NOTAS AL PROGRAMA

Estimado público, sean bienvenidos.

Lizeth Acosta orjuela

A lo largo de la historia, el rol de director o la directora ha cambiado notablemente. Al parecer, fue en la práctica coral del siglo XVI y XVII donde se estableció la marcación del tempo con la mano, e incluso con fajos de partituras envueltos en rollo. Con la complejización del número y carácter de las voces escritas para cada instrumento, durante el siglo XVIII la dirección recayó en el primer violín y en el clavecinista. Algunos de los recursos que utilizaron estos instrumentistas, desde su posición en la orquesta, fueron gestos corporales y manuales muy amplios y también, marcar el pulso con los pies.

La concepción de la dirección moderna, como guía y mediador de las ideas expresivas que componen la interpretación de las obras, está ligada a la aparición de óperas para gran formato (siglo XIX), donde además se estableció el uso de la batuta como mandatorio, para lograr mejor visibilidad por parte de todos los músicos implicados en el montaje.

Además, la actividad profesional del director ha trascendido a espacios extra musicales, donde la producción y gestión de eventos artísticos y musicales hace parte de su labor.

Siguiendo esta tradición, la maestría en Dirección Sinfónica de la Universidad Nacional presenta el recital de grado de Laura Alejandra Orjuela Niño quien, en compañía de los músicos de la Orquesta

Filarmónica Antonia Brico, presentará una selección de obras representativas de la música sinfónica compuesta en el siglo XIX. El Clasicismo y el Romanticismo serán protagonistas de la mano de compositores de gran renombre como Cécile Chaminade (1857-1944), Joseph Haydn (1732-1809) y Ludwig Van Beethoven (1770-1827).

A lo largo de este concierto, podremos apreciar un repertorio que ha sido escogido debido al reto que supone para los directores su ejecución, y que da cuenta de su dominio técnico, conocimiento sobre el estilo y su propuesta interpretativa.

Este recital da inicio con Pas de Echárpes, segundo movimiento de la suite Callirhoë Op.37, de la pianista y compositora francesa Cécile Chaminade. Estrenada en Marsella (1888) como parte del ballet sinfónico que llevó el mismo nombre, esta pieza escrita en ritmo de vals es sin duda una de las más reconocidas de la compositora, quien cuenta con un catálogo de aproximadamente 400 obras editadas a lo largo de su carrera.

De acuerdo con el libreto del ballet, escrito por el escritor y pintor Elzéard Rougier (1857-1926), en este movimiento se describe el momento en que Callirhoë rechaza el cortejo de Alcméon, dado que desea ser libre de cualquier compromiso, a pesar de sentirse tentada por los presentes de Alcméon. Durante este movimiento, Callirhoë se aleja danzando con su bufanda negra -único presente de Alcméon que atrajo su atención-, entre las disonancias y la resolución de los acordes que componen el tema principal.

Chaminade estudió música desde muy pequeña con su madre, quien fuera cantante y pianista. Participaba en las Soirées Musicales organizadas por su familia, tocando el piano y sus propias composiciones. A este encuentro nocturno concurrían diferentes personalidades de la clase media-alta parisina, incluyendo grandes figuras de la música como Georges Bizet, quien alentó a la familia a brindar una excelente educación musical a la pequeña Cécile. Tuvo una prolífica carrera como pianista, que la llevó a diversas ciudades de Europa y Estados Unidos, esto último en parte gracias a la insistencia de los Chaminade Clubs, organizaciones de mujeres aficionadas a la música de Cécile.

En un tiempo en que las mujeres debían guardar una figura de feminidad y pulcritud, religiosidad y entrega a la familia, Chaminade logró vivir de su arte y ser ejemplo para muchas mujeres de constancia y prolificidad.

C Cile Chaminade

Continuaremos con el Concierto para Violonchelo en Do Mayor (Hob. VIIb: 1), del compositor austriaco Joseph Haydn. Se presume que fue escrito a inicios de la década de 1760 para ser interpretado por el chelista Joseph Weigl (1740-1820), quien era primer violonchelo de la Orquesta del príncipe Esterházy, quienes empleaban a Haydn como director musical de su agrupación en ese momento. Aunque no hay una fuente precisa que indique la fecha de su estreno y posibles interpretaciones, es probable que haya sido tocada una o dos veces, siendo un medio para mostrar el virtuosismo de Weigl ante sus mecenas, dado el despliegue técnico proporcionado para el solista en la obra.

El concierto comporta, a nivel formal, los tres movimientos típicos con secciones orquestales conocidas como ritornellos, que alternan con la intervención del cello solista.

En el primer movimiento, Moderato, reconocemos un único tema, presentado por la sección de cuerdas frotadas. Este tema será desarrollado a lo largo de todo el movimiento.

El Adagio, segundo movimiento de tempo lento, presenta su tema en la orquesta y cuando entra el solista, se superpone con una nota larga a la repetición del mismo en las cuerdas. La imitación entre la orquesta y el solista es un elemento importante en esta sección y durante todo el concierto, tanto en pasajes lentos como en aquellos de mayor agilidad.

El Allegro, último movimiento, presenta un espíritu alegre e impetuoso, donde el virtuosismo del solista es evidente, ya que utiliza escalas en figuración rítmica rápida, dobles cuerdas y el registro sobreagudo como recursos para el desarrollo motívico y expresivo.

Joseph Haydn

Haydn tuvo una carrera con altibajos, que cambió sustancialmente al ganar fama como compositor. En principio, Haydn trabajó como profesor de música en lecciones privadas y componía asiduamente, hasta encontrar una estabilidad laboral con grandes mecenas de la música como el Conde Morzin y la familia Esterházy, de la nobleza húngara. Gracias a su consistencia y reconocimiento, muchos músicos y compositores emergentes buscaron su tutoría, y de esta manera, Haydn instruyó -en 1972- a Ludwig Van Beethoven, con cuya Sinfonía N° 7 culminaremos este concierto.