Invitadas de honor by Biblioteca Vasconcelos

Fernanda Acosta Fragoso Lineas Tinta sobre papel albanene/fotografĂa PolĂptico de 12 piezas

Laura Anderson

Julia y Laura Exhibition copy (edition of 5) C Print on fiber paper framed in hand carved with silver leaf and black laquer 43.18x55.88cm Signed and numbered on the back of the print

ulia Pastrana, (1834-1860) mujer indígena nacida en Sinaloa, México. Fue una talentosa artista que cantaba en inglés, español y francés. Julia tenía una voz mezzo-soprano, tocaba la guitarra y era bailarina. Se le conocía por su amor al prójimo y por su generosidad a proyectos de beneficencia. Se presentó ante públicos en todo Europa y Estados Unidos. Julia sufría de hipertricosis lanuginosa congénita generalizada y severa hyperplasia gingival, por lo cual su cuerpo y cara estaban completamente cubiertos de una capa gruesa cabello y tenía su quijada extendida. Después de su muerte, su cuerpo fue embalsamado y exhibido durante mas de 100 años y posteriormente almacenado en la Colección Schreiner en la Universidad de Oslo, Noruega. En respuesta a Julia inicié una investigación y correspondencia con académicos de la Universidad de Oslo y el National Committee for Ethical Evaluation of Research on Human Remains de Oslo, Noruega para presentar el caso de Julia Pastrana ante el comité para evaluación con el fin de que sea repatriada a México para su entierro.

Después de casi 10 años de esfuerzos, en Febrero de 2013 en la Universidad de Oslo, la custodia de Julia Pastrana fue transferida a México, yo representé el Estado de Sinaloa. Julia Pastrana fue enterrada el 12 de Febrero en Sinaloa de Leyva, Sinaloa, México. Proyectos adicionales están en desarrollo para conmemorar y reflexionar acerca de los temas relacionados con su historia. Entre ellos se incluye un documental, un libro y obras transdisciplinarias en colaboración con artistas y músicos internacionales.

Daniela Aparicio

Now you’re giving me the look Óleo sobre tela 90x70cm 2014

stas tres obras son parte de Tweens, serie en la que he estado trabajando desde el verano 2014 cuyo nombre nace cuando leo El Señor de los Anillos y Tolkien menciona que Frodo es un tween. No es un adulto aún pero tampoco es un teen. “He’s in between”. Personalmente yo creo estar en medio de algo, en un umbral, en un limbo no tangible entre la adultez y la adolescencia tardía. No soy completamente adulta pero ya no soy adolescente, y, por otra parte, sé que no soy la única y esta inquietud me llevó a iniciar esta serie.

En Tweens, que está principalmente construida por retratos (aunque actualmente trabajo en un libro de artista) para los que seleccioné a amigos cercanos, a mis hermanos, a personas con las que realmente tengo una conexión que sí importa y con la que nos retroalimentamos y crecemos juntos. La identidad, el vínculo afectivo, la necesidad de pertenecer pero también la necesidad de ser individuos que buscan, de cierto modo, la alienación, son los temas principales de esta serie, además de la necesidad de representar y así entender mi contexto socio-político. Somos jóvenes híbridos, ambiguos, mayorita-

riamente universitarios, que buscamos algo y estamos en un perpetuo proceso de construcción. Hijos de la cultura mexicana que es en fundamentalmente híbrida, somos además de la generación de los 90’s, y hemos sido inevitablemente influenciados por la cultura estadounidense. El primer cuadro de la serie, Now you’re giving me the Look, retrata a Cecilia Breña y María José Kelly, dos mujeres con las que tengo un importantísimo vínculo, a muchos niveles, y que son sin duda de las personas más cercanas que tengo. El título viene de una canción (como usualmente nombro mis obras) de Metronomy, The Look, por que esa canción forma parte de un momento importante del 2014,

y sobre todo, del verano cuando la foto que sirvió de modelo para el cuadro fue tomada, en una fiesta. Multiplayer es una de las piezas más importantes de la serie. Retrata a mis hermanos, Manuel y Alfredo Aparicio, que tienen la misma edad y que sin duda me han construido más de lo que puedes imaginar cuando eres una niña de tres años y de la nada nacen dos hermanos. Ellos son una gran parte de mi forma de ser y me atrevo a decir que de mi existencia, no por ser mis hermanos y por la sangre, pero por ser dos de los pilares fundamentales de mi todo. Decidí que quería pintarlos jugando Nintendo por ser una actividad que, en nuestra vida de hermanos, desde la infancia, nos ha unido, se-

Daniela Aparicio Multiplayer Óleo sobre tela 120x90cm 2015

Daniela Aparicio Jeanne D’Arc Óleo sobre tela 100x80cm 2015

parado, divertido, hecho llorar, ganar, perder, lanzar los El nombre está en francés y no en inglés como en la controles contra la pared y morirnos de risa. Actualmen- canción de Arcade Fire, para hacer referencia a la edute jugamos cuando podemos, pero casi siempre juntos, cación que recibí, en un liceo francés, y que es una de y entre más viejos sean los juegos, mejor. los hechos más importantes de mi personalidad, esta mezcla de la mezcla de la mezcla, más que mestizaje, Finalmente, el único autorretrato de la serie. Jeanne más que hibridación, la confusión que a veces se puede d’Arc fue una obra que particularmente me tomó tiem- tener, los revoltijos lingüísticos, los amigos que se van y po en idear, tal vez por que el autorretrato es compli- que vienen. cado, por que siempre es difícil verse y de cierto modo exponerte a la mirada del otro, y peor aún, tu propia Hay otro cuadro en esta serie que se llama I’m Aquamirada. Se titula así por una canción de Arcade Fire, rius, también por una canción de Metronomy, que retraJoan of Arc, pero también por que en cuando era niña ta a Isabel Palacios-Macedo, una de mis mejores amime gustaba jugar a los caballeros, a las aventuras, a los gas. Lo pueden ver en http://danielaaparicio93.wix. dinosaurios y a los astronautas. Recuerdo haber tenido com/daniela-aparicio particularmente una fascinación por Juana de Arco, que conocí en una campaña de Age of Empires II y por la película de Luc Besson, protagonizada por Milla Jovovich. Mi padre me hizo una armadura de papel cascarón, con todo y flor de lis y espada de madera. Recuerdo ese episodio con especial cariño. Hoy en día ya no encuentro la armadura y la espada es muy pequeña, pero siempre voy a tener un afecto especial por esa historia, que fue parte de mi infancia y sin duda me ayudó a desarrollar mi personalidad, restándole importancia al hecho de no ser una niña cliché.

Silvia Barbescu Joshua Tree 120x150cm 2010

a contemplación de la naturaleza, en el transcurso de la historia, se ha representado en el arte plástico, de muy diversas formas. En mi caso, las dos pinturas al óleo que están viendo, forman parte de dos series diferentes, y tienen como motivo de reflexión el paisaje. En la primera obra titulada “Joshua Tree” que pertenece a la serie “Del desierto y otras historias” iniciada en el 2010, busco la fuerza y las entrañas de la misma tierra, con una cromática mas viva, un tanto agresiva.

Silvia Barbescu Cerezo Óleo sobre tela 200x100cm 2014

“El Cerezo” pertenece a la siguiente serie de “Jardines Fantásticos” que empecé en 2013. En esta pintura, pretendo evocar la delicadeza y vulnerabilidad de la naturaleza frente a la invasión del humano. Son dos obras que hablan de mi visión, percepción y sensibilidad que ofrezco a la interpretación del espectador. El paisaje es un tema en el arte plástico, que toma independencia y fuerza de representación a partir del siglo XVII. Anteriormente, formaba parte de la composición como escenografía o soporte para temas considerados más importantes.

Norma Barragán Ántas Metal Soldado Variables (9 piezas negras)

e gusta pensar en mi obra como una especie de anti códigos, que se revelan como testimonio de nuestra manera de estar, de transitar, tomando a la arquitectura como aliado imprescindible, convirtiéndonos de espectador en co-autor de las lecturas, cualquier ubicación que les demos o que tomemos tienen una connotación precisa, como las

manecillas de un reloj. Elijo esta ocasión las estructuras, que intentan descifrar los límites que contienen lo posible de nuestro andar, estas estructuras pretenden que nuestro andar se mantenga en lo marginal, son una estructura desde la cual puedes mirar, de ninguna manera son estructuras para mirar.

Yuritzin Barrientos Vidente Acrílico sobre madera 60x50 cm

idente surge como un augurio desde que era una niña me ha fascinado la idea de mantener una cierta conexión con el lado instintivo que el humano posee, como una revelación ante la insistencia de idear el mundo a partir totalmente de una postura lógico-racional. Me gusta creer que no todo tiene que ser explicable, que hay cosas o situaciones que se escapan de nuestro entendimiento y por lo

tanto de nuestro control. Sólo así me es posible entrar en el territorio de la fantasía, no como una evasión de lo real sino como otra ventana desde la cual las posibilidades se potencializan y los límites se trastocan.

Adriana Calatayud AnatomĂa fragmentada I imagen 78x90cm 2011

Adriana Calatayud AnatomĂa fragmentada IV imagen 54x68cm 2011

Adriana Calatayud AnatomĂa fragmentada V imagen 82x53.2cm 2011

María Campiglia Sobre el tacto: Serie 1 El encanto de convertir al Otro en otro: Imaginarios de reducción y cosificación. (fragmento). Políptico Varias medidas

ibujos realizados sobre distintas capas de papel albanene. Abordan algunas maneras de entender lasrelaciones entre individuos como un juego de control, dominio y reducción del Otro. Se trata de una mirada en torno a diversos imaginarios de cosificación, animalización, y segmentación.

María Campiglia Sombras de palmas del patio 8 de la Biblioteca Vasconcelos. Vinil cortado montado en vidrio 1m x 23.33m

inil cortado que recupera la forma exacta de la sombra proyectada al medio día por el grupo de palmas que están en el patio 8 de la Biblioteca Vasconcelos. (Que pueden verse a través de este vidrio).

Ady Carrión Parga Café a las 5:00pm Carbón, grafito y pastel sobre tela 185x200cm 2004

n la superficie del lienzo, en su materialización se integra realidad, hay acción. Las categorías se superponen y se crea un imaginario tangible. Enfrentarse con el dibujo es tomar decisiones, seguir caminos, es acompañar una acción integradora y transformadora.

Cuando dibujo algún objeto, me pregunto por aquello que me hace verlo como tal. Su unidad, su completitud, sus proporciones ergonómicas me resultan menos certeras cuando me dispongo a dibujarlo. Al trazar, me interesa cuestionar su carácter de unidad y construyo así, en el dibujo, una

Ady Carri贸n Parga Carb贸n, grafito y pastel sobre tela 150X150cm 2004

unidad fragmentaria, un todo que se significa como tal en tanto parte, y que remite a una din谩mica fractal a nivel del concepto. Y esta parte convertida en todo, esta unidad fragmentaria, crece en el

dibujo hasta dimensiones humanas. El objeto dibujado constituye una realidad que transforma el espacio en torno suyo y crea una atm贸sfera habitable.

Ady Carrión Parga

Trabajo de Mujeres I Estambre bordado sobre tela 115x140cm 2012

o dibujo. Doña Rosita borda. Su mamá teje. Una vecina cose, lava y plancha. La obra se vuelve realidad a partir de este evento integrado por colaboraciones de mujeres, que se convierten en el asunto de la obra misma. La obra no puede existir al margen de estas dinámicas.

Ady Carrión Parga

Trabajo de Mujeres II Estambre bordado sobre tela 115x140cm 2012

Mi dibujo se proyecta más allá de la superficie y se convierte en una realidad, una realidad por principio dibujada que hace posible la coincidencia de categorías distintas y la multiplicidad de relaciones formales-conceptuales, una realidad en la que la comunidad se ve envuelta y, quizás incluso, transformada.

Ana Bell Chino Guzmán Contrastes Educativos (Mashup de Lucio Cabañas y Elba Esther Gordillo) Intervención in situ (fotocopias) 400x250cm

Karla Aileen de Jesús Reyna Red de Colectivos Bitácora ilustrativa 31x23cm

Paloma Díaz Abreu Hazmat Acrílico sobre tela 141x176cm 2003

Paloma Díaz Abreu Acrílico sobre tela 141x176cm 2003

Mónica Dower Primera, segunda y tercera secuencia de Café Miller Acuarela sobre papel 104x74cm

erie Pintando la imagen-movimiento. (basada en un video de Pina Bausch)

Es una serie que busca establecer diálogos entre la imagen filmada y la pintura, involucrando reflexiones filosóficas que tienen que ver con la duración, la imagen afección, la imagen subjetiva y la sensación.

Pinto con acuarelas sobre papel secuencias e instantes del cine y de videos de artistas contemporáneos, con la idea de darles existencia en una segunda memoria, que es pictórica. Incluyo vídeos de mi propia autoría que también me interesa trasladar al espacio de la pintura. Lo que uno obtiene al pintar fragmentos, escenas y secuencias de películas, son cortes fijos o inmóviles que al desplegarse en uno o distintos planos, crean una lectura continua donde encontramos un antes, un durante y un después y en realidad esto es lo que me interesa principalmente: romper con el instante único y privilegiado que siempre ha fundamentado a la pintura presentando dos o tres instantes en secuencia para buscar una suerte de temporalidad.

Alejandra España

Libro de Artista 2014

ti non abuti comenzó siendo una exposición individual de obra generada durante mi periodo de formación en la Esmeralda. (2002 - 2007). Al finalizar ésta, mis intereses y pasiones exigían otra forma para ser contenidos. Así surgió la idea de hacer como tesis una compilación de mi propia colección de libros, imágenes y textos, una decantación de lo que me era significativo en el terreno del arte en esos momentos para darle forma de ensayo por un lado y collage por el otro. Al final un libro… Uno del tipo interactivo y lúdico que se pudiera transformar en escultura, texto o imagen con sólo darle la vuelta. Uti non abuti (del latín: Use pero no abuse) se convirtió entonces en una colección de citas,

recortes, imágenes, objetos, ideas y literatura. Un gabinete de curiosidades donde aparecen a manera de capítulos, movimientos, momentos y personajes del campo del arte importantes para mi práctica artística. El Land Art, grupo CoBrA, Rembrandt, Humboldt, Kafka, William Blake, entre muchos otros figuran en este libro de citas. El monstruo como creación, también aparece como una constante… Una mirada a las distintas formas de mirar. En palabras de Mr. Frick, un autorretrato desde la mirada del otro.

Fabiola Fragoso “Hermana” Cinta negra gafer sobre muro 400x200cm 2015

sta obra gráfica es una reflexión en torno a las relaciones entre hermanas, por medio del cabello se genera un código para una comunicación no verbal. La escena ilustra un instante de tensión, los cabellos comienzan a distanciarse para realizar un tejido que poco a poco se descompone. Simboliza el instante previo a la separación. Los cuerpos mantienen posturas opuestas, mientras uno se encuentra inclinado venerando y cuidando el vínculo que aun las une físicamente, la otra mantiene una postura firme que solo espera el momento en el que tengan que separarse. Mi trabajo es una reflexión sobre los vínculos generados por las personas, la manera en la cual el código funciona como

medio para el intercambio de sentimientos, lo cual incita a la interpretación de nuevas posibilidades de entendernos como seres sociables. Mi búsqueda también se compone de la implementación de materiales como las cintas, en este caso la cinta funciona como un símbolo de unión, teniendo la particularidad de una permanencia efímera. El uso de estos materiales ha propiciado que mi obra gráfica pueda transitar por otros soportes para generar una atmosfera con el entorno.

Blanca Estela González Sin título Óleo sobre tela 100x101cm

a obra parte de los estados abstractos reflejos internos manifestados a través del paisaje para poder visualizarlos de una manera completa, en el que lo que observamos sea la impresión de algo que podemos enfrentar, envolver, contener y finalmente interpretar. El Todo es la suma de los pedazos rotos y la suma de los pedazos rotos se manifiesta en el Todo.

Gabriela González Leal Dualidad Escritos a máquina de 1978, cabello sintético, grafito y lápices de colores sobre papel 71x109cm 2013

arto de la obra de mi fallecido padre, Fidencio González Montes escritor y periodista (1954-2012); de las huellas de su escritura, de sus manuscritos creando una relación íntima entre su disciplina (Literatura) y la mía (Dibujo); entre palabra y trazo. Los escritos de su juventud, sus libretas y borradores que apilaba en su estudio son reciclados, reapropiados y llevados a una nueva interpretación, ya no como lectura sino como líneas. Con la re-apropiación de estos documentos me he valido para “narrar” historias visuales a través de la palabra escrita dejando atrás su lecturabilidad. Me interesa habitar el lenguaje como una segunda piel,

extraer las huellas del tiempo, el polvo, sus rayones y dibujos como apuntes. El objetivo principal es otorgar un nuevo sentido gráfico-visual a las letras, las palabras. Sostener una colaboración entre texto e imagen de manera que la palabra escrita pierda su sentido de lectura y se transforme en delgadas líneas de dibujo, en textura y movimiento. Estos manuscritos solo se unieron a un extenso campo de pensar LA PALABRA ESCRITA de una manera diferente.

Gabriela González Leal Paráfrasis del silencio Litografía a dos tintas y Chiné Collé sobre papel 112x68cm 2013

Carmen Hernández

Dialéctica (como puedo te amo) Marmol negro y bronce 2 piezas tamaño natural 1997

sta escultura de Mármol Negro Monterrey, es un fragmento del grupo escultórico llamado “Dialéctica” (“Como puedo te amo”) que consta de cuatro figuras humanas en distintos materiales. Estos personajes son bellos de por sí, pero no pueden ser felices, dependen siempre de algo o alguien para ello, a pesar de tenerlo todo, por ello “penden literalmente”, el estar colgados es un sinónimo de dependencia, no representan de ningún modo tortura alguna.

Mónica Herrera Apropiación de espacios imaginarios Grabado en punta seca sobre transfer en cajas de tortillas. Medidas variables 2014 -2015

s una serie de piezas que exploran ideas de cambio en el espacio público, proyectándolo como un lugar a un tiempo caótico y utópico en el que por medio de intervenciones ficticias a través del grabado se genera un paisaje que contrasta lo “natural” y lo urbano. Utilizando cajas de cartón de tortillas horneadas, la obra recupera materiales familiares y cotidianos desplegándolos a manera de construcciones incompletas como registro de una experiencia de la ciudad.

Jimena Manzanares Inhibidores selectivos de la recaudación de serotonina 2014 10 piezas cerámicas de lentes, punta seca 43x53cm De la serie in (di) visible 2014 tinta china y madera 2 piezas de 38x38cm De la serie in (di) visible aguatinta/aguafuerte 56x46cm 28x23cm cada una

a forma en que miramos (literalmente) o no al mundo modela nuestra existencia en él. os lentes ajustan la visión para percibir una realidad consensuada, democrática, como todos dicen que es. Con la visión “corregida” soy un ser funcional pero, ¿quién soy con mi miopía? ¿sólo un ser enfermo? ¿un habitante momentáneo de una realidad alterna? Los antidepresivos adecúan las emociones de quienes los tomamos, a estándares de común acuerdo con la mayoría. Nos permiten contactar con el día a día de los demás y caminar a su lado. Pero ¿quien soy cuando no los tomo? ¿puede ser la tristeza otra versión de la existencia? ¿cómo es

que esas diminutos átomos organizados me aclimatan a la sociedad? Estas piezas tratan de la percepción de las cosas, eje fundamental de mi obra. La ubicuidad de las moléculas y su imperceptibilidad constituyen otra faceta de la misma moneda. ¿Cómo siendo parte de todo, nadie repara en ellas de forma habitual? Los anillos de crecimiento de los árboles constituyen un ejercicio de salto entre las escalas de la percepción, entre su estructura macroscópica (que por sí misma denota el transcurrir del tiempo) y su estructura molecular, repleta también de ciclos.

Alejandra Jimena Medina Xx18 Serie de 3 playeras intervenidas con bordado Medidas varias

l rencor es un veneno que te tomas y esperas que el otro se muera. Las otras fueron personas que invadieron, de buena o mala manera, mi cabeza. Este fue un proceso en el que quería deshacerme de su influencia sobre mí, de su presencia en mis pensamientos pues poco a poco echaban raíces que se distorsionaban con el paso del tiempo. Decidí expulsarlas, pero al ver que no podía apartarlas por completo, al menos buscaba llevarlas de manera externa, donde podía controlarlas. Me apropié de la imagen y por lo tanto de la idea de esa persona, en ese momento, dejaron de tener importancia pues se volvían algo tan co-

mún como un estampado en la camisa. Dejaban su identidad para convertirse en la mía. Perdieron todo significado anterior y se convirtieron en la suma de experiencias que tuve mientras las usaba. Realicé, que el rencor que había sentido en un principio, no tenía que haber sido dirigido a ninguna de ellas. Así como no debe haberlo en este tipo de exhibiciones, pues aislar a las mujeres para hablar de temas relacionados a las mismas, no hace sino alejarnos más de la equidad de género.

Carmen Mendoza Chavez Matorral3 Hilo sobre tela 74x44cm Pino Hilo sobre tela 130x150cm

Georgina Mier Reconocimiento Carbón sobre papel 2 piezas de 116x81cm

econocimiento busca desarrollar el genero autorretrato, entendiéndolo no tanto como la representación <fiel> de mi imagen, si no como un ejercicio de auto reconocimiento. La pieza se basa en fotografías tomadas en modo ráfaga con la intención de captar mi imagen sin controlar la pose. Transferir la fotografía a dibujo supone un estudio de la figu-

ra, una auto exploración en donde la idealización se trata de dejar atrás para dar paso a una nueva forma de ver el cuerpo. La imagen final, vulnerable e intima, busca representar el contraste que hay entre el manejo de poses de la vida pública/social y la espontaneidad desprovista de intenciones ajenas a la comodidad que toma lugar en la privacidad.

Jocelyn Nieto González La Guapa Óleo sobre tela 3 lienzos de 70x180cm

l trabajo que se está exponiendo en la Biblioteca Vasconcelos, pertenece a una seria que continuo trabajando titulada ‘’ A LA UNIDAD DEL PUEBLO AL BARRIO DE LA COCODRILA ENAMORADA’’, es un trabajo autorreferencial el cual tomo como ejes el amor, la aventura, la amistad y la lucha social. Me interesa entender sucesos que parten de mi forma de vivir, de comprender al mundo en historias de mi día a día que a su vez se relacionan con mi interacción con otros personajes.

Teresa Olmedo La casa es un cuerpo de imágenes que dan ilusión de estabilidad Linóleo e hilografía. 76x56cm

e repente un día te das cuenta que el techo sobre tu cabeza no es seguro, que al no ser propietario del lugar en donde vives difícilmente podrás tener certeza de su seguridad y estabilidad; cuando esto pasa, lo primero que recorre tu mente es que esa sensación de desprotección te deja indefenso, y comprendes la dimensión e importancia de tener un hogar. Todo espacio realmente habitado contiene la esencia del concepto de hogar, porque allí se unen la memoria y la imaginación, para intensificarse mutuamente. En el terreno de los valores forman una comunidad de memoria e imagen, de tal modo que la casa no sólo

se experimenta a diario, al hilvanar una narración o al contar nuestra propia historia, sino que, a través de los sueños, los lugares que habitamos impregnan y conservan los tesoros del pasado. Así pues la casa representa una de las principales formas de integración de los pensamientos, los recuerdos y los sueños de la humanidad. Sin ella, el hombre sería un ser disperso. La casa trasciende la inmediatez y se coloca como uno de los derechos fundamentales de cualquier ser humano, pues sin ella la existencia misma pierde sentido, camino e intención. La casa se torna en símbolo de cada sujeto, en ella vemos de modo subjetivo aquéllas cosas que amamos, que deseamos, interpretamos en esa simple imagen la totalidad de la existencia humana y el sentido de nuestra humanidad, nuestra casa será el escenario en el cual se desarrolla nuestra vida y será hasta que lo hagamos nuestro, hasta que lo construyamos que tendrá sentido para nosotros: «No habitamos porque hemos construido, sino que construimos y hemos construido en la medida que habitamos, es decir, en cuanto que somos los que habitan» (Heidegger, 1951). Esto debe dejar claro que la importancia de la casa no solo esta protección que brinda, sino y sobre todo en la sensaciones que provoca en sus habitantes, es el espacio que fielmente refleja a sus ocupantes.

Teresa Olmedo La casa es sin duda alguna un ser privilegiado Linoleo e hilografía 14x19cm Los recuerdos de las antiguas moradas Linoleo e hilografía 14x19cm Exlibris de la casa Linoleo e hilografía 14x29cm

Dinora Palma Sin título Tinta sobre papel Díptico 110x90cm c/u

i proceso está habitado de personajes autobiográficos, personajes del pasado y del presente, especialmente mujeres, ya que provengo de una familia en donde la imagen de la mujer es numerosa e importante como proveedora de autoridad y soporte. Mi familia esta compuesta por tres hermanas y mi madre; yo ocupo el lugar de hermana mayor y la niña representada es la menor. Cuando dibuje esta pieza, me encontraba en medio de un proceso psicoterapéutico en el que revisaba e integraba las partes perdidas de mi personalidad, se trataba de un proceso de autoconocimiento a partir de entender mis conflictos neuróticos, gracias a este proceso pude distinguir claramente los tres grandes bloques en mi proceso creativo y en mi vida, el ausente, la infancia y el autorretrato; a todo este proceso le he llamado “El dibujo sin ti”, procesado en cuadernos de bitácora y depositado en un libro de artista y dibujos de estas dimensiones. El dibujo sin ti

nació primero por el juego de re-presentar una realidad ausente pero con el tiempo se fue complejizando y se convirtió en una herramienta de autoconocimiento por medio de la cual, aún hoy día, reviso e integro partes perdidas de mi personalidad. Menciono esto último para enfatizar que mi historia de vida es una parte importante como material creativo que nutre mi trabajo. Creo que a través del arte se puede llegar al enriquecimiento y comprensión del mundo interior de una persona; a la profundización de conocimientos a través del juego de la experiencia y la creación. En mi caso, eso sí, el arte ha significado un refugio de sanación, me brindó a través del dibujo un vehículo para expresar, jugar, aprender, descifrar, entender, exponer, compartir y estar en un proceso de transformación, me interesa un arte que te permita dar un salto al mundo interior, descifrarlo y comprenderlo para aprender.

Triana Parera Pelao Grabado con linoleo 78x53cm 2014

a curiosidad constante hacia el comportamiento humano, me lleva a enfocar parte de mi obra a la representación de éste en diferentes contextos. De esta manera la gráfica me ha permitido poder experimentar con las diversas formas de reproducción, la interpretación personal de mi realidad inmediata.

Triana Parera Tripolar Grabado en linoleo 90x60cm 2014

Deny Ramos Watashi wa monsuta Transfer sobre tela Medidas varias

Deny Ramos Serie Grow Up Collage Políptico de 35x49cm – 35x28cm 2015

Karla Ricรกrdez De la serie cont-angentes: Eva Aluminio a la cera perdida 40x35x95cm 2015

Karla Ricárdez De la serie Construcciones arbóreas: Isabella y Melissa Cerámica de alta temperatura y componentes orgánicos 40x40x40cm 2014 De la serie Construcciones arbóreas: Sofía Cerámica de alta temperatura y componentes orgánicos 38x38x30cm 2014 De la serie Construcciones arbóreas: Lulú Cerámica de alta temperatura y componentes orgánicos 38x38x23cm 2014

Carla Jean Rippey In another country (la otra) Espejo / marco / impreso vintage Serie de 13 2012

ace unos años hice una obra parecida a esta, juntando marcos viejos (de la Lagunilla, más que nada), páginas de un catálogo de muestras de papel tapiz y fragmentos de unos carteles chinos de los años cuarenta (anunciando cigarros e hilo de coser, creo, o algo por el estilo). En la primera obra quería dar la idea de ventanas a un lugar desconocido, donde el viajero ve fragmentos de escenas que no entiende bien, y quizás por eso encuentra más fascinante. La primera versión se llamaba Turismo. Después decidí hacer otra obra con los retazos que me quedaron del primero. Agregué a los retazos dos marcos con espejos antiguos intervenidos con la foto-

copia de una geisha decimonónica viéndose en un espejo. Esta vez los collage fueron más complejos porque los retazos que me quedaron no eran muy grandes y para llenar los marcos tenía que hacer una composición de varios. En el proceso me salió un constante de dos mujeres asomándose, encontrándose y quizás volviéndose a perder. Imaginé que cada una estaba pensando en la otra, o quizás una era la imagen espejo de la otra. Esta vez puse dos títulos: In another country (otra forma de decir Turismo) y “La otra”, -una referencia a las dos mujeres que aparecen y desaparecen en la obra.

Ofelia Rivera Vázquez La negra Acrílico sobre madera 35x46cm 2014

i interés por las muñecas comenzó en la fabrica de juguetes de mi padre, donde trabajé desde muy pequeña, durante aquellos años de infancia me fue difícil diferenciar entre la imaginación y la industria. Al pintarles la cara, ponerles el cabello, empaquetarlas, ensamblar las piezas: brazos, torsos, cabeza, ojos y piernas fueron para mí, el límite entre la realidad y la fantasía. En estas dos piezas, presento la imagen de las muñecas como el depositario de las fantasías y los deseos más íntimos y secretos, que alguien o todos experimentan al otorgarle a los objeto inanimados un anima ,y, que al mismo tiempo logra producir la ilusión de instintos primarios como la protección o la maternidad.

Ofelia Rivera Vรกzquez La dama con negra ร leo sobre tela 60x60cm 2014

Fernanda Robles Trapitos al Sol Patchwork 2mx1.5m

sta pieza consiste en la unión de 80 prendas de ropa recolectadas. Para su realización se pidió que entregaran una prenda favorita ó representativa. Se puede contemplar de ambos lados, en el frente vemos cuadrados de 6x6 pulgadas y a la vuelta está la prenda completa. La confección de la pieza tiene como referente las colchas de

Patchwork –técnica empleada por mujeres afroamericanas de estratos sociales bajos- y habla sobre la unión de personas cercanas a mí, que entre sí pueden ó no conocerse pero que al final conforman una comunidad a partir de sus prendas más íntimas.

Michelle SĂĄenz Ofelia Transfer sobre papel japonĂŠs 110x120cm

Patricia Soriano De la serie paisaje-colapso Óleo sobre madera 40x40cm 2014

i pintura es un discurso dinámico que hasta este momento abreva una reflexión en torno a la animalidad, el deterioro humano y el colapso global. Este discurso conformado de asociaciones significantes libres, persigue una construcción que además de que abreva la lección alquímica de la pintura con referencia clásica, replantea un simulacro de luces tímbricas, álgidas toxicas que amalgaman una fantasía de orden expresionista en donde el cuerpo fragmentado enuncia “la cabeza cercenada” como una cita con la historia de la pintura, la muerte, la destrucción ecológica y una licencia poética para otorgar una mejor vida a los caídos, como problemáticas constantes de esta aventura pictórica que es la que comparto, sinceramente, sin menoscabo de conciencia.

Patricia Soriano Otredad Ă&#x201C;leo/ tela 50x50cm 2014

Patricia Soriano Renacimiento Ă&#x201C;leo/ tela 47x47cm 2014

Patricia Soriano Krishna inicial Ă&#x201C;leo/ tela 50.3x50.3cm 2014

Patricia Soriano Carne por principio I Ă&#x201C;leo sobre tela 48x45cm 2014

Patricia Soriano Carne por principio II Ă&#x201C;leo sobre tela 48x45cm 2014

Sofía Tàboas Flores con humo Grafito y papel algodón 50x70cm 2007

ertenece a una serie de dibujos realizados con grafito sobre papel de algodón, dónde exploré algunas aproximaciones a flores imaginarias, la idea de obstrucción, huella y memoria, son elementos que aparecen en esta serie, este es uno de esos dibujos que muestra una fracción enigmática de un paisaje.

Mariana Velazco

Enredos y entramados... Acrílico sobre craft 200x160cm

Y no llegamos a nada... Acrílico sobre craft 200x160cm

a abstracción y la expresión me permiten concientizar y conocer mis emociones. Sin embargo, se requiere planear y calcular la cantidad de elementos dentro del cuadro, para crear una composición en base a un sistema. Este trabajo, provocó que me acercara aun más a mí misma. Cuesta encontrarse entre tantas imágenes. Por eso retorno a mi origen, en busca de una explicación al único destino que es la muerte. Todo lo demás, a donde nos dirigimos, depende de nuestras acciones. Acción- reacción, del goteo a la mancha, de la mancha a la atmósfera y de la atmósfera a un espacio sistémico que contiene secretos que intentan balconear el comportamiento humano.

Me baso en mis experiencias de vida, y cuestionamientos de ellas, y sé que traigo conmigo a la muerte; un movimiento en falso, y el sistema se interrumpe o se cae. En el mejor de los casos, se interrumpe. Por eso es preciso cuidarla. “Enredos y entramados” e “Y no llegamos a nada”, es una alegoría a la comunicación humana. Como puede ser un cableado inútil, que provoque cortos o queme resistencias y provoque distanciamiento, como puede ser un lindo entramado que cubra y proteja dicho entendimiento, así como aparenta ser reclamo, hay cancelaciones y cerraduras que enaltecen no sólo desesperación, sino una interrupción, así no se llega a nada.

Lucía Vidales El ascenso Óleo y encausto / madera Díptico de 120x61cm por cada uno

n esa nube, puedo ver el rostro de mi inquisidor, del que me observa y se ríe de mí, del que se piensa a salvo de sí mismo desde la altura de su verga. Aunque no los vea, se que en la oscuridad se esconden mis ridículos miedos y mis deseos más grotescos, todas son imágenes y aquel que los mira es cómplice. Recordando los retablos flamencos, un díptico opera como unidad fragmentaria, una presencia del pasado, quizá de la infancia, llena de otras que no sé si recuerdo o imagino. No podría explicar qué es para mi ser niña en este mundo, cuál es el mundo de una niña, pero temo saberlo y haberlo vivido.

Lucía Vidales Las tribulaciones de San Antonio Óleo sobre tela 140x170cm

a pintura puede abordar el problema del cuerpo de una manera particular si se la piensa ella misma como construcción material, procesual, acumulativa, de capas, transparencias y opacidades, costras, desgarramientos. Una materialidad que construye la mirada, se deja ver y no, y nos mira en tanto imagen. El cuerpo de la mujer ha sido también construido culturalmente como algo a ser mostrado u oculto, objetualizado, deseado. Las tribulaciones de San Antonio ha sido un tema a ese respecto recurrente desde el siglo X en la historia de la pintura occidental, la literatura, la gráfica y el cine para representar la lucha entre el bien y el mal. El relato presenta de manera misógina a la mujer y su cuerpo como tentación diabólica, satanizándola junto con monstruos y enigmas.

Aquí, en cambio, el cuerpo aparece de manera autorreferencial, desdoblado. Un cuerpo mutilado muestra su propia cabeza, la cual mira su cuerpo como si fuera de otro, busca hacer cómplice al espectador de ésta mutilación y autorreconocimiento. El paisaje entre perturbado y lúdico, entre la voluptuosidad y lo ruinoso, no es un escenario claro de una lucha bipolar entre el bien y el mal, sino un tránsito impreciso, un devenir híbrido. La tribulación no viene de la naturaleza ni del demonio, sino del imaginario, la guerra, la destrucción y mutilación realizada por los propios seres humanos, donde las mujeres aparecen como testigos, puesta en juego de sí mismas, elementos centrales de sus propias tribulaciones.

Lidia Villavicencio Mi piel es tu piel Piel curada de cerdo intervenida con tatuaje / registro fotogrรกfico 75x55cm

Kim Young Sun Nabila AcrĂlico sobre tela 120x60cm Paloma AcrĂlico sobre tela 120x60cm

Kim Young Sun Mi bebe Lapiz en papel PolĂptico de 16.25x5x4cm