Revista Creator - N53

Venda proibida

CREATOR │

Nº53 | 2026 - Junho

©Todos os Direitos Reservados a Zul Editora @revita_creator

CATÁLOGO DE ARTES

EDIÇÃO ESPECIAL

CONVÍVIO MESTRE

COM

O

Como a experiência com Di Cavalcante transformou sua carreira

FOTOGRAFIA REVELADORA Por que as nuances da natureza passam despercebidas no caos urbano

ENTREVISTA COM

Germano Expressão Dual, Revelação e Vitalidade

06

06

CREATOR Direção Editorial LUZBELA SOUZA

Conteúdo BRUNA CAMILLE M. SILVA JIULIANA FERREIRA CARLA DE MENDONÇA DIEGO MATHIAS JR.

Site WWW.REVISTACREATOR.COM

Contato CONTATO@REVISTACREATOR.COM

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Indice 6 - GERMANO 12 - GIOVANNI DI PRETE 13 - PINTANDO ASÉ 15 - FEITO ALECRIM ATELIÊ 16 - GABI VINAGRE CERAMISTA 18 - ANA LAGE 19 - GURU OFICINA DE ARTE 22 - CRIS LINS 23 - ANA VALÉRIA 24 - VÂNIA MARIA 25 - MANITERRA 27 - CAMILA CARDENAZ 28 - IULI 29 - WANESSA MORONE 30 - ATELIÊ CAROL VERALDI 31 - EDUARDO MELLO 32 - SISSI SOARES 34 - YO CRUZUÉ 35 - CLÁUDIA BOTREL 36 - ANNA ISABEL ALBUQUERQUE 37 - AYA CERÂMICA 40 - RENATA WERTHER 42 - LAGE ATELIÊ 44 - TENNIS&ARTE 45 - FRAME ARTE & MOLDURA

CREATOR

Germano A trajetória de Germano no universo das artes visuais é um testemunho de paciência, destino e paixão preservada ao longo de décadas.

Carioca, nascido com o pendor para o desenho e a pintura, viu o início de seu percurso acadêmico ser interrompido aos 17 anos quando, apesar de aprovado no vestibular de Belas Artes, precisou abdicar da vaga por razões familiares.

O destino, contudo, o colocou como contínuo em uma agência bancária na rua do Catete, no Rio de Janeiro, situada no térreo do edifício onde residia e trabalhava o mestre Di Cavalcante.

Tornando-se cliente da agência, o grande pintor modernista adotou o jovem Germano como seu pupilo, proporcionando-lhe um aprendizado histórico e marcante.

Impossibilitado de subsistir financeiramente apenas como artista plástico naquele período, Germano seguiu carreira no mercado financeiro, setor onde cresceu e se desenvolveu profissionalmente por mais de 50 anos até a sua aposentadoria.

Durante essa longa jornada corporativa, sua personalidade sensível manteve-se alimentada pela proximidade com o circuito cultural: frequentou galerias, visitou museus, leu livros de arte e conviveu com grandes nomes, além de estudar fotografia e se aproximar de profissionais renomados.

Somente aos 74 anos, com a vida profissional consolidada e totalmente aposentado, ele decidiu que era o momento de materializar sua paixão guardada.

Atualmente, aos quase 82 anos de idade, Germano desfruta de uma vida plena no Rio de Janeiro ao lado de sua esposa, filhos e uma linda família, guiado pelo propósito de viver sem ter a vergonha de ser feliz.

Sua essência artística combina a vivência e o aprendizado obtidos com Di Cavalcante e, posteriormente, com a convivência com o artista Kasuo Wakabayashi. Alheio às cobranças de mercado ou à busca por públicos específicos, ele se define como alguém que realiza seus sonhos diariamente através do exercício livre do fazer artístico, encontrando nas cores a alegria, a paz e a afirmação de se sentir plenamente vivo.

Entrevista CREATOR

EXPRESSÃO DUAL O trabalho de Germano se desdobra em duas vertentes complementares: a pintura, onde manifesta um estilo puramente abstrato, e a fotografia, descrita por ele como um exercício revelador. Na vertente pictórica, sua produção se caracteriza pelo uso expressivo de cores vivas e círculos que se misturam, ora vazados, ora preenchidos, com o objetivo de transmitir alegria aos olhos de quem os contempla. Já na fotografia, seu foco deslocase para o registro documental e minucioso da fauna e da flora urbanas.

REVELAÇÃO Através de suas imagens, o artista busca resgatar elementos que a pressa do dia a dia impede a sociedade de contemplar, capturando detalhes que passam despercebidos à maioria das pessoas. Seu propósito é surpreender o observador ao revelar a riqueza visual presente em texturas cotidianas, como as nuances das cascas de árvores, o interior das flores, fungos coloridos e a imensa diversidade de tons verdes contidos em uma única planta. Para Germano, a fotografia atua como uma ferramenta de desaceleração, confrontando o ritmo atribulado das metrópoles com o tempo da própria natureza.

Entrevista CREATOR

Fluidez Livre Na pintura, a técnica de Germano baseia-se na utilização exclusiva da tinta acrílica sobre tela, selecionada devido à sua facilidade de manuseio e por ser um material inodoro. Seu processo de criação pictórica é absolutamente espontâneo e sentimental: o artista não realiza projetos prévios ou esboços estruturados, permitindo que as ideias surjam e se desenvolvam de forma livre a partir da escolha da cor de fundo da tela. Caso o andamento não corresponda ao seu sentimento momentâneo, ele altera o rumo dos traços e deixa a composição fluir organicamente.

INTENSIDADE Em sua prática fotográfica, Germano transita entre o uso de câmeras profissionais e o telefone celular, ao qual se refere como uma arma poderosa de captação imediata. Suas influências visuais não derivam de sua formação acadêmica, mas sim de uma bagagem cultural construída pela observação constante e pelo encantamento gerado pelas cores intensas, traçando um paralelo poético com a luminosidade dos vitrais de Antoni Gaudí. As inovações tecnológicas são encaradas por ele como aliadas técnicas que facilitam o registro, mas que não alteram a essência da arte, que reside estritamente no sentimento humano.

Entrevista CREATOR

Fronteiras A produção de Germano alcançou relevância e circulação internacional através de exibições em centros culturais distintos.

Na fotografia, sua obra mais célebre é intitulada "Sobrevivência", um registro que documenta a força das raízes de uma árvore rompendo o asfalto e o cimento das calçadas para resistir ao meio urbano hostil. Essa imagem foi publicada em um veículo impresso de Nova York e acompanhada por uma crítica especializada.

No campo da pintura, o artista destaca a tela "Alegria" como um marco de sua pesquisa cromática abstrata, tendo sido agraciada com a medalha de bronze no Salão de Artes Plásticas de Arceburgo, em Minas Gerais, no ano de 2024.

Entrevista CREATOR

Presente Com exibições marcantes realizadas em Dubai e no Cairo, no Egito — onde recebeu um prêmio de honra em 2026 —, Germano consolidou a percepção de que a expressão artística não possui fronteiras geográficas ou culturais. Seus objetivos para o futuro concentram-se na manutenção de sua saúde e na continuidade de sua prática diária de pintar e fotografar em seu ateliê.

Recusando planejamentos rígidos ou metas comerciais, o artista prefere focar no tempo presente, entendendo que novos projetos devem surgir de forma natural e sem premeditação, mantendo a felicidade pessoal como eixo de sua produção.

Entrevista CREATOR

MARIAH FOLHASMARÉ

Vitalidade A Revista Creator convida você a compartilhar da vitalidade e do olhar poético de Germano, um artista que prova que o tempo é um aliado da realização dos sonhos. Conheça as pinturas abstratas que celebram o magnetismo das cores e as fotografias que revelam os segredos escondidos na textura das árvores urbanas. Acesse nosso portal digital para explorar a galeria virtual do artista e inspire-se a despertar sua a Revista Creator agradecelembrando a Alessandra Verdi compartilhar própria sensibilidade, que a arte por pertence a todos sua e exige inspiradora jornada artística conosco e com nossos leitores.

Fiquem apenas a coragem de começar. atentos às próximas exposições e projetos dessa talentosa artista, pois sua arte continua a iluminar e inspirar. @GERMANOARTE.PINTURAS2022 @ALEVERDIATELIER

CREATOR P O R T A L

Herança visual e desenho técnico pautam nova pesquisa estética O arquiteto e professor Giovanni Di Prete assume sua produção nas artes visuais, unindo o rigor do desenho técnico à liberdade poética do pastel seco.

A assunção de uma identidade criativa ganha contornos de complexidade quando acompanhada por um legado histórico denso. Arquiteto e professor, Giovanni Di Prete carrega no sobrenome a herança direta de seu avô, Danilo Di Prete — nome central na história da arte ítalo-brasileira e um dos fundadores da Bienal de São Paulo. Durante anos, essa referência atuou de forma silenciosa, baseando a construção de uma produção visual mantida no rigor do âmbito privado. Agora, o criador decide expor formalmente seus trabalhos, inaugurando um capítulo onde assume sua produção autoral e reinterpreta esse legado sob uma chave estritamente contemporânea, afirmando sua própria voz no circuito de artes visuais.

O rigor estrutural frente à fragmentação A bagagem acadêmica no campo da arquitetura forneceu a base indiscutível para o desenvolvimento de um olhar apurado sobre espaço, forma e composição. Contudo, é no desenho e na pintura que o artista encontra um território intuitivo de investigação onde a rigidez cede espaço à experimentação. Sua obra recusa a mera observação passiva; as imagens são construídas como quem projeta organizando fluxos, ritmos e tensões. Nessas composições, figuras humanas se multiplicam em camadas sugerindo o corpo em deslocamento contínuo, enquanto linhas angulares e estruturas geométricas se entrelaçam a formas orgânicas. O resultado visual é a construção de cartografias sensíveis e paisagens que operam no limiar exato entre o real e o imaginado.

A materialidade técnica e a subversão do traço A escolha dos materiais atua como uma extensão direta de seu conceito de fusão disciplinar. A produção desenvolve-se através de técnicas mistas sobre papel.

A utilização de canetas marcadoras e lápis de cor remete ao universo do desenho técnico e dos croquis arquitetônicos, impondo controle e angulação. O contraste intelectual ocorre com a introdução do pastel seco, que atua como o elemento primário de subversão tátil. Através de sua opacidade, textura e da mistura realizada diretamente com os dedos, o pastel dissolve a rigidez inicial geométrica, criando atmosferas atmosféricas e livres. O diferencial metodológico de sua pesquisa repousa justamente nesse equilíbrio tenso entre o domínio do traço e a imprevisibilidade do pigmento.

A investigação do tempo e o acervo visual Mais do que criar representações estéticas ilustrativas, a obra atua como uma investigação focada no corpo como estrutura, no espaço como experiência e no tempo como uma sobreposição de planos. Valendo-se inteiramente de registros fotográficos de seu arquivo pessoal para documentar sua trajetória, o artista estabelece novos diálogos críticos que tensionam a tradição e a criação livre.

Para curadores, colecionadores e entusiastas que desejam acompanhar a evolução dessa identidade artística em sua fase pública, o acervo de obras e o contato direto estão centralizados em seu perfil no Instagram [@diprete.art].

CREATOR P O R T A L

Arte afro-brasileira une ancestralidade e fé no giz pastel

O projeto Pintando Asé traduz a religiosidade de matriz africana através do giz pastel, rompendo com o rigor acadêmico para honrar a ancestralidade.

A trajetória acadêmica frequentemente atua como um preâmbulo para a verdadeira descoberta identitária. Graduada em Artes Visuais pela Faculdade de Artes Dulcina de Moraes, Rafaela Dias Nunes Chiarini absorveu os fundamentos do desenho e o rigor da tinta acrílica sob a tutela do professor Eli Braga. Contudo, foi apenas após a conclusão do curso que sua assinatura visual começou a se materializar através do giz pastel. A escolha desse material representa uma subversão consciente: ao invés de buscar os refinamentos técnicos e a perfeição estética do realismo, a artista utiliza a opacidade e os limites do pastel para alcançar emoções, texturas e impactos visuais diferenciados.

A gênese do projeto e a religiosidade como pilar A consolidação dessa pesquisa plástica sob a marca "Pintando Asé" ocorreu em um cenário de extrema vulnerabilidade estrutural. Em 2021, o adoecimento de seu animal de estimação, somado às complicações financeiras impostas pela pandemia, forçaram a profissionalização de seu ofício para fins comerciais. A pintura de orixás e entidades da Umbanda, temática iniciada em 2020, transcendeu o caráter meramente criativo para atuar como o principal pilar de saúde emocional e fonte de subsistência da criadora. A arte e a religiosidade fundiram-se como ferramentas inseparáveis de sobrevivência e conexão íntima com o sagrado.

A recusa do talento inato e a responsabilidade histórica O cerne de seu acervo reside na investigação empírica e no respeito à ancestralidade afro-brasileira. Afastando-se de visões romantizadas do fazer artístico, a pintora rejeita a ideia de "talento inato", estruturando sua prática sobre o conceito de aptidão aliada ao estudo rigoroso. Embasada no preceito fundamental dos terreiros de que os vivos são a materialização dos sonhos de seus ancestrais, ela encara o ato de pintar orixás não apenas como uma expressão estética, mas como uma imensa responsabilidade de reproduzir imagens de alto valor devocional para seu público, honrando a história dos que vieram antes.

Visibilidade e validação institucional Essa produção de forte engajamento identitário e preservação de memória ganha espaço de validação no circuito cultural neste mês de junho. O projeto Pintando Asé integra a programação oficial do "Entardecer dos Ojás", uma iniciativa cultural afro-brasileira idealizada pelo Babá Joel de Osagyian em 2016 com o propósito direto de fortalecer e dar visibilidade aos povos de terreiro.

A exposição ocorre nos dias 13 e 14 de junho de 2026, no Complexo Cultural de Planaltina (DF). Para curadores, colecionadores e o público interessado em sua pesquisa sobre a estética da fé, o portfólio completo encontra-se disponível no Instagram [@pintandoase].

As belas artes ancoram nossa herança estética, enquanto as artes visuais traduzem a complexidade do mundo em uma linguagem plural e contínua.

CREATOR P O R T A L

Bordado livre e aquarela materializam memórias contra a exaustão moderna A marca Feito Alecrim Ateliê subverte a urgência contemporânea utilizando o bordado livre e a aquarela para eternizar fotografias e narrativas afetivas.

A exaustão contemporânea e o resgate do fazer manual O distanciamento das habilidades manuais surge, com frequência, como uma consequência direta da urgência imposta pela vida adulta. Residente no Rio Grande do Sul, a criadora da marca, Karin Schuh Mombach, de 28 anos, observou suas inclinações estéticas e o olhar atento aos detalhes, muito presentes na infância, serem progressivamente sufocados por uma rotina engessada. O imediatismo do cotidiano abriu espaço para um quadro crescente de ansiedade. Em 2023, na busca pragmática por um mecanismo de defesa contra essa aceleração, ela recorreu ao bordado livre. O processo estritamente autodidata — iniciado de forma velada através de tutoriais na internet e tentativas empíricas com kits para iniciantes — revelou não apenas uma aptidão latente, mas um vasto campo de experimentação visual que logo foi expandido com a incorporação de detalhes em aquarela sobre as tramas.

A validação social e o choque com o burnout A transição do passatempo silencioso para a estruturação de uma marca ocorreu mediante validação orgânica. A produção de um porta-maternidade destinado a uma amiga, compartilhado sem pretensões comerciais, gerou um retorno positivo imediato que apontou para a viabilidade do negócio. Foram necessários seis meses de maturação da ideia até a fundação oficial do Feito Alecrim Ateliê, em fevereiro de 2024. Contudo, essa nova fase colidiu frontalmente com um episódio severo de burnout, resultante da pressão contínua por excelência e da incapacidade de impor limites à própria produtividade.

O tempo da agulha como vetor terapêutico A recuperação clínica, ancorada no acompanhamento profissional e no suporte familiar, encontrou na prática do ateliê o seu principal vetor de reequilíbrio. O bordado livre exigiu uma reconfiguração obrigatória na percepção temporal da artista, forçando o aprendizado prático da desaceleração. Rompendo com os manuais engessados, a artesã assumiu o controle sobre a direção de suas peças, consolidando a "delicadeza" não apenas como um adjetivo recorrente por parte do público, mas como a assinatura estética e conceitual indiscutível de sua produção autoral.

A materialidade do afeto e o nicho com propósito Distanciando-se inteiramente da lógica de produção seriada, o acervo construído destina-se a um consumidor atento, que busca sentido prático no feito à mão. O catálogo consolida-se em torno de objetos com densa carga narrativa: porta-alianças que demarcam inícios de ciclos, porta-maternidades, fotografias eternizadas em linhas e peças de devoção particular.

O trabalho parte da premissa de que a costura atua como a tangibilização da história do cliente, onde a presença da autora é inevitavelmente impressa a cada ponto. O registro visual desse processo e as encomendas são centralizados no Instagram [@feitoalecrim.atelie].

CREATOR P O R T A L

Modelagem cerâmica une raízes amazônicas e design urbano A transição da ourivesaria para a modelagem cerâmica consolida a artista Gabi Vinagre, que funde a memória do Norte ao design contemporâneo paulistano.

A construção de uma identidade visual madura frequentemente exige a decantação de múltiplas disciplinas acadêmicas e ofícios. A trajetória da ceramista Gabriella Vinagre ilustra com precisão esse processo. Nascida e criada em Belém (PA), sua base estética primária foi forjada na observação direta da natureza amazônica.

Contudo, o rigor técnico de sua produção consolidou-se através de passagens pela Arquitetura e por uma longa atuação profissional na ourivesaria. Durante 14 anos, esse domínio minucioso do fazer manual foi aplicado à confecção de imagens de Nossa Senhora de Nazaré, ícone central do tradicional Círio de Nazaré. Somada à sua experiência comercial com a pintura em tela autoral, essa bagagem forjou um olhar crítico sobre proporção, detalhamento e simbolismo.

A ruptura geográfica e a liberdade tátil O ponto de inflexão definitivo em sua pesquisa ocorreu em janeiro de 2023, marcado pela decisão de vender sua oficina de ourivesaria e transferir sua base operacional para São Paulo. A inserção no ambiente cosmopolita exigiu uma adaptação de suporte para suprir novas demandas intelectuais. Após um breve período dedicando-se à pintura em porcelana na nova cidade, a artista constatou a necessidade de uma autonomia plástica absoluta, migrando definitivamente para a cerâmica modelada manualmente. A construção das peças a partir do zero representou o abandono de bases e formas pré-fabricadas, oferecendo a liberdade necessária para uma expressão artística genuína, ancorada no contato primário com a matéria.

A estética orgânica

marítima

e

a

materialidade

Longe de silenciar sua origem, a mudança de estado amplificou a valorização de suas raízes, agora colocadas em diálogo direto com o ritmo da metrópole paulistana. O ambiente marítimo, o oceano e as praias estabelecem o fio condutor de seu acervo, ditando a paleta de cores, as nomenclaturas e a modelagem orgânica de cada escultura. A pesquisa afasta-se da cerâmica puramente utilitária ao incorporar intencionalmente elementos naturais brutos em sua estrutura, como troncos de madeira e fibras naturais, garantindo uma conexão tátil que funde a memória da natureza à sofisticação do design autoral.

Transmissão de conhecimento consolidação da marca

e

Esse equilíbrio sólido entre memória, matéria e contemporaneidade sustenta as operações da marca Gabi Vinagre Ceramista. Além de manter o desenvolvimento contínuo de suas peças autorais, a criadora também dedica sua rotina em São Paulo à atividade pedagógica. Ministrando aulas de cerâmica, ela atua no compartilhamento de técnicas, vivências e processos estruturais, provando que o rigor técnico adquirido nos metais preciosos pode ser perfeitamente traduzido para o universo do barro.

Para o circuito de design de interiores e colecionadores, sua obra consolida-se como um estudo rigoroso sobre adaptação, escultura e pertencimento.

A galeria impulsiona a validação imediata da arte contemporânea, operando como o laboratório onde o museu futuramente buscará seu acervo histórico.

CREATOR P O R T A L

Cerâmica abstrata funde formas orgânicas e pintura intuitiva

O encontro entre a modelagem manual e a pintura abstrata estrutura peças únicas de Ana Lage, que celebram a estética da imperfeição e a poética do cerrado.

A materialidade da argila, quando desvinculada de sua função estritamente utilitária, transforma-se em um suporte denso para a investigação plástica.

Operando nessa intersecção, a artista mineira Ana Tereza Camilo Lage — que assina como Ana Lage — estrutura sua produção no encontro direto entre a cerâmica e a pintura abstrata intuitiva.

Sua base metodológica é fundamentada pela academia: graduada com Licenciatura em Artes Plásticas e dupla habilitação em Pintura (2017) e Cerâmica (2018) pela prestigiada Escola Guignard (UEMG), a criadora estabelece uma poética onde a tridimensionalidade do barro atua como tela para gestos livres e espontâneos. Embora a modelagem tenha transformado seu fazer, o traço pictórico permanece como sua principal identidade.

A poética do cerrado e a recusa da simetria Longe da busca industrial pelo acabamento impecável, o cerne de sua assinatura visual reside no conceito da beleza da imperfeição. O acervo de seu ateliê, operante desde 1997 em Belo Horizonte, é marcado por peças únicas de bordas irregulares e formas orgânicas. O repertório estético que alimenta essa produção afasta-se de referências engessadas para beber diretamente da aridez e da força da natureza nacional — especificamente o cerrado e o sertão —, além de absorver os encontros cotidianos e a carga emocional da artista. O resultado empírico é uma obra profundamente conectada à sensibilidade do gesto.

Validação curatorial e inserção no mercado de luxo A solidez dessa pesquisa material rendeu inserção contínua em circuitos de alto padrão e reconhecimento curatorial crítico.

Premiada na XVIII Mostra Interna da Escola Guignard (2018), a ceramista expandiu sua capilaridade comercial em São Paulo através de plataformas e vitrines como Boobam, Balaio Home e Branco Casa, além da participação na Feira na Rosenbaum (2021). O alcance de sua escultura transcende o espaço residencial, passando a compor a atmosfera de projetos corporativos de luxo, como o hotel Rosewood São Paulo (2021) e o Visa Infinite Privilege Lounge no Aeroporto de Guarulhos (2025).

O endosso editorial e a filosofia do ateliê O respaldo da crítica acompanhou a expansão mercadológica de sua obra, refletindo-se em publicações consecutivas na revista Casa Vogue (agosto de 2024 e agosto de 2025). No âmbito internacional e institucional, destaca-se sua inclusão no livro Proud South Craft (2025), sob a exigente curadoria da pesquisadora holandesa Lidewij Edelkoort, bem como sua presença em mostra curada por Mary Arantes no Museu de Artes e Ofícios em Belo Horizonte (2025).

Para além das chancelas do mercado, o rigor de sua produção continua pautado na filosofia de que a arte atua como um autoencontro; uma conexão onde emoção e força se convertem em matéria verdadeira.

O acervo e os desdobramentos de sua pesquisa podem ser acompanhados através do perfil [@analage_ceramicas].

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A materialidade nacional

Mosaico contemporâneo une design brasileiro e arte sacra

bruta

e

a

identidade

A pesquisa visual de Scarpin afasta-se da padronização industrial para dialogar com a rusticidade sofisticada e o resgate da estética nacional. A evolução técnica permitiu a expansão de sua tipologia, passando da produção de murais de grande porte para quadros menores, mesas e bandejas. O rigor desse processo estende-se à estruturação física de cada obra: as molduras são concebidas pelo próprio artista a partir da união técnica entre serralheria e madeiras nobres de demolição, escolhidas por sua carga histórica. Esse encontro metodológico de materiais visa atender a um público que entende o design como uma expressão cultural viva, valorizando a autenticidade e a riqueza da natureza brasileira.

A integração entre arquitetura produtiva e cotidiano Tiago Scarpin consolida a Guru Oficina de Arte aliando o autodidatismo no mosaico a materiais de demolição, fortalecendo a estética do design brasileiro A descoberta de uma vocação plástica muitas vezes emerge de demandas prosaicas. A fundação da Guru Oficina de Arte ocorreu de maneira espontânea, a partir de um pedido pessoal direcionado ao seu idealizador, Tiago Scarpin. O que deveria ser a confecção pontual de um painel revelou um talento latente e impulsionou a construção de uma trajetória estritamente autodidata. A primeira execução — um painel de quatro metros de largura — destacou-se imediatamente pela proporção e acabamento, motivando o criador a dominar sozinho a linguagem estética do mosaico. A adoção das pastilhas de vidro tornou-se sua assinatura visual definitiva, garantindo vastas opções de cor e profundidade às peças.

Em contraponto à dinâmica de isolamento frequentemente associada ao trabalho de ateliê, a estrutura da Guru Oficina de Arte propõe a diluição das fronteiras entre o fazer artesanal e a vida pessoal. A maior inspiração poética do autor reside em seu próprio núcleo familiar. Ao instalar seu espaço de criação dentro da residência, o artista fez a escolha consciente e estrutural de acompanhar de perto a educação e o crescimento de seus filhos ao lado da esposa. Essa simbiose atesta que a arte e a vida caminham juntas, conferindo às suas composições orgânicas um caráter intrinsecamente humano e afetivo.

Escala monumental e o circuito de arte sacra A maturidade técnica alcançada pela oficina encontra, atualmente, a sua aplicação mais emblemática na esfera pública e religiosa. Tiago dedica-se à execução de um painel em mosaico de quatro metros projetado especificamente para a reconstrução da igreja matriz de Bertioga. A obra monumental, que ilustra o batizado de Jesus Cristo por São João Batista, transcende o aspecto puramente decorativo para se consolidar como um projeto de alta relevância comunitária.

A peça atesta a capacidade da marca de unir impacto visual, tradição e espiritualidade através do design autoral. O acervo completo de criações exclusivas e a evolução técnica do ateliê podem ser acompanhados através do perfil no Instagram [@guru.oficinadearte].

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CREATOR P O R T A L

O estado líquido e a coautoria da gravidade O eixo central de sua metodologia reside na experimentação contínua. Em vez de impor controle absoluto sobre a forma final, a artista trabalha frequentemente com a porcelana em seu estado líquido, aplicando-a diretamente sobre tecidos, moldes e superfícies diversas. Essa técnica permite que o acaso e o comportamento orgânico do material atuem de maneira ativa na construção da obra. O resultado empírico desse processo é a preservação de dobras, vestígios, relevos e imperfeições que deixam de ser vistas como falhas técnicas para se tornarem os elementos centrais de sua narrativa visual.

A materialidade crua e o rigor técnico Tensionando a fragilidade visual da porcelana com a força ancestral da argila, a ceramista adota uma postura de intervenção mínima no acabamento superficial. A opção intencional por dispensar esmaltes e manter a matéria em seu aspecto mais natural tem o objetivo direto de potencializar a textura, a incidência de sombras e a presença tátil de cada escultura. Essa escolha estética, aparentemente crua, é sustentada por um rigoroso aprofundamento técnico focado em processos de queima, alicerçado por um período de estudos imersivos em La Bisbal d’Empordà, na Catalunha — cidade reconhecida internacionalmente por sua densa tradição cerâmica.

Porcelana líquida e experimentação tátil redefinem escultura de parede A transição da cerâmica utilitária para a escultura contemporânea consolida uma pesquisa material de Cris Lins, focada na ação do tempo e na abstração da argila.

A evolução de uma pesquisa material frequentemente exige o abandono da funcionalidade. Iniciando sua trajetória na cerâmica em 2018 através da produção estritamente utilitária, a artista Cris Lins redirecionou seu foco técnico para uma investigação profunda da linguagem contemporânea. Seu ateliê concentra-se atualmente na concepção de objetos e esculturas de parede em porcelana, substituindo o pragmatismo do uso pela exploração da repetição, da leveza e da transformação física da matéria sob o efeito do tempo.

O silêncio no espaço contemporâneo A inserção de suas obras no ambiente transcende a função do mero objeto decorativo. Embora seu acervo estabeleça um diálogo muito direto com a arquitetura e os interiores contemporâneos, a intenção primária da artista é utilizar a escultura como um território físico onde matéria, tempo e memória induzem à contemplação e ao silêncio.

Para o circuito de curadores, arquitetos e o público focado no design de presença sensível, o desenvolvimento contínuo dessa pesquisa pode ser acompanhado através do perfil [@crislins_ceramica].

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Cerâmica como terapia une fazer manual e resgate criativo A ceramista Ana Valéria Cafezeiro trocou a rotina de TI pela modelagem manual em Petrópolis, usando a arte como meditação e terapia criativa.

A transição corporativa para o fazer manual A busca por qualidade de vida após o encerramento de ciclos corporativos impulsiona profissionais a transformarem antigos passatempos em atividades principais. A transição de áreas exatas para a cerâmica artesanal destaca o papel da arte não apenas como expressão estética, mas como uma ferramenta ativa de meditação. É exatamente esse movimento que norteia a nova fase da ex-analista de tecnologia Ana Valéria Cafezeiro, que encontrou na modelagem da argila uma nova vocação profissional para estruturar sua rotina no interior fluminense.

As raízes artísticas e a interrupção pandêmica Natural da Bahia, a artista sempre cultivou forte interesse pelas artes plásticas, tendo estudado Desenho Artístico e Técnicas de Pintura na década de 1990, quando residiu em Curitiba. O contato inaugural com o barro, no entanto, ocorreu apenas em 2020, ao visitar um ateliê durante um período de férias em João Pessoa.

O entusiasmo com a descoberta a fez iniciar um curso ao retornar ao Rio de Janeiro, onde morava na época, mas o aprendizado prático foi paralisado logo na quarta aula devido ao avanço da pandemia de Covid-19.

A tradição serrana e a montagem do ateliê A retomada rigorosa de sua pesquisa tátil aconteceu em 2022, catalisada por sua mudança geográfica para Petrópolis. A cidade serrana possui uma tradição histórica consolidada na produção em barro, o que facilitou a rápida integração da criadora com outros ceramistas locais, promovendo intensa troca de experiências e a inserção ativa em feiras e exposições.

A aposentadoria oficial de suas atividades como Analista de TI, efetivada no final de 2023, permitiu a dedicação integral ao ofício, que se estruturou formalmente com a montagem de um pequeno ateliê próprio em sua residência no ano de 2024.

Cerâmica como meditação e o acesso ao acervo O espaço de criação é voltado à confecção de peças utilitárias e decorativas, sempre pautadas pelo foco no significado e na criatividade de cada forma. Longe da urgência corporativa, o tempo investido nas etapas de modelagem, acabamento e esmaltação funciona para a ceramista como um exercício direto de terapia e meditação, garantindo um momento exclusivo de concentração criativa.

Com um grande volume de ideias aguardando execução física, o público que deseja acompanhar o desenvolvimento dessa nova fase e adquirir as peças autorais pode acessar o portfólio completo através do perfil no Instagram [@anavaleria.ceramicas].

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Arte botânica propõe pausa mental contra o imediatismo digital A artista Vânia Maria utiliza a pintura e a arte botânica em Araxá (MG) para propor um respiro contra a rotina acelerada e democratizar o acesso à cultura.

O resgate do tempo orgânico frente à aceleração visual Em uma sociedade regida pelo imediatismo e viciada no consumo volátil de conteúdos visuais rápidos, a contemplação da natureza surge como um antídoto urgente para a saúde mental. Indo na contramão dessa aceleração, a artista Vânia Maria propõe, através da arte botânica, uma pausa necessária para a mente e para o olhar. Sua produção contrapõe-se ao modo de vida no piloto automático, utilizando a representação da flora não apenas como um componente de decoração, mas como uma ferramenta ativa de meditação, desaceleração e reflexão dentro das residências contemporâneas.

Da reprodução à construção da memória afetiva A estruturação dessa identidade estética possui raízes sólidas no interior de Minas Gerais. Iniciada na pintura em 1975, na cidade de Araxá, sob a tutela da mestre Cordélia Barreto, sua trajetória começou focada na cópia de grandes artistas.

Contudo, a intensa vivência rural na fazenda de sua família despertou o desejo irreversível por um trabalho autoral. A riqueza da vegetação de seu entorno transformou-se em sua principal matéria-prima poética. Adotando a tinta a óleo como suporte estrutural, suas telas fluem entre claros e escuros, luzes e sombras, funcionando como registros vivos de sua memória afetiva e do forte senso de observação adquirido ao longo da vida.

A conexão emocional e o valor do afeto nos ambientes A dedicação ao tema botânico é fruto de um estudo intenso que transcende a beleza superficial. O público que consome e valoriza esse trabalho entende a essência da proposta: levar a natureza para os ambientes internos como uma forma de "vestir" as paredes com sentimentos genuínos. As obras são mensuradas e procuradas pela profunda carga emocional que carregam, atuando como narrativas que contam histórias de lugares e afetos, intervindo nos espaços para promover a calma que tem se perdido na urgência cotidiana.

Arte-educação e a democratização do acesso cultural Além da produção solitária em seu espaço de criação, o ofício estende-se para o impacto coletivo. Pautada pela disciplina técnica e pela crença no artista como agente de transformação sociocultural, a criadora atua ativamente como arte-educadora. Ministrando aulas regulares, ela promove um ambiente de troca contínua com alunos de diversos estilos.

Esse processo pedagógico e criativo culmina, ao final de cada ano, em grandes exposições conjuntas realizadas em locais públicos e culturais de Araxá, garantindo a efetiva democratização e o fácil acesso do público à arte.

Para conhecer essa pesquisa focada no tempo orgânico e na memória natural, o acervo completo pode ser acompanhado no Instagram [@vania_maria_atelie].

CREATOR P O R T A L

Cerâmica artesanal une consumo consciente e alívio da ansiedade

A marca Maniterra transforma a cerâmica artesanal em ferramenta contra a ansiedade e promove o consumo consciente através de utilitários únicos.

O fazer manual como antídoto para a urgência contemporânea A busca por atividades que promovam o equilíbrio mental tem impulsionado a valorização de ofícios tradicionais de forma expressiva. Distanciando-se da produção em massa, o trabalho com o barro surge não apenas como expressão estética, mas como uma poderosa ferramenta de foco, concentração e alívio da ansiedade. Inserida nesse movimento voltado ao consumo consciente e à sustentabilidade, a marca Maniterra transforma o processo tátil no torno elétrico em utilitários que conectam o design autoral à necessidade de pausas significativas no cotidiano.

Da busca por um aprofundamento profissional

hobby ao técnico

A trajetória de criação do ateliê teve início recente, no ano de 2023, quando o primeiro contato com a argila ocorreu de forma despretensiosa, visando apenas um novo passatempo. A rápida paixão pela modelagem e pelos acabamentos reconfigurou esse cenário, transformando a prática artística na atual fonte de renda da criadora. Esse amadurecimento estrutural exigiu imersão técnica rigorosa, marcada pela participação em workshops de torno elétrico com Cesar Augusto Barbosa e de mandalas com Darly Pellegrini, consolidando o desenvolvimento de seu processo criativo.

Sustentabilidade, exclusividade tátil e utilitários cotidianos Encontrando inspiração direta na natureza, na arquitetura e na simplicidade das formas diárias, o diferencial do ateliê reside no controle absoluto de todas as etapas físicas. Desde a sova da argila até a execução no torno e a esmaltação final, o processo é inteiramente manual, garantindo a autenticidade de cada peça.

O acervo focado em pratos, copos, bowls e xícaras atende a um público que preza pela beleza do cotidiano, ramificando-se também para o fornecimento de presentes corporativos, lembranças sazonais e projetos sob medida para a gastronomia.

Expansão física territorial educação artística infantil

e

A crença no fazer manual como vetor de conexão e transformação direciona os próximos passos da operação. A fase atual do ateliê visa ultrapassar as fronteiras exclusivas da internet, com preparativos em andamento para a inserção ativa em exposições de arte e feiras por todo o Brasil. Paralelamente ao desenvolvimento de novas coleções, a marca estrutura um projeto voltado à educação infantil para ministrar aulas, visando compartilhar conhecimento e manter o ciclo da arte em movimento para as próximas gerações.

O portfólio completo destinado aos adeptos do design com propósito pode ser acessado através do perfil no Instagram [@maniterra.ceramicas].

Na arte contemporânea, a obra deixa de ser puramente contemplativa para atuar como uma interface crítica que questiona as próprias estruturas da realidade.

CREATOR P O R T A L

Arte como cura guia transição da moda para a pintura em aquarela Após superar uma depressão, a artista Camila Cardenaz deixa a indústria da moda para focar na arte como cura através da aquarela botânica no interior.

A superação da depressão através da imersão criativa O esgotamento mental gerado por ritmos corporativos tem provocado movimentos profundos de redirecionamento profissional no mercado contemporâneo. A transição de ambientes altamente comerciais para o interior, em busca de qualidade de vida, frequentemente encontra na expressão manual uma via prática de recuperação. É exatamente neste cenário de reestruturação que a artista Camila Cardenaz decidiu, após enfrentar um quadro de depressão severa em 2024, pedir demissão de seu emprego formal, mudar-se para o interior e utilizar a arte como cura para mergulhar de forma genuína naquilo que de fato ressoava com sua identidade.

A bagagem da indústria têxtil e a afirmação botânica Formada e pós-graduada em Design de Moda pela Faculdade Santa Marcelina, a criadora carrega uma sólida experiência de uma década na área têxtil, com atuação direta em pesquisa de tendências e coloração de estampas para grandes marcas como Le Lis Blanc e Havaianas. O início de sua produção autoral foi marcado por tentativas de adequação ao mercado de arte, mas a virada estrutural ocorreu apenas ao abandonar a necessidade de agradar ao grande público. O resgate de sua conexão autêntica com a natureza, a valorização das pausas no cotidiano e a retomada das composições botânicas que marcaram sua vida profissional criaram um vínculo real com uma audiência específica e cativa.

A fluidez da aquarela e a abstração visual Sua pesquisa plástica afasta-se da rigidez realista, tendo o ambiente natural como eixo principal para traduzir seu fascínio por formas, cores e transparências. A técnica escolhida para materializar essa leitura de mundo é predominantemente a aquarela, material que lhe permite explorar a fluidez, a quantidade de água e a fusão de pigmentos. A composição final de suas pinturas, permeada por tons vibrantes, flerta diretamente com o abstracionismo e incorpora um elemento lúdico à obra: a inserção intencional de detalhes escondidos entre as camadas de cor, com destaque para linhas do corpo humano e, principalmente, mãos.

Voluntariado, live painting e o acervo em exposição A compreensão da arte como ferramenta para expressar sentimentos e facilitar diálogos complexos transcende o ambiente solitário do ateliê. A artista atua como voluntária em uma casa de acolhimento para crianças no interior, público que interage de perto com seu trabalho durante suas ações de pintura ao vivo (live painting) e para o qual ela planeja ministrar aulas futuramente.

Consolidando sua trajetória autoral, em junho deste ano a ceramista e pintora participará de uma feira de artes na Incubadora de Artistas de Atibaia, onde lançará oficialmente sua nova coleção temática, apropriadamente intitulada "Flores que Curam". O desenvolvimento do projeto pode ser acompanhado através do perfil no Instagram [@crdz_camila].

CREATOR P O R T A L

A leitura do mundo através de repetições invisíveis O eixo conceitual que costura e fundamenta essa multiplicidade de materiais é uma investigação rigorosa sobre os padrões e as repetições sistêmicas. A poética da criadora baseia-se na premissa de que seres, objetos e lugares inscrevem constantemente suas histórias no mundo material, ainda que de forma silenciosa e frequentemente despercebida. A repetição física em seu trabalho atua como um idioma visual capaz de comunicar essas vivências invisíveis, atestando que a observação focada nos padrões é uma ferramenta essencial e poderosa para traduzir o mundo ao nosso redor.

A desaceleração imposta pela textura e o acesso ao acervo

Arte sensorial rompe o formato 2D e instiga o desejo do toque A artista plástica Iuli une pintura e escultura através da arte sensorial, utilizando cerâmicas e bordados para revelar padrões esquecidos no cotidiano.

O rompimento da tela e a provocação do tato Em um circuito estético frequentemente pautado pela regra estrita do distanciamento físico, a subversão da bidimensionalidade surge como um convite irresistível à exploração tátil. Desafiando os limites convencionais que separam a pintura da escultura, a artista plástica Iuli estruturou sua pesquisa estética através da arte sensorial. Suas obras são projetadas para transcender o limite da tela plana, criando volumes contundentes que despertam no espectador o instinto primário de "ver com as mãos" — uma provocação direta e consciente baseada em seu próprio desejo de infância de tocar as texturas presentes nas exposições e museus.

A pluralidade de materiais e a materialização de sensações O processo criativo da profissional recusa amarras estruturais ou limitações técnicas pré-definidas. Em vez de se restringir unicamente à aplicação de tinta, o desenvolvimento de cada nova peça exige uma busca orgânica pelo elemento exato que consiga transmitir a sensação pretendida no projeto. Essa liberdade metodológica resulta em uma rica sobreposição de suportes táteis, onde o trabalho frequente e aprofundado com a cerâmica dialoga ativamente com intervenções em bordados, fios de lã e azulejos, garantindo que o objeto artístico literalmente salte para o ambiente.

A inserção dessas composições de técnica mista no ambiente exige uma mudança de postura por parte de quem as observa. Cada forma, relevo e material integrado atua como um mecanismo visual que conduz o público a um estado de desaceleração obrigatória, instigando o questionamento crítico sobre quantas histórias cruzam a nossa rotina sem o devido reconhecimento.

Para colecionadores e entusiastas do design contemporâneo que desejam acompanhar a evolução contínua dessas criações híbridas, o portfólio e o contato direto com o ateliê estão centralizados no perfil do Instagram [@iuli.arte].

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A pluralidade amazônica e a solidão como presença O amadurecimento dessa linguagem pictórica é fruto de uma curiosidade alimentada desde a infância por ressignificar materiais, lapidada posteriormente através de sua formação e atual residência artística na ESPM/Panamericana. Seu processo criativo nasce invariavelmente no silêncio e na observação da interação humana com o meio ambiente. Essa imersão transforma a solidão em uma escolha de presença e autoacolhimento, conceito materializado em obras de grande peso narrativo, como o "Quadro Diversidade".

Nascida após uma viagem à Amazônia, a peça transpõe a pluralidade orgânica da floresta para a compreensão e aceitação das complexas relações e comportamentos humanos.

Arte e psique: pintura em resina propõe pausa e introspecção A artista visual Wanessa Morone explora a psique humana através da pintura em resina, criando obras que convidam à introspecção e à conexão com a natureza.

O convite à introspecção no circuito das artes visuais Em um cenário contemporâneo marcado pelo excesso de estímulos, a busca por pausas mentais tem encontrado um forte refúgio na contemplação estética.

Explorando os limites entre o mundo físico tangível e o universo interno subjetivo, a artista visual Wanessa Morone utiliza sua produção como uma ferramenta ativa de investigação sobre a psique humana e sua profunda relação com os ciclos da natureza. Suas criações atuam como um convite para que o público se confronte com suas próprias camadas psicológicas, reconhecendo como memórias, emoções e desejos inconscientes moldam a percepção daquilo que chamamos de realidade.

A materialização do invisível através da resina Para dar forma a esse espaço liminar entre a realidade e a ilusão, a criadora desenvolveu um processo técnico rigoroso que funde a pintura acrílica a múltiplas camadas sob resina. Longe de atuar apenas como um acabamento protetor, a superfície resinada funciona como um componente estrutural da obra. O domínio sobre a viscosidade e o tempo de secagem gera um efeito óptico de suspensão da imagem, intensificando a saturação cromática e criando tensões entre opacidade e transparência. O resultado são paisagens atmosféricas de caráter minimalista que deslocam a leitura do campo narrativo para uma experiência estritamente sensorial, guiada por influências de mestres como Magritte e Edward Hopper.

Espelhos da alma e o lançamento de novas séries Destinada a pessoas que procuram vivenciar os desafios da vida com mais leveza, a produção atua como um verdadeiro espelho da alma, retratando elementos únicos que transmitem a mensagem de que é possível existir de forma inteira, sem máscaras ou distrações. Mantendo a arte em constante movimento e aprofundando sua pesquisa estética sobre os processos de transformação, a artista prepara-se para o lançamento de uma nova série de quadros em breve.

O público interessado em acompanhar as novidades e adquirir essas pinturas imersivas pode acessar o portfólio completo através do perfil no Instagram [@wanessa.morone_art].

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Memória, abstração composição

e

imperfeição

na

O encanto pela liberdade de execução e pelas texturas dos fios grossos e finos norteou o desenvolvimento de uma linguagem visual que transita diretamente entre o abstrato e o afetivo. O objetivo central de cada bordado é despertar conexão, acolhimento e identificação, traduzindo histórias, memórias e a essência das pessoas em formatos únicos. Neste processo criativo espontâneo, a imperfeição inerente ao trabalho manual é abraçada não como uma falha, mas como uma parte vital da mensagem que atesta a individualidade e a presença humana na obra.

Expansão técnica têxtil e a construção do espaço físico

Arte têxtil propõe desconexão digital frente ao avanço da inteligência artificial Como resposta à hiperconectividade, o Ateliê Carol Veraldi utiliza o punch needle e o tufting para criar peças de arte têxtil afetiva exclusivas.

O manual como contraponto à aceleração algorítmica Em uma era dominada pela hiperconectividade e pela automação massificada, a busca por ofícios manuais ressurge como um verdadeiro luxo contemporâneo.

Diante da velocidade das inteligências artificiais e da intangibilidade do ambiente virtual, a urgência em produzir obras físicas e humanas tem impulsionado a revalorização de técnicas tradicionais. É a partir dessa necessidade de desaceleração, buscando criar peças que possam ser tocadas e sentidas fora das telas, que nasce a produção do Ateliê Carol Veraldi, uma iniciativa focada em transformar tempo e intenção em objetos de valor emocional.

Da experiência de usuário (UX) aos fios texturizados A transição parcial para o universo artesanal partiu de uma rotina intensamente ligada à tecnologia e ao comportamento humano. Nascida e criada na capital paulista, a criadora do ateliê possui formação em Design de Mídias Digitais e pósgraduação em Arquitetura da Informação e UX. Atuando como coordenadora de UX Research e Research Operations na Vivo, além de lecionar Pesquisa Qualitativa na FIAP, sua carreira estruturou-se desenhando experiências digitais para milhões de usuários. O encontro com a técnica de punch needle surgiu inicialmente como um hobby, preenchendo a lacuna deixada pela falta de contato com a criação orgânica e física.

Mantendo a curiosidade e o desejo de experimentação, a marca passou a incorporar também o tufting. O interesse atual reside na mescla destas duas técnicas para a confecção de tapeçarias e peças de parede que explorem diferentes relevos e narrativas visuais.

Conciliando a carreira corporativa com a produção independente, o projeto atende encomendas voltadas a um público que preza pela exclusividade do feito à mão.

O planejamento futuro envolve o aprofundamento dos estudos na área e a abertura de um ateliê físico para expandir as operações. O acervo de criações têxteis e o desenvolvimento das novas peças podem ser acompanhados através do perfil no Instagram [@atelie.veraldi].

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A versatilidade técnica e a recusa de modismos O sacerdócio e a sensibilidade herdados familiarmente permitiram uma exploração vasta de materiais e ferramentas sobre a tela. Realizando experimentações contínuas com tintas a óleo e acrílica, o pintor domina tanto a fluidez dos pincéis quanto as texturas proporcionadas pelas espátulas. Autodeclarado um criador inquieto e ousado, ele atua à margem das tendências, recusando a limitação de modismos mercadológicos e movimentos engessados. Essa liberdade de pesquisa permite que sua produção transite com naturalidade técnica desde as formas do figurativo até a subjetividade do abstrato.

Pintura autodidata e herança artística estruturam nova produção no Pará O artista plástico paraense Eduardo Mello une o autodidatismo rigoroso e a herança artística na pintura profissional, transitando do figurativo ao abstrato.

A força do autodidatismo e o legado nas artes visuais

A consagração de um trabalho visual pode prescindir da academia quando ancorada na dedicação técnica exclusiva e na herança genética. Inserido nesse contexto de autonomia criativa, o artista plástico paraense Eduardo Mello construiu sua trajetória profissional na pintura de forma estritamente independente. Filho do saudoso e respeitado pintor Benedicto Mello, um dos maiores nomes das artes no Pará, ele transformou o legado paterno e a observação solitária em sua principal escola, consolidando um portfólio maduro longe da dependência de diplomas formais.

Estudo independente e a imersão nos museus Atuando profissionalmente desde 2019, sua evolução técnica começou a partir do zero, guiada pela prática ininterrupta e pela pesquisa. A estruturação de sua rotina de estudos englobou o domínio da mistura de pigmentos, o comportamento da luz e da sombra, além de noções rígidas de proporção, perspectiva e composição. Para suprir a ausência da sala de aula teórica, o artista utilizou as visitas a museus e galerias nacionais e internacionais como seu laboratório prático de observação, analisando de perto como os grandes mestres lidavam com a técnica e a expressão visual.

A validação pelo portfólio e o acesso ao acervo Sem depender do circuito acadêmico tradicional para legitimar sua estética, a validação de sua obra ocorre diretamente através da força de seu portfólio e de sua presença no mercado de arte. Focado firmemente na exposição de sua identidade visual, sua trajetória de exibições até o momento foca em seleções criteriosas, registrando a participação em uma exposição coletiva em um salão local.

Para curadores, colecionadores e entusiastas que buscam conhecer o resultado autêntico dessa união entre talento herdado e esforço solitário, o acervo de obras está disponível diretamente no perfil do Instagram [@eduardomellotelas].

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Universo feminino explora arte têxtil através do bordado e feltragem

A artista Sissi Soares investiga a força e a reclusão do universo feminino unindo bordado livre, aquarela e feltragem em obras de arte têxtil singulares.

A fusão de técnicas manuais como expressão do feminino

O resgate das técnicas manuais tem se consolidado como um poderoso veículo de expressão para narrativas profundas e identitárias no cenário das artes visuais contemporâneas. Ao subverter a tradição do artesanato para construir uma linguagem madura, a artista Sissi Soares investiga o universo feminino através da fusão entre bordado livre, pintura e feltragem.

Suas criações têxteis materializam emoções, força, presença e momentos de reclusão, transformando a sobreposição de fibras em um espelho tátil da complexidade da mulher.

Formação acadêmica e o encontro com o bordado livre A consolidação dessa poética visual é sustentada por uma sólida base teórica e acadêmica. Baseada em São Paulo, a criadora é formada em Artes Plásticas pela Faculdade Santa Marcelina e possui pósgraduação em Doença Mental e Educação Especial pela UNESP. O interesse por suportes têxteis iniciou-se através de hobbies como a tecelagem, a costura criativa e o patchwork. Contudo, o ponto de virada técnico ocorreu de forma definitiva em 2017, com a descoberta do bordado livre. O encanto pela liberdade de escolha dos pontos permitiu a integração orgânica dessa técnica com a aquarela e a feltragem (seca e molhada), estruturando sua identidade artística atual.

Obras táteis, intuição valorização da imperfeição

e

a

O desenvolvimento de cada peça no ateliê ocorre de maneira intuitiva. Mesmo partindo de concepções pré-definidas, o comportamento natural das matériasprimas frequentemente funde cores e texturas, ditando novos caminhos e transformando pequenas imperfeições em garantias de exclusividade. As obras são projetadas com formas orgânicas para serem observadas de perto, exigindo que o espectador interaja com as camadas, relevos e mudanças de luz. Esse conceito é materializado em peças simbólicas como "Luna", favorita da autora que une a aquarela ao movimento do bordado livre, e "Tear da Vida", que sintetiza as três técnicas principais da artista para retratar o recolhimento feminino.

Reconhecimento internacional e futuras exposições A imersão diária entre tintas, águas e lãs atua como um processo contínuo de meditação e resultou em um amplo reconhecimento do circuito curatorial. A artista acumula participações em mostras de peso, como a "Arte e Mulher" (no Solar Fabio Prado e Art Lab Gallery), além de ter sido premiada no 6º Salão de Arte CW em Lisboa, Portugal (2022), com a obra "Ângela Davis".

Mantendo sua expansão mercadológica, a autora tem presenças confirmadas no Salão de Artes de Paris (França), em outubro de 2026, e na 46° EXPO ARTE SP, que ocorrerá na Galeria Caribé em novembro do mesmo ano. O acervo completo focado no feminino e nos detalhes têxteis pode ser acompanhado através do perfil no Instagram [@sissisoares].

CREATOR

SALÃO VIRTUAL 3D Virtual Exhibition

Inscrição Abertas www.revistacreator.com

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O impacto no mercado e a presença em espaços de renome O rigor técnico — que o faz recomeçar um desenho do zero até atingir a excelência desejada — impulsionou rapidamente sua validação no mercado criativo. A parceria estratégica firmada em 2022 com a marca COG Life Arts converteu sua poética em moda inclusiva, originando 12 estampas exclusivas para camisetas, jaquetas e cadernos. O êxito dessa frente empreendedora levou sua estampa autoral "Casinhas" a ser comercializada na prestigiada loja do Museu de Arte de São Paulo (MASP). Além da área têxtil, o portfólio do ilustrador abrange a identidade visual completa da Corrida COG (2025) e a recente ilustração do livro "Amores Especiais" (2026), atraindo editoras e colecionadores.

Exposições contínua

O artista visual Yo Cruzué une arte e autismo para superar desafios, transformando seus desenhos meticulosos em estampas exclusivas, livros e exposições. como

ponte

para

a

inclusão

e

e

a

troca

cultural

Acumulando premiações recentes, o ano de 2026 consolida uma fase de intensa expansão para o desenhista. Seu trabalho integra atualmente a exposição coletiva "Amores Especiais", em cartaz até 30 de maio no Centro Cultural Santo Amaro, em São Paulo. Seu engajamento com a comunidade neurodivergente também garantiu sua participação na Mostra Cultural TEAMO, representando a Coreia do Sul no Centro Cultural Coreano no Brasil, além da presença nas oficinas internacionais da Friendly Class - Art & Hearts.

Desenhista autista transforma hiperfoco em exposições

A expressão artística empoderamento

ativas

o

A arte tem se revelado uma das ferramentas mais potentes para a comunicação, o empoderamento e a inclusão social no cenário contemporâneo. Provando que a neurodiversidade é um território repleto de talentos extraordinários, o artista visual Yo Cruzué (Johannes Medeiros Cruzué) encontrou no desenho uma linguagem universal para construir pontes entre seu universo interior e o público.

Diagnosticado com Transtorno do Espectro Autista (TEA), ele utiliza a sensibilidade de seus traços para transcender barreiras, transformando o que começou como um hiperfoco na infância e uma via de autorregulação em uma carreira profissional que já ocupa espaços prestigiados da cultura nacional e fomenta a representatividade.

A arquitetura afetiva e a paixão pelos lápis de cor A relação do criador com as artes visuais teve início precoce, aos três anos de idade, fascinado por tintas, cores e livros. Influenciado profundamente por sua saudosa mãe, Priscila, e introduzido às técnicas por sua tia e artista visual, Aline, o jovem desenvolveu um olhar meticuloso voltado à arquitetura. Observando portões e prédios antigos pelas janelas do carro, ele memoriza os cenários e reproduz os mínimos detalhes à mão livre em seus blocos de papel, expandindo-se também para maquetes tridimensionais, paisagens e animais. Para materializar esses universos com perfeição geométrica, seu instrumento definitivo é o lápis de cor, aplicando uma paleta alegre e vibrante que atua como força de superação emocional frente aos desafios físicos e ao luto.

Para quem deseja se inspirar nessa trajetória luminosa e acompanhar os próximos passos e obras do artista no circuito cultural, o acervo completo pode ser acessado através de seu perfil no Instagram [@yohannescruzue].

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A precisão dos mestres clássicos e a cor oculta Trabalhando agora exclusivamente com óleo sobre tela, a pintora mergulha no realismo como um processo de investigação estética profunda. Utilizando as mesmas técnicas dos grandes mestres clássicos — com múltiplas camadas finas, domínio absoluto de perspectiva e controle rigoroso de luz e sombra —, ela explora a complexidade física do corpo humano, revelando tons de azul, verde e violeta que formam a pele e passam despercebidos à primeira vista. Esse processo minucioso demanda extrema permanência.

Uma de suas obras mais recentes, um autorretrato que reflete com exatidão cada fio de cabelo e os pontos de tricô do vestido sob o efeito de sombras, consumiu mais de 200 horas de trabalho ininterrupto.

Pintura realista a óleo marca retorno à arte após décadas no setor público Após consolidar carreira no setor público, a artista Cláudia Botrel retoma a pintura realista a óleo em Belo Horizonte com obras que exigem até 200 horas.

O resgate do tempo através do realismo clássico Em um mundo pautado pela urgência e por carreiras estruturadas em rotinas intensas, o retorno a ofícios manuais atua como um resgate do tempo e da própria identidade. Distanciando-se da velocidade contemporânea, o domínio da tinta não aceita a pressa; exige permanência, dedicação e uma observação profunda que desafia o olhar comum. É exatamente essa busca pela verdade técnica e pela pausa que norteia o trabalho da artista visual Cláudia Botrel, que encontrou na pintura realista a óleo o caminho para retomar uma paixão autodidata de infância após décadas dedicadas a uma carreira de estabilidade na administração pública.

Da estabilidade legislativa ao talento autodidata O talento para o desenho acompanhou a criadora desde a juventude, estruturado sem a intervenção de escolas ou professores formais. Aos oito anos, já registrava seu primeiro autorretrato. Contudo, a vida adulta redirecionou seus planos para a formalidade acadêmica. Graduada em Administração Pública pela Fundação João Pinheiro e com pós-graduações pela PUC Minas, ela construiu um percurso de êxito na esfera governamental de Belo Horizonte. Atuou no Tribunal de Contas e dedicou os últimos 20 anos à Assembleia Legislativa de Minas Gerais como Consultora Legislativa especialista em Direito Constitucional e Administrativo. Durante esse longo período, a arte foi arquivada, mas a técnica permaneceu intacta, aguardando o reencontro definitivo que se efetivou há cerca de um ano.

A transição para o hiper-realismo e o acesso ao acervo O acervo atual da artista transita com fluidez entre retratos, paisagens e felinos selvagens, sempre pautado por uma obsessão confessa pelos detalhes finos. Suas composições funcionam como um convite tátil para que o observador se aproxime da tela e descubra novas camadas de pintura. Mantendo o rigor conquistado em seus anos de serviço público agora integralmente direcionado às artes visuais, o próximo objetivo do ateliê já está traçado: atingir o nível técnico do hiper-realismo, provocando no público a dúvida imediata entre a fotografia e a tinta.

Para acompanhar a evolução desse meticuloso processo manual e conferir as peças finalizadas, o portfólio completo está disponível através do perfil no Instagram [@claudia_bottrel].

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Bordado afetivo transforma diagnóstico cardíaco em conexão A jornalista e artista Anna Isabel Albuquerque utiliza o bordado afetivo e a cerâmica para criar conexões emocionais após diagnóstico cardíaco.

A arte manual como ferramenta de cura e acolhimento

A busca por significado diante de diagnósticos médicos tem encontrado na produção manual um refúgio poderoso. A transformação de dores e vulnerabilidades em peças físicas prova que a expressão criativa transcende a estética para atuar como uma verdadeira rede de apoio emocional. Inserida nesse movimento de cura através do fazer tátil, a jornalista e artista Anna Isabel Albuquerque encontrou no bordado afetivo e na cerâmica um caminho para ressignificar sua própria condição cardíaca, criando obras que atravessam distâncias e conectam histórias através da sensibilidade.

Da pintura em porcelana ao jornalismo cultural O percurso criativo da autora iniciou-se de forma íntima há 26 anos, impulsionado pela gravidez de seu primeiro filho, Antonio. A necessidade de decorar o quarto do bebê a levou à pintura em porcelana, onde descobriu uma satisfação silenciosa através das cores e dos pincéis. Formada em jornalismo, ela manteve a arte como eixo estrutural de sua vida, guiando suas viagens pela exploração da história e das obras presentes em museus. Movida por essa curiosidade contínua, mergulhou ao longo das décadas em diversas materialidades, passando pelo scrapbook, confecção de flores gigantes em papel e pintura.

O bordado itinerante e a exposição no Rio de Janeiro e a validação curatorial O encontro com as agulhas e fios representa a fase mais recente de sua trajetória artística. O encantamento pelo universo têxtil foi imediato, motivado pela portabilidade da técnica, que permite transformar pequenos momentos do cotidiano, viagens e silêncios em processos ativos de criação. A fusão dessa nova habilidade com sua bagagem na cerâmica ganhou destaque no circuito artístico em dezembro de 2025. Na ocasião, a criadora participou da Vernissage "Veios", promovida pelo ateliê Cerâmicas da Cibelle, na Barra da Tijuca, no Rio de Janeiro, onde expôs uma delicada folha em cerâmica bordada.

Redes de afeto e a democratização do olhar

Tendo na natureza e em mestres como Tarsila do Amaral e Vincent van Gogh suas principais inspirações, a artista defende o trabalho manual como uma expressão que acolhe de forma recíproca quem cria e quem observa. O potencial de acolhimento dessa visão materializou-se quando ela bordou um coração para processar seus próprios sentimentos frente a um diagnóstico. Tempos depois, a peça ganhou um destino simbólico: foi enviada a Belém para presentear uma adolescente cardiopata que celebrava seus 15 anos.

Fortalecida pelo incentivo de suas filhas, Catarina e Betina, a criadora compartilha seu olhar sensível sobre o cotidiano e o fazer manual no perfil [@belsedition].

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O ensino itinerante e a democratização da argila líquida O acúmulo de conhecimento técnico e as conexões geradas no circuito das artes manuais despertaram o desejo de compartilhar sua vivência com outras mulheres. Expandindo a atuação da marca, a ceramista promove encontros itinerantes com turmas reduzidas, focados no ensino do trabalho com argila líquida. A utilização dessa metodologia, aliada ao uso de moldes de gesso precisos, democratiza o ofício, permitindo que alunas sem nenhum contato prévio com o material consigam produzir objetos com alto nível de perfeição e acabamento.

Cerâmica para gastronomia e queima de Raku guiam transição de estilista A designer Luciana Silva, criadora da AYA cerâmica, une 27 anos de experiência na moda à queima de Raku para criar peças exclusivas para a alta gastronomia.

A transição das agulhas para o barro e os menus de degustação

O esgotamento provocado por décadas de atuação em setores de alta demanda tem guiado profissionais experientes a buscarem alívio criativo em ofícios manuais.

O que muitas vezes inicia como uma válvula de escape evolui para negócios estruturados que suprem demandas específicas de outros nichos de mercado. Esse é o caminho traçado pela marca AYA cerâmica, idealizada pela designer Luciana Silva, que transformou a necessidade de desacelerar da indústria do vestuário em uma nova profissão. Hoje, a artesã aplica seu olhar refinado no desenvolvimento de louças exclusivas voltadas para restaurantes e elaborados menus de degustação.

Da alta costura em Belo Horizonte à técnica japonesa Com 27 anos de trajetória no design de moda, a criadora atuou em marcas conceituadas de Belo Horizonte e, desde 2007, comanda seu próprio ateliê especializado em vestidos de noiva e festas sob medida. Contudo, a expansão para o setor de atacado terceirizado gerou um desgaste significativo, motivando-a, em 2018, a buscar uma atividade para afastar o foco dos tecidos e linhas. A imersão na cerâmica resultou em diversas especializações, com destaque absoluto para a queima de Raku. Na técnica milenar japonesa, a peça é retirada do forno ainda incandescente, a cerca de 1000°C, e submersa em materiais inflamáveis como serragem, cuja fumaça imprime efeitos singulares e irrepetíveis em cada objeto.

Utilitários para alta gastronomia e o novo espaço físico A convergência entre técnica e design consolidou o atual foco comercial do ateliê: o fornecimento de louças sob medida para o setor de restaurantes. O diferencial do projeto reside no desenho de peças em proporções menores, especificamente concebidas para valorizar a apresentação estética e a quantidade dos alimentos servidos nas etapas de um menu degustação.

Acompanhando o sucesso e o crescimento desse novo desafio profissional, a marca prepara a inauguração de um espaço físico próprio, com abertura prevista para o segundo semestre de 2026.

O portfólio de criações com efeitos únicos e o desenvolvimento dos novos utilitários gastronômicos podem ser acompanhados através do perfil no Instagram [@ayaceramica].

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Arte milenar em papel eterniza memórias e transcende a decoração de interiores A artista Renata Werther resgata a milenar técnica do quilling para eternizar histórias e sentimentos através de obras tridimensionais e autorais em papel.

O resgate histórico do quilling e a materialização do afeto A valorização de técnicas milenares tem transformado o mercado da arte feita à mão, oferecendo contrapontos delicados e minuciosos à produção em massa. Com origens que remetem ao período do Renascimento, quando freiras e monges utilizavam folhas metálicas para criar filigranas em ornamentações sagradas, o Quilling baseia-se na moldagem de finas tiras de papel para formar composições tridimensionais. Resgatando essa tradição histórica — que ganhou força na Revolução Americana através do uso de penas de ganso ("quill") para enrolar as tiras —, a artista Renata Werther mergulhou nesta prática para transformar o papel em um instrumento capaz de eternizar memórias, criando obras autorais que já alcançam colecionadores no Brasil e no exterior.

Bagagem multidisciplinar e a conexão com a natureza A construção desse olhar refinado é fruto de uma vivência multidisciplinar iniciada na infância, marcada pelo interesse em trabalhos manuais, música, teatro e dança.

Formada em Design de Interiores e com estudos em Teatro Musical, a criadora utiliza essa bagagem acadêmica para ampliar sua percepção sobre composição espacial e expressividade emocional. O contato inaugural com o Quilling ocorreu em 2018, pouco antes da pandemia, resultando em uma imersão imediata e no desenvolvimento de um estilo próprio. Essa identidade estética é profundamente guiada por sua conexão com a natureza, tendo no beija-flor o seu maior símbolo de luz, delicadeza e renovação para compor a essência de sua marca.

Rigor técnico artística

artesanal

e

conservação

O desenvolvimento de cada quadro obedece a um processo criativo estritamente artesanal, exigindo paciência e entrega contemplativa e terapêutica.

Destinadas a um público que preza pela exclusividade e pelo significado, as peças sob encomenda são cuidadosamente planejadas para traduzir histórias pessoais. Para garantir a sofisticação e a durabilidade exigidas no mercado de arte, o ateliê emprega molduras de reflorestamento e papéis especiais de alta gramatura, coloridos na massa, com pH neutro e tratamento antiácido. Em criações específicas, a precisão da técnica tridimensional é mesclada à suavidade da aquarela, o que confere ainda mais profundidade e leveza visual às composições.

Propósito espiritual e expansão do acervo Mais do que produzir itens decorativos capazes de transformar ambientes físicos, a produção atua ativamente como uma ferramenta de acolhimento emocional. Encarando seu ofício como um chamado divino e um propósito espiritual para espalhar alegria, a autora transforma sentimentos em lembranças tangíveis. A resposta do público tem sido o principal termômetro dessa trajetória, validando a capacidade da arte de aquecer corações de maneira única.

Colecionadores, entusiastas do design e interessados em encomendar homenagens exclusivas através dessa filigrana de papel modernizada podem acompanhar o portfólio completo diretamente no perfil do Instagram [@renata.werther.quilling].

ARTE, FOTOGRAFIA E DESIGN

CREATOR P O R T A L

Medicina e design sensorial aplicada no Lage Ateliê Idealizado por uma profissional da medicina, o Lage Ateliê transforma conchas e fibras naturais em arte orgânica, unindo arquitetura e bem-estar.

A sensibilidade médica aplicada ao bem-estar dos ambientes Em uma rotina pautada pela alta exigência técnica da medicina, a busca por válvulas de escape criativas frequentemente desperta talentos singulares no campo das artes manuais. A compreensão clínica de que o belo impacta diretamente o bem-estar emocional impulsiona a necessidade de desenhar ambientes que transmitam acolhimento, presença e calma. É a partir dessa intersecção única entre saúde humana, arquitetura contemporânea e experiência tátil que nasce o Lage Ateliê, um projeto autoral focado em transformar matérias-primas orgânicas em obras de arte que levam identidade, textura e significado para os espaços.

Da residência pessoal à parceria curatorial em arquitetura A trajetória da médica responsável pelo ateliê iniciou-se de forma despretensiosa há cerca de três anos, logo após a finalização da construção de sua própria casa.

Diante da dificuldade em encontrar no mercado peças com a identidade visual imaginada, ela decidiu confeccionar manualmente seu primeiro cocar de conchas.

Após um afastamento da produção para dedicar-se à medicina e à maternidade, a veia artística foi reativada através da influência de sua irmã, a arquiteta Iara Lage, idealizadora da @casadeeloisa. O início do trabalho de Iara com curadoria de interiores promoveu uma conexão orgânica entre o olhar arquitetônico e a paixão pelos materiais naturais, consolidando a retomada definitiva do estúdio.

Sustentabilidade tátil e a grandiosidade da coleção Essenza Terra Protagonistas absolutos do acervo, elementos físicos como fibras, palhas, cordas e conchas são trabalhados com total respeito às suas imperfeições e comportamentos naturais.

A responsabilidade ecológica sustenta a operação: as matérias-primas são provenientes de processos legalizados de importação e do reaproveitamento inteligente de itens naturais descartados após o consumo alimentar, com forte ênfase nas conchas. Essa essência sustentável ganha escala e impacto arquitetônico em linhas como a coleção Essenza Terra, cujas obras de grandes dimensões sintetizam o movimento da natureza. Além da produção autoral, o espaço desenvolve composições sob medida para projetos específicos de interiores.

Expansão internacional confirmada em São Paulo

e

presença

O respeito à textura original e a sofisticação da linguagem sensorial têm impulsionado uma rápida visibilidade mercadológica da marca. Atendendo a clientes que valorizam a estética orgânica, as criações já ultrapassam as fronteiras nacionais, a exemplo de uma obra recentemente exportada para Doha, no Catar. Consolidando sua relevância no circuito de design nacional, o projeto prepara-se para um marco estratégico: a participação de uma de suas peças em um importante evento de arquitetura e decoração na cidade de São Paulo, com estreia confirmada para o mês de junho.

Para o público que busca integrar o design afetivo e a sofisticação orgânica aos seus espaços, o desenvolvimento dessa expansão pode ser acompanhado através das novas curadorias e projetos autorais do ateliê [@lageatelie].

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CREATOR P O R T A L

Arte inspirada no tênis une esporte, afeto e design de luxo A marca Tennis&Arte, fundada por Ana Oliveira e Cesar Sabino, transforma o esporte em arte exclusiva utilizando saibro e elementos reais das quadras.

A ressignificação do esporte através da arte contemporânea O cruzamento entre a paixão esportiva e a expressão artística tem se revelado um nicho de alto valor no mercado de luxo e design de interiores. Superando a simples temática ilustrativa, a criação de obras que incorporam a memória física e emocional das quadras propõe uma nova experiência sensorial para colecionadores e entusiastas. Inserida nessa proposta inovadora, a marca Tennis&Arte, fundada pela ex-jogadora Ana Oliveira em parceria com o artista Cesar Sabino, transforma sentimentos profundos e a vivência no esporte em obras de arte exclusivas.

Utilizando elementos reais como saibro, bolas e redes, o projeto eleva a memória esportiva ao patamar de arte contemporânea.

Da superação pessoal à estruturação de um ateliê A gênese do ateliê remonta a outubro de 2025, período em que Ana atravessava uma fase conturbada e encontrou na pintura uma via de escape e respiração. O ponto de virada ocorreu durante uma sessão com o tatuador Cesar Sabino, quando um desenho unindo uma rosa e uma bola de tênis despertou a ideia de expandir os traços para as telas. A partir desse encontro, o que era um processo de cura pessoal transformou-se em um projeto com propósito claro. Após finais de semana de dedicação exaustiva, noites viradas e rigorosos testes de materiais, a dupla inaugurou a marca oficialmente em 1º de março de 2026, com a premissa de entregar qualidade, verdade e emoção em cada tela.

Produção artesanal com saibro e histórias reais O grande diferencial da produção reside na capacidade de traduzir a história de cada cliente em composições visuais únicas. Com um tempo de execução que varia de 30 a 40 dias, os quadros são inteiramente feitos à mão, destacando-se as criações que levam saibro em sua estrutura, agregando textura e a essência viva do tênis. Personalizáveis, as peças vêm acompanhadas de certificado de autenticidade, assinatura dos autores, molduras e proteção em vidro. A carga emocional é o eixo central da curadoria: cada pincelada é pensada para materializar sentimentos como amor, paixão, alegria ou saudade, garantindo que a obra transcenda a função estritamente decorativa.

Expansão nacional e foco no mercado premium Com um posicionamento voltado para colecionadores, arquitetos, designers de interiores, hotéis e ambientes de alto padrão, a aceitação no mercado tem ocorrido de forma orgânica e acelerada. Em apenas dois meses de operação, a iniciativa já firmou parcerias com quatro academias e marcou presença em mais de oito eventos corporativos e esportivos. O roteiro de expansão garante exposições em importantes clubes até julho deste ano, englobando a Playtennis (São Paulo), Matta Racket Club (Belo Horizonte), Sette Racket Club (Fortaleza) e Vitoria Country Club (Vitória).

Com metas estabelecidas para o desenvolvimento de coleções limitadas e expansão internacional, o acervo esportivo e afetivo pode ser acompanhado e encomendado através do perfil no Instagram [@tennis_arte].

CREATOR P O R T A L

Molduraria sustentável no Rio de Janeiro une tradição familiar e design Liderada por mãe e filha, a marca Frame Arte & Moldura transforma memórias em peças de alto padrão em Niterói, unindo curadoria e molduraria sustentável.

O resgate do emolduramento artesanal no mercado de interiores A valorização da memória afetiva e a busca por soluções de design conscientes têm reconfigurado o mercado de decoração de interiores. Rompendo com a produção impessoal e massificada, o emolduramento artesanal surge como uma ferramenta essencial para eternizar histórias com excelência técnica e responsabilidade ambiental. Inserida neste cenário de empreendedorismo feminino, a marca Frame Arte & Moldura, localizada em Niterói, no Rio de Janeiro, consolida sua trajetória unindo o atendimento familiar ao uso de materiais premium, transformando obras de arte, fotografias e conquistas pessoais em peças duradouras e cheias de propósito.

A colaboração de gerações e a arquitetura de interiores Idealizada em 2014, a operação da empresa é estruturada através da parceria direta entre mãe e filha, Babi e Beatriz Cardoso. A colaboração entre gerações gera um modelo de negócio focado na escuta ativa e na proximidade com o consumidor, compreendendo que cada item possui um valor histórico ou afetivo inestimável.

Esse atendimento personalizado é fortemente potencializado pela formação de Beatriz em Design de Interiores, credencial que permite oferecer orientações técnicas precisas sobre composição espacial e a escolha estética mais adequada para harmonizar perfeitamente a moldura com o ambiente final de cada cliente.

Excelência técnica ambiental rigoroso

e

o

compromisso

Com 12 anos de atuação no mercado fluminense, o rigor do processo produtivo do ateliê é garantido por uma seleção exigente de parceiros comerciais. A principal fornecedora de matéria-prima é a catarinense Moldurarte, referência mundial com mais de seis décadas de atuação. Essa aliança assegura não apenas acabamentos refinados de alto padrão, mas um compromisso transparente com a sustentabilidade.

A cadeia produtiva apoia-se no cultivo de pinus e eucalipto em seis fazendas com mais de 2,5 milhões de árvores, mantendo 64% da área preservada com espécies nativas. Além disso, um sistema eficiente de gestão transforma resíduos sólidos de madeira em briquetes ecológicos para abastecer as próprias estufas de secagem.

Curadoria de arte local, serviços e acesso ao acervo Direcionando suas soluções a colecionadores, fotógrafos, arquitetos e pessoas que valorizam o cuidado aos detalhes, a empresa vai além do serviço sob medida. O espaço físico atua ativamente como um ponto de fortalecimento da cena artística local, promovendo curadorias especiais e parcerias com criadores independentes que expõem e comercializam suas obras na loja. Para atender integralmente aos projetos decorativos, o negócio disponibiliza um catálogo diversificado de imagens prontas para personalização, enquanto estrutura planos futuros para a realização de oficinas culturais no local.

O portfólio completo de montagens e as opções em acervo podem ser conferidos diretamente através do perfil no Instagram [@frame.artemoldura].

Coluna CREATOR

Arte

CHÁ COM

Na coluna de hoje, convido você a refletir sobre a velocidade do nosso consumo visual. Vivemos na era da urgência, onde a contemplação profunda foi quase que totalmente substituída por uma visualização superficial e passageira das coisas.

Sempre encarei a arte como o contraponto vital para essa pressa.

Uma obra exige ser decifrada, não apenas vista.

Mesmo

com

a

rápida

fusão

do

mercado

contemporâneo e as novas lógicas tecnológicas, o avanço digital não elimina a nossa necessidade humana de pausa. Ferramentas e dados otimizam o setor, mas a essência de uma peça continua sendo o seu lastro histórico, exigindo atenção

A VERDADEIRA ARTE NÃO CONCORRE COM A VELOCIDADE DO MUNDO; ELA É O NOSSO REFÚGIO CONSCIENTE PARA FAZER O TEMPO PARAR

plena para ser absorvida. O verdadeiro valor de uma criação reside na sua capacidade de reter o nosso foco.

Em meio ao ruído incessante, proponho que você adote uma nova postura ao consumir cultura.

Desacelere e permita que a obra dialogue, de fato, com o seu intelecto, transformando a observação em uma experiência analítica e real.

Luzbela Souza Direção Editorial

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CREATOR É ARTISTA: PARTICIPE DAS PRÓXIMAS EDIÇÕES

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