Revista Creator - N54

Venda proibida

CREATOR Nº54 | 2026 - Junho

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CATÁLOGO DE ARTES

EDIÇÃO ESPECIAL

MEMÓRIA AFETIVA Como a experiência com Como a infância e os traços puros dos netos inspiraram a essência da Doodle Art

ARTE CONTEMPORÂNEA Por que milhares de pontos aplicados manualmente transformam a tela em design sensorial

ENTREVISTA COM

Sandra Ramos Queiroz Memória Viva, Pontilhismo e Intuição

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CREATOR Direção Editorial LUZBELA SOUZA

Conteúdo BRUNA CAMILLE M. SILVA JIULIANA FERREIRA CARLA DE MENDONÇA DIEGO MATHIAS JR.

Site WWW.REVISTACREATOR.COM

Contato CONTATO@REVISTACREATOR.COM

Instagram @REVISTA_CREATOR

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Indice 6 - SANDRA RAMOS QUEIROZ 12 - LUITHI CARLOCHI 13 - ENTRELAÇOS ATELIÊ 15 - LILIANE CAETANO 16 - LIVIA SCUSSOLINO 18 - LENIS SARY 19 - TELA & BARRO

CREATOR

Sandra Ramos Queiroz A artista visual Sandra Ramos Queiroz desenvolve uma pesquisa artística contemporânea fundamentada na necessidade de transformar sentimentos, memórias e histórias em registros perenes. Conduzindo seu trabalho sob a assinatura de suas marcas, Doodle Art e Doodle Dots, ela iniciou sua trajetória de maneira intuitiva e profundamente ligada ao campo das conexões emocionais. Mais do que uma escolha corporativa ou de mercado, sua produção artística se estabeleceu como uma ferramenta para eternizar momentos e construir elos afetivos entre o público e suas próprias lembranças.

Sua essência criativa e pessoal é atravessada pelas relações cotidianas e pelo acolhimento familiar.

Sandra aponta o marido, Carlos, como figura fundamental de suporte em sua caminhada artística, mas destaca os netos, Helena, de 7 anos, e Joaquim, de 4 anos, como a verdadeira alma e inspiração por trás de seu repertório.

A observação da espontaneidade, dos traços livres e da imaginação pura das crianças despertou na artista um novo olhar sobre a capacidade que a arte possui de gerar conforto e memória afetiva.

Guiada por um temperúdio atento à delicadeza dos pequenos detalhes que frequentemente passam despercebidos, Sandra estruturou sua formação por meio da prática contínua, da observação e da experimentação material. Sua dedicação em pesquisar técnicas e suportes visa expandir o alcance de suas marcas no design sensorial. Ela se define como uma criadora movida pela conexão emocional, empenhada em conceber obras autorais feitas à mão que ofereçam ao espectador uma experiência de proximidade humana.

Entrevista CREATOR

MEMÓRIA VIVA Sandra Ramos Queiroz transita por uma poética que funde a sensibilidade da infância aos preceitos da arte contemporânea. O propósito de seu fazer artístico consolidou-se quando decidiu criar os primeiros quadros inspirados diretamente nas ilustrações produzidas por seus netos, Helena e Joaquim. Esse exercício de transposição visual revelou à artista que sua produção poderia ir além do prazer estético, atuando como um testemunho duradouro de fases e vivências que o tempo costuma dissipar.

SENSORIAL O objetivo central de suas marcas, Doodle Art e Doodle Dots, reside em transpor histórias reais e nuances afetivas para o suporte físico, gerando um manifesto de acolhimento público. Sandra busca fazer com que suas criações sejam sentidas e experimentadas, e não meramente observadas pelo espectador.

Suas obras refletem suas próprias vivências e visões de mundo, unindo a intimidade de suas conexões familiares a uma linguagem visual que convida o público a resgatar suas próprias identidades e narrativas emocionais.

Entrevista CREATOR

Pontilhismo Relevado A estrutura técnica do trabalho de Sandra baseia-se na pintura manual com o uso de tinta acrílica sobre tela, suporte no qual ela pesquisa o desenvolvimento de texturas e relevos para explorar efeitos de profundidade, luz e movimento. O grande diferencial de sua linguagem materializa-se na coleção Doodle Dots, caracterizada pela aplicação artesanal de milhares de pontos preenchidos um a um. Esse processo minucioso e executado inteiramente à mão confere tridimensionalidade e uma densa identidade sensorial à superfície pictórica.

INTUIÇÃO O processo criativo da artista é livre, de caráter predominantemente espontâneo e intuitivo, embora amparado por uma rotina de disciplina e dedicação no ateliê. Sandra utiliza recursos tecnológicos apenas na etapa de comunicação e apoio no desenvolvimento visual de suas marcas, preservando a execução 100% manual como o núcleo de valor de sua obra.

Diante de bloqueios criativos, sua estratégia consiste em desacelerar e observar o cotidiano, permitindo que a composição evolua de forma gradual a partir de uma sensação ou história inicial.

Entrevista CREATOR

Afeto Coletivo A contribuição cultural de Sandra Ramos Queiroz reside na salvaguarda de processos manuais aplicados ao design autoral e na valorização da pureza estética da infância.

A recepção de suas primeiras criações pelo público demonstrou que os espectadores identificavam nos quadros suas próprias memórias e afetos. Ao introduzir a coleção Doodle Dots, a artista expandiu o impacto de seu trabalho, oferecendo ao circuito uma linguagem contemporânea e tátil que estimula a sensibilidade e promove a conexão humana por meio do fazer artístico genuíno.

Entrevista CREATOR

Fronteiras Próximas Os planos imediatos de Sandra envolvem a expansão das marcas Doodle Art e Doodle Dots através do desenvolvimento de novas coleções e do estudo de técnicas que incluam o uso de resina e projetos de iluminação diferenciados. Para os próximos cinco anos, a artista projeta consolidar seu nome no cenário artístico contemporâneo, alimentando o sonho de inserir suas obras em galerias e exposições internacionais em países como Itália, França, Portugal e Estados Unidos. Sandra busca alcançar um público e colecionadores que valorizem a arte feita à mão, almejando criar experiências imersivas que levem sua mensagem afetiva a diferentes culturas.

Entrevista CREATOR

MARIAH FOLHASMARÉ

Imersão A Revista Creator convida você a se reconectar com suas lembranças mais puras através do universo sensorial de Sandra Ramos Queiroz.

Permita-se tocar pela delicadeza das texturas e pelo ritmo paciente de milhares de pontos que dão forma às coleções Doodle Art e Doodle Dots. Visite nossa plataforma digital para conhecer os bastidores desse processo essencialmente manual e descubra como as memórias da a Revista Creator Verdi compartilhar infância e asagradece emoçõesa Alessandra reais podem serporeternizadas emsuaobras inspiradora jornada artística conosco e com nossos leitores.

Fiquem contemporâneas repletas de significado. atentos às próximas exposições e projetos dessa talentosa artista, pois sua arte continua a iluminar e inspirar. @SANDRADOODLEART @ALEVERDIATELIER

CREATOR P O R T A L

Arte e inclusão social guiam obras de pintor autodidata após superação O artista plástico Luithi Carlochi utiliza a pintura para promover a inclusão social e a superação, transformando um trauma pessoal em reflexão visual.

A resiliência transformada em narrativa visual nas artes plásticas Em um cenário contemporâneo onde o ritmo acelerado e os padrões excludentes frequentemente invisibilizam vivências, a expressão artística surge como um poderoso veículo de transformação e empatia. Transformando experiências extremas de superação em diálogos sobre a condição humana, o artista plástico e escritor autodidata Luithi Carlochi propõe, através de suas telas, uma profunda reflexão sobre inclusão, dignidade e resiliência. Sua produção visual convida o público a repensar as diferentes formas de existir, desafiando estigmas e barreiras sociais por meio de composições expressivas que celebram a capacidade de recomeçar.

O autodidatismo e a virada de perspectiva após o trauma Nascido em 1983, no município de Jundiaí, no interior paulista, a conexão do criador com as artes visuais teve início ainda na infância, quando qualquer superfície, desde folhas de papel até as paredes do quintal, servia como espaço para o desenho. Essa paixão espontânea amadureceu e ganhou um novo peso existencial após um grave acidente que reconfigurou integralmente sua percepção sobre a vida. A partir deste marco, elementos como o tempo, o equilíbrio e o amor pela vida passaram a ocupar o papel central de sua visão estética, fundamentando um olhar mais humano e atento aos desafios enfrentados diariamente.

A técnica pictórica e o reconhecimento no interior paulista A materialização dessa nova perspectiva ocorre por meio de técnicas mistas, envolvendo a aplicação de tinta acrílica e óleo sobre a tela. Buscando inspiração constante na transformação pessoal e no cotidiano, as cores marcantes são utilizadas para contrapor os julgamentos e expectativas de uma sociedade excludente. O impacto dessa abordagem temática rendeu visibilidade em circuitos artísticos relevantes, destacando-se a obra "Horizonte de Possibilidades". A pintura acrílica de 50 x 70 cm integrou a exposição do Salão de Artes Visuais (SAV) de 2025, na cidade de Vinhedo (SP), representando visualmente a jornada de expansão da consciência e a busca por paz interior em meio ao caos da vida moderna.

A arte como agente de diálogo e educação social Muito além da busca pela excelência estética, o objetivo do acervo é atuar como uma ferramenta de educação e impacto sociocomunitário. O trabalho é direcionado a museus, galerias, colecionadores, instituições culturais e projetos motivacionais que buscam despertar sentimentos e promover uma visão verdadeiramente inclusiva da sociedade. Utilizando cada pincelada como um convite ao reconhecimento e acolhimento da diversidade das experiências humanas, o pintor consolida seu ofício como um espaço de esperança.

O portfólio completo e os novos desdobramentos dessa jornada de arte e superação podem ser acompanhados diretamente através do perfil no Instagram [@carlochi.art].

CREATOR P O R T A L

Arte têxtil e feltragem traduzem memórias como antídoto contra o burnout Após um burnout na área de tecnologia, Daniela Cit Werle cria o Entrelaços Ateliê, unindo bordado e feltragem para eternizar memórias afetivas.

O resgate do feito à mão contra a exaustão digital O esgotamento mental provocado pelo ritmo acelerado e volátil do mercado corporativo tem feito com que profissionais busquem refúgio no tempo orgânico dos ofícios manuais. O que inicialmente surge como uma atividade terapêutica para lidar com o estresse frequentemente se transforma em um novo modelo de vida e negócios. Inserida neste contexto de transição, Daniela Cit Werle, criadora da marca Entrelaços Ateliê, encontrou na arte têxtil um verdadeiro antídoto contra a exaustão da vida moderna. Após enfrentar um severo quadro de burnout em sua carreira formal, ela transformou a desaceleração imposta pelo feito à mão em sua atividade principal, provando que o trabalho manual tem o poder de reabilitar a saúde mental e gerar independência.

Da tecnologia de volta às raízes artesanais A conexão da fundadora com as linhas e agulhas antecede sua consciência sobre o termo "arte têxtil". Crescendo cercada por uma família de artesãs, aprendeu a fazer crochê e a bordar ponto cruz ainda na infância, chegando a comercializar peças com sua avó materna. Apesar dessa rica herança, buscou outros caminhos profissionais: cursou Geologia e formou-se em Design Gráfico, atuando por anos como UX Designer no mercado de tecnologia. Foi no momento mais crítico dessa trajetória digital que a arte retornou como mecanismo de sobrevivência. O ofício a ensinou a respeitar seu próprio tempo e a abandonar o modelo de trabalho CLT, consolidando a decisão de empreender e dedicar sua atenção e intenção integrais a cada etapa do processo artesanal.

Retratos feltrados e o universo lúdico da maternidade A identidade visual do ateliê estruturou-se na mistura das técnicas de bordado livre e feltragem com agulha — também conhecida como pintura com lã. Utilizando fotografias como referência primária, as fibras são esculpidas gradualmente para compor retratos que homenageiam entes queridos, celebram casamentos ou nascimentos. Em vez de focar no hiper-realismo, a artista busca uma tradução afetiva e ilustrativa, utilizando tons suaves, texturas naturais e elementos em madeira para transmitir a sensação de conforto e acolhimento de um abraço. Esse estilo delicado foi abraçado pelo universo infantil, de modo que atualmente 90% dos quadros de porta-maternidade desenvolvidos pela marca incorporam a feltragem para conferir uma atmosfera lúdica e exclusiva aos ambientes.

Gestão para artesãs e o futuro na educação têxtil Compreendendo que a sustentabilidade do artesanato exige mais do que inspiração, a empreendedora aliou sua bagagem tecnológica à vivência manual para co-criar o "Use Bordô", uma plataforma de gestão desenvolvida especificamente para auxiliar bordadeiras a precificar, controlar estoques e gerir encomendas, profissionalizando o nicho para milhares de mulheres. Olhando para o futuro, o foco da criadora volta-se para a expansão educacional. O planejamento visa retirar a arte do ambiente solitário do ateliê através de encontros presenciais para o ensino da feltragem e do bordado, proporcionando aos alunos o mesmo respiro que transformou sua vida.

O acervo de obras sensoriais e as novidades da marca podem ser acompanhados através do perfil no Instagram [@oentrelacosatelie].

Belas artes inspiram nossas artes visuais.

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Cerâmica artesanal transforma argila e silêncio em refúgio de bem-estar A ceramista Liliane Caetano encontra na cerâmica artesanal um refúgio de pausa e silêncio, criando peças exclusivas que promovem reflexão e bem-estar.

O resgate do silêncio e o impacto da arte no bem-estar contemporâneo A busca por pausas e momentos de introspecção tem ganhado protagonismo como resposta à hiperatividade do mundo moderno. Transformar o silêncio e a concentração em ferramentas ativas de bem-estar e sofisticação é o eixo central do trabalho da marca Cerâmica Liliane Caetano. Com foco na criação de peças exclusivas e modernas, a ceramista Liliane Caetano de Paula utiliza o trabalho manual com a argila para provocar experiências estéticas, reflexivas e emocionais, provando que a arte pode surgir de maneira inesperada para ressignificar a rotina e estruturar novos propósitos de vida baseados na simplicidade.

De hobby despretensioso à descoberta do propósito criativo O encontro da criadora com o universo do barro ocorreu sem grandes pretensões, iniciando-se primeiramente como um hobby. A introdução do ofício em sua rotina, no entanto, a tomou por inteiro, despertando níveis profundos de criatividade, sensibilidade e imaginação que até então aguardavam a hora certa para se manifestar. O que antes era uma experimentação descompromissada evoluiu à medida em que o domínio das técnicas se aprofundava. Esse processo de aprendizado contínuo permitiu que ela descobrisse não apenas novas formas físicas, mas também um propósito claro de criação, culminando no lançamento oficial de sua marca nas redes sociais em junho de 2025.

O ateliê físico como refúgio de paciência e oração A evolução de sua pesquisa estética e material demandou a estruturação de um espaço dedicado à concentração absoluta. Em fevereiro de 2026, esse movimento materializou-se com a inauguração de seu próprio ateliê, concebido como um verdadeiro refúgio de pausa, criação e oração. Neste ambiente, onde a matéria se transforma em experiência sensível e o gesto deixa vestígios, o tempo é deliberadamente lento. A artesã permite que as mãos aprendam a esperar, utilizando a modelagem como um exercício direto de paciência. A construção de cada objeto respeita um ritmo orgânico, focando naquilo que consegue atravessar o tempo com presença e sofisticação.

A intenção por trás das matérias-primas e o acesso ao acervo Longe de iniciar sua jornada criativa pela forma final, o processo da ceramista tem seu ponto de partida na intenção, passando pela escuta até se revelar no sentimento. A seleção criteriosa de cada massa e esmalte não se baseia apenas na escolha de materiais brutos, mas na definição de um estado de espírito, visto que cada elemento carrega memória, densidade e plasticidade próprias. O cuidado minucioso com a finalização e o encontro exato da forma com a cor garantem que a beleza final resida na felicidade do simples.

Para o público que deseja integrar essa atmosfera de sofisticação, intenção e exclusividade aos seus ambientes, o acervo de obras finalizadas e o acompanhamento das rotinas do ateliê estão disponíveis através do perfil no Instagram [@ceramicalilianecaetano].

CREATOR P O R T A L

Imersões na Europa e aprofundamento técnico internacional

Pintura em porcelana resgata memória e técnicas clássicas europeias O esmalte como elo entre o rigor técnico e a expressão afetiva Em uma era dominada pela produção acelerada e pelo consumo de itens descartáveis, o resgate do trabalho manual surge como uma forma de resistência cultural e preservação de histórias. Transformando a matéria bruta em brilho e permanência, a pintura em porcelana eleva objetos utilitários ao patamar de legado emocional. Inserida nesse movimento de valorização do tempo lento, a artista María Livia Fiuza Scussolino, também conhecida como Livia Scussolino, encontrou no esmalte um fio invisível condutor para sua trajetória. À frente da marca Lis atelier, ela une a precisão e a delicadeza artesanal para resgatar o valor do afeto, traduzindo técnicas sofisticadas em peças criadas para atravessar gerações.

Da precisão da estética bucal ao recolhimento na pandemia A repetição poética do esmalte como linguagem sensível permeia a história da criadora muito antes das artes plásticas. Formada em Odontologia e com pósgraduação em Estética Bucal pela UNICAMP, ela iniciou sua vida profissional em uma área pautada pelo extremo rigor técnico e pelo olhar minucioso sobre beleza e acabamentos. Após o casamento e a maternidade, optou por pausar a carreira para dedicar-se integralmente às filhas. O ponto de virada criativa ocorreu durante a pandemia, quando um momento de recolhimento e redescoberta pessoal a levou a iniciar estudos artísticos, revelando na porcelana uma continuação silenciosa de tudo aquilo que já carregava em sua essência.

O interesse inicial transformou-se em uma busca profunda por excelência artesanal e repertório histórico. Natural de Tatuí e residente em Rio Claro (SP), a artista mantém uma rotina de deslocamento até a capital paulista para aulas com Nanci Caliente, aliando o ensino local a uma forte capacitação internacional. Destacam-se os estudos com a francesa Elsa Claire Rondeau e a imersão, em 2024, em Limoges — o berço da manufatura na França —, com visitas aos museus de Adrien Dubouché e Sèvres. Em 2025, o aprimoramento seguiu em Portugal, na tradicional Vista Alegre. Com novo retorno à França marcado para 2026, seu domínio abrange expressões clássicas complexas, como a técnica Toile de Jouy, a modelagem de laços em massa e a confecção de "ovos imperiais".

A herança manual e a arte de revelar beleza e valor Mais do que a aplicação de pigmentos e ouro líquido, a produção consolida-se como a extensão de uma identidade. Herdeira de uma linhagem feminina, a autora cresceu observando a delicadeza das mãos de sua mãe na transformação de tecidos através da costura. Hoje, essa bagagem afetiva ganha uma leitura contemporânea em coleções autorais, criações exclusivas e peças sacras pintadas inteiramente à mão. Fundamentado no conceito de revelar beleza onde muitos já não percebem valor, o ateliê atua para transformar o cotidiano em uma verdadeira experiência estética.

O portfólio completo destinado a quem busca preservar narrativas por meio da arte pode ser acessado através do perfil no Instagram [@lisatelierc].

As galerias lançam tendências, museus eternizam a história.

CREATOR P O R T A L

Pintura realista e folclore polonês eternizam memórias no Paraná A artista visual Lenis Sary utiliza a pintura realista para eternizar histórias, laços afetivos e a riqueza cultural do folclore polonês no interior do Paraná.

O resgate da ancestralidade e o afeto eternizado nas telas O resgate da ancestralidade e a eternização de laços afetivos têm transformado a produção artística contemporânea em um poderoso veículo de preservação cultural e emocional.

Distanciando-se de produções massificadas, o olhar atento aos detalhes, expressões e texturas permite que memórias pessoais e narrativas coletivas ganhem permanência através das tintas. É exatamente neste cenário de valorização da identidade e do afeto que a artista visual Lenis Sary consolida sua trajetória no Paraná, unindo a precisão técnica da pintura realista ao rico imaginário do folclore polonês para transformar encomendas em homenagens genuínas que retratam histórias, amores e saudades.

Do incentivo familiar especialização no realismo

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A relação de Lenis com as artes visuais desenvolveu-se de forma ininterrupta desde a infância, impulsionada pelo apoio direto de sua família e pela inspiração em sua avó, a também artista Amélia Sary. O aprendizado no desenho ocorreu de maneira majoritariamente autodidata, sendo aprimorado através da observação e de aulas de pintura na prefeitura local, onde a artista superou o receio inicial e dominou as misturas e sombreamentos com tinta acrílica. A transição para o mercado profissional iniciou-se de forma orgânica aos 16 anos, quando a divulgação despretensiosa de seus trabalhos no Instagram resultou em sua primeira encomenda de retratos. O sucesso da entrega desencadeou uma rede contínua de pedidos, consolidando a criação de retratos humanos e animais como sua grande especialidade no realismo.

Ancestralidade e a preservação do folclore polonês Residente em uma colônia no Paraná e com forte ascendência europeia, a criadora fundiu seu rigor técnico com uma de suas maiores paixões autorais: a tradição folclórica polonesa. Integrante de grupos de dança desde os cinco anos de idade — com extensa atuação no Grupo Folclórico Polonês Wawel e, posteriormente, no Wisła —, ela utiliza a arte para documentar a riqueza das indumentárias coloridas e detalhadas dessa cultura. Esse resgate culminou em sua primeira exposição individual, intitulada “Raízes Polonesas em Cores Brasileiras”. A mostra foi exibida em 2023 na Casa da Cultura Polonesa Pe. Karol Dworaczek, em sua terra natal, a Colônia Murici (São José dos Pinhais), sendo posteriormente levada ao Bosque Papa João Paulo II, em Curitiba.

O impacto comunitário e o acesso ao acervo de retratos Priorizando o uso das tintas acrílicas por sua versatilidade, a artista dedica-se à reprodução minuciosa de nuances de pele, brilho no olhar e pelagens, garantindo que cada quadro cumpra seu propósito emocional. Peças emblemáticas do acervo, como "Conexão Divina" (2025) e "Amigo Padre Alojzy" (2024) — encomendada pelo Kawiarnia Café Colonial —, demonstram o forte impacto comunitário e a comoção gerados por seu trabalho, que também integrou exposições recentes como "Mulheres que inspiram" (com a obra "Malala Yousafzai") e a "Exposição Sacra" (com a obra "Você é minha").

Para admiradores do hiperfoco nos detalhes, colecionadores e pessoas interessadas em transformar suas próprias histórias e saudades em obras de arte exclusivas, o portfólio completo pode ser acompanhado diretamente no perfil do Instagram [@lenissary_art].

CREATOR P O R T A L

A imersão internacional e o simbolismo poético da criação A estruturação dessa identidade criativa entrelaça formação acadêmica e experiências pessoais transformadoras. Graduada em Arquitetura e Urbanismo pela UFRJ em 2022, Luísa viu sua percepção artística expandir-se decisivamente durante um intercâmbio na França, entre 2020 e 2021. Morando na casa de uma ceramista local, a presença constante de esculturas no ambiente, aliada ao isolamento da quarentena, catalisou sua produção em aquarela. Foi nesse período que o simbolismo de uma música sobre a conexão entre o oleiro e o barro, e o artista e a tela, a atravessou profundamente. A constatação de ser simultaneamente matéria e superfície para a construção da beleza deu origem ao nome e ao conceito central da marca, que nasceu inicialmente compartilhando pinturas nas redes sociais.

Cerâmica e pintura afetiva resgatam a beleza da arquitetura no cotidiano A materialização da beleza através do encontro entre o barro e a tinta A busca por leveza e a materialização da beleza nos espaços cotidianos têm impulsionado uma nova geração de criadores a fundir diferentes disciplinas artísticas. Em um mercado que valoriza cada vez mais a intencionalidade do feito à mão, a marca Tela & Barro, idealizada pela arquiteta e artista Luísa Kobi Rangel, destaca-se ao unir a cerâmica artesanal e a pintura afetiva. Sua produção subverte a rigidez das rotinas modernas, transformando argila e pigmentos em peças utilitárias e decorativas que despertam a alegria da imaginação e carregam significados profundos para projetos de arquitetura e design de interiores.

Modelagem manual e a fluidez da aquarela na cerâmica Ao retornar ao Brasil para atuar como arquiteta no Rio de Janeiro, a criadora expandiu seu repertório de forma autodidata, inserindo a cerâmica definitivamente em sua rotina após passagens por ateliês na capital fluminense e em Petrópolis. A produção atual é 100% manual, baseada exclusivamente em técnicas de modelagem e queima em alta temperatura. O diferencial estético do estúdio reside na experimentação contínua: Luísa testa diferentes colorações de argila e aplica técnicas de aquarela e desenho diretamente nas peças tridimensionais. Nas telas tradicionais, utiliza papéis de algodão ou tintas acrílicas trabalhadas com técnicas aguadas para garantir um aspecto suave. Suas inspirações dividemse em três pilares fundamentais: a diversidade da natureza, a vulnerabilidade e os laços entre as pessoas, e os detalhes da arquitetura, frequentemente traduzidos em poéticas miniaturas de casas, prédios e vilas.

Obras sob encomenda e o lançamento de novas coleções Projetado para levar calma e sensibilidade aos ambientes, o portfólio da Tela & Barro destina-se a um público que percebe o impacto do artesanal na vida diária, englobando arquitetos, designers, noivos e pessoas que buscam presentear com propósito e exclusividade. Operando fortemente com pinturas e peças personalizadas e pensadas para a história de cada cliente, a marca celebrou o lançamento de uma significativa coleção de utilitários e itens decorativos em dezembro de 2025. Mantendo o foco na autenticidade e na pesquisa estética contínua, o estúdio prepara o lançamento de sua próxima coleção autoral para o final deste ano.

Para encomendar projetos sob medida e acompanhar a fusão entre arquitetura, tinta e barro, o acervo completo está disponível no perfil do Instagram [@tela.e.barro].

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Coluna CREATOR

Arte

CHÁ COM

Na coluna de hoje, proponho um olhar sobre a aparente dualidade entre a sensibilidade artística e a precisão dos dados. Historicamente, o mercado foi

guiado

quase

que

exclusivamente

pela

intuição.

No entanto, vivemos uma transição profunda onde a tecnologia começa a remodelar a forma como catalogamos, avaliamos e preservamos a nossa cultura. Sempre defendi que a inovação não surge para substituir o olhar humano, mas para expandir a sua capacidade analítica. O uso de novas ferramentas na análise de acervos e na dinâmica ágil dos leilões traz uma camada de transparência

fundamental

para

rastrear

a

proveniência e o valor das obras.

“A INOVAÇÃO NÃO RETIRA A POESIA DA OBRA; ELA APENAS GARANTE QUE O SEU VALOR ECOE COM PRECISÃO NA HISTÓRIA.”

O grande desafio contemporâneo não é escolher entre o algoritmo e o pincel, mas entender como essas duas forças convergem para proteger o patrimônio. O curador do futuro é aquele capaz de transitar com fluidez entre esses mundos.

Valorizar a essência de uma tela exige uma sensibilidade ímpar, mas garantir que esse legado sobreviva e seja estruturado em um mercado globalizado exige método. Convido você a enxergar a tecnologia não como uma fria oposição à arte, mas como a sua mais nova e poderosa guardiã.

Luzbela Souza Direção Editorial

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CREATOR É ARTISTA: PARTICIPE DAS PRÓXIMAS EDIÇÕES

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