mayo 2014
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Vict Nga o i
nº
Wrung Bordalo II Cartier-Bresson -1-
8’95$
izwi director director general edita ediciones conelpa, s.l.
MEDINA HERRERA jorge PAREDON CARLOS gerardo RUIZ AGUILAR jose
presidente consejero editor director gerenete director subdirector
SOTO SUAREZ margarita TORRES FLORES david VAZQUEZ JUAREZ israel VILLANUEVA GUTIERREZ jose PÉREZ FERNANDEZ maria
director de arte director de moda
BARAJAS VEGA jose BASURTO ARRIAGA martin
redactor jefe redactor jefe de moda editor cultura consejero creativo jefe maqutación diseño edición gráfica y documentación colaboradores publicidad
CHAVEZ MARTINEZ gilberto DE LA MORA CONDE maria DÍAZ MARTIN rodrigo GOMEZ MARQUEZ fran GUERRERO ARROYO edgar HUICOCHEA MASON mario MONTALVAN GAMEZ gonzalo ORTEGA ULLOA gerard GUERRERO HERNANDEZ lola
www.izwi.com
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Victo Ngai
Entrevista
Bordalo II
Entrevista
Henri Cartier Bresson
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Presentaci贸n
Wrung
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Sumario
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Entrevista
entrevista a la ilustradora:
VICTO NGAI Q.: Cuéntanos un poco acerca de lo que haces. Tu arte, tu trabajo, etc.
Hoy nos encontramos con Victo (diminutivo de Victoria) Ngai. Victo es una ilustradora de Hong Kong con sede en Nueva York, se graduó de la Escuela de Diseño de Rhode Island School of Design especializándose en ilustración. Su obra está llena hasta el borde con colores brillantes y temas saciantes que se muestran con una capacidad técnica para el detalle y el temor. En mi opinión, es una de las ilustradoras más reconocidas en el campo hoy en día y su trabajo ha aparecido en The New York Times, The New Yorker, Wired y en portadas de libros y muchos otros lugares. Recientemente tuve el placer de hacer a Victo una serie de 11 preguntas cortas:
A.: Soy un ilustrador freelance. Freelance significa que soy la directora general, el artista, el contador, el departamento de marketing y el portero de mi establecimiento de una sola persona. Ilustrador significa que puedo crear soluciones visuales para ayudar a mis clientes a comunicarse con sus audiencias. Mis clientes incluyen The New York Times, The New Yorker, International Herald Tribune, Leo Burnett, McDonald, The Progressive, Plansponsor y muchos más. Q.: ¿Que inspira tu trabajo? ¿Quién/dónde buscas la inspiración? A.: Al crecer en Hong Kong, estaba muy influenciada por el arte y la artesanía de
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Asia, tales como Nianhua, rollos de tinta china, Lianhuanhua y Ukiyo-e. Asistir RISD (Rhode Island School of Design), allí me expusieron a obras de maestros del arte occidental como Gustav Klimt, Egon Schiele, Antoni Gaudí, William Turner, Norman Rockwell, NC Wyeth y Al Hirschfeld. Ahora estoy constantemente inspirada por cosas que veo y la experiencia cotidiana. La persona más inspiradora para mí es mi profesor de portafolio del RISD, Chris Buzelli. Él me dijo: “El estilo está sobrevalorado. Es simplemente un hábito de dibujo. Todo el mundo tiene un estilo único, porque todo el mundo tiene una vida única.” Esto me hizo darme cuenta de ser honesto es la clave para llevar a cabo el trabajo de uno.
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Q.: Tu trabajo de ilustración combina líneas impresionantes, colores y texturas. ¿Con qué sueles trabajar? ¿Cuál es tu proceso? A.: Mis líneas son creadas principalmente con las plumas de plumillas, a veces con pinceles o plumas radiográficas. Entonces puedo crear capas de texturas en pedazos separados de papel con diversos medios (lápiz, carboncillo, lápices de colores, pintura ...) en una caja de luz. Después, cuando tengo todo escaneado, coloreado digitalmente y compuesto, los junto en Photoshop. Q.: ¿Mantienes un cuaderno de bocetos de tus ideas?
A.: Tengo cuadernos de bocetos y para anotar ideas sobre la marcha. Pero cuando tengo que desarrollar una idea o averiguar composiciones, funciona mejor para mi dibujar en paginas sueltas y guías telefónicas viejas antes de pasar a los cuadernos costosos.
mantenerme en compañía. Convertirse en una ilustradora fue una decisión natural y orgánica, ya que no podía pensar en hacer otra cosa y ser más feliz.
Q.: ¿Cuáles son tus recuerdos más tempranos del arte? ¿Hubo un momento significativo en tu vida que te hizo querer convertirte en un artista?
A.: Las exageraciones.
A.: Siempre he estado interesada en contar historias con imágenes desde que era una niña. Yo era hija única con padres ocupados, así que pasé gran parte de mi infancia creando mundos fantásticos con amigos imaginarios en el papel para
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Q.: ¿Qué es lo que menos te gusta del arte?
Q.: ¿Qué es lo que más te gusta de arte? A.: Su capacidad para transmitir emociones, comunicar ideas y despertar la empatía más allá de la barrera del idioma.
“Is no th
ow od go
ant to b e ou w . ” dy P Q.: ¿Cualquier proyecto emocionante, del cual puedas hablar? A.: Estoy trabajando en mi primer proyecto de libro! También, puedo estar creando de un corto de animación de una película documental. Esto está todavía
Q.: ¿Qué consejo le puedes ofrecer a otros artistas y creativos? A.: “No es lo bueno que eres, es lo bueno que quieras ser.” - Paul Arden Una vez más, hacer un trabajo honesto. Cuando un artista es realmente un apasionado de su trabajo, la pasión se transmite en la audiencia. Q.: ¿Hay alguna parte de tu trabajo del cual sientas que define todo tu trabajo, y si es así, por qué? A.: No creo que una sola pieza puede definir todo mi trabajo. Cada pieza re-
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A.: Durante un tiempo me preocupaba que me quedara atrapada y repetirme. Fue un momento artísticamente destacado cuando rompí el cuello de botella, y me demostré a mí misma que soy capaz de evolucionar, mejorar y hacer frente a una temática más diversa.
está en la etapa de discusión, pero realmente espero que salga adelante.
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Q.: ¿Cuáles consideras que son los aspectos artísticos más destacados de tu carrera hasta el momento?
gistra un cierto punto de mi vida/carrera creativa pero mis obras han ido creciendo conmigo en un flujo continuo de la conciencia. No tengo idea de dónde se dirige o lo que va a terminar siendo.
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Henri Cartier-Bresson es extremadamenación. La documentación Museo de Arte ent um doc la en ado res el use en No estoy inte imo periodista. Cuando expnri, ten mucho cuidado. No te aburrida y yo soy un pés : “He dijo me pa Ca t ber Ro os y igo Moderno en 1946 mi am ógrafo surrealista. Si lo haces, no tendrás encargdebe ser fot a o uet com e etiq la lart o asil per s, enc era debes invernadero. Haz lo que qui serás como una planta de ‘fotoperiodista’.” y cerca de los surrealislismo. Todavía me siento mu rea sur el fue n ció ncioné el surrealisma for ca mi Toda sensato. Así que nun mees asunto de nadie. nte me ada rem ext era pa busco, no tas. Pero Ca ad. Y lo que quiero, lo que mo. Es cosa mía, mi intimiddría encargos. ten De lo contrario, nunca , algunos periodistas statar, de observar… Bueno con de ma for una es hos uno tras otro. o hec n los El periodism y otros simplemente coloca es son escritores maravillososantes. Es el punto de vista sobre los hechos lo quecuento Y los hechos no son interes es la evocación. Algunas fotografías son como un no es todo un mundo. Pero uno importante. Y en fotografía Sonrápidas y en ellas hay de Chejov o Maupassant.as dispara. consciente de ello mientr
INSTANTE, VOCACIÓN, POESIA entrevista al fotografo henri cartier-bresson - 11 -
- ¿Cómo empezó en la fotografía?
- ¿Cree ver más ahora de lo que veía cuando tenía 20 años?
- Cuando yo era muy joven me atraía la aventura… y sólo sabía una cosa: me deprimía la idea de trabajar en el negocio textil familiar. El hermano de mi padre era un pintor que fue asesinado en los primeros días de la Primera Guerra Mundial. Yo tenía 5 o 6 años cuando murió, y siempre soñé con la pintura. Y mi padre me dijo: “Bueno, está bien.” Fue lo suficientemente amable no forzándome a entrar en el negocio. Así que pinté con un amigo de ese tío que murió. Y más tarde estudié dos años en un taller de André Lhote, que no era un gran pintor, pero fue un maestro fundamental. Gracias a él sé lo que sé – entre él y Jean Renoir, el cineasta.
- Cosas diferentes, supongo. Pero no más. Ni menos. Las mejores fotos estaban en el libro “El instante decisivo”. Las tomé cuando tenía 20 años. Inmediatamente, tras un par de semanas desde el primer día que empecé a fotografiar. Están en ese libro. Por eso no es nada enseñar, aprender. Se trata de vivir y mirar. Todas esas escuelas de fotografía son un truco. ¿Qué están enseñando? ¿Puedes enseñarme tú a caminar? - Ofrecen trabajo a los fotógrafos. - Sí, pero es un mundo falso. Y afecta a tu forma de trabajar. Trabajar con gente es diferente…
Hay dos fotografías que recuerdo muy bien. Una es la fotografía de Munkácsi de tres niños corriendo ante una enorme ola en una playa. Es tan perfecta, las relaciones, la resolución de todos los problemas plásticos… y su movimiento es maravilloso. Eso me impactó mucho, aunque curiosamente no fue la fotografía lo que me influyó: pensé que la cámara era una manera rápida e intuitiva de dibujar.
- Josef Breitenbach, el fotógrafo, me explicó una vez que la mayoría de los buenos fotógrafos eran buenos desde el principio. - Estoy de acuerdo. O tienes un don o no lo tienes. Si tienes el don… bueno, es una responsabilidad. Debes trabajar.
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- ¿Cree que el arte de un fotógrafo puede madurar?
- ¿Puede hablar un poco sobre su experiencia de China?
- ¿Madurar? No sé lo que eso significa. Se trata de re-examinarse constantemente, de ser más lúcido y más libre y profundizar cada vez más. No sé si la fotografía es un arte o no. No sé nada de todo eso.
- Bueno, prefiero no decir nada. Es como si invitas a alguien a cenar y sirve el vino en una jarra en lugar de la botella con la etiqueta. La gente debe adivinar si se trata de un buen vino. Pero no, quieren ver la etiqueta. Es horrible. Por eso no debe haber ningún pie de foto. La gente debería solo mirar. Debemos despertar nuestra sensibilidad. Pero la gente no lo hace. Si está en un decantador, no se atreven a decir que es un buen vino o uno malo porque no han visto el año, no saben de qué cosecha es. Eso es lo que me molesta. Creo que las fotografías no deben tener ningún título, sólo la ubicación y la fecha. La fecha es importante porque las cosas cambian.
Veo niños que pintan maravillosamente bien, y en la pubertad, algo cambia y lleva toda una vida recuperarlo. No es la pureza de un niño, porque nunca se vuelve a la inocencia una vez se conoce, pero regresar a las cualidades de un niño pequeño requiere de toda una vida. La frescura a la hora de dejarte impresionar es extremadamente importante. El hastío es horrible. - ¿Qué le decidió a visitar ciertos países? - Bueno, desde luego, todo es interesante, desde tu propia habitación. Pero, al mismo tiempo, no puedes fotografiar todo lo que ves. En algunos lugares el pulso late más que en otros. Después de la Segunda Guerra Mundial, compartía el presentimiento con mis amigos, Bob Capa y Chim, de que ir a los países coloniales era importante. ¿Qué cambios tendrían lugar allí? Por eso pasé tres años en Oriente. No sabíamos lo que iba a suceder. Había diferentes posibilidades. A veces era la guerra. A veces no era la guerra. A veces era pacífico. Cuando una situación está llena de posibilidades debes estar presente… cuando hay un cambio de situación, en los momentos más tensos.
¡Odio el turismo! Me gusta vivir en un lugar. Me disgusta ir períodos cortos. Rodin dijo: “Lo que se hace con tiempo, el tiempo lo respeta”, o algo así. Y al mismo tiempo, cuando algo sucede, debes ser muy rápido. Como un animal y una presa, ¡boom! Lo agarras y la gente no percibe que lo tomaste. Muy a menudo, en algunas situaciones, puedes tomar solo una foto. No puedes tomar dos. Tomas una foto y aparentas ser idiota, ser un turista. Pero si tomas dos o tres fotos te metes en problemas. Es un buen entrenamiento para saber hasta dónde puedes llegar. Cuando el fruto está maduro, hay que arrancarlo. ¡Rápido! Sin indulgencia, pero con audacia. Disfruto mucho viendo un buen fotógrafo trabajando. Hay elegancia, igual que en una corrida de toros.
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Pero lo más difícil para mí no es la fotografía de calle, es el retrato. La diferencia entre un retrato y una instantánea es que en un retrato la persona accedió a ser fotografiada. Pero sin duda eres como un biólogo y su microscopio: al estudiar algo, ese algo no reacciona igual que cuando no está siendo estudiado. Y debes intentar colocar la cámara entre la piel de una persona y su camisa, que no es tarea fácil porque estás robando algo. Lo extraño es que, a través del visor, ves a la gente desnuda. Y a veces es muy embarazoso. Siempre me pongo nervioso cuando voy a tomar un retrato, porque es una nueva experiencia. Por lo general, cuando retrato, pregunto algunas cosas sólo para obtener alguna reacción de la persona retratada. Es difícil hablar al mismo tiempo que observas con intensidad el rostro de alguien. Pero aún así es necesario establecer contacto de algún tipo… Estuve frente Ezra Pound tal vez durante una hora y media en completo silencio. Nos mirábamos a los ojos. Él se frotaba los dedos. Tomé quizá una buena fotografía, otros cuatro posibles, y dos que no eran interesantes. Eso hace unos seis fotos en una hora y media. Y ninguno de los dos estuvo incómodo.
- Sin embargo, uno tiene la sensación de que realmente les echa de menos. - Bueno, es muy extraño. No me doy cuenta de que Capa y Chim están muertos. En esta profesión estás fuera un año o dos y no te ves. Y luego regresas. Cuando tienes un amigo, es algo para siempre… Supe que Capa había muerto cuando vi el libro “Imágenes de la Guerra.” Antes de eso no estaba muerto del todo, sólo era alguien a quien no veía desde hacía algún tiempo. La influencia de Capa va más allá de su vida. Él estaba en sintonía con todo el mundo. No se dejaba impresionar por las reinas, le impresionaba todo el mundo, el ser humano. Miraba a la gente cara a cara. Me gustaba mucho Capa por eso… Al mismo tiempo, hemos sido completamente diferentes. No leíamos los mismos libros, trasnochaba hasta la madrugada y yo le despertaba a las 10 am, una vez se fue cogiendo prestado mi dinero sin decírmelo… todo tipo de cosas. Pero había una unidad fundamental entre Capa, Chim y yo. Capa era optimista y Chim pesimista. Chim era como la cabeza de un jugador de ajedrez o un matemático. - ¿Dónde se ubica usted ahí?
- ¿Qué ve ahora por si mismo? ¿Sabe lo que quiere hacer a continuación? - Quiero dibujar esta tarde. Y llevo una cámara. No sé. Depende. No planifico la vida. Me gustaría dibujar más calmadamente y me gustaría ver a otros fotógrafos. Ya ves, me siento muy solo en cierto modo. No debo tener nostalgia por el pasado, porque, quiero decir, no era fácil entre Capa, Chim y yo. Teníamos diferentes hábitos.
- No tengo ni idea… Impulsivo. Había pocos fotógrafos en los años 30 en París. Tomábamos café crème en el Domo de Montparnasse. Estaba pintando allí en Montparnasse, que, antes de la guerra, era una zona muy animada. Era mi ciudad. - ¿Su asociación con Capa y Chim influyó en que se concentrara más en la fotografía y menos en la pintura? - No, en absoluto. Nunca hablamos de fotografía.
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- Es una cuestión de concentración. Concentrarse, pensar, ver, mirar y, ah, así, ya está listo. Pero nunca se sabe el momento culminante de algo. Así que estás disparando y dices: “Sí. Sí. Tal vez. Sí “. Pero no debes excederte disparando.Es como comer o beber en exceso. Tienes que comer, tienes que beber. Pero si te excedes… En el momento en que disparas debes armar el obturador una vez más. Y tal vez la imagen sucedió entre ambos momentos.
tienes en las lentes más largas. He trabajado con un 90, corta la mayor parte del primer plano si se toma un paisaje, pero si la gente se acerca hacia ti no hay profundidad de foco. El 35 es espléndido cuando es necesario, pero muy difícil de usar si quieres precisión en la composición. Hay demasiados elementos, y algo siempre está en el lugar equivocado. Es una lente hermosa en los momentos necesarios. Pero muy a menudo es utilizado por personas que quieren gritar. Debido a su distorsión, si tienes a alguien en el primer plano le da un efecto. Pero no me gustan los efectos. Hay algo agresivo, y no me gusta eso. Porque, por lo general, cuando gritas estás falto de argumentos.
Muy a menudo no hace falta ver el trabajo de un fotógrafo. Con sólo mirarlo en la calle se puede deducir qué tipo de fotógrafo es. Discreto, sigiloso, rápido o ametralladora. Bueno… no cazas perdices con una ametralladora. Eliges una perdiz y luego otra. Tal vez el resto se hayan ido para entonces. Pero veo que la gente wwwrrrr, que va así con un motor. Es increíble, porque siempre disparan en el momento equivocado…
Si tienes poco equipo, la gente no te percibirá. No se trata de aparentar. Es embarazoso ver a alguien que trabaja con un equipo enorme. Y fotómetros en una cámara, no entiendo por qué. Es pereza. Durante el día yo no necesito un medidor de luz. Es sólo cuando la luz cambia muy rápidamente en la oscuridad o cuando estoy en otro país, en el desierto o en la nieve. Pero adivino primero, y luego compruebo. Es un buen entrenamiento.
- ¿Qué me dice sobre su equipo?
- En cierto sentido, impone sus propias reglas, son como auto-disciplina…
- ¿Alguna vez ha sido realmente capaz de definir cuándo pulsar el obturador?
- Ni estoy ni he estado nunca interesado en el proceso fotográfico. Me gusta la cámara más pequeña posible, no esas enormes cámaras réflex con todo tipo de complementos. Cuando trabajo llevo una Leica M3 porque es más rápida cuando me estoy concentrando. - ¿Por qué la lente 50 milímetros? - El 50mm corresponde a una determinada visión y al mismo tiempo tiene la suficiente profundidad de foco, algo que no
- No estoy hablando de los demás, yo disfruto así. La libertad para mí es un marco estricto, y dentro de ese marco existen todas las posibilidades. Tal vez soy clásico. Los franceses somos así, ¡no puedo evitarlo! La fotografía como yo la concibo, bueno, es un dibujo, un boceto inmediato hecho con la intuición. Y no puedes corregirlo. Si debes corregirlo, será la siguiente fotografía. Pero la vida es muy fluida… Bueno, a veces las imágenes desaparecen y no hay
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nada que puedas hacer. No puedes decirle a la persona, “Oh, por favor, volver a sonreír. haz ese gesto de nuevo. ” La vida es una sola vez, para siempre.
llo… Había un mercado. Nosotros no teníamos que elaborar grandes contabilidades y todo eso. Magnum fue la genialidad de Bob Capa, que tenía una gran inventiva. Apostaba en las carreras de caballos y el dinero servía para pagar la secretaría. Volví de Oriente, le pregunté a Capa por mi dinero y me dijo: “Mejor agarra tu cámara y vete a trabajar. He tomado prestado tu dinero porque estábamos casi en bancarrota “. Y yo seguí trabajando.
- ¿Y sobre la fotografía en color? - Es repugnante. ¡La odio! La he utilizado cuando he estado en países a los que era difícil ir y me dijeron: “Si no lo haces en color, no podremos usar tu trabajo.” Así que fue un compromiso, pero lo hice mal porque no creo en ella porque disparas lo que ves. Pero luego están las tintas de impresión y todo tipo de cosas sobre las que no tienes ningún control. Todas las interferencias de un montón de gente… ¿y qué tiene que ver con el color verdadero?
Ahora se trata de un grave problema porque casi no hay revistas. Ninguna gran revista te va a enviar a un país, porque todo el mundo ha estado allí. Es otro mundo. Pero hay un montón de revistas especializadas que van a utilizar tus archivos. Y puedes vivir decentemente sólo de tus archivos. Pero esto significa que debes agregar fotos durante años y años. Empezar hoy en día, para un fotógrafo joven, es un problema. Hay necesidades en la vida, y todo es cada vez más caro en una sociedad de consumo como la nuestra. El peligro es que la fotografía se transforme en algo muy valioso, “oh, ¡una impresión muy rara!” No hay un lugar muy real para eso. Pero, ¿qué significa? Ese tipo de valoración es enfermiza.
Si se resolvieran los problemas técnicos y lo impreso se correspondiera con lo que realmente vio, ¿aún estaría en contra? - Sí, porque la naturaleza nos da tanto… - No se puede aceptar todo de la naturaleza. Debes elegir. Preferiría pintar, y se convertiría entonces en un problema irresoluble. Especialmente cuando se trata de un reportaje el color no tiene ningún interés, excepto que la gente lo dispare así por dinero. Siempre es un problema de dinero. [...] Debes respetar tus limitaciones.
¿Por qué los fotógrafos comienzan a numerar sus copias? Es absurdo. ¿Qué significa que la impresión número 20 se ha hecho? ¿Te tragas el negativo? ¿Te disparas a ti mismo? Es el juego del dinero.
Hay algunos fotógrafos jóvenes muy buenos. Quieren hacer ensayos fotográficos pero no hay mercado para ello. En 1946, cuando empezamos en Magnum, el mundo había sido dividido por la guerra y había mucha curiosidad desde un país sobre cómo era el otro. La gente no podía viajar y para nosotros era un reto tan enorme ir y dar testimonio, he visto esto, he visto aque-
Creo que una impresión debe estar firmada. Eso significa que un fotógrafo reconoce que la impresión se ha hecho ya sea por él o de acuerdo con sus propias normas. Sin embargo, una impresión no es como un grabado, donde la placa se desgasta. Un negativo no se desgasta.
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Me gusta disparar una fotografía, estar presente, es una manera de decir: “¡Sí! ¡Sí! ¡Sí! “ Es como las tres últimas palabras del ‘Ulises’ de Joyce, una de las obras más poderosas jamás escritas. Es “Sí, sí, sí.” Y la fotografía es así. Es sí, sí, sí. Y no hay tal vez. Todos los ‘tal vez’ deberían tirarse a la basura, porque es un instante, es un momento, ¡y está ahí! Y es respeto a eso mismo y el enorme placer de decir: “¡Sí!” Incluso si es algo que odias. ¡Sí! Es una afirmación.
Lo que importa para un fotógrafo es su implicación. La fotografía no es un medio propagandístico, es una una forma de gritar lo que sientes. Es como la diferencia entre un panfleto propagandístico y una novela. La novela debe ir a través de todos los canales sensoriales y la imaginación, y es mucho más poderosa que algo de mirar y tirar. Si un tema se desarrolla y se novela, es mucho más sutil, mucho más profundo.
- Tal vez la única pista que los fotógrafos tenían era imitar a los pintores, y todavía tienen que aprender sobre su propia identidad… - Sí. ¿Por qué estar avergonzados? No somos lo que tú llamas “pintores inadaptados”. La fotografía es una forma de expresión con otra herramienta. Eso es todo. - ¿Podemos volver a algo que estábamos hablando? ¿Qué se siente al volver a un país que ya ha visitado antes? ¿Hay alguna diferencia entre la primera vez y cuando regresa? - Disfruto mucho visitando un país después de un tiempo, viendo las diferencias…. Porque viviendo y trabajando en un país se acumulan muchas impresiones, buenas o malas, pero siempre personales y vívidas. Acumulas cosas y dejas un hueco, y cuando has estado lejos durante mucho tiempo y regresas ves cambios profundos. Y medir con una cámara la evolución de un país es muy interesante. Pero al mismo tiempo yo no soy un analista político o un economista. No sé cómo contabilizar. No es eso. Estoy obsesionado con una sola cosa, el placer visual. En fotografía, sólo tienes la intuición. Y está ahí. Ya lo has hecho. La única manera de corregir es hacer la siguiente fotografía. Mi mayor satisfacción es la geometría, que implica una estructura. No se puede disparar buscando estructuras, formas, patrones y todo eso, pero tener todo en el lugar correcto es un placer sensorial y un placer intelectual al mismo tiempo. Es el reconocimiento de un orden que está frente a ti. La diferencia entre una buena fotografía y una fotografía mediocre es cuestión de milímetros, de pequeñas, pequeñas diferencias. Pero es esencial. Yo no creo que haya una diferencia tan grande entre fotógrafos. Hay muy poca diferencia. Pero tal vez sea esa pequeña diferencia la que cuenta.
La poesía es la esencia de todo, y es en contacto profundo con la realidad y viviendo plenamente como alcanzas la poesía. Muy a menudo veo fotógrafos trabajando la extrañeza o la complejidad de una escena, pensando que eso es la poesía. No. Poesía es el conflicto repentino entre dos elementos, una chispa entre dos elementos. Pero se da muy pocas veces, y no se puede buscar. Es como buscar la inspiración. No, sólo llega cuando te enriqueces a ti mismo y vives. Debes olvidarte de ti mismo. Debes ser tú mismo y olvidarte de ti mismo para que la imagen llegue con mucha más fuerza, eso es lo que quieres involucrándote completamente en lo que estás haciendo y no pensando. Las ideas son muy peligrosas. Debes pensar todo el tiempo, pero cuando fotografías no estás intentando forzar un punto de vista o demostrar algo. Tú no pruebas nada. Eso viene por sí mismo. Si voy a un lugar no es solo para plasmar lo que está pasando. Es para intentar y conseguir una fotografía que resuma una situación de un solo vistazo y que tenga fuertes relaciones compositivas. Y cuando voy a un país, bueno, siempre espero conseguir una fotografía sobre la que la gente diga: “Ah, estos es verdad. Lo percibiste bien.” Por eso la fotografía es importante, de algún modo, porque al mismo tiempo que es un gran placer aunar la geometría, va mucho más allá en el testimonio de nuestro mundo, incluso sin saber lo que estás haciendo.
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entrevista al artista portuguĂŠs
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e pinta su propia interpreativa llena de vivacidad y movimiento, dond Bordalo II nos presenta una pintura figur técnicas mixtas en la base de de la ciudad. Está explorando sus propias tación de los paisajes urbanos y de ocio No es sólo una manera de serie de collages de objetos con basura. soporte de madera , y por lo tanto hizo una tenemos cosas buenas que se do en que vivimos, donde muchas veces reciclar, sino también una crítica al mun basan en la basura sin darse cuenta.
BOMBING SCIENCE : Vamos a empezar con las preguntas aburridas, simplemente porque tenemos que saber un poco. ¿Cuánto tiempo ha estado pintando? ¿Cómo fue crecer en Lisboa? Bordalo II: Pinto desde que tengo memoria, pero si te refieres a esta obra de arte expecifica que estoy presentando, probablemente han pasado 2 años desde que me estoy tomando en serio. Lisboa es una ciudad hermosa y era bueno crecer aquí!
BSCI : ¿Qué pasa con el estado del arte? ¿Muchos artistas? ¿Un montón de oportunidades? Bordalo II: Hay un montón de artistas, sí. Más artistas que oportunidades, por lo que una gran parte de los que quieren dedicarse al arte deben salir de Lisboa. BSCI : La información de su web dice que ha estado muy influenciado por la obra de su abuelo.
BSCI : ¿Cómo describiría la situación general de hoy en Lisboa? Bordalo II: Es una hermosa ciudad en el norte de África! Está llena de corrupción y vieja mentalidad, pero sigue una ciudad encantadora.
Bordalo II: Por lo que yo puedo recordar siempre me vio pintar y influyó en mi vida, por supuesto. Yo pinto a mi manera . Temas clásicos, pero con mis técnicas modernas.
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“Es raro que un artista sea tan completa como Bordalo II. Pero llamarlo simplemente un artista es un delito, porque es mucho más que eso. Él es un matón, escritor, artista, malabarista ,pero sobre todo es honesto con el trabajo que hace. Si una vez los grandes maestros pintaron los hermosos paisajes en los que vivían, hoy Bordalo II, con sus viajes a través de Europa, representa lo que hay alrededor de él, pero con la crudeza y el despilfarro de la sociedad de nuestro tiempo. Es un artista completo, con mucho por dar”. -Alexandre Farto alias Vhils
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BSCI : Entonces, ¿qué te hizo empezar a recoger objetos en la basura y combinarlos para su obra de arte? Bordalo II: Hace 2 años o algo así, yo estaba haciendo mi obra de arte sin collages, pero tenía un montón de basura en mi estudio. Así que pensé en pegar unos pedazos... sólo para probar. Y ya sabes, una idea trae otra .. y eso es todo! BSCI : ¿Es siempre legal cuando busca entre los objetos al azar, o a veces se cuela en depósitos de chatarra u otras instalaciones para robar cosas? Bordalo II: Jajaja! Sí, a veces vi algunas cosas de basura que me gustaron mucho, así que hice lo que tenía que hacer con el fin de traerlo de vuelta al estudio! BSCI : El uso de chatarra reciclada podría ser visto como una crítica de la sociedad, con la tecnología, los residuos, el materialismo, el consumo excesivo... ¿Lo es?
Bordalo II: No está mal, pero creo que es más que una crítica al consumo excesivo. Se trata del apoyo de todo lo que vemos todos los días. Piense en la cantidad de cosas que la gente realmente se preocupa pero no ven que para apoyar a todos que no hay “basura”. Me refiero a que un montón de las cosas a la que la gente da tanta importancia en realidad no es, después de todo, importante. BSCI : Al principio, sus pinturas parecen muy abstractas y en carne viva. Con más atención, es muy fácil ver una representación clara de lo que quiere mostrar, si se trata de un tren, un paisaje de la ciudad, un animal. ¿Trata de mostrar una representación imaginaria o es simplemente la forma de ver las cosas? Bordalo II: Es sólo mi manera de ver el mundo, a veces a primera vista no se puede reconocer lo que es la pintura, ya que el colages, volumen y la tridiminesionalidad hace que no sea tan fácil de reconocer. Es como en el mundo real, hay un montón de cosas importantes que usted apenas ve porque hay un montón de basura en frente de ella!
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BSCI : ¿Pintas exclusivamente en lienzos? ¿Qué pasa con las paredes, los murales? Bordalo II: Me encanta hacerlo en grandes, grandes murales, y con grandes collages, un montón de basura! BSCI : ¿Cuál es el vínculo entre Bordalo II y el graffiti, si las hay? Bordalo II : Es una buena pregunta, estoy seguro de que hay una relación, no porque yo estoy usando pintura en aerosol en mi obra de arte, sino porque el graffiti hizo la persona que yo hice, y mi obra también es un reflejo de eso, lo que soy. Pero de otra manera, quiero dividirlo. El graffiti es materia del hardcore, las etiquetas , los trenes, toda la ciudad, el crimen en la ciudad, me refiero a una actividad de la calle, no en busca de un mercado. Al hacer el graffiti es porque usted lo necesita que para sentirse bien. Cuando hay un interés detrás de la “pintada” que no está pintada es sólo el arte de la calle. El oportunismo, quiero decir! Esa es la diferencia. BSCI : ¿Qué podemos esperar de Bordalo II en un futuro cercano o lejano? Bordalo II: Podemos esperar ver algunos nuevos niveles, evolución, concepto y cosas diferentes! BSCI : Cualquier próximos shows? Bordalo II: Lausane - Outsiders - marzo 2013.
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presentación de la marca de ropa
Wrung Division Es una marca francesa de ropa fundada en París en 1995.En evolución durante los años, las estaciones y las tendencias, la etiqueta se ha adherido siempre a su lema. “ La independencia es una necesidad! “
Inspirado por el graffiti, el arte contemporáneo y en general las culturas emergentes, Wrung desarrolla sus colecciones con la madurez , con su experiencia vingtenaire streetwear. Aunque las colecciones se dirigen principalmente a los hombres, las mujeres pueden apropiarse de algunas partes que juegan la tarjeta de talle superior. Sobre todo porque este verano, Wrung nos ofrece un verdadero tendencias de libros con muchos y variados temas!
WRUNG - Arte de la calle al servicio de la vida.
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Wrung Division Wrung anuncia la llegada de la primavera con la presentación de su segundo SS lookbook 14!
más completa, sin olvidar ninguna parte (cuello redondo, camisetas, camiseta con bolsillo, accesorios...).
¿Qué mejor que el rodaje de la película en el grano genuino y cálido en las calles de la capital para anunciar el verano.
El estilo paisley impreso, flor, camo, todos los temas para combinaciones perfectas!
Wrung la ciudad utiliza la luz para organizar el estilo de vida tan fresco y sin pretensiones de sus partes! Una colección con trabajó en detalle y
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A través de un tamaño por lo menos bastante universales (XS a la 3XL) las niñas no van a ser la sobra, ya que cada pieza encaja perfectamente para la calle y estilo de niño!
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Wrung, “La etiqueta de marca” está volviendo a sus raíces en el año 2013, con una campaña de street marketing inspirada en el graffiti. Nacido en los años 90 con la llegada de la cultura urbana, street marketing llega a través de acciones en la calle, en contacto directo con su objetivo. Códigos de hoy han cambiado y la promoción es mucho más a través de las redes sociales e Internet. Wrung x Flow Motion París - “Propaganda” Wrung la marca firmó un regreso a casa para promocionar el lanzamiento de la nueva colección Primavera / Verano 2013 con una campaña en las calles de París y en toda Francia, a través de la realización de plantillas o pegar pegatinas en lugares cruzando la comunidad urbana. Con motivo de esta promoción, se puso en marcha un gran concurso implicando tiendas y concesionarios de la marca y vídeos de visitas.
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