo que chamo de arte”. E o que faz Cecilia Urioste? Caminha de Malevich a Beuys e traz ao mundo o seu íntimo mais íntimo, em um contundente expressionismo conceitual: o registro dos 28 dias do seu ciclo menstrual. Cecília Urioste começa desmaterializando o objeto e termina materializando-o com sua intimidade. Ela diz: “Fotografo aquilo que não consigo dizer em palavras. Como não sei desenhar, esculpir, cantar ou dançar me restou a fotografia como único meio de comunicação subjetiva. Eu lido com hospitais, médicos, doentes, vida e morte desde que me dou por gente. Sempre questionei diagnósticos e principalmente a passividade dos pacientes. Enxaqueca desde os cinco anos, crise de pânico da adolescência, fibromialgia e hipertensão na fase adulta. Comecei a ver toda essa relação de forma poética aos 25 anos de idade, quando a arte fez mais sentido que as prescrições.” Cecilia Urioste, (Recife, Brasil, 1980) é formada em Design na UFPE. Trabalhou com cinema, moda e voltou toda sua atenção para fotografia a partir de 2005. Tem interesse especial em autorretratos e metáforas lúdicas sobre o universo íntimo. Cursou Master fotografia artística na EFTI – Madrid em 2007. É especializada em desenvolvimento de portfolios, publicações artesanais e fine art. Site: http://www.ceciliaurioste.com/


DANIELE RODRIGUES Um sensível registro que pede mais do que um olhar furtivo Daniele Rodrigues parece nos dizer: “atenção aos detalhes!”. Quando vemos suas panorâmicas ou seus planos frechados, há um apelo: o conjunto é feito por um detalhe ou por vários. Assim, estas fotos de Daniele Rodrigues pedem mais do que um simples olhar furtivo. A religião é um tema que sensibiliza e atrai a maioria dos fotógrafos. Estamos diante de um belo e sensível registro. Objetos, flores, velas, rostos, corpos: Daniele sabe inundar suas imagens de transcendências temporais. Apesar do instantâneo da foto, ela nos fala de antes e do que virá. Estas fotos recriam um tempo etéreo em nosso cérebro. Daniele Rodrigues fala: “Entre o mar e o sertão, sou uma fotojornalista apaixonada pelas relações humanas. Moro em Salvador desde 2000 e não abro mão de viver perto do mar, mas também não quero perder a ligação com a terra que herdei de meus pais e avós do sertão do Piauí. São festas populares e religiosas de lá e cá. Trabalhei em um jornal local e há três anos fotografo para o Governo do Estado da Bahia, e assim posso conhecer um pouco deste estado que tem tamanho e diversidade de país.” A artista de 26 anos vive a fotografia desde 2011, na faculdade de jornalismo. Especialista em Arte Educação pela Escola de Belas Artes da UFBA, a fotógrafa acredita que cada pessoa pode e deve contar sua própria história: “já chega de sempre um homem branco, estadunidense ou europeu vir representar a gente, a população da periferia, a população negra; as mulheres precisam mostrar o mundo do seu ponto de vista, do seu lugar, acredito muito nisso”. Endereços: https://www.flickr.com/ photos/governodabahia/albums/72157678106243261; https://www.flickr.com/photos/danielerodrigues

FERNANDO VIVAS Teias poéticas que exprimem vazios e indignação Que fios tecem as teias poéticas de Fernando Vivas? Ele é incisivo em suas intervenções. Porque aquilo que ele vê por meio da câmara não é suficiente para aplacar seu imaginário e sua indignação. Ele pede mais. Além de denunciar, ele quer ser o criador de realidades. Esse mundo azul contrasta com a pele dos negros que Fernando Vivas enquadrou para comemorar o Dia da Consciência Negra de 2016, para a revista Muito, suplemento do jornal baiano A Tarde, onde trabalhou de 2004 e 2015. É ele quem fala: “Quem vê tanto mar? Quem lê tanta notícia? À beira do abismo da Avenida Contorno, penso nos meus próprios vazios. Azuis. Avenida como margem que esconde homens e mulheres que dividem a mesma solidão. Ausências. Faz alguns anos, retrato minhas subidas e descidas apressadas pela Contorno, a mais suave ligação entre os contrastes das nossas duas cidades: a de Cima e a de Baixo.” Para a jornalista Katia Borges, “Fernando Vivas desliza pelo simbólico, ao enfatizar as nuances, os nós, que ainda mantêm os negros como reféns de uma sociedade que insiste em determinar e limitar seus espaços de manifestação e afirmação.” Fernando Vivas é fotojornalista desde 1988. Nasceu em Salvador, graduado em Comunicação Social pela Universidade Federal da Bahia (2014) e em Design pela Universidade do Estado da Bahia (2017). Faz freelance para as editoras Abril e Globo e para os jornais Folha de S. Paulo e O Globo. Prêmios: Bienal do Recôncavo 2004 – menção honrosa; Cofic de Meio Ambiente 2005 – 1º lugar, Fotojornalismo; Esso de Jornalismo 2008 – finalista, categoria Primeira Página; e Society for News Design Annual Competition, 2009 - Award of Excellence. Endereço: http://vivasf.wix.com/fernandovivas


GUSTAVO MOURA Prosa, poesia e música que remetem a um tempo indefinido

HIROSUKE KITAMURA A humanidade dilacerada numa brilhante arte engajada

Gustavo Moura fotografa em prosa. Mesmo considerando que suas fotos têm muita poesia. Ele é literal. Porém, temos que saber ler essas imagens. Nestes trabalhos de um conjunto intitulado “Quintal Imaginário”, ele parece ir ao presente para negá-lo. Tudo remete à memória. Suas composições, aparentemente, despretensiosas, nos proporcionam momentos de reflexão e comparação, porque seus objetos, suas pessoas, seus cenários nos pedem que consultemos nossa própria história, nossos objetos, nossas pessoas, nossos cenários. Assim, podemos também rever nossa vida em prosa, entender a nossa poesia, mergulhar numa bela introspecção num tempo indefinido. Numa entrevista concedida a Paula Sacchetta, do Suplemento Aliás do jornal O Estado de S. Paulo, (http://alias.estadao.com.br/noticias/geral,arrodeio-dotempo,1624099) ele revela: “[...] a fotografia é um sentimento só. Fotografar me aproxima da poesia e de mim mesmo. Fotografo o ritmo e o movimento que estão dentro de mim. A fotografia é a música que eu tento aprender a fazer todo dia. “Gustavo Moura nasceu em João Pessoa, capital do Estado da Paraíba, em 15 de março de 1960. Fotografa profissionalmente desde o início dos anos 80 e transita entre o documental e o autoral. É autor dos livros: “Imaginário” e “Do Reino Encantado”. Recebeu diversos prêmios, entre eles o primeiro lugar do Concurso Fotográfico Cultural Leica. Em 2013, conquistou o Prêmio Marc Ferrez de Fotografia (Funarte/ MINC) com o projeto Fotografia Paraibana Revista. Atualmente, é fotógrafo da Coordenação de Extensão Cultural da UFPB e desenvolve trabalhos para o mercado editorial, projetos documentais e ensaios autorais. Site: http://fgmoura.com/

O que esse japonês de Osaka, formado em letras portuguesas na Universidade de Estudos Estrangeiros de Kyoto, 50 anos, 20 anos de Bahia, apaixonado por música, tem a ver com o expressionismo? Tem muito a ver! Suas composições criam espaços densos, conturbados, nos quais habitam seres humanos em situações limites de sobrevivência. Qual a sua proximidade do pintor Francis Bacon? Se esse artista é visceral, alucinante, retratando pessoas atormentadas, angustiadas, Hirosuke Kitamura está bem ao seu lado. Porém, se Bacon registra, Kitamura denuncia. Suas imagens são manifestações públicas que exigem a atenção de todos nós para a necessidade de grandes mudanças sociais. Ele usa a máquina fotográfica para fazer uma brilhante arte engajada e joga em nossa cara uma humanidade dilacerada e parece nos perguntar: por que compactuamos com isso? Kitamura é um revolucionário. Chegou ao Brasil em 1990 como estagiário de intercâmbio. Em 1993, estuda pintura e desenho de observação no Museu de Arte Moderna de Salvador e, em 1995, faz curso intensivo de fotografia e inicia seu trabalho como fotógrafo. Tornou-se correspondente da revista de música Latina, que circula mensalmente no Japão, realizando fotos e escrevendo textos sobre eventos musicais de todo o Brasil. Kitamura vive atualmente em Salvador, na Bahia. Num primeiro momento, suas fotografias nos remetem às estéticas de Miguel Rio Branco e Mário Cravo Neto. Há mais de dez anos retrata mulheres nos bordéis decadentes de Salvador, conhecidos como bregas. “Sou um estrangeiro na Bahia há 20 anos e uso a fotografia para me expressar. Aqui me encontro com muitos paradoxos e contradições, como miséria e pureza, nas pessoas e no ambiente.”


LULA SAMPAIO Do realismo mágico ao construtivismo LEONARDO HORTA Questionamentos em plásticas imagens que desvanecem Nestas fotos, estamos diante de situações inusitadas e esteticamente compostas. As plásticas e diáfanas composições de Leonardo Horta, nas quais pairam mulheres, despertam emoções e comportam interrogações. São cenas efêmeras que parecem esvanecer no momento seguinte. Mas que momentos? Talvez, momentos de intensa subjetividade, de questionamentos. Mesmo seus retratos (ver em http:// www.leonardohorta.com/portraits?lightbox=dataItemiug2viub1 ), aparentemente convencionais, deixam transparecer indagações, tanto dos fotografados quanto dos espectadores. Este cirurgião ortopedista mineiro, de Belo Horizonte, que mora em Drachten, na Holanda, foi à fotografia como forma de ver, sentir e interpretar o mundo. Ele revela no seu site (http://www.leonardohorta.com/about): “Nasci e cresci no Brasil. A fotografia invadiu minha vida nos últimos anos de faculdade, quando comecei a brincar com uma câmera que meu pai havia acabado de comprar. Depois de algum tempo, eu estava usando a câmera muito mais do que ele [...] Em 2003 me mudei para a Holanda. A fotografia continuou sendo uma grande paixão, mas foi só em 2015 que eu decidi avançar. Comecei a estudar fotografia na Photo Academy, em Amsterdã. Isso me abriu a mente para novas possibilidades criativas que eu nunca havia testado. Minha abordagem se tornou muito mais conceitual e eu também descobri uma nova paixão por fazer retratos e fotografia documental. Apesar de minhas fotografias terem um componente estético inegável, meu principal objetivo como fotógrafo é evocar uma forte emoção que toque o espectador em um nível mais profundo.”

“O uso carregado e intenso da cor pura muitas vezes caracteriza os artistas do Norte brasileiro. Esse é o caso do fotógrafo Lula Sampaio, do Estado do Amazonas, que trabalha exatamente dentro da vertente que pesquisa o uso da cor pelas populações amazônicas.” Oscar Ramos Galeria Do Largo https://sites.google.com/site/galeriadolargo/lula-sampaio Para que serve uma canoa, obviamente, além de transportar pessoas e coisas? Em marinhas, elas compõem a paisagem; em Pancetti, elas complementam a paisagem; em Lula Sampaio, elas são ícones, linhas, elementos cognitivos, identificáveis ou não, que compõem esteticamente bidimensionalidades. Elas transitam de um realismo mágico ao construtivismo. E sempre provocam encantamentos. As canoas de Lula Sampaio são meios de transporte para belas sensações estéticas. Criado em Fortaleza, este engenheiro civil morou em São Paulo onde fez curso de Fotografia Imagem e Ação com o Professor Claudio Feijó em 1982, quando começou a fotografar a Amazônia regularmente. No período de 1986 a 1996, se dedicou bastante a fotos preto e branco. em laboratórios e em sua residência. Em 2005, iniciou um trabalho sobre as feiras livres e arquiteturas de emergências. Essas construções com lonas eram usadas em barcos, casas de invasões e praias. Com este tema foi selecionado pela curadoria francesa para representar o Amazonas em Paris, em agosto de 2005, com dois painéis, cada um com 3m x 1m, montados com três fotos cada. Alguns livros: Ceará: A Civilização do Couro; Alma do Norte, sobre embarcações amazonenses; 95 Anos Construindo Conhecimentos na Universidade Federal do Amazonas; 50 anos do Festival Folclórico do Amazonas.


MÁRCIO VASCONCELOS Um realismo concreto em luzes e cores A cidade está no homem / quase como a árvore voa / no pássaro que a deixa// Cada coisa está em outra / de sua própria maneira / e de maneira distinta / de como está em si mesma.” Ferreira Gullar Como são fortes as fotos de Márcio Vasconcelos! Como transbordam vida, vigor! Que incrível luz ele vai buscar. Suas cores, seus enquadramentos... então... Seu olhar é ágil; seu clique, rápido. Não temos dúvidas diante de suas fotos: um realismo acachapante, nos mínimos detalhes. As fotos, elas são, elas estão à nossa frente. E pedem apenas que as contemplemos com profundidade. Sua inspiração é o “Poema Sujo”, que Ferreira Gullar escreveu em Buenos Aires, em maio/ junho de 1975, quando estava fugido da ditadura brasileira. Ao contrário do lamento poético que transpira saudade e resistência, as fotos de Márcio Vasconcelos promovem um concreto realismo, nem mágico nem fantástico. Em entrevista à repórter Daniela Guedes (https://blog.saraiva.com.br/afotografia-documental-de-marcio-vasconcelos/), ele revela: “A imagem fotográfica, independente de como for capturada, sempre será um importante instrumento para mostrar uma realidade, fazer uma denúncia.” Márcio Vasconcelos reside em São Luís e tem se dedicado a registrar a Cultura Popular e Religiosa dos afrodescendentes no Maranhão. “Visões de um Poema Sujo” recebeu o Prêmio Marc Ferrez, da Funarte, em 2014, e ganhou exposição e livro, com abertura e lançamento no Museu AfroBrasil, no Parque do Ibirapuera, na cidade de São Paulo. “Crio sensações visuais como se estivesse no lugar de Gullar. Como seria essa São Luís? Quais os tons, as nuances?”, explica Márcio Vasconcelos. Site: http://www.marciovasconcelos.com.br/

PAULO ROSSI Homenagem à fotografia analógica Podemos inserir este ensaio, Poética do Negativo, no quesito metalinguagem. Talvez, um oxímoro, realidades antitéticas: a fotografia registrando a memória do cinema, o tempo estático reverencia o tempo em movimento. Este ensaio de Paulo Rossi transmuta o tempo, funde dois tempos, alegoriza o tempo. Separa passado e presente. E nos coloca à mercê da memória: “quem sou eu que me identifico com essas imagens e as sinto quase visceralmente ?” Quem são aqueles que não se identificam com essas imagens, pessoas que jamais as viram e que, no entanto, podem senti-las cerebralmente, mas não racionalmente? Essa é a magia destas fotos. Elas refazem a memória e, ao mesmo tempo, criam memórias naqueles que não viveram aqueles espaços e tempo. E podemos transitar visceralmente e cerebralmente, em fartas emoções, diante destas imagens, ao mesmo tempo, temporais e atemporais. Andréa Ponte e Paulo Rossi refletem: “Poética do negativo nasce de um processo de revisitação do fotógrafo ao seu acervo pessoal. Trabalhando hoje em dia basicamente no sistema digital, Paulo Rossi revê o material produzido (entre os anos de 2002 e 2006) em película e lhe dá um novo destino. O ensaio surge, dessa forma, ressignificado [...] como uma homenagem à fotografia analógica.” Paulo Rossi, paulistano radicado em João Pessoa, é fotógrafo e professor de fotografia. Lecionou nos cursos livres e de bacharelado em fotografia do SENAC-SP. É professor universitário no IESP-PB e no curso de Pós-graduação em Fotografia da FAAP, em São Paulo. Endereços: www.paulorossifotografia.com.br; https://www.facebook.com/paulorossifotografo/; https://www.instagram.com/rossi_paulo/


ROBERTO VIETRI Rompendo a passividade da contemplação

THAISA FIGUEIREDO Memórias que se transformam e convidam o espectador

Há uma diferença fundamental entre arte mínima (minimal art) e arte conceitual (conceptual art): a arte mínima propõe uma explosão de totalidade num detalhe; a arte conceitual propõe uma explosão de detalhes numa totalidade. Roberto Vietri transita na arte conceitual, talvez, num neoconceitualismo. Buscando suporte na land art, transformou a Galeria Janete Costa, do Recife, capital do estado de Pernambuco, numa praia... ou vice-versa; fazendo fotos, recupera situações e memórias para que o espectador possa transgredir a si mesmo contemplando momentos de sua vida, avaliando sua vida no aqui e agora, físico e metafísico, antológico e ontológico. “Desmanche Construção (dis) Junção: Oxigênio e Outros Trabalhos” é o título da instalação que Vetri fez na Galeria Janete Costa. Algumas destas fotos ajudaram a compor aquela instalação. São fotos que rompem a passividade da contemplação. Pedem mais do que emoção, querem interpretação. Diante delas, o espectador transita de si para um mundo do tamanho que ele desejar. Roberto Vietri nasceu em São Paulo (1980), onde vive. Trabalha a fotografia criticamente ao questionar uma contemporaneidade dominada pelos excessos e pela fragmentação das experiências. Iniciou seu estudo com a Formação em Fotografia Branco e Preto no SENAC/São Paulo em 2006 e Fotografia Autoral no Museu de Arte Moderna/São Paulo em 2007. Convidado pelo fotógrafo e curador Marcelo Greco, juntou-se a um grupo de estudos sob sua orientação e também de Leo Divendal (Gerrit Rietveld Academy/Amsterdam) de 2008 a 2010. Formou-se no ICP- International Center of Photography -NY (2012/2013) no programa General Studies In Photography.

A memória não se deixa abater. Quando menos se espera, ela ressurge, por vezes, chamuscada de negações, mas ressurge. Estes Organismos Insistentes de Thaisa Figueiredo são puras memórias. Elas subjazem nas entrelinhas das possíveis circunstâncias que elas sugerem. Mas elas também presentificam transformações. Um determinado passado sem referência e uma superfície que se altera físicoquimicamente mostram uma fotografia conceitual que provoca o espectador. Esta é uma das magias de Thaisa Figueiredo: ela expõe um inefável, mas concretiza uma intencionalidade, na medida em que o espectador está fora da foto, mas pode se inserir nela. Ela relata: “As fotografias que compõem esta série são pontos de interação entre a morte e o renascimento; marcam o surgimento de novos ciclos que testemunham e existem somente através da teimosia dessas insistentes vidas.” Ela produz seu trabalho com base em fotografias de outras pessoas, através de intervenções com produtos químicos e costuras. Nasceu em Custódia, estado de Pernambuco, em 1988. Vive e trabalha em Recife, capital daquele estado. Descobre a fotografia em 2006. Formou-se em Comunicação Social na Universidade Católica de Pernambuco e concluiu o Master Internacional em Fotografia Conceitual e Artística em 2012, no Centro Internacional de Fotografia y Cine – Efti, em Madri, Espanha. Foi finalista do Prêmio Internacional de Fotografia Emergentes dst – Braga, Portugal- e participou de coletivas como: O Grande Cubo ou Torre de Babel, no Festival de Fotografia Paraty em Foco, em 2013; Nueva Fotografia Internacional, no Círculo de Bellas Artes de Madrid, em 2014; Mostra Fotos Contam Atos, na Galeria Vermelho, em 2015.


Credits Publisher: Alaide Rocha Editor: Carlo Cirenza Research and text: Fernando Rios Graphic Project: Marcelo Pallotta Art Director: Henrique Nunes Translation: Bruna Martins Fontes Acknowledgment: Biografica Arte Contemporânea and Monica Vendramini 1 - Suggestions, complaints and praise should be sent by email to: contact@carcaraphotoart.com 2 - Portfolios should be submitted in the following format: JPEG ( 20 x 30 cm ), 200 dpi by email to: contact@carcaraphotoart.com


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