Revista Creator - N52

Venda proibida

CREATOR Nº52 | 2026 - Maio

│

©Todos os Direitos Reservados a Zul Editora @revita_creator

CATÁLOGO DE ARTES

EDIÇÃO ESPECIAL

ESTILO EXPRESSIONISTA1 Como o design gráfico influencia na construção de telas caóticas

ARTE E PROVOCAÇÃO Por que o suporte da pintura atua na busca por gerar inquietações

ENTREVISTA COM

Paulo F. Damasco Estética Caótica, Provocação e Investigações

06

06

CREATOR Direção Editorial LUZBELA SOUZA

Conteúdo BRUNA CAMILLE M. SILVA JIULIANA FERREIRA CARLA DE MENDONÇA DIEGO MATHIAS JR.

Site WWW.REVISTACREATOR.COM

Contato CONTATO@REVISTACREATOR.COM

Instagram @REVISTA_CREATOR

Copyrights © 2025 por Zul Editora Todos os direitos reservados. É proibido a reprodução total ou parcial.

Indice 6 - PAULO F. DAMASCO 12 - LEILA BOKEL 13 - PATRÍCIA MUNIZ 15 - ARTE ORGÂNICA ATELIÊ 16 - BETH ROCHA 18 - ONAÊ 19 - AMINA OSLATI 22 - PEDRO COUTINHO BUREGIO 23 - BAS 25 - MI ALMEIDA 26 - TATIANA COELHO ATELIER 28 - LU LEÃO 29 - ESTEFANI LIRA 33 - CASA HÜBBE 34 - ATELIER BONJOUR

CREATOR

Paulo F. Damasco A transição do design gráfico para as artes plásticas marcou o início da trajetória de Paulo F. Damasco como artista visual, uma mudança que se consolidou aos 33 anos de idade. Com uma bagagem sólida no campo da comunicação, onde atuou como diretor de arte, sua experiência profissional permitiu o contato direto com fotógrafos, ilustradores, atores e escritores. Essa vivência multifacetada no mercado corporativo de artes gráficas forneceu a base estrutural e a coragem necessárias para que ele transpusesse seu conhecimento técnico para o suporte da pintura em tela.

Criado em um ambiente familiar com forte inclinação experimental para o desenho, a pintura, a escrita e a música, o artista aponta o pai como sua principal influência formativa e de incentivo precoce.

Atualmente, Damasco concilia a produção artística com sua atividade principal no design gráfico, mantendo um olhar atento às manifestações do passado, presente e futuro.

Sua personalidade artística reflete uma postura exigente com a própria produção e uma busca contínua pelo entendimento dos caminhos de sua expressão.

A decisão de buscar seu espaço no circuito das artes visuais profissionalizou-se após visitas a galerias, onde compreendeu o potencial de adaptação de sua identidade gráfica para as telas.

Cercado pelo apoio familiar que se estende até as aptidões de sua filha, ele iniciou sua caminhada de forma despretensiosa e ousada.

Esse atrevimento inicial permitiu que seu trabalho ganhasse visibilidade precoce e fosse inserido em discussões contemporâneas sobre a imagem.

Entrevista CREATOR

ESTÉTICA CAÓTICA Paulo F. Damasco define seu estilo artístico como predominantemente expressionista, caracterizado por uma abordagem densamente emocional, espiritual e caótica. Suas pinturas não possuem finalidade puramente decorativa; o propósito central de sua pesquisa reside na capacidade de provocar inquietações e fazer o espectador parar para refletir. A produção artística funciona como um canal de exteriorização, transpondo para a matéria pictórica sentimentos e visões de mundo guardados.

PROVOCAÇÃO A escolha das temáticas que permeiam suas obras é ditada pelo potencial de impacto e provocação que elas podem gerar no circuito artístico. O artista busca estabelecer um diálogo franco com o público, utilizando o suporte da pintura para manifestar visões críticas e reflexões intensas sobre a realidade contemporânea. Suas ideias nascem de rascunhos simples em cadernos e evoluem na tela de maneira livre, resultando em composições cujo desfecho final frequentemente assume contornos inesperados.

Entrevista CREATOR

Investigações A pesquisa técnica de Damasco baseia-se na utilização da tinta acrílica, aplicada sobre a tela com o auxílio de pincéis e espátulas, além do uso de canetas para a finalização dos detalhes. Esta escolha material justifica-se pela rapidez de secagem do pigmento e pela intensidade das cores fortes, que se ajustam à necessidade de velocidade e impacto exigidos por sua poética expressionista.

Suas influências visuais englobam a simplificação formal vinda do cubismo, os traços marcantes das xilogravuras e a estética tradicional das tatuagens old school.

PROCESSO O processo de criação do artista é essencialmente manual, iniciando-se na simplicidade do rascunho em papel e expandindo-se no momento em que atinge o suporte definitivo. É na tela que a execução ganha contornos de experimentação livre, mantendo um controle sutil sobre o conceito inicial, mas permitindo o surgimento do imprevisto. Para superar bloqueios criativos, Damasco adota a estratégia de observar o mundo exterior, extraindo do cotidiano os estímulos para o desenvolvimento de suas composições.

Entrevista CREATOR

Visibilidade A estreia internacional de Paulo F. Damasco ocorreu por meio da obra "A Natureza Quase Morta" — que retrata uma arara-azul em meio ao caos —, selecionada pela Eurartes para uma mostra coletiva onde foi reproduzida em uma galeria em Paris, garantindo-lhe um certificado de coparticipação. No cenário nacional, sua participação presencial mais marcante deu-se na 44ª Expoarte SP, realizada no Solar Fábio Prado, em São Paulo. O artista destaca a importância desse evento como um momento de aprendizado e escuta das vivências de criadores experientes na capital paulista.

Entrevista CREATOR

Expansão Os planos imediatos do artista concentram-se na ampliação de sua participação em exposições presenciais, valorizando a troca de experiências com outros profissionais do circuito, além da inclusão de seu trabalho no próximo livro impresso da Zul Editora. Para os próximos cinco anos, Damasco projeta uma evolução estética voltada para soluções mais disruptivas e busca expandir a visibilidade de suas obras. Seus objetivos a longo prazo incluem a inserção de sua produção no mercado de grandes colecionadores e a realização de exposições no continente europeu.

Entrevista CREATOR

MARIAH FOLHASMARÉ

Reflexão A Revista Creator convida você a testar os limites da própria percepção diante das telas expressionistas e provocativas de Paulo F. Damasco.

Conheça de perto as obras que desafiam a calmaria e trazem à tona a força das cores fortes e do gesto livre. Visite o instagram do artista para acompanhar os desdobramentos de sua pesquisa artística e garantir seu acesso aos bastidores e lançamentos deste criador que a Revista Creator agradece a Alessandra transforma o caos em linguagem visual.Verdi por compartilhar sua inspiradora jornada artística conosco e com nossos leitores. Fiquem atentos às próximas exposições e projetos dessa talentosa artista, pois @PAULO_DAMASCO sua arte continua a iluminar e inspirar. @ALEVERDIATELIER

CREATOR P O R T A L

A arquitetura estrutural

Arte têxtil explora amarras e nós do universo feminino

A artista Leila Bokel utiliza a arte têxtil, o tingimento e a estruturação por nós para criar obras que refletem as tensões do universo feminino.

A busca por uma linguagem autoral muitas vezes é impulsionada pela privação material. Com formação sólida pela Escola de Artes Visuais do Parque Lage (EAV) e pelo Atelier Guilhermina Virtual (sob orientação de Isabel Portella e Jozias Benedicto), Leila Bokel construía sua poética inicial sobre o papel. Contudo, em 2011, a interrupção da importação de seu material de eleição forçou uma revisão drástica em seu suporte de ateliê. A artista migrou para os tecidos, iniciando uma pesquisa focada na transparência, na qualidade e na leveza. Esse novo meio exigiu adaptação técnica, acolhendo processos intensos de tingimento manual, dobras e rasgos que redefiniram permanentemente sua trajetória plástica.

A exaustão do gesto e o protagonismo do fio A materialidade de sua obra sofreu uma nova evolução, desta vez guiada pelo limite físico do fazer artesanal. Em sua primeira série, "Fios tingidos", a artista assumia o desgaste de rasgar o próprio tecido tingido para criar suas tramas. Em 2015, quando suas mãos já não suportavam a fricção contínua do processo, a adoção do fio de algodão pronto — em espessuras variadas e também submetido ao tingimento autoral — tornou-se uma seleção imposta pelo próprio corpo. O que antes era um elemento coadjuvante ganhou protagonismo absoluto, permitindo que as linhas assumissem o comando de seu processo construtivo.

de

nós

como

metáfora

Afastando-se das costuras tradicionais ou dos tecidos soltos que frequentemente dominam a produção contemporânea, a artista estrutura suas peças puramente através de amarras e nós firmes. Essa arquitetura feita aos pedaços cria um jogo visual de contenção e expansão, onde os fios conseguem escapar organicamente pelas frestas. Essa dinâmica de efemeridade e transparência ultrapassa a mera experimentação estética, atuando como uma metáfora rigorosa para as experiências, as tensões e os questionamentos profundos que habitam o universo feminino.

Reconhecimento institucional e o avanço para a instalação O amadurecimento formal de seus volumes, agora permeados por títulos filosóficos, tem garantido uma forte validação institucional. Com histórico no 16º Salão Nacional de Arte Contemporânea de Jataí (2018), seu acervo recente acumula premiações de peso, organizadas por Muriah Brasil: a Medalha de Ouro na categoria Arte Têxtil (Melhores Artistas do Ano) na Casa de Cultura Odisséia (2024), com a obra "Isso tem história", e a Medalha de Prata na 3ª Expo Brasil Amazônia (2025), com a peça "Foi só um momento".

Obras significativas como "Amigos eternos e infinitos" já circularam pelo Centro Cultural Correios (RJ) e pelo Museu Histórico da Cidade (RJ). Aberta a projetos sociais que aproximem a arte do público infantil, sua produção avança agora para o campo das instalações, comprovando que o equilíbrio visual nasce da firmeza de cada nó. Acompanhe a evolução dessas tramas, descubra o processo por trás das novas instalações e mergulhe em uma pesquisa estética única seguindo o perfil [@leila_bokel].

CREATOR P O R T A L

Arte educação impulsiona projeto social que transforma milhares de crianças no Brasil A artista Patrícia Muniz utiliza a arte educação e projetos premiados pela UNESCO para promover impacto social e transformar o desenvolvimento humano.

A consolidação de um legado criativo atinge seu potencial máximo quando a estética se alia ao propósito cívico. Formada em Artes Plásticas e com especializações em Arte Educação, Arteterapia e Neuropsicopedagogia, a trajetória de Patrícia Muniz transcende a produção individual e silenciosa do ateliê. Sua caminhada estruturouse como um movimento coletivo focado no desenvolvimento do indivíduo. Liderando o Ateliê Patrícia Muniz e o Instituto Arte por Toda Parte, a artista construiu uma linguagem onde a arte deixa de ser apenas um produto de contemplação mercadológica para atuar como uma ferramenta ativa de acolhimento e transformação da realidade.

Projetos imersivos e o alinhamento com a ONU A pesquisa desenvolvida pela profissional dialoga diretamente com as urgências contemporâneas, utilizando a natureza, a infância e histórias reais como matéria-prima para a criação. O grande diferencial de sua metodologia reside na valorização do processo em detrimento do resultado puramente estético. Um marco dessa abordagem é o projeto "Arte no Prato", reconhecido e premiado pela UNESCO, que propõe a construção de obras visuais utilizando alimentos. Essa vivência imersiva rompe o formato convencional, gerando pertencimento e autoestima, em alinhamento direto com os Objetivos de Desenvolvimento Sustentável (ODS) da ONU, especialmente nas esferas de educação, redução de desigualdades e promoção do bem-estar.

O combate à vulnerabilidade através da expressão O público que consome e participa dessa estrutura é intencionalmente diverso. O escopo de atuação abrange desde o aluno que busca refinamento técnico no ateliê até crianças em situação de vulnerabilidade social acolhidas pelo instituto. Ao todo, suas iniciativas já impactaram mais de 32 mil jovens em diferentes regiões do Brasil. Nesse cenário, o compromisso de Muniz é muito claro: mais do que formar artistas habilidosos, sua metodologia forma indivíduos autônomos. Ao reposicionar a arte como um direito, ela pauta o seu fazer plástico na inclusão, no acesso democrático e na devolução da dignidade.

Projeção internacional e o impacto no circuito global O rigor metodológico e a força contundente desse impacto social projetaram seu trabalho para o seleto circuito internacional de arte contemporânea. Neste ano de 2026, a artista atinge um novo patamar de visibilidade ao integrar o grupo de expositores no prestigiado Carrousel do Louvre, em Paris. Essa participação não apenas valida sua pesquisa, mas cumpre o papel de levar artistas brasileiros para o cenário global, reforçando que uma arte com propósito verdadeiro ocupa os espaços e permanece.

Para educadores, curadores, investidores sociais e o público que deseja acompanhar e apoiar esse método transformador, o acervo e os detalhes do projeto estão disponíveis nos perfis do Instagram [@ateliepatriciamuniz] e [@arteportodaparte.oficial].

Não existe meio mais seguro para fugir do mundo do que a arte, e não há forma mais segura de se unir a ele do que a arte.

CREATOR P O R T A L

Arte amazônica, Arte Orgânica Ateliê A artista Lia D'Almeida Gemaque utiliza a arte amazônica, a coleta de sementes locais e o design têxtil para exaltar a memória e a natureza do Pará.

A reinvenção profissional frequentemente atua como um resgate de vocações silenciadas. Nascida em Belém do Pará, Lia D'Almeida Gemaque construiu uma carreira sólida de 17 anos na advocacia antes de vivenciar uma profunda revisão de trajetória durante a pandemia. A necessidade de reconexão com o universo criativo de sua infância operou como um chamado definitivo para as artes visuais. Em janeiro de 2022, ela assumiu essa ruptura e fundou o Arte Orgânica Ateliê, estruturando uma pesquisa plástica que recusa o efêmero para dialogar frontalmente com os saberes ancestrais, os elementos naturais e a densidade histórica da cultura amazônica.

A materialidade botânica e a coleta sustentável O rigor de sua produção encontra-se na relação direta e sustentável com a biodiversidade local. Em vez de recorrer a suprimentos industriais padronizados, a artista estrutura suas obras através da coleta manual em solo paraense. Galhos de açaí, folhas secas e uma curadoria minuciosa de sementes — como murumuru, olho de boi, paxiubinha e jarina — passam por processos cuidadosos de secagem e impermeabilização no ateliê. Essa matéria orgânica bruta é então combinada à técnica de embalagem de fibras, utilizando fios, linhas e barbantes, e finalizada com intervenções pontuais de tintas acrílicas, spray e verniz, garantindo a durabilidade e a sofisticação tátil de cada escultura.

Iconografia ancestral e o impacto da COP 30 A fusão entre arte, natureza e identidade afasta esse acervo do mero utilitarismo decorativo. O destaque da produção recai sobre os cocares têxteis — que prestam forte homenagem estética e simbólica aos povos originários — e as esculturas orgânicas, como os robustos colares de mesa. Essa narrativa visual carrega intenção e memória, estabelecendo uma conexão sensorial profunda com quem a consome. O posicionamento estratégico dessa linguagem ganhou um impulso irrefutável com o movimento e a ampliação de interesse gerados pela COP 30 em Belém, atraindo o olhar ávido de colecionadores, arquitetos e designers de outras regiões e países para a verdadeira potência criativa do bioma amazônico.

Validação institucional e mostra em cartaz Consolidando sua assinatura no mercado desde a exposição individual "Raízes" (2024), as obras da artista já ocupam espaços de alto padrão, como hotéis, clínicas e galerias de arte na capital paraense, com os registros visuais de suas obras frequentemente assinados pela fotógrafa Thaís Verônica Pereira (@tveronica_). Para o público interessado em imergir nessa estética regional, seu acervo compõe a mostra atualmente em cartaz no Centro Cultural da Justiça Eleitoral do Pará (CCJE), localizado na Rua João Diogo, 254, na Cidade Velha, em Belém. A exposição possui entrada franca e permanece aberta para visitação até o dia 3 de junho, das 8h às 14h.

O portfólio completo e o contato para aquisições estão disponíveis no Instagram [@arteorganica.atelie].

CREATOR P O R T A L

A expansão bidimensional e o fomento cultural Longe de se limitar ao volume tridimensional tradicional da escultura, a pesquisa de Beth avança agora para novos suportes. A artista tem incorporado a argila ao campo bidimensional, transformando o barro em pigmento para pinturas e desenhos onde a matéria deixa de ser puramente volume e torna-se superfície e gesto inscrito. Além dessa evolução estética autoral, ela exerce um papel vital no fomento artístico carioca como diretora do Cedro da Gávea. Fundado em 2017 no Rio de Janeiro, o espaço consolidou-se como um prestigiado ambiente de formação, oferecendo aulas, workshops e exposições voltadas para jovens e adultos em processo de profissionalização nas artes visuais.

Validação curatorial e presença institucional

Cerâmica contemporânea une corpo e memória em argila A artista visual Beth Rocha utiliza a cerâmica contemporânea para investigar a relação entre corpo, espaço e matéria em formas táteis.

A construção de um repertório visual consistente frequentemente exige deslocamentos geográficos e intelectuais. Para a artista visual e educadora Beth Rocha, o despertar para a matéria ocorreu de forma visceral aos 13 anos, ao visitar a casa do Mestre Vitalino em Caruaru (PE). Esse encontro com o barro marcou profundamente seu imaginário e definiu a cerâmica como a linguagem central de sua produção. Sua trajetória foi posteriormente estruturada por uma sólida base acadêmica, somando a formação em Artes Plásticas pelo Instituto Metodista Bennett (RJ), estudos em Design na La Jolla Academy of Advertising and Arts (EUA), especialização em Psicologia Junguiana pela PUC-Rio e passagens pela Escola de Artes Visuais do Parque Lage, criando uma prática que articula o fazer manual à reflexão simbólica.

O corpo como abrigo e a escala da matéria A poética desenvolvida no ateliê investiga intensamente a ideia da casa como uma extensão direta do corpo humano. Obras marcantes de seu acervo, como as da série "Casulos de terra", exploram estruturas que evocam proteção, interioridade e gestação, estabelecendo uma relação física e de escala quase imponente com o espectador. Contudo, o isolamento imposto pela recente pandemia provocou uma inflexão sensível nessa pesquisa. Em um momento de recolhimento, a artista migrou das formas amplas para a execução de peças miúdas e íntimas, tratando a argila como fragmentos de vestígios. Essa redução de proporção refletiu uma adaptação emocional e uma nova forma de dialogar com o tempo.

A maturidade de sua investigação garante a circulação constante da obra em espaços de relevância crítica.

Atualmente, a artista integra a tradicional mostra "Novíssimos 2026", em exibição na Galeria Ibeu (Rio de Janeiro) até maio, sob curadoria de Bruno Miguel.

No mesmo período (abril e maio de 2026), seu trabalho ocupa a Galeria Gamma, em Maceió, com curadoria de Vera Gamma, resgatando um profundo vínculo afetivo com a região de origem de sua família. Com passagens destacadas pela Bienal Black Brazil Art nas edições de 2019-2020 e 2024 (sob curadoria de Patrícia Brito), seu acervo atrai colecionadores e curadores focados na dimensão simbólica da arte.

O portfólio completo e o contato direto podem ser acompanhados através do Instagram [@beth.rocha.art].

A ciência descreve as coisas como são; a arte, como são sentidas, como se sente que são.

CREATOR P O R T A L

Decoração sustentável utiliza material inovador para criar peças exclusivas de design afetivo A marca Onaê, de Ana Julia Amorim, utiliza a resina ecológica Jesmonite para criar peças de decoração únicas, combinando estética e responsabilidade ambiental.

A reinvenção profissional muitas vezes nasce da necessidade de desacelerar.

Foi exatamente o esgotamento com a rotina da advocacia que levou Ana Julia Amorim, de 26 anos, a iniciar um período sabático em 2024. A busca por novos hobbies e artes manuais, como a pintura e a cerâmica, abriu caminho para uma descoberta material que mudaria sua trajetória: a Jesmonite. O encantamento com as propriedades dessa resina britânica a motivou a mergulhar em testes práticos ao longo de 2025. O resultado dessa imersão estruturada foi a fundação da Onaê, uma marca que já nasce amparada pela versatilidade do trabalho manual e pela urgência de se repensar o consumo decorativo no mercado contemporâneo.

A inovação da Jesmonite e a técnica marmorizada O grande trunfo do ateliê reside na escolha consciente da matéria-prima. A artista trabalha principalmente com a Jesmonite AC100, um compósito de gesso modificado acrílico que atua como uma alternativa ecológica frente aos plásticos e resinas sintéticas tradicionais, sendo totalmente livre de compostos orgânicos voláteis (COVs) e possuindo certificação antichamas.

A partir dessa base sustentável, Ana Julia aplica a sua técnica favorita: o efeito marmorizado. A dinâmica desse processo impede padronizações industriais; a quantidade de pigmento, o movimento da mistura e o despejo no molde garantem que cada peça, por mais que compartilhe o mesmo formato, possua um desenho cromático absolutamente único e irreplicável.

O design afetivo e o acervo autoral O catálogo da Onaê é desenhado para um público que enxerga a casa como um refúgio e valoriza a beleza intencional do feito à mão. As criações buscam dar utilidade e afeto a pequenos rituais do dia a dia. Entre as peças mais significativas de seu portfólio estão a "Bandeja Maré", o "Budinha" — pensado para acompanhar momentos de pausa e iluminação com velas — e o "Incensário Brisa", que carrega a particularidade de ter tido seu molde desenvolvido do zero pela própria criadora. Essa flexibilidade produtiva também permite o desenvolvimento de encomendas personalizadas, ajustando as paletas e formas até que a peça atinja o sentido exato proposto pelo cliente.

O impacto ambiental e a expansão para o varejo físico O compromisso da marca com a natureza não se limita ao material do ateliê; ele se estende ao impacto global. A Onaê atua ativamente como apoiadora mensal da Planet Wild, uma organização focada em projetos de rewilding e conservação.

Através dessa parceria, a marca já contribuiu para nove missões voltadas à recuperação de espécies ameaçadas e restauração de oceanos e florestas.

Consolidando sua presença no mercado carioca, o acervo de produtos da marca encontra-se em exposição contínua na Loja Moombox, situada no Shopping Rio Sul (Botafogo, Rio de Janeiro), disponível para visitação de segunda a domingo, das 10h às 22h.

Para acompanhar os lançamentos e os processos criativos do estúdio, o contato direto ocorre pelos perfis no Instagram [@onaestudios] e [@anajuliamorim].

CREATOR P O R T A L

A materialidade do afeto e a urgência criativa

Desenho intuitivo une humor e psicodelia na arte visual A artista Amina Oslati utiliza o desenho intuitivo, o humor e as formas abstratas para construir uma linguagem visual autoral livre de amarras.

Para muitos criadores, a arte preenche as lacunas da linguagem verbal. Amina Oslati encontrou no desenho, desde a infância, a sua principal ferramenta de comunicação para contornar a timidez. A repetição exaustiva dos traços estruturou sua base técnica, mas foi o abandono das regras estritas que definiu sua assinatura. Após interromper um curso técnico de ilustração, a artista optou por uma formação intelectual independente, consumindo vorazmente livros, exposições, internet e revistas de banca. O contato plural com mestres clássicos, modernos e contemporâneos — de Da Vinci, Kandinsky e Cézanne a Basquiat, Yayoi Kusama e cartunistas consagrados como Laerte e Angeli — forneceu o repertório necessário para que ela pudesse, ironicamente, se libertar das referências diretas. Hoje, seu processo criativo recusa a cópia para exercitar a intuição pura, garantindo a originalidade de suas formas abstratas.

O domínio do lápis permanece como o alicerce absoluto de sua produção, mas a escolha do material obedece estritamente à necessidade emocional do momento. O processo criativo de Oslati é marcado pela urgência e pela ausência de planejamento prévio; a criação atua como uma liberação de acúmulos sensoriais. Para os diálogos mais íntimos e delicados consigo mesma, a artista recorre ao giz, à aquarela e aos lápis de cor. Em contrapartida, quando o objetivo é estabelecer uma conversa direta, robusta e marcante com o público, ela migra para a densidade proporcionada pela tinta acrílica e a óleo. Nessas telas, um sentimento abstrato é meticulosamente traduzido em escolhas específicas de cores e linhas, revelando uma dualidade constante entre a mente e o coração.

O humor, a psicodelia e o contato urbano A recusa em enxergar a arte puramente como um produto comercial engessado permite que a artista explore linguagens frequentemente marginalizadas pelo circuito tradicional. Seu repertório absorve o senso crítico e o traço simplista característicos das charges e caricaturas. A introdução do humor e de uma atmosfera psicodélica — um senso de fuga da realidade — permite que ela capture e amplifique a essência de seus temas. Essa sensibilidade encontrou aplicação prática e urbana de forma intencional ao longo do último ano. Sem aguardar a chancela de galerias, Oslati levou sua arte para as ruas, realizando caricaturas ao vivo no emblemático Beco do Batman, experiência que pode ser acompanhada através do perfil [@caricaturadobeco].

Ativismo esportivo e expansão digital A noção de coletividade, diversidade e ocupação de espaços transborda do ateliê para a vida pessoal da artista. Oslati integra o primeiro time LGBTQIAPN+ de rugby do Brasil, uma associação cultural que transcende o esporte para promover a inclusão através de oficinas, ações sociais, jogos e treinos gratuitos.

Essa mesma necessidade de expansão reflete-se em sua forte presença digital. Assumindo a postura de quem gosta de "se espalhar" pela internet, ela mantém há dez anos a produção de crônicas e reflexões em blogs como o Impressões Avulsas, enquanto consolida a divulgação de seu acervo visual através de seu Instagram principal [@amina.clementina].

Em sua visão, a arte cumpre o seu papel primário ao conectar pessoas que compartilham da mesma excitação estética e emocional que guiou a mão da criadora.

06

06

CREATOR P O R T A L

O estudo da matéria expressionismo

Pintura visceral une psicanálise e arte urbana em telas O artista emergente Pedro Buregio utiliza a pintura visceral e a arteterapia para explorar o expressionismo abstrato, a psicanálise e a cultura urbana.

A consolidação de uma poética frequentemente exige a travessia de crises pessoais profundas. Para Pedro Coutinho Buregio, de 23 anos, o desenho e a aquarela ocupavam um espaço silencioso desde a infância, mas ganharam força transformadora apenas recentemente. Aos 21 anos, após um período de turbulência, o artista encontrou na arteterapia junguiana — conduzida pela profissional Camila Vieira — e em uma imersão de fluxo criativo com Thiago Beltrão os catalisadores exatos para a sua produção. Esse mergulho guiado no autoconhecimento reconfigurou sua percepção sobre sensibilidade e criação, impulsionando a busca autodidata por uma linguagem plástica honesta que desse conta de suas inquietações.

e

o

rigor

do

A transição definitiva para a pintura em tela não ocorreu de forma leviana; ela exigiu um rigoroso estudo independente da tinta acrílica. Antes de iniciar sua produção, Buregio dedicou-se à pesquisa exaustiva de texturas, diluições, peso visual e comportamento da tinta fluida. O resultado prático é uma estética crua, fortemente ancorada no drip painting e em camadas sobrepostas aplicadas diretamente do tubo. Movido pela energia do expressionismo abstrato, ele absorve a influência direta de mestres como Jackson Pollock e o brasileiro José Roberto Aguilar, priorizando a força instintiva do gesto e a energia orgânica do momento criativo.

A filosofia no verso e a herança das ruas Longe de abandonar suas incursões prévias pela literatura, o artista integra a disciplina textual ao seu ateliê. A escrita, alimentada por estudos independentes em sociologia, psicanálise e filosofia, atua como uma extensão visceral da tela. Buregio desenvolveu a assinatura técnica de escrever reflexões e poemas no verso de suas obras, criando um manifesto sem filtros projetado especificamente para indagar e incomodar o espectador. Esteticamente, essa necessidade de ocupação de espaço e movimento é um reflexo direto de sua criação profundamente conectada à cultura do skate e à dinâmica das ruas, sintetizando uma visão urbana sobre a liberdade do caos.

O ritmo sonoro no ateliê e os próximos passos O processo de execução de suas telas recusa o silêncio. A criação é estritamente guiada pela cadência sonora do maracatu e do jazz, ritmos que ditam a intensidade emocional de suas pinceladas. Assumindose como um artista emergente em constante construção identitária, sua produção atual foca na finalização de novas telas para ingressar formalmente no circuito de galerias. Seu objetivo transcende a simples produção de imagens decorativas, buscando criar experiências experienciais que conectem arte, emoção e consciência.

O acompanhamento de sua evolução técnica e o contato direto podem ser realizados através de seu perfil no Instagram [@Pedroburegio].

CREATOR P O R T A L

Série de entrevistas une arte do Brasil e Argentina na web A série Falas da Arte Brasileira, do projeto BAS, promove um diálogo analítico entre a cultura visual latino-americana e a artista argentina Mar Flores.

A construção de um pensamento crítico sobre a produção contemporânea exige o rompimento com os eixos tradicionais de validação. Idealizado pela pesquisadora e designer Victória D'Almeida, o projeto BAS — Brasil Arte & Significado atua nesse espaço, desenvolvendo pesquisas rigorosas sobre cultura visual e iconografia no ambiente digital. O principal braço dessa iniciativa é a série "Falas da Arte Brasileira", que se dedica a dar visibilidade à circulação de artistas independentes, criando um canal vital para trajetórias que frequentemente permanecem afastadas dos grandes centros culturais do país.

O trânsito cultural latino-americano e a colagem Comprovando a elasticidade de seu escopo curatorial, a série realizou recentemente sua primeira inserção internacional, recebendo a artista visual argentina Mar Flores.

O diálogo expande a análise das visualidades sul-americanas, focando na linguagem da colagem. Para Flores, o método construtivo transcende o mero processo de recorte e montagem; ele surge da necessidade de materializar o seu universo sonoro. A música funciona como um limiar estrutural que permite à criadora acessar e narrar histórias, tanto próprias quanto coletivas, aproximando elementos simbólicos da cultura visual a ícones atemporais da música brasileira, como Gal Costa e Maria Bethânia.

Oráculos visuais e o protagonismo feminino Ao analisar a poética de seu ateliê, a artista argentina define suas obras como pequenos oráculos visuais. A narrativa é construída em torno do protagonismo feminino, onde mulheres são inseridas em universos permeados por referências místicas, mares, luas e flores — elementos que representam transformação e beleza. O objetivo analítico dessa estética é proporcionar uma conexão direta com a essência do observador, garantindo que a imagem não seja apenas contemplada, mas que comunique um significado íntimo e temporal a quem a observa.

A música brasileira como ponte afetiva O contraponto intelectual dessa edição internacional do BAS é a identificação clara de como a cultura exportada pelo Brasil atua como ferramenta de formação estética em países vizinhos. A conexão de Mar Flores com o país foi estruturada organicamente na adolescência através da busca por apresentações ao vivo de Música Popular Brasileira e bossa nova na cena de Buenos Aires. Nomes fundamentais como Djavan, Caetano Veloso, Gilberto Gil, além de Gal e Bethânia, consolidaram a base de seu imaginário afetivo.

A expansão contínua desse projeto digital, cujo acervo de entrevistas e pesquisas pode ser acompanhado no Instagram [@brasilarteesignificado], demonstra que o debate sobre a arte latino-americana ganha profundidade quando conduzido com seriedade documental e rigor investigativo.

A arte não reproduz o que vemos. Ela faz-nos ver.

CREATOR P O R T A L

Ensino de aquarela prioriza saúde mental e expressão visual Mi Almeida expande o Âmbar Ateliê integrando o ensino de aquarela, o desenvolvimento cognitivo e a inclusão através das artes visuais.

O avanço das ferramentas tecnológicas frequentemente impõe uma crise de propósito a criadores que priorizam a troca humana. Formada em Design Gráfico em 2012, Mi Almeida compreendeu rapidamente que o ambiente puramente digital não comportaria sua necessidade de interação interpessoal.

Resgatando o fascínio infantil pelas técnicas artesanais vivenciadas no bairro do Jaguaré (SP), ela redirecionou sua rota profissional para o ambiente físico das salas de aula e ateliês. Foi durante o isolamento da pandemia que a aquarela se revelou não apenas como um suporte estético, mas como a linguagem definitiva para conectar a experiência artística ao bem-estar psicológico e à expressão íntima de seus alunos.

A desmistificação do dom e o rigor pedagógico A estruturação de seu método de ensino confronta uma das noções mais limitantes do mercado: a de que a arte exige um talento nato. Para a educadora, a pintura é uma linguagem expressiva latente que demanda apenas consciência e estímulo para se manifestar. Esse embasamento prático é sustentado por uma qualificação teórica rigorosa. Afastando-se do empirismo amador, a artista buscou especializações acadêmicas em Educação e Ludicidade no Desenvolvimento Infantil, Interpretação do Desenho Infantil e Arte e Autismo.

Essa bagagem multidisciplinar permite que ela conduza o desenvolvimento cognitivo e emocional de crianças e adultos, provando que o processo criativo possui um potencial terapêutico real e mensurável.

A consolidação metodológica e a expansão física

A produção autoral e o circuito institucional

O histórico recente de sua iniciativa atesta a viabilidade comercial de ateliês focados no desenvolvimento humano.

Após testar a recepção do público com oficinas inaugurais de aquarela em julho de 2024, a demanda escalou rapidamente.

No ano seguinte, estabeleceu turmas regulares semanais que englobam não apenas a aquarela, mas desenho, acrílica e modelagem. Prestes a completar seu primeiro ano de operação formal, o projeto atinge um novo marco estrutural agora no mês de maio, com a inauguração de um espaço físico ampliado. Sob o nome de Âmbar Ateliê, o novo complexo de ensino estabelece sua sede na região do Alto da Boa Vista, em Santo Amaro (SP), mantendo a política de oferecer aulas experimentais gratuitas para iniciantes.

A dedicação ao magistério artístico, contudo, não anula sua pesquisa visual individual. O desenvolvimento de suas obras autorais caminha em paralelo à gestão do novo espaço, garantindo sua inserção no circuito de exposições. O reconhecimento dessa faceta criativa ocorrerá em agosto deste ano, quando uma de suas peças integrará a exposição "Lado B, Poéticas Visuais da Música", agendada para ocupar o espaço cultural da Biblioteca Alceu Amoroso Lima, em Pinheiros. A consolidação dessa trajetória dupla — educadora e artista visual — reafirma que a comunicação através das tintas transcende a técnica asséptica e alcança o desenvolvimento pessoal profundo.

O acompanhamento de seu acervo e da grade do novo ateliê pode ser feito diretamente pelo Instagram [@miearte_].

CREATOR P O R T A L

Cerâmica fria une arteterapia e design de alta decoração

A artista Tatiana Dapper Coelho utiliza a cerâmica fria e a arteterapia para criar peças de alta decoração focadas no impacto emocional dos espaços.

A produção visual frequentemente nasce como um mecanismo de sobrevivência antes de se estruturar como linguagem estética. Para Tatiana Dapper Coelho, o primeiro contato profundo com a arte ocorreu aos 11 anos, operando como uma ferramenta de reorganização interna frente a uma severa perda familiar. A arte, nesse momento, ocupou o silêncio e o luto. A transição dessa necessidade psíquica para a atuação profissional formalizou-se em 2002 com a abertura de seu ateliê.

Longe de se fixar precocemente em um único suporte, a artista percorreu uma extensa pesquisa empírica através do mosaico, pintura em louças, pátina, restauração e folk art, até identificar na cerâmica fria a plasticidade exata para traduzir sua carga emocional.

O embasamento clínico arquitetura de interiores

e

a

O amadurecimento dessa pesquisa plástica foi rigorosamente calçado pela academia e pelo mercado. Sua formação hibridiza as Artes Visuais, o Design de Interiores e uma especialização clínica em Arteterapia. Essa tríade teórica encontrou aplicação prática durante os 16 anos em que a criadora esteve à frente da Vivenda, uma loja de interiores onde atuou como designer. Essa experiência no varejo de alto padrão permitiu que ela decodificasse o lar não apenas como um agrupamento de mobiliário, mas como um território puramente emocional. No ateliê, esse repertório resulta em esculturas e objetos em cerâmica fria que priorizam a leveza e as formas orgânicas irregulares da natureza, recusando o virtuosismo vazio em prol da construção de um significado empírico.

Coleções conceituais e a inserção na alta decoração O resultado desse cruzamento entre curadoria de interiores e escultura posicionou o acervo da artista em lojas de alta decoração por todo o país, atraindo arquitetos que buscam narrativas autorais para seus projetos. Seu portfólio subdivide-se em execuções de forte apelo conceitual: a assinatura "Casa em Movimento", que propõe reflexões filosóficas nos ambientes; a coleção "Semeaduras", focada na textura orgânica e nos ciclos de crescimento; e "Ressonâncias da Mente", que tangibiliza camadas de pensamento em formas sensoriais. A solidez de seu design foi atestada institucionalmente com sua participação na Mostra Celebration da Artefacto São Paulo, onde assinou uma mesa posta inspirada na Tailândia, inserindo a cerâmica fria em um contexto de extrema sofisticação mercadológica, além de desenvolver paralelamente coleções de quadros em escala para a indústria.

O fomento educacional ocupação do ateliê

e

a

Sediada em Santo Antônio da Patrulha (RS), sua base de produção física reflete sua filosofia de conexão orgânica: o espaço é diretamente integrado a um jardim e uma horta. O ateliê não se limita à manufatura de peças mercadológicas; ele atua como um laboratório de vivências multidisciplinares para crianças e adultos.

Priorizando o desenvolvimento humano, a artista utiliza o manuseio da matéria para estimular a autonomia e o respeito ao tempo de cada indivíduo — um contraponto frontal à aceleração contemporânea.

Integrando um núcleo de mulheres empreendedoras focado no crescimento estruturado em coletivo, o acompanhamento de suas próximas oficinas imersivas e lançamentos de coleções pode ser acessado pelo Instagram [@tatianacoelhoartista].

CREATOR

SALÃO VIRTUAL 3D Virtual Exhibition

Inscrição Abertas www.revistacreator.com

CREATOR P O R T A L

A estética do afeto e o repertório global A estruturação comercial dessa técnica mista é inteiramente direcionada à preservação da memória e do sentido de pertencimento. Seu portfólio consolida-se através da criação de objetos com alta carga simbólica — desde porta-alianças e peças de maternidade até ilustrações arquitetônicas, paisagens afetivas e retratos de animais de estimação. Para evitar a estagnação produtiva, Leão assume a postura de uma investigadora visual contínua. Suas viagens pelo mundo funcionam como imersões de repertório, onde o consumo de arte local, a visita a feiras internacionais e a troca técnica com outros criadores calibram constantemente seu olhar e sua produção.

A subversão do magistério e a expansão regional

Aquarela e bordado narram memória afetiva e saúde mental A capixaba Lu Leão abandona a carreira jurídica para investigar o cruzamento técnico entre aquarela e bordado, focando na memória afetiva.

A exaustão estrutural provocada por rotinas acadêmicas inflexíveis frequentemente culmina no adoecimento silencioso de profissionais de alto rendimento. Com uma década de atuação como professora universitária e ostentando o título de mestre em Direito Privado, a capixaba Luciana Leão Pereira Vianna — artisticamente conhecida como Lu Leão — vivenciou esse exato colapso. Foi apenas durante as incertezas do isolamento pandêmico que a artista, hoje com 44 anos, encontrou no fazer manual um mecanismo de sobrevivência psicológica. O que se iniciou como um protocolo íntimo de manutenção da saúde mental gerou identificação orgânica com o público, culminando em uma transição de carreira estruturada aos 40 anos e em seu retorno definitivo ao estado natal após 16 anos em Belo Horizonte.

A expansão do suporte e o hibridismo técnico A pesquisa plástica estabelecida no ateliê afasta-se da limitação a um único suporte. Adotando a aquarela como eixo central de investigação, a criadora força os limites da técnica ao transpô-la do papel tradicional para a madeira, o tecido e a cerâmica de alta e baixa temperatura. A maturidade dessa linguagem visual baseiase no estudo rigoroso da cor, da luz e das composições estéticas. O grande trunfo de seu acervo, no entanto, reside na hibridização de materiais. A artista funde a pintura fluida ao relevo tátil do bordado em ponto russo, criando bastidores personalizados que ganham profundidade, movimento e uma identidade inconfundível.

O distanciamento das bancas de Direito não anulou sua vocação fundamental: o ensino. A artista subverteu sua didática, aplicando-a agora ao desenvolvimento da sensibilidade criativa alheia. Promovendo oficinas, workshops e aulas regulares de aquarela, ela atende a adultos e crianças, acumulando inclusive experiências de impacto em escolas municipais — provando que a arte pode atuar como instrumento prático de transformação social. O centro nervoso dessa produção pedagógica e autoral está sediado nas montanhas capixabas de Domingos Martins, em um ateliê cercado pela natureza.

Operando também através de polos parceiros em Vila Velha e Vitória, a democratização de seu acesso e o portfólio completo estão centralizados no Instagram [@luleao.atelie].

CREATOR P O R T A L

A expressão artística psicossomática

como

profilaxia

A difusão de seu acervo nas redes digitais cumpre um papel profilático e social muito bem definido. A artista defende publicamente a expressão estética não como um mero luxo contemplativo, mas como uma válvula de escape urgente para as tensões da sociedade. Em sua visão analítica, a incorporação de práticas como dançar, pintar, escrever ou tocar instrumentos na rotina diária atua como um antídoto direto contra o adoecimento psicossomático contemporâneo, curando males estruturais da alma através do fazer manual e sensível.

Arte sustentável une filosofia e papelão para curar a mente A pedagoga Estefani Lira utiliza a arte sustentável em papelão e a filosofia para promover o autoconhecimento e atuar contra o adoecimento psicossomático.

A intersecção entre a educação formal e a produção plástica frequentemente resulta em poéticas voltadas ao desenvolvimento humano. Pedagoga de formação, a artista Estefani Lira estrutura sua pesquisa visual a partir do rigor dos ensinamentos de pensadores da filosofia clássica e contemporânea. Essa base teórica não atua apenas como referência passiva, mas como o alicerce para solidificar um conteúdo de profunda reflexão existencial. O objetivo central de sua produção é utilizar a pintura e a poesia para germinar o autoconhecimento, propondo questionamentos sobre como o indivíduo pode alcançar uma versão aprimorada de si mesmo e oferecendo um espaço de acalento mental.

A democratização pertencimento A materialidade do papelão e a sustentabilidade O rigor desse discurso filosófico exige uma correspondência material ética no ateliê.

Em vez de recorrer a suportes convencionais do mercado, a criadora encontrou no papelão a matéria-prima ideal para a sua manifestação plástica. Essa escolha subverte a lógica do descarte urbano, dando um destino sustentável aos resíduos sólidos. Nas mãos da artista, o que seria lixo transforma-se em um suporte de extrema versatilidade, provando que a arte sustentável pode alcançar alta densidade poética quando aliada à técnica e à intencionalidade.

do

fazer

e

o

A proposta definitiva de suas criações é desmistificar a aura de genialidade inacessível que frequentemente afasta o público das artes visuais. Lira busca comprovar que todo indivíduo possui a capacidade inata de criar. O ato criativo é posicionado como uma ferramenta de investigação pessoal para que o sujeito possa se entender, descobrir suas próprias narrativas e, consequentemente, reivindicar o seu lugar no mundo.

Para educadores, curadores e o público interessado em acompanhar essa fusão entre sustentabilidade, filosofia e saúde mental, o portfólio e as reflexões da artista estão disponíveis no Instagram [@estefaniartes013].

ARTE, FOTOGRAFIA E DESIGN

CREATOR P O R T A L

Cerâmica autoral propõe pausa e presença no cotidiano A marca Casa Hübbe, de Fernanda Hübbe, utiliza a cerâmica autoral em Tubarão (SC) para ensinar o público a desacelerar através da modelagem.

O ritmo imposto pela gestão de negócios frequentemente exige válvulas de escape estruturadas para evitar o esgotamento. Imersa na rotina de comandar uma empresa familiar, Fernanda Hübbe encontrou na modelagem muito mais do que um passatempo: um espaço essencial de pausa, silêncio e reconexão. Dessa necessidade psíquica de desacelerar, nasceu há cerca de oito meses a Casa Hübbe. O projeto, que teve sua gênese de forma improvisada na sacada de sua residência em Tubarão (SC), estrutura-se no mercado atual como uma marca de peças autorais focada em traduzir estados emocionais em textura, cor e forma.

O processo orgânico e o tempo da matéria O rigor técnico da produção é inteiramente assumido de forma manual pela criadora, percorrendo desde a seleção da matéria-prima até a reciclagem da argila, esmaltação e finalização. Utilizando métodos que variam entre a construção por placas, o uso de moldes e a modelagem livre, a artista submete-se conscientemente à temporalidade da matéria. Em um circuito onde uma única peça exige um ciclo de 20 a 30 dias de maturação, a aceitação de que a terra, a água e o fogo possuem a palavra final sobre o resultado do forno é encarada não como uma limitação, mas como um rigoroso exercício estético de presença e entrega.

A expansão do olhar e a resposta tátil A materialidade de seu acervo afasta-se propositalmente do mero utilitarismo decorativo. A pesquisa visual da Casa Hübbe exige uma expansão perceptiva que ultrapassa as paredes do ateliê, pautando-se na observação atenta das cores da natureza, dos movimentos e das texturas invisíveis do cotidiano. O momento crucial da modelagem atua como um canal tátil onde a intenção da criadora é transferida para o barro. A finalização de cada objeto só ocorre quando há uma constatação empírica de conexão visual e sensorial, seja pela aplicação de uma frase específica, pela aspereza de uma textura ou por uma combinação cromática intencional.

Expansão estrutural e o fomento do ensino O amadurecimento dessa proposta estética gerou uma demanda orgânica que forçou a evolução física do projeto. Movida pela procura crescente por aulas e vivências manuais, a artista prepara atualmente a transição de sua sacada para a abertura de um espaço amplo e dedicado ao ensino formal da cerâmica. O objetivo estrutural do novo ateliê vai além da comercialização: visa utilizar o contato tátil com a argila para ajudar o público a respirar, desconectar-se do excesso tecnológico contemporâneo e resgatar o orgulho intrínseco da criação manual.

Para acompanhar essa expansão estrutural e a abertura de novas turmas, o contato ocorre através do Instagram [@casahubbe]

CREATOR P O R T A L

O utilitário casamentos

afetivo

e

o

mercado

de

O domínio sobre suportes físicos desafiadores permitiu que o acervo da marca se posicionasse com solidez em nichos de alto valor agregado. Com um portfólio que engloba xícaras, moringas e porta-joias, são as taças pintadas à mão que assumem o posto de carrochefe absoluto da operação. O apelo emocional desse trabalho dialoga diretamente com o exigente mercado de casamentos, atendendo a noivas que buscam personalização extrema, além de um público focado em presentes de maternidade, mesa posta e itens exclusivos para a alta decoração de interiores.

Pintura manual eterniza afeto em vidros e porcelanas A artista Marina Teodózio utiliza a pintura manual em vidros e porcelanas para transformar utilitários em narrativas afetivas no Ateliê Bonjour.

O resgate de inclinações estéticas na fase adulta frequentemente encontra seu catalisador em momentos de profunda transformação pessoal. Para Marina Teodózio, a maternidade operou como o divisor de águas que a reconectou ao interesse infantil pelo desenho e pelas artes manuais. Afastando-se do empirismo amador, sua profissionalização foi pavimentada por uma rigorosa imersão técnica: a criadora buscou formação especializada no D.A.M., em São Paulo, focando na pintura em vidro e porcelana. Essa base de excelência foi posteriormente refinada através de extensões em cristal e customização de garrafas de champanhe, consolidando o repertório técnico necessário para a fundação do Ateliê Bonjour.

A materialidade da memória e o processo criativo A pesquisa visual estabelecida pela artista distancia-se da mera ornamentação para investigar a materialidade da memória. Em seu ateliê, o processo criativo não se inicia no pincel, mas na escuta ativa. O objetivo central é traduzir histórias, intenções e afetos em uma linguagem tangível. Fortemente ancorada em referências românticas e na estética floral da natureza, sua pintura confere pequenas e irreplicáveis particularidades a cada objeto. É essa recusa frontal à padronização industrial que garante a exclusividade, a elegância e a autenticidade de sua produção autoral.

Imersão estética e consolidação da marca A coerência visual exigida por um ateliê desse porte demanda alinhamento constante com o circuito internacional de design e arte. Reforçando esse compromisso, a artista realizou recentemente uma imersão em Paris, capital francesa, conduzindo registros profissionais captados pelas lentes do fotógrafo Diego Cogo. A incursão serviu como baliza simbólica e estética para atestar a atmosfera delicada e artística que a marca transmite.

Para o público que valoriza o feito à mão e deseja incorporar essas narrativas às suas celebrações e ambientes, o contato e as encomendas ocorrem através do perfil no Instagram [@bonjourhomeatelier].

TRANSFORME O SEU AMBIENTE EM UM LUGAR CHEIO DE ESTILO

WWW.HUPPE.COM.BR

Coluna CREATOR

Arte

CHÁ COM

Na coluna de hoje, convido você a refletir sobre a ditadura da perfeição que permeia nossa rotina.

Em um cenário contemporâneo onde as vitrines digitais exigem resultados impecáveis e imediatos, é comum sentirmos que nossos rascunhos, dúvidas e hesitações são sinônimos de fracasso.

No entanto, a construção de qualquer trajetória sólida ocorre justamente nos bastidores caóticos que o público não vê.

A prática e a curadoria artística nos ensinam, de forma implacável, o valor analítico do processo.

Uma

obra

não

nasce

pronta;

ela

exige

sobreposição de camadas, respeito ao tempo de maturação da matéria e, frequentemente, a coragem de raspar a tinta para corrigir a rota.

Encarar o erro não como um fim definitivo, mas

“A PERFEIÇÃO É UM PONTO FINAL PRECOCE; A VULNERABILIDADE DO PROCESSO É O QUE MANTÉM A OBRA E A VIDA EM MOVIMENTO”.

como um redirecionamento intelectual e criativo, é o que separa a verdadeira criação da mera reprodução mecânica de tendências.

O segredo é abraçar a vulnerabilidade de se assumir como alguém em constante estado de construção. Quando paramos de mascarar nossas falhas e passamos a integrá-las à nossa narrativa com rigor e consciência, ganhamos autenticidade.

A beleza mais contundente não está na superfície polida, mas na honestidade da execução diária.

Luzbela Souza Direção Editorial

38

CREATOR É ARTISTA: PARTICIPE DAS PRÓXIMAS EDIÇÕES

CREATOR