Revista Creator - N51

Venda proibida

CREATOR │

Nº51 | 2026 - Abril

©Todos os Direitos Reservados a Zul Editora @revita_creator

CATÁLOGO DE ARTES

EDIÇÃO ESPECIAL

MUSEUS ABERTOS O papel da Realidade Aumentada na democratização do acesso à cultura urbana.

O ARTISTA ARQUITETO

COMO

A sensibilidade humana como o filtro poético sobre a frieza do código.

ENTREVISTA COM

Cinthia Crelier Intimidade, Pesquisa & Futuro

06

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CREATOR Direção Editorial LUZBELA SOUZA

Conteúdo BRUNA CAMILLE M. SILVA JIULIANA FERREIRA CARLA DE MENDONÇA DIEGO MATHIAS JR.

Site WWW.REVISTACREATOR.COM

Contato CONTATO@REVISTACREATOR.COM

Instagram @REVISTA_CREATOR

Copyrights © 2025 por Zul Editora Todos os direitos reservados. É proibido a reprodução total ou parcial.

Indice 6 - CINTHIA CRELIER 12 - GERMANO 13 - JUANA GOULART 15 - RICARDO D. PRESTES 16 - MAÍRA PELLICANO BOTELHO 18 - CLAUDIO COPELLO 19 - MATEUS BARBOSA PEREIRA 22 - VINICAMPOS 23 - NANI MOREIRA 25 - ANTONIO CURY NETO 26 - BEATRIZ ONESKO 28 - ENTRE PÁGINAS E CERÂMICA 29 - GILBERTO ROCHA 32 - CRISTIAN CASTILLO 33 - ARAMON’T ART 35 - ELZA SUZUKI 36 - TEODORO BAUDOUIN 38 - SILVIA CURY CHOHFI 39 - MARIÂNGELA MELO 40 - JÚLIA SPÍNOLA 41 - BR GALERIA 42 - JULIANA RAQUEL 43 - BRUNA BASTOS

CREATOR

Cinthia Crelier A artista visual e educadora Cinthia Crelier define sua trajetória pela união indissociável entre o criar e o ensinar.

Paulistana com raízes familiares que sempre incentivaram o estudo e a cultura, ela descobriu sua vocação ao ingressar no curso de Licenciatura em Educação Artística na FAAP, em 1994, onde percebeu que a grade curricular unia suas duas grandes paixões. Com uma personalidade marcada pela curiosidade desde a infância, Cinthia cresceu entre desenhos, esculturas em argila e visitas a museus, transformando seus cadernos escolares em suportes para sua expressão precoce.

Atualmente, sua vida e obra são atravessadas por uma visão internacionalista, embora profundamente fincada na cultura brasileira. Residente de um universo criativo que valoriza o coletivo, ela destaca a importância fundamental de seu companheiro, Roberto Fachini, como parceiro de vida e de questionamentos artísticos, especialmente no contexto do Espaço Cultural Ventos Uivantes (ECVU).

Cinthia descreve-se como alguém que ama a possibilidade de criar matéria visual e poética através da mistura e do contraste das cores.

Sua essência artística é alimentada por memórias afetivas, como os incentivos de seu avô materno para que não copiasse desenhos, mas criasse os seus próprios, e o contato com o universo da psiquiatria através de sua mãe, cujos pacientes artistas povoaram sua imaginação na infância.

Essa bagagem multifacetada reflete-se em uma produção que oscila entre a intimidade do ateliê e o manifesto público, sempre pautada pela disciplina e pelo compromisso com a arte.

Entrevista CREATOR

MATÉRIA POÉTICA Cinthia Crelier desenvolve um trabalho artístico que define como contemporâneo e figurativo, embora distante do realismo tradicional. Sua produção é um exercício constante de transpor vivências e estados emocionais para a tela, resultando em obras que equilibram a sensibilidade pessoal com o impacto visual. Desde 1998, a artista mantém uma prática ininterrupta, muitas vezes conciliada com projetos de arte e educação ambiental no ECVU, onde utiliza a ferramenta artística para debater necessidades ecológicas em São Francisco Xavier.

INTIMIDADE O propósito de sua arte reside na capacidade de sensibilizar e tocar o espectador para além do prazer estético. Para Cinthia, a pintura é um processo único onde a obra se materializa verdadeiramente no momento da troca, quando é vista e apreciada pelo outro. Ela busca, através de suas composições, chacoalhar a percepção do público, unindo pessoas através do fazer coletivo e do questionamento poético.

Entrevista CREATOR

Técnica Híbrida A base técnica de Cinthia é predominantemente a tinta acrílica sobre tela, material que lhe permite transitar entre camadas espessas e velaturas transparentes semelhantes à aquarela. Sua formação na FAAP foi fundamental para esse domínio, oferecendo uma estrutura de vanguarda onde explorou desde a gravura e escultura até a cerâmica e fotografia. Além da acrílica, a artista utiliza a tinta a óleo e a aquarela, respeitando os tempos de secagem e as reações químicas específicas de cada meio

PESQUISA Sua inspiração brota da natureza e do ser humano como parte intrínseca desse meio, focando especialmente no universo feminino e em suas complexidades sociais e pessoais. Um marco recente dessa pesquisa é a série "Femme" (2024), que investiga a violência de gênero na mitologia grega para discutir o papel da mulher na sociedade contemporânea.

Cinthia mantém uma rotina rigorosa no ateliê, equilibrando a espontaneidade do esboço com a análise técnica necessária para a evolução de suas ideias até a obra final.

Entrevista CREATOR

Social A contribuição de Cinthia Crelier extrapola o suporte da tela, manifestando-se em um forte engajamento socioambiental através do coletivo ECVU. Seus projetos artísticos serviram como plataforma de diálogo durante a transformação de São Francisco Xavier em Área de Preservação Ambiental, demonstrando o poder da arte como agente de transformação regional.

Além disso, sua atuação como educadora reforça a importância da democratização do acesso à cultura e da formação de novos olhares

Entrevista CREATOR

Futuro Os horizontes de Cinthia apontam para a expansão de sua presença na América Latina, com o objetivo especial de expor na Argentina, terra natal de seu pai.

Seus planos imediatos envolvem a continuidade da série "Femme" e a gestação de um novo espaço de exposição independente em colaboração com amigos artistas. Ela vê as inovações tecnológicas como ferramentas essenciais para a internacionalização de sua obra, permitindo que seu trabalho alcance e dialogue com pessoas em diversos continentes.

Entrevista CREATOR

MARIAH FOLHASMARÉ

Celebração A Revista Creator convida você a explorar a força cromática e a profundidade temática de Cinthia Crelier, uma artista que transforma a tela em um campo de resistência e beleza. Conheça a série "Femme" e acompanhe de perto uma trajetória que honra a tradição da pintura enquanto questiona as estruturas do presente. Clique aqui para acessar nossa galeria virtual e descobrir como a sensibilidade de Cinthia pode chacoalhar sua percepção do mundo. a Revista Creator agradece a Alessandra Verdi por compartilhar sua inspiradora jornada artística conosco e com nossos leitores. Fiquem atentos às próximas exposições e projetos dessa talentosa artista, pois @CINTHIACRELIER_ARTES sua arte continua a iluminar e inspirar. @ALEVERDIATELIER

CREATOR P O R T A L

O impacto dessa metodologia transcende a técnica e atinge a função prática da obra na sociedade. A composição cromática vibrante e a repetição hipnótica dos padrões não são escolhas meramente decorativas, mas estratégias desenvolvidas para despertar a curiosidade e provocar uma pausa reflexiva em quem observa. A intenção estrutural da produção é intervir no humor coletivo, injetando paz, alegria e vitalidade nos ambientes, e sustentando a tese de que a estética possui a capacidade objetiva de alterar a atmosfera dos espaços para melhor.

Pintura abstrata intuitiva utiliza ferramentas exclusivas para propor reflexão e bem-estar visual Ao dispensar esboços tradicionais e criar seus próprios instrumentos de trabalho, o artista Germano constrói telas em acrílica que buscam transformar o cotidiano através da cor.

A produção artística contemporânea frequentemente debate a tensão entre o planejamento rigoroso e a execução espontânea. Em um cenário social pautado pela previsibilidade e pela exaustão lógica, a arte que abraça o instinto atua como um contraponto analítico necessário. É exatamente sob essa premissa de fluxo criativo livre que se estrutura a pesquisa plástica do artista visual Germano.

Rompendo com a rigidez de projetos pré-concebidos, sua pintura abstrata dispensa a utilização de esboços ou desenhos preparatórios, permitindo que as formas geométricas se desenvolvam e ganhem sentido diretamente durante a interação com a tela.

A materialidade é o elemento central dessa investigação estética. O artista emprega tinta e massa acrílica para erigir superfícies de alta densidade tátil e visual. O diferencial técnico de seu processo, contudo, reside na manipulação empírica desses materiais. Para alcançar o ritmo exato e a textura característica de seu vocabulário visual — fortemente marcado pela sobreposição de círculos —, o pintor projeta e confecciona seus próprios objetos e ferramentas de aplicação. Essa recusa aos pincéis e espátulas padronizados pelo mercado confere um caráter de absoluta exclusividade artesanal a cada obra finalizada.

A eficácia dessa comunicação visual encontra validação direta em sua trajetória institucional. As telas texturizadas já ultrapassaram as fronteiras de seu ateliê para integrar um circuito robusto de exposições nacionais, percorrendo polos culturais do Sul ao Nordeste, com passagens pelo Rio Grande do Sul, Santa Catarina, Pernambuco e Minas Gerais. Em paralelo, a universalidade de sua linguagem abstrata consolidou uma presença expressiva no exterior, garantindo espaço em galerias e mostras de prestígio em Paris, Berlim, Madri e Barcelona.

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A pintura de agulha e os desafios das grandes reproduções

A arte têxtil ganha força social e cores vivas no mercado atual

A artista Juana Goulart utiliza a arte têxtil para recriar obras clássicas e dar vida a ícones históricos através do bordado e do posicionamento ético.

A desromantização do fazer manual e o início técnico A trajetória de muitos criadores visuais costuma ser contada através de heranças familiares e epifanias lúdicas. Rompendo com essa narrativa padrão, a profissional abordada aqui iniciou sua caminhada em 2020 motivada por uma necessidade puramente prática: a busca por independência financeira durante a maternidade.

Sem nunca ter segurado uma agulha anteriormente, ela substituiu a segurança da confeitaria pelo bordado livre, aprendendo de forma totalmente autodidata. Essa desromantização do ofício é essencial para compreender a arte têxtil não apenas como um hobby relaxante, mas como um trabalho rigoroso que exige disciplina, método e um aprimoramento contínuo para gerar retorno real no mercado.

Cores hipervibrantes e a consolidação do estilo autoral A evolução técnica acelerada permitiu que, em apenas um ano, ela desenvolvesse uma assinatura visual inconfundível. Batizado de "Retrato Matiz", esse estilo autoral bebe diretamente da estética da Pop Art, utilizando cores vivas e contrastantes para retratar figuras cruciais da história política, cultural e feminista. Costurar rostos de personalidades como Angela Davis, Dandara dos Palmares e Frida Kahlo transcendeu a estética, transformando a arte têxtil em uma ferramenta de manifestação ideológica. Esse rigor reflete-se na sua relação com o público: a recusa em aceitar encomendas que firam seus princípios éticos demonstra um posicionamento de mercado raro, onde a coerência narrativa vale mais do que o lucro cego e o atendimento exclusivo a bolhas de privilégio.

Com a consolidação de sua clientela, a artista optou por reduzir o volume de encomendas genéricas para focar em desafios técnicos de alta complexidade. A transição para a reprodução de clássicos exigiu um domínio absoluto da "pintura de agulha", técnica onde o degradê de linhas de meada simula perfeitamente a transição fluida dos pincéis. A recriação de "A Noite Estrelada", de Van Gogh, e o monumental trabalho de 160 horas para reproduzir "As Duas Fridas" provam que o bordado contemporâneo possui densidade suficiente para dialogar de igual para igual com as belas artes, exigindo do observador o mesmo respeito dedicado a uma tela a óleo. Esse salto de qualidade já rendeu participações em eventos culturais de peso, como a exposição sobre Guimarães Rosa em Campinas (2025).

A recusa do viral e a democratização do conhecimento Em um cenário digital onde criadores sacrificam a própria identidade em busca de visualizações efêmeras, a artista adota uma postura abertamente crítica à cultura do conteúdo viral. Preferindo a constância e a construção de uma comunidade real e transparente, ela expandiu sua atuação para o campo pedagógico. Através de oficinas presenciais e de um curso online focado no bordado russo (punch needle), ela democratiza os saberes manuais.

Para curadores, alunos e colecionadores que desejam acompanhar sua evolução, adquirir suas peças de anatomia e pets realistas ou entender como o ateliê dialoga de forma orgânica com a confeitaria, o contato direto ocorre no Instagram [@juana.goulart]. Consumir sua obra é investir em um trabalho autêntico que une técnica magistral e verdade incontestável.

Um artista não pinta o que vê, mas o que sente.

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Memória regional ganha foco crítico através da pintura missioneira O artista Ricardo D. Prestes resgata a memória regional e a resistência Guarani através de pinturas a óleo que questionam o histórico olhar colonizador.

O questionamento do olhar colonizador A narrativa histórica brasileira foi longamente monopolizada pelo ponto de vista do colonizador. Na contramão dos discursos oficiais que silenciam o nativo, a produção visual do artista e educador Ricardo Dreilich Prestes atua como um espaço de resistência e revisão crítica. Focando a sua pesquisa atual na memória regional das Missões Jesuíticas Guaranis, ele rejeita a ideia do indígena como uma figura congelada no passado. Para o criador, o corpo nativo é um protagonista vivo, uma superfície que absorve e reflete as tensões entre a opressão imposta e a inevitável adaptação cultural ao longo dos séculos.

A série autoral e os 400 anos das Missões O eixo central dessa investigação é a série "Olhares das Missões", desenvolvida em diálogo direto com as celebrações dos 400 anos das Missões Jesuíticas em 2026.

Trabalhando majoritariamente com tinta a óleo, o ateliê torna-se um campo de construção de sentido. A tinta espessa não serve apenas para ilustrar fatos históricos, mas para deslocar o foco visual. Ao centrar sua poética no "olhar" da figura indígena, a pintura a óleo devolve a agência ao retratado, criando uma leitura sensível onde o território e a fé são questionados, e a complexidade da presença Guarani é, finalmente, priorizada e respeitada.

Validação institucional e democratização do acesso Essa maturidade na tradução da memória regional em linguagem contemporânea já garantiu sólida validação institucional ao seu portfólio. Apenas entre 2025 e 2026, a série autoral marcou presença em uma exposição individual no Centro de Cultura de Santo Ângelo (RS) e ocupou a prestigiada Casa de Cultura Mário Quintana, em Porto Alegre, ao lado do coletivo Casa Kombina. A transição veloz de encomendas realistas privadas — que marcaram o início de sua carreira em 2020 — para projetos com densidade de museu evidencia um artista em pleno controle e expansão de seu vocabulário estético.

Ação pedagógica e o impacto da inclusão cultural Além de dominar o suporte bidimensional, o artista utiliza o ensino como extensão direta de sua prática política. A idealização do projeto "Missões em Traços e Cores", viabilizado pela Lei Aldir Blanc, exemplifica esse compromisso. O programa democratiza os fundamentos do desenho e da pintura em escolas e espaços públicos, com uma atenção rigorosa à educação inclusiva. A promoção de workshops gratuitos adaptados para a comunidade surda e para pessoas com Transtorno do Espectro Autista (TEA) prova que a arte, para ele, é uma ferramenta prática de pertencimento e coesão social.

Para apoiar sua pesquisa curatorial e projetos educacionais de impacto, o contato direto é feito pelo Instagram [@ricardoart11]. Acompanhar sua produção é fomentar uma revisão histórica absolutamente necessária para a arte brasileira.

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A pintura abstrata cura a mente e liberta emoções em cores puras A artista Maíra Pellicano Botelho utiliza a pintura abstrata de forma intuitiva para traduzir emoções intensas em obras de sucesso nas galerias.

Em momentos de crise global e isolamento, a produção visual muitas vezes deixa de ser uma escolha calculada para se tornar uma necessidade visceral de sobrevivência psicológica. Foi exatamente sob a pressão da pandemia em 2020 que a trajetória de Maíra Pellicano Botelho ganhou força. Retornando de uma viagem a Nova Iorque carregada de estímulos visuais, ela transformou um quarto em Brasília no seu primeiro ateliê. Sem formação acadêmica tradicional na área, o mergulho nas tintas funcionou como um alento direto para a ansiedade da época. A pintura abstrata tornou-se a ferramenta primária para organizar os desassossegos internos, provando que a arte pode atuar como um organizador fundamental da mente humana.

O fluxo intuitivo e a materialidade da tinta O método de criação da artista afasta-se da rigidez dos cavaletes clássicos.

Operando em um estado de fluxo profundo — sempre sentada no chão, imersa madrugada adentro e perdendo a noção do tempo —, ela trata a criatividade como uma força externa que exige respeito. O uso da tinta acrílica, com sua secagem rápida, favorece essa velocidade de raciocínio emocional. Suas telas são marcadas por pinceladas cada vez mais soltas e vívidas, guiadas por um impulso essencialmente espiritual. Embora flerte esporadicamente com o figurativismo, é no mundo da abstração que ela encontra a liberdade para traduzir sensações brutas sem a amarra das ideias pré-concebidas.

A superação do burnout e a validação curatorial A honestidade radical de seu processo intuitivo foi posta à prova mercadológica em 2024. Após atravessar períodos desafiadores de burnout e depressão, um primeiro convite para expor, feito pela curadora Joaninha Guimarães, gerou um transbordamento criativo que marcou o seu retorno para si mesma. A exposição resultante no Corredor Cultural da Castália confirmou que a sua linguagem íntima possuía um forte apelo, culminando na venda de quase todas as peças. Esse episódio demonstra que o colecionador contemporâneo busca e valoriza obras que carreguem uma energia verdadeira, livre de construções mecânicas.

Expansão comercial e presença no mercado

Desde as suas primeiras experimentações de ateliê em 2020, o portfólio da artista já acumula cerca de 90 obras criadas de forma puramente autoral. A rápida aceitação de sua linguagem visual impulsionou sua presença em espaços culturais relevantes, incluindo passagens pela Casa Caetano e Castália Cultural em Brasília, além da Loom Galeria em Florianópolis.

Para o público e curadores que desejam adquirir criações que refletem essa catarse emocional autêntica, atualmente é possível encontrar obras disponíveis para venda na Galeria Casa da Moldura, também na capital federal, e acompanhar as novas produções do ateliê diretamente pelo Instagram [@mairapellicano]. O seu percurso atesta que o compromisso visceral com o que vem da alma é uma fundação extremamente sólida para uma carreira artística.

Um artista não pinta o que vê, mas o que sente

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A arte ambiental une a técnica mista e a defesa da fauna A MATERIALIDADE DO PAPEL E A TÉCNICA MISTA

O artista Claudio Copello utiliza a técnica mista e recortes de papel para criar uma arte ambiental que denuncia a destruição da natureza.

A construção de um vocabulário estético consistente exige tempo e imersão institucional. Natural de Salvador e radicado em Petrópolis (RJ) desde 2001, o artista plástico e educador Claudio Copello estruturou sua pesquisa através de passagens por espaços fundamentais do circuito. Com formação iniciada na Escola de Belas Artes da UFBA, sua trajetória foi expandida na Escola de Artes Visuais do Parque Lage (EAV), no Rio de Janeiro, onde estudou com nomes como Anna Bella Geiger, João Magalhães, Marcelo Campos e Chico Cunha, além de receber orientação da curadora Lia do Rio no Calouste Gulbenkian. Essa sólida bagagem acadêmica garante que sua arte ambiental não seja apenas um apelo visual, mas uma produção fundamentada em rigor técnico.

A materialidade do papel e a técnica mista O ateliê do artista funciona como um laboratório de reaproveitamento e investigação cromática. Utilizando a técnica mista sobre papel ou tela, a tinta acrílica encontra recortes de revistas, papéis Canson e moldes reaproveitados. A inserção desses materiais recicláveis não é acidental, mas uma escolha que dialoga diretamente com o conceito sustentável de sua obra. Em composições que integram formas orgânicas e geométricas, as texturas visuais ganham protagonismo. A cor atua como uma constante indiscutível em sua produção ao longo de mais de 25 anos, conferindo dinamismo e força a cada nova narrativa pictórica.

O discurso político e a defesa do território A excelência plástica dessa pesquisa atua a serviço de um manifesto ecológico e social. O trabalho de Copello vai além da representação de flores ou personalidades; ele estrutura uma denúncia clara contra a destruição da natureza e a tomada predatória do habitat dos animais pelo ser humano. Esse engajamento engloba também a defesa incisiva do respeito aos povos originários, da diversidade de crenças e dos direitos humanos. Transformar essas pautas urgentes em um discurso visual exige a capacidade de converter a tensão contemporânea em uma obra instigante para o olhar do observador.

Validação circuito

institucional

e

presença

no

O reconhecimento da crítica acompanha o amadurecimento de seu acervo. Copello já acumulou duas indicações na categoria Artes Plásticas do Prêmio Maestro Guerra Peixe de Cultura, em Petrópolis: a primeira em 2010, pela individual "Floressências", e a mais recente em 2025, com a coletiva "Territórios Urbanos".

Atualmente, seu trabalho ganha espaço na exposição "Setenta e Sete Minutos" no SESC Três Rios, sob curadoria de Josiana Oliveiras, além de manter uma obra em exibição temporária no Museu do Gato. Para curadores e colecionadores que buscam produções com consciência ecológica e técnica aprimorada, o contato direto ocorre através do Instagram [@claudiocopelloartes].

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O papel do retrato frente à fotografia contemporânea

O desenho realista usa o papel kraft para eternizar memórias na arte O artista Mateus Barbosa Pereira utiliza o desenho realista sobre papel kraft para transformar o retrato em uma ferramenta de memória e conexão.

A trajetória visual frequentemente exige a coragem de romper com caminhos já estabelecidos. A jornada de Mateus Barbosa Pereira ilustra perfeitamente essa tensão entre a estabilidade e a vocação autêntica. Após ingressar na Licenciatura em Matemática no Instituto Federal de São Paulo (IFSP) e vivenciar o cotidiano do ensino em escolas públicas durante seu estágio, o desconforto e a falta de pertencimento o faziam recorrer ao desenho como válvula de escape. O ponto de virada definitivo ocorreu em 2023, instigado por um debate em uma aula de sociologia sobre o propósito da educação. Assumindo sua verdadeira aptidão, ele redirecionou sua carreira em 2024 e, atualmente no terceiro semestre da Licenciatura em Artes Visuais pela FAAP, prepara-se não apenas para produzir obras, mas para atuar como um educador de arte comprometido.

No circuito da arte contemporânea, o figurativismo clássico é frequentemente questionado em relação à hegemonia da fotografia instantânea. Enfrentando essa crítica no ambiente acadêmico, o artista formulou uma defesa conceitual sólida para a sua prática. Para ele, o desenho realista transcende a mera estética ao atuar como um exercício profundo de eternização de detalhes.

Enquanto as fotografias são infinitamente replicáveis e muitas vezes esquecidas em álbuns virtuais, o processo manual exige um tempo de observação que grava as expressões e os sentimentos do sujeito retratado diretamente na memória e na experiência do próprio criador.

A materialidade do kraft e a expansão para o óleo Curatorialmente, a escolha do suporte é tão importante quanto o tema. Após períodos de experimentação visual, a base técnica de Mateus consolidou-se no uso do papel kraft. A tonalidade terrosa desse material, combinada com a precisão tátil do lápis de cor e os focos de luz gerados com caneta branca, confere vibração orgânica aos rostos que ele retrata.

Atualmente, o ateliê encontra-se em fase de expansão técnica com a introdução da tinta a óleo, um meio que vem permitindo novas investigações tanto na estruturação de seus retratos quanto em suas primeiras abordagens do paisagismo.

A validação institucional no Museu de Arte Brasileira Mesmo ainda no início de sua formação superior, o rigor de sua pesquisa visual já garantiu uma inserção institucional de peso. Em 2025, sua produção foi selecionada para o prestigiado 55º Anual de Arte, permanecendo em exibição por três meses no Museu de Arte Brasileira (MAB-FAAP). Essa validação atesta o potencial de seu desenvolvimento no circuito acadêmico e cultural.

Para o público interessado em acompanhar sua evolução contínua nas artes plásticas e sua futura atuação como educador, o acervo de retratos e o contato direto estão disponíveis no Instagram [@ti_retratando].

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A técnica mista e a influência da street art No ateliê, essa bagagem visual se traduz em uma investigação contínua de materiais. Fugindo da pintura tradicional, o artista incorpora a essência e a velocidade da street art diretamente para a superfície da tela. Sua produção apoia-se firmemente na técnica mista, combinando tinta acrílica, caneta Posca e spray.

Esse método híbrido permite o desenvolvimento de obras que se destacam pelo movimento vibrante e pela expressividade abstrata. Essa versatilidade e ousadia cromática renderam reconhecimento no circuito competitivo de design e artes, incluindo a vitória no Prêmio México Design Creator, promovido pela Chili Beans em 2013, e a Menção Honrosa no Mapa Cultural Paulista, no ano de 2000.

A arte urbana ganha força e cor no uso de técnica mista

O artista ViniCampos utiliza a arte urbana e a técnica mista sobre tela para criar obras imprevisíveis com forte impacto visual e cultural.

A construção de um repertório sólido no mercado criativo frequentemente exige a intersecção de múltiplas disciplinas. Com mais de duas décadas dedicadas à criação, o artista ViniCampos consolida sua trajetória unindo a precisão do design à liberdade da arte contemporânea. Sua formação abrange o Desenho Artístico e Técnicas de Pintura pela Escola Pró-Arte, graduação em Publicidade e Propaganda e especialização pelo Instituto de Artes da Unicamp. Essa base acadêmica foi testada e expandida na prática através de sua atuação como Diretor de Criação em agências e como designer na American Bank Note. Esse cruzamento de experiências fornece o domínio estético necessário para que sua pintura seja, ao mesmo tempo, altamente técnica e esteticamente imprevisível.

O impacto educacional e a coordenação global Para além da produção individual, o compromisso com a formação de novos talentos e a expansão do acesso à cultura ocupam um espaço central em sua jornada. O artista já atuou como professor de Desenho e Artes na Rede Pró-Arte e no SENAC, além de desenvolver mentoria pedagógica e docência no conceituado Instituto Kobra. A liderança nesses espaços culminou, no último ano, em sua atuação como Designer Coordenador na execução de grandes projetos de arte urbana e design espalhados por cinco continentes.

Essa troca constante com alunos e equipes internacionais retroalimenta seu próprio processo de ateliê, mantendo sua linguagem visual sempre alinhada com as tendências globais.

Exposições recentes internacional

e

a

projeção

O resultado desse trabalho multidisciplinar ganha forma física em exibições de forte apelo público.

Recentemente, a rede de shoppings Iguatemi sediou sua exposição individual "COR REAGE", que apresentou uma série exclusiva de abstrações.

Mantendo esse dinamismo de inserção no mercado, sua mais recente participação ocorre no Salão de Artes de Paraty (RJ), neste mês de abril de 2026.

Atualmente, com projetos visuais em desenvolvimento para diferentes países, curadores e colecionadores que desejam acompanhar a expansão de seu portfólio autoral podem acessar suas obras e contato direto pelo Instagram [@arteviniaovivo].

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A memória afetiva como narrativa visual

Para a criadora, a composição física da obra é inseparável de sua carga conceitual. O ateliê funciona como um espaço de tradução, onde a natureza e as histórias pessoais são tecidas em conjunto. Afastandose da produção padronizada e fria, ela defende que um quadro têxtil representa muito mais do que um objeto decorativo; ele é a materialização de uma memória afetiva, a representação de um lugar marcante ou a manifestação de um desejo de estar presente. O impacto visual de suas obras é um convite direto para que o observador acesse suas próprias lembranças.

O colecionismo e a humanização dos espaços

A arte têxtil une fios e memórias em obras de afeto real

Inserir uma dessas composições em um projeto de interiores ou em uma coleção particular é apostar na humanização do espaço contemporâneo. O mercado de alta decoração valoriza cada vez mais o retorno ao artesanal autêntico, e a produção de Nani atende exatamente a essa demanda por obras com intenção e alma.

A MATERIALIDADE TÁTIL E A TÉCNICA HÍBRIDA

A artista Nani Moreira utiliza a arte têxtil e materiais orgânicos para transformar memórias afetivas em obras de forte impacto sensorial.

Natural de Salvador (BA) e radicada em Goiânia, a artista Nani Moreira carrega em sua produção a força de um berço onde a criatividade se manifesta de forma orgânica na arquitetura, na música e na dança. Desde 2020, ela canaliza essa paixão inata pelo fazer manual para o universo das tramas. O resultado é uma pesquisa estética que não busca apenas preencher paredes, mas sim resgatar a essência humana. Suas criações funcionam como um elo tangível entre o espaço habitado e o desejo intrínseco de pertencimento, conforto e conexão com as próprias raízes.

A materialidade tátil e a técnica híbrida A sofisticação do seu trabalho reside na escolha rigorosa da materialidade e no domínio técnico. Combinando métodos tradicionais de tecelagem com a técnica de "fiber emballage", ela cria volumes que conferem uma nova dimensão tátil e muito aconchego aos ambientes. A paleta de materiais é intencionalmente natural e rica: fios cem por cento algodão, sementes e lascas de madeira são incorporados de forma orgânica. Essa curadoria minuciosa garante que cada peça carregue uma autenticidade inegável, refletindo um cuidado extremo com as texturas e a volumetria da composição.

Para curadores, arquitetos e o público interessado em acompanhar sua pesquisa têxtil ou adquirir peças que eternizam emoções através dos fios, o acervo e o contato direto estão disponíveis no Instagram [@nanimoreirastudio].

O processo criativo é a jornada onde o artista se descobre enquanto cria.

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O impacto social e a democratização do acesso A relevância do seu trabalho extrapola as escolhas estéticas e atinge a esfera cívica. O criador destina uma parte substancial da renda obtida com a venda de suas obras para ações sociais, atuando ativamente como voluntário em uma associação voltada ao atendimento de pacientes na rede pública de saúde.

Esse compromisso humanitário reflete-se também em sua inserção no circuito: em 2025, além de expor na Casa de Cultura Municipal Dinorath do Valle, em São José do Rio Preto (SP), ele integrou uma mostra itinerante da FAPERP que levou suas telas para dentro de Unidades de Pronto Atendimento (UPAs), democratizando o acesso à cultura em espaços de saúde e vulnerabilidade.

Pedras e cores dão nova forma à pintura contemporânea de impacto real O artista Antonio Cury Neto utiliza sua experiência na joalheria para criar obras multissensoriais com pedras semipreciosas.

A transição entre diferentes disciplinas criativas costuma enriquecer o vocabulário visual de um artista. Com uma trajetória de 15 anos atuando como designer de joias no mercado internacional, o ítaloluso-brasileiro Antonio Cury Neto transferiu o rigor de sua antiga profissão para as artes plásticas. Essa vivência moldou uma percepção refinada sobre harmonia cromática, composição geométrica e tridimensionalidade. Ao aplicar essa inteligência espacial sobre o papel de algodão e a tela, ele constrói uma pintura contemporânea que não se limita à superfície plana, mas que exige do olhar uma leitura aprofundada sobre volume e equilíbrio estrutural.

Expansão de mercado e aquisições A materialidade das pedras semipreciosas O grande diferencial de sua pesquisa de ateliê reside na hibridização de materiais. Afastando-se da paleta tradicional, o artista incorpora elementos orgânicos e inorgânicos diretamente em suas composições. A tinta acrílica e a aquarela dialogam fisicamente com sementes, grãos, especiarias e, de forma muito particular, com pedras semipreciosas oriundas de seu acervo pessoal. Essa experimentação cria uma relação tátil entre a matéria e a expressão visual, resultando em um vasto acervo de obras que transitam fluidamente entre o simbolismo, o figurativo e a abstração pura, sempre guiadas por uma liberdade criativa e autêntica.

Em constante aprofundamento técnico e em fase de estruturação para concursos internacionais, o portfólio de Antonio consolida-se como uma opção sofisticada para o colecionismo. Atualmente, o artista prepara-se para a mostra coletiva "Rio Preto Antiga", que propõe uma releitura histórica da cidade, e já possui suas peças representadas em espaços de alto padrão, como as lojas Cristina Lemos e Jack Móveis.

Para curadores, arquitetos e colecionadores que desejam adquirir criações que unem excelência material, sensibilidade orgânica e impacto social verdadeiro, o acervo e o contato direto estão disponíveis através do Instagram [@acn.artsy].

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Aquarela de animais usa técnica artesanal para eternizar emoções A artista Beatriz Onesko une o afeto e a técnica da aquarela de animais para eternizar memórias, promovendo conexão emocional e impacto social.

A construção de uma trajetória artística consistente muitas vezes exige desvios corajosos de rotas pré-estabelecidas. A jornada de Beatriz Onesko ilustra perfeitamente essa dinâmica. Com uma conexão profunda e inata com os animais desde a infância, ela ingressou inicialmente na faculdade de medicina veterinária.

Contudo, o isolamento social gerado pela pandemia de 2020 serviu como um catalisador para uma revisão de valores. Ao encontrar uma paleta escolar de tintas no quarto, o ato terapêutico de pintar revelou que a sua necessidade de criar era maior do que a clínica médica. Em 2022, ela trocou a veterinária pelo Design de Moda, formando-se em 2025, o que refinou seu olhar estético e consolidou sua vocação para o ateliê, onde o afeto familiar por seus cães, Bibble e Babaloo, atua como inspiração diária.

O aprimoramento técnico e a durabilidade da obra O sucesso mercadológico de sua produção começou de forma orgânica, presenteando familiares com retratos de seus animais de estimação. No entanto, para transformar o hobby em uma prática profissional, a artista investiu pesadamente no refinamento de sua linguagem através de cursos profissionalizantes com referências como Carolina Spina e Ana Vivian. Hoje, a pintura de ateliê exige um rigor técnico absoluto. O uso de tintas profissionais e papéis 100% algodão de alta gramatura garante a durabilidade das obras. Com mais de 50 retratos produzidos, seu diferencial vai além da cópia fotográfica: a aquarela de animais atua como um veículo para capturar a alma do pet, criando uma conexão emocional verdadeira com o tutor através de manchas de cor precisas e fluídas.

Arte além do papel e o impacto social contínuo O colecionismo de memórias provou que a arte possui uma flexibilidade de uso imensa. A sensibilidade de Beatriz já atravessou a barreira do papel, alcançando o circuito de casamentos ao ter uma de suas aquarelas digitalizada para decorar os drinks de uma celebração, transformando a pintura em uma experiência imersiva e memorável. Paralelamente a esse sucesso comercial, a artista utiliza seu talento como ferramenta de impacto social. Há mais de seis anos, ela apoia a causa animal, organizando ações como a rifa solidária em 2025 para o Abrigo Animal de Joinville, na qual doou suprimentos vitais e eternizou o mascote da ONG através da arte, provando que o mercado criativo e a responsabilidade social podem e devem caminhar juntos.

A expansão de projetos e o design de produtos Com uma base de clientes sólida por todo o Brasil, a pesquisa visual da artista prepara-se para uma expansão estratégica no mercado criativo. Seus planos incluem a participação em feiras artísticas, o lançamento de uma linha autoral de aquarelas e a consolidação de parcerias corporativas. Atualmente, ela desenvolve um projeto de licenciamento onde uma de suas pinturas ilustrará as embalagens de uma marca de alimentação natural para pets.

Para curadores, marcas interessadas em licenciamento, ou colecionadores que desejam eternizar a história de seus próprios companheiros através da pintura, o acervo de peças — que vai de cães e gatos a cavalos e pássaros — e o contato direto estão no Instagram [@biaonesko.art]. Consumir o seu trabalho é investir em uma arte que preserva a vida através da sensibilidade.

CREATOR

SALÃO VIRTUAL 3D Virtual Exhibition

Inscrição Abertas www.revistacreator.com

CREATOR P O R T A L

O repertório global e a expansão intelectual Para que o processo não ficasse restrito apenas a um alívio terapêutico, a criadora decidiu ancorar sua produção em um repertório acadêmico e cultural de alto nível. A bagagem adquirida em viagens exploratórias por mais de 30 países fundiu-se a uma busca contínua por aperfeiçoamento teórico.

Atualmente, a idealizadora lapida sua visão analítica através de cursos em instituições globais de prestígio, como o Museum of Modern Art (MoMA), a Universidade de Harvard e a Universidad Carlos III, em Madri. Esse embasamento garante que sua atuação transite com facilidade entre a curadoria de arte, o fazer manual e a literatura.

A cerâmica artesanal une arte e livros para curar a mente cansada A marca Entre Páginas e Cerâmica, de Lyudmila Tkatchuk, utiliza a cerâmica artesanal e a literatura para resgatar o tempo analógico e a saúde mental.

A construção da identidade humana não é um processo estático, mas sim uma celebração móvel e em constante transformação. Essa premissa, citada no sociólogo Stuart Hall, ilustra perfeitamente a trajetória da idealizadora Lyudmila Tkatchuk. Com ascendência ucraniana e uma infância profundamente imersa na leitura e no desenho livre, sua vocação estética foi temporariamente ofuscada por uma carreira formal em Odontologia. Apesar da estabilidade na área da saúde, o instinto criativo sempre encontrou brechas para se manifestar em projetos não comerciais de design de interiores. O verdadeiro ponto de virada, contudo, não veio pelo planejamento, mas pela exaustão. O enfrentamento de um quadro severo de burnout obrigou a dentista a desacelerar drasticamente, provando que, muitas vezes, é na crise que os dons latentes da infância são forçados a emergir para garantir nossa preservação emocional.

O barro como antídoto e a fuga dos protocolos A busca por uma rota de escape levou Lyudmila inicialmente à pintura em porcelana e, logo depois, ao universo da argila. Ao contrário das regras rígidas e dos protocolos técnicos obrigatórios da clínica odontológica, a cerâmica artesanal ofereceu um território de liberdade absoluta. A modelagem manual permitiu que ela saísse de sua zona de conforto e reencontrasse sua identidade criativa primária.

Essa nova linguagem tátil passou a ser alimentada por referências muito específicas: as formas orgânicas presentes no mar e no céu, e, sobretudo, a complexidade dos personagens literários e dos grandes escritores que sempre povoaram seu imaginário.

A conexão analógica hiperestímulo digital

na

era

do

Todo esse arcabouço cultural culminou na criação da marca e do projeto "Entre Páginas e Cerâmica". O que começou de forma sazonal para extravasar o estresse evoluiu para um movimento contra a urgência superficial do mundo moderno. Utilizando as redes sociais para promover o comportamento analógico, a página convida o público a desacelerar, estimulando o senso crítico através de reflexões literárias e da valorização do artesanal.

Para leitores, decoradores e colecionadores que buscam resgatar a própria memória e consumir cultura com propósito, as criações e os conteúdos estão centralizados no Instagram [@entrepaginaseceramica].

O projeto atesta que a arte exige lucidez e nos devolve exatamente isso em troca.

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A pintura intuitiva usa tons suaves e cria laços de afeto real

O artista Gilberto Rocha utiliza a pintura intuitiva para fundir o impressionismo abstrato a memórias visuais que transformam o ambiente residencial.

A inserção da arte no cotidiano residencial

A relação com as artes plásticas muitas vezes se inicia não como um projeto comercial engessado, mas como uma urgência emocional silenciosa. A trajetória visual abordada aqui encontra sua força exatamente nesse lugar de pausa, observação e reconstrução de sentimentos que frequentemente escapam à linguagem verbal. Transitando com fluidez entre o impressionismo e a abstração, a produção foca em sugerir sensações em vez de apenas representar a forma literal das coisas. Essa abordagem transforma a tela em um campo de investigação sobre memória, permanência e afeto, criando um acervo onde a arte atua como um refúgio contemplativo e íntimo no mundo contemporâneo.

O destino final de uma obra é parte fundamental de seu conceito. Para esse criador, a arte contemporânea precisa conviver de forma contínua com o público, ocupando espaços residenciais de maneira harmônica.

Mais do que produzir objetos decorativos, o objetivo é entregar telas que carreguem um sentido real e duradouro para o colecionador. Essa proximidade com o espectador é amplificada por meio de uma presença digital consistente, onde o compartilhamento das etapas de desenvolvimento desmistifica a pintura e convida o observador a participar da evolução da tela antes mesmo de a tinta secar.

A construção orgânica e a herança do impressionismo

Expansão autoral e a produção de novas séries

O rigor estético dessa pesquisa apoia-se em um método que equilibra controle e espontaneidade de maneira muito precisa. Evitando esboços rígidos, o processo criativo começa com manchas livres na tela, permitindo que as camadas de tinta acrílica respondam organicamente umas às outras. Essa técnica de sobreposição, que explora ricas texturas e transparências, dialoga diretamente com o impressionismo clássico — evocando a atmosfera e o tratamento de luz de mestres como Claude Monet —, mas com uma roupagem abstrata e emocional altamente atual. Uma assinatura cromática evidente desse processo é a presença recorrente de tons como o verde-água, que conferem uma identidade fluida e serena a cada composição gerada no ateliê.

Com uma linguagem já consolidada, o atual momento do ateliê é de franca expansão técnica e conceitual.

Novas séries encontram-se em pleno desenvolvimento, priorizando composições mais amplas que exigem um mergulho ainda mais profundo na cor e na profundidade do suporte. Além dessa investigação autoral, a execução de encomendas personalizadas permite a criação de peças estruturadas especificamente para dialogar com a arquitetura e as histórias de cada cliente. Para curadores, arquitetos de interiores e o público interessado em adquirir essas paisagens emocionais, o portfólio completo e o contato podem ser acessados diretamente pelo Instagram [@gilbertorocha_].

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Apolo e a visualidade da transcendência A consolidação desse discurso ganha contornos definitivos em obras emblemáticas de seu acervo, como a tela "Apolo". Nela, o criador apresenta uma interpretação visual precisa da luz, da força e da arquitetura do sujeito contemporâneo. A peça estabelece um diálogo frontal entre a presença física e a transcendência espiritual, demonstrando como a pintura em acrílico pode ir muito além do registro estético para se tornar um verdadeiro estudo sobre a condição humana.

Inserção internacional institucional

e

validação

A maturidade de sua linguagem expressionista já garantiu sólida validação institucional e literária no circuito global. A inclusão de seu portfólio no livro "Vivemos Arte", lançado oficialmente no prestigiado Carrousel do Louvre, em Paris, chancela sua inserção no exigente cenário artístico internacional. Com um histórico de exposições físicas em Curitiba e participação em mostras globais online, seu acervo atrai a atenção de curadores e colecionadores.

O contato direto para aquisições e o acompanhamento de sua produção podem ser feitos através do e-mail institucional [cristianmarco492@gmail.com].

A pintura intuitiva usa tons suaves e cria laços de afeto real O artista cubano Cristian Castillo utiliza a pintura em acrílico para investigar processos de transformação humana e renascimento através de intensos contrastes.

O trânsito geográfico e cultural frequentemente adicionam camadas de complexidade à produção de um criador visual. Radicado em Curitiba, o artista plástico cubano Cristian Castillo utiliza sua vivência para estruturar uma pesquisa focada na força interior e nos processos de transformação humana. Longe de uma abordagem superficial, sua obra propõe uma reflexão rigorosa sobre identidade, superação e essência, desafiando o observador a ultrapassar a primeira camada estética para acessar um discurso profundo sobre o renascimento do ser.

Contrastes intensos e a materialidade da tinta O rigor dessa temática exige uma materialidade que sustente o peso do conceito. É na pintura em acrílico que o artista encontra o veículo exato para essa tradução.

Sua linguagem expressiva afasta-se da passividade para apostar em composições marcadas por contrastes intensos. Essa dualidade cromática e luminosa funciona como um reflexo das próprias tensões humanas, consolidando uma estética onde a vibração da pincelada materializa a densidade das emoções investigadas no ateliê.

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A materialidade do extremo norte e o critério de seleção O grande diferencial desse acervo reside na recusa de uma seleção baseada puramente na estética vazia. O critério de curadoria exige que cada peça respeite o contexto, a origem e o significado simbólico das comunidades do extremo norte do país. A materialidade dessas obras reflete uma relação direta e inquebrável com a natureza, utilizando fibras naturais, madeira, juta e elementos orgânicos para a pintura. O trabalho artesanal contido nas dezenas de obras que já passaram pelas mãos da dupla preserva as técnicas tradicionais intactas, consolidando essas criações como expressões vivas de cultura.

A curadoria de arte indígena eleva a herança ancestral para o mercado das artes Com curadoria de Natasha e Évlyn, a Aramon’t Art consolida peças originárias como narrativas vivas nos espaços contemporâneos.

A distância geográfica de um território frequentemente atua como o principal catalisador para o reconhecimento do próprio patrimônio cultural. Há mais de uma década, a mudança da curadora Natasha — natural de Roraima e descendente indígena da etnia Makuxi — para São Paulo gerou uma necessidade intrínseca de reconexão. O movimento de trazer objetos de sua terra natal iniciou-se de forma íntima, como uma busca por pertencimento. O marco zero dessa transição ocorreu com o emolduramento de um arco e flecha produzido na região da tríplice fronteira.

A partir desse gesto, o que era um artefato cotidiano foi elevado ao status de acervo, comprovando que o primeiro passo para afastar uma peça da mera decoração é o reconhecimento de sua ancestralidade e de sua carga histórica.

A visão empreendedora e o rigor da curadoria A percepção de que essas peças possuíam um magnetismo inegável sobre os visitantes de sua casa exigiu uma profissionalização do processo. É nesse ponto que a visão estratégica da esposa, Évlyn, tornou-se o alicerce fundamental do projeto. Assumindo a organização burocrática, a estruturação do site, a nomenclatura e a autenticação da marca, ela viabilizou o surgimento estruturado da Aramon’t Art. Essa divisão clara de papéis permitiu que Natasha permanecesse focada exclusivamente em sua essência: a curadoria. O resultado é um negócio preparado para introduzir no mercado coleções limitadas e obras exclusivas, assegurando que o respeito e a valorização dos povos originários sejam a espinha dorsal de toda a operação.

Expansão comercial e pertencimento Quem adquire uma obra da Aramon't Art não leva para o seu ambiente apenas um objeto visualmente atraente, mas torna-se guardião de um fragmento pulsante de uma cultura viva. Nascendo com um propósito claro de dar visibilidade aos artistas indígenas e seus descendentes, o projeto encontra-se atualmente em fase de expansão com consistência.

Para os próximos meses, o foco volta-se para a consolidação de sua presença digital, o lançamento de novas coleções curadas e o estreitamento de parcerias com espaços de arte e decoração focados em identidades fortes.

Para curadores, arquitetos e colecionadores que buscam essa conexão verdadeira, o acervo e o contato direto estão centralizados no Instagram [@aramontart].

ARTE, FOTOGRAFIA E DESIGN

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A expansão do suporte como organismo vivo Rompendo com a bidimensionalidade convencional, a pesquisa evolui para a "Série Pé-Raiz" (2025).

Abandonando os chassis tradicionais, a artista utiliza o canvas solto e incorpora galhos naturais, cordas e fios que simulam raízes. A estrutura da pintura passa a se comportar fisicamente como um organismo vivo em busca de água. Dialogando com referências históricas da ecologia na arte, como Frans Krajcberg e Olafur Eliasson, a obra de Suzuki não apenas aponta para o colapso, mas materializa o esforço estrutural da flora — como a força dos manguezais — para resistir à degradação.

Presença no circuito internacional e nova exposição

Derretimento do gelo vira arte ambiental em novo alerta sobre crise climática A artista visual Elza Suzuki transforma o aquecimento global e a crise hídrica em processos pictóricos orgânicos e imprevisíveis.

O ativismo estético contemporâneo exige mais do que a mera ilustração de um problema; ele demanda vivência e pesquisa de campo contínua. Radicada em Niterói (RJ), a artista visual Elza Suzuki encontrou o foco definitivo de sua produção a partir da observação sistemática da Lagoa de Piratininga. Iniciada em 2019 diante de um cenário grave de desequilíbrio ecológico, sua investigação tomou um rumo surpreendente durante o isolamento de 2020 e 2021. A suspensão da atividade humana permitiu a proliferação de aguapés que filtraram as águas da lagoa, revelando a potência autônoma de regeneração da natureza. Essa constatação reorientou sua poética, consolidando a interdependência dos ecossistemas como o eixo central de sua arte ambiental.

O derretimento como metáfora e a pintura em fluxo A genialidade dessa pesquisa atinge seu ápice na tradução de dados climáticos para o comportamento da própria matéria no ateliê. Na "Série Águas" (2025), a artista renuncia ao controle absoluto do pincel para utilizar blocos de gelo com pigmentos sobre a tela. É o derretimento — conduzido pelo tempo, pelo escorrimento e pelo acaso — que constrói a imagem geométrica e abstrata. Esse fluxo age como uma metáfora cirúrgica do aquecimento global, atravessada por dados reais e alarmantes, como a sensação térmica de 60°C registrada no Rio de Janeiro. A impermanência torna-se, assim, uma linguagem visual tangível.

Destinada a colecionadores, instituições e curadores comprometidos com a urgência climática, a trajetória da artista encontra-se em franca projeção. Apenas nos últimos meses, sua pesquisa alcançou o circuito europeu com a mostra AR Coletiva de Arte na Casa Sur, em Madri (2025), e integrou a exposição "Obras à Mostra", em Niterói (2026). Dando continuidade a essa expansão, seu acervo prepara-se para ocupar a "Exposição Ruptura", que inaugura no dia 16 de abril de 2026, no Espaço Madd Criativo, em Pendotiba, Niterói. Para curadores e arquitetos que buscam integrar essa reflexão ecológica de alto padrão aos seus espaços, o portfólio completo pode ser acessado pelo site [www.zuki.com.br] e pelo Instagram [@elzasuzuki].

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A viagem à Itália e o contato com a gênese da arte A nutrição dessa bagagem híbrida é um processo contínuo e internacional. O aprofundamento estético ganha um novo capítulo em breve: em 20 de abril, o ator e artista visual embarca para uma viagem curatorial à Itália. O roteiro, que inclui passagens por Assis e Arezzo, é focado na imersão direta nas obras de mestres como Giotto e Piero della Francesca. O estudo in loco da famosa Basílica de São Francisco não é apenas uma viagem turística, mas uma busca intencional por referências de luz, proporção e narrativa clássica que inevitavelmente influenciarão sua composição visual e cênica nos próximos projetos.

Ator e artista visual une teatro e estratégia no mercado de arte Teodoro Baudouin transita entre a herança nas artes plásticas e a atuação, unindo a sensibilidade cênica de ator e artista visual ao mundo dos negócios e vendas.

O contato precoce com a alta cultura pode moldar — ou asfixiar — o desenvolvimento de um criador. Para Teodoro Baudouin Andrade, filho do consagrado pintor Rodrigo Andrade e de uma historiadora, crescer na elite intelectual de São Paulo e frequentar os ateliês do célebre grupo Casa 7 significou absorver a linguagem visual quase por osmose. Essa bagagem, no entanto, não o impediu de enfrentar o desafio comum de encontrar a própria identidade fora da sombra familiar. Após passagens rápidas pelos cursos de Direito e Economia e tentativas na publicidade frustradas pela pandemia, foi no palco que a sua linguagem ganhou contornos definitivos. Formado no curso técnico de teatro do Célia Helena em 2022, ele encontrou nas artes cênicas um espaço focado na verdade emocional, onde o corpo e a presença cênica substituíram as certezas acadêmicas, fundando sua identidade de ator e artista visual.

A tensão entre o palco, a tela e a investigação humana No ateliê ou em cena, o processo criativo de Teodoro não busca apenas a interpretação superficial, mas a investigação rigorosa do comportamento humano.

Sua arte nasce no cruzamento entre a experiência vivida e a intuição. Como ator, ele constrói seus personagens através da observação constante das contradições do dia a dia, recusando atuações óbvias em prol da profundidade psicológica.

Simultaneamente, a herança paterna o mantém atrelado à pintura, criando uma percepção estética ampla. Essa mistura de linguagens garante um diferencial de mercado notável: ele não pensa a cena apenas como texto, mas possui uma consciência profunda da imagem, da composição e da atmosfera, elementos cruciais para qualquer projeto audiovisual contemporâneo.

O mundo corporativo como extensão da performance A maturidade profissional frequentemente exige a reconciliação de mundos aparentemente opostos. Em vez de renegar o mundo corporativo, Teodoro percebeu que as habilidades cênicas são altamente transferíveis. A partir de julho, ele assume o cargo de Sales Development Representative (SDR) em um novo projeto empresarial. Essa dualidade, que no passado gerava dúvidas entre a arte e os negócios, hoje atua como o seu maior motor criativo. A presença, a empatia, a leitura do outro e a narrativa — ferramentas vitais para convencer o público em um teatro — são as exatas mesmas chaves para fechar uma venda.

Para produtores de elenco, curadores e o mercado corporativo que busca profissionais que unem a inteligência emocional do palco à estratégia estruturada, o acompanhamento dessa trajetória única pode ser feito através do Instagram [@teo_andrade]. A ambiguidade, para ele, deixou de ser conflito e virou potência pura.

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Fragmentos como metáfora para o cenário global A excelência dessa execução plástica não anula a carga social de seu acervo. A estruturação de suas obras em fragmentos — unidades de diferentes cores e formas colocadas lado a lado na massa acrílica — atua como uma metáfora visual rigorosa para os atuais conflitos globais. A tela convida o olhar a refletir sobre a linha tênue entre a tolerância e o preconceito. A depender da leitura, o observador pode enxergar um ritmo de harmonia ou a representação formal de uma sociedade fragmentada pela destruição e pelo tempo interrompido, consolidando seu trabalho como uma provocação necessária sobre a realidade contemporânea.

Pintura matérica traduz resiliência do Líbano em texturas de luz e sombra A artista Silvia Cury Chohfi utiliza a pintura matérica para transformar a memória cultural do Líbano em reflexões sobre tolerância e conflitos.

A compreensão de uma obra de arte contemporânea frequentemente exige o mapeamento das raízes geográficas do criador. Nascida em São Paulo em uma família de colecionadores, Silvia Cury Chohfi teve seu olhar treinado precocemente.

No entanto, foi a mudança para o Líbano, aos 12 anos, que calibrou sua percepção analítica. A imersão em um país que é o berço da civilização fenícia — um caldeirão onde coexistem dezoito comunidades religiosas e influências árabes, otomanas e francesas — forneceu o repertório de resiliência que baseia sua poética. De volta ao Brasil, a artista estruturou sua técnica com passagens acadêmicas pela FAAP, Escola Panamericana de Arte, além de estudos de História da Arte com Lizetta Levi e ateliês com Carlos Fajardo. Essa bagagem converge hoje na pesquisa continuada e mentoria com o renomado artista Sérgio Fingerman.

A materialidade da tela e o contexto histórico da pintura O grande diferencial técnico de sua produção passa pelo domínio de um conceito clássico da História da Arte: a "pintura matérica". Consolidado no período do pósguerra através do movimento Informalista, esse termo classifica a arte que abandona a superfície lisa e plana em favor do acúmulo físico de materiais, transformando a tela em um campo tátil e de relevo. Ao descrever seu próprio processo empírico — onde múltiplas camadas de tinta, massa acrílica, pigmentos brutos e emplastros se misturam em texturas —, a artista insere sua obra diretamente nessa prestigiada tradição estética. Essa densidade matérica é utilizada para construir mosaicos da cultura árabe, criando uma atmosfera de luz e sombra que revela símbolos gradativamente, exigindo uma imersão atenta onde a tela adquire o aspecto físico e emocional de um sonho.

Validação no exposições

circuito

e

agenda

de

A densidade curatorial de sua pesquisa reflete-se em uma agenda institucional de altíssimo nível. O ano de 2026 atesta sua solidez no circuito: em fevereiro, participou como única artista convidada da mostra de Marcos Amato na Galeria Marcos Amato (com curadoria de Andrey Parmigiani e fotos de Everson), e em abril marcou presença na prestigiada SP-Arte, no Pavilhão da Bienal. Atualmente, o público e colecionadores ainda têm a oportunidade de conferir sua obra de perto no Salão de Arte Anual de Paraty, em cartaz até os últimos dias deste mês (30 de abril) na Galeria Platô 18 (@platodezoito), sob curadoria de Bruno Portella.

Com uma exposição já agendada para o FAMA Museu (Itu) em fevereiro de 2027 e processos de aplicação em andamento para instituições nos Estados Unidos, o contato e acompanhamento de seu acervo ocorrem pelo Instagram [@silchohfi.art].

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A imersão na aquarela e a filosofia visual Longe de se estagnar em processos já dominados, a investigação estética da artista abriu uma nova vertente em 2025 com o aprofundamento nos estudos de aquarela. O domínio dessa nova técnica introduziu a fluidez e a transparência em seu vocabulário, características que culminaram em sua participação na mostra "Deságua Belém", no Shopping Grão-Pará.

Essa constante renovação obedece a um manifesto poético muito claro: transformar a arte em um convite à harmonia, onde forma, sensibilidade e cor se encontram para revelar exatamente aquilo que repousa além do olhar imediato.

Validação curatorial e acesso ao acervo

Técnica mista e aquarela unem arquitetura e fluidez na nova produção visual Após consolidar carreira na arquitetura, a paraense Mariângela Melo expande sua pesquisa visual incorporando a arte digital e a transparência das tintas.

A construção de uma trajetória nas artes visuais muitas vezes percorre caminhos paralelos antes de assumir o protagonismo. Nascida em Belém (PA), Mariângela Melo possuía uma inclinação inata para o desenho, mas a ausência de um curso de Belas Artes em sua cidade a direcionou para a Arquitetura. Graduada pela Universidade Federal do Pará em 1979, ela consolidou uma carreira sólida, assinando inclusive projetos na área cultural. Durante décadas, a pintura atuou como uma necessidade de expressão esporádica. Foi apenas com a aposentadoria que esse eixo se inverteu, permitindo que a criadora realizasse um reencontro profundo com sua essência criativa e assumisse o ateliê em tempo integral.

A evolução material da madeira ao meio digital Assumindo a produção contínua a partir do ano 2000, sua pesquisa visual começou a ser estruturada através de técnicas mistas. A artista explora combinações físicas de cor, texturas e fragmentos de madeira, evidenciando o rigor estrutural herdado de sua formação original. Acompanhando o dinamismo das ferramentas contemporâneas, o ano de 2020 marcou a incorporação da arte digital ao seu processo. Essa expansão de suporte permitiu a criação de composições que transitam com fluidez entre o geométrico e o abstrato, sempre orientadas por uma busca implacável pelo equilíbrio e pela harmonia cromática.

A maturidade dessa produção garante uma forte presença no circuito cultural da região norte. Apenas em 2024, seu acervo integrou importantes exposições coletivas, incluindo "Arte Feminina em Foco 1" (Caixa Pará), "Arte Feminina em Foco 2" (Assembleia Paraense), "Expo Arte, Moda e Sabor" (Galeria Rose Maiorana) e "Olhares Amazônicos" (CCBEU). Para o público, arquitetos e curadores interessados em dialogar com obras que promovem conexões sensíveis e sensações positivas, seu trabalho encontra-se disponível em galerias virtuais como a Gerbô Buy Art e em espaços físicos conceituados, como Tutti Casa e Max Color.

O portfólio completo e o contato direto podem ser acessados pelo site [www.mariangelamelo.com.br] e no Instagram [@mariangelamelo-galeria].

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A iconografia sagrada e a linha de santas Essa carga mística atinge sua expressão máxima na linha curatorial dedicada às figuras sagradas. Ao recriar a imagem de santas consagradas, como Nossa Senhora Aparecida, a artista une delicadeza e força estética, afastando-se da iconografia tradicional plana para oferecer um olhar autoral contemporâneo. Essa coleção dialoga diretamente com as festas populares e os altares domésticos brasileiros, transformando a tela em um ponto de encontro entre a beleza visual e a devoção. A pintura deixa de ser apenas um adorno para irradiar presença, convidando o espectador ao silêncio e à contemplação interior.

Expansão do acervo e presença de mercado

Pintura intuitiva une sagrado feminino e ancestralidade baiana A artista Júlia Spínola utiliza a pintura intuitiva para fundir o sagrado feminino, a ancestralidade e a identidade baiana em composições sensíveis.

O cruzamento de identidades regionais frequentemente enriquece o repertório de um artista. Nascida em Angra dos Reis (RJ) e radicada em Salvador (BA), Júlia Spínola iniciou sua trajetória visual em 2011. Afastando-se da representação puramente figurativa e acadêmica, sua produção utiliza a pintura intuitiva para traduzir estados internos, ancestralidade e memórias afetivas. Transitando com facilidade entre a abstração, o lado lúdico e o imaginário espiritual, a artista construiu uma linguagem onde cor, gesto e símbolo se encontram de forma espontânea para materializar experiências humanas e transcender o cotidiano.

A força cromática e a identidade espiritual A vibração dessa narrativa depende de um domínio cromático rigoroso. No ateliê, o acaso dialoga ativamente com a intenção através de uma aplicação gestual livre. O uso de azuis profundos, amarelos luminosos, vermelhos vibrantes e tons terrosos compõe as atmosferas emocionais que atravessam a tela. É através dessa paleta intensa que a criadora aborda temas de forte densidade cultural, como o sagrado feminino, a força da natureza, a reverência a Oxum e a consolidação de sua identidade baiana, mantendo sempre uma conexão profunda com o tempo presente.

A solidez de sua pesquisa estética já assegurou desdobramentos comerciais e institucionais relevantes.

Além de acumular exposições individuais na capital baiana, seu acervo rompeu as fronteiras do formato tradicional ao ser licenciado por uma empresa norteamericana para a criação de roupas e acessórios de decoração baseados em suas estampas. Com obras já adquiridas por colecionadores no Brasil e no exterior, seu trabalho consolida-se como uma escolha segura para quem busca uma vivência visual transformadora.

Para curadores e arquitetos interessados em incorporar essa estética profunda aos seus projetos, o contato e o portfólio completo estão disponíveis no Instagram [@juliaspinola_arte].

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Galeria de arte une varejo e curadoria em São Paulo Intervenções filantrópico A BR Arte Galeria, de Bernardo Virtuoso, aplica a dinâmica do varejo para desmistificar o mercado e conectar o público à arte urbana e contemporânea.

A estruturação de um espaço cultural frequentemente exige uma visão comercial apurada. Publicitário de formação e colecionador de arte urbana desde os 15 anos, Bernardo Virtuoso construiu a trajetória da BR Arte Galeria de forma orgânica. O projeto, que nasceu no Instagram em Santos apenas para catalogar seu acervo pessoal, rapidamente gerou demanda do mercado. O primeiro espaço físico operou de forma híbrida, dividindo o local com uma loja de moda masculina gerida por ele durante 16 anos. Após três anos de atuação conjunta, Virtuoso encerrou as atividades com o vestuário para focar exclusivamente nas artes visuais, estabelecendo a galeria na Rua João Moura, em Pinheiros (São Paulo), há três anos.

O olhar de colecionador e a desmistificação do mercado Atualmente em formação curatorial, o galerista adota um modelo de negócios que recusa a intimidação e o distanciamento tradicionais do setor. A pesquisa da galeria parte primeiramente de seu gosto pessoal como colecionador, evoluindo para um aprofundamento técnico e conceitual junto aos criadores. O diferencial da BR Arte reside na aplicação direta das estratégias de atendimento humanizado do varejo de roupas ao circuito artístico. Essa transferência de expertise desmistifica os bastidores do mercado para o público brasileiro, criando uma ponte sensata e direta entre os artistas representados e os colecionadores por meio de um atendimento individualizado.

urbanas

e

engajamento

Além da comercialização de obras indoor, a galeria assume um papel ativo na democratização da cultura através de intervenções públicas e ações sociais. Ao longo de sua história, a BR Arte articulou projetos de impacto significativo no litoral paulista. Entre as iniciativas de destaque estão a pintura da sala de espera da Casa da Esperança em Santos (com o artista Mena), a revitalização coletiva do Boulevard comercial da Othon Feliciano, a execução de um muro na Praia do Forte em Praia Grande, e a pintura do Aquário Municipal de Santos pelo artista Xguix, celebrando o aniversário do equipamento cultural pioneiro no Brasil.

Presença internacional exposições

e

agenda

de

A maturidade comercial do espaço tem impulsionado a marca para o circuito global e para colaborações interdisciplinares. Em 2025, a galeria participou da SPERA ArtFair em Paris, marcando sua entrada em feiras internacionais. No cenário nacional, as movimentações recentes incluem a exposição "Presenças em Transição", do artista mineiro radicado na Bahia Gustavo Amaral, que contou com o lançamento de estampas exclusivas desenvolvidas em parceria com a marca de roupas VIHE. Planejando a inserção em novas feiras ao longo do ano, a galeria já prepara a próxima exposição do artista carioca Lelo. O acompanhamento do acervo e da agenda ocorre através do Instagram [@brartegaleria].

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A materialidade técnica entre a tela e o papel A materialidade escolhida para sustentar essa narrativa visual exige versatilidade no trato com os pigmentos. A pesquisa técnica de Juliana não se limita a um único meio, abrangendo o uso clássico da tinta a óleo, da tinta acrílica fosca e da estruturação em massa acrílica diretamente sobre a tela. Paralelamente a esse trabalho de cavalete, ela expande sua produção através da técnica da aquarela sobre folha de papel especial. Essa multiplicidade de suportes garante que a vibração cromática de suas obras possa ser explorada em diferentes níveis de textura e transparência.

Validação no circuito e exposição recente A consistência dessa linguagem encontra espaço de ressonância com o público que consome e aprecia a arte voltada para a delicadeza e a estética do belo.

Inserindo-se ativamente no circuito cultural fluminense, a artista iniciou sua agenda de 2026 participando de uma mostra de artes na Galeria Via Parque, na cidade do Rio de Janeiro, no mês de janeiro.

Arte feminina une impressionismo e natureza em nova mostra A artista Juliana Raquel utiliza a arte feminina e a fusão de técnicas para investigar a natureza e a delicadeza espiritual do belo.

O desenvolvimento de uma assinatura visual frequentemente dialoga com a ancestralidade. Pertencente à terceira geração de pintores de sua família, a artista plástica Juliana Raquel herdou a arte como um legado e a encara como a conexão mais sublime da jornada humana. Sua produção é movida pela liberdade criativa e pela fusão intencional de estilos, onde traços do impressionismo se encontram com pinceladas realistas. Essa hibridização resulta em uma linguagem estética focada na admiração pelo belo e na partilha de um sentimento emocional coletivo de forma profunda.

A delicadeza da natureza e a poética do belo O repertório iconográfico da criadora afasta-se das tensões contemporâneas rígidas para investigar a poética da delicadeza feminina e a força da natureza. Seu ateliê é tomado por temáticas orgânicas: pinturas florais sob céus infinitos, as curvas sinuosas e a vivacidade das cores dos animais, além de incursões pontuais por uma abstração alinhada. Para a artista, a tela funciona como um veículo de autoconhecimento e doação do próprio dom espiritual. Cada pincelada é carregada de dedicação e amor, com o objetivo claro de transmitir sua essência verdadeira através do filtro da beleza.

Durante a exibição, ela obteve destaque apresentando o seu trabalho focado especificamente na beleza e representação dos animais. Para colecionadores e entusiastas que desejam acompanhar sua produção e evolução contínua, o acervo e o contato estão disponíveis no Instagram [@julianaraquelarts].

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Cerâmica autoral une poética rústica e ouro no cotidiano O fazer manual e os contrastes em ouro Bruna Bastos transforma a vulnerabilidade do puerpério em pesquisa estética através de peças manuais focadas no acolhimento.

A descoberta de uma linguagem visual pode emergir de períodos de profunda vulnerabilidade estrutural. Para a artista Bruna Bastos, a imersão na argila não iniciou como um projeto acadêmico, mas como uma necessidade de respiro e acolhimento durante o puerpério. Esse momento delicado, marcado por emoções intensas e reconstrução identitária, encontrou na arte um espaço de silêncio. O que começou como um fazer guiado puramente pelo sentir e pela tradução de afetos logo exigiu aprofundamento. A artista dedicou-se ao estudo formal, à experimentação material e à compreensão do erro como etapa construtiva, consolidando a cerâmica não apenas como um meio físico, mas como sua principal linguagem expressiva.

A estética rústica e a memória do tempo A pesquisa estética desenvolvida no ateliê afasta-se da produção industrial asséptica para abraçar peças que parecem carregar o peso do tempo, mesmo recém-saídas do forno. Sua identidade visual é fortemente ancorada no rústico e na memória, buscando referências diretas na infância, na arquitetura de casas antigas e na observação atenta da natureza. Os detalhes simples, muitas vezes invisíveis ao olhar apressado, tornam-se o foco central de seu acervo. O objetivo dessa materialidade é claro: criar objetos que provoquem uma sensação de pausa e pertencimento, operando como um convite tátil para que o observador habite o momento presente com mais consciência.

O rigor de sua produção exige a valorização do processo estritamente manual em todas as etapas de modelagem. Dentro de sua filosofia de trabalho, as imperfeições naturais da argila não são tratadas como falhas, mas assumidas como a assinatura identitária de cada criação. Para gerar um diálogo visual instigante, a artista insere intencionalmente acabamentos refinados, aplicando pequenos e delicados detalhes em ouro sobre as superfícies rústicas. Essa oposição material confere singularidade e contraste imediato às peças, elevando a argila a um patamar de alta sofisticação.

A poesia utilitária e o acesso ao acervo O equilíbrio exato entre a funcionalidade do objeto e a expressão artística é o que define o diferencial de seu portfólio. Ao longo de sua produção autoral, a artista tem provado que a arte contemporânea não precisa estar restrita à contemplação intocável; ela pode e deve fazer parte do uso diário. Sua capacidade de transformar a matéria bruta em elementos sensíveis introduz uma carga poética real na rotina das pessoas.

Para colecionadores, curadores e o público que busca adquirir peças que não apenas servem ao ambiente, mas que contam histórias próprias, o acompanhamento do acervo e o contato são feitos diretamente pelo Instagram [@brunabastos.ceramica].

Coluna CREATOR

Arte

CHÁ COM

Na coluna de hoje, quero falar sobre um desafio que todos nós enfrentamos: como manter a motivação em tempos difíceis. Quando as coisas apertam, é fácil perder o foco e duvidar do próprio caminho. Mas acredito que é nesses momentos que nossa força criativa precisa falar mais alto.

Sempre encarei as fases complicadas como laboratórios de resistência. A arte — seja qual for a sua forma — se torna não apenas expressão, mas também refúgio e combustível.

Pequenas metas, pausas para respirar e a lembrança constante do “porquê” nos ajudam a continuar.

“A MOTIVAÇÃO NÃO É UM DOM QUE APARECE, É UMA ESCOLHA QUE SE CULTIVA MESMO SOB TEMPESTADES.”

O segredo não é ignorar as dificuldades, mas transformá-las em matéria-prima para criar algo único. A cada dia, escolha dar um passo, mesmo que pequeno.

Luzbela Souza Direção Editorial

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CREATOR É ARTISTA: PARTICIPE DAS PRÓXIMAS EDIÇÕES

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