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noviembre artes visuales N潞 64 distribuci贸n gratuita


Tras atender el primer seminario “Cultura & Economía, oportunidad de desarrollo”, organizado por nuestro Consejo de la Cultura en el Hotel W, nos hemos quedado con una sensación contradictoria. Es cierto que iniciativas como esta nos parecen destacables, loables, una demostración de que en este Gobierno sí quiere potenciar la cultura. Sin embargo, tenemos el temor de que la tierra de Chile siga siendo un terreno estéril para que surja este ansiado compromiso de las empresas y la cultura. Estamos de acuerdo con los dichos de nuestro Ministro de Cultura, Luciano Cruz-Coke, quien abría el seminario asegurando la urgencia de la creación de relaciones entre cultura y economía. Es cierto, y lo hemos argumentado muchas veces antes, que si un país afirma ser desarrollado debiese tener una economía cultural fuerte, con un énfasis en el fomento de la industria cultural. Pues este seminario nos afirma que somos un país culturalmente subdesarrollado. No tenemos marcos legislativos, ni currículum educacional, ni incentivos tributarios, no poseemos un paradigma cultural para que la cultura y las artes se desarrollen en plenitud, con todo su abanico de expresiones creativas. Ya es hora de que los privados y el Gobierno se pasen a la misma trinchera para apoyar la cultura. No es posible que para nuestro Bicentenario sigamos presenciando como nadie quiere asumir la responsabilidad, cuando el arte es una responsabilidad compartida por todos nosotros.

equipo

editorial

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Si tomásemos en serio que Chile es una marca, que queremos fortalecer nuestra imagen país, debemos partir por entender que esta imagen es integral; contempla nuestros recursos naturales, turísticos, gastronómicos y los culturales. Y es triste saber sólo que uno de cada cinco turistas cree que tuvo un satisfactorio contacto con nuestra cultura, como aseguraba nuestro Ministro de Economía, Juan Andrés Fontaine. Si queremos ser una nación innovadora, emprendedora, a la altura de los países desarrollados que tanto intentamos alcanzar, debemos partir por fomentar la cultura y las artes como consumidores, como empresas y como Estado. No nos quedemos en lo tradicional y pintoresco, o en lo decorativo y seguro. Nuestra cultura está en agonía. El arte –reflejo de lo que sucede en nuestra sociedad y cultura contemporánea- no puede luchar contra el “arte” que actualmente incentivamos. ¿Porqué las empresas deben invertir en cultura? Porque los beneficios valen la pena cuando el riesgo es controlado. Porque se genera un compromiso con la ciudadanía y se impulsa el mercado cultural. Porque si se fomenta la creación de valor en torno a la cultura, la calidad de la producción artística y la diversidad de propuestas inevitablemente será mayor. En Chile vemos un interés creciente de algunas empresas en apoyar proyectos culturales, fomentar la inversión en arte, y realizar acciones filantrópicas que enriquezcan nuestro

panorama. Sin embargo, con la mejor de las intenciones, la cantidad de estos privados con una visión a largo plazo y conscientes de su responsabilidad social es muy pequeña y la modificación que se hizo a la Ley Valdés hace algunos años sólo redujo esta cifra. Agradecemos las iniciativas de grandes empresas privadas que cada año nos entregan festivales, conciertos, libros y exposiciones. Agradecemos también a los privados que confían en nuestro proyecto cultural y que directa o indirectamente apoyan el arte. La Tercera, Entel, CCU, Rosen, Absolut, Lipigas, Mingo, Unilever, Fuchs, Hyundai, Caran d’Ache y Alifrut, junto a la Dirección de Asuntos Culturales y la Unidad de Asuntos Internacionales del Consejo de la Cultura y de las Artes, hacen posible que Arte Al Límite sea un proyecto que aporte al panorama cultural nacional. Es de esperar que iniciativas como “Cultura & Economía”, y los esfuerzos de privados que apoyan el arte, den el puntapié inicial a un cambio generalizado en nuestra cultura. “Hay que pensar en grande” decía Jorge Errázuriz, Vicepresidente de Celfin Capital. Pues entonces los invitamos a pensar y trabajar por un país en donde el chileno busque y demande cultura, en donde el arte sea cercano a la gente y valorado como una verdadera expresión social, y en donde el empresario no conciba un presupuesto anual sin la inversión -de la mano del Gobierno- en proyectos culturales.

Ana María Matthei directora Ricardo Duch director Cristóbal Duch asesor comercial Leonie Schilling editora general Catalina Papic directora de arte Carolina Silva diseñadora Francisca Yaksic licenciada en estética Camila Duch proyectos culturales Elisa Fernández periodista Labowitz crítico

Enrique Solanich crítico Pedro

Ennio Bucci crítico Julio Sapollnik crítico -

Argentina Carlos Navarrete crítico Manuel Munive crítico- Perú Ernesto Muñoz crítico y asesor de contenidos Pablo Barrenechea periodista Susana Carrasco periodista Gina Benvenuto periodista Josefina Valdés licenciada en letras Bernardita Garib escritora y artista Ángela Tapia periodista Jorge Azócar asesor Gabriel Núñez asesor de comunicación Ignacio del Solar asesor


Sumario

periódico al límite

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SU MARIO REPRESENTANTE LEGAL Orlando Calderón F. VENTAS info@arteallimite.com FONO-FAX 955 32 61 WEB www.arteallimite.com PORTADA Empresa y cultura IMPRENTA R.R. Donnelley Santiago, Chile Las opiniones vertidas en este medio son de exclusiva responsabilidad de quienes las emiten.

empresa y cultura

07 22 40

18 24 44

20 36 46

Empresa y cultura

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Arte de Marca

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Andrés Baldwin

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Alejandra Raffo

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Óscar Barra

22

Isabel Sáa

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Universidad Finis Terrae

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Crítica de Pedro Labowitz

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Bernardita Garib

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Agenda Santiago

30

Agenda Regiones

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Artistas Al Límite

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Víctor Mahana

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Pequeñas Armas

38

Crítica de Ennio Bucci

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Cecilia Avendaño

40

Crítica de Ernesto Muñoz

41

Crítica de Enrique Solanich

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Soledad Llona

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Pinta New York

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Crítica de Carlos Navarrete

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Francisco H. Toledo

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D e s a r r o l l o c r e at i v i d a d innovación posicionamiento emprendimiento difusión competitividad transversalidad permanencia visibilidad fidelización asociatividad cercanía pluralismo masividad trascendencia patrimonio herencia

EMPRESA

C U LT U R A

Estos son sólo algunos de los beneficios que una empresa o institución obtiene al relacionarse con proyectos que fomenten el desarrollo cultural. Todos ellos fueron analizados el miércoles 3 de este mes en el primer seminario “Cultura & Economía”. El evento, organizado por el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes y el Ministerio de Economía, evaluó las oportunidades de desarrollo de las inversiones en cultura. Las conclusiones dejan en claro que Chile tiene un subdesarrollo a nivel de proyectos de esta índole y que los privados no han interiorizado los beneficios que una inversión en esta área puede significar. Sin embargo, hay algunas iniciativas que destacan por su osadía y su visión integral de la sociedad. Empresas e instituciones del Gobierno han sabido comprender el valor agregado de la cultura y su relación integral con todas las esferas de nuestro país. En esta ocasión, Arte Al Límite entrevistó a algunos de los representantes de empresas que han apostado por apoyar directa o indirectamente a proyectos culturales, abriendo nuevas puertas a iniciativas que aporten con el desarrollo de Chile. Esperamos que esto sea una iniciativa para que las empresas se sumen a este proyecto de construir un Chile con riqueza cultural.


acercar

el

arte

El Gerente General de CCU, una de las empresas más comprometidas con el arte en nuestro país, nos revela lo integrada que está la cultura a la misión y visión de ccu.

Patricio Jottar / Teresa Gazitúa

periódico al límite

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a

la

gente

¿Cuál ha sido la aproximación que su empresa ha tenido con la cultura y las artes desde sus inicios? A principios de los 90, buscando acercarnos a la comunidad con el firme propósito de trasmitir valores positivos como el esfuerzo, la perseverancia y la creatividad, iniciamos nuestro apoyo a diversas manifestaciones artísticas. A través de “Cerveza Cristal en el arte” auspiciamos a jóvenes promesas y consagrados artistas. Queríamos contribuir al desarrollo cultural de la sociedad y permitir que miles de personas pudieran disfrutar de las creaciones de talentos nacionales. Desde entonces, en CCU hemos buscado en forma sistemática ser un respaldo permanente para nuestros artistas, ofreciéndoles un soporte para exponer en prestigiosos espacios dedicados a la investigación, exhibición, promoción o conservación del arte, como el Museo Nacional de Bellas Artes o el Museo de Arte Contemporáneo y hoy en nuestra propia Sala de Arte CCU. Actualmente CCU apoya diversas iniciativas de artistas chilenos contemporáneos, tanto en la Sala de Arte CCU como en otras instituciones. Asimismo, CCU y “Cerveza Cristal en el arte” apoyan una nutrida cartelera de actividades culturales en Santiago, aportando a la educación y el disfrute del arte. También, con el objetivo de descentralizar la cultura de la capital, desde hace 15 años CCU ha generado exposiciones itinerantes en regiones. ¿Bajo qué premisa se han realizado estas inversiones o alianzas? La filosofía de CCU es “Acercar el arte a la gente”. Bajo esa premisa hemos generado una serie de actividades que promueven y difunden la cultura. Igualmente, es una forma de acercarnos a nuestros consumidores y a la comunidad en general. Se agradece la preferencia por nuestros productos y se retribuye con actividades que por lo general son gratuitas y contribuyen al bien común. ¿Qué importancia tiene la gestión cultural, el fomento o patrocinio a proyectos culturales para una empresa en la actualidad? Consideramos el arte como un asunto de gran importancia. Es un medio de desarrollo de la capacidad de asombro, entendimiento de nuestra realidad y admiración, como así también parte indispensable del patrimonio e identidad de un país. Hemos querido ser un puente cultural que genere proximidad y valoración de estas actividades, entre la sociedad y sus gestores, permitiendo a su vez la cercanía de nuestra empresa con la comunidad. ¿Qué ejes considera claves para una colaboración integral entre empresa y artistas o proyectos culturales, en términos de marketing cultural? A través de los años hemos generado una serie de vínculos de confianza, seriedad y profesionalismo con instituciones ligadas a la cultura. Esto nos ha permitido construir una red de apoyo y colaboración en el mundo del arte, tanto gubernamental como privado. Con ello hemos podido generar proyectos que han incentivado el interés de la comunidad por el arte, como también su consumo.

patricio jottar GERENTE general de CCU

¿Cuáles son las alianzas o proyectos culturales que esperan desarrollar a corto, mediano y largo plazo? Para CCU el arte es un proyecto de largo aliento, con el cual nos sentimos íntimamente ligados y comprometidos. Hace dos años desarrollamos el libro “Arte en CCU”, con la finalidad de legar un completo manuscrito sobre los artistas más destacados de los años 70, 80 y 90, en el que se presentan más de 350 artistas, dando además cuenta de nuestra trayectoria en este campo. Esperamos desarrollar nuevos ejemplares que nos permitan seguir educando y transmitiendo la cultura a las generaciones venideras.


El arte como inversión social ¿Cuál ha sido la aproximación que su universidad ha tenido con la cultura y las artes desde sus inicios? La Universidad Finis Terrae ha tenido un especial interés por el mundo de la cultura y ha generado diversas iniciativas destinadas a la difusión cultural. Al comienzo éstas eran básicamente charlas y seminarios sobre Historia del Arte. En 1993 abrimos la facultad de Artes, siendo la primera de las universidades privadas; tras ella vinieron las escuelas de Teatro y de Literatura. A partir de entonces las actividades se han diversificado y hoy contamos con una sala de exposiciones donde exponen permanentemente los alumnos, los artistas egresados y profesores. Tenemos además las dos salas de teatro; Sala Finis Terrae y Sala Jorge Díaz.

La Decana de la Escuela de Artes Visuales de la Universidad Finis Terrae nos explica el compromiso, impacto y las retribuciones que le ha significado a la Universidad su estrecha relación con la cultura y las artes.

¿Cuál es la relación que su universidad mantiene actualmente con la cultura? Definitivamente la universidad -como institución- concibe la cultura como una inversión social. A ello responde la Colección de Arte Joven, que cuenta hoy con 160 obras permanentemente exhibidas en los pasillos, salones, oficinas y otras dependencias de la universidad. Esta iniciativa se orienta no sólo a ir creando un capital artístico para la Finis Terrae, sino también como una buena manera de apoyar a nuestros alumnos en los inicios de su carrera como artistas. A esto se suma la edición de libros gráficos de arte de gran calidad, y el patrocinio o auspicio a exposiciones de arte u obras de teatro en las que participan nuestros egresados. Además, la universidad acostumbra a dar como premio a alumnos, profesores destacados o visitas, esculturas en pequeño formato de algunos de nuestros mejores egresados. ¿Qué importancia tiene la inversión social en arte o cultura para una empresa en la actualidad? Hoy las empresas, sea cual sea su giro, han ido adquiriendo creciente conciencia de la importancia de fomentar el arte y la cultura. Esto no sólo enriquece a quienes trabajan en ella, sino que constituye también un aporte valioso a la comunidad en la cual se desenvuelven. Por eso es cada vez más frecuente que las empresas promuevan el arte e incluso algunas tengan sus propias salas de exposiciones. La opinión pública valora cada vez más estas iniciativas, tanto como la responsabilidad con el medio ambiente y con la sociedad. De hecho, todas nuestras actividades artísticoculturales están abiertas al público externo, por lo que su impacto en el medio es tan importante como en el mundo académico. ¿Qué ejes considera claves para una colaboración integral entre empresa y artistas/proyectos culturales, en términos de marketing cultural? Me parece fantástico que se estén generando este tipo de colaboraciones. Las empresas pueden así mejorar su imagen, hacer una contribución a la sociedad y llegar de una manera más amable a su público objetivo, cuidando siempre que no se “use” el arte, sino que éste ayude a expresar de mejor manera sus mensajes: que sean genuinos y que correspondan a la esencia de la empresa. ¿Cuáles son los proyectos culturales que esperan desarrollar a corto, mediano y largo plazo? Nos proponemos seguir incrementando nuestra Colección de Arte Joven. Tenemos un plan anual de al menos seis exposiciones en la Sala Finis Terrae y seguiremos aumentando las alianzas con galerías de arte para que nuestros ex alumnos expongan ahí. Por otro lado, continuaremos participando en Ch.ACO 2011 y estamos invitados a llevar una muestra de nuestros ex alumnos premiados a Buenos Aires. Por último, seguir con la edición de libros de arte -normalmente con patrocinio de un tercero- también está en nuestros planes futuros.

teresa gazitúa Decana Artes Visuales UFT


Apoyo al arte y la cultura:

creatividad y marketing inteligente El Director General de Pernod Ricard Andes explica cómo la colaboración entre artistas y empresas puede desencadenar un fenómeno global, que a estas alturas ya es histórico.

Laurent Pillet / Constanza Güell

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¿Cuál ha sido la aproximación que su empresa ha tenido con la cultura y las artes? El vínculo de Pernod Ricard Andes a la cultura y las artes parten con el fundador de la compañía, quien era pintor, gran sponsor y amigo de artistas como Salvador Dalí. Paul Ricard creó la Fundación Ricard en 2005 y retomó y amplió esta tradición, con un claro enfoque contemporáneo. Su mayor apoyo fue la exhibición de diez jóvenes artistas en su propia galería, a dos pasos de los Campos Elíseos, y la entrega de un premio, durante la FIAC (Feria Internacional de Arte Contemporáneo) de Paris, a uno de ellos, elegido por un jurado de 100 coleccionistas, artistas y curadores. Una de las obras, luego de ser comprada por la Fundación, se entregó al Centre Pompidou de París, establecimiento que se encarga de dar también seguimiento al artista. y realizó grandes concursos anuales de escultura y pintura.Además de este vinculo corporativo, existen lazos de varias marcas del grupo con el arte y la cultura. ¿ Y e n c u a n t o a A B S O L U T ? En lo que respecta a ABSOLUT, desde que comenzó sus primeras exportaciones a Estados Unidos decidieron darse a conocer de una manera diferente, que sorprendiera y deleitara. Adman Geoff Hayes, de la agencia publicitaria TBWA de Nueva York, fue el encargado de idear una campaña para ABSOLUT VODKA que debía centrarse en la botella y ser intemporal y contemporáneo a la vez. Y Hayes convirtió 400 años de tradición en un fenómeno moderno con una nueva forma de comunicar: ABSOLUT X. Esta campaña duró casi 30 años, convirtiéndose en la publicidad de licores ligada al arte más larga de la historia. Años después ABSOLUT dio el siguiente paso con una nueva campaña cuyo primer exponente fue Andy Warhol. Ésta tuvo un éxito increíble y atrajo inmediatamente la atención mundial. ABSOLUT pasó de vodka popular a pop art y se convirtió en símbolo. Había nacido ABSOLUT ART. Posteriormente, siguieron colaboraciones con más de 600 artistas, de todas las disciplinas artísticas. Los encargos de ABSOLUT ART difieren del mecenazgo tradicional, promocionando a los artistas a nivel internacional y convirtiendo a ABSOLUT Vodka en una galería global. ¿Qué importancia tiene la gestión cultural, o el fomento y mecenazgo a proyectos culturales y/o la inversión social en arte o cultura para una empresa en la actualidad? Depende el proyecto y si realmente va acorde con la filosofía de la empresa. Si la gestión cultural o el fomento a proyectos van de la mano con un plan sólido, que refuerza los valores de la empresa y/o con su plan de responsabilidad social, puede resultar muy bueno para la empresa y para el arte.

laurent pillet Director General de Pernod Ricard Andes

¿Cuáles han sido los resultados de su apoyo a la cultura en materia de imagen, valor agregado y clientela o proyectos de inversión? Han sido magníficos. La clave del éxito de ABSOLUT es que es un producto Premium sumado a un marketing inteligente, donde el continuo apoyo y gestión de arte y cultura ha sido la principal base de su trabajo.


Potenciando la imagen cultural de Chile ¿Cuál ha sido la aproximación que la Unidad de Asuntos Internacionales ha desarrollado con la cultura y las artes en la nueva administración? Este año, con la nueva administración del Ministro Cruz -Coke, el esfuerzo se ha focalizado en el diseño y ejecución de estrategias de internacionalización de nuestros productos culturales y las manifestaciones artísticas. Actualmente esta Unidad se sigue preocupando de la agenda internacional del Ministro y la dimensión internacional de la política cultural, pero también se enfoca en mantener un vínculo estrecho con nuestros agregados culturales en el extranjero, como también con las misiones diplomáticas extranjeras en Chile, en desarrollar proyectos internacionales especiales y sobre todo en diseñar e implementar, junto a las Secretarías Ejecutivas del Libro, de Audiovisual y de la Música, como también con las áreas de Artes Visuales, Fotografía, Teatro, Danza y Artesanía, las estrategias de internacionalización necesarias para instalarnos culturalmente en el mundo. Nuestros objetivos principales son la inserción de artistas y productos chilenos en circuitos y mercados internacionales, la expansión de los mercados para las industrias creativas, la promoción internacional de las industrias y áreas artísticas chilenas, la creación de un programa llamado Agentes Culturales, la circulación de obras en el extranjero a través de ferias, bienales y festivales y también giras itinerantes de posicionamiento, todo lo cual apunta a mejorar e incrementar la visibilidad de la imagen cultural del país en el exterior.

La Jefa de la Unidad de Asuntos Internacionales del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes puntualiza algunas de las gestiones que se están llevando a cabo para posicionar internacionalmente n u e s t r a s m a n i f e s ta c i o n e s a r t í s t i c a s .

¿Qué ejes considera claves para una colaboración integral entre empresa/ Gobierno y artistas/ proyectos culturales, en términos de marketing cultural? Lo que considero clave para una colaboración integral entre empresa y una entidad gubernamental, como lo es el Consejo Nacional de la Cultura, es poder generar un trabajo mancomunado, donde se generen instancias de cofinanciamiento. Creo que lo más efectivo hoy es que existan aportes desde cada una de las partes que conformen los proyectos artísticos; donde hayan inversiones y/o aportes de cada una de las instancias público/ privadas: la empresa desde sus recursos, el Gobierno con su gestión y sus fondos, y los artistas o proyectos desde los contenidos. ¿Cuáles son las alianzas o proyectos culturales que esperan desarrollar a corto, mediano y largo plazo? Continuar potenciando algunos de nuestros objetivos generales, como el desarrollo de un trabajo coordinado entre todas aquellas instituciones que promueven la cultura en el extranjero (DIRAC, Fundación Imagen de Chile y ProChile), para lo cual es necesario seguir con las mesas de trabajo ejecutivas con representantes de otras Instituciones que promuevan la internacionalización de las artes. Para obtener la inserción de artistas chilenos en circuitos internacionales y la inserción y circulación de productos culturales en mercados internacionales, estamos diseñando mapas por disciplinas de los encuentros, festivales, ferias y bienales donde debemos cobrar presencia, apuntando a poder participar en un futuro próximo. Actualmente estamos preparando una reunión entre esta Unidad y todas las representaciones diplomáticas extranjeras en Chile. Hemos gestionado la venida de todos los panelistas internacionales que expusieron en el primer Seminario de Cultura y Economía; y estamos preparando y desarrollando el envío de Chile a la Bienal de Venecia 2011, preparando el envío a un importante Festival en que seremos país invitado de honor, además de todas las gestiones, alianzas y proyectos que surgen de cada estrategia que hemos definido por sector.

constanza güell Unidad de Asuntos Internacionales Cnca


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Paula Álvarez / Jean Anwandter

periódico al límite

Cultura saludable

Acercando el bienestar y los hábitos alimenticios saludables al mundo del arte y la cultura, Paula Álvarez, Gerenta de Ventas y Marketing, ha sabido posicionar a “Minuto Verde” como una alternativa a los hábitos de consumo actuales. Si bien recién comienzan a acercarse a la cultura y las artes como una forma de responsabilidad social que genera valor agregado, Minuto Verde apunta a apoyar iniciativas como nuestro medio, para acercarse al consumidor cultural. ¿Cuál es la filosofía de su empresa y de los productos que presenta? ¿Qué los diferencia y es el sello de su calidad? Minuto Verde es “100% natural”. Es una marca que se asocia a salud, bienestar y practicidad. Nuestro slogan “tómate un minuto”, habla de un minuto para ti, para compartir, para estar en familia, para hacer lo que te gusta. Minuto Verde se ajusta a las necesidades alimentarias del hombre y la mujer actual, e incentiva el tiempo libre, para que podamos disfrutar de la cultura en familia. Nuestra filosofía es la calidad, que trasciende todo lo que hacemos; los mejores productos, packaging y distribución. ¿Cómo se asocia su marca a la cultura? Minuto Verde se asocia con valores positivos que se mantienen a través del tiempo; salud, bienestar y alimentación saludable. Estos valores son el reflejo de la cultura actual, una cultura interesada en llevar una vida sana, integral, en donde las actividades de recreación y la creatividad con la que se enfrenta el día a día son fundamentales. ¿Cómo evalúa la escena cultural y de las artes plásticas en Chile? Pienso que está mucho más accesible. La creación de centros culturales, salas de arte, y el fomento de las distintas expresiones ha permitido más y nuevos escenarios para el desarrollo del arte. Esto genera una escena nacional en donde existen más oportunidades de recreación y lugares nuevos que visitar. Tal apertura y diversificación atrae nuevos públicos y acerca la cultura a una esfera masiva. Son estos espacios y sus usuarios con los cuales esperamos realizar futuras alianzas y proyectos estratégicos.

paula álvarez Gerente de ventas y marketing de minuto verde

¿Por qué han decidido apoyar un medio como Arte Al Límite? Porque Minuto Verde coincide con los valores que este medio difunde mes a mes. Quisimos involucrarnos en este proyecto ya que compartimos los objetivos de apoyar y estimular el desarrollo cultural, y creemos que –debido a nuestra filosofía- este periódico es el lugar apropiado para mostrar nuestros productos.


Explorando nuevas formas de expresión artística Si bien la colaboración de marcas de automóviles con el arte ha sido conocida y destacada, el Gerente de Marketing de Gildemeister apuesta por nuevas y originales formas de acercar su marca al arte. El Gerente de Marketing de Automotores Gildemeister, Jean Anwandter confiesa que su empresa recién comienza a crear nuevas y estables relaciones con el arte y la cultura. Sin embargo, las propuestas no escasean y acaban de organizar un concurso con los estudiantes de la UDD. ¿Cuál es la relación que se puede generar entre la cultura y las empresas de su rubro? Se puede expresar el posicionamiento de cada modelo con una expresión artística. Esto le da originalidad y llama la atención de los consumidores. ¿Cuál es la filosofía de su empresa y de los productos que presenta? ¿Qué los diferencia y es el sello de su calidad? Hoy Gildemeister trata de entregar un servicio de excelencia a sus consumidores, a través de ventas y su servicio de post venta, con el fin de solucionar las necesidades de los clientes de la mejor manera. Esta determinación va de la mano con productos que tienen una excelente calidad, lo cual establece la fidelidad de marca que queremos lograr. ¿Qué actividades realiza en relación a la cultura? Hemos participado en variadas actividades. Destacamos el auspicio al Teatro Lastarria y al Teatro Municipal, y el apoyo a iniciativas culturales a través de publicaciones en revistas especializadas. Además hemos realizados lanzamientos en galerías de arte y actualmente estamos apostando por un concurso de diseño con estudiantes de arte de la Universidad del Desarrollo, para que ellos creen algunos de los avisos que publicaremos en Arte Al Límite. Finalmente, ¿por qué Gildemeister ha decidido apoyar un medio como Arte Al Límite? Queremos llegar a todos los consumidores de autos comunicando eficiente y efectivamente nuestros productos. Arte Al Límite es una de las mejores revistas de arte en Chile y esta asociación con la marca Hyundai es excelente.

jean anwandter Gerente de Marketing de Gildemeister


El arte merece espacio y oportunidades

Marlen Velázquez / Francisco Sánchez

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Sólida es la postura de la Gerente de Asuntos Corporativos y RSE de Entel. La profesional considera fundamental el generar escenarios para el desarrollo de la cultura nacional.

Entel es una empresa que a lo largo de los años ha logrado posicionarse en la mente e imaginario social de la ciudadanía. Dentro de este contexto, la compañía de telecomunicaciones ha venido creando o esbozando una temática constante de apoyo a la cultura y el arte chileno, a lo que se suma la noción permanente de tener una concepción de responsabilidad social muy marcada. Lo anterior es detallado específicamente por Marlen Velásquez, Gerente de Asuntos Corporativos y RSE, quien señala que “el apoyo a las artes tiene que ver con la línea de la compañía, la cual es una empresa muy vanguardista. También se relaciona con el espíritu, con los valores y con la dinámica de la empresa. Consideramos que el arte merece espacios y oportunidades, y este apoyo va en la línea y es acorde profundamente con nuestra identidad”. Uno de los proyectos esenciales que Entel realiza en pro del apoyo a las artes visuales, es que cada año lanzan un libro inédito, ya sea por la obra o por el artista, pero siempre con la idea puntual de abrir caminos para el conocimiento y el acercamiento al arte contemporáneo nacional. ¿La inversión de Entel en materias culturales es parte de su filosofía o se proyecta como una estrategia de marketing? Creo que es muy importante expresar que ambas posturas son caminos complementarios. La pregunta que nos hacemos es qué esperan los consumidores de la empresa que admiran. Esto no se traduce únicamente en publicidad, sino que es fundamental generar un sentido de coherencia, compromiso y transparencia con el país. Lo que finalmente crea sustentabilidad a largo plazo, son los valores de la empresa y su esencia. Esto justamente se produce mediante el apoyo a las artes, el deporte y la educación. De esta manera, el soporte a la cultura se puede contextualizar como la forma en que Entel se construye a sí misma, y la manera en que origina diálogos en donde la visión de la ciudadanía está radicalmente incorporada.

marlen velázquez Gerente de Asuntos Corporativos y RSE de Entel

“Nuestro Gerente General Corporativo, Richard Büchi, tiene grandes conocimientos sobre el arte y suele rodearse de todas sus expresiones. Además, tiene cercanía con los artistas, conversa personalmente con ellos, los escucha. Está incorporado en su forma de ser, y asimismo esto se concreta en nuestra línea editorial. Creo que es una ventaja para esta compañía”, explica Marlen.


Tenemos el deber de acercar la cultura a la sociedad Ésta es la postura con que el Gerente General de La Tercera especifica la importancia de gestionar espacios de desarrollo y apertura a las artes y la cultura.

La Tercera es uno de los medios de comunicación más importantes e influyentes a nivel nacional. Esto último, hace que su misión como plataforma de diálogo y encuentro con las inquietudes sociales sea un tema trascendental. Teniendo esto como referencia, el apoyo y la cercanía con la difusión de la cultura y las artes visuales es un punto de soporte e identidad fundamental para este diario. ¿Cuál es la aproximación que tiene La Tercera con el arte y la cultura? Nosotros pensamos que como medio de comunicación tenemos un deber fundamental, acercar la cultura y las artes a los públicos más amplios. Somos un medio que tiene un posicionamiento de mucha apertura. Nos gusta discutir sobre diferentes ideas, posturas y opiniones. Sentimos que el arte, sin la participación de los medios, tiene pocas posibilidades de poder mostrar verdaderamente a la audiencia chilena qué es lo que está pasando. De hecho, en nuestra última reformulación de diseño y contenido, le dimos un importante énfasis a la cultura. La gestión de La Tercera en materias relacionadas a las artes visuales, se traduce en el constante apoyo que este medio le ha otorgado a la difusión de Arte Al Límite. De manera mensual, se reparte y entrega a los suscriptores el periódico de arte contemporáneo elaborado por Arte Al Límite. “Creemos que Arte Al Límite tiene mucha sintonía y afinidad con el proyecto que tiene La Tercera. Hay un objetivo de acercar la cultura a públicos más masivos, sacarla de los nichos que incluyen solamente a las galerías de arte o espacios muy estrechos. Por otro lado, también se han gestionado otros proyectos culturales, entre estos “La Panera” en donde también se le distribuye sin fines de lucro”, explica. ¿Considera que es importante que las empresas le entreguen un apoyo a la cultura? Creo que sí es importante, de lo contrario se nos van a ir los artistas hacia afuera. Es fundamental promover el talento nacional y que las personas que tengan este talento puedan ir a la universidad, estudiar, seguir capacitándose y tener un espacio. Nosotros tenemos algo maravilloso, que es el canal de comunicación que entregan todos los medios que están bajo el alero de Copesa y en donde nuestro principal aporte es la difusión.

francisco sánchez GERENTE GENERAL LA TERCERA


Caran d´Ache

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la escritura como arte Lujo, creatividad y tradición se concentran en la destacada marca suiza, cuya estrecha relación con el arte no sólo nos entrega productos de una calidad excepcional, sino que además nos revela su profundo compromiso con las distintas expresiones artísticas.

Con su larga tradición de maestría heredada por generaciones, Caran d’Ache dedica su pasión y rigor a diseñar y producir excepcionales piezas devotas del arte de escribir: instrumentos de escritura, arte y materiales para dibujo. Desde sus inicios en 1915, Caran d’Ache ha reflejado su pasión por la belleza y la creatividad. Su fundador bautizó a la fábrica para homenajear a “Karandash”, seudónimo del artista francés Emmanuel Poiré, uno de los primeros grandes caricaturistas de historietistas del siglo XIX. Lo que comenzó con un lápiz hace casi 100 años se ha convertido en el ejemplo mundial de la más alta calidad en la elaboración de instrumentos de escritura. Desde su fundación, la marca ha investido sus productos con una gran sensibilidad artística, alimentada por diversas fuentes de inspiración y la interpretación libre de las tendencias contemporáneas y aspiraciones. Asimismo, su trabajo en torno a los instrumentos de escritura explora formas, técnicas de aplicación, materiales y matices de colores. Caran d’Ache ha sido siempre un pionero capaz de concebir una serie de creaciones de vanguardia, tanto desde el punto de vista tecnológico como en los materiales utilizados, lo que lo

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convierte en una verdadera reserva de ideas que nunca deja de sorprender a los amantes de los finos productos de escritura. “La escritura y las imágenes surgen de las mismas fuentes”, aseguró el artista Paul Klee, y Caran d’Ache ha explorado esta línea de pensamiento por casi un siglo. Ya sea con lápices, colores o instrumentos de escritura, la empresa siempre ha estado interesada en las emociones que acompañan el movimiento de la mano en la elaboración de una línea, el comienzo de un boceto, o en la experimentación de técnicas y matices. De esta pasión y expertise surgió un compromiso real: promover la expresión literaria, gráfica o artística del hombre con lo más preciado y excepcional. Los productos Caran d’Ache abren la puerta a la creatividad y la belleza con el refinamiento y la elegancia de sus formas, la originalidad de sus materiales, la fuerza de sus pigmentos, y la infinita gama de mezclas y técnicas. Son una invitación al asombro, al deseo de crear, al placer de la escritura y sirven a un mismo arte: el arte de la escritura. En nuestro país, Caran d’Ache es distribuido exclusivamente por Müller & Cía Ltda., y sus productos se pueden encontrar en Relojería Müller en Santiago, y en las Joyerías Rometsch del Portal de La Dehesa, en Concepción centro y en el mall El Trébol de Talcahuano.

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Arte de Marca

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ARTE DE MARCA Cuando una marca se asocia al arte, los resultados son sorprendentes y muchas veces emblemáticos. Alianzas tan exitosas como la de Takashi Murakami con Louis Vuitton y Anish Kapoor con Bulgari nos confirman la fortaleza y renovación que la visión creativa de un artista da a una marca o producto. Originalidad y autenticidad son claves en lo que hoy conocemos como “artketing”. Por Leonie Schilling, periodista

“Legends of Unity”, Kehinde Wiley for PUMA. Cortesía de Deitch Projects, Nueva York

orprende que recién en el siglo XXI las empresas hayan comenzado a reconocer los beneficios de la colaboración entre arte y marca debido a la creciente “estetización” del mercado y a la necesidad del artista de hacer marketing. Estas alianzas estratégicas son tan antiguas como la comunicación. Desde que Miguel Ángel pintara el cielo de la Capilla Sixtina para la Iglesia Católica, y que más tarde Diego Velázquez hiciera sus retratos de la nobleza, el arte ha demostrado ser un fuerte gancho publicitario que mueve masas y genera sensaciones positivas en el público general. En la actualidad, marcas de lujo, de ropa deportiva, de automóviles, de alcoholes y bebidas de fantasía se han asociado a artistas emergentes y consolidados para elaborar nuevas estrategias de marketing que renueven y sublimen su producto. Crear novedad manteniéndose dentro de los códigos de marca –sus valores y visión-, destacarse por la calidad y la creatividad, generar visibilidad, atractivo y, por sobre todo, valor agregado, son algunos beneficios de lo que


actualmente se ha comenzado a conocer como “artketing”. El arte es una forma de entender el mundo en el que vivimos. Los artistas encarnan el espíritu de lo contemporáneo, el sentimiento de esta época. Nos reconectan con las emociones, sensaciones, temáticas e imaginería actual. Es difícil entender entonces porqué las marcas en Chile no se acogen a esta tendencia global. Hemos visto algunas expresiones que han sido criticadas, percibidas como un desprestigio a la obra y una pérdida de valor. Bruna Trufa con Ripley y Samy Benmayor con Transbank y Movistar son sólo dos de un diverso grupo de artistas que se ha atrevido a asociar arte con marcas. Los resultados positivos de estas colaboraciones han sido bilaterales. Las empresas generaron atractivo y fidelización de sus clientes, y los artistas lograron masificar su obra a un público ansioso de poder acceder a su producción. Esta promoción cruzada está ganando cada día más fuerza. Vimos sus comienzos en 1990 con la colaboración de Damien Hirst y Nan Golding con Camel, y actualmente lo vemos en zapatos, ropa y accesorios de edición limitada, los cuales legitiman la marca. Para las empresas, la creatividad del artista es un arma poderosa y de gran valor. Para el artista, uno de los mayores beneficios es la exposición tanto de su nombre –fortaleciéndose como marca- como de su obra. Los beneficios mutuos son múltiples si se define una colaboración adecuada, en donde se comparta la visión artística y de marca. Y sería un error argumentar que el arte y la empresa deban permanecer en trincheras opuestas, especialmente en un país como éste, en donde los contenidos culturales escasean a nivel alarmante. “Heart”, by Keith Haring, SIGG. Cortesía SIGG Switzerland AG

“Nike”, by Marc Turlan. Cortesía de Serial Art Photographers, Francia

“The KRINK Mini”, Craig “KR” Costello. Cortesía de Vicious Gallery, Alemania


Andrés Baldwin / Alejandra Raffo

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andrés baldwin Pintura y religiosidad

Su obra religa el mundo cotidiano terrenal con el celestial y divino, abriendo nuevos espacios de reflexión. Por Gina Benvenuto, periodista y licenciada en estética.

s pintor. Nada de gorda su brocha. Su creación -de imagen pictórica figurativa, realista- es bella, minuciosa, esmerada y “abarcativa” de los detalles más reveladores de la esencialidad del objeto que retrata. La espiritualidad estética de Andrés Baldwin se funde con y en la “espiritualidad” del objeto que pinta. “La ola”, 2006, óleo sobre tela, 95 x 120 cm.

En sus trabajos hay orden, simetría, armonía, claridad. Impera cierta serenidad apolínea.

dependencia implícita y cómplice entre lo prosaico, lo mundano y lo divino.

Con academicismo renacentista -y el uso de una paleta de colores más bien restringida a los terrosos- da cumplimiento profesional a un mundo de figuraciones que van más allá de lo puramente real.

¿Cuánta ideación sublime y cuánta ideación subliminal tendrán los trabajos de Baldwin? ¿Lo acometerá alguna vez la tentación de Marcello, aquel pintor de la ópera la Bohéme de Giacomo Puccini?

Su taller está ubicado en los terrenos que la orden dominicana posee en San Carlos de Apoquindo. Allí el pintor trabaja y hace clases particulares en un entorno especial. El cielo transparente permite que la luz del sol brille sobre doradas flores silvestres. Los cerros silenciosos bordean el lugar. Un espacio natural para la fruición estética.

El artista recibió un encargo de la congregación Opus Dei: hacer una pintura mural en el oratorio de la capilla del colegio Tabancura. La obra de 10 metros de longitud curva y más de dos metros de altura es una Natividad. Le tomó cerca de año y medio de trabajo y la realizó con 10 bastidores de roble y lino pintado al óleo.

Misteriosamente, su taller tiene algo de portal o pesebre. Desde su interior se aprecia el monasterio de los dominicos, cuyo lema “laudare, benedicere, praedicare” (alabar, bendecir, predicar), de algún modo y en algún grado, se infiltra y atraviesa las creaciones de este artista profesor de la Universidad Finis Terrae.

Sorprende la figura del fundador de la orden, monseñor José María Escrivá de Balaguer y la de otros importantes directivos de esa congregación religiosa, en medio de la escena del nacimiento.

En sus obras se percibe cierta religiosidad, en el sentido que en lo retratado, pareciera religarse, emparentarse el mundo de lo cotidiano terrenal con el mundo de lo celestial divino: Una luz “santa”, ya sea en la pintura de una tela, de unos limones o una vasija de greda. Una

Otra obra para disfrutar del perfecto dibujo del pintor se ubica en la capilla principal del Duoc, en la comuna de Providencia. Allí realizó otro mural de carácter religioso: “El taller de San José”. Conmueve su Jesús -hecho niño- “pidiendo permiso a su papá para ayudar en las labores del taller”. La Sagrada Familia aparece toda consagrada en torno al cumplimiento de sus labores: La Virgen hila; San José talla.


ALEJANDRA RAFFO Arte como la construcción del ser

l vínculo con la creación artística es un elemento innato para Alejandra Raffo. Es parte de su genética y del proceso o camino que hay que encausar en la búsqueda de la existencia. Iconografías, diseño, pintura y la incorporación de lo multimedial, son herramientas que se fusionan para originar un trabajo de gran potencia, cuestionamiento y profundidad. “Percibo en las tecnologías multimediales una alternativa de integración de compromisos sensoriales, tanto del cuerpo físico, como en el no matérico. La combinación de gráfica digital, fotografía y video, surge de la diversidad de los lenguajes con los que voy experimentando mi quehacer artístico, de manera fluida y natural”, explica. Desde su trabajo emana un ferviente compromiso con retratar, desde la utilización de lo abstracto y la simbología de la imagen, una reflexión sobre la existencia humana. “Surgimos de un misterio y vamos a otro. En cada imagen y cada obra que genero están las grandes polaridades equivalentes: nacimiento y muerte. Dependientes, atadas la una a la otra. La oscuridad y la luz de una sola fuente de energía”. El cuerpo humano se transforma en su gran soporte creativo, en la herramienta substancial con que expresa su propuesta visual. Día a día la artista registra la importancia de captar el momento, de plasmar a través del arte la relevancia de las pequeñas historias que transcurren en el tiempo.

Vivir las experiencias en su totalidad, atravesar con la cámara y la fotografía cada espacio y momento que nacen del diario vivir. Una estimulación pictórica que estremece los sentidos. Por Elisa Fernández, periodista.

“Ojo, golosina caníbal”, 2006, fotografía montaje de lenticulares en la exposición Ojo Caníbal del Museo de Bellas Artes, 410 x 375 cm.


óscar barra LOS REGALOS GRIEGOS.

En los jardines del placer-poder, el sueño se hace pesadilla y las utopías se convierten en distopías. Por Gina Benvenuto, periodista y licenciada en estética.

Óscar Barra

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“Michele earthquake”, 2010, acrílico sobre tela, 50 x 160 cm.

os colores que usa Óscar Barra son como los de aquellas cajitas de acuarela de los útiles escolares. O como los colores de los tubitos de plasticina que todo niño alguna vez moldeó y cuyas torsiones el artista recupera en sus trabajos. Así es como se ven y lucen sus obras de acrílico sobre tela o de acuarela sobre papel. Sus originales y fantásticas figuras de ensueño y pesadilla son un intento de exorcizar, separar, diferenciar el mal del bien, la culpa de la inocencia, la desesperanza de la esperanza, todos asuntos que parecen cohabitar en una mixtura amancebada donde no queda claro qué constituye al sueño y qué a la pesadilla. Compleja, contradictoria y enigmática la naturaleza de su trabajo, como compleja contradictoria y enigmática le parece el alma del hombre. Un hombre paradójico, contrahecho y contradicho por las circunstancias de su historia que son las circunstancias paradójicas de su misteriosa y vulnerable naturaleza. Su obra es satírica y laudatoria. Lujuriosa

e inocente. La seducción es sentida como un regalo, pero como un regalo griego. Al artista lo inquietan las falsas apariencias, el disfraz. Los angelicales demonios son parte del imaginario onírico del pintor.

Moro) no logra instalarse y el viaje del hombre hacia el entendimiento y control de sus propias fuerzas ocultas se ve lento, mínimo, en comparación con la velocidad en los inventos de la modernidad.

“El Jardín de todos” refiere “El Jardín de las delicias” de Hieronymus Bosch y no sólo por su nombre. El pintor holandés se adelantó al surrealismo francés en cientos de años y es en esta corriente estética –el surrealismo- en la que se inscribe su trabajo.

No hay un punto de vista. La perspectiva desaparece. El universo conocido también y emerge el “multiverso”, aquel donde se despliegan los múltiples cruces y divergencias de las cuales habla Jorge Luis Borges en su cuento “El jardín de los senderos que se bifurcan”.

Óscar Barra no sólo ensueña los miedos, culpas y búsquedas del niño. También paraboliza, irradia, extiende esa etapa del hombre a la sociedad toda. Una sociedad confusa, culpable e inocente como el niño que arrebata, previo puñetazo, el juguete a su compañero de clases. En sus luminosos y alegres colores (cuya base es siempre un profundo negro) parece preguntarse cómo es que, pese a los dos mil años de historia cristiana y más de tres millones de años de historia del hombre sobre la Tierra, la sociedad ideal, humanizada (la utopía de Tomás

¿La utopía o la distopía? Ambas. La primera como deseo y aspiración, la segunda como una realidad próxima y amenazante. La distopía es una anti utopía o utopía perversa descrita en diversas obras del género fantástico (que conoce Barra) y que cuentan la vida en sociedades deshumanizadas y totalitarias donde reina la confusión, el materialismo y el aislamiento. El surrealista fantástico Óscar Barra se topa a diario con el anti surrealista Paul Claudell; la calle donde vive y trabaja lleva el nombre del converso poeta católico.

Título: Colectiva “El Circo” Fecha: Hasta el 15 de noviembre Lugar: Galería Blanc Dirección: Av. Vitacura 4363, Vitacura.


Isabel Sáa

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isabel sÁa El origen de una nueva realidad

Iconografías reflexivas en donde el objeto retratado tiene su propio lenguaje y vida. Imágenes tenuemente reinventadas, una invitación a explorar en la metamorfosis de lo pictórico. Por Elisa Fernández, periodista.

a obra de Isabel Sáa nos conecta con la esencia de la existencia, con la importancia de reflejar en el arte la experiencia, los recuerdos, lo vivido. La artista captura las más sutiles y a la vez imponentes imágenes sobre lo que nos rodea. Pintura que nace entre los paisajes fríos, azules y mágicos de la Patagonia. Son representaciones pictóricas que la conectan con su niñez, espacio sagrado y de vital importancia en las creaciones que plasma en la tela. “Mi infancia transcurrió en Leñadura, a siete kilómetros de Punta Arenas. Siempre estuve ligada a la naturaleza, a los colores, la luminosidad de estos lugares”, explica. “Catedrales de hielo” (2007) es la exposición en donde la artista logra indagar magistralmente en la poesía que nace en los parajes más recónditos de nuestro país. Inmensos, blancos y majestuosos, témpanos y glaciares son retratados en su pureza máxima. Las milenarias montañas de hielo disolviéndose en el agua, que entre sus gélidas estructuras guardan el secreto y la historia de una vida en silencio, se convierten en los objetos y sujetos de contemplación para Isabel. “Los témpanos de la Patagonia son imágenes imborrables y que se quedaron en mi retina por siempre, al igual que la cola de las ballenas jorobadas que vi en los canales del Estrecho de Magallanes en la Isla Carlos III”. Las palabras con las que describe lo que representa esta parte de su trabajo nos revela la magnitud de su contenido. “Doy testimonio de haber presenciado la travesía de estos albos y enormes de hielo bajo el sol, el viento y la lluvia. Inmersos en estas aguas australes se asoman despidiéndose antes de partir. Estos cuerpos silentes que viajan a la deriva como fantasmas a la luz del día, que desaparecerán calladamente”. Su obra artística es el testimonio terso y nítido de estos organismos congelados que han estados inmersos en la soledad del océano desde el comienzo de los siglos. Este último trabajo fue seleccionado para participar en la Bienal de Beijing 2010, lo que valida y hace concreta la potencia y emoción que causa el observar su registro pictórico. Amante constante de la literatura, la poesía y el trabajo de Jorge Teillier y Gabriela Mistral, la artista esboza y transmite en sus creaciones un mensaje de profunda interioridad; es la humildad de utilizar las herramientas plásticas para dar comienzo a una nueva realidad, la cual nace a partir del viaje interior que realiza. “Pinto lo que veo, lo vivido. La realidad me da el punto de partida para llegar a otra realidad. Colores, formas, texturas, palabra, poesía y música hablan de lo que nos interesa como humanos. Lo que creo es el referente hacia mi vida interior”.

“Catedrales de hielo”, 2007, fotografía digital con técnica mixta, 70 x 210 cm.


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Diplomado en la Finis Terrae Teoría y técnica del vitral medieval y moderno

La técnica del vitral ha despertado en el último tiempo un inédito interés en los artistas, razón por la cual la Universidad Finis Terrae ha elaborado un diplomado y una clínica gratuita en torno a las posibilidades contemporáneas del trabajo en vidrio.

l vitral, arte medieval originalmente sacro, alcanzó su máximo desarrollo en el periodo Gótico (siglo XII). Fue re-visitado en el siglo XIX, en el contexto de la corriente de revaloración de la Edad Media, por parte de los modernistas que lo reinstalaron esta vez en las artes decorativas como parte del estilo Art Nouveau. Actualmente es un arte que busca no sólo sostener su vigencia, sino hacerse un espacio en las artes visuales, produciendo ejemplos tan notables como la obra de Gerhard Richter en la Catedral de Colonia. Un paso esencial para comprender las posibilidades actuales del vitral es internarse antes en sus bases teóricas y técnicas. A Chile esta técnica llegó -mayoritariamente a través de importaciones- gracias a los arquitectos europeos y sus discípulos, presente en obras tanto religiosas como civiles. De ahí que la importancia histórica de ellos en nuestro contexto local, es testimonio visual de una corriente arquitectónica y una determinada realidad social que va desde la segunda mitad del siglo XIX hasta la primera mitad del siglo XX. Fuera de ese periodo, el trabajo en vidrio en nuestro país ha tenido un desarrollo muy discreto. Los objetivos del diplomado se centran, entre otros, en entregar las principales herramientas técnicas y una base histórica del vitral medieval, neo medieval y moderno. Además, capacitará al alumno en el desarrollo y cooperación de proyectos de una amplia índole en el área del vidrio; propios e individuales o colaborando en equipos multidisciplinarios con propósitos diversos: desde la creación o investigación, hasta la difusión o formación. Algunos de los módulos que componen la malla son Historia del vitral medieval, Vitral moderno y Técnicas del vitral estañado y emplomado. El taller de proyecto final es complementado con la gestión y desarrollo de proyecto. En este marco, la UFT realizará una Clínica de demostración gratuita de Vitral Medieval y Moderno el día 17 de noviembre entre 18:30 y 21:30 horas. La actividad estará a cargo de la directora del programa, Andrea Araos. En la oportunidad se proyectará el documental de Corinna Belz sobre la concepción y realización del monumental vitral de Gerhard Richter en la Catedral de Colonia.

Exposiciones del mes de profesores y ex alumnos de la Universidad Finis Terrae

Alumnos y profesores UFT “Estado de avance” Sala de exposiciones Finis Terrae Hasta el 26 de noviembre Sebastián Valenzuela “Acerca de ángeles y gorriones” Galería Artespacio Desde el 10 de noviembre hasta el 11 de diciembre Camila Téllez “Creer en Tudor” Salón Tudor, Cerro San Cristóbal Desde el 16 de noviembre

CLÍNICA DE DEMOSTRACION gratuita DE VITRAL MEDIEVAL y moderno

17 de noviembre de 18:30 hrs. a 21:30 hrs. inscripción obligatoria en formacioncontinua@uft.cl


Critica / Bernardita Garib

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CRI TI CA

POR PEDRO LABOWITZ Magíster en Historia del Arte

“Enfrentar los fantasmas”, 2008.

eller, que naciera en Chile, pero que desde hace 40 años vive en México, es poeta y artista visual – y en esta última condición expone una serie de collages de corte netamente surrealista. De hecho tiene fama internacional como surrealista, con estrechas relaciones con algunos de los más famosos personajes mundiales de esta tendencia. Mientras vivía en nuestro país, fundó la editorial “La Luna Azul” con sus salas de eventos y exposiciones – de mítico recuerdo – y estaba ligado al movimiento “Mandrágora” Son muy pocos los eventos surrealistas que podemos presenciar en estos días y años en el arte chileno y tanto más bienvenida sea esta oportunidad. Pero por reducida que sea actualmente su presencia, el surrealismo artístico es un movimiento que nunca podrá terminar, pues es una expresión artística de nuestra subconsciente y mientras exista la humanidad, su subconsciente se manifestará –no por último en el arte. Los collages de Luwig Zeller se dan casi exclusivamente en blanco y negro. Como “materia prima”, usa viejos catálogos y revistas de hace cien años. Recorta según su inspiración las reproducciones que encuentre - figuras o partes de ellas - principalmente figuras humanas y partes de ella, animales y herramientas y los recompone en nuevas imágenes. Tal trabajo lo efectúa de una manera absolutamente inconsútil, sobre papeles blancos gofrados, con una nitidez y una limpieza de relojero suizo.

Los resultados entonces son imágenes que emanan directamente de su fantasía, extrañas composiciones de trozos realistas que nos hacen pensar en creaciones que podrían venir directamente de la producción onírica del artista. Nos traslada a un mundo en que la ratio ha perdido su dominación, en que los sueños del autor se confunden con los sueños nuestros al contemplarlos. El título de la exposición, “Retorno al oasis”, pues el artista aprovecha su viaje a Chile para visitar Río Loa, un pueblecito en Atacama donde naciera, pero que hace tiempo fue abandonado y que hoy no existe. ¿Qué situación más surrealista puede darse que haber nacido en un lugar inexistente? Zeller es único en su trabajo. Por cierto que es totalmente diferente a los que hoy llamamos “collages” y que suelen ser combinaciones pintadas y pegadas de papeles y textiles sobre un soporte. Tienen en común que en ambos casos se pegan objetos – pero allí termina la similitud. Para Zeller el collage es una forma de hacer visible su inconsciente y lo hace con un humor sutil y con una técnica extraordinaria. Amén de estos collages, Zeller muestra una pequeña serie de caligramas en que arregla letras del alfabeto finamente dibujados y compuestas con gran elegancia para constituir imágenes circulares – aquí si en colores planos. Una exposición muy distinta a lo habitual.


bernardita garib La silla y el ocio griego.

Iconografías reflexivas en donde el objeto retratado tiene su propio lenguaje y vida. Imágenes tenuemente reinventadas, una invitación a explorar en la metamorfosis de lo pictórico. Por Gina Benvenuto, periodista y licenciada en estética. “Sin título I”, 2010, técnica mixta sobre tela, 80 x 120 cm.

En qué se diferencia un auto de una silla? Parece una pregunta juguetona. Sin embargo, puede ser contestada de manera más o menos seria. El auto son sillas en movimiento y ambos objetos -los más diseñados en la historia del diseñoestán simbólica y estrechamente ligados al uso y consumo del tiempo. Uno habla de cambio y el otro de permanencia, todas materias de análisis y estudio en las sociedades tecnológicas de la modernidad.

este tema motivada por la necesidad de interpretar lo que para ella resulta importante en estos tiempos que corren: detenerse a reflexionar y contemplar. “Toma asiento” y “Mi silla y yo” son algunas de las diez obras que la artista presentará en el Centro Cultural de Osorno.

¿Cuánta actividad, eficacia y eficiencia hay en nuestras vidas y cuánta inmovilidad, calma y sosiego?

“Exagerada o disminuida, la silla es siempre elegante y versátil. Está con nosotros en todas partes. Es nuestro alto en el camino y también objeto de contemplación por sus diversas formas. Te acoge en cualquier situación”. explica.

Bernardita Garib, licenciada en Ciencias Políticas y artista visual, llevó a la pintura

La pintura y la silla representan para ella algo parecido al ocio griego: ambas son una

oportunidad al conocimiento y la felicidad. “El simple gesto de dibujar la silla es una forma de expresar una conexión con mis emociones. Hago un alto en el camino. Es también un homenaje a este memorable objeto”, dice, mientras explica que los corazones, ligeramente dibujados en la tela, representan nuestra esencia, y los televisores, el mundo que nos absorbe y que a veces, nos aleja de nuestra realidad. Su obra es de colores fuertes, contrastados y en sus cuadros suele mezclar materiales y técnicas creando una atmósfera saturada. Tiene cierta vitalidad ejecutiva. Libre y comprimida a la vez.


Agenda Santiago

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Extrañas iconografías de perros galos Hasta el 27 de noviembre/ Sala Cero. “Doganagramadegod” es la muestra plástica individual realizada por el artista Adrián Gouet. La exposición se compone por 16 pinturas de distintos y variados formatos. Las imágenes tratadas aluden a la temática sobre la velocidad y los atributos de los perros galgos, las cuales se fusionan con la adrenalina notoriamente expuesta en la obra de arte.

“Los Andes: Columna Vertebral de América” Hasta el 3 de diciembre/ Sala Gasco. Cuatro murales digitales de ocho metros de largo creados por los artistas Alexander Sutulov y Hugo Marín, son las obras que componen esta maravillosa propuesta visual que aborda de manera poética y estética la belleza del universo andino. La muestra es una exhibición inédita en donde a través de las imágenes de la naturaleza, se revela el misticismo de la cultura de los Andes.

“Taller Trece” se inaugura con “Chile Chicha” Hasta el 30 de noviembre/ Galería de Arte Trece. Un lugar de encuentro con la cultura y el arte es lo que se puede apreciar en el nuevo Taller Trece. El espacio se abre con la muestra del cartel “Chile Chicha”, en donde el artista peruano Elliot Urcuhuaranga realiza un singular trabajo que combina serigrafía y artesanía propias de la cultura de Latinoamérica. Julio Prado 1644, esquina Caupolicán. Providencia.


agenda santiago Segunda exposición de Beca Ama Desde el 11 de noviembre al 30 de enero/ Museo de Artes Visuales. Las obras de los artistas Cristóbal Lehyt y Cristián Silva, ganadores de la Beca Ama 2010, se expondrán en el MAVI durante el verano. Ambas creaciones se destacan por identificar a través de la pintura, la escultura, la propuesta audiovisual o el estilo libre, las diferencias entre el objeto artístico y el ambiente cotidiano, creando así una nueva realidad plástica.

La transformación del paisaje Hasta el 13 de noviembre/ Sala de Arte CCU. La exposición colectiva “Asedio al paisaje: Visiones Críticas al Entorno de ayer y hoy” es una muestra colectiva, que reflexiona en torno a los espacios que habita el ser humano y cómo estos se han ido transformando con el paso de los años. Mediante tres aproximaciones diferentes, se refleja la evolución experimentada por el medioambiente como resultado del crecimiento urbano.

Taller de pintura de Felipe Cusicanqui Durante todo el año, Barrio Avda. Italia. El artista impartirá clases de pintura en su nuevo taller ubicado en el barrio Italia. El taller va dirigido a personas con o sin experiencia que deseen conocer y experimentar diversas técnicas pictóricas o bien desarrollar su lenguaje personal. Los interesados pueden contactarse con el artista por mail a fcusicanqui@gmail.com.


Agenda regiones

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Christian Mc Manus: “Evolución” Hasta el 20 de noviembre/ Corporación Bodegón Cultural Los Vilos, La Serena. Esta Interesante exposición fotográfica fue premiada en el año 2009 por la Unesco gracias a su aporte a la diversidad cultural. “Evolución” consiste en una serie de retratos frontales de gran escala, los cuales se fusionan con música y una propuesta audiovisual. El simbolismo está muy presente en cada imagen, que hacen importantes alusiónes a la memoria.

“Conjunciones. Imágenes del desierto” Hasta el 2 de diciembre/ Sala de Exposiciones Collahuasi, Iquique. “Conjunciones. Imágenes del desierto” es el nombre de la muestra en donde se fusiona el trabajo de los destacados artistas Laura Quezada y Carlos Montes de Oca. La primera trabaja con la escultura, mientras que el segundo se dedica a la creación pictórica. El montaje versa sobre cómo incorporar la potente iconografía del desierto a nuestra consciencia colectiva.

Colectivo artístico presenta “En las tierras de la memoria” Hasta el 30 de noviembre/ Centro Cultural Galería de los Ocho, Concepción. 14 artistas conforman esta gran muestra de arte contemporáneo que se llevará a cabo en Concepción. La exposición se encuentra inserta dentro de otro gran proyecto cultural: el lanzamiento del Primer Concurso interescolar de Pintura “Imagina Bio-Bio 2020”, organizado por el Centro Artigianato y Galería de los Ocho. Las inscripciones se encuentran abiertas en www.imaginabiobio2020.cl


agenda regiones El arte santiaguino se traslada a regiones Hasta el 23 de diciembre/ Galería Viña del Mar. Gracias a la gestión del Museo Nacional de Bellas Artes en conjunto con Fundación Itaú, se presenta en Viña del Mar la genial exposición “Colección en viaje”. La muestra se conforma por 45 obras de variados artistas nacionales, las cuales se insertan en el marco de la celebración del Bicentenario y el Centenario del edifico del MNBA.

“Retrato de una presidenta 2006-2010” Hasta el 5 de diciembre/ Espacio 25 (Loft de la Aduana), Valparaíso. Esta muestra se convierte en el primer seguimiento vinculado con la pintura y no perteneciente al oficialismo, que nos habla sobre la historia de un gobierno de Chile. El artista Andrés Ovalle trabaja directamente con la imagen de la primera mujer presidenta de nuestra nación. Se produce un quiebre simbólico entre la figura de poder y su contexto como un ícono con toques por art.

El extraño mundo de las formas minerales Hasta el 4 de diciembre/ Galería Carmen Codoceo, La Serena. El artista Claudio Canut De Bon presenta una interesante muestra fotográfica compuesta por variadas imágenes que revelan el micromundo y la perfección que se encuentra en la cristalización de las figuras minerales. La propuesta reúne alrededor de 40 fotografías hechas en base a un soporte de papel.


Artistas Al Límite

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NOTICIAS

www.artistasallimite.com

Constanza Ragal

Muestra Colectivo Artístico Gang Bang Desde el 19 de noviembre hasta el 9 de enero de 2011. Centro de Extensión CNCA Plaza Sotomayor 233, Valparaíso.

www.arteallimite.com/constanzaragal

Milena Lehmann Exposición y venta taller Del 19 de noviembre al 21 de noviembre. Luis Carrera 2019, Vitacura. Contacto: 79698894

www.arteallimite.com/milenalehmann

SITIO INTERACTIVO DE ARTISTAS NACIONALES E INTERNACIONALES COMPRA DE OBRAS CONTACTOS DIRECTOS CON ARTISTAS Y GALERISTAS

Daphne Lyon Clases de escultura y cerámica gres Hasta el 31 de enero de 2011. Alonso de Córdova 3780, Vitacura. Contacto: 98272164

www.arteallimite.com/daphnelyon

Pilar Ríos “Momentos íntimos” exposición individual Hasta el 30 de diciembre. Galería Montecatini Dirección: Cerro Colorado 6160, Las Condes.

www.arteallimite.com/pilarrios


PATRICIA SOTO

Cecilia Flaten

“Abanicojaiba” exposición individual Hasta el 4 de diciembre.

“Patagonia boreal” exposición individual Hasta el 27 de noviembre.

Galería Carmen Codoceo Prat 424, La Serena.

Restaurante Mal de Amores Boulevard Los Ingleses, Camino Chicureo, Km 2, Colina.

www.arteallimite.com/patriciasoto

Daphne Anastassiou Participación en nueva edición de ARTEFAIM 2010 Desde el 25 al 28 de noviembre. Palacio de Exposición y Congresos, Madrid, España.

www.arteallimite.com/daphneanastassiou

www.arteallimite.com/ceciliaflaten

Macarena Illanes

Venta de cuadros a precios especiales Desde el 13 al 14 de noviembre. Arturo Ureta 1578, Vitacura. Contacto: 7696956

www.arteallimite.com/macarenaillanes

mónica paz

Paola Ferraris

Taller de grabado Hasta el 30 de noviembre.

“Consciencia de Raíz” colectiva en Miami Desde el 12 al 27 de noviembre.

Centro Cultural Sofía Hott. Juan Mackenna 1011, Osorno.

www.arteallimite.com/monicapaz

Raquel Yuhaniak Venta taller de arte textil y joyería Desde el 16 al 17 de noviembre. Carolina Rabat 900, Santa María de Manquehue, Vitacura.

www.arteallimite.com/raquelyuhaniak

Museum of the Americas, Miami, Estados Unidos.

www.arteallimite.com/paolaferraris

María José Concha

“Paene-Umbra / Casi Sombra” Hasta el 26 de noviembre. Hasta el 26 de noviembre. Centro Cultural Scuola Italiana. Av Las Flores 12.707 San Carlos de Apoquindo, Las Condes.

www.arteallimite.com/mariajoseconcha


Víctor Mahana

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vÍctor mahana Fenomenología SURREALISTA Y FIGURATIVA

Este mes el artista se presenta con sus trabajos recientes en Galería Isabel Aninat de Parque Arauco. Sus trabajos son una invitación a un mundo donde colisionan polos opuestos cargados de simbolismo. Por Josefina Valdés, licenciada en letras.

íctor Mahana es chileno. Tiene 33 años y a fines de este 2010 habrá participado en alrededor de 50 exposiciones. Músico, ilustrador, productor, profesor, surrealista y pop. Hoy prepara una muestra para noviembre en Galería Isabel Aninat y nuevas obras para ArtBasel en Miami. La obra de Mahana está exenta de complacencias y llena de preguntas. Arte figurativo que se instala en un borde, en el contorno dialógico y paradojal de una estética de lo real y un contenido errático o inconsciente. Sus creaciones saben a Magritte y a Paul Delvaux, combinados y tensionados con “la otra” tradición de David Hockney y Edward Hopper. Sin embargo, esta mezcla no es bajo ningún término una pasada por la juguera: Mahana conjuga, pero también apropia la sensibilidad surrealista desde una visión llena de matices y direcciones propias. Asistimos a una estética de todos los días que tiene “algo de perturbador… como cuando el día está extraño” y donde el ojo, en comunicación con el cerebro, se desestabiliza en un juego de tensiones entre el lado derecho e izquierdo. Conversar con el artista es rastrear el origen y confirmar el sentido de todas estas preguntas que durante 13 años de carrera artística siguen implicando e iluminando nuevos sentidos. Víctor Mahana señala aspectos bizarros de la modernidad: el papel mural que simula paisaje natural se constituye como un motivo trabajado a cabalidad por el artista. La reflexión nos interpela y es múltiple. Se incluye -¿se parodia?- a la

tradición paisajística de la pintura chilena con toda su mitología y peso; se introduce el caos dentro del orden en paisajes imposibles que ciertamente podrían ser Santiago. ¿Es un papel mural lo que vemos o un bosque que irrumpe?, ¿Qué es lo real y qué es lo ilusorio en el espacio de la pintura? Una suerte de agarofobia del interior dialoga con cierto vértigo a la intimidad: una cama matrimonial se apoya en una pared cuyo muro retrata una línea de tren. La reflexión del tópico en torno al muro obliga la pregunta: ¿Qué diferencia ese paisaje de una obra de arte? Gracias a su larga carrera y visión de oficio, su pincelada y vocación colorista han ido ganando autonomía, consolidándolo además como pintor de retratos, lo que le permite perfeccionar la técnica y descansar un poco de sí mismo. La reflexión, en tanto, sigue abarcando nuevos niveles que desequilibran la idea de representación, insertando la dualidad entre interior y exterior dentro de un cuadro. Aquello que Juan Jose Richards llamó “esa situación de precipicio que se debate por aparecer”. Escaleras que terminan en paredes, la superficie plana de un muro o de una piscina, “la depuración de todo accesorio ajeno a la ecuación armónica de elementos”, entablan “un diálogo preciso que se completa con la mirada del espectador”, configurándose sin duda como espejos difíciles de evitar. Como los surrealistas de antaño, Mahana no introduce interpretaciones, sino que invita al espacio onírico de niveles diversos, no aparentes. Una continuación a

la máxima de Balthus: “lo real no es lo que crees que ves. Uno puede ser realista de lo irreal y pintor figurativo de lo invisible”. Los deseos insatisfechos y desplazados de la posmodernidad latinoamericana, el paisaje paradojal que es Chile, el problema de la comunicación y de la intimidad dialogan con la constante reflexión plástica que inauguró Magritte en su afirmación: “Ceci n’est pas une pipe”. La pregunta “¿Qué es lo que vemos?” puede responderse ante la obra de Mahana con la develación de los complejos más personales porque lo que vemos ahí es simplemente líneas y color: lenguaje plástico puro. La acogida internacional a la obra de Victor Mahana habla por sí misma. Su estética lúdica, cotidiana y perturbadora lo convierte en artista local en Estados Unidos. Ha expuesto en Washington, Nueva York y Miami (Amy Alonso Gallery, quien lo representará en Art Basel 2010) y dentro de Chile está ligado a Galerías Isabel Aninat y Artium. En Bélgica es representado por Abbeloos 11. Sus cuadros forman parte de colecciones privadas en Estados Unidos, Canadá, Inglaterra, Bélgica, China, España y Holanda. Víctor Mahana no se detiene; y porqué hacerlo si con 33 años su pintura ha logrado la difícil tarea de situar la mirada desde dos vértices opuestos que confluyen en una estética pop que se re-semantiza en el encuentro. El artista es la prueba viviente de que en el arte figurativo aún se esconden niveles inexplorados.

Título: “Vértigo” Fecha: Desde el 16 de noviembre hasta el 10 de diciembre Lugar: Galería Isabel Aninat Dirección: Boulevard del Parque Arauco, Local 467. www.mahana.cl


“You are here”, 2010, óleo sobre tela, tríptico 50 x 60 cm cada una. Presente en Art Basel.

“Backdoor”, 2009, óleo sobre tela, 100 x 150 cm.


Pequeñas armas / Crítica

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“pequeñas armas”, el desafío de enfrentar la realidad campaña de prevención social

La imagen es desgarradora, niños jugando a ser delincuentes, niños cuya noción de infancia es dolorosa y carente de alegría. Aquí se exhibe un testimonio para abrir los ojos, para tomar conciencia y provocar un cambio. Por Elisa Fernández, periodista.

Pequeñas armas” se presenta como un cometido de prevención social cuyo contenido es sólido y potente, pero por sobre todo es contingente y nos habla sobre un problema que afecta de manera lamentable a los niños de nuestro país: el uso de armas por parte de menores de edad en riesgo social. Resulta impactante, conmovedor y extremadamente triste ver la escena de un niño que juega a asaltar casas. Esto se traduce en que está perdiendo la visión de lo que es una infancia sana, una infancia alegre, en donde se juega a luchar contra superhéroes, y no a ser delincuente. Dentro de este contexto surge la idea de Manuel Tello, publicista, realizador audiovisual y director general de “Pequeñas armas”. Este proyecto tiene una magnitud considerable y está pensado para hacer llevar a través de variados medios de comunicación, el mensaje de toma de consciencia sobre la problemática acontecida. Por lo mismo, “Pequeñas armas”, se visualizó como una campaña y también como un documental. “La campaña está dirigida a los adultos responsables, utilizando líneas de comunicación tradicionales, televisión, radio, vía pública, y está pensada para sensibilizar, informar y tratar de generar algún cambio frente a esta inercia, que personalmente detecto que existe. Por otro lado tenemos el documental dirigido a los niños. El medio troncal de esto lo encontramos en Novasur, que es un canal educativo que se exhibe de Arica a Punta Arenas. Con ellos tengo un acuerdo de exhibición por dos años que considera cuatro transmisiones mensuales”, explica Manuel. Macarena Álvarez, Fotografías. Manuel Tello/ Javiera Tapia producciones.

La idea principal de “Pequeñas armas” radica en provocar un cuestionamiento en niños que han sido carentes de cariño, de protección y de condiciones normales de desarrollo, “idealmente se pretende que los menores que vean el documental piensen dos veces si es conveniente sumarse a una fila de narcotraficantes o de delincuentes en vez de seguir un camino de esfuerzo para ser un ciudadano normal”, comenta el director del proyecto. Charlas en diversas comunas, exhibiciones de piezas audiovisuales, una muestra fotográfica itinerante, pintura de murales, distribución de stencil con logos de la campaña en colegios, son algunas de las actividades planeadas tanto a nivel local como regional para complementar esta iniciativa. Es importante mencionar que este es un trabajo de creación

personal de Manuel Tello, quien junto a la cooperación de profesionales jóvenes y talentosos, han logrado sacar adelante esta excelente y conmovedora propuesta. Empresas como Rotunda, Radio Bío Bío, AIEP y Canal Novasur, se han convertido en instituciones de fundamental importancia dentro de la campaña. A esto se suma la trascendental participación del equipo humano conformado por la fotógrafa Macarena Álvarez, el antropólogo Álvaro Bohme, los audiovisualistas Christian López y Felipe Zaliz, el director de arte Héctor Ruiz, el periodista Marcelo Simonetti, el diseñador Sebastián Arancibia “Acuario” y los músicos Gustavo Arias “Lulo” y Miguel Miranda.


Benjamín Lira

Color en Galería Marlborough e ha inaugurado recientemente en Galería Marlborough la exposición “Color” del artista Benjamín Lira. Su obra a lo largo de su trayectoria ha sufrido una serie de búsquedas y transformaciones donde podemos apreciar un acabado oficio en el dibujo y composición, y en la ejecución de sus obras; producto de su formación como arquitecto en una primera etapa. Lira en esta muestra nos presenta una temática innovadora y sugerente. Si bien es cierto que mantiene su preocupación por el estudio de la figura humana y su entorno, nos presenta en esta ocasión un trabajo fino en el dibujo y una composición trabajada, con elementos geométricos en los fondos de las figuras. Destacan sus obras con temas de cabezas trabajadas en las técnicas del acrílico, arena y collage. Aplicando una paleta cálida, donde figuran los tonos azules, verdes y anaranjados, como la obra “Pensamiento” -de pequeño formato-, estructurando una armonía en la figura y fondo. Lo mismo ocurre en la obra “Prólogo”, la cual se divide en dos planos: a la derecha una figura sentada con fondo amarillo y formas geométricas, y a la izquierda predomina un fondo anaranjado trabajado con gran intensidad matérica. La pintura de Lira en esta muestra posee una paleta muy alegre y

viva, llena de coloridos intensos y predominando los cálidos. Destacan los cuadros en gran formato que se encuentran en la sala principal de la galería, siguiendo la misma técnica y temática de obras como “Retiro” y ”Umbral”. Se aprecia una obra sólida, resuelta, siguiendo una composición geométrica. En el centro de la sala un gran cuadro, “Guía”, sorprende al espectador con un dibujo acabado de cabezas, trabajados en tonos azules. Un aspecto innovador en esta muestra es que Lira nos presenta sus esculturas realizadas en terracota, que elabora desde 1999, para explorar las temáticas de las cabezas trabajando la figuración en las formas y la abstracción en los rostros.

CRI TI CA

POR ENNIO BUCCI

Licenciado en Teoría e Historia del Arte y Estética. Miembro de la AICA.

En el segundo piso del espacio se presentan 16 cuadros de pequeño formato realizados en acrílico sobre papel, muy bien logrados. Estos siguen la temática de los rostros trabajados sobre fondos geométricos, lo que da a la muestra una unidad total. “Color” es grata a los sentidos y al goce del espíritu. El trabajo de Lira en esta muestra nos remonta al planteamiento de los Fauvistas franceses, para quienes la pintura era color, emoción y vida. A través de ésta se plantea la alegría de vivir y es esa sensación con la que se queda el espectador después de experimentar esta exposición.

“Cabeza Nro 80”, 2007, Gres y esmalte, 90 x 52 x 69 cms.


Cecilia Avendaño / Crítica

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cecilia avendaño Miró, se fue y volvió

La artista se presenta este mes en una muestra en el Centro de Extensión UC. En esta ocasión no sólo conoceremos sus nuevos trabajos, sino además nos invitará a una reflexión contemporánea sobre el paisaje.

or medio de la fotografía y herramientas digitales, Cecilia Avendaño, Antonia Cruz, Margarita Dittborn, Catalina González y Camila Pino realizarán la exposición colectiva “Miró, se fue y volvió” en el Centro de Extensión de la Universidad Católica. “Miró, se fue y volvió” se centra en el paisaje desde la perspectiva personal de las artistas invitadas. Con distintos lenguajes artísticos, las autoras reflexionan en torno al paisaje construido y aquel que se nos ofrece: el paisaje soñado, añorado, extrañado, y también aquel que causa temor, del que se quiere escapar. Los trabajos interactúan con el espectador devolviendo o refrescando su rol como generador de narrativas propias, creador de lenguajes visuales personales y de significados que trascienden el paisaje como simple panorama visual. El joven poeta y escritor Victor López define “Miró, se fue y volvió” como una “serie de montajes no intentan en sí dar un significado o referir a un lugar en particular, sino que dejan al espectador en una proximidad casi fantasmática. Son un abandono a la idea misma de “lugar”. Al enfrentarnos a estas fotografías la mirada inicial se ve sobrepasada. Evoca otros mundos. Pierde los referentes, el camino seguro como Hansel y Gretel buscando en la oscuridad del bosque las migajas de pan que ellos mismos dejaron caer para poder volver a casa. ¿Acaso nosotros también cuando miramos repetimos continuamente ese mismo gesto de búsqueda? Hay algo perturbador en ese tipo de contemplación, algo que siempre deja un rastro, un signo de pregunta. Imágenes provenientes de fotografías familiares, de Facebook, ovnis, dulces con forma humana, bolsas de basura, la espalda de un espectador que en sí ya es parte del paisaje. Este es el sentido del montaje: mantener viva la tensión de un viaje o de una perdida que no tiene otro objetivo más que los contrastes natos entre mirada y sentido. No se trata entonces de distraer con la disposición de las imágenes, sino de poner la propia mirada en juego y apostar las formas del mundo sobre sus diversas apariciones y combinaciones”.

Título: Miró, se fue y volvió Fecha: Desde el 17 de noviembre al 30 de diciembre. Lugar: Sala Blanca. Centro de Extensión UC. Dirección: Alameda 390, Santiago Centro.


Francisca Delano: Presencias de color logiada desde sus inicios como artista visual, Francisca Delano vivió su juventud en España para volver a Chile en los años 90. Poseedora de un gran oficio producto de su trabajo como grabadora, deslumbra nuevamente en Galería Artespacio con la muestra “Presencias de color”, que recuerda la naturaleza que la envuelve desde su lugar de trabajo y hábitat. Carlos Navarrete, al revisar la obra de Francisca, descubre la cordillera como testigo presencial que se introduce en los soportes de madera a los cuales la artista involucra con pintura acrílica.

CRI TI CA

POR ERNESTO MUÑOZ Crítico de Arte

Los mundos personales se nutren de cortezas y los colores -productos otoñales de una paleta restringida- nos hablan de esta obra que se ejecuta con rigor y presencia, sin abandonar lo propio que la produce y que es su entorno. La exposición “Presencias de color” merecía algo importante, pues debía seguir el alto nivel alcanzado por el gran Ricardo Irarrázaval, quien deslumbró con oficio e imagen. Sin embargo, el desarrollo de la muestra no menoscabó al lograr la artista demostrar su poder, al mantener el alto nivel expositivo. El día de su inauguración otra exposición se cerraba; la obra reciente del pintor Ernesto Barreda, el fructífero creador de estilos e imágenes únicos en nuestra escena nacional. La obra de Barreda ronda el espectro latinoamericano y lo penetra con figuras arrancadas de un imaginario precolombino y colonial. El destacado pintor prestigia un arte que no cesa de producir y cubrir nuestro imaginario visual.

“Sin titulo”, técnica mixta, 88 x 112 cm. Fotografía cortesía de Galería Artespacio.


Crítica / Soledad Llona

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CRI TI CA

POR ENRIQUE SOLANICH Magíster en Historia del Arte

Arte peruano hoy: Historias, mitos y modernidad a muestra “Arte Peruano Hoy”, que exhibe Galería Isabel Aninat, es una preciada oportunidad para adentrarse en la creación actual de los artistas visuales de ese país, cuyo pasado cultural -precolombino y virreinal-, quiérase o no, gravita y perdura. Pareciera que tres momentos claves marcan el curso del arte moderno del Perú. Primero, la creación de la Escuela de Bellas Artes de Lima en 1918; luego, para 1939, la fortificante llegada del austriaco Adolfo Winternitz (1906- 1993)-, unida a la fundación de la Academia de Arte, adscrita a la Pontificia Universidad Católica de Perú y, eslabón final, el envío peruano de 1962 a la VI Bienal de Sao Paulo, tamaña vitrina internacional para sus obras y creadores. Preludia la muestra colectiva los señeros Fernando de Szyszlo (1925)-, y José Miguel Tola (1943). Aquel de amplia trayectoria, ex alumno y calificado docente de la PUC de Lima, más provechosas residencias en Europa y los EEUU, sabe fusionar las conquistas plásticas del siglo con las tradiciones del legado precolombino. Logra un sincretismo visual que le granjea el respeto y estima de muchos. Éste, formado en la Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid, se desplaza entre la figuración castigada y escueta a las formas geométricas rítmicas que delatan su armonía en la abstracción, también de certeros resultados.

Fotografía de Fernando Gutiérrez.

Los jóvenes concurrentes a la exposición, han nacido entre 1952 y 1980, fechas que por sí indican muchos datos, dentro de los que refulge uno esencial: suman a sus formaciones personales las derivaciones asimiladas de los procesos de transferencias culturales impuestas por la globalización, hecho antropológico que marca las décadas terminales del siglo pasado, superando con creces y -cuando se lo proponen- las fronteras del localismo indigenista, adhiriendo

a las bullentes poéticas que signan la escena de las operaciones visuales del nuevo siglo. Así de claro y terminante. Salvo la excepción de un autodidacto, los demás ostentan estudios superiores en arte, refuerzos de ellos en el extranjero con pasantías, exposiciones y comparecencias en ferias internacionales. Denominador común es la indagación y ensayes con nuevas materialidades y soportes, para alumbrar imaginarios amplios surgidos de los nuevos argumentos que brinda el campo exploratorio del arte presente. Con los procedimientos experimentales dados en dibujo (Alejandro Jaime), escultura (Maricruz Arribas, Augusta Barreda, Ricardo Weisse, Silvia Westphalen), fotografía, disciplina que prevalece en la muestra (Cecilia Paredes, Coco Mártin, Colectivo Mir, Fernando Gutiérrez, Luana Letts, Hans Stoh), grabado (Fernando Bryce y Sandra Gamarra), pintura (Tito Monzón, Fernando Taboada, Bruno Zeppilli), video ( Patricia Bueno) y, nuevos medios (Fernando Bryce, Valeria Ghezzi, Sandra Gamarra)-, sus trabajos reivindicativos abordan los inagotables tópicos de identidad y patrimonio cultural; inclusión, mestizaje y migraciones; segregación y minorías; historia patria y revisiones críticas; centros y periferias de poder; urbe y naturaleza y, vasos comunicantes entre ellos: uso de los lenguajes y soportes del arte de hoy. El conjunto es un genuino repertorio de las opciones teoréticas imbricadas en las maniobras para la visibilidad política y social de las realidades que ellos conocen, vistas sin elipses, en la literalidad misma de sus ocurrencias. Didácticas y tajantes, las propuestas comentadas son causa suficiente, entonces, para hurgar algo en el mapa del arte latinoamericano contemporáneo.


es que la Biblia además de libro revelado, también puede ser leído como texto poético, histórico o sociológico. Un libro sabio que sana, como sano y sabio puede ser el arte y también éste leído desde todos esos saberes. Llamarse Soledad no es cualquier cosa. Soledad Llona, menos. A los siete años ella intuitivamente y con la ayuda de su mamá llena sus solitarios y aburridos días de cama con arte, magia e imaginación. En el dibujo y en la creatividad encontró un camino para el divertimento y alivio de esos pasados días de enfermedad. También un camino de desarrollo y conocimiento personal que busca compartir y entregar a otros a través de talleres que vinculan arte y sanación. Llenar con arte las vidas de otros.

“Memoranzas”, 2007, Técnica mixta, 85 x 60 cm.

soledad llona El arte como conocimiento y sanación

Nombrar es crear. El lenguaje determina realidades. Las palabras constituyen. “En el principio era el verbo”, dice San Juan en su evangelio. Estas palabras fecundas y estremecedoras -interpretadas posteriormente por San Ambrosio- suelen ser citadas por poetas y profesionales ligados al lenguaje. Por Gina Benvenuto, periodista y licenciada en estética.

Soledad LLona tiene un pos título en creatividad, psico- teatro y psico- danza en la Universidad de Chile. Participó en España en talleres de arte terapia y tiene cursos de astrología y hierbas medicinales. Pero sobre todo tiene su propio arte, sus cuadros en los que a través de diversos materiales y técnicas materializa el flujo subterráneo y complejo de sus potencias anímicas. El papel de volantín con su transparencia y maleabilidad le permitió construir, crear “Aguas”, un cuadro metáfora de sus búsquedas, y recorridos espirituales y terrenales y del cual emana cierta dulzura que también repite en su cuadro de escurridizos peces. A veces sus recorridos terminan en encuentros, como ocurre con “El bosque encantado” y “Memoranzas”, dos obras con el registro fotográfico de su rostro -colocado en un entorno de árboles- y realizadas con 30 años de diferencia. Un camino de vida hecho desde los rincones de la creatividad para la sanación personal y a través de sus talleres también para la de los demás.


pinta new york Lo mejor del arte latino se reúne entre el 11 y el 14 de este mes en Nueva York. En su cuarta edición y tras una exitosa primera edición en Londres, la Feria de Arte Latinoamericano Moderno y Contemporáneo se consolida como una actividad imperdible en la escena artística.

Pinta NY

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Augusta Barreda: “Riki Riki”, madera teñida y tallada, medidas variables. Fotografía cortesía de Galería Forum, Lima


incuenta galerías de America y Europa se reunirán la segunda semana de noviembre en Nueva York, para celebrar la cuarta edición de la destacada feria de Arte Latinoamericano Moderno y Contemporáneo, PINTA. Este año no sólo presentará grandes sorpresas y una fuerte selección de galerías, sino que además estrena nueva casa en el Pier 92, espacio conocido por hospedar anualmente la feria más importante de arte norteamericano, The Armory Show. Este año, el certamen presentará tres secciones diferenciadas entre sí; el espacio para galerías, el espacio para exposiciones individuales, y el espacio para proyectos de arte seleccionados por el curador Pablo León de la Barra. Las obras seleccionadas para esta versión serán de calidad museística, y

se encontrarán representantes de arte abstracto, concreto, neo concreto, cinético y conceptual, como también de otros movimientos de arte contemporáneo. La adquisición de obras de arte latinoamericanas es una de los objetivos generales de PINTA. Por esta razón, la exclusiva estrategia de entregar fondos a Museos que tengan compromisos hacia el arte latino ha fomentado –en parte- el éxito de nuestra producción artística en el hemisferio norte. Hasta la fecha 250 mil dólares han sido donados a través de PINTA para activar un sistema de fondos de contraparte. Los museos seleccionados equiparan los fondos recibidos y los destinan a la compra de piezas de arte latinoamericanos en las ediciones de la feria. Este año, PINTA invitó al Museo del

Barrio, el Harvard Art Museum, el Los Angeles County Museum of Art (LACMA), el Museum of Latin American Art (MOLAA), Long Beach; el Philadelphia Museum of Art, y el Bronx Museum of the Arts. Arte Al Límite estará presente en el evento, como ya es tradición. Representante de las galerías chilenas será Galería Isabel Aninat, quien presentará a la destacada artista Manuela Viera-Gallo, radicada en Nueva York. Su práctica artística se ha movido a través de diferentes formatos, presentando un ecléctico cuerpo de trabajo que se ha desarrollado en los últimos años en un interés en experimentar con la relación directa y reacción del público con la obra de arte, como la representación máxima de las relaciones socio-políticas. Así genera impacto en el espectador de manera que éste sea parte de la obra.

Ángelo Venosa: “Anamarfico II”, 2009, acrílico, 55 x 55 x 55 cms. Fotografía cortesía de Mercedes Viegas Arte Contemporáneo. Río de Janeiro


periódico al límite

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Crítica / Fernando Toledo

ras dos años de ausencia, regresar al Parque de Ibirapuera para visitar el Pabellón de Exposiciones Ciccillo Matarazzo que en sus 30 mil metros cuadrados alberga la 29 versión de esta bienal, genera en el visitante una sensación de sentimientos encontrados. Ya que por una parte, la versión pasada fue en extremo polémica debido a que bajo la idea del “vacío” se convocó a 37 artistas internacionales, -instalados en el tercer nivel de ese pabellón-; sometidos al rigor curatorial impuesto por Ana Paula Cohen e Ivo Mesquita con disímiles resultados para la muestra y la fundación que la organiza. Y por otra, en esta versión las altas expectativas cifradas en los 160 artistas pueden no ser cumplidas, porque a fin de cuentas este evento carga con la no fácil tradición de venir tomándole el pulso al arte de nuestro tiempo desde los años 50.

CRI TI CA

POR CARLOS NAVARRETE Magíster en Historia del Arte

Sin embargo, esta versión trabaja bajo el lema “Hay siempre un vaso de mar para un hombre navegar.” Verso tomado del poeta Jorge de Lima para reflejar la dimensión utópica del arte y su fuerte relación con lo político, la actual edición bianual curada por Agnaldo Farias y Moacir dos Anjos es sin lugar a dudas un evento que en la cantidad de artistas fija su deseo de recuperar terreno en la cada vez más competitiva escena paulista. A simple vista la bienal luce llena de obras y plena de actividades, lo que en cierto sentido se entiende como un buen trabajo curatorial y diálogo entre los trabajos. Es un asunto que paulatinamente dista mucho de esa primera impresión, ya que al ir recorriendo los distintos niveles de este lugar, se va observando una y otra vez la falta de un guión museográfico que permita leer debidamente cada uno de los trabajos expuestos. Muchos de ellos, obras históricas que en el marco de la bienal hacen

un aporte más educativo que reflexivo. Es una situación que se agrava cuando al terminar el recorrido el espectador descubre que hay una fuerte ausencia de artistas jóvenes, obras inéditas y realizaciones que en verdad se aboquen al tema de la bienal. Lo anterior no sólo genera desazón en quien se decide a visitar el evento cultural, sino que luego de un rato tratando de recorrer y ver cada una de las obras, descubre que en ese exceso de obras verdaderamente se oculta la capacidad de haber hecho un evento coherente con las metas que se había propuesto y, más aún, capaz de marcar pauta en el escenario local. Como en toda bienal, los trabajos notables rápidamente se hacen ver entre la multitud de instalaciones, videos y fotografías. Jimmie Durham y su reflexivo trabajo instalatorio sobre la realidad de Sao Paulo es una de las obras claves para entender el hoy del arte y de la bienal. Igual cosa sucede con el bello trabajo videográfico de Anri Sala, el estupendo documento audiovisual de Francis Alÿs y la extensa filmación de Arnouk Mik. Si en el 2008 la Bienal de Sao Paulo fue adjetivada como la “bienal del mueble”, hoy con propiedad puedo afirmar que esta versión es la “Bienal del profesor” porque el conjunto de obras expuestas, en su mayoría, son los históricos momentos del arte latinoamericano de los decenios 60 y 70. En donde la práctica conceptual tuvo la no fácil tarea de escribir los padecimientos y conflictos que nuestros países vivieron bajo las dictaduras militares y la guerra fría. Bien lo saben artistas como Helio Oiticica, Paulo Brusky, Colectivos como Tucumán Arde y CADA. Ello se agradece, porque siempre es meritorio mantener la memoria viva de nuestra accidentada historia.

Ai Weiwei: “Circle of animals” , 2010. Fotografías cortesia de Bienal de Sao Paulo.


fernando h. toledo Paisajes de introspección humana

Un llamado a la esperanza, un viaje a territorios de fragilidad. Pintura que logra retratar la experiencia de vivir. Por Elisa Fernández, periodista.

acido en La Habana, y radicado en Chile desde hace 5 años, este pintor que actualmente vive en la cultural ciudad de Concepción, elabora un trabajo creativo profundo sobre la realidad psicológica e íntima del ser humano. Sus cuadros esbozan un fuerte colorido y vitalidad, tonalidades que resaltan potentemente a la vista y que hacen de la obra una instancia pictórica fascinante. “Me crié en la Habana Vieja, jugando entre sus calles de iglesias coloniales adornadas por un sin fin de vitrales coloridos que el sol del trópico ilumina creando una obra digna de ver. Es de ahí de donde viene… es imposible no dejarse llevar por ese espectáculo, el color puro y directo que en Cuba no necesitaba utilizar, por tenerlo a donde quiera que miraras y que ha renacido en Chile como buscando un equilibrio personal. También me es muy útil dentro del contexto de mi obra, dar esos contrastes vivos, crear a partir del color y la línea cierta armonía sacralizando el instante representado”, explica. Es esta mirada hacia el interior que se combina con la potencia de lo que nos rodea, la que se aplica simultáneamente en el trabajo plástico que desarrolla este artista visual. Su cometido es directo y sensible, elementos que busca transmitir en su obra. “El mensaje es simple como la vida misma. Intento la esperanza, tocar los terrenos humanos de antes y después, con una atmósfera iluminada. Es mi experiencia de vida”.

“Sacros momentos” , 2010, acrílico sobre tela, 100 x 120 cm.

EXPOSICIÓN DE CRIADORES DE CABALLO ÁRABES

1° copa criadores

CLUB ECUESTRE INTERNACIONAL L A DEHESA SÁBADO 4 DE DICIEMBRE DE 11:00 A 18:30 HRS ENTRADA LIBERADA

GRAN REMATE SÁBADO 4 DE DICIEMBRE A LAS 19 HRS


Periódico / Edición 64 Noviembre  

Periodico de distribucion gratuita

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