Revista Creator - N55

Venda proibida

CREATOR Nº55 | 2026 - Julho

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CATÁLOGO DE ARTES

EDIÇÃO ESPECIAL

OLHAR ANIMAL Como a convivência diária com 26 gatos e um cachorro dita a verdade das telas

ESTILO EXPRESSIVO Por que a disciplina e o método do ambiente corporativo estruturam a liberdade da cor

ENTREVISTA COM

Flávia Espurio Retrato vivo, Presença e Intensidade Acrílica

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CREATOR Direção Editorial LUZBELA SOUZA

Conteúdo BRUNA CAMILLE M. SILVA JIULIANA FERREIRA CARLA DE MENDONÇA DIEGO MATHIAS JR.

Site WWW.REVISTACREATOR.COM

Instagram @REVISTA_CREATOR

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Indice 6 - FLÁVIA ESPURIO 12 - SIMONE GANEM KISNER 14 - KRILL 18 - VITÓRIA FIRMINO 20 - OFICINA BORDÔ 24 - MARI E AS ENTRELINHAS 26 - VIVIAN PORTO 28 - DANI REZENDE 34 - JR ZAPATA 36 - CG ATELIÊ 38 - CAROL MARQUES 42 - GUS LIMA 44 - BORDADO ZEN E TRAMA LAB 46 - ATELIÊ PATRÍCIA MUNIZ

CREATOR

Flávia Espurio A transição do ambiente corporativo para o circuito das artes visuais define a trajetória profissional de Flávia Espurio. Durante muitos anos, ela construiu sua carreira na área de Recursos Humanos e Gestão de Pessoas, um campo estruturado que, embora distante das práticas de ateliê, forneceu-lhe ferramentas metodológicas essenciais para o seu desenvolvimento como criadora. Essa bagagem corporativa conferiu à artista uma sólida base de disciplina, constância e organização, permitindo que sua produção atual não dependa estritamente de impulsos de inspiração, mas sim de método, repetição e evolução conscientes.

A arte sempre esteve presente em sua vida de forma silenciosa, mas foi no período de introspecção gerado pela pandemia que Flávia reconheceu o fazer artístico como uma necessidade inevitável de expressão.

Iniciando suas experimentações por técnicas manuais como o amigurumi e o bordado, ela transitou pela aquarela, pintura a óleo e giz pastel até fixar sua pesquisa na tinta acrílica. Sem uma formação acadêmica artística tradicional, ela utilizou essa ausência de amarras institucionais como um fator de liberdade para testar materiais e estruturar uma linguagem autoral própria.

O suporte familiar desempenhou um papel decisivo na consolidação de sua carreira profissional no ateliê.

Sua irmã, Luciana, atua de forma constante na interlocução sobre materiais e resultados, enquanto seu marido, Marcelo, firmou-se como seu principal incentivador e crivo crítico honesto. Essa rede de apoio, somada à convivência diária com sua grande paixão — uma rotina compartilhada com 26 gatos e um cachorro —, deu à artista a segurança técnica e emocional para direcionar sua sensibilidade à representação expressiva da vida animal.

Entrevista CREATOR

RETRATO VIVO O estilo de Flávia Espurio equilibra-se entre o rigor técnico e a liberdade de execução, combinando o realismo na construção fisionômica à soltura das pinceladas. O propósito central de seu trabalho reside em capturar e traduzir a individualidade e o estado de espírito dos animais, utilizando o olhar como o ponto de partida para estabelecer uma conexão real com o observador. Suas telas fundem a precisão anatômica com fundos e nuances cromáticas livres, com o objetivo de revelar a força e a sensibilidade inerentes a cada indivíduo retratado.

PRESENÇA A poética da artista busca provocar uma pausa no ritmo cotidiano do público, convidando-o a um momento de contemplação e silêncio.

Através de suas obras, Flávia transpõe suas vivências e sua percepção aguçada sobre o comportamento e as emoções dos animais com os quais convive, transformando a pintura em um manifesto sobre presença.

Cada composição é desenvolvida de maneira a ir além da mera reprodução estética, buscando fazer com que quem observa sinta o impacto e a verdade contidos na identidade do animal.

Entrevista CREATOR

Intensidade Acrílica A pesquisa material de Flávia concentra-se na utilização da tinta acrílica, elemento selecionado por sua capacidade de traduzir a intensidade de cor e a rapidez exigidas por suas pinceladas expressivas. Seu processo de criação baseiase em um modelo híbrido: tem início em uma etapa planejada de estruturação de layout, foco no olhar e composição do suporte, e expande-se em uma execução intuitiva e livre. A artista constrói a pintura por camadas, utilizando contrastes vibrantes para conferir dinamismo e carga emocional à cena.

FLUXO Para superar bloqueios criativos, Flávia adota uma postura ativa e metodológica, tratando o entrave como um sinal de que o processo necessita de ajustes. Em vez de aguardar passivamente por inspiração, ela retorna aos estudos de base, simplifica as formas, retoma referências visuais e executa testes de cor e pinceladas em pequenos formatos, sem o compromisso de gerar uma obra final. Essa constância diária no ateliê reduz a dependência de fatores externos e garante a evolução contínua de sua linguagem técnica.

Entrevista CREATOR

Diálogo Público A contribuição cultural de Flávia Espurio manifesta-se na democratização do olhar sensível direcionado à fauna e no resgate da conexão humana com o reino animal através da cor. Sua estreia no circuito expositivo ocorreu em uma mostra simples organizada dentro do condomínio onde reside, um marco que validou o potencial de comunicação de seu trabalho fora da intimidade do ateliê. A resposta espontânea e a identificação imediata dos moradores com as telas deram à artista a confirmação de que sua pesquisa possuía força de inserção no mercado contemporâneo.

Entrevista CREATOR

Consolidação Os planos imediatos de Flávia envolvem o desenvolvimento de uma nova série de obras dotada de uma linguagem visual mais coesa e autoral, aprofundando o uso de texturas e a expressividade dos olhares animais. Nos próximos anos, a artista projeta amadurecer seu estilo para que sua identidade seja reconhecida pelo público independentemente do tema ou espécie retratada. Seu maior objetivo é expandir a visibilidade de sua produção, almejando a inserção de suas telas em publicações editoriais e em grandes exposições no cenário nacional e internacional.

Entrevista CREATOR

MARIAH FOLHASMARÉ

Contemplação A Revista Creator convida você a desacelerar e encarar o magnetismo animal capturado pelas lentes e pincéis de Flávia Espurio. Deixe-se envolver pelo contraste entre a precisão do olhar e a liberdade das cores vibrantes que dão vida a cada criatura em suas telas de acrílica.

Acesse nosso portal digital para explorar a galeria virtual da artista, conhecer os bastidores de seu ateliê e descobrir como a sensibilidade a Revista Creator eagradece Verdi por compartilhar sua corporativa o afetoa Alessandra cotidiano se transformam em potentes inspiradora jornada artística conosco e com nossos leitores.

Fiquem manifestos de presença visual. atentos às próximas exposições e projetos dessa talentosa artista, pois @FLAVIAESPURIOATELIE sua arte continua a iluminar e inspirar. @ALEVERDIATELIER

CREATOR R E V I S T A

Acessórios artesanais sustentáveis marcam reinvenção criativa aos 60 anos A designer Simone Ganem Kisner une macramê, upcycling e cerâmica fria na marca SK ARTESANAL, promovendo moda sustentável no Paraná.

Da comunicação no rádio à descoberta do design com propósito

A capacidade de se reinventar e buscar novos propósitos é um dos grandes motores da economia criativa contemporânea. Aos 60 anos, a designer Simone Ganem Kisner personifica essa força de transformação. Formada em Comunicação Social pela Universidade Estadual de Londrina (UEL) na década de 1980, ela construiu uma sólida carreira de mais de 20 anos como locutora em rádios do interior do Paraná, seguida por 15 anos de atuação como instrutora de yoga. Paralelamente às antigas profissões, cultivava uma paixão duradoura pela modelagem em porcelana fria. Contudo, foi a urgência e o chamado interno para a sustentabilidade que guiaram sua transição definitiva para o design de acessórios ecológicos, culminando na fundação da marca SK ARTESANAL.

Upcycling, macramê e a estética inspirada na natureza A virada de chave para a criação da marca ocorreu de forma colaborativa, quando uma amiga cestaria passou a lhe doar retalhos de cordas e fios náuticos. Em um processo de pesquisa e experimentação, Simone uniu esses descartes têxteis à modelagem de pingentes em cerâmica fria, criando colares exclusivos e com baixo impacto ambiental. O encantamento pelo universo dos fios a levou a se especializar no macramê — arte ancestral de tecelagem manual —, expandindo seu portfólio também para a confecção de bolsas. Com forte inspiração na natureza, a artesã modela peças que mimetizam pedras e madeiras, priorizando a fluidez, a leveza do campo e do mar, e a redução drástica do uso de metais em suas composições.

D I G I T A L

CREATOR R E V I S T A

Liderança feminina e o fomento da economia criativa em Maringá

D I G I T A L

Mais do que desenvolver produtos para mulheres de alma livre e independentes, que rejeitam a rigidez imposta pela moda tradicional, a designer atua como uma voz ativa na promoção da economia circular na cidade de Maringá (PR). Seu engajamento a levou à posição de coordenadora da pasta de sustentabilidade na Câmara da Mulher Empreendedora de Maringá (CMEG), onde realiza transmissões ao vivo quinzenais no perfil do grupo (@cmeg_maringa) para debater a mudança de hábitos de consumo. Simone também é apresentadora do podcast "Arte in Cast", focado no universo artesanal, e integra projetos estratégicos locais como o Movimento Maringá Criativa e o Núcleo de Economia Criativa da Associação Empresarial de Maringá.

Reconhecimento mercadológico e o acesso ao portfólio autoral

O compromisso com o reaproveitamento de materiais e o impacto social de sua liderança renderam frutos expressivos em sua trajetória. Em 2023, a criadora foi laureada com o prêmio de Empreendedora Destaque pelo setor de empreendedorismo de seu município.

Encarando o ato de empreender e criar como uma fonte intransferível de plenitude e autoconhecimento, a artista prova que o recomeço é uma ferramenta contínua de vitalidade.

O público interessado em moda consciente, upcycling e no design fluido de suas bolsas e colares pode explorar o acervo completo e as novidades da marca através do perfil no Instagram [@sk.artesanal].

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Taxidermia e artes visuais: o respeito à preservação e o mistério na marca Krillado Krill Andrade de Almeida une taxidermia e pintura na marca Krillado, explorando o respeito à preservação animal e a expressão autêntica no Mato Grosso do Sul.

A TRANSIÇÃO DO FOCO

O E S T U D O A N AT Ô M I C O E A

C O M E R C I A L PA R A A

É T I C A N A TA X I D E R M I A

EXPRESSÃO AUTÊNTICA O amadurecimento artístico frequentemente exige o abandono de fórmulas comerciais seguras em prol de uma identidade mais autêntica e vulnerável. Formada em Design Gráfico pelo IESB, em Brasília, e autodidata em diversas frentes visuais — como desenho, pintura em tela, pirografia, escultura e arte digital —, Krill Andrade de Almeida vivencia exatamente essa transição radical à frente de sua marca, Krillado. Historicamente, sua produção inicial priorizava o retorno financeiro com artes mais descontraídas e peças de apelo comercial. Contudo, essa estética tem dado lugar a uma expressão focada no mistério e em sentimentos mais profundos e tristes, abraçando características que sempre admirou. O marco dessa libertação criativa foi a tela "Caramelo.png", obra que desencadeou a coragem para assumir sua verdadeira identidade visual.

O CONTRASTE DAS OBRAS E AS PEÇAS MAIS S I G N I F I C AT I VA S

Paralelamente às telas, onde utiliza majoritariamente caneta esferográfica para esboços e tinta acrílica para as pinturas, a criadora desenvolve um trabalho minucioso no campo da taxidermia. A fascinação pela anatomia animal a acompanha desde a infância, construindo uma memória visual tão sólida que lhe permite reproduzir movimentos e expressões com extrema naturalidade, frequentemente dispensando o uso de referências. Para aperfeiçoar suas técnicas nessa área, buscou capacitação no IBIMM (Fazenda Palmares) e no CESMAC, com o professor Joca.

A matéria-prima de seu ateliê provém estritamente de animais que vieram a óbito de forma natural ou de descartes de abates, como os jacarés fornecidos pela fazenda CAIMASUL. Enxergando a preservação como um ato de conscientização ambiental e respeito — um olhar que ganha destaque entre profissionais e páginas do nicho, como o perfil @taxis.dermes —, a artista defende a visão de que aquilo que um dia foi belo em vida também pode manter sua beleza na morte.

Uma característica marcante de seu processo criativo é o contraste emocional entre suas frentes de trabalho. Enquanto as artes visuais nas telas transmitem uma aura mais misteriosa e nostálgica, a taxidermia tem sido o espaço onde a artista busca imprimir paz e alegria, sempre priorizando a "naturalidade anatômica".

Essa dinâmica reflete-se em seu acervo, que possui três peças fundamentais em sua trajetória. O "jacaré aniversariante" destaca-se por ser o primeiro exemplar temático produzido, unindo técnica e leveza na preservação. No universo digital, a obra "Capivara com gatinho" foi essencial por definir sua primeira identidade comercial e impulsionar o desenvolvimento de produtos para feiras. Por fim, a tela "Caramelo.png" representa um ponto de virada definitivo, sendo a obra responsável por desencadear a mudança de identidade na área de visuais em busca de um trabalho muito mais autêntico.

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DIVERSIDADE DE PÚBLICO E O E STA B E L E C I M E N TO N O M ATO GROSSO DO SUL

A versatilidade da marca atrai um público amplo e diversificado. No campo da taxidermia, atende desde turistas em busca de souvenirs locais, professores, museus e colecionadores, oferecendo também amuletos de ossos e a confecção de memoriais em respeito a pets que já partiram. Nas artes visuais, sempre manteve diálogo com a subcultura geek e punk, voltada para adesivos, bottons e arte nichada, preparando-se agora para apresentar sua nova fase estética a esse público.

Atualmente em fase de estabelecimento na cidade de Corumbá, no Mato Grosso do Sul, a artista projeta expandir sua atuação na região. Com presença na feira do evento de São João local e estruturando novos projetos ainda mantidos em sigilo, o desenvolvimento de suas telas e suas peças de preservação animal podem ser acompanhadas através do perfil no Instagram [@krillado].

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A ancestralidade exaltada na criação de pinturas e cerâmicas Aos 20 anos, a artista independente Vitória Firmino, criadora da marca V Ogbon, utiliza a pintura e a cerâmica para exaltar a cultura de matriz africana.

A sabedoria iorubá como alicerce criativo A valorização da ancestralidade e o resgate das tradições de matriz africana encontram na arte contemporânea um canal essencial de diálogo e representatividade. Com apenas 20 anos, a artista independente Vitória Firmino materializa esse propósito cultural através de sua marca, a V Ogbon. O termo, de origem iorubá, significa "sabedoria", um dos princípios mais reverenciados em sua vivência religiosa.

Buscando aproximar o público da cultura afro-brasileira, do afeto e do respeito presentes em suas raízes, ela utiliza a pintura em tela como ferramenta primária para desmistificar tradições e eternizar as emoções humanas e a força da natureza.

A superação das inseguranças e a expansão técnica A jornada profissional da criadora foi oficializada em 2022, impulsionada por uma necessidade intrínseca de expressar sentimentos cultivada desde a infância por meio da escrita e da leitura. No entanto, a ausência de uma formação artística formal gerou obstáculos emocionais comuns a jovens talentos, como a síndrome do impostor, as comparações constantes e a dúvida sobre a própria capacidade. O afastamento temporário dos pincéis foi rompido por uma encomenda decisiva: a pintura abstrata de um sol. A execução dessa obra resgatou sua essência e demonstrou que sua criatividade apenas aguardava o momento de florescer. A partir desse ponto de virada, Vitória libertou-se das amarras estilísticas, passando a explorar desde o figurativo afro-brasileiro até composições abstratas, utilizando tinta acrílica e incorporando elementos de cerâmica fria e variações de verniz fosco e brilhante.

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Representatividade na educação e o impacto cultural A missão de gerar conexão emocional e oferecer arte com significado tem gerado desdobramentos práticos na educação e na sociedade. Entre os trabalhos mais simbólicos de seu acervo, destacam-se três obras encomendadas especificamente para uma exposição escolar focada em religiões de matriz africana, realizada no ano de 2023. O projeto foi um marco por representar sua estreia em produções de grande escala, reforçando o papel de suas telas como instrumentos visuais para levar conhecimento a pessoas que não vivenciam essa realidade em seus cotidianos.

Embora hoje ainda concilie a produção do ateliê com outras atividades profissionais, a clareza de suas metas a posicionou como uma voz ativa de incentivo. No dia 22 de maio, a artista palestrou no circuito "Construindo Carreiras – Mês do Trabalhador", sediado no Instituto Via de Acesso, em São Paulo (SP). O convite carregou um peso emocional único, visto que a própria Vitória foi aluna da instituição durante sua primeira experiência como jovem aprendiz. Retornar ao espaço para apresentar suas obras fora do ambiente virtual e debater os desafios do mercado de trabalho reiterou sua missão de vida: mostrar aos estudantes que a persistência abre caminhos e que a arte possui o poder de transformar a realidade. O portfólio completo e os novos projetos de pintura e cerâmica podem ser acompanhados através do perfil no Instagram [@v.ogbon].

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PRODUÇÃO FAMILIAR DE BASTIDORES E MOLDURAS GANHA NOVA FASE NO INTERIOR PAULISTA Liderada por Bruna Scarpa e sua família, a marca Oficina Bordô assume legado de marcenaria e expande sua produção artesanal com madeiras nobres em São Paulo.

A continuidade de saberes artesanais frequentemente encontra caminhos inesperados para se manter viva. A história da atual operação começou como uma transição de legados.

Originalmente fundada em 2020 sob o nome de Oficina Caninana, gerida por Anissa e Aldo na cidade litorânea de Saquarema, no Rio de Janeiro, a marcenaria fornecia peças essenciais para o mercado de bordado. No início de 2024, com a decisão dos fundadores originais de se mudarem para o Canadá, o encerramento das atividades parecia iminente. Diante da possibilidade de perder o fornecedor que era o carro-chefe de sua própria loja, Bruna Scarpa percebeu que precisava agir rápido, unindo uma urgência comercial a um momento de profunda transformação familiar.

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O ponto de virada para a aquisição da fábrica coincidiu com a aposentadoria forçada de seu pai, Mauro Scarpa. Após cruzar a marca dos 60 anos e com uma vida inteira dedicada ao trabalho ininterrupto, ele viu-se subitamente ocioso devido aos reflexos da pandemia.

Movido por uma sede constante de aprendizado e por sua energia inesgotável, Mauro iniciou um curso de marcenaria e construiu uma oficina na chácara da família. A junção desses cenários culminou na formação de uma sociedade entre pai e filha. Após uma intensa semana de treinamento imersivo no Rio de Janeiro para absorver todos os processos de fabricação, o projeto renasceu oficialmente em julho de 2024. A operação transferiu definitivamente sua base para o interior de São Paulo, estabelecendo-se no município de Artur Nogueira.

Expansão de materiais e a entrada de novos membros na equipe Estruturada como uma autêntica fábrica em miniatura, a produção conta com o envolvimento direto da matriarca, Vera Scarpa, que atua como auxiliar na marcenaria, unindo diferentes gerações no chão de fábrica. Desde a transição, a equipe já fabricou milhares de bastidores e molduras em madeira pinus para atender criadores de todo o país, sempre com registros fotográficos profissionais assinados por Victor Andrade e Carlos Andrade. Com o objetivo de agregar ainda mais requinte às obras que emolduram, a produção está expandindo seu escopo para a utilização de madeiras nobres, iniciando testes com a muiracatiara. Acompanhando o crescimento contínuo das demandas, a equipe ganha um novo reforço estratégico agora no mês de agosto, com a integração de Thiago Malavasi, marido de Bruna, atuando diretamente na linha de confecção junto ao sogro.

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Apesar de manter uma estrutura de vendas consolidada de forma totalmente digital, a necessidade de estreitar os laços com o público consumidor tem impulsionado a participação em eventos físicos. Após uma experiência enriquecedora de trocas e aprendizados durante uma feira na cidade de Americana em setembro de 2025, a família prepara-se agora para um novo marco presencial. O próximo encontro com o público está confirmado para o evento Criativa Campinas, que ocorrerá entre os dias 04 e 07 de novembro de 2026, das 11h às 18h, no espaço Expo D. Pedro, localizado na Avenida Guilherme Campos.

Para os artistas e entusiastas que desejam conhecer o catálogo em madeira nobre e acompanhar a rotina desta produção artesanal, o portfólio completo pode ser acessado no site www.lojaoficinabordo.com.br e através do perfil oficial no Instagram [@oficinabordo].

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Bordado realista de pets eleva a pintura de agulha à alta moda internacional Em cenários de crise e isolamento, o fazer manual frequentemente se revela como uma âncora emocional.

Para Mariana Santos Lima, o encontro com o bordado livre em 2020, durante o auge da pandemia, representou exatamente isso: um resgate em um momento de saúde mental abalada, comprovando sua crença de que "a arte salva". O que começou de forma despretensiosa logo instigou sua curiosidade técnica, motivando uma profunda transição de carreira. Com uma trajetória prévia que incluía a licenciatura em Ciências Biológicas e a atuação em uma empresa multinacional, ela percebeu que sua verdadeira paixão estava na criação artística. Essa descoberta a impulsionou a ingressar no Bacharelado em Artes Visuais, integrando o bordado em toda a sua formação, culminando no Trabalho de Conclusão de Curso (TCC) intitulado “A Representação Animal no Bordado Realista: uma abordagem técnica e simbólica”.

A especialidade do ateliê concentra-se no nicho pet, utilizando a minuciosa técnica da pintura de agulha para desenvolver retratos incrivelmente realistas. O processo exige uma observação cuidadosa da fisionomia, expressões e particularidades da pelagem de cada animal, distanciando-se de uma simples cópia fotográfica para criar uma obra carregada de simbolismo. Desenvolvidas manualmente ponto a ponto sobre tecido de algodão cru, com o uso de fios 100% algodão e bastidores de madeira, as peças podem demandar mais de 100 horas de dedicação.

Destinado principalmente a pessoas que desejam eternizar seus companheiros, o trabalho atua frequentemente como uma homenagem e uma lembrança permanente de animais que marcaram histórias de vida.

Impacto social e o apoio à causa animal

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A representação fidedigna dos animais de estimação não apenas conforta as famílias e tutores, mas também assumiu um papel social ativo na trajetória da artista. Através de sua habilidade com os fios, Mariana encontrou uma via direta para colaborar com organizações não governamentais (ONGs) de proteção animal. O ateliê tem participado ativamente de projetos voltados ao incentivo da adoção responsável e à conscientização sobre a causa, utilizando a força visual do bordado realista para engajar o público e dar visibilidade aos animais resgatados.

O rigor técnico e a excelência visual da marca expandiram rapidamente a presença do bordado para além dos bastidores tradicionais, alcançando cenários artísticos de prestígio global. Um dos maiores marcos recentes dessa expansão foi a parceria firmada com a marca Thayná Caiçara. Com o objetivo de valorizar o artesanato brasileiro, foram desenvolvidos bordados realistas de aves da Mata Atlântica aplicados em linho.

O sucesso da colaboração projetou o trabalho manual para o epicentro da moda e do cinema contemporâneos: as peças integraram coleções desfiladas nas exigentes Semanas de Moda de Nova York e Paris, além de marcarem presença no tapete vermelho do Festival de Cannes de 2025. O portfólio completo, que transita entre a alta moda e o afeto aos animais, pode ser conferido diretamente no Instagram [@marieasentrelinhas].

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Mandalas têxteis

precisão da gemologia à tradição geométrica do crochê

A herança manual e a bagagem internacional A interseção entre diferentes culturas e disciplinas acadêmicas frequentemente resulta em linguagens artísticas singulares. Nascida no Brasil, com vivência na Austrália e radicada há oito anos em Dubai, a artista Vivian Porto materializa essa fusão global através de suas mandalas têxteis. Pertencente à quarta geração de uma família de mulheres artesãs, ela encontrou no crochê não apenas o resgate de uma herança adormecida, mas uma forma de expressão artística contemporânea. A virada em sua trajetória ocorreu em 2020, durante a dedicação integral à maternidade, quando o fascínio pela geometria e simetria evoluiu dos desenhos em papel, usados como ritual de meditação, para a criação paciente e tridimensional através dos fios.

Da lapidação de diamantes à simetria dos fios O diferencial estético e conceitual de sua produção reside na união inusitada entre a arte têxtil e sua formação acadêmica em Turismo e Gemologia.

Tendo construído uma sólida carreira no segmento de luxo — com passagens pela joalheria H. Stern, no Brasil, e pelo mercado de diamantes em Sydney —, a criadora desenvolveu um olhar rigoroso para design, exclusividade, harmonia e proporção. Essa bagagem revelou uma conexão profunda e poética: a mesma precisão, equilíbrio e simetria radial que conduzem a luz nas facetas de um diamante lapidado são os princípios estruturais que orientam a construção de suas mandalas. A busca pela beleza na ordem e na transformação norteia o manuseio de fios de algodão de alta qualidade e fibras criteriosas, elevando a técnica transmitida por gerações.

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Expansão global e o empoderamento pelo C'alma Studio A linguagem visual desenvolvida pela artista rompeu fronteiras, conectando pessoas de diferentes culturas com criações que já alcançaram mais de dez países.

Essa capilaridade internacional consolida-se atualmente através da expansão do C'alma Studio, sua plataforma online dedicada ao compartilhamento de padrões autorais de crochê.

Disponibilizados em inglês e português, os guias destinam-se a artesãs e entusiastas de todo o mundo.

Mais do que instruir sobre técnicas, o projeto visa utilizar o fazer manual como uma ferramenta de presença, contemplação e fortalecimento pessoal para mulheres.

O portfólio completo e os desdobramentos dessa rede de criatividade, autoconhecimento e geometria podem ser acompanhados através do perfil no Instagram [@vivianporto.atelier].

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Escultura contemporânea e espiritualidade A arquiteta Dani Rezende lança a obra Manto de Maria, explorando a materialização desconstruída em cerâmica.

No cenário da arte brasileira contemporânea, a intersecção entre o rigor técnico da arquitetura e a profundidade da espiritualidade configura um nicho raro e sofisticado.

Explorando essa fronteira, uma nova produção escultórica propõe transcender a criação de objetos puramente decorativos para estruturar verdadeiros espaços de contemplação.

Desenvolvida por uma mente com forte fundamentação técnica e humanística — arquiteta com mestrado em Ciências da Cultura e especializações em Estudos Ambientais e Design de Interiores —, a obra nasce de um processo de imersão íntima. Afastando-se das lógicas de encomendas ou tendências de mercado, a artista Dani Rezende idealizou sua criação ao longo de quarenta dias de dedicação espiritual, resultando em um conceito que ela própria define como "materialização desconstruída".

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O vazio como coração da obra e a dança da luz

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O grande diferencial conceitual da escultura reside naquilo que escolhe ocultar: a completa ausência do corpo humano. O foco recai inteiramente sobre a representação de um manto, estruturado em relevos orgânicos e suaves que retêm a memória do corpo sem exibi-lo. Esse vazio intencional atua como o núcleo da obra.

A superfície tridimensional foi projetada para interagir diretamente com fontes de luz natural e artificial. Ao incidir sobre as dobras, a luz revela e esconde planos, transformando a peça em uma escultura viva que altera sua percepção visual dependendo do ângulo e do horário da observação. Produzida em cerâmica fria e cerâmica de alta temperatura, a primeira versão da peça foi concebida no branco, simbolizando pureza e luz. Contudo, o projeto abrange uma experimentação material contínua, permitindo que a forma orgânica seja testada em novas texturas e paletas de cores sem perder sua identidade. Excluindo a reprodução em série, cada forma gerada é única, respondendo ao tempo, ao espaço e à interação física da matéria.

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A reinterpretação da figura feminina e o convite ao silêncio Inspirada na cena da Anunciação, a obra ecoa o aceite radical diante do desconhecido. Distanciando-se da figuração de uma entidade distante, a escultura representa uma presença feminina ativa, corajosa e inteira. A concepção estética destina-se fortemente a mulheres que ressoam com essa narrativa de entrega e permanência, atuando como um espelho simbólico para a busca humana por sentido e comunhão. Em um mercado e um cotidiano marcados pela aceleração, a proposta de uma escultura que exige o silêncio funciona como um ato contemporâneo de resistência e cuidado.

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Com foco em um público que valoriza produções com forte identidade conceitual, a obra dialoga com colecionadores de arte e espaços arquitetônicos voltados à contemplação, como centros culturais, oratórios e capelas. Para assegurar a exclusividade e a integridade de seu processo criativo, o "Manto de Maria" é uma criação autoral protegida e com registro de desenho industrial. O desenvolvimento das esculturas, a pesquisa de materiais e os novos registros de luz podem ser acompanhados diretamente nos perfis do Instagram [@danirezende_arquitetura] e [@silencio_de_maria], que documentam os desdobramentos desse universo de pausa e reflexão.

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ARTE URBANA E EDUCAÇÃO SOCIAL TRANSFORMAM A REALIDADE DE JOVENS NO CEARÁ Com um processo criativo fundamentado na observação das relações humanas e das O artista visual e educador Jr Zapata utiliza o muralismo e a gestão cultural para democratizar o acesso à arte, impactando novas gerações.

A ausência de museus, galerias e centros culturais na infância não impediu que a expressão visual se tornasse um projeto de vida e uma missão de transformação social. Nascido em Contagem, na região metropolitana de Belo Horizonte, e filho de uma professora e um pintor de paredes, o artista visual e muralista conhecido como Jr Zapata encontrou na cultura Hip Hop e no graffiti os caminhos para comunicar seus questionamentos.

Radicado no Ceará há mais de oito anos, ele consolidou uma trajetória de mais de duas décadas pautada pela ocupação criativa dos espaços públicos, transitando entre o muralismo e a pintura para dialogar com a memória, a justiça social e a valorização dos territórios.

histórias locais, o produtor cultural busca inspirações diretas na arte urbana contemporânea e nas manifestações populares, especialmente as nordestinas. Um dos grandes marcos de sua atuação no estado foi a idealização do festival CumbuCOR. O projeto transformou a tradicional vila de pescadores do Cumbuco em uma imensa galeria de arte a céu aberto, reunindo artistas de diversas regiões do Brasil e evidenciando a potência da arte como motor para o turismo, a integração comunitária e o desenvolvimento local sustentável.

A vivência de crescer sem referências próximas no setor cultural motivou o muralista a dedicar grande parte de sua carreira à democratização do acesso às experiências artísticas. Esse compromisso atingiu um novo patamar em 2023, ao assumir um cargo de direção no Instituto Tecnológico e Vocacional Avançado (ITEVA), uma organização da sociedade civil com mais de 30 anos de atuação no Ceará. Como gestor, passou a coordenar iniciativas focadas em adolescentes em situação de vulnerabilidade, a exemplo dos projetos Empodera Jovem, LaborArte e Jovem Artista. As ações utilizam o fazer artístico para fortalecer a autoestima, estimular o pensamento crítico e ampliar as perspectivas de futuro dos estudantes.

Festival CumbuCOR

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Inspirações nordestinas

Os reflexos práticos dessa gestão educacional já ultrapassam os muros das salas de aula. Após a realização da primeira mostra dos participantes do LaborArte, o ciclo formativo prevê novas exposições marcadas para os dias 31 de julho, 4 de agosto e 7 de agosto de 2026. O ápice do projeto consistirá em uma grande mostra coletiva instalada em um dos principais shoppings da região de Eusébio, colocando mais de 40 jovens artistas na posição de protagonistas durante uma semana inteira. O evento contará com visitas guiadas para cerca de 600 alunos da rede pública de ensino, reforçando a meta de impactar positivamente mais de mil jovens até o final de 2026.

Enxergando a estética muito além do visual, o produtor cultural consolida sua atuação em três dimensões indissociáveis: o artista que cria, o educador que compartilha e o gestor que articula oportunidades.

Todas as fotografias que documentam essas intervenções urbanas e educacionais levam a assinatura do fotógrafo Vinicius Silvestre (@_viniciussilvestre). Para acompanhar de perto as obras de muralismo, as exposições dos jovens talentos e os novos desdobramentos dos projetos sociais realizados no Ceará, o portfólio e a rotina do educador estão disponíveis no Instagram [@jrzapataarte].

DECORAÇÃO AFETIVA E ARTESANATO TRANSFORMAM MEMÓRIAS FAMILIARES EM ARTE

Da transição de carreira aos primeiros passos no universo manual A busca por mais significado no cotidiano e a vontade de materializar o afeto têm motivado profissionais de diversas áreas a redescobrir o fazer manual como uma nova via de atuação. Após anos de dedicação aos setores de Marketing e ensino da língua inglesa, a vontade de transformar uma paixão cultivada dentro de casa estruturou uma sólida jornada empreendedora. A transição criativa teve início de forma orgânica, impulsionada pela elaboração minuciosa da decoração para as festas de aniversário de seu filho mais velho e pela montagem de árvores natalinas. O primeiro projeto oficial estruturou-se exatamente neste período de fim de ano, com a confecção de laços e árvores personalizadas que auxiliavam outras famílias a construir ambientes acolhedores e repletos de personalidade.

A expansão do portfólio e o impacto criativo da maternidade A excelente receptividade do público diante dos primeiros itens estimulou uma diversificação natural do acervo. A produção rapidamente incorporou velas aromáticas e difusores de ambiente — criados inicialmente com inspirações natalinas e logo desdobrados em coleções permanentes —, além de jogos americanos e novos objetos de decoração.

Contudo, o grande ponto de inflexão artística da operação ocorreu com o nascimento de sua filha. A segunda vivência da maternidade aguçou a sensibilidade para a decoração afetiva, direcionando o olhar da criadora para o desenvolvimento de peças voltadas a quartos infantis e ambientes que exigem acolhimento. O objetivo central passou a ser o desenvolvimento de itens capazes de contar histórias e eternizar momentos.

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O estúdio caseiro e a materialização de vínculos Atualmente, o processo criativo desenvolve-se integralmente em um estúdio montado dentro da própria casa da fundadora. Essa dinâmica logística reflete a verdadeira essência do negócio: a divisão do espaço físico e do tempo permite conciliar a produção artesanal com a rotina de criação dos filhos, de modo que o próprio cotidiano e os momentos em família atuem como as principais fontes de inspiração. O catálogo de trabalhos mais representativos engloba peças ricas em texturas e significados, como os quadros elaborados em fio de malha — destacando-se a linha Olho Grego e a coleção Honey Bee —, os quadros infantis montados sob medida e o "Coração Entrelaços", uma criação conceitual desenvolvida para simbolizar conexões e a força das relações humanas.

Empreendedorismo materno e a consolidação autoral Provando que a coragem para recomeçar pode estruturar um modelo de negócio sustentável e repleto de propósito, a marca consolida-se através da constante união entre arte contemporânea, design e exclusividade. Todo esse rico acervo de histórias, mantido em registros de acervo pessoal, é assinado por Camila Galvão de Souza Leão Godinho, reconhecida em seu nicho como Camila Godinho. Como fundadora e artista à frente do CG Ateliê, ela continua expandindo suas técnicas e explorando novos materiais para garantir que cada objeto decorativo desperte emoções genuínas na casa de seus clientes. Para acompanhar o desenvolvimento das novas coleções autorais e encomendar projetos que integram afeto e trabalho manual, o portfólio completo está disponível através do perfil no Instagram [@cg.atelie_].

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Pintura de mural infantil une design e afeto na transformação de ambientes A relação com o desenho em grandes proporções costuma se manifestar cedo na vida de quem trabalha com murais. Aos sete anos de idade, o talento para a arte já se revelava na reprodução ampliada da história dos "Três Porquinhos" nas paredes do próprio quarto, utilizando giz de lousa.

A surpresa com a qualidade dos traços rendeu elogios da mãe professora e os primeiros incentivos práticos para limitar os rabiscos apenas a áreas permitidas, mas sempre garantindo que a expressão visual continuasse. Esse talento adormeceu ao longo dos anos, enquanto o foco profissional se voltava para o Design de Interiores, com a graduação concluída em 2013.

A vivência acadêmica ampliou a percepção sobre como a formatação dos espaços influencia as emoções humanas. O resgate definitivo dos pincéis ocorreu apenas em 2022, durante a primeira gestação. Ao pintar um mural acolhedor para o quarto de seu próprio filho, o resultado despertou o interesse de amigos próximos, consolidando o início de uma nova trajetória focada na transformação de espaços infantis.

A UNIÃO DO DESIGN COM A TÉCNICA DE PINTURA EM GRANDE ESCALA A compreensão técnica dos interiores tornou-se o grande diferencial na concepção dessas pinturas decorativas. A formatação de um ambiente é parte fundamental das experiências da infância, e um projeto elaborado com sensibilidade é capaz de estimular a autonomia, o bemestar e a criatividade. Para alinhar esse conhecimento espacial à excelência técnica com as tintas, o aperfeiçoamento contínuo assumiu papel de destaque. Em 2024, a participação no curso "Paredes que Contam Histórias", ministrado pela artista Lígia Ramos, refinou o domínio da execução e atestou que a pintura mural é o caminho profissional definitivo da idealizadora do projeto.

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PROCESSO CRIATIVO SOB MEDIDA: DO ESBOÇO DIGITAL À PAREDE Distanciando-se de reproduções genéricas, cada trabalho nasce de um processo altamente personalizado. Antes de iniciar qualquer esboço, é feito um mapeamento cuidadoso da história da família, da personalidade da criança, de sua fase de desenvolvimento e das paletas de cores e elementos afetivos que fazem sentido para aquele ambiente. Após a definição do conceito, o projeto ganha forma no iPad através de uma simulação digital baseada nas medidas e fotografias do local. Com a aprovação dos clientes, a execução manual é realizada utilizando materiais específicos para paredes, garantindo um acabamento de alta qualidade para que a obra faça parte das lembranças da criança por muitos anos.

Expansão para projetos arquitetônicos infantis e produtos educativos

EXPANSÃO DA MARCA Embora o foco principal dos últimos quatro anos tenha sido a pintura artesanal, os planos para o futuro englobam a expansão da marca para a entrega de projetos completos para quartos infantis.

O objetivo central é integrar a arte com a funcionalidade e o design, abordando aspectos primordiais como a psicologia das cores, a organização do espaço e a adaptação estrutural para cada nova etapa do desenvolvimento. Em paralelo, há também o planejamento para lançar materiais educativos e produtos inspirados na arte. Todo o acervo visual dessa jornada criativa — com fotografias assinadas pela Creator Produções (Evelyn Souza) — e o andamento dos novos murais podem ser acompanhados através do perfil no Instagram [@carolmarques.art].

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Design 3D Arte tradicional e design 3D traduzem a agitação do obras em telas Após anos desenvolvendo projetos para gigantes do entretenimento, o artista Gus Lima encontra na pintura tradicional uma ferramenta para expressar o TDAH.

A versatilidade é uma característica marcante na trajetória de profissionais que ousam transitar por múltiplas vertentes criativas. A jornada nas artes visuais, que teve início profissional em 2006 nas sessões de tatuagem, estendeu-se até 2010, momento em que o interesse pelo universo 3D abriu as portas para o mercado publicitário.

Atuando em uma produtora, o foco voltou-se para a criação de peças impressas para grandes clientes, como Chevrolet, Mastercard e Oi. Esse período de amadurecimento técnico serviu como base para um passo ainda mais ambicioso: a abertura do Limetown Studios, fundado em parceria com sua esposa. O estúdio marcou uma fase essencialmente generalista, abrangendo desde o design de embalagens para aquários e criação de logotipos para o programa Caldeirão do Huck, até o desenvolvimento de maquetes eletrônicas para o setor da construção civil.

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salto internacional A busca por especialização no design de personagens para games motivou uma mudança estratégica para os Estados Unidos, por volta de 2015. A imersão em cursos e a presença constante em eventos do setor fortaleceram o networking, rendendo os primeiros clientes internacionais e transformando definitivamente os rumos do negócio. O retorno ao Brasil consolidou essa nova fase, permitindo parcerias com gigantes da indústria do entretenimento e tecnologia, incluindo Disney, Marvel, Blizzard, Riot e Adobe. A evolução constante do estúdio culminou, em 2020, em um rebranding estratégico, dando origem à Mad Boogie Creations, que passou a focar tanto na prestação de serviços quanto no desenvolvimento de propriedades intelectuais originais.

O ímpeto empreendedor também resultou, em 2025, na co-fundação da Bluetech Art, uma nova empreitada focada na criação de produtos inovadores para o mercado automotivo.

A intensa movimentação no mercado digital e automotivo despertou o desejo de explorar outras materialidades, conduzindo a um retorno à arte tradicional após décadas de distanciamento. Telas, itens de moda e objetos de decoração tornaram-se o novo suporte para experimentações autorais, permitindo a incorporação de referências estéticas que não encontravam espaço nos rígidos briefings comerciais, como as obras de Basquiat, Kaws e Virgil Abloh. A pintura assumiu o papel de terapia e libertação criativa, executada sem planejamento prévio e guiada pela música. Utilizando o recurso da poluição visual proposital, a arte tornou-se a ferramenta ideal para expressar a ansiedade e o Transtorno de Déficit de Atenção com Hiperatividade (TDAH).

A sobreposição caótica de pensamentos ganha forma nas pinceladas livres, resultando em composições que traduzem a agitação interna em obras visuais autênticas. O acervo completo de trabalhos e as novas experimentações na arte tradicional podem ser acompanhados através do perfil no Instagram [@gustlima].

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s a i r ó m e Têxtil M A mudança de ares e a readequação do estilo de vida frequentemente atuam como catalisadores para a profissionalização de talentos latentes. Nascida na capital paulista, a artista têxtil de 36 anos mantinha desde a infância uma forte conexão com as artes manuais, época em que aprendeu os primeiros pontos com linhas e agulhas. Há três anos, a busca por mais qualidade de vida motivou uma mudança definitiva para Piracicaba, no interior de São Paulo.

Foi nessa nova atmosfera que a paixão cultivada ao longo da vida ganhou propósito profissional e se estruturou como um modelo de negócio focado na preservação de memórias através do fazer manual minucioso.

Especializando-se no exigente mercado de casamentos, a produção autoral encontrou seu espaço ao transformar o tradicional bastidor em delicados porta-alianças bordados inteiramente à mão. O processo criativo é fundamentado na sensibilidade, no zelo e no afeto depositado em cada ponto, distanciando as peças do conceito de um mero acessório utilitário para elevá-las ao status de heranças afetivas projetadas para atravessar gerações. A dedicação cuidadosa aos detalhes de cada cerimônia já resultou na confecção e entrega de mais de duzentas peças para noivas em diversos estados do Brasil, alcançando também demandas internacionais e garantindo participações de destaque em feiras especializadas do segmento matrimonial.

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O desejo de compartilhar o bem-estar e a concentração proporcionados pelo trabalho com as linhas impulsionou a criação de um projeto paralelo focado no ensino prático.

Através de oficinas itinerantes voltadas para iniciantes, o projeto atua ressignificando espaços pela cidade de Piracicaba, transformando cafeterias, coworkings e lojas de decoração em verdadeiros ambientes de descompressão, networking e relaxamento. A iniciativa oferece aulas de bordado livre e da técnica de punch needle, além de firmar alianças com artesãs parceiras para o ensino de ofícios complementares, como o macramê. Atendendo a uma procura contínua e crescente, a frente educacional já contabilizou mais de quinze workshops ministrados apenas no decorrer deste ano.

Oficinas itinerantes e o fomento à economia criativa local Mais do que proporcionar um espaço para a adoção de um novo hobby ou uma terapia de desaceleração mental, os encontros mensais carregam um forte pilar de empoderamento e estímulo ao empreendedorismo feminino.

Diversas alunas saem das imersões tecnicamente transformadas e encorajadas a aceitar suas próprias encomendas, convertendo o ofício recém-aprendido em uma importante fonte de renda extra.

jetos sob encomenda ou Para os interessados em pro acervo completo e a na agenda de ensino, o mpanhados através dos programação podem ser aco ado.zen] e [@trama.pira], perfis no Instagram [@bord visuais desse percurso enquanto os registros grafadas pela própria contam com obras foto fissionais assinados por fundadora e retratos pro [@vanessaatallafotografia].

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ARTE, EDUCAÇÃO E SUPERAÇÃO doBrasilatéoLouvre

O Ateliê Patrícia Muniz e a superação de limites

A trajetória da artista visual e educadora Patrícia Muniz comprova que a arte, quando aliada ao acolhimento e à educação, possui um poder inestimável de transformação social. Iniciada nas artes aos 13 anos por incentivo materno em Londrina (PR), ela expandiu sua técnica e visão de mundo ao cursar Artes Visuais na Universidade Estadual de Londrina (UEL). Com especializações em arteterapia, arte-educação e neuropsicopedagogia, Patrícia compreendeu desde cedo que sua vocação não se limitava à produção autoral, mas residia na intersecção entre criar e ensinar. O trabalho direto com crianças em situação de vulnerabilidade e com questões de desenvolvimento evidenciou que a criação artística é um caminho fundamental para despertar talentos, fortalecer identidades e promover o cuidado emocional frente a dores silenciosas como ansiedade e síndrome do pânico.

Ao assumir o cargo de professora na rede municipal de Imbituba (SC), Patrícia deparou-se com um sistema de ensino rígido que limitava a liberdade criativa dos alunos. Decidida a mudar essa realidade, apresentou um projeto focado na verdadeira arteeducação. O impacto da iniciativa foi imediato e grandioso: logo no primeiro ano, o projeto foi premiado pela UNESCO como um dos cinco mais inovadores do Brasil.

Posteriormente, a Fiocruz foi até a cidade documentar o trabalho, reconhecendo-o como o segundo projeto mais inovador de Santa Catarina. O que começou em uma sala de aula evoluiu para o projeto "Arte por Toda Parte", que, impulsionado por leis de incentivo, já alcançou oito estados e impactou mais de 35 mil crianças — incluindo indígenas, autistas, pessoas com deficiência visual e moradores de áreas rurais e periféricas.

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O ciclo da arte na educação

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Atualmente radicada em Linhares, no Espírito Santo, a educadora ampliou ainda mais seu raio de ação. Em 2024 e 2025, o projeto foi semifinalista da Brasil Conference, em Boston, atestando seu potencial de impacto global. Foi também na cidade capixaba que nasceu o Ateliê Patrícia Muniz, um espaço dedicado à formação de crianças, jovens e adultos, oferecendo cursos de desenho, pintura, aquarela, cerâmica manual, torno e tapeçaria. O local funciona como um polo de conexões e solidariedade, promovendo cafés artísticos, ações culturais e campanhas sociais, como o leilão de obras cujos recursos foram destinados às famílias afetadas pela tragédia climática no Rio Grande do Sul. A expansão exponencial desse trabalho ocorreu de maneira surpreendente após um severo desafio de saúde. Patrícia sofreu um AVC isquêmico que paralisou o lado esquerdo de seu corpo. O árduo período de reabilitação e reconstrução tornou-se um ponto de virada: ela retornou às atividades totalmente recuperada, sem sequelas, e com uma urgência renovada em cumprir seu propósito, entendendo com ainda mais clareza o valor de cada vida tocada por suas aulas.

A consolidação de décadas de dedicação culmina agora em um capítulo histórico: a primeira exposição internacional do ateliê, sediada no prestigiado Carrossel do Louvre, em Paris. A mostra carrega um simbolismo profundo para a fundadora, pois ela dividirá o espaço de exposição com um artista que foi seu aluno no projeto "Arte por Toda Parte", em Imbituba, e que hoje atua como professor do projeto e do próprio Ateliê Patrícia Muniz.

Esse reencontro em um dos maiores palcos da arte mundial materializa a missão central da marca: utilizar a arte como uma ferramenta capaz de curar, incluir e, acima de tudo, devolver às pessoas a coragem de sonhar e ser autoras da própria história. Toda essa jornada no exterior e os desdobramentos dos projetos de arteeducação podem ser acompanhados através do perfil oficial no Instagram [@ateliepatriciamuniz].

É ARTISTA: PARTICIPE DAS PRÓXIMAS EDIÇÕES

Enquanto as atenções se voltam para a Copa do Mundo, a cultura pulsa intensamente. A efervescência de eventos de arte reafirma o vigor da nossa força criativa nacional. Assim como o esporte, a arte aproxima, provoca e também emociona. Ao fecharmos as páginas desta edição, espero que as reflexões propostas tenham expandido a sua perspectiva e tenha te inspirado.

Luzbela S. DIREÇÃO EDITORIAL

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