Diseñadores by andres s

DISEÃ&#x2018;ADORES

ITALIANOS

DISEÑADORES

ITALIANOS

Andrés Felipe Padilla Sánchez Yank Aldana Sánchez

Diseñadores Italianos Andrés Felipe Padilla Sánchez - Yank Aldana Sánchez © Andres Felipe Padilla Sánchez, 2017 © Yank Aldana Sánchez, 2017 ©Sobre la presente edición: Unitec editorial, 2017 ISBN: 985-3426-426-7 Impreso en Colombia Printed en Colombia Impresiones logograma Diseñadores Italianos Edición, Diseño, Diagramación, Corrección, Diseño de cubierta, Ilustración y fotografía: Andrés Felipe Padilla Sánchez - Yank Aldana Sánchez Unitec editorial Dirección: Cra. 15 #7640 Bogotá, Colombia Teléfono: (1) 7434343 1a Edición

Dedicado a la Corporación universitaria Unitec, Docentes, colegas, familia y a nosotros que como en el primer tomo dedicamos mucho tiempo y más esfuerzo para poder brindarles algo de calidad, somos sinceros al decir que esto lo logramos en un muy poco tiempo pero cada hoja tiene un poco de nosotros, terminamos satisfechos con lo que hemos logrado, esperamos sea de su total agrado y como diría nuestro profesor “julio” sin pestañear.

Los libros seguirán siendo imprescindibles no solamente para la literatura, sino para cualquier circunstancia en la cual sea necesario leer cuidadosamente, recibir no sólo la información sino también especular y reflexionar sobre ella. Umberto Eco (1932-2016) Escritor italiano.

Diseñadores italianos de Unitec ha sido especialmente diseñado para reforzar el conocimiento y aprendizaje sobre la evolución que ha tenido el diseño en italia, a lo largo de éstas páginas conocerá algunos de los diseñadores representativos de Italia, de los cuales se mostrara brevemente su biografía y su trabajo realizado dentro de las ramas del diseño, podrá ver algunas de sus obras y conocer datos relevantes y anecdóticos que les sucedieron a estos grandes diseñadores que en algún momento de sus vidas cambiaron el diseño en Italia”. El cuidadoso equilibrio entre el rigor investigativo y un diseño acertado hacen de este libro una herramienta práctica, confiable y de gran calidad para las personas interesadas en el diseño.

CONTENIDO

Massimo Vignelli

›› ›› ›› ›› ›› ›› ››

18 20 22 24 26 27 28

Un diseñador con todas sus letras Vida Trabajo Mapa del subterráneo de Nueva York Origen del mapa El mapa de vignelli en los años 70 Centro de estudios de diseño

Giancarlo Iliprandi ›› Vida ›› Trabajo ›› Legado

31 32 34 35

Franco Grignani ›› ›› ›› ›› ›› ›› ›› ›› ›› ›› ››

Vida Trabajo Experiancia en lo posible El periodo de fluido Distorsiones de investigación La tensión en todas sus formas Inducción visual La imagen periódica El misterio del logo Woolmark Su trabajo todavía influye hoy! Biografía en 1973

Giovanni Pintori ›› ›› ›› ›› ››

Vida Primero años y educación Trabajo con olivetti Trabajo posterior Estilo

41 42 43 44 45 46 47 48 49 50 53 54

57 58 59 60 64 67

Bruno Munari ›› Vida ›› Diseño Industrial ›› Diseño Editorial

Fortunato Depero ›› ›› ›› ››

De la abstracción al futurismo El teatro y la vanguardia Un futurista en Nueva York De vuelta a Italia

69 72 82 84

87 90 92 94 96

1931 - 2014

Massimo Vignelli

Vignelli

Un diseñador con todas sus letras

Massimo Vignelli (1931-2014) italiano de nacimiento, americano por elección y neoyorkino por convicción fue un gran representante del diseño contemporáneo. Sus estudios los realizó en el Politécnico de Milán en la carrera de arquitectura, pero su pasión por el diseño lo llevó a explorar un gran abanico de posibilidades.

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Su visión del diseño fue que éste sea fuerte, evolutivo y con un matiz de simpleza trabajó en el diseño de marca, imagen corporativa, diseño gráfico, diseño editorial, diseño de producto, packaging y muebles. Dejando un legado que es imposible pasar por alto ¿En alguna ocasión has usado la fuente Helvetica, Times Roman, Bodoni, Futura o Century? Estas bellas tipografías se las debemos a Massimo Vignelli.

Cuando observamos todo lo que Massimo influyó podemos entender que el diseño tiene una gran responsabilidad social, pues el diseño trata de comunicar y en esta área Massimo fue un experto. Vignelli decía que a él le gustaba que el diseño sea semánticamente correcto, sintácticamente consciente y pragmáticamente comprensible. La geometría se vuelve un detonante en el ADN de sus trabajos gráficos siempre impecables, muy arquitectónicos tan amables y distinguidos a la vista al punto que nos son familiares. En cuanto al diseño de productos su proceso creativo siempre fue en busca de la función del objeto.

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Massimo Vignelli “If you can design one thing, you can design everything”

Massimo Vignelli Foto por Jhon Madere

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Vignelli

Vida Vignelli estudió arquitectura en el Politecnico di Milano1 y posteriormente en la Università di Architettura de Venecia. De 1957 a 1960, visitó Estados Unidos en una beca y regresó a Nueva York en 1966 para fundar la sucursal neoyorquina de una nueva empresa, Unimark International , que rápidamente se convirtió en una de las firmas de diseño más grandes del mundo. La firma pasó a diseñar muchas de las identidades corporativas más reco-

nocibles del mundo, incluyendo la de American Airlines (que le obligó a incorporar el águila, Massimo siempre fue rápido para señalar). Vignelli diseñó la señal icónica para el sistema del subterráneo de la ciudad de Nueva York durante este período, y el mapa de los años 70-80 del sistema. Contrariamente a las noticias, Vignelli no diseñó el mapa del metro de Washington, que fue diseñado por Lance Wyman y Bill Cannan.

1 Universidad pública italiana de carácter científico-tecnológico. Tiene como objetivo la formación de ingenieros, arquitectos y diseñadores industriales.

Vignelli creó el sistema de la señalización y del wayfinding para el metro de DC y sugirió que fuera nombrado “metro” como muchos otros subterráneos de capital. Su nombre original era una mezcolanza de varios estados y grupos de transporte. En 1971, Vignelli dimitió de Unimark, en parte porque la visión del diseño que él apoyó se diluyó mientras que la compañía diversificó y tensionó cada vez más la comercialización, algo que diseño. Poco después, Massimo y Lella Vignelli fundaron Vignelli Associates. Vignelli trabajó con el cineasta Gary Hustwit en el documental Helvetica , sobre la tipografía del mismo nombre. Vignelli también actualizó su 1972 mapa del metro de Nueva York para una línea-única versión implementada en 2011 y se describe como un “diagrama”, no un mapa, para reflejar su diseño abstracto sin características de nivel de superficie, tales como calles y parques. Vignelli equipó su propia casa con mesas, sillas, lámparas y otros artículos que él mismo diseñó. Vignelli murió el 27 de mayo de 2014 en la ciudad de Nueva York.

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Vignelli

Trabajo Vignelli trabajó en una amplia variedad de áreas, incluyendo diseño de interiores, diseño ambiental, diseño de paquetes, diseño gráfico, diseño de muebles y diseño de productos. Sus clientes en Vignelli Associates incluyeron compañías de alto perfil como IBM , Knoll , Bloomingdale’s y American Airlines .

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Su ex empleado Michael Bierut Escribió que “me parecía que toda la ciudad de Nueva York era una exposición permanente de Vignelli alrededor de 1981. Para llegar a la oficina, cabalgué en un subterráneo con letreros diseñados por Vignelli, compartí la acera con gente que tenía un diseño de Vignelli Las bolsas de compras de Bloomingdale, caminaron por la iglesia de San Pedro con su

1966 Knoll International

órgano de tubo diseñado por Vignelli visible a través de la ventana En Vignelli Associates, a los 23 años, sentí que estaba en el centro del universo. Vignelli participó en el proyecto de la Bolsa de Visiones en 2007, además de publicar el libro Vignelli: From A to Z , que contiene una serie de ensayos que describen los principios y conceptos detrás de “todo buen diseño”. Está ordenado alfabéticamente por el tema, aproximando un curso similar que él enseñó en la escuela de Harvard del diseño y de la arquitectura.

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Massimo Vignelli “If you do it right, it will last forever.”

Los diseños de Vignelli eran famosos por seguir una estética mínima y una estrecha gama de tipografías que Vignelli consideraba perfectas en su género, incluyendo Akzidenz-Grotesk , Bodoni, Helvetica , Garamond No. 3 y Century Expanded . “En la nueva era

de la computación, la proliferación de tipografías y manipulaciones de tipos representa un nuevo nivel de contaminación visual que amenaza nuestra cultura, de los miles de tipos de letra, todo lo que necesitamos son unos pocos básicos y basura el resto”.

Mapa del Metro de Nueva York Diseñadores Italianos

Vignelli

Mapa del subterráneo de New York En el agosto de 1972, el diseño de Vignelli para el mapa del subterráneo de New York City apareció en las paredes de las estaciones del subterráneo y se convirtió en una señal en diseño informativo modernista . Vignelli consideraba el mapa como una de sus mejores creaciones. Vignelli dijo a menudo que el factor más importante en el éxito de un proyecto de diseño era tener un buen cliente, y elogió a Ingalls por ser uno muy bueno. Ingalls comenzó una re-

visión tanto de la señalización como del mapa del metro. Cuando Unimark International2 abrió una oficina en Nueva York en 1965, Mildred Constantine, curadora de diseño del Museo de Arte Moderno(MoMA) puso a Ingalls en contacto con Vignelli, que encabezó la oficina de Nueva York a partir de finales de 1965. En la primavera de 1966, el TA contrató a Unimark para rediseñar la señalización del metro y revisar los cambios en curso en el mapa.

2 fue una firma internacional de diseño con sede en Chicago, Illinois. Fue fundado en 1965 por seis socios: Ralph Eckerstrom, Massimo Vignelli , Bob Noorda , James Fogelman, Wally Gutches y Larry Klein.

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Futurismo

Origen del mapa Los orígenes del mapa se encuentran en los problemas de la década anterior. A mediados de la década de 1960, la Autoridad de Tránsito de la Ciudad de Nueva York se enfrentaba a dificultades sin precedentes en la entrega de información a sus jinetes:

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La señalización anticuada y anticuada seguía remitiéndose a las antiguas compañías operadoras ( IRT , BMT , IND) mucho tiempo después de haber sido subsumidas bajo una única autoridad pública. Una afluencia de 52 millones de visitantes para la Feria Mundial de Nueva York de 1964 (abril de 1964 a octubre de 1965) puso de manifiesto deficiencias en la información de vías para el transporte público en la ciudad de Nueva York.

Cambios estructurales en la red de metro (que cuesta $ 100 millones) para reducir los cuellos de botella, en particular, la conexión de la calle Chrystie (aprobado 1963, espera que 1965, se abrieron a finales de 1967), se fusionó con eficacia dos de las tres redes históricas.

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New York Subway Signage

Vignelli

El mapa de Vignelli de los años 70 El nuevo mapa de la TA, publicado en 1967, utilizó por primera vez el principio de color de Raleigh D’Adamo, pero sufrió lo que Vignelli llamó “fragmentación” y no fue bien recibido. Al año siguiente, el órgano matriz Metropolitan Transportation Authority (MTA) se formó sobre el TA, presidido por el Dr. William J. Ronan3 , que quería crear una imagen de marca moderna para este nuevo cuerpo.

Mientras el proyecto de señalización de Unimark aún estaba terminando con la creación del Manual de Normas Gráficas de la Autoridad de Tránsito de la Ciudad de Nueva York, Vignelli fue a Ronan con una maqueta de parte del mapa para el bajo Manhattan. Ronan lo aprobó, y en julio de 1970 el TA otorgó a Unimark un contrato para diseñar un nuevo mapa del sistema.

3 William John Ronan fue un servidor público americano y académico que fundó y fue el primer presidente de la ciudad de Nueva York ‘s Autoridad Metropolitana de Transporte.

Vignelli

Centro de Estudios de Diseño

Vignelli center for design studies

En 2008, Massimo y Lella Vignelli acordaron donar todo el archivo de su trabajo de diseño al Rochester Institute of Technology . El archivo se encuentra en un nuevo edificio diseñado por Lella y Massimo Vignelli, el Centro Vignelli para estudios de diseño . El edificio, que abrió sus puertas en septiembre de 2010, incluye entre sus muchas ofertas espacios de exposición, aulas y oficinas.

El Centro Vignelli de Estudios de Diseño aloja nuestro amplio archivo de diseño gráfico, mobiliario y objetos, bajo la dirección de R. Roger Remington, el Vignelli Profesor Distinguido de Diseño en RIT4, el centro fomentará estudios relacionados con el diseño modernista con programas y exposiciones En nuestro trabajo, así como en otros temas relacionados. El primero de su tipo y tamaño, el Centro Vignelli posicionará a RIT en la vanguardia internacional de estudios de diseño. Lella y yo estamos encantados de ver nuestro sueño tomando forma.

Vignelli diseñaba aquello que le gustaría usar y no encontraba; Relojes, calendarios, mesas, lámparas, gafas, revistas, ollas,… hasta creó una revolucionaria línea de ropa que confeccionaba en el estudio de la calle 57. Su mantra era que solo se necesitaban cuatro tipografías: La Garamond, la Bodoni, la Times y la Helvética. Consideraba la tipografía el ladrillo con el cual construir una marca, así que no se necesitaban más colores que el llamado Rojo Vignelli (Pantone 482) y el negro.

Massimo Vignelli 5 Lessons from Massimo Vignelli

Massimo Vignelli fue un diseñador multidisciplinario, innovador, consciente un apasionado por lo que hacía. A sus ojos la función del diseño es hacer al mundo que nos rodea mejor de lo que es, para Massimo el diseño tenía que ver con el microcosmos. Su práctica en el diseño trataba de un proceso el cual implica disciplina, gustaba de trabajar en su estudio y a pesar de la tecnología él disfrutaba de tomar un lápiz y papel e ir trazando líneas que después se convertirían en creaciones. 4 Rochester Institute of Technology ( RIT ) es una universidad privada de doctorado dentro de la ciudad de Henrietta en el área metropolitana de Rochester, Nueva York .

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1931 - 2014

Giancarlo Iliprandi

Villa Arredamenti Mark 1969

Illiprandi

Vida Diseñadores Italianos

Comenzó a estudiar cirugía en 1943 en la Universidad de Milán. El año siguiente fue reclutado en el ejército de RSI (República Social Italiana), que rápidamente abandonó para unirse a la Resistencia. Después de la guerra, asistió a la Academia Brera graduándose en pintura en 1949 y escenografía en 1953. Autodidacta en diseño gráfico, en 1953 abrió su propio estudio dedicado a la exposición y diseño editorial, a menudo trabajando en colaboración con Achille y Pier Giacomo Castiglioni , Bruno Munari y Max Huber. Director artístico de numerosas revistas durante la década de 1960, incluyendo Popular Photography Italiana.

1960 En 1969 entró en el famoso Nebiolo Research Group trabajando durante diez años con Aldo Novarese, Bruno Munari, Franco Grignani, Pino Tovaglia, Ilio Negri y Til Neuburg. El grupo desarrolló dos tipos de letra lanzados por Nebiolo, Forma y Modulo, ganando un premio Compasso d’Oro5. Durante su carrera sirvió a compañías importantes incluyendo Agip, Electa, Fiat, Olivetti, La Rinascente, RAI (Radio de Radio Italiana) y Roche.

En 1981 diseñó los gráficos de la 12ª exposición Compasso d’Oro en colaboración con Hans von Klier y en 1998 diseñó los gráficos de la 13ª exposición Compasso d’Oro en colaboración con Franco Origoni y Anna Steiner. Recientemente, fue nombrado por La Triennale para diseñar los gráficos para su exposición celebrativa de 80 años (1933-2013).

5 Compás de Oro es el nombre de un premio de diseño industrial, se originó en Italia en 1954 por el La Rinascente empresa de una idea original de Gio Ponti y Alberto Rosselli. Vinyl Case 1964 Canzoni in Osteria

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Enseñó en la Escuela Umanitaria de 1961 a 1968. Cofundador de ISIA Urbino (Escuela Secundaria de Artes Industriales), actuó como miembro del consejo desde 1974 hasta 1984. Enseñó diseño editorial y diseño gráfico social en IED (Instituto Europeo de Design) de 1984 a 1995. Director del curso de diseño de tipos de la Escuela de Diseño de la Universidad Politécnica desde 2007.

Illiprandi

Trabajo

Arflex Design Poster 1960, 100×70 cm

Miembro de ADI (Asociación de Diseño Industrial) desde 1961. Fue miembro del Consejo en 1971-73, vicepresidente en 1985-87, y otra vez en 1991-92, y finalmente hizo presidente en 1999-2001. Presidente de ADC Milan (Club de Directores de Arte) de 1967 a 1970. Presidente de Icograda (Consejo Internacional de Asociaciones de Diseño Gráfico) en 1991-93. Miembro honorario de AIAP (Asociación Italiana de Diseño de Comunicación Visual) desde 1991.

Recibió varios reconocimientos como el 12º Gran Premio de Triennale en 1964, cuatro premios Compasso d’Oro (dos en 1979, uno en 2004, y el Compasso d’Oro Lifetime Achievement Award en 2011). También recibió seis menciones honoríficas Compasso d’Oro y un título honorario en diseño industrial de la Universidad Politécnica en 2002.

“Algunas personas en Italia dicen que no comen con la cultura, pero esto no es cierto”, dijo. “La gente no vive solo para el pan, necesita pan e ideas”.

Iliprandi

Legado

Considerado un maestro de los gráficos italianos Iliprandi ha sido llamado un “multi-instrumentista” para su gama creativa. Giancarlo Iliprandi, maestro, pintor, fotógrafo, director de arte y diseñador gráfico, además de un activista por el diseño, ganó cuatro premios Compasso d’Oro por el diseño tipográfico, la fuente Modulo , así como por su trabajo con marcas notables como Fiat y La revista L’Arca a lo largo de su vida. El cuarto le fue otorgado en 2011, por su impecable carrera de diseño, para reconocer tanto el aliento de su trabajo como el valor archivístico de su legado.

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Popular Photography Italiana Magazine, 28.5×21.5 cm 1969

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Habiendo trabajado con muchas marcas de renombre y personas creativas -como los hermanos Castiglioni en exposiciones para la RAI histórica- desarrolló campañas publicitarias, vitrinas y revistas para el legendario almacén Rinascente6 con Max Huber y Bruno Munari y colaboró con Giorgio Armani entre otros - Giancarlo Iliprandi diseñado para revistas de arte y deportes hasta el 2000, diseñando a la vez fuentes y tipografías, logotipos para museos y marcas de moda. En 2005 Iliprandi fue presentado en una retrospectiva de la Scuola Politecnica di Design en Milán , mostrando los diseños más representativos que se llevaron a cabo durante su larga carrera, incluyendo una serie de serigrafías experimentales realizadas para Grafiche Nava . “En estas obras, el Sr. Iliprandi analizó la estructura, descomposición y legibilidad del alfabeto, así como reflexiones sobre la composición tipográfica y las letras como una oportunidad para el diálogo entre texto y gráficos”.

6 La Rinascente es un minorista italiano de propiedad tailandesa que opera tiendas departamentales de lujo en el área de ropa, hogar y productos de belleza, fundada en Milán en 1917 por Senatore Borletti. 7 Sketch, Think, Draw n recorrido por el proceso creativo a través de borradores, dibujos y notas visuales de uno de los diseñadores gráficos más representativos de nuestro tiempo.

Iliprandi es uno de los muchos diseñadores que se incluyó en la importante publicación ‘ Made in Italy Diseño Gráfico, Comunicación y diseño de empresas 1950-1980 ‘ de Mario Piazza para Aiap Editions . Las ediciones de Hoepli reeditaron la autobiografía Sketch, Think, Draw7 hace pocos años, incluyendo el archivo de sus grandes dibujos de viaje, lo cual es un testamento a su creencia de que “el esbozo es un primer nacimiento de la idea y como una forma fundamental de buscar en la realidad antes de intentar comunicarlo al mundo es absolutamente impresionante “

Ganó el Gran Premio Internacional en la XII Trienal de Milán (1964). Como miembro del grupo de investigación Società Nebiolo , elaboró, junto con otros diseñadores, las fuentes Forma y Modulo ; La fuente Modulo le valió un premio en la edición 1979 del Compasso d’Oro . En 1979 también ganó el Compasso d’Oro para el rediseño de los gráficos instrumentales del Fiat 131 Supermira ori.

Canti Della Resistanza Italiana Diseño de la portada de la colección ‘Canciones de la resistencia italiana’ en la serie ‘I dischi del sole’ de Gallo, 1965.

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Sus obras principales se remontan a los años sesenta y varían desde el diseño de productos hasta la dirección artística de revistas, como Scinautico y Popular Photography Italiana , desde el diseño coordinado de empresas como RB Cucine , Ankerfarm , Artexy consultorías para la Oficina de Propaganda de Standa ; Desde el diseño gráfico para editoriales como Diaframma , Avanti , Treccani , hasta la serie discográfica Dischi del Sole.

Iliprandi fue miembro fundador y dos veces presidente del Club de Directores de Arte de Milán ; Fue también presidente de ADI(1998-2001), BEDA (1988) e Icograda (19911993). Enseñó dentro de la Società Umanitaria , ISIA en Urbino , el Instituto Europeo de Diseño y en el Politécnico de Milán , que le otorgó el título de Honor en 2002. Recibió varios reconocimientos como el 12º Gran Premio de Triennale en 1964, cuatro premios Compasso d’Oro (dos en 1979, uno en 2004, y el Compasso d’Oro Lifetime Achievement Award en 2011). También recibió seis menciones honoríficas Compasso d’Oro y un título honorario en diseño industrial de la Universidad Politécnica en 2002.

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Uomo Estate Cartel de La Rinascente ‘Uomo Estate’, de mediados de la década de 1960, diseñado por Iliprandi, fotografía de Serge Libiszweski.

Cartel de la exposición ‘La agresión y la violencia de la humanidad contra el medio ambiente’, organizado por el Milano Art Directors Club, exhibido en el showroom de Arflex, 1970. Aggressività e violenza dell’uomo nei confronti dell’ambiente

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El átomo para la paz o la guerra Portada de la publicación interna Rivista Rai (para RAI, Radio Televisione Italiana) con el tema “El átomo para la paz o la guerra”, 1968.

1908 - 1999

Franco Grignani

Grignani

Vida

Después de pasar los primeros años de su vida en la casa de la ciudad en la provincia de Pavía , se graduó en arquitectura en Turín , pero ya en los años treinta (edad 18-20 años) participaron en las manifestaciones del segundo futurismo y estaban cerca de la geométrica abstracta y constructivismo. Desarrolla sus propios intereses en el campo visual, realizando investigaciones analíticas no solo para medios pictóricos sino también fotográficos.

Percepción

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Pronto sus desarrollos están dirigidos hacia el estudio de procesos perceptivos mediante la experimentación con marcos , fotomontajes , superposiciones y gráficos elaborados, basado en teorías perceptivas, especialmente en Psicología de la forma . Posteriormente entra en un largo período de experimentación en “formas virtuales” que intervienen directamente en la imagen distorsionar las forma plásticamente (rotaciones, giros, escisiones, deformaciones) o dinámicas (progresiones, aceleración, dirección de intercambio y reversiones potenciales); creando, mediante modificaciones y tensiones “artificiales”, sugerencias naturales y emociones de la mente del observador

Franco Grignani 1975

Grignani

Trabajo

Sorprendentemente, muchos de sus pensamientos siguen siendo muy contemporáneo. Cabe señalar que al igual que el diseñador suizo Rolf Rappaz8 su práctica gráfico se llevó a cabo en paralelo con una práctica artística intensa. En la década de los 70, dirigió y recogida de documentación detallada de su trabajo ha tenido una gran influencia en el arte gráfico internacional. En ese momento, muchas publicaciones tenían su trabajo. Obras de arte y los logros experimentales están todavía en las colecciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York, el “Stedelijk” en Amsterdam, el Museo de Arte Moderno de Varsovia, y el Victoria and Albert Museum de Londres. Numerosas exposiciones individuales se llevaron a cabo en Italia y en otros países. La constante evolución de su obra gráfica, su pintura, así como la consistencia de su método siempre plantea un gran interés entre los jóvenes diseñadores, empezando por nosotros! 8 Rolf Rappaz fue un diseñador gráfico y artista suizo del Constructivismo El trabajo artístico de Rappaz se caracteriza por el constructivismo y la dirección del arte concreto.

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Penicillin G cristallizata

Grignani

Experiencia en lo posible Hacer valer sus servicios de comunicación visual a seguir utilidad, arte gráfico debe confiar en un gran número de experimentos con el fin de lograr la libertad perfecta, frente a las actividades diarias de rutina. La urgencia determina la calidad, de los límites impuestos por el sujeto obstaculizan el espíritu de la creación, también hay consistencia en el estilo, estos obstáculos impiden el carácter individual de la gráfica. Franco Grignani

Hice todo lo posible para resistir todos estos factores externos y trató de ampliar el alcance de mi propia actividad por mí convincente para el trabajo experimental que a menudo infringe en los campos de la ciencia y de la filosofía la física. Sólo mediante la fusión de diversos elementos, así como por la sedimentación y la contaminación, que el arte gráfico completará sus formas de evolución y nuevas expresiones. Alfieri & Lacroix Aviso Alfieri & Lacroix 1970

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Italian graphic design Franco Grignani, 1950.

El período de fluido En primer lugar, mi investigación se ha limitado a crear imágenes indefinidas o señales vagas para despertar la observación y el espíritu creativo. Entonces, este estudio pasó imágenes incompletas (completados por los recortes fotográficos) que su “contenido” de la información se pretende estimular los procesos de pensamiento.

Grignani

Distorsiones de investigación La realidad de una imagen o un signo es ópticamente alterada con el fin de competir con la lógica impuesta por el ojo. Una mirada cercana logrará nuevos descubrimientos, más allá de las reglas de la lógica (donde las formas son antropomórfico), libres de restricciones geométricas, libre de cualquier estructura. Así se llega al trauma de la dinámica, a la individualidad, a “el uno”, que con frecuencia está dispuesto en un espacio geométrico ordenado.

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Cover Books Franco Grignani for Science Fiction Books

Alfieri & Lacroix Franco Grignani, anuncio de Alfieri & Lacroix Diseñadores Italianos

La tensión en todas sus formas Después de la distorsión, la impresión de una forma que implica tensión di vuelta en la continuación coherente del experimento, a un período de tensión en las formas y el espacio. El hecho de romper la uniformidad del espacio de producto con más intensidad se sintió tensión debido a las molestias físicas que causan y por el proceso de re-desarrollo de nuestra personalidad que siguió, por último, que estimulan la la terminación de la imagen propuesta. Estos son los fenómenos básicos de la comunicación visual. Sin embargo, podemos decir que incluso una expresión del cuerpo humano, un movimiento o un gesto simple, crea tensión. Esta fuerza de tensión es igual a los efectos de un área determinada, o el balance del blanco y negro o color, o por palabras o no se expresan.

Grignani

Inducción visual

La inducción sirve como estimulante, concentración, absorbement. Algunas formas circulares son buenos ejemplos, formas basadas en un equilibrio radial marcada, las formas tienen un foco central, compulsivo. Hasta ahora, he realizado más de 14.000 trabajos experimentales. Obviamente, esta proliferación me ha tomado mucho de la vida, pero resuelta a dedicarme a dos actividades: una, una vida, y el otro, “a mi vida.”

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Con esta premisa, la continuidad entre los dos es bastante confusa. Recientemente, pasé de diseño gráfico a la pintura, que, por su ausencia de restricciones, me dio la ilusión de una mayor libertad. Siempre he estado interesado en la fotografía, sobre todo por la “fotografía de vanguardia”, como parte aplicable al arte gráfico.

Franco Grignani. Alfieri & Lacroix Tipolitozincografica en Milán ofrece comunicación en la industria gráfica. 1965mbiente Alfieri & Lacroix

La fotografía no sólo debe ser una buena documentación, se Fusse una documentación poética. Debe crear imágenes extrañas, con la ayuda de la luz y de la química. Hoy en día, mi trabajo tiene poco dibujo y mis logros anteriores se han reelaborado por métodos fotográficos u ópticos para expresar un significado diferente.

Alfieri & Lacroix Million di stampati dalla superstampa

Grignani

La imagen periódica Actualmente ( en 1973 ), Yo estoy comprometido en la búsqueda de una “imagen periódica”, es decir, la realización de una estructura organizada con la repetición de un signo fundamental o básico patrón, la mayor parte de tiempo, muy simple. Llegamos así a una geometría alterada, estos cambios han sido programados para chorro en múltiples direcciones. Debido a esta disposición, el espectador es invitado inconscientemente a recoordonner alteraciones en perspectiva y por lo tanto, se dedica a la comunicación visual.

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Franco Grignani

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Grignani

El misterio del logo Woolmark En 1963, la Secretaría Internacional de la Lana , ahora australiana Wool Innovation (AWI) anuncia un concurso internacional para diseñar una identidad visual que va a construir la confianza vis-à-vis los consumidores de lana y representan un nuevo estándar de calidad. ¡Todavía en el negocio más de 50 años después woolmark, es sin duda uno de los mejores logotipos de todos los tiempos! Oficialmente, el Woolmark está firmado por un diseñador italiano de Milán, un cierto Francesco Saroglia9, que en ese momento habría ganado el concurso. Pero, ¿cómo este diseñador podría firmar uno de los logotipos más reconocibles del mundo, sin ningún rastro de su trabajo sobre el otro? ¡Ninguna otra obra más conocida, sin publicación, sin exposición ... misterio! 9 Hay algunas dudas sobre si el diseño ganador fue por el propio Grignani, como afirmó más tarde; fue miembro del jurado y no pudo usar su propio nombre, y se cree que utilizó el seudónimo de “Francesco Saroglia” 10 Bernardus (Ben) Bos fue un diseñador gráfico holandés . Bos trabajó como asistente publicitario en el fabricante de muebles Ahrend y estudió en la Graphic School y el Amsterdam Institute for Artistic Education, la posterior Academia Gerrit Rietveld

Escrituras Carolinas o Carolingias

La respuesta a este misterio parece encontrar su respuesta en el sitio de la Alianza Gráfica Internacional (AGI) , que atribuye la creación del logotipo para Franco Grignani. Este último habría entrado en la competencia con un seudónimo porque él era también un miembro del jurado para seleccionar el proyecto ganador. Otra versión fue narrado por una de las hijas de Grignani: “No sé exactamente cómo el IWS organizó la competencia, pero a la vez un Spiriti, propietario de una agencia de publicidad, habría puesto en contacto varias gráfico la han realizado trabajos en varias pistas para su presentación al concurso. Grignani fue consultado y, por tanto, se han propuesto varios esquemas.

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“Grignani era un miembro del jurado, pero no pudo resistir la tentación de tomar parte a sí mismo”, dijo el diseñador holandés Ben Bos10 que escribió un libro sobre la historia de la AGI. Lo que es seguro es que Grignani nunca fue pagado por este trabajo.

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Poco después, fue invitado a Grignani el jurado para seleccionar el logotipo ganador. “Es con asombro que había descubierto el trabajo que había presentado hace unos meses a Spiriti, pero no firmado con su nombre Estaba avergonzado. Pensaba que su obra fue robada por este” Saroglia “. También quería ocultar el logotipo fue de hecho presentado por él. Cuando los miembros del jurado llegaron a un acuerdo para mantener el logotipo, trató de luchar contra esta elección, en vano.

Franco Grignani Sketches for Woolmark logo

al principio no hizo nada dijo, pero después de unos años, no se desea estar reconocido como el autor, habría comenzado a revelar a la gente que él es el autor “. Una imagen del periódico Grignani con varios bocetos, incluyendo un boceto muy similar del logo final, parece ser el arma del crimen. ¡Lo único cierto, el verdadero creador de la “Woolmark” ha dejado detrás de un gran misterio gráfico!

Grignani

Su trabajo todavía influye hoy!

Por ejemplo, la identidad visual de la “ Film Commission Chile “ por el “Hey Studio”

Film Commission Chile Visual System FCCh by Hey Studio - Branding / Identity / Design.

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Grignani

Biografía en 1973

Él ha creado una documentación detallada y un archivo de Managed hijo propio trabajo, que durante años han sido tendencias e influencian el diseño gráfico internacional. Revistas especializadas, libros y muestras distribuidas a muchas escuelas de diseño gráfico ayudó a hacer su trabajo más conocido.

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Diseños experimentales de Grignani y otras obras de arte están en las colecciones del Museo de Arte Moderno, Nueva York; el Stedelijk, Amsterdam; el Museo de Arte Moderno, Varsovia; y el Victoria and Albert Museum; Londres. Exposiciones individuales de son work-han aparecido en Italia y en otro lugar. Su constante evolución en el diseño gráfico y la pintura y su consistencia de método para despertar el interés de los jóvenes artistas vivos y esteticistas. Galleria I´Elefante Franco Grignani, Galleria I´Elefante 1968.

Alfieri & Lacroix Franco Grignani, anuncio de Alfieri & Lacroix.

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1912 - 1999

Giovanni Pintori

Vida

El diseñador que, gracias a sus originales y editadas carteles publicitarios, permitieron a los productos Olivetti a ser conocidos en todo el mundo.

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Giovanni Pintori

Giovanni Pintori (14 julio 1912 a 15 noviembre 1999) fue un diseñador gráfico italiano conocido sobre todo por su trabajo publicitario con Olivetti . Él es conocido por su uso de formas geométricas y estilo minimalista en sus carteles publicitarios, específicamente sus carteles para el Lettera 22 y el logotipo de Olivetti.

Giovani pintori

Primeros años y educación

11 Un mecanógrafo es una persona que tiene por ocupación escribir textos por medio de una máquina de escribir, un ordenador o un móvil.

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Nacido el 14 de julio de 1912 en Tresnuraghes, Cerdeña , él era el quinto niño de seis nacido de un padre trabajador de la lechería y una madre ama de casa. Hasta 1930, Pintori vivió en Cerdeña y encontró trabajo como mecanógrafo11 a partir de 1927. Fue durante su tiempo como mecanógrafo que frecuentó una galería propiedad del fotógrafo Piero Pirari. Pirari sugirió que Pintori solicite una beca al Instituto Superior de Industrias Artísticas (ISIA), a la que comenzó a asistir en 1930 tras recibir la beca. Durante su tiempo en ISIA, Pintori estudió bajo Elio Palazzo, director de ISIA y profesor de geometría descriptiva.

Giovani pintori

Trabajo con Olivetti

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Al graduarse en 1936 Pintori fue a trabajar para Olivetti, una compañía de máquina de escribir italiana fundada en 1908. Trabajó en el departamento de publicidad antes de convertirse en el director de arte en 1950. Fue durante su tiempo con Olivetti que Pintori tuvo su primer trabajo y aparecen en el Museo de Arte Moderno en 1952, donde muchas de sus obras aún residen hasta nuestros días. Fue galardonado con muchos premios mientras trabajaba en Olivetti, incluyendo el 1950 Palma d’Oro de la Federación Italiana de Publicidad y Certificación en Excelencia de Artes Gráficas de la Asociación de Diseño Gráfico Americano. Además de su trabajo en el Museo de Arte Moderno, también tuvo exposiciones en Londres y el Louvre en París.

Numbers Poster para Olivetti (1949)

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Giovani pintori

Trabajo posterior

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Pintori decidió dejar Olivetti en 1967, 7 años después de la muerte de Adriano Olivetti , debido a las diferencias con la nueva dirección de la empresa. Fue aquí donde empezó a trabajar como diseñador freelance en Milán , abriendo su propio estudio. Él continuó haciendo el trabajo independiente para Olivetti, pero también trabajó con muchas otras compañías en el área de Milano. Su trabajo incluyó diseños para revistas y libros, y la campaña de 1980 para la empresa de logística Mezzario SpA, que sería su último trabajo publicitario antes de su muerte.

Giovanni Pintori, Anuncio para el estudio 42 (1939)

Giovanni Pintori, Portada de un folleto sobre máquinas de escribir eléctricas 21×29.7 cm (1953)

Trabajaría en el diseño hasta que terminara la campaña de Mezzario, cuando comenzó a pintar exclusivamente. Mientras que sus pinturas han aparecido en algunas de sus obras para agencias publicitarias a lo largo de su carrera, él paró usando el diseño gráfico en su trabajo, e incorporó muchas imágenes de movimiento perpetuo en su trabajo, sin embargo muchas de las obras pintadas posteriores de Pintori son poco conocidas Ya que mantuvo su trabajo bastante privado. Pintori sólo tuvo una muestra pública de pinturas, en 1981 en Milán.

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Giovani pintori

Estilo

El estilo de Pintori es reconocido lo más comúnmente posible para su uso del color y formas geométricas, junto con estilo minimalistico12. Muchos de sus diseños giraban alrededor de objetos simplificados en lugar de una reproducción directa de un objeto. Esto significaba que era capaz de representar claramente los productos en su publicidad con imágenes fuertes y colores básicos.

Los últimos años de Pintori más allá de trabajar en Olivetti lo trajeron en el trabajo freelance, que comenzó mientras que él era todavía director de arte durante los años 50, Dejó Olivetti en 1967 y abrió su propio estudio en Milano , Italia, donde él continuó a hacer diseño freelance trabajo.

Giovanni Pintori, Poster for the Olivetti Elettrosumma 22, 50×70 cm (1958)

Comenzó a trabajar exclusivamente en pintura en 1983 después de convertirse en “desilusionado” con el diseño gráfico moderno. Permanecería en Milán hasta su muerte el 15 de noviembre de 1999, a la edad de 87 años.

12 El diseño minimalista es el diseño en su forma más básica, es la eliminación de elementos pesados para la vista. Su propósito es hacer que sobresalga el contenido.

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1907 - 1998

Bruno munari

“uno de los máximos protagonistas del arte, del diseño industrial y gráfico del siglo XXaportando contribuciones fundamentales en diversos campos de la expresión visual (pintura, escultura, cinematografía, diseño industrial, diseño gráfico) y no visual (escritura, poesía, didáctica) con una investigación polifacética sobre el tema del movimiento, la luz, y el desarrollo de la creatividad y la fantasía en la infancia mediante el juego”.

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Munari constituye una figura "leonardesca" (polímata) dentro del Novecento italiano (Siglo XX). Junto al especialista Lucio Fontana, "el perfectísimo" Bruno Munari domina la escena de arte milanés en las décadas de 1950 y 1960; es durante estos años que se gesta un boom económico en el que nace la figura del artista operador-visual que se convierte en asesor empresarial y que contribuye activamente en el renacimiento industrial italiano de la posguerra. Munari participa a una edad muy temprana en el futurismo13, del cual se destacan su sentido del humor y ligereza, inventando la Máquina Aérea (Macchina Aérea, 1930), el primer “móvil” de la historia del arte, y las “Máquinas Inútiles” (Macchine inutili, 1933). A finales de la década de 1940 funda el MAC (Movimiento de Arte Concreta) que sirve como punto de encuentro de las muestras abstractas italianas en una prospección de “síntesis de las artes”, en grado de incorporar a la pintura tradicional nuevos instrumentos de comunicación y de demostrar a los industriales y ‘artistas-artistas’ la posibilidad de una convergencia entre arte y técnica. 13 Movimiento artístico de vanguardia que se originó en Italia a principios del siglo xx y que intenta romper con los valores estéticos del pasado reivindicando el futuro y con él la era de la técnica moderna, la velocidad, la violencia y las máquinas.

En 1947 realiza “Cóncavo-convexo”, casi en paralelo aunque de forma precedente, a los ambientes negros que Lucio Fontana presentó en 1949 en la Galleria Naviglio de Milán. Es la señal evidente de una maduración de la problemática de un arte que se hace ambiental y en el que el usuario está exhortado, no sólo mentalmente, sino también de un modo multi-sensorial.

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Bruno Munari, El hombre y sus ‘máquinas inútiles’

En 1950 realiza la “pintura proyectada” mediante composiciones abstractas encerradas dentro de diapositivas y descompone la luz mediante el uso de un filtro Polaroid14, realizando en 1952 la “pintura polarizada”, que presenta en el MoMA en 1954 con la muestra “Munari’s Slides”.

Es además considerado uno de los protagonistas del arte programado y cinético, pero sobresale por la multiplicidad de sus actividades y por su grande e intensa creatividad en cada definición, en cada catalogación.

14 Un filtro polarizador o polarizador es un material que transmite de forma selectiva una determinada dirección de oscilación del campo eléctrico de una onda electromagnética como la luz,

Bruno Munari

Vida

Historia del diseño Italiano

Bruno Munari nace en Milán, pero su infancia y adolescencia transcurrieron en Badia Polesine donde llega con seis años de edad. En 1925 regresó a Milán para trabajar con un tío ingeniero. En 1927 comenzó a relacionarse con Marinetti y el movimiento futurista, exponiendo con ellos en varias muestras. Tres años más tarde se asoció con Riccardo Ricas Castagnedi, con quien trabajó como diseñador gráfico hasta 1938. En 1930 realizó la estructura que se considera como el primer móvil de la historia del arte, denominado Macchina Aerea, que Munari replantea en 1972 y del cual diseña 10 ejemplares para las ediciones Danese de Milán.

En 1933 prosigue la investigación de obras de arte en movimiento con las Macchine Inutili (Máquinas Inútiles), objetos suspendidos, donde todos los elementos están en una relación armónica entre si por sus medidas, formas y pesos. Este año durante un viaje a París, conoce a Louis Aragon y André Breton. Desde 1939 a 1945 trabajó como diseñador gráfico en la editorial Mondadori, y como director artístico de la revista Tempo, comenzando contemporáneamente a escribir libros de literatura infantil, inicialmente creados para su hijo Alberto. En 1948, junto a Gillo Dorfles, Gianni Monnet, Galliano Mazzon y Atanasio Soldati, fundó el Movimiento de Arte Concreta15. 15 El arte concreto o concretismo es una tendencia dentro de la pintura abstracta que se desarrolló durante los años 1930.

Bruno Munari Busca la comodidad en un sillón incómodo,

En la década de 1950 sus investigaciones visuales lo llevan a crear los Negativos-Positivos, cuadros abstractos con los que el autor deja a escoger a voluntad del espectador la forma del primer plano y la de fondo. En 1951 presenta las Macchine Aritmiche (Máquinas Arrítmicas) en las que el movimiento repetitivo de la máquina se interrumpe con casualidad mediante intervenciones humorísticas. De estos años son los Libri illeggibili (Libros ilegibles) en el que el relato es puramente visual. En 1954 utilizando lentes Polaroid, construye objetos de arte cinético denominados Polariscopi gracias a los cuales es posible utilizar el fenómeno de la descomposición de la luz con fines estéticos. En 1953 presenta la investigación Il mare come artigiano (El mar como artesano) recuperando objetos modificados por el mar, mientras en 1955 crea el Museo immaginario delle isole Eolie (Museo imaginario de las islas Eolie) en el que nacen las Ricostruzioni teoriche di oggetti immaginari (Reconstrucciones teóricas de objetos imaginarios), composiciones abstractas que limitan con antropologia, humor y fantasía.

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Horquillas parlantes Bruno Munari 1958

En 1958 modelando los dientes del tenedor, crea un lenguaje de señas por medio de Forchette parlanti (tenedores parlanchines). En 1958 presenta las Sculture da viaggio (Esculturas de viaje) que constituyen una revisión revolucionaria del concepto de escultura, en las que su función monumental se transforma en objetos de viaje, a disposición de nuevos nómadas del mundo en proceso de globalización. En 1959 crea los “Fósiles del 2000” que con sentido del humor crean una reflexión sobre la obsolencia de la tecnología moderna.

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En los años sesenta comienza a viajar con frecuencia a Japón, cuya cultura cada vez crea más afinidad en Munari, encontrando retroalimentaciones precisas en su interés por el espíritu zen, la asimetría, el diseño y el empaque de las tradiciones japonesas. En 1965 diseña en Tokio una “fuente a 5 gotas” (fontana a 5 gocce) que caen en modo casual en puntos predispuestos, generando una intersección de las ondas, cuyos sonidos, captados por micrófonos bajo el agua, son reproducidos en la plaza donde se encuentra la instalación.

Durante esta década se dedica a: obras seriales, con realizaciones como Aconà biconbì Sfere doppie, Nove sfere in colonna, Tetracono (1968); experimentaciones cinematográficas con la película I colori della luce (Los colores de la luz, con música de Luciano Berio). “Inox”, “Moire” (música de Pietro Grossi), Tempo nel Tempo, Scacco Matto (Jaquemate), Sulle scale mobili(Sobre las escaleras eléctricas) (1963-64); a las experimentaciones visuales con usando una fotocopiadora (1964); al performance con el acto Far vedere l’aria (Hacer ver el aire) en Como(1968). De hecho, junto a Marcello Piccardo y a sus cinco hijos en Cardina, sobre la colina de Monteolimpino en Como, entre 1962 y 1972, realizó películas cinematográficas de vanguardia. De esta experiencia nace la “Cineteca di Monteolimpino - Centro internazionale del film di ricerca”. Historia del diseño Italiano

En Cardina, conocida también como “La colina del cine”, Bruno Munari vivió y trabajó severamente durante los veranos hasta los últimos años de su vida. Su habitación-laboratorio que aún existe, se sitúa al fondo de una calle vehicular al frente del restaurante Crotto del Lupo. En el libro

Obra de Bruno Munari

La collina del cinema de Marcello Piccardo (NodoLibri, Como, 1992) está relatada la experiencia de aquellos años. En el relato Alta tensione (1991) de Bruno Munari, el artista expone su estrecha relación con los bosques de la colina de Cardina.

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Interpretacion de Bruno Munari

En 1974 explora las posibilidades fractales de la curva que toma el nombre del matemĂĄtico italiano Giuseppe Peano, una curva que Munari llena de colores con fines puramente estĂŠticos.

Como epítome de su interés constante por el mundo infantil, crea el primer laboratorio para niños en un museo, en la Pinacoteca di Brera de Milán.

1977

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Durante lás décadas de 1980 y 1990 su creatividad no desaparece y crea diversos ciclos de óperas: las esculturas “Filipesi” (1981), las composiciones gráficas de los nombres de amigos y coleccionistas (desde 1982), los Rotori (1989), las estructuras Alta Tensione (1990), las grandes esculturas en acero corten expuestas en las orillas marítimas de Nápoles, Cesenatico, Riva del Garda, Cantù, los Xeroritratti en 1991 (Xeroretratos), los ideogramas de la materia Alberi (Árboles) en 1993.

Luego de varios reconocimientos importantes en honor a su basta actividad, Munari realizó su últiima obra pocos meses antes de fallecer a los 91 años en su ciudad natal, Milán.

Bruno En el estudio para niños en pruebas

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Bruno Munari

Diseño industrial

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Como profesional autónomo, Munari diseñó desde 1935 hasta 1992 varias decenas de objetos de mobiliario (mesas, poltronas, libreros, lámparas, ceniceros, cestos, muebles combinables, etc.), la mayor parte de ellos para Bruno Danese. Es en el campo del diseño industrial donde se encuentran los objetos creados por Munari más exitosos, como el juguete del Mono Zizi (1953), la “Scultura da Viaggio”. Plegable para recrear un ambiente estético familiar dentro de las habitaciones anónimas (1958), el portalápices Maiorca, el cenicero Cubo231958, la célebre lámpara Falkland4(1964), l’Abitacolo (1971) y la lámpara Dattilo.

Un día fui a una fábrica de medias para ver si era posible que me hicieran una lámpara. -Nosotros no hacemos lámparas, señor. -Verán que sí. Y así fue.

Lampara Farkland Bruno Munari

A parte del diseño de objetos de mobiliario, Munari realizó también diseño de vitrinas comerciales (La Rinascente, 1953), combinación de colores para pintura automotriz (Montecatini, 1954), elementos expositivos (Danese en 1960, Robots en 1980) e incluso de tejidos (Assia en 1982). A los noventa años de edad firmó su última obra, el reloj de pulso “Tempo libero” de Swatch en 1997.

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Bruno Munari

Diseño editorial La producción editorial de Munari se extiende por setenta años, desde 1929 a 1998, y comprende libros completos y propios (ensayos técnicos, manuales, libros “artísticos”, libros infantiles, textos escolares), libros-cartillas publicitarias para varias industrias, cubiertas, sobrecubiertas, ilustraciones y fotografías.

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En todas sus obras se encuentra presente un fuerte impulso experimental que lo lleva a explorar formas insólitas e innovadoras partiendo de la encuadernación, desde los “Libros ilegibles” sin texto, hasta el hipertexto de pre impresión de obras divulgativas como Artista e Designer de (1971). A su basta producción como autor se podrían añadir la gran cantidad de cubiertas e ilustraciones de libros de Gianni Rodari o Nico Orengo entre muchos otros. Para valorar el impacto que la obra proyectual de Munari tuvo dentro de la imagen de la cultura de Italia, se puede tomar como ejemplo la obra de la editorial Giulio Einaudi Editore. Munari realizó con Max Huber entre 1962 y 1972 la gráfica de la Piccola Biblioteca, Nuova Universale, Collezione di poesia, Nuovo Politecnico, Paperbacks, Letteratura, Centopagine, y también de obras con múltiples volúmenes (Storia d’Italia, Enciclopedia, Letteratura italiana, Storia dell’arte italiana)

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¿Cómo nacen los objetos? 1981

Entre las otras elaboraciones gráficas exitosas, se encuentran Nuova Bibiloteca di Cultura y Le Opere di Marx-Engels para Editori Riuniti, también dos diseños de ensayo para Bompiani

1892 - 1960

Fortunato Depero

Artista futurista, pintor, escultor, escenógrafo, muralista, arquitecto, escritor y diseñador gráfico e industrial. Absolutamente fascinado por las doctrinas de Marinetti, se adscribió a dicho movimiento en 1914, llevando una vida y un arte consagrado al futurismo.

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Lo de futurismo tiene un sentido literal y un sentido histórico artístico. La palabra habla de un hoy que mira el mañana, no como una continuación de lo que llega del pasado ( Passatismo), sino como la ruptura hacia una nueva era. Y de cómo las artes debían ser un motor de ese cambio radical. Los futuristas italianos, y con ellos Fortunato Depero, fueron los primeros en proclamarlo a los cuatro vientos. Depero quizá no sea el más conocido del grupo de artistas italianos que echaron a andar allá por 1909, cuando Marinetti lanzó (en París) su Manifiesto Futurista16. Balla, Boccioni, Russolo, Carra o incluso Severini tienen mucha mayor presencia museística y bibliográfica. Pero, significativamente, una obra de Depero se ha demostrado como la más difundida, persistente y popular de todo el futurismo: el botellín de Campari Soda.

Campari Advertisement 1928

16-El Manifiesto Futurista fue el texto que configuró las bases del movimiento futurista escrito por el poeta Italiano Filippo Tommaso Marinetti acabando 1908

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Fortunato Depero

De la abstracción al futurismo

Se crió en Rovereto, una ciudad italiana entonces perteneciente al Imperio Austro-Húngaro. La zona era un hervidero de irredentismo antiaustriaco y la ojeriza de Depero debió agudizarse cuando vio rechazada su solicitud de ingreso en la Academia de Bellas Artes de Viena.

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Rechazo que le impulsó a encauzar su actividad artística como decorador en la Exposición Internacional de Turín de 1910, que, para más inri, se realizó para celebrar el 50º aniversario de la unidad italiana. Esto tendría su influencia. Como también tendría influencia posterior su algo más fúnebre trabajo como escultor de lápidas para el cementerio de Rovereto. Bien, ya se ha publicado el Manifiesto Futurista, el movimiento está organizado y echa a andar en la primera fecha de esta exposición. De la Abstracción al Futurismo no acaba de responder a su enunciado. No hay mucha abstracción, la verdad. A cambio, sirve como presentación del grupo futurista mediante dibujos de colegas como los antes mencionados Balla, Boccioni, Severini, Cangiullo, Carra y el mismo Marinetti, aportando textos.

La fiesta de la silla Fortunato Depero

Textos hay muchos. Por todas partes. De un lado los futuristas escribían bastante, utilizando a fondo nuevas ideas del grafismo y la tipografía que hacían saltar por los aires la idea de caja tradicional (la que contiene este texto, por ejemplo) y por otro el mismo Depero acabaría resultando uno de los grandes diseñadores de esa mitad del siglo. Muchas décadas más tarde el diseñador inglés Peter Saville fusilaría sendos trabajos de Depero para la revista La Dinamo Futurista (1933) y el cartel de un homenaje a Marinetti (1932) para las portadas del primer sencillo - Procession, 1981- y el primer elepé - Movement, 1981- de New Order. Más sobre esto cuando lleguemos a Nueva York.

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Vanity Fair 1930

Fortunato Depero

El teatro y la vanguardia

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La parte central de la exposición está dedicado al trabajo teatral de Depero. Y es una gloria. La Flora Mágica, una escenografía de El Ruiseñor, realizada en 1917 y reconstruida el año 2000, es un canto al color vibrante, formas antropomórficas y objetuales estilizadas y de una extraña coherencia, más de ciencia ficción espacial que de cuento de hadas. Al fin y al cabo Depero era un futurista y los futuristas amaban la Máquina. Pero la Máquina en Depero no suele ser la máquina humeante y negra de su época, sino una máquina futura donde la contaminación no existe, los humanoides se relacionan con los robots y los ritmos mecánicos parecen mezclarse con los orgánicos.

Por aquí, además de estos decorados ilusorios, vemos figurines para personajes como el Mandarín, la Cortesana China (para un ballet de Diaghilev), el Cisne Cándido, la Bailarina, el Diablo Metálico, el Payaso… Y también cuadros primeros y ya completamente maduros que a su vez parecen diseños teatrales, como Mi Baile Plástico o el Pueblo de Tarantelas, ambos de 1918. Cuadros de colores planos y vivos, de esa realidad imaginaria y esquematizada que ya saltaba a la vista desdeLa Flora Mágica.

Emporium 1927

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Fortunato Depero

Un futurista en Nueva York Depero se asentó durante unos años a partir de 1929. La ciudad le inspiró algunas de sus pinturas más dinámicamente futuristas, un poco a lo Balla y aquí en sus versiones monocromas en gris-sepia (normalmente utilizó tinta china y tempera). Pero francamente lo más chocante son sus portadas para Vanity Fair, Vogue, Sparks…

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Podría pensarse que este tipo de ilustración sorprendería muchísimo en los Estados Unidos. No tanto. Justo en 1930 el Art Deco era el estilo dominante en el diseño y la arquitectura de las grandes ciudades americanas y el futurismo ya maduro de Depero venía a ser una vuelta de tuerca en un ambiente muy favorable a la figuración geométrica. Lo cual no impide que sean estupendas.

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Flora y fauna Fortunato depero

Fortunato Depero

De vuelta a Italia

Su regreso a Italia y encargos o propuestas para el partido fascista. En los prolegómenos de la II Guerra Mundial. Es un recordatorio del contexto, porque Depero tampoco era un fascista17 ni medianamente extremo. Pero ahí estaba. Para esta época, recordémoslo, sus colegas constructivistas18 soviéticos ya habían sido condenados al ostracismo19.

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La exposición muestra el proteico trabajo de un artista fuera de los cánones. Una obra poco musealizable, buena parte de la cual sería “obra menor” (dibujo, grabado, diseño, etc.) en una codificación, ya muy rancia pero aún dominante, de los “niveles del arte”. Depero se saltó esos niveles y ayuda a que los demás lo hagamos. En vez de representar la calle en los museos, prefirió salir a la calle, a transformar el día a día de las personas. Y aunque eso ni justifica una peripecia20 política ni justificaría su (magnífica) obra, le hace un artista diferente. Como esta exposición.

17 El fascismo es una ideología y un movimiento político que surgió en la Europa de entreguerras (1918-1939) creado por Benito Mussolini. El término proviene del italiano fascio (‘haz, fasces’), y éste a su vez del latín fascēs (plural de fascis). 18 El constructivismo fue un movimiento artístico y arquitectónico que surgió en Rusia en 1914 y se hizo especialmente presente después de la Revolución de Octubre. 19- El ostracismo es, en la Antigua Grecia, el destierro a que se condenaba a los ciudadanos que se consideraban sospechosos o peligrosos para la soberanía popular. 20 La peripecia es un hecho o circunstancia que está presente en diversas obras narrativas, dramáticas o en cualquier otra obra que cite los hechos de algún personaje o historia en concreto.

Su muerte les vino bien a los historiadores para señalar la frontera del Primer Futurismo. Como sucede en otros movimientos, quienes desarrollan las doctrinas de los pioneros suelen considerarse epígonos, sufriendo en su valoración. Tal es el caso de un artista tan brillante como Fortunato Depero, oscurecido por una historiografía olvidadiza, y al que reivindica de forma espectacular la exposición organizada por la Fundación March. Y no sólo la exposición, sino todo el aparato documental desarrollado en torno a ella, con un espléndido catálogo que rinde tributo, en su propio diseño, al revolucionario de la tipografía que fue también Depero, creador, entre otras cosas, de uno de los primeros libros de artista: su “libro atornillado” de 1927.

97 Diseñadores Italianos

Libro Bullonato Fortunato Depero

La Biblioteca Naciona de Chile, el IIC Santiago y AIEP presentan la exposición “Grandes Maestros del DIseño Gráfico Italiano del Siglo XX” donde aparecen artistas que marcarían la historia del diseño en la península y en el mundo: el poeta futurista Marinetti, con poesía tipográfica que influye en una época en la que Europa se estremecía, a principios del siglo XX; Depero con sus dibujos y maquetas, los que fueron tomados en cuenta posteriormente por Alessandro Mendini y Ettore Sottsass; Armando Testa, quien impactó con sus afiches publicitarios para Pirelli; Munari, quien tomó el diseño, la literatura, la poesía y el arte como base para su trabajo; Grignani que llevaría el Op Art al mercado con su inolvidable sello para la industria de la lana; Pintori, quien logró posicionar la marca Olivetti; Fiorucci, quien revolucionó la identidad de la moda de los años ochentas alrededor del mundo. Éstos son sólo algunos ejemplos donde se aprecia la relevancia y protagonismo que el diseño gráfico italiano ha tenido a lo largo de la historia.

APÉNDICE

GRANDES MAESTROS DEL DISEÑO GRÁFICO ITALIANO DEL SIGLO XX

Botella Campari

ANEXOS

Fundamentos del proceso de diseĂąo

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Convicción - Seguridad que tiene una persona de la verdad o certeza de lo que piensa o siente. Packaging - Concepto usado para referirse al empaque, envase o embalaje de algo. Sintáxis - Gramática que ofrece pautas creadas para saber cómo unir y relacionar palabras Pragmática - Disciplina que estudia el lenguaje en relación con el acto de habla. Wayfinding - Sistemas de información que guían a las personas a través de ambientes físicos y mejoran su comprensión y experiencia del espacio. Mezcolanza - Mezcla extraña, a veces confusa e incluso ridícula de personas, cosas o ideas opuestas o inconexas. Dimitió - Renunciar o abandonar una persona el cargo que desempeña. Curador - Neologismo para la persona responsable de un comisariado artístico. Jinete - Hombre que monta a caballo. Subsumidas - Considerar algo parte de un conjunto más amplio o caso particular sometido a un principio o norma general. Afluencia - Llegada de personas o cosas en abundancia o concurrencia en gran número hacia una dirección. Serigrafía - Técnica de impresión empleada en el método de reproducción de documentos e imágenes sobre cualquier material. Antropomórfico - Forma o apariencia humana. Esteticista - Persona que tiene por oficio cuidar y embellecer el cuerpo humano. Freelance - Se denomina freelance a la actividad que realiza la persona que trabaja de forma independiente. Polifacética - Que tiene varias facetas o aspectos. Concavo - forma curva más hundida en el centro que en los bordes. Convexo - forma curva más prominente en el centro que en los bordes. Negativo - reproduce invertidos los colores y los tonos de la realidad Positivo - en la cual se reproducen los claros y oscuros tal y como aparecen en la realidad. Asimetria - es una propiedad de determinados cuerpos, dibujos, funciones matemáticas y otros tipos de elementos en los que, al aplicarles una regla de transformación efectiva, se observan cambios respecto al elemento original. Encuadernacion - Se llama encuadernación a la acción de coser, pegar, grapar o fijar varias hojas sueltas o pliegos o cuadernos generalmente de papel y ponerles cubiertas. Ojeriza - Sentimiento de odio o antipatía hacia una persona. Grafismo - Disposición estética de las imágenes y las letras que componen un diseño. Figurin - dibujo Proteico - Que cambia de formas o de ideas. Epígonos - se refiere a la persona que sigue el estilo de una generación anterior.

GLOSARIO

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CIBERGRAFÍA

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Este libro se termino de imprimir en los talleres de logograma 24 de noviembre de 2017 Bogotรก, Colombia