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editorial Que el circo es un arte del movimiento está clarísimo; es eso y más. Por eso no es difícil ver que, en la historia de este arte, muy a menudo ha provocado movimientos, actitudes y posicionamientos ante la propia vida. Lo que sí cuesta es encontrar un momento como el actual, en el que el circo está a un paso de superar el histórico estado de marginación al que se ha visto relegado y en el que se ha acostumbrado a vivir. No hay que confundirlo con institucionalización y pérdida de la fresca popularidad; es simplemente llegar a un estado de madurez que permita situarlo oficialmente al mismo nivel que el teatro y la danza. Eso quiere decir con los mismos derechos y los mismos recursos. El reciente Plan Integral del Circo tiene como propósito alcanzar este estado, pero en todas partes proliferan experiencias que están devolviendo al circo la entidad que se merece. Varios son los modelos: la primera edición del Festival Internacional de Albacete, siguiendo el estilo del de Montecarlo, denota la importancia que dan al circo en La Mancha; las producciones del Price de Madrid, el segundo circo estable actual del Estado, demuestran una vitalidad fruto de un movimiento más amplio, y solo hay que lamentar que en Granada se haya perdido esta oportunidad. Así pues, hay que aprovechar el momento y saber transformar todos los apoyos institucionales en movimiento creativo.

Zirkolika n.16 Primavera 2008 Portada: Leosvel & Diosmani Festival Internacional de Albacete Foto: Ivon Kervinio

Equipo Director: Vicente Llorca Redacción: Cesc Martínez, Oriol Raventós, Miquel Moreno, Marcel Barrera, Quim Elias, Ramon Bech, Laia Gilabert, Víctor López, Javier Gamonal, Jordi Jané, Martí Franch. Disseño y maquetación: Mònica Gómez Fotografía: Manel Sala “Ulls”, Payaso Enrico, Marta Silva, Laia Gilabert Coordinador de contenidos y traducción: Cesc Martínez Asesoramiento terminológico: Jordi Jané Han colaborado en este número: Barbara Berini, Joan Ramon Graell Zirkólika nº 16 Primavera 2008 Edita: Zirkolika Ap. de correos 2008 08080 Barcelona Tel.: 93 310 67 93 Fax.: 93 350 30 00

Sumario Panorama

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Festivales

6

Montecarlo

6

Cirque du Demain de París

7

Festival Internazionale di Latina

8

Budapest Circus Festival

9

Albacete

10

Estrenas

12

Agenda

13

Reportajes y entrevistas Circoxidado

14

Circus Krone

16

una entrevista: Alessandro Serena y Marcello Chiarenza

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Kristian Krisof

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Las malabaristas más en forma

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Escuelas de Clown de Barcelona

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Crónicas Cavalia

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web: http://www.zirkolika.com Mail: zirkolika@yahoo.es Dep. Legal: B-29.661-2004

Circ d’Hivern de Nou Barris: Click!

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Circ Raluy

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Imprime: Indice, S.L.

Zirkoteca Libros, música y arte

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Zirkolikos

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panorama [actualidad]

Presentado el Plan Integral del Circo Mientras en la sede del departamento de Cultura i Mitjans de Comunicació, el pasado 12 de marzo, se firmaba el documento del Plan Integral del Circo, justo delante, en la Rambla de Santa Mònica, un grupo de acróbatas distraían a los transeúntes haciendo saltos mortales, saltos árabes y bailando hip-hop.

Jordi Juanet “Boni”, presidente de la APCC, y el conseller Tresserras se dan la mano después de firmar el documento. Foto: Ulls.

Ellos calentaban y empezaban a atraer al público heterogéneo que a esa hora paseaba por Las Ramblas, y dentro quedaba establecido que precisamente lo que ellos hacían tendrá el mismo rango que otras actividades artísticas como el teatro, la danza o la música. Y con eso, el circo ha dado un salto decisivo para consolidarse como una actividad cultural normal.

La APCC y la Generalitat fijan siete prioridades El documento fue presentado por el propio consejero de Cultura i Mitjans de Comunicació, Joan Manuel Tresserras, y los responsables de su equipo: Eduard Voltas, secretario de Cultura, y Berta Sureda, directora de la Entitat Autònoma de Difusió Cultural, de donde ha salido la redacción de este Plan. La mesa se completaba con dos representantes de la Associació de Professionals de Circ de Catalunya (APCC): Jordi Juanet “Boni”, presidente, y Jordi Jané. Precisamente, uno de los aspectos que quiso destacar el consejero fue el apoyo que ha recibido de la APCC, que ha hecho posible ordenar las reivindicaciones del sector. Entre los asistentes, aparte de una abundante presencia de la prensa, estaban algunos de los principales interesados en este Plan —aunque no todos—: miembros de la APCC, bastantes artistas, miembros de la escuela Rogelio Rivel y también alumnos. Jordi Juanet calificó la jornada de histórica y destacó: “Este Plan mira hacia el futuro del sector, es para los que empiezan, para que encuentren una mejor situación de público, de espacios, de formación, que la que encontramos nosotros cuando empezamos a hacer circo hace treinta años.” En el mismo sentido, Jordi Jané calificó la tarea de los artistas que comenzaron a trabajar hace tres décadas como una “resistencia heroica que ha propiciado la situación actual”. Las líneas del Plan Integral no difieren de las que ya se presentaron un año atrás, solo que ahora están fundamentadas en el conocimiento que la Consejería ha acumulado durante este tiempo, con la ayuda firme de la APCC: 1) impulsar la creación y producción, 2) crear espacios de trabajo, 3) regular la formación, 4) establecer circuitos (un circuito estable, conseguir figurar en las programa-

ciones de los espacios públicos y privados y abrir nuevos mercados), 5) dotar la profesión de un marco legal, 6) dignificar y difundir la actividad y 7) dotarla de una financiación apropiada. Cada uno de estos puntos está perfectamente estructurado en objetivos y acciones concretas para materializarlos; así, cuando se habla de impulsar la creación y la producción, el documento especifica que la Generalitat dará ayudas a la búsqueda artística, a las empresas productoras de espectáculos y a las infraestructuras en las que se haga circo, e incluso firmará convenios trienales con compañías estables para que puedan planificar el trabajo a medio plazo, una práctica ya habitual en teatro. Trabajo avanzado No se puede decir que el proceso empiece a partir de ahora. Algunas de las acciones que señala el Plan Integral ya están encaminadas, como por ejemplo el centro de creación en Barcelona —impulsado por el Ayuntamiento— que dé salida a la necesidad que hay desde hace tiempo y se incorpore a la red de los que ya están funcionando. Este nuevo centro, que en principio estará instalado en el Fòrum en unas carpas provisionales que ya estaban encargadas antes de presentar el Plan, empezará a funcionar en julio. Jordi Jané, durante la conferencia de prensa, comparó lo que en arte es creación con lo que en otros ámbitos es investigación. Otro campo que tiene una base de trabajo hecho es la formación. Después de las Jornadas de Formación que organizó la APCC (ver Zirkólika 14 y 15), se constituyó la mesa que ya está trabajando en la elaboración del mapa de formación de circo, que comprende todos los niveles, desde la base, en las escuelas,

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panorama hasta la educación superior circense, pasando por los niveles secundarios, el ocio, la formación en centros deportivos, etc. De momento, junto a la APCC y el departamento de Cultura, trabajan la consejería de Educación, la escuela Rogelio Rivel, el INEFC, el Institut del Teatre y el Ateneu de Nou Barris. ¿Dónde vamos a ir para ver circo? Una de las acciones estrella de este Plan, la constitución de un grupo de ciudades circenses, las llamdas Ciutats Amigues, también está en fase avanzada. En el momento de presentar el Plan Integral, ya había unas quince ciudades prácticamente adheridas, y aunque en la rueda de prensa no se dijo cuáles eran para poder completar el trabajo, en Zirkólika hemos podido saber que efectivamente se está trabajando con toda intensidad. Las Ciudades Amigas serán municipios que se comprometerán por cuatro años a dar apoyo al circo desde vertientes distintas, no exclusivamente la exhibición. El otro punto fuerte del programa, la creación de un circo estable en la capital catalana, también figura en la lista de objetivos que se propone el Plan Integral, pero por ahora parece que no es una prioridad inmediata. El conseller Tresserras se remitió al anuncio hecho por el Ayuntamiento de que estaba estudiando varios emplazamientos y no dio más detalles, ni sobre el tipo de gestión de esta infraestructura ni nada. Queda muy claro que ahora no se está trabajando para llegar a tener un circo estable sino para tejer una realidad circense de calidad y que dure más allá de lo que parece que es un momento óptimo. Pero el circuito de difusión del arte del circo no termina con las Ciutats Amigues y la construcción de un circo estable. A partir de ahora, los espectáculos de circo también los podremos encontrar en los teatros municipales y, en general, en los de titularidad pública, mientras que los privados se supone que irán incorporando el circo a sus programaciones a medida que aumente la consideración por este arte escénico. Por lo que respecta a la difusión y, en consecuencia, a la creación de nuevos mercados, el Plan Integral prevé exportar el circo hecho en Cataluña en colaboración con el Institut Ramon Llull. La primera acción concreta del Departament será montar un stand al Salón del Circo de París, bajo el sello Catalan!Circus. En cuanto a las giras de los circo itinerantes con carpa, la situación ya empezó a aclararse hace unos meses, cuando los representantes de las dos

asociaciones que agrupan los municipios de Cataluña firmaron un protocolo con la APCC, el Circ Raluy, el Circ Cric y el departamento de Cultura para regular las necesidades de este tipo de empresas. A pesar de eso, la parte de crear un marco legal específico para el circo requiere aún mucho tiempo de trabajo. Entre otras cosas, porque los sectores implicados son muchos: la situación legal de los artistas pide un marco legal general; las instalaciones, vehículos y los aparatos técnicos deben ser homologados y hay que hacer una normativa específica, lo que correspondería a otro departamento de la Generalitat, igual como el cumplimiento de la normativa sobre animales corresponde al departamento de Medi Ambient i Habitatge. /Cesc Martínez

2,44 millones de euros Como dijo el propio conseller, “a menudo la credibilidad de la palabra dada por los políticos se mide por la cantidad de dinero que destinan a los proyectos”. En este sentido, el Plan Integral tiene atribuido un presupuesto global para el 2008 de 2,44 millones, un 50% más que la cantidad destinada al circo el 2007. Si lo comparamos con el 2006, la cifra es el doble. Este dinero se destinará al circo siguiendo el orden de prioridades que marcan los estudios hechos sobre el sector. Un ejemplo claro es la inyección que recibirá el centro de creación La Vela de Vilanova i la Geltrú, que, después de comprobar que necesitaba una intervención de urgencia para mejorar y acondicionar sus instalaciones, le ha sido asignado un presupuesto de 520.000 euros, a repartir entre Generalitat y Ayuntamiento (el año pasado recibió 52.000). Más adelante, el dinero que recibirá estará en función de los que necesite para su mantenimiento. Por si fuera poco, el cumplimiento del Plan Integral, según afirmó Tresserras, dependerá exclusivamente de la consejería de Cultura i Mitjans de Comunicació, independientemente que más adelante los recursos se puedan conseguir a través del futuro Consell de les Arts o de otras instituciones. Es evidente que llegar a firmar un Plan tan ambicioso como este y dotarlo de recursos no ha sido fácil, pero también lo es que en los últimos años la rapidez del proceso ha sido considerable. Es una buena garantía para el futuro del circo.

Foto de familia de la APCC con el conseller Tresserras y varios miembros de su equipo, y alumnos de la escuela Rogelio Rivel. Foto: Ulls.

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panorama [actualidad]

Un año en el Almazén

Jango Edwards y Màgic Andreu. Foto: Ulls.

Jango Edwards lleva un año instalado en el Raval, comprometido con el proyecto de la asociación La Ciutat de les Paraules, de la mano de Macarena González de Vega. Allí está el Almazén, donde se exhiben las propuestas de esta singular entidad y sirve como espacio de interacción cultural con tres apuestas fundamentales: galería de arte, cuna de proyectos con marca de la casa y programación estable. Serial artist da nombre a la galería. En ella, artistas conocidos exponen su obra bajo pseudónimo, algo que hace más asequible la adquisición de obras y democratiza, dicen, el mercado del arte.

Los proyectos del Almazén, muchos y diversos, con frecuencia tienen vinculación con el barrio. En el centro se idean propuestas, crecen, evolucionan y se integran en el espacio y el tiempo; se mimetizan, se ramifican y de ellos siempre queda algo para enlazar con un proyecto posterior.

presentar sus propios trabajos, han sido Loco Brusca, Laura Herts y Los Románticos Empedernidos.

Edwards se ocupa de la programación estable. Ejerce como director escénico del espacio que tiene como principal pilar al payaso. Junto con The Fools Militia inició su aventura en el Almazén a principios de 2007, y desde septiembre los ciclos Global Clown Theatre y Cabaret Cabrón nutren la programación del espacio. Los jueves y viernes, Global Clown Theatre propone un espectáculo de compañías o artistas invitados, y dentro de este mismo ciclo, una vez al mes, Jango actúa junto a otro/s payaso/s reconocido/s. Los sábados, en el Cabaret Cabrón, Jango dirige y/o participa en un espectáculo plural con la colaboración de profesionales.

Todos los sábados, Jango Edwards dirige un espectáculo o participa en él

Solo durante dos días de febrero, se unieron en el Global Clown Theatre Màgic Andreu y Jango Edwards con M*A*G*I*C*O Fantástico: la increíble historia de Dr. Andreu y Mister DODO. Ambos artistas hace mucho que se conocen y, aun ejerciendo disciplinas distintas, tienen almas muy parecidas y la vinculación con su arte es igual de auténtica. Otros artistas que han actuado junto con él, además de

En el Almazén, además de Macarena, también están Ana, Daniela, Erica, Carlos, Ingrid y Vicky. Mu-

chas mujeres, sí; quizá por esto en febrero iniciaron el ciclo VIW (Very Important Women), ciclo de espectáculos de mujeres payasas que comenzó a andar con Las gallegas, de la compañía Lolita Corina. Así pues, el Almazén se presenta como una buena propuesta dentro del panorama cultural catalán que apuesta por una de las disciplinas típicas del circo y abraza así un arte todavía muy desfavorecido en nuestra tierra pero que lenta, firme y paulatinamente va ganando terreno. Almazén c/ Guifré, 9 baixos / www.almazen.net /Barbara Berini

De Cervantes al Price Rocinante es el título de la nueva producción del Teatro Circo Price de Madrid. El punto de partida del espectáculo es, efectivamente, una aventura quijotesca: un tal Saturnino Quijano emprende un viaje para ir al Price a enseñar su número de doma, y le acompaña su amigo Paco Sánchez. Los encargados de dar vida a estos dos personajes son dos cómicos famosos de la televisión: Juan Muñoz, del dúo Cruz y Raya, y Pedro Reyes. Y con toda la intención de enmarcar el show en un contexto cultural definido, el programa está compuesto solo por artistas españoles, excepto los ganadores de un Clown de oro en el festival de Montecarlo de este año, los hermanos Pellegrini, acróbatas mano a mano (ver pág. 6). Los artistas que conforman el elenco de esta producción tienen todos una solvencia demostrada (los Gotys, los Tonitos, Niedziela Raluy, Ivano Jarz, en-

tre otros), y eso hace que el montaje tenga algo único. Con dramaturgia de José Luis Alonso de Santos y puesta en escena de Raffaele de Ritis, el programa también incluye la magia de grandes ilusiones de Magic Jarz y un número de alta escuela a cargo de Patricia Romero y José Pardo. Este último podría ser un número más del espectáculo, pero evoca al Rocinante del título, que es más interesante que el Quijano-Quijote. No está mal para recordar que el origen del viaje del circo moderno son los número ecuestres y, de paso, para reivindicarlos. En definitiva, un espectáculo de calidad muy bien fundamentado. /ZRK

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Los Gotys. Foto: Payaso Enrico.


panorama [ha sido noticia]

Foro de Sevilla El pasado mes de diciembre se celebró el Foro de Sevilla para promover la creación del Consejo Estatal de las Artes Escénicas y de la Música. Este nuevo organismo, impulsado por el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), deberá servir para canalizar las relaciones entre la administración central del Estado y un con-

junto de sectores diversos como el teatro, la danza, la música y el circo. En lo que respecta al circo, los representantes del sector (Rafael Pla, Circo Gran Fele; Genís Matabosch, María Palomar y Montserrat Trias, del Consejo Asesor de Circo del INAEM; José Maestro, de Extremadura Teatral; José Palacios, de la Asociación de Artistas y Amigos del Circo, y Laia Alzueta, de la

APCC) reclamaron la creación de una Subdirección de Circo separada de la de teatro. Asimismo, se pedía hacer una campaña que prestigiase el circo como cultura, regularizar la formación profesional del sector, fomentar la creación de redes de distribución de los espectáculos y festivales que permitan intercambios internacionales. /ZRK

Premio a Solomanolo por la innovación Uno de los Premios Sebastià Gasch de Artes Parateatrales 2007, concedidos por el FAD, fue a parar Manolo Alcántara por su espectáculo Locomotivo. Alcántara recibió este premio por haber profundizado en sus habilidades como funambulista, malabarista e intérprete, y en especial por su “interesante e innovador trabajo de investigación del espacio escénico sobre una estructura de cable autónomo en movimiento bidireccional” (ver Zirkólika nº 9).

Solomanolo y su Locomotivo, en Reus. Foto: Ulls.

El espectáculo de Solomanolo —el personaje— crea un continuo a base de recortes, números circenses sacados de la misma carrera de Alcántara, que encajan con la máquina-escenario. La construcción de este aparato era una vieja idea que le llevó mucho tiempo de trabajo. El espectáculo se estrenó en 2006. /ZRK

La plaza de Catalunya, un circo magnífico El Instituto Francés de Barcelona hizo un regalo de Navidad muy especial a la ciudad: la actuación de Transe Express, con el montaje Maudits sonants. Este mismo espectáculo, monumental, musical, casi ritual, ya se había visto antes en nuestro país, en la inauguración, hace años, de la feria Trapezi de Reus. Dejando a un lado la belleza plástica de esta propuesta, que culmina con una estructura circular colgada de una grúa a unos veinte metros del

suelo manteniendo en suspensión a un conjunto de músicos —músicos de una música de campanas, rítmica, perpetua—, tres acróbatas, dos al trapecio fijo y una con cuerda volante, fue la propia plaza la que aportó singularidad al espectáculo. Posiblemente, Plaça de Catalunya es el lugar más conocido de Barcelona, uno de los más transitados y puede parecer que también es una especie de territorio neutral; pero con una actuación de este tipo quedó demostrado que es un espacio ideal para el teatro de calle y el circo. Primero, precisamente porque se

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encuentra justo en el centro de la ciudad y tiene, por eso mismo, un magnetismo que atrae a un público casual, transeúntes de todo tipo que no necesariamente tienen que ser conscientes de que van a ver un espectáculo. Segundo, porque el fondo urbano de edificios con carácter, la amplitud y el espacio central circular le dan una dimensión única. Lo que se hace difícil es entender por qué no se usa más a menudo para eventos así. Quizá habría que reclamarlo. /ZRK


Montecarlo

R E P O R TA J E Familia Casselly (arriba) y Trio Martini (abajo)

Li Wei.

32º Festival Internacional de Circo de Montecarlo Treinta compañías y artistas de circo competían este año (a finales de enero, del 17 al 27) por los prestigiosos Clowns del Festival de Circo de Montecarlo. Unos premios que reconocen el trabajo de los mejores números de circo del mundo. Se otorgaron tres Clowns de oro: a los hermanos Pelligrini (equilibrios), a la troupe húngara Florian Richter (acrobacias y saltos a caballo) y a Li Wei (equilibrio sobre cable). Los Clowns de plata fueron para: la Troupe de Shenyang (combinación de aéreos), la familia Casselly (doma de elefantes y caballos), la Troupe Catana (acrobacias con báscula), Crazy Wilson (rueda de la muerte) y Vertical Tango (mástil chino). Y los Clowns de bronce fueron para: Elayne Kramer (equilibrista), Marina & Svetlana (antipodistas) y Akimov (cinchas). Gran parte de los espectadores que asisten al festival son artistas y profesionales de circo de todo el mundo, un exigente público al que no es fácil contentar. A más de uno le supo a poco el programa de esta edición, pues consideró que algunos números no estaban a la altura del nivel que se acostumbra a ver todos los años en Montecarlo. No obstante, algunos números fueron excepcionales. El joven chino Li Wei asombró enormemente al público con unos increíbles ejercicios de equilibrio sobre cable flojo. Se paseaba haciendo la vertical por el cable y así se mantuvo durante casi dos minutos, en equilibrio, mientras el cable subía y bajaba. Buscando el más difícil todavía, aún fue capaz de montar en monociclo también sobre el cable pero impulsándose con sus manos en posición vertical y recorriendo el fino acero de lado a lado. Una técnica extraordinaria, como la de los cuatro hermanos italianos Pelligrini. Éstos realizan figuras imposibles en equilibrio, aumentando cada vez el grado de dificultad. A los Pelligrini los podemos volver a ver ahora en el Circo Price de Madrid en la primera producción de este año. Con equilibrios y contorsiones también destacó la joven Elayne Kramer, que acaba su número con un espectacular tiro con arco haciendo diana en un globo. La dificultad del ejercicio se debe a que el tiro lo realiza con los pies, mientras hace la vertical.

Las exhibiciones de doma de animales destacaron por su buena presentación y originalidad. La familia Casselly presentó dos números combinados de elefantes africanos y caballos que bien les valió un merecido Clown de plata. Y aunque sin Clown, también destacó el domador de leones y tigres Kid Bauer, que hacía jugar y caminar en equilibrio sobre un fino palo suspendido a dos metros del suelo a una leona y a un tigre medio enamorados. John Burke hizo a ritmo de blues un excelente y original número cómico con sus dos leones marinos amaestrados. En la parte cómica, el gran payaso inglés Donimo no acabó de conectar con el público. En cambio, el veterano estadounidense Grandma consiguió arrancar muchas más risas con sus tiernas y cómicas reprises. Pero tal vez nuestros payasos españoles el Trio Martini fueron los que, con sus dos entradas clásicas musicales, gustaron más y tuvieron más éxito; se les otorgó el premio especial Jérome Medrano. Uno de los momentos de mayor emoción y riesgo lo protagonizaron los hermanos Fuentes Gasca. El grupo de trapecistas de este circo mexicano pretendía realizar un cuádruple salto mortal que sólo llegaron a conseguir en uno de los espectáculos, tras intentarlo cuatro veces seguidas, y por el que obtuvieron un premio especial de la Presidenta del Festival, la princesa Estefanía. Un año más, el Festival de Montecarlo volvió a salir a la calle y presentó gran parte de los números en un espectáculo de casi dos horas, a mediodía y al aire libre en la zona del puerto, con la música de la orquesta del festival en directo. Un motivo más para intentar acercarse cada año a esta imprescindible cita circense. /Vicente Llorca

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Cirque du Demain

R E P O R TA J E

Medallistas en París Un análisis de la 29ª edición del

Cirque du Demain

París es siempre París, una ciudad donde presentar la vanguardia. Como es ya tradicional, el Cirque Phenix hospedó nuevamente el festival Cirque de Demain, que, fiel a su cita invernal, celebró su vigésimo novena edición con una cuidadosa selección de veinticuatro números, ejecutados por jóvenes artistas procedentes de: África (Tanzania), Asia (Armenia, China, Rusia y Taiwán-RPC), América (Argentina, Canadá, Colombia y EEUU) y, por supuesto, Europa (España, Francia, Gran Bretaña, Holanda, Suiza y Ucrania).

En París, destaca el nivel técnico.

producción al estilo “película de piratas” por parte de los rusos, que volaron por los aires sobre la red y un barco de aplausos. Merecido bronce, pues, para estos últimos.

29º Festival Mondial du Cirque de Demain Medallas principales

Son tan importantes la técnica y la originalidad como el contacto con el público. Así, las actuaciones cándidas del representante taiwanés o del local Morgan, obtuvieron medalla como recompensa a un trabajo bien hecho sin perder la sonrisa y la mirada cómplice.

Oro Alexandre Kulakov, malabares Troupe de Suining, equilibrios Sergio Tymofieiev, equilibrios Wei-Liang Lin, diábolo

Durante los tres días del festival, la nutrida representación de prensa internacional especializada, la asistencia de un público francés que cada vez muestra mejor criterio, los autobuses de distintas escuelas europeas de circo y un jurado a la altura del evento, acabaron por conformar la atmósfera propia de las ocasiones importantes.

Plata Morgan, malabares Troupe d’Hebei, antipodistas Garamovs, trapecio volante Bronce Arevik Seyranyan, equilibrios Duo Morosof, cuadrante coreano

Entre las disciplinas exhibidas, se recogen los equilibrios (predominando los ejercicios de verticales, algo que podemos considerar ya una tendencia consolidada, quizás desde el éxito de Encho Keryazov), malabares (clásicos en esta ocasión: pelotas, mazas y aros), diábolo, paraguas chinos, acrobacia cómica, payaso, cuadrante coreano, trapecio volante y fijo, mano a mano, contorsionismo… Dos fueron los payasos que se encargaron de encajar los números con sus reprises: el español Rubén (formado entre España y Canadá y nuestra única representación nacional este año en París) y Goos, de Holanda.

Asimismo, durante esta edición, se realizó una gala de homenaje a Francia en la que belgas, suizos y canadienses acompañaron a los artistas franceses —presentados por un número de entrada a cargo de los alumnos de la escuela Rosny-sous-Bois—. De hecho, Francia sigue demostrando que el circo es uno de sus platos favoritos, con una competente federación nacional de escuelas y una guinda que se guardan para dentro de muy poco: la celebración de la primera feria especializada en el mundo del circo, el Salon Mundial du Cirque, proyectada para el 11-13 de abril en la propia ciudad de París. Como no podía ser de otra forma, Zirkolika estará por allí, así que atentos a las noticias… /Víctor López Saavedra

Países inéditos en este festival, como Armenia o Colombia, presentaron sólidas credenciales; en el primer caso, con un impresionante número de Seyranyan, que dislocó a su antojo ambos hombros en un imposible ejercicio de equilibrios verticales y contorsionismo (medalla de bronce); en el caso de Colombia, con un estupendo José Henry Caycedo-Casiera, quien sobre la cuerda de rebote y embutido en un vestuario y maquillaje de impresión, se hizo acreedor del premio Cirque du Soleil. En cuanto a la originalidad de las actuaciones, pudimos disfrutar de un bello cuadrante coreano ejecutado por el Duo Morosof (una prometedora pareja euroamericana), así como de performances novedosas, pero muy equilibradas, como es el caso de la Troupe de Suining o el del ruso Kulakov, que resultó ganador de la medalla de oro en París y de plata en Latina (Italia). EEUU y Rusia mantuvieron, por su parte, una peculiar lucha en los trapecios: una coreografía casi de baile en el caso de los americanos sobre un trapecio fijo, y toda una

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La originalidad también es muy importante.


Città di Latina

R E P O R TA J E

IX Festival Internazionale Città di Latina Un encuentro anual en Italia de jóvenes talentos Entre los días 18 y 22 del pasado mes de octubre, tuvo lugar en la ciudad de Latina la novena edición del festival internacional de circo con más repercusión de Italia. Este encuentro de jóvenes talentos viene suponiendo en los últimos años una piedra de toque significativa a la hora de conocer nuevos nombres en el panorama circense internacional, lo que se refleja con una sustanciosa actividad de contrataciones in situ.

Los jóvenes artistas acudieron en representación de los siguientes países: Alemania, China, EEUU, España, Finlandia, Italia, México, Mongolia, Mozambique, Nigeria, Kenya, Rusia y Ucrania. Asimismo, tanto la prensa como, sobre todo, el jurado, representaron igualmente un espectro variado de banderas. Entre los nombres más llamativos estaban Emilien Bouglione (Cirque d’Hiver de París), Frank Keller (Circo Krone, Alemania), Maxim Nikulin (Nikulin Moscow Circus), Istvan Kristof (Circo Estable de Budapest y director del festival internacional de la misma ciudad) o, como no, nuestro José María González (Gran Circo Mundial). Por último, cabría reseñar la significativa presencia del equipo de casting de Cirque du Soleil. En lo que se refiere al desarrollo del festival, éste siguió la estructura tradicional propia de estas ocasiones, con dos programas a concurso y una serie de artistas exhibiendo sus espectáculos fuera del programa (particularmente con números de animales). La catalana Niedziela Raluy (14 años), heredera de una de las familias de circo más reconocidas de España, abrió uno de los programas con un impecable número sobre su compañero de escena, un monociclo que

le acompaña desde su debut, hace más de cuatro años. La actuación de Raluy, cuidada en la estética, clásica en la puesta en escena y precisa en la ejecución, supuso una tarjeta de presentación estupenda (ver también pág. 28). Como dato significativo, en esta novena edición del festival, se confirmó la preferencia por números con una coreografía muy cuidada, como como quedó demostrado con el oro en verticales para ucraniano Dima Shine (ejecutado íntegramente sobre una barra rusa vertical y dirigido por Viktor Kee) o la plata para el representante del Bolshoi Circus de Moscú, Kulakov, con un ejercicio de malabares con aros y danza. En cualquier caso, también tuvieron su reconocimiento ejercicios más tradicionales en disciplinas clásicas (trapecio o malabares). /Víctor López Saavedra

IX Festival internazionale Città di Latina Artistas premiados Oro Dima Shine, verticales Plata Hebei Acrobatic Troupe, meteoros Jin Ying, verticales Alexandre Kulakov, malabares Bronce Tyron Colombaioni, malabares Troup Gallea, estructura sostenida Stephanie Hones, trapecio Premio de la crítica Troupe Gallea, estructura sostenida

Para los que estén interesados en participar en la próxima edición, les aconsejamos visitar www. festivalcircolatina.it, donde se recoge toda la información necesaria. El décimo cumpleaños promete mejoras y sorpresas. Para empezar, se ha ampliado el límite de edad de los 21 a los 25 años. Desde el 30 de abril de 2008, podéis enviar vuestros videos al European Youth Circus de Wiesbaden, Alemania, hasta noviembre de 2008. Buena suerte, ¡nos vemos bajo la carpa!

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Circus Festival of Budapest

R E P O R TA J E

7th International Circus Festival of Budapest Casi sin tener tiempo para reponernos de las emociones vividas en Montecarlo, nos trasladamos a Budapest, para poder ser testimonios de excepción del séptimo Festival Internacional de circo de dicha ciudad, que tuvo lugar en el entrañable Fövárosi Circusz. La Beijing Acrobatic Troupe ganó con todo merecimiento la medalla de oro del Festival con su espectacular número de rola-rola. En su primer ejercicio ya dejaban entrever la excepcionalidad de sus habilidades, con un salto de espaldas, con la tabla en las manos, para quedar en equilibrio vertical sobre el rulo. Más adelante nos ofrecerían otro complicado ejercicio: mortal hacia atrás en dos tiempos para quedar otra vez en pie. La complicación se aumentaba al trabajar por parejas, con el portor en equilibrio sobre la tabla, oscilando sobre el rulo, mientras el ágil asumía distintas posiciones partiendo de un equilibrio de mano sobre cabeza, primero vertical para ir enlazando distintas posturas laterales y frontales con apertura de piernas y volver a la posición inicial y finalizar el ejercicio con un equilibrio de brazos en cruz, nuca contra nuca. Pero lo mejor lo reservaban para el final: el portor en equilibrio sobre tres rulos y una tabla, aguantando con los brazos levantados una segunda tabla en la que el ágil se encontraba en equilibrio vertical con apertura de piernas, sobre tres rulos y una tercera tabla. No contentos con el prodigio, giraron 360º para que todos los espectadores pudieran contemplar el equilibrio desde todos los ángulos. Las dos medallas de plata del Festival fueron para números ya conocidos de otros eventos, como la barra rusa de White Crow o el equilibrista Dima Shine. Este último brilla con luz propia en sus equilibrios sobre un mástil, combinando espectacularmente distintas posiciones en bandera con la barra en rotación con equilibrios más clásicos encima del mismo y finalizando con un equilibrio en vertical con torsión completa hacia delante.

Beijing Acrobatic Troupe.

Dos de las medallas de bronce fueron para números cómicos: el americano Rob Torres y los húngaros Mr. & Mrs. Dittmar. El primero, pese a su juventud posee el carisma que sólo tienen los grandes, ya que al poco rato de entrar en la pista establece una complicidad con el público que sólo está al alcance de los mejores. Esto, unido a la sencillez de sus planteamientos, nos hace presagiar que dentro de pocos años será un artista cotizado y disputado por los mejores circos del mundo. Los segundos sorprendían por la diferencia de altura entre ambos, ya que la mujer sobrepasaba los dos metros y el hombre apenas llegaba al metro setenta. Cuando empezaron a bailar, con ella llevando el ritmo, casi arrastrando a su pareja, nos pareció ver de nuevo a nuestra Mary Sampere. Las otras dos medallas de bronce fueron a parar a la báscula de los Narkevich y al equilibrista Glenn Nicolodi. Los primeros, además de por la calidad de sus ejercicios, destacan por darle un aire desenfadado al clásico número de báscula; mientras que el segundo basa gran parte de su trabajo en los mismos ejercicios que hicieron famosos hace años a los míticos Elwardos: impulsos sobre una mano en vertical, subir y bajar en la misma posición por una escalera y un brillante salto mortal hacia atrás para caer en una mano y efectuar a continuación varias vueltas en esta disposición. Su originalidad reside en que en algunos de sus ejercicios cuenta con la ayuda de un perrito acróbata. Entre los números no premiados, podríamos destacar tres. Los Flying Spiders, que emulan a sus predecesores de Pyongyang, tienen su mejor aval en un trabajo de trapecios volantes con distintos portores a varios niveles, haciendo un complicadísimo triple mortal girando en horizontal (triple pirueta) y un cruce de dos ágiles pasando muy cerca uno de otro. Anastasia Fedotova, con su poético número de alta escuela, alcanza una sincronización perfecta con su caballo. La francesa Françoise Rochais (ver págs. 22-23), con sus malabares con elementos asimétricos, llega al número de cinco con una raqueta de tenis, un palo, una maza, una pelota y un aro. El Festival Internacional de Circo de Budapest no tiene nada que envidiar a los mejores festivales que existen actualmente en Europa, tanto por la profesionalidad de su organización como por la calidad de los artistas que forman parte del mismo. /Ramon Bech 9 zirkolika16


R E P O R TA J E

Albacete, un festival con futuro Dicen que los pequeños detalles son poderosos. En la ciudad de Albacete, donde se celebró el primer festival internacional de circo entre el 28 de febrero y el 2 de marzo, la orquesta de once músicos del director francés Carmino d’Angelo no terminaba su trabajo al cerrarse las cortinas después de cada función, sino que la banda tenía pila para tocar pasodobles o Cantando bajo la lluvia mientras el público desfilaba poco a poco y entre aglomeraciones (se agotaron todas las localidades y el balance fue de 10.000 espectadores) hacia el exterior de circo. Este pequeño detalle, para algunos puede ser ínfimo: no es habitual verlo actualmente en otros festivales y menos aún en funciones de circo ordinarias; pero aunque sea eso, un pequeño detalle, da grandeza a un festival que, siendo ésta su primera edición, llevó números de buen nivel nunca vistos en Europa. Aunque no sea una sorpresa, las compañías chinas y los artistas de la Europa del Este fueron las más relevantes. De China llegaron dos números originales y de una extraordinaria dificultad técnica. La Jining Acrobatic Troupe salió con unos grandes mástiles que poco más o menos tendrían más de tres metros de altura, y aguantándolos en equilibrio con una sola mano hacían grandes acrobacias, saltos mortales, juegos icarios y torres humanas de tres. En una de las funciones de competición, uno de los artistas de la compañía perdió el control de uno de los mástiles, que fue a caer sobre uno de los palcos del circo sin provocar daños. Todo quedó en un susto. Este gran número, seguido por un extraordinario acompañamiento por parte de la orquesta, ganó uno de los dos premios Equilibrista de Plata que concedió el jurado. La compañía que se marchó con las manos vacías fue la Hebei Wuquiao Acrobatic Troupe, que merecía algo más por su número de lazos. Con largas cuerdas en movimiento circular, los artistas hacían saltos mortales en el aire dentro de los lazos y flicflacs en el suelo, con la dificultad de que el voltear de la cuerda es siempre completamente imprevisible. Oro para Vavilovs y Phantasmal Uno de los oros recayó en una compañía rusa, The Vavilovs, procedente del circo estatal de Moscú y formada por seis artistas, por su número “Hand Voltige”. Vestidos y gesticulando como si fueran agentes de seguridad, hicieron saltos de banquina espectaculares, cruzamientos, piruetas y un triple salto mortal que acabó con una gran llamarada de fuego. La puesta en escena estaba inspirada en la película Men in black, protagonizada por Tommy Lee Jones. Otra de las imágenes que sin duda permanecerán de esta primera edición del festival es la de la pareja cubana al mástil chino Leosvel y Diosmani. Uno de ellos en bandera (en equilibrio horizontal en el mástil) y el otro de pie sobre el estómago de su compañero. Este número ganó el premio del público y una estatuilla Acróbata de Bronce. Otra pareja que también salió triunfadora fue la de las ucranianas Yulia Poddybnaya & Natalia Panasenko, que con solo 21 y 19 años, respectivamente, consiguieron el premio de la crítica especializada con un original y meritorio número de mano a mano y contorsiones en el que estaban magníficamente conjuntadas. Parecía un único cuerpo humano si no fuera porque se contaban cuatro piernas y cuatro brazos. Ejercicios sorprendentes, los que presentaban estas dos jovencísimas y prometedoras artistas, que arrancaban los aplausos del público en cada función con su beso en la boca. Este número, por cierto, se podrá ver en junio en Barcelona, en el estreno del Gay Circus. La Jining Acrobatic Troupe. Foto: François Dehurtevent

En este estallido de parejas circenses que el festival ha permitido descubrir en Europa, también están las trapecistas mellizas norteamericanas Gemini Twins, 10 zirkolika16


Festival Albacete

Gensi (clown) y David Larible (augusto). Foto: Manuel Podio.

que por tres años estuvieron enroladas, entre 1998 y 2001, en la gira que el Cirque du Soleil hizo con el espectáculo Saltimbanco por Asia y a quien el jurado concedió uno de los primeros premios. Sin desmerecer el trabajo que hicieron los payasos, una vez más este género salió el peor parado de todos, con actuaciones loables pero poco convincentes. Por ejemplo, la del payaso venezolano Gordiny, con una entrada de un maniquí. El peruano Pitillo tuvo más adeptos gracias a sus habilidades con los instrumentos musicales y un número con un perro que, de una forma bastante sorprendente se hacía el muerto por un disparo. Incluso obtuvo el premio de la imagen que concedió un jurado formato por fotógrafos especializados en circo, entre los que estaba el catalán Enrico. El payaso Kirk Marsh, de Estados Unidos, consiguió provocar risas con sus dos entradas de ”El plátano” y “El sombrero”. En el capítulo de los números individuales, destaca el de Cho Chia-Hung, un artista de Taiwan de 28 años que, con el nombre artístico de Phantasmal, ganó un oro gracias a un buenísimo número de diábolos. Jugó con un diábolo, con dos diábolo, con tres diábolos... Y un ejercicio insólito: con medio diábolo! Quien también se llevó un premio fue el trío de pulsadores colombianos Rialcris. Cumple las expectativas El festival internacional de circo de Albacete, que intenta trasladar al Estado español la fórmula de éxito que desde 1974 funciona en Montecarlo (con los artistas en competición y dos programas diferentes), nace en medio del boom que esta fórmula está teniendo en Francia, donde en los últimos años ha au-

mentado como setas el número de festivales. Hay una diferencia importante, de momento, entre Montecarlo y Albacete, y es que en la ciudad de CastillaLa Mancha no se vieron números de animales en esta primera edición. Otra diferencia es el presupuesto. Dirigido por Genís Matabosch, ha cumplido una máxima que se dice en Cataluña: los catalanes, de las piedras hacen panes. Financiado por muchas instituciones que hay en Albacete, la primera edición ha cumplido de sobras en el ámbito artístico todas las expectativas generadas, y seguro que habrá servido para descubrir nuevos talentos de China, Europa del Este y Sudamérica e introducir muchos artistas al mercado de circo europeo. Larible hace historia Fuera de la competición, que se hizo en una carpa instalada en el interior de la plaza de toros con un decorado que recordaba el origen musulmán de la ciudad, el payaso David Larible y el catalán Fulgenci Mestres, que se conocieron hace pocas temporadas en el circo alemán Roncalli, introdujeron muchas novedades a un espectáculo delirante que tiene pocos meses de vida y que se presentó en el circo estable bajo la firma del director de escena Raffaele de Ritis. El momento fue histórico. Era la primera vez que Larible, de 50 años de edad, actuaba en el Estado español. Y el resultado también fue para recordar. Larible, al final de la función y fuera del guión, recordó la primera vez que visitó España, con diez años, y que su objetivo estaba muy lejos de los circos. “Quería ser torero, y gracias a Dios no lo fui.” La noche del 1 de marzo mucha gente lo agradeció. /Marcel Barrera

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ESTRENOS

Rococó Bananas (Los Excéntricos) peu de foto

El nuevo espectáculo de Los Excéntricos es fiel al estilo de esta singular troupe de músicos payasos. Sylvestre sigue siendo el músico clásico propenso al ataque de nervios, Marceline es para siempre la diva enfrentada continuamente al desastre y Zaza, con su risotada contagiosa, continúa desconcertando con cada gesto. Rococó Bananas (como el nombre indica) es una serie de situaciones absurdas, conducidas magistralmente por los tres excéntricos. Especialmente divertida es la escena del “concerto classico” de música clásica, recuperada de su espectáculo Música Maestro, que termina con un número de levitación con acompañamiento de sierra musical. También destacable es el número de los platos giratorios, siempre a punto de hacerse añicos, en el que saben transmitir al público la necesaria tensión.

Foto: Ulls.

La escenografía se reduce prácticamente a los instrumentos musicales que utilizan y es que la música es el alma del espectáculo. Aparece de forma espontánea y siempre sorprendente. Sale de unas campanillas, de unos guantes silbadores o de una concertina larguísima, pero siempre con el encanto y la belleza que dan la simplicidad y el buen gusto. /Oriol Raventós Podréis ver a Los Excéntricos el 9 de mayo en el Teatre de la Unió de Sant Cugat o del 20 al 25 de junio a la Expo Universal de Zaragoza.

Los Herrerita en la Fundació Miró The Flamingos vuelven a casa después de una gira internacional para actuar en el pequeño teatro de la Fundació Miró. Con unas camisas de unos colores que no pueden ser más horteras y a ritmo de música italiana de los 70, los dos artistas y el Nano de las maletas descargan el equipaje en medio de la pista. Las maletas se convierten, en un santiamén, en la pista ideal para empezar a pasarse pelotas de rebote de las maneras más inverosímiles.

de las maletas cada vez que se interpone en medio de un número. Como con el de los tres monociclos, en el que acaban haciendo filigranas en un espacio realmente pequeño.

The Flamingos es la última puesta en escena de Los Herrerita (David Herrera, Marcel Aguilar y Skate), esta troupe de malabaristas y monociclistas formados en el ambiente circense del Ateneu Popular de Nou Barris, al que continúan vinculados como profesores de la escuela de circo infantil.

El espectáculo The Flamingos es el resultado de una mejora constando de rutinas que los Herrerita llevan haciendo, por lo menos, desde 2005. Y eso se nota en la seguridad que demuestran con los pases de pelotas y mazas, que han ido complicando y mejorando año tras año. Actualmente, hacen cosas realmente originales, pasándose cuatro y cinco pelotas de lado o uno sobre el otro y haciendo pases de mazas los tres a la vez. Además, últimamente, también han mejorado la puesta en escena con la ayuda en la dirección de Miner Montell. /Oriol Raventós

Se trata de un espectáculo para todos los públicos, pero los niños se divierten especialmente con él, sobre todo con los enredos que provoca el Nano

Tendréis una nueva oportunidad de ver The Flamingos el 4 de mayo en el Caixafòrum.

Gala de Circo en la Vela de Vilanova La programación navideña de circo en la Vela de Vilanova se consolida con dos propuestas de calidad. Primero, la revisión con música en directo de Circo de la Sombra y, después, la Gala de Circo, con la presencia de varios artistas del país. Con respecto a Circo de la Sombra, significaba el final de una residencia en la Vela que les permitió ensayar con una banda de músicos italianos con los cuales pronto van a empezar una gira. La música en directo añade un punto de calidad y calidez a un espectáculo ya de por sí excelente. La Gala de Circo tuvo un gran nivel y supo crear el ambiente idóneo para que todos los números encajaran entre si. Hubo incluso un singular servicio de bar a cargo de los Galindos. La Gala empezó de la mejor manera, con un sorprendente número de patines acrobáticos en el que cuatro patinadores hacían varias figuras girando en un pequeño espacio circular. Eran la compañía Plot, con Sílvia de los Gingers y Kike de Zahir Circo. Después intervinieron Txupi, de KdCirc, manipulando sombreros; Camille en el trapecio fijo, y Mimo con un perro adiestrado. En la segunda parte, pudimos ver la Zahir Circo arriesgada mástil portado de Zahir Circo y el número cómico de barra fija de Guga de los Gingers. La música fue a cargo de los infatigables Mortimers y Boni hizo de presentador, cerrando la gala con un trozo de su In Situ. /Oriol Raventós 12 zirkolika16


Agenda Festivales Circada Festival de circo de Sevilla Sevilla Del 3 al 6 de abril Fira Modernista Terrassa Del 9 al 11 de mayo www.firamodernista.org Magiclown 2008 Trobada Internacional de Màgia i Clown Cala de Bou, Sant Josep, Ibiza Del 14 al 18 de mayo www.magiclown.org Trapezi – Reus La Fira del Circ de Catalunya Reus Del 14 al 18 de mayo www.trapezi.org La mostra d’Igualada Fira de Teatre Infantil i Juvenil Del 14 al 18 de mayo Igualada www.lamostraigualada.cat Festival Internacional de Teatre de Carrer de Vila-real Villareal

Fechas por confirmar. www.vila-real.es/teatredecarrer

Espartinas Fechas por confirmar. www.ferialateatral.com

Umore Azoka Feria de Artistas Callejeros del Humor Leioa Del 22 al 25 de mayo www.umoreazoka.org

Convenció de circ de Cervera Fechas por confirmar. www.fadunito.com

Trapezi – Vilanova Festival Internacional de Circ Vilanova i la Geltrú Del 30 de mayo al 1 de junio www.vilanova.cat/trapezi

Locales, teatros…

TAC Festival Internacional de Teatro y Artes de Calle Valladolid Del 28 de mayo al 1 de junio www.tacva.org Festival de Circ Curtcirkit Montgat (Barcelona) Del 6 al 8 de junio La Marató de l’Espectacle Barcelona Fechas por confirmar. www.marato.com LaTeatral Feria de Teatro de la Calle

Barcelona Almazén Cabaret cabrón Cada sábado. www.almazen.net CaixaForum Los Herrerita. 4 de mayo, 13 h. Teatre Nacional de Catalunya TIR, de Deambulants 11, 18 i 25 de mayo i 1 de junio www.tnc.cat Madrid Teatro Circo Price Rocinante Hasta el 27 de abril http://www.esmadrid.com/circoprice

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Nudo de Manoteras, Sanchinarro (Final de Arturo Soria) Cavalia 1-13 de abril www.cavalia.net Bilbao Explanada de Zorrozaurre (Botica Vieja) Cavalia Del 27 de mayo al 8 de junio www.cavalia.net

Exposiciones Barcelona Chaplin en imágenes CaixaForum Barcelona Hasta el 27 de abril Segovia El circo en el arte español Museo Esteban Vicente Hasta el 18 de mayo. Las actividades paralelas están programadas en días concretas. En estas fechas también cae el festival Titirimundi. Consultar el web. www.museoestebanvicente.es


R E P O R TA J E

Circoxidado Lentamente, como en un rincón perdido en las afueras, entre los desperdicios de la metrópoli, cuatro artesanos (un músico y tres acróbatas) sueltan arte como la vida misma. Circoxidado nos dio una lección de perseverancia el pasado noviembre con el espectáculo Concuerda. Aún nos queda en la retina (y en el tímpano) el número de verticales de Manuela, el mástil de Xavi, las mazas de Cristian y el hombre-orquesta Xavi. En los últimos años, estos enamorados del circo han estado trabajando sin prisa pero sin pausa en este espectáculo, cuando Cristian se lesionó la rodilla y ya no pudo portar de pie al ágil. Fue cuando prepararon el número de los portores sentados en el que, junto al de equilibrios de pie, demuestran su técnica artesanal y brillante.

Meses después del estreno (en carpa y con música en directo!), me reencuentro con Xavi, uno de los miembros de Circoxidado, una nueva oportunidad para saber más cosas de esta original compañía.

profesor súper ruso, súper técnico, que nos dio el empujón final que necesitábamos. Técnicamente, conseguimos bastante buen nivel gracias a lo que nos acabaron de enseñar allá arriba.

Formásteis la compañía en Suiza, pero también habéis estado en Rusia. ¿Qué podéis decir de estas dos escuelas?

Compañía catalano-argentina? Es el resultado de la llegada de artistas argentinos a Cataluña?

Son súper diferentes. La escuela de Suiza es muy familiar y allá hemos aprendido a convivir con la gente, a hacer cosas más colectivas y también más personales, más entre nosotros. Una escuela en la que realmente, si tienes ganas de trabajar y montar cosas, lo puedes hacer, es así. Hemos aprendido a trabajar con mucha gente distinta y también a currar un poco por nosotros mismos, porque si querías conseguir hacer algo, tenías que forzarlo tú mismo, no tenías a nadie detrás que te estuviera diciendo: ahora haz eso ahora haz aquello.

De hecho, nosotros no nos conocimos aquí sino en Suiza, en la escuela de circo. Allá empezamos a trabajar juntos y hemos continuado desde entonces. Fuimos a Rusia y, al volver, seguimos trabajando juntos.

Y entonces fuimos a Rusia, que es todo lo contrario. Allá fuimos a buscar justamente la técnica de circo, concretamente los equilibrios que hacemos nosotros y los malabares de Cristian, y lo encontramos. Nos encontramos con un

Vuestro espectáculo Concuerda huye de los lujos y la espectacularidad. ¿Qué queréis decir con este espectáculo? Es más o menos un reflejo de nuestra vida. Se podría decir que nosotros estamos acostumbrados a vivir con muy poca cosa: con lo que vamos encontrando, lo que vamos reciclando (esta palabra que se ha puesto de moda) y lo hemos transmitido al espectáculo. Estuvimos un tiempo viviendo en Vilafranca en un te-

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Circoxidado

rreno agrícola y hemos querido introducir este aspecto en nuestro espectáculo, cuando aparece un silo de grano que viene de allá, del lugar donde estuvimos viviendo. De allá también sale la madera y el metal y las cosas con las que trabajamos y que tenemos al nuestro alcance. Éstos son de alguna forma los recursos que nosotros tenemos, que los hemos ido transformando. Es una forma de dar valor a este tipo de cosas; se trataría de eso, de dar un valor artístico a lo que es nuestra vida, lo que vamos encontrando en el día a día. ¿Qué podéis decirnos de vuestro estilo actoral, qué inspiraciones habéis tenido? Tranquilidad. Es un poco nuestra forma de hacer las cosas. Dirección artística, en el espectáculo, por el momento no la hay. Ningún ojo exterior, lo hemos hecho nosotros solos. Nos estamos planteando que alguien nos dirija, pero quizá más adelante. La inspiración viene de cosas que hemos ido viendo, de haber estado en Suiza y en Francia, de haber visto cosas que nos han gustado, que nos han llamado más la atención que otras. Estéticamente, a todos tres nos

“Queríamos un universo de intimidad, encontrarnos en un espacio interior. Se puede hacer en un teatro si cumple ciertas condiciones, pero en circo las mejores condiciones las tienes en una carpa.”

gusta Tim Burton, nos inspira bastante. Nuestra dirección son un poco las ideas que hemos ido recogiendo a lo largo de los años. Hemos entrado en fábricas antiguas y en otros lugares que nos han inspirado. Un par de elementos que salen en el espectáculo son de una antigua fabrica de trenes que estaba llena de maquinaria. ¡Nos pareció magnífico! Quisimos llevar todo eso al escenario, mostrar a la gente por qué a nosotros nos gusta, lo queríamos enseñar a todo el mundo. ¿Por qué con carpa?

se tiene que hacer en carpa. Queríamos crear un universo de intimidad, una cosa más bien reducida: huir de lo que es el aire libre o la calle para llevarlo a un espacio interior. También se puede adaptar a un teatro siempre que cumpla unas condiciones. Pero en el circo, las mejores condiciones las encuentras en una carpa, y hemos tenido la oportunidad que nos ha dado la escuela de Suiza, que nos ofrece esta carpa, que es suya y nos la ceden para hacer uso de ella. Hemos querido aprovecharlo, aunque eso significa mucho jaleo. No es nada fácil hacer circo con carpa, pero nos gusta la idea. ¿Qué mejor que una carpa para hacer circo? ¿Qué planes tenéis para el futuro? ¿Dónde podremos veros? El espectáculo es muy reciente y consideramos que aún no está terminado. Ahora nos reencontraremos los artistas y queremos cambiar cosas y volver a hacerlas. Hicimos el estreno, queríamos enseñar lo que estamos preparando, y ahora lo que queremos es intentar vender: darnos a conocer, hacer promoción, vídeos… Ahora de lo que se trata es de esperar respuestas a ver si eso interesa a alguien, tanto para teatros y festivales como, por qué no, agencias, promotores… Intentar movernos. ¡Es muy difícil! Es un espectáculo complicado, lo sabemos: por las condiciones, porque llevamos una carpa, porque tiene un precio... No es un espectáculo común, se sale de lo convencional, sabemos que es complicado, pero nos gusta eso y lo queremos llevar adelante, justamente porque nos gusta. Fuísteis unos de los fundadores de la Macabra, que dejásteis para ir a plantar la carpa a Vilafranca y ¡voló en una tormenta! Con la segunda carpa seguís con el proyecto. ¿De donde sacáis tanta fuerza de voluntad? Nos gusta lo que hacemos y de aquí sacamos la fuerza. Lo disfrutamos, vivimos de eso y nos gusta, y me parece que es la mejor forma de sacar energía, de sacar ganas de continuar adelante, de hacer cosas. ¡Creemos que hay que promover el circo!, que se está poniendo de moda, que cada día gusta más y que se acabará programando en todas partes. De aquí sale la energía: ¡de que nosotros creemos en eso! /Joan Ramon Graell

Por el tipo de espectáculo. Necesita un espacio íntimo y creemos que el circo

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La carpa de Circoxidado.


R E P O R TA J E Martin Lacey Jr. Foto: Marta Silva

El Circus Krone El circo Krone ambulante fue fundado en 1905. Como en invierno las duras condiciones climáticas obligaban a detener la temporada, decidieron construir un edificio estable en Munich, que fue inaugurado en 1919. Después de la Segunda Guerra Mundial tuvo que ser reconstruido. La directora actual es la señora Christel Sembach-Krone, persona que vive entregada por completo a la gestión de su circo.

El circo Krone es una auténtica ciudad ambulante que da trabajo a 68 artistas, incluyendo entre estos el ballet, siendo en total 400 las personas que viven en él. Sus dimensiones son colosales, con un chapitó para 5.000 espectadores, con tres tiendas que cobijan a los elefantes (de 60 x 40 m), a los sesenta caballos y a los animales exóticos. El circo tiene 310 caravanas (numeradas todas ellas) y 22 camiones. Es el único circo del mundo que posee un lavabo para minusválidos, con una rampa hidráulica incorporada.

El circo ambulante funciona nueve meses al año y luego da paso a tres programas distintos en las instalaciones estables de Munich. El primero empieza el día de Navidad y dura hasta final de enero, el segundo ocupa todo el mes de febrero y el tercero el de marzo. Además, presentan un programa benéfico (Stars in the manage) en el que estrellas del mundo de la televisión, del cine o del deporte, actúan como artistas de circo. Este programa es grabado y emitido por televisión.

Cuando cambian de ciudad, los camiones deben hacer muchos viajes de ida y vuelta a lo largo del día para poder transportar todo el material. El circo conlleva unos gastos diarios de 25.000 €, de los cuales tres mil son para la alimentación de los animales y las personas. Cada día necesitan 1.200 litros de gasolina, que en gran parte se transforma en electricidad gracias a su estación eléctrica, que genera 1.000 kilowatios por día.

Principalmente, su gira es por Alemania, aunque a veces también viaja a Austria, Holanda, Bélgica y Luxemburgo. El año pasado, su espectáculo ambulante fue contemplado por 1.600.000 espectadores.

La gran inversión para hacer realidad este programa hace que, para que sea rentable, tengan que hacer su gira con el mismo espectáculo durante cinco años. Sólo la puesta en escena, decorados y vestuarios han costado 500.000 €. La música es pre-grabada, ya que sería complicado que una orquesta pudiera tocar dos veces al día por espacio de tres horas, que es lo que dura cada función.

Empieza el espectáculo El show empieza con un número excepcional: la báscula de la Troupe Catana. En su mejor ejercicio, una ágil es impulsada a la altura de una columna de cinco para caer sobre un pie encima del último portor. Los Atlantis muestran una buena simbiosis de técnica y coreografía, combinando saltos mortales con equilibrios en grupo. Así presentan un doble salto mortal hacia adelante para caer en vertical sobre las manos entrelazadas de los portores, y una excepcional pirámide, con dos portores en su base, un ágil aguantándose en equilibrio horizontal, con sus dos manos encima de las ca-

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Circus Krone bezas de sus compañeros y un segundo ágil encima del primero también en equilibrio horizontal, con una mano sobre la cabeza. Uno de los puntos fuertes del programa lo constituyen los números de animales. Mr. Dalmatine con sus perros y poneys presenta un brillante trabajo en el que la comicidad está siempre presente. En varios momentos del programa hay participación de los caballos: Jana Mandana y Sylvia Schickler presentan por separado su número de alta escuela; Jana también nos presenta un trabajo de caballos en libertad y otro en el que encima de su caballo dirige a cuatro cebras. Pero, sin ninguna duda, el mejor momento es el de la troupe de cosacos, los Iriston. Ya de inicio sorprende la velocidad con la que estos entran y salen de la pista. Su variedad de ejercicios satisface al aficionado más exigente: tirar un sombrero hacia arriba y recogerlo después de recorrer media circunferencia; cambiar de lado, pasando por debajo de la cabeza del caballo, acción que complican al realizarla por debajo de la panza, y sobretodo una difícil pirámide a dos, con el ágil saltando desde el suelo para subir así a las espaldas de su compañero.

La gran inversión para hacer realidad este programa hace que, para que sea rentable, tengan que hacer su gira con el mismo espectáculo durante cinco años. Krone se enorgullece de poder presentar al Coronel Jo, el elefante más grande del mundo. Tiene 32 años de edad, pesa siete toneladas, mide 3,50 m. de altura y posee unos colmillos de 1,80 m. de largo. Su domador, James Puydebois, consigue hacerle trabajar con maestría junto con cuatro paquidermos más. Su número es de corte clásico: giros 360º de los cinco elefantes a la vez; paso por encima de una chica estirada en el suelo sin tocarla; pirámide final con los cinco elefantes encima de un taburete… Martin Lacey Jr. es, sin ningún tipo de dudas y pese a su juventud, el mejor domador actual. Su número es precedido por una presentación de su vida en las cuatro grandes pantallas alzadas encima de la jaula mientras las fieras van entrando en pista. Después, todo se desarrollará a una inusitada rapidez y con una buena combinación de ferocidad y suavidad, provocando los ataques,

siendo también capaz de besar a su león y que este finja un desmayo. Después, él mismo, presenta a King Tonga, el león blanco, con el cual se exhibe encima de una esfera luminosa. Crazy Wilson demuestra rápidamente por qué su número es considerado como el mejor en rueda de la muerte en solitario. Su trabajo se desarrolla a gran velocidad, destacando por su salto mortal en el interior y en el exterior de la rueda, y un mortal hacia atrás dentro de la rueda mientras se quita la chaqueta. Es capaz de caminar por el exterior y por las barras, desde el péndulo hasta la rueda cuando ésta se halla en posición horizontal. Con los icarios Errani, el riesgo está siempre presente: equilibrio de pie sobre cabeza; giros a toda velocidad en horizontal, como si el ágil fuera el tubo de un antipodista; salto mortal hacia atrás para caer sobre un pie del portor, un ejercicio que repiten cayendo sobre los dos pies; tres series alternativas y consecutivas de un giro hacia atrás, alternado con un doble salto mortal… Tony Alexis presenta dos entradas. Junto con su mujer, representa la clásica del restaurante, bordando su papel de camarero bebido. En su segunda intervención, aparece con toda su familia. Su hijo Toti brilla con luz propias cada vez que actúa como augusto de soirée en las pausas, sobretodo en la que se pone a “hacer música” con burbujas de jabón. Los monjes de Shao Lin exhiben distintas habilidades: luchas con espadas; romper tablones de madera de un solo golpe contra la espalda y la entrepierna; doblar una barra de hierro girando uno sobre sí mismo hasta hacer un collarín y deshacerlo después; salto entre tres círculos ardiendo y llenos de espadas, primero estático y después con el círculo en movimiento y con los ojos vendados… El programa finaliza con los trapecios volantes de la Troupe Borzovi, con tres portores situados a tres distintos niveles, en la que las ágiles pasan por varias manos. En uno de sus vuelos, una ágil es recogida según los patrones clásicos por un portor y a continuación él la sube a su pequeña base. Pero luego la deja pasar delante para poderla proyectar a gran altura y velocidad como si fuera un número de trampolín, para caer en las manos de otro portor. /Ramon Bech

Izquierda: el Coronel Jo. Derecha: Crazy Wilson. Fotos: Marta Silva.

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una entrevista

Perfil Un experto circense y un poeta visual han renovado el panorama del circo italiano con los espectáculos Visioni (titulado después Ombra di luna), Creature y Tesoro (los dos últimos vistos en 2006 en el festival Trapezi y la Fira de Tàrrega, respectivamente). El pasado 13 de febrero, ambos creadores ofrecieron en el Instituto Italiano de Cultura en Barcelona la conferencia “Artistas bajo la carpa del circo: perplejos”.

Alessandro Serena y Marcello Chiarenza, el circo simbolista ¿El circo contemporáneo ha arraigado en Italia? AS.- Es pronto para hablar de un movimiento consolidado porque tenemos muy pocas compañías. Por otra parte, el Ministero per i Beni e le Attività Culturali ignora el nuevo circo. El caso catalán es diferente: tenéis ya treinta años de historia y estáis coordinados con vuestro Departament de Cultura. Los de Arcipelago Circo Teatro empezamos con la compañía veneciana de commedia dell’arte Pantakin y no nos definimos como circo contemporáneo, sino como una compañía de teatro acrobático. MC.- Nuestro objetivo no es la investigación, sino crear espectáculos con un sello de belleza y poesía. Nuestro teatro acrobático aprovecha el impacto emocional producido por una proeza para inyectar al espectador una emoción más

profunda. Para nosotros lo importante no es el espectáculo en si, sino la comunión con el público. El espectáculo es sólo un puente de comunicación entre creador y espectador. AS.- Coincidimos totalmente con el director teatral Maurizio Scaparro, con quien hemos hablado y discutido mucho sobre el sentido y la finalidad del espectáculo. MC.- Contrariamente a la actitud de algunos creadores franceses de nouveau cirque, nuestro objetivo principal es el público. El escultor futurista italiano Arturo Martini propagaba la teoría de que l’obra no es un valor del artista. Sostenía que la obra sólo adquiere sentido en el momento en que un espectador se reconoce en ella.

Tesoro, con artistas cubanos, una metáfora del viaje. Foto: Ulls.

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Alessandro Serena Marcello Chiarenza Alessandro Serena (izquierda) y Marcello Chiarenza en el Instituto Italiano de Barcelona. Foto: Ulls.

más el circo de Moira Orfei que el Cirque du Soleil. Me aporta muchos más valores el circo clásico que el neoclásico. AS.- En Europa, mucha gente del circo contemporáneo reniega del circo tradicional. Es una reacción que se ha producido en casi todas las artes a lo largo de la historia. Han existido y existen movimientos artísticos excluyentes, casi totalitarios. Yo soy sobrino de Moira Orfei, pero me siento abierto a todas las tendencias. En mi formación personal tienen tanto peso la Biblia como los textos de Homero, los comics o este libro de Javier Marías que me acompaña en este viaje a Barcelona. Me gustan mucho las comedias banales italianas, pero hay que saber distinguir la diferencia entre su mensaje y el de la obra de creadores como Federico Fellini o Cesare Zavattini. A mí me alimentan tanto las colaboraciones con Marcello Chiarenza como las que suelo hacer con mi primo Stefano Nones, a quien –por ejemplo– ayudé a montar el número de tigres que en el 2004 le valió un Clown de Plata en Montecarlo.

AS.- Lo cual no significa que construyamos espectáculos para complacer al público. ¿Por qué un artista plástico se involucra tanto en la creación circense? MC.- Es una cuestión de conexiones: del circo me interesa sobretodo la concepción circular. El círculo es una dimensión mágica muy anterior al nacimiento del circo: para las antiguas civilizaciones, el círculo era un símbolo iniciático. Y, través del círculo, el hombre de hoy también se puede reencontrar a si mismo y reencontrarse con el Cosmos. El círculo es una disposición druídica, ancestral. Y el circo, aunque no lo parezca a primera vista, refleja muchos aspectos ancestrales del ser humano. AS.- En el circo hay tres elementos cuya gran simbología no debemos olvidar: la acrobacia (como confirma el arqueólogo suizo Waldemar Deonna en su magnífico estudio El simbolismo de la acrobacia antigua), el payaso (paradójicamente, una figura muy relacionada con la muerte) y los animales (la presencia de animales en el circo refleja una parte fundamental de la historia de la humanidad y es, aún en nuestros días, también altamente simbólica). MC.- Visioni/Ombra di luna, nuestro primer espectáculo, se basaba en la epopeya mesopotámica de Gilgamesh, el dios de la vida. Después de la Creación, Gilgamesh da con su antagonista, el rey de los animales. Pero pactan y traban amistad. Date cuenta de cómo la relación entre el hombre y los animales está ya en la base de nuestra cultura: hablábamos con ellos y les considerábamos un oráculo. El cristianismo conserva este aspecto mediante la figura de San Francisco de Asís, y el circo con animales no es sino un reflejo de esa relación ancestral. Volviendo a tu pregunta: en nuestros espectáculos, Alessandro y yo complementamos perfectamente nuestros recorridos y aportaciones. Yo imprimo movimiento a mis creaciones plásticas como un servicio a las artes del circo. Mi aportación es de orden figurativo, tanto en la escenografía como en el vestuario, que considero y trato como elementos compositivos. Dramatúrgicamente, la escenografía tiene un componente metatextual: en Ombra di luna, la red de pescar estrellas o la máquina que salva a un hombre del corazón de las olas dialogaban con los artistas para provocar sentimientos al espectador. El mismo tratamiento aplicamos a la música, que también consideramos un elemento dramatúrgico fundamental. Podríamos decir que planteamos nuestros espectáculos como un teatro sinfónico, porque orquestamos todos los elementos en juego para conseguir un resultado armónico y sin fisuras. ¿Creéis que el circo contemporáneo conserva toda esa simbología de que hablabais?

En vuestra conferencia avanzasteis que en el próximo espectáculo sería esencial la simbología del espejo. ¿Cómo? MC.- No nos planteamos un montaje a partir de los artistas que tenemos a mano (que casi nunca son italianos, pero ése es otro asunto), ni de una idea preconcebida, ni tampoco de lo que pide el mercado. Partimos de conceptos inicialmente abstractos, de motivaciones nacidas de lo que vivimos en cada momento. No diseñamos una arquitectura previa, sino que nos dejamos llevar por lo que nos rodea, porque en este mundo todo habla. Todo habla: no sé si estás al corriente de que, debido a una huelga de basureros, en las últimas semanas la ciudad de Nápoles se ha convertido en un inmenso estercolero. Pues bien, el próximo espectáculo significará un cambio de rumbo en nuestra singladura, porque si hasta el momento hemos trabajado con elementos naturales (ramas de avellano, semillas, trapos, cuerdas, madera, etc.), ahora situaremos la acción en un vertedero de basura y el material escénico serán residuos urbanos, elementos recuperados de los contenedores. Sí, trabajaremos a partir de la simbología del espejo, pero es pronto para saber si el espejo será la figura central del espectáculo, un leitmotiv recurrente o un recurso secundario. AS.- Y eso coincide con la profunda impresión de caos que me ha producido un reciente viaje a Bucarest. Los Balcanes son actualmente (en realidad lo han sido siempre) una zona en perpetuo desorden, con fronteras que aparecen y desaparecen constantemente. Al cabo, un reflejo del ser humano, de las sociedades humanas. Pero, al mismo tiempo, los países balcánicos y su entorno tienen una enorme vitalidad. Los acróbatas húngaros, por ejemplo, son muy fuertes físicamente y poseen una técnica muy depurada. Complementariamente, en Rumania existen excelentes malabaristas y contorsionistas, una gente, además, dotada de una profundidad espiritual muy especial. Trabajaremos con artistas de estos países La música será, como siempre, de nuestro compatriota Cialdo Capelli, tocada en directo por un violinista albanés. ¿Para cuando el estreno? MC.- No tenemos prisa /Jordi Jané

MC.- En arte, como en la vida, para avanzar no se puede no mirar hacia atrás. Aunque suene un poco fuerte dicho por mí, en estos momentos me interesa 19 zirkolika16

Red para pescar estrellas de Visioni/Ombra di luna Foto: Marcello Chiarenza


Kristian Kristof

E N T R E V I S TA

Director de producción del Festival de Budapest... Krisrian Kristof.

Kristian Kristof El modelo húngaro de circo presenta puntos interesantes que tendrían que ser estudiados por nuestros profesionales y ser tomados en cuenta por nuestras instituciones, cuando decidan implicarse un poco más para ayudar al crecimiento y desarrollo del circo en nuestro país. Sin ninguna duda, tenemos mucho que aprender de personas como Kristian Kristof. Kristof nació en Budapest el 28 de junio de 1969. Compagina su cargo de director de producción del Festival Internacional de Circo de Budapest con su trabajo como malabarista. En los últimos ocho años ha trabajado con su espectáculo en los barcos americanos de la empresa Royal Caribbean. Aunque en los últimos diez días había trabajado una media de dieciséis horas, no le importó hacer una pausa para atendernos amablemente en el interior del Fövárosi Circusz, después de las pruebas de iluminación. Nos facilitó el trabajo el hecho que pudiéramos conversar en castellano, idioma que aprendió cuando vino a trabajar a España como malabarista en distintas salas de espectáculos, como la Scala de Madrid y el Benidorm Palace.

¿Cómo funciona el circo en Hungría? Durante el comunismo, los países miembros del bloque tenían la forma de funcionamiento de los rusos. Ellos eran un modelo, ya que contaban con más de cien circos estables en su territorio. El circo funcionaba gracias a las subvenciones estatales y no interesaba mucho si la gente iba o no a verlo. Salieron grandes artistas, porque deseaban poder ir a trabajar a los países occidentales y por esta razón se esforzaban para hacer su número mejor. Pero con la caída del bloque del Este, las ayudas estatales disminuyeron y entonces en nuestro país tuvimos que empezar a hacer marketing para que el circo se pudiera mantener por sí mismo. El funcionamiento del circo en Hungría está controlado por la organización MACIVA, cuyo director es Laszló Varjási. Además del circo estable, cuenta con una escuela de circo en la que cerca de cien jóvenes (entre nueve y diecinueve años) compaginan sus estudios con el aprendizaje de las habilidades circenses. También tienen tres salas de ensayo y residencia para artistas y para gente que quiera aprender circo. La escuela y las salas se encuentran detrás del circo estable. Este, curiosamente, no se llama circo nacional, ya que los Richter, propietarios del mejor circo ambulante del país y premiados recientemente con el Clown de oro en el Festival Internacional de Circo de Montecarlo, registraron esa marca y por este motivo se llama Fövárosi Circusz, que significa “gran circo de la capital”. Para poder mantener toda esta estructura necesitamos que el circo trabaje durante diez meses al año, en una ciudad de dos millones de habitantes. Al no tener la suficiente demanda, hemos de promocionar el circo por todo el país. Programamos entre ocho y diez funciones por semana y hacemos tres programas a lo largo del año, con uno de verano que abarca cinco meses. El edificio está construido en el mismo lugar en el que en 1889 se creó el primer circo estable, el cual después de varias reformas fue demolido en 1965. El actual se inauguró el 14 de enero de 1971 y está proyectado construir uno nuevo, cuya maqueta exponemos en el vestíbulo del primer piso del Fövárosi Circusz.

¿Cuándo se creó el Festival Internacional de Circo de Budapest y cuál es vuestro modelo? El Festival Internacional de Circo de Budapest se creó en 1996 con la ayuda del Ministerio de Cultura y de Educación, conjuntamente con la ciudad de Budapest. Sin su apoyo, el Festival no es rentable, porque los precios de las entradas son baratos, están puestos a un nivel social para promocionar el circo. Este es el único Festival de circo que existe en Hungría y tiene un carácter bianual, con un presupuesto bajo, de unos 200.000 €, ya que los artistas tienen los gastos pagados pero no cobran nada por participar en él. Aún así tenemos un déficit aproximado de 50.000 €. Los artistas saben que aquí encontrarán un buen lugar para promocionarse, ya que muchos agentes y directores acuden a ver el Festival. Nosotros les facilitamos todo el soporte técnico necesario para que puedan presentar bien su número y además tienen la garantía de un jurado justo. Para esta última edición recibí más de cuatrocientos vídeos de artistas que estaban interesados en participar. En el Estado español, muchos circos encuentran grandes dificultades para poder trabajar en determinadas ciudades con sus números de animales. ¿Cómo está este tema en vuestro país? El tema de los animales está complicado, sobretodo desde 2004, cuando Hungría pasó a formar parte de la Unión Europea. Hay animales, como los chimpancés o los osos, que no pueden trabajar en los circos y otros, como los elefantes, las fieras y los exóticos, sí pueden hacerlo pero están más regulados. /Ramon Bech

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R E P O R TA J E Katy Ylä-Hokkala.

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Las más en forma Hacemos un repaso a algunas de las malabaristas más interesantes de la actualidad a nivel mundial. Aunque será difícil verlas actuar en nuestro país, merece la pena conocerlas.

Cindy Marvell http://www.lazervaudeville.com Nacida en Nueva York, fue la primera mujer en ganar la medalla de oro del IJC (International Jugglers’ Association Championship), en 1989, y es muy popular en Estados Unidos. Empezó trabajando con el Pickle Family Circus y después perfeccionó su técnica aprendiendo danza contemporánea en el Limon Institut de Nova York. Ha colaborado con el Big Apple Circus, el Cirque Eloize e incluso ha salido en el programa Barrio Sésamo. También colabora como crítica de circo en el New York Times. Es una malabarista muy técnica, pero prioriza la puesta en escena, que suele ir destinada a un público familiar. Actualmente, forma parte de la troupe

Lazer Vaudeville, con los malabaristas Carter Brown y Nicholas Flair haciendo espectáculos muy visuales con malabares fluorescentes. Por último, también obtuvo el premio a la mejor rutina con 3 mazas en el IJC del 2007. Françoise Rochais http://www.francoiserochais.com/ Aparece en el escenario con un llargo vestido lleno de volantes estilo siglo XIX y hace malabares con paraguas (hasta cinco), bastones de majorette (con los que obtuvo un record Guiness en el 2000 usando siete a la vez) y también combina una maza, una pelota, una raqueta de tenis, una anilla y un bastón todo a un mismo tiempo. Su estilo es elegante y preciso, por este motivo suele ser una invitada habitual en las galas de los diferentes festivales europeos y norteamericanos. Empezó a hacer malabares con diez años y al poco tiempo ya actuó en Australia, China, Rusia, Japón y Francia, su país de nacimiento, donde ganó una medalla de plata en el Festival Mondial du Cirque de l’Avenir de París en 1989 y, más adelante, la medalla de oro del IJC de 1997 (por delante de mismo Jay Gilligan), siendo la segunda mujer en conseguirlo. Desde entonces, no ha dejado de perfeccionarse, con la ayuda puntual de Anthony Gatto, quien, por cierto, le ha hecho la página web.

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Françoise Rochais.

con música clásica y malabares luminosos. De hecho, el núcleo de los Gandini son cuatro: Kati, Sean, Iñaqui Fernández y Owen Reynolds, pero no dudan en ampliar el grupo según la necesidad de la coreografía. También tienen un dúo de danza contemporánea en el que actúan desnudos y haciendo malabares. Los Gandini han actuado en varías ocasiones en el Caixafòrum (pasando un poco desapercibidos por el público circense) y harán un curso intensivo a partir del 14 de abril en Fuenlabrada. Gena Shvartsman Nacida en 1983 en Grozni es la cuarta generación de su familia dedicada al circo. De niña se trasladó a Estados Unidos y con trece años ya hacía su rutina de malabares en una de las pistas del Ringling Brothers Barnum & Bailey Circus. Su rutina incluye números de malabares mientras mantiene una pelota botando sobre la cabeza y utilizando hula-hoops. También hace números muy técnicos en escena, como las ocho pelotas de rebote, las ocho pelotas en múltiplex hacia arriba y cinco mazas con lanzamientos por debajo de las piernas. Actualmente practica las siete mazas (partiendo de cinco y con dos en equilibrio sobre la cabeza) y las cinco mazas por detrás de la espalda. Ganó la medalla de plata en el Cirque du Demain de 1998 y fue la mejor malabarista femenina de la primera convención de la WJF (World Juggling Federation) del 2004. Actualmente, trabaja bajo el nombre de “Miss Gena” en el circo de los Hermanos Vazquez en los Estados Unidos con un número de malabares tradicional y espectacular con música de baile. Olga Galchenko http://www.galchenko.com/

Actualmente trabaja en Europa actuando en teatros en solitario y colaborando con circos como el Roncalli. Kristina Kokorina http://www.koko-show.sitecity.ru/ Descendiente de una larga familia de artistas de circo, ya hacía reprises de payasa a los cuatro años y con nueve hacía su espectáculo de malabares en solitario en la pista. En 1998 obtuvo la medalla de plata en el festival internacional Young Circus Stars y desde entonces no ha dejado de recibir premios, como el Clown de plata del Festival Internacional de Circo de Budapest o la medalla de bronce del Festival Intenacional de Circo de Moscú del 2005, donde la coronaron Princesa del Circo Ruso. Es una malabarista de circo tradicional y pista grande, no en vano ha actuado en circos como el Krone, el Knie, el Benneweis y el Gran Circo de Budapest. Sus rutinas son muy dinámicas, con música de baile y trucos espectaculares y difíciles, como las ocho pelotas en múltiplex o las seis mazas. Actualmente trabaja en el circo de su familia en un espectáculo llamado Koko-Show, donde hace una rutina con mazas y pelotas. Kati Ylä-Hokkala http://www.gandinijuggling.com Esta ex-gimnasta rítmica fundó, con Sean Gandini, la troupe Gandini en 1992 con la idea de experimentar y difundir distintas técnicas de malabares como la notación de patrones siteswap. Son famosas sus cartas con trucos siteswap (sobre todo las Popcorn, que sirven para hacer patrones de pases con dos o más malabaristas y hasta catorce mazas).

Con su hermano mayor, Vova, se convirtieron en los niños prodigio de los malabares, pasando por programas de televisión tan populares como el de Oprah Winfrey. Empezaron a actuar en 2001 con doce y quince años haciendo un espectáculo en el que tocaban el piano haciendo malabares. Nacieron en Penza, Rusia, y empezaron a entrenar con su padre, pero debido a su popularidad se trasladaron a Estados Unidos, donde se pusieron en manos de Jason Garfield. En 2004 ganaron en numerosas categorías de la convención de la WJF y batieron los récords de pases con nueve, diez, once y doce mazas. También conseguieron la medalla de plata en el IJC en la competición por parejas en el 2003 y la de oro en el 2004. Después de esto, decidieron actuar por separado. Son malabaristas técnicos y defensores de los malabares como deporte. Se dedican sobre todo a actuar en convenciones con rutinas de malabares muy difíciles, sin pensar mucho en la estética. /Oriol Raventós

En sus espectáculos, exhiben una gran variedad de trucos de siteswap con pelotas, mazas y anillas. También han popularizado lo que podríamos llamar “malabarismo coral”, con muchos malabaristas y muchos objetos que van variando de patrones con la precisión de un reloj suizo. Destacan sus coreografías 23 zirkolika16


R E P O R TA J E

La primera escuela de payasos en Barcelona En Barcelona hay pocos espacios en los que se vean regularmente espectáculos de payasos y, menos aún, una escuela donde aprender este oficio en exclusiva, aunque se impartan cursos en escuelas de circo o de interpretación. La Escola de Clown de Barcelona existe desde 2006, fundada y dirigida por la payasa Clara Cenoz. Como comenta Cenoz, “ésta no solo es la primera escuela de este tipo de Cataluña, sino también de España, sin contar la de Eric de Bont en Ibiza”. do por Jango Edwards, Pepe Jiménez, Pedro Herreros, Cris Simon y Sara Pons. Cada uno de ellos enseña su versión del payaso, pero quien marca el programa es la directora. “La idea no es enseñar teoría pura y dura, ni que cada profesor enseñe una técnica concreta o una especialidad, porque todos estamos especializados en lo mismo; la idea es traspasar el conocimiento de cada uno”. La Escola de Clown ofrece varios tipos de cursos según el nivel y la disponibilidad de tiempo de los alumnos. Por un lado, hay un curso intensivo de tres meses, cuatro horas diarias, dirigido a gente muy interesada en esta especialidad circense y que realmente se quiere dedicar a esto. Ha tenido tanto éxito este curso que se están planteando alargarlo hasta seis meses. Para toda aquella gente que no tiene tanto tiempo, la escuela también ofrece cursos de dos días por semana. Dentro de este curso hay dos niveles: para los que empiezan y para los que ya saben algo. Además, se ofrecen cursos de iniciación y de especialización los fines de semana, como payaso de hospital, magia, etc. En el próximo año se ampliará la oferta de fin de semana y también habrá un curso intensivo que se hará en una masía. En el otoño pasado, un grupo de payasos de la escuela que hacía su actividad en la calle fue detenido por la Guardia Urbana de Barcelona.

Más allá de abrir este centro, también se pretende que sea un espacio en el que la gente encuentre todo lo que le interese de este arte. Según lo define la directora de la escuela, “crear un foco de intercambio” y poner al alcance de todo el mundo un espacio para producir y representar espectáculos que luego se puedan difundir en otros espacios. Así, también se hace un paso más para el reconocimiento profesional del payaso. Cenoz afirma que “nosotros no somos un Institut del Teatre de esta disciplina, porque no tenemos ni las ayudas ni las subvenciones que tienen ellos. El payaso no será nunca tratado como es debido si antes no se legaliza su situación.” Profesores internacionales y variedad de cursos Hasta este año, Clara Cenoz tenía la colaboración de varios profesionales para dar clases o algún curso puntual. Sin embargo, a partir de ahora, Clara también ha creado un equipo estable de profesores, un grupo muy internacional, forma-

Los motivos y las aportaciones del payaso Entre los alumnos de la escuela hay todo tipo de gente. Hay gente joven, personas inquietas a quienes les gusta aprender y probar cosas nuevas, pero también hay gente que quiere dar un giro a su vida. Por ejemplo personas que están haciendo el mismo trabajo desde hace años, no les gusta y lo dejan para dedicarse a lo que les interesa. Como comenta Cenoz, “el payaso es un catalizador muy potente, te remueve por dentro y hace que te centres en tú mismo y te autoanalices. En este proceso hay mucha gente que se da cuenta de que hay cosas de su vida que no la llenan o que la molestan, y que si no rompe con eso no puede ser feliz. El payaso hace de todo menos engañarte.” El proceso de encontrar y pasar a ser un payaso es más o menos rápido según la persona. El alumno “desaprende todas aquellas cosas mal aprendidas o innecesarias que le condicionan y, a partir de aquí, aprende a ser payaso y a saber reconocerse como tal”. /Mar Domènech

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Cavalia

CRÓNICAS

Una convivencia milenaria

Durante varios días de enero a marzo, en Barcelona se presentó Cavalia, que ahora va a estar en Madrid durante las dos primeras semanas de abril y luego en Bilbao (ver pág. 13). Antes de ver el espectáculo, es fácil enterarse de que Cavalia es un montaje de arquitectura imponente que mueve cifras de gran empresa: ciento veinte trabajadores fijos para la gira, doscientos temporales en cada ciudad que visita, ciento cincuenta personas para montar sus siete carpas en doce días, un aforo de 2.004 asientos, etcétera, etcétera. Y también, para el público en general, unos precios de las entradas exorbitados. Pero detrás de tanta cifra monumental, está el argumento pelado, austero, de la relación de los hombres con los caballos. Esta relación ha sido puesta en escena, esencialmente en pista, millones de veces. Unas proyecciones de Erick Villeneuve (sobre una pantalla de 62 metros) contextualizan las evoluciones del espectáculo en todo momento: se ven representaciones de la historia común de hombres y caballos, desde las pinturas prehistóricas al far-west pasando por los griegos clásicos, la época romántica y los militares chinos de dinastías pasadas. El espectáculo en sí es más que eso, es la propia relación entre el hombre y el animal. De tú a tú Frédéric Pignon, codirector ecuestre de Cavalia junto con Magali Delgado, dice que “la tarea consiste en que nosotros entendamos al caballo, y no al revés”. La doma natural, o etológica, que ya existía a la antigüedad y que actualmente está tomando fuerza, se basa en la observación del comportamiento del caballo. Nunca hay coacción; es la expresividad del rostro, el lenguaje corporal, la cooperación con el animal y el juego lo que adquiere una importancia total. El montaje se hincha con esta complicidad. En Cavalia hay varios momentos en los que la acción es mínima, centrada en eso que Pignon llama “el susurro a los caballos”, con un poder de seducción innegable.

A la izquierda, galope al estilo de Roma, con Estelle Delgado, Enrique Suárez y Philippe Tezenas. A la derecha, la escena del espejo, con Estelle Delgado y Magali Delgado. Fotos: Ulls.

En Cavalia, lo más espectacular es la relación que logran establecer entre el ser humano y los caballos

En otros momentos, dan rienda suelta a la parte más enérgica del temperamento de los sementales, como en los números del galope al estilo romano, al final de la primera parte, y la equitación acrobática que se puede ver antes de terminar el espectáculo. Para armonizar las diferencias de ritmo, se explotan dos tipos de recursos: por un lado, el apoyo de varios números acrobáticos y, por otro, un espacio escénico versátil, que puede ser tanto una larga calle para coger velocidad como un circuito vagamente elíptico o una pista circular. Y en eso radica otro de los aspectos por los que Cavalia es un gran show: la inteligencia con la que Normand Natourelle y su equipo han proyectado un espacio modificable, a través de telones y vallas bajas móviles que permiten desarrollar todo tipo de ejercicios y subrayar, en todo momento, el carácter y la belleza de los caballos. /Cesc Martínez

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Click!

CRÓNICAS

Izqda.: Roser Tarrida y Míriam Edo, “Rus i Miri”, en su número en la araña. Arriba: Ignasi Gil. Fotos: Ulls.

12o Circ d’Hivern: Click! Este año el director Hansel Cereza ha hecho un planteamiento muy teatral en el que la escenografía y las excelentes coreografías de Susana Goulard toman todo el protagonismo. Sobre todo porque rompen el realismo con el que se podría haber enfocado la historia y transmiten ritmo y un cierto aire abstracto al espectáculo. Esto hace destacar, por contraste, la escena de break dance de B-girl Jess y la gimnasia con contorsión de Sofia Cortesao, que también están realzadas por la interesante combinación de música de ópera y música electrónica a cargo de DJ Mau pinchando en directo.

También desaprovechado está el potencial cómico de Miner Montell, quien, después de mantener a un personaje plano y de una innecesaria seriedad a lo largo de toda la obra, en el interesante número cómico final no consigue levantar los ánimos de los espectadores ni a toque de apertura rossiniana.

La historia es simple: un hombre, interpretado por el payaso Miner Montell, vive solo y amargado dentro de un viejo teatro. Una noche, unos desconocidos entran inesperadamente para refugiarse de la lluvia y le cambian la vida, devolviéndole la ilusión de vivir.

La vanguardia tiene siempre su riesgo y Click!, como intento de acercamiento entre el teatro coreográfico y el circo, desaprovecha la emotividad dramática del primero y la complicidad con el público del segundo y se pierde en iluminaciones tenebrosas y grandes artefactos que desplazan a algunos artistas a planos secundarios. Esto quizás le funcionó al director en espectáculos de gran formato como Moure el Món en el Fòrum 2004, pero dentro del Ateneu de Nou Barris, con un público (de circo) fiel, esta propuesta ha resultado un poco desconcertante. El reto no era fácil, ya que en el teatro los personajes tienen que ser creíbles, pero en el circo tienen que ser increíbles. /Oriol Raventós

Sin embargo, el circo propiamente dicho se echa en falta. Apenas si hay tres números: el sensual ejercicio de tela de Natalie Ravlich, el elegantísimo número de mástil de Ignasi Gil y los pocos (y demasiado secundarios) ejercicios aéreos de Míriam Edo y Roser Tarrida, que no exhiben todo su potencial en el lento y aparatoso número de la gran lámpara, en el que interviene toda la compañía.

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Circ Raluy

CRÓNICAS

Circ Raluy,

toda una tradición

Hace diez años, paseando por el puerto de Barcelona, de repente me encontré frente a mi con unos carromatos muy antiguos, a la vez que bien conservados, llenos de encanto y con un aire especial. A los pocos segundos descubrí que se trataba de un circo que yo desconocía, el de la familia Raluy.

Hace ya una década que los hermanos Raluy transportan al público barcelonés, a bordo de su particular máquina del tiempo, al mundo del circo de antaño —muy antaño—, una fórmula que ha conseguido hacerse con unos seguidores fieles que año tras año acuden a la cita durante las fechas navideñas. Dancing Circus ha sido el nombre elegido para el nuevo programa, en el que han intentado fusionar el circo con la danza. Digo lo de intentar ya que bajo mi punto de vista no se ha acabado de sacar provecho de las posibilidades que tenían y, más que fusión, se ha quedado en añadir algún pequeño número de baile entre actuaciones. Pero dejémonos de palabrería y que empiece el espectáculo. Carles Raluy, elegante y distinguido Monsieur Loyal, se encarga de dar paso al ballet de Katherine Jane Smyth, presente durante toda la función. Lou Rastall nos acompaña al mundo de la magia y las grandes ilusiones con apariciones y desapariciones incomprensibles de sus ayudantes y de un gran gorila que cualquiera diría que es de verdad. Tania hace que la mirada se dirija a lo más alto del circo para disfrutar de sus telas aéreas, y Carmen nos deleita con sus acrobacias. Bill and Rose, en un abrir y cerrar de ojos, son capaces de cambiarse completamente de vestuario (“Cambio rápido”) dejando con la boca abierta a todo el público, al igual que lo hicieron Pat Bradford and Kate con su elegante número de claqué, destacando a Pat descendiendo y subiendo los peldaños de la escalera en equilibrio de manos haciendo claqué con los dedos. Niedziela, la más joven de los participantes, y sus equilibrios en múltiples monociclos cada vez más altos obtuvieron el premio especial en el último Festival di Latina. Muchos momentos de comicidad con los Paco Boys, los forzudos de otro tiempo; el payaso Edeck y su trepidante diávolo; Diamond and Pearl, una pareja de bailadores algo peculiares a la vez que torpes, y Lluís Raluy junto a Jonny Bogino, antiguo conocido de la casa, payasos polifacéticos que igual te hacen pasar un pañuelo de un lugar a otro como te presentan a la única gallina astronauta del mundo. Durante el descanso se presentó a los motoristas en la esfera de la muerte. Esperaremos la próxima visita de los Raluy para volver al pasado y de paso tomarnos un café en el precioso carromato del London Bar rodeados de fotos de grandes artistas de la pista. /Miquel Moreno

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MINGUET BATLLORI, Joan M. Buster Keaton. Madrid: Cátedra, 2008. “Buster Keaton fue un payaso; un gran payaso.” Así empieza el repaso que el crítico de arte Joan M. Minguet hace a la figura y la carrera de uno de los artistas más famosos que jamás han salido de Hollywood. Es un posicionamiento claro, pero va más lejos que eso: a lo largo del primer capítulo, Minguet detalla los aspectos que definen a Keaton como uno de los grandes payasos de la historia, no solo en comparación con Charles Chaplin o Laurel y Hardy, sino también al lado de artistas como Charlie Rivel o Grock. La descripción de la construcción del personaje —el payaso— está muy cuidada, tanto en los análisis como en las referencias que se citan en el texto, y por lo tanto supone un documento especialmente interesante. Se abordan aspectos como la evolución del vestuario, de los zapatos largos típicos de augusto al sombrero indisociable del personaje de Keaton, y el hallazgo del gesto que lo define, en este caso la impasibilidad de su rostro, acompañada por un gran dominio de la mímica y la acrobacia. En los capítulos sucesivos, en el libro se van tratando otros aspectos de la biografía artística de ese gran actor, empezando por la influencia que ejerció en la cultura occidental a través de artistas como Dalí, Buñuel y García Lorca, y críticos como Sebastià Gasch y Lluís Montanyà. El capítulo central, “El cine de Buster Keaton”, es especialmente remarcable. Minguet repasa una por una las películas de la época dorada de Keaton, las de la década de 1920, la mayoría dirigidas por él mismo; hay una profusa descripción de escenas cómicas, auténticas entradas de payaso. Martí Franch

COMES, Thierry. American Circus Togni. Editions de la gardine, 2007. Excelente libro, escrito en francés, con más de 300 páginas dedicadas a uno de los circos europeos más grandes: el American Circus de la familia italiana Togni. Desde sus orígenes hasta nuestros días se detallan las ciudades y países donde trabajaron cada temporada, los artistas que formaron parte en los respectivos programas y la historia del circo, así como anécdotas y otros datos interesantes. El texto está acompañado con muchas fotografías. Miquel Moreno

Varios autores. El circ i la poètica del risc. Barcelona: KRTU, 2008. De la exposición sobre el circo contemporáneo catalán que se hizo hace dos años en el CCCB, quedan algunos testimonios de consideración. El catálogo que se editó cuando se inauguró la muestra es, pasados dos años, un libro de referencia para estudiar un período histórico y la actualización de un arte que condensa una cultura. Ahora, el mismo KRTU, que la organizó, edita las ponencias y las intervenciones del seminario “El circo y la poética del riesgo” que se hizo entonces, coincidiendo con la exposición. En el libro se encuentran muchas ideas, influencias, matices y reflexiones alrededor de un tema tan complejo y rico como el circo a comienzos de s. XXI. /Martí Franch

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zirkoteca

zirkoteca


zirkoteca PÉREZ DE OLAGUER, Gonzalo. Els anys difícicils del teatre català. Memòria crítica. Tarragona: Arola Editors, 2008. En este volumen se recogen los artículos que el crítico Gonzalo Pérez de Olaguer ha ido publicando en la revista TeatreBCN desde 2003. Sin dejar de hablar de teatro, cada capítulo va dibujando el contexto en el que también se formó el circo contemporáneo en Cataluña: la búsqueda de nuevos lenguajes escénicos, la lucha contra la censura y las experiencias que conformaron nuevos códigos de expresión teatral y parateatral entre las décadas de los 60, 70 y mitad de los 80. El lector que quiera leer la historia del circo, echará de menos capítulos como la eclosión de las artes de calle (aunque sí hay reseñas sobre Comediants y la Fira de Tàrrega), el primer Circ Cric, el Col•lectiu d’Animacions, los primeros Excéntricos o el impacto que tuvieron las funciones del Cirque Aligre. En cambio, sí tendrá noticia de episodios importantes como las funciones del Grand Magic Circus et ses Animaux Tristes, de Jérôme Savary; el éxito de un espectáculo que hoy llamaríamos multidisciplinar como Mori el Merma, de Teatre de la Claca, y la creación de un circuito alternativo al de los teatros tradicionales que iba de la renovación del Institut del Teatre a finales del franquismo a la creación de festivales periféricos como La Marató de l’Espectacle, pasando por salas y locales hoy desaparecidos y en los que se hacían cabarets y actuaban todo tipo de artistas. Entre estos locales: la Bodega Bohemia, L’angelot y la Cúpula Venus, por donde habían pasado artistas como Pep Toro, Tortell Poltrona, I Colombaioni y Christa Leem (a quien el autor dedica otro capítulo), entre muchos otros. Cesc Martínez

Moncasi, David. La muñeca del espacio. Cameo media S.L. 2007 Documental centrado en la figura de Carmen Sánchez, esposa del desaparecido augusto español Pepi Ruiz Díaz, de los payasos Rudi Llata. En primera persona, nos cuenta su día a día tras abandonar las pistas despues de sufrir un percance en el que perdió la vista hace casi cincuenta años. Miquel Moreno

Libros de la Biblioteca de Nou Barris

SHERMAN, Cindy. Clowns. Hannover: Shirmer/Mosel, 2004 Sin lugar a dudas, Cindy Sherman es una de las grandes fotógrafas de fama internacional. Desde sus inicios a finales de la década de los setenta, su obra ha supuesto la reanimación de la fotografía escenificada. A lo largo de las tres últimas décadas la artista ha desarrollado un juego de roles de inquietante intensidad con el que plantea, en varios contextos, la fijación de la identidad femenina en la sociedad. Cindy Sherman se utiliza a sí misma como modelo caracterizándose de payaso para estas instantáneas, dando lugar a una serie de autorretratos en los que se pone en tela de juicio el papel del artista en la sociedad del espectáculo. El catálogo de esta serie titulada Untitled/Clowns muestra 18 fotografías retocadas digitalmente, en las que ha explorado el potencial terrorífico del payaso como símbolo del descontrol, de la histeria, de los colores subidos de tono y de la incertidumbre que se esconde detrás del maquillaje.

GONZÁLEZ, Simón. Una Vida apasionante en la barra del trapecio. Madrid: García Verdugo, 1999 Maria del Pino Papadopoulos, “Miss Mara” en el ámbito circense, ha sido una trapecista extraordinaria. Perteneciente a una de las grandes sagas del circo español, en 1951 viaja a los Estados Unidos contratada por el Ringling Bros. and Barnum & Bailey, el mayor circo del mundo. Y fue América el país que marcó la vida de la artista y donde encontró el estrellato internacional y la consagración como reina del trapecio. Fue la primera española que actuó en la Unión Soviética y la primera también a la que se le concedió el Oscar Mundial del Circo, el año 1962, por su brillante historial y sobre todo por haber creado unos ejercicios y un estilo propios. Tal y como su título indica, estas páginas nos asoman a la apasionante biografía de “Miss Mara”.

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libros / arte VÁZQUEZ, Gerard. Barcelona: Proa.

Uuuuh!

Uuuuh! no es, aunque a primera vista lo parezca, una obra sobre payasos. Su protagonista, Charlie Rivel, el gran augusto catalán de proyección internacional, sirve al autor como punto de partida para reflexionar sobre las relaciones entre el arte y la política de este inmenso circo que es la vida humana. La obra conjuga perfectamente la comicidad de las situaciones (las que provocan los payasos) con una de las tragedias más salvajes y atroces de la historia de la humanidad: el holocausto judío. El comienzo de Uuuuh! es un supuesto encargo a Charlie Rivel mientras éste actúa en el Teatro Scala de Berlín a principios de los años 40 del siglo pasado, en plena Guerra Mundial. Se trata de representar un espectáculo para celebrar el cumpleaños del Führer, Adolf Hitler. Ante el estupor de Rivel y la imposibilidad de negarse a la propuesta, el artista acepta y de esta manera empieza un viaje personal y artístico que acabará sacudiendo su conciencia.

Infantiles

PRINCE, April Jones. Vint-i-un elefants: al pont de Brooklyn. Barcelona: Joventut, 2007 Tras catorce años de obras, se terminó el puente de Brooklyn para regocijo de las ciudades hermanas a las que conectaba: Nueva York y Brooklyn. La mayor parte de la gente lo consideró un triunfo de la tecnología moderna, pero muchos dudaban de su resistencia. Phineas T. Barnum, el célebre director de circo y creador del “mayor espectáculo del mundo”, se lo tomó como un desafío personal: demostraría que aquel monstruo de madera y acero era lo suficientemente resistente para soportar a los transeúntes más pesados, y presentaría un espectáculo demasiado grande para una carpa de circo y demasiado maravilloso para que pudiera ser olvidado. La autora del libro, April Jones Prince, narra la extraordinaria historia de un suceso verídico que ocurrió poco después de la inauguración del puente de Brooklyn. Las ilustraciones de François Roca hacen retroceder en el tiempo y sitúan al lector en las brumosas calles de la ciudad de los rascacielos a finales del siglo XIX.

Exposición

Museo Esteban Vicente, Segovia. El circo en el arte español La muestra comprende pinturas de los tres últimos siglos y algunas fotografías. En el arco de ese tiempo, el circo es tema y fuente de inspiración de un arte en movimiento que nace de una sociedad en cambio continuo. Por su carácter nómada, popular y ajeno a la nueva economía productiva, el circo es visto como uno de los últimos reductos de libertad, que pintores y escritores modernos integran en sus obras como espejo de ellos mismos. El elenco de personajes estrafalarios, la transgresión de las leyes de la vida en unos casos o, en otros, el choque entre la vida real y el ensoñamiento del circo, lo que el hombre quiere y que normalmente no es, son argumentos que definen el arte moderno. De esta forma, la exposición está organizada siguiendo varios aspectos del circo que han despertado el interés de los artistas: desde temas plásticos, como el color y la composición, puramente, hasta los temas de carácter metafísico o poético. Temáticamente, está el tratamiento del espacio circense, la carpa y la pista, desde la figuración mágica a la abstracción; los animales, tanto domésticos como salvajes; el movimiento y el equilibrio, simbolizados por trapecios, cuerdas y malabarismos; los monstruos y las maravillas; la soledad y la nostalgia. Las piezas más antiguas se remontan a Goya, uno de los artistas iniciadores de una modernidad que enlaza con nuestros días. Desde él, El circo en el arte español recorre la obra de unos sesenta artistas, algunos de los cuales son contemporáneos, y se exponen unas ochenta piezas. Entre los más significativos, se pueden ver Picasso, Juan Gris y algunos del grupo de Dau al Set: Modest Cuixart, Joan Ponç, Joan Brossa.

El circo y sus metáforas En paralelo a la exposición, comisariada por Raúl Eguizábal, catedrático de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid, hay una programación de actividades relacionadas con la influencia del circo más allá de las artes plásticas. Bajo el título genérico de “Metáforas del circo”, se han programado conferencias, presentaciones de libros sobre el tema, audiciones de música circense, espectáculos de magia y de títeres y pases de películas tan diversas como La strada, de F. Fellini; El mayor espectáculo del mundo, de Cecil B. DeMille, y El hombre elefante, de David Lynch. La exposición se cerrará el 18 de mayo (ver. pág. 13). Martí Franch

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zirkoteca Circ’n Roll Cara y cruz de Delirium, de Cirque du Soleil 1. Con el montaje Delirium, el Soleil dejó desconcertados a varios aficionados al circo. A la salida del Palau Sant Jordi de Barcelona, era fácil oir comentarios de espectadores desorientados. Bajo la dirección de Michel Lemieux y Victor Pilon, el espectáculo tenía como eje la música; no la acrobacia ni un argumento dramatúrgico, sino la interpretación de un concierto basado en los grandes éxitos de Cirque du Soleil y una mezcla de músicas populares y del mundo ideal para cócteles. Delirium fue creado para ir de gira a muchas ciudades, al estilo de las giras de los dinosaurios del rock, principalmente por Estados Unidos. Así, seguía aquella máxima que dice que bigger is better, o cuanto más grande, mejor. Nada es imposible, pero cuesta imaginarse, para hacer un símil justo, a los Rolling Stones tocando en un local para unos pocos aficionados, solo con sus amplificadores y sin demasiadas filigranas de luz. Con Delirium pasa más o menos lo mismo: se ha renunciado a la proximidad con el público, que es la esencia de lo popular, como el circo, o la música rock, en beneficio de los grandes efectos visuales. Es una opción, pero costaba digerir que hubiese interferencias que continuamente distraían al espectador. Por ejemplo: en muchos momentos, se podía ver a un artista de circo que empezaba su ejercicio y que acto seguido quedaba en un rincón, sin dejar de trabajar y esforzarse, en el fondo del gigantesco escenario, mientras la iluminación y el centro de la acción se dirigían, por ejemplo, a un guitarrista o una cantante. Como contrapartida, a lo largo del concierto-espectáculo había varios momentos en los que los creadores habían conseguido resultados plásticos más que interesantes: bonitos, impresionantes, momentos los que más que nada evocaban el circo.

Karen Bernal. Foto: Lorant Voros

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2. Pocos días en cada ciudad, música, espectáculo y carretera. Desde dentro, Karen Bernal, bailarina aérea, acróbata a las telas y al aro y, entre muchas otras cosas, una de las fundadoras de la revista Zirkòlika, hablaba sobretodo de la experiencia del viaje. Sus palabras podrían ser, al fin y al cabo, la letra de la auténtica balada de Delirium. “Para mí, estar en el show ha sido una gran experiencia. El show puede ser atractivo para muchos y para otros demasiado grande y una mezcla rara de ser concierto, multimedia y circo. Pero lo más increíble es realmente llevar vida de circo, vivir con esa gente, tan distintos, tan locuaces, viajar y viajar, mirar como por la ventanilla cambia el paisaje a gran velocidad, llenarse de color el rostro aun cuando se estaba triste y no se puede más llorar... Y te hace reír otra vez, y tu casa es ese pequeño espacio de tu espejo. Por eso el día de cumpleaños te lo decoran con flores y dulces y cartas. Aprendimos a sobrellevar la distancia de nuestras casas volviéndonos una familia. Esa es la parte mas bonita del show, lástima que no se pueda ver... Pero me lo llevo puesto a donde quiera vaya.” Cesc Martínez QUERIDO AMIGO LECTOR, TU TAMBIÉN PUEDES TENER VOZ EN ZIRKOLIKA Y COMPARTIR TUS OPINIONES. ESTE ES EL ESPACIO DE LOS ZIRKOLIKOS, ESTE ES TU ESPACIO. ESCRÍBENOS, REFLEXIONA, COLABORA... ¡PARTICIPA! ZIRKOLIKA@YAHOO.ES

Sobre la entrevista a Alba Sarraute Con motivo de la entrevista que me hicieron, publicada en el número de invierno de este año, quería clarificar algunos puntos. Por la necesaria reducción de lo que fue una larga conversación, hay frases referentes a las escuelas de circo de Francia y de Cataluña que aparecen fuera del contexto en el que las dije. Me veo en la necesidad de expresar lo que realmente siento con respeto a esas escuelas, como ex alumna de la Rogelio Rivel y de la Academie Fratellini. Primero, yo no puedo haber adjudicado nada negativo a ninguna de ellas, ya que siempre intento hablar de forma constructiva y sin faltar al respeto a los compañeros que trabajan por la mejora del circo y todos sus medios. De Tolosa, tampoco puedo clarificarlo exactamente, ya que nunca he ido y hablo sólo de lo que oigo, y de Chalon lo mismo. Nunca he ido en persona y considero de allá han salido grandes artistas, y yo he tenido la suerte de compartir profesorado con un nivel profesional difícil de encontrar en las escuelas públicas. Puede que cuando el periodista me hizo la entrevista yo estuviera muy cansada y un poco negativa, ya que acababa de llegar de Haití, el segundo país más pobre del mundo, donde intenté estar durante dos semanas dando mucho y mirándome el lado más positivo de la miseria. Así, como todo se equilibra, me sentía vacía para poder llenar una entrevista como me hubiese gustado para Zirkólika. Para terminar, me gustaría pedir grandes disculpas al profesorado de la Rogelio Rivel porque espero que aquellas palabras nunca salieran de mí, porque yo antes de tener alguna queja de alguien me gusta hablarlo personalmente, y tiene que ser algo muy fuerte. Yo, de mi paso por 9 Barris, no sólo conocí a Joan Armengol, también conocí muchas otras cosas que no eran ajenas a la escuela; no solo la luz que se infiltraba o el juego. Conocí la rectificación de mi postura del cuerpo, mis primeras acrobacias, que después me llevarían al campo profesional y, sobre todo, recibí un aprendizaje como persona bastante duro por el hecho de encararte con la disciplina del circo. Y todo eso acompañado por su profesorado. No estoy diciendo lo contrario que en la entrevista, pero fueron unos años majos y felices y, si puedo hablar de la escuela de circo Rogelio Rivel, sólo lo puedo hacer de la que yo conocí de 2000 a 2002. Ahora posiblemente haya cambiado, tanto en cosas buenas como en malas, ya que son pioneros y van a un lugar en el que nadie ha escrito nada. Espero no haber causado ninguna opinión errónea sobre la escuela ni sobre nadie. Realmente lo he sentido mucho y me he visto impotente ante el peligro de darse a conocer... Alba Sarraute Pons 32 zirkolika16



ZIRKOLIKA #16