Art Matters Festival Catalog 2013 by Art Matters

ART MATTERS FESTIVAL 2013 March 8 – 22 1455 de Maisonneuve Blvd W. Montréal, Québec H3G 1M8 VA – 038

artmattersfestival.org

The Festival Mandate Welcome The Team Festival History Special Thanks

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Nuit Blanche Speaker Series Opening Party Exhibitions Open House/Portes Ouvertes Schedule of Events

22 30 36 44 56 62 70 76 82 90 98

Assumptions are not derivative of accepted facts but of distant tales. Curio Erase & Rewind Ill Palette LAB 353 - BIOLOGIE MATĂ&#x2030;RIALISTE Menagerie for hair & wood Nature/Culture Ruins The Tactility of Objects: A Retrospective Youth Well Wasted Another F******* Exhibition About Identities

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Festival Map

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THE FESTIVAL Art Matters is a student-run festival that celebrates the vitality of Concordia University’s multidisciplinary artistic community. The festival promotes the development of emerging talent by connecting Montreal’s creative institutions, galleries and artist run centres. Since its inception in 2000, the annual festival has proudly exhibited art produced by Concordia students in the fields of dance, music, design, film, spoken word, performance art, theatre, video and visual art. With more than a decade of effort from producers, curators, artists and interns, Art Matters has become a staple in the Montreal art community. The 13th edition of the Art Matters festival will take place from March 8 to 22, 2013. This year’s festival features two weeks of exhibits and shows organized and curated by Concordia undergraduates in venues throughout Montreal in addition to: our opening party, speaker series, vernissages and closing party. Our open house weekend, March 16 and 17, 2013, will be an opportunity to meet with the curators and artists and discuss their practice.

The Festival - 4 - The Festival

Art Matters est un festival qui célèbre le dynamisme de la communauté artistique des étudiants de l’Université Concordia. Grâce aux ponts créés entre le festival et les institutions montréalaises, galeries et centres d’artistes autogérés, le public peut découvrir la diversité et la vitalité du travail des artistes de l’Université. Depuis sa naissance en 2000, le festival expose fièrement chaque année l’art des étudiant(e)s de premier cycle de toutes disciplines, que ce soit la danse, la musique, le cinéma, le spoken word, la performance, le théâtre, la vidéo, la peinture, la sculpture et autres arts visuels. Grâce aux efforts de ses producteurs, commissaires, artistes et bénévoles, le festival Art Matters est maintenant une référence au sein de la scène artistique montréalaise. La treizième édition du festival Art Matters aura lieu du 8 au 22 mars 2013. Aux deux semaines d’expositions et de spectacles s’ajouteront un symposium, des vernissages ainsi que le lancement et la soirée de fermeture du festival. Les étudiant(e)s et le public auront l’opportunité d’échanger avec les artistes et commissaires lors de notre fin de semaine portes ouvertes, les 16 et 17 mars 2013.

Art Matters est un festival de beaux-arts qui met en valeur et soutient le talent des étudiant(e)s de l’Université Concordia dans le but leur permettre d’acquérir les aptitudes et outils nécessaires à la promotion de leur travail. Art Matters a été créé par les étudiant(e)s de premier cycle et pour les étudiant(e)s de premier cycle de Concordia et le grand public. Art Matters a pour but d’encourager les contacts entre les départements de la Faculté des beaux-arts de Concordia. Art Matters favorise l’innovation et l’expression de l’art dans toutes les disciplines et encourage la diversité en incluant et représentant le plus grand nombre possible de genres, styles et formes d’art. Art Matters encourage l’expression de la diversité d’identification en terme de sexe, de genre, de nationalité et d’ethnie et est ouvert à toutes les formes d’art, peu importe la langue dans laquelle elles sont exprimées. Art Matters accepte la participation artistique des étudiant(e)s de l’Université Concordia, tous programmes confondus. Art Matters est un festival qui crée une atmosphère propice à l’expression artistique, à son exploration et aux opportunités de collaboration. Art Matters crée le pont entre les talents émergents, alternatifs et établis. Art Matters proclame l’importance de l’art.

Mandate - 5

Art Matters is a festival of fine arts that celebrates and supports the developing talent housed at Concordia University with the aim of providing emerging artists with practical skills and tools to promote their art. Art Matters is created by undergraduate students for the students of Concordia University and the community at large. Art Matters aims to develop communication between all the departments within the Faculty of Fine Arts. Art Matters respects and promotes innovations and expressions of art in all disciplines, encouraging diversity by being as inclusive and representative as possible of all genres, styles and forms of art. Art Matters encourages the expression of the diversity of viewpoints and is open to all art forms in any language. Art Matters welcomes the artistic participation of any undergraduate Concordia University student. Art Matters is a festival that creates an atmosphere of celebration in artistic expression, exploration and collaboration. Art Matters brings together the emerging and alternative and the well-established. Art Matters makes it known that art matters.

Mandate

MANDATE

WELCOME Welcome to the 13th edition of the Art Matters Festival, a mainstay of the Concordia University arts community. This festival has grown exponentially since its modest beginnings and we are humbled by the response that we receive each year. The reputation that precedes the festival is unparalleled amongst undergraduate fine arts student work across this country and we are thrilled to be a part of it. Art Matters is in many ways a testament to the way art, indeed, matters to our everyday lives. As students, we spend countless hours in our classes, amongst our peers, and by ourselves thinking of how we can connect based on our chosen medium. Be it painting, sculpture, photography, dance, or other countless forms of artistic expression, we yearn to say something that an audience can relate to on multiple levels.

Welcome - 6

Art Matters acts as a conduit to channel the creative initiatives that are found within the Faculty of Fine Arts at Concordia and in the greater Concordia community in general, out into Montreal and beyond. One of the primary goals of the festival is to allow students to work in a setting that will prepare them for careers as they finish school and enter into an artistic community.

- Welcome

Throughout the years, Art Matters has continuously renewed itself, pushing forward, evolving, and challenging the ways in which art is both created and exhibited. This yearâ&#x20AC;&#x2122;s festival features sixteen student curators working with thirteen different galleries across the city of Montreal. Each curator was selected based on the quality of their own understanding of the role of art, their own conceptions as to how to utilize space and time and the ultimate goal of inclusivity. This yearâ&#x20AC;&#x2122;s festival runs from the 8th to the 22nd of March and features various spaces across the city, from large galleries to smaller studio spaces. The incredible amount of art presented in the festival comes from all disciplines and mediums, and the curatorial themes touch on everything from social and political issues to identity, progress, and questioning the very boundaries of what art encompasses. Events during the festival include our Opening Party on the 8th of March, a speakers series, vernissages, finissages, and various participatory events taking place at the featured galleries, as well as an open house weekend on the 16th and 17th of March. This catalogue aims to give you a short glimpse into the festival. We look forward to presenting you the best that Concordia University has to offer. The Art Matters team welcomes you to the 13th edition of our Festival. We hope that you feel inspired by the work our community has created.

Bienvenue à cette treizième édition du Festival Art Matters, un pilier de la communauté artistique de l’Université Concordia. Ce festival a connu une croissance exponentielle depuis ses modestes débuts et nous sommes honorés par l’accueil qu’il reçoit chaque année. La réputation qui précède Art Matters est inégalée parmi les démonstrations de travail artistique de premier cycle universitaire du pays et nous sommes ravis de faire partie de cette merveilleuse expérience.

Au fil des ans, Art Matters s’est constamment renouvelé, évoluant, repoussant les limites et remettant en question la manière dont l’art est créé et présenté. Cette année, seize jeunes commissaires travaillant en collaboration avec treize espaces de diffusion montréalais composent la programmation du Festival. Chaque commissaire a été sélectionné grâce à la qualité de sa compréhension personnelle du rôle de l’art et à ses capacités à travailler l’espace et le temps, tout en gardant en mire le but ultime de l’inclusion. La treizième édition du Festival se déroulera du 8 au 22 mars. Au menu, des spectacles et expositions dans des espaces de représentation artistique montréalais comprenant galeries spacieuses et studios aux dimensions plus intimes. La quantité incroyable d’art présenté dans le cadre du Festival provient de toutes les disciplines et médiums. La grande variété des thèmes exploités comprend des problématiques sociales et politiques et des sujets tels l’identité, le progrès et le questionnement des limites de ce que l’art englobe. Les événements qui parsèment notre programmation incluent notre fête d’ouverture, le 8 mars, des conférences, des vernissages, des finissages, une fin de semaine portes ouvertes et une variété d’événements à caractère participatif qui se dérouleront dans l’ensemble de nos lieux de représentation. Ce catalogue est destiné à vous offrir un aperçu notre programmation. Il nous tarde de vous présenter la crème de ce que l’Université Concordia a à offrir. L’équipe d’Art Matters vous souhaite la bienvenue à cette treizième édition du Festival. Nous espérons que vous serez inspirés par ce que notre communauté a créé.

Welcome - 7

Art Matters agit afin de canaliser les initiatives créatives qui abondent dans la faculté des beaux-arts de Concordia et parmi l’ensemble des étudiants de Concordia vers la communauté montréalaise et au-delà de celle-ci. Un des objectifs premiers du Festival est de permettre aux étudiants de vivre une expérience dans un contexte qui les préparera à leur entrée dans le milieu du travail artistique.

- Welcome

Art Matters est, à plusieurs niveaux, un manifeste sur l’importance de l’art au sein de la vie quotidienne. En tant qu’étudiants, nous passons d’innombrables heures en classe, parmi nos pairs et seuls avec nous-mêmes en pensant aux moyens d’aller à la rencontre des autres à l’aide de nos disciplines artistiques. Que ce soit par la peinture, la photographie, la danse ou toute autre forme d’expression artistique, nous désirons tous ardemment communiquer quelque chose qui pourra toucher et inspirer le spectateur.

THE TEAM Exhibitions & Special Events Coordinator Clinton Glenn Outreach Coordinator Carolann Shea Administrative Coordinator Sara Maston Visual Designer Levi Bruce Web Programmer Zachary Kain The Team - 8

Media Relations Assistant Lauren McGowan Volunteer Coordinator Aaliyeh Afshar

- The Team

Technical Coordinators Catherine Fournier-Poirier Louis Amadei Translator Florence ValliĂ¨res Driver Tami Bernard Board of Directors Muriel Jaouich Linnea Gwiazda Vivien Leung Christopher Webster

FESTIVAL HISTORY In 2000, five Fine Arts students at Concordia University came together to solve a collective issue; to create an event where students across all fields could exhibit their art work to both peers and public, giving ample opportunity for curators, artists, and art fans alike to explore the talents housed at Concordia. This lead Julie Fowler, Ruthie Sumiko Tabata, Yael Wand, Michael Golden and Declan O’Drischoll to create the Art Matters Festival, a two-week celebration of all forms of art, including animation, dance, design, film, music, spoken word, theatre, performance art, visual art, new media and more.

En 2000, cinq étudiants en beaux-arts de l’Université Concordia se sont regroupés afin de répondre à un besoin collectif: créer un événement pendant lequel les étudiants de tous les domaines pourraient présenter leur travail artistique à leurs pairs et au public montréalais et lors duquel commissaires, artistes et amateurs d’art auraient l’occasion d’explorer les talents de la communauté étudiante de Concordia. Cet objectif a mené Julie Fowler, Ruthie Sumiko Tabata, Yael Wand, Michael Golden et Declan O’Drischoll à fonder le Festival Art Matters, deux semaines de célébration de toutes les disciplines artistiques, incluant l’animation, la danse, le design, le film, la musique, le slam, le théâtre, l’art de performance, l’art visuel, les nouveaux média et encore plus. Maintenant à sa treizième année d’existence, Art Matters a acquis une renommée importante grâce au talent des artistes émergents qui ont présenté leur travail dans le cadre du Festival et aux événements pour le moins colorés qui ont fait partie de sa programmation. Chaque année, nous recherchons des manières innovatrices de partager notre art, que ce soit par une nuit de performances dans un studio de boxe ou par la présentation du travail d’artistes prometteurs. Art Matters aspire à donner une voix aux artistes alors qu’ils effectuent leur transition du milieu académique vers le monde qui les attend.

Festival History - 9 - Festival History

Now in its thirteenth year, Art Matters has become renowned for showcasing incredible emerging talent of Concordia students and hosting infamous events. With each year of the festival, we search for innovative ways to share our art, from events in boxing studios to performances by up and coming artists; Art Matters strives to give voice and space to artists as they transition out of academia.

SPECIAL THANKS

Special Thanks - 10 - Special Thanks

We would like to take this opportunity to thank all of those people at Concordia and throughout Montreal who have made this year’s festival the success that it is. Thanks to our executive team members, who have been wonderfully efficient in helping to throw together the Festival. Thank you Sara Maston, our Administrative Coordinator, who, with flawless professionalism, assisted us throughout the organization of Art Matters 2013. Levi Bruce, our Visual Designer, who worked countless nights on the Festival’s visual identity. Zachary Kain, who, for the second year in a row, programmed a whole new, wonderful website. Catherine FournierPoirier and Louis Thompson-Amadei, our Technical Superheroes. Aaliyeh Afshar, our Volunteer Coordinator, whose enthusiasm keeps everyone going. Florence Vallières, our Translator, who gave out two weeks of her life to the Festival during the preparation of this Catalogue. Tami Bernard, who drives the Festival’s material all around Montreal. Finally, thanks to Lauren McGowan, our Media Relations Superwoman. Thank you to our very first Board of Directors members, Muriel Jaouich, Linnea Gwiazda, Vivien Leung and Christopher Webster, for supporting the Festival’s initiative to become an established non-profit organization, and to Olivier Forgues for chairing Art Matters General Meetings and guiding us through their procedures. Thanks to our curators, who come from different departments and faculties at Concordia. The wide variety of experience and perspective that you all brought to the Festival is nothing short of astonishing. Thanks to the artists who submitted work and are featured in the exhibitions and shows. The incredible variety of work that comes out of the Fine Arts at Concordia and the Concordia community in general is incredibly diverse, extremely talented and awe-inspiring. We thank you all. Thank you to all of our support in the Concordia Fine Arts community, including Tricia Middleton, the Fine Arts Student Association (FASA) and the VAV Gallery for giving us guidance and ensuring that the Festival is in good hands. Thanks to Café X for your caffeinated contribution to the Festival. Special thanks to the Faculty of Fine Arts, the Concordia Council on Student Life (CCSL) and the Concordia University Small Grant Program (CUSGP), whose financial contributions are a vital support to Art Matters. Thank you for believing in our Festival. We also would like to thank the participants of this year’s curator workshop; Amber Berson and Nicole Roberge from Eastern Bloc and Johnston Newfield and Sam Unger from the VAV Gallery. Your insights into the curatorial process and advice have been invaluable. Thank you to Amy Blackmore and MainLine Theatre/The St-Ambroise Montreal FRINGE Festival for having us and agreeing to throw an amazing Nuit Blanche event with the Festival. Thank you to the crew at Nuit Blanche, including Josiane Lapointe and Roxanne Bégin. To all our contact people from the venues used throughout the Festival, including Lotfi Gouigah at Articule, Ralph Alfonso at BBAM Gallery, Kiva Stimac and Steve Guimond at Casa Del Popolo, Joanne Lai at Coatcheck Gallery, Amber Berson and Eliane Ellbogen at Eastern Bloc, Catherine Barnabé at Espace Projet, Tin-Yum Lau at Galerie Espace, Noémie Guérin Gosselin at La Baraque, Marie-Josée Parent and Charlotte Jacob-Maguire at Les Territoires, Justine Skahan at Studio 427, Deborah VanSlet at Studio XX, and the VAV Gallery co-directors, Johnston Newfield and Sam Unger. We appreciate your support for Art Matters 2013. And finally, a massive thank you to everyone and anyone who has taken the time to come talk to us, to look at an Art Matters poster, to think about the Festival, to engage with us, or to stop by our office. This is an incredible collaborative experience and we could not have done it without you all. Art Matters is a labour of love for so many people and from the bottom of our hearts we appreciate the support and hope you enjoy the festival.

Special Thanks - 11 - Special Thanks

Nous voudrions profiter de cette opportunité afin de remercier tous les acteurs de la communauté de Concordia et de Montréal qui ont contribué au succès de la treizième édition du Festival Art Matters. Merci à tout notre exécutif, qui a été d’une efficacité incroyable durant l’organisation du Festival. Merci Sara Maston, notre Coordonnatrice administrative, qui, avec son professionnalisme sans faille, nous a assisté tout au long de l’organisation. Levi Bruce, notre Designer visuel, qui a travaillé pendant d’innombrables nuits sur l’identité visuelle du Festival. Zachary Kain, qui, pour une deuxième année consécutive, nous a programmé un magnifique site web entièrement neuf. Catherine Fournier-Poirier et Louis Thompson-Amadei, nos superhéros de la technique. Aaliyeh Afshar, notre Coordonnatrice des bénévoles, dont l’enthousiasme est contagieux. Florence Vallières, notre traductrice, qui a donné deux semaines de sa vie à la production de ce catalogue. Tami Bernard, qui transporte tout le matériel du Festival aux quatre coins de Montréal. Finalement, merci Lauren McGowan, notre Superwoman des relations médiatiques. Merci aux membres de notre tout premier Conseil d’administration, Muriel Jaouich, Linnea Gwiazda, Vivien Leung et Christopher Webster, pour avoir facilité le premier envol du Festival vers le monde de l’organisation sans but lucrative. Merci également à Olivier Forgues pour présider les Assemblées générales d’Art Matters et nous guider au travers de leurs procédures. Merci à nos fantastiques commissaires, provenant de différents départements et facultés de Concordia. La grande variété de l’expérience et des perspectives que vous apportez tous au Festival est pour le moins stupéfiante. Merci aux artistes qui ont soumis leurs applications au Festival et à ceux dont le travail y est présenté. La variété incroyable du travail artistique provenant de la Faculté des beaux-arts et de l’ensemble de la communauté étudiante de Concordia est extrêmement diversifiée, fait preuve d’une quantité incroyable de talent et est absolument impressionnante. Nous vous remercions tous. Merci à tous les acteurs de la Faculté des beaux-arts qui nous ont supportés, incluant Tricia Middleton, l’Association des étudiants en beaux-arts (FASA) et la Galerie VAV, pour nous avoir guidés et avoir assuré la bonne direction du Festival. Merci au Café X pour sa contribution sous forme de caféine. Un gros merci à la Faculté des beaux-arts, le Concordia Council on Student Life (CCSL) et le Concordia University Small Grant Program (CUSGP), dont la contribution financière est un support vital pour Art Matters. Merci de croire en notre Festival. Nous aimerions également remercier les participants de l’atelier offert à nos commissaires: Amber Berson et Nicole Roberge d’Eastern Bloc ainsi que Johnston Newfield et Sam Unger de la Galerie VAV. Les conseils que vous avez fournis à nos commissaires sont d’une valeur inestimable. À tous les contacts des espaces de diffusion utilisés par le Festival, incluant Lotfi Gouigah d’Articule, Ralph Alfonso de la Galerie BBAM, Kiva Stimac et Steve Guimond de la Casa Del Popolo, Joanne Lai de Coatcheck Gallery, Amber Berson et Eliane Ellbogen d’Eastern Bloc, Catherine Barnabé d’Espace Projet, Tin-Yum Lau de la Galerie Espace, Noémie Guérin Gosselin de La Baraque, Marie-Josée Parent et Charlotte Jacob-Maguire de la galerie Les Territoires, Justine Skahan du Studio 427, Deborah VanSlet du Studio XX et les co-directeurs de la Galerie VAV, Johnston Newfield and Sam Unger; merci de votre générosité et de votre disponibilité! Et, finalement, un merci gigantesque à tous ceux qui ont pris le temps de venir discuter avec nous, de regarder une affiche du Festival ou de s’arrêter à notre bureau. C’est une incroyable expérience de collaboration et nous n’aurions pas pu la vivre sans vous tous. Art Matters est une réelle histoire d’amour pour tant de gens et, du plus profond de notre cœur, nous apprécions le support que vous nous offrez et espérons que vous profiterez du Festival.

NUIT BLANCHE IN BETWEEN MainLine Theatre 3997 St-Laurent March 2, 11 pm- 3 am For the seventh year in a row, Art Matters has put together an event for Nuit Blanche, a night-long celebration of Montreal taking place during one of our city’s premiere festivals held during the winter months, Montréal en lumière. In collaboration with MainLine Theatre and the St-Ambroise Montreal FRINGE Festival, Art Matters presents In Between, an immersive event utilizing the space of a theatre as a living canvas. Participants are invited to walk through the environs and intersect with various art forms, from dance to visual arts and theatre, becoming immersed in the creative process.

Nuit Blanche - 12 - Nuit Blanche

Pour une septième année consécutive, l’équipe d’Art Matters s’est donnée à fond afin de mettre sur pied un événement culturel pour la Nuit Blanche, une célébration de notre ville faisant partie de la programmation du festival Montréal en lumière. En collaboration avec le Théâtre MainLine et le Festival St-Ambroise FRINGE de Montréal, Art Matters est fier de présenter In Between, une expérience d’immersion dans l’art, un parcours dans un théâtre transformé en toile vivante. Les participants seront invités à plonger dans la multitude d’œuvres pluridisciplinaires dont ils croiseront le chemin. A word about our collaborators:

MainLine Theatre/Théâtre MainLine 3997 St-Laurent

MainLine is the home of indie theatre on the Main! Best known as the producer of the StAmbroise Montreal FRINGE Festival, MainLine combines the raw talents of emerging artists with the experience of established ones to produce unconventional innovative work that challenges both artists and audiences. MainLine est la maison de la culture indépendante de la Main ! Connu comme étant le producteur du Festival St-Ambroise FRINGE de Montréal, le théâtre MainLine combine le talent pur d’artistes émergents et l’expérience d’artistes bien établis afin d’engendrer des productions non conventionnelles et innovatrices qui mettent au défi à la fois les artistes et leur audience.

St-Ambroise Montreal FRINGE Festival/ Le Festival St-Ambroise FRINGE de Montréal

The St-Ambroise Montreal FRINGE Festival is the ultimate summer happening to hit up for that unbeatable neighborhood feel! Block party and performing arts collide every June in the Plateau/Mile-End for this celebration of creativity without limits that includes music, comedy, dance, visual arts and theatre from over 500 performers. The St-Ambroise Montreal FRINGE Festival is bilingual, and includes local, national and international artists from Montreal to Greece to Japan!

Le Festival FRINGE de Montréal est l’événement de l’été qui vous apporte une atmosphère de quartier imbattable! L’esprit de fête de quartier prend rendez-vous en juin avec les arts de la scène sur le Plateau/Mile-End. Descendez de vos balcons et venez célébrer la créativité illimitée que vous offrent plus de 500 artistes venant du tour de la planète. L’humour, la danse, la musique, les arts visuels et le théâtre seront là pour vous accueillir. Le Festival FRINGE bilingue de Montréal inclut des artistes de la scène locale, nationale et internationale; restez avec nous à Montréal et l’on vous fera goûter les Arts de la Grèce, en passant par le Japon et sans passer aux douanes!

Nuit Blanche - 13 - Nuit Blanche

June 3rd-23rd 2013

SPEAKER SERIES CHOOSE YOUR OWN ADVENTURE Galerie Articule 262 Fairmount O. March 9, 12 – 4 pm Art practitioners and theorists discuss the career avenues open to a young artist, the players that influence his or her choices and the process of locating and assuming the artist’s role in contemporary Canadian society.

Speaker Series - 14 - Speaker Series

The 2013 Art Matters Festival mandate is the uniting of artists from different disciplines. Therefore, we are proud to present this year’s Speaker Series speakers, ranging from Kathleen Sharpe from the Canadian Conference of the Arts, to the director of the St-Ambroise Montreal FRINGE Festival and MainLine Theatre, Amy Blackmore, to the founder of Montrealbased theatre collective MAP, Rio Mitchell, to Alan Ganev, one of the directors of the visual arts, design and technology collective CEASE. We would be delighted if you would join us Saturday March 9th from 12.00 to 16.00 to participate in this discussion on finding a voice and a place in the art world. Tasty lunch and wine will be served.

Des professionnels et théoriciens du milieu artistique discuteront et exposeront aux participants les opportunités de carrière possibles pour de jeunes artistes, les enjeux qui influenceront leurs choix, le processus visant à s’établir en tant qu’artiste ainsi que le rôle de celui-ci dans la société canadienne actuelle. Le Festival Art Matters 2013 a comme mandat d’unir des artistes de différentes disciplines. Nous sommes donc fiers de présenter les conférenciers qui participeront à cette édition du Festival, des professionnels incluant des membres de l’exécutif de la Conférence canadienne des arts, la directrice du Festival St-Ambroise FRINGE de Montréal et du théâtre MainLine, la fondatrice du collectif montréalais de théâtre MAP et les directeurs du collectif d’art visuel, de design et de technologie CEASE. Venez vous joindre à nous lors des conférences du samedi, 9 mars prochain de 12.00 à 16.00 et prendre part aux discussions sur le thème de la place des artistes émergents dans le monde artistique. Un goûter savoureux et du vin seront servis!

OPENING PARTY Espace Réunion 6600 Rue Hutchison March 8, 21.00 pm – 3.00 am This year’s opening party, taking place at Espace Réunion, features a mix of local bands, DJs, and visual artists. As the kick-off to Art Matters 2013, the opening party will give you a brief taste of what is in store for the festival. Come check it out!

Opening Party - 15 - Opening Party

La fête d’ouverture de notre édition 2013, qui se déroulera à Espace Réunion, mettra de l’avant le talent de groupes musicaux locaux, de DJs et d’artistes visuels. Ce sera l’occasion pour les amateurs d’art de savourer un avant-goût de ce qu’Art Matters 2013 leur réserve!

EXHIBITIONS Assumptions are not derivative of accepted facts but of distant tales. Julian Garcia & Emma Siemens-Adolphe Gallerie Espace curio Amira Shabason Coat Check Gallery Erase & Rewind Bella Giancotta & Marie-Michèle Plante Studio XX

LAB 353 - BIOLOGIE MATÉRIALISTE Benjamin J. Allard Espace Projet menagerie for hair & wood Erin Hill & Heather Caplap La Baraque Nature/Culture Cécile Charvet Studio #427 Ruins Michelle Cantin-Reid VAV Gallery The Tactility of Objects: A Retrospective Kris Millar Les Territoires Youth Well Wasted Lori Noel BBAM! Gallery Another F******* Exhibition About Identities Annie Maheux Casa Del Popolo

Exhibitions - 17 - Exhibitions

Ill Palette Jordan Davidson, Vincent Viezzer, Ashley Zver-Volel Eastern Bloc

OPEN HOUSE / PORTES OUVERTES Assumptions are not derivative accepted facts but of distant tales.

Galerie Espace As a way of augmenting the value of this exhibition, during this forty-five minute slot, we wish to invite the viewer to partake in a silent auction. This will allow the viewer to engage with the curated network of art-pieces. ( 40 words) Au cours des quarante-cinq minutes qui nous sont allouées, nous invitons le public à participer à un encan silencieux qui saura accroître la valeur de l’exposition. Ceci permettra au public de s’investir dans le réseau des oeuvres choisies.

Open House - 18 - Portes Ouvertes.

curio Coatcheck Gallery Join us at Coatcheck Gallery on Saturday, March 26th at 12:00 PM for an informal meet-and-greet with the collectors and memory keepers featured in Curio. Karoline Lebrun, Laura Robbins and Florence Vallières will be doing demonstrative performances related to their own distinct practices as collectors. Venez nous rendre visite à la galerie Coatcheck le samedi 26 mars à midi! Vous pourrez rencontrer les collectionneurs et chasseurs de souvenirs de Curio. Les artistes Karoline Lebrun, Laura Robbins et Florence Vallières démontreront, au travers d’une série de performances, leurs démarches en tant que collectionneuses

Erase and Rewind Studio XX Julia Wolfe, Editor-in-Chief of The Link newspaper will be holding a lecture and discussion of popular culture influence in print media with special guests Aidan Pontarini of the The Void and Bella Giancotta of Interfold Magazine.

L’éditrice en chef du journal The Link, Julia Wolfe, tiendra une conférence et une discussion à propos de l’influence de la culture populaire sur la presse en compagnie des invités Aidan Pontarini du magazine The Void et Bella Giancotta de Interforld Magazine.

Ill Palette Eastern Bloc Jordan Davidson The Open House Weekend will offer patrons a unique opportunity to engage with the artists as explanatory guides and will also feature several artists elaborating on work displayed through continued development and modification. It will also feature a set of lectures explaining the broader themes of the exhibition; extrapolating their personal considerations of taste and formal practice. La journée Portes Ouvertes offrira aux visiteurs une opportunité de parler avec les artistes qui pourront les guider et leur expliquer les principes de l’exposition. L’évènement présentera également plusieurs artistes qui seront engagés dans un travail de développement et de modification de certaines des œuvres présentées. Il y aura une série de conférences qui toucheront aux grands thèmes de l’exposition, élaboreront sur les considérations personnelles du goût et de la démarche formelle. Vince Viezzer The Open House event will feature a miniature series of artist’s talks to briefly introduce the public to each artist’s practice and dominant issues that preoccupy his or her personal vision. These talks will also detail how the specific works selected contribute to the over-arching themes presented by the curators, as well as how the exhibition relates to current discussions in contemporary art.

Ashley Zver-Volel Expanding on the relationship between the human and its environment, one is found perplexed by intrinsic complexities. Hear them speak Sunday, March 17 at Eastern Bloc, 3.30 4 pm for an exclusive artist appearance of pieces Adrift, by Stephen Korzenstein, Saint-Rémi, by Yasmina Dahou, and Instants Égarés, by Ariel Poupart. La relation de l’humain et de son environnement sous-entend toutes sortes de complexités intrinsèques. Le dimanche le 17 mars de 15h30 à 16h00, les artistes seront présents pour discuter des pièces Adrift de Stephen Korzenstein, Saint-Rémi de Yasmina Dahou et Instants Égarés d’Ariel Poupart.

LAB 353 - BIOLOGIE MATÉRIALISTE Espace Projet Ce séminaire sera l’occasion de pousser la réflexion artistique au-delà du monde des arts. Un conférencier sera invité à parler d’écologie matérialiste et un buffet tentera de remettre en question la conception de l’aliment. Recherche artistique cohabitera avec environnement et alimentation dans une action politique. This seminar is the ideal occasion to bring artistic discussion outside of its field. A guest keynote speaker will debate materialistic ecology and a buffet will attempt to challenge our ideas of food. Artistic research will share space with environment and diet in a political action.

menagerie for hair & wood La Baraque This palatable evening of performances is your last chance to play with Lea RoyBernatchez, witness a screaming angel, a stilted shadow. And enjoy more hair than you’d ever want so close to your baked goods, fancy cheeses and mulled wine. Cette délectable soirée de performances est le moment ou jamais de venir jouer avec Lea Roy-Bernatchez, voir un ange crier et une ombre montée sur des échasses… Et de surprendre beaucoup plus de cheveux qu’il n’en faut à proximité de vos mignardises, vos fins fromages et vos vins épicés.

Nature/Culture Studio #427 For the Open House Week End, the Nature/Culture team presents a special visit of the exhibition during which you will enjoy the presence of all the artists at the studio to discuss their work, process and inspiration – a moment to see the world through their eyes. Pour ce weekend de portes ouvertes, l’équipe de Nature/Culture vous invite à une visite guidée en présence de tous les artistes qui sauront vous parler de leur travail, leur démarche et leur inspiration. Nous vous offrons un moment pour voir le monde à travers leurs yeux…

Open House - 19 - Portes Ouvertes.

À l’occasion de l’évènement Portes Ouvertes sera présentée une série de courtes conférences ayant comme objectif de présenter au public la démarche de chaque artiste et les thèmes qui dominent leur production personnelle. Ces conférences serviront également à établir des liens entres les œuvres de l’exposition et les thèmes sous-jacents présentés par les commissaires, qui discuteront plus en détails de la pertinence de ces débats dans le discours de l’art contemporain.

Open House - 20 - Portes Ouvertes.

Ruins

Youth Well Wasted

VAV Gallery

BBAM! Gallery

Come keep warm with us amongst Ruins as we build a participatory artefact with you in the VAV Gallery. In a calm and casual atmosphere, everyone is invited to contribute to the physical process or just to enjoy art with a warm cup of tea in the company of the artists and friends. Venez vous réchauffer avec nous parmi les Ruines en construisant un artéfact participatif dans la galerie VAV. Tout le monde est invité à se joindre à cette atmosphère calme et détendue pour contribuer au processus ou tout simplement pour siroter une tasse de thé et profiter des oeuvres en compagnie d’artistes, et d’amis

Amidst the nostalgic and musical environment of BBAM! Gallery, YOUTH WELL WASTED will host an Open House on March 16th from 1 – 1:45pm. The young artists will be present to talk about their work with the public. There will also be performances by musical guests and other special events related to good old-fashioned fun times. YOUTH WELL WASTED accueillera l’évènement Portes Ouvertes le 16 mars de 13:00 à 13:45 dans l’environnement nostalgique et musical de la BBAM! Gallery. Les jeunes artistes seront présents pour parler de leur travail au public. Il y aura également des prestations musicales et autres surprises, tout pour évoquer ces plaisirs qui ne changent pas.

The Tactility of Objects: A Retrospective Les Territoires

Another F******* Exhibition About Identities Casa Del Popolo

Artists will be present to have a question & answer session pertaining to the materiality of their artworks and offer a discussion on how this has influenced their artistic practices. At the same time, viewers will be welcomed to directly interact with artworks and artists alike so accessibility of art can be discussed in a tangible way. Les artistes seront présents pour répondre à des questions concernant la matérialité de leurs œuvres et pour discuter de son rôle au sein de leurs démarches. Le public sera invité à interagir directement avec les œuvres et les artistes afin de participer au long débat sur l’accessibilité de l’art.

Welcome to Another F******* Exhibition about Identities in La Casa del Popolo, where crazy performers share space with cinematographic artworks given birth to with love, all of this beside walls covered in inspired/ inspiring paintings from all genres. Be careful, the sculptures might also provoke a deep internal upheaval. To all sensitive people, we are impatiently waiting for you! Bienvenue à Another F******* Exhibition about Identities à la Casa del Popolo, où les projecteurs pointés sur des artistes de scène déjantées côtoient des œuvres cinématographiques portées au monde avec amour près de murs jonchés de peintures inspirées/inspirantes de tous genres. Attention, la production sculpturale présente pourrait également provoquer une remise en question profonde. Avis aux personnes sensibles, vous êtes attendues avec impatience!

SCHEDULE OF EVENTS Vernissage Friday March 8 // Les Territoires Monday March 11 // Casa del Popolo Tuesday March 12 // Galerie Espace Wednesday March 13 // La Baraque Thursday March 14 // Studio XX Friday March 15 // Eastern Bloc Sunday March 17 // Espace Projet (+ open house event)

Monday March 18 // Studio 427 Tuesday March 19 // VAV Gallery Wednesday March 20 // BBAM Gallery Thursday March 21 // Coatcheck Gallery Friday March 22 // Closing/Collaboration with Interfold Launch Party

OPEN HOUSE WEEKEND Saturday Coatcheck Gallery: 12 – 12.45 pm BBAM Gallery: 1 – 1.45 pm VAV Gallery: 2.15 – 3 pm Studio 427: 4 – 4.45 pm Les Territoires: 5 – 5.45 pm La Baraque: 6.15 - 10 pm (performances & finnissage) Sunday Studio XX: 12 – 12.45 pm Casa del Popolo: 1.15 – 2 pm Galerie Espace: 2.15 – 3 pm Eastern Bloc 1: 3.30 – 4 pm Eastern Bloc 2: 4 – 4.30 pm Eastern Bloc 3: 5 – 5.30 pm Espace Projet: 6 - 9 pm (performances & vernissage)

Schedule of Events - 21 - Schedule of Events

Finissage

Assumptions are not derivative of accepted facts but of distant tales. La Galerie Espace

Wed. March 6th - Tues. March 19th

4844 St-Laurent

Vernisage : Tues. March 12th 6 - 9 pm Open House : Sun. March 17th, 2.15 - 3 pm

Curated by Julian Garcia & Emma Siemens-Adolphe Assumptions are not derivative of - 22 - accepted facts but of distant tales.

The filter through which we study our surroundings contains the essence and detail of the culture in which we live in. Through the act of creation, artists reinterpret that which surrounds them. In doing so, the existence of established symbols is elaborated on, reformulated and questioned. This exhibition presents these processes as they unfold and thereby create an extension of our cognition. The contemporary human condition employs the production and consumption of images at an unprecedented speed, by placing these objects in one room a network of exchange is created. Such dynamism questions form, function, materiality and the lack thereof. Sustained by an endless curiosity for the intangible a reality is fabricated that correspond to one’s needs and desires. L’essence et le détail de la culture dans laquelle nous sommes plongés sont les paramètres qui nous premettent d’analyser notre environnement. Pour les artistes, la réinterprétation passe par l’acte créatif, qui permet d’élaborer, de reformuler ou de remettre en question l’existence des symboles établis. Notre exposition vous présente ces processus alors qu’ils se dévoilent et incitent un approfondissement de nos connaissances. De nos jours, la condition humaine crée et consomme des images à un rythme effrené; en plaçant ces oeuvres – ces objets – dans une seule pièce, un réseau d’échange est établi, dont le dynamisme problématise la forme, la fonction, la matérialité, et son absence. Sustentée par une curiosité dévorante pour l’intangible, une nouvelle réalité nait des besoins et désirs de tout un chacun.

Assumptions are not derivative of accepted facts but of distant tales.

Thomas Bouquin I am a photographer who is interested by the relationship between man & the landscape, especially how elements such as memory, space & light can influence & modify our perception of the banal & common places of our everyday life.

En tant que photographe, je m’intéresse à tout ce qui lie l’homme au paysage. La mémoire, l’espace et la lumière, en particulier, sont aptes à influencer et à modifier notre perception des choses banales et des lieux communs de notre vie quotidienne.

Darcy Cooke Assumptions are not derivative of - 24 - accepted facts but of distant tales.

I’m interested in images & the relations they share to objects, & vice versa. I’m concerned with images that refer to their own production. Question their relevance as physical objects. Film is almost obsolete. Do we celebrate, mourn, feign indifference, change, adapt?

Eli Kerr

Je m’intéresse aux images et aux relations qu’elles entretiennent avec les objets, et viceversa; tout particulièrement pour celles qui parlent de leur propre production. Je remets en question leur pertinence. La pellicule est presque déjà obsolète. Que faire? L’honorer, la porter en deuil, prétendre à l’indifférence, changer, s’adapter?

Aesthetic development presents itself in a detail from a painting which has been reinterpreted into three dimensions.

Le développement esthétique de cette oeuvre a grandi d’un détail aperçu sur une toile, réinterprété en trois dimensions.

Where the nonlinear line suggests motion & effort of spatial stretch, the permuted shape continues to deviate within a new spatial context.

Là où la courbe suggère le mouvement et l’effort d’un étirement de l’espace, la forme intervertie poursuit sa déviation dans un nouvel espace.

Mathieu Lambert My projects picture the fundamental tension existing between real & fake, between situation & narration. The possibility offered by photography to cut off the context by the action of framing has inspired several series, bringing the viewer either to err on the set of real photograph, or get lost in a fictious environment. Most of my work plays with the desire to create an image of an isolated element to lose the sense of iconic contemporary settings.

Mes projets se situent au carrefour des tensions entre le réel et le factice, la situation, et la narration. L’habileté qu’a la photographie à décontextualiser une image grâce au cadrage est à l’origine de plusieurs séries qui invitent le public soit à errer sur les lieux d’une photographie réaliste, soit à se perdre dans un environnement fictif. Mon travail joue surtout sur ce désir de créer l’image d’un élément isolé qui permet de nous faire perdre nos repères contemporains.

Darcy Cooke Afterparty, 2011 Neon sign

Eli Kerr A Squiggle For One Jacket, 2013 Sculpture

Mathieu Lambert Universal City, 2012 Black & White photography.

Assumptions are not derivative of - 25 - accepted facts but of distant tales.

Thomas Bouquin Photographic Series, 2012 Photography

Aaron Leon Altered Landscapes explores landscapes using the tri-colour photography process to examine landscape photography & highlight the experience of nature alluding to the notion of the sublime & psychedelia. This landscape shows an experience of nature unperceivable to the human eye but through photographic process can be realised.

Altered Landscapes est une exploration de paysages photographiques, réalisés à l’aide du procédé trichrome, qui examine la photographie paysagiste en soulignant l’expérience de la nature. Cette dernière se réfère aux mouvances sublimes et psychédéliques. Le paysage présenté montre une image de la nature qui ne serait pas perceptible à l’oeil nu, mais que l’on peut observer grâce au procédé photographique.

Assumptions are not derivative of - 26 - accepted facts but of distant tales.

Kevin Leung-Lo wave upon wave, with this curious device i washed my hands

vague à vague, cet objet curieux lave mes mains

Nicole Levaque Interested with the materiality of paint & it’s interpretation sculpturally this tableau seeks to play with viewer & material hierarchies. Mimicking both the mundane while offering abstract moments of unfamiliarity this array forces the viewer to acknowledge the plasticity of object meaning.

Emma Lightstone The liberatory potential of both objects, the adrenaline rush promised by both. The fetishization of radical politics. The Molotov cocktail as fetish object. The riot as site of eroticized desires. The mutation of unmediated experience (sex, street action) into spectacle – think about riot porn.

courtenay maze Drawing heavily on both research & experimentation, my work is situated around specific notions of space, architecture, created environments, labour & the human body. I place greatest conceptual emphasis on the materials themselves, working outwards from their history & current dialogue. My studio work takes form as sculpture, installation, & video-performance, & extends into drawing & fibres-based works.

Ce tableau cherche à jouer avec les hiérarchies entre art et public et celles des matériaux de façon sculpturale, ayant pour intérêt la matérialité de la peinture et de son interpértation. À contrefaire l’ordinaire tout en nous faisant percevoir des moments aussi abstraits que familiers, l’arrangement des formes nous oblige à prendre conscience du signifié plastique de l’objet. Le potentiel libérateur des objets, la décharge d’adrénaline qu’ils promettent. La fétichisation des politiques extrémistes. Le cocktail Molotov comme fétiche. L’émeute, lieu de désirs érotiques. La transformation des expériences directes (le sexe ou les scènes de rue) en spectacle – pensez à la riot porn, ces images d’émeutes sensationalisées. Puisant à pleines mains dans la recherche et l’expérimentation, je travaille sur la notion d’espace, d’architecture, d’environnements artificiels, de travail et du corps humain. Ma démarche conceptuelle met un accent tout particulier sur les matériaux employés, en partant de leur histoire et de leur pertinence contemporaine. Mes projets touchent à la sculpture, l’installation et la performance vidéo, ainsi qu’au dessin et aux textiles.

Kevin Leung-Lo Ride the Wave, 2013 Video

Nicole Levaque Tableau, 2013 Plastic Casts, Cement, Styrofoam

Emma Lightstone Molotov Cocktail, 2012 Mixed Media

courtenay maze Fake Florida, 2012 Installation

Assumptions are not derivative of - 27 - accepted facts but of distant tales.

Aaron Leon Photographic series of untitled works, 2012 Photography

Gaël Patino I am interested in platforms, created sites, fabricated realities and virtual worlds.

Je m’intéresse aux plateformes, aux lieux créés, aux simulacres de la réalité ainsi qu’aux mondes virtuels.

Nikki Peck

Assumptions are not derivative of - 28 - accepted facts but of distant tales.

Through my abstract art, I have discovered a spirituality that allows me to see the world with a critical eye which I express through form, colour, & design. I express my creativity through the experimentation & spontaneity of the chaos of paint dripping & folding on canvas to which I manipulate & develop my sense of order & symmetry.

À travers la forme, la couleur, et le design, j’exprime mon esprit critique et ma vision du monde, dérivés de ma pratique de l’art abstrait, qui m’a permis de découvrir une spiritualité qui m’est propre. Cette créativité s’exprime dans le chaos expérimental et spontané de la peinture qui goutte et plie sur la toile, et qu’enfin je manipule en développant mon sens de l’ordre et de la symmétrie

Emma Sise My work examines the properties of objects through the disintegration of their forms. The characteristics of a given object are played with, deconstructed, distorted or removed to a point that the essence of the object barely remains. These new forms hold the shape or concept of the original object, yet fail in some

Mon travail se penche sur les propriétés des objets à travers leur désintégration. Je joue, déconstruis, tords ou efface les caractéristiques d’un objet quelconque, allant jusqu’à corrompre son essence même. Les formes ainsi obtenues retiennent peut-être la forme, peut-être la fonction de départ, mais ne réussissent pas tout à fait à vraiment être l’objet en question.

Lisandre St-Cyr Lamothe Today, the majority of humans live in cities but there is still a land that we cultivate & which, in turn, sustains us. With this project, I wanted to praise this natural beauty & invite people to consider & recognize the fragility of the land.

Aujourd’hui, la grande majorité des humains vit dans les villes, mais il subsiste toujours une campagne que l’on cultive et qui nous nourrit en retour. Ce projet se fait l’éloge de cette beauté naturelle, et invite le public à considérer, et à reconnaître, cette fragilités

Nikki Peck Painting Series, 2012 Acrylic, Ink, medium, on Canvas

Emma Sise Untitled (Parachute), 2012 Black & White photography.

Lisandre St-Cyr Lamothe Ojos, 2012 35mm Ink jet print on foam board.

Assumptions are not derivative of - 29 - accepted facts but of distant tales.

GaĂŤl Patino 154/154 , 2012 Acrylic & oil on wood

curio Coat Check Gallery

Fri. March 8th – Fri. March 22nd

5180 Notre-Dame O.

Finissage : Thurs. March 21st 6 - 9 pm Open House : Sat. March 16th, 12 - 12.45 pm

Curated by Amira Shabhson Curio is an exhibition of artists’ collections. In collections, mundane objects take on new meaning as personal inventories; as personal inventories, the collections featured in Curio embody traces of the artists’ worlds and the symbolic value they apply to these fragments. As a group, these artists present a contemporary series of explorations into the unmonumental, the stuff that we collect, the sentiments we ascribe to our collections, and the rituals that surround the act of collecting.

curio - 30 - curio

Curio est une exposition de collections d’artistes. Au cœur d’une collection, les objets de tous les jours prennent un autre sens, celui d’un inventaire personnel. En tant qu’inventaire personnel, ces collections incarnent les mondes et les valeurs symboliques que leur confèrent les artistes. En groupe, les artistes de Curio nous présentent une série d’explorations contemporaines du petit, de l’anodin, des choses que l’on amasse, des sentiments auxquels nous les associons et des rituels qui marquent le geste du collectionneur.

curio

Zoe Koke My work deals with the tensions between communication, isolation & intimacy throughout time in relation to people & their daily lives. I am interested in the possibility of multiple narratives in any given artwork. My work emphasizes the mundane & the familiar as sites for drawing forth narratives that don’t seek to be completed.

My work deals with the tensions between communication, isolation & intimacy throughout time in relation to people & their daily lives. I am interested in the possibility of multiple narratives in any given artwork. My work emphasizes the mundane & the familiar as sites for drawing forth narratives that don’t seek to be completed.

Karoline Lebrun I explore the notion of the self through performances, photography, drawing, & sculpture. The accumulation of my pieces becomes a proof & authentication of my existence.

I explore the notion of the self through performances, photography, drawing, & sculpture. The accumulation of my pieces becomes a proof & authentication of my existence.

Aditi Ohri

curio - 32 - curio

I wish to transform the gallery space into a site of indirect communication & exchange between the visitor & the traces of myself. I hope to generate a spirit of excitement & curiosity that will disrupt the conventions of interaction between a viewer & an art object in a gallery setting.

Marlee Parsons & Zoe Ritts I am interested in health & control (institutional as well as self-control) & their effect on one’s status. Currently I am investigating the perception of my own states of illness & wellness imparted by heredity & by my family experience.

I am interested in health & control (institutional as well as self-control) & their effect on one’s status. Currently I am investigating the perception of my own states of illness & wellness imparted by heredity & by my family experience.

My work deals with space & architectures generally. In Swim Behind Me, these architectures are of the body & disease cancerous cell structures, limbs, & abstracted representations of organisms. The drawings illustrate my own collection, one of moments as well as remnants related to loss.

Zoe Koke Pictures of my Mother, 2004-Ongoing Photography

Aditi Ohri Life Plan, 1993 -Ongoing Collected stationery

Marlee Parsons & Zoe Ritts Swim Behind Me, 2012-2013 Collected drawings

curio - 33 - curio

Karoline Lebrun Fallen Soldiers, 2013 Hair, solder, glass

Laura Robbins My work centers around the topic of selfidentification, the body as documentation, reproduction & repetition, & the line between compulsion & deliberate practice. I work primarily as an illustrator, as well as in print media & ceramics.

My work centers around the topic of selfidentification, the body as documentation, reproduction & repetition, & the line between compulsion & deliberate practice. I work primarily as an illustrator, as well as in print media & ceramics.

Allison Smith My work investigates the clash between art & trade. My midpoint is always design.

My work investigates the clash between art & trade. My midpoint is always design.

Florence Vallieres Working primarily in performance but supported by a wide variety of media, I narrate hoaxes made tangible by created evidence in drawing, video, sound, fibres & installation.

Working primarily in performance but supported by a wide variety of media, I narrate hoaxes made tangible by created evidence in drawing, video, sound, fibres & installation.

Zoe Wonfor curio - 34 - curio

I want my work to provide -moments-. Moments to think about Yellowstone National Park, gala apples, lunch time, or lovers. I hope these works give a viewer a moment to pause

Lianne Zannier I am an artist & amateur collector of collectables making worlds & strange dioramas with the curious curiosities I find. I like to animate drawings that transform one thing into another, revealing magical happenstances & the tricks we play with our eyes.

I am an artist & amateur collector of collectables making worlds & strange dioramas with the curious curiosities I find. I like to animate drawings that transform one thing into another, revealing magical happenstances & the tricks we play with our eyes.

Laura Robbins ACAB/All Cats Are Beautiful, 2012 Monotype & relief printing on slipcast white earthenware

Florence Vallieres The Study, 2012-13 Vines, rafia, feathers, twine, twigs, felt

Lianne Zannier Friends, 2013 Found sculpture

Zoe Wonfor White Lady, Seth, Summer, Guinea, 2012 Jars, ethyl, alcohol, collected animal & plant matter

curio - 35 - curio

Allison Smith Artichokes/Fibonacci Sequence, 2012 Casted forton & painted MDF

Erase & Rewind Studio XX

Fri. March 8th – Fri. March 22nd

4001 Berri

Vernissage : Thurs. March 14th 6 - 9 pm Open House : Sun. March 17th, 12 - 12.45 pm

Curated by Bella Giancotta & Marie-Michèle Plante

Erase & Rewind - 36 - Erase & Rewind

Erase and Rewind is an exhibition exploring the transient life cycles within pop culture sensations, while studying historic recurrence in entertainment in a playful and lighthearted approach. Curated by Bella Giancotta and Marie-Michèle Plante, this exhibition brings together works of twelve emerging artists to follow the birth, death and resurrection of popular sensations while highlighting a societal critique. These works investigate consumer culture with a strong sense of urban influence through medium, style and subject matter. Seeking to understand the present and its representation in visual culture, Erase and Rewind is collage of nostalgic, vintage and present pop culture items that brings the audience into an episode of our present cultural existence while creating an amusing and engaging environment. L’exposition Erase and Rewind est une exploration des brefs cycles de vies des sensations pop, ainsi qu’une étude légère et enjouée des récurrences historiques présentes dans la culture du divertissement. Les commissaires Bella Giancotta et Marie-Michèle Plante ont choisi douze artistes émergeants pour suivre la naissance, la mort et la résurrection des fadaises de passage, tout en y joignant une critique sociétale. Les œuvres présentées font l’examen de notre culture de consommation et de l’apport de l’influence urbaine. Ayant pour objectif de comprendre le présent et sa représentation dans notre culture visuelle, Erase and Rewind est un collage d’éléments nostalgiques, passés et présents. L’exposition, grâce à la création d’un environnement attrayant et amusant, montre au public un épisode de notre existence culturelle contemporaine.

Erase and Rewind

Laura C. Ashley With this interactive installation, Laura C. Ashley attempts to reclaim her failed career as a porn film director. MAKE IT RAIN explores the signs of success in various samples of self-representation found in the generic images produced by popular culture, and specifically women’s magazines.

Avec cette installation interactive, Laura C. Ashley, une jeune artiste qui tente de racheter sa carrière manquée de réalisatrice de films pornos, explore des signes de la réussite par le biais de la représentation de soi véhiculée dans les images génériques produites par la culture populaire, en particulier les magazines féminins.

Mitch Dixon

Erase & Rewind - 38 - Erase & Rewind

A Lesson in Drawing is a re-imagination of the instructional art making video. By reusing and manipulating found audio recordings, I simultaneously play the part of the teacher and the student. The video plays with the ideas of creation, destruction, art making and teaching in a created alternate reality.

FONKi FONKi est un artiste Montréalais-khmerfrançais issu de la culture du graffiti. Autoportrait 01 vous accueille dans son univers hétéroclite dans lequel vous êtes les bienvenus. Car ici, «Les bons délires font les bons amis» !

Avec A Lesson in Drawing, je réinvente les vidéos d’art pédagogiques. Je joue simultanément le rôle du professeur et de l’élève par la manipulation d’enregistrements sonores trouvés. Placé au cœur d’une réalité alternative, ce vidéo touche au principe de la création comme de la destruction, de la production artistique et de l’enseignement. FONKi, A Khmer-French Montrealer graffiti artist, welcomes you to his eclectic universe with his Autoportrait 01. Here, shared antics make fast friends!

Emilie Gauvin It Makes me Wet & A Reaction Video - Reacting to Crayon by G-Dragon are an exploration of foreign popular culture, Japanese & Korean, & its influence on the North American culture. It seeks to understand just how foreign the media is to the foreigner.

Les œuvres It Makes me Wet and A Reaction Video - Reacting to Crayon by G-Dragon explorent la culture pop du Japon et de la Corée et son influence sur la culture pop nord-américaine. It Makes Me Wet cherche à comprendre à quel point les média sont étranges pour les étrangers.

Mitch Dixon A Lesson in Drawing, 2012 Film

FONKi Self Portrait, 2012 Spray Paint on Board

Emilie Gauvin It Makes me Wet & A Reaction Video Reacting to Crayon by G-Dragon Mix media (cotton underwear, immersion dye, iron on print, & ornate plates) & Film Projection

Erase & Rewind - 39 - Erase & Rewind

Laura C. Ashley MAKE IT RAIN, 2013 Installation suspended multimedia, shredder, roll of magazine paper

Hearyung Kim I am interested in creating a seemingly playful artwork that actually has heavy layers. I enjoy challenging an audience’s preconceptions & questioning what is going on in our worlds. My artistic merit resides in using what are often neglected mediums as primary mediums. I hope that viewers can read the determination, self-reflection, cross referencing, & humor in my work.

Mes œuvres, d’apparence ludique, peuvent être lues sur plusieurs niveaux. J’aime jouer avec les idées préconçues d’un public et remettre en question les évènements qui perturbent nos mondes. Mon mérite tient de ma capacité à utiliser les média négligés comme matériau de départ. J’espère que le public verra la détermination, l’autoréflexion et les multiples références et l’humour que j’insuffle dans mon travail.

Aidan Pontarini

Erase & Rewind - 40 - Erase & Rewind

Death of a Telephone is a photography diptych that pokes fun at our culture’s constantly accelerating regurgitation of technology. With the Internet & cellular phones has come the demise of what used to be considered futuristic. One moment the telephone is relevant & the next it’s erased.

Death of a Telephone est un diptyque qui traite de la frénésie des avancées technologiques avec humour. L’internet et les téléphones cellulaires ont remplacé ce qui, pour un temps, semblait futuriste: le téléphone fut pertinent, à présent il s’efface.

Jeremy Sandor By the time an oil painting dries, it’s probably old news. It seems natural that people are throwing paintings out on the curb. Wrapped tight in gilded frames, the refresh button is nowhere to be found.

Une fois sèche, une toile à l’huile est déjà histoire ancienne... Que les gens mettent au trottoir leurs vieux tableaux semble aller de soi; on ne trouve nulle part le moyen de réactualiser l’image, soigneusement tendue dans son cadre doré.

Jonathan Reid Sévigny Coffre au Trésor is a central prop in Jonathan’s first short art film DCSHOECO.COCHANEL (2013). The piece acts as a catalyst for artifacts from the artist’s high school burnout past to merge with the aesthetics & sensibilities of his female avatar who balances an array of personas that range from cult princess to a trendy art school girl with pink

Coffre au Trésor est l’accessoire principal de DCSHOECO.COCHANEL (2013), le tout premier film de Jonathan. Cette œuvre allie les objets et artéfacts retrouvés dans le passé adolescent de l’artiste aux sensibilités esthétiques de son avatar féminin, qui, quant à elle, prend tour à tour les traits d’une princesse cult, ceux d’une étudiante en beaux-arts aux cheveux roses et, enfin, ceux d’un personnage de fanfiction.

Hearyung Kim Pink Dream, 2012 Cups & fibers

Jeremy Sandor Working Title, 2013 Oil on canvas, found objects, antique frames

Jonathan Reid Sévigny Coffre au Trésor, 2012 Acrylic on cabinet.

Erase & Rewind - 41 - Erase & Rewind

Aidan Pontarini Death of aTelephone, 2012 Silver gelatin print

Caroline Steele Present in the urban scene, these symbols are often used to focus the attention, through technology, on a certain subject or product. Here, the artist has rather chosen to give further reflection on overheard blips of conversation, but has decided to use the same strategy to refocus the attention to the Montréal public space and its sensations.

Ces symboles, présents dans l’environnement urbain, interpellent le passant grâce à leur portée technologique et le dirigent vers un certain sujet ou produit de consommation. Ici, l’artiste a plutôt choisi, en puisant dans des bribes de conversations entendues ici et là, de subvertir cette stratégie pour proposer une réflexion sur les espaces publics de Montréal et les sensations qu’ils évoquent.

Julia Wolfe & Chris Drogaris

Erase & Rewind - 42 - Erase & Rewind

The Grid is a self-contained game console that brings back everything we loved about old-school gaming – with a modern twist. The Grid reminds us that all we really need to have fun is some bright coloured lights mixed with some crazy catchy tune.

The Grid est une console de jeu vidéo qui satisfait tout ce qui nous manque des jeux old school – avec un petit zeste contemporain. The Grid nous rappelle que ce qu’il nous faut pour avoir du plaisir ne tient qu’à des lumières colorées et à une mélodie accrocheuse…

Basia Wyszyrski Basia Wyszynski’s youthful approach to our inevitable fate is acknowledged as an impending certainty – but unaccepted as a reality.

Le regard jeune que Basia Wyszynski pose sur notre inévitable destin est reconnu comme une certitude latente – mais une réalité inacceptée.

Caroline Steele Urban Mandalas Acrylic on raw canvas

Basia Wyszyrski The End, 2012 Acrylic & Spray Paint on Wood

Erase & Rewind - 43 - Erase & Rewind

Julia Wolfe & Chris Drogaris The Grid, 2012 Wood, Metal, Arduino, Wire, Clay, Paint

Ill Palette Eastern Bloc

Fri. March 8th - Fri. March 22nd

7240 Clark, 2nd floor

Vernisage : Fri. March 15th 6 - 9 pm Open House : Sun. March 17th, 3.30-5.30

Curated by Jordan Davidson

Ill Palette - 44 - Ill Palette

This exhibition of nine artists seeks to challenge conventions of aesthetic protocol by reallocating subjective undertones along conventional lines. The theme intends to provide a space of collision and semi-conscious understanding; where projects interact and challenge the environment, awakening new meanings and realizations of cumulative importance. Showcasing the interplay of dynamic mediums, Eastern Bloc will host a trove of works - each relating to one another as units in question. While the central focus remains embedded in each piece’s individual strength, the collective stance of the art works provides a new gauge in which to measure the commonplace and invites attendees to undertake a similar transformation. The works collectively suggest to relinquish evaluation as response of relative development, secured in context and stark allusion. .

Curated by Vincent Viezzer These exhibited works exist as collaborative narratives that weave together stories detailing the malaise of bodies, buildings, and bureaucracy. They touch on illness in the forms of love-sickness to worried-sick, an erotic craving of another’s body to an ill-at-ease obsession on how bodily imperfections are perceived by others. Rarely existing in grey, the pieces formally showcase hues that occur as diachotomic extremities: black and white. The former endures as a hopeless absence of light, while the later prevails with an overwhelming abundance of it. Within this tale is no comfortable mid-ground and there is no compromise.

Curated by Ashley Zver-Volel To muse the interaction between the human and its environment begs questioning: How does the human understand itself in space? How does it claim what is not its body? Or escape what is ineluctable? Adrift, Saint-Rémi, and Instants égarés explore the human in its environment through such questioning. In overview, the human understands its surrounding, has created it, mastered it, even so to the extent that it can let it disappear; on the surface, the individual is stronger than its environment, in control. Yet, Korzenstein, Dahou and Poupart have hinted that, even in one’s own environment, there can be this ill sense of struggle, contemplation or self-discovery. It is one that lies deep within the individual. The human environment, as depicted in these pieces, can be understood as a medley of the inner-self, where the human is ironically seeking to comprehend, appropriate or escape the realm of reality he or she is found in.

Les œuvres exposées tissent une série d’histoires collectives touchant au malaise des corps, des bâtiments et de la bureaucratie. Elles parlent de la maladie, passant du délire amoureux à l’angoisse maladive, détaillant la carence érotique du corps de l’autre et l’obsession que provoque le regard d’autrui sur nos imperfections physiques… L’esthétique formelle des œuvres présentées tranche entre noir et blanc, délaissant la grisaille. Le noir endure l’absence désespérante de lumière, alors que le blanc accable et abonde. Ce conte n’offre ni le réconfort d’un juste milieu, ni le compromis.

Réfléchir aux interactions que l’humain entretient avec ses alentours nous mène vers certaines questions: comment peut-on se concevoir dans l’espace? Comment revendiquet-ton ce qui n’est pas notre corps? Comment échapper à l’inéluctable? Les œuvres Adrift, Saint-Rémi et Instants égarés examinent ces problématiques qui touchent à l’humain et à son environnement. De manière générale, l’être humain est à même de le comprendre, l’a même créé, et le maîtrise jusqu’à pouvoir le laisser disparaître. À première vue, l’individu contrôle ce rapport de force. Pourtant, Korzenstein, Dahou, et Poupart nous montrent que, même dans notre propre environnement, nous ne sommes pas à l’abri de la lutte, de la contemplation ou de la découverte de soi. Ces questions prennent leur source au plus profond de nous-même. L’environnement humain, tel que représenté dans ces trois œuvres, peut être appréhendé comme les méandres d’un Moi intérieur, où l’être humain chercherait ironiquement à comprendre, posséder ou fuir les limites de sa propre réalité.

Cette exposition regroupe neuf artistes et cherche à provoquer un débat autour des conventions esthétiques en attribuant un sous-entendu subjectif à des formes conventionnelles. Le thème entend créer un lieu de collision et de compréhension à semi-consciente où les projets interagissent avec l’environnement, le mettant au défi, surprenant de nouveaux sens et de nouvelles réalisations dont l’importance est cumulative. La galerie Eastern Bloc accueillera une mine de travaux communiquant les uns avec les autres en mettant l’accent sur l’interaction de divers média dynamiques. Bien que l’exposition souligne la force individuelle de chaque œuvre, l’impression qui se dégage de leur regroupement donne au visiteur une nouvelle mesure avec laquelle l’on peut circonvenir le connu. Elle invite également le public à une transformation de la même nature. Collectivement, les travaux nous suggèrent de laisser tomber notre jugement évaluatif comme réponse au développement relatif, concrétisé dans son contexte et ses allusions rigides.

Abimbola Vivian Ayodele The human condition is marked by deconstruction, reconstruction & the ensuing creation of newer entities. This multidimensional sculptural fixture narrates the notion of perpetual process. The fragments symbolize exploration & the undying quest for enlightenment. Strategically mounted on the column to be viewed from multiple vantage points, diverse interpretations of this sculpture are welcome.

Rihab Essayh

Ill Palette - 46 - Ill Palette

My work explores the relationship between redesigning object & religious stories. With the influence of Daumier ‘s caricature & using complex crosshatching techniques. Ever since college, I have had a fascination with the truths behind religion. The dramatic events, though almost improbable of as a narrative, have a potential to perceive a caricature. This is my conception of an unrealistic story, represented as a contemporary food chain of sorts.

Adrien Fillion Small worlds expand through steel polygons. The raw space is met with the hidden information that emanates from the rhythm of simple geometric shapes & their shadows. The plain lines congregate into a shifting mass that seems too large for its body. As a sketch of volume, the intention is to investigate a breakdown of physical space into intermingling objects that hint at the daily data unseen.

Kyle Goforth My design process is informed by the emotional dimension of the user object interaction. Through the tactile; explicit & metaphorical; implicit associations of form, the work I create questions the culture of standardization & design criteria of normalization, while always striving to extend social & cultural sustainability.

La condition humaine est marquée par les processus de déconstruction, reconstruction et la création de nouvelles entités. Cette sculpture pluridimensionnelle parle de l’idée d’un processus perpétuel. Les fragments symbolisent l’exploration et la quête éternelle de la connaissance. La sculpture, montée stratégiquement sur une colonne afin d’être vue sous tous ses angles, invite une multiplicité d’interprétations.

Mon travail se penche sur la relation entre le remodelage de l’objet et le patrimoine religieux. Infuencée par la caricature de Daumier, j’utilise une technique de hachurage complexe. Depuis mon arrivée à l’université je me fascine pour les vérités derrières la religion. Les éléments dramatiques des textes religieux, bien que peu crédibles concrètement, ont le potentiel de percevoir la caricature. Cette œuvre est une illustration de ma conception d’une histoire factice sous forme d’une chaîne alimentaire contemporaine. De tous petits mondes se dilatent à travers les polygones d’acier. L’espace mis à nu est rejoint par l’information cachée qui émane du rythme présent dans les formes géométriques simples et dans leur ombres. Les lignes simples se regroupent en une masse changeante qui semble trop grande pour son corps. L’intention dans cette esquisse d’un volume est d’enquêter sur la déconstruction d’un espace concret qui s’étiole en objets indistincts. Ces derniers font référence aux données invisibles qui tous les jours nous entourent. Ma démarche en design s’inspire du potentiel émotionnel de l’interaction entre l’humain et l’objet. À travers les dimensions tactiles, explicites, implicites, et métaphoriques de l’associations des formes, les œuvres que je crée remettent en question la tendance à la standardisation et à normalisation des critères de design, tout en s’efforçant à développer la durabilité des instances sociales et culturelles.

CURATED BY JORDAN DAVIDSON

Rihab Essayh The Ark Drawing Adrien Fillion Triangles 1 & Steel Sculptures New Media Work & Sculpture

Kyle Goforth The Brutalist Chair Object Design

Ill Palette - 47 - Ill Palette

Abimbola Vivian Ayodele Shattered Installation

Maria Kapovska This untitled work presents an experimental, process-driven photographic series. Along with the accompanying sound component, the images pose as dynamic, scientific documents, witness to both the terrestriallycatastrophic & the corporeally-impalpable effects of nuclear radiation. Each image has undergone a specifically layered procedure of manipulation to achieve the given effect. The artist works mainly in installation, sculpture, & photography. Operating in a primarily minimal aesthetic, her conceptual preoccupations tend to lean toward the apocalyptic & the cosmic sublime.

Ce travail sans titre est une série de photographies expérimentales dirigée par les paramètres de sa création. Les images, accompagnées par une trame sonore, se positent en documents scientifiques dynamiques témoignant des effets terrestres et corporels catastrophiques et impalpables de la radiation nucléaire. Chaque image a été soumise à un procédé précis de stratification pour atteindre l’effet escompté. L’artiste travaille surtout en installation, en sculpture et en photographie. Ses préoccupations conceptuelles portent sur l’expression visuelle de l’apocalyptique et du cosmique sublime à travers une esthétique ancrée dans le minimalisme.

Bouchra Laraki Ill Palette - 48 - Ill Palette

The details, microscopic shapes, often left in oblivion tend to drive my attention more than the striking visible. The static, lifeless shapes & materials are being embodied. They live through the spectator’s eyes & prism of interpretation. This multimedia project appeals to your senses. The visual & sonic experience tries to explore a new dimension of movement & life. Detail has become ubiquitous & the static endlessly lives.

Les détails et les formes microscopiques souvent victimes de l’oubli attirent mon attention plus que ce qui est bien visible. Les formes immobiles et sans vie s’incarnent. Elles vivent dans l’œil du spectateur et dans ses interprétations. Ce projet multimédia est un appel aux sens. L’expérience visuelle et sonore tente d’explorer une nouvelle dimension dans le mouvement et dans la vie. Le détail surabonde et l’immobile vit éternellement.

Anne Isabelle Leonard Through art, I explore the world, its concepts & realities, from a simple body movement to gravity. Through my travels & through my work, I try to comprehend these different concepts & realities. While revisiting a wellknown concept, I tend to use materials that are part of my daily routine & contrast them with welded metal structures. The entity being monochromatic, the human body is deformed by the structure & creates a new identity. Do they see me as human or as structure?

L’art me permet d’explorer le monde, ses concepts et ses réalités, d’un geste tout simple, jusqu’au principe de la gravité. Je tente de comprendre, à travers mes voyages et mon travail, ces divers concepts et réalités. Lorsque je revisite un concept bien connu, j’ai tendance à utiliser des matériaux qui font partie de ma vie de tous les jours et à les contraster à des structures de métal soudées. L’entité étant monochrome, le corps humain se retrouve à être déformé par la structure, et par conséquent se crée une nouvelle identité. Me voient-ils comme un être humain, ou comme une simple structure?

Bouchra Laraki Lâ&#x20AC;&#x2122;Immobile Vit Multimedia installation & photography

Anne Isabelle Leonard EntitĂŠ Installation & performance

Ill Palette - 49 - Ill Palette

Maria Kapovska Nuclear Radiation Photography & Sound

Jessica Monuk My work is a series of interventions which are then realized through found materials; allowing each material to either function true to its nature or by manipulating it into a preconceived idea, concept, or thought. In an isolated & often monotonous process, I invest my body & mind into a meditative & repetitive act, which accumulates to reveal a finished work; sometimes even as a surprise to myself. Patterning camouflages each material while close inspection can reveal the artist’s presence simultaneously leaving the work open for interpretation.

Tess Roby

Ill Palette - 50 - Ill Palette

My photography casts a shadow over people & everyday objects, writing a narrative they never knew they had. One asks why we are so attracted to the remnants of a horrible accident, or an empty chair waiting in a yard. There is continuing power in the still image. Everything is not always as it seems.

Sara Magdaleria Anstis A slow accumulation of lines that nurture detail is central to my work. The characters in my drawings are often waking from a long period of rest. This vulnerable state creates liminal beings, creatures on both sides of a line, distorted hybrids occupying both reality and reverie. Their bedfellows, who lull them into the light of day and rearrange their lines, bring them back into their physical existence through touch.

Catherine Asselin-Boulanger My photographic work speaks of sexuality: seduction, desire, relationship, intimacy, and eroticism. The people that I love have a strong impact on me. I am moved and animated by these individuals. Using a large-format camera and black and white negatives, I aim to make my models look sublime. I consider them as collaborators and I direct them as actors; it’s their own interpretation of emotions that interest me.

Mon travail peut être vu comme une série d’interventions réalisées à l’aide de matériaux trouvés. J’utilise ces matériaux comme ils se doit, ou je les manipule pour atteindre une idée préconçue, un concept, une pensée. Ce processus m’isole et est bien souvent monotone; j’y investis mon esprit jusqu’à atteindre un geste répétitif et méditatif. L’accumulation révèle un travail fini qui peut parfois me surprendre moi-même. Le motif camoufle chaque matériau, mais à y regarder de plus près l’on retrouve la main de l’artiste tout en laissant l’œuvre ouverte aux interprétations possibles. Mes photos portent une ombre sur les gens et objets de tous les jours, formulant des histoires inattendues. On se demande souvent pourquoi les traces d’un accident fascinent, pourquoi la chaise vide dans le jardin intigue. Les images immobiles ont toujours un pouvoir de captivation. Les choses ne sont pas toujours comme elles semblent. Mon travail est une lente accumulation de lignes qui alimentent les détails. Les personnages de mes dessins se réveillent souvent d’un long repos. Cet état de vulnérabilité engendre des personnages de l’entre-deux, créatures de part et d’autre de la ligne, hybrides tordus qui occupent à la fois le réel et l’onirique. Leurs compagnons de lit, qui les attirent à la lumière du jour et réarrangent leur tracé, les ramènent à une existence physique grâce au toucher.

Mon travail photographique discute de sexualité : il touche à la séduction, au désir, aux relations amoureuses, à l’intimité et à l’érotisme. Les gens que j’aime m’émeuvent, m’animent et sont d’une grande influence. Je pousse mes modèles au sublime à l’aide d’une caméra grand format et de négatifs noirs et blancs – ils sont mes collaborateurs, et je les dirige comme on dirige des acteurs. Mon intérêt provient de leur propre interprétation des émotions suggérées.

Jessica Monuk His Royal Highness photographic collage

Ill Palette - 51 - Ill Palette

Tess Roby Pending:Doom photography

CURATED BY VINCENT VIEZZER

Sara Magdaleria Anstis Liminal Being I & II, & Foxgloves, 2012 Charcoal on Paper

Catherine Asselin-Boulanger Untitled #1,5,6,7, & 11, 2012 Large format photography, fiber paper

Raúl Aguilar Canela I’m multidisciplinary artist interested in cultural conceptions of death and violence, as well as the relationship between subject and authority. I maintain a parallel practice in painting and sculpture. I’m interested in the dynamic of power that has recently evolved in Mexico and this has inspired the growth of my work. The use of fictional characters, fake historical events, and impossible phenomena are the guiding lines of my work on both practices.

Je suis un artiste pluridisciplinaire qui s’intéresse aux concepts culturels de mort et de violence, ainsi qu’à la relation du sujet à l’autorité. L’évolution de la dynamique du pouvoir au Mexique a grandement inspiré ma production artistique. Je travaille parallèlement en peinture et en sculpture. Ces pratiques reflètent toutes deux mon intérêt pour les personnages fictifs, les canulars historiques et les phénomènes impossibles.

Marianne Gingras

Ill Palette - 52 - Ill Palette

My drawing and sculptures often endeavour to illustrate known myths or my own dreamscape influenced by mythos. I explore the deformed and corporal imperfect body as social filters. How does unattractiveness transform into beauty? How can we communicate the internalized “feeling of ugliness” to the Other? Through my work, I impart my innermost feelings: fears, insecurities, inhibitions, and discomfort.

Mes dessins et sculptures se font souvent les représentations de mythes connus ou des paysages de mes rêves, qui sont empreints de mythologie. Comment la laideur peutelle se transformer en beauté? Comment communiquer à l’Autre ce sentiment de laideur que l’on internalise? Mon travail fait part de mes sentiments les plus intimes: mes peurs, mon insécurité, mes inhibitions et mon malaise.

Michelle Lundqvist I am fixated on the event when thought matter becomes visible matter. I am interested in the borders between what is perceived with the physical senses and the imagined world. My work is about the awareness of the sensation of a thought or emotion arising and disappearing as the works are created, culminating into a single event of an image or form.

Je suis captivée par le moment où la matière des pensées devient matière visible; je m’intéresse à la frontière entre ce que perçoivent nos sens et notre imaginaire. Mon travail est une prise de conscience de la sensation d’une pensée où d’une émotion qui émerge et disparaît alors que l’œuvre prend forme, culminant en image ou en forme singulière.

Veronique Sunatori Forgotten aesthetics and subject matters are what most of my work revolves around. Being unusual and seemingly absurd, I want my works to provoke questioning regarding set routines and standards that can prevent one to see past them. I aim for authentic results, avoiding artificiality, in order to present something true and relatable.

Les esthétiques et sujets oubliés se retrouvent au cœur de mon travail. Mes œuvres sont insolites et peuvent paraître absurdes; elles remettent en question ces routines et standards qui nous saturent. Évitant les artifices, je vise des résultats authentiques fin de présenter une vérité à laquelle on peut s’identifier.

RaĂşl Aguilar Canela Crash, 2011 Paper & Metal

Michelle Lundqvist The Balance (self-portrait #2 & 3), 2013 Oil on Canvas

Veronique Sunatori Temporary, 2012 Sono tube, plastic flower pots, plaster

Ill Palette - 53 - Ill Palette

Marianne Gingras Corps en DĂŠformation I, III & V, 2012 Paper pulp, PVA glue & ink

Gabrielle Vigneault-Gendron My work revolves around the theme of humans, their relationship with nature and themselves, their emotions, fears, and weaknesses. I like to describe my artistic style as a mix of hypnotic and crazy aesthetic that brings the viewer a feeling of both oddness and satisfaction.

Mon travail se penche sur les humains, leur relation à la nature et à eux-mêmes, leurs émotions, leurs peurs et leurs faiblesses. Je conçois mon style artistique comme un mélange d’esthétiques hypnotiques et forcenées qui mènent le spectateur à un sentiment qui tient de l’étrangeté comme de la satisfaction.

Yasmina Dahou Hailing from Montreal suburbia, Yasmina Dahou explores singular sites through photography. After moving to the city, she started to investigate the region; Saint-Rémi proposes a guided tour of the land belonging to an Italian immigrant.

Le travail de Yasmina Dahou explore par la photographie des lieux singuliers. Ayant grandi en banlieue de Montréal, c’est après y avoir déménagé qu’elle s’est intéressée à cette région. Saint-Rémi est une visite guidée d’une terre appartenant à un immigrant italien.

Stephen Korzenstein Ill Palette - 54 - Ill Palette

Using perspective as a point of departure, Adrift captures in a brief, uncut moment, a wooden shack as it is wrested from its landlocked berth, & dislodged to sea by tide & wind. As the structure gradually drifts towards horizon, the artist imbeds himself in the scene through a simple gesture, & calls into question the nature of escape.

Adrift capture le moment brut où une cabane de bois est arrachée à son enclave terrestre et emportée vers la mer par la marée et par le vent. La perspective en est le point de départ. Alors que le fragile échafaudage dérive vers l’horizon, l’artiste, d’un geste tout simple, s’immisce dans l’image et remet en question la nature de la fuite.

Ariel Poupart With Instants égarés, I chose to recreate these wandering moments which derive individuals from the reality of their surroundings. Caught in their own bubble while performing simple tasks, my subjects portray not only solitude but a private moment with themselves, a peace of mind. One can wonder along their imagination: what would I be thinking of?

Avec Instants égarés, j’ai voulu recréer ces instants furtifs qui emportent les gens loin de la réalité des choses. Prisonniers de leur propre bulle, mes personnages dépeignent non seulement la solitude, mais aussi un instant intime et privilégié avec eux-mêmes, une certaine paix intérieure. Nous pouvons suivre le fil de leur imagination et se demander: que penserais-je?

Gabrielle Vigneault-Gendron Self-portrait #1 & 4, 2012 Photograph, drawing over video projection

CURATED BY ASHLEY ZVER-VOLEL

Ill Palette - 55 - Ill Palette

Yasmina Dahou Saint-Rémi, 2012 Chromogenic Print

Stephen Korzenstein Adrift, 2012 Performance Video

Ariel Poupart Instants égarés, 2012 Chromogenic Print

LAB 353 - BIOLOGIE MATÉRIALISTE Espace Projet

Fri. March 8th - Fri. March 22nd

353 Rue Villeray

Vernisage & Open House : Sun. March 17th, 6 - 9 pm

LAB 353 - BIOLOGIE MATÉRIALISTE - 56 - LAB 353 - BIOLOGIE MATÉRIALISTE

Curated by Benjamin J. Allard DESCRIPTION The objective of this laboratory is to reframe our ideas on the living and the non-living, and, more specifically, our relationship with what we call nature. Beginning with the hypothesis that the links between these two entities must be reviewed, the material shown is set to challenge the notion of life. The viewer will be called upon to exercise critical thinking in fields related to biology such as history, philosophy or aesthetics. PREREQUISITES — It is absolutely necessary to be in possession of a body to take part in this laboratory, no exception. — It would be preferable to take full stock of one’s environment and one’s past before entering the laboratory. Any passing oversight could bring the viewer to hasty conclusions. — Second sight is not required; one must simply place one’s bets on the survival of the human race.

DESCRIPTION L’objectif de ce laboratoire est de questionner les notions de vivant et de non-vivant, traitant plus spécifiquement de la relation entre l’humain et ce qu’il appelle la nature. Débutant avec la prémisse que notre conception des liens entre ces deux entités doit être revue, le matériel présenté questionne la notion de vie. Le spectateur sera donc appelé à développer une pensée critique dans des domaines connexes à la biologie, comme l’histoire, la philosophie ou l’esthétique. PRÉ-REQUIS — La possession d’un corps est absolument nécessaire pour prendre part au laboratoire. Aucune exception ne sera permise. — Il serait préférable que le spectateur prenne conscience de son environnement et de son passé avant de rejoindre le laboratoire. Un oubli momentané pourrait amener le spectateur à tirer des conclusions hâtives. — Aucune connaissance exacte du futur n’est nécessaire, mais un intérêt dans la survie de la race humaine est un atout.

LAB 353 BIOLOGIE MATÉRIALISTE

Annie Burgess

LAB 353 - BIOLOGIE MATÉRIALISTE - 58 - LAB 353 - BIOLOGIE MATÉRIALISTE

My approach to creating is a freeing, hedonistic & spontaneous experience always containing a balance between control & spontaneity. My art is sublime chromatic ecstasies that splash over the viewer. It reflects the process & pleasure of the act of making. The artwork becomes alive & respected as independent entities.

Hédoniste et libératrice, mon approche à la création est la recherche d’un équilibre entre le contrôle et la spontanéité. Mes oeuvres, sublimes extases de couleurs, éclaboussent le spectateur et réflètent le plaisir que l’on prend à créer. Elles prennent vie et revendiquent leur indépendance.

Aurélie Dubois Kitsch and the scientific object have been a part of my work for a long time. My interest lies in the transformation that occurs through different means of representation. With traditional media, I attempt to extract natural or cultural topics from their contexts to bring them to an artificial, exhibitive setting.

L’idée du Kitsch et la chose scientifique me suivent déjà depuis longtemps; je m’intéresse à la transformation qui est opérée par les différents modes de représentation. Avec les médiums traditionnels, je cherche à déplacer les sujets naturels ou culturels de leur contexte original vers un contexte artificiel, de monstration.

Hugo Dufour-Bouchard Coming from the advertising world, I have developed an obsession with how inanimate objects provoke emotions. To explore that, I load my pictures with heavy symbolism & metaphors that make no sense. What I make is artificial meaning, parodies of the emotions crafted by advertisement.

Venant du monde de la pub, je suis fasciné par la capacité à émouvoir qu’ont les objets inanimés. Pour y parvenir, je truffe mes images d’un symbolisme latent et de métaphores sans queue ni tête. Je crée un sens artificiel et parodie les émotions synthétisées par la publicité.

Simon McKee ‘Natural’ has many different uses – one is differentiating that which was formed within nature from that which was not. These photographs show how the difference between the two is fading – where the natural & un-natural meet & humans use construction & design elements to tame wild nature & display it.

Le terme “naturel” a plusieurs usages – l’un deux est la différenciation de ce qui se crée dans la nature de ce qui ne s’y crée pas. Ces photos nous montrent à quel point cette différence fondamentale s’estompe – le naturel et l’artificiel se rejoignent, et l’espère humaine s’insère dans la nature sauvage, l’apprivoisant à coups de constructions et de designs pour la rendre à son goût.

Aurélie Dubois Anecdotes, 2012 - 13 Dessins, sérigraphies et manuscrits

Hugo Dufour-Bouchard I Wonder What It Tastes Like, 2012 -13 Photography

Simon McKee Un-Nature, 2012 Photography

LAB 353 - BIOLOGIE MATÉRIALISTE - 59 - LAB 353 - BIOLOGIE MATÉRIALISTE

Annie Burgess Galaxies, 2012 - 13 Ceramic & Glaze

Lauren Osmond I engage with the investigation of the body, both aesthetically & spatially, through interdisciplinary methods of fashion & performance. I look at the body & its relations while in motion, which informs continuous adaptations of identity. A narrative of future forms of living & decay emerges from my work.

LAB 353 - BIOLOGIE MATÉRIALISTE - 60 - LAB 353 - BIOLOGIE MATÉRIALISTE

Le travail photographique de Julian Stamboulieh s’inspire de thèmes tels la croissance et l’excès. Faisant fréquemment usage de la satire, il tente de contraster de façon accessible l’humour présent dans le contenu d’une œuvre et le concept de celleci. Life in Plastic est une exploration de la conservation comme procédé métaphysique, procédé que l’humanité s’obstine à parfaire.

Julian Stamboulieh A lens-based artist, Julian Stamboulieh’s work is inspired by themes of growth & excess. Often satirical, he aims to create an accessible contrast between concept & humor within the content. Life in Plastic is an exploration of preservation as a metaphysical process, one that humanity obsesses to perfect.

A lens-based artist, Julian Stamboulieh’s work is inspired by themes of growth & excess. Often satirical, he aims to create an accessible contrast between concept & humor within the content. Life in Plastic is an exploration of preservation as a metaphysical process, one that humanity obsesses to perfect.

Anne-Marie Trépanier My work is rooted in liminal spaces. Frail and tormented, my pieces are established in performative installations that alternate between transition and permanence. I document ephemeral states in my explorations of the loss of control, of landmarks.

Mon travail prend racine à la limite des choses, là où un espace transitoire se crée. Fragile et tourmenté, mes projets s’établissent sous la forme d’installations, sur lesquelles j’interviens par la performance. Alternant entre provisoire et permanent, j’explore la perte de contrôle et de repères par la documentation de l’éphémère.

Joyce Yam My recent explorations deal with disintegrating landscapes; the themes of ‘used and misused’ and the obliterating power of landscape. I use charcoal, ink and eraser to recall forgotten places and the relationship between individuals and their environment; how they transform one another and how these connections are represented in images.

Mon travail récent se penche sur la désintégration des paysages et leur irrésistible force ainsi que sur les thèmes d’usage et d’abus. Le fusain, l’encre et l’efface me permettent de rappeler à la page les espaces oubliés, la relation d’un individu à son environnement, les transformations que ces deux entités opèrent l’une sur l’autre et comment ces liens viennent à être représentés en images.

Julian Stamboulieh Life in plastic, 2012 Photography, Video

Anne-Marie Trépanier Coma hydraulique, 2012 - 13 Video, color, sound

Joyce Yam Mass, 2012 - 13 Charcoal, Ink, Acrylic, Object on paper

LAB 353 - BIOLOGIE MATÉRIALISTE - 61 - LAB 353 - BIOLOGIE MATÉRIALISTE

Lauren Osmond Breathing-Postures, 2012 - 13 Silk organza, mimaki textile printing

menagerie for hair & wood La Baraque

Mon. March 11th – Sun. March 17th

928 St-Catherine E.

Vernissage : Wed. March 13th, 6-9 Open House & Finissage : Sat. March 16th 6.15-10 pm

Curated by Heather Caplap & Erin Hill A cozy home where familiar forms, objects and beings extenuate to become creatures, our menagerie is a place where once common things become unusual.

menagerie for hair & wood - 62 - menagerie for hair & wood

While wandering amongst this collection of curiosities you will find outlandish substances and subjects, natural fibres, and works of craft. menagerie for hair and wood gathers together a variety of genus. The living spaces of La Baraque will become home to live performance, video, and visual work; collaborating, conversing, conjoining (and canoodling) to inform each others’ readings. Linked by their extremes of texture and scale, the experience of these works is both welcoming and, like a sideshow, a bit unsettling. Get lost in the woods with swamp rabbits, shit and a tiny city. Take a break, comb some hair and don’t forget your shadow.

Notre ménagerie est un lieu où les choses de tous les jours deviennent insolites, un chez-soi confortable où les formes, objets et êtres familiers se font tout à coup créatures. Vous trouverez d’étranges substances, sujets, fibres naturelles et œuvres artisanales en vous promenant dans cette collection de curiosités. menagerie for hair and wood est une exposition qui rassemble une grande variété de genres. L’espace de La Baraque accueillera des performances, des vidéos et d’autres œuvres visuelles qui collaboreront, converseront, se rejoindront et se feront les yeux doux afin de s’enrichir mutuellement. Les œuvres de la menagerie, se trouvant aux extrêmes de leurs textures et de leur taille, et vous accueilleront tout en vous déstabilisant, tel un vaudeville. Venez vous perdre dans nos bois et découvrir les lapins des marécages, la merde et les villes minuscules. Prenez une pause, peignez-vous la tignasse et n’oubliez pas votre ombre…

menagerie for hair & wood

Léa Roy Bernatchez & Justine Orbovic A small action that would make you stop & look. Unexpected; Strange; That attracts your attention, makes you want to find out what is going on. & by doing so, you become yourself part of this event.

Janick Burn

menagerie for hair & wood - 64 - menagerie for hair & wood

Intempérie is a video in which temporality is the performative gesture. The intention is to extract its endurance, weaknesses & particularities. For this piece - as in my works in performance, video, installation & writing -, I sensitively focus on the notion of temporality, in all its manifestations: explorations of the waiting, the duration, the unmeasured, the involuntary.

Valéry Cadieux The transformation of the physical and abstract construction of certain spaces, objects and emblematic Art Historical concepts can be found in one or multiple objects that bring them to a more contemporary expression. I focus in my work on the presence contained in the materials of a certain object. I then transform it according to a more personal and contemporary context, yet in keeping with its initial properties. At times, a deconstruction that leads to decomposition imposes itself.

Vanessa Fleising I believe that art is its own language & the viewer is free to interpret art pieces as they wish. In My Shit, my aim is to show the beauty of the mundane or the ugly. Everything can be art, or art can be shit. This is up to you, the viewer, to interpret as you wish. Hopefully you will have an eye opening experience when you view My Shit.

Sarah Galarneau One overarching theme in my work is that of unreal worlds that float between the realms of surrealism & intuition. I am fascinated by found objects, as well as the relationship between our environments & human creativity. I find this relationship a good starting point for exploring interactivity in art.

Un geste tout simple pourrait vous faire arrêter et regarder,Inattendu et étrange; Qui attirerait votre attention et vous pousserait à comprendre ce qui se passe. Et tout d’un coup, vous en feriez partie.

La temporalité est le geste performatif d’Intempérie. L’objectif est d’en extraire l’endurance, les faiblesses et les particularités. Pour cette œuvre, comme dans mes autres travaux de performance, vidéo, installation et écriture, je me penche sur la notion sensible de la temporalité sous toutes ses formes: l’exploration de l’attente, la durée, l’absence de mesure, l’involontaire. La transformation de la constitution physique et abstraite de certains lieux/espaces, objets et notions emblématiques de l’histoire de l’art se manifeste sous la forme d’un ou de plusieurs objets qui en font une reconstitution plus actuelle. Dans mon travail, je m’interroge sur la présence que tient la matière première d’un objet X, pour ensuite la retransformer selon un contexte plus actuel et personnel, tout en gardant ses propriétés initiales. Dans certaines occurrences, la déconstruction jusqu’à la décomposition s’impose. J’ai la conviction que l’art est son propre langage et que le public est libre d’interpréter les œuvres selon son bon plaisir. L’objectif de My Shit est de montrer la beauté de l’ordinaire et de la laideur. Tout peut être de l’art, et l’art peut être de la merde. C’est à vous, visiteur, de l’interpréter selon vos désirs. Avec un peu d’espoir My Shit vous ouvrira les yeux.

Les mondes irréels qui flottent entre les royaumes surréalistes et ceux de l’intuition sont les thèmes récurrents de mon oeuvre. Je suis fascinée par les objets trouvés ainsi que par la relation entre nos environnements et notre créativité. Je trouve ces points d’ancrages stimulants pour l’exploration l’interactivité dans les arts.

Janick Burn Intempérie, 2012 single channel video, 8min 27sec

Vanessa Fleising My Shit. , 2012 - 13 Valéry Cadieux Les petites Marie, 2012 Huile sur Terraskin, panneaux de bois

Sarah Galarneau To Build A City, 2012 Slip-cast earthenware, glazes, digital decals

menagerie for hair & wood - 65 - menagerie for hair & wood

Léa Roy Bernatchez & Justine Orbovic Polymères, 2013 Performance Art

Myrianne Giguère My artistic practice is built upon the idea that objects have their own memory, and that this memory has the ability to transpose itself to the point where I can capture it and use it as a material to build from. I am particularly interested in the objects that hold memories of our childhood.

Yulia Grebneva

menagerie for hair & wood - 66 - menagerie for hair & wood

Yulia Grebneva is a multimedia artist from Russia, currently studying at Concordia University. Some of her recent projects relate to nostalgia & memories of her homeland. Project Survivors is about Russian women of post-World-War II generation that bore the task of recovering the economy & repopulating the Soviet Union.

Linnea Gwiazda As we grow up many of our childhood fantasies cease to be created yet we still deal with lasting adolescent romanticism & resulting disillusionment. This video explores the relation between imagination & reality, expectation & truth, failure & acceptance.

Ma démarche repose sur l’idée que les objets ont leur mémoire propre et qu’elle a la capacité de se transposer, de telle sorte qu’il m’est possible de la recueillir et de la considérer comme une matière première. Je m’intéresse précisément à la mémoire d’objets où se terrent les souvenirs de notre enfance. Yulia Grebneva est une artiste multimédia originaire de Russie qui étudie à l’Université Concordia. Ses projets les plus récents se sont penchés sur la nostalgie et les souvenirs qu’elle tire de son pays natal. L’œuvre Survivors parle des femmes russes de l’aprèsguerre de ’45 qui eurent la lourde tâche de redémarrer l’économie et de repeupler l’Union soviétique. En grandissant, la créations de fantasmes enfantins s’étiole, et pourtant nous sommes confronté à l’adolescence à un romantisme latent qui fait place à l’amerture de la désillusion. Cette vidéo explore la relation entre l’imagination et la réalité, les attentes et la vérité, les échec et l’acceptation.

Elizabeth MacKenzie For Birds & Squirrels, which was buried in various locations throughout Montreal, Elizabeth MacKenzie assembles new potential habitats. Upon leaving the baskets in the ground, the artist would hope that birds & squirrels would inhabit these foreign vessels placed within their environment.

Cindy Phenix My sculpture/performance embodies my feelings towards society. Art has the ability to transmit different messages; I create art in order to unveil a depth of feeling that can be felt through the artwork when observed.

Elizabeth Mackenzie assemble pour Birds and Squirrels – enterré sous différents sites à travers Montréal – de nouveaux habitats potentiels. Après avoir porté les paniers en terre, l’artiste espère que les oiseaux et les écureuils de la ville puissent habiter ces nouveaux refuges insérés dans leur environnement. Ma sculpture/performance représente ce que je ressens vis-à-vis la société. L’art a pour utilité de transférer différents messages. Je crée pour dévoiler de profonds sentiments et pour qu’ils se fassent ressentir à travers l’œuvre qui est regardée.

Myrianne Giguère Tombe, tombera (ne vois-tu donc pas la fin de l’histoire?), 2012 Handmade paper, glass, felt, human hair

Linnea Gwiazda is it so?, 2012 video

Elizabeth MacKenzie For the Birds & Squirrels, 2012 Twine, dirt & paper

Cindy Phenix Les ailes brisées, 2012 Métal

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Yulia Grebneva Survivors, 2012 - 13 Photographs

Nisha Platzer Lament combines film with poetry using various formats, texts, styles & sounds, motivated by a wish to explore experimental film art & create new visual pieces that would express a mood or sensation without words.

Lament joint la poésie au film en utilisant divers formats, textes, styles et sons; c’est un désir d’explorer le film expérimental et de créer de nouvelles images qui sauraient exprimer une humeur ou une sensation sans passer par les mots.

Rebecca Rehder & Maude Arès

menagerie for hair & wood - 68 - menagerie for hair & wood

Rebecca seeks to develop self-sufficient universes by playing with the human body’s sensitivities. Through materials she sculpts and fashions, Maude wishes to express that very sensitivity.

Rebecca cherche à développer des univers qui se suffisent à eux-mêmes en jouant avec la sensibilité qui se dégage du corps humain. À travers la matière qu’elle sculpte et qu’elle façonne, Maude veut faire ressortir cette même sensibilité.

Jessica Sallay-Carrington I am a ceramic artist inspired by the qualities of animals unique to each species, & their characteristics & movements that we cannot explain. What I find interesting is the relationship between the animal & the human world, or the lack of one where I feel the connection should be rebuilt.

Nina Vroemen Working with video, music & performance, Nina engages her audience in work that realizes voiceless narratives, unmarked history & the silhouettes of memory. Shadows scurry through light like little bits of night caught in day. In darkness, the shadow is forgotten- to be remembered it traces its silhouette.

Je suis une artiste travaillant en céramique qui s’inspire des qualités spécifiques à chaque espèce animale, et de leurs caractéristiques et mouvements que l’on ne peut expliquer. Ce qui m’intéresse tout particulièrement est la relation entre le monde animal et celui des humains, ou l’absence de cette relation et le besoin que j’ai de la réinventer. Nina interpelle son public par un travail qui actualise les histoires sans voix ou sans traces, et les silhouettes de la mémoire à travers la vidéo, la musique et la performance. Les ombres se faufilent dans la lumière comme des morceaux de nuit attrapés par le jour. Dans la noirceur, l’ombre est oubliée, mais rappelée par ses traces, ses silhouettes.

Stephanie Wu Art should not be an artist’s main interest & focus. I use art as a medium that responds & reflects on my life experiences & relationships. My art acts as a diary that documents my perspective on issues & situations in my past, present & future.

L’art ne devrait pas être l’intérêt principal d’un artiste. L’art est pour moi un médium qui répond et réfléchit à mes expériences et les relations que je tisse. Mon art se fait journal intime et garde la trace de mes perspective sur les évènements de mon passé, présent, et futur.

Rebecca Rehder & Maude ArĂ¨s criniĂ¨re, 2013 Performance, Visual Art

Jessica Sallay-Carrington Swamp Rabbits, 2012 ceramic, wooden stump, string

Nina Vroemen Shadow/Memory, 2013 Stilts, Shadow performance

Stephanie Wu Canadian Lanterns, 2012 tracing paper, photographs, graphite, embroidery hoops, thread

menagerie for hair & wood - 69 - menagerie for hair & wood

Nisha Platzer Lament, 2012 8mm experimental film

Nature/Culture Studio #427

Fri. March 8th - Fri. March 22nd

372 Ste.Catherine 0.

Finissage : Mon. March 18th 6 - 9 pm

Belgo Building

Open House : Sat. March 16th, 4 - 4.45 pm

Curated by Cécile Charvet

Nature/Culture - 70 - Nature/Culture

This exhibition explores the narratives that emerge from the relationship between nature and humanity. Whether this relationship be one of conflict or coexistence, of admiration or destruction, on a macro or a micro scale, it is in constant movement creating new dynamics. The artists in Nature/Culture share an interest in this relationship and engage with it through different artistic practices and create new aesthetics and new dialogues around the issues of nature versus culture. Nature/Culture is also an opportunity to make visible this relationship that in our consumerist urban-focused society is often too easy to ignore. Some works underline the collaboration of science and art, usually seen as opposites, yet both start with close observation of nature, others challenge the abuse of nature by culture, and others create outlandish forms that allude to a fantastical yet disturbingly possible future. Together these art works create a space of reflection, food for thought on oneself and contemporary society.

Cette exposition explore les discours qui émergent de la relation entre la nature et l’humanité. Que cette relation en soit une de conflit ou de coexistence, une d’admiration ou de destruction ou qu’elle soit à l’échelle macro- ou microscopique, elle est constamment en mouvement et crée de nouvelles dynamiques. Les artistes de Nature/Culture partagent un intérêt: observer cette relation et engager avec elle à l’aide de différentes pratiques artistiques desquelles émergent de nouvelles esthétiques et de nouveaux dialogues autour des problématiques concernant nature et culture. Nature/Culture est aussi une opportunité de rendre visible cette relation qui est bien souvent facile à ignorer dans notre société urbaine et consommatrice. Certaines œuvres soulignent la collaboration entre science et art, souvent vus comme antagonistes, d’autres questionnent l’abus de la nature par la culture et d’autres encore offrent une vision d’un future effrayant par l’introduction de formes corporelles fantastiques mais étrangement plausibles. Ensemble, ces travaux forment un espace de réflexion tournant le regard sur soi-même et la société contemporaine dans laquelle nous vivons.

N/C

Nature/Culture

Simone Blain Creating art is a clumsy balancing act. I try to make things that are in an awkward transitory state; tipping between sensitivity & absurdity.

La création artistique est un drôle de numéro d’équilibriste – mon travail tente d’actualiser la maladresse des états transitoires, baculant tant vers la sensibilité, tant vers l’absurdité.

Elizabeth Brouillard The beauty and the strangeness of existence fascinate me. It drives me to explore the complexity of the tree of life as well as the place that man occupies in it. Open to interpretations, my work is characterized by its organic structure and carry the viewer in a poetic universe.

La beauté et l’étrangeté de l’existence m’émerveille. C’est cette fascination qui me pousse à explorer l’arbre du vivant dans toute sa complexité, ainsi que la place que l’homme y occupe. Ouvertes aux interprétations, mes œuvres se matérialisent par des constructions organiques qui transportent le spectateur dans un univers poétique.

Ellen Leung Nature/Culture - 72 - Nature/Culture

Clay is malleable, resistant & unpredictable all at the same time. It prompts me to be both reflexive & purposeful. My work explores my aesthetic fascination with decay & wounds. Organic matter in the process of destroying & building itself up again is in its most intriguing & lively state.

L’argile est malléable, résistante et imprévisible à la fois – elle me pousse à la détermination comme à la réflection. Mon travail puise dans ma fascination pour les blessures et le délabrement. La matière organique n’est pas plus intrigante ou animée que lorsqu’elle se détruit puis renait de ses propres cendres.

Sabrina Nazar Through her practice & experimentation with a range of mediums, Sabrina expresses & explores the connection between mind & body. Sabrina’s pieces are created to connect with those around her on an emotional & sensory level. Her work portrays decadence in its layering style while still honoring a raw & vulnerable persona, leaving the viewer feeling an innate humanist connection.

Travaillant à l’aide d’une grande variété de pratiques et média, Sabrina se penche sur la relation du corps et de l’esprit. Ses oeuvres sont créées dans le but d’entrer en contact émotionnel et sensoriel avec le monde qui l’entoure. Son travail utilise la superposition pour dépeindre la décadence, laissant toujours une place de choix à une persona vulnérable, à vif, qui saura trouver chez le spectateur un sentiment de connexion intime

Simone Blain Glitter Bugs, 2012 Colour photograph

Ellen Leung Vessel #1 & #2, 2012 Earthenware, red stain, transparent glaze

Sabrina Nazar Realm of a Sensory Awakening, 2012 Ink drawing printed on acetate, recovered book

Nature/Culture - 73 - Nature/Culture

Elizabeth Brouillard Inner Eyes, 2013 Acrylic paint on wood

Élisabeth Savoie in my past practice, it has been my aim to stay tuned to different opinions and views that arise on different subjects and to transpose them, through my own subjectivity, into experiences that foster collective reflection. Recently, my works have shifted from drawing from different specific issues to emphasizing consciousness, simplicity and serenity. I try to work with different types of pure and simple materials to create experiences celebrating this.

Ma démarche artistique a déjà eu pour objectif de rester à l’écoute des divers opinions et points de vue soulevés par certains thèmes et de les transposer, à travers ma propre subjectivité, en expériences qui nourrissent et participent à une réflection collective. Mon souci à l’égard de certaines problématiques a fait place, depuis peu, a une accentuation de la conscience, de la simplicité et de la sérénité. Je tente de travailler autant que possible avec divers matériaux purs et simples pour en célébrer l’expérience.

Sophie-Kimberly Seguin-Lalonde Nature/Culture - 74 - Nature/Culture

I give a physical shape to things which have none; I give a skeleton to feelings, organs to emotions, a muscle structure to events and flesh to ideas. I like to remind people that they will end as objects, like a heap of bones and dust.

Je donne une forme physique à ce qui n’en a pas; je donne une ossature aux sentiments, des organes aux émotions, une musculature aux événements et de la chaire aux idées. J’aime rappeler aux gens qu’ils finiront comme des objets, comme un paquet d’os et de poussière.

Ă&#x2030;lisabeth Savoie 11, 2011 Electronic sculpture. Granit, faux fur, cams, motors, circuit board

Sophie-Kimberly Seguin-Lalonde A bad posture is a lack of confidence, 2011 Glass casting, blown glass & fabric

Nature/Culture - 75 - Nature/Culture

How does it work?, 2011 Glass casting, blown glass, hair & wood

Ruins VAV Gallery

Mon. March 11th – Fri. march 22nd

1395 Rene-Levesque O. Finissage : Tues. March 19th 6 - 9 pm Open House : Sat. March 16th, 2.15 - 3 pm Curated by Michelle Cantin-Reid “Memory is not an instrument for exploring the past but its theatre. It is the medium of past experience, as the ground is the medium in which dead cities lie interred. “ -Walter Benjamin

Ruins - 76 - Ruinse

The past leaves traces on our bodies and it informs the way we construct our narratives. From the mark, scar, residue, evidence, debris, or the altered light-sensitive surface of photographic paper, each is witness to a time that once was. Memories and emotions give an appearance of immediacy, though the physical traces can only mediate experience. Fragments left behind remind us of the distance between ourselves and what has already happened. We can reassemble them, archive them, give them new meaning, but only when the present has disowned the remnant or the memory. Ruins explores the ties between physical residue, human memory, and experience. Through sculpture, painting, installation, photography and ceramics, 6 young artists explore these themes offering responses but no answers. Ruins are the vestiges of the past whether momentous or banal. They offer a space to connect with histories, to construct them, and ultimately, if we choose, to deconstruct them, as revisiting is impossible and forgetting is as well.

“La mémoire n’est pas un outil pour explorer le passé, mais son théâtre. Elle est le médium des expériences passées, tout comme le sol est un médium où les villes mortes sont enterrées.” —Walter Benjamin Le passé marque notre corps et influence la création de nos propres histoires. La marque, la cicatrice, le résidu, l’indice, les débris, ou la surface photosensible du papier photographique témoignent tous d’un instant à présent révolu. Les souvenirs et les émotions nous donnent l’impression d’une présence, bien que les traces matérielles ne peuvent que transmettre l’expérience. Les fragments que l’on laisse derrière soi nous rappellent la distance entre ce qui est advenu et nous-même. Nous ne pouvons les rassembler, les archiver et leur redonner un sens nouveau que lorsque le présent a déshérité ce qui reste du souvenir. Ruins est une exposition qui détaille les résidus matériels, la mémoire et l’expérience humaine. Ces sculptures, peintures, installations, photographies et céramiques, œuvres de six jeunes artistes, offrent à ces grand thèmes des réactions plutôt que des réponses. Ruins est le vestige d’un passé aussi mémorable que banal. L’exposition est un espace qui permet de se lier aux histoires, de les construire, et, si nous le souhaitons, de les détruire, étant donné l’impossibilité de les revivre ou de les oublier.

Ruins

George Grant Engaging between the abstract & the literal, my interests lie in the ephemeral qualities of memory & experience. Metaphorical & symbolic associations tied to memory are expressed through an exploration of materiality in an ever-evolving process. The disjunctive relationships between inner/outer selves & public/private space are questioned through the framework that an artwork is a reflection of identity.

Oscillant entre l’abstrait et le littéral, je m’intéresse tout particulièrement à l’aspect éphémère de l’expérience et de la mémoire. Cette dernière s’associe à la métaphore et au symbole, qui s’expriment à travers l’exploration de la matérialité au coeur d’une démarche toujours changeante. La désunion du moi et de son fort intérieur et des espaces publiques et privés est remise en question dans le cadre de la création artistique en tant que réflection de l’identité.

Alexia Laferté-Coutu

Ruins - 78 - Ruinse

The mutability of the discernable brings me to ponder what, exactly, shapes human perception: memory, time and place, intimacy, and physical and psychological obstacles, for instance. I place a particular emphasis on the artistic process itself, which turns into ritualized actions and gestures enabling me to break down certain methods instinctive to creation, be they conscious or unconscious. In the end, this process illustrates the balancing act of the building and unravelling of identities.

La muabilité de la dimension du perceptible me pousse à explorer ce qui modèle la perception humaine; la mémoire, le temps, le lieu, l’intimité, puis l’entrave physique ou psychologique en sont quelques exemples. J’accorde une importance particulière au procédé artistique, devenu une sorte de rituel d’actions et de gestes me permettant de décortiquer certains processus instinctifs de la perception, à la fois de l’ordre du conscient et de l’inconscient. Ceci illustre finalement une sorte de va et vient entre la construction et la déconstruction de l’identité.

Daniel Paterson My artistic practice combines photography & painting. I am interested in how both mediums relate to each other & in their inherent limitations. I explore the depiction of space & how it is portrayed on a two-dimensional surface from direct observation to the use of lenses. Portraiture, art history, & autobiography are often themes in my work.

Ma démarche artistique combine la photographie à la peinture. Je m’intéresse tout particulièrement aux relations que ces deux pratiques entretiennent entre elles et à leurs limites intrinsèques. La représentation de l’espace en deux dimensions, que ce soit à partir d’une observation directe ou encore à travers la lentille, est une grande partie de mes explorations. Le portrait, l’histoire de l’art et l’autobiographie sont des thèmes récurrents dans mon travail.

Ruins - 79 - Ruinse

George Grant Untitled, 2012 Snow, salt, gravel, & dirt on canvas

Alexia LafertĂŠ-Coutu Dans la solitude je meurs un peu, aussi 2012 Found wood & glass panels, velvet, silk, & plaster

Daniel Paterson Forms already lost Gelatin silver print

Melodie Reay I am interested in the body as a bearer of time & experience. Through ceramic figurative sculpture, I explore the potential of gesture & haptic detail to evoke narrative & empathy. My work is heavily process-oriented & places emphasis on materiality & ritual, & often implicitly questions the act of preservation.

Je m’intéresse au corps comme porteur de temps et d’expérience. Le travail de la sculpture figurative en céramique me permet l’exploration de la gestuelle possible et du détail haptique, et l’évocation d’un fil narratif, d’une certaine empathie. Je me préoccupe des procédés actifs dans mon travail et mets particulièrement l’accent sur la matérialité et le rituel, allant jusqu’à remettre en question le fait même de préserver.

Véronique Sunatori

Ruins - 80 - Ruinse

Forgotten æsthetics & subject matter are what most of my work revolves around. Being unusual & seemingly absurd, I want my works to provoke questioning regarding set routines & standards that can prevent one to see past them. I aim for authentic results, avoiding artificiality, in order to present something true & relatable. Consequently, I enjoy applying the painting & drawing media in their abstract or expressive forms.

Les esthétiques et sujets oubliés se retrouvent au coeur de mon travail. Mes oeuvres sont insolites, et peuvents paraître absurdes; elles remettent en question ces routines et standards qui nous saturent. Je vise des résultats authentiques pour présenter une vérité à laquelle on peut s’identifier. J’aime donc utiliser la peinture et le dessin pour obtenir des formes abstraites ou expressives.

Ingrid Tremblay My work is a combination of various media and addresses contrasts and oppositions both in ideas and in composition. Intuitive yet controlled, the process leads to expressive compositions suggesting an experience antedating the work, such as an initial state that undergoes transformation.

Mon travail combine différents médiums et aborde les contrastes et les oppositions dans les idées et dans la composition. Le processus est à la fois intuitif et contrôlé, menant à des compositions expressives suggérant une expérience antérieure à l’œuvre, un état initial ayant subi une transformation.

Ruins - 81 - Ruinse

Melodie Reay Hand Studies, 2012 - 13 Porcelain

Véronique Sunatori Stains, 2012 Oil on canvas Ingrid Tremblay Artefact naturel, 2012 Pierre, béton, métal, plâtre, ciment, bois, gravier, terre cuite, pâte à sel, plastique, caoutchouc, argile, terre et papier

The Tactility of Objects: A Retrospective Les Territoires,

Thurs. March 7th – Mon. March 18th

372 Ste-Catherine O.

Vernissage : Fri. March 8th, 6-8 pm

#527 Belgo Building

Open House : Sat. March 16th, 5 - 5.45 pm

The Tactility of Objects: A Retrospective - 82 - The Tactility of Objects: A Retrospective

Curated by Kris Millar Art viewing etiquette enforced by museums and major institutions has resulted in the normalization of a detached viewing experience. This detached viewing experience does not allow for a physical engagement between viewer and artwork. The Tactility of Objects: A Retrospective takes a decidedly different approach to art viewing by actively encouraging interaction between viewers and the artworks to recapture the lost intimacy and pleasure of art on an individual. The twelve artists whose works comprise this retrospective have diverse artistic practices that range from furniture design, live performance, art books and video. This show invites viewers to break out of the passive viewing role and to savor the simple act of touch. Notre regard sur l’art, dont l’étiquette tient des musées et autres institutions officielles, est un regard désincarné devenu norme. Ce détachement dans notre expérience visuelle nuit à l’engagement physique entre le spectateur et l’œuvre d’art. The Tactility of Objects: A Retrospective (La tactilité de l’objet en rétrospective) tente une approche différente qui encourage l’interaction entre le public et les œuvres afin de retrouver une intimité et un plaisir perdus. Cette rétrospective présente le travail de douze artistes employant des démarches aussi diverses que le design de mobilier, la performance en temps réel, les livres d’art et la vidéo. L’exposition invite le public à délaisser son rôle de spectateur passif pour savourer la simplicité du toucher.

The Tactility of Objects: A Retrospective

Myriam Bourgeois

The Tactility of Objects: A Retrospective - 84 - The Tactility of Objects: A Retrospective

My work revolves around issues of fictitious self-representations; through them, I explore the possibilities of stories and text within visual arts. I seek to develop a narrative through imagery and frequently use writing to attain this goal. In recent years I have focused on drawing, photography and scanner art in comic-book form.

Mon travail évolue autour de l’autofiction et j’explore les possibilités du récit et du texte dans l’art visuel. Je cherche à développer une histoire à travers les images en utilisant souvent le texte pour accentuer cette direction. Au cours des dernières années, j’ai particulièrement travaillé le dessin, la photographie, le «scan» et l’écriture, entre autres sous la forme de livres.

Dylan DiCicco I have always been told to create what I know. My artwork is influenced by the people, experiences, and the city that surrounds me. I believe that such a small experience in your everyday life can impact your creativity the most. Such events as eating a delicious sandwich from Wileknsky’s to meeting one of your most inspiring idols can bend, twist, and shape what one creates into a representational piece. I believe that if an artist creates a piece based off what makes them happy, then others will be able to relate and share the artist’s feelings.

Christina Higham

Over the last five years I have explored the fundamentals of the natural sciences, focusing on the concept of physical anatomy as a way of learning and understanding the essence of what we are as human beings. My work so far has used the style of medical textbook drawings to propose a reflection on science’s lack of human emotion and exclusion of the human experience; to place humor into a scientific frame. I have found the histories of realism and abstraction to be useful in the rearranging of received ideas. The goal has always been to acquiring knowledge.

Bianca St. Martin

In this book the idea is that information is hidden within the body, just as it is within the pages of a book. In order to get to it, one must first open the book & then themselves to receiving it.

On m’a toujours dit de créer à partir ce que je connais. Mon travail se nourrit des gens qui m’entourent, des expériences que je vis et de la ville qui en est la scène. Je crois que la plus petite expérience au cœur du quotidien peut avoir un grand impact sur la créativité. Des événements tels manger un délicieux sandwich chez Wilensky ou encore rencontrer l’une de ses idoles sont des moments qui peuvent plier, tordre et reformer ce que l’on crée en une œuvre qui représente son expérience. Je crois que si un artiste peut créer une œuvre à partir de ce qui le rend heureux, son public sera à même de partager ce sentiment. Au cours des cinq dernières années, j’ai exploré les fondements des sciences de la nature et, plus particulièrement, le concept d’anatomie physique afin d’apprendre et de comprendre l’essence de ce que nous sommes en tant qu’êtres humains. Jusqu’ici, mon travail s’est inspiré du style des planches anatomiques médicales pour offrir une réflexion sur l’absence de l’émotion et de l’expérience humaine au cœur de la science; il s’agit d’insérer l’humour dans un cadre scientifique. Les histoires du réalisme et de l’abstraction me sont utiles pour réévaluer les idées préconçues. Le but a toujours été d’acquérir des connaissances. Tout comme l’information se cache au creux des pages d’un livre, “Form” part de l’idée qu’elle se masque de la même manière dans le corps. Pour y accéder, il faut tout d’abord ouvrir le livre, puis se préparer à la recevoir.

Bianca St. Martin Form, 2012 intaglio, typography

Dylan DiCicco Montreal, Ongoing Pop-up book/journal, ongoing.

Christina Higham Accordion Anatomy, 2012 Cloth bound hard cover book. Digital Print on Textured Fine Art Paper

The Tactility of Objects: A Retrospective - 85 - The Tactility of Objects: A Retrospective

Myriam Bourgeois Tricot, 2012 Impression jet dâ&#x20AC;&#x2122;encre

JVLYN

The Tactility of Objects: A Retrospective - 86 - The Tactility of Objects: A Retrospective

PRE-OP by JVLYN is a parable in hyper-homo video form, created to illustrate a fantastical narrative revolving around the concept of consent. PRE-OP demands discussion around the meaning and importance of consent and how these realities insert themselves into our lives - though often ignored, dismissed, or misunderstood. Drawing on the rich history of lip sync and drag, queer and trans* cultural production, silent film and lolspeak, PRE-OP mimes a neon chronicle of epic proportions.

PRE-OP est une parabole prenant la forme d’une vidéo hyper-homo qui illustre une suite d’évènements rocambolesques discutant l’idée du consentement. PRE-OP exige un débat sur la définition et l’importance du consentement et sur sa présence dans notre vie de tous les jours – une présence dont l’importance est souvent ignorée, rejetée ou incomprise. Puisant à pleines mains dans les traditions du lip-synch et de la culture drag, queer et trans, PRE-OP mime des chroniques de couleur néon prenant des proportions tout à fait épiques.

Evlyne Laurin Who I am is the result of every experience I have gone through. This is why memory is the core subject of my art. The memories we keep and the ones we collect are layers of our past merging into our present tense. Using ink, paper, and wax in relation to printmaking and photography, I define some marks, highlights of the evolution in our perception. In my work, there’s time spent, places discovered then forgotten, reactions, pieces I try to put back together, to give back meaning in an unlikely order but potentially possible. In turn, I let them leave their own marks and traces.

Ce qui fait de moi qui je suis, c’est la somme de toutes les expériences que j’ai vécues. C’est pourquoi la mémoire est le sujet central de ma pratique artistique. Les souvenirs que nous gardons sont une succession des couches d’événements passés qui se fondent au temps présent. En utilisant l’encre, le papier et la cire, en relation avec les médias d’impressions et la photographie, je tente de définir certaines marques, de mettre en valeur les transformations subies. À l’intérieur de mes œuvres, il y a le temps, son passage, des lieux découverts puis oubliés, des sensations vécues, des fragments que je tente, tant bien que mal, de réassembler dans un ordre improbable, mais potentiellement vraisemblable. Leur permettre de laisser leur marque, leur trace.

Cassandra Marsillo Cassandra is a multi-disciplinary artist working with sculpture, installation, fibres and performance. Usually working with themes of nostalgia, memory and relationships, her pieces are often self-referential yet open to interpretation and personal exploration. She enjoys creating relatable narratives and characters in her work. Her love for art started with a constant need to draw the Sailor Scouts, Sakura the Cardcaptor and Princess Yum Yum from The Thief and the Cobbler when she was younger.

Cassandra est une artiste touche-à-tout qui travaille la sculpture, l’installation, les textiles et la performance. Explorant divers thèmes tels la nostalgie, la mémoire et le relationnel, ses œuvres sont souvent autoréférentielles, mais ouvertes à l’interprétation et à l’exploration personnelle. Elle aime créer des histoires et des personnages à qui l’on peut s’identifier. Son amour pour l’art est né du besoin constant qu’elle avait, étant petite, de reproduire au crayon les Sailor Scouts, Sakura, Chasseuse de cartes et Princesse Yum Yum du film The Thief and the Cobbler.

Evlyne Laurin Last Traces (Engraved in my flesh, running in my blood), 2012 Ink jet & letterpress print on archival MusĂŠo paper, Japanese paper, wax, linen thread, wood, light bulb & wire. Snow, salt, gravel, & dirt on canvas

Cassandra Marsillo Bitches In Stitches, 2012 Performance Piece with book

The Tactility of Objects: A Retrospective - 87 - The Tactility of Objects: A Retrospective

JVLYN PRE-OP , 2012 film & zine

Karolyn Martin & Hannah Materne

The Tactility of Objects: A Retrospective - 88 - The Tactility of Objects: A Retrospective

Karolyn Martin is an artist designer. She designs living spaces the same way she approaches a work of art. Her work is functional and unique, influenced by the desire to bring wellbeing around her. Hannah Materne sees design as an exploration of the common understandings of human beings. She aims to brighten and elevate the everyday; fun is important. For both, sustainability is integral to successful design.

Karolyn Martin est une artiste-designer: elle conçoit des espaces de vie de la même manière qu’elle entreprend la création d’une œuvre. Fonctionnel mais unique, son travail est guidé par le désir de générer un sentiment de bien-être autour d’elle. Hannah Materne considère que le design est une exploration des idées communes sur l’être humain. Elle compte élever et raviver le quotidien; le plaisir lui est important. Pour ces deux artistes, le développement durable est au cœur d’un design réussi.

Theresa Passarello Theresa Passarello’s work considers the human condition through a figurative aesthetic combined with conceptual textbased painting, drawing and installation. Personal and contemplative, her works are driven by thoughts or experiences that perplex or overwhelm her and include themes of impermanence, longing and memory. She researches an idea excessively in order to build a solid conceptual base before addressing the visual. She has a degree in Civil Engineering and is presently studying Studio Arts at Concordia.

Le travail de Theresa Passarello se penche sur la condition humaine au travers d’une esthétique figurative et textuelle exprimée par la peinture, le dessin et l’installation. Son travail est personnel et contemplatif, alimenté par les expériences et pensées qui la dépassent ou la submergent et dont les thèmes sont l’éphémère, la nostalgie et la mémoire. Avant d’entamer ses explorations visuelles, elle recherche ses idées de façon excessive afin d’établir une base conceptuelle solide. Passarello est diplômée en génie civil et étudie présentement en art plastique à Concordia.

Maryam Pourarya The Internet age has altered our experience of aloneness, creating semblances of community as it can connect geographically distant people. It has hereby contributed to an evolution in self-portraiture, as individuals create personal Internet profiles for social media. In this work, today’s social media portraiture is juxtaposed with a select few of Vincent Van Gogh’s best-known lonely souls. The oil pastel portraits are made from profile pictures taken off of a social media cite for male truckers wanting to hook-up on the road. The hand drawn postcards are juxtaposed with those commercially printed to question ideas of authorship.

Si l’ère de l’Internet a modifié notre sens de la solitude en créant des communautés virtuelles constituées d’individus distants, elle a aussi contribué à une évolution de l’autoportrait: on peut désormais se créer un profil Internet personnel à afficher sur les réseaux sociaux. Cette œuvre juxtapose les autoportraits d’aujourd’hui, présents sur les réseaux sociaux, et une sélection des portraits d’âmes solitaires les plus connus de Van Gogh. Ces portraits Internet, réalisés en pastel à l’huile, sont des reproductions de photos de profil prises sur un site de rencontres utilisé par les camionneurs désireux d’interrompre le cours de leur route. Ces cartes postales, faites à la main, côtoient les Van Gogh imprimés, remettant ainsi en questions la figure de l’auteur.

Theresa Passarello Slip of Memory, 2012 mixed media

Maryam Pourarya Vincent Van Gogh & Anon Truckers, 2012 Postcard book

The Tactility of Objects: A Retrospective - 89 - The Tactility of Objects: A Retrospective

Karolyn Martin & Hannah Materne Paint Drop Table, 2012 maple wood, acrylic, latex paint

Youth Well Wasted BBAM! Gallery

Fri. March 8th - Fri. March 22nd

3255 St-Jaques W.

Vernisage : Wed. March 20th 6 - 9 pm Open House : Sat. March 16th, 1-1.45 pm

Curated by Lori Noel

Youth Well Wasted - 90 - Youth Well Wasted

YOUTH WELL WASTED: An exhibition of fluorescent adolescents. Young people living with whole-hearted intentions of not wasting a second. They want to hold puppies, ride roller coasters, run through fields of flowers, do kick-flips, have first kisses, be free and face their fears. These are the years that they know they are alive, and the world is at last open to them; a beautiful oyster for their taking. They don’t have time to yawn or sleep, only go. They are having fun. Youth Well Wasted shows kids being themselves and enjoying everything around them in the face of worldly adversity. Exhibited at BBAM! Gallery, my first experience as a curator will showcase artworks by students that realistically depict the lives of young people. Through paintings, drawings, photography and video, viewers can experience what it feels like to be seventeen again, ten years old, learning to walk, learning to dance, learning to love. The world is a scary place, but the young live with no regrets or fear. They disregard consequence in the search for who they are and where they belong.

YOUTH WELL WASTED: Une rétrospective d’ados fluos. La jeunesse vit de tout cœur son intention ferme de ne pas perdre une seule minute. Elle veut cajoler les chiots, dévaler les montagnes russes, courir à travers les champs de fleurs, faire des kickflips, échanger un premier baiser, être libre et faire face à ses monstres. Ces années sont celles où elle sait qu’elle vit pleinement et le monde s’ouvre enfin et s’empoche facilement. Elle n’a ni le temps de bailler ou de dormir; elle va de l’avant. Et elle s’amuse. YOUTH WELL WASTED nous montre une jeunesse sans prétentions qui profite de tout ce qui l’entoure sans se soucier de l’adversité. Cette exposition, qui marque pour moi une première expérience en tant que commissaire, sera accueillie par la BBAM! Gallery et présentera les œuvres étudiantes qui dépeignent avec réalisme la vie des jeunes gens. Les toiles, dessins, photos et vidéos présentés nous rappellent ce que c’est qu’avoir dix ou dix-sept ans, apprendre à marcher, à danser, à aimer. Nous vivons dans un monde effrayant, mais la jeunesse ne connait ni la peur, ni les regrets. Elle se fiche des conséquences et ne songe qu’à sa quête d’identité et d’appartenance.

Youth Well Wasted

Bachar Bachara I have always been attracted to art that communicated bodily sensation. Via images or installations, I aim to produce experiences that reach sensation & question social constructions. I perceive art production as a human desire & necessity for communication. My conceptual inspiration is derived from continental, particularly French, philosophy.

J’ai toujours été captivé par une forme d’art qui saurait évoquer les sensations corporelles. À l’aide d’images ou d’installations, je cherche à provoquer des expériences qui rejoignent les sens et remettent en question les structures sociales. Ma démarche conceptuelle s’inspire de la philosophie continentale, et en particulier les penseurs français.

Todd Bolton In an attempt to eternalize fleeting moments & the passing of time, this series of photographs is a documentation as well as a questioning of the medium.

Youth Well Wasted - 92 - Youth Well Wasted

Laurie Cotton-Pigeon This painting articulates an unconscious lexicon that allows it to capture the fleeting impression of a loved one. Thus this portrait displays a tension between play and strangeness, unveiled in a serene equilibrium. This is my humanist, spiritual vision of Alex, in a naive, contemporary setting.

Cette peinture tente de saisir l’impression momentanée d’un être cher par l’articulation du lexique de l’inconscient. Ainsi, ce portrait représente une tension entre le jeu et l’étrange, dévoilée au travers d’un equilibrium après tout serein. Elle encadre ma vision humaniste et spirituelle d’Alex, à l’intérieur d’un contenant naïf et actuel.

Veronique Croteau Parade à Montréal is the result of my observations surrounding the Montreal student protests of 2012, which staked a common demand towards an important cause which transcended colour, religion and age. In my artistic process, two things are important : sharing what I witness and express it formally, technically.

Parade à Montréal est le résultat de mes observations des manifestations étudiantes de 2012. Une union sans couleur, ni religion, ni âge : simplement une revendication commune pour une cause importante. Dans ma pratique artistique, deux choses sont importantes : témoigner de ce qui m’entoure et explorer formellement et techniquement.

Zachary Currie Where once I sought to integrate the subject with its environment, I now obsess over their separation. Although I have removed the figures in these drawings, their presence is still felt through the absence left behind. This with the merging of bodies show that people may come & go, but they are not without significance.

Auparavant, je cherchais à intégrer le sujet à son environnement; à présent, je suis captivé par leur séparation. Bien qu’il n’y aie pas de personnages dans ces dessins, leur présence se sent toutefois dans le vide qu’ils laissent derrière eux. Ceci, ainsi que la fusion des corps, nous montre que malgré la fugacité de notre passage, nous ne sommes pas sans signification.

Laurie Cotton-Pigeon Untitled Painting

Todd Bolton Untitled Photography

Veronique Croteau Casserole Painting

Zachary Currie Silhouettes, 2012 Sandpaper & watercolor Paintings

Youth Well Wasted - 93 - Youth Well Wasted

Bachar Bachara Touch Photography

Pamela Des Rosier Paméla Desrosiers has always been someone who is different... As a multi-disciplinary artist, art has been a part of her life since her childhood. She is an experienced graphic artist, illustrator & painter. Her work demonstrates her obsession with details & her passion for colors. Expression of her inner world, full of surprises.

Bianca Hlywa

Youth Well Wasted - 94 - Youth Well Wasted

God Save the Queen’ questions the notion of unity in contemporary Canadian society. A pinnacle of worship fractures & binds national identity/culture. Government figures that rule our society (a pinnacle in this sense) are often overlooked or lead to disagreement. The Queen’s absence of representational presence within most of contemporary Canadian culture makes this piece have a surprising effect on the public. Questioning the Queen’s presence, relevance or importance has led to debate in Canadian society that reveals our diversity & individual experience with national identity.

Anna-Maria Koscielna Everybody in this world have an individual they admire. For me, having a celebrity idol inspires & affect individuals in different ways. In my celebrity portraits, many movies in what my idols have played a role or created a work of art pushed some into inspiration & creating. Voluntary or involuntary movies as art affect positively.

Kerry Langlois Here’s to Feeling Good All the Time (Are We Having Fun Yet?) is a drawing series that explores our desire to have a good time. I am interested in the ways in which our current society has come to romanticize party culture & our endless quest for fun. Overindulgence, excess, & the glamour of being hungover are themes I hope to investigate through the integration of both text & image.

Paméla Desrosiers a toujours été différente… Artiste pluridisciplinaire, l’art fait partie de sa vie depuis l’enfance. Elle est une designer graphique, illustratrice et peintre d’expérience. Son travail démontre une obsession pour le détail et une passion pour la couleur; une expression de son monde intérieur, rempli de surprises. God Save the Queen’ pose une problématique sur la question de l’unité dans la société canadienne contemporaine. La portée symbolique de l’image de la reine rassemble et fracture notre identité nationale et culturelle. Les figures du gouvernement à la tête de note société sont souvent négligées ou à l’origine d’un contentieux. L’absence de représentations de la reine de la plupart des instances de culture canadienne donne à l’oeuvre un effet surprenant sur le public. Remettre en question la présence de la reine, sa pertinance et son importance nous mène a des débats qui affichent notre diversité et la divergence d’opinions et d’expérience au coeur de notre identité nationale.

Bianca Hlywa God Save the Queen Acrylic Painting

Anna-Maria Koscielna Untitled Painting

Kerry Langlois Are we Having Fun Yet? Drawings

Youth Well Wasted - 95 - Youth Well Wasted

Pamela Des Rosier Monster Me, 2012 Acrylic on Canvas

Max Teauschel Youth strives to convey the energy, enthusiasm, nostalgia & moods associated with one’s memories of their adolescence. Assembled out of footage collected over multiple years, the piece offers specific insight into my personal experiences while simultaneously creating an effect that can be related to by anyone.

Youth tente de faire transparaître l’énergie, l’enthousiasme, la nostalgie et les humeurs que l’on associe à son adolescence. Cette oeuvre, constituée d’extraits filmés au cours de plusieurs années, offre une certaine perspective sur mes expériences personnelles tout en transmettant une émotion dans laquelle tous peuvent se reconnaître.

Audrey Wolski GERME 2012 explores the student strike that has shaken Québec in the past year. Through repetition, it evokes intimacy & the nature of memory in the age of digital media.

Youth Well Wasted - 96 - Youth Well Wasted

Julia Panchyzhna The Garden is the pursuit of the beautiful, the essential & the sublime that was once forgotten & became forlorn. This film also makes part of the Gesamt public movie experiment, currently screening at Göteborg International Film Festival in Sweden.

The Garden est la recherche du beau, de l’essentiel et du sublime, jadis oublié et délaissé. Ce fim fait également partie de l’expérience cinématographique publique Gesamt, projetée en ce moment au Göteborg International Film Festival.

Diana Saidova The main inspiration for these two pieces was my sister. The first is a photography montage with Photoshop & the second one is an ink & black water colour work. All my work is always black & white with a hint of red. These works reflect how I see the world.

Ma soeur a inspiré ces deux oeuvres. La première, un montage photo réalisé sur Photoshop, et la seconde, un dessin à l’encre et à l’aquarelle noire, sont un reflet de ma vision des choses. Je n’utilise que le noir et blanc avec un soupçon de rouge dans mon travail.

Julia Panchyzhna The Garden Short Film

Audrey Wolski Germe 2012 Video

Diana Saidova Untitled Photography & Oil paint

Youth Well Wasted - 97 - Youth Well Wasted

Max Teauschel Youth, 2011 Video Montage, 2:56

Another F******* Exhibition About Identities Casa del Popolo

Fri. March 1st – Sat. March 30th

4873 St-Laurent

Vernissage : Mon. March 11th, 6-9 pm Open House : Sun. March 17th, 1.15-2 pm

Another F******* Exhibition About Identities - 98 - Another F******* Exhibition About Identities

Curated by Annie Maheux A recurrent theme and one of the most exasperating since the Romantic period is Identity. Its oh-so-painful connotations are synonyms of a pathetically narcissistic view singing and moaning over our heads. We must avoid these exhibitions like the plague. Boredom can kill. However… 300 artists submitted artwork for the Art Matters festival this year. A literary piece was written through these hundreds of biographies and project explanations. All different. All so unique and fantastic. They are witness to amazing life styles and diametrically opposed views of the world. La Casa del Popolo ironically presents Another F******* Exhibition about Identities, where artists from every field – music, painting, film, performance, sculpture – cross paths for a whole month, March 2013. Some of these artists take their first step in the art world while others would eat it for breakfast if possible. The audience’s attention is directed towards the personality and identity of each artist. Without forgetting the message or the motivation of each artwork, the exhibition invites the audience to look beyond the surface of the material, the sound of the note or the speed of a grand jeté and to see past the first impression. Bring your ear closer to the mouth that expresses itself.

Un thème récurrent, des plus exaspérants depuis son passage la période Romantisme, est l’Identité. Ses connotations «si douloureuses» chantent l’orgue ; synonymes d’un regard narcissique pathétique. Il faut fuir ces expositions comme la peste. L’ennui peut tuer. Et pourtant… 300 artistes ont soumis des pièces d’art pour le festival Art Matters cette année. Une œuvre littéraire s’est écrite au travers de ces centaines de biographies et d’explications de projets. Tous différents. Tous si uniques et fantastiques. Elles témoignaient de modes de vie hallucinants, de visions du monde diamétralement opposées. La Casa del Popolo présente ironiquement Another F******* Exhibition about Identities, où des artistes de tous les domaines – musique, peinture, vidéo, performance, sculpture – s’entrecroisent durant tout le mois de mars 2013. Certains de ces créateurs font leur premiers pas dans le monde de l’art alors que d’autres en mangeraient au déjeuner si c’était possible. Le point d’attention du spectateur est dirigé vers la personnalité et l’identité de chaque artiste. Sans pour autant oublier le discours ou les motivations de chaque œuvre, l’exposition invite à percer la surface du matériau, le son de la note ou la vitesse du mouvement d’un bras tendu pour percevoir au-delà de cette première impression. Rapprochez votre oreille de la bouche qui s’exprime.

Another F******* Exhibition About Identities

December Rose and The Feedbackers Band Kevin Moquin and the Bad Ideas Band Another F******* Exhibition About Identities - 100 - Another F******* Exhibition About Identities

Stéphanie Saucier Papier brûlé, 2012 Dance Performance Laurent Viau-Lapointe Family Reunion, 2012 Theatrical Ritualistic Performance Joseph Brown #@RTbeast: La Boheme, 2012 Music Performance

Catherine Faiello Magazine Dress, 2012 Living Performance with Mixed Media Sculpture: Magazine and paper

Pascale Yensen Betonziegel, 2012 Dance Performance

Alisi Telengut Tengri, 2012 Direct animation with oil pastel, shot on Canon digital camera Owen Kirby Cube manifests its holographic existence, 2012 Video electro-acoustique Myriam Aubin Histoire sans fin, 2012 Installation: Animation Vidéo and inspirational material Ramona Benveniste Who are you? What are you scared of?, 2012 Documentary Video 4min 14sec Vincent Brière La ligne (dyptique), 2012 2 Videos: La cuisine + Le Tunnel Sophie-Anne Bélisle Object, 2012 Installation : Pupitre et Vidéo 14 min

Peter Schmittson Transition de phase d’une réalité tangible, 2012 Sculpture of polyurethane

Marie-Eve Dompierre The gamer, 2012 Interactive sculpture with accessories Steffie Bélanger Secret Succes Trilogy, 2012 Sculpture with Motor Valérie Gilbert Alexandre 1, 2011 Peinture à l’huile, collage, couture (cheveux artificiels) Daniel Wakeman Milka With Figs & Flowers, 2012 Oil painting Katherine Spandidakis I see a king in the jungle… or is it a queen?, 2012 Acrylic, gouache, watercolor painting Sarah Amarica Restless, 2013 Acrylic on plywood Ian-Marlon Tanguay Paradoxe Rotatif, 2010 Acrylic, rope and sand on canvas Andrew Stringer Dreaming wolf: Beneath the smile, 2011 Oil painting Julian Cargnello Always on my mind, 2012 Acrylic and ink on canvas Laurence Beaudoin Morin Eating the scarf, 2012 Acrylic painting

Another F******* Exhibition About Identities - 101 - Another F******* Exhibition About Identities

John William Lanthier Robocall, 2012 Cardboard, Styrofoam and gesso Sculpture

PERFORMANCE DANCE MUSIC

Another F******* Exhibition About Identities - 102 - Another F******* Exhibition About Identities

Joseph Brown #@RTbeast is a Montreal musical performance art project. The emphasis is on expressing the modern male condition through prose and contemporary tones and textures. It’s a performative commentary on issues of gender roles, sexuality and social media. It challenges aural notions of the pop world’s idioms as a vehicle for fashion, social trends, and modern live musical performance, while exploring the depths of human emotion, the beautiful and the grotesque.

Pascale Yensen The human body is made up of millions of atoms put together in a very complex way, creating a resilient, yet fragile being. A cinder block is made up of atoms as well, they have just been put together a little differently. This performance is a play between the light fragility of the human body and the raw weight of a cinder block. This contemporary dance solo is made of the collaboration of the dancer Pascale Yensen and Tristan Henry, the piano and rythms composer.

Catherine Faiello This visual artwork and performance challenges the way in which society views women and its unrealistic expectations of beauty. The dress is woven with magazine strips and brown paper. It was created in a plus size to juxtapose the artificial portrayal of women featured in the fashion industry, using the techniques learned during a Concordia basketry unit class.

#@RTbeast est un projet d’art sous forme de performance musicale originaire de Montréal. L’accent est mis sur la condition de l’homme moderne à travers de la prose ainsi que des tons et des textures contemporains. C’est un commentaire performatif sur le sujet du rôle des genres, de la sexualité et des médias sociaux. Ce projet remet en question l’idée que le monde de la pop et ses intonations musicales sont des véhicules pour la mode, les tendances sociales et la vision de la performance musicale moderne, tout en explorant la profondeur des sentiments humains, autant les beaux sentiments que les grotesques. Le corps humain est composé d’un millier d’atomes assemblés de manière complexe pour créer un être à la fois résistant et fragile. Un bloc de ciment est également un assemblage d’atomes, seulement disposés d’une manière légèrement différente. Cette performance est un jeu entre la fragilité légère du corps humain et le poids inévitable du bloc de ciment. Ce solo de danse contemporaine est une collaboration de la danseuse Pascale Yensen et Tristan Henry, le compositeur de la musique au piano et la rythmique. Cette œuvre autant visuelle que performative remet en question la manière dont la société voit la femme et ses attentes irréalistes sur la beauté. La robe est faite de morceaux de magazines et de papier brun grâce à des techniques enseignées dans le cours de tressage de panier (vannerie) de Concordia. Elle est de grande taille pour créer une juxtaposition avec le portrait artificiel des femmes dans l’industrie de la mode.

December Rose and The Feedbackers is a young Montreal band with a refreshing new genre of Pop/Progressive Pop. It is comprised of odd meter and non-stereotypical chord progressions usually identified in “radio music”. Together, they perform in various music festivals and fundraisers along with headlining in Toronto and recording December’s new album. These four people share a passion that infects audiences with happiness.

Kevin Moquin and the Bad Ideas Kevin Moquin and the Bad Ideas’ music is an instrumental mix of Country, Jazz, and Punk based in the north American tradition of improvised music. It gives an eclectic mix influenced by the music of Jim Campilongo, Nels Cline, Bill Frisel, and Death From Above 1979. A great unexpected reflection on contemporary music. Love and Music.

December Rose and The Feedbackers est un jeune groupe de Montréal présentant un nouveau genre intéressant de musique pop/ pop progressif. Ce genre consiste en une pulsation singulière et des progressions d’accords atypiques retrouvées habituellement dans la “musique de radio”. Le groupe joue dans divers festivals de musique et dans des levées de fonds en plus de donner leurs propres concerts à Toronto et d’enregistrer leur nouvel album de décembre. Les quatre membres de ce groupe partagent une passion pour leur art qu’ils communiquent à leurs spectateurs. La musique instrumentale de Kevin Moquin and the Bad Ideas est un mélange de country, de jazz et de punk suivant la tradition nord-américaine de musique improvisée. C’est un genre éclectique influencé par Jim Campilongo, Nels Cline, Bill Frisel et Death From Above 1979. Une merveilleuse et inattendue réflexion sur la musique contemporaine. Love and Music.

Stéphanie Saucier The dancer is the source and the solution to his internal battle. As a choreographer, one must discover what message a movement will send to the audience. As an artist, creation through self-abnegation allows true freedom of expression. The choreography “Papier brûlé” is based on a quest for a way to prevail over a body going out of control.

Le danseur est la source et la solution de son propre combat intérieur. Comme chorégraphe, il faut découvrir ce que le mouvement a à dire. Comme artiste, la création par l’abandon de soi permet l’authentique expression libre. La chorégraphie “Papier brûlé” est basée sur la quête d’une solution pour reprendre le dessus sur un corps en perte de contrôle.

Laurent Viau-Lapointe Underneath the uncanny playfulness that first appears in his work, lies a sociopolitical criticism of our present time. It is a reflection and an engagement upon the fundamental contradictions of Occidental lifestyle and its absurdity. Spontaneity and wander into the peculiar, unconstrained realm of youthful energy, Family Reunion is a ritualistic performance of self-mockery and infantile behavior, involving the artist’s body, familial photographs, and fresh, raw eggs.

Sous l’enjouement mystérieux qui apparaît dans son projet, on retrouve une critique sociopolitique de notre situation actuelle. C’est une réflexion sur les contradictions fondamentales et l’absurdité de la société occidentale. Nous plongeant dans cette particulière sphère de réflexion spontanée qui est l’apanage des jeunes esprits, Family Reunion est une représentation ritualiste d’autodérision et de comportement infantile utilisant le corps de l’artiste, des photos de famille et des œufs frais.

Another F******* Exhibition About Identities - 103 - Another F******* Exhibition About Identities

December Rose and The Feedbackers

VIDEO Chloé Bourdages-Roy

Another F******* Exhibition About Identities - 104 - Another F******* Exhibition About Identities

I feel the need to work with different bodies and to understand the way they move in space. I get my inspiration from them and from personal events. I want the breathing and the voice of my dancers to be a part of my choreography. The movements often come from them, from various improvisations and exercises we do together. My work is based around this collaboration with my dancers. Recently, I also started to collaborate with filmmaker Francis Binet. We are interested in how the camera can influence the audience, how it can create a completely different atmosphere.

Vincent Brière “La ligne” is composed of two video projections on opposite walls linked together by a line of shredded papers on the floor. Using different actions in various spaces and times, the installation draws the participant into a place of discourse where authority is being challenged by focussing on the different aspects of process. Always looking for new perspective, Brière make sure that his voice is heard through his art. He sees art as a game where artist and participant enter in communication.

Myriam Aubin While visiting the museum L’Orangerie in Paris, the artist Myriam Aubin fell in love with the Debussy exhibition. The exhibition itself did not stand out to her as much as its intention for all the works, artists, and events that influenced and contributed to his work were there. During this visit, the multidisciplinary artist, actually focusing on animation films while working with several mediums and techniques, found a desire to grow in a similar way in the cultural scene.

Mes chorégraphies relèvent toujours d’une collaboration entre mes interprètes et moimême. Au début du processus, je leur demande de faire plusieurs improvisations seules et en groupe. J’ai besoin de comprendre comment leurs corps bougent et comment ils interagissent naturellement entre eux. Je m’imprègne de leurs mouvements, mais aussi de leur énergie et de leurs histoires. Je souhaite que leur voix ainsi que leur respiration fassent partie de la pièce. Tout mon processus est basé sur cet esprit de collaboration. Récemment, j’ai aussi commencé à collaborer avec le cinéaste Francis Binet. Nous nous questionnons sur le rôle de la caméra dans un vidéo-danse et comment celle-ci peut influencer la perception du spectateur. “La ligne” est compose de deux projections vidéos sur des murs opposés reliés par une ligne de papier déchiqueté sur le sol. À travers différentes actions dans divers espaces et temps, l’installation amène le participant dans un espace de conversation dans lequel l’autorité est remise en question en se concentrant sur différents aspects du processus lui-même plutôt que leur résultat. Brière est toujours à la recherche de nouvelles perspectives et s’assure que sa voix est entendue à travers son art. Il voit l’art comme un jeu dans lequel l’artiste et le participant communiquent. C’est en visitant récemment le musée de L’Orangerie à Paris que l’artiste Myriam Aubin est tombé sous le charme de l’exposition sur Debussy. L’œuvre ne l’a pas tant marqué que l’intention de l’exposition : on y retrouvait toutes les œuvres, les artistes et les événements qui avaient contribués à l’œuvre du compositeur. De cette visite, cette artiste multidisciplinaire, qui se concentre actuellement sur le domaine du film d’animation, tout en juxtaposant divers mediums et techniques, y a retenu un grand désir de croître ainsi sur la scène culturelle. Voici les traces de son travail.

Her research is focused on the creation and experimentation of adding and removing colors to generate movement. The colors and textures give her films the hand-made quality that is lost in the CG animation. The animated film, Tengri, was painted frame by frame and represents an old traditional Mongolian ritual, the Wind Burial.

Sa recherche se concentre sur la creation et l’expérimentation de l’ajout et le retrait de couleur afin de créer du mouvement. Les couleurs et les textures donnent l’impression que ses films sont faits à la main, ce qui est absent dans l’animation par ordinateur. Le film d’animation, Tengri, a été peint image par image et représente un vieux rituel mongolien, l’enterrement du vent.

Owen Kirby CUBE MANIFESTS ITS HOLOGRAPHIC EXISTENCE is a short video film exploring the sublime nature of a simple geometric shape as it evolves throught higher dimensions. It can also serve as a meditation on the ripples of our own existence in these heightened states. A video made in pure-data using GEM texture-feedback. It is accompanied by the resynthesized sounds of a Tibetan singing bowl.

CUBE MANIFESTS ITS HOLOGRAPHIC EXISTENCE est un court métrage qui explore la nature sublime d’une simple forme géométrique tandis qu’elle se transforme , se complexifie. Il peut aussi être vu comme une méditation sur les vagues de notre propre existence dans ces hautes sphères réflectives. La vidéo est faite par ordinateur avec GEM texture-feedback). Elle est accompagnéede sons synthétisés d’un bol chantant tibétain.

Ramona Benveniste Combining art, dialogue, and life to explore a sense of what is common through our shared experiences, “Who are you?” and “What are you scared of?” become opportunities to expand some efforts at forming a consolidated self-identity within our relational enactments. Beneviste’s practice focuses on the narrative in portraiture, often making reference to the psychological body and memory to create work that speaks about surrender and transformation from the private sphere into a public forum.

En combinant l’art, le dialogue et la vie pour explorer les points communs de nos expériences partagées, “Who are you?” et “What are you scared of?” deviennent des opportunités de mettre des efforts pour former une identité propre consolidées dans nos actions relationnelles. Beneviste se concentre sur le côté narratif des portraits en faisant souvent référence au corps et à la mémoire psychologique afin de créer une œuvre qui parle d’abandon et de transformation de la sphère privée au forum public.

Sophie-Anne Bélisle OBJET is a research project based on the obsession of objects; this applies to both the object as an art or as an everyday good. I explore the narrative that is woven between the absence of an entity and the imprint it leaves behind. How does the deterioration of an observed subject affect the matter around it? It is through accumulation and repetition that the observed and then transformed object finally reveal its meaning.

OBJET est un projet de recherche basé sur l’obsession des objets, autant comme de l’art que comme un élément de la vie de tous les jours. J’explore la narration qui se tisse entre l’absence d’une entité et la trace qu’elle laisse derrière elle; son empreinte. Comment la détérioration d’un sujet observé affecte-t-elle la matière qui l’entoure? C’est à travers l’accumulation, la répétition que l’objet observé et transformé fini par prendre son sens.

Another F******* Exhibition About Identities - 105 - Another F******* Exhibition About Identities

Alisi Telengut

SCULPTURES PAINTINGS COLLAGE

Another F******* Exhibition About Identities - 106 - Another F******* Exhibition About Identities

John William Lanthier «My name is John Lanthier and I’m a young, French-Canadian, self-taught artist.» Some recurring themes in my work are the body, machines, music, religion and pop culture and they often take form in phantasmagorical dreamscapes combining vivid color, intense detail and grand settings. This sculpture, titled ‘Robocall’ was created with the intention of sparking dialog on recent electoral debacles and the role of communication in the voting process.

«Mon nom est John Lanthier, je suis un jeune Canadien-Français et un artiste autodidacte.» Le corps, les machines, la musique, la religion et la culture pop sont des thèmes récurrents dans mes œuvres. Ils prennent souvent la forme de paysages oniriques fantasmagoriques qui combinent des couleurs vives, des détails intenses et le tout à grand déploiement. Cette sculpture, intitulée ‘Robocall’ a été créée dans le but de provoquer des dialogues sur les récents débâcles électoraux et le rôle de la communication dans le processus de vote.

Peter Schmittson Man-sized sculpture. Reflection on the cycle of life. Our body destroys and reconstructs itself until the final destruction. To construct oneself, one must destroy. Interdependence and coexistence of life and death. Born at Lac-Mégantic, Peter Schmittson presents a pictorial and sculptural work of great quality that can immediately evoke emotion from the audience.

Marie-Eve Dompierre Driven by the desire to transpose her interrogations and emotions into images, Marie-Ève Dompierre centered her artistic approach on the intimate, the body, and the complexity the moment. She wants to offer a reading of real-life through a construct of images that transposes situations and emotions into an intimate, impressionist, and sensual universe. It consists more often or portraits in which the characters sway between their self-identity and the one she gives them. A illusively interactive work of a face that the audience can modify.

Sculpture de taille humaine. Réflexion sur le cycle de la vie. Notre corps se détruit et se reconstruit, jusqu’à la destruction finale. Pour se construire, on doit détruire. Interdépendance et coexistence de la vie et de la mort. Né au Lac-Mégantic, Peter Schmittson présente une production picturale et sculpturale de grande qualité dont l’expression sait trouver instantanément l’émotion chez le spectateur. Poussée par le désir de transposer ses interrogations et sentiments en images, la démarche artistique de Marie-Ève Dompierre est axée sur l’intime, le corps et la complexité de l’instant présent. Elle cherche à offrir une lecture du vécu par la construction d’images qui transposent des situations et des émotions en un univers intime, impressionniste et sensuel. Il s’agit le plus souvent de portraits où les personnages basculent entre leur identité propre et celle qu’elle leur confère. Une œuvre illusoirement interactive d’un visage dont le public peut modifier l’apparence.

Secret Success Trilogy is a monument sculpture to a spiritual fruitfulness emblem, the unicorn. A sculpture is an object endowed with personality. Steffie Bélanger revisited sculpture’s traditional materials such as wood, metal and casting, sometimes adding malleable mechanisms or electronic subtleties. Her sculptures can be manipulated and are mostly independent, namely they do not depend on their environment to exist. They can therefore adapt to diverse locations. Her exploration begins with different transformations that leave a perceived movement in the static sculpture.

Secret Success Trilogy est un monument dédié à un emblème de spiritualité féconde, la licorne. Une sculpture est un objet dotée d’une personnalité. Steffie Bélanger revisite les matériaux traditionnels de la sculpture tels que le bois, le métal et le moulage en ajoutant des mécanismes malléables ou des subtilités électrique. Ses sculptures peuvent être manipulées et sont pour en grande partie indépendantes, car elles ne dépendent pas de leur environnement pour exister. Elles peuvent donc s’adapter à des endroits divers. Son exploration commence avec différentes transformations qui donnent un sens du mouvement à la sculpture statique.

Valérie Gilbert The artist Valérie Gilbert wants several choices (techniques) to coexist in the same painting, the same as different cultural identities can coexist in one person. Every technique gives a different result that conveys messages in a unique way. For example, the warm and rich end result of oil painting is seemingly in opposition to the matt and dry result of tempera. On the same painting, the artist integrates numerous techniques and materials: painting, drawing, sewing, embroidery, casting, gold leaf, fabrics, and synthetic hair.

Daniel Wakeman In his work Daniel Wakeman attempts to explore relationships; between colours, between subject and viewer, between expression and product and also between himself and the medium. He treats each new work purely as an exercise in his inquiry into the act of markmaking and his style reflects it. “Milka With Figs & Flowers” is an intimate study of colour. Thematically, this painting explores the act of aging and its relationship to hope and the future.

L’artiste Valérie Gilbert cherche à faire coexister plusieurs choix (techniques) en un même tableau. Tout comme différentes identités culturelles peuvent être présentes en un individu. Chaque technique amène un rendu distinct qui ne communique pas de la même façon. Par exemple, le fini chaud et riche de la peinture à l’huile semble s’opposer à un rendu mat et sec de la détrempe à l’œuf. Sur une même œuvre, elle intègre de nombreuse techniques et des matériaux très divers: peinture, dessin, couture, broderie, moulage, feuille d’or, tissus, cheveux synthétique. Dans ses œuvres, Daniel Wakeman tente d’explorer les relations entre les couleurs, entre le sujet et le spectateur, entre l’expression et le produit ainsi qu’entre lui-même et le médium. Il traite chaque nouvelle œuvre comme un exercice pour son enquête dans l’acte de laisser son empreinte et son style le reflète. “Milka With Figs & Flowers” est une étude de couleurs intime. Thématiquement, ce tableau explore le vieillissement et sa relation avec l’espoir et le future.

Another F******* Exhibition About Identities - 107 - Another F******* Exhibition About Identities

Steffie Bélanger

Katherine Spandidakis

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Katherine Spandidakis’s artistic practice began by answering her internal urge to create. It started with basic testing with different styles, materials, concepts. Two years ago, she was introduced to the world of abstract art. Skeptical at first, Spandidakis dove in, and fell whole-heartedly in love. Since then, the majority of her work touches in some way on abstraction and the feelings linked with and behind the need to create. She believes that everyone has a creative calling, but that only some choose to answer it.

Sarah Amarica « I find tranquility in painting that I seldom find in my own cluttered mind. Painting is how I make sense of the beautiful and chaotic mess of a world in which we live.» Sarah Amarica believes in art for art’s sake and chose to focus on aesthetic value, rather than a declaration of a grand meaning outside the piece itself. Though the figures she chose to paint are anonymous in nature, the artist find that their appearances inevitably end up resembling her own.

Ian-Marlon Tanguay «I may haven’t work that much into the Arts field yet but one sure thing is that my interest onto it is infinite. In my everyday life, there is nothing I’m sure that I like but creation. » IanMalon Tanguay finds in the creative process something releasing and curative that he does his best to transmit to others. He tries to use powerful images that people can easily connect to induce them thinking about the great variety of elements surrounding them.

Le chemin artistique de Katherine Spandidakis commença lorsqu’elle répondit à son besoin interne de créer. Cela s’amorça avec l’expérimentation de base avec différents styles, matériaux et concepts. Il y a deux ans, elle fut introduite au monde de l’art abstrait. Bien que sceptique au départ, Spandidakis plongea dans ce domaine et tomba complètement sous son charme. Depuis ce jour, la grande partie de ses œuvres touche d’une manière ou d’une autre l’abstrait et les sentiments liés au besoin de créer. Elle croit que tout le monde a une vocation créative, mais que seulement une partie s’y voue. « Je trouve une tranquilité dans la peinture que je retrouve rarement dans mon proper esprit encombré. La peinture est mon médium pour comprendre le désordre magnifique et chaotique qu’est le monde dans lequel nous vivons.» Sarah Amarica croit en l’art pour l’art et choisi de se concentrer sur la qualité esthétique plutôt que sur la déclaration d’une grande signification hors de l’œuvre. Bien que les personnages qu’elle choisit de peindre sont anonymes, l’artiste trouve inévitablement que leur apparence reflète la sienne. «Je n’ai peut-être pas encore beaucoup travaillé dans le domaine des arts, mais une chose est sure et certaine, mon intérêt pour ce domaine est infini. » Ian-Malon Tanguay trouve dans le processus de création un élément libérant et curatif qu’il fait de son mieux pour transmettre aux autres. Il essaye d’utiliser des images frappantes auxquelles les gens peuvent se connecter facilement afin de provoquer des pensées sur la grande variété d’éléments qui les entoure.

Andrew Stringer’s work explores the interpenetration of wilderness and the human psyche. He follows in the footsteps of mystics and shamans, looking beyond what we can see with our senses, exploring the untamed country of the human psyche, which exists on the frontier of true wilderness, the one at the core of the spirit. In this place, beautiful, dangerous forces interact with anthropomorphic spirits.

L’œuvre d’Andrew Stringer explore l’interpénétration des régions sauvages et de la psyché humaine. Il suit le chemin des mystiques et des chamans en regardant au-delà ce que nous percevons avec nos sens, en explorant le pays indompté qu’est la psyché humaine qui existe sur la frontière d’une vraie région sauvage, celle au cœur de l’esprit. À cet endroit, de belles et dangereuses forces interagissent avec des esprits anthropomorphiques.

Julian Cargnello The imagination is limitless. The artist Julian Cargnello believes that we all possess a unique and intrinsic ability to explore our creative minds--and that the scope of creativity cannot be measured. His goal is to provoke the artistic mind. He strives to create art that is bold, raw and expressive, yet still mysterious and compelling. These components help stimulate creative interpretation, hopefully encouraging others to explore their own artistic endeavors.

L’imagination n’a pas de limites. L’artiste Julian Cargnello croit que nous avons tous la capacité unique et intrinsèque d’explorer notre esprit créatif et que l’envergure de la créativité ne peut pas être mesurée. Son but est provoquer l’esprit artistique. Il aspire à créer de l’art audacieux, brut et expressif tout en restant mystérieux et fascinant. Ces éléments aident à stimuler l’interprétation créative tout en espérant encourager les gens à explorer leur propres efforts artistiques.

Laurence Beaudoin Morin Inspired by artistic performance for the body language, my paintings are based on the stopping of a movement. The body is my mean of exteriorizing ideas and my interest lies in the strength of its complexity. The abstract also catches my eye and enriches the spontaneity of gestures. My art is meant to be emotional and felt whether it approaches a engaged discourse or a personal one. A self-portrait that suggests the encumbrance of the mouth through the scarf, a symbol of feminity. This cloth gags the woman. Or she shows it off.

Inspirée de la performance artistique pour la gestuelle et l’expérience physique de mon intention, je base mes toiles sur un arrêt du mouvement. Le corps est mon moyen d’extériorisation de l’idée, mon intérêt réside dans la force de sa complexité. L’abstrait nourri également mon oeil et enrichi la spontanéité du geste. Abordant un discours engagé ou personnel, mon art se veut émotif et senti. Un autoportrait suggérant l’encombrement de la bouche par le symbole de féminité du foulard. Ce tissu bâillonne la femme. Ou celleci l’exhibe.

Another F******* Exhibition About Identities - 109 - Another F******* Exhibition About Identities

Andrew Stringer

curio Curated by Amira Shabason

Erase & Rewind Curated by Bella Giancotta & Marie-Michèle Plante

Coat Check Gallery 5180 Notre-Dame O

BBAM! Gallery 3255 St-Jaques W. Youth Well Wasted Curated by Lori Noel

Studio XX 4001 Berri

La Galerie Espace 4844 St-Laurent

Assumptions are not derivative of accepted facts but of distant tales Curated by Julian Garcia & Emma Siemens-Adolphe

Ruins Curated By Michelle CantinReid

VAV Gallery 1395 Rene-Levesque O. Festival Map - 110 - Festival Map

Belgo Building 372 Ste-Catherine O. Les Territoires, #527 The Tactility of Objects: A Retrospective Curated by Kris Millar Studio #427 Nature/Culture Curated by Cécile Charvet

La Baraque 928 St-Catherine E. menagerie for hair and wood Curated by Erin Hill & Heather Caplap

Casa del Popolo 4873 St-Laurent Another F******* Exhibition About Identities Curated by Annie Maheux

Eastern Bloc 7240 Clark, 2nd floor Ill Palette Curated by Jordan Davidson, Vince Viezzer and Ashley ZverVolel

WEST

Rue Sherbrooke 0.

Espace Projet 353 Rue Villeray LAB 353 BIOLOGIE MATÉRIALISTE Curated by Benjamin J. Allard

Rue Ste. Catherine

ST.

VILLERAY

PARC EXTENSION

Rue Jean-Talon E. Rue Jean-Talon 0.

Rue St. Denis

Av. du Parc

Rue St. Laurent

PETITE - ITALIE

Rue Beaubien E.

ROSEMONT PETITE PATRIE OUTREMONT R

Blvd. Rosemont

MILE - END

Blvd. Saint-Joseph E.

111

Rue St. Urbain

PLATEAU MONT-ROYAL

PARC DU MONT - ROYAL

Rue Berri

Rue St. Denis

Rue St. Urbain

Rue St. Laurent

Av. du Parc

WESTMOUNT

Rue Rachel E.

Av. des Pins O.

brooke 0.

Av. Doc. Penfield

Rue Sherbrooke 0. Catherine 0.

C B

Rue de Maisonneuve

Rue Ste. Catherine 0. Blvd. René-Lévesque 0.

ST. HENRI Rue Saint Jacques q

u Notre-Dame O. Rue

VIEUX - PORT

VILLAGE GAI

Rue

112 CATALOG DESIGN BY LEVI BRUCE PRINTED BY MARQUIS ISBN 978-0-9918363-1-4