Issuu on Google+

01 / 07 / февраль / март // 2011

Lang / Baumann, Beautiful Steps #3, 2010 Bois, peinture, Courtesy Galerie Loevenbruck Paris


122

galleryspb (1/7) 2011


Эрмитаж Здание Главного Штаба Отдел искуства XX- XXI

artpetersburg


слово редактора

Höfer Candida, Chateau de Versailles II, 2007 C-print Courtesy of Kukje Gallery Inc


Chateau de Versailles Hall of Mirrors


Gallery.spb лицензия Зарегистрирован Управлением Федеральной службы по надзору в сфере связи, информационных технологий и массовых коммуникаций по Санкт-Петербургу и Ленинградской области Свидетельство о регистрации средства массовой информации ПИ № ТУ 78-00389, от 24 августа 2009 года учредитель ООО «Мойка, 24» издатели Елена Андреева, Анастасия Морозова тел./ факс: 315 02 51 стратегический партнер Артиндекс тел. 924 9241 главный редактор Ксения Ланда ассоциативный редактор Анастасия Желковская авторы Александр Боровский Александр Луфер Анастасия Шевченко Астрид Энгстрем Борис Тимчук Валерий Мишин Галина Андрюхина Джорджина Адам Дмитрий Пиликин Марина Чекмарева Мария Полякова Сергей Алексеев Станислав Гришин Эндрью Хёрдон типография дизайн Отпечатано в типографии Николай Федотов «Премиум пресс» верстка Санкт-Петербург, ул. Оптиков, 4 Ольга Дождева Тел.: (812) 324 18 15 перевод Тираж 5000 экз. Дмитрий Брагилевский    Цена свободная юрист Виктория Бадмаева Часть тиража корректор распространяется бесплатно Елена Русанова реклама и распространение Приобрести журнал 8 (909) 588 13 78 можно по адресу: адрес редакции и издателя 191186 Россия, Санкт-Петербург наб. р. Мойки, 24, лит. А, пом. 8Н тел.: (812) 315 02 51 galleryspb@gmail.com

наб. р. Мойки, 24 Подписано в печать 25. 01. 2011

Редакция не несет ответственности за содержание рекламных объявлений. Использование любых материалов из журнала возможно только после согласования с редакцией «Gallery.spb». Юридическую поддержку и защиту авторских прав осуществляет Приморская Коллегия Адвокатов Адвокатской Палаты Санкт-Петербурга.


Reiterer Werner, Draft for an Altar, 2009, Table, chaise, néon, téléphone portable, hauts parleurs. Edition de 2 exemplaires, Courtesy Galerie Loevenbruck, Paris


галереи

алфовитный указатель по галереям

7-14 16-24

rus eng

новости | events

19-39

Галереи и музеи современного искусства Спб

теория искусства

40-47

Что такое реализм?

слово художника

48-55

Юрий Калюта Владимир Прошкин

главное

56-61

Александр Боровский: Итоги года

новые имена

62-56

Василиса Балашова

имена

66-73

Евгений Ухналёв Александр Батурин

премии

74-79 Дюшан, Кандинский, Курёхин

академия

80-81

Училище Барона А. Л. Штиглица

слово куратора

82-85 Дмитрий Пиликин: Гибель Богов

spot-light

86-93 Новые реалисты Наши в Лувре

содержание 6

galleryspb (1/7) 2011

conversations

94-97

Брайан Ино

ART FAIR

98-119

Frieze Art Basel Miami FIAC


галереи

ГАЛЕРЕИ СПБ 100 своих

KGALLERY

StArt

СПб, Лиговский пр., 39 719-95-17 www.100svoih.ru info@100svoih.com

СПб, наб. р. Фонтанки, 24 273-00-56 www.kgallery.ru gallery@kgallery.ru Пн-Вс: 11:00-20:00

СПб, ул. Ломоносова, 1 314-97-87, 314-26-27 www.startacademy.ru art@startacademy.ru

KREMLIN Art Gallery

СПб, Наличная ул., 21 355-12-74 Пн-Вс: 11:00-19:00

AL Gallery СПб, наб. реки Фонтанки, 76 713-35-34; 938-88-44 www.album-gallery.ru nataly@album-gallery.org

СПб, Невский пр., 150-152/ Тележный пер., 3 640-24-01, 640-68-29 www.kremlingallery.ru

Академии Художеств

Амбассадор

Art re Flex

Lazarev Gallery

СПб, пр. Бакунина, 5 332-33-43 www.artreflex.ru info@artreflex.ru Пн-Вс: 11:00-20:00

СПб, 6-я линия В.О., 5/5 328-22-22, 945-68-10 www.lazarevgallery.com info@lazarev.com

СПб, пр. Римского-Корсокова, 5-7 8 (906) 256-21-17 www.wix.com/GalleryAmbassador/ Art-Gallery-Ambassador gallery@rbcmail.ru Пн-Вс: 10:00-19:00

Markov Gallery

АННA

Bulthaup

СПб, Университетская наб., 25 328 10 21 Вт-Сб: 15:00-19:00

СПб, Михайловская ул., 1/7 (Гранд Отель Европа Мезонин) 329-65-46 belage@mail.ru

СПб, Б. Конюшенная, 2 336-30-03, факс: 315-01-13 www.design-gallery.ru pr@design-gallery.ru

Dmitriy Semenov Gallery Лиговский пр., 63-19 8 (911) 998-66-73 dimart69@yahoo.com

Frants Gallery Space www.frantsgallery.com info@frantsgallery.com

Igor Yanovsky СПб, Невский пр., 48, ТК «Пассаж», 3 этаж 715-47-44 www.IgorYanovsky.com info@igoryanovsky.com Пн-Вс: 12:00-21:00

Modernariat Большой проспект П.С., 22/24 9 (921) 994-43-59 www.modernariat.ru mоdernariat@mail.ru

N-Prospect СПб, Невский пр., 78 719-67-60, 579-86-49 www.n-prospect.ru ak@n-prospect.ru

Navicula Artis СПб, Пушкинская ул., 10 764-53-71 www.p-10.ru

Perzzy СПб, Нестерова пер., 9 966-46-47 perzzy@yandex.ru

Анна Нова СПб, Жуковского ул., 28 275-97-62; факс: 272-89-51 www.annanova-gallery.ru info@annanova-gallery.ru Вт-Сб: 11:00-19:00

Апрель Интернет-галерея. СПб 8 (921) 916-94-68 www.aprilgallery.ru as@aprilgallery.ru

Арка СПб, ул. Большая Морская, 6 312-40-12, 312-66-35 www.arkartgallery.ru arkartgallery@rambler.ru Пн-Вс: 12:00-20:00 (1/7) 2011 galleryspb

7


галереи Арт. Объект

А-Я

СПб, ул. Шамшева, 6А 490-62-15 ao@artobject-gallery.ru Вт-Вс: 11:00-19:00

Невский пр., 60 (вход во дворе) 570-47-37 office@ayaorg.ru Вт, Пт: 15.00-18.00

Арт-Вояж

Борей

Интернет-галерея, CПб, Лиговский пр., 43/45, офис 400 578-10-16 www.spbart.com artescort@spbart.com

СПб, Литейный пр., 58 273-36-93 www.borey.ru info@borey.ru Вт-Сб: 12:00-20:00

Арт-город

Вадима Зверева

СПб, Большой пр., В. О., 47 Б. Пушкарская, 29 320-62-12, 498-10-88 ooodeks@mail.ru

СПб, Сикейроса ул., 1 915-43-28, 327-64-90 www.zverev-gallery.ru mail-us@zverev-gallery.ru Пн-Сб: 12:00-20:00

Артист СПб, ул. Декабристов, 49 313-10-21, 313-10-23 www.artistgallery.ru

Арт-Лига СПб, Пушкинская ул., 10 764-53-71 www.p-10.ru

Арт-Союз СПб, Некрасова ул., 29 273-10-23

Арт-Центр Грибоедова, 52 СПб, наб. кан. Грибоедова, 52 310-71-86, 310-29-95 centre@artacademy.ru Пн-Сб:10:00-20:00, Вс: 11:00-19:00

Арт-центр Пушкинская, 10 СПб, Пушкинская ул., 10 764-53-71 www.p-10.ru info@p-10.ru

8

Вернисаж свободных художников СПб СПб, Невский пр., 32-34 314-57-07 www.centrevernisazh.ru vernisag.s@mail.ru Пн-Вс: 11:00-18:00

Вячеслава Чеботаря СПб, Апраксин двор, корп. 41, 3 этаж 310-16-54 Пн-Вс: 11:00-18:00

Галерея кукол СПб, Б. Морская ул., 53/8 314-49-34 vavaskripkina@mail.ru Вт-Пт: 12:00 -19:00, Сб: 12:00 -18:00

Галерея Марины Гисич СПб, наб. р. Фонтанки, 121 314-43-80, 570-78-73 www.gisich.com Пн-Пт 11:00-19:00, Сб 12:00-17:00

galleryspb (1/7) 2011

Галерея современного искусства фарфора СПб, пр. Обуховской обороны, 151 (Ломоносовский фарфоровый завод, 1 этаж) 326-17-43 www.ipm.ru gallery@ipm.ru Пн-Сб: 10:00-19:00

Галерея Современной Скульптуры и Пластики СПб, М. Тухачевского ул., 27/2, бизнес-отель «Карелия», 2 этаж 8 (911) 004-31-26 www.sculptureinrussia.com askme@SculptureinRussia.com Вт-Вс: 12:00-20:00

Гильдия мастеров СПб, Невский пр., 82 579-09-79, факс: 272-28-54 guild_of_masters@mail.ru Пн-Вс 12:00-20:00

Глобус СПб, Лиговский пр., 74 (лофтпроект «Этажи», 5-й этаж) 334-98-36 www.globegallery.ru info@globegallery.ru

Голубая гостиная СПб, Малая Морская ул., 38 315-74-14, 314-19-06 www.lyssak.com

Гостиная искусств СПб, Невский пр., 47 (ресторан «Палкинъ») 703-53-71, 312-11-80 pr@palkin.ru


Андрей Рублев. Спас. 1410 - 1420-е. Доска липовая, паволока, левкас, темпера (правая доска сосновая, прибавлена при позднейшей реставрации). 158 x 106. Третьяковская Галерея, Москва, Россия. Центральная икона деисусного Звенигородского чина: Спас, Архангел Михаил, Апостол Павел.

Всех, кто может помочь реставрации зданий Санкт-Петербургской Духовной Академии, просим обращаться по тел.: 7 (812) 717 33 51 mail: spbda@yandex.ru


галереи

Д-137

Квартира Алексея Сергиенко

Либерти

СПб, Невский пр., 90, кв. 9 275-60-11 www.d137.ru info@d137.ru Вт-Сб: 14:00-19:00

СПб, Казанская ул., 12, кв. 35

Ди Ди

Пн-Вс: 17:00-23:00

СПб, Пестеля ул., 17/25 579-44-10, 579-22-14 www.sovietart.ru, www.libertyartgallery.ru art-liberty@mail.ru Вт-Вс: 11:00-20:00

СПб, Большой пр. В.О., 62 320-73-57, 912-14-21 www.didigallery.com admin@didigallery.com Пн-Пт: 11:00–20:00, Сб:12:00-19:00

8 (911) 755-08-32 929-12-35 www.sergienko.info kvartira35@rambler.ru

Лофт Проект Этажи Коллекция. Ленинградская школа. СПб, Думская ул., 4 ТЦ «Перинные ряды», 2-й этаж, секция В-8

Диса СПб, Б. Конюшенная ул., 1; наб. Обводного канала, 136 (для юр. лиц) www.artdisa.ru masterform@mail.ru Пн-Сб: 11:00-20:00, Вс: 11:00-19:00

952-01-28 www.petroart.ru

Контракт рисовальщика СПб, наб. р. Мойки, 24 315-02-51

До-галерея СПб, Чайковского ул., 10, кв. 61 273-24-06, 8 (921) 932-35-32 www.dogallery.spb.ru artpod@dogallery.spb.ru

www.cdspb.com info@cdspb.com Пн-Вс: 11:00-19:00

Кустоновича

СПб, Лиговский пр., 74 458-50-05 www.loftprojectagi.ru

Мансарда художников СПб, Б. Пушкарская ул., 7 314-43-80 www.gisich.com gallery@gisich.com Пн-Пт: 11:00-19:00

Март СПб, Марата ул., 35 710-88-35, 8 (950) 000-75-55 www.martgallery.ru martgallery@rambler.ru, Вт-Пт: 12:00-19:00, Сб: 12:00-18:00

Исачева

СПб, Б. Конюшенная, 11, лит. Б

Матисс Клуб

СПб, наб. р. Мойки, 82 312-51-31 www.artneo.ru artneo-piter@mail.ru Пн-Вс: 11:00-19:00

8 (911) 770-76-41, 570-10-13

СПб, Никольская пл., 6 572-56-70, 904-35-84 www.matissclub.com gallery@matissclub.com Пн-Вс: 11:00-19:00

Квадрат

Лавка художника

Меч и шлем

СПб, Куйбышева ул., 28 (бельэтаж) 232-12-38 www.kvadrat.russkialbum.ru info@russkialbum.ru Ср-Сб: 14:00-19:00

СПб, Невский пр., 8

СПб, Дмитровский пер., 4 571-64-79, 8 (921) 930-09-88 www.swordandhelmet.ru swordandhelmet@mail.ru Пн-Сб: 11:00-20:00

www.dkust.com dkust@dkust.com Пн-Вс:12:00-22:00

314-80-81, 312-61-53 www.lavkahudozhnika.ru Пн-Вс: 11:00-21:00

Лазурь да глина

Квартал СПб, Казанская ул., 5/7 941-73-84 www.kvartal.in Info@kvartal.in Вс-Пн:11:00-23:00, Пт-Сб:11:00-6:00

10

СПб, Чехова ул., 8 273-17-29, 976-27-89 www.artglina.ru arthomepiter@yandex.ru

galleryspb (1/7) 2011

Митьки Вхутемас СПб, Марата ул., 36/38, кв. 120 www.mitkiart.ru inf@mitkiart.ru, Сб: 16:00-20:00


галереи

Монмартр СПб, наб. кан. Грибоедова, 33 571-55-17 www.monmartr.spb.ru monmartr-2007@mail.ru

Мост через стикс СПб, Пушкинская ул., 10 764-53-71 www.p-10.ru

Национальная галерея искусств СПб, Невский пр., 40-42 8 (921) 903-37-52 www.nationalgalleryofart.ru info@nationalgalleryofarts.ru Вт-Вс: 11:00-21:00

Национальный центр

Рахманинов СПб, Казанская ул., 5 (Отель «Рахманинов», 3-й этаж) 327-74-66, 327-74-67 www.hotelrachmaninov.com office@hotelrachmaniniov.com Пн-Вс: 10:00-20:00

СПб, Невский пр., 166 717-12-16 Вт-Сб: 11:00-19:00

Рахманинов дворик

Онегин

www.fotorachmaninov.ru

СПб, Итальянская ул., 11 570-00-58 www.onegin-spb.com onegin.spb@mail.ru Пн-Вс: 9:00-21:00

rachmaninov@list.ru

СПб, Большой пр. П.С., 18а, Восточноевропейский институт психоанализа 456-22-90, 8 (911) 784-21-17 www.freud.ru katya@freud.ru Вт, Вс: 12:00-17:00

Отражение

www.rostra-arts.spb.ru

На Кустодиева 17

СПб, наб. р. Мойки, 100 314-06-09 www.piter-art.com info@piter-art.com Ср-Вс: 11:00-20:00

Моховая-18 СПб, ул. Моховая, д. 18 275-33-83 www.gm18.ru galery-m18@mail.ru Вт-Сб: 11:00-20:00

Музей сновидений Фрейда

СПб, Кустодиева ул., 17 635-91-22, 8 (921) 941-34-40 www.gallerykustodieva17.ru info@gallerykustodieva17.ru, Пн-Пт: 12:00-20:00

Ростра СПб, Думская ул., 4 (Перинные ряды) 449-56-45 rostra_gallery@mail.ru,

Петербургский художник

579-42-95; 8 (921) 589-98-65

Прошлый век

СПб, Свечной пер., 5 710-89-59, 312-44-34 Пн-Сб: 11:00-19:00

Наследие

Пушкин

СПб, наб. р. Мойки, 37 312-62-12, 312-77-12 www.souvenirboutique.com Пн-Вс: 9:00-20:00

СПб, Якубовича ул., 5 325-97-08 www.pushkin-art.com pushkin-art@yandex.ru Пн-Вс: 9:00-19:00

12

312-95-58, 8 (901) 305-68-81

СПб, Подъездной пер., 5 570-12-13, 8 (931) 201-52-62 www.otragenie.spb.ru otragenie.spb@mail.ru Пн-Пт: 10:00-18:00

СПб, Волынский пер., 4 312-43-25 www.pv-gallery.ru info@ov-gallery.ru Пн-Вс: 12.00-20.00

На Свечном

СПб, Казанская ул., 5 (2-й двор)

galleryspb (1/7) 2011

Пн-Вс:10:00-21:00

Русская живопись СПб, Кирочная ул., 22, офис 42 www.art-painting.ru mail@art-painting.ru

Русская икона СПб, Итальянская ул., 11 314-70-40 www.ruiсon.com russian_iсon@hotmail.com Пн-Сб: 11:00-20:00

Русская усадьба СПб, Стремянная ул., 7 315-22-69 www.russian-usadba.ru rus_usadba@mail.ru Пн-Вс: 11:00-20:00


practicum.org Academy of arts on-line


галереи

Русский портрет

Сержио Бустаманте

СПб, Рылеева ул., 16; Песочная наб., 16 600-33-00 – общий тел., 272-14-88, факс: 272-59-31 www.rupo.ru salon@rupo.ru Пн-Вс: 10:00-20:00,

191011, СПб, Невский пр., 44 («Гранд Палас») 571-50-03 www.sergiobustamante.ru sbustamante@rambler.ru Пн-Вс:11:00-21:00

Сол-Арт

Формула

С.П.А.С. СПб, наб. р. Мойки, 93 571-42-60 spasgal@mail.wplus.net Пн-Пт: 12.00-19.00

191028, СПб, Соляной пер., 15 327-30-82 www.solartgallery.com 9630412@gmail.com Пн-Вс: 10:00-18:00

СПб, Лиговский пр., 74 (лофт-проект «Этажи») 458-50-05 www.loftprojectagi.ru

Новый

Стекло-Росвуздизайн

СПб, 4-я линия В.О., 65, лит. А 716-26-73 www.spbmdf.ru Пн-Пт: 9:30 -18:00

СПб, Ломоносова ул., 1/28 312-22-14 www.glassdesign.spb.ru gldesign@sp.ru Пн-Вс: 11:00-20:00

СПб, 6-я линия В.О., 17 323-67-87 Пн-Чт: 13:00-20:00, Вс: 11:00-18:00

Санкт-Петербургский центр книги и графики СПб, Литейный пр., 55 273-51-84, 8 (921) 796-40-90 www.naiv-art.ru tina@naiv-art.ru Пн-Вс: 10:00-19:00

Сарай при Музее А. Ахматовой в Фонтанном доме СПб, наб. р. Фонтанки, 34, вход в музей: Литейный пр., 53 272-58-95, 579-72-39 www.akhmatova.spb.ru aaa_museum@mail.ru Вт, Чт-Вс: 10:30-18:30, Ср: 13:00-21:00

Сельская жизнь СПб, ул. Новосельковская, 16 304-40-51 www.selart.spb.ru belka@hotbox.ru

14

Тонино Гуэрра, Арт-Проект СПб, пр. Обуховской обороны, 105 (ДК им. Крупской) 8 (911) 213-14-53, 8 (911) 213-1454 www.guerragallery.ru petrograf@mail.ru

Третьякова 197198, СПб, Пионерская ул., 2 8 (921) 405-44-89 www.artgarden.spb.ru tvp@vestcall.net

Туман Арт СПб, ул. Льва Толстого, 9, декор-центр, 3-й этаж 961-961-9 www.tumanart.ru tumanart_g@mail.ru Пн-Вс: 11:00-21:00

galleryspb (1/7) 2011

Фонд художника Михаила Шемякина СПб, Садовая, 11 310-02-75, 310-25-14, www.mihfond.ru mail@mihfond.ru Пн-Вс: 10:00-19:00

Форум

Э СПб, наб. р. Фонтанки, 51 570-71-18 www.artessence.ru artessence.ru@rambler.ru Вт-Пт: 12:00-20:00, Сб: 13:00-19:00

Янтарный дом СПб, Невский пр., 24 571-88-10 www.amberhouse.spb.ru info@amberhouse.spb.ru Пн-Пт: 10:00-18:00

Японского искусства СПб, пос. Комарово, Цветная ул., 46 908-81-18 www.gallery-g77.com andreigallery@yahoo.com


Mon-Fr 12.00-19.00, Sat 12.00-18.00 93, emb. Moyka, S-Petersburg, Russia, 190000 Tel: 7 (812) 571 42 60 spasgal@mail.wplus.net www.spasgal.com

Our gallery has worked since 1990. We suggest wide choice of best artists' pictures. We help in forming of the collections, match pictures with interior. We send the pictures by mail, prepare the documents for works of art export. We have engaged in exhibitions' organization worldwide. Художник: Сергей Лаушкин


галереи

GALLERY SPB 100svoih

ANNA

Art re Flex

39, Ligovsky Pr., Spb 719-95-17 www.100svoih.ru info@100svoih.com

1/7, Mikhailovskaya St., SPb (The Grand Hotel Europe Mezzanine) 329-65-46 belage@mail.ru

А-Я

Anna Nova

5, Bakunina Pr., SPb 332-33-43 www.artreflex.ru info@artreflex.ru Mon-Sun: 11:00-20:00

60, Nevsky Pr., SPb 570-47-37 office@ayaorg.ru Tue, Fri: 15.00-18.00 Academy of Arts gallery 21, Nalichnaya St., SPb 355-12-74 Mon-Sun: 11:00-19:00

28, Zhukovskogo St., SPb 275-97-62, факс: 272-89-51 www.annanova-gallery.ru info@annanova-gallery.ru Tue-Sat: 11:00-19:00

Art Siting-room

April

29, Nekrasova St., SPb 273-10-23

Alexey’s Sergienko Apartment 12, Kazanskaya St., SPb 8 (911) 755-08-32, 929-12-35 www.sergienko.info kvartira35@rambler.ru Mon-Sun: 17:00-23:00

AL Gallery 76, Fontanka Emb., SPb 713-35-34; 938-88-44 www.album-gallery.ru nataly@album-gallery.org

Ambassador 5-7, Rimskogo-Korsakova, SPb 8 (906) 256-21-17 www.wix.com/GalleryAmbassador/ Art-Gallery-Ambassador gallery@rbcmail.ru Mon-Sun: 10.00-19.00

Amber House 24, Nevsky Pr., Spb 571-88-10 www.amberhouse.spb.ru info@amberhouse.spb.ru Mon-Fri: 10:00-18:00

16

Internet gallery, SPb 8 (921) 916-94-68 www.aprilgallery.ru as@aprilgallery.ru

Arka 6, B. Morskaya St., SPb 312-40-12, 312-66-35 www.arkartgallery.ru arkartgallery@rambler.ru Mon-Sun: 12.00-20.00

Art-gorod 47, Bolshoy Pr. V.O., SPb; B. Pushkarskaya, 29 320-62-12, 498-10-88 ooodeks@mail.ru Mon-Sun: 10:00-21:00

Art-League 10, Pushkinskaya St., SPb 764-53-71 www.p-10.ru

Art Object 6A, Shamshieva St., SPb 490-62-15 ao@artobject-gallery.ru Tie-Sun: 11.00-19.00

galleryspb (1/7) 2011

47, Nevsky Pr., SPb 703-53-71, 312-11-80 pr@palkin.ru

Art-Soyuz

Art-Voyage Internet gallery, SPb 578-10-16 www.spbart.com artescort@spbart.com

Artist 49, Dekabristov St., SPb 313-10-21, 313-10-23 www.artistgallery.ru

Artist’s Attic 7, B. Pushkarskaya St., SPb 314-43-80 www.gisich.com gallery@gisich.com Mon-Fri: 11:00-19:00

Barn next to Akhmatova Museum 34, Fontanka Emb., SPb 272-58-95, 579-72-39 www.akhmatova.spb.ru aaa_museum@mail.ru Tue, Thu-Sun:10:30-18:30, Wed: 13:00-21:00


Александр Луфер, Билли Боунс, 2011, холст, масло.


галереи

Blue Hall

Di Di

Formula

38, B. Morskaya St., SPb 315-74-14, 314-19-06 www.lyssak.com

Bolshoy Pr. V.I., SPb 320-73-57, 912-14-21 www.didigallery.com admin@didigallery.com Mon-Fri: 11:00 – 20:00, Sat: 12:00-19:00

74, Ligovsky Pr., SPb 458-50-05 www.loftprojectagi.ru

Borey 58, Liteyny Pr., Spb 273-36-93 www.borey.ru info@borey.ru Tue-Sat:12:00-20:00

Bulthaup 2, B. Konushennaya St., SPb 336-30-03, факс: 315-01-13 www.design-gallery.ru pr@design-gallery.ru

Collection. Leningrad School. 4, Dumskaya st., SPb 2-nd floor, section B-8 8 (921) 952-01-28 www.petroart.ru

Contemporary Sculpture And Plastic Arts Gallery Bussiness Hotel Karelia (II floor) 27/2, M. Tukhachevskogo St., SPb 8 (911) 004-31-26 www.sculptureinrussia.com askme@SculptureinRussia.com Tue-Sun: 12:00-20:00

Disa 1, B. Konjushennaya St., SPb www.artdisa.ru masterform@mail.ru Mon-Sat: 11:00-20:00, Sun: 11:00-19:00

Frants Gallery Space www.frantsgallery.com info@frantsgallery.com

Freud’s Dream Museum

63-19, Ligovsky pr., SPb 8 (911) 998-66-73 dimart69@yahoo.com

18а, Bolshoy Pr., P.S., SPb 456-22-90, 8 (911) 784-21-17 www.freud.ru katya@freud.ru Tue, Sun: 12.00-17.00

Do-gallery 10/61, Chaikovskogo St., SPb 273-24-06, 8 (921) 932-35-32 www.dogallery.spb.ru artpod@dogallery.spb.ru

Dolls Gallery 53/8, B. Morskaya St., SPb 314-49-34 vavaskripkina@mail.ru Tue-Fri: 12:00-19:00, Sat: 12:00-18:00

16, Novoselkovskaya St., SPb 304-40-51 www.selart.spb.ru belka@hotbox.ru

24, Moyka Emb., SPb 315-02-51 www.cdspb.com info@cdspb.com Mon-Sun: 11:00-19:00

D-137

E

90/92, Nevsky Pr., SPb 275-60-11 www.d137.ru info@d137.ru Tue-Sat: 14.00-19.00

51, Fontanka Emb., Spb 570-71-18 www.artessence.ru artessence.ru@rambler.ru Tue-Fri: 12.00-20.00, Sat: 13.00-19.00

18

17, 6 Liniya V.I., SPb 323-67-87 Mon-Thu: 13:00-20:00, Sun 11:00-18:00

Dmitriy Semenov Gallery

Draughtsman’s Contract

Country Life

Forum

galleryspb (1/7) 2011

Gallery of contemporary porcelain art 151, Obukhovskoy oborony Pr., SPb 326-17-43 www.ipm.ru gallery@ipm.ru Mon-Sat: 10:00-19:00

Gallery of Kustanovich 11, B. Konjushennaya St., SPb 8 (911) 770-76-41, 570-10-13 www.dkust.com dkust@dkust.com Mon-Sun:12:00-22:00

Globe 74, Ligovsky Pr., SPb 334-98-36 www.globegallery.ru info@globegallery.ru

Heritage 37, Moyka Emb., SPb 312-62-12, 312-77-12 www.souvenirboutique.com


галереи

Ассоциация Галерей Актуального Искусства

Галереи Санкт-Петербурга, специализирующиеся на современном искусстве, объявили о создании Ассоциации Галерей Актуального Искусства.

В состав Ассоциации входят :

AL Gallery Anna Nova Art Gallery АRT re.FLEX Gallery Dmitriy Semenov Gallery Frants Gallery Space Kremlin Gallery Lazarev Gallery Marina Gisich Gallery Modernariat Основная миссия Ассоциации – объединение усилий в сфере продвижения современного искусства в Петербурге. Только объединение галерей способно решить такие задачи, как: адекватное представление среза актуального искусства и его популяризация за пределами профессионального сообщества, активное участие Петербурга в современном мировом художественном процессе не толь-

ко как «музейного реликвария», но и одного из центров актуального искусства, создание и развитие цивилизованного артрынка в Санкт-Петербурге. Анонс мероприятий Ассоциации на первое полугодие 2011 г.: «Opening day» 22 января 2011 г. – объединение вернисажей всех галерей-участников Ассоциации. 8 выставок в Санкт-Петербурге, выставка художников стерлиговской школы в Нью-Йорке». 9 галерей, участников Ассоциации. Издание общего гида по галереям современного искусства и распространение его через гостиницы, культурные институции и учреждения досуга. Проведение круглого стола по вопросам авторского права. Проведение общей выставки на side space, представляющей авторов и коллекции галерей. Проведение Ночи Галерей с 17 на 18 июня 2011 г. g (1/7) 2011 galleryspb

19


галереи

Igor Yanovsky

Kvartal

Markov Gallery

48, Nevsky Pr., SPb 715-47-44 www.IgorYanovsky.com info@igoryanovsky.com Mon-Sun: 12.00-21.00

5/7, Kazanskaya St., SPb 941-73-84 www.kvartal.in Info@kvartal.in Sun-Mon: 11:00-23:00, Fri-Sat: 11:00-6:00

25, Universitetskaya Emb., SPb 328-10-21 Tue-Sat: 15:00-19:00

Independent Artist’s Vernisage 58, Nevsky Pr., SPb 314-57-07 www.centrevernisazh.ru vernisag.s@mail.ru Mon-Sun: 11:00-18:00

Issachew 82, Moyka Emb., SPb 312-51-31 www.artneo.ru artneo-piter@mail.ru Mon-Sun: 11:00-19:00

Lavka Hudozhnika 8, Nevsky Pr., SPb 314-80-81, 312-61-53 www.lavkahudozhnika.ru Mon-Sun: 11:00-21:00

Lazarev Gallery 5/5, 6 Liniya V.I., SPb 328-22-22, 945-68-10 www.lazarevgallery.com info@lazarev.com

Japanese Art

Lazur da Glina

Komarovo, Tsvetnaya st., 46 908-81-18 www.gallery-g77.com andreigallery@yahoo.com

8, Chekhova St., SPb 273-17-29, 976-27-89 www.artglina.ru arthomepiter@yandex.ru

KGALLERY

Liberty

24, Fontanka Emb., SPb 273-00-56 www.kgallery.ru gallery@kgallery.ru Mon-Sun: 11.00-20.00

KREMLIN Art Gallery

17/25, Pestelya St., SPb 579-44-10, 579-22-14 www.libertyartgallery.ru art-liberty@mail.ru Tue-Sun: 11:00-20:00

Loft Project Etagi

Mart 35, Marata St., SPb 710-88-35, 8 (950) 000-75-55 www.martgallery.ru martgallery@rambler.ru Tue-Fri: 12:00-19:00, Sat: 12:00-18:00

Master’s Guild 82, Nevsky Pr., SPb 579-09-79, факс: 272-28-54 guild_of_masters@mail.ru Mon-Sun: 12.00-20.00

Matiss Club 6, Nikolskaya Sq., SPb 572-56-70, 904-35-84 www.matissclub.com gallery@matissclub.com Mon-Sun: 11:00-19:00

Michael Shemyakin’s Fond 11, Sadovaya St., SPb 310-02-75, 310-25-14, www.mihfond.ru mail@mihfond.ru Mon-Sun: 10.00-19.00

Mit’ki Vhutemas

74, Ligovsky Pr., SPb 458-50-05 www.loftprojectagi.ru

ap.120, 36/38, Marata St., SPb www.mitkiart.ru inf@mitkiart.ru Sat: 16:00-20:00

Kvadrat

Marina Gisich Gallery

Modernariat

28, Kujbysheva St., SPb 232-12-38 www.kvadrat.russkialbum.ru info@russkialbum.ru, Wed-Sat: 14:00-19:00

121, Emb. r. Fontanka, SPb 314-43-80, 570-78-73 www.gisich.com Mon-Fri: 11:00-19:00, Sat: 12:00-17:00

22/24, Bolshoi pr. P.S., SPb 8 (921) 994-43-59 www.modernariat.ru mоdernariat@mail.ru

150-152, Nevsky pr./ 3, Telezhnyi per., SPb kremlingalleryfor@gmail.com 640-24-01, 640-68-29

20

galleryspb (1/7) 2011


Ассоциация Галерей Актуального Искусства


галереи

Mokhovaya 18

Onegin

Pushkinskaya, 10 Art Center

18, Mokhovaya St., SPb 275-33-83 www.gm18.ru galery-m18@mail.ru Tue-Sat: 11:00-20:00

11, Italjyankaya St., SPb 570-00-58 www.onegin-spb.com onegin.spb@mail.ru Mon-Sun: 9:00-21:00

10, Pushkinskaya St., SPb 764-53-71 www.p-10.ru info@p-10.ru

Monmartr

On Kustodiev St.

59, Griboedova Emb., SPb 571-55-17 www.monmartr.spb.ru monmartr-2007@mail.ru

17, Kustodieva St., SPb 635-91-22, 8 (921) 941-34-40 www.gallerykustodieva17.ru info@gallerykustodieva17.ru

N-Prospect

On Svechnoy Lane

78, Nevsky Pr., SPb 719-67-60, 579-86-49 www.n-prospect.ru ak@n-prospect.ru

5, Svechnoy Ln., SPb 710-89-59, 312-44-34 Mon-Sat: 11:00-19:00

National Center

4, Volynsky Ln., SPb 312-43-25 www.pv-gallery.ru info@ov-gallery.ru Mon-Sun: 12.00-20.00

166, Nevsky Pr., Spb 717-12-16 Tue-Sat: 11:00-19:00

National Gallery of Art

Past century

40-42, Nevsky Pr., SPb 8 (921) 903-37-52 www.nationalgalleryofart.ru info@nationalgalleryofarts.ru Tue-Sun: 11.00-21.00

Peppers

Navicula Artis 10, Pushkinskaya St., SPb 764-53-71 www.p-10.ru

4, Volynsky Ln., SPb 312-43-25 www.pv-gallery.ru info@ov-gallery.ru

New

Pushkin

65, 4 Liniya V.I., SPb 716-26-73 www.spbmdf.ru Mon-Fri: 9:30 -18:00

5, Yakubovicha St., SPb 325-97-08 www.pushkin-art.com pushkin-art@yandex.ru Mon-Sun: 9:00-19:00

22

9, Nesterova Ln, SPb 966-46-47 perzzy@yandex.ru

Past century

galleryspb (1/7) 2011

Rachmaninov 5, Kazanskaya St., SPb 327-74-66, 327-74-67 www.hotelrachmaninov.com office@hotelrachmaniniov.com Mon-Sun: 10:00-20:00

Rachmaninov’s Garden 5, Kazanskaya St., SPb 312-95-58, 8 (901) 305-68-81 www.fotorachmaninov.ru rachmaninov@list.ru

Reflection 21, Karpovka Emb., SPb 570-12-13, 8 (931) 201-52-62 www.otragenie.spb.ru otragenie.spb@mail.ru Mon-Fri: 10:00-18:00

Rostra 4, Dumskaya St., SPb 449-56-45 www.rostra-arts.spb.ru rostra_gallery@mail.ru, Mon-Sun:10:00-21:00

Russian painting 22, Kirochnaya St., SPb 579-42-95, 8 (921) 589-98-65 www.art-painting.ru mail@art-painting.ru


Ассоциация Галерей Актуального Искусства


галереи

Russian icon

StArt

22, Kirochnaya St., SPb 314-70-40 www.ruiсon.com russian_iсon@hotmail.com Mon-Sat: 11:00-20:00

1, Lomonosova St., SPb 314-97-87, 314-26-27 www.startacademy.ru art@startacademy.ru

Russian Portrait

1/28, Lomonosovskaya St., SPb 312-22-14 www.glassdesign.spb.ru gldesign@sp.ru Mon-Sun: 11:00-20:00

16, Ryleeva St., SPb, 16, Pesochnaya Emb., SPb 600-33-00, 272-14-88, fax: 272-5931 www.rupo.ru salon@rupo.ru Mon-Sun: 10:00-20:00

Russkaya usadba 7, Stremyannaya St., SPb 315-22-69 www.russian-usadba.ru rus_usadba@mail.ru Mon-Sun: 11:00-20:00

Sergio Bustamante’s gallery 44, Nevsky Pr., SPb 571-50-03 www.sergiobustamante.ru sbustamante@rambler.ru Mon-Sun:11:00-21:00

Sol-Art 15, Solyanoy pereulok 327-30-82 www.solartgallery.com 9630412@gmail.com Mon-Sun: 10:00-18:00

S.P.A.S 93, Moyka Emb., SPb 571-42-60 spasgal@mail.wplus.net Mon-Fri: 12.00-19.00

24

Steklo-Rosvuzdesign

St. Petersburg’s Artist 100, Moyka Emb., SPb 314-06-09 www.piter-art.com info@piter-art.com Wed-Sun: 11:00-20:00

St. Petesburg Center of Books and Graphics 55, Liteynyy Pr., SPb 273-51-84, 8 (921) 796-40-90 www.naiv-art.ru tina@naiv-art.ru Mon-Sun:10:00-19:00

Sword and helmet 5, Dmitrovsky Ln, SPb 571-64-79, 8 (921) 930-09-88 www.swordandhelmet.ru swordandhelmet@mail.ru Mon-Sat: 11:00-20:00

The Bridge over Styx 10, Pushkinskaya St., SPb 764-53-71 www.p-10.ru

galleryspb (1/7) 2011

Tonino Guerra’s gallery ArtProject. 105, Obukhovskoy Oborony Pr., SPb 8 (911) 213-14-53, 8 (911) 213-14-54 www.guerragallery.ru petrograf@mail.ru

Tretiakov’s gallery 2, Pionerskaya, SPb 8 (921) 405-44-89 www.artgarden.spb.ru tvp@vestcall.net

Tuman Art 3 fl, Decor center, 9, Lva Tolstogo, SPb 961-961-9 www.tumanart.ru tumanart_g@mail.ru Mon-Sun: 11:00-21:00

Vadim Zverev’s gallery 1, Sikeroysa St., SPb 915-43-28, 327-64-90 www.zverev-gallery.ru mail-us@zverev-gallery.ru, Mon-Sat: 12:00-20:00

Vyacheslav’s Chebotar Galleryworkshop 3 fl., 41 bld., Apraksin dvor, SPb 310-16-54 Mon-Sun: 11:00-18:0


Ассоциация Галерей Актуального Искусства


Марина Колдобская

Хочу, чтоб было нор мально

© Фото: Stefan Serhiy Киберфест-2010, робот Protozoa-1 концепция Марина Колдобская, программирование Олег Родионов, дизайн Антон Чумак


автор: Ольга Житлина

events | новости

То, что можно было назвать современным искусством в  СССР, находилось в  глубоком подполье. Как и когда это явление «легализовалось» и получило официальный статус? Что считать легализацией? Официально современное искусство стало ненаказуемым с  Перестройки. Что считать «официальным статусом»? Организацию государственных учреждений? Это случилось лет 15–20  назад. ГЦСИ был основан в  1991‑м году, петербургский филиал в  1995‑м. Но  этих учреждений мало, бюджеты их скромны. Возможности несопоставимы с теми, которые имеют аналогичные европейские организации. У Петербургского филиала, например, до сих пор нет здания. Видимо, государству это не очень нужно. В общем, мы до  сих пор мы чувствуем шлейф советского отношения к  современному искусству как к  вражеской диверсии. Те, кто сегодня принимают решения, воспитывались в СССР. До сих пор и у публики, и у власти в массе отношение к современному искусству как к какому-то извращению. Мысль о том, что этим надо гордиться, что это интересно, важно, что это автопортрет общества, что этим, в конце концов, можно наслаждаться, им все еще чужда. Конечно, мало-помалу ситуация меняется. Конечно, растет новая публика — те, кому сейчас 25 лет, уже с современным искусством на «ты». Конечно, в провинции некоторые продвинутые начальники уже понимают pr-возможности современного искусства. Конечно, в Москве искусство стало одним из способов развлечения. Но это пока не та роль, которую искусство должно играть. Что значит быть государственной институцией в  области современного искусства в  сегодняшней России? В  стране, где заводят уголовные дела на кураторов и сажают художников, не входят ли два эти понятия в конфликт? В России сегодня нет единой государственной культурной политики, нет доминирующей идеологии. Борются разные сообщества. В  тех случаях, о  которых вы говорите (выставки «Осторожно, религия!» и  «Запрещенное искусство»), сообщество современного искусства проиграло мракобесам. Я  считаю, могло бы выиграть, если бы действовало активнее и солидарнее. Фактически, для каждого деятеля,

в том числе и государственного работника, такая ситуация  — вызов: что делать, как делать. В  каком-то смысле это завидное состояние — мне никто не указывает, что и как делать. Делаю, что могу. В Санкт-Петербурге, городе с  6‑миллионным населением и большим притоком молодежи из провинций институции, занимающих современным искусством можно пересчитать по пальцам одной руки. Чем они отличаются друг от друга? Ну, не так плохо. Две руки придется занять. Давайте я  скажу про ГЦСИ: во‑первых, мы поставили на  медиа искусство, потому что за новыми технологиями будущее, это не оспорить. Во‑вторых, мы делаем «лабораторные» выставки, художники могут «обкатать» на нашей площадке свои новые идеи. В‑третьих, мы делаем время от времени более-менее крупные тематические выставочные проекты. В‑четвертых, у нас есть резиденция в Кронштадте, и мы приглашаем туда художников со всего мира. Может ли ГЦСИ предложить художнику какие-то альтернативы галерейной карьере? Карьеру человек себе делает сам. Наши возможности я перечислила. Многие художники участие в наших затеях ценят. Чем отличается мероприятие, проводимое ГЦСИ, от галерейной выставки в Санкт-Петербурге? Обычно коммерческая галерея по  экономическим соображениям не  может себе позволить экспериментов. А мы только ими и занимаемся. Какие крупные проекты были реализованы ГЦСИ за  последние годы? Как они повлияли на  культурную атмосферу города? Наш крупнейший проект — www.cyberfest.ru, мы его проводим с 2007 года вместе с нашим партнером — фондом St. Petersburg Art Project. Это международный фестиваль, он идет на многих площадках, собирает все больше публики. Мне кажется, в результате в городе появилась сцена медиа-искусства. Какие цели ставит перед собой ГЦСИ? Да чтоб нормально все было. Просто нормально. И тогда все будет очень хорошо. g (1/7) 2011 galleryspb

27


новости | events

Лофт Проект ЭТАЖИ — пионер лофтдизайна в Петербурге. С 2007 года Лофт располагается в центре города на пяти этажах промышленного здания бывшего «Смольнинского хлебозавода».

Неделя креативной экономики Финляндии в России 7-12 февраля проект Финский вокзал Семьдесят представителей творческой индустрии соберутся на выставке­презентации «Финский вокзал». В течение недели ведущие финские профессионалы (дизайн-бюро, креативные агентства, галереи, музыкальные компании etc.), работающие на стыке творчества и бизнеса, будут делиться опытом того, как заставить музу приносить прибыль и заводить новые

28

galleryspb (1/7) 2011

полезные знакомства. По словам куратора проекта Марит ХоХтокари, преподавателя и генерального секретаря профессионального объединения AGMA: «Финский вокзал» – это место встречи искусства – с индустрией впечатлений, формы – с перформансом, предпринимателя – с дизайном, культуры – с бизнесом».

g


Courtesy of Loft Project ETAGI

events | новости

www. ipm.ru (1/7) 2011 galleryspb

29


новости | events

Cтудия Непокоренные В апреле 2007 на проспекте Непокоренных в СанктПетербурге была создана открытая студия Непокоренные. Студия была организована 3  студентами Художественно-Промышленной академии им. Мухиной, это некоммерческая организация по  образцу европейских открытых студий-мастерских. Так, предоставленный 800-метровый технический этаж был поделен на 12 мастерских, одну общую шелкографскую, выставочный зал и офис. Мастерские начали выдаваться молодым художникам на срок от 3-х месяцев до года, с условием участия и организации совместных мероприятий. Уже через несколько месяцев Непокоренные стали центром притяжения для творческой молодежи Петербурга. На Непокоренных работают художники, занимающиеся различными сферами художественной деятельности: скульптура, живопись, граффити, инсталляции, дизайн. Основной акцент при выборе художников делается на  открытии новых имен и  возможности проявить себя молодым творцам. Так как поиском художни-

30

galleryspb (1/7) 2011

ков занимаются молодые художники, то  решающим фактором при выборе кандидатов становится личный интерес в  творчестве нового автора. Непокоренные занимаются продвижением и  внедрением молодых художников в среду как через организацию коллективных выездных выставок, домашних фестивалей, так и через устроение персональных выставочных проектов. Также одним из важнейших направлений развития для Непокоренных стало проведение семинаров‑лекций. Как одна из  главных особенностей данных мероприятий — работа с молодыми лекторами. Семинары ведут молодые искусствоведы, философы, кураторы, чья деятельность интересна молодому арт-сообществу. Через проведение образовательных программ в живом общении появляется диалог, что фундаментально для создания продуктивной художественной среды. В студии проходит масса собственных мероприятий: фестивали ВИДЕОЗАХВАТ, музыкальные вечера, выставки молодых авторов, дни открытых мастерских «За Холстом». g


Инна Олевская, туалетные коробочки из серии «Мы из Кронштадта» Фарфор, роспись надглазурная поли­ хромная, позолота

events | новости

Любовный напиток В преддверии праздника всех влюбленных, когда февральский снег тает от  сияющих взоров, нежности и  восторгов, когда музыка, кино, литература – все говорит о Любви, а кто-то, окрыленный… любовью, с улыбкой наблюдает с  высоты… Галерея современного искусства фарфора распахнет свои двери всем сердцам, чтобы представить «Любовный напиток», сотворенный художникамифарфористами. Экспозицию выставки составят различные изделия, созданные лучшими художниками Императорского фарфорового

завода из  «волшебного фарфорового эликсира», разной формы, содержания, характера, и  объединенные общей темой безграничной, вечной нежной любви. В  этот день в  Галерее современного искусства фарфора будут особенные гости. Музыка любви прольется над блеском фарфора в  исполнении победителей Международного конкурса вокалистов «Гран-При Санкт-Петербурга». Выставка «Любовный напиток» будет открыта с 10 февраля по 11 марта 2011 года.

(1/7) 2011 galleryspb

31


Courtesy of Creative space TKACHI

новости | events

Фабрика счастья автор: Мария Полякова

После появления в  нашем городе «loft проекта этажи», обязанного своими интерьерами известным любителям демократичного западного дизайна архитекторам братьям Архипенко, английское слово «Лофт» прочно обосновалось в  городском словоупотреблении. Фабрика, завод, склад  – непытающиеся скрыть своё рабочее происхождение, успешно конкурируют за  право быть центром актуальной художественной жизни со  своими аристократическими собратьями. Исторически, появление лофт-пространств связано с  эпохой экономического спада, кризиса производства. Разорившиеся хозяева фабрик и складов в районе Манхеттена и Квинса в 20‑х годах ХХ века, пытаясь извлечь хоть какую-то выгоду из пустующих в эпоху великой депрессии помещений, сдавали или продавали их по  бросовым ценам тем, кого не смущала их неуютная и непонятная эстетика. В 10‑е годы 21 века любой российский город может похвастаться завидным запасом пустующих индустриальных зданий. Петербургские выставочные проекты последних лет кочевали из  одной бывшей фабрики в другую, мы побывали и в зданиях Красного гвоздильщика, и  на Красном треугольнике. Но все это пока временные проекты. Открывшаяся этим летом выставкой известного фотографа Глеба Косорукова «100 стахановцев» площадка «Креативное пространство Ткачи» выделяется масштаба-

32

galleryspb (1/7) 2011

ми и  долговременностью своих замыслов. Административная команда проекта Ткачи, расположенного в зданиях бывшей бумагопрядильной фабрики на Обводном канале, имеет довольно амбициозные планы. К 2012 году предполагается осуществить реконструкцию фасадов и интерьеров здания, прекрасного примера промышленной архитектуры. Предполагается создание мультикультурного пространства с  выставочными залами, кинотеатрами, студиями художников и архитекторов, образовательными институциями, магазинами, кафе и дизайнерскими бюро. Планы реконструкци, размещенные на  сайте проекта, впечатляют: если проект будет осуществлен в  заявленные сроки, Петербург уже к концу 2012 года получит ещё одну прекрасную площадку для масскультдеятельности. Пока же «ткачи» функционируют в тестовом режиме, периодически открывая свои двери временным проектам, кроме Глеба Самойлова, выставкой которого открывался проект; здесь побывала образовательная выставка «Видение»  – видеоарт, от  конца прошлого века до  сегодняшних дней, от Нам Джун Пайка, Марины Абрамович и Гэри Хилла до Билла Виолы и Ширин Нешат и выставка «Портреты неизвестных»  – Натальи Резник и Дениса Давыдова, не лишенные чувственной печали социальные наблюдения молодых Пермских фотографов. g


events | новости

D137 Gallery is interested in working with artists who are engaged in actual art The D137  Gallery was founded  in 1996, as a Foundation and besides art exhibitions also hosts actions, conferences on contemporary art and culture, creative meetings with national and  international cultural figureheads. D137  Gallery presents famous contemporary artists, whose works are  in the largest museum and private collections, and also works with young artists who are engaged in actual art. «D137» is the first gallery in St.-Petersburg which represented  its artists at prestigious  international art fairs, such as «Art Forum Berlin 2002» and «Art Bologna 2006», also — the participant of «Art Moscow fair» from 2002 to 2007,«Art Vil-

nus 2009». The most noticeable events of the last years are: «Ronnie Wood: Rock-Star and painter» — the exhibition of Ronnie Wood, the guitarist of the legendary «The Rolling Stones», the exhibition of famous art-critic and photographer Edward Lucie-Smith (London), also exhibitions of Oleg Kulik and Vlad Mamyshev-Monroe (in collaboration with XL gallery, Moscow), etc. The D137  Gallery’s artists are: Timur Novikov, Georgy Gurianov, Sergeyev Sergey, Alexander Strelets, Alexandra Fedorova, Sergey Sapozhnikov, Sergey Pakhomov, Aleksey Bekrenev, Julia Kosulnikova. g

© Sergeyev Sergey Leningradskiy Cross, 2009 150х120, Oil on steel

(1/7) 2011 galleryspb

33


новости | events

Новый музей Наступила Весна собраний-музеев — и почти всё будет как в XIX веке, а поскольку Время циклично, то близится всеобщий ПРОЦВЕТ Народов.

автор: Сергей Алексеев

34

Не  каждый день открываются музеи в  Петербурге  — 4  июня 2010  года в  СанктПетербурге на  6‑й линии Васильевского острова, 29 открылся «Новый музей современного искусства». Музей расположился не в самом выдающемся здании, что приятно и полезно для этого мало примечательного, но типичного для старого Петербурга сооружения. Он занимает пять этажей бывшего доходного дома  XIX  века  — карниз, гирлянды, наличники… Основой собрания и  постоянной экспозиции музея послужила частная коллекция Аслана Чехоева, по  инициативе и  энтузиазму этого замечательного человека ноgalleryspb (1/7) 2011

вый музей и существует. Как и некогда всем известный человек, Чехоев поставил себе задачу создания коллекции не  на  локальном опыте и  субъективных пристрастиях, а  представляющей некую общую картину развития искусства нашего времени. Коллекция советского неофициального и современного российского искусства собиралась более 20 лет. Первые картины Чехоев приобрел еще будучи совсем молодым человеком. Личное знакомство со многими художниками  от  живых классиков до  молодежи, общение с  ведущими искусствоведами и  арт-критиками помогли сориентироваться в  пространстве современного


events | новости

«Пир Трималхиона» AES+F Предоставлено пресс-службой Нового Музея

Предоставлено пресс-службой Нового Музея

искусства. Произведения в  коллекцию приобретались в  мастерских художников, в  галереях, на  аукционах, включая известные  — лондонские Сотбис, Кристи, Макдугл. И  в  настоящее время пополнение собрания музея является одной из главных задач её основателя. Экспозиция музея охватывает довольно крупный период  — от  50‑х  гг. XX  века до  недалекого прошлого. Произведения классиков нонконформистского искусства советского периода (Л. Кропивницкий, В. Немухин, Л. Мастеркова, О. Рабин, Д. Краснопевцев, В. Янкилевский, В. Пивоваров, М. Шварцман, Э. Штейнберг, М. Кулаков, О. Целков, В. Яковлев, А. Зверев) и  современное российское искусство (АЕС+Ф, О. Кулик, А. Осмоловский, Л. Ротарь, Д. Гутов, А. Беляев‑Гинтовт, В. Пушницкий, Г. Майофис)  — все это можно увидеть в одном месте Петербурга. В культурной столице России пока только здесь представлена наиболее полная ретроспектива современного

российского искусства от его зарождения до наших дней. Данная экспозиция уникальна в  своём роде, она заполняет очевидную лакуну в экспозициях других городских музеев, где вторая половина ХХ  века практически отсутствует. Новый Музей развернул активную деятельность по многим направлениям, оправдывая название современного музея, и это не только организация выставок, но также и проведение лекций искусствоведов и художников. Новый год ознаменовался выставкой работ группы AES+F (10.12.2010–28.01.2011), готовится к открытию выставка «Новая скульптура. Хаос и структура» (11.02.2011–20.03.2011), а также выставка фотографий работ художников Александра Соколова и Олега Татаринцева. Самая интересная и ожидаемая выставка-ретроспектива Григория Майофиса откроется в  конце марта. Бесспорно, этот музей — приятный подарок городу, всем, кто интересуется и занимается историей современного искусства. g (1/7) 2011 galleryspb

35


новости | events

Елена Андреева

отношения художника и заказчика

36

galleryspb (1/7) 2011

© Фото: Анастасия Морозова


events | новости Откуда появилось интригующее название галереи Контракт Рисовальщика? Название галереи — дань любви к творчеству английского режиссера Питера Гринуэя, чей фильм The Draughtsman’s Contract отражает приверженность кураторов к искусству и очень сухому юмору. Многие слышали о культовом фильме режиссера Контракт рисовальщика, но почти никто не смотрел его. Сюжет фильма современен на протяжении столетий — отношения заказчика и художника развиваются на фоне вечных вопросов недвижимости, судьбы произведения искусства, места художника в обществе. Фильм наполнен многослойностью образов и символов, нужны некоторые усилия и наличие особых знаний, чтобы распознать детонаты аллюзий вербального и живописного ряда, к которым обращается Гринуэй. Почему вы выбрали для галереи именно это помещение? Помещение галереи небольшое, но элегантное месторасположение на набережной реки Мойки, вид на Эрмитаж и Дворцовую площадь сделали его привлекательным культурным объектом для коллекционеров и любителей современного искусства. Как говорится location, location и еще раз location. Деятельность галереи Контракт Рисовальщика сравнима с работой небольшого европейского музея. Выставочная деятельность не ограничивается выставками в помещении на Мойке, мы тесно работаем с лондонскими галереями и дилерами, участвуем в благотворительных проектах — совместно с московской галерей Stella Foundation подготовили благотворительный аукцион русского искусства в аукционном доме Doroteum; участвуем в Эрмитажном проекте «День мартовского кота» — ежегодно делаем выставку живописных работ петербургских художников в уникальном пространстве чердака Зимнего дворца; много лет ведем издательскую деятельность. Новые проекты — участие в издании журнала о современном искусстве Gallery.spb и подготовка образовательной программы — курса лекций о современном искусстве.

ревода на русский язык modern art и contemporary art. Если в европейской традиции эти понятия разделяются временным периодом, Второй мировой войной, то у нас актуальное искусство подразумевает модное остросоциальное искусство, противопоставляемое современному (как бы недотягивающему до права называться ак��уальным). Это полная ерунда. Представление об искусстве часто меняется. 150 лет назад наивысшим искусством публика сочла только что изобретенную фотографию из-за ее чрезвычайного реализма. Затем были импрессионисты, Пикассо — и они, несомненно, реалисты — писали то, что видели. Ваши любимые зарубежные выставки, музеи, галереи? Мне очень нравятся лондонские галереи. Все. Английские музеи вызывают глубокое уважение. Art Fund — мечта для российской культуры и искусства. И художники. «Таранька» господина Херста, выставлявшаяся и благополучно проданная на FRIEZE и скульптуры Яёй Кусама, любимые вещи из последних. А российские? Нравится «Гараж» в Москве, особенно его образовательные программы. Будет очень хорошо, если они откроются у нас в Новой Голландии. Образование в сфере искусства 20–21 века — это то, чего сейчас очень не хватает. Откровенно радует Группа 20– 21 Государственного Эрмитажа с их прекрасными проектами, представляющими неискушенной петербургской публике лучшие произведения современного мирового искусства. Любимые авторы? В первую очередь художники, с которыми сотрудничает галерея: Валерий Мишин, Алена Алферова, Александр Луфер, Василиса Балашова, Сергей Темерев, Сергей Бакин. С ними связаны замечательные проекты, годы дружбы и будущие лучшие выставки. Что бы Вы хотели получить на день святого Валентина? Выставочное пространство в Новой Голландии.

Что вы думаете о современном и актуальном искусстве? Забавное деление на современное и актуальное искусство существует в российской прессе. Произошло оно, видимо, от неправильного буквального пе(1/7) 2011 galleryspb

37

g


five o’clock

Восстанавливая разорваные связи Музей нонконформистского искусства  – выставочный, научный и архивный центр по изучению и пропаганде нонконформистского искусства, а  также современного некоммерческого искусства России, Европы и Америки. Материалом для начала работы музея послужила коллекция произведений современного искусства, которая была собрана в  80–90‑х годах «неофициальными» художниками и представляла нонконформистское искусство Ленинграда-Петербурга второй половины ХХ века. С 1998  по  2003  годы Музеем нонконформистского искусства было проведено 40  выставок, издано 30  каталогов и буклетов, создан архив, насчитывающий более 1000  единиц хранения, включающий, помимо прочих объектов, уникальную коллекцию видеоматериалов на цифровых носителях по выставкам и культурным акциям, проходившим в  Санкт-Петербурге за  последние 14 лет. Музей ведет активное сотрудничество с ведущими выставочными площадками и музеями нашего города: Эрмитажем, Государственным Русским музеем и музеем истории Санкт-Петербурга. Музей возник в связи с необходимостью заполнить пробел в современном искусствознании и связать времена существования русского авангарда 1910–1920‑х гг. с искусством второй половины ХХ века, разорванных вторжением советской идеологии в искусство. g

Иван Без, Голова современника, 2006 бумага, гел. ручка, 42х15

38

galleryspb (1/7) 2011


five o’clock

автор: Валерий Петров

ТВОРЧЕСКАЯ АСТЕРСКАЯ

«ДОМ АНЖУ» В доме Анжу состоялось восемь международных симпозиумов по  живописи, керамике и  скульптуре с  участием профессиональных художников из России, Германии, Швеции, Америки, Австралии. В течение месяца художники работают в мастерских и на пленере, выходя с этюдниками в Ораниенбаумский парк. В усадьбе созданы условия для реализации творческих замыслов: имеются мастерские для художников, построены три печи керамического обжига, обустроены выставочные площади для проведения итоговых выставок. Усадьба «Дом Анжу» оформляется работами участников симпозиума. Итогом проведения симпозиумов является собрание коллекции современного искусства в  различных жанрах. В  перспективе планируется создание музея-усадьбы по  материалам, предоставленным родственниками семьи Анжу, краеведами. Возрождая традиции, ежегодно 8 октября в творческой мастерской дома Анжу проходит День Наварина. Муниципальный совет города Ломоносова включил празднование дня наваринского сражения в адресную программу патриотической работы. На  празднике собираются люди разных профессий, среди них  — полярники, поэты, археологи, музыканты, писатели, художники, курсанты военных училищ. Всех их объединяет интерес к  истории и  культуре страны. 8  октября 1827  года, во  время греческой

национально-освободительной войны, в Наваринской бухте произошло знаменитое сражение. Объединенные эскадры России, Великобритании и  Франции разгромили турецко-египетский флот. В  годовщину сражения в  доме П. Ф. Анжу, в  Ораниенбауме, собирались первые люди российского флота: А. Авинов, Ф. Врангель, М. Лазарев, Ф. Литке, Ф. Матюшкин, П. Рикорд и др. На базе творческих мастерских «Дома Анжу» реализуется Всероссийская программа «Молодежной академии культуры». Юные художники, скульпторы, фотографы и  музыканты знакомятся с  культурным наследием Санкт-Петербурга. Члены Союза художников России Николай и Светлана Карлыхановы проводят мастер-класс по керамике во время фестиваля «Классика белых ночей». Участники фестиваля своими руками создают маленькие объекты из керамики «Свет белых ночей», которые увозят на память в различные регионы нашей страны. В рамках фестивальной программы происходит знакомство с  историческим прошлым русской усадьбы. Ремонтно-восстановительные работы в  усадьбе «Дом адмирала Анжу» начались в  1995  году. Реализация арт-проектов, общественных и  молодежнопатриотических программ проводится параллельно с восстановлением объекта. Финансирование работ ведется из личных средств семьи Карлыхановых. g (1/7) 2011 galleryspb

39


теория искусства Boxer of Quirinal 1st cent. BC, bronze sculpture

40

galleryspb (1/7) 2011


теория искусства

что такое реализм Разные исследователи трактуют реализм по-разному и поразному смотрят на его историю. Для кого-то реализм начинается с Древней Греции и истории соревнования Зевксиса и Паррасия, для кого-то с Ренессанса и открытия Брунеллески точки схода и перспективы, для кого-то с открытия Караваджио законов светотени и новых способов проецирования. Кто-то отсчитывает реализм с голландского натюрморта или даже позднее — реализма как направления в изобразительном искусстве XIX века.

автор: Александр Луфер (1/7) 2011 galleryspb

41


теория искусства

Странной чертой искусствознания является противоречивость фундаментальных определений и отсутствие консенсуса даже по очевидным вопросам, и, похоже, со временем тенденция распада искусствоведения как науки только усиливается. Например, существует мнение, что абстрактное более реалистично, чем натуралистичное. Примитивное более точно отражает реальность, чем академичное, и т. д. С этой точки зрения в реализм попадает все от неолита, лубка и импрессионизма и до современного «проектного» искусства. Якобы художественное произведение тем более реалистично, чем более ему удается проникнуть в «глубинные процессы действительности», а вовсе не добиться «поверхностного сходства с натурой». Не вступая здесь в бесплодную полемику, выскажу свое мнение. Начну с утверждения, что реализмом может считаться изображение, отражающее реальность через подражание образам окружающего мира, то есть: реализм, в целом, соответствует Аристотелевскому пониманию мимезиса. А. Ф. Лосев считал, что «определение реализма как отражения действительности устарело и потеряло свой смысл. Ведь и всякий фотоаппарат тоже отражает действительность. Приходится художественный реализм противопоставлять фотографии, а это не так просто сделать. Главное же, тот реализм, который мы считаем подлинным, вовсе не есть только отражение действительности, но и воздействие на самое действительность, то или иное переделывание ее».

Тут возникает вопрос: являются ли фотореалисты подлинными реалистами? Или фотореализм — это всегда автоматическая и поверхностная фиксация реальности? При том, что фотореализм необходимо отделять от гиперреализма, ибо это два фундаментально разных изобразительных метода. Под фотореализмом понимается копирование фотоизображения, а под гиперреализмом — копирование объекта через его длительное изучение и достигаемое за счет виртуозной техники и владение ремеслом.

42

galleryspb (1/7) 2011

Сегодня очевидно, что фото- и гиперреализм породили артефакты, способные не только поверхностно отражать действительность, но и воздействовать на нее через авторство и выявлять пресловутую и произвольно трактуемую «глубинную суть действительности». При достаточном знакомстве с вопросом придется признать, что и гипер-, и фотореализм являются разновидностями подлинного реализма, а Лосев просто не застал их генезиса. Кроме того, существует «магический реализм», который можно понимать более широко, чем направление в искусстве XX века между мировыми войнами, а именно, как произведения художников, которым удается, без привлечения фантастических образов, отражать метафизические аспекты реальности, через создание явного «присутствия потустороннего» при изображении обыденного. Здесь возникают ��аибольшие сложности, т. к. определить магический или классический реализм перед нами может только сам зритель. Тем не менее, по поводу многих магических реалистов существует некое подобие консенсуса. По крайней мере, мне неизвестно, чтобы кто-то отрицал принадлежность Хопера к магическим реалистам. При этом, существует и продолжает развиваться классический реализм, который, в свою очередь, можно разделить на репрезентативный и критический. Репрезентативный реализм не затрагивает «социального», не публицистичен и может считаться «искусством ради искусства». Например, любой «экологически благополучный» пейзаж может считаться репрезентативным реализмом, а любой «вид на свалку отходов» — критическим реализмом. Забавно, что первый, скорее всего, вызовет волну негативной критики и обвинения в «салонности», а второй встретит горячее одобрение у современной критики, хотя и тот и другой существуют в реальности. Причины этого явления чисто идеологические и рассматривать их неинтересно, потому что это пройдет, как и любая идеологическая глупость. Возможно, здесь имеет смысл перестать расширять понятие реализма, иначе можно отнести к реализму многие направления современного искусства, например:


теория искусства

• видео-арт, когда на мониторах демонстрируют процесс поедания пищи или более табуированные и тем не менее реалистические действия; • перфомансы и инсталляции, когда в них задействованы реальные люди и воссоздаются сцены реальной жизни или интерьеры; • реди-мейд, когда в музейное пространство попадают предметы и вещи из реальной жизни и т. п. Так же представляется спорным, что фантастический реализм и сюрреализм, несмотря на присутствие в названии слова «реализм», могут считаться реализмом, скорее это разновидности фигуративного искусства. Что касается классицизма, романтизма, символизма и т. п., видимо, все эти направления можно считать пограничными с реализмом или «частично реалистичными». Здесь можно сделать новую остановку на утверждении: Не всякое фигуративное искусство — реализм, но всякий реализм — фигуративное искусство. Далее надо признать, что несмотря на критику и сегодня, и в прошлом, реализм не утратил актуальности и продолжает быть популярным, не только у публики, но и в среде искусствоведов, продолжает покупаться крупными музеями и порождает новые имена, имеющие мировую значимость. Какие-то направления, оппозиционные реализму, входят в моду, становятся актуальными, вызывают положительную критику и претендуют на долговечность, но, к сожалению или счастью, не становятся тем, что способно к длительной жизни и развитию. При этом, у любого поиска вне реализма существует некое манифестирование и позиционирование себя по отношению к реализму, некое «мы, в отличие от реалистов…», и поэтому можно утверждать: реализм является «ординаром», то есть мерой фундаментальных понятий в культуре.

Особенностью реализма является постоянное развитие. Развитие реализма не линейно и зависит от места реализма в той или иной культуре, в то или иное время.

или деградируют в его теоретическом понимании и на уровне техники создания артефактов. Однако, во‑первых, и отсутствие, и деградация — это тоже формы развития, как отсутствие или обмеление реки не означает прекращение круговорота воды в природе, и, во‑вторых, реализм развивается, потому что связан с новой реальностью, которая никогда не может отсутствовать. Значит: реализм — это направление в искусстве, испытывающее постоянное развитие и обновление. Можно ли представить гипотетическую ситуацию, сколь угодно отдаленную в будущее, при которой в человеческой культуре не будет реализма? Это риторический вопрос, ответ на который вполне очевиден. Реализм может переживать подъемы и спады, к нему может быть прикован интерес публики и авторов, он может становиться менее востребованным, в конце концов, реализм может быть запрещен из идеологических соображений, но окончательно сойти со сцены он не сможет никогда. Ведь если хотя бы одно поколение людей не будет знать современного ему реалистического искусства, то оно останется неотрефлектировано, и следующее поколение, не желая мириться с этим, заново свершит «реалистическое возрождение», результатом которого будет потрясение современников, как у дикарей, впервые увидевших свое отражение. Поэтому можно утверждать следующее: реализм вечен и, однажды родившись, бессмертен, независимо от того, интересен он современникам или нет, разрешен или запрещен. Итак, можно резюмировать все сказанное в одно определение: Реализм — это постоянно развивающийся миметический вид фигуративного искусства, независимый от идеологий, вкусов и моды, отражающий окружающий мир на фундаментальном уровне, воздействующий на реальность через авторство и являющийся вечной мерой понятий о подлинном в человеческой культуре. g

Существуют культуры, по различным причинам никогда не знавшие реализма. В разные эпохи культуры, которые знают реализм, прогрессируют (1/7) 2011 galleryspb

43


теория искусства

Валерий Мишин, Портрет художника в юности, 2010 95х120, хм Courtesy of the artist

44

galleryspb (1/7) 2011


теория искусства

автор: Валерий Мишин

РЕАЛИЗМ ПО УМОЛЧАНИЮ Если смотреть на вещи широко, всё искусство, которое зафиксировалось и сохранилось в истории человечества, – это реализм. Реализм 5‑го века до новой эры. Реализм 4‑го века до новой эры. Реализм 3‑го века до новой эры. Реализм 2‑го века до новой эры. Реализм 1‑го века до новой эры. Реализм 1‑го века новой эры. И т. д. Достаточно нерасторопная классификация. Поэтому (после долгого средневекового периода борьбы реализма с номинализмом) стали упрощать. Реализм 14‑го века стали называть треченто. Реализм 15‑го века — кватроченто. Реализм 16‑го века — чинквеченто. Реализм 17‑го века — маньеризмом. Реализм 18 века — барокко. Тут возникали «нахлёсты». Чинквеченто сталкивалось с  маньеризмом в  рамках 16‑го века, а  маньеризм с барокко в 18‑м. Появились дробления. Реализм начала 19‑го века стали называть романтизмом, а  реализм конца 19‑го века  — импрессионизмом. В 20‑м веке начались совсем мелкие дробления. Чуть ли не в каждом десятилетии был свой реализм. Реализм 10‑х годов — символизм. Реализм 20‑х годов — конструктивизм. Реализм 30‑х годов — сюрреализм. Реализм 40–50‑х годов — абстракционизм. Реализм 60‑х годов — концептуализм. И т. д. Сюрреализм предложил самое сжатое и  мобильное написание. «Социалистический реализм» выглядел более многословным и неуклюжим, поэтому стал именоваться «соцреализмом». Будь моя воля, я  бы все варианты реализма называл просто: дореализм, послереализм (т. е. постреализм, термин уже в  обиходе), околореализм, межреализм, нереализм (не путать с неореализмом). И т. д.

Можно возразить: какое, мол, отношение имеет реализм к  абстракционизму? Однако мы изначально договорились смотреть на вещи широко. Общепринятый реализм оперирует визуальным рядом окружающего мира, а  абстракционизм делает попытки использовать параметры внутреннего видения. Хотя это разграничение чисто условное.

Пятно краски на холсте или карандашная линия на бумаге — суть такие же реалии, как озеро или линия электропередачи. В  каком  бы направлении мы ни  двигались, пользуясь невооружённым или вооружённым глазом (микроскоп, телескоп), мы неизменно окажемся в плену реалий и  предметов, даже когда они распредмечены. Абстракционизм и  концептуализм правильней соотносить не  с  реализмом, а  его антиподом  — номинализмом, но это уже из области философии и для специальных занятий. Наш интерес  — реализм в  изобразительном искусстве, моя тема совсем сужена — рассказать о живописных упражнениях, проведённых минувшим летом. Тогда, спрашивается, для чего эта artподготовка? Разговоры о реализме? Не перебор ли? Известно, что художник и поэт в минуты творчества постигают и преобразуют мир заново. Только это самоосознание избранности позволяет быть, хотя  бы на краткий миг, творцом (невольно подражая Великому Формовщику, который месил глину, вынимал рёбра и вдыхал в них жизнь), а не рукоделом. Джелли рол Мортон утверждал, что он изобрёл джаз, Арсений Тарковский, что он открыл поэтический кинематограф, Иосиф Бродский говорил, что русская поэзия в данный момент именно там, где находится он сам. Не стану утверждать, что изобрёл современную живопись… Однако, когда в  порыве восторга «выплеснешь краску из стакана» и она вольно потечёт по холсту, принимая причудливые формы, в это (1/7) 2011 galleryspb

45


теория искусства

самое время кажется, что ты постиг что-то невероятное, тебе открылись неведомые тайны, ты на вершине, нет, не удачи, а чего-то невыразимого. Пусть бы эта краска текла и не засыхала. А ведь засохнет, скукожится, и все фантазии померкнут.

Мои пассажи обращены к  тем, кто испытывал восторг творчества, выполняя «от  не  фиг делать» свою, никем не  запрограммированную работу, а  не  чей-то заказ, чей-то проект, словом, очередную подёнщину. Постмодернизм, верховодивший несколько последних десятилетий на  художественном пространстве, приучил относиться к  различным стилям и  направлениям потребительски, равно с почтением и небрежением. Для искомого продукта, как для салата либо винегрета, всякий овощ впрок, нате — ешьте, не вкусно? А вы чего хотели? Так называемое актуальное искусство ещё более всеядно. Главное — идея, общий замысел, проект, для реализации которого — всяко лыко в строку. Супер — гипер — мульти — пульти. …Не будем касаться мировых примеров, там есть, бесспорно, удачи. Не  будем искоса глядеть на  наш огород, или хлебопекарню, винзавод, как хотите, там тоже не  зря Ваньку валяют. Скажем только: и  постмодернизм, и актуальное искусство — это проявления всё того же реализма. Но реализма, на этот раз, какого-то безнадёжного и суетливого. Итак, моя техническая база. 1. холст  — сренезернистый, грунтованный, итальянский, типа нашего репинского; 2. подрамники  — отечественные, с  клиньями, сделанные на  одной из  карельских деревообрабатывающих фабрик; 3. краски — французские; 4. растворитель  — финский; 5. кисти, мастихины, разбрызгиватели, спринцеватели, наждачная бумага, губки — что попадётся под руку. 17  мая 2010  года в  глазной клинике им.  Фёдорова мне сделали операцию на  левом глазу. Удалили катаракту, заменили хрусталик и  главное  — удалили мембрану. Мембрана — это некое инородное образование, возникшее внутри глазного яблока и закрывающее поле зрения. Что это на самом деле — до конца не изучено, как выяснилось, методология борьбы с  этим изъяном также не  очень разработана. В  глаз втыкают тонкие иглы, дробят мембрану, оттаскивают

46

galleryspb (1/7) 2011

к краям яблока и там прижигают лазером. Каков процент удачи? Врач честно сказал: фифти-фифти. Выбора не  было. Пришлось согласиться. В глаз вкачали жидкий газ для послеоперационной стабилизации. Человек видит глазом окружающий мир, а  тут случилось неожиданное: глаз видит то, что происходит внутри глаза. Плавает чёрная полусфера, она перемещается при наклоне головы, и  сквозь её рваные края мерещится нечто снаружи. В  самый раз взять краски  — и  попытаться запечатлеть. Суеверный страх останавливал. За краски взялся только через неделю. С чего начать? Художник тратит много времени, чтобы выработать своё «видение», свой подход к живописным проблемам, а  тут тебе подарок. Всё смещено, перекорёжено. Нарочно не придумаешь, кабинет кривых зеркал — бледное подобие того, что есть воочию. Крыши уплывают за облака (кубизм мой, кубизм), облака стелятся под ногами (Магрит мой, Магрит). Лицо собеседника внезапно приобретает жёсткие и суровые очертания (Леже мой, Леже), потом вдруг всё исчезает в тумане (Тёрнер, ты мой Тёрнер). Я не  хотел насиловать ситуацию, напрягать себя, я  берёг глаз. Холсты лежали на  полу (Миро, ты мой Миро), и по ним причудливо расплывались цветовые замесы. Для меня не было дилеммы, какая живопись лучше: «а ля прима» или живопись готовых колеров. Краска текла, как ей заблагорассудится. Возникали заманчивые и  непредсказуемые сочетания, фигуры и  пятна, многое обещавшие. Но  в  какой-то момент наступал ступор. Казавшееся минуту назад гениальным  становилось никчемным. Руки опускались. Мастихин безжалостно соскребал неудавшийся опус, краска грязной кашей, комьями летела на пол, в кусты, на забор (действо происходило на свежем воздухе). Процесс упорно повторялся изо дня в  день, с  утра до  ночи. Поздней осенью, когда стало холодать и  живопись во  дворе подходила к  концу, был произведён подсчёт сделанного. Холстов оказалось всего18. А  сколько изначально писалось картин? Цифру можно помножить на  два, три, пять, восемь. Под каждым красочным слоем погребены его предшественники, бесспорно, более талантливые и гениальные, но им не повезло выжить. Зафиксировались посредственные и пробивные. Так бывает. Таков порядок вещей. Можете смеяться, можете показывать


теория искусства

на меня пальцем, мол, мелешь чушь, приятель, ничего из  ряда вон в  твоей мазне нет. Согласен  — нет, но ведь было, и уверен: снова когда-то будет. Почему же ты не взял камеру и не сфотографировал? Да, почему? Боялся спугнуть… Первые два холста, оставшиеся не замазанными, получили названия «Полутароглазый Стрелец» (Бенедикт, ты мой Бенедикт, разумеется, Лившиц) и «Змеелов»  — змеи в  глазу ещё долго будут извиваться. Название явно из  «Птицелова» Перова (чем не  реализм?). Как ни  странно, подобные стилистические ходы в моих работах появлялись и прежде. Тут ничего неожиданного нет. Неужто сумма затверженных приёмов и  привычек настолько сильна, что заставляет себя контролировать и  не  позволяет запечатлеться чему-то новому? Вот потом и ходи по выставкам с брюзгой: чего, мол, друзья-художники малюете одно и то же? Никаких новаций. Да сам такой. Как известно, беда не  приходит одна. Не  успел я оправиться от своего недуга — в больнице оказался мой сын. Положение было очень серьёзным. Сын лежал в  реанимации, жена практически не  покидала больницу. Спасти могли только врачи, Господь Бог и молитвы. Мне казалось, что молитва может иметь не только словесное выражение. Краска, которая выливалась на  холст вместе со  слезами, – своего рода молитва. Три холста, написанные в самые тревожные дни жизни, остались без перезаписи. Названия возникали сразу. «Не знаю, где мы будем жить, но жить будем». Картина вышла мрачной, в  тёмных тяжёлых тонах. На следующий день попробовал сделать чтото более светлое и обнадёживающее. Светлое должно присутствовать обязательно… «Летай выше всех, мой друг» и «Летай дальше всех, мой друг» — обращены непосредственно к  сыну. Спасибо, Боже, ты услышал… «А в небе голубом цвела сирень» — холст хоть и сумеречный, но с оттенками надежды и неумело выраженной благодарности. Ряд работ явились результатом моего деформированного мировосприятия. «Плазма жизни», «Вряд ли об этом ты что-то узнаешь», «Тайный ход», «Взгляд изнутри». Последнюю подарил своему лечащему врачу. Пока висит в его кабинете. Ассистентка врача сказала, что у них некогда был пациент вроде меня (один глаз видит «под Пикассо», другой — без устойчивой ориентации). Подарил им картину. Что на ней изображено — поди разбери. Она долго висела в кабинете,

пока во время косметического ремонта её куда-то не убрали, и  картина пропала. А  тут недавно, говорит ассистентка, показывают по телевизору какой-то западный аукцион, там картины этого художника продаются за большие деньги. Спохватились, но  уже поздно… Мою решили пока поприберечь. Правда, всё  же расспросили: что всётаки я хотел в этой картине изобразить? Чего уж тут толковать о реализме?

Реализм плотно сидит в  нашей голове. Возможно, когда в голове — это уже не реализм, а номинализм (простите, путаюсь в этих категориях). Говорят — в философском плане номинализм победил реализм. Но, как утверждают те же философы, это победа не окончательная… В конце лета я устал от открытого краскоизвержения («Лето было жарким»), захотелось ввести в живопись элементы фигуративизма. Следствием чего стали «Я в домике», «К нам в окно стучится осень». Вспомнил о  своём давнем друге, уехавшем в  Австралию. Результат  — «Австралопитек». А  как можно забыть любимых испанских художников? «За  той горой родился Пикассо». И Испанию? «Испания в моём представлении». Помню, в начале семидесятых поэт Слава Лён привёл меня к Владимиру Яковлеву, самому ярко выраженному живописцу из поколения московских художников эпохи концептуализма и  самому неудачливому, закончившему жизнь в психушке. Малюсенькая «хрущёвка» была для него и местом обитания, и мастерской. Живопись произрастала повсюду. На  листах бумаги, картонках, фанерках, на  натянутых на  подрамник холстиках и холстах без подрамника. «А это вот, — сказал Яковлев, — альпийский луг.» Картина была написана прямо на деревянной спинке его кровати. «А ты был в Альпах? — Нет, но я так их представляю». Я также не был в Испании. В последней картине минувших весна-лето-осень возникли джазовые модуляции. А как же без джаза? «Ночь в Тунисе» — одна из любимейших пьес Диззи Гиллеспи. До сих пор храню его плакат 1977 года с автографом, чудом попавший ко мне. «Валера, привет, скоро увидимся». А как же? Обязательно увидимся… g (1/7) 2011 galleryspb

47


слово художника

48

Courtesy of the artist

galleryspb (1/7) 2011


слово художника Юрий Калюта Автопортрет. Сон в новогоднюю ночь. 180х200, холст, масло, 2010 Courtesy of the artist Юрий Калюта Мелисса, 130х99.5, холст, масло, 1997 Courtesy of the artist

Юрий Калюта — не частый гость в Петербурге, так как он много работает за границей. В один из его редких приездов в Петербург Gallery.SPb смог взять у художника интервью.

мой стиль — это любовь Что такое реализм? Интересно, что бы на этот вопрос ответил древне­ египетский художник, создающий замечательные образы своих современников? Такие вопросы не возникали вплоть до конца 19‑го — начала 20‑го веков. Во все времена художник занимал главенствующее положение в обществе и всегда был реалистичен. Не хочу показаться закостенелым догматиком реализма, но по-моему это заслуга искусствоведов, пытающихся разложить все по полочкам, рассадить всех по разным клеткам и назвать разными «измами». Есть просто хорошее искусство, а есть мыльный пузырь, или пустые разговоры о нем. Не зря все современное искусство  — «кураторское», а то, что художник делает и как, совершенно не важно. Вы художник реалистического направления? Я не хочу повторяться, так как уже сказал, что любое великое произведение реалистично и всегда передает настоящие человеческие чувства наиболее доступным способом. Реализм постоянно в развитии. Он изобретает новые формы лишь только для того, чтобы найти наиболее точный и простой путь для передачи самого главного. Здесь, конечно, не обойтись

без мастерства и профессионализма. Я уверен, ни один нормальный человек не обратился бы за помощью к стоматологу-авангардисту или отправился бы в авиапутешествие, узнав, что пилот совсем не профессионал и большой оригинал. Как Вы определите стиль Вашего творчества? Я не отношу себя к какому-либо стилю, так как считаю подобные вопросы не совсем профессиональными. Наверно, теоретики, если им будет интересно, мое искусство как-то обзовут. Мой стиль  — это любовь к тому, что я изображаю, к тому, как я это делаю. Настоящее произведение всегда овеяно любовью. Мастерство, профессионализм и самовыражение — какова должна быть пропорция? Художник постоянно самовыражается. Для этого ему необходимы мастерство и профессионализм. Очень смешно наблюдать, когда художник очень активно выражает себя убогим, примитивным языком. Для меня форма всегда очень важна. Мы наблюдаем за прекрасными изображениями Веласкеса, Рембрандта, Гойи и других, и нас совершенно уже не волнуют моральные качества портретируемых или важность (1/7) 2011 galleryspb

49


слово художника изображаемых событий. Важно, чтобы искусство было вне времени и затрагивало общечеловеческие ценности. Тогда оно будет актуальным во все времена. Что приоритетно для художника — деньги, слава или творчество? Конечно, для художника приоритетным остается всегда творчество! Деньги и слава не должны вообще волновать творца  — это всего лишь его оценка обществом. Очень часто эта оценка случайна и несправедлива, только время все расставит по своим местам. И сколько бы денег ни вкладывалось в пиар того или иного художника, все равно время все рассудит и каждому воздаст по его таланту. Может и не сразу… Насколько сильно влияние школы для художника? Значение сохранения школы крайне велико. Почемуто это не обсуждается, когда речь идет о фундаментальной науке или о балете, допустим. Наша школа сохранилась благодаря массе субъективных факторов и представляет собой в хорошем смысле консервативное заведение, сохраняющее (консервирующее) весь опыт предшествующих поколений. Хорошая школа может помешать только не совсем адекватному человеку. Велик ли соблазн оставаться на кого-то похожим, демонстрируя принадлежность к известной (популярной) школе? Ребенок, когда начинает говорить, всегда старается быть похожим на своих родителей. Нет ничего плохого, когда начинающий художник похож на своих учителей. Плохо, если это будет продолжаться всю его творческую жизнь. Влияние фотографии на развитие реализма  — это благо или вред? Во все времена художник пытался найти способ, как остановить мгновение и запечатлеть наиболее точно предмет изображения. Использовались манекены, всевозможные оптические ухищрения. И, когда наконец появилась фотография, все выдающиеся художники восприняли это достижение с восторгом. В конце 19‑го — начале 20‑го веков не было ни одного более или менее известного художника, который бы не пользовался фотографией. Врубель приходил

50

galleryspb (1/7) 2011

в неописуемый восторг от фотографии и постоянно в своих письмах просил выслать ему определенное количество видов из Италии и т. д. Здесь следует отметить самое главное  — художники использовали фотографию как вспомогательный материал, умея при этом блестяще писать и рисовать с натуры. В настоящее время появилось огромное количество так называемых фотореалистов, которые чешут с фотографий один в один или, еще хуже, раскрашивают фотоизображение на холсте или бумаге. Особенно это часто встречается в Китае, где мне пришлось об этом говорить, читая лекцию в Национальном музее в Пекине. Ничего общего с настоящим реалистическим искусством такой способ изображения не имеет. Если художник не наделен талантом, образным мышлением и фантазией, никакая фотография не поможет. В идеале художник должен постоянно иметь при себе блокнот и собирать вспомогательный материал, делая наброски и зарисовки. Немного личного: как относитесь к творчеству Марины? К творчеству Марины отношусь с восторгом и удивлением. Удивляет меня: когда она находит время и возможность для создания своих картин (за более чем двадцатилетнюю совместную жизнь я ни разу не присутствовал при их создании). А в восторг приводит ее, совершенно отличный от моего, взгляд на вечные проблемы и, при этом, способность сохранять высокий профессионализм и цельность восприятия. А что думаете о Майкле Калюте, английском авторе комиксов и иллюстраторе Толкина? Комиксы и Толкин мне совершенно неинтересны. Сказываются возраст и другие приоритеты. О создателе этих комиксов постараюсь что-нибудь узнать в интернете (из чистого любопытства). Лучше спросили бы что-нибудь о футболе или о Веласкесе, о которых могу говорить целые сутки! Скоро Новый год. Трудно ли придумать, что хочешь в подарок? Если нет, то что? На этот вопрос я уже попытался ответить в своей последней работе «Автопортрет. Сон в Новогоднюю ночь». В подарок хочется здоровья своим близким и любимым, а также возможности наслаждаться живописью как можно дольше. g


слово художника

(1/7) 2011 galleryspb

51


слово художника

Искусство как повтор

Фотограф: Станислав Гришин

Интервью с Владимиром Прошкиным

52

galleryspb (1/7) 2011


слово художника

Как Вы стали художником? В. П.: Я закончил институт Репина и преподавал там пять лет. Потом отец сказал мне: «Знаешь, Вовочка, что я  тебе скажу? Если ты можешь заработать искусством, никогда не  ходи преподавать». Вот такой был завет, я старался его выполнить, но жить-то както нужно было, поэтому я преподавал по вечерам. Когда вы стали полностью обеспечивать себя своими картинами? В. П.: Я  полагаю, с  92-го года. Было время, когда Никита Сергеич объявил, что это все излишество, наша мазня, и  перестали нас покупать в  государственные учреждения, сократили статью, я  занялся пром-графикой. Это такой вид оформительского искусства, когда берешь белую бумагу, клей, цветную бумагу, вырезаешь необходимый силуэт, приклеиваешь, шрифтовик тебе надпись пишет, и  получается произведение искусства, называемое «коробочка для упаковки детской игрушки». Я работал на заводе «Спутник», создал около ста таких вот коробочек. Потом я работал в разных журналах, оформил несколько изданий. Участвовал в оформлении детских садов, школ. Ну и потихоньку продавались холсты. Сегодняшнее положение вещей, современное искусство, поиск новых материалов и образов. Как ваши пейзажи уживаются с этим, и что вы думаете о новых тенденциях? В. П.: Замечательно уживаются! Они — вечное, и никуда от этого не уйдешь. А сейчас можно подействовать на психику, а не на чувства. У некоторых это получается, а некоторые так делают, потому что они ничего больше показать не могут, не тянут. Нет ни воображения, ни  соображения, а  только опошленный прием воздействия на психику.

Значит, не  любите современное искусство, а  почему, что конкретно вам не нравится? В. П.: Ну что за «любишь», «не любишь», ну если тебе приходится смотреть, то  ты невольно смотришь. Но сказать, что это я люблю, я не могу Я всегда считал, что искусство должно услаждать душу. Но, с другой стороны, от Кандинского, например, у  меня нет такого неприятного впечатления. Я  его очень уважаю. Я  его уважаю за  то, что этот человек прошел сам, карандашом и  кисточкой, путь от  ренессанса до фовизма и, наконец, нашел себя в том, в чем нашел. И  тут я  вижу и  последовательность, и  логику, и чувства, и мысль. И я не люблю, например, господина Малевича. Он страшный! В. П.: Вот! Второй человек, который меня понимает! Он великолепный промграфик, но как художник гораздо хуже, чем Леонардо Да Винчи. Как по-вашему изменилось искусство, что с  ним произошло? В. П.: Я  не  очень уверен, что сегодня нужна машина, чтобы ногти стричь. Человек в состоянии сам это сделать. Так же и искусство, и очень многое другое. То есть желание обогатиться за счет сферы услуг привело к тому, что сфера услуг становится самодовлеющей промышленностью. Вот сколько людей живут в  неприспособленных жилищах и  голодают? На  сегодняшнем уровне человечество могло бы это постепенно уладить, если бы оно не тратило средства для одной сотой населения, которому нужно, чтобы, я извиняюсь, что-то вытирали механическим путем, сам он уже не  может. И  общество постепенно работает не на всех, а на эту избранную часть. (1/7) 2011 galleryspb

53


Владимир Прошкин | Courtesy of the artist

слово художника

А какое положение занимает в нем искусство? В. П.: Оно занимает двоякое положение. С одной стороны, положение духовного впередсмотрящего, который всеми силами старается, чтобы человечество стало лучше, прекрасней. И  второе его положение, чисто обслуживающее, прикладное, совершенно бездумное, доводящее до полного идиотизма. Может, современные художники зачастую просто не  способны делать лучше? Может, они просто не умеют рисовать? В. П.: Это первая причина! Когда меня спрашивают: почему ты не  поешь? Потому что не  умею. Вот тот, кто умеет,  — поет и  покоряет весь мир. Далеко ходить не  надо — господин Паваротти. Его понимали везде. Потому что это был голос редчайшей красоты. И  если  бы этим голосом он стал петь африканские речитативы, мы наверно бы ничего не поняли. Очевидно, должно быть соответствие степени развития искусства. Чем ценна, например, для нас классическая музыка? Тем, что необходимость выразить в звуке тончайшие чувства человеческой души заставили композитора прибегать к  различному составу инструментов, который был назван оркестром. И  почему такой сложный состав у оркестра? Потому что

54

galleryspb (1/7) 2011

только при таком сложном составе можно выразить те тонкие чувства автора. И как же его можно заменить электроникой? По-вашему, это деградация? Это упадок? В. П.: Сегодня такого подъема нет. Движение поступательное идет, как повтор, как ретроспекция. Существует в  основном компилятивное искусство, которое пользуется теми достижениями, что уже были раньше. Литература, поэзия, музыка вдохновляет на  со­ здание картин? В. П.: Нет, это для меня просто источник определенного настроения. Или вдохновения, каким-то образом влияющего на  мое чувственное восприятие. Недаром же известный искусствовед начала века Аксенов написал такое эссе, как «Пикассо и окрестности», где он дал определение такому феномену, как Пикассо. Он сравнивает появление этого феномена со сказкой Андерсена «Как солдат из топорища кашу сварил». Короче говоря, всех надул, но  каша вкусная была. В  этой работе Аксенов дает такое определение искусству, мне оно очень нравится, до него я знал только марксистское: «Суть искусства в созда-


слово художника

нии устойчивого подобия прочувствованному, путем ритмического расположения, взятого для этой цели материала». Не услышанному, не увиденному, а прочувствованному! Как, по-вашему мнению, современные художники создают «устойчивое подобие прочувствованному»? В. П.: Они, как я уже говорил, пытаются воздействовать на  ум, на  подсознание, а  не  на  чувства. Сейчас рисунк, живопись, фотографию, инсталляцию можно объединить в одну композиционную затею и воздействовать на людей. Например, инсталляция «Медный всадник» в  Этнографическом музее. В  ней действовали на  зрителя тем, что взяли медного всадника сфотографировали, потом сфотографировали волны, потом еще что-то. Потом это собрали в одно театрализованное представление. Самое страшное, что мне это понравилось. Что же тут страшного? В. П.: Ну вот брошу я все. Начну инсталляции делать. А кто пейзажи писать будет? Заниматься традиционным, так сказать, искусством?А если серьезно, я вот недавно побывал в  музее современного искусства

на Васильевском острове. Я был потрясен самим музеем. Тем, как выстроены помещения, как сочетаются старое колоссальное советское здание снаружи и как все меняется внутри. И у меня осталось хорошее настроение надолго и всерьез. И меня тянет туда еще раз. А как же пейзажи? В. П.: Там и пейзажи есть. Откуда у  вас, городского жителя, взялась такая глубокая и тонкая любовь к природе? Что заставляет вас круглогодично выезжать на пленэр и писать? В. П.: Да потому что я  три года прожил в  Сибири, и эта земля, она нас кормила согревала и не дала помереть, в буквальном смысле слова. И плюс потому, что мы на ней работали. И там в свои 10, 11, 12, 13 лет я понял, что такое земля, что такое природа, что вообще окружающий тебя воздух, каково это жить на этой земле, как она устроена и как можно ее обустроить, если ты не будешь ленивым, а будешь все время трудиться и в поте лица своего добудешь себе хлеб. Вот это я там понял и полюбил природу до удивительного какого-то нежного чувства. Вот собственно и все объяснение. g (1/7) 2011 galleryspb

55


То ли дело — сладкое чувство причастности к своим. Чуть кто не в ногу — ату его!

56

galleryspb (1/7) 2011

Фото предоставила Маша Салтанова

главное


главное

Подводя итоги Александр Боровский

Традиционный вопрос — итоги года? Вопрос как раз сложный, в российской ситуации далеко не дежурный. Если суммировать не только реакции прессы, но  и  мнения профессионального сообщества, получается два полярных ответа. Первый: открытие свибловского МАММ, деятельность PERMM, первый частный «Новый музей» в  СанктПетербурге, премия Кандинского, стабильно работающие «винзаводы-гаражи-этажи-ткачи» и  другие публичные арт-пространства, качественные музейные и  галерейные выставки и  пр. Второй: приговор Ерофееву-Самодурову, грядущий суд над членами группы «Война», протестные акции Мавромати и  Тер-Оганьяна и  многое другое. Словом, с  одной стороны  — нормальное, рабочее дело укоренения современного искусства в  действительно неблагоприятной, разъеденной известью многодесятилетнего непонимания среде. С другой — сплошное поле боя: наступление реакции, контратаки прогрессивных деятелей актуального искусства, зов о помощи, такой вот арт-алармизм.

ми клерикальными кругами. Но  процесс запущен, и  он, боюсь, пойдёт своим путём: у  нас всегда хватит тех, кто действует по поговорке — заставь дурака Богу молиться, он и  лоб расшибёт. Повторю, это относится не только к религиозно-фанатичным или экстремистски-националистическим кругам. Это относится и к судейским: при желании отличиться умысел на  разжигание какой-либо розни можно найти во всём. Но при этом я всё же не считаю, что выполняется некий заказ «режима» как такового. Более того, похоже, эта шумиха не больно-то ему и нужна. Власть «по  уму» должна  бы тормознуть особо ретивых: при лозунгах модернизации рецидивы мракобесия как-то совсем не к лицу. Нельзя забывать и о том, что «заводят» публику (а  наша художественная среда, в отличие от демократического искусства второй половины позапрошлого века как-то забывает, что даже самые неприятные, агрессивные и темные «святозащитники» — тоже часть общественности) специальные люди, охочие до  провокаций: таковых у  нас во все времена предостаточно.

А каково ваше мнение? Я сознаю всю непопулярность того, что выскажу. В  традиции нашей либеральной мысли живописать эсхатологические картины: ещё немного  — и  конец contemporary art наряду со всеми ростками российского свободомыслия. Если ты не бьёшь тревогу, не  взываешь к  мобилизации всех и  вся, ты  — жалкий конформист. Как-то забывается, что «борьба с  режимом» тоже может быть конъюнктурной. Так вот, меня, естественно, тревожат некоторые моменты. Прежде всего, все эти процессы над художниками и  кураторами. Суды дали себя вовлечь в  некую идеологическую борьбу: пошли на  поводу у  наиболее одиозных кругов  — разного рода «хоругвеносцев». Речь идет не  о РПЦ как таковой, а  о  группах, видимо, связанных с  крайне правы-

Все же, если перейти от общественной проблематики к собственно искусству? Ситуация, на  мой взгляд, вырисовывается следующая. Все перечисленные «позитивные» факторы  — новые музеи и пр. – свидетельство того, что в стране худо-бедно, но обустраивается истеблишмент современного искусства. Со  всеми его плюсами и  минусами. Но у нас, естественно, есть и силы, выступающие против такового истеблишмента. Терминология может быть разной  — протест против капиталозависимости, гламуризации, буржуазности, даже  — фашизоидной репрезентации. Равно как и рекомендации — уйти с музейно-галерейного поля, разорвать товарно-денежные отношения, искать собственные формы бытования искусства в обществе. Главное — подкоп под истеблишмент! (1/7) 2011 galleryspb

57


главное

Необходимое дело! Вот только есть важный нюанс. Современное искусство  — истеблишмент, это трюизм. Однако истеблишмент, который всегда понимает необходимость критической позиции, всегда готов изменяться. Ценить критику как инъекцию против застоя. У нас же истеблишмент только развивается. Обрастает институциями. Укореняется. Есть люди, которые жизнь кладут на  это. Как, например, О. Свиблова с её МАММом — мультимедийным центром мирового класса, по сути, первым и единственным у нас музеем, институционально и архитектурно «заточеннным» под современное искусство! Но, увы, масс-медиа (и блогосфера) гораздо большее внимание уделяет несколько истероидным и  совсем  уж, по правде говоря, эгоцентричным протестным акциям, скажем Мавромати и  Тер-Оганьяна! Я  искренне уверен: истеблишмент нужно постоянно подвергать остракизму. Но  — когда он есть, заматерелый, укорененный, обладающий огромным запасом плавучести! Но  у  нас-то  ничего подобного! Он даже становление не  завершил! А  его уже топят с  гиканьем, причем  — с  позиций униженных и  оскорбленных! Зачем это делается? Много причин: детская и  попрежнему модная болезнь левизны. Энтузиастическая или небескорыстная ориентация на  западные институции: там арт-истеблишмент настолько силен, что выделяет немалые гранты на критику самого себя. Обиды. Муки недооцененного эго. А  главное  — наша отечественная традиция, описанная ещё Розановым! Ничего позитивного не успело устояться  — александровские реформы, земство, дума, Учредительное собрание  — как его уже начали топить! Соответственно, доигрывались. Так что есть о чем подумать.

58

galleryspb (1/7) 2011

Да, рискованные суждения! Просто — непопулярные. Арт-алармизм гораздо более в  моде. К  тому же  — никакой ответственности! Всегда виноват кто-то другой: чиновники, власти, творческие авторитеты. С  последними дело обстоит совсем смешно. На фиг все эти талантом и потом добытые карьеры, иерархии, музейные репутации! То  ли дело  — сладкое чувство причастности к  своим. Чуть кто не  в  ногу  — ату его! Характерна ситуация с прошлогодней выставкой в Лувре. Благодаря масс-медиа и  блогосфере она стала рупором не  современного российского искусства, а  Авдея ТерОганьяна, к  титулу богоборца прибавившего славу правдолюбца и  страдальца. Стоило Э. Кабаковой выказать корректное сомнение в, скажем, несомасштабности явлений — возможности репрезентации русского искусства и  жестоких цензурных гонений на  Авдея, оказавшихся, кстати, несколько мифологизированными, – блогосфера взорвалась агрессией! Наших бьют! Даже серьезные художники оказались заложниками психологии малых групп! Вообще, мне кажется, реалии искусства и реалии его отражения в интернете расходятся, если посмотреть холодным взглядом, комически. Кое-кто уж слишком наивно понял возможности сети: пост — реакция узкого круга жж-онанистов  — пять минут славы. Тут, действительно, никакие авторитеты не  нужны. Полное самоудовлетворение. Трудно, однако, выжить искусству, весь жар которого можно передать эсэмэской или постом. g


главное

(1/7) 2011 galleryspb

59


главное

2010 – Review Alexander Borovskiy

Traditional question — how are results of the year? A question is tricky actually, in the Russian situation is far from being orderly. If we summarize not only reaction of press, but also opinion of professional community, two polar answers will appear. The first: opening of the Sviblovskiy МАММ, PERMM`s activity, the first private «New museum» in St.Petersburg, Kandinsky's premium, stably working «wineries-garages-floors-weavers» and other public art-spaces, qualitative museum and exhibitions and so forth. The second: sentence to Yerofeev-Samodurov, the future trial of the group «The War» protest campaign of Mavroty and Ter-Oganyan and etc. In a short words, on the one hand  — normal, working business of modern art rooting in really adverse environment, pitted by lime of decade-long misunderstanding. From the other hand  — a continuous battlefield: approach of reaction, counterattack of progressive figures of progressive art, calls for help, such kind of artalarmism. And what is your opinion? I realize all unpopularity of what  I’m going to say. It  is traditional for our liberal idea to picture eschatological pictures: a little bit more– and the end of contemporary art along with all plantlets of the Russian freedom of thinking will come. If you do not raise the alarm, do not appeal to mobilization of all and everything, you are a pity conformist. It is forgotten somehow that «struggle against a mode» is may be tactical as well. And well, I’m, naturally, anxious about some moments. First of all, all these processes above artists and curators. Courts have let to be involved in a certain ideological struggle: have done the bidding of the most odious circles — a different sort of «standardbearers».

60

galleryspb (1/7) 2011

It is not a question about the Russian Orthodox Church in proper, but about groups, probably, connected with the extremely right clerical circles. But process is started up, and  it, I am afraid, will have a distinct line of own: we always will have those who operate on a saying — Give a man enough rope and he’ll hang himself. I shall repeat that  it affects not only religious-fanatical or extremist-nationalist circles. It affects judicial ones as well: if desired to come to the top the  intention on fomentation any break may be found in all things. But nevertheless  I do not consider that a certain order of "mode" as itself is carried out. Moreover, it looks like this sensation  is needed like a hole in the head. Authority «on mind» should suspend especially zealous ones: with slogans of modernization these relapses of obscurantism do not feat. It  is  impossible to forget that the a «stir  in public» is created (and our art environment, unlike democratic art of second half of the century before last somehow forgets, what even the most unpleasant, aggressive and dark «holy cause protectors» — are the part of the public too) by the special people eager to make provocations: we at all times have enough of those. Well shall we change from a public problematic to actually art? The situation, in my opinion, appears as follows. All listed «positive» factors — new museums and so forth — are the testimony that establishment of the modern art in the country  is at least developing. With  its pluses and minuses. But we, naturally, also have forces opposing that establishment. Terminology may be different  — the protest against capital dependence, glamorization, bourgeoisie, even — faschizoid representation. No less than recommendations — to leave the museum-gallery fields, to break off commodity-money relation, to look


главное

for own forms of art existence  in society. The main thing — is sapping under establishment! Necessary business! There is only an important nuance. The modern art — establishment, is a truistic statement. However the establishment which always understands an indispensability of a critical position is always ready to change. To appreciate criticism as an injection against stagnation. In our country the establishment  is only developing. Enmossing with  institutions. Irradicating. There are people who put a life on  it. As, for example, O. Sviblova with her МАММ– the multimedia center of a world class, as a matter of fact, the first and unique museum for us, institutionally and architecturally «set» for modern art! But, alas, mass media (and blogosphere) gives much greater attention to a little bit hysteroid and at all, to tell the truth, egocentric protest campaign of, say, Mavroty and Ter-Oganyan! I am sincerely assured: it is necessary to expose establishment to constant ostracism. But — when  it  is, it  is mature, implanted, and possessing a huge floatage! But we have nothing like this! It even has not completed the development! And it is already heat with whooping, and what is more– from positions of the humiliated and offended! For what  is  it done? Many reasons: childish and still fashionable illness of leftism. Enthusiastic or selfish orientation to the western institutions: where the art-establishment  is so strong, that appreciates considerable grants for criticism of itself. Insults. Flours of the underestimated ego. And the main thing — our domestic tradition described by Rosanov! Nothing positive has had time to settle — Alexandrovsky reforms, Zemstvo, Duma, the Constituent assembly  — before they were drawn! Accordingly, ended up in a bad way. So there is something to think about.

Yes, these are risky judgments! They are simply unpopular. The art-alarmizm  is much more in fashion. Besides — no responsibility! Someone else  is always guilty: officials, authorities, creative authorities. With the latter the matter  is completely ridiculous. What the hell all these talent and then achieved carriers, hierarchies, museum reputations! Another business is — sweet feeling of participation to a friendly side. If anyone is out of step– hue and cry! The situation with a last year's exhibition  in the Louvre  is characteristic. Owing to mass-media and blogosphere  it became a megaphone of not modern Russian art, but of Avdey Ter-Ogonyan, to a title of theomachist added his glory of truth-seeker and the sufferer. Had E. Kabakovoj hardly shown correct doubt  in, say, nonimmensity of the phenomena  — in possibility of representation for Russian art and cruel censorial persecutions on Avdey, turned out, by the way, a little mythologized, – the blogosphere has blown up with aggression! Our people are pounded on! Even serious artists have appeared to be hostages of small groups psychology! In general, it seems to me that realities of art and realities of its reflection in the Internet differ if they are looked with a cold sight, humorously. Someone has understood possibilities of a network too fondly: a post — reaction of a narrow circle of Blogofills — five minutes of glory. Here, really, any authorities are not necessary. Full selfsatisfaction. It is difficult for art to survive, however, all heat of which can be convey by SMS or post. g

(1/7) 2011 galleryspb

61


новые имена

Василиса Балашова скульптор

Василиса Балашова, Герой офисной работы. День Courtesy of the artist

62

galleryspb (1/7) 2011


новые имена

тело - фундамент собственного бытия Генри Мур, величайший английский скульптор XX века, однажды сказал, что «существуют универсальные формы, к  которым каждый подсознательно чувствителен». Это высказывание можно применить и  более широко, сказав, что любая форма в  пространстве вызывает реакцию, являясь реальной и  достоверной. Скульптура, как и  искусство в  целом, превратилась в  аморфный концепт, плохо сформулированный и, возможно, пока не  поддающийся определению  — очередной случай теоретико-познавательной проблемы искусства. Те времена, когда было возможным провести четкие границы, давно прошли. Теперь любой объект, находящийся в  пространстве, имеющий физическую оболочку и сопротивляющийся давлению окружающей его архитектуры, может назваться скульптурой. И  все  же, сущностью скульптуры с  древних времен является тело в пространстве. Можно утверждать: то, что мы зовем скульптурой, должно вызывать в  нас чувства и  каким-то образом привлекать наше вни-

автор: Ксения Ланда

мание к  архаическому ощущению присутствия тела в  пространстве. Произведение скульптуры должно предполагать самый примитивный  — и  сильный  — опыт существования формы, необходима передача переживания жизни в  физической форме, того, как эта форма занимает собой пространство, каково бытие в  пространстве  — внешнем и  внутреннем  — и, что особенно важно, движение в этом пространстве. Нарисованное тело в  условном пространстве картины несет в  себе некоторую абстрагированность, но скульптурное тело находится прямо здесь и сейчас. Оно становится партнером нашему собственному, вступает с  нами в диалог: вынуждая нас делить пространство, по  праву нам принадлежащее, этот физический объект принуждает нас признать его реальность и, соответственно, реальность нашего собственного существования. Таким образом, она заставляет нас осознавать свое тело как фундамент собственного бытия, объяснение чему кроется в  ее способности выражать свою фундаментальную

Василиса Балашова, Освобождение Courtesy of the artist (1/7) 2011 galleryspb

63


новые имена телесность. Скульптура наиболее убедительна, когда обнажает наши глубинные телесные ощущения. В 2008  году в  залах Академии Художеств на Университетской набережной открылась первая персональная выставка скульптора Василисы Балашовой, и это стало сенсацией. Мнение общественности и  специалистов четко разделилось на два лагеря: одни осторожно объявили о  рождении если не  гения, то  потрясающего таланта; реакция других была почти нецензурной в своем возмущении. Скульптура Балашовой обладает той монументальностью форм, что рождает только глубинное ощущение формы в пространстве, определяющее сам вид искусства скульптуры. Тяжелые, грузные, исполненные неповторимой грации, эти фигуры застыли в  различных движениях: женщины, стоящие с вытянутыми вверх руками, облокотившиеся на  невидимые опоры, стоящие, упершись руками в колени… Как застывшие формы самой природы: замершие в  устойчивых, кажущихся слож-

ными, позах, сидящие и  стоящие, спокойные, сконцентрированные, они являются квинтэссенцией размышлений о  сущности формы. Лирическое начало проявляется в каждом неровном изгибе: будь то оторвавшаяся от  земли миниатюрная ножка, парящая в воздухе, или отогнутый пальчик на нежнейшей ладони. Новый проект «Человек без Лица» органично развивает тему поиска формы в пространстве, но, что важно, человек, «лишаясь» лица, становится ближе зрителю, чем когда бы то ни было раньше. Безликие фигуры, снимающие или надевающие одежды, неуклюжи и  трогательны. Неровная, шершавая, испещренная следами, оставленными скульптором, поверхность тел околдовывает. В  их движениях скользит мощное чувство витальности и присутствия. Ничего удивительного, что скульптор не  находит интересными стройные тела. Разве можно представить что-то еще, настолько  же переполненное жизнью, нежели эти сгустки энергии? g

Василиса Балашова Courtesy of the artist

64

galleryspb (1/7) 2011


новые имена

Василиса Балашова, Монументальность Courtesy of the artist

(1/7) 2011 galleryspb

65


имена

66

galleryspb (1/7) 2011


имена Евгений Ильич Ухналёв родился в Ленинграде в 1931 году. В детстве пережил блокаду и эвакуацию, по возвращении из которой обучался в Средней Художественной школе при Академии художеств. В 1948 году Евгений Ухналев был осужден по ложному обвинению в антигосударственной деятельности. После освобождения в 1954 году вернулся в Ленинград и работал архитектором в различных проектных институтаx. Первая выставка, на которой демонстрировались работы художника состоялась в 1980 году.

Томление и боль

Пришельцам из XX века особенно заметна старость человечества

автор: Андрей Ухналёв

Известно, что границы эпох не  совпадают строго со  столетними рубежами хронологии. Вот и  XX  век, открывшийся Мировой войной, закончился до срока. Похоже, уже в  восьмидесятые мир стремительно вступал в новый век. Кратким и страшным было ушедшее столетие. Казалось бы, не  жалеть о нем надо — проклясть. Но у тех, кто успел зачерпнуть хоть немного воды утекшего времени, до конца дней останется любовь к трудному веку. И дело не в ностальгии по  ушедшей юности. Уходит из  жизни что-то большое и настоящее. В запахе дыма и крови нашим отцам и дедам казалось: какое отношение имеет «”Остров мертвых” в  золоченой раме» к  XX  веку? Но  наступило новое время, и отчетливо видно — прямое. Неспешная основательность девятнадцатого и  всех прошлых столетий, когда сюртуки английского сукна перелицовывали и  оставляли в  наследство, вошла в  век двадцатый и жила в нем. Именно этой глубинной честностью жизни и держался мир назло дыханию бездны, над которой он балансировал. Впрочем, быть может, все не так трагично, и новый век — еще не шаг в  пропасть. Но  как  бы то  ни  было, нечто важное, стержневое ушло. Оно еще теплит-

ся на  окраинах резерваций искусства, науки, но  даже там уже ни  на  что не  влияет. Творчество моего отца, художника Евгения Ухналёва, представляется мне айсбергом настоящего. Айсбергом, тающим в расслабляющем, тепленьком океане мирового эрзаца. Но, говорят, вода умеет сохранять тонкую структуру, переходя из  одного состояния в  другое. Ушедшее столетие отсыпало художнику полную меру испытаний: блокада и  эвакуация, тюрьма, лагерь, голод  – нерадостные дары. Но  ведь любит он свой век! Искусство выдает это. Без любви нельзя так писать руины, коммуналки, трамваи, поезда, мокрый снег… Ну  почему мы любим все это, не  любящее нас (а с художником любим сильнее, чем в одиночку)?! Наверное, во  всем трудном живет что-то настоящее. Если тяжесть не сломала хребет, сброшенная ноша оставляет в  человеке зерно настоящего  — ценность, достойную любви. На живописном полотне освещенный тусклой лампочкой коридор, круглая печь, деревянные станционные диваны. Стены густо залапаны тысячами пар рук, искавших опоры в  бесконечном стоянии. Сколько томления и  боли спрессовано в этом пространстве! И где теперь те, кто (1/7) 2011 galleryspb

67


имена

этим коридором прошли? Почему-то хочется любить эти мироточащие стены плача. Как потерянное отечество или как отечество не обретенное — вечно будущее оте­чество справедливости, мира и любви, безмолвно склоняющееся перед этой иконой страдания. Но чуткость передвижника, как это часто бывает, соседствует в художнике с романтизмом. И это тоже из ушедшего века, пропитанного искренним отношением к жизни. Циничная современность азартно дезавуирует большую тайну жизни и  мира, которую подспудно ощущает всякая чуткая душа, в особенности же душа художника. Что может противопоставить он этой насмешке, развенчивающей наивную «чепуху» ушедшего XIX столетия? Образ врат — арки, двери, окна — насквозь проходит через творчество отца. Врата — метафора входа или перехода, пограничной черты. Там, за гранью, — загадочное пространство неизвестности. Пришельцам из XX века особенно заметна старость человечества. Чем выше воздвигаются на  свалках больших городов терриконы использованных гаджетов, тем ниже становятся вершины духа. Вот и Петербург незаметно ушел от нас в обетованное отече-

68

galleryspb (1/7) 2011

ство прошлого. Последним в  череде лиц великого города был «Петербург Добужинского» — конечное осмысление эстетики города, в  котором художническая любовь сумела проникнуть и  объять вульгарную жизнь камня, металла, земли — неклассической плоти классического Петрополя. Речь, конечно, не об одном Добужинском, но и о «мирискусниках», о поколении живописцев и графиков, писавших Ленинград перед войной и в блокаду. Отец  — один из  немногих последних художников конечных дней «Петрограда Добужинского». Недаром пустынны улицы его живописного и  графического города. Люди уже покинули этот тонущий в  океане времени остров. Быть может, «погружением» можно назвать наступивший век — погружением в мутную и зыбкую влагу земной нирваны, выступившей из  пор каменной породы и  затапливающей все вокруг. Не нам суждено увидеть гибель потопного поколения, не  нам суждено принять ветвь нового прозябания, но верится, что на грядущем Арарате найдется след жизни и трудов моего отца — художника Евгения Ухналёва. g


имена

Евгений Ухналёв 1. Тут был затишок, 2009 холст, масло, 176 х 200 см 2. Одесса, 2008 холст, масло, 160 х 183 см 3. Есть такое место, 2009 холст, масло, 140 х 188 см 4. Что-то будет, 2010 бумага, тушь, 70 х 100 см 5. Все ушли и слава Богу, 2007 холст, масло, 60 х 70 см Редакция благодарит музей ЭрАрта за предоставленные материалы

(1/7) 2011 galleryspb

69


имена Александр Батурин 1. Павловск, 1996 холст, масло, 60 х 80 см 2. Осень, 1990 холст, масло, 50 х 40 см 3. Ночь, 1992 холст, масло, 50 х 70 см Редакция благодарит галерею С.П.А.С. за предоставленные материалы

70

galleryspb (1/7) 2011


имена Александр Борисович Батурин (1914-2003) родился в Гельсингфорсе (Хельсинки). В 1924–1930 году жил и учился в Шадринске (Курганская обл.), куда был административно выслан его отец, а в 1930 году семья переезжает в Ленинград. В 1931 году шестнадцатилетний Александр становится учеником художника Владимира Васильевича Стерлигова. И уже через год был принят на рабфак ИЗО при Академии художеств, но вскоре исключен в связи с дворянским происхождением. В 1934 году В. Стерлигов и его ученики были арестованы. Батурин восемь месяцев содержался в тюрьме, а в 1935 году был выслан в Уфу. В 1938 году был арестован вторично и осужден на восемь лет, которые провел в Усольлаге. В 1956 году после реабилитации вернулся в Ленинград. Картины Александра Борисовича Батурина находятся в музейных и частных собраниях у нас и за рубежом.

Интервью с Александром Батуриным

70 лет вверх ногами... G.: Расскажите немного о себе. А. Б.: Родился я  в  Гельсингфорсе. Отец мой был военный, и  там стояла его часть. Перед моим рождением он как раз должен был ехать на фронт, но поскольку до меня уже родились две дочери, то  отец специально отпросился, чтобы узнать, кто родился  — сын или дочь? И узнав, что сын, с радостью уехал на фронт. А мы остались в Финляндии, но гдето через год решили поехать в Россию. Причем, уезжая, все наши вещи, их там было пять сундуков, оставили квартирной хозяйке с  тем, чтобы, когда устроимся на  новом месте, прислать за ними. А приехали  — революция, тарарам. Уже не до сундуков. В начале 20‑х жили мы в Ефремово, такой городишко в Тульской губернии, там, рядом, имение деда было. А тут в Москве открылось финское консульство. И  сестры матери, узнав про это, написали отцу, чтобы он съездил в  консульство и  похлопотал насчет тех сундуков. Жили мы бедно. И отец поехал в  Москву. Встретили его в  консульстве любезно, мол, да-да, конечно, спишемся, выясним, зайдите через пару недель.

Когда же он во второй или в третий раз выходил из консульства, его взяли и прямо в «воронок» — задержали по подозрению в шпионаже. Получил он пять лет административной ссылки в город Шадринск. Ну а нам без отца куда? И  мы  — за  ним  — в  Сибирь. А  после окончания срока ссылки мы поехали в  Петербург. G.: Какое у вас тогда было впечатление от Петербурга? А. Б.: Огромное было впечатление. Очень запомнились мостовые. Они торцевые были, из  деревянных шестиугольных брусков, и  каждую весну  — ремонт! Их поднимали, снова загоняли, смолой поливали… Запах был такой, ��собенный… Весь Невский, Литейный, все главные улицы были торцовые. А  машин было  — по  пальцам сосчитать… Однажды бабушка шла за  хлебом, впереди женщина шла, машина  — мимо. Гайка слетела с колеса и женщине в голову, и та упала замертво… Вы сейчас можете представить, чтобы гайка слетела с колеса? И  на дачу летом выезжали на извозчиках… В 34‑м году меня арестовали. А  чуть поз(1/7) 2011 galleryspb

71


имена же и  родителей, как дворян, выслали из  Ленинграда. Это уже после убийства Кирова «очищали» город. Поскольку родители в  этот момент были в  разводе, их выслали в разные города: отца в Саратов, а мать с  сестрами в  Уфу. Когда меня из  тюрьмы отправили в  ссылку, я  потребовал, чтобы меня тоже послали в Уфу. В Уфе было очень трудно устроиться на работу. Хотя мне все-таки было проще, чем сестрам, мы, художники, всегда жили оформлением. Существовали, что называется, от октября до мая. В 38‑м меня арестовали и дали 8 лет, которые я все и  отсидел. Во  время войны просился на  фронт, но  58‑ю на  фронт не  отправляли, только уголовников. В 46‑м меня выпустили из лагеря с условием «минус 36», то есть я не имел права жить ни в каких областных больших городах. Я обосновался в  Бугульме. Там я  жил долго  — до 1956 года, до моей реабилитации. Ну, а после реабилитации поехал в Петербург. Здесь я 29 лет проработал в комбинате графического искусства. Это все, что связано с печатью: плакаты, проспекты, этикетки, обертки. G.: Что для вас самое важное в жизни? А. Б.: Живопись. Я  просто без этого не  могу. Я  был в  тюрьме  — я  все равно рисовал. Делал портреты. Жег резину, от  калош, скажем. Получалась копоть, сажа — черный цвет. Зубной порошок — белый. И серенький — бумага: «Беломорканала» коробку разрываешь… И великолепные получались портреты, объемные… Сначала тех, кто мне понравился — думал выйду с ними, а потом и просто — за пайку. И в  лагере я  рисовал. Конечно, это самое главное в моей жизни. Но до того момента, как графический комбинат распался, я  живописью занимался очень мало. Главное, мне в голову не приходило, что можно на это жить… G.: А когда вам это пришло в голову? А. Б.: Где-то уже в  80‑х годах приехал такой армянин из Парижа. Он деньги носил, буквально, в мешке. Я в жизни такого не видел. Даже не знаю, как он узнал про нас «стерлиговцев», но  узнал. Ну, и  пришел ко  мне в  мастерскую  — закупил массу работ… И у других тоже. Тогда первый раз в жизни мне заплатили за мои рисунки. Я  был ужасно удивлен… Потом он нас вызывал в  Париж, устраивали там выставки… Потом я и тут стал выставляться и, вообще, стал занимать-

72

galleryspb (1/7) 2011

ся только этим. А раньше у меня для этого был в году только один месяц отпуска. И  бывало, приедешь куда-нибудь, кажется, только начнешь писать, смотришь, а уже и уезжать надо. Когда я пишу, я никогда не пишу для кого-то. Я всегда пишу только для себя. В заметках Стерлигова сказано: «Одни рисуют земное с чувством. Другие вытесняют его абстракцией. Но счастливы те, кто силу абстракции сочетают с  экономною мерой чувства, тогда  — гармония. Тогда совпадение пластической формы внутри художника с  формами природы». Для меня, например, не существует ни дерева, ни дома — только форма. Крыша это не крыша: для меня это форма, объем. Обобщение. G.: Ваши картины — вы их пишете с натуры? А. Б.: Только с  натуры! Владимир Васильевич всегда говорил: «Перед вами чистый лист, чистый холст. Но  для вас мир уже существует готовый на  плоскости». Знаете, калькамани (переводная картинка)? Сначала картинка видна как в  тумане, а  потом снимаешь бумажку  — и  вот она. Вот так и  я, в  тумане, но я все вижу! Я вижу, я знаю, что там! Поэтому я делаю этюды очень быстро. Прямо с  натуры. Минут десять-пятнадцать. Я иду с палочкой. Я теперь хожу с  палочкой. Устаю. Скамейка всегда со  мной. Сажусь. Пишу. За  это время отдохнул и  пошел дальше. А в этюдничке у меня в результате — три штуки. Очень долгое время я  считал себя если не  позорным, то недостойным учеником. Мне все время казалось, что у меня «предмет», а Владимир Васильевич говорил, что не должно быть предмета. Прежде всего должна быть форма. И так было до тех пор, пока я не прочел и не вник в то высказывание Учителя, которое я вам зачел раньше, про гармонию. Он был философ, а я с философией совершенно никак… G: Кроме живописи, что еще в  жизни представляет для вас интерес? А. Б.: Ну, это уже совсем другое. Это — жена, семья, друзья. G: Вы, наверное, довольно общительный человек? А. Б.: Страшно общительный. И  влюбчивый. Ужасно. Я в лагере в одну охранницу влюбился. Она меня вела конвоем в  Соликамск. Там идти было километров пять или семь. Она несет винтовку. Я  говорю: «Давай я понесу, она ж тяжелая». Так и шли, я с винтовкой, она налегке. Я даже жениться на ней хотел. G: А то, что происходит сейчас в стране, вас как-то затрагивает? А. Б.: Конечно, затрагивает! И я уверен, что это вре-


имена

менное. Ведь если страна, такая огромная страна, как наша, прожила почти семьдесят лет вверх ногами, поставить ее на ноги — это очень долго! G.: А ее, по-вашему, ставят на ноги? А. Б.: Да, я в этом уверен совершенно. G.: А кто? А. Б.: Те люди, которые стоят за новый уклад. Не коммунистический, естественно, переделанный на  новый лад, а  по-настоящему… Как, допустим, Чубайс, Немцов… Вот такие. Но это долго. Это нельзя в один день! И возвращение религии. Это ведь огромное дело. Даже восстановление храма Христа Спасителя, хотя я не очень был уверен в том, что надо было придерживаться именно этого проекта восстановления, все равно даже этот — здорово. Конечно, все будет. Но нужно время. И естественно, всплывает всякая пена: всякие дельцы, банды всякие. Это временное. Помните, Моисей водил евреев сорок лет по пустыне, специально, чтобы вымерли те люди, которые родились в рабстве? Чтобы в Землю обетованную пришли люди свободные… Так и сейчас, пока не вымрут коммунисты, ничего хорошего не будет.

G.: А какие у вас взаимоотношения со старостью? А. Б.: Иногда я  ее просто не  воспринимаю. Когда пишу, я не понимаю, что я старый. Да, конечно, физически мне больно ходить, сидеть, у меня бывают судороги. Но это неважно. В 1998  году, когда у  меня была выставка в  Вырице, я в буклете написал: «Последнее время я стал ограничен в передвижении и круг моих наблюдений природы сузился… Но  я  вспоминаю слова моего учителя Владимира Васильевича Стерлигова: „Можно рисовать бесконечно долго на одном и том же месте, достаточно повернуться чуть-чуть в сторону — и все будет другое“. Даже один и тот же пейзаж, написанный с одной точки в разное время, будет совершенно не похож на преды­дущий. Другая цветовая гамма, другая композиция, все другое, хотя и  то  же самое. Малевич говорил, что художник творит свой собственный мир на  плоскости. Природа лишь подсказывает конструкцию пластических форм. И если пластическая форма совпадает с  природной формой, то  это можно считать удачей. Если  же преобладает предмет, то это грех художника, который необходимо избегать или исправлять». g (1/7) 2011 galleryspb

73


премии Cyprien GAILLARD La grande allée du Château de Oiron, 2008 béton concassé issu du recyclage d'une tour d'habitation d'Issy-les-Moulineaux installation permanente au Château de Oiron Courtesy Château de Oiron, Oiron

74

galleryspb (1/7) 2011

Saâdane Afif, Anthologie de l’humour noir exposition au Centre Pompidou 15 septembre 2010 – 3 janvier 2011 © Centre Pompidou, G. Meguerditchian


Дадаисты не представляют собой ничего, ничего, ничего, несомненно, они не достигнут ничего, ничего, ничего!

автор: Борис Тимчук

Annonce lauréat prix Marcel Duchamp 2010

премии

Дадаисты не представляют Приз Марселя Дюшана носит имя знаменитого французского дадаиста, жившего в начале 20‑го века, чье влияние на искусство неоспоримо. Даже несмотря на то, что творческое наследие Дюшана невелико, благодаря оригинальности своих идей, он и его взгляды сыграли важную роль в становлении поп-арта, сюрреализма, минимализма и других направлений. В начале 21‑го века Ассоциация распространения французского искусства (ADIAF) создала конкурс, направленный на поиск талантов и новых концепций среди молодых художников, работающих в пластическом и визуальном искусстве (т. е. инсталляции, видеоработы, фотографии, живопись, скульптура и т. п.). В 2010 году культурологические и философские поиски Сиприена Гайяра привели его в ряд победителей приза Марселя Дюшана. В своих архитектурных инсталляциях, фотографиях, гравюрах он ставит вопрос о следе, который оставляет человек в современном мире. Интересуясь историей архитектуры, Сиприен устанавливает связь между древними строениями и современными городами, создает инвентарь для раскопок будущего. Основная концепция молодого победителя заключается в пост-постмодернистском подходе. Что он имеет в виду и что же можно сделать более «постового», чем сам постмодернизм? Век назад футуристы во главе с Маяковским и Хлебниковым читали в залах свои манифесты, принижая классическое искусство (в лице классической литературы). Сегодня Сиприен Гайяр  — такой же молодой, амбициозный и наглый, как члены Левого фронта искусств, — делает абсолютно то же самое. Но в противоположную сторону: его работы бьют по пост-

модерну, сбрасывая современность с парохода самой же современности. Рассмотрим эту концепцию более подробно на примере его работы 2008  года  — аллеи перед замком Уарон. Ведущая к замку тропинка выложена кусками железобетонной конструкции разрушенного в 2006 году жилого дома. Автор буквально заставляет посетителя перед входом в замок эпохи Возрождения наступить на разбитый бетон, пройти по символу постмодернистской утопии. Конечно, подобная парадигма, несмотря на свою привлекательность (смелость бросить вызов обществу и самому себе, безусловно, заслуживает уважения), не была бы встречена среди членов жюри вышеуказанного приза хотя бы из-за своей дерзости. И тогда Гайяр выдумал новое объяснение своему искусству — так называемую концепцию археологии будущего, которая ставит во главу угла нелогичность какого-либо произведения. Что будут думать археологи через 1000 лет (если будет еще существовать археология?!) об инсталляции театрального инвентаря посреди городской помойки? Такой нонсенс и привлек внимание членов жюри приза Дюшана. Дадаизм, создававший свое искусство ради отсутствия смысла в творчестве, строивший чертежи несуществующих объектов, заявляющий о… — да ни о чем (и это не изыски автора, а действительный проект этого направления искусства), возродился через 100  лет в работах Сиприена Гайяра, чья победа в этом конкурсе логична, ибо победитель продолжает вектор, заложенный человеком, чьим именем назван приз. g (1/7) 2011 galleryspb

75


премии

Александр Бродский, Дорога Courtesy of Kandinsky Prize

Recycle, Сепарация, 200х380, пластик, термопистолет galleryspb (1/7) 2011 76 Prize Courtesy of Kandinsky


Courtesy of Kandinsky Prize

премии

автор: Анастасия Желковская

Иллюзия движения Кандинский В. || Всякое произведение искусства есть дитя своего времени, часто оно и мать наших чувств За четыре года своего существования премия Кандинского успела обрасти слухами и  скандалами, ставшими неотъемлемой и  привычной частью современной культуры. Современный — соответствующий уровню, требованиям настоящего времени, значит ли это, что наше общество нуждается в скандале? Не стоит забывать о том, что вовсе не общество отбирает участников и  победителей премии, поэтому сложно судить, является  ли премия показательным объективным срезом современного российского искусства. Несмотря на  заявленный организаторами премии принцип самовыдвижения номинантов, по-прежнему большую роль в этом процессе играют галереи, действующие, естественно, во  благо рынка. Вопреки кажущейся открытости отбора, на  деле все не так просто — подразумевается, что номинанты доставляют свои произведения в Москву за свой счёт, а  это значит, что авторам масштабных объектов и  инсталляций без поддержки богатых галерей на выставку не попасть. Премию обвиняют в потворстве потребителю, а  не  зрителю, называют попыткой делать консюмеристское искусство. «Церемония вручения Премии Кандинского, как и в предыдущие годы, стала заметным культурным и  светским событием в  жизни Москвы», – фраза из  официального пресс-релиза Премии. Не становится ли Премия все менее культурным и  все более светским событием? Современное искусство стало для российской элиты вопросом престижа, теперь модно…

А плохо ли это? Премию Тернера тоже не раз обвиняли в «рыночности» искусства, однако ее победители теперь считаются ведущими фигурами на  мировой художественной сцене. Да и вообще, кто сказал, что необходимо некое главное мероприятие, которое бы отражало объективную картину..? Плюрализм и андеграунд! В этом году Премия обошлась практически без скандалов  — в  каждой из  номинаций жюри выбрало кандидатуру, которую можно назвать нейтральной. Удивление вызвало разве что решение жюри разделить приз «Молодой художник» между двумя номинантами — 1 и 2. Премию за лучший проект года ожидаемо получил Александр Бродский со своей инсталляцией «Дорога». «Дорога»  — это инсталляция, интерпретирующая идею бесконечного путешествия, характерную, по мнению автора, для русской культуры. Представим, что победитель номинации проект года все  же неким образом репрезентативен. Прошлый год — Вадим Захаров «Гарнитур Святой Себастьян возле кипящей овсяной каши». Иконой этого года становится купе поезда: 4 ряда трехэтажных полок с  полосатыми матрасами, столики, занавешенные окна, стаканы в  подстаканниках, дребезжащие чайные ложки и  мужские тапки на  полу. Иллюзия движения создается за  счет звуковых и  динамических эффектов. «Отпуск и бегство на волю сплавлены с коммунальным бытом и принуждением». g (1/7) 2011 galleryspb

77


Сourtesy of Sergey Kuryokhin Modern Art Center

фонды

Премия Курёхина Что вы знаете о Премии Сергея Курёхина? Учрежденная 27  июля 2009  года, она стала первой премией, направленной на  поддержание и  развитие такого направления в  современном искусстве, как мультимедийные и  музыкальные проекты. Фонд Сергея Курёхина, основанный в 1997 году, вскоре после смерти музыканта и композитора, посвятил его памяти Международный фестиваль Сергея Курёхина (SKIF), принимал участие в артистической, культурной и благотворительной деятельности. В сентябре 2004 года Фонд Сергея Курёхина обрел свой дом на Среднем проспекте Васильевского острова в бывшем кинотеатре «Прибой». Таким образом, в Петербурге появилось пространство для продвижения первых смелых проектов в музыке, видео, кино.

78

galleryspb (1/7) 2011

Ежегодно здесь проводятся Международный фестиваль (SKIF), музыкальный фестиваль Этномеханика, фестиваль Электро-Механика и фестиваль любительских фильмов — Мегаполис. Премия Сергея Курёхина стала закономерным итогом в деятельности Фонда и Центра современного искусства им. Сергея Курёхина. Она основана на принципах «Поп-Механики», известного проекта Сергея Курёхина 80‑х годов, поэтому в рамках работы Премии возможно все: выявление новых, талантливых людей, нестандартных способов выражения идей, создание новых видов искусства. Осенью 2009 года состоялся первый отбор заявок. Работы на конкурс выдвигали не только музеи и галереи, но  и  сами музыканты и  художники. Невероятная активность не только со стороны участников,


фонды

автор: Анастасия Шевченко

но со  стороны прессы, городских властей и  аудитории показала, что такая премия не только востребована, но и необходима, именно в том формате, в котором она проходит, поэтому решено было сделать ее ежегодной. Первое награждение состоялось 25 марта 2010 года. Утвержденными номинациями стали: — Гран-при «Поп-Механика» (синтетический проект с участием живой музыкальной составляющей) — Лучший кураторский проект — Лучшее произведение визуального искусства (традиционные виды искусства, инсталляция, объект, видеоарт) — Поэтический перформанс (синтетическое произведение с поэтической составляющей) — Искусство в  общественном пространстве (проекты public art, land art, граффити).

В 2010  году было решено добавить к  ним еще одну номинацию  — «искусство в  общественном пространстве», которая обратила  бы внимание на  проекты public art, land art, граффити и другие. Внимание, которое привлекла к  себе премия, и  тот интерес, который она вызвала, привели к  увеличению количества заявок, отбор которых проходил с  июля по  декабрь 2010  года. Предварительный отбор комиссией жюри будет проходить с 15 декабря по 15 февраля 2011 года. Награждение победителей и  финальный выставочный проект снова состоятся в  марте. И  это еще раз подтверждает, что премия Сергея Курёхина не была разовым мероприятием, а  станет ежегодной хорошей традицией в жизни Петербурга. g

(1/7) 2011 galleryspb

79


Фото: Сергей Темерев

академия

80

galleryspb (1/7) 2011


академия

Подвиг просвещенной благотворительности

В 1851 году в Лондоне прошла первая всемирная выставка промышленных достижений. В ней участвовало 32 страны, в том числе Российская империя. Впервые технические изделия были представлены публике как предметы искусства, но,  собранные в  таком большом количестве, они демонстрировали как техническое совершенство, так и  эстетическую безнадежность. Россия была представлена на  выставке качественной, но  не  особенно красивой малахитовой посудой. Миру стала очевидна необходимость в создании художников, которые могли бы участвовать в производственном процессе. Барон А. Л. Штиглиц, будучи тайным советником русского императора по  финансовым вопросам, продвинутым промышленником и вдумчивым меценатом, находился в  курсе мировых тенденций развития и прогресса и в 1878 году

автор: Мария Кочнева

на  свои деньги создал Училище технического рисования и, почти сразу, пристроил к нему музей, коллекция для которого собиралась как из студенческих работ, так и по всему миру. В  том числе в  коллекцию вошло собрание Шлимана, первооткрывателя Трои и  близкого знакомого барона. В  отличие от  Академии Художеств в  Училище принимали всех независимо от  пола и  сословной принадлежности. В  уставе училища обозначились основные его задачи: «обучать ученых рисовальщиков для мануфактуры и  ремесел, содействовать развитию художественных способностей рабочих и  ремесленников». После революции училище было несколько раз реорганизовано, а в 1923 г. закрыто совсем. Коллекцию из музея передали в Эрмитаж. В 1945  г. училище было воссоздано. И  почти сразу получило статус высшей школы и имя В. И. Мухиной. В 1994 ЛВХПУ переименовали в СПБГХПА. А в 2006 г. добавилось имя основателя – барона А. Л. Штиглица. Отбор поступающих в  это учебное заведение строг  – требуется хороший уровень художественной подготовки. Поэтому мало кто может похвастаться поступлением без дополнительной помощи или без предварительного обучения в Художественно-эстетическом лицее № 190 при академии. Сегодня в школе используется методика обучения, которая отличается конкретикой поставленных перед студентами задач и предоставлением абсолютной свободы их исполнения. При этом студент может выбрать и овладеть новой техникой при помощи мастеров, которые следят за  качеством исполнения работ. Так как академия довольно широко известна на территории России и о ней знают за рубежом, у студентов постоянно есть возможность не просто слышать и изучать современный мир искусств, но и принимать в его жизни активное участие, побеждая в конкурсах, присоединяясь к различным фестивалям и  выставляясь на  выставках практически всех уровней. Про академию принято говорить: здесь учат стены. Это действительно так: великолепие архитектуры школы поражает любого. А творческая атмосфера царит почти в каждом уголке зданий. И лишь несколько раз в месяц в родных стенах студентам становится несладко, когда в  этих стенах проходит выставка-ярмарка-продажа «Мир Камня». Всё то, что в  свое время оскорбляло вкус основателя академии, и еще малахитовые фаллосы в  витринах под итальянской лестницей главного зала музея можно купить там же за разумные деньги. g (1/7) 2011 galleryspb

81


слово куратора Андрей Рудьев Серьезный симптом, 2010, xолст, масло Courtesy of the artist

82

galleryspb (1/7) 2011


слово куратора Пабло Пикассо | «Не существует искусства фигуративного и нефигуративного. Все, что мы видим, имеет форму фигур». Хорхе Луис Борхес | «И тогда мы выхватили по увесистому револьверу (откуда-то во сне взялись револьверы) и с наслаждением пристрелили Богов».

Андрей Рудьев Последний герой, 2010 холст, масло Courtesy of the artist

автор: Дмитрий Пиликин

Гибель Богов Проект Андрея Рудьева

Андрей Рудьев — художник, известный объемными фактурными объектами и  чернобелыми картинами, написанными прямо на  листовом рубероиде, вновь возвращается к  живописи. К  живописи в  ее самом классическом сюжете и виде, многократно растиражированном в  альбомах, открытках, кружках, сумках, обоях, простынях «от» и  «под» Версаче. Той самой живописи, что как «Актер Актерыч» встречает вас в  пышном, барочном оперном театре или в «Музее Музеиче» шедевров, куда вы ходите с  детства оттого, что водит мама, либо вы сами уже «ужалены» желанием быть художником, и рассматривание шедевров старых

мастеров завораживает вас не  по-детски, до  попыток перерисовывания открыток по  клеточкам, дабы приобщиться и  почуствовать себя рядом с Великими. Художник не ищет сюжета, сюжет сам находит его. Большая часть визуального материала была найдена автором прошедшим летом в  музее Ватикана  — этом изнуряющем визуальном марафоне через анфилады залов, когда к  концу пробега глаза уже нестерпимо жжет от  образов, а  фотокамера забита множеством неидентифицируемых фрагментов. Часть из этих фрагментов и  выбрана художником для создания собственной серии работ. (1/7) 2011 galleryspb

83


слово куратора

Объемное пространство всех картин намеренно разбито на  два отчетливо разделяемых плана. Для переднего плана художник отбирает полные движения и ярких эмоций драматические, многофигурные сюжеты из жизни богов (как христианских, так и античных), а  на  заднем плане пылают огненные стигматы реалий, воплощающих недавно пережитый (но  все еще обжигающий нас) ХХ  век, век научнотехнического прогресса. Новый «задник» добавляет классической пьесе иное измерение. Недавний восторг перед прогрессом вдруг обретает черты мифологии и  тоже воспринимается как условная «античность». У современного художника нет запаса времени, доступного мастерам Возрождения, когда прорисовка каждого образа бесконечно улучшается и улучшается нанизыванием слоев и лессировок. Рудьев не старается сравниться или скопировать манеру старых мастеров. Он сохраняет условность и  останавливается там, где живописные экзерсисы еще можно было  бы продолжать и  продолжать. Но  условность здесь гораздо важнее копирования. Не забудем, что за спиной автора (и человека, большую часть жизни прожившего в  XX  веке) советская школа монументальной живописи, где героические фигуры и  позы строителей коммунизма, как и  в  божественной Утопии, списывались с античных богов. Не удивительно, что утопическая «Гибель богов» в  рудьевском изложении вовсе не  предполагает мрачной апокалиптики и  эсхатологии. Война и  битва  — привычные слагаемые культуры и  искусства: за  зимой всегда приходит весна, африканский крокодил выпускает солнце из пасти, разъятый на части Озирис всходит ростками в  полях, Персефона выплевывает зернышки граната, златокудрый бонвиван Ярила разогревает сердце неопытной Снегурочки, а казненный Спаситель воскресает. Боги и люди проявляют дуализм и все время воюют. То  друг с  другом, то  между собой. Батальные свалки, горячие философские споры, любовно-военные межполовые игрища при этом всегда происходят на границе: между сушей и морем, между равниной и горами, между небом и землей. В этом горячем споре, видимо, и рождается истина. Надо отметить (к их чести), что даже будучи вовлеченными в  откровенную драку персонажи не забывают о фотогеничности

84

galleryspb (1/7) 2011

и, позируя, замирают в романтических благородных позах, позволяя уследить за каждым жестом не только быстрой кисти живописца, но даже медленно сканирующей нити гобеленщицы. Видимо именно эта, тесно переплетенная «шпалерность» переднего плана, сплетающая фигуры в  единое и  неделимое целое, подчеркивает коллажную природу серии и ясно очерчивает визуальную разницу между «божественным» сюжетом и  агрессивным фоном, более напоминающим фотографические пейзажи с  рекламных билбордов. Следуя отработанной рекламной тактике, фон цепляет зрителя «на крючок» еще до того, как он успевает его рассмотреть. А  действительно, что  же там происходит? Кто выпускает в  небо фонтаны яростной земной мощи? Вездесущий Газпром? Сын Юпитера и Юноны — Вулкан? Порхающая американская толстушка Enola Gay? Исландский проказник Эйяфьятлайокудль? Кто они — эти обладатели синих мигалок? Кому доступно доступное лишь богам? Как и в пергаментном палимсесте сквозь современный текст проступает соскобленный образ — Рагнарек. Дело в том, что, рожденный в солнечном Краснодаре среди скифских степей, Рудьев уже достаточно большую часть своей жизни успел провести среди питерских болот. И скандинавский фатализм заполз в его душу. Фатализм этот (в отличие от аутентичных славянских сказок, где в зачине Героя обижают, а затем подробно описывается, как он мстит обидчику, отрезая ножки, ручки, глазки и  прочие внутренние и  наружные органы) достаточно оптимистичен. У скандинавов Рагнарек (та самая «Гибель богов») заканчивается вполне жизнерадостно. За гибелью богов должно последовать возрождение мира. Для обычного обывателя, побавивающегося экстремизма современного искусства, живопись — спасительная лакуна, проверка на  мастерство и  подлинность художника. Любовь к рассматриванию, интерес к  искусству через рассматривание закладывается и в самом воспитании художника. Путешествие окончено. Италия позади. И  художник вопрошает сам себя: «А не слабо ли и мне написать Картину?» g Андрей Рудьев Воскресение, 2010 холст, масло Courtesy of the artist


слово куратора

(1/7) 2011 galleryspb

85


Raymond Hains, Valla de tres tablones, 1959 Carteles rasgados sobre valla de madera, 100x64x2 Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien

Christo, Latas envueltas, 1958 Cinco latas, cuerda y tela barnizada, 12.7x11.5 cada unidad, Coleccion Daniel Varenne

spot-light

86

galleryspb (1/7) 2011


spot-light

автор: Марина Чекмарева

Новые реалисты Пьер Рестани «Новые реалисты считают живописью весь окружающий мир, откуда они заимствуют фрагменты универсальной знаковости» Мечта Пьера Рестани, отца-основателя Нового реализма, о  покорении США и  всемирного признания так и  осталась мечтой. Группа художников, заявившая о себе «Манифестом Нового реализма» 27 октября 1960 года, подписанным в квартире Ива Кляйна, стремилась вернуть Парижу утраченную роль мировой арт-столицы. Однако и  по  сей день Новый реализм остается лишь одним из направлений французского искусства второй половины ХХ  века, своего рода европейским вариантом американского попарта. Наглядным подтверждением сложившейся ситуации является выставочная политика последних лет. Крупные американские и  английские музеи и  галереи, такие как МоМА или Тейт Модерн, игнорируют представителей Нового реализма, в то время как в  континентальной Европе ситуация сложилась совершенно иная. Во Франции из года в год проходят как персональные выставки мастеров этого направления, так и групповые. Ярким примером может служить экспозиция «Арман» в  Центре Жоржа Помпиду, открывшаяся 12 сентября 2010 года (до 10 января 2011), которая состоит из ста двадцати произведений скульптора. Четыре года назад была организована полномасштабная монографическая выставка творчества Ива Кляйна, а в 2007 году в Гран Пале в Париже прошла ретроспектива «Новые Реалисты». Значимость этого направления подчеркнута и при выборе работ для экспозиции «Центр Помпиду в Эрмитаже» (14 октября — 14 ноября 2010), где были представлены двенадцать знаковых произведений французского искусства ХХ века, три из которых принадлежали

художникам-представителям Нового реализма  — Иву Кляйну, Сезару и Мартиалу Райсу. В Германии и  Австрии также достаточно широко представлено творчество мастеров Нового реализма. Например, этим летом (21  мая  — 26  сентября 2010) в музее Эссль в Вене можно было увидеть произведения Ники де Сен-Фаль. Не осталась в стороне и Испания. Так, в Мадриде в Национальном музее, Центре искусств королевы Софии прошла выставка «Новый реализм: 1957–1962. Стратегии объекта: между редимейдом и  спектаклем» (22  июня  — 4  октября 2010), где были представлены вместе произведения европейских и  американских художников. Куратор Джулия Робинсон попыталась возобновить диалог, начавшийся еще в октябре 1962  года в Нью-Йорке в  галерее Сидни Дженис на  выставке «Новые реалисты», где были представлены в одном пространстве Энди Уорхолл и Арман, Клас Ольденбург и  Мартиал Райс, Рой Лихтенштейн и Жан Тэнгли. Французские художники, заявлявшие о  смерти картины и живописи, развили идею «готового объекта» Марселя Дюшана, превратив ее в  «найденный объект». Их работы, включавшие сорванные со стен домов афиши, прессованные автомобили, мусор, фрагменты механизмов — хлам большого города, новой цивилизации, все так же создавались для любования красочной поверхностью с  ее нюансами и  оттенками, фактурами и текстурами. В манифесте 1960 года, начертанном на монохроме IKB (международный синий Кляйна), они провозгласили: «Четверг, 27  октября 1960. Новые реалисты решили выставляться (1/7) 2011 galleryspb

87


spot-light коллективно. Новый реализм = новые приближения к  восприятию реальности». В  своем творчестве Новые реалисты стремились воплотить эту идею за  счет проникновения и  слияния произведений с окружающим миром. Для них искусство перестало быть иллюзией, имитацией жизни. Оно стало автомобилями Сезара, сотнями и тысячами радиоламп или расчесок Армана, граффити на  стенах домов Хайнса. Искусство вышло из двухмерной плоскости и стало средой, как в инсталляции Райса «Пляж», где представлены основные стихии: земля  — песок, вода в  пластиковом бассейне и  воздух, пронизанный искусственным светом галереи, а свечение огня заменено неоновыми огоньками музыкального аппарата. Сам художник теперь стал не нужен. Его заменили механизмы Тэнгли, которые создавали абстрактные живописные и графические работы. Если Новые реалисты в  поверхности вещей видели сложность цветовых нюансов и  фактуры, присущих традиционной живописи, то представители попарта уподобляли картинную плоскость рекламному щиту или экрану телевизора. Лирическое искусство французских мастеров, сохранявшее уникальность и сложность в изготовлении произведений, говорившее о несовершенстве мира, а также пытавшееся фи-

Foundation reunion of New Realism, October 27th 1960, in Yves Klein's apartment, 14, rue CampagnePremiere, Paris. From left to right : Arman, Jean Tinguely, Rotraut Uecker, Daniel Spoerri, Jacques Villegle, Pierre Restany. © Yves Klein, ADAGP, Paris

88

galleryspb (1/7) 2011

лософски осмыслить явления современной жизни, оказалось чуждо американскому миру потребления и поп-культуре с ее тиражированной яркостью, весельем развлечений и жаждой новых ощущений. Новый реализм просуществовал недолго. Существует несколько версий его «кончины». Первая, комичная, согласно которой группа просуществовала всего 20 минут после подписания манифеста, до ссоры, возникшей из-за обвинения Хайнсом Райса в том, что его работы можно скорее отнести к  нео-дадаизму, нежели к Новому реализму. Вторая, печальная, определяет срок существования 1962 годом. В это время произошли два события: смерть Ива Кляйна и  провал в  галерее Сидни Дженис, что повлекло за  собой сокращение количества коллективных выставок и  прекращение теоретической работы. Третья версия — официальная — 1970 год, когда была устроена выставка «Новые реалисты 1960–1970», после чего было объявлено о роспуске группы. Новый реализм не оставил значительного числа последователей. Это была группа ярких художников, которые на некоторое время объединились, а потом их пути разошлись подчас в диаметрально противоположных направлениях. g

The signatories were: Arman, Dufrene, Hains, Yves Klein (Yves le Monochrome), Raysse, Spoerri, Tinguely, and Villegle. Cesar and Rotella were absent. © Yves Klein, ADAGP, Paris


spot-light

Claes Oldenburg, Candy bar, 1931 Esmalte sobre lienzo y madera, 5.7x15.2x9.8 Coleccion Peter Freeman Inc. Nueva York

Robert Whitman, Dibujo sin titulo (tablero de ajedrez), 1957, Papel de alumnio, cinta adhesiva y grafito sobre papel, 38.7x38.7 Coleccion del artista

Jean Tinguely, Homenaje a Nueva York. Claxon (fragmento), 1960 Diversos materiales, 48x70x65 Coleccion Museum Tinguely, Basel (1/7) 2011 galleryspb

89


Игорь Макаревич и Елена Елагина, Грибы русского авангарда Foto: Gunter Seyfried. Предоставлено пресс-службой ГЦСИ

spot-light

90

galleryspb (1/7) 2011


spot-light

Наши в Лувре Современная

русская утопия по французским правилам

Участники: АЕС+Ф (Татьяна Арзамасова, Лев Евзович, Евгений Святский, Владимир Фридкес), Альберт Юрий, Бродский Александр, Булатов Эрик, Гутов Дмитрий, Дубосарский Владимир, Виноградов Александр, Захаров Вадим, Кабаков Илья, Кабакова Эмилия, Каллима Алексей, Комар Виталий, Меламид Александр, Кошляков Валерий, Лейдерман Юрий, Макаревич Игорь, Елагина Елена, Монастырский Андрей, Пепперштейн Павел, Чернышева Ольга, Синие носы (Вячеслав Мизин, Александр Шабуров), Тер-Оганьян Авдей.

автор: Галина Андрюхина

Увертюра к одному из  самых ожидаемых событий года «России во  Франции», выставке «Контрапункт: современное русское искусство» («Counterpoint, Contemporary Russian Art»), получилась неожиданно шумной и скандальной. Газеты конкурировали компрометирующими заголовками, блоги выкладывали официальные обращения художников, государственные телеканалы выпускали сдержанные репортажи… Несмотря на  все угрозы срыва, выставка все-таки открылась в  стенах Лувра 14 октября 2010 года. И так занавес открывается. Уже около года тому назад было заключено соглашение между тремя главными организаторами выставки «Контрапункт: современное русское искусство» («Counterpoint, Contemporary Russian Art»),

с французской стороны это — музей Лувр, с русской — ГЦСИ и Stella Art Foundation. Фонд Stella Art Foundation частично профинансировал этот проект, но  основные расходы со  стороны России взял на  себя Госбюджет. Куратором выставки выступила МариЛор Бернадак (Marie-Laure Bernadac), главный хранитель и  директор департамента современного искусства Лувра. «Контрапункт: современное русское искусство» — проект прежде всего французского куратора о  современном русском искусстве. Выставка русских художников составляет часть проекта продвижения и  развития современного искусства на  основе ресурсов Луврa. Но  поскольку четвёртый «Контрапункт» выпал на Год России во Франции, были приглашены рус(1/7) 2011 galleryspb

91


spot-light ские художники. Кроме того, это явилось и запланированным продолжением знакомства французской публики с Россией уже XX — XXI века, после экспозиции «Святой Руси», посвященной искусству  XI  — XVIII вв. Главной выставочной площадкой стало подземелье Лувра (Louvre médiéval), средневековый ров, помещени,е почти неприспособленное для проведения масштабных художественный мероприятий. Расположение было одним из критериев отбора произведений, по словам куратора: «На некоторые стены там вообще ничего нельзя повесить. Поэтому я выбирала художников, способных адаптироваться к этим залам. Но эти руины наталкивают на идею утопии, которая перекликается с темой

Pavel Pepperstein The Flag Of Mordor, 2010 acrylic on canvas 150 x 200 cm, 59.1 x 78.8 in Предоставлено пресс-службой ГЦСИ

92

galleryspb (1/7) 2011

музея, с темой прошлого и утопией эстетической, политической и  поэтической, которую представляют русские художники». Большая часть произведений российских авторов создана специально для данного проекта с учетом специфики пространства. Картины, плакаты, видеоart, инсталляции подобраны куратором с  целью показать разные поколения русских художников, от  Ильи Кабакова, Эрика Булатова, Игоря Макаревича до  художников русского концептуализма, соединяющих в  работах как критику, так и  историю искусств и авангард. Картина «Liberte» Эррика Булатова, открывающая выставку «Русский контрапункт» вызывает образы «Свобода на баррикадах». Дух ро-

Pavel Pepperstein Convertible Black Square, 2010 acrylic on canvas 150 x 150 cm, 59.1 x 59.1 in Предоставлено пресс-службой ГЦСИ


spot-light мантизма и  утопичности сопутствует всем произведениям вернисажа. Например, инсталляция «Иррациональные силы неизвестности» Игоря Макаревича и  Елены Елагиной претендует на  звание самого мистического объекта «Контрапункта»: три латинские буквы «RAY» (от  лат. — «рай») горят неоновым светом на  фоне средневековой стены. Завершают композицию длинные ряды разномастной обуви  — воплощение видения Циолковского о  межпланетном корабле, который спасет Землю от  перенаселения. И  никто не  знает, что стало с их хозяевами, которые поднялись по  этим лестницам. Утопический спектакль иронично продолжает произведение Алексея Калимы «Извините нас, пожалуйста, но по техническим причинам экспозиция отложена». Часть крепостной кладки заслонена щитами, расписанными изображениями людей в  процессе монтажа выставки. Художник оформил инсталляцию в  подчеркнуто красной цветовой гамме  — отсылая к  традиционному русскому искусству. Последнее же наиболее ярко воплотилось у  Юрия Лейдермана: перформанс «Геопоэтика 15» претендует на  самое «русское» произведение вернисажа, где изображается сцена из  «Лета Господня» Ивана Шмелева (были использованы три тонны капусты). В  дальнейшем планируется снять видеоверсию проекта Юрия Лейдермана. Кроме подземелья Лувра, экспозиция вернисажа размещена в  саду Тюильри, где Александр Бродский представил Ротонду  II (Rotunda II, 2009 г.). Скандально известные работы Авдея Тер-Оганьяна из серии «Радикальный абстракционизм», угрожавшие сорвать выставку, были на  экспозиции «Контрапункта» до конца 2010. Публике было интересно посмотреть на то, что с таким трудом было вывезено из России. Насколько «свободны» свободные русские художники? Волна негодования хлынула по  всем доступным средствам массовой информации, поднимая острые проблемы не только российской, но мировой современности. g

AES +F group, 'Europe-Europe' (detail) Businessman in toy factory, 2008 porcelain, handpaint,30,5 x 30,5 x 22 Предоставлено пресс-службой ГЦСИ AES +F group, 'Europe-Europe' (detail) Jewish boy and a girl skinhead, 2008 porcelain, handpaint, 26 x 25 x 15,5 Предоставлено пресс-службой ГЦСИ

(1/7) 2011 galleryspb

93


conversations

Брайан Ино. Из публичных выступлений Санкт-Петербург, 2010

искусство должно быть пробуждающим «Художник не тот, кто заканчивает произведение искусства, а тот, кто его начинает»

Courtesy of Сreatoria Photogroup

94

galleryspb (1/7) 2011


conversations

В

еликой музыкальной революцией восемнадцатого века стал оркестр. Оркестр был новой технологией. Людей, которые знали, как управлять оркестром, называли композиторами. Умение контролировать группу из  60-100 музыкантов было совершенно новым. В двадцатом веке революцией в музыке стала звукозапись. Звукозапись появилась несколько раньше начала двадцатого века, но  оказывать влияние на  музыку начала в 1920–30‑х годах. Перед тем как люди начали записывать музыку, музыка была чем-то, что могло существовать в  определенный момент времени в определенном месте. Музыка была связана со временем и местом. С появлением звукозаписи музыка отделилась от времени и места. Что произошло, когда люди стали способны записывать звук? То, что звук перестал быть эфемерной средой и  стал  ли чем-то пластическим. Как только вы получаете возможность записать звук, вы получаете возможность куда-либо его перенести, например, можно послушать запись еще раз, можно слушать одно и  то  же снова, снова и снова. Представьте, сто лет назад это было невозможно, все, что вы слышали, вы слышали в  первый и  последний раз, единственный раз в  определенной форме. Так, звук до  совсем недавнего времени (по меркам человеческой истории) был совершенно недолговечной формой. Когда звук становится пластическим, он, как  бы сказать, становится податливым, его можно разрезать, его можно растянуть, его можно перевернуть сверху вниз. Он перестал быть музыкой в традиционном смысле этого слова и стал частью пластических искусств. Двадцатый век увидел развитие новой формы искусства, которую мы по-прежнему называем музыкой, но  на  самом деле ей необходимо совершенно другое название. То, что мы все еще зовем музыкой, то, что делается на  звукозаписывающих студиях, не  особо связано с  традиционной музыкой, так  же как и  кино не  связано с традиционным театром. И  с  рождением этой новой формы, этого нового пластического искусства, которое мы до  сих пор зовем музыкой, появились новые таланты, новые возможности и  профессии. Как оркестр «изобрел» композитора, так и студии звукозаписи «изобрели» продюсеров. Продюсер — это тот, кто понимает ситуацию со звукозаписью. Что-то очень глубокое начало происходить

в  конце 1950‑х, когда люди начали понимать, что можно использовать звукозапись, чтобы делать то, что раньше в  музыке было невозможно. Например, Лес Пол — тот парень, который придумал знаменитые гитары Лес Пол — он начал понимать, что можно наложить гитару на гитару, что звукозапись не нужно было делать как представление, что необязательно всей группе играть в одной комнате в одно время, можно записать одну гитару, принести домой, послушать, прийти в  студию на  следующий день и  записать вторую гитару поверх. Так можно выстроить музыкальную фразу точно так  же, как писать картины маслом. К 1960‑м люди начали понимать, что то, что мы все еще называли студиями звукозаписи, было чем-то вроде способа рисования звуком. Звукозапись как формальное искусство ближе к  живописи, чем к  музыке. Таким образом, в  двадцатом веке, в основном в поп-музыке, это стало центром в создании музыки. Были такие люди, как Фил Спектор, который создал эти поразительные панорамы звука, как Джордж Мартин, который нашел новые формы музыки в звукозаписи, просто вставил туда коллаж из них. И опять-таки, я использую слово коллаж, чтобы подчеркнуть параллель с изобразительным искусством. А теперь обратимся к  живописи 20  века. В  начале 20  века здесь в России зародился абстракционизм. Василий Кандинский, великий художник, однажды вернулся в свою студию (как рассказывает история) и заметил, что одна из его картин перевернута на бок. Он вдруг увидел картину, у которой не было сюжета. Это была не картина, изображающая что-то, это была просто картина. Я не знаю, правдива ли эта история, но  я  уверен, что нечто подобное должно было произойти. В предыдущие 40 лет живопись все больше и  больше отдалялась от  идеи изображения некого объекта и  становилась более абстрактной. Например, импрессионисты работали в области цвета, фовисты обладали общим представлением о том, что картина должна быть чувственным переживанием, необязательно описывающим реальность. Итак, у вас был Кандинский, в то же время в Париже был Пикассо, который начинал работать с  кубизмом  — формой живописи, относящейся к области времени и  преобразования. Ранее в  20  веке, не  помню, когда именно, Вальтер Петер одной фразой выразил то, что происходило с  живописью в  то  время: «Все искусство постоянно стремится к  состоянию музыки». (1/7) 2011 galleryspb

95


conversations

Courtesy of Сreatoria Photogroup

В  начале 20  века как раз было очень мощное обдуманное движение живописи в сторону музыки, сходства с  ней. Музыка всегда была абстрактным искусством, музыка никогда не была о чем-то, она никогда не  описывала реальный акустический жизненный опыт. Художники боролись с проблемой того, как отдалить живопись от формы и приблизить к абстракции. И они брали музыку в качестве образца, это видно даже из названий картин того времени: Симфония № 2, Концерт… Они использовали музыкальные термины, чтобы обыграть факт подражания музыке. Когда я  учился в  художественной школе, в  1960-х, период аскетизма после Второй мировой практически закончился. И  появилось ощущение надежды, ощущение, что всё будет лучше. Это было как инфекция, все это чувствовали. Одним из  воплощений этого чувства стало искусство, искусство должно было стать частью нового мира, нового способа думать о мире, искусство использовалось как пример, как предзнаменование нового способа мышления. В  этом смысле искусство было очень политичным. Оно не  было открыто политичным, не  говорило  — иди и голосуй за коммунистов, иди и голосуй за консерваторов, в этом смысле оно не было политичным. Оно было политичным в том смысле, что требовало

96

galleryspb (1/7) 2011

от  искусства быть философией каждого. Искусство прежде всего должно быть пробуждающим. Практика искусства должна быть способом мышления, способом использовать разум для постижения или обращения к философским формам. В начале 70-х я  начал слушать музыку совсем подругому, я хотел от музыки чего-то иного. Тогда у нас были только кассетные магнитофоны. Мы с  друзьями, нас было человек шесть, начали обмениваться редкими записями из наших коллекций. И тогда я заметил, что мои записи все были очень похожи друг на друга, мне не нравилось разнообразие. Не стоит забывать, что в то время звукозаписывающие компании стремились контролировать то, что должно быть на записи. Что действительно хотели звукозаписывающие компании, это одна быстрая песня, одна баллада, одна грустная песня, одна весёлая песня. Они считали, что слушателей нужно «будить» каждые несколько минут, будто  бы они не  могли справиться с чем-то, остающимся одинаковым на протяжении долгого времени. Мой друг Питер Шмидт, художник, однажды записал мне кассету с  6  медленными произведениями. Это была самая прекрасная кассета, я  слушал её, пока она не износилась. Тогда я понял, что не люблю музы-


conversations

ку, которая меняется, и хочу, чтобы музыка была как среда, как место, куда я мог пойти, т. е., в своей сущности, подобием картины. Этого я и хотел от музыки. Ведь если у  вас на  стене висит картина, вы не  ждёте того, что вы обернетесь, и она вдруг станет серой, когда на  прошлой неделе была зеленой. Вы просто хотите, чтобы картина была там. И я хотел музыку, которая стремилась бы к традиции живописи, это было нечто обратное тому, что говорил Вальтер Петер. Эта идея витала в  воздухе. Я  старался отдалить музыку от ее корней — традиционного исполнения — и приблизить к чему-то, напоминающему живопись. Теперь, в то время как все это происходило, в моей жизни была еще одна карьера. Я  изучал живопись, закончил художественную школу, стал членом рокгруппы, она стала успешной, но  кроме того я  еще занимался визуальным искусством  — я  работал со  светом. Я  использовал видео как способ контролировать свет. Таким образом, в  конце 70-х я  начал заниматься чем-то вроде абстрактного видеоискусства. Я не хотел, чтобы видео было как телевидение, не  хотел, чтобы видео рассказывало истории. Мне не  нравился телевизионный опыт, скорее, я  хотел, чтобы видео повторяло опыт живописи. Тогда я  начал показывать ранние версии той работы, которые

я также показываю здесь, в Петербурге. В 1986 году я  начал использовать слайд-проекторы. Все проекторы были направлены на одну и ту же поверхность, таким образом, конечное изображение было составлено из комбинации слайдов с нескольких проекторов. Каждый проектор постепенно гас, после чего менял слайд. Эти комбинации находились в постоянной смене. Это было что-то вроде медленно меняющейся картины. Это была картина, похожая на музыку. Получается, я делал две вещи — я делал музыку, имитирующую картины, и  картины, имитирующие музыку. Мне очень нравится то, что происходит со зрителями, приходящими на  такие выставки. Люди заходят, им становится интересно, они смотрят, им хочется опереться на  что-то. Иногда спустя 2-3  часа они практически лежат на спине без движения и смотрят на экран. Мне кажется, это очень любопытное поведение, ничего ведь не происходит. Нет никакой истории, нет мелодии, нет действия. Я думаю, это то, чего мы все хотим от искусства. g

(1/7) 2011 galleryspb

97


artfair

98

galleryspb (1/7) 2011


artfair

FRIEZE WEAK

Jarbas Lopes Novo Debate Courtesy of A Gentil Carioca

Лондонская ярмарка искусств FRIEZE в своей сущности вся о деньгах, а деньги, как известно, никогда не спят. С момента своего основания в 2003 году неделя, совпадающая с ярмаркой, получила название неделя Frieze (так как огромное количество событий скоординированы таким образом, чтобы привлечь как можно больше публики, приехавшей со всего мира на ярмарку). Я посещаю все ярмарки и выставки, которые могу посетить на этой неделе, чтобы погрузить все свои чувства во что-то новое с надеждой получить вдохновение. И когда мир искусства низвергается на Лондон, в воздухе ощущается чувство предвкушения и оптимизма в тяжелые времена, так как, возможно, именно искусство заключает в себе ответ на наши молитвы, подобно религии. Рядом с Frieze групповая выставка Vanitas: Transience of Earthly Pleasures *Мимолетность земных удовольствий* (организованная All Visual Arts), удачно использовавшая былое величие домов, построенных в 1775. Гвоздем программы стала работа Ори Гершта (Ori Gersht) «Время после времени», широкоформатная фотография, запечатлевшая взрывающийся цветочный натюрморт. Тема выставки продолжается сравнением финансового кризиса 2008‑го года и тюльпановой манией, сокрушившей Голландию в 1636 году. Тогда благополучная Европа не могла устоять от покупки красивых и редких вещей, таких как тюльпаны, и был придуман новый вид натюрморта (vanitas). Резко возросший спрос на тюльпаны, которые были тогда одним из самых дорогих товаров, раздул и подорвал рынок, а также обесценил собственно луковицы тюльпанов. Символические натюрморты XVII-го века (vanitas) использовали объекты природы, такие как цветы, чтобы продемонстрировать конечность и постепенное разложение жизни.

автор: Andrew Herdon

С латыни слово vanitas переводится как «пустота», также означая бессмысленность и изменчивость земной суетной жизни. Однако, эти натюрморты были так хорошо написаны, что начали противоречить своему изначальному смыслу. Богачи, заказывающие картины, платили за время и умение художника проявлять внимание к деталям. В экспозицию Vanitas: Transience of Earthly Pleasures также входят масляные картины Jake и Dinos Chapman, имитирующие портреты аристократов, но с деформированными лицами. Серией One Day You Will No Longer Be Loved художники показывают связь между прошлым и настоящим, изменяя оригинальные картины. Портреты, изображающие богатых и властных людей с изуродованными лицами, показывают разъедающие последствия материального благополучия и напоминают об идее Memento Мori. Этот подход к представлению искусства в связи со сложным взаимоотношением с финансовой стороной был отзеркален на выставке The House of the Noble Man. Взяв за основу роман влиятельного писателямодерниста Роберта Музиля «Человек без свойств», на экспозиции представили образ состоятельного торговца, который привносит в свою жизнь хоть какой-то смысл, скупая предметы искусства и украшая свой дом. Кураторов снабдили работами таких мастеров, как Моне и Сезанн наряду с Херстом и Гурски. Выставка проводилась в реконструированном помещении, с окнами, выходящими на Frieze и Риджентс-парк, в котором продавалось не только искусство, но можно было купить также и сам дом. Новая работа художника Мэтта Коллиншоу (Mat Collishaw), ключевой личности поколения YBA, под названием Creation Condemned, торжественно открыла выставку в галерее Blein|Southern. (1/7) 2011 galleryspb

99


artfair

Allora & Calzadilla Petrify Petrol Pump, 2010 Limestone 100 x 72 x 128 inches (254 x 182.9 x 325.1 cm) as installed Copyright Allora & Calzadilla Courtesy Gladstone Gallery, New York Lee Bul, Untitled, 2010, Lehmann Maupin Photo by Linda Nylind for frieze Jeppe Hein Please do not Touch the Artwork, 2008 Red neon and transformers, 68×57×2cm Courtesy of Johann König David Shrigley, Stephen Friedman Gallery Photo by Linda Nylind for frieze

100

galleryspb (1/7) 2011


artfair

(1/7) 2011 galleryspb

101


artfair В это же время в подвале модного магазина Selfridges проходит довольно альтруистическая выставка под названием Anticipation (Предвкушение), на которой представлены работы художников, только закончивших обучение. Вся информация о художниках, их контакты для продаж и заказов доступны. Видео, сделанное Oliver Beer, было особенно качественным. Он как раз тот молодой художник, за чьей карьерой я буду следить с интересом. Неделя Frieze оставила после себя усталость от количества увиденного, поразила своей коммерциализацией и удивила способностью привлекать столь многих людей в Лондон. Ктото называл ярмарку Frize «фильмом про зомби, где нет крови», где люди совершенно выматываются от такого объема визуальных впечатлений. Это прекрасное место, чтобы понаблюдать за людьми, но собственно искусства здесь не увидишь, однако, его точно можно здесь купить. Frieze похожа на модный показ, отражающий современные тренды. Она одновременно и отвратительна, и прекрасна. g

Коллиншоу исследует тему созидания и разрушения, используя в видео образы горящих цветов и бабочек. Он, как это вполне типично для него, заинтересован в образах одновременно очаровывающих и отталкивающих, что пробуждает у зрителя противоречивые ощущения обаяния и разочарования, влечения и отвращения. Гарри Блейн (Harry Blein) и Грэхам Саутерн (Graham Southern) являются двумя коллекционерами, основавшими лондонскую галерею Haunch of Venison, которую купил аукционный дом Chiristie’s. Весь мир искусства смотрел на них косо, за то, что те «продались» и утратили имидж прямых дилеров, представляющих художников, перейдя на вторичный рынок сделок в аукционном доме. Это означало, что возможности подавать заявку на участие в ярмарке Frieze они не имели, и, сейчас, вернувшись в первичный рынок, основатели хотят вернуть свою независимость и репутацию. Также в течение недели Frieze проходит Mini Art Barter (часть Art Barter’а, который будет проходить в декабре в Нью-Йорке), заключающийся в том, что работы известных художников продаются в обмен на что угодно, кроме денег.

102

galleryspb (1/7) 2011

Ori Gersht Time After Time Courtesy All Visual Arts Jake & Dinos Chapman One Day You Will No Longer Be Loved (Again) Joseph Goupy (detail) Courtesy All Visual Arts David Brian Smith Great Expectations II, 2010 Courtesy of the artist and Carl Freedman Gallery Liz Cohen, Proper Planning Prevents Poor Performance, 2007, and Betty Woodman's ceramics, Salon 94 Photo by Linda Nylind for frieze. Ida Ekblad Game, 2010 Mixed media, 160x45x60 Courtesy of Galerie Giti Nourbakhsch Gert & Uwe Tobias Ohne Titel, 2010 Coloured woodcut on paper 216 x 194 cmm – 85 x 76 3/8 inches [approx] Courtesy of Maureen Paley, London


artfair

(1/7) 2011 galleryspb

103


artfair

104

galleryspb (1/7) 2011


artfair

(1/7) 2011 galleryspb

105


artfair > Modern Institute | Glasgow | Simon Starling | Project for a Masquerade (Hiroshima) | 2010

Art Basel Miami Beach 2010 автор: Ирина Смирнова

106

В декабре минувшего года состоялась очередная «сессия» Art Basel Miami Beach — события поистине кульминационного в социальном и культурном отношении в мире художественной и интеллектуальной элиты. Неделя современного искусства в Майами — аналог или своего рода «дочернее предприятие» всемирно-известного швейцарского арт-фестиваля Switzerland’s Art Basel — имеет вот уже семилетнюю историю и, как отмечают знатоки, с полным правом может претендовать на статус арт-шоу номер один в США. По признанию очевидцев, последняя арт-неделя в Майами выдалась понастоящему жаркой: её отличала гораздо более высокая событийная и эмоциональная насыщенность, чем прежде. Как пишет «Vanity Fair», события, разворачивавшиеся на площадках А. В. М. В., если и не имели, по счастью, силы опустошительного урагана, то, несомненно, оставили внушительное количество арт-жертв на своём пути. И даже более того: последний арт-сезон в Майами преподносится как серия художественных «вакханалий», избежать которых даже для самого «осторожного» участника было делом абсолютно нереальным. Поэтому собравшиеся поступали согласно известному и конструктивному (во всяком случае, для представителей арт-бомонда) принципу, гласящему: если не можешь справиться с искушением, просто уступи ему! Прошедшая неделя искусства в Майами galleryspb (1/7) 2011

имела выраженный медиа-профиль: медийные средства и технологии в их неожиданной комбинаторике правили бал, альтернативно-аутсайдерские выставки приковывали внимание общественности как главная интрига сезона, как то, что необходимо увидеть во что бы то ни стало. Двадцать сопровождающих художественных ярмарок плюс к основной экспозиции, новые галереи, инсталляции в так называемом «guerilla style» — всё это было встречено с восторгом любителями и ценителями современного искусства. И, конечно же, бесконечный «парад» арт-тусовок и частных вечеринок ведущих мировых брендов… Неделя оказалась, к тому же, и весьма прибыльной для владельцев галерей, кураторов выставок, директоров музеев, художников и коллекционеров, что прибавило событию веса и обаяния, ибо ничто, как известно, не радует так, как коммерчески удачно реализованная творческая идея. Декабрьский фестиваль с наглядностью показал, что дух художественной свободы и инновации, экспортируемый Майами в мир искусства, продолжает питать чувство принадлежности к творческому братству и знаменует своего рода «возрождение» и обновление, пришедшее на смену мрачно-обречённой тональности последних двух лет. g


artfair

(1/7) 2011 galleryspb

107


artfair

Galerie Praz –Delavallade | Paris Lehmann Maupin | New York | Tony Oursler | H2Out | 2006

108

galleryspb (1/7) 2011


artfair

JosĂŠe Bienvenu Gallery | New York Marian Goodman Gallery | New York

(1/7) 2011 galleryspb

109


artfair Arndt | Berlin | Thomas Hirschhorn | Untitled (Ingeborg Bachmann 1942/43) | 1998

110

galleryspb (1/7) 2011


artfair Rhona Hoffman Gallery | Chicago

Crousel | Paris | Jennifer Allora & Guillermo Calzadilla | Fishing Net | 2010 (1/7) 2011 galleryspb

111


artfair

Lang / Baumann, Beautiful Steps #3, 2010 Bois, peinture Courtesy Galerie Loevenbruck Paris

112

galleryspb (1/7) 2011


artfair

FIAC 2010: Report from Paris Only a few years ago, Paris’ biggest contemporary art event, the FIAC, was considered fragile and was looking for a new energy, a new impulse. With the 2010 edition, it has finally exceeded expectations. Some were uncertain how it would turn out with Martin Bethenod’s departure in the spring, but Jennifer Flay managed excellently even when left alone to the task. No economic disasters such as the Lehman Brothers bankruptcy in 2008 or medical concerns such as the swine flu in 2009 to introduce this 37th edition! Still separated between the Grand Palais and the Louvre’s Cour Carrée, the FIAC chose to strengthen that which has already been achieved, rather than to engage great changes. This year, 194 galleries were accepted out of around about 640 candidates. Exhibitors came from 24 different countries: France in the first place (72), closely followed by Germany (22) and the U.S.A. (21). Some new nationalities were integrated, such as Japan, Mexico, Korea or Ireland. The Galeries Lafayette selection, in the Cour Carrée, only counted four french galleries. A way to insist on the international aspect of the fair. The most famous and ambitious new-yorker, Larry Gagosian, had already made an appearance in 2009 with the Projet moderne, but came back this year with a real stand, at the same time as he opened a gallery on rue Ponthieu, a few steps away from the rue Matignon. The Projet modern was, however, not reconducted this year, due to a lack of candidates. The loss was somewhat positive, as it enabled a gain of 300 m² in the Grand Palais.

autor: Astrid Engstrom

This year, the winner of the Prix Marcel Duchamp is Cyprien Gaillard. The winner of this prize gets a chance to present his work in the Centre Georges Pompidou the following fall. Both in the Grand Palais and in the Cour Carrée, galleries mostly chose solo shows, a few thematic exhibitions. Modern art was much less present than it had been last year, only represented in about twenty galleries (Le Minautore, Paris, Tel Aviv). This year showed also showed us that the art fair does not restrict itself to the original grounds, but it extends to the whole city. The walk through the Tuileries gardens has become more important, some projects were specially designed for it. They were presented by the students of the Ecole du Louvre, which shows a desire to involve the future art historians in the current evolution of art. Parisian galleries, part or not of the fair, presented major exhibitions, whilst others opened new exhibition areas. At the same time, the «off» fair is developing, with two newcomers this year (Access Art Fair, Chic Art Fair). Slick 5, Show Off and Art Elysée might be starting to establish themselves successfully, some still seem very uncertain what will happen to Cutlog 2, if it has what it takes survive the competition. The FIAC seems to have finally become what it has always wanted to be: an essential and unmissable event in the contemporary art market. It has to live up to the expectations of international galleries, now that it is part of this tough but prestigious circle. g (1/7) 2011 galleryspb

113


artfair

Graham Dan, Wood Grid Crossing Two-way Mirror, 2010, Aluminum, wood, two-way mirror glass, Taka Ishii Gallery

114

galleryspb (1/7) 2011


artfair < Attia Kader, Open your eyes, 2010 slide show, Courtesy Galleria Continua, San Gimignano / Beijing / Le Moulin

Hunt William, I Forgot Myself Looking At You, 2009 the artist

(1/7) 2011 galleryspb

115


artfair

Рынок произведений искусства: продажи на ярмарке FIAC Джорджина Адам

Art Market Editor at Large The Art Newspaper

Thidet Stéphane, Crue, 2010, Peuplier, clous courtesy galerie Aline Vidal

116

galleryspb (1/7) 2011


artfair Начало работы ведущей французской артярмарки Fiac, прошедшей на этой неделе в Париже, ознаменовалось шквалом продаж еще до открытия и бурей аплодисментов качеству предлагаемых произведений искусства. Действительно, некоторые продажи оказались настолько мгновенными, что произошли фактически еще до того? как посетители, даже для VIP персоны, смогли попасть на выставку. Уже во вторник несколько ведущих французских коллекционеров со своими консультантами прочесывали Grand Palais ряд за рядом, хотя теоретически выставка открывалась только в среду. «Похоже, народ теперь приходит все раньше и раньше», — сказал один маршан, который на этом попался и там не был. Среди проданных было огромное изображение солдат в масках, едущих на ослах, работы американо-кубинского дуэта Аллора и Кальзадилла (Allora and Calzadilla), выбранное представлять США на Венецианском биеннале в следующем году. Озаглавленная «Антракт. Хеллоуин Ирак IV» («Intermission, Halloween Iraq IV»), эта картина была приобретена за $75 000 Каролиной Буржуа (Caroline Bourgeois), советником коллекционера Франсуа Пино (Francois Pinault), на стенде галереи Куримазутто (Kurimanzutto). В Grand Palais размещаются галереи, скажем, посолидней, тогда как их «младшие» собратья выставляются в Cour Carree (Квадратный двор) Лувра, отрывшемся на день раньше. Здесь также продажи шли активно с самого начала. Так, одно из основных произведений, вариация на тему выставленного в Лувре «Спящего Гермафродита» («Hermaphrodite Endormie»), выполненное из черного мрамора Барри Боллом (Barry X Ball), было сразу же продано одному американскому коллекционеру за 450 000 евро. Удачными также оказались продажи нью-йоркской галереи Перри Рубинштейн (Perry Rubenstein), среди которых были две работы уличного дуэта художников Faille, одна из них с ценником в 45 000 евро. В этом году Fiac может использовать Cour Carree в последний раз, поскольку там скоро должны начаться строительные работы. Поэтому в следующем году все галереи из Cour Carree разместятся в самом Grand Palais, в двух верхних недавно отремонтированных помещениях. В 2011 году мы также увидим возвращение Современного Проекта (the Modern Project), представляющего собой совместный показ топовых вещей сразу несколькими арт-дилерами, напри-

мер галереями Pace, Acquavella и т. д. Помимо продаж на арт-ярмарке Fiac активно обсуждалось награждение орденом почетного легиона Ларри Гагосияна (Larry Gagosian) лично министром культуры Франции Фредериком Миттераном (Frederic Mitterand), произошедшее в понедельник вечером во вновь открывшейся парижской галерее Гагосияна. Хотя его появление в французской столице было воспринято позитивно, многие задавались вопросом: а что собственно Гагосиян уже сделал для страны. Газета «Фигаро» презрительно фыркнула: «преждевременно». Каждый год во время проведения Fiac французская интернет-компания Artprice, предоставляющая данные в режиме реального времени, проводит интересный обзор современного арт-рынка. Её сведения основываются на исследовании результатов с аукционов, что отражает только продажи на вторичном рынке. В отчеты включаются работы художников, родившихся после 1945 года, проданные между июлем 2009 и июнем 2010. Поскольку сайт французский, суммы приводятся в евро. Хорошей новостью является то, что цены вновь незначительно растут — 5.4%, после того как они упали на 42.8% за 18 месяцев в 2008–2009 годах. Объемы до сих пор еще низкие по сравнению с бумом: в 2009–2010 продажи произведений современного искусства составили только 443 миллиона евро против 975 миллионов евро в 2007 –2008 годах. Тогда 120 работ ушло по 1 000 000 евро и более за каждую, в этом году только 44 аукционных лота добрались до этого уровня, что квалифицируется в обзоре как «оттаивание в верхнем сегменте». Недоброжелатели коммерческой «топ-четверки» — Херст (Hirst), Кунс (Koons), Принс (Prince) и Мураками (Murakami) — могут испытать тайную радость от порой головокружительного падения итогов их аукционов: у Херста с 134 млн евро в 2008– 2009 гг. до 10 млн. евро в 2009 –2010 гг., у Кунса — с 23 до 18 млн евро у Мураками — с 8.1 до 3.4 млн евро и у Принса — с 24 до 12 млн евро. К позитивным моментам можно отнести стабильный объем продаж и большую доступность произведений искусства, чем во время бума: 83% лотов было продано дешевле 10 000 евро (в 2007–2008 гг. — 70%). Растущая мощь азиатских стран отражается в объемах торгов: с 17% в 2008–2009 скачок до 23% в прошлом году. (1/7) 2011 galleryspb

117


artfair

Kuhn Skafte, Hervor aus Gebirgen des Nichtmehr, 2008 cotton embroidery, yarn, steel, epoxy resin, Galerie Kadel Willborn, Karlsruhe, Germany

118

Abetz & Drescher Maike & Oliver, Untitled, 2009 Acrylique sur toile Suzanne Tarasieve

galleryspb (1/7) 2011

В последнее десятилетие скульптура удерживает уверенную позицию на рынке современного и новейшего искусства, тогда как классические произведения удостаиваются меньшего внимания. Теперь, однако, в Нью-Йорке проходят две выставки работ классических скульпторов. Первая из них открылась в четверг и заканчивается 31 октября. Она представляет собой третий по счету показ произведений, организованный братьями Томассо. Дино, Джованни и Рафаэлло Томассо (Dino, Giovanni, Raffaello Tomasso) живут в Лидсе во дворце епископа времен королевы Виктории. Оттуда они делают вылазки для приобретения работ неустановленных авторов, которые затем тщательно изучают и атрибутируют как произведения признанных мастеров. На выставке, проходящей сейчас в галерее Отто Науманна (Otto Naumann), занимающегося старыми мастерами, представлены 20 работ, включая заново открытую очаровательную головку ангелочка, выполненную в 16 веке Гуильельмо делла Порта (Guilielmo della Porta), послужившую моделью для одного из ангелочков на памятнике Папе Римскому Павлу III Фарнезе (the Farnese Pope Paul III) в соборе Св. Петра ($35 000). Вторая выставка тоже только что открылась в галерее Моретти (Moretti Fine Art) и продлится до 19 ноября. Здесь выставлено исключительное собрание из 12 произведений итальянских мастеров эпохи Ренессанса и барокко. Среди них терракотовый рельеф «Медуза» Андреа дель Вероккио, датируемый примерно 1480 годом, и «Христианская любовь» («Charity») Сансовино, около 1510 года, единственная их сохранившихся восьми экземпляров, не попавшая в музеи. Цены значительные и выражаются шести- семизначными цифрами. Редкая находка появилась на этой неделе на аукционе Кристи в Нью-Йорке, где за $554 500 была продана полная колода серебряных игральных карт, что вдвое превысило предпродажную оценку. Эта единственная известная сейчас полная колода ренессансных серебряных игральных карт была сделана в германском городе Аугсбург в 1616 году. Ее обнаружили в семье генерала Мануэля Орибе (Manuel Oribe) в Уругвае. Их приобрел европейский дилер. Не исключено, что карты могут показать на Маастрихской ярмарке (Maastricht fair) в следующем году. g


Millagou Olivier, Hood Board, 2010, capot de voiture galerie sultana / Olivier Millagou

artfair

(1/7) 2011 galleryspb

119


Основы рисунка

www. 4 -art.org

Первое и единственное за последние 30 лет официальное издание, выпущенное Институтом им. И.Е. Репина по академическому рисунку и удостоенное серебряной медали Академии Художеств. Немногословное, хорошо иллюстрированное таблицами, фотографиями с анатомических слепков, схемами, рисунками старых мастеров, учебное пособие передает систему академического рисования и наглядно показывает этапы ведения работ.


(1/7) 2011 galleryspb

123


madrid_


Gallery_07