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Navegando la reflexión

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Núm. #15 Fase Lunar: Creciente en Aries 2019

Rachel Valdés


encontrarás... 4. Editorial Abate Bussoni: Leonhard Euler dice para un polígono C – A + V = 2 6. Rachel Valdés. Navegando la reflexión 8. Inmersión-Cubo Azul-The Beginning of The End 38. Rachel Valdés expone en La Habana por Nelson Herrera Ysla

en este número

44. Dart Festival de Cine Documental sobre Arte Contemporáneo 54. Bill Viola posición mental 62. Tianjin Binhai Library (China) 70. Usar el poder de las imágenes para subrayar la contaminación plástica marina

186. Cuatro fotógrafos clave de La Movida

84. La atención es todo un arte

214. Arte abstracto y concreto de América Latina en el nuevo MoMA

88. The best way of expressing it (Àngels Ribé Premio Nacional Artes Plásticas 2019)

220. Land Art. Las fotografías de Gianfranco Gorgoni en el Museo de Arte de Nevada

94. El MACBA muestra las obras más emblemáticas de la colección

222. ARTNOBEL Ex Libris

124. Materialidades posibles, 2019 por Miguel Sbastida 136. Intangibles. Un proyecto digital innovador y experimental

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Fotografía de portada Rachel Estudio

234. La contemporaneidad de las artes milenarias 244. Bansky: atrapado por el sistema 258. The Conker Living y el final de los metros cuadrados

152. Berlín reconvierte edificios brutalitas para exhibir obras de arte

266. Instagramers. Los bocetos de 21 .am

154. Esos libros que ya nadie quiere

278. Valencia World Design Capital 2022

166. Espacio emergente. Intervención escultórica de Isidro Blasco en el Museo

280. Real Estate Personal Shopper

168. OMM apuesta por el arte emergente

282. La contraportada inspiradora: Real Estate Dreams and passions

180. En el vidrio encontró sus cualidades

Revista gratuita - Free Issue

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Maite Alonso Directora

Gregorio Alonso Redactor

Todo le fascina. Interesada en los detalles, las pequeñas cosas pasando delante de nuestras narices sin sentido ni razón. Se abstrae en un instante durante horas llenas de trazos sobre papel.

Saltando de un equilibrio a otro. Descubriendo cosas en cada esquina. Subiendo y viajando por las ideas de otros que en algún momento hará suyas. Corriendo tras la paloma en un campo repleto de amapolas.

eMe Alonso Reportera de Eventos

Cristina Martínez-Sandoval Redactora de Opinión

Comunica, entretiene, disfruta, se evapora y vuelve a volar. Nada en la zona adulta sin soltar de la mano a una niña de cabellos claros y sonrisa perenne. Incansable de apetitos exquisitos de una sola vez.

Atenta y contenta como la bondad. Gira, da vueltas, se mira en el muro lo salta y se espanta. Sonríe, lo aprecia, se asombra, se inquieta, se olvida y lo quiere recordar.

Agradecimientos En la creación de este número hemos contado con la inestimable colaboración de la neoyorquina

Tanya Rodriguez Hernandez Diseñadora gráfica

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Leonhard Euler dice para un polígono C – A + V = 2 ¿Qué postulados mueven el arte contemporáneo actual? Acaso debe el arte contemporáneo preocuparse por la pedagogía de los individuos, o bien sólo dar continuidad a su influencia sobre la sociedad. Quizás somos los otros quienes nos vemos identificados continuamente en la paradoja de las obras. Atrapados entre la pretensión del ser y el desconocimiento de nuestra propia aldea global. Procastinando responsabilidades, buscando un momento apropiado. El arte contemporáneo del siglo XX pretendía ir por delante con una lectura acorde a los movimientos sociales y el pensamiento político del momento. Pero, ¿dónde se encuentran las pretensiones del arte contemporáneo del siglo XXI? En una sociedad desamparada en constante intento de transformación, el arte contemporáneo se ha vuelto complaciente. Incorporado en la línea de producción o transformado en entretenimiento superficial. Ha dejado de ser cuidadoso e inquietante, centrado en el ego ha perdido la subjetividad de pensar en los otros a quienes se dirige. Walter Benjamin en su ensayo “Experiencia y pobreza” de 1934 habla sobre la crisis de la modernidad, definida como una alienación total con respecto a la realidad, como una completa pérdida del valor de la experiencia, que la cultura no es capaz de recuperar:“Para qué valen los bienes de la educación si no nos une a ellos la experiencia. Y adónde conduce simularla o solaparla es algo que la espantosa malla híbrida de estilos y cosmovisiones en el siglo XVIII nos ha mostrado con tanta claridad que debemos tener por honroso confesar nuestra pobreza. Sí, confesémoslo: la pobreza de nuestra experiencia no es solo pobre en experiencias privadas, sino en las de la humanidad en general. Se trata de una especie de nueva barbarie”. El análisis sociocultural de Benjamin concuerda con el diagnóstico de Friedrich Schiller sobre su momento vital en el siglo XVIII en el “drama del tiempo presente”, determinado de un lado por la “barbarie” y de otro por la “apatía”. La experiencia induce al conocimiento, al entendimiento, a la escucha. Escuchar provoca aceptar a los demás, permite un cambio de actitud, nos deja indefensos en su exposición al entregarle nuestra atención verdadera. Pero cuesta esfuerzo, y “no estamos en disposición de mostrarnos vulnerables”. Seguimos esperando a ponernos de acuerdo y entendernos sin mirar al otro. Algo imposible de conseguir sin los recursos emocionales necesarios. El escritor y académico de la Lengua Arturo Pérez Reverte dice al finalizar el libro, “Una historia de España”(2019): “Creo y seguramente me equivoco, pero es lo que de verdad creo que España como nación, como país, como conjunto histórico de naciones y pueblos, o como queramos llamarlo, ha perdido el control de la educación escolar y de la cultura. Y creo que esta pérdida es irreparable, pues sin ellas somos incapaces de asentar un futuro. De enseñar a nuestros hijos, con honradez y sin complejos, lo que los españoles fuimos, lo que somos y lo que, en este lugar apasionante y formidable pese a todo, podríamos ser si nos lo propusiéramos.”

Abate Bussoni Aremi, Oviedo 2017. Dibujo técnica mixta sobre papel, autora Máxima Romero

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Rachel Valdés nave Rachel Valdés (La Habana, 1990) graduada de la Escuela de Artes Plásticas San Alejandro, La Habana, Cuba, en 2010, actualmente es uno de los exponentes más relevantes de la nueva vanguardia cubana.

Sus obras son el fruto de un trabajo de investigación vinculado con experiencias vividas y son universos, cosmos, horizontes o momentos en los que sale la luz de la oscuridad. A Rachel Valdés le interesa y crea escenarios que trasladan a otra versión de la realidad para experimentar la sensación Artista visual contemporánea se ha sumergido en las siguientes áreas: pintura, de entrar en un espacio completamente distinto, donde la perspectiva se hace acuarela, fotografía, escultura e instalaincomprensible, donde la luz, el color, el ciones, siendo su sello la creación de sonido y los reflejos se apoderan del espaambientes multidimensionales que trascienden la realidad inmediata y condu- cio y ambientes que ayuden al espectador cen hacia versiones reconfiguradas de esta, a extrapolarse, pero a la vez profundizar un poco en la realidad que habitan en ese donde predominan los espejos, cristales, instante y se convierta en un interlocutor espejo de seguridad laminado, estructura que pase a formar parte de la pieza. de acero inoxidable, placa marina o fibra de carbono, dibond y pantalla de poliamiEn su etapa de estudiante de Bellas Artes da. en San Alejandro, durante ese período Rachel se compromete con la experienrealizó estudios de perfeccionamiento en la técnica del óleo en la Academia Da Vinci cia estética sin tomar en consideración de Barcelona, participó en varios talleres una manera única de asumirla pues para de creación en diferentes técnicas en el ella todo puede conducir a la reflexión, a Instituto Superior de Arte impartido por emociones y sentimientos. Su objetivo es profesores y artistas de diferentes univerla sensación visual de hacer coexistir dos mundos paralelos: la vida real y emocional, sidades de España, Alemania y Estados Unidos. Siendo estudiante participó en las visual y espiritual, física e inmaterial.

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egando la reflexión Bienales de La Habana IX y X con proyectos gieron con gran aceptación, fue noticia en los principales medios de prensa ducolectivos. rante los dos meses que estuvo expuesta en Times Square , en el 2018 se exhibe la Ha realizado exposiciones individuals enpieza “Edén” resultado de la beca Summit tre las que se destacan; “Sweet Life” en la Galería “La Casona” (2011), “En el Espacio”, Art , especialidad instalaciones UTAH,E.U. XIII Bienal de La Habana, reaparece con la Centro de Desarrollo de las Artes Visuales pieza “Inmersión” en el proyecto Detrás del (2016), y se presenta parte de esta exMuro, consiguiendo un gran éxito. posición en Art Bassel Miami (2017). Su versatilidad creativa la ha llevado a desenvolverse en otros medios donde es conocida internacionalmente con sus instalaciones de gran formato. Se han podido disfrutar de piezas como: “Felices para siempre” (2012),“Cuadrado Azul” (2013), “Piramide” (2014) ”Realidad “ (2014), en la celebración del 30 Aniversario de la Bienal de La Habana; emplazada desde el 2016 en los jardines del Ministerio de Cultura de Cuba, “Cubo Azul” y “Composición Infinita” (2016) expuesta ese mismo año en la Feria ARCOmadrid. En 2016 la ciudad de New York pudo disfrutar de “The Beginning of The End” (El principio del fin) que público y crítica aco-

Estas instalaciones de gran formato las ha ido combinando con su trabajo pictórico que desde el 2007 ha expuesto en la galería “José Antonio Díaz Peláez” de la Academia Nacional de Bellas Artes San Alejandro, en Subasta de Habanos “Natural ; Landscape”, Feria de Arte Miami, E.U 2011, 2012, 2013; Arte América, Feria de Arte de Madrid, proyecto “Pinta New York”, Exposición colectiva en Villa Manuela, proyecto “En mala forma” y en La Habana Vieja “Rin, Ron, Run. Imágenes cortesía de la artista

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INMERSIÓN El objetivo de Inmersión es crear conciencia del espacio que habitamos, pero a la vez concienciar de toda la apertura e infinidad de los horizontes y el universo.

proyecto Realidad, el cual desarrolla desde hace ocho años y donde todas las obras están conectadas bajo la idea de crear nuevos ambientes y escenarios.

Esta instalación mezcla las fronteras tradicionales entre las expresiones históricas de la visualidad, para actuar de inmediato en nuestra manera de verlas y apreciarlas, en un discurso formal diferente. Brinda márgenes amplios de libertad y movimiento dentro de ella y a su alrededor.

Concluida la Bienal quedó emplazada en el malecón habanero, a petición del Dr. Eusebio Leal Spengler y la Dirección de Patrimonio de La Oficina del Historiador como parte de la colección patrimonial del museo Castillo de la Real Fuerza de la Habana.

De una sencillez extrema en su realzación, la artista desencadena en el espectador emociones diversas, al asumir una obra fabricada con materiales artificiales como algo propio. El espectador se convierte así en sujeto activo, participa de la obra y forma parte de ella.

Actualmente se esta conciliando la ubicación definitiva en el museo temático del Castillo San Salvador de La Punta, donde se desarrollarán las actividades centrales en conmemoración del 500 Aniversario de la fundación de La Habana.

Esta no es la única pieza que Rachel Valdés le ha regalado a La Habana. En Se trata de una síntesis formal que entraña el mismo emplazamiento donde queelementos de la historia del arte y la arqui- dará ¨Inmersión¨, estuvo situado la pieza tectura, e ideas y conocimientos diversos ¨Cubo Azul¨, anteriormente expuesta en que rinden culto a las raíces de la cultura el malecón como parte del proyecto ¨Decontemporánea. Establece sutiles redes de trás del Muro¨ durante la edición XII de colaboración y conectividad del hombre La Bienal de La Habana. En el 2015 quedó con su medio. instalada en los jardines del Ministerio de Cultura de Cuba la pieza ¨Reality¨ junto Rachel Valdés presentó la instalación Ina otros trabajos de artistas reconocidos mersión en la trigésima edición de la Bienal como Roberto Fabelo y José Villa Soberón. de La Habana, celebrada este año. Es una extensión de su serie de instalaciones del

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CUBO AZUL Cubo Azul, pieza que exhibió en la XII Bienal de La Habana dentro del proyecto “Detrás del Muro” tuvo una excelente aceptación de público y crítica, durante y después del evento estuvo reflejada en importantes artículos y reseñas de diarios y revistas de Cuba y otros países. Finalmente quedó emplazada en el Castillo de San Salvador de La Punta.

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THE BIGINNING EL PRINCIPIO D

Expuesta en el 2016 en Tim Durante aproximadamente estuvo ubicada en ese escen de 2 millones de personas t con la pieza, lo cual permiti relaciรณn, tanto a nivel indivi

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G OF THE END DEL FIN

mes Square, New York. dos meses la instalaciรณn nario y se calcula que cerca transitaron e interactuaron tiรณ involucrar y generar una idual como colectivamente.

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Rachel Valdés expone en La Habana abstracción la lleva a experimentar con manchas, colores diversos y un sentido del Luego de una trayectoria que comenzó en espacio bidimensional que tiende a ofrecer extensas zonas de silencio y profundidad la primera década de este siglo mediante en las que el espectador parece entrar en pinturas de gran formato de tendencia figurativo-expresionista, sustentada gracias ellas y formar parte de esas sobrecogedoras atmósferas en azul y negro. Al mismo a su formación en la Academia de Bellas tiempo, en dirección opuesta, hace estallar Artes San Alejandro en La Habana, Rachel Valdés exhibe en dos importantes espacios profusión de colores sobre toda la superde esta ciudad durante el mes de octubre. ficie del lienzo para generar sentimientos y emociones en el corazón del público y avivar con fuerza la sensibilidad en cada Su experiencia artística en varios escenarios del mundo, confrontando sus obras uno de nosotros. con públicos, creadores y expertos de Eso sentimos en Tierra (Desierto-1) pintura varias latitudes, le han permitido realizar de grandes dimensiones (300 x 250 cms.), proyectos en múltiples escalas y técnicas desplegada en uno de los espacios de la expresivas: fotografía, dibujo, instalaciomuestra colectiva AMORA. en la renovada nes, escultura, pintura, atenta siempre a preocupaciones e intereses que responden Galería Habana, en el corazón del moderno barrio de El Vedado. En ese Rachel a búsquedas y experimentaciones, esencialmente, del universo perceptual, los es- revela una gestualidad violenta mediante pacios de exhibición y la compleja tradición manchas informales que proyectan su radicalidad en el uso del color pues todos, abstracta. o casi todos, comparten roles protagónicos para expresar estados de ánimo, modos de En el plano pictórico, atrás han quedado pensar acerca de todo lo que le rodea. Ahí su inicial etapa figurativa y todo lo relaestá, subliminalmente, su angustia ante el cionado con el retrato. Su interés por la Por Nelson Herrera Ysla

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deterioro del medio ambiente y de la naturaleza, su inquietud ante la ausencia de un orden mundial que rija nuestras relaciones actuales y futuras. Primeros planos, planos centrales, y otros de cierta lejanía contribuyen a no focalizar un centro específico en la obra sino varios, en enérgica actitud de encuentros y desencuentros universales en torno a cuestiones medulares de nuestro planeta donde las partes y el todo proponen una nueva dinámica y nuevas aventuras para la imaginación individual y colectiva. Dicha obra goza de un equilibrio fuerte y puede uno desviar su mirada a cualquier aspecto o espacio de la misma hasta encontrar esa zona que más apreciamos en lo emotivo o intelectual y con la que más nos identificamos. Parece que hay un fondo, una figura o varias, una obertura para disfrutar de un paisaje pero no es eso y es todo a la vez: quedamos atrapados por la composición total, y al mismo tiempo por el detalle. Se trata de un juego abstracto con trasfondo figurativo, que los hace cómplices por igual en la mirada que indaga hacia dónde nos quiere llevar esta artista, capaz de asumir la pintura como una dedicación casi religiosa y un juego de percepciones infinitas.

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En el plano tridimensional encamina, desde hace varios años, su discurso estético hacia expresiones en los que volúmenes y planos ocupan un rol protagónico en el espacio que le es dado y le permiten, a su vez, una activa participación del público. Ello se hizo más que evidente en su exitosa Felices para siempre (instalación de espejos de 16 metros de largo por 3 de alto y 1 de ancho sobre estructura de acero) instalada en la acera del malecón habanero durante la 11ª. Bienal de La Habana como parte del proyecto colectivo Detrás del muro. Luego propuso otra importante instalación, Cubo azul (cristal azul de 3 por 3 por 3 metros) en la que el público se adentraba en ella para observar el mar y la ciudad desde dentro, desde otras perspectivas sobre el medio ambiente urbano. Largas filas de gente esperaban diariamente bajo el implacable sol para entrar en el Cubo y apreciar nuevamente su ciudad y su mar, esta vez participando de en juego de color y dimensiones perceptuales no habituales. También formó parte del proyecto Detrás del muro, el cual permitió a Rachel continuar explorando ángulos disímiles de la visualidad, de las sensaciones producidas por los materiales y las formas, y del espacio en las que confluyen y se encuentran.

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Tierra (Desierto-1) ARTNOBEL Inspiration Review of Contemporary Art

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La maqueta de ese Cubo azul la exhibe en la muestra Conexiones, junto a 43 artistas y diseñadores en el espacio Factoría Habana, ubicado en La Habana Vieja como modo de recordar al público aquella experiencia pasada (la maqueta tiene 30 x 30 x 30 cms y está colocada encima de un pedestal). A su lado, en la pared, exhibe 6 fotografías como registro de su instalación The beginning of the end (2016) en el corazón de Times Square en la ciudad de New York al ser escogido su proyecto, entre decenas de aspirantes, durante un mes. Mediante tal registro fotográfico extraordinario (50 x 33 cms cada una) observamos el interés del ciudadano en su instalación, privilegiadamente ubicada para que cualquiera pudiera atravesarla a su paso por la famosa plaza de esa ciudad norteamericana. En juegos múltiples de espejos en forma de esculturas abstractas, el caminante ve reflejada su imagen junto a la de los rascacielos y anuncios circundantes mientras camina por dentro de la instalación, y puede también observar el cielo por debajo de ellos pues fue creada en abertura total en su parte alta y sus lados.

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Como en caleidoscopio, la imagen del público se confunde con la de los edificios, automóviles y anuncios alrededor; se recrea a sí misma, se expande en todas direcciones, se multiplica…pero no se deforma en ningún instante. Es la inquietante percepción de un proyecto instalativo que apunta hacia redimensionar la energía emocional e intelectual del espectador. La presencia de Rachel Valdés en 2 de los más importantes espacios de exhibición de la ciudad de La Habana confirma el interés por su obra en Cuba. Con una trayectoria ascendente, sin embargo, esta artista no descansa en sus laureles, no se detiene a descansar: todo lo contrario. Visitarla en su estudio de La Habana, o en el de Barcelona, es gozar de un permanente estado de tensión y de preocupación por explorar y descubrir nuevas posibilidades estéticas y reflexivas. Viajera incansable, asimila todo cuanto ve y siente en cada lugar, especialmente si está vinculado al arte pero también todo aquello que le provoca reflexiones en lo intelectual y cultural en el más amplio sentido de la palabra.

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A Bigger Splash - Stills courtesy of Contemporary Films, London


Dart, es el primer festival de cine documental sobre arte contemporáneo en España, que celebra su 3ª edición del 28 de noviembre al 1 de diciembre 2019 en las salas barcelonesas Phenomena (calle Sant Antoni Maria Claret, 168) y Cinemes Girona (calle Girona, 175). El festival proyecta documentales sobre la vida de grandes artistas, sus procesos de creación y las historias que hay detrás de sus trabajos. Dart pretende acercar el arte contemporáneo al gran público a través del cine.   El certamen y muestra de cine presenta fuera de competición 5 documentales que conforman la Sección Proyecta by Ron Barceló, enfocada a las mejores novedades de los últimos dos años en el sector. Dart estrena en España la nueva copia en 4K de “A Bigger Splash”, el documental de 1974 del director Jack Hazan que retrata un momento clave de la carrera de David Hockney; “The Man Who Stole Bansky”, sobre el impacto social y económico de las intervenciones artísticas del enigmático Banksy en la ciudad de Belén; “Brossa, la insurrecció poètica”, un recorrido artístico y biográfico sobre el poeta visual Joan Brossa, y “Leme documental internacional galardonado en la Berlinale 2019, sobre Pedro Lemebel, escritor, artista visual y pionero del movimiento queer en Chile durante la dictadura.

Además, Dart anuncia en colaboración con Goethe Institut, “De la edificación del futuro - 100 años de Bauhaus”, un documental que recorre la herencia contemporánea del movimiento artístico alemán en los 100 años de su nacimiento y al que el festival rinde homenaje en su campaña gráfica, inspirada en las obras de artistas como Theo van Doesburg o László Moholy-Nagy. Entre los más de 90 documentales que se presentaron a la convocatoria abierta que lanzó el festival, han sido seleccionados 8 documentales, 4 nacionales y otros 4 internacionales, que forman parte de la Sección Explora by Librerías Laie. En total, la 3a edición de Dart Festival proyectará 13 documentales, 7 de los cuales se estrenarán en España, en Phenomena Experiencia y en Cinemes Girona. Este año 2019 con la primera edición de Dart en Chile celebrada del 22 al 31 de octubre, el festival se posiciona como la primera plataforma hispanoamericana para la promoción, difusión y exhibición de cine documental sobre arte y creación contemporánea. Imágenes cortesía del Festival.

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Brossa, la insurreciò poética (2019) -Inspiration Still courtesy ofofSergi Guix andArt Eduard Miguel ARTNOBEL Review Contemporary 46


Dart Festival de Cine Documental sobre Arte Contemporรกneo

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Dart Festival de Cine Documental sobre Arte Contemporáneo

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De la edificación del futuro – 100 años de la Bolbrinker and Thomas Tielsch

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a Bauhaus (2018) - Stills courtesy of Niels Bolbrinker and Thomas Tielsch - Stills courtesy of Niels ARTNOBEL Inspiration Review of Contemporary Art

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Lemebel (2019) - Still courtesy of Gabriela Jara ARTNOBEL Inspiration Review of Contemporary Art

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(2018)Inspiration - Still courtesy Marco Proserpio ARTNOBEL Review of of Contemporary Art 52The Man Who Stole Banksy


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Bill Viola posición mental «He acabado dándome cuenta de que el lugar más importante en que cobra vida mi obra no es en una galería de un museo, ni en una sala de proyección, ni en un televisor, ni tan siquiera en la pantalla de vídeo, sino en la mente del espectador que la ha visto. De hecho, solo puede existir aquí». Bill Viola Así siente su obra el padre del videoarte, el newyorkino Bill Viola que utiliza con maestría complejas tecnologías audiovisuales para explorar y expresar una preocupación constante por la naturaleza del ser humano y la transitoriedad de la vida.

La Fundació Catalunya La Pedrera presenta

desde el 4 de octubre de 2019 hasta el 5 de enero de 2020 la exposición Bill Viola. Espejos de lo invisible, que ofrece un amplio recorrido por una trayectoria que ha evolucionado paralelamente al desarrollo de la tecnología del vídeo a lo largo de los últimos cuarenta años. La muestra abarca desde obras significativas de sus inicios, como The Reflecting Pool (1977-1979), hasta creaciones recientes como Martyrs (Earth, Air, Fire, Water), un encargo realizado por la Catedral de San Pablo de Londres, donde se exhibe de manera permanente desde 2014.

Centrado en cuestiones universales como el nacimiento, la muerte, el dolor, la redención o el paso del tiempo, los trabajos de Viola abren camino a los sentidos para vehicular sentimientos y generar estados de ánimo. En sus creaciones sin palabras la imagen se siente, se escucha, remueve y desvela profundas emociones. El movimiento ralentizado y en bucle sumerge al espectador en un mundo interior, profundizando en las experiencias fundamentales de la existencia para «despertar el alma». Sus obras, de una intensidad y una belleza extraordinarias, son únicas y siempre conmueven. Simultáneamente a la presentación de esta muestra en La Pedrera-Casa Milà se presentan algunos de sus trabajos en otras instituciones culturales, tanto en la ciudad de Barcelona —en el Palau de la Música Catalana y el Gran Teatro del Liceo— como en otros puntos de Cataluña: Bòlit, Centre d’Art Contemporani de Girona, Museo de Montserrat, Museo Episcopal de Vic y Fundació Surigué de Lleida.

Imágenes cortesía de Fundació Catalunya La Pedrera

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Noche Bill Viola. El 4 de diciembre, de 18:00 h a 01:00 h de la madrugada, se celebrará en Barcelona una ‘noche blanca’ dedicada al artista donde La Pedrera, el Palau de la Música Catalana y el Gran Teatro del Liceo abrirán gratuitamente sus puertas para que todos puedan ver ininterrumpidamente la obra del videoartista. Actividades extras en La Pedrera –Bill Viola: Proceso creativo, conferencia de Kira Perov, directora del estudio Bill Viola y co-comisaria de la exposición – 4 de octubre, a las 19.00 h. –Bill Viola desde la perspectiva de Albert Serra, conferencia de Albert Serra, director y productor de cine – 25 de noviembre, a las 19.00 h. –La mística de Bill Viola. Recital poético musical con Jordi Savall y Manuel Forcano – 2 de diciembre, a las 20.00 h. –Bill Viola, un clásico contemporáneo. Mesa redonda con Rafael Argullol, Imma Prieto y Llucià Homs, co-comisaria de la exposición – 9 de diciembre, a las 19.00 h.

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Tianjin Binhai Library (China)

La biblioteca más bella del mundo está en China, su nombre Tianjin Binhai, si bien se la conoce como “Súper Sci-Fi”. Con capacidad para albergar a 1,2 millones de libros, sus 33.700 m² la convierten en el segundo proyecto del estudio de arquitectura holandés MVRDV en Tianjin, construido en tan sólo tres años desde el primer boceto hasta su apertura en octubre de 2017.  Ubicada en el distrito cultural de Binhai junto a otros cuatro edificios, esta biblioteca futurista presenta un diseño topográfico que se ha conseguido a través de la construcción de estanterías a modo de gradas que ondean alrededor de un llamativo auditorio esférico, que se encuentra en el centro de este espacio. Un escenario digno de ciencia ficción.  Este inmenso océano de libros que se divide en cinco niveles, contiene espacios de servicio y almacen de libros en su nivel subterráneo. La entrada principal ubicada en la planta baja alberga el auditorio y salas de lectura para mayores y niños. Los dos siguientes pisos alojan más salas de lectura, libros y áreas de salón. Culminan el edificio las salas de reuniones, oficinas, salas de ordenadores, salas de música y dos increíbles terrazas en la azotea. Imágenes cortesía de MVRDV

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Tras un retraso de 10 días debido al tifón Mawar, Mandy Barker zarpó en un yate para participar en una oportunidad sin precedentes junto a científicos y educadores en un viaje de investigación de un mes de duración, preparándose para navegar a través del campo de escombros del Tsunami japonés y en todo el Pacífico Norte.

funda del efecto perjudicial que el plástico tiene sobre la vida marina y sus habitantes, creando una base sólida sobre la cual apoyar su trabajo.

El objetivo de Mandy era fotografiar todos los desechos plásticos descubiertos en el viaje tras una progresión natural y la expansión de sus proyectos anteriores relacionados con los desechos plásticos marinos.

“Cuando leí por primera vez sobre el estado perturbador de nuestros océanos, sentí que era algo de lo que no podía apartarme. Tomar parte en este viaje me ha dado la oportunidad de ver por mí misma lo que realmente existe en el Pacífico y, a través de la interpretación visual, mi próxima serie de trabajos me permitirá continuar con mi objetivo de aumentar la conciencia sobre la contaminación plástica, esta vez respaldada por la experiencia”.

Poder registrar los escombros del Tsunami de primera mano, al mismo tiempo que era consciente de las circunstancias devastadoras de su existencia y el impacto emocional de lo que representa, ha brindado una oportunidad única para informar desde un lugar que no se había intentado anteriormente.

Antes del viaje, Mandy pasó un tiempo como voluntaria y visitó el área de Minamisoma, en la Prefectura de Fukushima, Japón, que se vio gravemente afectada por el terremoto y el devastador Tsunami. La visita fue angustiosa, pero crucial para tratar de comprender la devastación que tuvo lugar allí.

Al tener la oportunidad de trabajar junto al “Experimentar realmente estar parado en un área devastada por el Tsunami y ver lo líder de la expedición, el Dr. Marcus Erikque queda casi un año y medio fue abrusen, generó una comprensión más proARTNOBEL Inspiration Review of Contemporary Art

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(Incluido con la red de arrastre: barco de pesca de tsunami cortado de su amarre, con piezas de plรกstico).

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a través del campo de desechos de tsunamis en el Océano Pacífico Norte. El trabajo se centra en los plásticos recolectados y fotografiados a partir de redes de arrastre y muestras de redes en varios puntos enEste viaje a través del Pacífico (10 de junio tre Japón y Hawai, y también de la costa afectada por el tsunami en la Prefectura - 8 de julio de 2012) fue organizado por el de Fukushima. Cada imagen incluye una Instituto 5 Gyres, la Fundación de Invesmuestra de arrastre diferente, en algunos tigación Marina Algalita, dos grupos sin fines de lucro que hacen campaña contra la casos representada como plancton diminucontaminación plástica, y en colaboración to, y subtitulada con la referencia de la cuadrícula de donde se recolectó cada con Pangea Exploration, que opera la emmuestra.  barcación de expedición conocida como Sea Dragon. Cada imagen se basa en una colección de plástico marino que forma un SHOAL, disPara obtener más información sobre el problema de la contaminación plástica ma- posiciones de diferentes especies de peces que el plástico afecta en última instancia. rina y cómo puede usted ayudar, visite las siguientes organizaciones: Los objetos y las partículas se han duplicado para representar tanto la escala de 5GYRES vidas perdidas como la cantidad de plástico que entró en el Océano Pacífico como reMarine Conservation Society sultado del terremoto de Thoku y el tsunaPlastic Free Seas mi japonés, el 11 de marzo de 2011.  mador y siempre me acompañará. Esto alteró mi enfoque y pensamientos durante el viaje y afectará la forma en que se presentarán mis imágenes finales “.

Plastic Soup Foundation

La palabra Shoal es una descripción dada a un grupo de peces que nadan juntos, un gran número de personas o cosas.

La serie SHOAL revela evidencia de desechos plásticos marinos recolectado duImágenes cortesía de la artista rante la expedición japonesa de desechos de tsunamis en junio de 2012, que navegó

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30.15N-158.51E 74

(Incluido con la red de arrastre: Rueda de camiรณn japonesa, cortada en el eje).

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30.41N-157.51E 76

(Incluido con la red de arrastre: la bola de un niño y el imán de nevera de caracteres japoneses que se encuentran en la costa del tsunami. La boya de pesca se encuentra en la muestra de la red de arrastre, Pacífico Norte).

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33.15N-151.15E 78

(Incluido con la red de arrastre: tatami, parte del piso de una casa japonesa, plĂĄsticos relacionados con la pesca; boyas, cuerdas de nylon, cubos, bandejas de pescado, flotadores de poliestireno, botella de champĂş, Tapones, globo con soporte y recipiente de gasolina).

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31.34N-173.33E 80

(Incluido con la red de arrastre: ala de aviĂłn del juguete de un niĂąo encontrado en la costa del tsunami).

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31.15N-155.22E 82

(Incluido con la red de arrastre: casco de rescate, guante, suela de zapato, asa de maleta, flip flop, perchero, cepillo de baño, recipientes de limpieza de cocina, caja de bebidas, flor, tubo con las palabras ‘Lágrimas en crema’).

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LA ATENCIÓN ES TODO UN ARTE “El simple acto de prestar atención puede llevarte muy lejos” Keanu Reeves

¿Alguna vez se ha preguntado si vive su vida con intensidad y profundidad? Si su respuesta es no, ¿qué le haría tomarse la vida de manera diferente? ¿cree que estaría más atento a todo? La atención nos hace más humanos, si bien solemos estar siempre tan distraídos, que cada vez nos resulta más complicado conectar con el mundo que nos rodea. Vivir a un ritmo que nos permita prestar más atención al prójimo y a todo aquello que sucede a nuestro alrededor, así como a nosotros mismos, debería ser un objetivo prioritario. Conectar con nosotros mismos, no resulta siempre fácil, pues estando estresados, distraídos y siempre acelerados, un día tras otro, nos sentimos desconectados de la vida y de aquellas personas que realmente nos importan. Para recuperar la armonía tenemos que darle importancia a los momentos intermedios, para permitirnos conectar, disfrutar, interactuar y así conseguir que cada uno de nuestros días tengan sentido. Mar 9 Azules considera que la atención es todo un arte cuando conectamos con nuestros sentidos y estamos atentos a los pequeños detalles, para propiciar un cambio de actitud que enriquezca nuestro comportamiento. Y para conseguirlo nos invita a que sentados en

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LA ATENCIÓN ES TODO UN ARTE

una posición confortable, probemos lo siguiente: Escuchar: identificar 5 sonidos a nuestro alrededor. Observar: detectar 5 colores diferentes que estén relativamente próximos. Sentir: tocar una textura lisa y otra rugosa. Respirar: hacer algunas respiraciones lentas y profundas, notando como el aire entra y pasa por la nariz hasta los pulmones y sale por la boca. Estos sencillos ejercicios nos sirven para conseguir desacelerar nuestro ritmo, dar valor a nuestros sentidos y centrarnos en las pequeñas cosas.

cuanto más conscientes de nosotros mismos seamos, mejor identificaremos aquello que nos distrae física, mental y emocionalmente. Cuando sienta que le cuesta centrarse siga estos consejos de Mar 9 Azules: ·Escuche música relajante en los momentos de caos. ·Pruebe con una breve meditación. Pero si medita todos los días a la misma hora los beneficios serán mayores. ·Limite el tiempo que pasa delante de cualquier tipo de pantalla y comprobará como aumenta su productividad. ·Coma sano y consciente; respete su cuerpo y agudice su mente.

Dar toda nuestra atención a otro es una bonita manera de mostrarle nuestro respe- “Allá donde vaya, coma o viaje, este preto. Tener contacto visual con otra persona sente. De lo contrario, se perderá gran parte de su vida” Buddha y escucharla con atención dice mucho del aprecio que le tenemos. La atención es todo un arte y un preciaNuestra vida es relevante cuando estamos do regalo que nos hacemos a nosotros mismos y a los demás. Estar consciente y plenamente presentes, cuando interactupresente en todo momento no resulta fácil amos con los demás y logramos que esas y por ello requiere de práctica. Aceptado conexiones tengan sentido y sean más beneficiosas para todos. esto, trabajaremos en ello para estar un poco más cerca de conseguir una vida más Un gran paso es saber que nos motiva, plena.

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Mar 9 Azules recomienda leer más sobre la atención Living with Intent: My somewhat messy journey to purpose, peace, and joy Mallika Chopra Ballantine Books Inc, 2016 Mallika Chopra aspira a una vida con sentido, más alegría y equilibrio. Su intención es inspirar a los demás con sus propios éxitos y errores y compartir parte de la sabiduría que ha ido adquiriendo de amigos, expertos y familiares. Attention: Beyond mindfulness Gay Watson Reaktion Books, 2017 Watson analiza cómo se se aplica la atención a través de numerosas disciplinas y estilos de vida. Explora desde los efectos de la atención en nuestras neuronas, al síndrome de déficit de atención, pasando por el movimiento del “mindfulness” a la relación existente entre atención y creatividad. Sit Down, Be Quiet: A modern guide to yoga and mindful living Michael James Wong & The boys of yoga Harper Thorsens, 2018 Este libro está especializado en yoga para hombres. Anima al género masculino a practicar yoga y a trabajar su interior y exterior adoptando un enfoque consciente en su día a día. Proporciona los primeros pasos hacia una vida más sana y feliz, aquí y ahora. Guiving Attention: Becoming what we truly are Michael Mayne Canterbury Press Norwich, 2018 Esta recopilación de meditaciones se centra en los aspectos temporales de la experiencia espiritual y los instrumentos de crecimiento. Abarca aspectos como el descubrimiento del regalo del silencio, ver con el corazón y el cultivo de la verdadera autoestima. ARTNOBEL Inspiration Review of Contemporary Art

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La mejor manera

El jurado del Premio Nacional de Artes Plásticas 2019 ha propuesto por unanimidad la concesión de este galardón a la artista barcelonesa Àngels Ribé. El fallo del jurado ha indicado en que “su cuerpo es el principal articulador de acciones extremadamente meditadas en las que los elementos y procesos de la naturaleza adquieren un papel central. Su obra es un referente para las generaciones de artistas posteriores”.

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de expresarlo

También ha motivado su propuesta “por su trayectoria centrada en la experimentación, pionera de las prácticas conceptuales de los años setenta. Realizó acciones, instalaciones y performances en el contexto internacional del arte, con la reivindicación de género y la reflexión sobre el espacio. A partir de los años ochenta, investiga desde la pintura y las obras escultóricas con neón y luz”.

Imagen cortesía Agencia EFE

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‘In the labyrinth. Àngels Ribé, 1969-1984’, 2011-2012 Este proyecto fue galardonado con el Premio ACCA de la Crítica d Imagen cortesía de MACBA

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The Best Way of Expressing It - La mejor manera de expresarlo

de Arte 2012 para exposiciones de investigaciรณn histรณrica.

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Mon esprit, 2017 © Àngels Ribé,

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The Best Way of Expressing It - La mejor manera de expresarlo

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El MACBA MUESTRA LAS OBRAS MÁS EMBLEMÁTICAS DE LA COLECCIÓN Con el título “Un siglo breve: Colección MACBA” el museo propone un recorrido cronológico por la Colección MACBA, que a través de sus obras mas emblemáticas, presenta las etapas cultural y socialmente más significativas del siglo XX y principios del XXI. En 1929 la ciudad de Barcelona se convierte en anfitriona de la Exposición Internacional. Mies van der Rohe, en colaboración con Lilly Reich, diseña el Pabellón Alemán, conocido también como “Pabellón Barcelona”. De la mano de Josep Lluís Sert y Josep Torres Clavé se funda el GATCPAC, Grup d’Arquitectes i Tècnics Catalans per al Progrés de l’Arquitectura Contemporània.

énfasis en las presentaciones y experiencias cambiantes del arte a lo largo de las nueve décadas que conforman este “siglo breve”. Una muestra dinámica, manteniendo el formato de presentación cronológica, Un siglo breve: Colección MACBA se despliega de modo cambiante a lo largo del tiempo con la idea de profundizar las visiones sobre su propio fondo. Una lectura abierta que permite articular variaciones sobre la selección de obras con la voluntad de ampliar el contenido del itinerario cronológico e intensificar su acento didáctico.

A lo largo de las décadas sucesivas que pautan el itinerario encontramos obras de: Anni Albers, Alexander Calder, Joaquín TorresGarcía, Eugènia Balcells, Jean-Michel BasEn París, André Breton escribe el segundo quiat, Christian Boltanski, Esther Ferrer, Manifiesto Surrealista y nace el grupo de artistas abstractos Cercle et Carré, impulsado Gego, Eulàlia Grau, Guerrilla Girls, Hans por Joaquín Torres-García y Michel Seuphor. Haacke, Jenny Holzer, Sanja Iveković, Antoni Miralda, Joan Miró, Juan Muñoz, The Otolith Ese mismo año se inaugura el MoMA, Museo Group, Raymond Pettibon, Benet Rossell y de Arte Moderno en New York y Joan Rabascall, Martha Rosler, Jorge OteiVirginia Woolf publica su ensayo Una za, Antoni Tàpies y Werker Collective, Allan habitación propia. Sekula, Carlos Aires, The Otholit Group, entre muchos otros. Este es el contexto cultural que sirve de punto de partida para la nueva lectura de la Colección MACBA, un recorrido cronológico desde 1929 hasta la actualidad. Comisariada por el equipo del MACBA, pone ARTNOBEL Inspiration Review of Contemporary Art

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Balcells, Eugènia Boy Meets Girl 1978 Película 16 mm transferida a vídeo, color, so, 9 min 13 s Ed. 1/7 Colección MACBA. Fundación MACBA

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Muñoz, Juan The Nature of Visual Illusion 1994-1997 Dimensiones variables Colección MACBA. Fundación MACBA. Depósito particular

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The Otolith Group Hydra Decapita 2010 Vídeo monocanal, color, sonido, 31 min 41 s Edición de 5 + P.A. Colección MACBA. Fundación MACBA

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Anni Albers Study for Unexecuted Wall Hanging. Portfolio: ‘Connections’ ca.1926 paper, serigrafia 69,8 x 49,7 cm Ed. 28/120 Colección MACBA. Fundación MACBA Carlos Aires Mar negro 2013 Madera reciclada de embarcaciones ilegales procedentes de África o encontradas en las costas de Cádiz y vídeo monocanal, color, sonido, 6 min 30 s 400 x 800 cm Colección MACBA. Fundación MACBA. Obra adquirida gracias a Havas Media Christian Boltanski Réserve de Suisses morts 1991 Cajas de latón, fotografía a las sales de plata, cartón y lámparas eléctricas 288 x 469 x 238 cm; 2380 cajas 12,1 x 1,8 x 23,3 cm c/u MACBA, Barcelona Colección MACBA. Fundación MACBA Eugènia Balcells Boy Meets Girl 1978 Película 16 mm transferida a vídeo, color, sonido, 9 min 13 s Ed. 1/7 Colección MACBA. Fundación MACBA

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EL MACBA MUESTRA LAS OBRAS MAS EMBLEMATICAS DE LA COLECCION

Jean-Michel Basquiat Self-Portrait 1986 Acrílico sobre tela 180 x 260,5 cm Colección MACBA. Dipósito de la Generalitat de Catalunya. Antigua Colección Salvador Riera Joan Rabascall Atomic Kiss 1968 Acrílico sobre tela 162 x 97 cm Colección MACBA. Dipósito del Ajuntamento de Barcelona Juan Muñoz The Nature of Visual Illusion 1994-1997 Dimensiones variables Colección MACBA. Fundación MACBA. Dipósito particular The Otolith Group Hydra Decapita 2010 Vídeo monocanal, color, sonido, 31 min 41 s Edició de 5 + P.A. Colección MACBA. Fundación MACBA

Un siglo breve: Colección MACBA. Un segle breu: Col·lecció MACBA. A Short Century: MACBA Collection. Imágenes de Miquel Coll, cortesía de MACBA

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Materialidades Posibles, 2019 por Miguel Sbastida Rocas que parecen estar dotadas de vida, piedras formadas en el interior de seres vivos, patrones geométricos que se repiten de manera recurrente en lo vivo y en lo mineral, equivalencias materiales entre huesos y mármol, minerales de origen bacteriano, intercambios matéricos entre la roca, el cuerpo y la atmósfera… ¿Resulta posible hablar de una vitalidad propia de la materia inerte, cuando esta está cargada de materia vital? ¿Dónde acaban las relaciones entre cuerpo y medio, entre aire y pulmón, entre organismo y entorno? Materialidades Posibles es un proyecto que explora las temporalidades y parentescos materiales que existen entre los huesos, la roca caliza y el mármol; tres elementos constituidos por carbonato cálcico.

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s e d a d i l a i r e t Ma

Posibles

La roca caliza se forma mediante la precipitación de carbonato cálcico en aguas poco profundas, o a través de la acumulación y compactación masiva de conchas y exoesqueletos marinos. Tras sufrir grandes presiones y temperaturas, la roca caliza puede convertirse en mármol; generando de esta manera tres materialidades que a simple vista resultan diferentes, pese a tratarse de la misma sustancia en diferentes fases del ciclo geológico. A través de la implementación de artefactos situados en la frontera entre el cuerpo y la roca, y tratando de establecer similitudes, parentescos materiales y confluencias formales, la instalación “Materialidades Posibles” trata de nublar estas divisiones ontológicas; y especular sobre los límites tradicionales entre lo biológico y lo geológico, vital y lo inerte. ARTNOBEL Inspiration Review of Contemporary Art

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Materialidades Posibles es una instalación escultórica creada por el artista español Miguel Sbastida, que forma parte de la muestra “CIELOS ABIERTOS: Arte y procesos extractivos de la tierra” presentada en el CDAN (Centro de Arte y Naturaleza) Fundación Beulas, Huesca, del 24 de octubre 2019 al 12 de enero de 2020, dentro de la temática de tierra. La exposición explora las explotaciones minerales y las estructuras geográficas, económicas, sociales, materiales y ambientales que generan. A partir de estos conceptos, el CDAN también presenta estos cuatro proyectos: IGNACIO ACOSTA, XAVIER RIVAS Y LOUISE PURBRICK: El tráfico de la tierra; HARUM FAROCKI: La plata y la cruz; WILLIAM KENTRIDGE: Mina y DAVID GOLDBLATT: En las minas; que abordan la relación del paisaje con la tierra y reflexionan sobre el impacto de la industria minera en el medio ambiente y la sociedad desde una óptica artística, diversa y plural.

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The Other of the Same - Plausible Materialities on show at CDAN Museum (Center for Art and Nature) Huesca, Spain. October 24th 2019 - January 12th 2020   First in a series of installations, performances and interconnected works that is part of my ongoing research Cosmologies of the Visual and the Sensitive. The installation explores the vital entanglement and material kinship that exists between skeletons, limestone and marble; three elements formed by calcium carbonate. The project is part of the show  ‘Cielos Abiertos, Art and extraction processes on Earth’: a show exploring mineral explotations, and the geographic, economic, social, material and environmental structures these generate.

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INTANGIBLES. UN PROYECTO DIGITAL INNOVADOR Y EXPERIMENTAL Tecnologías como VR, fotogrametría, video-mapping, 3D, desarrollo de software y tecnología de análisis de la imagen o el pintado digital, interpretan digitalmente la obra de artistas tan relevantes como Joaquín Torres García, Roberto Matta, Juan Gris, René Magritte, Paul Delvaux, Eduardo Chillida, María Blanchard y Antoni Tàpies, de la Colección Telefónica.

y estratégico por su metodología design thinking que involucra al visitante en todas las fases del proceso; por su carácter global y simultáneo en ocho ciudades y, por su novedoso planteamiento, que busca reinterpretar grandes obras de la Colección Telefónica con la colaboración de Accenture, a través de experiencias tecnológicas representadas en 9 instalaciones.

INTANGIBLES es un proyecto experimental

Las ciudades donde puede verse este

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proyecto expositivo son: Madrid, Ciudad de México, Lima, Bogotá, Quito, Mar del Plata, Santiago de Chile y Montevideo que compartirán la mayoría de las experiencias digitales e intercambiarán sus impresiones en tiempo real a través del “Mapamundi Intangible”, diseñado específicamente para la exposición.

mensional, que va desde la experiencia pensada para las personas a la ideada para el espacio, pasando por las soluciones tecnológicas más interactivas. Un modelo de proyecto colaborativo e innovador que también estamos llevando a cabo en empresas nacionales e internacionales” afirma Nacho Martín, director de Diseño de Accenture.

Si se pregunta: ¿Se puede hacer una exposición de arte sin las obras físicas? ¿Es posible emocionarse sin contemplar el objeto artístico? ¿Qué otro tipo de experiencias puede proporcionar una obra de arte expuesta digitalmente? Éstas y otras preguntas están en el germen de INTANGIBLES que tiene como objetivo explorar el impacto y las posibilidades de la tecnología en la forma en la que miramos, sentimos e interpretamos el arte. El visitante podrá sumergirse en un universo digital donde será el protagonista y experimentará una nueva manera de emocionarse, aprender a interactuar con el arte. El reto principal es enriquecer la lectura tradicional a la hora de disfrutar de una obra de arte” explica Pablo Gonzalo, responsable de Cultura Digital de Fundación Telefónica.

Una experiencia digital sobre una obra de arte jamás podrá sustituir al original, y obviamente, este no es el objetivo del proyecto. Sin embargo, la tecnología al servicio de la cultura puede amplificar las sensaciones que el arte produce en el espectador, generar distintas emociones, desafiar al público para su participación activa y, sobre todo, abrir nuevas vías al conocimiento sobre el artista y su obra que, en definitiva, es el propósito.

En Madrid puede verse la muestra en la planta 3a del espacio Fundación Telefónica hasta el 23 de febrero de 2020.

La exposición va acompañada de un programa de actividades gratuitas de difusión cultural para todos los públicos. Desde talleres de Iniciación al Videoarte, Duplicar el mundo: la fotogrametría como herramienta artística o de Huellas Digitales para adultos a Intergeneracionales como Miradas Sonoras o Inmersión Intangible. También habrá el taller para familias El misterioso caso de las obras de arte desaparecidas y actividades dirigidas al público escolar.

Dentro del programa expositivo, hay “Desde Accenture aceptamos el reto visitas comentadas todos los martes por y diseñamos -conjuntamente con Funla mañana y los jueves también por la dación Telefónica- una experiencia tridi- tarde. ARTNOBEL Inspiration Review of cortesía Contemporary Art Imágenes de Fundación Telefónica

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Maria Blanchard. Nature morte cubiste 1917

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En la página siguiente aparece el original de la obra “Psychological Morphology “ de Roberto Matta©

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© Matta, VEGAP, Madrid

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Obra “Assemblage amb graffiti “ de Antoni Tàpies© Comissió Tàpies, VEGA

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I L A UT

S A ST

R B S O I C I F I D E E T R E I V N O C E R N Ă? L R BE

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PAR

AE XHI BIR OBR AS DE ART E

La constante evolución de la escena artística de Berlín en los últimos años, se ha expandido desde el espacio de la galería convencional hacia los edificios brutalistas abandonados y repartidos por toda la capital alemana.

Estas reliquias arquitectónicas son búnkers, iglesias, fabricas cerveceras e incluso aeropuertos que, en la actualidad se han reconvertido es singulares espacios que albergan obras de arte contemporáneo de gran formato. Hoy le invitamos a entrar en uno de estos olvidados edificios, el Boros Bunker, en el vecindario de Berlín-Mitte, en Reinhardtstrasse, un búnker en 1942 que en los años 90 se convirtió en la meca de los fanáticos de la música techno. Si bien actualmente es un espacio de exhibición a gran escala, en origen fue construido como refugio antiaéreo para la población civil, por trabajadores forzados. Aquí se encuentra desde el 2007 la Sammlung Boros, una colección privada

de arte contemporáneo propiedad del matrimonio formado por Christian y Karen Boros, dueños también del edificio, que comprende obras de artistas internacionales que datan desde 1990 hasta el presente. Un espacio de exhibición pública de 3000 metros cuadrados, repartidos en seis plantas que se puede visitar en reducidos grupos de 12 personas, siempre acompañados por uno de sus jóvenes historiadores de arte de jueves a domingo. Juliet Kothe es la curadora de la extensa Colección Boros que abarca unas 700 piezas con obras de Tomás Saraceno, Olafur Eliasson, Ai Weiwei, Wolfgang Tillmans, Thomas Ruff, Klara Lidén, Dirk Bell, Danh Vo, …

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Amundsen

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ESOS LIBROS QUE YA NADIE QUIERE Guillermo Martín Bermejo (Madrid, 1971) trabaja con papeles antiguos de libros viejos y abandonados. Su dibujo a lápiz, de pequeño formato, explora distintos mitos e historias de santos. Cercana al lenguaje de la poesía, la obra de Martín Bermejo se fundamenta en la técnica de las iluminaciones de libros medievales y la iconografía, desarrollándose a través de la perspectiva invertida.

Aunque ese vínculo con el libro es anterior, es genético. Mi abuelo era un gran poeta. Mi padre editor, escritor y traductor. Mi madre, ilustradora. Yo lo uní todo como en un revoltijo y mi mundo creció al amparo de las páginas.”

A las puertas del otoño y hasta el 12 de enero de 2020 el Museo Lázaro Galdiano presenta la muestra La pléyade de la España moderna, una serie de retratos que Apasionado bibliófilo al igual que José Guillermo Martín Bermejo ha realizado de Lázaro Galdiano, transmite su vínculo con dieciséis escritores que José Lázaro Galdiael libro a través de su práctica artística: no publicó en su editorial y revista, La “Tengo una pasión, rescato libros destroza- España Moderna (1889-1914). dos y humillados de los rastros y librerías de viejo. Los desarmo por completo y enLos retratos, a lápiz, se acompañan por tresaco, como un cirujano del papel, las ejemplares de las ediciones originales. páginas que me sirven para dibujar. Así, a Como el propio artista afirma, sus retratos esos libros que ya nadie quiere, les doy una no quieren ser realistas, tampoco quieren tercera vida” ser ilustraciones. Son su visión personal y poética de cada autor. Quizá también de Esta pasión le ha acompañado desde tem- su experiencia entre libros viejos que anprana edad: “Yo era un niño silencioso. daban por casa y llenaban de felicidad sus Me gustaba sentarme en la biblioteca del tardes infantiles. despacho de mi abuelo en Valladolid. Mirar y posar mis dedos sobre los libros que allí En La pléyade de la España Moderna, descansaban confortablemente. Más tarde Guillermo Martín Bermejo y el comisario descubrí que aquellos libros, aquel objeto, de la muestra Carlos Sánchez Díez han era el medio de transporte más eficaz para querido reivindicar la editorial que José alejarme de la odiosa realidad. Y a la vez Lázaro Galdiano creó con la colaboración y que iba leyendo, esas páginas me hacían el asesoramiento de Emilia Pardo Bazán, en dibujar rostros, figuras, trazos. No eran la cual se publicaron obras de un formato ilustraciones de lo que leía, era una visión próximo al de “bolsillo” por primera vez en personal de lo leído vivido. Y así, el libro y España. yo fuimos creando un vínculo inseparable. ARTNOBEL Inspiration Review of Contemporary Art

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Actualmente más conocido por su faceta de coleccionista, José Lázaro Galdiano fue un importante y reconocido editor. Como destaca el comisario de la muestra, aquí se reúnen de nuevo sus dos pasiones, el arte y la literatura, el dibujo y el libro, compartidas también por Martín Bermejo, quién comenta: “Creo que a Carlos Sánchez y a mí nos une esa pasión por lo pequeño, por la miniatura y el libro olvidado. Y, aventurándome un poco, diría que esa pasión Lázaro Galdiano la compartía con creces con nosotros. Esa pasión del coleccionista de grandes obras, sí, pero también de pequeños encuentros”.

Nietzche

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ESOS LIBROS QUE YA NADIE QUIRE

La España Moderna La editorial de José Lázaro Galdiano publicó más de 600 monografías, clásicos de la literatura y del ensayo, muchos de ellos inéditos hasta entonces en español. En su catálogo destacaron sobre todo los autores franceses y rusos, además de algunos alemanes y anglosajones: Flaubert, Daudet, Balzac, Maupassant, Dumas, Zola, los Goncourt, Tolstoi, Dostoiesvki, Turguénev, Goethe, Nietzsche, Twain, Wilde, Darwin o Ruskin.

exposiciones individuales más recientes, cabe destacar “Ella nombra” en la Librería Bardón, Madrid, en 2018; “El Evangelio según San Juan” en la Factoría de Arte y Desarrollo, Madrid, en 2017; y “Derecho a la debilidad” en la Fundación Santiago y Segundo Montes, Valladolid, en 2016. Asimismo, ha participado en exposiciones colectivas como “Another Country” en la James Freeman Gallery, Londres; “Gabinete Art Fair” en la Real Academia de San Fernando, Madrid; y “Ser lápiz” en la Galería Fernando Ruíz Linares, Granada.

Carlos Sánchez Díez trabaja en el Departamento de Conservación del Museo Lázaro Galdiano desde 2002. Entre sus publicaciones destacan las centradas en el dibujo español del siglo XIX, con estudios sobre Valentín Carderera (2004), Jenaro Pérez Villaamil (2006), Eugenio Lucas Velázquez (2012) y Rosario Weiss (2015 y 2018); a los tres últimos ha dedicado también sendas exposiciones. Además, es autor de varios Guillermo Martín Bermejo ha sido seleccionado Premio ABC de dibujo JustMad3 y itinerarios temáticos del Museo Lázaro (Arte y gastronomía, 2012; Encuentro de premio Arte Gas Natural Fenosa en 2012, culturas, 2013; Marcos, 2019) y coautor recibió la residencia Stiftung Bartels Fonde Caricaturas. Ilustradores de los siglos dation en Basilea 2008-2009 y la beca GENERACION ’06 de Caja Madrid. Entre sus XIX y XX en la Colección Lázaro (2013). La revista, mensual y de la que se editaron 312 números, fue el medio más destacado del Regeneracionismo español y en ella publicaron artículos los autores más importantes de aquel tiempo como Zorrilla, Pardo Bazán, Galdós, Clarín, Valera, Campoamor, Menéndez Pelayo, Cánovas o Unamuno.

Imágenes cortesía de Museo Lázaro Galdiano

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Anna Zuccari Radius Neera

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Lรกzaro Galdiano ARTNOBEL Inspiration Review of Contemporary Art

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Concepciรณn Arenal

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Selma Lagerlof ARTNOBEL Inspiration Review of Contemporary Art


Ruskin ARTNOBEL Inspiration Review of Contemporary Art

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“Espacio em

Intervención escultórica de

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mergente”

e Isidro Blasco en el Museo Isidro Blasco, artista madrileño afincado en Nueva York, con una formación arquitectónica a la que no es ajena su obra, presenta en Espacio emergente un proyecto de intervención escultórica ideado expresamente para el salón de baile del Museo Lázaro Galdiano. La instalación presenta un espacio en movimiento a través de una construcción realizada con elementos planos montados sobre bastidores y cubiertos por fotografías tomadas en distintos puntos del Museo. Espacio emergente no solo pone en relación distintos ámbitos del Museo, sino que también interviene en la manera de aproximarse a la Colección por parte de los visitantes, generando un encuentro entre el público de arte más clásico y el de arte más actual. En esta obra, según apunta el comisario de la muestra Fernando Quesada, Isidro Blasco hace visible el proceso individual de percepción del espacio y, al construirlo, lo vuelve una experiencia compartida. Del 04 de octubre de 2019 al 26 de enero de 2020 Imágen cortesía de Museo Lázaro Galdiano

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Omm apuesta por el arte emergente

El Odunpazari Moderno Museum, OMM acaba de abrir sus puertas este año 2019 y ya está considerado el tercer éxito museístico del arquitecto japonés Kengo Kuma, después del V&A Dundee en Escocia y el KKAA’s Nezu Museum en Japón.

como punta de lanza para reconectar la ciudad con su historia, y para potenciar el desarrollo cultural de Anatolia Central”, explica el empresario.

Repartido en tres plantas, los visitantes pueden pasear por El OMM alberga arte emergente varios espacios expositivos, desde la local e internacional, se encuentra gran sala de la primera planta a las ubicado en Odunpazari, Eskisehir, pequeñas habitaciones de los pisos Turquía, entre Ankara y Estambul. superiores. Un gran atrio central Construido a partir de vigas de abierto al exterior deja pasar la luz madera y espacios abiertos para que al resto del edificio. el público lo disfrute e interactúe con este nuevo espacio, la esencia La inauguración reunió 200 obras del proyecto es que se convierta en de 60 artistas turcos (Bedri Rahmi un puente que conecte a la gente Eyboğlu, Canan Tolon, Erol Akyavaş, con el arte contemporáneo. İlhan Koman, Ramazan Bayrakoğlu, Sinan Demirtaş...), la mayoría Los 4.500 metros construidos es un pertenecientes a la colección perhomenaje al pasado del barrio, un sonal de su dueño; así como una antiguo mercado de maderas, y su obra site specific del japonés Tanabe estética está inspirada en las viejas Chikuunsai IV, hecha con bambú, construcciones otomanas de la zona. que interactúa a la perfección en el atrio del Museo. El empresario y coleccionista de arte Erol Tabanca es originario de esta Un interesante proyecto artístico y ciudad universitaria, y deseaba arquitectónico, diseñado con la poner su lugar de nacimiento en el sutileza nipona de Kuma, adaptado mapa cultural mundial. al contexto de la ciudad turca. “Es un privilegio poder ofrecer este Imágenes cortesía de Odunpazari espacio a la ciudad y abrir mi colec- Moderno Museum, OMM ción de arte al mundo. OMM servirá ARTNOBEL Inspiration Review of Contemporary Art

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En el vidrio encont

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tró sus cualidades Steffen Dam originalmente se entrenó como fabricante de herramientas, y trabajó durante algunos años como tal, antes de darse cuenta de que su curiosidad abarcaba más de lo que se puede medir. En el vidrio encontró estas cualidades. La naturaleza intransigente de este material se ajustaba exactamente a la forma precisa y analítica de pensar que se le enseñó en la construcción de herramientas industriales. Durante sus primeros diez años de fabricación de vidrio, Steffen practicaba y experimentaba con todas las diferentes técnicas para convertirse en un buen artesano. Mientras lo hacía, descubrió un nuevo tipo de belleza en los márgenes del vidrio bien elaborado que estaba haciendo. En el área de errores y fallos, las burbujas de aire no deseadas, las marcas de cenizas, el hollín, las grietas y las torceduras, encontró algo que no podía predecirse o esbozarse de antemano. Dejó de lado las técnicas establecidas y tradicionales y comenzó a fabricar vidrio todo “mal” en un intento de capturar lo bueno y lo malo. De estos experimentos salieron los “Fósiles”, las “Plantas” y otros objetos, como extractos de caos congelados para ser observados sin ser molestados. Steffen tiene trabajos en museos y colecciones privadas a nivel internacional.

Imágenes cortesía del artista

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Cuatro fotógrafos clave de L

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Pablo Pérez Mínguez, Camerinos Rock-ola 1979-1985 ARTNOBEL Inspiration Review of Contemporary Art


La Movida

Alberto García-Alix, Ouka Leele, Pablo Pérez-Mínguez y Miguel Trillo formaron parte de La Movida, considerada una de las épocas más singulares y espontáneas de la cultura contemporánea española, que tuvo lugar fundamentalmente en Madrid en los primeros años ochenta, coincidiendo con la alcaldía de Enrique Tierno Galván. Estos cuatro fotógrafos convivieron y se encontraron en diferentes ambientes, pero lo excepcional es que cada uno la vivió y fotografió con una energía irrepetible, aproximándose desde polos radicalmente diferentes. El pasado verano coincidiendo con el 50 aniversario del prestigioso Festival de Fotografía Les Rencontres d’Arles, se presento la exposición “La Movida. Crónica de una agitación. 1978-1988”, cosechando gran éxito de crítica y público. Ahora esta exposición coproducía por la Fundación Foto Colectania y Les Rencontres d’Arles, comisariada por Antoine de Beaupré, Pepe Font de Mora e Irene de Mendoza, llega a la ciudad de Barcelona para quedarse hasta el 16 de febrero de 2020. Foto Colectania presenta una multifacética mirada sobre este movimiento, en la que se pueden contemplar extraordinarias fotografías de todos los autores, auténticas joyas como las copias de época de García-Alix, los originales coloreados de Ouka Leele, o los cibachromes de Pérez-Mínguez y Miguel Trillo. La muestra también incluye una selección de vinilos, fanzines o carteles, así como una proyección de actuaciones musicales, que complementan los universos de los fotógrafos con otros ámbitos como la música o el cine.

Las obras de la exposición pertenecen a los propios fotógrafos y a la Colección Adolfo Autric. Imágenes cortesia de Foto Colectania. ARTNOBEL Inspiration Review of Contemporary Art 187


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Cuatro fotógrafos clave de La Movida

ALBERTO GARCÍA-ALIX El conjunto de fotografías que reúne la exposición muestra una década en la vida de Alberto García-Alix, desde 1978 a 1988. Época de juventud que vivió de manara intensa, capturada en su mayor parte en 35 milímetros. Imágenes que constatan su necesidad de aventura vital para la creación y retratan los compañeros y los momentos de convulsión y de agitación personal, además de la búsqueda del placer y de la diversión a través de los opiáceos. La frase “Don ́t follow me, I ́m lost”, además de ser el primer tatuaje de GarcíaAlix, refleja perfectamente lo que fueron aquellos años para el autor. “Si alguien puede hablar de Alberto GarcíaAlix, ése soy yo. He sido testigo de su tiempo y de sus andanzas. Sus pasos han sido también mis pasos. Es posible que nos hayamos cambiado las sombras, pues cuando le abandono y me voy camino del sueño, temo que la sombra que me sigue sea la suya”. “Ahora aquellos años quedan tan lejanos que Alberto capaz es de decir que lo he deformado todo. De los amigos presentes en estas imágenes quedamos pocos. Muy pocos. La muerte pudo escoger a su antojo a los muchachos que dieron un paso al frente con su desoladora mística. Los que aún seguimos vivos no los olvidamos. Respecto a mí, que perdí mi sombra para seguir la de Alberto, hasta hoy me

he mantenido en silencio. Si lo he hecho, no es solo por ser su pusilánime cómplice y menos aún por el agradecimiento que según él le debo. Si he callado mucho de lo vivido aquella década a su lado, es por sus fotos. Es extraño. Desde el principio creí en ellas y éste fue mi único acierto. Ahora sé que sus imágenes son el consuelo que me recompensa por haberle seguido, y que ellas son, sin palabras, quienes hablan por mí con Alberto”. Fragmento de un diálogo mantenido entre Alberto García-Alix y Xila, su alter ego. Nacido en 1956, León; García-Alix vive y trabaja en Madrid. Fotógrafo, creador audiovisual, escritor y editor. Sus primeras exposiciones en solitario las realiza en los años ochenta. Ostenta el Premio Nacional de Fotografía 1999 y Premio PHotoEspaña 2012. Nombrado ‘Caballero de la Orden de las Artes y de las Letras de Francia’ en 2012. Entre otros, ha expuesto su trabajo en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la parisina Maison Européenne de la Photographie, el Museo Casa de la Fotografía de Moscú, o el Museo Nacional del Prado. Sus obras se encuentran en grandes colecciones de arte de todo el mundo como la alemana Deutshe Börse o los Fondos Nacionales de Arte Contemporáneo de Francia.

Alberto García-Alix Autorretrato con el cuerpo herido, 1981 © Alberto García-Alix/VEGAP ARTNOBEL Inspiration Review of Contemporary Art

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Alberto García-Alix Eduardo Haro y Lirio, 1980 © Alberto García-Alix/VEGAP

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Alberto García-Alix Gabriel Fix, 1980 © Alberto García-Alix/VEGAP

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Cuatro fotógrafos clave de La Movida

OUKA LEELE Compañera de fatigas de artistas como Javier Mariscal, Ceesepe, Alberto GarcíaAlix o Pedro Almodóvar, Ouka Leele residió en Barcelona, Madrid y Nueva York desde su juventud. Sólo las insólitas circunstancias de la desenfadada época de La Movida pueden explicar la frescura y el riesgo con los que esta jovencísima creadora se atrevió a experimentar con un particular lenguaje. Sus fotografías oníricas son el resultado, según la autora, de ideas que lentamente cobran forma en su imaginación: “Primero creo la imagen y luego la fotografía. Utilizo la cámara como registro de algo que yo he creado antes y como base para pintarlo. Mi obra es una mezcla de teatro, imaginación, pintura y fotografía.” La experiencia subjetiva ha llevado a Ouka Leele a pintar con acuarelas las fotografías que tomaba en blanco y negro. Según palabras de la autora, “el color fotográfico nunca me ha gustado. Es una foto, pero no

es la realidad: me parecía que mis recuerdos de la experiencia se perdían con la foto en color”. Nacida en 1957, en Madrid, donde vive y trabaja actualmente, Bárbara Allende Gil de Biedma realiza su obra con el pseudónimo de Ouka Leele. Artista multidisciplinar, ha fusionado pintura y fotografía, escrito libros de poesía, diseñado y organizado poéticas y multitudinarias performances, trabajado en cine, videoarte y largometraje documental, se ha encargado de la escenografía y el vestuario de una ópera de Benjamin Britten. Sus múltiples facetas artísticas la han llevado a trabajar con Almodóvar en Laberinto de Pasiones, exponer internacionalmente, ser la primera artista española en la Shanghai Biennale, conseguir numerosos reconocimientos, la nominación a un Goya, el Premio Nacional de Fotografía 2005 o el Primer Premio Nacional de Bibliofilia 2003, entre otros.

Ouka Leele Peluquería, 1978-1980 ©Ouka Leele/VEGAP

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Ouka Leele Un domingo por la mañana, 1981 ©Ouka Leele/VEGAP

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Ouka Leele Madrid, 1984 ©Ouka Leele/VEGAP

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Ouka Leele El beso, 1980 ©Ouka Leele/VEGAP

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Cuatro fotógrafos clave de La Movida

PABLO PÉREZ-MÍNGUEZ Pionero en España en distintos ámbitos de la creación fotográfica, Pablo Pérez-Mínguez fue el gran retratista de La Movida madrileña. Su estudio fue unos de los centros neurálgicos de la época, por donde pasaron y se fotografiaron todos los protagonistas del momento. Creador de ingeniosas series, su lema era “Vale todo”, reflejo de la impactante imaginería gamberra de su mirada y de los personajes que posaron ante su cámara. Así explica Pérez-Mínguez aquella época: “Mi estudio, recién abierto en 1981, era un cabaré constante, donde se representaba a diario, sin guion, nuestra Vida Misma. Se abría a las seis de la tarde y no paraba de entrar y salir gente hasta las once o doce de la noche. Después nos dispersábamos y reencontrábamos a lo largo y ancho de la noche madrileña. A veces volvíamos de madrugada y seguíamos haciendo fotos, cada vez con más intensidad”. “Pedro Almodóvar posaba en mi estudio de forma natural en completa libertad... y sin complejos, disfrutando con sus morbos y sus provocaciones constantes. Representaba todo tipo de personalidades, improvisando las escenas con las motivaciones más enloquecidas y absurdas... Además, realizamos juntos en mi estudio vídeos caseros, una fotonovela y rodó su mítica película Laberinto de pasiones”.

“Éramos hijos del pop y del underground, del cómic, de las fotonovelas y de la publicidad. En nuestro Olimpo particular, todos éramos dioses polivalentes, fascinados por la cultura popular”. Nacido en 1946 en Madrid, ciudad donde falleció en 2012. Realizó diversas iniciativas en favor de la creación fotográfica en España: en 1971 funda la revista Nueva Lente, que supuso una ruptura con lo anteriormente establecido por sus impactantes portadas y la filosofía de sus contenidos, y en 1975 forma parte del equipo fundador de El Photocentro y La Photogalería, iniciando una intensa actividad a través de conferencias y colaboraciones escritas para la promoción de la fotografía como arte. Inaugura la década de los ochenta con la exposición Madrid Foto-Poro-80, más de 200 retratos en un primerísimo primer plano de personajes de La Movida madrileña. Su estudio de la calle Monte Esquinza fue testigo de multitud de happenings, diapoparti, rodajes de películas y de videoclips, como muestra el amplio número de imágenes de su archivo fotográfico, convertido en un referente. A partir del año 2000 comienza a editar libros que recogen ampliamente su obra como fotógrafo. El reconocimiento oficial le llegó en 2006 con el Premio Nacional de Fotografía.

Pablo Pérez-Mínguez Fany, agente secreto, 1979-1985 © Pablo Pérez-Mínguez/VEGAP

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Pablo Pérez-Mínguez Divina May, 1979-1985 © Pablo Pérez-Mínguez/VEGAP

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Pablo Pérez-Mínguez Alaska, Pedro y Fabio, 1979-1985 © Pablo Pérez-Mínguez/VEGAP

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Cuatro fotógrafos clave de La Movida

MIGUEL TRILLO Miguel Trillo retrató de manera perseverante la libertad de la calle y la juventud agrupada en tribus según su manera de vestir y sus comportamientos. La coherencia de su trayectoria fotográfica se refuerza con la perspectiva de la década de los 80 en la que apostó por formatos pioneros como la proyección, el fanzine o la fotocopia. Las fotografías de Miguel Trillo formaban parte de su vivencia. Fotografió la vida nocturna madrileña, cuando esa noche estaba poblada de gente de su generación. Próximo al epicentro de la escena contracultural y las actuaciones musicales del momento, afirma: “Los grupos siempre hacían lo mismo sobre el escenario, siempre representaban el mismo papel, ya fuera en París, Roma, Londres o Madrid... Pero en el patio de butacas, en la arena de la plaza, el espectáculo era nuevo cada vez”. El propio Miguel Trillo contextualiza: “Mi trabajo no era aceptado en el mundo del periodismo porque eran fotografías de ‘posados’, pero tampoco era aceptado en el mundo de la fotografía creativa porque eran demasiado ‘fáciles’. A mí me interesaba la exploración del icono, su repetición y variación, y supongo que eso tiene que ver

con mi formación de filólogo. Una palabra es una imagen camuflada entre letras”. Lo que yo estaba fotografiando en Madrid era un detalle de un vaquero, una muñequera, un peinado, el espacio de un local... Me preguntaba por qué el mundo de la calle —la noche, las indumentarias...— se consideraba arte contemporáneo en Nueva York y no en España”. Nacido en 1953, en Jimena, Cádiz; vive y trabaja en Madrid. Licenciado en Filología y en Imagen. Desde finales de los años 70 retrata a jóvenes en conciertos de rock en una España salida de la dictadura del general Franco. En los 80 fotografía el Madrid de La Movida. En las dos últimas décadas, sin dejar de reflejar la juventud española, ha viajado a las capitales de Asia en busca de nuevas estéticas de la música pop, del cómic manga y de la moda de calle. Su extensa y constante obra de tribus urbanas se enmarcaría dentro de un documentalismo fotográfico con intenciones conceptuales. Así lo evidencian tanto sus fanzines o catálogos en forma de tiras de postales y sellos como sus montajes expositivos.

Miguel Trillo Junto a la sala El Jardín. Madrid, 1981 © Miguel Trillo/VEGAP ARTNOBEL Inspiration Review of Contemporary Art

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Miguel Trillo Junto a Rock-Ola. Madrid, 1983 © Miguel Trillo/VEGAP

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Miguel Trillo En la sala Rock-Ola. Madrid, 1982 © Miguel Trillo/VEGAP

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Miguel Trillo Concierto de Cadena Perpetua en el Festival Lega-Rock. Leganés (Madrid), 1984 © Miguel Trillo/VEGAP 212

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Arte abstracto y concreto de

Como parte de la apertura del nuevo Museum of Modern Art (MoMA) neoyorquino en octubre, su director Glenn D. Lowry presento Sur moderno: Journeys of Abstraction ―The Patricia Phelps de Cisneros Gift. Una gran exposición extraída principalmente de las pinturas, esculturas y obras en papel donadas al Museo por la Colección Patricia Phelps de Cisneros entre 1997 y 2016.

Améric

bién se apoya en una selección de materiales de archivo que sitúan las obras dentro de sus contextos locales.

Sur moderno está organizada por Inés Katzenstein, comisoria de Arte Latinoamericano y directora del Instituto de Investigación Patricia Phelps de Cisneros para el Estudio del Arte de América Latina del MoMA, y la comisaria consultora de Arte María Amalia García, el Consejo Nacional de InvestigaDesde el 21 de octubre de 2019 hasta el 14 ciones Científicas y Técnicas (CONICET) de la Universidad Nacional de San Martín, con de marzo de 2020, Sur moderno celebra la asistente curatorial Karen Grimson y el la llegada de la colección más importante Departamento de Dibujos y Grabados del de arte abstracto y concreto de América MoMA. Latina dedicando un conjunto completo de galerías en el tercer piso del Museo a la exhibición de artistas de Brasil, Venezuela, La exposición se divide en dos secciones principales, basada en el concepto de Argentina y Uruguay. transformación. La primera sección, “Obras de arte como artefactos, obras de La exposición destaca el trabajo de Lygia arte como manifiestos “, presenta un gruClark, Gego, Raúl Lozza, Hélio Oiticica, po de obras que subvirtieron los formatos Jesús Rafael Soto y Rhod Rothfuss, enespecíficos de la pintura y la escultura. Retre otros, centrándose en el concepto de transformación: una reinvención radical del cortes, pliegues, objetos articulados, marobjeto de arte y una renovación del entor- cos recortados y experimentos que cuestionaron la autonomía del objeto artístico no social a través de arte y diseño. son algunos ejemplos de las exploraciones La exposición de más de 100 obras, tammateriales de estos artistas.

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ca Latina en el nuevo En la segunda sección, “Moderno y Abstracto”, el lenguaje de la abstracción se muestra como un producto y un catalizador para la transformación del entorno vital. Los principios geométricos de la pintura abstracta se trasladaron al mundo cotidiano, donde artistas, diseñadores y arquitectos se encontraron como aliados, lo que generó una producción y un conjunto de ideales compartidos.

MoMA search Institute for the Study of Art from Latin America en MOMA, una plataforma que incluirá becas para académicos, curadores y artistas, y una iniciativa de investigación de largo plazo que dará como resultado programas públicos organizados por el Museo, así como simposios en América Latina y publicaciones en formato digital e impreso.

Imágenes cortesía de MoMA Desde su fundación en 1929, el MoMA JESÚS RAFAEL SOTO (Venezuelan, 1923– ha coleccionado, exhibido y estudiado el 2005) Double Transparency / Doble transarte de América Latina. En la actualidad, parencia 1956 su colección incluye más de 5000 obras de Oil on plexiglass and wood with metal rods arte moderno y contemporáneo de artistas and bolts 21 5/8 × 21 5/8 × 12 5/8” (55 × latinoamericanos, distribuidas en sus seis 55 × 32 cm) departamentos The Museum of Modern Art, New York. curatoriales, que representan a figuras im- Gift of Patricia Phelps de Cisneros through portantes del arte moderno temprano, el the Latin American and Caribbean Fund in expresionismo, el surrealismo, la abstrachonor of Ana Teresa Arismendi ción, la arquitectura y el arte conceptual y contemporáneo. Installation view of Sur moderno: Journeys of Abstraction―The Patricia Phelps de Durante los últimos 25 años, la Colección Cisneros Gift, The Museum of Modern Art, Patricia Phelps de Cisneros ha donado más New York, October 21, 2019 – March 14, de 200 obras de artistas latinoamericanos 2020. © 2019 The Museum of Modern Art. al MoMA. Photo: Heidi Bohnenkamp Además de esas donaciones, en 2016 estableció el Patricia Phelps de Cisneros Re-

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Las fotografĂ­as de Land Art de Gianfranco Gorgoni en el Museo de Arte de Nevada

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El fotógrafo italiano Gianfranco Gorgoni (Roma 1941-New York 2019), conocido como el gran documentalista de Land Art en América, tendrá una gran exposición individual en el Museo de Arte de Nevada.

La muestra programada para el 10 de octubre de 2020, permanecerá abierta al público hasta el 28 de febrero de 2021 presentando más de 50 fotografías en gran formato.

Estas imágenes sirven como el registro fotográfico definitivo de proyectos innovadores de Land Art y son a la vez, un registro único e inigualable de cómo se crearon las emblemáticas obras de Christo & JeanClaude, Nancy Holt, Walter De Maria, Michael Heizer, Ugo Rondinone, Charles Ross, Richard Serra y Robert Smithson. La inmensa mayoría de la gente no llegará Las fotografías pasarán a formar parte de la a ver estos proyectos en persona, o son Colección de fotografía de paisajes alterados proyectos que han desaparecido. Carol Franc Buck en el Museo de Arte de NeEl Centro de Arte y Medio Ambiente del Mu- vada que publicará un libro para acompañar seo de Nevada, adquirió en 2016 el archivo la exposición. de Gorgoni, con más de dosmil imágenes documentales de Land Art. El Land Art es uno de los movimientos del arte contemporáneo clave, que alimenta nuestra comprensión de las interacciones creativas humanas con los entornos naturales, donde el paisaje y la obra de arte se enlazan estrechamente.

Imágen cortesía de Museo de Arte de Nevada

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Cerebro y silencio, las claves de

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e la creatividad y la serenidad

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Septiembre de 2017: Michel Le Van Quyen se despierta con una parálisis facial. Le diagnostican agotamiento y le prescriben reposo absoluto. En un principio le agobia esta inacción, pero luego se produce la sorpresa: el silencio en el que se ha sumido le sienta bien y le ayuda a superar su trastorno. Entonces decide investigar. Si ya teníamos la intuición, ahora lo explica la neurociencia: cuando promovemos el silencio acústico, pero también atencional, visual o meditativo, nuestro cerebro cae en un estado muy particular. Esta desconexión es la que le ayuda a regenerarse, a expulsar las toxinas que conducen a las enfermedades neurodegenerativas. Y lo mejor es que el silencio, en todas sus formas, resulta beneficioso para la creatividad, la memorización e incluso la construcción de nuestro “yo”. Si las grandes sabidurías de Oriente y Occidente ya lo habían comprendido, hoy la ciencia atestigua los asombrosos poderes del silencio; a nosotros nos corresponde apropiarnos de ellos.

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Es la monografía más completa sobre el enigmático artista callejero, fotógrafo y activista parisino, ahora actualizada para incluir trabajos completamente nuevos. Llena de fotografías impresionantes, esta extraordinaria retrospectiva muestra la amplia trayectoria de JR y una gama de proyectos de colaboración ejecutados en todo el mundo. Creado en estrecha colaboración con el artista, el libro presenta capítulos sobre cada uno de los principales trabajos de JR, desde “Expo2Rue”, que lanzó su carrera como artista callejero, hasta “The Gun Chronicles: A Story of America” publicado en la revista Time en 2018, sus colaboraciones con otros artistas e instituciones como el New York City Ballet y la documentación inédita de sus estudios en París y Nueva York, donde él y sus colaboradores creativos viven y trabajan. La introducción es una novela gráfica especialmente encargada al dibujante de cómics Joseph Remnant desde las raíces del graffiti, a su decisión de convertirse en un artista a tiempo completo. También presenta un ensayo de la entrevista de Nato Thompson, conservador jefe de Creative Time, Nueva York, que cuentan la fascinante historia de JR.

En la siguiente página, imagen cortesia de JR con la compañia del New York City Ballet ARTNOBEL Inspiration Review of Contemporary Art

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A diferencia de otros animales, el ser humano posee algo único y diferenciador: la posibilidad de crear arte. En nuestro intento por alejarnos del mundo animal, buscamos dominar nuestras pasiones y estas, inevitablemente, se transforman en vicios o pecados guiados por las prácticas morales, éticas y religiosas. Pero ¿cómo reflexiona y representa las pasiones el arte más actual? Es más, ¿qué es el arte contemporáneo? ¿Y el arte conceptual? ¿Cuáles son las nuevas técnicas artísticas? Para responder estas inocentes y a la vez tan complicadas preguntas, Óscar García García nos invita a un viaje a través de los siete pecados capitales de la mano de

varios de los artistas más importantes (e irreverentes) de nuestro tiempo. Óscar García García (1978, Madrid) es director de PAC: Plataforma de Arte Contemporáneo y comisario independiente. Licenciado en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid y Especialista en Tasación y Valoración de Activos Artísticos, Culturales y de Coleccionismo por la Universidad Politécnica de Valencia. Después de trabajar en museos, galerías de arte, ferias, festivales, prensa y como comisario independiente desde 2008, funda PAC, la plataforma líder de promoción y difusión de arte contemporáneo en la que ejerce de Director General.

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LA CONTEMPORANEIDAD DE LAS ARTES MILENAR IAS Aoi Yamaguchi Calígrafa japonesa

cabe la menor duda. Mi compromiso es total. Quiero que me recuerden como aquella que mantuvo viva la caligrafía japonesa”.

Nacida y criada en Hokkaido, Japón, Aoi Yamaguchi ha sido entrenada para dominar Ha realizado caligrafía conceptual en vivo el arte de la caligrafía nipona con el Maestro en colaboración con bailarines contemporáZuiho Sato desde la edad de 6 años. neos, modelos, taiko drummers japoneses y productores de música contemporánea Galardonada con numerosos premios, en muchas ciudades de Japón, el Área de la incluido el premio al Primer Lugar del Minis- Bahía de San Francisco, New York, Rumania, tro de Educación en la 44ª Exposición de la Suecia, Francia en lugares como el Museo Escuela Nacional de Caligrafía Asahi, de Arte Asiático de San Francisco, YBCA, Superior Primer Lugar en la 33ª Exposición BAMPFA, Teatrul Odeon, TEDxTokyo 2014 Nacional de Caligrafía para Estudiantes y en Tokio, Contemporary ArtPad Fair SF, por premios supremos en exhibiciones públicas nombrar algunos. competitivas. Fue seleccionada para participar en la 4ª visita de estudiantes de También ha trabajado en varios proyectos primaria y secundaria de Hokkaido a China integrando la caligrafía en imágenes en vivo en 2000, donde representó a Japón y para festivales de música y conciertos en los participó en sesiones de intercambio de EE. UU. Y Suecia. Ha impartido talleres de caligrafía en el Palacio de los Alumnos de caligrafía japonesa y ha dado conferencias China. en universidades, museos, instituciones educativas sin fines de lucro a nivel internaSus obras exploran la yuxtaposición de los cional. clásicos orientales tradicionales y las expresiones artísticas contemporáneas. También Actualmente reside en Berkeley, Califortransforma de manera única el arte bidinia, Yamaguchi continúa su trabajo en sus mensional de la caligrafía japonesa en exinstalaciones de caligrafía conceptual, exhi presión artística física a través de la -biciones y actuaciones mientras continúa actuación. empujando los límites de los clásicos orientales tradicionales y la expresión artística “Siento que esta es mi misión en la vida”, contemporánea. comenta la artista Aoi Yamaguchi. “No me ARTNOBEL Inspiration Review of Contemporary Art

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BANKSY: atrapado por el sistema Banksy ha creado su primera colección de piezas para la venta que se pueden contemplar en el escaparate de una sala de exposición en Croydon, Londres. Su nombre es Gross Domestic Product (Producto Interior Bruto) y, aunque no esta abierta al público, se pueden apreciar algunas de las piezas más provocativas a través de su cristalera. Cuadros, cortinas, sillones vintage, lámparas…, los precios van desde 10 libras, si bien la disponibilidad es limitada. Todos estos productos están hechos a mano en el Reino Unido usando materiales existentes o reciclados, siempre que sea posible. En la muestra llama la atención un chaleco a prueba de puñaladas con la bandera británica que diseñó para el rapero británico Stormzy o una alfombra de Tony the Tiger, que muestra la mascota de los conocidos cereales. Las compras se realizan online a través de la web, recientemente habilitada. Pinche aquí par entrar en: “Gross Domestic Product. The homewares brand from Banksy”. En caso de que quiera ser un testigo presencial de su inédita tienda, le aconsejamos que acuda por la noche, cuando está iluminado el escaparate.

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El ingeniero Jag Virdie, extrabajador de Rolls-Royce, es el fundador de la empresa de viviendas prefabricadas Conker Living. La cápsula, inspirada en la casita del árbol, se trata de una estructura modular de 3,9 metros de diámetro, hecha de plástico reciclado y aluminio, con ventanas de ojo de buey. Su interior puede alberga una cama, cocina y baño. La cápsula en forma de esfera, se apoya en zancos de metal para adaptarse a espacios reducidos, en todo tipo de terrenos. Se instala en un solo día y se puede personalizar en diferentes acabados.

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THE CONKER LIVING Y EL FINAL DE LOS METROS CUADRADOS

Su diseño resistente a las inclemencias climáticas, está pensado para que el agua de lluvia fluya a través de la esfera y sea filtrada y reutilizada. Los personal shopper de la Inmobiliaria Sueños y Pasiones creen que para las familias que tienen la suerte de vivir en una casa con jardín, parece una buena y asequible alternativa para universitarios, jóvenes en paro o con trabajos que no les permiten acceder a vivienda propia. Son la llamada “generación bumerán”, que regresa al domicilio paterno tras un paréntesis de independencia. También lo encuentran muy funcional para utilizar como oficina pues el coste de una Conker es de 21.000 libras, algo más de 23.500 euros.

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11:00 am

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21.am

Detrás de los bocetos arquitectónicos de 21.am encontramos a Sam Picarda, diseñador a tiempo completo en una firma de la Gran Manzana y activo instagramer que dibuja en tinta negra, detallados paisajes urbanos y edificios emblemáticos de todo el mundo. Instagramers del planeta, podéis seguirlo en @21.am

Mensaje...

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Nuestra nueva adicción a Instagra 21.

“Mi proyecto actual es dibujar edificios de arquitectos fam tiempo “, dice Picardal. “Recibo muchas preguntas sobre el pensé que dar el salto a v

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am: los bocetos arquitectónicos de .am

mosos y mostrar el proceso de bocetos a través del lapso de proceso de mis bocetos, el bolígrafo que uso, etc., así que videos rápidos lo destaca”

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El mundo design está de enhorabuena, Valencia ha sido elegida por la World Design Organization para ser la Capital Mundial del Diseño en 2022. ¡Felicidades! “La precisión, el rigor y la profesionalidad de la candidatura de Valencia, así como la cohesión y fortaleza del sector”, en palabras de Bertrand Derome secretario general de la WDO, han sido las razones para apostar por la capital valenciana. Esta capitalidad para 2022 representa un premio a varias décadas de la consolidación de un sector tan singular y admirado como el del diseño de la Comunidad Valenciana, una serie de profesionales del diseño, la arquitectura y la ilustración gráfica, de distintas generaciones, capaces de proyectarse y tener presencia a nivel nacional y global. Este acontecimiento marca un punto de inflexión en la historia contemporánea del diseño a nivel nacional. Porque España consigue su primera World Design Capital y porque ha sido gracias a Valencia, por sus características, sus empresas, sus personas y sus objetivos urbanísticos, culturales, sociales y sostenibles, que ya era públicamente admirada más allá de nuestras fronteras.

Valencia, junto a Castellón y Alicante, con cuyo sector profesional y empresarial el diseño valenciano es al día de hoy un referente, ha alcanzado un alto grado de madurez en diseño que va a mostrar al resto del mundo. La imagen gráfica, ha sido diseñada por Ibán Ramón, reconocido diseñador gráfico valenciano, con una amplia y premiada trayectoria profesional. Se han interpretado las letras VWDC a partir de formas geométricas simples, sobre una retícula de módulo cuadrado que permite infinidad de composiciones. Su carácter abstracto al no leerse como ilustración o texto, facilita que en el futuro pueda convivir con una gran variedad de imágenes y títulos. Además, su color evoca el Mediterráneo: la arena, el mar, el sol. Ibán Ramón comenta: “El diseño modular de la identidad abre paso a una infinidad de composiciones, permitiendo un amplio desarrollo; sin una significación concreta, pero reconocible”.

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ARTNOBEL Inspiration Review of Contemporary Art núm #15 Rachel Valdés. Navegando la reflexión

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