中誠國際藝術2022年秋季拍賣目錄

MODERN AND CONTEMPORARY ART

現代與當代藝術

微風南山 藝文中心

Breeze Nan Shan Exhibition Center

中誠 2022 秋季拍賣會 現代與當代藝術

拍賣

2022 年 11 月 06 日（日）2:00 PM

微風南山 藝文中心

台北市信義區松仁路 100 號 3 樓

台中預展

10/28 ( 五 ) - 10/30 ( 日 ) 13:00 - 18:00

台中豐藝館

台中市西區五權西路一段 110 號 B1

台北預展

11/4 ( 五 ) - 11/5 ( 六 ) 10:00 - 19:00

微風南山 藝文中心

台北市信義區松仁路 100 號 3 樓

更多資訊，請聯繫：02 8773 3565

MODERN & CONTEMPORARY ART

AUCTION

Sunday 6 November 2022 at 2:00PM

Breeze Nan Shan Exhibition Center

3F, No.100, Songren Road, Xinyi District, Taipei

TAICHUNG VIEWING

Friday 28 October - Sunday 30 October 13:00 - 18:00

Fong Yi Exhibition Center

B1, No. 110, Section 1, Wuquan W. Road, West District, Taichung

TAIPEI VIEWING

Friday 4 November - Saturday 5 November 10:00 - 19:00

Breeze Nan Shan Exhibition Center

3F, No.100, Songren Road, Xinyi District, Taipei

Please call + 886 2 8773 3565 for further information

投標牌號分級新制度之重要告示

自 2020 年秋季拍賣會，中誠將實施投標牌號分級制度， 並針對欲競投高預估價拍品之競投者，收取預付保證 金。以下條款為詳細敘述：

預先登記及保證金新制

中誠可要求有意競投在目錄內預估價低標為新台幣 30 萬元以上 ( 含 ) 之競投者，在完成預先登記程序時，交 付新台幣 30 萬元或其他由中誠決定之更大金額的保證 金，以作為參加中誠拍賣的保障。

投標牌號分級說明

預先登記的投標牌，將以預估價低標為基準分為以下兩 種類型：

a. 黃色投標牌：準買家欲競投之拍賣品，其預估價低標 為新台幣 30 萬元以下者。

b. 綠色投標牌：準買家欲競投之拍賣品，其預估價低標 為新台幣 30 萬元以上 ( 含 ) 者。

中誠國際藝術拍賣客戶服務及諮詢部門

中誠台北辦公室

電話：02 8773 3565

傳真：02 8773 3565

E-mail: art@art106.com

總經理 蕭華薇 副總經理 蕭偉廷

藝術總監 蕭又華

藝術行政 劉家彣

藝術行政 陳羽希

藝術行政 姚景祥

藝術行政 楊硯晴 藝術行政 宋采霓

美編設計 胡家葳

中誠台中辦公室

電話：04 2206 6599

傳真：04 2205 0703

E-mail: art@art106.com

行政助理 黃彥菱

英文服務

藝術總監 蕭又華

電話：02 8773 3565 分機 16

Email: virginia@art106.com

書面及電話委託投標

若您無法親臨拍賣現場，可以電話及書 面投標方式競標；鑑於拍賣現場電話有 限，尤其針對需用外國語言服務之投標 者，請於拍賣前 24 小時通知我們為您安 排。您亦可利用本圖錄後方之書面標單 競投。

付款事宜

有關付款詳細事宜，說明於本目錄後面， 如您需要更進一步的諮詢，請洽：

財務部經理 鄒琬婷

電話：04 2206 6599 分機 108

傳真：04 2205 0703 E-mail: andrea@art106.com

取貨及運輸

一、所有拍品在貨款結清後，即可貨貨； 買家請儘早通知安排取貨事宜，以利倉 庫存貨流通和集中安排辦理，本公司接 受個人及公司支票付款，惟需在兌現後 始能提貨。恕不接受信用卡和旅行支票 付款。其他各項貨品可在中誠各辦公室 提領，上班時間為週一至週五上午 9:30 至下午 6:30。

二、我們的專業行政部門可為您建議或 安排最適當的運輸方式，詳情請洽：

台北辦公室

劉家彣

電話：02 8773 3565 分機 17

傳真：

台中辦公室

官方網站 歡迎參閱中誠拍賣官方網站。

www.art106.com

其他

中誠樂意提供您本次拍賣當中任何一 項拍品的狀況說明書，惟準買家需注 意拍品均是以「當時認定」之狀況賣 出，相關細項請參照目錄後之業務規 則以及買家須注意事項。

ZHONG CHENG TAIPEI OFFICE

TEL: +886 2 8773 3565

FAX: +886 2 8773 2615

E-mail: art@art106.com

Managing Director

Vivian Hsiao

Deputy General Manager

Wayne Hsiao

Creative Director

Virginia Hsiao

Art Administrator

Liu Chia Wen

Art Administrator

Chen Yu Xi

Art Administrator

Yao Jing Xiang

Art Administrator

Yang Yan Qing

Art Administrator

Sung Tsai Ni

Graphic Designer

Hu Chia Wei

ZHONG CHENG TAICHUNG OFFICE

TEL: +886 4 2206 6599

FAX: +886 4 2205 0703

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Administrator Assistant

Yena Huang

ENGLISH SERVICE

Art Director

Virginia Hsiao

TEL: +886 2 8773 3565 #16

E-mail: virginia@art106.com

PHONE AND WRITTEN BIDS

The clients who are not able to attend the auction are welcome to complete our phone/written absentee bid form attached in the back of this auction catalogue to place their bids. Due to the limited phone line services at the auction, please inform us at least 24 hours prior to the auction for arrangements. Particularly for foreign language assistance.

CLIENT ACCOUNT & PAYMENT

Payment details are described at the back of the catalogue. If you need any futher information, please contact our financial department.

Andrea Tsou

TEL: +886 4 2206 6599 #108

FAX: +886 4 2205 0703

E-mail: andrea@art106.com

STORAGE AND SHIPPING

All the items will be available for collection as soon as the payment is settled. Zhong Cheng can assist buyers to arrang storage and shippin or you are also welcome to use your own carrier. Personal and company checks will be accepted. The items may be picked-up from Zhong Cheng’s Taipei and Taichung Office, we are available from 9:30am-6:30pm, Monday to Friday. Please kindly make an appointment with us ahead of time.

TAIPEI OFFICE

Liu Chia Wen

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TAICHUNG OFFICE

Yena Huang

TEL: +886 4 2206 6599 #107

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OFFICIAL WEBSITE

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OTHERS

Zhong Cheng is delighted to provide condition report of any sale items. For more information, please refer to the Transaction Agreement for Buyers in the back on this catalogue.

AUTUMN

SPECIALISTS

MODERN AND CONTEMPORARY ART 現代與當代藝術

INDEX OF ARTISTS 藝術家索引

101 SAN YU

( Chinese-French, 1901-1966 )

Sanyu Prints

30.5 x 23.5 x 4.5 cm

Limited Edition Catalog 99/100

NT$ 100,000-150,000

US$ 3,200-4,800

常玉

常玉的版畫冊

2018

限量圖冊 99/100

102 SAN YU

( Chinese-French, 1901-1966 )

Standing Nude with Raised Arms

16.6 x 10 cm

Rives BFX Print Paper, 4/20

Signed Yu in Chinese, numbered 4/20

Embossed: Stamp A closer look at San Yu

PROVENANCE:

Eslite Gallery, Taipei, Taiwan

With a certificate of authenticity from Eslite Gallery

Tirages Posthumes.

NT$ 220,000-300,000

US$ 7,100-9,700

常玉 立姿舉臂裸女

2018

Rives BFX 版畫紙 4/20 簽名：玉 4/20

鋼印：細看常玉

來源： 誠品畫廊，台灣 台北

附誠品畫廊開立之原作保證書

遺作版畫

103

MIWA KOMATSU

( Japanese, b.1984 )

Earth Komainu

65 x 53 cm

Screenprint, 6/30

Signed Komastu in English and numbered 6/30

PROVENANCE:

Whitestone Gallery, Hong Kong

With a certificate of authenticity from gallery

NT$ 160,000-240,000

US$ 5,200-7,700

小松美羽

地．狛犬

2017

絲網版畫 6/30

簽名：6/30 Komatsu

來源：

白石畫廊，香港

附畫廊開立之原作保證書

《地． 狛 犬》在線條的掌控與表現相當純熟，畫面滿 溢著強烈的視覺張力及難以言明的神祕色彩。隱含在 激昂澎湃的畫面之下，清晰可見的是藝術家對萬物深 厚的關切與祝福之意，而那流暢細密的交錯線條更靈 動地描繪出神獸充滿動勢的形體與澎湃的能量，尤其 是神獸的眼睛，發散出精銳的正向力量。當觀者注視 著神獸目光如炬的眼睛時，彷彿能從中汲取到源源不 絕的神秘能量，而一篇篇奧秘莫測的傳說，將透過小 松美羽再現的神獸世界向你娓娓道來

104

MIWA KOMATSU

( Japanese, b.1984 )

Heaven Komainu

65 x 53 cm

Screenprint, 6/30

Signed Komastu in English and numbered 6/30

PROVENANCE:

Whitestone Gallery, Hong Kong

With a certificate of authenticity from gallery

NT$ 160,000-240,000

US$ 5,200-7,700

小松美羽

天．狛犬

2017

絲網版畫 6/30

簽名：6/30 Komatsu

來源：

白石畫廊，香港

附畫廊開立之原作保證書

擁有亮麗外表、出眾氣質的小松美羽，創作常以守護 獸為主題，其靈動姿態與絢爛色彩帶有懾人心魄的視 覺衝擊，是日本當代藝壇不容小覷的新星。而這股小 松魅力，不僅席捲藝術圈，她也與服飾、手機、電玩 與電影等跨界合作，在日本已然是偶像等級的超人氣 藝術家。

藝術家幼時就常看到

狛 犬出現在身邊，而且由於形象 過於清晰，所以從未懷疑過其真實性，小松美羽特地 為台灣 2017 年的個展首度以絲網版畫創作「守護獸 金、木、水、火、土」系列和「天．狛犬、地．狛犬、 人魂」系列，都反映出藝術家身處在不同環境之中的 細膩觀察與感知，而她於展覽期間也持續將畫廊裡感 受到的一切轉化至畫布之上。

105

MIWA KOMATSU

( Japanese, b.1984 )

Human Soul

65 x 53 cm

Screenprint, 6/30

Signed Komastu in English and numbered 6/30

PROVENANCE:

Whitestone Gallery, Hong Kong

With a certificate of authenticity from gallery

NT$ 160,000-240,000

US$ 5,200-7,700

人．魂 2017

絲網版畫 6/30

簽名：6/30 Komatsu

年僅 30 歲作品就被英國博物館收藏的小松美羽，從 小就看得到動物死亡時靈魂出竅的瞬間，她認為每個 生命除了軀殼的殊異之外，其實皆由一股「能量」所 組成。擁有特殊的生命經驗與感知能力，也讓年輕的 小松美羽擁有超然成熟的生死觀。

《人．魂》以靈魂的型態創作，概念可追朔至藝術家 20 歲時創作的銅版畫《四十九日》，《四十九日》以 藝術家祖父過世之際看到的靈魂為發想，此件作品也 成為她決定做個藝術家的決心之關鍵。

106

IZUMI KATO

( Japanese, b.1969 )

Like a Rolling Snowball

33 x 25.5 cm

Lithograph, 279/300

Signed Kato in English, dated 2019, numbered 279/300

Idem Paris Stamp on Paper

EXHIBITION:

''IZUMI KATO - LIKE A ROLLING SNOWBALL,'' Hara Museum of Contemporary Arts, Tokyo Japan, July 13, 2019 - January 13, 2020

Executed in 2019, this work is from an edition of 300, published by Idem Paris on the occasion of the exhibition under the same title as this work held at Hara Museum ARC, Gunma, and later at Hara Museum of Contemporary Art, Tokyo, in July 2019 - January 2020.

NT$ 70,000-190,000

US$ 2,300-6,100

加藤泉

滾動的雪球般

2019

石版畫 279/300

簽名：279/300 Kato 2019

Idem Paris 紙本壓印

展覽：

「加藤泉 - LIKE A ROLLING SNOWBALL」，原美術館，日

本東京，2019 年 7 月 13 日至 2020 年 1 月 13 日

此作品共 300 版，由巴黎 Idem Paris 印刷商於日本群馬縣

原美術館 ARC 別館及東京原美術館舉辦的同名展覽（2019

年 7 月至 2020 年 1 月）出版。

YOSHITOMO NARA

( Japanese, b.1959 )

Cosmic Girl: Eyes Open / Eyes Closed

69 x 50 cm (2)

Lithograph, limited edition of 500 Trademark © Yoshitomo Nara. Courtesy of Stephen Friedman Gallery, London. BALTIC Centre for Contemporary Art 14th June - 26th October (2)

ILLUSTRATED:

'' Yoshitomo Nara: Complete Works Volume 1 - Paintings, Sculptures, Prints, Photography,'' Bijutsu Shuppan - SHA CO., LTD. , Tokyo Japan, 2011, Page 309

This work is a limited edition of 500 posters created by Yoshitomo Nara at the Baltic Centre for Contemporary Art solo exhibition in London, UK in 2008.

NT$ 280,000-400,000 US$ 9,000-12,900

奈良美智

宇宙女孩：睜眼 / 閉眼

2008

石版畫 限量 500 版（兩件一組）

註冊商標 © Yoshitomo Nara. Courtesy of Stephen Friedman Gallery, London. BALTIC Centre for Contemporary Art 14th June - 26th October (2)

圖錄：

《奈良美智：作品全集 1 卷－繪畫．雕塑．版畫．攝影

作品》，株式會社美術出版， 日本東京，2011 年，第

309 頁

此作品為奈良美智 2008 年在英國倫敦 Baltic Centre for Contemporary Art 個展所創作的 500 張限量海報。

奈良美智筆下的高額大眼的可愛女孩，時而哭泣、 時而邪惡，捉摸不定的是否反而是永遠存在人心中 的那個孩子，《宇宙女孩》不透漏露一絲情感的睜 眼，爾後閉眼，看似要訴說什麼，卻又像被作品中 的女孩讀懂了觀者的內心，不需透過話語或複雜的 畫面，只要靜靜的感受，令人不禁屏住呼吸，僅透 過與作品眼神的交流，瞬時間全宇宙變的寧靜。

108

TAKASHI MURAKAMI

( Japanese, b.1962 )

Jellyfish Eyes-Black 2

50 x 50 cm

Lithograph, 22/300

Signed TAKASHI in English, numbered 22/300

NT$ 50,000-100,000

US$ 1,600-3,200

村上隆

含著眼淚跳著恰恰 - 黑 2

版畫 22/300

簽名：TAKASHI 22/300

109

MOE NAKAMURA ( Japanese, b.1988 )

I'm Nobody

14 x 15.5 x 33 cm Polystone, limited edition of 180 Trademark © MOE NAKAMURA 2020 © GALLERY TSUBAKI 2020 © MONSTER TAIPEI 2020 PRODUCED BY HOW2WORK

With a certificate of authenticity from manufacturer and signed by the artist

The work is accompanied by its original box.

NT$ 60,000-180,000 US$ 1,900-5,800

中村萌 我什麼都不是 2020

寶麗石粉樹脂 限量 180 版 註冊商標 © MOE NAKAMURA 2020 © GALLERY TSUBAKI 2019 © MONSTER TAIPEI 2020 PRODUCED BY HOW2WORK

附藝術家親簽之原廠保證卡 附作品原廠包裝紙盒

療癒系日本當代藝術家中村萌，作品 以充滿手感溫度的人物木雕創作為 主，大部份的雕塑作品皆保留了雕刻 時的刻痕紋路，充滿童趣詼諧，及療 癒人心的感受，可愛卻不流於俗套的 外型，以不誇張的造型取勝，純真自 然的氣息，讓人彷彿進入童話故事般 的幻想世界。

毛茸茸的兔子頭套裡藏著瞇著眼的孩 子，看不清底下是什麼樣的表情，像 是一個頑皮愛搗蛋的孩子，披著奇怪 的頭套到處玩耍、捉弄著人們的小精 靈似的。牠認為牠什麼都不是，那是 因為牠充滿著神祕感及古靈精怪的氛 圍，要怎麼定義牠的存在都是可以的。

MOE NAKAMURA ( Japanese, b.1988 )

Like a Ghost

23 x 13.5 x 25.5 cm Polystone, 109/150

Trademark © MOE NAKAMURA 2019 © GALLERY TSUBAKI 2019 © MONSTER TAIPEI 2019 PRODUCED BY HOW2WORK

With a certificate of authenticity from manufacturer and signed

The work is accompanied by its original box.

NT$ 160,000-240,000

US$ 5,200-7,700

像鬼一樣 2019

寶麗石粉樹脂 109/150

註冊商標 © MOE NAKAMURA 2019 © GALLERY TSUBAKI 2019 © MONSTER TAIPEI 2019 PRODUCED BY HOW2WORK

附藝術家親簽之原廠保證卡

「我珍惜擦肩而過的面容，儘管其中更多的是誤解和錯位，

但畢竟是感悟人生交流信息的契機和開端。」 江上越

ETSU EGAMI

( Japanese, b.1994 )

Confusion by Brushing Past

24.2 x 33.3 cm

Acrylic on Canvas

Signed Etsu Egami in English, dated 2019

PROVENANCE:

White Stone Gallery, Hong Kong

With a certificate of authenticity from gallery

NT$ 320,000-400,000

US$ 10,300-12,900

江上越 擦肩而過的困惑

2019

壓克力 畫布

簽名：Etsu Egami 2019

來源： 白石畫廊，香港

附畫廊開立之原作保證書

江上越出生於日本，留學於北京中央美術學院與德國 HGF 大學。豐富的海外經 驗也產生出語言上的誤解及認知上的差異，這使得江上越開始專注於研究「交流」

在人與人的互動中，信息的傳達因為語言和個體認知偏差有時並不是能夠順利共 識。導致誤解或固執所產生出來的彼此困惑，江上越認為這其實也是種交流，只 不過其中出現了錯位與平行。《擦肩而過的困惑》作品正是在那樣的空隙感受中 進行構思，使用多重平行的線性、相近與互補色構圖，熟練地運用視覺錯視讓整 體畫面的線性動向各異，幽幽的冷色調性伴隨在沉澱的色層肌理中暗喻著隱藏的 多重而深入思慮。

然而平行的線路湊近觀看明確沒有交集、擦肩而過，放遠觀察卻又使眼睛的訊號 重新認知，色彩又相互交匯形成新的圖像訊息，完美表現了江上越一貫的核心主 題—「交流」。

112

LONG CHINSAN ( Chinese, 1892-1995 )

Crane

60 x 33 cm Photograph on Gelatin Silver Print With one seal of the artist

NT$ 120,000-240,000 US$ 3,900-7,700

郎靜山 鶴

銀鹽 相紙 款識：幽禽棲盡好花枝 丙申

春三月 方季吾兄 祖葆夫人 俪 荃 靜山集錦 鈐印：靜山集錦（朱文）

被後世公推為「亞洲攝影之父」的郎靜 山，年少時曾習於中國傳統國畫，為其 「集錦攝影」奠下了扎實的藝術基礎， 而集錦攝影也反映了當時中國畫意攝影

的潮流，以西方照相技術融合中國水墨 意境，中體西用，於相紙上展現如畫般 的精美凝鍊。郎靜山曾言：「 我主張在 技巧上，應吸收西方科學文明，使照相 不再是件難事；但要談到藝術視界，無 論取景或色調，我都認為應多研究國畫 中蘊含的旨趣。

此作採用斜角線構圖，整幅畫面從佈 局、結構、透視、色調皆採用中國繪畫 傳統方式呈現。雖是相片，棲息於枝頭 的鶴、振翅飛揚的鶴，一靜一動，剎那 間，無法言喻的精妙，隨著畫面延伸至 無盡的悠遠處，幽美渾然之感表露無 遺，同時亦觸探了觀者的視覺侷限。

113 LI ZHONGSHENG

( Taiwanese, 1912-1984 )

Abstract

26 x 36 cm

Watercolor on Paper

With a certificate of authenticity from gallery (Student co-signed)

NT$ 220,000-300,000

US$ 7,100-9,700

李仲生

抽象

水彩 紙本

附名門畫廊開立之原作 保證書（門生聯合簽署）

被譽為「臺灣現代繪畫導師」的李仲生曾言 :「 前衛藝術如果 沒有精神性，就極容易落入設計或圖案的陷阱。」，李仲生認

為抽象必須拋棄「文學性」、「敘事性」、「主題性」等框架， 擁抱個人的精神世界，才能呈現出形而上的藝術之美。

受卡爾．榮格（Carl Gustav Jung）潛意識理論與超現實畫派 的影響。在李仲生的創作中，畫面伴隨著神祕潛意識的牽引， 近乎以直覺繪畫，呈現出雖不合乎可見世界的邏輯，但卻顯 現藝術家所觀察的心象世界。其次，李仲生以帶有東方氣質、 書法韻味的線條，搭配色彩與肌理相互纏繞，建構出氣宇躍 動的美感。

此《抽象》作品，雖是質地較輕質的水彩畫，但李仲生以黑、 白、紅等對比性強的色彩改以視覺帶出整體的份量感，屬實難 得少見；用豪放的筆觸潑墨般揮灑，磅礡的氣勢衝擊著觀者， 掀起觀者的情緒波瀾，感受著繪畫最純粹的本質。

114

WU GUANZHONG

( Chinese, 1919-2010 )

Parrots

68 x 68 cm

Lithograph, 51/300

Signed Wu Guanzhong in Chinese and numbered 51/300

With two seals of the artist and Inscription

NT$ 180,000-280,000

US$ 5,800-9,000

51/300

51/300

鸚鵡 版畫

簽名：吳冠中

鈐印：冠中版畫（白文）九十年代（朱文） 款識：鸚鵡前頭人語喧 誰人不敢言

115

RENÉ MAGRITTE

( Belgium, 1898-1967 )

Poire et Rose

18 x 13.5 cm

Etching Japanese Paper, limited edition of 150

Signed Magritte in English, numbered 150

PROVENANCE:

Purchased from Phillips, London, UK

NT$ 220,000-320,000

US$ 7,100-10,300

Poire et Rose

1968

蝕刻 和紙版畫 限量 150 版

簽名：Magritte 150

116

PENG KANGLUNG

( Taiwanese, b.1962 )

Bamboo Shadow Whirling

138 x 70 cm

Ink on Paper

Inscription: Bamboo Shadows in Kanglung's Painting Style.

NT$ 360,000-500,000

US$ 11,600-16,100

彭康隆 竹影婆娑 水墨 紙本

款識：康隆畫風霖中的竹影婆娑 在泰利風 云大土後 興時在酒館喝酒最好不過

彭康隆擅長以創新水墨技巧，獨到之處 在於展現了當代詩境與傳統山水哲學的 融會貫通，為台灣當代水墨先鋒畫家。

以傳統水墨為主，再以新媒材和新技法 為輔，開創出具有個人風格的新水墨畫 美學。彭康隆部分創作題材為清麗的草 木花卉，藉由植物的微觀宇宙，引領觀 者在靈性層面上探尋，重新連結與大自 然的關係。

CAI GUOQIANG

( Chinese, b.1957 )

No.8-16

13 x 18 cm

Gunpowder on Paper

Signed Cai in English

Signed on reverse: CHINA Cai Guooqiang in Chinese

NT$ 380,000-500,000

US$ 12,300-16,100

蔡國強

第 8-16 號 火藥 紙本 簽名：cai 背面簽名：中國 蔡國強

蔡國強的藝術是把東方哲學和火藥等材料結合起來，橫的移 植中國傳統水墨的涵養，衝擊了西方主導藝術的地位。

他以一個完全隨意的手段「控制」一種「不可預料」的結果， 火藥的爆破使藝術家得以擺脫因理性框架所牽制的思維模式 與美感判斷，從縝密的計算排列火藥到實際產生爆炸，從心 理雀躍焦躁到瞬間被發洩一空，火藥的碳粉取代墨水在畫布 上恣意展開，蔡國強形同行為表演者與他的材料共舞、奏曲， 隨後若如旁觀者般，留下時間、過程的記憶，欣賞一幅幅自 己積極參與、卻不被任何人包括自己支配或限制的美。

然而對《第 8-16 號》作品的觀察，可以從燒灼痕跡動向， 以畫面右下角爆炸為中心向左上角伸展，在周圍紙材黑與白 交界銳利，就明顯可以察覺蔡國強像是透過某種阻絕方法試 驗，想更強硬的控制爆炸與其轉化的炭性蹤跡，但從結果看 來，唯一似乎成功發生仍只有藝術家與材料對抗的相互彆 扭。如畫面右下角最深層炭化纖維產生藕斷絲連黏稠感，像 乾固的墨汁仍呈現天然油光，爆炸沒有向著平面燒灼，火吻 固執地選擇向下挖掘；在最後一苗火光逝然而退，蔡國強再 也找不到當時炙熱的火花，理所當然誰也抓不住，獨留蔡國 強一人欣賞這不羈的材料與它轉換的純粹存在。

「可見者的本性就是要擁有嚴格意義的不可見襯裏，使它作為某種不在場呈現 而出。」 法國現象學家 莫里斯．梅洛．龐蒂（MauriceMerleau-Ponty）

118

TAKESADA MATSUTANI

( Japanese, b.1937 )

Vertical-1

33 x 24 cm

Vinyl Adhesive, Graphite Pencil on Japanese Paper mounted on Canvas Signed on the reverse: Matsutani in English, dated 2001, and titled in Chinese, size 33 x 24 cm

PROVENANCE:

AKI Gallery, Taipei, Taiwan

With a certificate of authenticity from gallery

NT$ 750,000-1,000,000

US$ 24,200-32,300

1955年由吉原治良所創辦英日雙語的《具體GUTAI》雜誌 提到：「我們希望更具體地表現出，我們的精神如何自 由」。

1954 年戰後日本的當代藝術領域核心人物之一吉源治 良，以證明精神是自由且存在的、以創作表達反對規

訓極權化為原則理念，在多次往來國際後帶領一群滿 腔熱血的年輕藝術家，創立「具體藝術協會（Gutai Art Association）」。歷經帝國興衰的日本具體派藝術家們攝 取教訓，以藝術為方法的發起運動，明確反對當時日本當

代藝術陷入現代主義，並提出現代藝術將物質、繪畫框 限於精神的虛偽，產生一種被翻新後規訓與極權的形式危 機。

1937 年出生於大阪的松谷武判，起初學習日本畫出身，

也於 1957 年入選西宮市展日本畫部。1960 年結識了吉 原治良並拜其為師。一邊學習具體派為社會、為精神、為 自由的前衛藝術觀念、並薰陶於用身體行動與物質對話的 創作方法，一同具體派團體迴盪在世界各地舉辦各種形式

的藝術發表、向社會處境發出聲音。在 1962 年以塑膠接 著劑製作浮雕作品，受到吉原很高的評價，因而於 1963 年正式成為具體美術協會的會員，而後於 1966 年第一回 每日美術競賽中獲獎後前往法國。

1967 年加入版畫巨匠 S.W Hayter 的創作工房，於多數的 國際版畫展當中獲獎。1980 年代之後，以黑色鉛筆塗抹 開帆布上的塑膠接著劑來創作作品。並於 2019 年六月在 法國龐畢度中心發表個展，現在也於國際之間活躍中。

受到日本美術史上的第一個前衛藝術團體 ( 具體派 ) 的影 響後留學並定居巴黎，發展出更大膽的創作嘗試，創作對 於松谷武判來說不再只是追求結果的行為，更是一種結合 精神感應、身體流動與物質變化最後留下的蹤跡，也可以 說是更在乎現象「發生」的過程。

松谷武判

垂直 - 1 2001

乙烯基樹酯 石墨鉛筆 日本手工紙裱貼於畫布

畫背簽名：垂直 -2001 33 x 24 cm Matsutani 2001

來源：

也趣藝廊，台灣 台北

附畫廊開立之原作保證書

數十年後的今日，松谷 仍持續創作不懈，更轉

向嘗試停下時間將現象 發生的過程凝結，將這 瞬間具象化，藉此感受 生命的重複與流動。

最難表達的，不乏為極 簡至極的講究。此件作 品《Vertical-1》為松谷武 判少數的縱線性系列作品，透過他聞名藝壇的石墨炭筆和乙烯基 樹酯的獨門技法，映入眼簾的先是強烈視覺構圖於畫面中右半邊 黑色區域，遠觀讓人以為是乾淨整齊的色塊，近看才能看出乙烯 樹酯經過置入顏料層後膨脹與消退的化學反應，依照松谷武判的 縱向構圖呈現平行。相對灰色區域則透過細緻沉澱於純麻畫布纖 維的石墨粉粒，顯現出藕斷絲連的薄霧在空氣中纏綿情形。

在上述形容中，不難看出作品運用了較多自動技法，但令人驚嘆 的是一切安排像是被精緻計算過後的結果，不失視覺重量平衡下， 同時保持左右兩側不同化學反應自然漣漪，細緻乃至於紋理動向 的適切感。若不是松谷武判纖細敏感的心思又怎麼能有如此精準 判斷，為此也能看出松谷武判平日心性修為，充分顯現日本匠人 精神，一絲不苟地將每個細節完美處理，灰黑兩側中間隔的原紙 質塊狀就可以反映，左右比例少一點垂直的力量感就不同、擴散 與膨脹反應稍有失控紋理就會不同、手部與工具的力道與心境稍 有浮動也會不同，如同中間原紙色塊下方的左是銳利、右是扭曲， 各適其量，只要當中哪裡多一點了，就不再屬於「這張 Vertical」 的永恆了。

具體地「再具體」用作品創造空間理解與深度，擴張松谷武判對 他所見的現象維度，以低限度的畫面干預，溫潤沈穩的封存精神、 肉體、時間三位一體，挑戰觀者的知覺與思維的交纏。如果在松 谷武判的作品面前你問起「現象」在哪，那麼它將告訴你：「它 就在你面前。」

藝術家 松谷武判 Artist Takesada Matsutani

CHIHARU SHIOTA

( Japanese, b.1972 )

Blue Person

40 x 30 cm

Watercolor on Paper

Signed C-S in English

PROVENANCE:

Galerie Daniel Templon, Paris, France

NT$ 500,000-900,000

US$ 16,100-29,000

Galerie Daniel Templon，法國 巴黎

關注於人類共通情感，塩田千春創作題材經常圍繞著生、死、關係、夢、記 憶、創傷等議題。以個人的經驗出發，卻能掀起觀者潛意識的情緒波動，享 受著靈魂的顫抖。

塩田千春以自身的經驗去創作，但她並不是只以自己為中心來觀察，而是具 備了一種能俯瞰整體的觀點。她追求真實，探索萬物的根源，宛如走在螺旋 樓梯上一樣，不斷旋轉探索。這種探索對周遭釋放出極其強烈的能量，身處 中心的她卻依然冷靜地凝望著真實。

日本藝評家中原佑介（Nakahara Yusuke）曾指出，「 塩 田千春的作品很像 颱風，周圍銳利、不斷被往內拉扯，中心卻始終保持寧靜。」就像走進《藍 人 Blue Person》作品的世界中，強烈、赤裸的能量穿透，狠狠撼動觀者內心、 召換了自我最深層的黑暗。但恍然回神卻又能感受到一絲的靜謐和洗滌。

「我想知道靈魂的歸屬和去向。」

120

CHIHARU SHIOTA

( Japanese, b.1972 )

Untitled # 4

32 x 24 cm

Mixed Media on Paper Signed C-S in English

PROVENANCE:

Galerie Christophe Gaillard, Paris, France

With a certificate of authenticity from gallery

NT$ 300,000-400,000

US$ 9,700-12,900

塩田千春

無題 # 4

2011

綜合媒材 紙本 簽名：CS.

來源：

Galerie Christophe Gaillard，法國 巴黎

附畫廊開立之原作保證書

大約 12 歲起，塩田千春就立志想要當畫家，但大學時遇到了瓶頸，找不到自己的獨特性， 經過一番探索，找到了線這種材料，因而開啟了不凡的創作之路。她以畫家的視野將整 個 3D 空間當作她的畫布，這也是她與其他藝術家不同之處。

塩田千春的創作極具衝擊感及渲染力，以細長的棉線交織、纏繞出關於回憶、夢境、生 死的宏偉景觀，將線不停地編織，直到看不出線的樣子，就能創造出另個宇宙。

透過作品輕觸觀者內心世界的一絲一毫，她認為線就像鏡子，經常可以反射出她當下的 內心感受，也可以反映人與人之間的關係，觀賞她的作品時，儘管沒有做前期研究，也 能透過她獨特、視覺性強的畫面，自然而然地走入作品其中。黑色為塩田千春創作三原 色（黑、紅、白）中最早出現的顏色，到 2015 年後，才由冷酷靜默的黑，轉向為目前最 廣為人知的紅。

此幅畫作中的人舉著面具隱藏真實的樣貌，但是情緒卻透過交錯的黑色棉線蔓延開來， 感染了整個畫面氛圍，是孤獨的、安靜的，留白的部分很多，反而給了觀者更多的空間 去念想。

121

AYAKO ROKKAKU

( Japanese, b.1982 )

A Ghost

24 x 25 cm

Acrylic on Cardboard

Signed Ayako Rokkaku in Japanese, dated 2006

PROVENANCE: BENIYA Gallery, Aoyama, Japan

NT$ 300,000-450,000

US$ 9,700-14,500

六角彩子

此次特獻《小鬼 A Ghost》一作，正是六角彩子較早期使用瓦楞 紙板為底材，以壓克力厚薄適宜，配合相對力道的處理出瓦楞紙 特有的紋理，留下飛白、糊稠、指紋 等有溫度的肌理，用色方 面多為六角彩子不假思索的純色相，以童貞心理將畫中主角的小 女孩與鬼魂結合，又將其直接具象化，手指塗抹樸拙又能見到敏 銳造型判斷，最後有趣地落成可愛的小鬼，雙手扶在胸前、一隻 手掌摀向嘴巴，像是對自己的出現也很驚訝。

且此件作品實屬可遇不可求，在藝術市場少有的瓦楞紙材料，還 看得出來畫中小女孩也是後來作品那個看來傲嬌多情的小少女原

型，又是六角彩子作品中非常少見畫面輕鬆豁達、聚散表現均等 的作品。不同於尋常平面作品單一對稱的置入牆面，畫紙邊緣獨 一無二手撕質感，能讓牆面多一份屬於真實而純真的溫度，也讓 空間有所層次起伏、質感變化。

「 我是盡力回到兒時的心境和初衷來作畫的，每個人小時候都有 過不加思索，只是拚命塗寫畫畫兒的經歷，觀眾看了我的畫，可 能會回憶起那時的心境吧。」或許，「純真」就是六角彩子觸動 觀者的秘訣，而國際間藝術機構、市場與藏家如今正逐漸在印證 這看不到的觸動。

AYAKO ROKKAKU

( Japanese, b.1982 )

"Magic Hand" Exhibition Carpet

Diameter Ø 190 cm

Printed Microfiber Rug

EXHIBITION:

'' Magic Hand, '' Chiba Kenritsu Bijutsukan Art Museum, Chiba Japan, October 31, 2020 - January 11, 2021 This

NT$ 300,000-480,000

US$ 9,700-15,500

六角彩子

「魔法之手」展覽限量地毯

六角彩子從未接受過正式的藝術訓 練，他的作品充滿卡通童幻元素，夢 幻斑斕，受到義大利貧窮藝術（Arte Pover）的影響，她喜歡用瓦楞紙及舊 廢棄物等隨手可得的日常材料進行創 作，透過手指與顏料恣意塗抹，透過 藝術創作體認到生活的真實，也或許 正因她未受過正式的藝術訓練，作品 更多了一份自由純樸的率真，讓畫面 四溢活潑張力。

ALEX FACE (PATCHARAPOL TANGRUEN)

( Thailand, b.1981 )

Hide and Dry

Diameter Ø 62 cm

Oil and Acrylic on Canvas

Signed Alex Face in English

PROVENANCE:

Bangkok City City Gallery, Thailand

NT$ 180,000-320,000

US$ 5,800-10,300

Alex Face（帕查拉波爾‧唐魯恩）

隱藏與乾燥

2020

油彩 壓克力 畫布

簽名：Alex Face

來源： 曼谷城市畫廊，泰國

在這個動盪不安的世界裡，總有這麼一群人，渴望透過自身的力量，用 不同的方式，對這個世界造成一點改變，Alex Face（帕查拉波爾‧唐魯 恩）就是其中一位。

隨著街頭塗鴉開始被大眾接受，並逐漸於藝術市場熱化，身為街頭藝術 家的 Alex Face，也為人所熟知。他對於社會現象十分關注，利用街頭塗 鴉揭露隱藏在人們視野下的問題，試圖讓大眾了解並正視生活中種種社 會問題以及局勢的變化。

他筆下標誌性的角色「三眼兔」Mardi，靈感始於女兒的誕生，藉由兔子 裝扮映襯著孩童的天真可愛，同時兔子也是在食物鏈被獵食的對象，象 徵著孩童在社會中的弱勢。穿著柔軟蓬鬆外衣的可愛角色，臉上卻流露 出悲傷的情緒，也是投射出 Alex Face 對於下一代的所處環境的憂慮與擔 憂。Alex Face 希望藉此喚醒大家多關注孩童相關的社會議題。

三眼兔頭上的第三隻眼，帶有著些許東南亞傳統宗教色彩，或許代表孩 童有著不同的視野，可以用不同的視野去觀察到一般人所難以發覺的癥 結點，也象徵著某些事情無法用肉眼去觀察，需要透過感知來體會。這 也是 Alex Face 期望自己的作品能呈現出的境界。

124 NIKKI ( American, b.1996 )

Starlight Children

''look to BEAR right''

111 x 111 cm

Mixed Media on Canvas

Signed on the reverse: Nikki in English

PROVENANCE:

FNG-ART Gallery, Taiwan

With a certificate of authenticity on the reverse, signed by the artist

NT$ 500,000-900,000

US$ 16,100-29,000

Nikki 星光智者「看向右邊的熊」

2021

綜合媒材 畫布 背面簽名：Nikki

來源：

FNG 畫廊，台灣

附藝術家工作室開立之原作 保證書（畫背）

早期以插畫、兒童繪本創作為主的藝術家 Nikki，色彩運 用繽紛鮮明，擅長繪畫活潑俏皮的小女孩為主體，並融合 諸多日本與美國當代藝術家標誌性創作元素，賦予新意。 此作品同樣地以獨立的大眼女孩作為畫面主體，再以粉嫩 色系的背景，搭配同色系造型洋裝及小熊造型頭飾，呈現 可愛童趣的意象，藍色雪亮大眼看向右邊，對應了背景的 星光元素，使得畫面觀感多了一分澈亮，機靈清晰的女孩 還露出掩藏不住地露齒斜笑，彷彿思考著什麼俏皮計劃。

在 Nikki 的作品中，不但喜歡以小女孩作為創作主角，還 喜歡加入許多幾何圖形，使其作品呈現更具獨特的細節， 並運用慣有的明亮色系，融合童趣意象的動物圖案，呈現 森林系的反璞歸真，充滿春日繽紛的活力氣息。

125 NIKKI ( American, b.1996 )

Untitled

120 x 120 cm

Mixed Media on Canvas

Signed on the reverse: Nikki in English

PROVENANCE:

FNG-ART Gallery, Taiwan

With a certificate of authenticity on the reverse, signed by the artist

NT$ 600,000-950,000

US$ 19,400-30,600

Nikki 無題

2021 綜合媒材 畫布 背面簽名：Nikki

來源：

FNG 畫廊，台灣

附藝術家工作室開立之原作 保證書（畫背）

早期創作手法、畫面用色繽紛鮮明，繪畫活潑可愛的女孩 圖樣，並融合諸多日本與美國當代藝術家標誌性的創作元 素，這是藝術家 Nikki，其早期作品的創作靈感來源，源自 於對自我的描繪與象徵，融合不規則的幾何色塊來點綴作 品，使作品呈現特色細節，並充斥著天真爛漫，帶點甜而 不膩的趣味。

透過創作獨立大眼女孩來描繪自我心理，運用繽紛的配色、 個性的情感姿態，繪製出專屬個人意象的俏皮女孩系列。 用色上喜歡採用較為繽紛的色調呈現，以全新的角度再賦 予人物新生命，呈現出對精神的純粹視野。而後期作品更 是增加了不同角色與空間呈現，進而感受得到 Nikki 欲傳 達細微的心境變化。

126

YOSHITOMO NARA

( Japanese, b.1959 )

Y.N. (Self-Portrait)

49 x 38 cm

Print, 2/35

Signed NA in Japanese, dated 2002, numbered 2/35

PROVENANCE:

Tomio Koyama Gallery, Tokyo, Japan

NT$ 550,000-650,000

US$ 17,700-21,000

奈良美智

Y.N.（自畫像）

2002

版畫 2/35

簽名：2/35 な 2002

來源：

Tomio Koyama 畫廊，

日本 東京

「我畫的小孩們都是自畫像，但大家卻以為我是個 對小孩有興趣的人…事實上，我真正有興趣的是我 自身的兒童時代。」 奈良美智

奈良美智在《美術手帖 - 奈良美智特集》的訪談中透露， 原本確實想畫的是少女，「 中途我才注意到原來這些都是 自畫像」。

《Y.N.（自畫像）》作品一如往常的風格，是個帶有厭世 眼神，且眼角上揚、眼睛瞪得非常大的臉龐。不過這次的 頭髮較短，相較之前的作品，有增添了一些男孩感，表情 看起來像是喝了什麼奇怪的氣泡飲料，憋在口中驚訝的樣 貌，氣泡直衝腦袋，頭頂冒出一顆顆的氣泡痘痘，呈現出 具有童趣感又詼諧的風格。

127 MR.DOODLE

( British, b.1994 )

Untitled

34 x 60 cm Marker Pen on Paper

Signed MR DOODLE! in English

NT$ 160,000-220,000

5,200-7,100

喜歡使用密集線條塗鴉，類似纏繞畫的線條呈現方式，卻又飽含 著自己個性的符號，這是藝術家 Mr. Doodle，憑藉著濃烈的個人 風格為人熟悉。

作品縱然是單色，所描畫的人物卻是露出笑臉或是神態古靈精 怪，統統都反映出藝術家自身的真性情，從顛覆塗鴉的原始規則， 以獨特筆跡填滿所有空間；創作領域廣泛，由街道設施、隧道、 傢俱、服飾到電器不等，畫風破格的呈現方式，在任何地方即席 創作，不需任何思考，作畫速度極快且具故事性及結構性兼備。

「我的作品是根據個人情感而走，由本能去創作人物，而且這些角色都是快樂的。」

Mr.Doodle

MR.DOODLE

( British, b.1994 )

Sighing in The Rain

60.5 x 46 cm

Acrylic on Canvas

Signed on label: SIGHING IN THE RAIN MR. DOODLE! in English, dated 2018

PROVENANCE:

1. Sam Cox Ltd, U.K.

2. Acquired by the present owner from Sotheby's, Hong Kong, September 21, 2021, Lot 01

With a certificate of authenticity signed by the artist

NT$ 450,000-1,000,000

US$ 14,500-32,300

Mr.Doodle 雨中嘆氣

2018 壓克力 畫布

背面標籤簽名：SIGHING IN THE RAIN MR. DOODLE! 2018

來源：

1. Sam Cox Ltd，英國

2. 現藏者購自蘇富比，香港，2021 年 9 月 21 日，Lot 01

附藝術家親簽之原作保證書

「Mr.Doodle」（塗鴉先生）本名 Sam Cox，自 1994 年出 生起便開始了他在地球上的塗鴉之旅。從小時候在家中的 家具上塗鴉，繼而延伸到他整個臥室，直至筆跡填滿每一 吋空間，球鞋、衣服、床鋪、房間等，只要物件質地容許 上色，他就能即興揮筆。後來他發現家中已不足以作為他 的畫布，於是開始在附近的餐廳和學校的牆上塗鴉。他的 靈感與風格就來自童年時期漫畫與電玩遊戲的視覺印象， 並以日積月累的練習獨創出直覺的塗鴉模式。他可以在任 何地方不假思索的即席創作，且作畫速度極快，又能兼 備畫作的主題結構，在密密麻麻的黑色線條細藏快樂的角 色，反映藝術家真性情的人生。遠望他的塗鴉，好像正欣 賞一幅密集式迷宮；近看之後，你會發現這堆塗鴉是有故 事性。

Mr.Doodle 做為近年炙手可熱的藝壇新星，自 2017 年起在 藝術界開始聲名大噪，其作品廣受眾人爭相追捧，大眾對 他作品的熱情有增無減。他站在新藝術浪潮的最前沿，顛 覆了人們對塗鴉的原始印象。同時在社交媒體上擁有令人 炫目的廣泛關注度。他是不折不扣的千禧世代藝術家，作

品引發人們對當代藝術延展力的思考。正如同其他當代年 輕藝術家，Mr.Doodle 也熱衷在與著名品牌進行跨界合作， 包括芬迪（FENDI）、彪馬（PUMA）、三星（SAMSUNG） 和 MTV 等等，但他與眾不同的地方是他的目標感，他深 切而執著在擴展和分享自己塗鴉世界的願景。作為一種 釋放自己的方式，塗鴉先生的創作過程流暢、即興、果 斷、極具療癒性。他在世界各地展覽無數，如英國 Mira Place 的「DOO Something This Christmas」（2017）、韓 國 ARA 藝術中心的「Doodle World」（2018）、日本京

都 Shimadai 畫廊的「塗鴉京都」（2019）、日本東京代 官山「塗鴉東京」（2019）、香港蘇富比藝術中心「Mr. Doodle 逆襲蘇富比」等等。

他曾說：「我的目標一向是創造一種通用的即興塗鴉語言， 吸引來自世界各地的人們，並與他們連結。」，此件拍品 《雨中嘆氣》以 Mr.Doodle 一貫的塗鴉風格，用藝術家日 常生活經驗及當代流行元素作為靈感，創作出眾多獨一無 二、活靈活現的象徵符號與人物，編織出一幅滿載趣意的 作品，帶領觀眾進入藝術家的塗鴉世界。

藝術家 Mr. Doodle Artist Mr. Doodle

129

YAYOI KUSAMA

( Japanese, b.1929 )

Pumpkin

57 x 47.7 cm

Lithograph, 73/75

Signed Yayoi Kusama in English and dated 1982, titled in Japanese, numbered 73/75

PROVENANCE:

SBI Auction, January 24th, 2015, Lot 240, Japanese

NT$ 1,750,000-2,000,000

US$ 56,500-64,500

草間彌生 南瓜

1982

石版畫 73/75

簽名：73/75 かぼちゃ

Yayoi Kusama 1982

來源：

日本 SBI AUCTION 2015 年

1 月 24 日 Lot 240

被稱為日本現存的經典藝術家草間彌生，出生 於日本長野縣松本市，從小就受精神病困擾， 10 歲開始便出現幻聽與幻覺，使其日後的創 作一一展露出她擅有領導地位的前衛藝術創 作。於 1948 年離開家園，赴京都市立工藝美 術學校學習傳統日本畫，創作了許多重要的系 列，在繪畫方面之外，也涉略雕塑、瓶貼、製 片、設計、甚至寫作。

130

YAYOI KUSAMA

( Japanese, b.1929 )

Tulipe (I) from Amour Pour Toujours

45.5 x 38 cm

Glitter on Screenprint, A.P

Signed Yayoi Kusama and titled in English, numbered A.P, dated 2000

PROVENANCE:

August 1st, 2021, Art Emperor Spring Auction Lot 2038

NT$ 750,000-850,000

US$ 24,200-27,400

草間彌生 鬱金香 (I) 來自永遠的愛

2000

亮粉 絲網版畫 A.P 版 簽名：A.P Tulipe (I) 2000

Yayoi Kusama

來源：

2021 年 8 月 1 日 帝圖春拍 Lot 2038

作品主要以紙上使用水彩、不透明水彩及油彩 繪畫抽象自然形式，後期開始運用波卡圓點來 覆蓋各種表面，例如牆壁、地板、畫布、以及 後來的生活用品，這些波卡圓點後來成為了她 的作品特徵，充滿在波卡圓點的廣闊領域下， 這些都是直接取自於她的幻覺。

KAWS 高 8 米的巨型雕塑「SEEING/WATCHING」永久展示於湖南九龍倉集團 IFS 7 樓雕塑花園內 (2018)

KAWS' large-scale SEEING/WATCHING Companion sculptures permanently installed atop the Changsha IFS Tower in Hunan, China (2018)

紐約街頭塗鴉藝術大師 KAWS 與策展單位 AllRightsReserved 合 作推出的「KAWS：BFF」系列於 2016 年首度現身，當時以一 尊八米高的巨形雕塑「BFF」，威風凜凜地佇立在泰國 Central Embassy，引起各國媒體爭相報導，名聲正式在華人地區發揚、 收藏家和相關玩家開始關注，乃至觸及全球因此刮起一陣「BFF」 的潮流風暴 。「BFF」為 Best Friend Forever 的縮寫，意指永 遠親密的好朋友，回顧 KAW 從「同伴」系列到將其減法造型的 「解剖」，再到被絨毛覆蓋的「BFF」，可以看到相似的原型不 斷的延伸，看似同一再創，卻富含了 KAWS 對於二次元角色與 大眾觀看關係的不斷換位呈現：赤裸、真實或是隱藏。

「BFF」相較「解剖」正是某種程度上的加法造型、甚至改變了 之前以乙烯基作為材料，變成以絨毛作為材料，彷彿試圖呼應了 後現代美學對雕塑材質的感官仿擬，重新敘述了材質與物質雕塑 的觀看模式。可愛的玩偶以「同伴」骷髏大頭為造型基底被藍色 絨毛覆蓋，正是一種成為物質性的毛皮或外衣，意味了一種天然 的隱藏或包裝，而頭頂毛皮又再度加上了經典「XX」眼睛，賦予

新型態現身，除了再度為 KAWS 二次元角色填上有趣的玩味思 考，討喜有趣的可擺弄姿態還帶來各式互動，是許多潮流藝術愛 好者所望之購逐的目標。

此件《BFF SEEING 座燈》（BFF Seeing Lamp (Blue)）是以坐姿

造型登場的 KAWS 作品，雖然有趣的軟性皮毛因為作品的燈光 功能設計，改用合金與陶瓷取代為主要材料，但是細緻不馬虎的 做工仍然將視覺上的毛絨質感與其流動絲滑感洽當好處的還原。

更值得一提的是在漆黑的空間將此作品打開，還能看到比起以往 絨毛材質的「BFF」更多一縷光感輝映，從作品本身為光點往外 點綴空間的層次，如同夜晚歸來總會留下一盞燈的家人，那麼

《BFF SEEING 座燈》（BFF Seeing Lamp (Blue)）將會不止留下 一盞燈讓家暖心，還會「看著」、「罩亮」你／妳，就像有些比 家人還親近的「Best Friend Forever」。

眼睛的部分內建置 LED 燈光裝置，全組採用觸碰開關，在觸碰 BFF 的手部時，眼睛就會亮起來。BFF 本體與底座的部分為可拆 式設計，方便收藏者作為藝術品，或是自由擺設於任何空間，讓 作品隨時融入與空間的互動對話。《SEEING 座燈（藍）》以限

量 250 組進行發售，每款皆附上專屬獨立編號及簽名。

LOT 131

KAWS《 藍色 BFF 同伴》 美國 洛杉磯 Playa Vista (2018)

KAWS, Blue BFF Companion, Playa Vista, Los Angeles, United States (2018)

131 KAWS (BRIAN DONNELLY)

( American, b.1974 )

BFF Seeing Lamp (Blue)

Figure: 19 x 16 x 37 cm

Pedestal: 10.5 x 18 x 20 cm

Alloy, Ceramic, LED Light and Mixed-media, 208/250

Signed Seeing 208/250 KAWS.. 18

Trademark © KAWS.. 18 in English

With a certificate of authenticity and a certification card issued from All Rights Reserved

The work is accompanied by its original wooden box.

NT$ 900,000-1,000,000

US$ 29,000-32,300

KAWS（布萊恩．唐納利）

BFF SEEING 座燈（藍）

2018

合金 陶瓷 LED 燈 綜合媒材 208/250

簽名：SEEING 208/250 KAWS.. 18

註冊商標 © KAWS.. 18

附 All Rights Reserved 開立之原作保證卡與保證書

附原廠包裝木盒

132

YANG CHIHUNG ( Taiwanese, b.1947 )

Lily

78.5 x 59 cm

Acrylic on Canvas

Signed Chihung Yang in English

dated © 1992

NT$ 250,000-350,000

US$ 8,100-11,300

楊識宏

百合 1992

壓克力 畫布

簽名：Chihung Yang 1992

楊識宏創作的同時也肩負傳播藝術知識的重任，80 年代旅 美期間大量研讀西洋近代美術史，長期為台灣《藝術家》雜 誌，撰寫介紹西方藝壇最新的思潮、理論，並在 1987 年將 文章集結成冊出版《現代美術新潮》。楊識宏的貢獻不僅促 進了東、西方藝術思潮的交流，更對年輕一代的華人創作者 產生深遠的影響。

他的作品富含濃厚東方情懷，融合水墨筆法及西畫所注重的 色彩光線表現，90 年代後多以漂浮漫生的植物為題材，充 滿人文氣息，也兼容東方抽象表現之神祕氛圍。

畫作中由一朵黃色百合最為顯眼，周遭黯淡的枝葉、花苞， 襯托出黃的飽滿、燦爛，形成強烈對比，背景的深淺變化， 營造出空間感，也平衡了畫面的重量，使主題能清楚地傳達 給觀者。

133

DONG XIAOHUI ( Taiwanese, b.1962 )

Blue Flower

80 x 65 cm

Oil on Canvas

Signed D.Hwei in English and dated 2014

NT$ 550,000-750,000

US$ 17,700-24,200

D.Hwei 2014

早期繪畫風格由印象派開始發展的董小蕙，相當著重於光 影的色彩變化和情境感受，而後又致力於中國老莊哲學探 究，畫風也有了大幅度轉變。

九零年代後期畫風，因融入中國哲思意境，發展出獨具個 人風格的「黑桌靜物」、「老院子」、「黑白系列」、「濃 蔭系列」和「大樹家族」等一系列作品，《藍花》正是「黑 桌靜物」系列作品之一。

簡單的畫面構成，把焦點放在生動的花卉和違反透視的黑 桌上，由此可知，此系列所希望呈現的是較主觀的心靈意 象，並非單純的靜物寫生。牆上的光影更是畫龍點睛的存 在，使畫面有了空間感，觀者能從中感受到時光的暫留及 靜謐的氛圍。樸實的花器和桌面上的書本，替畫境增添了 一股詩意，也和諧了黑桌的強烈存在，是為一幅能讓人感 到平和且優雅的作品。

134

SHIY DEJINN ( Taiwanese, 1923-1981 )

Liyutan Reservoir 57 x 77 cm

Watercolor on Paper

Signed Shiy Dejinn in Chinese, dated 1979

With one collector's seal of Mr. Lu Ching-Hua on the reverse

PROVENANCE:

This work belongs to the collection of Shiy DeJinn Foundation, Founding Director Mr. Lu Ching-Hua

NT$ 450,000-550,000 US$ 14,500-17,700

席德進 鯉魚潭 1979

水彩 紙本 簽名：席德進 1979 背面鈐印：盧精華鑑藏印（朱文）

來源： 席德進基金會創辦人 盧精華先生 收藏

「敞開你的心靈，去承受眼前的平凡，從平凡中，發現神奇。重新去看一朵雲、一片草 地、一幅遠山，用自己的氣質去解釋它。我堅持直接面對自然作畫，是因為自然的千變 萬化莫測。那種氣候、那種微妙的色彩，非待在畫室中用一套公式來界限自然，反覆製 造風景的畫家所能夢想得到。」

席德進《席德進水彩畫集 1977：我畫‧我想‧我說》

鯉魚潭位於花蓮壽豐鄉，為花蓮境內最大的內陸湖泊，東傍鯉魚山而得名。鯉魚潭水面清澈如明鏡， 反映青翠山色，也回應岸邊的凝視：「當我獨自面對一片清澄的水，我彷彿照見了自己。用心靈滲透 入自然，反察自己在人生中所扮演的容顏。讓自然潛移默化我們漸趨於寧靜、和平、善良。因而對生 存倍增歡欣和勇氣。」翻開席氏生命的最後幾頁篇章，我們看見他在苦澀的疾病惡狀中，燃燒生命的 火光，描繪出對台灣山水的深情觀照。1979 年，席德進望向朦朧山水、沐浴湖光，提起大筆，揮就了 此幅《鯉魚潭》。

《鯉魚潭》呈現以席式最擅長的水彩手法，將整張畫紙充分打濕、浸飽水氣後，將彩筆一劃而過，帶 出山巒的磅礡氣勢。微妙的濃淡變幻層層推移，創發出迤邐不絕的壯美山色。近景，乳白色湖面與朝 霧合一，向觀者席捲而來，氤氳的水氣；蒼鬱綠地橫豎其中，散逸著朝陽霧氣中的清新。山影微茫， 綠林清晰，湖光閃白，薄霧繚繞的《鯉魚潭》，席德進以天地間虔心揮霍的習作，沉澱出生命自然的 真諦，也洗濯觀者積生塵穢的心靈，教人不自覺地，忘卻了昨日，亦忘卻今宵。

「 這裡的山是台灣的山，也是席德進的山，這裡的筆墨是 秦漢的書法，這裡的意境是現代的中國的意境。因為我的 素描根好，所以對造型的把握十分準確，因為我的涉獵 廣，所以我的水彩融合了油畫色彩的豐潤和水墨氣韻的靈 動，是一般水彩畫家畫不出來的，也是西方畫家畫不出來 的──這種的山水的稜線是我勤練毛筆所得來，你看每一 轉折都有學問在，每一頓挫都有精神在，這就是現代的中 國畫，道道地地的席德進的畫。」 席德進（郭沖石〈無 限延伸的水平線〉，見《懷思席德進》，第 56 頁） 席德進一向熱愛寫生，立畫架、尋方位，並對眼前風景千 挑細選，若興致正盛、美景當前，時常會忍不住再畫一幅。 有次摯友盧精華陪同他去埔里賞遊作畫，發掘一處面對山 巒的好景致，但待畫具安排妥當，他竟不畫了，率性地躺 在草叢中看藍天白雲，他說：「雲霧太濃，層次不清，遠

山畫不到，要等霧散再畫！」霧未散去，絕不動筆，便如 此等待了整個上午。席德進就是如此堅持現場寫生的藝術 家。

席德進創作，從來不打草稿，他面對群巒壯闊，而是在凝 視景物之後，直接畫上去。但落筆慎重，運筆豪放，一筆 下去竟孕有豐富的濃淡、剛柔之變化。在層次的渲染中， 可感受流動的空氣和氤氳的水氣，既擁有拂曉晨曦的朦朧 感，又散溢著朝陽霧氣中的清新感，又有雨後天晴的明麗 清朗。面對水彩畫紙，藝術家心境有如獨處深山，卻內含 筆力萬鈞。《溪出眾山外》的嵐氣奔騰，行雲流水，猶如 海流的激嘯，大筆橫曳，濃淡、虛實變化萬千。正如北宋 文人韓拙在其《山水純全集》內所言：「 夫通山川之氣， 以雲為總也。」雲霧繚繞，既以水形成，又隨群山形狀而 幻化，讓畫作更加生機蓬勃、吞吐天地。

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SHIY DEJINN ( Taiwanese, 1923-1981 )

The Stream is Outstanding Outside

the Mountains

66 x 111 cm

Watercolor on Paper

Signed Shiy Dejinn in Chinese, dated 1980

With two seals of the artist and one seals of collector's seal of Mr. Lu Ching-Hua on the reverse

PROVENANCE:

This work belongs to the collection of Shiy DeJinn Foundation, Founding Director Mr. Lu Ching-Hua NT$ 550,000-650,000 US$ 17,700-21,000

席德進

溪出眾山外 1980

水彩 紙本

簽名：席德進 1980

背面鈐印：席德進印（白文）、席氏書畫（白文）、 盧精華鑑藏印（朱文）

來源： 席德進基金會創辦人 盧精華先生 收藏

''The mountains here are Taiwanese mountains, but also the mountains of Shiy De-Jinn. The ink drawing here is of Qin Han calligraphy, and the aura here depicts the Chinese modern aura. Due to my excellence in sketching techniques, I have confidence in accurate styling. Due to my diverse experiences, my watercolor depicts the vibrancy of oil paint, and the spirits of movements found in ink-drawing. Ordinary watercolorist are not able to achieve this, neither can Western oil painters. My sharp and precise strokes that made up of mountain and watery scenery can only be accomplish through calligraphy practices. Every turn requires certain scholarly questioning, every pause inherited spirits, and this is modern

Chinese painting-the works of Shiy De-Jinn'' —Shiy DeJinn(Guo Chong Xi, ‘’Unlimited Extension of the Horizontal Lines’’ Missing Shiy De-Jinn P.56)

Shiy Dejinn had always been passionate about landscape drawing. He would often set up his canvas, search for the

best angle, then strictly embrace the scenery with his drawing materials. Often times when the resource provided excessive inspirations, he would express his exhilaration by painting multiple pieces. Without doing any rough drafts, Shiy Dejinn usually transform his target onto his canvas directly and immediately after gazing at the magnificent nature in front of him. His solid and cautious brushstrokes evolve changes between full interactions between strong and weak essences, thick and light qualities. Another most alluring component of the piece would stand between the layers of composition built by the shadows and outlines of the deep mountains, brilliantly portraying the boundless yet yearning open space. In the mid ground align the tall trees that compliment the flowing water and reflections of all forms, merged by smoothing colors of ink and watercolor. Shiy Dejinn had adopted the dramatic forms of natural landscapes, brilliantly indicating the endless sovereignty of the river. The grandiose and flamboyant atmosphere and spirit have earned great value to the painting.

PAUL CHIANG

( Taiwanese, b.1942 )

Hundred Year Temple 98-14

203 x 152 cm

Oil on Canvas

PROVENANCE:

Eslite Gallery, Taipei, Taiwan

EXHIBITION:

''PAUL CHIANG: A RETROSPECTIVE,'' Taipei Fine Art Museum, Taipei Taiwan, March 28 - June 14, 2020

With a certificate of authenticity from gallery

NT$ 6,500,000-7,500,000

US$ 209,700-241,900

江賢二

百年廟 98-14

1997-1998

油彩 畫布

來源：

誠品畫廊，台灣 台北

展覽：

「江賢二：回顧展」，台北市立美術館，

台灣台北，2020 年 3 月 28 日至 6 月 14 日

附畫廊開立之原作保證書

2020 年在北美館的「江賢二回顧展」快速地掀 起了一陣觀展的旋風。他的作品意念純粹，信 條是藝術可以淨化人心，這也牽動著他這一生 所創造出來的所有作品，包含這幅《百年廟 9814》。

這位特殊的藝術家生於 1942 年，於十五歲立志

走向藝術，畢業自台灣師範大學藝術學系，而後 前往紐約數十年，直到七十開外才於北美館舉辦 一個大型的個人展。足見這名藝術家的意志力、 影響力與蓬勃的創作量能。

他以抽象畫聞名。畫作的風格不易用語言明確闡 釋，然而作品內的筆觸卻能如影似魅，鑽進觀畫 者的內心，造就深邃、後勁深遠的感動。

江賢二海外寓居 30 年，專注於「封窗作畫」。 透過木板與簾巾等物，將窗戶封住，隔絕聲音、 光源，再進入工作室中，進入極度專心的狀態， 捕捉「精神的光源」。是以其色調以深黑、濃郁 的情緒為主體，此後這樣的一個特色便深深影 響、根植於江賢二的創作之中。

江賢二於 1996 年正式回台，並且定居台東，日

後更受到當地的自然風光所啟悟，決定朝向另一 個路徑前進――而原先沉鬱的筆觸，便緩緩開展 出了另一種全新的生命力。他持續創作一系列至 今廣為人知的系列畫作――即在北美館展覽並大 受好評的《金樽／淨化之夜》、《冥想空間》以 及本次的作品「百年廟」系列。

「百年廟」系列的緣起，是江賢二返回台灣，出 門的途中，在地熟悉的廟宇裡捕捉到的一股全新 繪畫概念――他把握住這個瞬間的神思，《百年 廟 98-14》便在這樣的機緣中次第誕生了。

《百年廟 98-14》中所傳達出來的宗教式與精神

式的神祕體驗，和其相對應的創作《巴黎聖母院》 有異曲同工之妙，論及風格，兩者都是充滿較 濃厚的色調處理宗教聖地裡，嚴肅的光亮。在這 樣交錯的畫面裡，感受的已不是形式上的廟宇， 而是一種肅穆的虔誠，還有一顆讓人沉澱下來的 心。它同樣跨越了國際、文化的藩籬，而通往一 種普遍性的感動。

「我盡我的能力、我的一切，一輩子創作到最後，只求無憾於我的藝術。」

草間彌生

「我只是一位執迷的藝術家（obsessiveartist）」

137 YAYOI KUSAMA

( Japanese, b.1929 )

Window Display Objets 6 Pieces

For Louis Vuitton Designed By Yayoi Kusama Studio

a. 30.5 x 29 x 81 cm (3)

b. 36 x 40 x 113 cm

c. 27.5 x 34 x 67.5 cm

d. 27.5 x 22 x 38.5 cm

Painted Resin (6)

EXHIBITION:

''The Shop Window of Louis Vuitton Head Office,'' Texas USA, 2012

NT$ 1,900,000-3,000,000 US$ 61,300-96,800

草間彌生

路易威登總店櫥窗展示物件（草間彌生工作室設計）六件一組 2012

彩繪 樹脂 (6)

展覽：

「Louis Vuitton 路易威登總店櫥窗現場」，美國德州，2012 年

草間彌生《無限網》

身為 21 世紀裡受全球關注的前衛藝術家，草間仍舊默默地以 生命傾注藝術創作，並和與生俱來的精神苦痛共生：「我不 想治好我的心理疾病，我想要運用它們作為我創造藝術的力 量。」而心理疾病蔓延而生的痛苦脈絡，就是指引她創作不輟 的唯一路徑。

自 2011 年在巴黎龐畢度中心 (Centre Georges-Pompidou) 的回 顧展後，草間的花漾圓點現象在歐洲快速擴張、於英國倫敦泰 德美術館盎然綻放，法國奢華品牌 Louis Vuitton 也於此時發出 跨界合作之邀約，於是大膽迷幻的豔彩視覺將原本單調色彩的 LV 精品煥然一新，並巧心挖掘草間彌生善用將圓點完全融合空 間之特點，進而創造全新空間的能力及酷炫繽紛的效果。在當 時藝術界、時尚圈掀起一股華麗而衝擊的話題風暴。

此拍特獻 2012 年草間工作室於 Louis Vuitton 德克薩斯州總店 的櫥窗所展示之裝置物件，長寬不等的六件為一組，並皆為當 時的限量非賣品。外觀上，漾著草間的經典招牌圖式――紅白 波點以及狂想中的「神經」觸手，可完美地融合在各種異域空 間，打造耀眼魔幻的獨特氛圍。它們曾在五光十色、熙來攘往 的街頭獨領風騷，就如當年勇闖紐約藝術圈的年輕女子，而今 以沉醉夢幻的點點斑紋及超然的生命毅力征服了世界，並用繁 密的圓點構築一張溫柔而堅韌的網，接住無止盡墜落的自己。 此作品不僅代表著時尚品牌 Louis Vuitton 跟當代藝術攜手合作 的巨大成功，也象徵草間彌生個人藝術生涯的無限可能跟永垂 不朽的價值。

1961 © YAYOI KUSAMA Yayoi Kusama and Infinity Net, 1961; Artwork © YAYOI KUSAMA

138

KAWS (BRIAN DONNELLY)

( American, b.1974 )

Dissected Companion (Gray)

33 x 50 x 125 cm

Fiber Reinforcement Vinyl, limited edition of 100 Trademark © KAWS.. 09 (left foot) MEDICOM TOY 2009 MADE IN CHINA (right foot)

With a certification card issued from MEDICOM TOY

The work is accompanied by its original box.

NT$ 1,400,000-2,200,000

US$ 45,200-71,000

KAWS（布萊恩．唐納利）

解剖同伴（灰色）

2009

纖維增強塑料 限量 100 件

註冊商標 © KAWS.. 09（左腳底）MEDICOM TOY 2009 MADE IN CHINA（右腳底）

附 MEDICOM TOY 原廠保證卡

附原廠包裝紙箱

1991 年 KAWS 開始在街頭進行塗鴉，然後是以米其林先 生為形象延伸的「老友」系列油畫作品，之後的 KAWS 經 常受到各方邀請，在倫敦、紐約、東京等地開設個人畫展。 KAWS 最有名的就是翻玩其他卡通角色所推出的公仔，將 眼睛的部分劃上兩個大「ＸＸ」，頭部變成骷顱，耳朵有 兩個大骨頭，日本大師手塚治虫的原子小金剛以及迪士尼 的米奇亦被 KAWS 翻玩，掌握了傳達街頭文化的資本祛魅 共享精神，生產出標誌性的「ＸＸ」符號、翻轉社會肢體 象徵、體態變型，在受到安迪‧沃荷（Andy Warhol）商 業藝術美學反思，處于翻騰中的 90 年代的美國藝術文化

下，KAWS 創造出了自己的潮流藝術烏托邦，無疑為品牌 意識、商業共構、原創與二創等問題再度抬升至新的深度 與大眾娛樂共感；自此 KAWS 因而聲名大噪，被稱為潮流 藝術先鋒，可說是名符其實。

1999 年，KAWS 與日本品牌 realmad HECTIC 以及 Bounty Hunter 合作發行小型乙烯基玩具「同伴」，同時也是 KAWS 最早的立體設計，也是最經典、最受喜愛的系列， 並且同伴系列在一上市藝術的商業圈又再度掀起了潮流風 暴，更是將系列推行至世界各地流動，受到國際市場間一 陣瘋狂追隨、盛讚。「同伴」系列當然也不僅僅意味著 KAWS 面向商業市場的巔峰里程，隨後製作的「同伴」之 數種發展版本也有在世界各地的公私立美術館展出。時至 今日不論男女老少都有死忠收藏的愛好者，即便是欣賞愛 好的關注者仍不落少數，深具影響力與關注流量。

KAWS 因為曾為迪士尼創作，同伴公仔的衣著元素也受其 影響，穿上了與米奇相同的褲子與白手套，骷髏頭原先是 令人畏懼的形象，經由 KAWS 的翻玩，轉變成幽默、圓潤 的人偶造型。

《解剖同伴》即是從同伴系列原型衍生，將原先骷髏人二 次元造型以置中線從上至下剖半，另一半露出肌肉組職與 臟器，頗具趣味的揭示二次元人物的真實肉體構造，與 「ＸＸ」骷髏做出了鮮明的顛倒語彙關係，帶有幽默感地 表現出二次元人物的另一種面目，比起以往完整同伴帶著 「ＸＸ」的有皮狀態，底下有骨肉的狀態，露出單眼直勾

勾的看向前方，彷彿是更有生命的視覺感官，不禁令人聯 想到從小看到大的卡通人物們是否也只是頂著有皮的姿態 讓我們認識，又是否底下有更真實的姿態呢？而那些卡通 人物的塑造都讓孩子們曾相信他們是活著、有生命地以另 一種形式陪伴，《解剖同伴》是否在雕塑玩味之餘悄悄試 問成長後的我們，哪個才是真實陪伴我們、有生命的同伴 呢？

KAWS 曾說過：「 當我創作第一個雕塑時，我刻意地讓它 看來像我一直在創造的人物，讓它們以人類角度呈現。」， 通過切割的身体，藝術家對真實人類與虛擬卡通、生與 死、真與假之間的二元對立提出疑問，由二元對立引發出 對人類狀況的深思、或是隱藏在表面下的生命本質、或是 個體身份的認同。然而不論如何，被解讀的過程同樣是開 放和沒有限制的，正如 KAWS 的藝術創作本身。

藝術家 KAWS Artist KAWS

139

REN ZHE

( Chinese, b.1983 )

Indomitable Presence

90 x 65 x 102 cm

Stainless Steel, 3/9

Signature engraving: Ren Zhe in English, numbered 3/9

PROVENANCE: PING Art Space, Taipei, Taiwan

With a certificate of authenticity from gallery

NT$ 950,000-1,200,000 US$ 30,600-38,700

任哲 如虎添翼 2013

不鏽鋼 3/9

簽名雕刻：Ren Zhe 3/9

來源： 平藝術空間，台灣 台北

附畫廊開立之原作保證書 「在任哲以中國古代武士和文官為主題的雕塑中，他並沒有著意刻畫人物的具體神情，而是喜歡用塑與刻相 間的寫意手法表現雕塑的強烈動勢和情態所蘊涵的精神性。」

任哲，1983 年出生於北京，是一位備受關注的新世代雕塑家。 他擅於從中國傳統文化中汲取創作養分，從他作品所反映出一種 瞬間戛然而止的精神匯聚之精準把握，在造型形式上不刻意雕 琢、不忘情遺留，讓作品游移於抽象與具象的轉承之間，而若要 讓如此中國文化精神投注於無形和有形的神性、武魂、氣宇從裡 到外的被展現，勢必需將其混合入雕塑製作的身心之中，從感知、 揣摩到演練；如「塑」、「刻」、「揉」、「捏」，讓製作過程 轉譯於手部動作般。

誠然在《如虎添翼》中能找到該線索。有仰仗「精」之提煉與擷 取，將手心眼落於一致的作品轉折與圓弧、陷落，讓武將整體勢 態準確在適當的位置和力道。還有于「氣」之注入，配合指與掌 相互的變式，發力、收力甚至頓挫、快或慢，一道感受其中觸感、 濕度回饋做出對應判斷，讓肌理自然鋪張在武將身上流動。最後

黃篤

用「神」之細韻提點，亦是細部收尾；如落下這鋤刀是為作品量 體的虛、或對外空間的實，還是塊面划過是為對外空間的虛、或 作品人物的實，決定了人物在各個角度所能發揮的神韻深淺。任 哲把東方禪意的神韻和西方現代氣質作橋接，將中國傳統精髓完 美內在統合，借以西方藝術表現形式向外釋放，以文武豪傑為形 象主題，發展成為自己獨特的雕塑風貌和語彙。

任哲的作品具備了活力與寫意、虛靈的意象之美，有著「蓄勢於 外，化象於表，凝神於中」的精神核心，他不但對各種現代流派 和時代風尚了然於心，更執著於傳統文化的記憶切點與數千年的 歷史積澱，力圖在中國古代文化土壤中找到新的起點可能。作品 身上透著的靈氣與神性，不僅意含著當代創造能量與傳統精神移 植的統一，更是東西方文化脈絡、古今美學與當代價值體現的最 佳詮釋。

「人生本來就是一種無止境的追求。它的道路漫長、艱難，而且充滿坎坷，但只要自己勇敢頑強地以一顆自 信的心去迎接挑戰，他將永遠是一個真正的勝利者！」 --- 歐內斯特‧海明威（ErnestHemingway）

140 WANG PANYOUN ( Chinese, 1912-2017 )

Lonely Ship

53 x 78.5 cm

Watercolor on Paper

Signed WANG.P.Y. in English, With one seal of the artist

PROVENANCE:

Nou Gallery, Taipei, Taiwan

NT$ 850,000-1,200,000

US$ 27,400-38,700

王攀元

扁舟

水彩 紙本 簽名：WANG.P.Y. 鈐印：王攀元印（朱文）

來源： 新畫廊，台灣 台北

王攀元一飲生命之苦澀，養成於內在的荒漠獨行得怡然自適， 與孤獨對話。無邊、無際、無罣、無礙，穹宇蒼茫，是他的 知音；詩集、繪畫、一份生命的愛，是他的朋友。寂靜、沉 澱的身影時常伴隨在他的畫中，有嬌弱的扁舟、落單的鳥、 空靈的人，有時這些身影出現在夕陽的火紅餘暉邊上，又有 時出現在山林海水的撼然對峙著靈盪。

在《扁舟》中碩大的無名山峰似乎不敵眼前的洶湧風浪，往 左側傾斜，對比著輕薄的孤舟堅定向前，是忽略自身的渺小 而無畏，還是在這載沈的扁舟上乘載著什麼，比起山峰更有 重量的信念？

每個人的心中都有一艘扁舟，有的人武裝它、有的人遺忘它、 有的人只在天晴出航，而王攀元心裡的扁舟，不論多險峻從 沒停下航行，在只有自己的浩瀚中幽幽漫漫，追求無止盡的 追求，途中機遇了詩賦與光景，都被王攀元收納在每一幅精 神寶庫中。

141

WANG PANYOUN

( Chinese, 1912-2017 )

Nude (Thinking)

60.5 x 72.5 cm

Oil on Canvas

PROVENANCE:

KINGSLEY AUCTION CO., LTD., Taipei, Taiwan

NT$ 3,300,000-4,500,000

US$ 106,500-145,200

王攀元 裸女（思）

1988

油彩 畫布

來源： 來源：金仕發 2009 年秋季拍賣，台灣 台北

王攀元畢業於上海美術專科學校，師從諸多名師，如：潘天壽、諸聞運、潘玉良、王濟遠等人，替他打下了非常 紮實的基本功。也由於父親早逝，令他天生對於世界的感受就異常敏銳，其觀察人、環境與情緒的感官更是纖細 非常，這樣的特質，最終皆亦成了他創作中雄厚的一筆資產。

1952 年開始，王攀元任教於羅東中學，負責指導學生美術。王將自己作品的風格延攬進了一種孤絕寂冷的調性， 日後獲得第五屆國家藝術獎時，授獎理由也提及了這樣的風格：「一位內省的藝術家，一生堅苦卓絕，始終執著

於繪畫創作。」、「以細膩深邃的情感詮釋簡潔的主題」。

他的眾多著名作品，如：《問君何日歸故里》、《大山大水》、《秋意》、《山屋》、《故鄉》……等等都融鑄 著上述的主題。同時，他的作品也都帶有一些值得玩味的象徵，有數種不同的隱喻，譬如常出現的奔犬、瘦馬等， 或可解讀成是他自己；太陽、月亮與房舍，則是故鄉、愛人與溫暖，作畫的色調溫潤、雅致。雖然情感出於個人， 然而王攀元最終所創造出來的作品，其核心精神與力道卻遠超個人，走到了更遠之處，帶有非常超然的生命力。

他自己也曾言：「繪畫一門，就是創作者的心靈反應。」可見在王攀元的內心中，確實有一方天地，內裡充滿孤絕， 他隻身一人踽踽獨行，腳步卻越發堅強，充滿獨行的生命力。

《裸女（思）》也是在這樣的思維中被王攀元創造出來：一種無限的綺思、孤獨，流盪在整體畫作之中，主體是 一名女性的裸背，襯著背景的黑夜。再觀其空間的構圖，更顯得這份寂寞中包容一絲堅強的韌性。這個韌性是一 顆煢煢的星火，更是夜裡不滅的生命之火。當年王攀元、季竹君因盧溝橋事變分離而無緣再見，這火苗依稀正是 長在王攀元心中，一盞生命裡特殊、不滅的念想。《裸女（思）》足見王攀元的作品特色――孤苦滄桑之後，淬 鍊出一抹深遠的禪意。

「 讀書、寫作、愛情、繪畫，四者缺一不可。」王攀元早年的筆記本曾如是寫。他不只這麼思考著，也真切實踐 進了他一生的藝術創作中――他徹底貫徹了自己一生的藝術追求與使命。

142

YANG CHIHUNG

( Taiwanese, b.1947 )

Fluttering Dance

96 x 128 cm

Acrylic on Canvas

Signed on the reverse: Chihung Yang and Fluttering Dance in English, dated © 2016

NT$ 900,000-1,200,000

US$ 29,000-38,700

楊識宏

飄舞

2016

壓克力 畫布

畫背簽名：Chihung Yang Fluttering Dance © 2016

楊識宏來自台灣中壢的書香世家，自幼便熱愛閱讀，由於受 《生之慾――梵谷傳》有所啟發，毅然將一腔赤誠投入藝術 創作，擁有早熟情懷的畫家，退伍翌年即在國立臺灣藝術館

舉辦首展，後更屢為「全省美展」常勝將軍，備受矚目。對

於首次展覽之創作概念，楊識宏曾言：「心靈的日記或筆記，

他們一貫的主題都是執著於人間的意義和本質的追求。」因 此探求「 人存在的本質與意義 」就成了使他筆下無窮無盡的 源泉。 後來進入紐約普拉特版畫中心研習現代版畫，同時以

攝影概念發展了系列的複製美學之作，凸顯並批判性地指出 大都會生活中貧瘠的重複步調，彼時的紐約亦充斥著關於「自 我」、「人」、「社會」和「文化」的衝突與矛盾，於是畫 家與時代一同迎向新表現主義，他說：「 新表現主義再次重

視人性，以及有關問題，即使畫面非常醜怪，都與現代人習 習相關，自將受到重視。」

時間一晃到 90 年代，從台灣帶回數餘年的種子在紐約院中 抽芽，又是一次大受感動的頓悟，畫家畫下自然植物，傳遞 他看到的另一番面貌，心中那份衝動過了的輕狂，聯想死亡 時的沉默思考，被植物款款覆蓋，其中蘊含的生命力圓融地 把水杯盛滿，表面看著的確內斂許多，裏頭卻容得下更多情 感，由是開啟新風格的創作高峰。千禧年後，又彷彿萬劍歸

一，概念不再需要去多餘地表達，有機的抽象具現似乎恰如 其分，其 2003 年以東方水墨為材，初試啼聲便在韓國「世 界書藝雙年展」斬獲佳績，至 2007 年後將水墨融合印象、 超現實、抽象表現、攝影等其一生的藝術經歷，藉狂草之勢 疾馳書畫，掃蕩人心靈臺障霧，將人與生命、與自然最本質 也真實的關係裱於畫上。

「片刻是單一孤立的，在茫漠時間中流逝的一角；然而抒情 上，至少於藝術所提及之記憶裡，它是永恆的」，然多數畫 家與觀者之位終將被已完成的作品分立，不論從畫面中獲得 再多，總似把畫愈瞅愈遠，那是因為收穫都是抽象的，對一 幅畫而言，抽象意義涉及畫家的自我揭露，到底無法與畫作 之外的第三者的現實相符，長此以往，藝術性會隨著思想陷 入囹圄，最後美化至虛無、消失，淪此番境地之問題在於「如

地呈現彼方彼之所見片刻，他告訴我們：「 慶祝現實誕生時 刻的經驗。」由細節丁丁點點地滲透，逐漸在識海中烙下記 憶，就像從原本不曾注意何時開始下雨，直到會留意天色陰 晴，好去享受第一滴雨落下的清涼，已然陳舊生灰卻無法遺 忘，只要一霎驚雷般閃現，與現實間的本質將距離出奇地近， 這種頓悟常有，卻不容易被珍惜或承認，讓大多當下的現實 平白損失了價值。藝術的任務便是傾力維護這種頓悟；使他 們繼續持有――靈性，或者說，如供奉於佛塔內的舍利，護 他們不為人智所困，不為時間而逝，盡可能絕對自然地延續 下去。

《飄舞》是自然的頓悟，也是他的頓悟，是那一刻獨一無二 的勝利。彷彿見到一隻凜然劍意的筆，風掃落葉似的左右揮 揚，疏而不密，可是整幅圖畫天網恢恢，翅翼般線條的包覆 進退有度，那些快要衝出框架的尖牙被繾綣地收了回來，中 心有如枝枒叢生之段，也許暗示著空洞，但空洞不令人畏懼， 尚可感受到以其發散的光暈輪廓，氣氛偶有些陰鬱，一旦有 這樣的發現，又馬上被奇異的亮色掀過。光與暗之間的較量 是楊識宏畫作的必備元素，他們能夠形成一種舒服的矛盾， 這樣的光暗並不歸類為自然，物質、非物質在畫中有異於現 實的一定的密度和重量，他自己訂立光明與黑暗的互動關係。

這些筆觸成為畫布的刺青花紋，在侷限間曲折，又如示意般 平坦呈現，他們在具現了的抽象中懸浮，像是看看著地球之 外兩顆星相撞，清清楚楚而竟然不被影響，勾勒的曲線極度 明確，黑沉綠默，不過一切仍似數著節拍，循著顏料痕跡生 長，這一剎那既抽象又真實，部分被壓著，部分又活著，此 消彼長。

乍看，無以名狀，是不需再加以解釋的直截，深色不失活潑 的鬼魂，自知僅是二維平面上的物，所以能徜徉其中無垠， 有光暗、色彩和線條容納所有的空虛。楊識宏嵌入他的自然 碎片，把頓與悟一再地分開、排列、組合，他們活在隔離的 虛無中，是自然中的一部分非自然。楊識宏橫跨東西文化， 走過傳統與現代，游歷優雅與粗獷，恣意雄勁與典麗之間， 當之無愧是臺灣藝術史上成功融合「心象思維」與「物象思

劉玖通 1977 年出生於陜西，因為童年的西北地區常患缺 水，也曾剖白：「在我的認知中，山水是生命靈性、有姿 態表情的」，使得畫家尤好用江南景及水意象當主題素材， 跋山涉水，透過身歷其下的真實互動，超越言語的對話相 處，所以能夠流暢地把山水和本心的感情交觸，一筆一畫 而成畫布上的生命圖徵。2000 年自西安美術學院畢業， 於北京開啟其藝術生涯，初時難免個人意志與社會環境交 駁下之掙扎，作品風格流露著幾抹晦暗憂鬱。2004 年， 藝術家遷居上海，在謂稱十里洋場的租借地中見識了東西 文化匯流的多元性，以「上海外灘」系列一鳴驚人，畫中 飽滿的像素與戲劇張力，是畫家為來日問鼎的初試啼聲， 甫上座便獨冠四方。

齊白石認為「作畫妙在似與不似之間」，馬鴻增對本段註

解道「似與不似之間是中國寫畫美學的物化形態之重要標 誌，但它並不保守，自律性和開放性並不矛盾，要義在於 適『度』。」 劉玖通擅長以書法字的剛健線條，水墨畫的 氤氳筆觸展現具有古言詩意的抽象作品，在兩者間，人們 可以讀得工整與放逸、哲理與抒情，亦能從筆和墨等角度

LIU JIUTONG ( Chinese, b.1977 )

Flowing Gold

168 x 180 cm

Oil on Canvas

Signed Liu Jiu-Tong and Shanghai in Chinese, dated 2017

Signed on the reverse: Liu Jiu-Tong and Shanghai in Chinese, size 168 x 180 cm, dated 2017

NT$ 1,500,000-1,750,000

US$ 48,400-56,500

劉玖通

流金 2017

油彩 畫布

簽名：刘玖通 上海 2017

背面簽名：168 x 180 cm 刘玖通 上海 2017

來看畫的構型。本畫顯見並不訴諸形似，也非一味追求不 似，乃是畫家基於本身之主觀見地，用對自然物象最純粹 的「神」所生的感悟和意趣去抒發，當他的中國水墨遇上 西洋油彩，能夠讓觀者瞭解畫與現實間，他獨特的「似與 不似」之「不似之似」的平衡。

藝術家秉持真我，同時擁有客觀審美的個性，即使今日水 墨不再受限黑白，而是五顏六色的油彩任君選擇，他也斷 然不會輕易將顏色加至畫上山水，本幅畫中用色之深淺濃 淡涇渭分明，倒頗有幾分「身取山川而取之」之超然，世 界之大美皆在咫尺日常，作品中不論金亮紅熾，其中氣息 流動似漫似狂，似斂似揚，統統收放有度，佈塗厚實的筆 勢奔放遊走，顯象與抽象間之細膩可圈可點，這樣的作品 已超脫傳統，見微知著地將個人情緒加諸景物，又能鉅細 靡遺地描摹出，心中自然之象，即心中最接近真實的我世 界。此般觀點，肖似清初石濤之說，兩者某程度上皆從「以 我觀物」化至「不知何者為我，何者為物」用作彰顯生命 之靈性。

「哲學」、「藝術」和「信仰」古往今來都是作畫的關鍵 意涵，而近代抽象畫往往跨越並融合了上述三者。西方抽 象藝術自始至二十世紀下半葉，東方抽象領域方出現趙無 極、朱德群等巨擘打出名堂，開啟「中學為體，西學為用」 的劃時代與文化的藝術之河。繼兩位前輩之後，劉玖通當 仁不讓，孜孜不倦地開拓華人抽象繪畫之路，並在這個領 域屢創新意，是為當今藝術界承先啟後的重要人物。 一樣 米養百種人，何況一支畫筆，在不同畫家指下皆存不同靈 魂，大抵僅能以本源、道途、歸處三個階段，堪堪概括一 些畫風、畫派，如與劉玖通同樣身處形名之中，探其虛實 的北宋郭熙，他曾說「詩是無形畫，畫是有形詩」，幸許 我們能以這段話理解劉玖通的抽象山水。

這幅達畫作有別於傳統水墨畫既定的寫意情懷，畫中之山， 既為他人所見者，也是藉他眼中與他人無二之山，但抒一 己之情，輔佐油畫顏料，揉雜東西筆觸，使作品具有「意 與境渾」又別於真切的生命力，不畫文人畫中明白的江上

LIU JIUTONG

( Chinese, b.1977 )

Mountain Trip

158 x 130 cm

Oil on Canvas

Signed on the reverse: Liu Jiu-Tong and Shanghai in Chinese, size 130 x 158 cm, dated 2019

NT$ 1,200,000-1,500,000

US$ 38,700-48,400

劉玖通

山行 2019

油彩 畫布

畫背簽名：尺寸 130 x 158 cm 刘玖通 上海 2019

舟、垂釣客、登山人或林中樹，或是說，乃以不盡現實的 寫實意思，呈現構築《山行》的物件元素。整幅畫的境界 是堆疊出現的，層層景象重疊為一，卻又曉得每一層前後 錯落，可能先見綿延的山線，然後汩汩溪河；或第一眼便 入雲霄，再看則坡上蓊鬱蒼蒼，重新冶鍊一帶山水林木之 貌，整合意志、意念與意境，此般表現，藝術家不愧國畫 大師吳湖帆先生所題「山川渾厚，草木華滋」。

劉玖通對創作的追求可謂欲罷不能，藝術家重在構圖與細 節，以米黃、灰黃和濃黃為基底，天人和諧的色彩調度， 迥於過去以濃艷表達，大刀闊斧的落筆，有條不紊地略施 質樸顏色，帶動細微處之勾挑抹剔，其下步步沉穩，待其 鋒芒將盡，巧地轉個路子，又到了另一方畫中天地，若山 谷回音，亦如耳邊絮語，向觀者娓娓道來。我們絕不會用 「一個 70 後的藝術家」的角度拘泥地看待他，或去揣摩他 的作品該是怎樣的風格，藝術家只是純摯地執著於繪畫， 不斷充實他獨特的抽象語彙，為華人當代藝術奠下基石。

AI XUAN ( Chinese, b.1947 ) Snowfield

52.6 x 50.1 cm

Ink and Color on Paper

Signed Ai Xuan and dated 2012 in Chinese

With two seals of the artist

PROVENANCE:

Chin Der Jyu Gallery, Taipei, Taiwan

With a certificate of authenticity from gallery

With a photo of the artist and artwork and a copyright printed calendar.

NT$ 1,300,000-2,200,000 US$ 41,900-71,000

艾軒筆下的藏族女孩，是其最具代表性的作品，在重視人 與自然關係的表現下，女孩多以肖像畫形式被安置於風景 之中，其特有的民族服裝、清亮的雙眸、純淨晶瑩的氣質， 如此輕易擄獲人心的視線，隨著畫面人物的的凝望，觀者 的思緒似乎也漸引漸遠地投向後方空寂的雪原、造就出內 心中的獨白。

《雪原》充滿抒情般的神秘美感，女孩獨自在一望無際的 雪域中，凝視的汪汪大眼中帶有一絲迷茫，靈魂卻又如此 顯得堅忍崇高、純淨美好。白雪封地，彷彿籠罩住大地低 語的空寂和沉緩，艾軒締造出悠遠而靜謐的氛圍，將情感 蘊藏在理性協調的秩序中，低彩度的色調運用、含蓄詮釋 出自然和人物精神的內斂，在如此沈靜而空曠的意境裡引 發共鳴，通過局部漸進式地展示人的內心，觀者在明亮雙 眼中尋找到自己心靈的通道。

袁正陽在〈艾軒：一個意象主義畫家〉文中曾如此陳述： 「 從艾軒那些藏族女孩的眸子裡，感覺不出具體的情緒和 意義，她們似乎不屬於我們這個時代，但是，她們的眼睛 卻能夠看清我們，能夠看清我們全部的思想和感情。」

艾軒

雪原 2012

彩墨 紙本

簽名：艾軒 貳零壹貳

鈐印：艾軒 ( 朱文 )、雪原 ( 朱文 )

來源：

沁德居藝廊，台北 台灣

附畫廊開立之原作保證書

附藝術家與作品合影與作品版權印刷月曆 ( 單張 )

曾自言：「 完成一件作品需要非常多的時間，有時候一年 只能完成一幅畫。」艾軒目前只辦過兩場展覽，為了要在 最好的精神狀況下創作，他對自己每天的生活作息要求非 常的高：他每天早上六點起床，進畫室前先運動，因為早 上的自然光最好；在油畫的畫室裡畫直到下午，並再換到 地二個畫室創作水墨畫作。每天吃的非常健康，晚上九點 準時上床睡覺。

"The process of completing a work to perfection takes a long time; sometimes it takes me a year to finish one painting." Thus, only two exhibitions of Ai Xuan's work have ever been held. In order to produce these, he adheres to a strict daily routine: He starts his day at 6 a.m., exercise religiously before going on to paint in one of the two studios. In the morning, when natural light is best, he focuses on oil painting in one space, then also shifting to ink at the second studio in the afternoon. He also sticks to a diet of healthy food and goes to sleep by 9 p.m.

艾軒的畫室 Xuan's Studio

西藏的小朋友 Tibetan Children

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AI XUAN ( Chinese, b.1947 )

A Girl from Anqu Village

68.5 x 69 cm

Ink on Paper

Signed Ai Xuan and dated 2011 in Chinese

With one seal of the artist

PROVENANCE:

Chin Der Jyu Gallery, Taipei, Taiwan

With a certificate of authenticity from gallery

With a photo of the artist and artwork.

NT$ 1,000,000-1,500,000

US$ 32,300-48,400

艾軒 安曲村的少女

2011

水墨 紙本 簽名：艾軒 貳 O 鈐印：艾軒印 ( 白文 )

來源：

沁德居藝廊，台北 台灣

附畫廊開立之原作保證書

附藝術家與作品合影

CHIHARU SHIOTA

存在的狀態 ( 筆刷 ) 塩 田千春

StateofBeing(Brushes) THE 「請看看我和赤裸的靈魂對話。」

不在中的存在 (Presence in Absence)，是塩田千春多年來探 討以及向觀者發出的藝術提問。特別是她曾度過與癌症對 抗的那段歲月，直面死亡的氣息與想要活著的堅持，透徹 了生命的意義、死亡的新生、人的存在與其形貌證據。

壓抑的父權家庭出身，讓塩田千春培養了內斂的思考習 慣，從大學傳統繪畫科班，直到接觸了歐洲觀念藝術、行 為藝術的開闊視野，便發現自己內心其實埋藏許多話想 說，並且醞釀成熟地令人驚訝，先是首度實驗 1994 年最 早的行為表演，重複在身上染滿紅色顏料的《成為畫》， 而後在德國求學期間創作出許多與身體相關的行為表演、

錄像 等多種表現形式，如 1999 年錄像作品《浴室》， 再到裝置、劇場舞台，乃至於 2015 年作品《手中的鑰匙》 受邀參展威尼斯雙年展日本館，以鋪天蓋地的紅棉線、鑰 匙、船，呈現出四處牽引、不安、晃蕩的靈魂躁動，撼動 無數身處現代關係複雜、充斥焦慮的觀眾，一舉在國際藝 術舞台打開知名度。

黑、紅棉線、生活日常物件、旅途乘載物…等，已然成為 塩田千春最具辨識性的創作材料和語彙。從自身經歷生與 死的交界線到觀察人存在的記憶、來去、過程跡象，特地 選用容易斷裂和無限纏繞的棉線、仿擬血液流動的紅色， 串接起物件與人類精神寄託物，讓人類的存在流竄顯示、 交會於社會集體無限絮繞與斷點；那熟悉又陌生、語言難 以描述的證據得以展露無遺。

在塩田千春纖維雕塑中，此件《存在的狀態 ( 筆刷 )》(State of Being [Brushes]) 則在紅棉線所纏繞的物件上，選擇有別 於其他相較普遍性的寄託物件：「筆刷」。對於藝術家來 說那是再熟悉不過的工具，在有記載美術史以來就服務於 藝術創作佔最大宗，少說數百年的歷史，乘載著各個時代 各個藝術家龐大思維與能量的輸出，甚至在接觸塗抹對象 時給予藝術家反饋互動。

塩田千春曾描述：「 我夢見自己成為一幅畫，思索著要如 何在畫面中移動身體，才能成為一幅傑出的作品？身體表 面覆滿油彩，讓我感到難以呼吸。那一夜，我成了作品的 一部分，之後便創作了《成為畫》。」，回看此作品，似

乎也映襯了畫筆對於塩田千春來說，是一種自己與創作的 距離，需要使用它在畫中移動身體，更多想傾注的生命告 白，時常受畫筆封存、轉移、干預，一來一往的不確定性 限制，感到難以呼吸。成為一種長年相伴對峙的不安，又 作為藝術家的“器官＂維繫自己與作品的機能，彼此熟悉 卻相互孤獨，從「成為畫」到《存在的狀態 ( 筆刷 )》， 從畫本身到成為畫筆，用身體直接思索，塩田千春讓自己 成為畫筆勾勒更赤裸的知覺，轉換立場與畫筆重新發生對 話。依然是紅棉線的層層絮繞、不辨始終的來去縱橫，從 輕到重、鮮紅血液般包覆；「繪製」出若現的陰翳，顯現 了藝術家精神存在與形影不離的陌生器官。

Shiota: Counting Memories” installation in Muzeum l skie (Silesian Museum), Katowice, Poland 2019.9.7 – 2020.10.4

Over the years, Chiharu Shiota has sought to explore the presence in absence, which is also an artistic question that the artist expects the audience to contemplate and answer. This may be because she spent years battling cancer and found herself still clinging tenaciously to life even when she came face to face with death. This experience has taught her what life is all about, helped her to see human existence and its physical evidence, and realized that rebirth happens after death.

Being raised in a traditional patriarchal family, with her father as head of the household, Chiharu Shiota developed a way of thinking that was modest and conservative. After enrolled in an undergraduate art program, she was given the opportunity to learn about European conceptual artists and performance art. Intrigued by the endless possibilities offered by contemporary art, she came to realize she accumulated many unspoken thoughts hidden deep within her and that these ideas can mature to an astounding extent. In 1994, she created her first performance art piece titled Becoming Painting, as she used her own body as the canvas and colored it with red pigments from head to toe. While studying in Germany, she continued to create and explore other performance art pieces that focused on the human form. These performance art pieces came in a variety of form, including film making. She created a film in 1999 titled Bathroom, and later progressed to installations, stage design, and even well-known public art installation titled The Key in the Hand, it was first showcased at the Japan Pavilion for the 56th Venice Biennale in 2015. The exhibition covered floor to ceiling with webs of red cotton threads. With a total of 50,000 keys and two boats, this installation was created to convey complex psychological experience, like the instability and trembling agitation of the soul, through a tapestry of webs that mirrored the anxiety and complexity of human relationships in modern societies, thereby resonating with numerous spectators that visited the show. This immediately brought her to fame on the international art scene.

Black and red cotton threads, household items, and travel carriers—all of these things have become the most identifiable arts materials and the unique artistic vocabulary of Chiharu Shiota. As she once almost crossed the boundary of life and death, she has learned to closely observe human existence and memories, how life events come and go, while fragile yet easily tangled cotton threads are used to simulate flowing blood streams. In so doing, the artist successfully builds a relationship between objects and human spirituality,

thereby demonstrating the fleeting nature of human existence, which is connected through social collectivities and breaking points, thus exemplifying the familiar but strange, indescribable evidence to her viewers.

Take the artwork titled State of Being (Brushes) as an example. Chiharu Shiota used brushes, a relatively less common item, as the object to be densely tangled by red cotton threads, and as such, serves as an artistic symbol. Brushes are most commonly used in artworks throughout the recorded art history. Numerous artists have used paint brushes to create their art pieces over the past several centuries. It is no overstatement to say that brushes have transferred an enormous load of artistic thought and energy while providing feedback to artists who use them to paint artworks at the same time.

Chiharu Shiota once described a dream that she had had: “I saw in the dream myself as a ‘painting,’ and I thought about ways to move my body within the painting so as to become a distinguished artwork. As my body was covered with oil paints, I found it difficult to breathe. On that night, I became a part of my artwork. Shortly afterwards, I started to create Becoming Painting.” Looking at this work after these years, it seemed to reflect that in Chiharu Shiota’s pursuit of art, paint brushes help to create space between her and artwork as she needs to use a brush to get her body moved in a painting. Meanwhile. many more life stories that the artist wanted to share with the world were archived, transferred, and intervened, posing the constraints of uncertainty to an extent that the artist found it very difficult to breathe. This has led to a sense of unrest that arises from confrontation between the artist and paint brushes over the years, even though the brush metaphorically serves as one of the “organs ” of the artist’s body and helps to maintain the functioning of the artist and the artwork—two entities that are familiar with each other but stay lonely, nevertheless. From Becoming Painting to State of Being (Brushes), she has been transformed from a “painting ” to a “paint brush,” suggesting that Chiharu Shiota has learned to use her body to think. That is, becoming a paint brush allows her to more directly capture sensations and initiate a conversation with the paint brush from a new position. Again, the intricately woven tapestry of red cotton threads is created to be an unending web that looks like bright blood spilling and splatting everywhere, which is covered with ambiguous shades that metaphorically mean the artist’s spirituality and body organ, which may seem strange yet inseparable at the same time.

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CHIHARU SHIOTA

( Japanese, b.1972 )

State of Being (Brushes)

30 x 50 x 50 cm

Metal Frame, Red Thread, Artist's Brushes

Signed C-S. in English

PROVENANCE:

Mimmo Scognamiglio Artecontemporanea, Milan, Italy

With a certificate of authenticity from Mimmo Scognamiglio Artecontemporanea

NT$ 1,200,000-1,500,000

US$ 38,700-48,400

塩田千春

存在的狀態 ( 筆刷 )

2018

金屬框架 紅絲線 藝術家的畫刷

簽名：CS.

來源：

Mimmo Scognamiglio Artecontemporanea，義大利米蘭

附 Mimmo Scognamiglio Artecontemporanea 畫廊開立

之原作保證書

StateofBeing:Keys(Red) THE

存在的狀態（紅鑰匙）　 塩 田千春

塩田千春曾描述：「那裡是人類存在的命運與證據。」

“That’s the evidence and destiny of human existence.”

1972 年出生於日本大阪的塩田千春，曾在接受訪問時，回 憶自己童年說道：「我在把字寫好前，就已經在畫畫了。」， 顯示出她對創作與生俱來的執念與熱忱。並於京都精華大 學主修油畫出身，直到某次前往澳洲交換學生時打開了眼 界、更新了自己對藝術創作的觀念，甚至萌生了向國外留 學、發展的想法。

大學畢業後，1996 年開始留學德國，隨後以柏林為據點 生活並活躍於各大國際雙年展、美術館、畫廊，更曾是行 為藝術之母 – 瑪莉娜．阿布拉莫維奇 (Marina Abramovic) 的學生。在 2021 年於台北市立美術館 –「顫動的靈魂」 個展中，就可以看見她早期些許靜、動態影像創作紀錄， 透露其深邃底蘊，從這可以看到塩田千春攝取行為藝術作 為創作立基外，還有嘗試將問題思考轉化為藝術表達、融 會行為表演貫通於裝置物件關係而催化之。

從較早期開始，塩田千春其創作關懷繚繞關於人類存在、 物質與無形關係、意識與記憶根源，如：1994 年將自己 打扮成畫布並潑上紅色顏料的行為裝置作品《成為畫》、

2002 年以燒焦的鋼琴、木椅用黑線纏繞的大型裝置作品 《靜默中》…等。

正直年輕、探索慾望飽滿的塩田千春，卻在 2005 年診斷 出罹患卵巢癌。當即使她對死亡的恐懼、親人陪伴的溫度、 生命的意義，有如被強制推移至更深沉的感悟，但天生內 在纖細的塩田千春，不止沒有陷入迷惘挫折，甚至反倒強 化了她對生與死、情感延綿、沈默與記憶的敏感知覺，攝

取其成為新的創作探討方法。其後塩田千春裝置作品時常 出現象徵漂流載沉的船隻與人們的生活物，如：鞋子、洋 裝、兒童玩具、行李箱、人體義肢…等寄託性物件，並將 它們以會打結也易斷裂的絲線纏繞、包覆與放射。

人們都清楚這些生活物件對自己而言所寄託的意涵，但卻 看不見它們所產生的無形情感、身份反應、存在的痕跡。

正如此件作品《存在的狀態 ( 紅鑰匙 )》(State of Being : Keys [Red])，是從世界各地募集而來的各種鑰匙為主題， 反應人類在社會結構中意味著封鎖、解鎖兩大工具用途， 然而對於何處而來，每一把鑰匙都有著不同的故事脈絡， 就像有些鑰匙用於空間、有些用於財物，有時它是種保護、 有時它是種安全感、又有時它是種佔領。

看似同質性、人們也各自覺得只有自己的鑰匙是特別的， 但每把鑰匙都有其不同源頭與它被賦予的精神寄託。塩田 千春則透過紅絲線在鑰匙週遭空間纏絮、拉扯、局部打結， 勻稱地分配每一處紅線進出、橫縱，其表現暗喻著塩田千 春思考生命問題的焦慮、歇斯底里。

實則也嘗試證明人類與物件所產生的精神寄託多重而繁 瑣、並且緊密交會於客觀空間時，已然無從得知「線的這 頭」連往何處、從何而來。從視覺點線面原理來說，已然 成為一種新的量體，隱晦地表現出客觀記憶交會的溝通渠 道、人類精神存在被凝聚，在社會中作為一種被共構的巨 型意識無限循環，留下那些不具名的鑰匙、隨時再度被喚 起某個神秘的鎖。

《塩田千春 : 觸動人心（魂がふるえる

10 月 27 日 “Shiota Chiharu: The Soul Trembles Exhibition”Mori Art Museum, Tokyo, Japan 2019.6.20 – 2019.10.27 ZHONG CHENG 中誠

Born in 1972 in Osaka, Japan, Chiharu Shiota once recalled in an interview, “ Before I learned to write, I was already drawing. ” That’s a sign of innate fixation and obsession for creation. Chiharu majored in oil painting in Kyoto Seika University. Her experience as an exchange student in Australia was an eye opener for her, renewing her ideas about art creation and even prompting her to study and develop her career overseas.

After graduating from university, Chiharu went to study in Germany. Currently based in Berlin, she has been an active presence in various international biennials, art museums, and galleries. Notably she was also a student of Marina Abramovic, the 'godmother of performance art'. In 2021, her solo exhibition in Taipei Fine Arts Museum, The Soul Trembles, showcased a collection of her soul-searching, early-period photography and video works. The exhibition reveals Chiharu’s attempts at turning her musing over issues into art expression and merging performance art into installations with added catalysis, in addition to drawing on performance art as her creation cornerstone.

Since her early works, Chiharu’s creative focus has revolved around human existence, the relationship between objects and the absence of form, the roots of memory and consciousness. Examples include the 1994 performance installation, Becoming painting, for which she dressed herself in a canvas and splashed red pigments onto herself; and In Silence, the 2002 large-scale installation, in which a burned piano and a wooden chair were enveloped by a web of black yarn.

In the prime of her youth with deep yearnings to explore, Chiharu was however diagnosed with ovarian cancer in 2005. Despite her fear about death, being warmly accompanied by her family, and all the contemplation over meanings in life, she felt as if being forcibly propelled to deeper epiphanies. Chiharu with her born delicate sensitivity did not fall into bewilderment and frustration. Instead, she had her sensitive perception further stretched and magnified in the face of life and death challenges, intertwining and meandering emotions, silence and memory. Subsequently the cancer experience was processed for new approaches to creation exploration.

After that, everyday objects that symbolize humans in drifting vessels, e.g., shoes, dresses, children’s toys, suitcases, prosthetics, and other means of sustenance, often appear in her installations, in which she wrapped, snared and sprawled the objects with yarn and thread that could easily tangle and snap.

People are all aware of what sustenance these daily objects mean to them, and yet they could not see the traces of existence, identity reaction and intangible emotions derived from these objects.

State of Being: Keys (Red) is precisely a case in point, a work themed on assorted keys gleaned from all over the world, reflecting the two major functions that humans have in a social construct: locking and unlocking. However, as to where the key is from, every key has its own narrative. Likewise, some keys are used for a specific space, some others for properties. A key is a protection and provides security at times, or spells occupation at others.

The keys may look homogeneous, and people may individually feel only their keys are special, but each key comes with its own origin and spiritual solace. Chiharu wraps, pulls, and partially entangles red yarn all over the keys and evenly distributes the horizontal and vertical goings and comings of the red yarn as a metaphor for the anxiety and hysteria of the life issues that Chiharu contemplates over.

Essentially this work is an attempt at proving that humans and their object-based spiritual solace are multilayered and cumbersome, and when they are closely intertwined in an objective space, there will be no telling where “one end of the yarn ” has come from and where it is heading. From the visual perspectives of dots, lines and dimensions, the work has turned into a new mass, an opaque embodiment of the communication routes for crisscrossing objective memories. It shows the presence of human spirits being congealed. It serves as a co-constructed gigantic consciousness placed on an infinite loop. What remains are the nameless keys, ready to once again unlock a certain mystery. Chiharu Shiota was once quoted as saying, “That’s the evidence and destiny of human existence.”

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CHIHARU SHIOTA

( Japanese, b.1972 )

State of Being : Keys (Red)

35 x 60 x 60 cm

Metal Frame, Keys, Red Thread

Signed C-S. in English

PROVENANCE:

Blain Southern, Berling, Germany

With a certificate of authenticity from BLAIN SOUTHERN gallery

NT$ 4,200,000-7,500,000

US$ 135,500-241,900

塩田千春

存在的狀態（紅鑰匙）

2015

金屬框架 鑰匙 紅絲線

簽名：CS.

來源：

Blain Southern，德國 柏林

附 BLAIN SOUTHERN 畫廊開立之原作保證書

WU GUANZHONG

小鳥天堂　吳冠中 ParadiseofBirds

本幅寫於日本紙卡上，乃吳冠中筆下 鮮用之材質。署年一九八九，乃畫家 往訪新會「小鳥天堂」之同年，上鈐 印「冠中寫生」，故應為旅途中所出。 翌年，即提供香港萬玉堂策劃之巡迴 展覽。

1950 年是中國正經歷安內攘外的嚴 峻時期，在國家定位、發展基礎上充 斥多向性不確定與未卜，而同年七月 也是中國美術史上，最具代表性的留 法三劍客之一吳冠中自巴黎學成返 國，三劍客中也唯獨吳冠中力行思鄉 情感、不畏動盪，滿腹理想視野與貢 獻精神，帶回在法國所領悟的引導式 教育，先是投入美術教育，將滿載的 心得精髓著述於《師承說》，感懷於 在杭州國立藝專與巴黎國立高等美術 學院所教誨於他的師承，甚至欽佩曾 經臨摹過的亨利．摩爾、梵谷、畢卡 索、塞尚、郁特里羅 等大師，同 時堅持著「叛逆性的師承也許是真正 的師承」，在他美術教育中實踐、也 根植在他一輩子的創作追求。

如果說留法三劍客中，趙無極與朱德群是「用東方意境淬 鍊表現主義的綿情冷暖」，那麼吳冠中便是「用表現主義 的豪情翻攪東方溫暾的詩賦」。

保持開放胸襟，在孜孜不倦的探索，融匯中西文化的吳冠 中將兩種表現觀念、兩種傳統，介質化；各取其優點如意 轉換和平衡，滋長為獨有的藝術新語言，從不同生涯時期、

狀態下，在每一件作品中，所呈現的虛實扭轉和表達變位 就能察覺。在有限的空間匯聚了寫實戲劇的轟烈、抽象詩 詞的儒雅，熟捻其力度並分寸之精確，達成曼妙地融洽， 從現實空間到感知維度，延展出多層感官移情甚是令人百 品不乏。生機蓬勃的吳冠中，一生不斷重新思考與反省， 不止革新了當時傳統水墨畫，至今仍深遠影響著當代中國 藝術面貌與其歷史定位。

此一作品《小鳥天堂》是吳冠中創作能量最鼎盛的系列作 品之一，也是最均衡涵蓋東與西、古與今、油畫或水墨、 寫實或抽象，殊途同歸格局，一舉享譽在國際間拍賣市場、 學術機構、美術館與畫廊，甚至大英博物館也挑選了此系

列其中數件，作為東亞現代藝術代表 之一的館藏分類，當時學界予以高評 價曾論「吳冠中不僅突破東西藝術發 展的疆界，更讓歐洲人看見中國現代 化的文化新姿態」，屬實毋庸置疑地 經典。

「天堂，無憂無慮之家園也」。1989 年初吳冠中前往朝聖廣東新會縣一處 被譽為「小鳥天堂」的鳥棲茂林小島， 並為其得天獨厚的自然環境深深觸 動，在多次前往觀察後，現場畫下寫 生，捕捉了永恆的瞬間。

從作品呈現中能看到渾然瀟灑的黑 墨，著重於左右縱橫，如狂草體書法 筆路，有畫有寫仿擬有機造型兼容自 然定理，落筆快慢乾濕明辨，有乾材 枯枝甚是飛白縱逝、有飽潤精氣的主 幹甚是剛硬亮澤，深入看進淡雅遠景 茂林纏繞，煙樹迷蒙，明末清初落地 的水榕樹，已然不見首尾至不見底的 幽谷。畫面下方是地面，吳冠中曾自 述此地四季陰柔潮濕，有水有泥濘， 亦人跡罕至，故使鳥群棲止常年熱 鬧，望去畫中便能感其述，抬頭又是紛艷淡彩，那是飛鳥 群舞動在幽谷，時隱時現，讓吳冠中有感讓色彩暈染在茂 林間，著重動向在上下快慢，鳥群與環境共生共榮、吳冠 中在用畫筆與之嬉戲。豪情樸拙感染在畫中詩境，潛移默 化於無形；他曾回應將此地取名「小鳥天堂」的中國大文 豪――巴金，留下耐人尋味的結語：「 是小鳥天堂，隨興 染點，也是人的天堂」。

藝術家 吳冠中 Artist Wu Guanzhong

Xia Gui, A Corner of West Lake, Song dynasty, Collection of the Nation Palace Museum, Taipei, Taiwan

「天堂者，無憂無慮之家園也。聞道廣東新會縣有《小鳥天堂》， 茂密叢林中棲滿鳥群。亂線交錯成茂林，散點疏密是鳥群，估計也 應是我畫中天堂，久久心向往之。終於有一天到了那天堂。風雨 交加，友人找來小舢板，赤腳撐傘，劃向江中天堂。才見那榕樹根 枝交錯纏綿，如大篆，如狂草，任性揮寫誰管得，冷落幽深織魔 窟。鑽入垂枝密葉，將爬上島之岸，鳥們警覺災禍降臨，振翅猛飛 逃命，一陣騷亂，天堂頓失。歸來作《小鳥天堂》，著眼於線之縱 橫，疏密穿插，亂中有序，引來雜色小鳥，不知是何鳥種，只需能 藏於枝杈間，時隱時現，隨興點染，便是天堂。」---吳冠中

149

WU GUANZHONG ( Chinese, 1919-2010 )

Paradise of Birds

36 x 45 cm

Ink and Color on Paper

Signed Wu Guanzhong and dated 1989 in Chinese With one seal of the artist

ILLUSTRATED:

'' Odyssey: Wu Guanzhong, '' Plum Blossoms (Int’l) Ltd., Hong Kong, 1990, content page and Page 20

EXHIBITION:

''Odyssey: Wu Guanzhong,'' Raffles City Convention Centre VIP Lounge, Singapore, April 28 - May 2, 1990

''Odyssey: Wu Guanzhong,'' Plum Blossoms Gallery, Hong Kong, May 8 - 19, 1990

''Odyssey: Wu Guanzhong,'' Chinese Automobile Co. Ltd., Taipei, May 26 - 31, 1990

This painting is painted on Japanese paper card, a rare medium used by artist Wu Guanzhong. In 1999 the same year Wu visited Xinhui's "Bird's Paradise" , his seal inscribed “Sketch by Guanzhong.” The following year, the work was exhibited at a tour exihibition curated by Yutang, Hong Kong.

NT$ 8,800,000-12,000,000 US$ 283,900-387,100

吳冠中

小鳥天堂 1989

水墨設色 紙卡

簽名：吳冠中 八九

鈐印：冠中寫生 ( 朱文 )

圖錄：

《行到水源處 – 吳冠中作品展》萬玉堂畫廊，香港，1990 年，

目錄、第 20 頁

展覽：

「行到水源處 – 吳冠中作品展」，萊佛士會議展覽中心，新加

坡，1990 年 4 月 28 日至 5 月 2 日

「行到水源處 – 吳冠中作品展」，萬玉堂畫廊，香港，1990

年 5 月 8 日至 19 日

「行到水源處 – 吳冠中作品展」，中華汽車有限公司，台北， 1990 年 5 月 26 日至 31 日

本幅繪畫於日本紙卡上，乃吳冠中筆下鮮用之材質。署年 一九八九，乃畫家往訪新會「小鳥天堂」之同年，上鈐「冠中 寫生」，故應為旅途中所出。翌年，即提供香港萬玉堂策劃之 巡迴展覽。

吳冠中《周莊》1997 年代 保利 香港 2016 年 4 月 4 日 成交價：236,000,000 港幣

Wu Guanzhong, The Zhou Village, 1997, Poly Auction Hong Kong, 4 April 2016 Sold for HK$236,000,000

BERNARD BUFFET

魚　貝納德．畢費 Lepoisson

「繪畫，我們不談它，我們不分析它，我們感覺它」---貝納德．畢費(Bernard Buffet)

貝納德．畢費是 1928 年出生的著名法國藝術家，在 20 世紀四、五十年代踏上藝術生涯，成就斐然。畢費 的社會寫實主義 (socialist realism) 、新表現主義 (Neo expressionism)/ 具象派 (figuration libre) 有機混合風格，在 同時代中獨樹一幟，甚至可謂法國新表現主義的代表人物 之一。

他以有力、菱角分明的粗獷黑線為輪廓、造型明確、用色 單純，風格貫穿一生創作生涯，初期作品多為單色調，醞 釀出戰後的蒼涼、孤獨、苦悶、社會氣氛的疏離感。後期 較多出現少許色彩，白灰底色襯托強烈黑黃紅等純色，但 不贅色彩調和、無視色彩透視法，可略見野獸派的餘韻。 然而畢費的作品有了色彩後仍然流淌著銳利的後座力，貫 穿現實世界的表象，真正發散的是比現實世界更真實的強 烈感悟，氣場凌然、張力十足。

畢費一生畫過許多「魚」的主題，斷斷續續注視同一「事 物」，其長年累月的深刻累積不亞於莫內 (Oscar-Claude Monet) 所觀察的《盧昂大教堂》(Rouen Cathedral) 那深情 感動。只是畢費所注視的是更卑微、更不被在意，卻又更 貼近真實生活的赤裸。

此件《魚》(Le poisson) 作品是 1963 年所創作的油畫作品， 而 1960 至 1970 年時期作品，甚至是綜觀畢費一生作品 表現最強烈的時期。其畫面用冷冽堅硬的魚骨為主題，並 和諧地讓畢費孤獨的筆觸完全伸展；銳利而敏感脆弱的骨 骼帶來的視覺感受，實則不為繪製時刻意或別無選擇地揣 摩，而是在藝術家內心最深處真正的感覺和荒蕪。在骨骼 造型上一眼望去看似自然合理，仍細微扭曲伴隨筆法順暢 變化，當深入看去一種有節奏的戲劇生動感直面而來，在 蕩然的背景下魚骨的姿態卻顯得如此疏離無助，單獨純粹 地豎立，對應著藝術家與當時環境的關係和感悟，在餐桌、 在盤上、在室內、在展示，遍尋不著安逸的歸屬感。

那段時期也是畢費創作最多魚的時候。從素描、隨筆到正 式的油畫，可以看見不同的魚種在不同的呈現狀態被繪製 下來，唯一的共同點就是它們在畢費的筆下都是枯瘦、蒼 涼、無助甚至衰退萎靡或剩下骨頭，畢費彷彿試圖摸索著 什麼般。

此一畢費的稀珍作品，讓世界各地收藏家與藝術機構愛不 釋手，至今就連公開於世、能看見的藏品都甚為稀少，但 可想像若將其陳列，那份甚為私密的多情敏感、移情於餐 桌佳餚或是展示台上的紀念物，畢費一生作品最無暇的精 髓，能讓一個國家的時代情緒切面一覽無遺。 畢費在西方藝術史上是唯一的典型，當他成功地找到了一 種獨特表現形式與傳譯語言，他會像歷代大師一樣，執著 地重複再重複。就像 法國當代藝術批評家亞倫．亞雷克西 斯．亞維拉(Alin Alexis Avila)所言：「貝納爾．畢費 的繪畫擺脫了當代藝術思潮的左右，就像過去每個時代的 藝術大師一樣，他的作品是建立一種內在需求，而這種需 求是超越時間的。」，除此之外，畢費的繪畫是一點也不 仰賴什麼，既不仰賴社會，也不依仗文化，也不根據任何 既定思想，他在畫裡不說一句話、不說一個字，一個註解 都不下，卻道盡了一切真實冷暖。

畢費 《魚店》，油彩畫布，195 x 294 cm，私人收藏 Bernard Buffet, La Poissonnerie, Oil on Canvas, 195 x 294 cm, Private Collection

畢費 《魚》油彩 畫布 54 x 65cm 私人收藏 Bernard Buffet, Le Poisson, oil on canvas, 54 x 65cm, Private Collection

畢費 《魚與煤油燈》油彩 畫布 54 x 65 cm 私人收藏 Bernard Buffet, Poison et Lampe à Pétrole, oil on canvas, 54 x 65cm, Private Collection

畢費《雞》油彩 畫布 54 x 65cm 私人收藏 Bernard Buffet, Le poulet, oil on canvas, 54 x 65cm, Private Collection

Born in 1928, Bernard Buffet was a renowned French artist, who embarked on a career in art in the 1940s and 1950s and had distinguished achievements. In a combination of socialist realism, Neo expressionism and figuration libre, Buffet had solidified an artistic style divergent from his contemporaries. He was considered as one of the representatives of French neo-expressionism.

The Buffet style has a pointed, sharp and prominent black stroke in combination with very little color, deeply marked throughout his career journey. With a monotone coloring palette, his early works were portraying the desolation, loneliness, depression and social alienation atmosphere in the dark post-war periods. A little more colors were revealed in his later work, with white and grey palette scheme that brought out the strong pure colors, such as black, yellow, red and other solid ones. There was slightly lingering charm of Fauvism that can be perceived from here as the color harmony and the color perspective method was disregarded. However, sharp emotions still aroused from Buffett's works, which have been tinged with a little more colors, throughout the surface of the realistic society. It is truly giving off the mighty comprehension far from the real world, holding strong a dramatic aura.

Throughout his life Buffet painted a variety of themes about "fish". Gazing at the same "themes" continues to be fragmented and sporadic; his intense feeling of deep affection over the years is no less than the one Oscar-Claude Monet felt while wholly perceptually observing the Rouen Cathedral. Whereas Buffet was focusing on the pure reality of life, which is pettier, more careless but much closer to an individual.

This artwork, Le poisson, is an oil painting made in 1963. Those paintings made during 1960s and 1970s were truly the heyday of Buffett's artworks of his life. The piercingly cold and solid fish bone was set as a theme in the painting, harmoniously followed by the solitary brushstrokes of Buffett. The perception of sharpness and fragility of the fish bones is not evoked intentionally, that is the true feeling and desolation in the deepest part of his soul. The skeleton’s shape, at

first glance, seems natural and sensible, with the subtle distortions accompanied by smooth adaptation in his stroke. When you look closer, the rhythmic and dynamic vibes come straight right to you. However, the nature of these fish bones reveals a strong sense of seclusion and vulnerability in the deserted background. Indicating the bond and the perception between the environment and the artist at that time, the fish bone purely stands alone on the dining table, on the plate, in the room and in the display. There is no extra room for its comfort and belongingness.

It is also the period when Buffett created the most artworks with "fish". Varied from sketches, doodles to formal oil paintings, different species of fish have been depicted in an individual shape and condition. The only thing they have in common is their figure. All of them are slim, desolate, vulnerable, even stagnant and some are just bones. It seems Buffett was trying to look into and search for something.

These rare artworks of Buffett have attracted collectors and art institutions from all over the world. Even the public collections are still very rare to be seen yet. However, it won’t be hard to imagine with all these valuable artworks being displayed that the rich atmosphere of the country in his time will be brought to life. Hidden behind his artworks are Buffett's particularly private emotional sensitivity, the empathy for the delicacy on the dining table or the mementos on the display stand and the most flawless essence of his works throughout his life.

As the only iconic figure in the Western art history, when Buffett successfully found a unique expression and interpreted language of art, he would repeat it persistently just like the masters from the past generations. As Alin Alexis Avila, the French contemporary art critic declared: "Bernard Buffett's paintings are free from the sway of contemporary art, like the masters from each past era; his work establishes an inner need which is timeless.” In addition, the spirit in Buffett's paintings doesn’t depend on anything at all, neither on society, nor culture or any established ideas. In his artworks, there are no words, no comments, but indeed they portray everything in truth and reality.

畢費 《畫家》油彩 畫布，200 x 100 cm，私人收藏 Bernard Buffet, The Painter, oil on canvas, 200 x 100 cm , Private Collection

"Painting... we do not talk about it, we do not analyse it, we feel it."

--- Bernard Buffet

150 BERNARD BUFFET

( French, 1928-1999 )

Le poisson

81 x 116 cm

Oil on Canvas

Signed Bernard Buffet in English and dated 1963

With a certificate of authenticity from gallery

NT$ 6,800,000-11,000,000

US$ 219,400-354,800

魚

1963

油彩 畫布

簽名：Bernard Buffet 63

貝納德．畢費

附畫廊開立之原作保證書

Ya'anShangli,94,No.5 THE

雅安上里 94 五號　周春芽

周春芽的畫風，向來以大膽聞名，無論是繪畫切入的視角， 或是用色皆然。對於自己的運筆所捕捉的，周春芽曾經有 自述過：「 我的理想是動態的、敏感的表現而不是靜態、 模式化的呈現。」這句話也彷彿自我預言般，貫穿了周春 芽的創作核心，尤其早期、中期的表現更是如此，周春芽 的風景畫，往往非大眾所預期的那樣，以真實的模擬為重， 再加上些許寫意來著墨畫家心中所希望傳達的意象。他的 畫總是放大局部，用出人意料之外的角度切割、收納進他 的畫布裡，乍看之下，周春芽所畫的山非山、石非石，但 再仔細凝視，山石原本就在，只是人們一時沒看清。 周春芽早期曾赴德國卡賽爾學院留學，受到歐洲繪畫理論 的洗禮，並對印象主義、立體主義多有研究，在學期間， 接收許多新表現主義的薰陶，深入透探究其中的原始狂野 之美，回國以後，結合在外的所見所聞，以及來自自身風 土的山水文人畫養分，展現出既淡雅又濃烈的畫面，巧妙 地將兩方衝突的元素融合為一。雖然有著這樣的背景，但

周春芽是個不喜歡被歸類的藝術家，他曾在一次訪談中， 明確拒絕了所有外人加諸在他身上的現有名詞：前衛藝術 家、新表現主義……等等，他只說自己「不一樣」，他不 喜歡被現有的名詞所侷限，只想誠實地表現出每一個階段 的自己。

在 1990 年代初期，周春芽開始了一段「山水與女體」的 時期，一開始，他的用色仍偏向冷色系，但對石頭的紋理 已描繪得十分細緻，同時期，他亦著重於繪畫女體，並且 前後者開始走向融合的現象，過幾年，在《雅安上里 94 五號》中可以看到，周春芽的用色已更大膽明亮，在此 畫中使用了如血色一般的艷麗紅，因為此種顏色的慣性印 象，會將血與肉與之連結，乍看之下，宛如一具活體的局 部，多種深淺的紅色之間互相交疊，竟產生了一種類似生 命的錯覺，周春芽亦發揮了他擅長的石紋描繪，在這街景 當中，豐富地刻畫了各樣的紋理，畫中央的白色，如霧氣 般的蜿蜒小路，為硬質的畫帶來一絲柔軟，增加了整幅畫 的流動感，更添韻味。

雅安市的上里鎮，是中國著名的雨城，老城市中總是潮濕 著的古道與石頭，必然引起人們的幽思與情懷，周春芽亦 是如此。在描繪雅安上里的一系列畫作，皆是以艷紅色為 主基調，綜觀周春芽的畫作中，這樣純然濃烈的用色，也 是相對特殊的。像周春芽這般真性情的藝術家，畫作更是 直接、超越言語的傳達了他當時的生命狀態，正值盛壯年 的他，將生命的艷瀲，化為肉色石頭，矗立在那，完整的 表達了藝術家生命綻放的一瞬。

周春芽《雅安上里四號》1994 年作，油彩 畫布

Zhou Chunya, Journey to Ya' An Shang L No.4i, 1994, Oil on Canvas

周春芽《紅石圖》1999 年作，油彩 畫布 Zhou Chunya, Red Stone, 1999, Oil on Canvas

周春芽《紅石圖》1994 年作，油彩 畫布

Zhou Chunya, Red Stone, 1994, Oil on Canvas

Whether it is the perspective revealed in his paintings, or the colors he chose to depict, Zhou Chunya has always been best known for his bold painting style. The spirit captured under his brush stroke, Zhou Chunya once said: "My ideal form of spiritual expression in art is dynamic and sensitive rather than the static permanence and standardized portrayal." Seemingly a self-fulfilling prophecy, this concept persists especially throughout the early and middle part of his career. Free from people's expectations, the landscape paintings created by Zhou Chunya are often not just simulating the reality with a little bit of artist’s inspiration. Instead, amplification of a particular part, commonly seen in his paintings and the depiction of unexpected angles are incorporated into his canvases as a whole. At a first glance, the main subjects, mountains and rocks, are nowhere to be found. Whereas as you take a closer look, they are always there in front of us, it's the unforeseen illusion which perplexes us.

Having studied in the Kassel Academy in Germany in his early days, Zhou Chunya has explored the field of Impressionism and Cubism under the influence of art theory in Europe. During his studies, he deeply explored the beauty within the primitive wildness under a great influence from neo-expressionism. After returning to China, he combined what he has observed overseas together with the spirit of literati landscape painting from his motherland. His painting portrays elegance yet the vigorousness, artfully integrates two extreme elements from Eastern and Western into one. Even with such a background, Zhou Chunya is an artist who is resistant to be classified. Regarded as an avant-garde artist, a neo-expressionist and so on, all these titles imposed on him by people have been once

explicitly rejected by him in one interview. Only saying that he is "different", he hardly wants these existing titles to define him, his only pursuit is to honestly express himself at every stage.

In the early 1990s, Zhou Chunya began a period with his series of paintings "landscape and female body". At the beginning, the colors from his paintings still tended to be cool, yet the texture of the stone has been depicted in such a detail. At the same time, the women body painting has also became his focus. Both themes of landscape in the early stage and the woman body later on began to merge into one. Few years later, Zhou Chunya has chosen bolder and brighter colors. As shown in his artwork Ya'an Shangli, 94, No.5, the color blood red has been applied as it brings the direct impression of the combination of blood and flesh. It seems like a part of a living body at a very first glance. The overlapping of various shades of red creates an illusion of a living being. As well as taking advantage of his own strengths with stone texture depiction, Zhou Chunya richly depicts various textures in this street scene. The white color rendered in the center of the painting with the misty winding path brought this rigid painting a delicate touch of softness, the increasing flow adds more charm to the whole painting.

Shangli Town belongs to the famous rain city—Ya'an city in China. The ancient stone pathway in the ancient town is always heavy with moisture, people's contemplation and emotions arouse inevitably, so does Zhou Chunya’s. In a series of paintings depicting Ya'an Shangli, the main tone is bright red. Looking through Zhou Chunya's paintings, having such pure and expressive colors is also relatively distinctive. As an artist being honest with his true feelings, Zhou Chunya expresses directly beyond words in his paintings the state of his life at that time. In his prime, he turned the splendor of life into flesh-colored stones, there they are standing alone proudly, a perfect expression has fully revealed the blooming moments in the artist's life.

周春芽《山石圖一—去雅安上里的途中》1994 年作，油彩 畫布，100 x 80 cm Zhou Chunya, Stone Series: A View to Ya' An Shang Li, 1994, Oil on Canvas, 100 x 80 cm

唐寅《夢筠圖》（局部）明代 日本 東京 東京國立博物館藏

Tang Yin, Dreams (detail), Ming dynasty, Collection of Tokyo National Museum, Tokyo, Japan

151

ZHOU CHUNYA

( Chinese, b.1955 )

Ya'an Shangli, 94, No.5

100 x 80 cm

Oil on Canvas

Signed Zhou Chunya in Chinese and dated 1994

Signed on the reverse: Zhou Chunya and titled in Chinese, size 100 x 80 cm, dated 1994

PROVENANCE:

Private Collection, Asia

Purchased at Christie's, Hong Kong, November 29, 2015, Lot 151

NT$ 12,000,000-15,000,000

US$ 387,100-483,900

周春芽

雅安上里 94 五號 1994

油彩 畫布

簽名：周春芽 1994

畫背簽名：周春芽《雅安上裏 94 五號》100 x 80 cm 1994

來源：

私人收藏，亞洲 購自佳士得拍賣行，香港， 2015 年 11 月 29 號，Lot 151

周春芽《巴朗山之旅》1992 年作，油彩 畫布，100 x 80 cm Zhou Chunya, Journey To Balang Mountain, 1994, Oil on Canvas, 100 x 80 cm

SériedeFleursll

花之系列之二　朱德群

本幅畫作繪於 1957 年，正是朱德群奔赴法國翌年，說到 花與法國，膾炙人人的莫不屬艾迪‧琵雅芙（Edith Piaf） 那首，即使不明歌詞，也能使聞者心生戚戚的《玫瑰人生》 （La Vie en Rose），裡頭不論詞或曲，皆以一種浮於俗而 淺於世的態度組構，沒有過多蕩氣迴腸，亦無繾綣悱惻引 人憐惜，卻絕對深刻地留下了痕跡。乍看下色塊依稀堆疊， 間雜暈染墨跡模樣，卻段段勾勒出花之聲相、色調和形貌， 畫家朱德群自幼師承中國畫技，尤愛古典詩詞，東方文化 元素早已揉進靈魂，為他的創作初萌，「畫中有詩」是他 的作品中顯見的特色，另外，往往除了詩興入畫，具備書 法張力的筆法更油然帶來一股視覺上的節奏感，畫中詩與 觀者心能夠產生共鳴而自譜成曲，冥冥蹁躚起舞。

中國國畫中素用黑白定調，兩相對比使涇渭分明，用濃淡 層遞或輕重著落體現畫裡景物，沒有常人眼中構成世間視 野的多餘顏色，如此拉開與畫前之眾的距離，所以保有較 大空間教人發揮遐想，但每份想像都少了畫者初畫時對它 立下的中心思想，譬如若題目不夠明確，縱有千百種答案 合理，一看再看，總不免實與願違。而朱德群容納西方繪 畫之鮮彩，三原色經過匠氣打磨，幻出畫中結構不斷流轉 的線條，經由一次次地橫豎疊加後，花與花之間若有迴旋 蜿蜒相纏，賦予眼堵與畫布之連綴處兀自盎然的生息。無 論自哪個角度望去，皆可言道有水墨似的蒼勁詩骨做花枝 挺拔；葉理暈散至四方，似點點星辰亂卻有序地朧著，令

人想起戲劇揭幕前最是期待的序曲；已然盛開的花朵在左 方微微傾軋，欲向陽頷首，然畫家筆觸玲瓏地讓重心舉重 若輕地被牽引上托，使得畫中劇情和配樂臻至和諧，高低 錯置的排列則是樂譜中的快慢小節，漸次勾勒出畫中故事 將有什麼峰迴路轉，不禁神往其內；那仍含苞未發之叢， 尚未迎來綻放時的異彩，本該獨自踽踽一方，但在筆尾竟 處，明暗恍惚的存在格外吸取注目，襯托枝條欲發孤挺， 更與花葉相互掩映成趣，平添幾抹厲色逢春爭艷。

亨利。馬蒂斯《西班牙靜物圖》1910-1911 年 俄羅斯 聖彼得堡 艾爾米塔日 博物館藏 Henri Matisse, Spanish Still Life, 1910-1911, Collection of The State Hermitage Museum, Saint Petersburg Russia

朱德群《花之系列之三》1957 年作 Chu Teh-Chun, Serie de Fleurs III, 1957

(Lot 152) 朱德群《花之系列之一》1957 年作 Chu Teh-Chun, Serie de Fleurs I, 1957

郭熙《早春圖》宋代

歷來不乏畫中有詩之輩，卻難有朱德群般出眾者，惟畫 中有詩乃畫裡有詩意湧現，而詩又多長於抒情，偏短於 敘事，一幅畫僅能描摹片面之景，一首詩亦只有個情之 輾轉，就算兼具畫藝詩情，若想單就其在二維世界中的 面貌拼湊一篇故事，想來不大容易，朱德群卻在他的畫 中達到何謂「畫中有詩，詩中有畫」，不只以畫家之身 完成這幀作品，還搖變說書之人，這畫看著看著，耳邊 有帶點春意的聲音沓來，同時彷彿打著快板，畫中的一 撇一捺成為起承轉合的板點，在這樣沉穩地鋪陳下，首 先製造懸念，胃口吊起；再是挑撥情境，拴扣離間；其 次撥雲見日，解釦澄清；融合事的敘述和情的宣洩，這 是一幅訴說故事的畫。畫是長方周正地裝幀著，可即使 把它一刀兩劃，或二切四分，不管自上俯瞰，由下仰觀， 從左斜視，打右瞥掠，不管如何拆分，凡有一角出自朱 德群所畫，無不感受到饒富邏輯的事件正如火如荼地發 生，好比走在一座沒有樓層可數，僅以時間和空間作為 基準的階梯，周圍一幕幕變換的幻燈片包裹你，愈是看， 就愈被吸引，因為每一步都跨越一篇故事的世界，於是 這座樓梯便不見盡頭，使人欲罷不能地走，只為這麼欣 賞下去，實在耐人尋味。

孟子言「二者不可得兼，舍魚而取熊掌者也」，康丁斯 基（Kandinsky 1866-1944）於〈精神和諧藝術〉一書中 提出「內在必須之藝術」，及繪畫的色彩和線條在在表 達了創作者的精神狀態，如音符隨心躍動，亦似魚泅水 時汩汩翻滾；而中國書法所謂永字八法，側勒努趯等筆 勢中各有千秋，又環相呼應，總的一氣呵成，像熊掌中 紋理錯綜，但一發力猶是一掌可握。兩者之於尋常藝術 家，終其一生仍難以企及，不過朱德群發掘了抽象表現 主義和書法的關聯，康丁斯基的抽象藝術中所指的音樂 性，象徵著精神自由，恣意且迅速，這與書法技法不謀 而合，筆觸所及，勢隨之動，針對音樂命題，畫家結合 自身的書法技巧反覆試驗，成功引渡相隔千年千里的觀 念，讓他的文化根源產生旋律，也讓他的作品成為一種 語言，藝術生涯不可能始終如日中天，但藝術之美沒有 規則，也不需要妥協，青澀、過渡到成熟，藝術家從來 不為誰而做，朱德群堅信嘗試再嘗試，然後突破又突破， 不斷地有所成長斬獲，確實不愧兼得魚與熊掌的成就。

台灣 台北 國立故宮博物館藏 Guo Xi, Early Spring, Song dynasty, Collection of National Palace Museum, Taipei, Taiwan.

倫勃朗《石橋河景 》1638 年作 荷蘭 Riksmuseum 藏 Rijn van Rembrandt, Landscape with a Stone Bridge, 1638, Collection of the Rijksmuseum Amsterdam

This painting was completed in 1957, the year after Chu Teh-Chun arrived in France. Speaking of flowers and France, Edith Piaf’s song La Vie en Rose came to mind. Even if uncertain about the lyrics, the listener could still feel somewhat emotionally stirred up by the song. Its lyrics and melody are composed with an atiitude of rising slightly above the trite and staying adrift amid the mundane. Minus any superfluous resounding echo of emotional yearnings or lingering allure to entice contact or attention, the song does leave its indelible mark. Likewise, this painting does not present itself with a grand splash visually. At a first glance, the color blocks are sparsely stacked, interlaced with traces of ink shading and smudging, while using strips of color to outline the flowers’ soundscape, tones and contours.

The painter Chu Teh-Chun received training of traditional Chinese painting when he was only a child. Harboring an arden passion for classical poetry, Chu has eastern cultural elements blended into his soul as nutrients for his creations.

“Poetry in painting ” has been a distinct characteristic of Chu’s works. Besides embedding pooetry in painting, Chu’s adroit charged calligraphic brushwork brings about a visual sense of rhythm, striking a chord between the poem in painting and the viewer so much so that a tune is composed and comes alive between them, a tune that they tacitly dance to.

The predominant black and white colors in traditional Chinese paintings heighten the contrast between the two. Ink gradations are applied with varied ink load and brushstroke pressure to depict landscapes and objects without the

excessive colors that constitute the world as seen by the common folks, thus extending the distance between the painting and the masses standing in front of it. As such, the ink wash paintings are able to retain a wider space for musing and fathoming. Yet each and every fathoming is bereft of the central ideas intended by painter through the work. For instance, if the question is not specific enough, the multitude of answers that it elicits will, at close and repeated inspection, be a far cry from the intended answers.

Yet Chu’s incorporation of bright colors of western paintings, plus added refinement of the three primary colors, morphs into endless streamed lines within the structure that are stacked horizontally and vertically to render meandering encounters among flowers and unrestrained singular exuberance in the space between the eyes and the canvas where the dots are connected. From whichever angle the painting is viewed, one can detect distinct robust resilience, which is reminiscent of ink wash paintings, holding up the frame of the flower stems. The leaf foliation is smudged to the edges, scattered around like the stars in a orderly haze. This evokes the prelude of eager anticipation that accompanies the moment before a theatre production opens its curtain. The flowers in full gloom are on the left gingerly elbowing to greet the sun. The painter’s nimble brushwork guides the visual focal point expertly upwards to balance the drama and its accompanyng soundtrack to a profound communion. The interspersed height arrangement is akin to tempo in a music score and gradually outlines what turns and twitsts are unfolding in the story of the painting to lure viewers to join the ramble. Meanwhile, those budding flowers awaiting to be dressed in fabulous colors are purportedly expected to hold their solitary space in the corner. But in a quiet way, with no fanfare, no fuss, their opaque self-effacing existance surfacing near the end of the painter’s finishing strokes will somehow catch your attention. Next to the sprawling petals and leaves, they stand tall and strong, ever so eager to vie for the crown of the spring beauty queen.

Over the years, amid the throng of painters that could place poetry in their work, there has never been one on a par with Chu; they are just about able to put poetry in the painting, poetry that mostly expresses sentiments, but short of a narrative. Generally, a painting only portrays partial aspects of a landscape, and a poem only conveys the twists and turns of sentiments. Even if a painting embedded with a poem manages to contain some poetic infusion, the act of assembling and enacting a story in a two-dimensional world is, suffice to say, no easy feat.

However, Chu’s painting reaches the state of “ poetry in painting; narrative in poetry ”. He completes the work as a painter but also turns himself into a narrator. Gazing at the painting, one will hear a blithe voice of Spring almost on a

《馬丁尼克風景》1887 年作英國 愛丁堡蘇格蘭國家畫廊藏

Paul Gauguin, Martinique Landscape, 1887, Collection of the Scottish National Gallery, Edinburgh, UK

fast tempo, a result of the neatly paced cadence through the pecking and pressing of the brushstrokes. Given such a structured unfolding, the viewers will have their appetite piqued, and the context and content stirred up, pulled apart, and pieced together again, followed by clarification and resolution. Fusing the exposition of a narrative and the outpouring of emotions, this is a painting that tells a story, a painting framed squarely in a rectangular space. In whichever way you cut it, in twos or in fours; from whichever angle you view it, from high above or from down below, obliquely from the left or glancing from the right, seeing any nooks painted by Chu, one will sense an event being brewed with logic on a sizzling fire. It’s like walking on the stairs that cannot be counted for the floor level but with only time and space to hold on to, as if the viewer is being enveloped by one after another streaming projection slide. The more you look, the more you will be lured in. Each step you take will further transpose you to the world of the story. There is no end to this flight of stairs. It will keep the viewer hooked to the end.

Mengzi said, “ When I cannot have both, I shall give up fish and have the bear’s paw instead.” Kandinsky (1866 – 1944) proposed the “Art of Internal Necessity ” in his book, The Art of Spiritual Harmony, stating that in expressing the creator’s spiritual state, the colors and lines in painting will leap like music notes to one’s heartbeat or rejoice like fish swimming in water. In the Eight Principles of Yong in Chinese calligraphy,

each of the eight brushstroke disciplines exhibits its singular charm and force and yet corresponds to each other to conjure up an undisrupted maneuvering of energy. Much like the intertwining terrains on a bear’s paw, once it strikes, all elements come as one force to hit the mark. The dichotomy of the discipline and the freefall expressivity; the form and the content; the abstract expressionism and calligraphy are often out of reach for regular artists despite a lifetime pursuit.

However, Chu has uncovered the link between the two, i.e., the abstract expressionism and calligraphy. The musicality that Kandinsky refers to in abstract art is a symbol of spiritual freedom, unchained and fast-paced. This insight sits well with the craft of calligraphy. Where the brushstroke goes, the force moves and follows. As for musicality, Chu has combined his own calligraphy techniques with repeated experimentation to successfully draw ideas from across thousands of miles and years to instill musicality in his cultural disposition. This has propelled his work to a whole different sphere and contain a language of its own. One’s art career cannot possibly always stay at the peak. But there are no rules to the aesthetics of art, no need for compromise either. From being fresh but green, to mature and seasoned, an artist never creates art for anyone’s sake. Chu believes in nonstop trying and pushing boundaries in order to grow and to justify his accomplishments of having dissolved the dichotomy and retaining both the fish and the bear’s paw.

Kitagawa Utamaro, Red Dragonfly (Akatonbo); Locust (inago) (detail), 1788, Collection of The Metropolitan Museum of Art, New York

152

CHU TEHCHUN

( Chinese-French, 1920-2014 )

Série de Fleurs ll

65 x 62 cm Oil on Canvas

Signed CHU TEH-CHUN in English and titled in French and Chinese on the reverse

ILLUSTRATED:

1. '' OVERSEAS CHINESE FINE ARTS SERIES (ll) CHU THE-CHUN, '' Artist-Magazine, Taipei Taiwan, 1999, Page 86-87

2. ''CHU THE-CHUN,'' Enrico Navarra Gallery,'' Paris France, 2000, Page 31

This work has been confirmed by Chu Teh-Chun Foundation.

NT$ 18,000,000-25,000,000 US$ 580,600-806,500

朱德群

花之系列之二

1957

油彩 畫布 簽名：CHU TEH-CHUN 畫背簽名：Serie de Fleurs ll 花之系列之二

圖錄：

1.《華裔美術選集（ll）朱德群》，藝術家出版社，台灣台北，1999 年，第 86-87 頁

2.《朱德群》，Enrico Navarra 畫廊，法國巴黎，2000 年，第 31 頁

此作品已經朱德群基金會確認

藝術家 朱德群 Artist Chu Teh-Chun

ZAO WOUKI

趙無極 11.2.67

1948 年，趙無極移居巴黎，畫作漸趨向抽象風格，加之 對商朝甲骨文幾近癡迷，其 1950 年代的作品中初見簡單 的圖形嘗試，隔著畫布隱約有原始雕刻和岩畫的影子，恰 恰展現畫家捕捉基本力量與型態的天賦。1957 年，紐約 為他帶來全新的視野，認識許多抽象表現主義畫家及他們 的作品，於是著手用更大張的畫布，更大膽的風格做出改 變。1959 年，不想觀眾被文字束縛，趙無極決定往後畫 作將以作品之完成日期命名，從而避免太過明顯而且直接 的聯想。60 年代初期，不復早年遒勁之剛，色彩上轉以廣 袤柔緩，筆觸細碎卻暗含力道，畫作氛圍經過稀釋，任色 彩、明暗和結構在表面徜徉，像曦微之際，亮歸亮，卻裹 著薄薄一層泛著光的灰，予人親暱然而縹緲的微妙感覺。

此後，畫的細節處不再小心翼翼，反以加倍鮮明，極具辨 識度的手法凸顯他的多種風格，筆鋒在布紙上一派倜儻風 流，跌宕間竟抓住了比過去還彭湃的自然世界。

二次大戰後至 70 年代，藝術思維獲得新血，理論與審美 多少遭遇變革，同時加速地傳播出去，抽象畫派繼後印象 派、野獸派、表現主義，蔚然成為一股新興強流，趙無極 是第一位進入彼方的華人藝術家，與幾位抽象畫家，如 亨利‧米肖（Henri Michaux）在巴黎並肩齊驅，米肖十 分看好這位初來乍到的華人畫家，趙無極來到巴黎作的石 板畫，便是由米肖配詩後方順利出版。米肖觀察到，畫家 每個時期所繪，皆是由內心情感所投射的自然，從具象到 抽象，模仿到解脫，不論好壞參差，「抽象是出於內心所 需」，即使探索過程可謂漫長痛苦，都實實在在地滋養了 趙無極，最終，「也還有迷茫，卻沒有猶豫；也還躁動， 卻又自成秩序」，他找到獨屬於他的繪畫語言，可以把剎 那間的情緒，以色彩和筆畫的形式凝鍊在畫布上，「賦抽 象以內容」，這是他不曾間斷的追求。

一位充滿抱負，胸懷追求的藝術家在作畫時，每一張畫蓋 由彼時之一腔心血鑄成，乃是內心境遇轉變，才使畫顯現 分別。畫布底層一左一右一下，濛灰、硝金和透白，天地 間氣韻裊然，無聲中將心臟的律動推己及人，海納萬千氣 象在視野之內，下方若瀲灩有光，映照疑惑、驚訝接著發 現的轉折，正中央是大自然元素細密堆砌，看似渺小，實 則如山層巒疊嶂，下墜的筆觸令人聯想到分別的垂楊，自 然界中沒有死別，只有生離，落下是為了下一次的上升， 因此不必感到惆悵，應當笑著珍惜。 高行健〈評趙無極的 畫〉：「他追求形式，卻不走向形式主義；他講究色彩， 而色彩的交響，傳達的是意境。」 的確，趙無極的意境， 不需要名字，連言語都嫌多餘，他的畫絕對能夠完全地展 現他的內心。

當西方畫家困於對抽象的哲學辯證時，儘管趙無極無意鑒 學中國文人的山水畫法，用新的材料、技巧和風格創作， 用截然不同的觀念和美感對待繪畫，傳統與西化的較勁在 國際藝術界中不曾停歇，這理所當然地也發生在他身上 過，但「融合」就是他的天賦，也是使命，這個紛爭在他 累積的過程中逐漸消弭，趙無極或他的畫並不附庸於哪一 方、哪一派，他是唯一的，擁有自己的風格，獨特的語言， 以及無法替代的意境，外在環境再怎麼快速變遷，他始終 如一地持續挖掘他的內心世界，孜孜不倦地「賦抽象以內 容」，並耽溺在這樣的世界裡，樂此不疲。他是一塊吸收 力令人髮指的海綿，將抽象藝術學得渣都不剩，再潛移默 化地導入東方水墨之幽微，他的畫中世界不分東西敵我， 因為他就是主宰一切並納為己用的王，「一個藝術家只要 能把自己的感受流在作品中，便是對所謂價值觀乃至對短 暫生命的嘲弄。」怪不得，無極此名，當真無極。

藝術家 趙無極 ©Isabelle Lemesle Artist Zao Wou-Ki ©Isabelle Lemesle

Zao Wou-ki relocated to Paris in 1948, beginning a period marked by growingly abstract style and fascination with the oracle bones carved with the Shang dynasty script. His initial attempts to incorporate symbols in the 1950s cast an air of rawness characteristic of the primitive cave paintings and carvings, which suited Zao’s ability to capture the fundamental force and form. His move to New York in 1957 ushered in fresh perspectives. Becoming acquainted with abstract expressionists and their works, Zao decided to move towards a bolder style in a grander scale. In 1959, wanting to free the viewers from the confines of words, Zao decided to name his paintings after their completion dates. From then on, he eliminated all overt associations connected through the titles. In the early 1960s, the compelling vigor found in his early career subsided. His use of color grew gentle and expansive; his brushstrokes, though

fragmented, exuded quiet strength. Amid a less intense ambience, light and shadow intertwine with the colors and structure. Like dawn, the light breaks with a thin veil of gray overtone, so intimate and yet aloof. This is the departure point from Zao’s meticulously manicured style. In its place is a versatile one brought forth through a highly idiosyncratic manner. His unrestrained strokes run wildly through the canvas, encapsulating the splendor of nature more powerfully than ever. In 10.8.67, another piece dated to 1967, Zao folded the canvas with wet pigments on it, creating mirroring dark blue patches on opposite ends like two rivals just being separated from a fight. The energy is conflicting with and yet supportive of each other. Meanwhile, the light and dark hues expand spatially, creating a stunning contrast.

趙無極 《翡翠台》1962 年，版畫系列 Zao Wou-Ki, The Jade Terraces, Etching (1962)

趙無極 1964 年版畫 Zao Wou-Ki, Lithograph (1964)

趙無極 《照亮》1967 年，版畫系列 Zao Wou-Ki, Illuminations, Etching (1967)

趙無極 《西方的誘惑》1962 年，版畫系列 Zao Wou-Ki, La tentation de l’Occident, Lithograph (1962)

趙無極 1965 年版畫 Zao Wou-Ki, Lithograph (1965)

藝術家 趙無極

Artist Zao Wou-Ki

New schools of thoughts emerged between the end of World War II and the 1970s. Reforms were inevitable in art and aesthetic theories, and they were quickly disseminated. Following Post-impressionism, Fauvism and Expressionism, Abstractionism gained momentum. Being the first Chinese artist to obtain a prominent status in the European art scene, Zao was neck to neck with abstract artists in Paris such as Henri Michaux, who saw great potentials in Zao. Michaux also wrote the poem that helped Zao publish the lithograph he created in Paris. Michaux observed that during the different periods, the nature Zao painted was a projection of his inner state. From the figurative to the abstract, from imitation to liberation, be it good or bad, abstraction is born out of what his heart desires. This exploratory journey, despite being a long and suffering one, provided the nutrients Zao needed. Ultimately, “Though confusion remains, it does so without hesitation; though agitation remains, it does so within order.” Zao found the expression of his own, one that encapsulates and distills fleeting emotions with colors and lines on canvas. “Giving substance to abstraction,” that was Zao’s eternal pursuit.

11.2.57 is but one of Zao’s many paintings. Even sketches on a piece of scrap paper denote a segment along an artist’s path towards the summit. Career fluctuations do not necessarily reflect popularity. What is undisputable though is that when an artist paints with aspiration and conviction, each creation is the fruit of equal level of devotion and commitment that can only be differentiated by the artist’s inner transitions. This is a reflection of style, not quality. In 11.2.57, misty gray, dynamic gold and translucent white occupy the left, center and right, forming an energy flow between heaven and earth with outwardly rippling rhythms. The view is one that is allencompassing. Seemingly lit from beneath, doubt and stun give way to discovery. The center of the image is densely layered with elements of nature. Appearing insignificant, they are in fact as lofty as the cascading mountains with downward strokes that drape like weeping willows. In nature, there is no death, only departure. Descendance is the prelude to the ascent that follows, which is not to be greeted with lament, but cherished with laughter. Gao Xingjian wrote in Critique on Zao Wou-ki’s Paintings, “He pursues form, and yet averted formalism; he is meticulous about colors, but what the colors concocted is his mindscape.” The inner realm Zao created needs no name. Even languages seem superfluous, for his paintings are the purest representation of his heart and soul.

While the West was preoccupied by the philosophical discourse on abstraction, a fusion was subtly taking place. It was not Zao’s intent to reference the landscape painting tradition of the Chinese literati. Rather, he wanted to experiment with new mediums, techniques, concepts and aesthetics. The duel between the Chinese tradition and

Western trends in the international art scene never stopped, and of course, the same contention took place within Zao. Yet, it was his calling to defuse such rivalry, fusing the two along the way. Zao and his paintings are beyond definitions. He was in a league of his own, so idiosyncratic in style and expression that he created realms with no parallels. Oblivious of the fast-changing world, he coursed through the inner exploration steadfastly, continuing to give substance to abstraction. It was a world in which he happily immersed. Zao had an insatiable appetite for knowledge when it comes to abstract art, and his relentless pursuit left nothing behind. He quietly infused the subtle nuances of Eastern ink paintings with abstraction until the boundary between the two dissolved in a universe of which he was the master. “When an artist let feelings flow freely throughout the artwork, that is a mockery to the so-called values and the fleeting life.” As Zao Wou-ki’s name suggests, his was boundless.

傅抱石《漁歸圖軸》1949 年作 中國 北京 故宮博物院藏

Fu Baoshi, Landscape, 1949, Collection of The Palace Museum Beijing, China

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ZAO WOUKI

( Chinese-French, 1921-2013 ) 11.2.67

74.5 x 61.5 cm

Oil on Canvas

Signed Wou Ki in Chinese and ZAO in English

Signed on the reverse: ZAO Wou-Ki in in English and title

Zhong

NT$ 55,000,000-70,000,000 US$ 1,774,200-2,258,100

趙無極 11.2.67

1967

油彩 畫布 簽名：無極 ZAO 畫背簽名：ZAO Wou-Ki 11.2.67

本公司可協助得標者向趙無極基金會申請保證書。

Cheng Auction can deliver a certificate from Zao Wou-Ki Foundation at the expense and at the request of the successful bidder.

SoothingBreezes FloatingClouds

清風雲露　李真

來自雲林的銅雕藝術家李真，1963 年出生於以裝潢建材 行為業的家庭，從小耳濡目染，對各式材料已有多樣的認 識基礎，早期並沒有太多對創作的意圖和想法，只是循著 家中的環境，協助家業。後來，因緣際會下，進入傳統佛 像的雕刻業，並以此業維生數年。在執業期間，因為傳統 佛像的普遍需求，不同的佛像中都有因循的規則要配合， 長久下來，李真發現自己更想要嘗試創作，而不是全然走 前人走過的路。初嘗試下，帶著過去積累的一切，李真試 圖傳達的想法催生出《水月觀音》，李真擅長的輕盈感、 圓融且充滿溫暖的雕塑風格，已見開端，《水月觀音》恰 到好處的融合了傳統與創新，不只撼動傳統佛像雕塑的世 界，並引起仿效，也開拓了國內外藝術圈對佛雕的理解。 從此以後，李真便開始了一系列融合傳統與現代、結合佛 家與道家思想的銅雕創作，並在世界各處嶄露頭角。

李真在 2017 台北當代藝術館中所舉辦的個展「『世』一 場自願非願的遊浮」，更是凝練地傳達出了他的創作核心。 在一次訪談中，李真曾提到自己與佛家思想最矛盾之處： 佛家強調無我，然而堅持創作出符合心中想法的雕塑的自 己，不正正是無我的相反？但，正是因為這種時時刻刻皆 意識到的矛盾，不斷挖深李真的思想，以更遼闊的心神看

待身處的人間世，而他的作品中，也因隨處可見的極端矛 盾的呈現，產生一股極耐人深思的張力，在《清風雲露》 中，恰恰可以看出。此件作品雖是鋼雕，卻在三種不同顏 色間，展現了不同的質地，最底部是面積最小的，最上層 的雕像體最大，顏色最深沉，整體呈現出的空間感展現出 一種令人微微屏息的危險，好像可一推即倒，但也因此展 露出雕像體的輕盈感，視覺邏輯上，明明是最沈重之物， 卻輕鬆地飄浮在柔軟質感的雲霧上，正好體現出《清風雲 露》的主題名稱。

縱觀李真的創作，他的作品從有型逐漸趨向無形、莊嚴成 熟的佛祖形象到滿意童趣的圓潤外觀，但仍有意識地保留 了東方佛祖的象徵：如飽滿的耳垂、額頭上的戒疤，不需 多做說明，便能讓一般大眾讀懂他的第一層意思，不因為 藝術創作而遺世獨立，這亦是李真在思考佛學後，透過雕 塑所展現的一種回答，思考佛學，並非要嚴肅且抽離人間 煙火不可，在出世入世間，有人所在之處，都有佛性，亦 有佛理，即使是佛，也能有童趣和玩心。李真手中的雕塑， 彷彿拉近了人與佛之間的距離與邊界，不再是充滿著警示 或需萬般敬重的意味，而是以一種高質量的喜樂感染了眾 人，反而將佛所追求的境界，更好的地滲透到人心中。

LI CHEN

「李真的雕塑是那種看過一眼便會令人不能 忘記的藝術，它們以極為個性的面貌和極為

強烈的風格讓人嘆為觀止，『猶如天外來客 驚擾視線，也如遠古經典遺世獨立』。」

前中國美術館館長范迪安

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LI CHEN ( Taiwanese, b.1963 )

Soothing Breezes Floating Clouds

50 x 70 x 120 cm

Bronze, limited edition of 8 Engraved Li Chen in Chinese and English, numbered and dated 2005

ILLUSTRATED:

1. ''Li Chen in 52nd Venice Biennale - Energy of Emptiness,'' Asia Art Center, Taipei Taiwan, 2007, color illustrated, cover & Page 173177 (different sized version illustrated)

2. ''Li Chen in Beijing - In Search of Spiritual Space,'' Asia Art Center, Taipei Taiwan, 2008, black-and-white illustrated, Page 116-123 & Page 172 & Page 175 (different sized version illustrated)

EXHIBITION:

''Li Chen - In Search of Spiritual Space,'' National Museum of China, Beijing, 2008

With a certificate of authenticity from gallery

NT$ 13,000,000-18,000,000

US$ 419,400-580,600

李真

清風雲露 2005

鋼雕 限量 8 件

簽名雕刻：李真 Li Chen，版數，2005

圖錄：

1. 《第 52 屆威尼斯雙年展－虛空中的能量》，亞洲藝術中心， 台北，2007，封面及第 173-177 頁

2. 《尋找精神的空間－李真中國美術館個展》，亞洲藝術中心， 台北，2008，第 116-123 頁，第 172 頁及第 175 頁

展覽：

「李真—尋找精神的空間」，中國美術館，北京，2008

附畫廊開立之原作保證書

李真 - 虛空中的能量：第 52 屆威尼斯雙年展（書本封面）亞洲藝術

中心出版於 2007 年

Li Chen, Energy of Emptiness: 52nd International Art Exhibition – La Biennale di Venezia | Li Chen in Venice (book cover) Published in 2007 by Asia Art Center.

LI CHEN

---李真

「藝術本來就沒有疆界，它是內在 的東西，一種精神性的服務，一種 心靈精神的交流。」

WisdomBodhisattvaand Fulfillment Bodhisattva

文殊與普賢　李真

1963 年出生於台灣雲林的李真，創作以東方儒、佛、道之 三教思想為基礎，相互攝取精髓活用在一件件細膩儒雅的 雕塑作品中，兼具東方玄學精神，修心、空無、自然為一 體的極簡風格。從較早期的轉化傳統佛像的虛實聚化，修 心運手，專注於法相、體態的莊嚴造型，如 1992 年《水月 觀音》、1996 年《一葉觀音》…等，約莫 1998 年開始簡 化佛像造型，考量周圍空間動向、處理材質以拂化繁，讓 三教思想與藝術創作從內到外、從心念到表現完美結合。

福相喜氣卻不失形的氣撼莊嚴、象的神性空靈。不僅備受 國內藝術市場推崇、參展於各大機構單位，也遠播國際舞 台，2007 年更曾受邀參展威尼斯雙年展，成為百年來首位 以個人名義受邀威尼斯雙年展舉行個展的華人藝術家。

李真的招牌佛像、亦或是修行人，其中富含寄託性安寧靜 思的能量，正是當今社會渴求的人文治癒，為此可說其魅 力跨越了國籍、信仰、文化等價值觀，一如《文殊與普賢》

作品雖取於大乘佛教《華嚴經》所描述的「釋迦三聖」其 中－左脅侍「文殊菩薩」、右脅侍「普賢菩薩」為原型， 但是在實際挪用於李真雕塑語彙時，其帶給觀眾的第一感 受更為親切，更不帶任何條件認知的符號，取而代之的是 圓潤大氣、緩動而靜的視覺姿態，雙對面部呈現安然的神 韻，乃至座下幻獸不再勇武悍拔呈現憨厚溫順之趣味。

在材質表面使用黑色漆料光滑包覆，看似沈重卻輕盈潔淨、 神秘深邃而又飽滿，煥發出安定的適宜感；製作過程不免 看出藝術家超乎常人的修為定性，耐心地層層推磨出最低 限而精準的「少即是多」、「多而不如空」禪修美學涵養， 而又其「空」化作為一「自在無為」，讓作品本身即可勾 起著微妙的冥想。就算不認識文殊菩薩所代表「智慧」， 或許也不明白普賢菩薩所行願「無邊功德」，仍然可以在 李真的雕塑中感受到那些來自中性的慈悲與其中帶來平靜 治癒的能量。

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LI CHEN ( Taiwanese, b.1963 )

Wisdom Bodhisattva and Fulfillment Bodhisattva

a. 43.5 x 25 x 36 cm

b. 43 x 29 x 41 cm

Bronze, 7/8 (A set of two)

Engraved Li Chen in English, numbered 7/8 and dated 2001

With one seal of the artist (2)

PROVENANCE:

Acquired from Ravenel's 2010 Autumn Auction, Taipei

ILLUSTRATED:

1. ''Li Chen Sculpture 1992-2002,'' Asia Art Center, Taipei Taiwan, 2004, Page 80-81

2. '' Li Chen in 52nd Venice Biennale - Energy of Emptiness, '' Asia Art Center, Taipei Taiwan, 2007, colorillustrated, Page 110-115; black-andwhite illustrated, Page 218-219 (similar version)

3. ''Li Chen in Beijing - In Search of Spiritual Space,'' Asia Art Center, Taipei Taiwan, 2008, color illustrated, Page 40-49; black-and-white illustrated, Page 196-197 (similar version)

NT$ 4,600,000-5,500,000

US$ 148,400-177,400

李真

文殊與普賢 2001

銅雕 7/8 ( 兩件一組 )

雕刻簽名：2001 Li Chen 7/8 (2)

雕刻鈐印：李真 (2)

來源：

購自羅芙奧 2010 秋季拍賣會，台北

圖錄：

1. 《李真雕塑 1992-2002》，亞洲藝術中心，台灣台北，2004 年，第 80-81 頁

2. 《李真第 52 屆威尼斯雙年展─虛空中的能量》，亞洲藝術中心， 台北，2007 年，( 彩色圖錄 ) 第 110-115 頁；( 黑白圖錄 ) 第 218219 頁 ( 另一尺寸版本 )

3. 《李真中國美術館個展─尋找精神的空間》，亞洲藝術中心，台北， 2008 年，( 彩色圖錄 ) 第 40-49 頁；( 黑白圖錄 )，第 196-197 頁 ( 另 一尺寸版本 )

Uniqlo UT Line 藝術總監 NIGO ( 左 ) 與藝術家 KAWS ( 右 )

NIGO (left) current creative director of Uniqlo’s UT Line with artist KAWS (right)

KAWS(BRIAN DONNELLY)

GoneandBeyondA-3

KAWS 布萊恩．唐納利

KAWS 原名布萊恩．多納利（Brian Donnelly），現居於紐 約布魯克林，在 Instagram 上擁有超過 300 萬訂閱者，以 網路當道的社會標準判斷，他可謂當今世界最知名的藝術 家之一。

早期 KAWS 於 1990 年代開始在紐約街頭以街頭塗鴉創作 為主，他喜歡將那時的作品稱為「另類廣告」。他一般先 是趁夜去公共汽車站打碎廣告燈箱，把海報拿回自己的工 作室，加上數筆顏料，然後在黎明來臨前把海報放回原處。

這些廣告通常都被他加上卡通人臉，並在眼睛處以「X」 符號代替；兩種傳達媒體，經過材質與形式的二次創作， 消除了功利性象徵意涵、社會的資訊不對等…。從「藍精 靈」、「辛普森一家」、「米老鼠」和「海綿寶寶」…等 卡通片都不斷給予 KAWS 創作靈感，從小孩喜愛的卡通元 素導入包容、平等、民主價值，一直以來這都是 KAWS 的 核心藝術語彙，哪怕在近幾年作品持續銳意革新，向半抽 象繪畫探索的過程中，仍不時出現在作品當中。

而在他發展至今的繪畫作品，甚至將街頭塗鴉一種底層社 會與資本階級溝通關係美學扭轉，讓架上繪畫成功的發生 在街頭藝術上。相較常與 KAWS 作品美學比較的普普藝術 (Pop Art)，KAWS 更多了一種對二次元角色的多重思考，在 作品上用幽默的角色建造他的世界，引領人們進入，消費、 品味平等的民主烏托邦，在空間上則以一種佔領式的意義 讓他的「XX」符號畫記在世界各地、交流市場、美術館、 私人場域…等。

像是《Gone and Beyond A-3》一作中，KAWS 以挪用卡通 片與其同名主角「海綿寶寶」的面部誇張的聚焦。難得讓 觀者近距離觀察卡通人物的細部，雖不像仿擬現實的繪畫 那般細節，卻更有趣的看到流暢硬邊線條與幾何，用異變 的色彩扭轉具體固化的娛樂產物，網羅多向的觀看經驗， 既是一種特定群眾的集體記憶、也是被重新共構的新角色 或意象。再者不論內容意義或畫面構圖，可以是一種加法 的匯聚、也可以是減法的消散，更甚至 KAWS 不忘在看似 瞳孔處，原是整張畫中最具象的所在處加上招牌「X」， 增添造型圖像的純粹，鞏固整體具象與抽象間的中立平 衡。

KAWS 平面繪畫中，最吸引人的不乏為此一經過拆解、構 成的「圓形」系列，不同於他其它作品予以了完整形象， 圓形系列以一種反問觀眾的立場，描述了一個原創角色、 二創角色，具象、抽象，多與少的審美包容。然而，圓 形作為一種畫面觀看的不定式，能猶如冷抽象表現主義般 360 度的重新品味；但若作為一種藝術史上的檢視，可連 接在文藝復興 (The Renaissance) 時期多用途於教堂圓形聖 像畫 (Tondo)，將社會固有的娛樂產物亦是非是的面貌，重 現五百年前神聖的神秘形式，融會在 KAWS 心中認定的神 聖而平等的“某＂二次元角色。

不論用何種方式觀看，作品名稱「Gone」與「Beyond」， 看來都指向了 KAWS 試圖讓某種東西消逝、某種東西超越， 亦或是反過來。如此革新的系列一經發表，也讓 KAWS 再 度創下交織流行文化、街頭文化、藝術美學的全新高度， 確立在藝術各界不可動搖的地位。

KAWS (Brian Donnelly) has over three million followers on Instagram and currently resides in Brooklyn, New York. Judging by the standards of our internet-dominant society, he can be said to be one of the most well-known artists in the world today.

KAWS started working with graffiti on the streets of New York in the 1990s. He likes to call his creations of that period alternative advertising . He would break bus shelter art windows, take the posters back to his workshop, paint over them, then return them to their original spots before dawn. His art often contains cartoon characters with big Xs over the eyes. Through derivative work via form and material with two different medias, he was able to eliminate utilitarian symbols and inequality of social information. Cartoons like The Smurfs, The Simpsons, Mickey Mouse and SpongeBob SquarePants offered KAWS endless inspirations. Incorporating values of tolerance, equality and democracy into his works has always been at the core of his artistic creations. These elements still continue to appear even as his recent works shift toward the realm of semi-abstract paintings.

Of the paintings he has created thus far, he has successfully transformed the aesthetics of graffiti–a form of communication between the underprivileged and the capitalist worlds–by bringing it from the streets onto the easel. KAWS' works are

馬列維奇《至上構成主義》1915-16 年作 藝術家屬收藏 Kazimir Malevich, Supermatist Construction, 1915-16, Collection of the Heirs of Kazimir Malevich

often compared with pop art, but they offer more insight into two-dimensional characters. He leads people into his world via humorous personas, and prompts viewers to consume and taste his democratic utopia. The XX symbols act, in a way, as his mark on the world, and in art markets, art galleries, private spaces, etc.

For example, in Gone and Beyond A-3, KAWS created an exaggerated view of SpongeBob’s face, offering viewers a rare look at the cartoon character up-close. Instead of the details found in realist art, it features interesting hard-edged lines and geometric shapes. With the use of vibrant colors, he transformed an existing popular icon and prompted viewers to regard it in a different light. It is at the same time a collective memory and a newly reconstructed role/image. Furthermore, it is a convergence of pluses and a dissipation of minuses both in connotation and in composition. Of course, KAWS does not forget to add his signature X on what seems to be a pupil, the central focus of the painting, adding purity and achieving a balance between figuration and abstraction.

Of KAWS' paintings, the most eye-catching is none other than the cropped tondo series. Unlike his other works which consist of entire forms, this series reinvents existing characters in a rhetorical manner. The new work is figurative, abstract, and an acceptance of more with less. Looking at the circular painting, the viewer is able to savor in 360 degrees with cool abstract expressionism. Looking at it via the retrospective of art history, it is a continuation of Renaissance church tondos. What appears to be a popular icon takes the holy form from 500 years ago, and the product is a “certain” two-dimensional character deemed both sacred and equal in the eyes of KAWS.

Regardless of how you look at it, the words "Gone" and "Beyond" in the title seem to suggest that KAWS is attempting to make something disappear, transcend, or vice versa. With the release of this innovative series, KAWS once again reached new heights with his ability to combine pop culture, street culture and aesthetics, and thereby establishing his unshakable position in the art world.

156

JOSH SPERLING

BigChief

大酋長　喬希．斯珀林

“I feel like as an artist you spend a lot of time inside your own head. The most fun part of being an artist is daydreaming,” Josh Sperling said at an interview for his 2022 solo exhibition, DAYDREAM.

讓人歡愉的抽象彩虹波浪，紐約藝術家 Josh Sperling 首次香港個展《光譜》

Perrotin 香港 Exhibition view: Josh Sperling, Spectrum, Perrotin, Hong Kong (8 May–14 June 2021). Courtesy the artist and Perrotin.

就在 2022 上半年，紐約貝浩登畫廊 (PERROTIN PARIS New York) 展出了近幾年來十分活耀的藝術家喬希．斯珀林 (Josh Sperling) 逾十年來所創作的作品，以精密計算的色彩方 法、配合極簡主義造型與訴求，讓作品呈現三維空間創造 與展開互動可能性。1984 年出生於紐約的喬希．斯珀林 薰陶於美國 90 年代鼎盛時期的街頭藝術，甚至美國文化 風格意氣風發的時代，經濟環境沸騰，便引進了許多追尋 美國夢的各路藝術菁英、新銳，滋潤萌芽了多元的藝術風 格並成為一種「美式混血藝術」，那是一種自由、多元包 容、無包袱的恣意特質。喬希．斯珀林正是一位在普普藝 術的啟迪、潮流藝術的指引下融入科技方法、冷抽象極簡 (Minimalism) 思維、設計觀念於一身的美國藝術新星。

喬希．斯珀林實際上是平面設計出身，而真正涉足純藝 術領域是從 2012 年，擔任 KAWS 在布魯克林工作室的助 理，便經歷五年從木工、混色、繪圖、行政、業務 等， 讓他深入認識藝術工作室如何從創作到擴展、與藝術界交 流 等實踐，特別在創作方面喬希．斯珀林曾回憶道：很 佩服 KAWS 如何駕馭色彩，間接的開啟他對色彩的熱忱， 讓他看到藝術用以往他所理解的不同方法認知色彩、探討 色彩，還有造型上的美感、多重空間互動，開啟了他的藝 術熱愛與新道路；KAWS 令他來說非常重要。

藝術的包容讓藝術家作起白日夢，讓之所以為藝術家；色 彩的無限讓喬希．斯珀林奔向那裡的開闊白日夢空間。

一如此作品《大酋長》(Big Chief) 運用極簡主義式的構想， 反動於特定符號與情緒影響，將部落的酋長真實形象透過 圖形軟體技術矩陣化、運算排列關鍵造型，抽離雜亂參數， 模糊處理成為一種既視感的視覺可能。既掌握在他可控制 的所指、又接納軟體所收集的數據「理性非我規範」的能 指，最後為了保證手作無法達到的完美，選用高科技自動 銑鉋機，一絲不苟地製作膠合板底材，刻意脫離典型畫框 架，而訂製獨一無二的雕塑造型框架，似乎仍予以某種限 制，頗具用感性脫離理性框架的「佯攻」趣味，也是喬希． 斯珀林對作品營造空間、空間營造作品的探討手法和一大 亮點。

在造型上有機與無機的結合，讓《大酋長》位在左側的波 浪形狀出現規則和臉部剪影擺盪動態，配合畫面頂端的酋 長誇張頭飾，比例精準兼具感性不定絲滑，近乎可說突破 六、七零年代極簡主義訴求低限自由與人為審美的矛盾困 境。再是喬希．斯珀林色彩關鍵靈魂上，據採訪紀錄他已 自行開發了 1200 種色域，並使用無塵噴漆技術將作品上 色，在一層層勻稱化的色彩中堆疊出電腦匹配與人為判斷 的交互，使其呈現有衝突又自然的視覺立體感，回看所搭 配的造型底材，像是在無機造型中流動，也隨時是有機造 型中凝結，讓觀眾在觀看經驗上不斷轉換關係。更重要的 是在不知覺間沈浸在一粒雜質都沒有的絕對純淨中，作品 將觀者帶入了一場內外空間的饗宴，在這裡喬希．斯珀林 意圖讓《大酋長》可能是自然神秘力量感知場域，也可能 是有層層表皮的棕櫚樹，再可能是能讓空氣進出的動態空

間，或只是點綴著鼻環配飾、帶著炙熱紅眼的威嚴酋長？ 存在於展示現實空間時，是一種加法？亦是一種減法？不 斷共享延伸出來的自由享受；沈浸、游移、反轉、探討， 模糊了繪畫與雕塑、圖像與物體的界線，恰如喬希．斯珀 林作著白日夢，歡迎所有人進入那個白日夢。

1. 瓦西里。康丁斯基《多個圓圈》1926 年作 美國 紐約 索羅門。古根漢美術

館 藏 Wassily Kandinsky, Several Circles, 1926, Collection of Solomon R. Guggenheim Museum, New York, USA

2. 布斯。瑙曼《無標誌霓虹標誌》1926 年作 美國 紐約 索羅門。古根漢美術

館藏 Bruce Nauman, None Sing Neon Sign, 1970, Collection of Solomon R. Guggenheim Museum, New York, USA

3. 羅伊。利希滕斯坦《反射：藝術》1988 年作 英國 倫敦 泰特現代美術館藏

Roy Lichtenstein, Reflections: Art, 1988, Collection of Tate Modern, London, UK

In the first half of 2022, on view in Perrotin New York were Josh Sperling’s collection of works from the past decade. Sperling is an artist who has been quite active in recent years, known for his precisely calculated colorization and minimalistic shaping and leaning that renders his works a 3D presentation and interaction with the space. Born in New York in 1984, Sperling grew up in the 1990s America when street art was at its peak, an era marked by vibrant Americanesque cultures and a thriving economy attracting art elites and emerging talents of all disciplines seeking the American Dream. Diverse artistic styles were thus nurtured and evolved into a sort of American Hybrid Art, free, diverse, accommodating, and unburdened. Sperling is one such rising star of American art enlightened by pop art, guided by “ Urbart” to incorporate technology and converge cold abstract minimalist thinking and design.

Sperling started out as a graphic designer and didn’t enter the realm of pure art until 2012 when he worked as an assistant in KAWS’ Brooklyn studio where he spent five years doing carpentry, color mixing, drawing, administration, sales and so on. His time in KAWS’ studio provides an insight into how an art studio functions from art creation to expansion, and how it interacts with the art circle. Particularly on creation, Sperling recalled he was quite impressed with KAWS’s steering and maneuvering of color which indirectly unleashed his zest for color and shown him that color can be perceived and explored in ways different from his previous comprehension. KAWS also introduced to him the aesthetics of shape sculpting and interaction with multiple spaces. KAWS’ influence propelled Sperling to blaze a new path with his ardent passion for art; KAWS has become incredibly important to him.

Art being accommodating allows an artist to daydream, a quality that defines an artist. The infinitude of color allows Sperling to gallop towards an expansive daydream space.

Likewise, the work, Big Chief, was conceptualized in minimalism as a revolt against fixed signs and emotional impact, turning the concrete image of a chief into a blurry treatment of a déjà vu possibility through the matrix of graphic software, computing permutation for key shapes and extraction of jumbled parameters. Sperling is in control of the signified existing within his reach while encompassing the

software-collected data, i.e., the signifier that is “rational yet beyond my confinement”. Finally, to secure perfection that is out of reach of manually created works, he resorts to a hightech automatic milling machine for meticulous production of the plywood base material. To deliberately steer clear of typical painting frames, Sterling opts for a bespoke sculpture stand instead, which seems to still pose as a limitation, a feint attack administered by receding from rationality via sensibility. That is also a major highlight of Sperling’s works and his approach in exploring ways of creating space through work vis-à-vis creating work through space.

The combination of organic and inorganic shapes gives regular wavy curves to the left of Big Chief plus a quasiswaying silhouette. Its exaggerated headwear is rendered with precise proportion and silky smoothness tinted with elusive sensibility. This is almost a breakthrough from the contradicting plight of minimalism’s appeal to the lowthreshold freedom and the human concept of beauty in the 1960s and 1970s. Further, regarding Sperling’s soul of color, he has developed a 1,200-color gamut and the use of dust-free paint spraying technology for coloring, as documented in interviews. Stacked through layers of evenly toned colors are the interspersing computer matching and human judgment to produce a conflicting yet natural visage with 3D visual effects. A look back at the shaping base materials, they seem to move in a flux of inorganic shapes and occasionally congeal to form organic shapes, the two constantly alternating in their relationships as the viewer goes through the viewing experience. More importantly, the work brings viewers into a feast of inner and outer spaces by immersing them in absolute purity containing no speck of impurity. In here, Sperling intends for Big Chief to be a domain connected with mystic powers, or it could be a palm tree with layers of bark, or an animated space where air can enter and exit. Or is it merely an august chief with searing eyes, wearing a decorative nose ring. When it exists on display in realistic space, is addition at work or subtraction?

As the extended freedom and pleasure are shared, the act of immersion, drifting, reversing and exploring will blur the boundaries between painting and sculpture, image and object. Much like the daydreaming Sperling, everyone is welcome to enter that daydream.

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JOSH SPERLING

( American, b.1984 )

Big Chief

140 x 104 cm

Acrylic on Canvas and Plywood

Signed on the reverse: Sperling in English, dated 2016

EXHIBITION:

''Josh Sperling: Man and Child,'' Bill Brady Gallery, Miami USA, February 18 - March 25, 2017

NT$ 1,800,000-2,400,000

US$ 58,100-77,400

喬希．斯珀林

大酋長

2016

壓克力 畫布 膠合板

畫背簽名：Sperling' 16

展覽：

「喬希．斯珀林：男人、小孩」，Bill Brady 畫廊，美國邁阿密，

2017 年 2 月 18 日至 3 月 25 日

「我覺得作為一名藝術家，你花了很多時間在自己的腦海裡。作為藝術家最有趣的部 分就是做白日夢。」

---喬希．斯珀林：白日夢(Josh Sperling：Daydream) 2022個展訪談錄

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JU MING ( Taiwanese, b.1938 )

Taichi Series-Single Whip

23 x 34 x 40 cm

Bronze, 2/10

Signed Ju Ming in Chinese, dated 1995, numbered 2/10

With a certificate of authenticity from Kalos gallery

NT$ 1,800,000-2,400,000

US$ 58,100-77,400

朱銘

太極系列 - 單鞭下勢

1995

銅雕 自 2/10

簽名：朱銘 95 自 2/10

附真善美畫廊開立之原作保證書

1938 年出生的朱銘，自 15 歲開始與他生涯中第一個師 承－李金川學習雕刻、繪畫技術；天資聰穎的朱銘在不到 20 歲便已出師，成為獨當一面的高薪雕刻師傅。但 1968

年 30 歲的朱銘不甘偏安於工匠之名，已育有四子的他最 終仍決心實現「成為藝術家」的念頭，隨後拜了台灣現代 雕塑先驅－楊英風為師，再次作為學徒身份，以此也成為 朱銘生命的重大轉折；在這藝術學徒 8 年間，藝術融入了 生活，源自其中學習的不只是技術，而是如何將自身對於 精神的觀察投注於作品的表現，楊英風也在期間提攜朱銘 於日本、新加坡等地展覽發表。1976 年朱銘以鄉土系列 於國立歷史博物館舉行個展，初露鋒芒廣受藝壇好評，立 基一代藝術大師的底氣。

從 80 到 90 年代開始至今，一躍台灣代表性的現代雕塑 藝術家之一的朱銘，三大系列「鄉土」、「太極」、「人 間」最廣為知名。透過自然材料本身的有機型態，仿擬人 類、動物的肢體行為，不言間表達對自然的觀察、生命與 環境的共榮、情素百態。拋下工藝的技術執念，改以渾然 喝成的豁達、消化楊英風提點的意象感悟，轉化為材質向 度由內達表；朱銘並不願躲在大樹陰下乘涼，而是挑戰突 破找到屬於自己的創作語彙和方法，「亦形亦象」成為欣 賞朱銘作品很重要的方式。

其中太極系列從 1977 年開始從木雕發展，並赴日本東京 中央美術館展覽發表，在當時就已頗具聲量與關注，那是 朱銘藉以平日打太極拳的習慣為靈感、契合著自身對三觀 的領悟，時至今日已然是發展最久、深又廣的系列。

如此件作品《太極系列－單鞭下勢》在「形」中呈現太極 拳法之一單式－單鞭下勢，俐落切割於其人體核心與下 盤，細膩揣摩其單式力感位置與肢體平衡。且不止於單一 視角的視覺經營，環顧 360 度視角可以看到作品因為不

同削切角度、面積、次數、導角與否，產生不同的力量傾 向與肢體平衡之引導視覺體驗，特別在於相對位置的對應 處理，例如作品由正、反面看去整體呈現向右銳角三角 型，人體力感由向上的手部以大切面表現，彷若由上向下 將氣運入；從背面看去蹲姿臀部與下盤反之則猶如從下往 上，將氣送出，觀察作品左右視角也亦然如此。由粗納轉 細吐、從剛硬轉柔韌、陰陽轉合，顧及後現代雕塑的構圖 美感之餘，還將太極拳法技術的精髓深藏於作品的「形」 之中。

關於「太極」一詞，到《周易 繫辭》中清楚解釋：「易 有太極，是生兩儀，兩儀生四象，四象生八卦」之記載。 按此解釋，太極是無極混沌之後生成萬物象過程，過程有 虛實可粗分兩儀，指的是天地或陰陽。四象和八卦則分別 指四季和八種自然現象等。

朱銘從實踐太極拳，再將其融會於雕塑形式上，而不同於 身體實踐太極拳由內向外，雕塑作為一種精神表現的介質 時，則需由外向內觀察，也就是看入作品的「象」之中。

在太極系列中最為經典的單鞭下勢來說，此動作是太極招 式中唯一兼具快慢、突進與收受、亦柔亦剛，屬最能體現 太極價值於一瞬的招式、也是現實中門檻標準最高的太極 招式，然而在雕塑作品還能傳達貼合太極精神，可說是一 大可貴。

作品《太極系列－單鞭下勢》就運用了拙又準的切、刻、 磨技術。既像自然生長也是刻意加工，讓兩儀象徵於作品 虛實和天地空間，併生雕塑與肢體四面空間導向、四面則 又產生對角之八相，從整體看來作品又趣味地保持歸於 原始之態。以一招式精闢統合太極十三勢對於「氣」、 「體」、「自然」進出歸一，既始既終、天地人合一渾圓 之「象」。

LEE YIHONG

( Taiwanese, b.1941 )

Coral Stone

95 x 119 cm

Ink on Paper

Signed Lee Yi Hong and titled in Chinese, April 2015, in Chinese

With four seals of the artist

EXHIBITION:

''Golden Coast - Lee Yi Hong's Ink Painting Exhibition,'' Beijing Fine Art Academy, Beijing China, November 21December 7, 2015

NT$ 1,500,000-1,800,000

US$ 48,400-58,100

李義弘 硓 石

2015

水墨 森田金潛紙

簽名：二○一五年 四月畫 咾咕石 李義弘

鈐印：李義弘 ( 白文 )、水遊雲在 ( 朱文 )、在川寫 ( 朱文 )、

藝術家鈐印 ( 朱文 )

展覽：

「金色海岸 - 李義弘水墨畫展」，北京畫院美術館，中國

北京，2015 年 11 月 21 日至 12 月 7 日

「雖受眼疾所苦，李義弘老而彌堅，反而藉助光學和數位影像的視覺，走出個人水墨藝術的蹊徑。」 --- 藝評家暨策展人王嘉驥

出生於台南，畢業於國立臺灣藝術專科學校 ( 今國立臺灣 藝術大學 )，師事江兆申學習傳統水墨畫，習得屬於文人 畫的筆墨風格。因喜愛攝影，故常年於台灣的海岸、溪壑 間行旅並拍攝取材，而攝影也成為其藝術創新的表現方 式。曾榮獲中山文藝創作獎、吳三連文藝創作獎章等。作 品為國立歷史博物館、台北市立美術館、國立台灣美術 館、澳門民政總署、私人收藏等。李義弘開拓自身水墨新 意，展現其對土地蘊含深厚情感的島嶼色彩。

藝術家使用攝影作為畫材的投射作用重組山水構成元素， 展現現代水墨新意趣。曾言：「天地通通沒有邊界，對於 一個畫家來說，尋求大自然是非常自由的。」李義弘在尋 求自己的創作美學上，也同樣傳達出此種想法，曾經有著 嚴重衝突的攝影與偏向寫實風格的繪畫，在李義弘手中展 現出一種和解後的美，對美的追求，不應該被表現手法所 框架，喜歡攝影、同時有著屬於自己的暗房的李義弘，將

攝影的負片展現出的線條與光影，再製到繪畫上，雖有著 負片的刻畫，但在顏色濃淡的表現上，繪畫又展現了不同 的自由度，不被沖洗照片的光影所限制，不同的色彩比 重、柔軟與堅硬並容的線條，讓繪畫有了不同與他人的展 現方式，這樣的風格，情感上既客觀又私人，強烈的用 色，也讓畫中物產生翻轉，海上石頭的黑色，既立體又深 邃，看著石上勾勒的白色線條，會感受到石頭的立體，若 著重觀賞極黑處，又會彷如進入一未知的扭曲深淵。靜觀 其畫，有中國水墨的空靈餘韻，又有當代的表現技法，古 典氣韻中蘊含現代風格，李義弘將對於山水的自由追尋、 空間的聯結體悟淋漓盡致表現於紙上，達到物我交融之新 境，同時也讓觀者自由，觀者眼睛著重的重點，都會讓此 畫產生不一樣的變化，它可以既扁平又立體，有時恍若客 觀呈象，有時候又飽含著強烈的意象，在這拉扯之間，便 產生了驚人的張力與動態。

160 JU MING ( Taiwanese, b.1938 )

Taichi Series

35.7 x 27.5 x 46.5 cm Bronze, 5/10

Signed Ju Ming in Chinese, dated 1995, numbered 5/10

With a certificate of authenticity from LEE CHI Creativity Co., Ltd.

NT$ 1,800,000-2,200,000 US$ 58,100-71,000

朱銘

太極系列

1995

銅雕 自 5/10

簽名：朱銘 自 5/10 95

附李記創意股份有限公司開立之原作

保證書

太極，剛中帶柔、柔中帶剛。這是 太極拳重要的核心之一，亦是朱銘 長年自我鍛鍊，並將其中所感化為 創作的核心。銅雕的柔潤色澤、以 及銅本身質地的堅硬，也切合著太 極拳本身的信念，並且展現出另一 種不同於石雕與木雕的風情。

161

SALVADOR DALI

( Spanish, 1904-1989 )

Space Elephant

94 x 43 x 14 cm

Bronze, 296/350 Signed Dalí in English

ILLUSTRATED:

''THE EXHIBITION OF INTERNATIONAL SCULPTURE MASTERS,'' Modern Art Gallery, Taichung Taiwan, 1995, Page 28

With a certificate of authenticity from Gala-Salvador Dali Foundation

NT$ 450,000-900,000

US$ 14,500-29,000

薩爾瓦多．達利

宇宙之象

1980

銅雕 296/350

簽名：Dalí

圖錄：

《國際大師雕塑展》，現代藝術空間，台灣台中，

1995 年，28 頁

附達利基金會開立之原作保證書

宇宙之象，是 Dali 作品創作中的重要象徵物。它首

次出現在 Dali 代表畫作“聖安東尼的誘惑＂中。神 話所言，聖安東尼在很年輕即退隱塵世，在埃及廣 闊沙漠中隱居。由此，Dali 堅論：聖安東尼必是看 破塵世，才會作如此的選擇。整個作品表現藝術、 美感、熟練、愛情的喜悅及認知。

象扛著方尖碑行走，傳達“法者在他國度裡對所有 人擁有絕對的權力＂。現今，Dali 將方尖碑象徵著 榮耀與權力；万尖碑愈高，榮耀也愈高，權力所達 之範圍也愈遠。高貴、瘦長的宇宙之象以其謹慎、 穩重的步伐，背負著方尖碑移向無盡的天際；述說 著，榮耀與權力背後，是一顆任重道遠的心，是如 臨深淵，如屨薄冰的精神，是競競業業的態度，奉 獻的精神，更顯出其不朽與無價。

陸上神仙，氣宇軒昂。從 1960 年起，丁雄泉在紐約定居了三十 年，這三十年可謂他生前享譽國際藝壇最發光發熱的風光歲月。 在歐美等地活躍，名聲傳回東亞地區的藝術各界，當時一度掀起 「丁迷」風潮，甚至讓當時許多藝術家看到了「美國夢」的風采 與嚮往，並且和同樣在紐約發展創作的陳昭宏、黃志超受稱為 「紐約三劍客」，還時常被拿出跟「留法三劍客」做比較。作為 東方與西方藝術交會的樣本，明顯看得到不論是作品還是為人， 風格、氣質、態度上的不同；然而更重要的是紐約三劍客，尤其

是老大哥丁雄泉傳奇般的一生，騁馳在放蕩浪濤的瀟灑英姿，另 闢了東方藝術的新視野、思考文化全新的可能。

《鯊魚》一作就正是能代表著丁雄泉不羈、奔放、自由的藝術人 生。圖中的魚像是他自己，如鯊魚習性需要不斷向前馳騁遨遊， 到現今仍很難正式將他框限在一個歸類；反過來說也像是他一生 不斷在征服的狂野本質，深愛著人間所有青春花卉，欣賞著、歌 頌著。

終其一生丁雄泉的作品均以大膽的色感、形式著稱，在許多訪談 與書籍中，丁雄泉坦率道出女人是他創作的原動力，他看女人、 也愛女人、喜歡畫女人。作品除了女人外，也大量使用鸚鵡、花 朵、貓作為元素、題材，襯托女性的媚、柔、豔、美。相較之此 件作品則是丁雄泉鮮少創作的元素，並且與其他作品比較可以看 到，不論在背景還是鯊魚本身，皆以一種較為嚴肅、敬畏的表現 狀態呈現，如畫面左側平整微浮的海面，用橫向交疊流向、少許 的餘風漣漪肌理，對比右側大魚彈跳掀起淡色飛白浪花，錯綜不

WALASSE TING

( Chinese-American, 1929-2010 )

Shark

129 x 250 cm

Acrylic on Paper

With one seal of the artist: Flower picking thief in Chinese

PROVENANCE:

Private Collection, Singapore (Purchased directly from the artist)

ILLUSTRATED:

"WALASSE TING: A VERY HOT DAY," Published by Shanghai Art Museum, 1997

With a certificate of authenticity from gallery NT$ 1,300,000-1,500,000 US$ 41,900-48,400 丁雄泉 鯊魚 壓克力 紙本 鈴印：採花大盜

來源： 私人收藏，新加坡 ( 現藏者購自藝術家本人 )

圖錄：

《WALASSE TING：A VERY HOT DAY》上海 美術館，1997 年

附畫廊開立之原作保證書

規則，讓畫面空間猶如湧出拉鋸而出，佇立於畫前似乎能感受到 其激昂的節奏，將主角鯊魚被推進至視覺體驗上的壯闊力量，露 於海面一瞬，身上帶著被陽光照映著，顯得透亮的水光，發出隱 隱的螢光色鱗片。

看向右下角是大家熟知的鈐印：「採花大盜」，讓大家知道，這 位大盜又盜採了一味人間新鮮、艷美的狂野。人間哪裡有仙境之 美花，哪裡就有採花大盜丁雄泉。

WALASSE TING

( Chinese-American, 1929-2010 )

A Kiss, A Kiss

71.5 x 101.5 cm

Acrylic and Oil Pastel on Western Paper Signed on the reverse: Ting and titled in English, dated 1974

PROVENANCE: Longmen Art Projects, Shanghai

ILLUSTRATED:

''Red Mouth Series 1 1973 - 1977 Acrylic & Oil Pastel on Western Paper Walasse Ting,'' Longmen Art Projects, Shanghai, Page 84-85

With a certificate of authenticity from Estate of Walasse Ting, New York

NT$ 1,300,000-1,500,000

US$ 41,900-48,400

丁雄泉

香吻 ( 紅唇系列 ) 1974

壓克力 蠟筆 西洋紙

畫背簽名：A Kiss A Kiss ting 74

來源：

龍門雅集，上海

圖錄：

《丁雄泉紅唇系列一：1973 - 1977 丙烯 蠟筆 西洋

紙上作品》，龍門雅集出版，上海，第 84-85 頁

附紐約丁雄泉遺作管理會開立之原作保證書

來世一遊「風流先生」，丁雄泉大膽浸潤人生不羈、快活 坦率，一生陶醉研究女體，成為他藝術創作的靈感與美學 思想中心；有人說那是「情色的藝術」、也有人說那是「坦 蕩的愛」、更有人說那是「情哀論藝」。

從丁雄泉曾親述，1952 年前往法國馬賽 (Marseille) 旅居 遊蕩，徘徊餐廳門口撿食殘羹剩飯度日，直到落腳巴黎， 結識當時正發跡的歐洲眼鏡蛇畫派團體 (Co-Br-A) 新銳藝 術家們，如：丹麥藝術家 亨利 赫爾普 (Henry Heerup)、 比利時藝術家 克利斯汀・ 多托蒙 (Christian Dotremont)、 荷蘭藝術家 卡雷爾 阿佩爾 (Karel Appel)... 等，跨國際藝

術家集結，並與丁雄泉結為藝術生涯的長期盟友，隨之風 生水起，1960 年移居美國紐約，闖蕩出國際藝壇的名聲， 而當時紐約正發酵著普普藝術 (Pop Art) 的氛圍，丁雄泉也 深受其影響。

長期以來，我們觀察丁雄泉的藝術，猶如一個歡愉酣暢的 視界，帶給人們妄情視覺體驗，如同置身瑰麗曼妙、甜情 蜜意的夢境。他赤裸生命禮讚，因為極真，所以瀟灑，即 便抽開描繪對象，仍永存豪放不羈、如醉癡情意境風采， 那些不重要的人間煙火，只是滄海一聲笑。

人格即為藝術，強烈的真性情介入了表現的判斷，讓作品 突出於表現主義，吸收了眼鏡蛇畫派的審美態度，契合著 美國 60 年代普普文化的社會價值觀，1970 年開始丁雄 泉開創了自己的創作語彙。

而 1973 年紅唇系列，是他最早一批關於女人的系列，其 中《香吻》一作是採用書寫性極強的形式結構，狂妄縱橫 的原始意識化作筆調，揉搓徘徊並建構出所揣想的肌膚觸 感，若說平庸之仿擬，絕不能套用在丁雄泉描繪女性花團

錦簇的馨香、性的快感衝擊，原因在於線條與塊面不加掩 飾的想像著青春的觸感，滑落在明顯圓潤飽滿的肌膚，完 整落成綻放嬌豔的對象；從幻想到真實成為畫面的造型， 畫面兩位女性含情脈脈地看向纏綿後的對象。

畫面的最後是行動繪畫 (Tachisme) 般的潑灑，用以擴散畫 面情感張力，一面統合視覺協調，更值得注意的是其力度 和走勢的韻味，像是縱情後的遺留，也像是狂歡後的餘 溫，體現於藝術家創作當下身體的告白，乾凅在畫面。在 半抽象的攫取眉目傳情的香吻，永恆著青春生命的謳歌。

丁雄泉畫室 Artist Walasse Ting in his studio

WALASSE TING

( Chinese-American, 1929-2010 )

Moulin Rouge Girl

75 x 100 cm

Acrylic on Canvas

Signed on the reverse: Ting and titled in English, dated 1986, Amsterdam

PROVENANCE:

Christie's, Hong Kong, December 2, 2021, Lot 329

NT$ 2,000,000-2,800,000

US$ 64,500-90,300

丁雄泉 紅磨坊女子

1986

壓克力 畫布 畫背簽名：Moulin Rouge Girl Ting 86 Amsterdam

來源： 佳士得拍賣，香港，2021 年 12 月 02，Lot 329

「採花大盜 到此一遊！」1960 年丁雄泉登陸美國紐約 時，他就在曼哈頓 SOHO 區留下了這樣一段有情調的話， 像是宣揚著他即將在這充滿娛樂、激情、活力自由的環 境，欣賞最新鮮的採集對象、攝取最新鮮的美艷，正如他 1970 年後的作品，面對生命最風光時刻的把握，四溢青 春的蹤跡，在注定沈重的生命中擁抱生命不可承受的輕；

既然與花艷是一期一會，倒不如豁達的做個採花大盜，欣 悟人間最美的情迷。

「他喜愛燦爛的色彩，因為她們是現實中的花朵。他畫， 靈動地，然後所有事物都不存在了，僅留下花朵，是現實 中，是燦爛的。亨利 馬諦斯(Henri Matisse)＝只有畫 畫時我才篤信如信仰；丁雄泉＝畫畫就是現在。不是過去， 不是將來。」

---皮埃爾 阿列欽斯基(Pierre Alechinsky)

在美國 60 年代到 80 年代所爆發的消費文化價值觀，特 別是惡貫滿盈的鮮活紐約所孕育的普普藝術 (Pop Art)，最 了不起的地方在於，它匯集了一種傳統：最有錢的消費者

和最窮的人所欲求的事物是一樣的。而當年活躍於紐約藝 壇的丁雄泉，在消費文化底下的性慾解讀中，找到了一種 烏托邦式的真實絕美言情，恰逢佔據主導地位的抽象表現 主義稀釋至普普藝術的時機，使得那大膽、不羈、俏皮的 個人魅力，伸展在表現主義 (Expressionnisme)、行動繪畫 (Tachisme)，回應於普普藝術的價值觀念，跨度國界的共 通窗扉。

以此映照在《紅磨坊女子》一作，其中命題「紅磨坊」

(Moulin rouge) 一街區，是位在法國巴黎皮加勒 (Pigalle) 紅燈區，可想見圖中一女子斜臥企圖挑逗的態勢，藝術家 大筆畫下，女子臉部所艷抹有別每一夜的浮華，將浸潤在 燈紅酒綠的光輝轉化為忘我愛戀的彩蝶，消退後成一紙上 猶存的花卉綻放。法國最著名而最墮落的觀光區，丁雄泉

毫不避諱地用歡愉與興奮的高漲情感，表現所採集最美奐 景緻，回應了此地此情之所以真實存在，百無聊賴而真誠 的直面人們最原始的陶醉。若隱若現的誘惑化作每筆只為 表達的筆觸，在卸下防衛屬性的深夜，畫面中女子順滑肌 膚的動態感，配置在構圖的左側讓觀看作品的視覺傾斜， 置身在畫前彷彿欲墜落其中的柔軟與溫度。

如夢一場的絕美詩作，丁雄泉愛著女人，榮譽著真正生活 的耽美，「採花大盜」在東方人眼中常被視為貶意，但實 則在丁雄泉一生藝海沈浮中，那個不斷豪取人間芳香的大 盜，秉持著盜亦有道的態度，既樂觀而坦率，不失為鼓舞 向上的精神所在。以性、愛的主題間接讚揚女性的性慾自 主與解放，甚至視為雙向的珍貴關係，為時期的文化史、 藝術史上，濃墨重彩地記下對性審視的革命性定義。

藝術家 丁雄泉 Artist Walasse Ting

LEIGH WEN ( Taiwanese, b.1959 )

Coronarious Gingerlily

131 x 97 cm

Oil on Canvas

Signed Leigh Wen in English and dated 2018

NT$ 1,200,000-1,500,000

US$ 38,700-48,400

鄭麗雲

野薑花

2018

油彩 畫布

簽名：Leigh Wen 2018

「在臺灣長大的我，對於大自然懷抱著一種深刻的親密感，兒時溪邊的野薑花，最讓我不能忘懷。」 --- 鄭麗雲

擅長繪畫天地自然元素的鄭麗雲，以地、氣、火、風為主 題，以大自然的初始元素，貫穿了她的畫作，生長於臺灣， 但後來長年旅居國外，鄭麗雲一直都沒忘記童年時令她感 受到「美」的一切，同時善於繪畫各式各樣的花的她，在 後來，將兒時記憶的野薑花，揉合進她的人生歲月所歷， 創造出只屬於鄭麗雲的野薑花。

在一片呈現藍靛色的深邃海景之上，白色細膩的浪花線 條，層層疊疊，如海的湧動不停，野薑花朵朵落下，花瓣 彎折的方式，令人感覺到花是在往下的，在墜落的速度 下，俯視花朵，才能看見這樣的翻飛。然而，雖是落花， 卻又如此潔白無瑕，並帶著仍鮮豔的黃色花蕊，無一絲枯

萎破敗，走筆至此，野薑花彷彿有了生命意志，因為花並 非因為自然榮枯而落，而是為了往那片深邃、不停湧著浪 濤的海前進，這樣的野薑花，看起來又轉了一層意味，他 們不再是落下，而是飛翔。這樣的呈現方式，幾乎可以解 讀為鄭麗雲生命的寫意，野薑花是她自己，她從未忘記的 兒時之美，同時，也正是為了繼續追尋美，她克服原生家 庭經濟上的困難，鼓起勇氣，飄洋海外，並非她對國外生 活有太多嚮往，她總是心繫故鄉，只是對美的追尋超越一 切，當鄭麗雲終於在海外尋得了她所要的，便回到了故鄉 臺灣。朵朵非在海上的野薑花對鄭麗雲來說，是起點、是 旅程，同時也是她持續追尋以後，將須展現的終點，她追 尋美之後的答案。

160

NT$ 2,300,000-2,800,000 US$ 74,200-90,300

鄭麗雲

玫瑰 VII

2019

166 LEIGH WEN ( Taiwanese, b.1959 )

Rose VII

x 160 cm Oil on Canvas

油彩 畫布

綜觀鄭麗雲的諸多油畫創作，實難找到通常見得的乾畫堆 疊技法，乃藉由刮除顏料而落下的線條為創作符號，不僅 截然地突出重點，色彩質地更能一步獨厚，平面畫布上細 細砌來的三維實體，使作品帶來清晰、飽和的直觀，從畫 裡迎面襲來的情感充沛，引人不由地被自願擄獲。如此作 畫，下筆時需要絕對精準的控制，同時兼顧漸層與圖面的 空間感，大抵只有歷經千錘百鍊，方有這般出神入化的技 巧，佐以收放自如的自信，才形成了鄭麗雲獨樹一幟的 「減法藝術」任著視線與心思同畫上的線條遊走，一條條 不論如蛇之彎，如木之折，或如晷之圓，都將引領觀者去 到畫家蘊藏其中，幽微而輕緩的點點心緒，倘繼續描摹品 嘗，發現那些紋路又再次地編織起來，汩汩地流動，最終 你目睹了曇花盛開，一幅小世界就這般成形。

鄭麗雲相交二十年餘的好友，美國紐約作家 Timothy Cahill 曾於文章中評說：「就像中國五代的荊浩，鄭是個 寫實派的畫家。」不容置疑地，其作品之寫實實則超越了 畫本身，甚至擁有對自然元素力量的體認，海浪澎湃後是 火焰熾盛；疊嶂山巒下盤銀河星海。藝術家以敬畏之心， 捨身自然，相信自然，在自然中暢懷，尋找心性的悟。西 方宇宙論所提及之「地、氣、水、火」四種組成世界的基 本元素，一直以來便是畫家創作的依歸。其中，水與火尤 其令她著迷，兩者關係眾說紛紜，既像太極兩儀，或黑白 無常，抑是母雞與蛋？如今，用了這兩種元素作畫二十年 的藝術家，也許不想插手為其二畫下楚河漢界，但肯定 「與水和火的矛盾與統一融為一體」。

線條從無到有，生至息，各個有著畫家自己投射的意志， 他們在畫中恣意玩轉，可以是 ｢ 道生一，一生二，二生 三，三生萬物。｣ 這樣富有哲理，一元復始，萬象更新， 最後復歸作畫之人，其長短、方向、粗細和色彩，像貴妃 回眸，顰笑間便奪去了俗世顏色，自生一番世外風景；也 能是清淨一方心念，及之處處蓮花開，端的是一花一世 界，一葉一如來。畫家受過東方儒家體制下「律己」之習， 長於西方教條中「奉獻」之理，這些傳統價值觀正與現代 社會的自我意識、疏離和欲望互相牴觸，顯見創作者想要 表達的並不是簡單一問一答，而是無數次詰問、辯證，一 再地衝突或和解，畫家自述：「我的創作方法是從黑暗到 光明的一種過程。用暗沉的顏料覆蓋在較明亮的底色上， 趁著顏料未乾之際再用尖筆刻入其中，透過所產生的獨立 線條帶出作品的中心主題。」

因此畫布上繁複的線條能夠 如此不顧不忌，在畫面上創造出深度與隆起，其中不斷地

於糾結中失去、再現，然後再度失去。「簡單與和諧就存 在於世界的混亂中。」

師大美術系王哲雄教授於《象由心生‧形由線成――鄭 麗雲線性創作的新發展》中開篇說道，以「象由心生‧ 形由線成」談論鄭麗雲線性創作的新發展，乃是強調當藝 術家形塑一種「形式」、「形體」或「形象」時，蓋經由 「其內心真誠執意的陣痛而後生」，和「相由心生」之範 疇截然不同。話鋒一頓，其實「這兩種不同概念卻源自相 同的『根本動力元』：「心」；而「心」代表的是一種情緒、 一種變化、一種成長、一種修為、一種思想。」凡藝術家 經歷一段線性的時空背景，心緒思維會時刻地被影響，同 理，作品中的四大元素誠然一般。「唯一沒有改變的是她 的『線性』語彙。」

2014 年，圓山花卉博覽會舊館曾舉辦鄭麗雲的花卉繪畫 特展。毫無意外，她筆下的「線」勾勒出不同花卉的嬌軀， 每一朵花瓣、花蕊環肥燕瘦，沒有絲毫相形見絀。古來， 花與女人被理所當然地畫上等義，玫瑰鮮豔欲滴的色澤， 含苞待放的香氛，固然將輕易地聯想到女性之愛美，然 而，花之初萌、茁壯、盛開、凋謝，正形同人的生、老、病、 死。所以藝術家對「花」，除卻美，便是對生命的體認。 鄭麗雲身為女性又接受歐、美「女性主義藝術」思潮的激 勵，透過自己的直覺並參考「花語」或「花的象徵意義」， 來表達她對女權英雄敬謝之意：例如鮮紅色的朱槿是墨西 哥女性藝術家 卡蘿；杜鵑則代表 柯蕊絲訥；以蜘蛛造型 的君子蘭即曾在世界各地製作大型蜘蛛公共藝術的法國女 性主義藝術家 布爾喬亞；而以外形有著大肚袋的仙履蘭 作為「鄭麗雲」的自述，仙女鞋似的可愛外觀指涉女性的 包容力。這些「有形畫布」上的花朵，璀璨盛開，要向敬 者致意，要使觀者為生命與意志的堅韌折服。鄭麗雲表示： 「花的花蕊由數個雄蕊圍繞著雌蕊，雌蕊象徵的是女性的 力量，獨立、堅強地生存在由男性主導的世界中。」

「不論畫是大海深川、崇山峻嶺，或形構花狀以象女子， 亦是捏塑陶土，敷上釉彩，終究都是她的「線」在定義形 體，在具體化形體的屬性；換句話說，形的命定是由線來 決定。」從四大元素走入百花齊放，鄭麗雲如此回應這個 新的階段：「花的花蕊由數個雄蕊圍繞著雌蕊，雌蕊象徵 的是女性的力量，獨立、堅強地生存在由男性主導的世界 中。」她的筆下，花不僅美的疏狂，更如松柏遒勁，如同 歷史中無數女性，百折不撓地掙脫、粉碎社會和文化的枷 鎖，姿容無雙，同樣，堅韌不拔。

洪凌的外公曾任職於中國故宮博物院圖書館，他的藝術啟 蒙可追溯外公所藏的《故宮週刊》，由此認識並熟悉歷代 名家之作，爾後更不輟地精進畫藝。幸也不幸，藝術家的 前半生，恰逢時代動盪，環境舛變之際，被不得不轉的命 運齒輪推著前行，那怕恨過生離死別或求而不得，這些經 歷仍成為了畫家創作的泉源。《道德經》有言「人法地， 地法天，天法道，道法自然」，久自兩宋起，儒釋道三家 合一之說早已成熟，並蔚為追捧，旨在人當順應天意自 然，方使社會和諧發展，正適合形容洪凌在其創作中的自 然意義。然而時至近現代，齒輪的齒角被磨平，變成無法

互相嵌合的平滑圓面，逐漸失速，在高速中破壞殆盡，天

人合一之美即將消失。畫家說：「山水還是宋代的山水， 山水沒變，是人心變了。」

不過，即使這條追求至美的 道路人煙寂寥，但堅持初衷，恪守本心，人與非人間，依 舊是以誠相待，則報之以心罷。

二十世紀以來，張大千以潑墨；傅抱石以皴法；吳冠中以 色塊與線條；趙無極以抽象，帶領東方藝術界百尺竿頭。 洪凌走入山林，觀日升月落，察四時遞嬗，洪凌喜歡大畫， 雖有趙無極之大開大闔珠玉在前，然而兩者實然迥異，趙 氏慣用新時代的元素當畫中的抽象材料；而洪凌是憑藉著 一股股的，緊湊又潑灑的線條，目的在「捕捉抽象畫裡一

種強大、內在的邏輯力量」，他調配的、塗上的油彩可以 呈現自然表象之下的某種「質」，在畫家的世界被稱作「以 筆墨合天地」的成就，「這是心裡有真實的感動才做得到 的。」洪凌數十年來一片赤心未改尤甚，於是開啟了中國 山水的新格局。

大尺幅的油畫承載足夠承載藝術家內心無數幽微且細膩的 情思。「冥然歸隱，是萌發於創作大件油畫和小幅國畫之 間的一種情境；身處在當代的、急速的社會以及內心追尋 放鬆、希望自由甚至是歸隱的心情狀態。」畫中橋、水、 木、雪是夢的意味，或是隔著一扇窗看到的另一方世界，

HONG LING

( Chinese, b.1955 )

Dream

80 x 148 cm

Oil on Canvas

Signed Hong Ling in Chinese and dated 2006

Signed on the reverse: Hong Ling and titled in Chinese, dated 2006

PROVENANCE:

Acquired from Beijing Hanhai Auction Co.,Ltd, Beijing, December 11, 2010, Lot 1345

NT$ 1,500,000-2,400,000

US$ 48,400-77,400

洪凌 冥夢

2006

油彩 畫布 簽名：洪凌 06 畫背簽名：《冥夢》洪凌 2006 年作

來源：

購自北京翰海，北京，2010 年 12 月 11 日， Lot 1345

此間有平靜在流淌，無端地令人神往，畫面離於虛實，冷 的顏色，暖的溫度，平的感觸，單調與野趣擺在一塊兒玩， 更加生動了，觀者一不小心就入了畫中之夢。人之於自 然、宇宙和不會停下的時間，若寄蜉蝣於天地，洪凌認為

人們所能做的就是「在這個過程中一點一點的捕捉積累， 尋找和我們相對應的生命的表情、生命的張力。」萬物消 長自有其規律，在人類之前便是如此，待人類之後也當同 理，對於自然，應該要抱著敬畏的。

No.D Purification

CHU WEI BOR

No.A

淨化 A

D 　朱為白

約莫 60 至 80 年代，正逢臺灣或者華人藝術家正為傳統與現代、東方 與西方、主體認同、歷史追溯、美學創見 等價值定位，遍地滋長

藝術風格，甚至激烈闊論。而朱為白潔淨的省悟之中，找到一種內求 的能量，早已自創一個不被時代與社會的差異所困惑的藝術語彙，沈 默寡言地走向藝術誕生之境。

朱為白的作品不是只在表現一種視覺表象，而是志於表現網羅普遍感 知的生命覺悟，再更貼切地說，便是這份生命覺悟透過他的內在，轉 化成為一件件的作品。這份生命覺悟，既是一個人通透大有大無，也 是一個藝術家自由自在穿梭虛實之間。他的作品，既然是來自他對虛 實的覺悟，那麼我們更是要釐清他作品之中的「虛實」觀念。

從 80 年代起，朱為白自架上繪畫、版畫回歸至家族原生的裁縫材料， 並由原先的架上繪畫的二維空間過渡至由材質性出發的三維空間，在 原先的加法延伸思考型態，再加入了減法的空間思辨；因此「架上繪 畫」的空間意義很實際的進入了現實空間，在一定的定義上那個「架」 也一同被思考進作品在現實空間的反應，成為既是一種「繪畫」也是 一種「雕塑」的意義。

作品《淨化 A》( 拍品編號 LOT168)、《淨化 D》( 拍品編號 LOT169)

兩件皆以較狹長的拉伸框面，融入於實體空間，橫向感有所被匯聚的 強烈斷層，讓造型的動向有所上天下地的穩定感，進而產生神聖而莊 重的視覺暗示。先從兩件作品最純粹的狀態來看，黑白強烈對比著擴 張與深邃、進出、虛與實，以物質性的方法，開啟加法與減法抽象空 間。相互恆定著現實空間的基本一維平衡，從「A」到「D」二維間的 關係中間所夾雜的「B」，提點了兩件作品展開了第三維度空間的可 能觀測；謀合老子《道德經》第二十一章所述「道」之宇宙觀本性：「道 之為物，惟恍惟惚。惚兮恍兮，其中有象。恍兮惚兮，其中有物。窈 兮冥兮，其中有精。其精甚真，其中有信。」。

再度看向朱為白覆蓋

在《淨化 A》上層的棉布，以刀為筆切割出繁密的碎狀棉質體，層層 向內捲曲，生長百般千絲為一體並已然不得分次序，在每個單一之間

有一點、有一線、有一面，是加也是減，中性地切變。並將棉質整體 佈局在畫面中央點下潔白空間微波粼粼、散開清淡的波紋從上至下， 擺弄著平面視覺的虛實感官，撥動雜念與不純，可見得從上至下回歸 至純白的動態感。最後燈光打下後，作品一眼望去，陰影在內部空間 展開三維空間的辯證；在這之中它所開啟的無限空間，孰為增長的空 間？孰為陷入的空間？它卻不僅存於我們內在的感受問題，而是物質 三維空間的真實存在。

反之《淨化 D》，朱為白在同樣覺悟下給予佇立於作品前的觀眾，相 同的思考探索，但明顯可以看到《淨化 D》是另一個極端的存在。內 在空間以吸光的純黑，不遺留任何可見的動態，且相較「A」的微波 動態，《淨化 D》有趣地不在畫面呈現一絲視覺變化，仿若表達著一 切都被深層的無限淹沒、一切更為純淨。此件作品的上層棉布切割的 捲曲走向也有所不同，正是與「A」呈造型上陰陽互補，除此之外若 將兩件作品平行排列後，還能看到碎狀棉布的構圖大小不同，甚至同 樣光影打下後，單看《淨化 D》內部空間所開啟的三維空間也是與「A」

呈現相反的、互補的。

兩件作品從個別的內部空間向外延伸，再到將兩張作品共同排列，直 接與現實空間產生互動辯證，拉拔出多重三維空間。從個人生命通透 涵養，轉化表現於作品並通達「道之『無方』、禪之『造空』」，精 闢地統攝「萬物」本源的覺悟，從宇宙觀到指涉著觀者進入意境後的 「生成」、「放下」、「淨化」。最後仍無法對其作品設下任何肯定 的題型，正如老子思想之宇宙觀為「道」，其道「有象無物」、「有 物無象」、「有精而可信，可信則無象無物」整體循環為天地的本真， 有生成、可窺測，但不可侷限。

「打開心門，才能『悟』，人類才有『悟』的可能，才能激發出創造力， 才有可能走到『大悟』，悟是要靠自己。人在最後關頭就是求一個大 悟和自在。」——朱為白

168

CHU

WEI BOR

( Taiwanese, 1929-2018 )

Purification No. A

169.5 x 84 cm

Mixed Media on Canvas

Signed on the reverse: Chu Wei-Bor and titled in Chinese, dated 1999

PROVENANCE:

Moon Gallery, Taichung, Taiwan

NT$ 1,200,000-1,850,000

US$ 38,700-59,700

朱為白

淨化 A

1999

綜合媒材 畫布

畫背簽名：朱為白 1999 ( 淨化 - )

來源：

月臨畫廊，台灣 台中

林壽宇 《綸畫浮雕 12.12.63》綜合媒材畫布 Richard Lin, PaintingRelief 12.12.63, mixed media on canvas

169

CHU WEI

BOR

( Taiwanese, 1929-2018 )

Purification No. D

169.5 x 84 cm

Mixed Media on Canvas

Signed on the reverse: Chu Wei-Bor and titled in Chinese, dated 1999

PROVENANCE:

Moon Gallery, Taichung, Taiwan

NT$ 1,200,000-1,850,000 US$ 38,700-59,700

朱為白

淨化 D 1999

綜合媒材 畫布

畫背簽名：朱為白 1999 ( 淨化 D)

來源：

月臨畫廊，台灣 台中

170 SZETO KEUNG

( Chinese, 1948-2011 )

Crazy Clouds

58.4 x 76.8 cm

Acrylic on Paper

Signed SZETO KEUNG in English

PROVENANCE:

Eslite Gallery, Taipei, Taiwan

With a certificate of authenticity from gallery

NT$ 480,000-600,000

US$ 15,500-19,400

司徒強

狂雲

2006

壓克力 紙本 簽名：SZETO KEUNG

來源：

誠品畫廊，台灣 台北

附畫廊開立之原作保證書

「玫瑰之於我，有一種非常特殊的浪漫氣氛，尤其是殘 凋的玫瑰，充滿著頹廢的美學。每一次凋殘之後，都是 生命的再一次開端，頹廢不正是黎明之前的極黑，那麼 擁抱頹廢也可以說是一種樂觀。」

---司徒強

司徒強為寫實主義派，擅長將瑣碎的日常裡隨處可見的 物件作為題材入畫，不只追求準確的外型，對質感肌理 更是吹毛求疵，細膩描繪，90 年代後，玫瑰出現於司徒 強畫作的頻率漸高，其所繪之玫瑰更有了「司徒玫瑰」 的美喻。

《狂雲》一作如同它的名字，猖狂放肆的雲襲捲了畫境， 將觀者的目光也一並搜刮，渾沌的氛圍，使人無法自拔， 定睛一看，卻又發現嬌豔的玫瑰花瓣正散落著，一瓣， 兩瓣，落下後便成為了養分，一切又將撥雲見日。

171 HUANG YUXING

( Chinese, b.1975 )

Sweet Memories

59 x 69 cm

Oil on Canvas

Signed Huang Yuxing in English, dated 2002

NT$ 350,000-450,000

US$ 11,300-14,500

黃宇興 回憶的甜

2002

油彩 畫布

簽名：Huang Yuxing 2002

黃宇興為近兩年當代藝術最活躍的藝術家之一，更在 2021 年擠身於「市場最暢銷藝術家」之列，他在作 畫時，不在外觀形體上多加著墨，但也並不將形體全 然摒棄，形象和意象透過他的畫筆，交織出專屬於他 的繪畫語言。

顏料一層層的覆蓋和一遍遍的調整，堆疊出細膩的色 彩變化，而這樣的作法所構建出的畫面十分柔和，如 同此作品所帶給觀者的感受。

回憶就像是被包裹著一層細緻的紗，看似清晰，卻往 往又帶著模糊無法聚焦，朦朧的被喚醒，當初的深 刻、酸澀，經過時間的打磨、拋光，線條變得不再銳 利，雜質也將一一剔除，進而成了你我心中最圓滑的 珍寶，只留下了「回憶的甜」。

172

HSIAO CHIN ( Taiwanese, b.1935 )

蕭勤 永久的花園 1993

Il Giardino Eterno

48 x 79 cm

Acrylic on Canvas

Signed on the reverse: Hsiao in English and Chin in Chinese, dated 1993, titled in English

With a certificate of authenticity from gallery

NT$ 240,000-400,000 US$ 7,700-12,900

壓克力 畫布 畫背簽名：Hsiao 勤 九三 Il Giardino Eterno 附畫廊開立之原作保證書 「《永久的花園》是充滿豐沛能量之地，也是我心之歸屬的所在。對我而言，這是具 有特殊意義的獨創空間，我讓內在的精神世界與遼闊無垠的宇宙時空相連結。」 --- 蕭勤

1990 年蕭勤經歷了女兒的離世，面對巨大的衝擊，或許 需要空間自我療癒、或許想找個地方自我保護，蕭勤因而 創作出《永久的花園》系列作品，此件作品正是該系列的 其中之一，將波瀾的現實隔絕畫中的寂靜之外，在藝術家 親自灌溉的花園中，望入那勻稱淡藍漣漪，洗滌身心；這 是對於生命的重新靜思，也是藝術家和自我進行的對話。

蕭勤的花園並非真實存在，亦非虛構，是像一面鏡子折射 出蕭勤的心境，容納自己的精神世界。女兒的逝世並不是

結束，而是她走入了無垠的宇宙，也進入了蕭勤的心田， 並在蕭勤繪製的連接無垠宇宙的永久花園互相陪伴。

《永久的花園》是蕭勤從悲傷中頓悟出生命的珍貴永恆； 運用鮮豔的色彩，搭配溫吞漫遊的曲線、出其不意的色塊 潰散或努力的挽留，肌理的躁動與靜思的能量完美的平衡 其中，即便是置身於外的觀者也能從中感受到廣闊的治 癒、共感那新生的意象。

173 HSIAO CHIN ( Taiwanese, b.1935 )

Unhurried

78.5 x 98.5 cm Acrylic on Canvas

With a certificate of authenticity from gallery NT$ 1,100,000-1,600,000 US$ 35,500-51,600

蕭勤

附畫廊開立之原作保證書

作品《徐徐然》中的氣在凝聚後發散、發散後凝聚，例 如太極拳作為道家脈絡的養身術與靜動感知方法，但不 同以身心實踐於理念的循環進程；而是呈現理念本身然 後在畫布上演練自然動態，以分割剖析般靜態為方法， 營造可凝、可進、可逆的畫面動向，雙向性延展至更深 層的發散冥想過程。

70 x 100 cm Acrylic on Canvas

With a certificate of authenticity from gallery NT$ 750,000-850,000 US$ 24,200-27,400

蕭勤 生命之喜悅 -15 2000

壓克力 畫布

附畫廊開立之原作保證書

「藝術創作是在傳達心靈成長的訊息和過程，宇宙的大 能量是我創作中源源不絕的重要靈感。」 ---蕭勤 在歷經了道家思想的啟發後，蕭勤更深入探討佛家與禪 宗的理論與哲思，他說：「禪宗幫助我去凝視許多生命、 宇宙的價值。」，他在作品裡注入越來越多這些古老質 樸的智慧，以對「動」的禮讚來表達對中國思想學派的 敬重，氣和宇宙等主題在其中生生不息地凝聚著能量， 企圖捕捉人與宇宙最初的原始關係。

HSIAO

CHIN

( Taiwanese, b.1935 )

Hong Ran

70 x 80 cm Oil on Canvas

Signed Hsiao in English and Chin in Chinese, titled in Chinese, dated 1962

Signed on the reverse: Hsiao Chin in English and Chinese, dated 1962

PROVENANCE:

1. Luigi Mazzotta Collection, Milan, 1970s

2. Private Collection, Asia. Purchased from Sotheby's, Hong Kong, January 20, 2016, Lot 93

NT$ 600,000-800,000

US$ 19,400-25,800

蕭勤

洪然 1962

油彩 畫布

簽名：洪然 Hsiao 勤 62

畫背簽名：Hsiao Chin 蕭勤 1962

來源：

1. Luigi Mazzotta 收藏，米蘭，1970 年

2. 亞洲私人收藏 購於蘇富比，香港，2016 年 1 月 20 日，Lot 93

蕭勤出生於上海，1949 年跟隨家人移居台灣，1952 年跟隨李 仲生學畫，1955 年蕭勤和夏陽、吳昊、李元佳、陳道明、蕭 明賢、歐陽文苑及霍剛等人，創辦台灣第一個抽象繪畫團體「東 方畫會」，其被稱之為「八大響馬」。

《洪然》畫作就如其名，呈現出大而壯烈的感受，以及熱烈地 情感，並展現出具有張力且自然和諧的畫面感。畫面上方大塊 面積的橘色調，色彩鮮明且飽和，帶著綿密的筆觸，其中參雜 雲霧感的白色團，像是一個精神意識表現化後的樣貌，是個 自身心境的宇宙世界，每個白霧中都有著不同的精神思想，亦 或是一段段深刻經歷的故事。下方佔據畫面三分之一的留白區 塊，有著一條以紅色為主，並與白色團相間的霧面色澤曲線， 對比上方色彩較為模糊與淡化，像是意識以外的空間，蜿蜒曲 折的人生道路，無盡地延伸到畫面之外，而轉折處的黑色方塊， 可能是一個人生考驗，亦可能是一個休息站。

蕭勤畫作多以點、線條與幾何圖形的組合呈現，創作理念源自 道家及禪宗的哲學思想，融合東西方文化及現代藝術創作經 驗，以抽象概念與畫面色彩張力，來表現心靈意識和精神層面 的覺察，也給人有無限的想像空間。蕭勤透過藝術創作，來探 討生命旅程中的感受與經歷，發掘心靈的潛能與其體悟。

宋徽宗《瑞鶴圖》北宋政和二年 （1112 年）作，絹本設色，51 x 74 cm

Emperor Huizong of Song Dynasty (Zhao Ji), Auspicious Cranes, 1112, ink and color on silk, 51 x 74cm.

176

CAMILLE HILAIRE

( French, 1916-2004 )

Knight

91 x 72.5 cm Oil on Canvas Signed Hilaire in English

With a certificate of authenticity from gallery

NT$ 400,000-600,000 US$ 12,900-19,400

卡密‧伊列魯 騎士 1978

油彩 畫布 簽名：Hilaire

附畫廊開立之原作保證書

卡密‧伊列魯，1916 年生於法國，於 1942 年進 入巴黎法國美術學院後，在立體主義畫家安德烈． 洛特的指導下，創作便以立體派基調。立體派以多 視點、多角度的技法取代了模擬自然的理論、透視 方法、明亮對照方法與遠近相對變換。不同於早期 立體派的僵硬和畫面的極度平面化，卡密‧伊列 魯發展出新的立體派異變，並活耀於第三期綜合立 體派時期之後；他主要透過對物象的柔和式解構在 畫面中經營諧和感，尤其在高效的構圖與充滿力量 的色彩、用以自然光的多重性察覺將光色布局在畫 中各個角落，所有人事物都被敷上一層濃郁的法式 優雅、光的浪漫。

此件《騎士》為卡密‧伊列魯 (Camille Hilaire)

1978 年的作品，畫面中幾個騎士乘坐著馬行走著， 馬兒的腿被拉長、蹄部表現依稀模糊的動態感，如 同芭蕾般步行著高雅之氣，騎士則昂首體態滑順， 向前方看去，秉持了一種榮耀精神；騎士可以是馳 騁沙場的驕傲戰士、亦可以儀態端莊的紳士，一匹 壯馬、一位騎士、一縷陽光，不論在甚麼時代、區 域國家，都能呈現明確方向感的精神魅力。

藝術家卡密‧伊列魯 Artist Camille Hilaire

177

GINO HOLLANDER

( American, 1924-2015 )

Sorrow

76 x 101 cm

Oil on Canvas

Signed Hollander in English, dated February 9, 1970

With a certificate of authenticity from gallery

NT$ 350,000-450,000

US$ 11,300-14,500

吉諾‧霍蘭德

感傷

1970

油彩 畫布

簽名：Hollander 2.9.70

附畫廊開立之原作保證書

「我選擇允許當下即時地抒發之材質作畫—它是直接性的表達，自覺最深 刻之時是我致力於畫中的感覺，我的繪畫藝術為我提供了一個恆定的鏡 子，我的存在—無論成功與失敗，好時光和壞的，我更喜歡如實的呈現。

繪製油彩這一切呈現出的旋律，如呼吸般：放鬆、緊繃，無論生活和繪畫 皆渾融一境。我相信，藝術的功能，是一件每個人都參與其中的遺產；不 論年輕或老者、藝術家、觀者，對人類感情潛意識溝通，皆使我的畫喚起 觀眾的情緒反應。」

--- 吉諾‧霍蘭德

吉諾‧霍蘭德 (Gini Hollander) 是美國抽象表現主義畫家，其作品反映了 個人的社會思潮精神，於藝術世界裡，吉諾‧霍蘭德所表現的藝術是為 了自身而創作，而他也拒絕為畫命名，畫中展現藝術家充沛的情感性以及 坦率作風，曾言：「畫布並無言語，一幅畫僅僅是一種情感的表現，若是 不斷的被談論，這份情感將會逐漸的減少，甚至消逝。」1982 年，他與 妻子在西班牙開設霍蘭德博物館並展示其作品，逾 50000 人次參觀，於 1990 年，將博物館捐贈予西班牙政府。其作品超過 40 多間博物館公共

收藏也受多數知名人士收藏，如賈桂琳‧甘迺迪、諾曼‧洛克威爾、西 班牙王后殿下索菲亞、諾曼‧梅勒等。

素雅色調充斥恬淡憂鬱的氛圍，畫中五名女子輕閉雙眼好似在思考，伴隨 呼吸頻率一起一伏，凝結於此的不僅僅是女子們的外在形體，情感、意識 亦存在於此刻，簡潔的構圖少了些規律的秩序，卻多了自在的灑脫，人物 形體閃現沒入陰鬱的背景中，《傷感》投射了藝術家的主觀情緒，其曾言： 「自由是一個難以實現的話。很容易到處亂扔，但要能實際上做到這一點， 實屬不易。」或許是對於生命自由的想望，激起其透過不明確彰顯的精神 表達予觀者，筆觸層層堆疊，藝術家運用快筆掌握住女子們瞬間的動感， 似幻非幻的形體於靜置的畫面中產生了強烈的存在感，借形而非描形，營 造了人物與空間的巧妙佈局，成就其自我風格強烈的特色，坦率不造作的 生命態度透過獨特的調色混揉筆觸於觀者眼前一一開展，進而產生思想迴 盪與情緒共鳴。

瑪琳．杜馬斯《老師》1987 年，油彩 畫布，160x200cm，私人收藏

Marlene Dumas, The Teacher, 1987, oil on canvas, 160x200 cm, private collection

178

LIANG QUAN ( Chinese, b.1948 )

Untitled

200 x 140 cm

Xuan Paper, Tea, Ink, Color, Collage on Canvas Signed Liang Quan in Chinese, dated 2011

EXHIBITION:

梁銓 無題 2011

宣紙 茶墨 色料 拼貼於畫布

簽名：梁銓 2011

展覽：

「淡茶 - 梁銓個展」，索卡藝術中心，台灣台北，

''The Joy of Tea - Liang Quan Solo Exhibition,'' Soka Art, Taipei Taiwan, September 27 - October 26, 2014

NT$ 1,600,000-2,000,000

US$ 51,600-64,500

2014 年 9 月 27 日至 10 月 26 日 梁銓 1948 年出生於上海，乃中國改革開放後首批前往海 外留學的藝術家之一。不僅是當今藝壇上深具國際化影響 力的抽象水墨代表藝術家，更是當代水墨畫的先鋒。梁銓 對於形式的探索始於青年時代，始終以沉著態度追求獨特 的藝術道路，與漸趨浮誇繁華的燈紅酒綠藝術環境保持距 離，在西方後現代主義中反對約定俗成的理念影響之下， 掘入中國傳統美學思維，藉由抽象派畫作中發現與禪宗佛 教一脈相承的純粹，進而建構理性克制的藝術語彙。如同 藝術評論家夏可君所言：「他的水墨的知覺模式在於，以 細碎的繁複來實現空靜，這在傳統中是不可想像的。」從 某種意義上來說，梁銓的水墨開創了一條既觀照自我
心 同時又彰顯東方文人智慧的獨特之路。

梁銓的創作過程自上世紀 70 年代開始，歷經早期西方學 院訓練以及抽象表現主義、德國新表現主義影響而成的

「寫實時期」、「重彩時期」，後在回歸自我本質的探索 之中，在佛學禪意的薰陶之下，以傳統水墨試圖喚醒內心 所塵封的自然知覺，以期達「空」之境界，呈現「空寂時 期」的系列創作。此幅《無題》為「空寂時期」的作品之 一，梁銓摒棄複雜的形式與技巧，以井然有序的抽象線 條、撕紙與淡墨染成的色塊組合堆疊而成，跳脫色彩對於 視覺的衝擊張力，企圖在空白結構中追尋秩序，一如唐代 柳宗元之詩「千山鳥飛絕，萬徑人蹤滅。」的「寂寥」之 景，更如佛學上的「物空非空」，形而上的精神追求，但 在一些較不引人注目的區塊，又注入了些許儼然有著邏輯 的訊息，使整體淡雅的畫面上形成些許破口，讓視覺遭到 挑戰和衝突，讓意義在有跟無之間擺盪，促使人挖掘細 想。無論是細碎的繁複色塊線條，亦或精緻的留白，皆使 畫面散發出雅致的自然情趣，層次分明的視覺效果，使中 國傳統文化的精隨油然而生。

LIANG QUAN ( Chinese, b.1948 )

Subway Map No.1

90 x 120 cm

Xuan Paper, Tea, Ink, Color, Collage on Paper

Signed Liang Quan in Chinese, dated 2008-2009

EXHIBITION:

''The Joy of Tea - Liang Quan Solo Exhibition,'' Soka Art, Taipei Taiwan, September 27 - October 26, 2014

NT$ 600,000-800,000

US$ 19,400-25,800

梁銓 地鐵地圖之一

2008-2009

宣紙 茶墨 色料 拼貼於紙本

簽名：梁銓 2008-2009

展覽：

「淡茶 - 梁銓個展」，索卡藝術中心，台灣台北， 2014

180

LI QUANWU ( Chinese, b.1957 )

Fragrance of Tea

76.5 x 76.5 cm

Oil on Canvas

Signed Quan-Wu in Chinese and Q.W. in English, dated 1994

NT$ 320,000-450,000

US$ 10,300-14,500

李全武 茶香 1994

油彩 畫布 簽名：全武 Q.W 94

李全武被藝評家譽為「深得歐洲古典寫實繪畫精髓，又兼 具東方詩意的當代寫實主義畫家」。其創作被中國美術館 等單位收藏，並與陳逸飛、陳丹青等知名的中國旅美畫家， 成為美國著名畫廊的簽約畫家。

《茶香》主角五官典型的東方古典美，皮膚血管毛孔的精 緻度，彷彿古典寫實的風格般詮釋的淋漓盡致，端坐斟茶 姿態的描摹，陣陣的茶香撲鼻來，背景為唐周昉的簪花仕 女圖，更突顯出整個畫面的東方的氣息。其在肖像畫方面 獨到的理解和表現力，為他在肖像畫壇贏得了廣泛的聲譽 和地位。

Li Quanwu's fine skills at modeling forms and his mature expressive abilities, along with a distinctive individual style, have led critics to describe him as "a contemporary realist painter who has received the essence of European classical realism while also possessing an eastern poetic sensibility."

李全武 《蘭亭深閨系列之三 - 青鳥》1995 年作 油彩 畫布

Li Quan Wu, Lanting Women's Chamber Series No.3 Blue Bird, 1995, Oil on Canvas

181 PANG JIUN ( Taiwanese, b.1936 )

Nude (Blue Turban)

26.5 x 21.5 cm

Oil on Canvas

Signed Pang Jiun and Jiun in Chinese, dated 2005

Signed on the reverse: Pang Jiun in Chinese and English, titled in Chinese, dated 2005, size 3F

NT$ 80,000-120,000

US$ 2,600-3,900

龎均 裸女 ( 藍色頭巾 )

2005

油彩 畫布

簽名：龎均 / 均 2005 畫背簽名：龎均 PANG JIUN 2005 3F ＜藍色頭巾＞

龎均是一位油畫家，也是徐悲鴻先生的關門弟子，出生於 上海的藝術世家，他的父親是中國現代美術團體「決瀾社」 發起人之一龎薰
。龎均對華人藝術界貢獻良多，有著舉 足輕重的地位。1994 年被納入《中國當代藝術界名人錄》， 於 1995 年列入《英國劍橋世界名人錄》，作品廣為海內 外美術館及私人珍藏。

龎均鑽研古典與現代藝術，將西方油畫的熱情與暴發力之 表現特性，融合東方人文風情與水墨的詩情畫意，形成了 獨樹一幟的藝術風格，成功建立了東方油畫的表現主義， 亦被評論家稱為「寫意性具象油畫」。

182

PANG JIUN

( Taiwanese, b.1936 )

Wild Ginger Flower and Arabic Pot

73 x 61 cm

Oil on Canvas

Signed Pang Jiun and Jiun in Chinese, dated 2004

Signed on the reverse: Pang Jiun in Chinese and English, titled in Chinese, dated 2004, size 73 x 61 cm 20F

NT$ 750,000-1,000,000

US$ 24,200-32,300

龎均 野薑花與阿拉伯壺

2004 油彩 畫布 簽名：龎均 / 均 2004 畫背簽名：龎均 Pang Jiun

2004 73 x 61 cm 20F ＜野薑花與阿拉伯壺＞

《野薑花與阿拉伯壺》作品中能夠看到龎均 一貫獨特的繪畫風格，以豪放自由、生動韻 味的繪畫筆法，抒發西方熱情如火的表現 力，豐富繪畫經歷下自如的色彩運用，繪畫 技巧從繁至簡，跳脫平面思維走向二度空 間。隨意輕鬆的筆觸，再加上一些些的油畫 朦朧美，有種意象有達到，卻不過於寫實的 畫風，給人留下一點點模糊的空間，每每觀 賞都令人感到生動有趣。

LU RONGCHEN

( Taiwanese, b.1963 )

Resplendent

162 x 112 cm

Oil on Canvas

Signed Lu Rong-Chen in Chinese and English, dated 2015

Signed on the reverse: Lu Rong Chen in Chinese and English, dated 2015, sized 100P, titled in Chinese

ILLUSTRATED:

"The Wild Black Lyricals of Lu Rong Chen," BaBiSong Gallery, Pingtung Taiwan, 2015, Page 15

NT$ 500,000-700,000 US$ 16,100-22,600

呂榮琛

璀璨 2015

油彩 畫布

簽名：榮琛 Lu 2015

背面簽名：呂榮琛 2015 100P Lu Rong Chen 璀璨

圖錄：

《黑的狂野 抒情：呂榮琛創作集》，

巴比頌畫廊，2015 年，第 5 頁

旅法二十年的呂榮琛，飽覽不同形式的藝術創作，作品流露出東 方文化的質感，透過內心的感受轉化為潔艷的色彩情緒，運用抽 象筆觸訴說鄉思情懷，呈現個人內心風景的變化。呂榮琛自述： 「藝術的魔力在於沉醉其中的生活質地、人文的吸引、讓我著迷。 縱然世界是那麼詭譎多變、冷酷無情，我那挑戰的熱血依然會在 喜好中持續澎湃。」他透過內心的感受，將正與反的力量、美與 醜的真實世界，以狂傲揮灑的筆觸，點綴溫柔的深思，並細膩雕 琢。

《璀璨》明艷如光火鼎盛，星星點點的浮光掠影湧現而出，畫作 中的色彩如漸層般的轉換，充滿磁性的力量，引發一股明暗衝突 的美感，全幅使用暗調打底，逐漸以越發明亮飽和的色彩堆疊，

朱紅色與明黃色的揉合，對立與和諧似潛藏東方與西方交會。水 一般竄流暈韻，適恰留下油性凝結的光、影皆存於自然發生與內 心交感而成的和諧律動中，接著通過一股冷暖色調承接，層遞出 視覺上的驚喜。

全幅筆意輕快俐落，巧妙的將頓點、線條以及塊面融合幻化，光 影的迷離浮動和氤氳磅礡於此渾然而成，蓄積著所有生命能量的 初始，而後便是一次燦爛驚豔的迸發。呂榮琛曾受到 60 年代抒 情抽象的啟發，應用自己喜愛的水染及乾濕方法，可能是即興的 揮灑，更可能是歷練某種刺激、感動、頹喪而產生的結晶，不論 如何，能明顯看見他萃取那歷久彌新的翩然神采，精彩呈現抽象 的非凡氣宇。

霍剛是現代抽象畫家，1951 年向李仲生學習現代藝術，其思想 畫藝受影響至為深遠。1957 年霍剛與其他七位畫友，即李元佳、 吳昊、歐陽文苑、夏陽、蕭勤、陳道明、蕭明賢組成「東方畫會」， 被當時藝壇譽為「中國八大響馬」。

霍剛的作品主要以點、線、面為造型基礎。從 1950 年代的超現 實主義風格，到 1970 年代受西方藝術思維影響，逐漸轉向幾何 的表現主義發展。結合東方書法、金石印刻等創作元素，以極簡 且富有詩意的視覺語言，發展出個人特有的東方抒情抽象，藝術 家理性的思維與神秘的虛、實空間相互呼應。

HO KAN ( Taiwanese, b.1932 )

Untitled

40 x 30 cm

Oil on Canvas

PROVENANCE:

Dimensions Art Center, Taipei, Taiwan

With a certificate of authenticity from gallery

NT$ 200,000-300,000

US$ 6,500-9,700

霍剛 無題

1999

油彩 畫布

來源： 帝門藝術中心，台灣 台北 附畫廊開立之原作保證書

這幅 1999 年所創作的《無題》作品，如以具象化來欣賞，能想 像畫面是一座水上樂園，從高空往下俯瞰的樣子。畫中有深淺不 同的藍色，可以明顯分辨出不同的區塊，像是不同深淺水位的水 域，黑色區域像是大理石紋理的陸面區域，綠色區域像是綠意植 栽；中央則是經常出現在霍剛畫作中的圓點，浮游在線條和幾何 圖形之間，彼此在畫面中相互動著，使得有種畫龍點睛的效果。 利用色塊、線條及幾何相互碰撞，讓人像是進入了異想空間，無 論怎麼解釋都會有新認知的感受。

185 HO KAN

( Taiwanese, b.1932 )

Untitled

50 x 70 cm

Oil on Canvas

PROVENANCE:

Dimensions Art Center, Taipei, Taiwan

With a certificate of authenticity from gallery

NT$ 360,000-500,000 US$ 11,600-16,100

曾幾何時畫圖對長大的我們來說，變成一件困難的事？ 我們找不到畫圖的動機，也害怕畫得不如他人，庸人自 擾的問題太多，但在那什麼都不懂的年紀，我們卻知道 畫圖是一件開心的消遣，不需任何畫面編排、構圖、技 法，腦海裡有什麼，就只管畫出來就對了，而霍剛的追 求亦然。

霍剛為臺灣第一代的抽象藝術家，與畫友創立「東方畫 會」可謂「台灣現代藝術運動」代表人物，他的畫作希 望呈現心靈的狀態，而非形體的精準描繪，美的形式很 多，你和我能從畫作裡感覺到的語言也不盡相同，就像 此畫作裡的主色調為藍色，但我們對藍色的解讀也可以 不只一種，不求知求解，反而能從中體會更多。

186 HO KAN ( Taiwanese, b.1932 )

Untitled

40 x 50 cm

Oil on Canvas

Signed Kan in Chinese and Ho in English, dated 1974-1976

NT$ 180,000-280,000

US$ 5,800-9,000

Ho 74-76

「畫是不需要解釋的，也不要求知求解。要將符 號想成是有生命的東西，是一個境界、空間， 說明就沒有意義，像說那是一個山頭，就沒意 思……要根據白日夢的心理狀態看我的畫，把意 識形態撇開，忘掉所以然，不要求知求解。」

187

HO KAN

( Taiwanese, b.1932 )

Untitled

NT$ 450,000-650,000

US$ 14,500-21,000

自 1950 年戰後以來，臺灣開始出現由抽象主導繪畫的現 代藝術風潮，當時普遍以感性熱抽象的表現較多，相較地 作為從幾何構成理性平衡感的抽象探討卻極為稀少。

而霍剛就正是少數以幾何抽象表現的藝術家。

霍剛作為兩岸知名現代藝術團體「東方畫會」的創始成 員，致力於推動東方主體性現代藝術運動，並成為其代表 人物之一。霍剛 1932 年生於中國南京，1953 年畢業於 臺北師範學校藝術系。隨後，他前往法國米蘭展開了深度 研習與遊歷，在期間從接觸表現主義、超現實主義有所觀 念上的收穫，到開創了自己獨特的幾何抽象創作思維，尤 其將東方書法和篆刻以內在詩性轉化成畫面佈局，融合在 一起。從「方形」、「三角」、「圓形」這些最純粹又平 和的元素出發，在形象和形狀的安排上創造了自己的標誌 性語彙，將東方哲學嵌入西方的抽象框架中，具備了前瞻 性的、有國際視野的美學，成為了臺灣抽象歷史上的核心 人物。

畫如其人，面對看不見的精神世界抱持著如其畫作那般乾 淨平衡，向外在現實表現出精闢的穿透力與其吸引人的神

秘感；霍剛平日則以音樂滋養其靈感與廣闊胸懷，絲毫不 假經營方略的痕跡，實因霍剛在藝壇領域洞悉人情冷暖。

此件作品 1971 年《無題》，畫面以霍剛敏銳的用色美感 精準地將藍調色塊切割出空間，左下角則特別在畫面比例 上製造差異，搭配上左右淺藍色塊角度的微妙偏差，恰到 好處的讓畫面中間的下一階深藍在視覺上，能隨時前後推 移的靈活性，接續最深的藍色調如點睛般，使得畫面越是 向畫外或向畫內沉澱、深入。恰如其分的用色美感、比例 差異、配置動向，甚至顏料經由霍剛心手合一的筆觸下生 成兼具溫度與堅定的痕跡，從近到遠觀此畫，種種協調更 使得人們猜想「那裡的意境」，究竟可以延伸到什麼程度。 然而，霍剛充沛創作中有許多件稱為無題的作品或系列， 綜觀來看可以發現，霍剛不願作品受到任何既有框架在任 何意義上的限定，因此從作品的建構到完成、甚至定奪命 名，不難看出藝術家嘗試用作品對現實空間的觸碰，甚至 意圖延伸，讓觀者站在畫前就能身處作品凝結的時空、空 間、對象，並與這些體驗境界形成關係，玩味地反轉每一 次觀賞者的經驗與想像。

188 PAN CHAURSEN

( Taiwanese, b.1938 )

White Castle in Europe

46 x 53 cm

Oil on Canvas

Signed CHAUR-SEN in English, dated 1991

NT$ 80,000-160,000

US$ 2,600-5,200

潘朝森

歐洲白城

1991

油彩 畫布

簽名：1991 CHAUR-SEN

潘朝森，1938 年生於新竹，師承台灣水彩巨擘蕭如松。

1972 年代表台灣參與坎城國際展―「思」，榮譽獲頒 「國家榮譽獎」殊榮。

潘朝森善用充滿詩意般的意境，作品備受世界畫壇關 注。畫家以藍色系的運用，在《歐洲白城》中，巧妙地 運用藍的烘托與摻揉，將歐洲白城所呈現的時間流動與 凝結性，刻畫出專屬年代歷史軌跡，烘托出歐洲百年古 風與深層文化底蘊。強烈的白色系主軸，使白城牆面彷 若有大片陽光迎面灑落，畫家更絲毫不避諱牆面塵土污 垢，使空間瀰漫著真實性，成功營造如幻似真的朦朧之 美，讓人在畫家筆觸引領之下，瞻仰一座古城生成，打 造亙久彌新的歷史意義。

189

CHO YEOUJUI

( Taiwanese, b.1950 )

Wall No.4

72.6 x 101.6 cm

Mixed Media on Canvas

PROVENANCE:

Dimensions Art Center, Taipei, Taiwan

With a certificate of authenticity from gallery

NT$ 380,000-480,000

US$ 12,300-15,500

「風殘破敗的角落，一直是我創作的主題，它斑駁的痕跡，往往帶有人文和時間的烙印， 也顯示了人世的滄桑及歷史的緬懷，將存在於世界各角落的建築景觀個人化，形成一格 的主觀視覺，藉而抒發個人的心緒節拍；在空間上天羅地網，在時間上罩古籠今。」

--- 卓有瑞

卓有瑞以照相寫實主義（又名超級寫實主義）作為她的創作軸心――並首先在台灣採用 幻燈片投映技術輔助，勾畫初稿；在 70 年代初以 15 幅巨型香蕉油畫欲比擬生命的興衰、 卻被當時的保守社會誤為是女性意識崛起而轟動一時。儘管 80 年代於美國創作時，面 臨到照相寫實主義受極限藝術影響而逐漸退潮，卓有瑞仍堅持其創作方向，運用照片作 理性精準的描繪，呈顯現代社會中的心靈畫面。

卓有瑞著迷於歷經時空洗禮的牆面，取世界各城市之景來描繪歷史的軌跡，投射內心敏 銳的感悟，寫實斑駁肌理的畫面，傳遞出抽象思維，孕藏著耐人尋思的哲理。

《牆之 4》的超寫實的技法，是經歷過人生種種歷練的心靈，面對平凡的物質，找到一 種詮釋物體存在和生命的哲學。牆是一種隔閡之壁，是一種安身居家之壁，是人類文明 的發展見證。牆經過物質洗禮，生命運行風、火、水、土、氣的考驗過程，歲月的紀錄 風化火焚，牆成為具有時間跡痕的永恆景觀，它是藝術家心裡的一面鏡子，產生無限的 感情對牆壁磚石的質感、斷痕、裂紋、漬斑等種種細節，有著不尋常的興致，青苔小草 在縫隙掙扎茁冒，在陽光下呼吸生養，和陰影籠罩下的粗石古牆形成對比，迎面便是一 堵屋牆與鐵窗攔截視界，歲月沉澱下的斑剝，強忍一份無奈地屏息以待。

190 LU HSIENMING

( Taiwanese, b.1959 )

Silence

60 x 73 cm

Oil on Canvas

Signed on the reverse: Lu Hsien-Ming and titled in Chinese

PROVENANCE:

Dimensions Art Center, Taipei, Taiwan

With a certificate of authenticity from gallery

NT$ 180,000-260,000

US$ 5,800-8,400

陸先銘 無語

油彩 畫布 畫背簽名：陸先銘 -「無語」

來源： 帝門藝術中心，台灣 台北 附畫廊開立之原作保證書

191 KUO WEIKUO

( Taiwanese, b.1960 )

The Corner of Consciousness

73 x 91 cm

Oil on Canvas

Signed on the reverse: Kuo Wei-Kuo and titled in Chinese, sized 73 x 91 cm, dated 2000.3

NT$ 200,000-360,000

US$ 6,500-11,600

郭維國

意識樂園的一角

2000

油彩 畫布

背面簽名：郭維國 意識樂園

的一角 73 x 91 cm 2000.3

中國文化大學美術系畢業，曾參展第八屆亞洲國際 美展及 1994 年與 1996 年參加臺北市立美術館舉 行之雙年展，更獲頒美國 Freeman 基金會亞洲藝術 首獎，翌年赴美國 Vermont Studio Center 駐村創作。

郭維國運用他擅長的寫實技巧，以自身為模特兒， 利用隱喻、曖昧、戲謔的表現手法，扮相出在現實 生活中無法扮演的角色，並出現在不同背景的場 域，進而發掘出潛藏在內心晦暗的自己。

此作《意識樂園的一角》瀰漫著多愁善感的陰柔特 質，刻劃出中年男子企圖揭開自己「偽裝」的表象 及探索潛意識中真實的自我。獨特詭異的灰紫色調 營造劇場裡超現實的表現，畫面中所滲出的不安、 壓抑與束縛感，彷彿述說著自己生命的經驗與記 憶，散發出近乎自我嘲諷的訊息。

「其實在步入工業文明之前，人類對自然的敬畏遠遠高於今天。」 --- 趙博

ZHAO BO ( Chinese, b.1984 )

A Beautiful New World - No.5

趙博 美麗新世界五號

2014

油彩 畫布

140 x 170 cm

Oil on Canvas

Signed on the reverse: Zhao Bo and titled in Chinese, dated 2014

NT$ 450,000-600,000

US$ 14,500-19,400

畫背簽名：《美麗新世界－ 5 号》趙博 . 2014 夏 「我們比人類任何一個時代都知道的更多，聯繫的更緊密，卻又比任何一個時代都更加顯得迷惘 和困惑。孰為真實？憑何分辨？我想，藝術是擺脫這種困難的最好的良藥吧！」 --- 趙博

趙博以精湛的寫實筆調，帶我們進入其心眼中所觀察的 世界，沒有資本信息化社會的喧囂，僅純然直面自然， 立基於當代人們慣以為常的環境，反倒成為宛如超現實 後魔幻情境。2014 年趙博開始創作的「美麗新世界」系 列則加入了「人」的元素，為作品增添敘事性連接；本 次呈現的《美麗新世界五號》便是其結合「人與自然」 的精彩之作。

造物之自然，且聽林風吟唱，鳥瞰湖中映澈，陽光、水 與森林總是和生命有著某種聯繫，然而至今人類面對森 林和荒野，總會有一種離異孤獨感。一旦被剝奪了上千 年形成的社會屬性，被置身於原始的環境中，就會看到 自身的脆弱。

偌大的畫布上，藝術家描繪出廣袤無垠的森林大地上馳 騁想像，延綿的參天大樹遮擋住外面的世界，形成一道 天然的屏風。平靜的湖面上倒映出窸窣的樹影，綠色不 再僅是一種單純的色彩，而糊成了敏感變幻的粼粼波光， 體現出自然造物的神奇。一縷對比色紅舟輕拂湖面，某 人坐在其扁舟中央雙手搖槳，與這仙境相互探索。如果 說在這之間有著某種聯繫，那應是人們離開社會屬性界 線，直面自然時，才能體會到的超越生命的力量，而生 敬畏之心。趙博寫意地描繪花葉飄落、陽光冉染，提煉 著敘事下一瞬時間與動態的美感，溫柔安撫那獨坐的生 命不再孤獨、脆弱，所到之處落下花葉的餘香，和泛起 的漣漪一起隨風而拂，忘卻了人間虛華，得片刻安寧， 於這如夢的意境。

193

LUO FAHUI

( Chinese, b.1961 )

Flowers over the City

110 x 100 cm

Oil on Canvas

Signed Luo Fahui in English, dated 2006

NT$ 360,000-500,000

US$ 11,600-16,100

羅發輝

城市上空的花

2006

油彩 畫布

簽名：2006 Luo Fahui

「玫瑰」系列中那些巨大的花，往往給人難以抗拒的視覺震撼，站 在羅發輝的作品前面，觀看者可以感受到強烈的被吞噬感，從生動 的造型到內斂的筆觸，都能令人感受到他內心躁動的激情。鮮活而 誇張的的形象和虛假的灰暗色彩矛盾地並存，情感被理智割裂，理 智又被情感迷惑，該玫瑰系列因而令人信服地呈現出超越意識的真 空狀態－在慾望的空間中縱情漂浮，迷失在夢幻之中。

藝術家 羅發輝 Artist Luo Fahui

194

WU JIHCHIN ( Taiwanese, b.1971 )

Paris and the East

99 x 101 cm

Mixed Media on Canvas

Signed on the reverse: Chin in English, dated 2014 and Chin in Chinese

ILLUSTRATED:

''Odyssey - Solo Exhibition of Chin Wu,'' Kaohsiung Museum of Fine Arts, Kaohsiung Taiwan, 2019, Page 31

EXHIBITION:

''Odyssey - Solo Exhibition of Chin Wu,'' Kaohsiung Museum of Fine Arts, Kaohsiung, Taiwan, April 13 - June 2, 2019

With a certificate of authenticity signed by the artist

NT$ 170,000-300,000

US$ 5,500-9,700

吳日勤

巴黎與東方

2014

綜合媒材 畫布

背面簽名：Chin 14 勤

圖錄：

《溯源－吳日勤個展》，高雄市立美 術館，台灣高雄，2019 年，第 31 頁

展覽：

「溯源－吳日勤個展」，高雄市立美

術館，台灣高雄，2019 年 4 月 13 日

至 6 月 2 日

附藝術家親簽之原作保證書

吳日勤擅長以西方的媒材，表現東方的 哲思，作品整體色調為象徵熱情奔放的 紅色，但是使用的是明度較低的紅，將 作品氛圍帶入了絲微的內斂。左上角則 是透過水墨特有的性質及表現手法，展 現瀟灑、隨興之姿，佔據了觀者的目 光，而另一獨特處為作品畫面右上方， 巴黎鐵塔夜景與女人的側面圖像，在周 圍激昂的表現下，形成相對的靜謐。

如同作品名稱《巴黎與東方》，兩個擁 有不同風情樣貌的所在，在同一張畫布 上進行碰撞，浪漫自由的巴黎和內斂沉 穩的東方，如此截然不同，相互交換韻 味對話，卻又融合地悄聲無息。

195 HUANG CHIHYANG ( Taiwanese, b.1965 )

Three Marks

110 x 86 cm

Ink and Color on Paper With one seal of the artist

NT$ 80,000-120,000

US$ 2,600-3,900 黃致陽

黃致陽《千靈隱》創作系列，發表於 2004 年初，這系列的作品延續他 90 年代以來的基 本形式言語，仍以一個基本的造形母體，不斷用重複組構與堆疊的手法，來塑形展現出整 體的面貌。原來的《戀人絮語》中的儀式感，更進一步深化到《千靈隱》當中，觀者所凝 視的是一些宛如幻化或超越形體的「靈」，一種意味擺脫軀體局限的一種飄逸想像。

《千靈隱》屬於一種空靈美學的探索，黃致陽不但從佛教藝術的傳統擷取了種種形式的語 彙及意味聯想，同時在擬造儀式與空間氛圍，更善用了道教傳統中較神祕的質素，通過能 量的生發、凝聚與引導，朝向神祕主義的表現。

"Three Marks'' belongs to the discovery of elusive aesthetics. Huang Zhi Yang not only extracted different form of language and meanings from traditional Buddhist artworks, but also created an atmosphere of both rituals and space. Moreover, he utilized the mysterious element in Daoism, through the generation, cohesion and directions of energy presenting mysticism.

196

HUANG CHIHYANG

( Taiwanese, b.1965 )

Lover's Library: Judith and Jonathan Stein No.6

76 x 57 cm

Ink on Silk mounted on Wooden Board

Signed Chih-Yang and titled in Chinese, dated 1999, numbered 06

NT$ 100,000-200,000 US$ 3,200-6,500

1995 年「威尼斯雙年展」及 1996 年德國阿亨的「路德威美

術館」邀請展，使黃致陽自覺自己創作的來源與傳統，體認到 水墨藝術為中國藝術傳統無可取代的核心。《戀人絮語》系列 選擇以水墨技法在細絹或紙上完成，此系列之名稱取自於法國 學者羅蘭．巴特同名的中譯版著作。《戀人絮語》系列針對當 代社會人性主體失落與人文價值迷失的問題，透過一對又一對 自願作為模特兒的雙人組合關係，著墨個人心理空間的描述， 也偏向含情脈脈的心靈對話，以細膩、柔軟、溫暖、感性的形 象美學，重新為人存在的意思與人文精神價格，賦予其儀式化 的尊嚴。

197 LO SHYHCHARNG

( Taiwanese, b.1945 )

Sailing Homeward

53 x 72.5 cm

Oil on Canvas

Singed Shyhcharng Ren in Chinese

EXHIBITION: "Lo's Exhibition," Galerie Elegance, Taipei, Taiwan, 1992

NT$ 80,000-160,000

US$ 2,600-5,200

羅世長

歸航

1992

油彩 畫布 簽名：世長人

展覽：

「羅世長」，愛力根畫廊， 台灣台北，1992 年

羅世長，台灣新竹人。1945 年出生於日本長野，次年即 隨父母返台原籍。台大人類學系畢業後，留校任助教三年 多後前往加拿大進修。出國前曾兩次入選台陽美展、台北 市美展、全省美展及全國美展。羅世長體驗到藝術唯有在 去蕪存菁之後，真情才得以流露。因此，他一直朝著反璞 歸真的方向努力，盡可能把畫面還原到只有單純的色彩和 僅容辨認的簡約景象。化繁為簡，表現出對大自然的一種 真誠關懷。

《歸航》色彩雋永沉靜，在灰、藍與白色等淡色系構成的 畫面中，適切的表達出晨間薄霧景致，與獨特寧靜的氛 圍，淡雅的畫面與其內在心緒相互呼應，藉由細膩講究的 色彩，透過清冷色調與日常所見之山水構圖，探討自身與 自然環境的相互關係，述說寧靜、甚至浪漫與寂寥的內心 世界。

198

YANG DIN

( Chinese-French, b.1958 )

Summer

80 x 80 cm

Oil on Canvas

Signed Yang Din in English

Signed on the reverse Yang Din in English and Chinese, titled in French and Chinese dated 1995.1, size 80x80cm

PROVENANCE:

Dimensions Art Center, Taipei, Taiwan

With a certificate of authenticity from gallery

NT$ 280,000-380,000

US$ 9,000-12,300

1995

油彩 畫布 簽名：Yang Din 畫背簽名：Yang Din 楊登雄 Eté 夏

1995.1 80x80cm

來源：

附畫廊開立之原作保證書

《夏》作品中樹枝以外的物件，都被隱沒在大 面積深藍色調之中，並將大樹當作背景。有別 於常規的作法，將較常見的大片留白手法，轉 換成深藍色大片鋪蓋，來襯托面積相對極小的 主體，加上一深一淺的色彩對比，突顯了主體 的存在，同時象徵著作者嚮往脫俗寧靜的心 境。除主體樹枝以外，周遭空曠簡潔，使得主 體被烘托出來，繚繞虛實，有著幽幻意境之美。 濃厚的肌理堆疊出深不可測的視覺意象，一層 層不同色彩混合的顏料，表現出大自然生氣勃 勃與和諧的氣息。簡約潔淨的畫面，以及獨特 的色彩調性，呈現出與眾不同的美感，與新奇 的概念思維，讓人有無窮無盡的想像空間。

楊登雄 夏

帝門藝術中心，台灣 台北

199 YANG DIN

( Chinese-French, b.1958 )

Cactus

54 x 65 cm

Oil on Canvas

Signed Yang Din in English

PROVENANCE:

Dimensions Art Center, Taipei, Taiwan

With a certificate of authenticity from gallery

NT$ 160,000-260,000

US$ 5,200-8,400

楊登雄 仙人掌 1993

油彩 畫布 簽名：Yang Din

來源： 帝門藝術中心，台灣 台北 附畫廊開立之原作保證書

楊登雄為華裔旅法藝術家，1987 年獲羅瓦歐伯省藝術沙 龍首獎，在 1985-1995 年其間，曾多次參與在巴黎及歐 洲舉辦的藝術聯展。1988 年作品獲挑選在巴黎大皇宮舉 行的青年畫家沙龍展出。

楊登雄擅長以全景環繞的方式和電影手法，繪出一個無 垠的世界。常利用線條刻畫自然，加上他喜好藍色色調， 使其畫面具有獨特的色彩氛圍及神秘敘事空間，給人沉 澱靜思的感受。

《仙人掌》作品以簡約細膩的繪畫技法，及柔和高雅的 彩度，再加上顏料堆疊出豐富的肌理與層次。仙人掌上 方的那一片白色的光圈，像是在荒蕪的空間中，迎向著 能夠連接到光亮世界的出口，呈現出在無遠無界的寂靜 空間之中，大自然生存的力量，以及生機勃勃的氣息， 表達出渴望悠然寧靜的心境。

200 HSI SHIHPIN ( Taiwanese, b.1977 )

Horse of Multiple Appearances

45 x 13 x 30 cm

Stainless Steel and Carbon, 10/12

Signature engraving Shih-Pin Hsi in English, dated 2021, numbered 10/12

PROVENANCE:

Soka Art, Taipei, Taiwan

EXHIBITION:

''Our Home - Artists Group Exhibition,'' Soka Art, Taipei

Taiwan, January 9 - February 20, 2021 (Another edition)

With a certificate of authenticity from gallery

The work is accompanied by its original stainless steel box.

NT$ 250,000-300,000

US$ 8,100-9,700

席時斌

非相之馬

2021

不鏽鋼 碳鋼 10/12

簽名雕刻：Shih Pin Hsi 10/12 2021

來源：

索卡藝術，台灣 台北

展覽：

「溫叨 – 藝術家聯展」，索卡藝術中心，台灣台北，

2021 年 1 月 9 日至 2 月 20 日 ( 不同版次 )

附畫廊開立之原作保證書

附原廠包裝不鏽鋼箱

「非相」在東方語境中則是描述外在形貌，即稱為「相」， 能指涉既有既無、真實或虛構形象。作品名稱在開頭，就 試圖提點注意對相的思考，彷若呼籲，人們的經驗與想像 影響，就算單一的相也會產生瞬息萬變的象，如此來說原 先的相也可能隨時不是自己所認知的相，即：「有相而非 此相」之意。

幻想與現實之間的交會是席時斌持續關注的主題，不論是 東方或西方神話傳說，流傳許多對於馬的異變與想像，這 些神話傳說中複合生命體即在科學啟蒙時期後統稱為嵌合 體，而今科技則試圖透過人為介入改變生命的機能、構造 甚至外型，在這目的基礎上科學家與藝術家的差異也日漸 模糊。

《非相之馬》正是藝術家席時斌轉換為科學家立場創作嵌 合體，以馬為主體，但不止於馬的表象、機能意象，席時 斌在其之中堆砌了其他動物肢體器官，如：犬科、貓科、 兔耳、虎斑、獅子魚鰭、人類的頭髮辮子，暗示賦予對應 的機能期許，並考量協調需求地轉化成有機造型組裝喝 成。在如此多樣的造形、複合的動物機能，選用了高延展、 高耐性、高硬度的合金、不鏽鋼為主材料，貼切呈現了生 物科學與技術、幻想的交會所誕生的產物，隱喻了人類對 知識、慾望的結晶。

201 CHEN TINGSHIH

( Chinese, 1913-2002 )

Day and Night #58

61 x 121.5 cm

Lithograph, 21/40

Signed Chen Ting-Shih in English, dated 1981, Day and Night #58, numbered 21/40

ILLUSTRATED:

''Sound of Rarity: Chen Ting-Shih Memorial Exhibition,'' Taipei Fine Arts Museum, Taipei Taiwan, 2002

EXHIBITION:

''Sound of Rarity: Chen Ting-Shih Memorial Exhibition,'' Taipei Fine Arts Museum, Taipei Taiwan, September 28 - December 15, 2002. (Another edition)

NT$ 300,000-400,000

US$ 9,700-12,900

陳庭詩

晝與夜 #58

1981

版畫 21/40

簽名：Day and Night #58 21/40

Chen Ting-Shih 1981

圖錄：

《大律希音：陳庭詩紀念展》，台北 市立美術館，台灣台北，2002 年

展覽：

「大律希音：陳庭詩紀念展」，台北 市立美術館，台灣台北，2002 年 9 月 28 日至 12 月 15 日 ( 另一版次 )

陳庭詩自小失聰，連帶影響說話的能力，但卻 無礙於和外界的溝通。「天何言哉 ﹖四時行焉， 百物生焉，天何言哉﹖」，陳庭詩的版畫，觀 者很難以自身的經驗與知識去尋找晝與夜的概 念，因為陳庭詩並不是在描繪事物或是現象， 而是在探究宇宙的起源、萬物的本質。所以觀 者如果拋棄成見，以直覺去感知，那畫面上簡 潔洗鍊的圖形，帶著裂罅和甘蔗板特有的紋 理，所體現出的是天地間的真理秩序，亦或是 宇宙的浩瀚無垠，也代表著陳庭詩的美學觀。 「晝與夜」的系列，為陳庭詩終其一生探索的 題材。早期多以紅黑對比呈現，但一九七六年 後，陳庭詩旅居美國，受其影響用色更加活潑， 筆觸也更為奔放。這幅「晝與夜」，相較早期 的作品中，透露出精純又靜謐，雄渾又沉厚的 風格之外，還多了一抹璀璨。

現代抽象藝術，或許難以被大眾理解接納，但 陳庭詩敞然接納，創作由寫實走向抽象，以簡 約的形和單純的色去詮釋出中國文化的意境， 作品饒富濃濃的東方哲學色彩，也意涵了東西 美學的交融。

202 CHEN TINGSHIH

( Chinese, 1913-2002 )

Signal from Outer Space #1

60 x 60 cm

Lithograph, 6/25

Signed Chen Ting-Shih and titled in English, dated 1973, numbered 6/25

NT$ 200,000-250,000

US$ 6,500-8,100

陳庭詩

來自外太空的信號 #1

1973

版畫 6/25

簽名：Signal from Outer Space #1 6/25 Chen Ting-Shih 1973

「獨與天地精神往來，而不敖倪於萬物。」

---莊子

陳庭詩自幼失聰，在動亂的大時代下，使他 體驗到人身處在天地之間的孤獨與寂寞。在 無聲的寂靜中，也加深了陳庭詩對自身內在 世界的探索，聆聽宇宙無所為而為的大音。 精神的超然獨立，在有為和無為間順應自 然，平靜的看待萬事萬物。

陳庭詩擅長透過幾何圖形的構成，昇華成符 號性的意境。抽象的形體，在畫布中迸發出 無限擴張的轟鳴。這亙古的巨響，是他在寂 靜的宇宙中，獨與天地之間的對話。

203

CHEN TINGSHIH

( Chinese, 1913-2002 )

Day and Night #61

90 x 90 cm

Lithograph, 4/40

Signed Chen Ting-Shih and titled in English, dated 1981, numbered 4/40

PROVENANCE:

Ile Art Gallery, Taichung, Taiwan

NT$ 450,000-650,000

US$ 14,500-21,000

陳庭詩

晝與夜 #61

1981

版畫 4/40

簽名：Day and Night #61 4/40

Chen Ting-Shih 1981

來源：

苡樂藝術空間，台灣

204 WANG YUNHE

( Chinese, 1939-2007 )

Shanghai View No.6

78 x 108 cm

Watercolor on Paper

Signed Yun-He in Chinese, dated 1995

NT$ 120,000-250,000

US$ 3,900-8,100

「我畫都市題材，特別是上海這樣擁有一千四百萬人口的國際大都市，通過無數次的探索， 終於發現了適合我、也適合表現上海的繪畫形式、語彙，用點、線、面、色塊交織出一幅幅 都市交響曲。我從不考慮像與不像，從不去描繪細節，我要表現的是節奏、氣氛、情緒和人 文環境的思維。」

生於上海。被冠予「畫城市，中國第一人」的王雲鶴，多年來創作題材多以描繪上海都會形 色面貌為主，作品色彩強烈繽紛，看似豪放不羈的筆調，道盡上海豐富多變的風華。其作品 曾在中國、美國、日本、德國、加拿大、臺灣、南韓、香港、澳門 等十餘個國家和地區展出， 二十餘件作品為中國美術館、上海美術館所收藏。

《都市情懷 No.6》展現了王雲鶴對於抽象繪畫的頂禮，卻又不願意受到傳統技法之禁錮， 讓筆觸建立在一個絕對自我中心思維的主義裡，他既跳出格套，又不被當代先鋒藝術流派所 惑，堅挺地走向自己獨創的道路，成就其藝術感悟和創作主旨。藝術家崇尚以神寫形，筆不 到意到、美在天趣，似與不似之間，有筆鋒、卻不見銳利與粗拙；有轉折、卻沒有著意彰顯 的匠氣線條，形成了某種外界環境與其自我內心對話的可能性，使觀者彷彿能感受到一個連 續進行的都市生命體，依舊生氣勃勃地跳動著。

---王雲鶴

205 KUO JENCHANG

( Taiwanese, b.1949 )

About Face-General

26 x 29 x 39 cm

Mixed Media on Wood Carving

Signed on the bottom: Kuo Jen-Chang and titled in Chinese, dated 1999, size 26 x 29 x 39 cm

PROVENANCE:

William Gallery, Taipei, Taiwan

With a certificate of authenticity from gallery

With a bow iron plate accessory made by artist Huang Mingzhe and a white display stand

NT$ 200,000-400,000

US$ 6,500-12,900

郭振昌

關於臉 - 將 1999

綜合媒材 木雕

底部簽名：郭振昌 將 1999 26 x 29 x 39 cm

來源： 威廉藝術中心，台灣 台北

附畫廊開立之原作保證書

附藝術家黃銘哲製作之蝴蝶結鐵牌配飾與白

色展示台

極具個人特色的大器墨線是郭振昌 作品中常見的手法，曾有人云其作 品中的線條筆觸是從中華文化的脈 絡中淬煉而來，透過筆觸容納時代 精神的提問。而看向郭振昌木雕作 品上也能看見，如《關於臉 - 將》 一作在起伏的木雕紋理透過線條勾 勒，以平面與立體、維度空間、虛 實的交替，使作品與周圍環境空氣 發生了熱情脈動的觀感體驗。郭振 昌還轉化許多台灣民俗、傳統、少 人注意，甚至非典型美感的意象與 元素，予以系統化，形塑為個人強 烈的創作語彙，切片性地成為他作 品的圖像，進而與在地歷史和文化 軌跡產生連結。

郭振昌認為：「凡是能將現在生活 的特質表現出來的，就是寫實。」， 很多時候，他的作品看似奇異，卻 非超現實，而是切實表達了臺灣多 重文化境況的特質。

（背面）

（正面）

206 KUO

( Taiwanese, b.1949 )

24 x 33 cm Oil on Canvas

NT$ 100,000-160,000 US$ 3,200-5,200

1994

油彩 畫布 簽名：郭振昌 ' 94 J.C.KUO

郭振昌是少數被認為「既台灣又國際」的藝術家，他的 藝術視覺風格相當強烈，擅長以粗黑的線條勾勒形體， 並將大眾司空見慣、認為不足為奇的題材入畫，卻勾織 起人們對文化、記憶的深遠連結。

此幅作品為 1994 年「台灣圖像與影像」系列之一，漫天 鋪下的花布，色彩鮮艷，一般人以為這是客家花布，但 其實是當年遠東紡織生產的花布，一般家庭作為被單使 用，觀賞此幅畫時，你是否也想起了老家裡那一床阿嬤 的嫁妝呢？就是如此貼近日常的創作，才能悄悄喚起內 心被塵封已久的記憶。

207 WU HAO

( Taiwanese, 1931-2019 )

Flowers in a Vase

60 x 50 cm

Oil on Canvas

Signed Wu Hao in Chinese, dated 1985

NT$ 280,000-380,000

US$ 9,000-12,300

吳昊 瓶花

1985

油彩 畫布 簽名：吳昊 1985

出生南京，1951 年進入李仲生畫室習畫，是東方畫會創辦人之一。 畢業於中央工藝學院裝飾藝術設計系，1988 年進入法國巴黎國立 高等美術學院，2001 年獲得法蘭西國立造型藝術學院最高等學位。

吳昊畫筆下的花卉總是綻放熱情的生命力，濃郁的玫瑰花瀰漫畫 面，運用細膩的筆法刻劃出含苞花瓣的走痕，透過高彩度色調相互 輝映，以致畫面顯色被發揮到淋漓盡致，呈現飽滿美感與恬靜自適 的意境。背景則採用相近色透出恬淡氣息，看向桌面突出的藍色， 讓平面的表現延伸出景深，突出空間感，讓主題的瓶與花襯托出俯 瞰綻放的視覺活力。運用現代形式懷想古典優雅，讓作品在保有古 典審美的同時，也具備了獨到觀察；在空間相互交錯的平面裡，併 發出不同程度下的力度與純美。

208

WU HAO

( Taiwanese, 1931-2019 )

Yellow Roses

52.3 x 45 cm

Oil on Canvas

Signed Wu Hao in Chinese, dated 1992

NT$ 320,000-400,000

US$ 10,300-12,900

吳昊 黃玫瑰

1992

油彩 畫布 簽名：吳昊 1992

色彩與線條在繪畫上時常扮演不可或缺的重要元素，同時也是藝 術家及其作品風格的橋樑。花卉靜物在吳昊的創作題材中是經典 的，特別是鮮豔、嬌貴，充滿濃情詩意的玫瑰花。吳昊的作品在 色彩運用以及線條的處理非常細緻到位，極富有特色，風格強烈。 輪廓線運用東方水墨的白描技法，有著粗細轉折厚薄物型詮釋， 添入厚實重彩，取於西方繪畫量感優點，權衡兩者觀念優缺以致 毫無違和。落實中西合併而創作出自己的新風格；清雅與飽和的 用色、扁平既透視造型、動靜兼具的肌理，有力度有棉柔的視覺 感受，使得作品《黃玫瑰》擁有充分的生命力與舒適耐品的氣質。

209

WU HAO ( Taiwanese, 1931-2019 )

Bouquet Girl

91 x 60.5 cm Oil on Canvas

Signed Wu Hao in Chinese, dated 1998

PROVENANCE:

Dimensions Art Center, Taipei, Taiwan

With a certificate of authenticity from gallery

NT$ 420,000-550,000

US$ 13,500-17,700

吳昊 捧花女孩

1998

油彩 畫布

簽名：吳昊 1998

來源：

帝門藝術中心，台灣 台北

附畫廊開立之原作保證書

從 50 年代的版畫，60 年代創立東方畫會，到 70 年代出 奇華茲，彩色斑斕的油畫。隨著時代的變化，吳昊的繪畫，

無論是造型結構與表現形式，在每一個舊世代與新潮流思 維的交界點上，總是站在藝術與潮流融合的時代前端。

吳昊的畫風恬靜而奔放，宣洩心底最澎湃的情感，內涵意

象隨時代的腳步而推衍，藝術的純粹始終如一。小時候耳 濡目染的接觸母親刺繡的圖案及顏色，加上兒時對傳統年 畫和剪紙藝術的生活積累，吳昊將這些過往的剪裁經驗， 以及對於傳統圖騰色彩的見解，歸納出自己獨有色彩斑瀾 的特色，使人感到心情愉悅的豐富色彩風格。

《捧花女孩》作品雖然背景的花色非常的鮮豔且色彩絢 麗，卻絲毫不減中心人物女孩的突出感，畫面中的人與物 都以平面表現，透過吳昊的色彩運用，以及遠近大小的畫 面呈現，與其有了立體的感覺。整幅畫作色彩豐富，卻各 自有著自己的光彩，負責各自的位置，相互不搶鋒頭，讓 畫面處於非常和諧的樣貌。畫中女孩捧著一束最喜愛的花 束，歪著頭看著畫面外的場景，像是正在欣賞著與後方相 似的花卉作品，有著令女孩疑惑的部分，思索著畫中所要 傳達意念，也可能是嘗試以不同的角度來觀賞作品。

210 YUYU YANG ( Taiwanese, 1926-1997 )

Evolution

58 x 33 x 20 cm Bronze, 15/30 Signed Yuyu Yang and Taipei in Chinese, dated 1972, numbered 15/30

ILLUSTRATED:

''Yuyu Yang Corpus,'' Co., Taipei Taiwan, 2005, Page 233

With a certificate of authenticity from Yuyu Yang Art Education Foundation

NT$ 450,000-600,000

US$ 14,500-19,400

211 YUYU YANG ( Taiwanese, 1926-1997 )

Taking Off (No.3)

16.5 x 97 x 13 cm

Bronze, 13/30

Signed Yuyu Yang in English and Chinese, dated 1977, numbered 13/30

ILLUSTRATED:

1. ''Exhibition of Yuyu Yang's Art from 19611977,'' National Museum of History, Taipei Taiwan, 1989, Page 145, 152

2. ''Yuyu Yang Corpus,'' Artist Publishing Co., Taipei Taiwan, 2005, Page 252, 261, 273

3. ''Yuyu Yang: Venguard on Native Soil,'' Kaohsiung Museum of Fine Arts, Kaohsiung Taiwan, 2006, Page 150

With a certificate of authenticity from Yuyu Yang Art Education Foundation

NT$ 450,000-600,000 US$ 14,500-19,400

楊英風

起飛 ( 三 )

1977

銅雕 13/30

簽名：YuYu YANG 英風 77 13/30

圖錄：

1.《楊英風六一至七七年創作特

展》，國立歷史博物館，台灣台北， 1989 年，第 145 及 152 頁

2.《楊英風全集創作篇第一卷》，藝

術家出版社，台灣台北，2005 年，

第 252 頁、第 261 頁、第 273 頁

3.《楊英風 (1926-1997)：站在鄉土

上的前衛》，高雄市立美術館，高

雄台灣，2006 年，第 150 頁

212 CAO LI ( Chinese, b.1954 )

Listen to the Music of Happiness

60 x 50.2 cm

Oil on Canvas

Signed Cao Li in Chinese

EXHIBITION:

''Dream Fantasia - Cao Li Solo Exhibition,'' Chin

Der Jyu Gallery, Taipei Taiwan, June 3 - 22, 2017

NT$ 450,000-550,000

US$ 14,500-17,700

曹力豐富的生命經歷，奠定了他作品的方向， 他二十歲時用小提琴和畫筆考入貴陽市評劇團 樂隊伴奏兼美工宣傳，多才多藝又勤於專研色 彩運用，對他日後的作品影響甚大，在他的畫 作裡經常可以看見樂器出現，豐富的色彩皆降 低了彩度，營造出畫面的和諧療癒感。

觀賞這幅畫的同時，你是否也聽見了悠揚的樂 聲傳出，圍繞在你耳邊呢？

充滿音樂性及詩意是曹力畫作的一大特色，此 幅作品裡，天馬行空又富有童趣的畫境，稍稍 變形的人物，更替畫面增添了活潑感，畫作裡 的人物、動物皆有一對靈動清澈的雙眸，左下 角展翅的青鳥則貫徹了整幅畫作的核心，象徵 幸福，究竟青鳥是被樂聲吸引而來的，還是因 為牠的出現帶給了大家幸福呢？

IIDA KIRIKO

( Japanese, b.1970 )

Feast

91 x 116.7 cm

Oil on Canvas

PROVENANCE:

Acquired from Soka Art, Taipei

ILLUSTRATED:

''After Image of the Light - IIDA Kiriko Solo Exhibition,'' Soka Art, Taipei Taiwan, January, 2017

EXHIBITION:

''After Image of the Light - IIDA Kiriko Solo Exhibition,'' Soka Art, Taipei Taiwan, January 21 - March 12, 2017

NT$ 380,000-450,000

US$ 12,300-14,500

飯田桐子畫作中的世界彷彿沒有成年人般，大 多人物主題的外貌為青少年、孩童，來敘述一 幕幕既現實、既夢幻的純真擷點。而成長在北 海道的飯田桐子，因雪景常年相伴，畫面得以 自然地傳達季節感，在漫天飛雪與潔白天地之 間，增添了靜謐空靈的美感氣質；在白色的視 覺中暈染暖色的淡光，於人物的神秘情態語言 周圍散發，整體冷而不寒、暖而不燥的協調， 徘徊在扎實細緻的筆調，像是一面鏡子照映觀 眾內心的各異獨白。飯田桐子的作品微妙的特 色即是沒有任何強烈的表達與主張，僅是帶著 滋潤身心的自然環境印象，反倒召喚一種使人 們被同理、被抒發的畫境幻想。

GUO WEI ( Chinese, b.1960 )

Mosquito Series No.8

158.5 x 100 cm

Oil on Canvas

Signed Guo Wei in English, dated 2000

ILLUSTRATED:

''Painting and Calligraphy of Guo Wei,'' Loft Art Gallery, Paris France, 2000, Page 20

EXHIBITION:

''Guo Wei Solo Exhibition,'' Loft Art Gallery, Paris France, June 10 - 26, 2000

NT$ 500,000-600,000

US$ 16,100-19,400

郭偉 蚊子系列 No.8

2000

油彩 畫布 簽名：Guo Wei 2000.

圖錄：

《郭偉畫集》，Loft 畫廊，法國巴黎，2000 年，

20 頁

展覽：

「郭偉個人展覽」，Loft 畫廊，法國巴黎，

2000 年 6 月 10 日至 6 月 26 日

「我作畫的主題自然是關注人，人與人、 人與社會的關係，我盡可能地用自己的眼 光觀察和感受人，把視點控制在自己熟悉 的範圍內，控制的目的是為了避免陷入泛 政治化的藝術潮流之中，有時我畫些類似 暴力的場面，但那不是針對具體事件，而 是對當代社會和文化中人與人之間非人性 化的關係和異化狀態的一種譴責，簡單地 說，將人作為一種文化問題。」

--- 郭偉

《蚊子系列 No. 8》一作中，神情莫名自信的少年以極為彆扭的姿態佇立於畫面中 央，紅色的肌膚與深沉簡練的背景形成高反差對比，人物視覺透視由上至下強化了 畫面力度，隨之又再打上劇場化聚焦光源並從非典型美觀地投射，在無天地交接線 的場景形成了不自然的影子。在這些本是各自純粹而單一元素，在藝術家複雜的布 局交織下，層層埋入能指與可指的揣測引導，一步步進入藝術家所思考的社會結構 問題與其所生產和被生產。因為謹慎地凝視，簡練的空間又彷彿多了一種不斷深入 的神秘場域，以此從原先以人物看向空間後，然而再反過來從空間再向人物觀察 時，似乎少年的肢體、膚色、神情想說些什麼。

人物繪畫作為一種單一角度的凝視與被凝視，一種最熟悉的陌生感，他者因為所接 觸不同的體驗，摩擦出不同的社會關係，從內或外生成了獨立的特徵與習性，又再 與其他對象、甚至自己產生矛盾、偏見、不理解 等異化關係。郭偉正是以銳利 的觀察與心理分析能力洞察當代社會和人類快速動盪、徵兆，同理發展中社會新世 代內心情感，然而在每個時代各地人們又何嘗不是彼此的異類呢，通過畫面，藝術 家欲訴說的微不足道的個體，也可能是一個時代社會的真實面貌、縮影。

WANG WENPING

( Taiwanese, b.1960 ) Upon The Fruit

130 x 97 cm

Oil on Canvas

Signed Wang in Chinese and dated 1994-98

Signed on the reverse: Wang Wenping and medium title in Chinese, dated 1994-98 and size

ILLUSTRATED:

''WANG WENPING 1978-83,'' 1983, Page 51

EXHIBITION:

''WANG WENPING SOLO EXHIBITION,'' Taipei Fine Art Museum, Taipei Taiwan, 1995

NT$ 200,000-380,000

US$ 6,500-12,300

王文平 在果實上

1994-1995

油彩 畫布

簽名：王 1994~98

畫背簽名：王文平 1994~98 油畫 ( 在果實上 )

60F (130 x 97 cm)

圖錄：

《王文平 1978-83》，1983 年，第 51 頁

展覽：

「王文平個展」，台北市立美術館，1995

王文平的畫不斷在探究人的潛意識，並將之表現在畫布上，畫中人物坐在果實上， 手握著正竄出的苗芽，使人不難聯想藝術家的構思。

畫中人物含蓄的扭動，將果實植物生長、繁殖、孕果的生態定律，巧妙地與人物 肛門和生殖器連結，向上竄出的草苗象徵著生長性徵、肛門則象徵了結成的慾果。 性慾或許只是慾望的其中一種，且作為最神祕、最強烈的表述，但當我們體會過 慾望、看過慾望，或許也能知道其實性慾能反推為代表每種慾望的真面目，甚至 分析心理學之父 - 弗洛伊德 (Sigmund Freud) 更是將人類一切行為活動、精神建構 的根源解釋為原始性意識，此件作品像是能夠與其理論對話般，將人物相對嬌弱 地繪製出，並讓慾望果實承載人物，似乎暗喻著人類交纏在慾望的無限輪迴，或 是探問著：慾望終究是不可避諱的事實，但 究竟是我們承載了慾望，還是慾望 承載著我們？

216

HUNG YI ( Taiwanese, b.1970 )

The Hare and the Tortoise

86 x 66 x 116 cm

Lacquered Steel and Granite, E.A. Signed Hung Yi in Chinese, dated 2013, and E.A.

PROVENANCE:

InSian Gallery, Taipei, Taiwan

With a certificate of authenticity from gallery NT$ 450,000-600,000 US$ 14,500-19,400

洪易

龜兔賽跑

2013

鋼板烤漆 花崗岩 E.A.

簽名：洪易 E.A. 2013

來源：

印象畫廊，台灣 台北

附畫廊開立之原作保證書

自千禧年後，「公共藝術」開始在台灣藝術生態中蓬勃 發展，促使著洪易的藝術創作與生活更為緊密結合。洪

易彩繪動物，結合動物群組的新思維藝術概念，從形體 的轉化到繪本符號的轉譯與再詮釋，透過色彩及符碼的 再創造，引領觀眾進入繽紛豔麗的世界，揉合對於社會 的觀察與生活體驗的一些想法、觀念、字句、素描、和 符碼的轉譯，在作品中展現其自身思維的完整與天馬行 空的創作泉源，不同於以往雕塑單件呈現的方式，透過 群體形式所營造出來的裝置空間更顯現出洪易對於藝術 融入環境與社會的關注。

洪易重新反轉伊索寓言中的龜兔賽跑故事，龜與兔在童 話中原是相互競逐的對象，透過鋼板烤漆與花崗岩的結 合，進而創造出龜兔合體成為最佳夥伴的逗趣新組合， 營造出龜、兔和睦氣氛。同時，也將《龜兔賽跑》投射 至現代社會中的企業競爭與團隊合作精神，不斷與他人 歷經組合、拆解、再組合……的種種過程，創造雙贏的 成功結果。洪易的藝術創作，形成了一個跨文化的文 本，發展出一個既能夠立足於本土且呼應現今世界的個 人特色。

217

HUNG YI ( Taiwanese, b.1970 )

Mandarin Duck

a. 122 x 80 x 115 cm

b. 120 x 80 x 108 cm

Baked Enamel on Steel Sheet 6/6 (2)

Signed Hung Yi in Chinese, dated 2015, numbered 6/6 (2)

PROVENANCE:

InSian Gallery, Taipei, Taiwan

With a certificate of authenticity from gallery

NT$ 1,800,000-2,600,000

US$ 58,100-83,900

洪易 鴛鴦

2015

鋼板烤漆 6/6 (2)

簽名：洪易 2015 6/6 (2)

來源：

印象畫廊，台灣 台北

附畫廊開立之原作保證書

洪易喜歡以繽紛的色彩為藝術品注入生命，而作品 本身的材質使用象徵嶄新時代的鋼板製成，造型多 以動物為主。圓潤飽滿的外型充滿歡樂與熱情，多 數作品更獲得國內外重要藝術及公共機構典藏，包 括國立台灣美術館、高雄美術館、北京中國美術館、 澳洲白兔美術館及舊金山亞洲藝術博物館 等典 藏。更值得一提的是洪易的作品表現出相當的民族 氣質與特色，植入於圖騰轉化後更使觀賞體驗上充 滿喜悅與正面能量，讓藏家感受到來自藝術的熱情 擁抱。

鴛鴦習性為「止則相耦，飛則成雙」，經常成雙入 對，在水面上相愛廝守、風韻悠然。時而躍入水中、 引頸擊水、追逐嘻戲，時而又爬上岸來、抖落身上 的水珠，用桔紅色的喙精心地梳理著豔麗的羽毛。

於形於意情昧撩人，成為了夫妻或情人和睦相處、 相愛相隨的美好象徵，也是東方文化創作中堅貞不

渝、純真愛戀的經典語彙，其歷史蘊育的詩性，時至今日 仍常使人們備受共鳴。

「藝術是一種感性的創造力」，洪易運用鮮豔的彩繪圖 騰，充分表現出藝術家的活力、豐富的想像力，將鴛鴦雙 宿雙飛、浪漫幸福的模樣形塑成圓潤可愛的混合體，並結 合民族圖騰轉化的高彩度線條、圖樣，呈現辨識度極高的 雕塑風格、品味。面對東方文化發展完整且多樣的藝術脈 絡，此作品難得貼切專屬洪易的獨有見解，在東方藝術增 添了一筆風采分支，體現該地緣民族多元精神價值。

洪易的創作靈感常常出自四處游走觀察到的細節，從青年 到現在知命之年，他依然保有年輕時養成隨身攜帶畫冊的 習慣，走到哪、畫到哪，「隨時回頭翻翻過往的隨筆，就 會激盪出許多創作想法。」在一次的訪談中洪易亦表示：

「我的作品中色彩鮮豔，造形識別度高，這些養分都是來 自台灣這個環境，其實我一直在思考，台灣這片土地可以

長出什麼樣的花朵，而不單只是日式的、美式的風格，應 該要從最直接的在地感觸去發揮，台灣有很多精彩的元素 可以再創造、需要被尊重，我們要對自己有信心。」洪易 跟隨內心堅定不移的生活與創作態度，綻放了本土風情人 文，並以此曾表示「攝取台灣土地當下養份，然後讓作品 長成一朵花」。一路走來始終帶給觀眾歡樂洋溢、溫情滿 人間的真摯感動。

洪易將對於土地的獨鍾情感，以及來自在地文化與日常生 活的圖騰轉化，揉合於造形和色彩交互之中，每一隻他創 造出看來有些粗野卻絕對可愛的動物，正是洪易將「生活 藝術化」的理想結晶。這幾年洪易的作品被許多國內大型 機構典藏，蒙受大眾熱烈迴響，可在台北花博公園展覽時 吸引百萬人潮拍照朝聖而知曉，並且在許多新世代建設的 公共空間、車站、碼頭，都能看到他的作品，還參與過許 多國外各地展覽發表；如，日本箱根雕刻之森美術館展覽、 紐約百老匯時尚特區 等。

218 YUYU YANG ( Taiwanese, 1926-1997 )

Reclining Nude

52 x 138 x 52 cm

Bronze, 10/12

Signature engraving: Yuyu in Chinese, dated 1958, numbered 10/12

ILLUSTRATED:

''YUYU YANG CORPUS Volume 1,'' ArtistMagazine, Taipei Taiwan, 2005, Page 116

EXHIBITION:

''Nude : Art from The Tate Collection,'' Kaohsiung Museum of Fine Arts, Kaohsiung Taiwan, July 14 - October 28, 2018 (Another version)

With a certificate of authenticity from Yuyu Yang Art Education Foundation

NT$ 300,000-500,000

US$ 9,700-16,100

楊英風

斜臥

1958

銅雕 10/12

簽名雕刻：英風 58-91 10/12

圖錄：

《楊英風全集 第一卷》，藝術家出 版，台灣台北，2005 年，116 頁

展覽：

「裸：泰德美術館典藏大展」，高雄 市立美術館，台灣高雄，2018 年 7 月 14 日至 10 月 28 日 ( 不同版次 )

附楊英風藝術教育基金會開立之原作 保證書

台灣現代雕塑之父，楊英風從羅丹的特寫風格 找出靈感，羅丹專注於局部特寫的區塊，可說 是近代一種新的視覺呈現，以限制區域和不完 整的人體結構，達到不完整卻又是完整的境界， 值得探討的趣味美學形式。

《斜臥》此作品截取女體中從胸到腿最能呈現 女性美的部分，在這局部中再呈現雕塑動態感， 引用現代舞的概念，肢體優雅又柔美的延展與 收放，在腰的部分做了一個傾斜的動作，讓胸 部、腹部、腿部的每塊肌肉都處於緊實而延展 的狀態，整個身體由塊面起伏構成鮮明的輪廓 線條，上半身微微地向後側身轉動，使得肢體 有一種 S 形態的扭曲感、與舞蹈律動中的狀態。

運用肢體柔和的線條與肌肉具張力的塊面，讓 整個肢體動作表現出如似春風吹拂後的綢緞， 取至模特兒林絲緞名字中一字，一語雙關，故 此作品有另名為《緞》。

HSIAO YI ( Taiwanese, 1956-2006 )

Guan Yu

15.5 x 15 x 47 cm

Wooden Sculpture, 1/30

Signed on bottom engraving: Hsiao Yi ni Chinese, dated 1995 and numbered 1/30

NT$ 240,000-360,000

US$ 7,700-11,600

蕭一 關公 1995

木雕 1/30

底部雕刻：蕭一 95 1/30

蕭一，台灣嘉義人，16 歲時開始學習傳統雕刻， 因台灣的風俗民情，傳統雕刻題材以佛像為大 宗，也給了蕭一雕刻的啟蒙。

1977 年蕭一脫離傳統，開始自由創作，以生活 日常真實體驗創作，並融入現代簡約元素，作品 風格質樸平近。

木雕是採用「減」的手法，來達到藝術家所希望 呈現的效果，「減」法創作的難度相當高於「加」 法創作，每下一刀都需思考整體，一刀下去結果 就是不可逆的，過程不只靠驗耐力、體力更考驗 空間邏輯感。

《關公》給人印象，剛毅忠勇，義薄雲天，透過 蕭一豪放粗獷的刀法，一刀一刀刻出了關公的堅 毅形象，有稜有角卻不鋒利，富含了濃烈的情感 語彙。

220 MA PAISUI

( Chinese, 1909-2003 )

Niagara Falls

19 x 24 cm

Ink and Color on Paper

Signed Pai Sui in Chinese and M in English, dated 1980

NT$ 120,000-180,000

US$ 3,900-5,800

馬白水 尼加拉瀑布

1980

彩墨 紙本 簽名：白水 M 1980

1909 年出生中國遼寧，曾於中國執教多年。自學下廣泛熟悉 中西技法；遷台後致力於美術教育、推廣，與藍蔭鼎同為在 台水彩大家。馬氏經常捕捉台灣山川美景入畫，有感於東方 水墨與西洋水彩兩者相似亦互補的特性，逐漸於作品中實踐 「中西融匯，古今貫通」之概念。

《尼加拉瀑布》套用中國山水技法描繪自然，他把西方的水 彩和東方的水墨加以融貫為一體，將筆趣與多點透式的觀點 放入畫中，製造前中後景的層次，中景雲瀑隱約顯露，前景 重墨皴擦出山石走向，人物一窺山景壯麗，觀瀑之趣更臻風 味。

NT$ 500,000-600,000 US$ 16,100-19,400

222

PENG KUANJUN ( Taiwanese, b.1961 )

Goddess of the Moon

31 x 43 x 66 cm

Bronze, 8/8

Signed on the inner side of the wrist: Kuan-jun in Chinese, dated 2009 and numbered 8/8

ILLUSTRATED:

''Peng Kuan-jun,'' William Art Salon, Taipei

Taiwan, 2013, Page 10-11

NT$ 220,000-300,000

US$ 7,100-9,700

彭光均

嫦

2009

銅雕 8/8

簽名雕刻於手腕內側：2009 光均 8/8

圖錄：

《彭光均畫冊》，威廉藝術沙龍，台灣台北，

2013 年，第 10-11 頁

LEE KUANGYU ( Taiwanese, 1954 )

Quite and Secluded Orchid

18 x 20 x 62 cm Bronze, 86/120

Engraved on the bottom: Yu in Chinese and numbered 86/120

NT$ 90,000-160,000

US$ 2,900-5,200

李光裕

幽蘭

1993

青銅 86/120

裕 N. 86/120

曾於聞名的聖費南多藝術學院，跟隨西班牙雕塑名師托雷 多教授學習。長期接觸佛學的李光裕，受老莊、儒家與佛 家思想的影響，將個人的自我生命觀照幻化作一件件宗教 美學雕塑。《幽蘭》的構思來自於蘭葉與柳葉在迎風翻掌 中而來，將風吹柳枝輕撫的狀態化作纖纖玉手輕柔婉約的 細膩姿態，藝術家善用西方造型的技術精準傳達東方情韻 的內斂與抒情，具有流動效果的存形展現物體充沛的內在 情思，幽幽的訴說人生的智慧哲學，將生命深度延伸至無 限的空間中。

李光裕曾於聞名的西班牙聖費南多藝術學院，跟隨西班牙 知名雕塑家托雷多學習。長期接觸玄學思想的李光裕，受 老莊、儒家與佛家思想的影響，將個人的生命覺察幻化作 一件件飽富宗教氣質、玄學探索的雕塑。

作品《幽蘭》以坦然幽柔的佛家手勢為造型，彷若幽蘭葉 在迎風翻掌，而放遠入目則得形於幽蘭花輕柔婉約的細膩

姿態，輕巧地綻放孤芳、禪冥。再從命名來看「幽蘭」一 詞源於成語「空谷幽蘭」，描述生長於清淨、平和靜谷間 的幽蘭花，因為外型小而柔美、孤芳四溢、偏安於隱蔽處 獨自生而幽潔，因此詩意也用於讚美品格幽潔而高雅的人； 孔子甚有以幽蘭比喻君子對品德應追求的境界： 幽谷，不以無人而不芳；君子修道立德，不以困窮而改 節。」。李光裕善用西方造型的技術精準傳達東方詩韻的 內斂與抒情，具有流動效果的存形展現物體充沛的內在情 思，內化修行同時幽幽地訴說人生的智慧哲學，將生命深 度延伸至無限的空間中。

224 TANG HAIWEN ( Chinese, 1927-1991 )

Untitled (Diptychs)

70 x 100 cm

Ink on Paper

Signed Tang in English and Hai Wen in Chinese

NT$ 250,000-300,000 US$ 8,100-9,700

唐海文 ( 曾海文 )

無題 ( 雙聯幅 )

水墨 紙本

簽名：Tang 海文

作為現代水墨的代表之一，曾海文將西方抽象美學概念與東方水墨材料與技術做融 合，為當時中國傳統水墨注入了新的氣象。受到道家思想影響，曾海文的作品自成 一格，以強烈的表現主義、奔放的筆勢，最後將畫面統合成如道家自然、簡約，無 為之意境、收為一心。有別於當時期環境，傳統水墨陷入忠實模仿自然的窘境，曾 海文則是表現出形而上，內在純粹的修為氣度。

如此秉彞天性的曾海文，雲遊異域仍未捨古老東方哲學的思索，老莊道家思想給予 形而上的美學概念，以及豐沛的創作能量，畫家於雙聯尺幅上恢弘縱橫，觀其作雄 勁之力傾注其中，運筆之勢大開大闔，徜徉在漫漫天地之間，翱翔於蒼茫無盡荒野， 開闊悠遠，一如曾海文的生命哲思，畫面一分為二，然一為全，全又合一，而臻至 「天得一以清；地得一以寧」大道之境。抽象畫作其意並不在於追尋畫面上的造形， 更深入至精神上的共鳴與感知。曾海文以融匯東西的抽象水墨技法，精湛的筆氣墨 韻奔馳披靡於抽象的世界之中，創造磅礡極富層次的張力佳作，直至今日畫作仍持 續與觀者互動，得以滋養豐潤了彼此生命，如曾海文曾言「這種交流的持續，終究 證明了畫家所竭盡的力量。」淋漓盡致的水墨交響激盪，綻放無限的生命之華。

225

( Taiwanese, b.1938 )

Celosia

75 x 54 cm

Oil on Canvas

Signed Keng in Chinese, dated 1994

NT$ 120,000-180,000 US$ 3,900-5,800

「如我能作為你靈魂的和事佬多好，使你本性中那些不協與敵 對的素質化為一致與調合。」

1994

--- 黎巴嫩文壇驕子 紀伯倫

CHANG YIHSIUNG

( Taiwanese, 1914-2016 )

a. Landscape

b. Countryside

13 x 18 cm (2)

Oil on Canvas (2)

a. Signed Chang.Y in English, dated 1989

b. Signed Chang.Y in English, dated 1986

NT$ 140,000-180,000 US$ 4,500-5,800

張義雄

a. 山水

b. 鄉間

a. 1989

b. 1986

油彩 畫布 (2)

簽名：

a. Chang.Y 89

b. Chang.Y 86

a.

b.

227 CHANG WANCHUAN

( Taiwanese, b.1909-2003 )

Nude

30 x 23 cm

Oil on Paper

Signed CHANG in English and Wan in Chinese

NT$ 80,000-120,000

US$ 2,600-3,900

228 CHANG WANCHUAN

( Taiwanese, b.1909-2003 )

Flowers in a Vase

25.5 x 18 cm

Watercolor on Paper

Signed CHANG in English and Wan in Chinese

NT$ 80,000-100,000

US$ 2,600-3,200

張萬傳

瓶花

水彩 紙本

簽名：CHANG - 万

41 x 33.5 cm

Pottery Plate

Signed Hu in English and Ling-Yu in Chinese and English, dated 1993

With a certificate of authenticity from gallery

NT$ 40,000-80,000

US$ 1,300-2,600

胡玲瑜 智者

1993 陶版 名：玲瑜 Hu Ling Yu 一九九三 附畫廊開立之原作保證書

刻陶是種高難度的創作方式，在極薄的陶片上進 行雕刻，力道的拿捏須控制得宜，並在有限的厚 度上呈現出層次，考驗著創作者的精神狀態，若 不是對陶板有所熱愛、或迷戀自然材質的魅力， 是難以堅持的。

胡玲瑜的刻陶作品就散發著材質渾厚樸實的鄉土 氣質，搭配細琢主題「智者」人物深遂的情感， 蔓延呼應和對話關係。在畫面構圖上置中，疑似 印度智者，並成蹲坐姿，衣著與舉手投足間流露 揮脫俗世的詳和、淡然。

229 HU LINGYU ( Taiwanese )

Wise Man

230 CHEN TINGSHIH ( Chinese, 1913-2002 )

Learn More

89 x 177 cm

Ink on Paper

Signed Chen Ting-Shih and dated 1997 in Chinese

With two seals of the artist and Inscription

PROVENANCE:

Purchased from the artist himself

EXHIBITION:

''Chen Ting shih - Painting, Calligraphy, Printmaking, Iron Sculpture Exhibition,''

Taichung Municipal Cultural Center, Taichung Taiwan, March 9, 1998

With a photo of the artist and artwork

NT$ 120,000-200,000

US$ 3,900-6,500

陳庭詩 多聞

1997

水墨 紙本 款識：孔子家語 丁丑 陳庭詩 鈐印：陳庭詩 ( 朱文 ) 耳叟書畫 ( 白文 ) 來源： 購自藝術家本人

展覽： 「陳庭詩繪畫、書法、版畫、鐵雕展」， 台中市立文化中心，台灣台中，1998 年 3 月 9 日

附藝術家與作品合照

231 CHEN TINGSHIH

( Chinese, 1913-2002 )

Quiet Path Asking Zigui

69 x 136 cm

Ink on Paper

Signed Chen Ting-Shih in Chinese

With three seals of the artist and Inscription

NT$ 60,000-120,000

US$ 1,900-3,900

陳庭詩 幽徑問子規

1996

水墨 紙本

款識：字大暑 唱下脫一竹字 長樂陳

庭詩 客基中太平仰居

鈐印：未可庵 ( 朱文 ) 陳庭詩 ( 朱文 )

耳叟書畫 ( 白文 )

輸與吳孃唱竹枝

飄鐙春雨細絲絲

零鴻斷雁無何說

賸水殘山有所思

環珮聲銷人遠去

丹青色染畫多姿

頻年芳草埋幽徑

應是歸程問子規

HUANG POREN

( Taiwanese, b.1970 ) Generation to Generation

45 x 17 x 30 cm

Bronze, 21/30

Engraved signature PR on the bottom of the right foot and numbered 21/30

PROVENANCE:

Powen Gallery, Taipei, Taiwan

ILLUSTRATED:

1. ''Huang Po-Ren Sculpture,'' Taichung City Cultural Center, Taichung, 2005, Page 66-67

2. ''The Dog's Notes,'' Powen Gallery, Taipei, 2014, Page 12 & Page 20-23

3. ''Taiwanese Artist Being Active On The International Stage - Poren Huang and The Dog's Notes,'' Art Investment, Taipei Taiwan, November 2015, issue no.97, Page 234

4. ''Bright Star overseas - Poren Huang,'' Art. Investment, Taipei Taiwan, January 2016, issue no.99, Page 131

EXHIBITION:

1. ''The Dog's Notes – Poren Huang Solo Exhibition,'' Williamsburg Art & Historical Center, New York USA, November 7 - December 6, 2015 (another edition)

2. ''The Dog's Notes – Poren Huang Solo Exhibition,'' Offline Gallery, New York USA, December 10, 2015 - January 17, 2016 (another edition)

3. ''The Dog's Notes – Poren Huang Solo Exhibition,'' Okker Art Gallery, Amsterdam, May 7 - June 5, 2016 (another edition)

With a certificate of authenticity from gallery

NT$ 360,000-420,000 US$ 11,600-13,500

延續 2005

銅 21/30

簽名雕刻：PR

底部簽名雕刻：30-21 PR

來源：

紅野畫廊，台灣 台北

圖錄：

1.《黃柏仁雕塑》，台中縣立文化中心，台灣台中， 2005，第 66-67 頁

2.《狗札記 - 黃柏仁》，紅野畫廊，台灣台北，

第 12 頁及第 20-23 頁

3.《台灣藝術家站上國際舞台 - 黃柏仁「狗札記」》，典藏

今藝術，台灣台北，2015 年 11 月號，第

4.《邁向海外的耀眼新星》，典藏今藝術，台灣台北， 第 99 期，第 131 頁

展覽：

1. 「狗札記：黃柏仁雕塑個展」，紐約 WAH 11 月 7 日至 12 月 6 日 ( 另一版次 )

2. 「2016 狗札記個展」，Offline 藝廊，美國紐約，

日至 2016 年 1 月 17 日 ( 另一版次 )

3. 「狗札記：黃柏仁雕塑個展」，Okker 藝廊，阿姆斯特丹，

年 5 月 7 日至 6 月 5 日 ( 另一版次 )

附畫廊開立之原作保證書

黃柏仁生於台中，家族從事木雕事業，因而影響 其志趣。「狗札記」系列作品曾有兩件於 2006 年及 2008 年受國立台灣美術館典藏，一件於 2013 年獲台灣文化部典藏。多年來參與國內外 畫廊與藝術博覽會之展出，於 2015 年將「狗札 記」個展延伸至國外舉辦至今，深獲各界好評。

此件作品出於黃柏仁「狗札記」系列，欲喚醒生 活優渥的現代人正視內心的道德價值以及面對自 身的生存意義，構思啟發自其豢養的台灣黑狗， 源自於高山地區品種，散發濃郁台灣本土情懷； 有絕對忠誠、重感情、適應力強、勤勉耐勞、體 態勻稱精壯，等多種特性並轉譯於創作上，發展 出一系列寓意深厚的銅雕形象。

《延續》用詼諧的黑狗便溺為造型主題，真誠的 表達飼主每日需面對的寵物日常，在這個姿態的 切點來看，可愛的黑狗也需要飼主服務吃飯與清 潔便溺，也是每日陪伴自己的寵物需求，換來的 是飼主與寵物一期一會的相遇和溫暖，不省心而 又是甜蜜負擔。年、月、日，早到晚，循環著一 個個生命陪伴與相互需求的互動。雖然作品詼諧 幽默，但卻也隱喻了當過「奴才」的飼主每天能 感受到的希望、幸福的苦笑，最純樸、微妙，而 人生又有多少次如此珍貴的經驗呢？

黃柏仁擅長以「黑狗」喻人，一方面記錄寵物狗 的大小生活紀錄，深刻生命陪伴價值，一方面黑 狗忠心耿耿保衛家園的形象，象徵著台灣人奮鬥 不懈、重情誼、守護家園的精神價值；溫暖且深 刻地傳達入觀者的心理。

NT$ 100,000-160,000

US$ 3,200-5,200

33/66

簽名：33/66 周春芽 2012

233 ZHOU CHUNYA

( Chinese, b.1955 )

Peach Blossom

77 x 95 cm

Lithograph, 33/66

Signed Zhou Chunya in Chinese and dated 2012, numbered 33/66

DAMIEN HIRST ( British, b.1965 )

H9-5 Honesty, the Virtues Series

120 x 96 cm

Laminated Giclée Print on Aluminum Composite Panels, 659/728

With a certificate of authenticity signed by the artist

The work is accompanied by its original box.

Published in London by HENI Editions, the "Virtues" group consists of eight prints covering "Justice, Courage, Compassion, Courtesy, Honesty, Honour, Loyalty and Restraint"; each edition depicts the Japanese cherry blossoms, and the work is also inspired by the Japanese Inspired by writer and politician Inazura Nitobe, he explains the traditions and morals of the samurai in Bushido: The Soul of Japan. Each edition is signed and uniquely numbered by the artist.

NT$ 250,000-380,000

US$ 8,100-12,300

達米恩 赫斯特

H9-5 誠實，美德系列

2021

水晶壓層仿真彩色版畫印於鋁板 659/728

附藝術家親簽之原作保證書

附作品原裝紙盒包裝

此作品為倫敦 HENI Editions 出版，《美德》一組共有 八幅版畫，包含「正義、勇氣、慈悲、禮 貌、誠實、榮 譽、忠誠以及克制」; 每個版本都描繪了日本櫻花，作

品也啟發於日本作家和政治家 Nitobe Inazō 在《武士

道：日本的靈魂》中解釋武士的傳統和道德準則。每個 版本都由藝術家簽名並有唯一編號。

達米恩‧赫斯特 (Damien Hirst)1965 年生於英國布里斯托，畢業於 倫敦大學金匠學院。於 1995 年因極具爭議的代表作《生者對死者 無動於衷》獲得英國當代藝術大獎「透納獎 (Turner Prize)」，在學術 領域和藝術市場佔有國際間關注，主導了 90 年代藝術另一前衛派 (Avant-garde) 關鍵發展，並受譽為英國當代藝術的重要代表人物之 一，於當今藝壇極富影響力。他的創作涵蓋多種形式，包括繪畫、 雕塑和裝置，旨在探究藝術、生命與死亡之間的複雜關係，至今在 世界各地舉辦了超過 80 場個展，並參與了逾 260 場聯展。

HENI Editions 為達米恩
赫斯特出版的八幅名為《美德系列》(The Virtues Series) 的版畫。而畫中描繪了不同姿態的櫻花，挪用櫻花在 最美的盛開時期而凋落特性與日本武士高潔精神所呼應的「花中櫻 木，人中武士」價值形象，分別以武士道的八種美德來命名――「正 義」、「勇氣」、「仁慈」、「禮貌」、「誠實」、「榮譽」、「忠 誠」及「克制」。此系列其中之一的《H9-5 誠實》以淺藍背景，將 印象派、點描技法，擷取櫻木中段入畫，顯現書寫柔情、剛毅凝然 併重之造型美感，厚實櫻花肌理綻放於其中唯美而即逝的聚散效果， 致敬傳達武士道心念與追求意象。

Photographed by Prudence Cuming Associates © Damien Hirst and Science Ltd. All Rights Reserved, Dacs 2022

DAMIEN HIRST

( British, b.1965 )

H10-1 Wu Zetian, the Empresses Series

100 x 100 cm

Laminated Giclée Print on Aluminum Composite Panels, 1111/2853

With a certificate of authenticity signed by the artist

This work is published by Heni Editions, London, contained in the original packaging.

NT$ 180,000-280,000

US$ 5,800-9,000

《武則天》(Wu Zetian) 屬於《皇后》(The Empresses Series) 系列之一作品，由蝴蝶鮮豔的翅膀精心組成的五幅 絢麗版畫，在火紅的背景上營造出萬花筒的構圖，系列皆 以光亮的塗層，讓作品表面熠熠奪目。該系列中的五件作 品，都是以極具影響力的女性統治者命名――「武則天」、 「努爾賈汗」、「西奧多拉」、「水子」、和「泰圖貝圖」。 此系列的主要紅色調，是為了凸顯各個人物的豐富人格與 故事。詮釋生命、戰爭、權力、憤怒、愛情、歡樂和幸運 等主題。

此作品《武則天》的中心由六顆星形組成，象徵著武則天 的在歷史中的主角光環。她是被中國歷史唯一承認的正統 女皇帝，也擁有充滿傳奇的一生。當武則天嫁給了唐高宗 皇帝而成為皇后，許多政治家意圖謀反，她則在佈局中 一一平定了所有的計謀，成為統治者中最核心的人物。儘 管內部依舊存在了政治的奪權與暴力，但當唐朝幾度處於 崩潰的危機中仍能穩定並鞏固之，武則天種種事蹟至今被 歷史頌揚為一位優秀的正史女皇帝，永留後世東方女性領 導榜樣。

達米恩 赫斯特

H10-1 武則天，皇后系列

2022

水晶壓層仿真彩色版畫印於鋁板 1111/2853

附藝術家親簽之原作保證書

此作品為倫敦 HENI Editions 出版並附原包裝紙箱

"Wu Zetian" belongs to "The Empresses" , a series of five glorious prints carefully composed of butterfly wings that create a kaleidoscope effect and are placed on a flaming red background. Each work has been carefully screen printed with glitter coat which offers that gleaming effect on them. Each Empress from this series is named after five exceptionally influential female rulers: Wu Zetian (624705), Nūr Jahān (1577-1645), Theodora (c. 490-548), Suiko (554-628) and Taytu Betul (1851-1918). Their characters and stories are enhanced by the dominant red tone of the series, which deals with themes such as life, war, power, anger, love, joy and luck. Rife with symbolism and with a six-point star composition at its centre, Wu Zetian is named for the ruthless yet successful Chinese ruler. In 655 CE Wu Zetian (624-705 CE) married Emperor Gaozong and became empress, much to the dismay of many statesmen who she soon eliminated in an infamous reign of terror that she maintained over the innermost circles of government.

Despite the politics and violence within, Wu Zetian proved to be a competent leader, creating stability and consolidating the Tang Dynasty at a time when it appeared to be crumbling.

236 DAMIEN HIRST

( British, b.1965 )

H7-3 Butterfly Heart

70 x 72.7 cm

Laminated Giclée print on aluminum composite panel, 1286/1698

With a certificate of authenticity signed by the artist

This work is published by Heni Editions, London, contained in the original packaging.

NT$ 90,000-120,000

US$ 2,900-3,900

達米恩．赫斯特

H7-3 蝴蝶心 2020

微噴印刷版畫 鋁塑板 1286/1698

附藝術家親簽之原作保證書

此作品為倫敦 HENI Editions 出版 並附原包裝紙箱

達米恩．赫斯特（Damien Hirst）身為 新世代英國藝術家，且具備國際藝術 市場關注及影響力。此件作品是藝術 家創作於 2020 年新型冠狀病毒危機 爆發後影響全球最嚴重的時期，並為 當時英國醫療體系（NHS）對抗新冠 病毒而致敬所創作；使用了象徵希望 的彩虹為語彙，作為感謝與鼓勵各地 堅韌奮鬥的醫院，同時表達歷經風雨 逆境後，就能迎向充滿期待的未來

237 DAMIEN HIRST ( British, b.1965 )

Skull Spin Painting

71 x 51.5 cm

Acrylic and Metallic Paint on Paper Board

Signed on the reverse: Damien Hirst in English

PROVENANCE:

1. Private Collection, Kyiv Ukraine, 2009-2020

2. Now, Private Collection, Taipei, Taiwan, 2020

EXHIBITION:

'' Requiem-Damien Hirst, '' Pinchuk Art Centre, Kyiv Ukraine, 2009

With a certificate of authenticity from Escher Premier gallery

Skull Spin Painting created at Damien Hirst Spin Workshop at the opening of " Damien Hirst Requiem Exhibition" Pinchuk Art Centre on April 25-26th 2009.

NT$ 220,000-300,000 US$ 7,100-9,700

達米恩．赫斯特 顱骨（旋轉畫）

2009 壓克力 金屬漆 紙板 背面簽名：Damien Hirst

來源：

1. 私人收藏，烏克蘭 基輔，2009-2020

2. 現今 私人收藏，台灣 台北，2020

展覽：

「安魂曲 - 達米恩 赫斯特」，Pinchuk 畫廊，

烏克蘭基輔，2009 年

附 Escher Premier 畫廊開立之原作保證書

2009 年 4 月 25 日至 26 日，在 Pinchuk 藝術 中心的「安魂曲」Damien Hirst 展覽開幕式 上，藝術家 Damien Hirst 進行工作坊所現場 創作的骷髏旋轉繪畫。

達米恩．赫斯特（Damien Hirst）自 1980 年代進入當代藝術界，他令評論家既震驚 卻又欣喜若狂。驚訝於達米恩．赫斯特以動物的屍體、鑲鑽的頭骨等充滿爭議性和挑 釁的創作手法，敏銳穿透了藝術、生命、死亡、殘酷、宗教和科學間的思考，甚至直 接觸及觀眾相互形成關係。這使他受到美術館及交易市場的歡迎，作品叫好叫座，不 止擁有了國際影響力，達米恩．赫斯特也榮登最有錢的在世藝術家之一。

此件作品《顱骨（旋轉畫）》（Skull Spin Painting），正是達米恩．赫斯特由代表作 系列的形象「顱骨」作為畫板造型；是代表性象徵、標示著藝術家創作的終極關懷、 也像是成為個人的 LOGO 般，讓人能立即聯想到達米恩．赫斯特與其作品。

旋轉畫系列為達米恩．赫斯特 1990 年代後，極具辨識性的平面系列，利用特製機器 旋轉畫板，在之中噴灑顏料，讓顏料由中心點向外甩出，呈現出放射肌理、這也使多 重色彩搭配仍可以保持自然多變。達米恩．赫斯特曾表示：「我喜歡這台機器，我喜 歡它的運作方式，顏料的軌跡像是暗示著生命。這是原子在我們體內移動的方式，也 是我們所站立的星球運行軌跡，以及太空中所有其他行星圍繞我們移動的方式。每完 成一幅畫，我就迫不及待地想再畫一幅。」。

238

HUANG

BENREI

( Taiwanese, b.1959 )

Flight Attendant Prepare for Landing

61 x 51 cm

Acrylic on Canvas

Signed Benrei H in English and dated 2013

NT$ 450,000-550,000

US$ 14,500-17,700

2013

Benrei H 2013

(

51 x 40.5 cm

Acrylic on Canvas

Signed BR in English and dated 2009

Signed on the reverse: Huang Ben-rei in Chinese, dated 2009, titled in English and Chinese

NT$ 300,000-450,000

US$ 9,700-14,500

240

( Taiwanese, b.1964 )

65 x 79 cm

Oil on Canvas

Signed Liang in English and Chia in Chinese, dated 2012

NT$ 300,000-400,000

US$ 9,700-12,900

梁晉嘉

木碗裡的石榴

2012

油彩 畫布

簽名：Liang' 12 阿嘉

LIANG CHINCHIA

Pomegranate in Wooden Bowl

241

ZAO WOUKI

( Chinese-French, 1921-2013 )

Orchid

Diameter Ø 25cm (2)

Watercolor on Porcelain (2)

Signed Wou-Ki in Chinese and Zao in English, dated 1986 (2)

Edited for the BSN group during its twentieth anniversary in 1986 Workshops Segries Moustiers.

NT$ 70,000-100,000

US$ 2,300-3,200

趙無極

蘭花

1986

水彩 陶瓷 (2)

簽名：無極 ZAO 86 (2)

此二件瓷盤背面為法國知名陶瓷工作室 l' atelier ségriès 製作署款

資料及 BSN 慶祝企業二十周年紀念賀詞。為趙無極 1986 年為慶祝 BSN( 曾是法國玻璃及食品王國 )，成立二十週年 (1966-1986) 所繪 製限量抽象蘭花瓷盤。

242 ZAO WOUKI

( Chinese-French, 1921-2013 )

A La Gloire de L'image et Art Poétique

49.7 x 71.4 cm

Lithograph, HC 11/15

Signed Zao Wou-Ki in English, numbered H.C. 11/15, dated 1976

NT$ 120,000-200,000

US$ 3,900-6,500

趙無極

A La Gloire de L'image et Art Poétique

1976

石刻版畫 HC 版 11/15

簽名：H.C. XI/XV Zao Wou-Ki 76

243 ZAO WOUKI

( Chinese-French, 1921-2013 )

Untitled

57.5 x 46.5 cm

Lithograph, E.A 6/15

Signed Wou Ki in Chinese and ZAO in English, dated 1989, numbered E.A 6/15

ILLUSTRATED:

''ZAO WOU-KI The Graphic Work Catalogue Raisonné,'' Heede&Moestrup, Page 188

Lithograph in colours, on Arches wove paper, 1989, signed, dated and numbered E.A. 1/15 in pencil, an artist's proof aside from the edition of 75, published by Ste'Prints ETC, Paris, with full margins.

NT$ 160,000-220,000

US$ 5,200-7,100

趙無極

無題 1989

石版畫 藝術家自留版 E.A 6/15

簽名：E.A 6/15 無極 ZAO 89

圖錄：

《 ZAO WOU-KI The Graphic Work Catalogue

Raisonné》，Heede&Moestrup，第 188 頁

1. 彩色石版畫印於 Arches 布紋紙。

2. 版數：藝術家自留版 épreuve d'artiste。

3. 由法國巴黎 Ste'Prints ETC 出版（總版數：75）。

244 BERNARD BUFFET

( French, 1928-1999 )

Venice Canal

81.5 x 117 cm

Serigraph Wool Blanket, limited edition of 200

Signed Bernard Buffet in English and dated 1959

NT$ 300,000-400,000

US$ 9,700-12,900

貝納德．畢費

威尼斯運河

1979

絹印羊毛毯 限量 200 件

簽名：Bernard Buffet 59

FOUJITA TSUGUHARU ( Japanese-French, 1886-1968)

Lovers

39 x 29 cm

Lithograph, limited edition of 1000

Watermark: Foujita in English and Tsuguharu in Japanese

PROVENANCE:

'' Foujita 50th Anniversary Exhibition, '' Musée Maillol, Paris, France

EXHIBITION:

''Foujita 50th Anniversary Exhibition,'' Musée Maillol, Paris France, March 7th - July 15th, 2018 (Another version)

Created by Fujita Foundation based on details of his large-scale oil painting. ''Composition au Lion l'' (1928) 300x300 cm. The work is made by Maison Atelier Foujita Consil.

The reproduced work is a tribute to Rodin's Kiss by Fujita Tsuguharu. The male subject is recognized as artist Pablo Picasso. This work is the artist's tribute to the two French masters.

NT$ 40,000-80,000 US$ 1,300-2,600

藤田嗣治 戀人

2018

金箔版畫 限量 1000 版 浮水印：Foujita 嗣治

來源：

「致逝世五十周年藤田嗣治展」巴黎七區馬約爾 美術館，法國巴黎

展覽：

「致逝世五十周年藤田嗣治展」，巴黎七區馬約

爾美術館，法國巴黎，2018 年 3 月 7 日至 7 月 15 日（另一版次）

由藤田嗣治基金會根據大型油畫作品「1 dite Composition au Lion」（1928） 300x300cm 的

細節呈現。Collection Maison Atelier Foujita Consil 製成。原作為藤田嗣治對羅丹《吻》致敬， 圖中男性為畫家畢卡索（Pablo Picasso），本 作品是向兩個法國畫家致敬。

246 FOUJITA TSUGUHARU

( Japanese-French, 1886-1968 )

a. Vierge à l'Enfant

b. Untitled

a. 70 x 53 cm

b. 51.8 x 43.8 cm

a. Lithograph, 55/150

b. Etchings (Print) E.A

a. Signed L.FGU and L.Foujita in English and numbered 55/150

b. Signed Foujita in English and épreuve d' artiste in French

a. PROVENANCE:

1. Private Collection, America

2. Heritage Auction, America

b. PROVENANCE:

1. Private Collection, America

2. Doyle Auction, America

NT$ 60,000-120,000 US$ 1,900-3,900

藤田嗣治

a. 聖母子

b. 無題

a. 1964

a. 石版畫 55/150

b. 蝕刻版畫 E.A

a. 簽名：L.FGU 55/150 L.Foujita

b. 簽名：Foujita épreuve d' artiste

a. 來源：

1. 私人收藏，美國

2. Heritage Auction，美國

b. 來源：

1. 美國私人收藏

2. Doyle Auction，美國

a.

b.

「我做集錦照片，是希望以最寫實、最傳真的攝影工具，融合我國固有畫理， 以一種『善』意的理念，實用的價值，創造出具有『美』的作品。」 ---郎靜山

247 LONG CHINSAN ( Chinese, 1892-1995 )

To Anchor at Eve 24.4 x 35.4 cm

NT$ 100,000-160,000 US$ 3,200-5,200

( 朱文 )

郎靜山一生致力於攝影創作與教育推廣，曾榮獲英國皇家攝影學 會高級會士（FRPS）及美國攝影學會高級會士（FPSA）銜稱，於 1984 年亦獲得艾頓新聞攝影特別獎，後世公推為「亞洲攝影之 父」，揚名世界影壇綻放異彩，跨越世紀。

此《煙江晚泊》暮色蒼茫，晚煙輕繚，遠霧籠罩一片冥濛，天水 相連不辨涯岸；畫面大塊留白滲透出大氣的冷冽，停靠岸邊的船 隻漁火，則是「雲水蒼茫失江路」景色裡的溫暖光亮，濃淡交相 自宜。

Photograph on Gelatin Silver Print With one seal of the artist

248

YOSHIMASA TSUCHIYA ( Japanese, b.1977 )

Chimera

41 x 18 x 30 cm

Resin, limited edition of 188

Trademark YOSHIMASA TSUCHIYA MEGUMI OGITA GALLERY APPortfolio ®

With a certificate of authenticity signed by the artist

NT$ 60,000-90,000

US$ 1,900-2,900

土屋仁応 奇美拉

2022

樹酯 限量 188 版

註冊商標 YOSHIMASA

TSUCHIYA MEGUMI OGITA GALLERY APPortfolio ®

附藝術家親簽之原作保證卡

土屋仁 応 在學生時期學習了傳統佛像的製作技 術，想要傳達佛像般神秘的神態，便學習傳統 佛像採用水晶琉璃來製作眼珠。生物的姿態與 靈性始終是其創作的主題，創作的動物跨越現 世與異界，陶瓷般細膩的木雕及底層帶著粉紅 的乳白色系，像是清透的肌膚底下流動著血液， 有著生命般的木雕作品呈現，比起陶瓷更多了 份溫度。

多半藝術家在創作的過程中總事先做好了計 畫，提前賦予作品使命象徵，對土屋仁応來說， 比起強制決定，讓作品自然發展出它自己的形 體、顏色與姿態，是更理想的狀態。《Chimera》 又譯為《奇美拉》為希臘神話中的神獸，意指

249 SATORU KOIZUMI

( Japanese, b.1983 )

Without Bucket

20 x 16.5 x 30 cm

Red Birch, 38/100

Printed on left foot SATORU KOIZUMI

Printed on right foot APPortfolio ®

With a certificate of authenticity signed by the artist

The work is accompanied by its original wooden box.

NT$ 150,000-240,000

US$ 4,800-7,700

小泉悟 沒有桶子

2020

紅櫸木 38/100

SATORU KOIZUMI （左腳底）

APPortfolio ® （右腳底）

附藝術家親簽之原作保證卡

附原包裝木盒

小泉悟 1983 年生於日本宮崎縣，畢業於沖繩 縣立藝術大學造型藝術研究所，2010 年小泉悟 發表了一系列以孩子為主題的木雕作品而開始 為人所識。其外型療癒可愛、手藝精巧且內涵 深刻對人文省思，且具高度辨識性，因此作品 受到各界追捧，創下多次售罄紀錄。

《沒有桶子》主角是身穿軟萌動物外衣的小孩， 眼神卻帶著些許迷惘與孤獨，在可愛的外表下 藝術家以作品提出疑問：後現代的社會之中， 我們追求著無盡慾望，是否在不知覺間忘卻了 生命中那些單純的感動與雀躍？回首望去，是 否感到少了些什麼？雖然表達形式與材質不 同，但創作內涵上卻與奈良美智有著異曲同工

之妙。木雕材質層層手作質感尤其受人愛戴，

250 BE@RBRICK x JAVIER CALLEJA ( Spanish, b.1971

)

F*CK You BE@RBRICK 1000%

35.5 x 24 x 72 cm

Painted Cast Vinyl Trademark MEDICOM TOY BE@RBRICK

The work is accompanied by its original box.

NT$ 140,000-200,000

US$ 4,500-6,500

BE@RBRICK x 哈維爾．卡勒加

F*CK You BE@RBRICK 1000%

2020

綜合媒材 塑膠

註冊商標 MEDICOM TOY BE@RBRICK

附原廠包裝紙盒

251 BE@RBRICK

a. Andy Warhol Brillo BE@RBRICK 1000%

b. Jean-Michel Basquiat #6 BE@RBRICK 1000%

25 x 32 x 72 cm (2)

Mixed Media, Plastic, limited edition

a. Trademark ©/®/ TM AWF

b. Trademark BE@RBRICK ©Estate of Jean Michel Basquiat Licensed by Artestar, New York and MEDICOM TOY

The work is accompanied by its original box(2).

NT$ 40,000-80,000

US$ 1,300-2,600

BE@RBRICK

a. 安迪沃荷 Brillo 洗衣劑 BE@RBRICK 1000%

b. 尚．米榭．巴斯奇亞 #6 BE@RBRICK 1000%

a. 2021 b. 2020

綜合媒材 塑膠 限量發行 (2)

a. 註冊商標 ©/®/ TM AWF

b. 註冊商標 BE@RBRICK ©Estate of Jean Michel Basquiat Licensed by Artestar, New York（左腳底）MEDICOM TOY（右腳底）

附作品原廠包裝紙盒 (2)

a.

b.

252

KAWS(BRIAN DONNELLY)

( American, b.1974 )

a. Together (Grey)

b. BFF Plush (Pink)

c. BFF (Black)

a. 25.5 x 20 x 13.7 cm

b. 19.5 x 10.4 x 46 cm

c. 14.5 x 7.5 x 33 cm

a. Vinyl, limited release

b. Polyester, edition of 3000

c. Vinyl, limited release

a. Trademark KAWS..18 TOGETHER MEDICOM TOY CHINA

b. Trademark KAWS..

c. Trademark KAWS..17 MEDICOM TOY CHINA

This work is accompanied by it's original packaging (3).

NT$ 40,000-80,000

US$ 1,300-2,600

KAWS 布萊恩．唐納利

a. 在一起（灰）

b. 絨毛 BFF（粉）

c. BFF（黑）

a. 2018

b. 2019

c. 2017

a. 搪膠 限量發行

b. 聚酯纖維 共 3000 件

c. 搪膠 限量發行

a. 註冊商標 KAWS..18 TOGETHER MEDICOM TOY CHINA

b. 註冊商標 KAWS..

c. 註冊商標 KAWS..17 MEDICOM TOY CHINA

附作品原廠包裝 (3)

YUSUKE HANAI ( Japanese, b.1978 )

Coffee and Contemplation

a. 31 x 35.7 x 100 cm

b. 61 x 46 cm

a. Vinyl, 40/100

b. Print, 40/100

a. Trademark FweN CLUB (Bottom of the Cup)

b. Signed Hanai 40/100

With a certificate of authenticity from manufacturer and signed by the artist (2 in 1)

a. The work is accompanied by its original box.

花井祐介 咖啡和沉思

2022

a. 乙烯基塑膠 40/100

b. 版畫 40/100

a. 註冊商標 FweN CLUB ( 杯底 )

b. 簽名：Hanai 40/100

附藝術家親簽原廠保證卡 ( 兩件一張 )

a. 附原包裝紙盒

藝術家花井祐介（Yusuke Hanai）與人氣 影集榜上有名的美國影集《怪奇物語》 （Stranger Things）的聯名雕塑，最主要 是為了慶祝該劇全球萬眾等待已久的第四 季上映。雕塑與版畫的組合皆是影集角色 Jim Hopper 為主題並串聯，還原最原味的 影集情緒氛圍設定作為視覺呈現，富含濃 濃的懸疑感，在主題本身融入了美式漫畫 的幽默畫風。

a. b.

254 MOE NAKAMURA ( Japanese, b.1988 )

First Star

14.5 x 14.5 x 6.5 cm

Polystone, 115/160

Signed on bottom: Nakamura and inscribed to Victory in English, dated 2020

With a certificate of authenticity from manufacturer and signed by the artist

Artist signed and painted in 2020.

NT$ 40,000-100,000

US$ 1,300-3,200

2018

寶麗石粉樹脂 115/160

底部簽名：to Victory Nakamura 2020

附藝術家親簽之原廠保證卡

藝術家 2020 親簽繪畫版

MAYUKA YAMAMOTO

( Japanese, b.1964 )

Little Prince Boy

60 x 45 cm

Screenprint, 40/50

Signed on the reverse: Mayuka in English and numbered 40/50

NT$ 60,000-120,000

US$ 1,900-3,900

著名兒童文學作品《 小王子（Le Petit Prince）》在法國 出版 75 週年之際，各類小王子主題的藝術展在各地舉 辦，多位藝術家以不同的風格與材質，創作繪畫及雕塑 作品，展現對小王子的想法。擅長繪畫小男孩與動物主 題的山本麻友香，筆下主題《小王子》一畫，作品中採 用淺色調主題，與暗色調背景形成強烈對比，配合柔和 圓潤的筆觸，讓人感到溫柔又帶著隱隱的憂傷與不安。 強烈表現了小王子對於未知事物的好奇與困惑，神情難 辨思緒，參雜些許悲傷和鄉愁的複雜內心，依然是藏在 大人們心中那個不被理解的小王子；山本麻友香則呈現 對小王子一經典之作深觸的見解與熱愛。

( Japanese, b. 1969 )

Anytime,

70 x 56.2 cm

Print, 41/300

Signed Mr. in English, dated 2020 and numbered 41/300

Trademark Anytime, Anywhere'' ©2018 Mr./Kaikai Kiki Co., Ltd. All Rights Reserved

NT$ 40,000-80,000

US$ 1,300-2,600

版畫 41/300

簽名：Mr. 2020 41/300

註冊商標 Anytime, Anywhere'' ©2018 Mr./ Kaikai Kiki Co., Ltd. All Rights Reserved

257 MR. (MASAKATSU IWAMOTO)

( Japanese, b. 1969 )

Song that Never Ends

65 x 65 cm

Print, 39/300

Signed Mr. in English, dated 2020 and numbered 39/300

Trademark Song That Never Ends'' ©2012 Mr./Kaikai Kiki Co., Ltd. All Rights Reserved.

NT$ 40,000-80,000

US$ 1,300-2,600

2020

版畫 39/300

簽名：Mr. 2020 39/300

註冊商標 Song That Never Ends''

©2012 Mr./Kaikai Kiki Co., Ltd. All Rights Reserved.

Mr.（岩本正勝） 永無止境的歌曲

MR. (MASAKATSU IWAMOTO)

( Japanese, b.1969 )

a. Marina

b. Marina a Purple Morning

9 x 11 x 27.5 cm (2)

Resin (2)

Trademark ©MR/KK PRC(right sole) Mr.~(left sole) (2)

With a certificate of authenticity signed by the artist (2)

The work is accompanied by its original box. (2)

NT$ 80,000-100,000

US$ 2,600-3,200

Mr.（岩本正勝）

a. Marina

b. Marina a Purple Morning 2022

樹酯 (2)

註冊商標 ©MR/KK PRC( 右腳底 ) Mr.~( 左腳底 ) (2)

附藝術家親簽之原作保證書 (2)

附作品原廠包裝紙盒 (2)

259 MR.DOODLE

( British, b.1994 )

POP Heart, Jellyfish Passion

60 x 60 cm

Screenprint, 192/300

Signed Mr.Doodle in English and dated 2021, numbered 192/300

PROVENANCE:

Pearl Lam Galleries, Hong Kong

With a certificate of authenticity from gallery

This work is published by Pearl Lam Galleries Limited, Hong Kong and Shanghai, contained in the original packaging.

NT$ 100,000-180,000

US$ 3,200-5,800

Mr.Doodle

POP Heart, Jellyfish Passion

2021

絲網印刷版畫 192/300

簽名：MR.DOODLE! 2021 192/300

來源：

Pearl Lam Galleries，香港

附畫廊開立之原作保證書

此作品為香港跟上海的 Pearl Lam Galleries Limited

出版並附原包裝紙箱

260

YOSHITOMO

( Japanese, b.1959 )

Untitled

80 x 20 cm (3)

NARA

Offset Print on Wooden Skateboard Deck (A set of three)

With a certificate of authenticity from THE SKATEROOM store

The work is accompanied by its original packaging

NT$ 20,000-30,000

US$ 600-1,000

2020 印刷於滑板 ( 三件一組 )

附 THE SKATEROOM 開立保證書

261

YOSHITOMO

( Japanese, b.1959 )

Real One

38 x 43 cm

NARA

Offset lithograph (limited release)

Trademark Dallas Contemporary © Yoshitomo Nara

NT$ 30,000-60,000

US$ 1,000-1,900

奈良美智

真實

2021

海報 ( 限量發行 )

註冊商標 Dallas Contemporary © Yoshitomo Nara

262 WALASSE TING

( Chinese-American, 1929-2010 )

Eternity

120 x 160 cm

Lithograph, A.P

Signed Ting in English, dated 1985 and Artist Proof

NT$ 100,000-200,000

US$ 3,200-6,500

丁雄泉

生生不息

1985

石版畫 AP 版

簽名：Artist Proof Ting 85

263 WALASSE TING

( Chinese-American, 1929-2010 )

Fisheries and Flowers

120 x 160 cm

Lithograph, A.P

Signed Ting in English, dated 1990 and Artist Proof

NT$ 100,000-200,000

US$ 3,200-6,500

丁雄泉

1990 石版畫 AP 版

簽名：Artist Proof Ting 90

264 WALASSE TING

( Chinese-American, 1929-2010 )

72 x 101 cm

Lithograph, 2/200

Signed Ting in English, dated 1988 and numbered 2/200

NT$ 60,000-80,000

US$ 1,900-2,600

2/200

2/200 Ting 88

A Small Bouquet

265 NIKKI ( American, b.1996 )

a. Close Eye

b. Right Eye

c. Left Eye

80 x 80 cm (3)

Print, 9/88 (A set of three)

PROVENANCE:

FNG-ART Gallery, Taiwan

With a certificate of authenticity from gallery

NT$ 100,000-220,000 US$ 3,200-7,100

Nikki

a. 閉眼

b. 右眼

c. 左眼

2021

版畫 9/88 ( 三件一組 )

來源： FNG 畫廊，台灣

附畫廊開立之原作保證書

a.

c.

b.

266 LIU

KUOSUNG

( Taiwanese, b.1932 )

Water and Cloud Share the Same Source

65 x 100 cm

Silkscreen Print, 78/100

Signed Liu Kuo Sung in Chinese, dated 2014, Water and Cloud

Share the Same Source in Chinese, numbered 78/100

With

NT$ 100,000-150,000

US$ 3,200-4,800

one seal of the artist

267 CHU WEI BOR

( Taiwanese, 1929-2018 )

Seven Chickens

115 x 55 cm

Woodcut Print, 18/30

Signed Wei-Bor Chu in English and Chinese, titled in Chinese, dated 1970, numbered 18/30

PROVENANCE:

Moon Gallery, Taichung Taiwan

EXHIBITION:

'' Black and White - Zhu Weibai's Printmaking Solo Exhibition,'' Moon Gallery, Taichung Taiwan, June 9July 8, 2012

NT$ 60,000-80,000 US$ 1,900-2,600

朱為白

七雞圖 1970

木刻版畫 18/30

簽名：七雞圖 18/30 WEI BOR CHU 為白 1970

來源：

月臨畫廊，台灣 台中

展覽：

「黑與白 - 朱為白版畫個展」，月臨畫廊，台灣台

中，2012 年 6 月 9 日至 7 月 8 日

268

MAYUKA YAMAMOTO

( Japanese, b.1964 )

Pink Monster

17 x 10 x 29 cm

Polystone, limited edition of 120

Signed Mayuka in English

Trademark ©MAYUKA YAMAMOTO 2021 ©GALLERY

TSUBAKI 2021

With a certificate of authenticity signed by the artist

The work is accompanied by its original box.

NT$ 70,000-90,000

US$ 2,300-2,900

山本麻友香

粉紅怪獸

2021

寶麗石粉樹脂 限量 120 版

簽名：Mayuka

註冊商標 ©MAYUKA YAMAMOTO 2021 ©GALLERY

TSUBAKI 2021

附藝術家親簽之原作保證卡

附作品原包裝紙盒

擅長繪畫小男孩與動物主題的山本麻友香，筆下的 男孩總是帶著純真可愛，卻又夾雜著纖細憂鬱的情 緒，從畫作到雕塑，同樣讓人從作品中細細品味， 讓人感受溫柔又帶著隱隱的憂傷與不安。帶著可愛 野獸頭套，像是想要隱藏自己那抹神情難辨思緒的 眼神，參雜些許悲傷和鄉愁的複雜內心，宛如野獸 頭套想要表示出安寧平和，面具下卻又是流露出膽 怯及試探，同樣能在雕塑作品中體悟到男孩纖細又 複雜的情緒。

( Japanese, b.1984 )

135 x 248.5 cm

Parisian Rug, limited edition of 3

NT$ 110,000-190,000

US$ 3,500-6,100

270

TAKASHI MURAKAMI

( Japanese, b.1962 )

Thoughts on Matisse

Diameter Ø 71 cm

Offset Lithograph, 197/300

Signed M in English, numbered 197/300

NT$ 50,000-80,000

US$ 1,600-2,600

村上隆

對馬諦斯思考

膠印版畫 197/300

簽名：M 197/300

271

TAKASHI MURAKAMI

( Japanese, b.1962 )

Mr. Dobtopus A&B

a. 21.5 x 31 x 25.5 cm

b. 27 x 34 x 27.5 cm

a. PVC, limited edition of 400

b. PVC, limited edition of 800

The work is accompanied by its original box (2).

NT$ 100,000-250,000

US$ 3,200-8,100

村上隆

Mr. Dobtopus A 與 B

2017 - 2018

a. PVC 限量 400 版

b. PVC 限量 800 版

附作品原廠包裝紙盒 (2)

YUSUKE HANAI

( Japanese, b.1978 )

Facing the Current

13 x 31 x 23 cm

Polyurethane, Stainless Steel 363/500

Signed on the bottom: YUSUKE HANAi 363/500

With a certificate of authenticity

The work is accompanied by its original wooden box.

NT$ 80,000-120,000

US$ 2,600-3,900

花井祐介

迎浪當下

2021

乙烯基塑膠 不鏽鋼 363/500

底部簽名：YUSUKE HANAi 363/500

附原廠保證卡

附原包裝木盒

花井祐介（Yusuke Hanai）的作品中時常出現 與海相關的元素或是主題，源於作者對衝浪 的熱愛，有感於面對海洋的廣闊、深層，當 中有著許多直接反應環境與人類於城市生活 的有趣呼應。Current 能解釋作「風浪」亦是 「現況」，呈現個體心境在面對不同海況變 化或是生活起伏時的處境，在這世代人們又 該厭世的面對現況亦或是積極力爭上游呢？

YUSUKE HANAI

( Japanese, b.1978 )

Rain Figure

14 x 22 x 39 cm Polyurethane, Stainless Steel, 058/500 Signed on the bottom: YUSUKE HANAi 058/500

With a certificate of authenticity

The work is accompanied by its original wooden box.

NT$ 60,000-100,000

花井祐介

雨 2022

乙烯基塑膠 不鏽鋼 58/500

底部簽名：YUSUKE HANAi 058/500

附原廠保證卡

附原包裝木盒

一直以來，花井祐介（Yusuke Hanai）的作 品都能感受出主題呈現貼近生活、很寫實 的日常情感，《雨 Rain Figure》中能依照觀 賞者們自身的心理狀態而對作品有不同的理 解，藉由此作品所傳達之意象「陰雨襲來只 是一種心情、沒有不會停的雨」，進而從中 找出與作品獨有的共鳴。

274 YUSUKE HANAI

( Japanese, b.1978 )

a. Facing the Current Poster

b. Friends

c. BE@RBRICK x Yusuke Hanai 400%

a. 63 x 75 cm

b. 82 x 20 x 2 cm

c. 9 x 14 x 28 cm

a. Poster

b. Offset Print on Wooden Skateboard Deck

c. Plastic, limited edition

a. The work is accompanied by its original box.

c. The work is accompanied by its original box.

NT$ 40,000-80,000

US$ 1,300-2,600

花井祐介

a. Facing the Current 海報

b. 朋友們

c. BE@RBRICK x 花井祐介 400%

a. 2021

b. 2022

c. 2021

a. 海報

b. 滑板

c. 塑膠，限量發行

a. 附原包裝紙盒

c. 附原包裝紙盒

a.

b.c.

LY ( Japanese, b.1981 )

Waiting for Luv

27 x 27 x 33 cm

Poly Resin, 110/300

Signed on the bottom: LY in English, dated 2021, numbered 110/300

With a certificate of authenticity signed by the artist

The work is accompanied by its original wooden box.

NT$ 100,000-200,000

US$ 3,200-6,500

LY

Waiting for Luv 2021

寶麗樹酯 110/300

底部簽名：LY 2021 110/300

附藝術家親簽之原作保證書

附原廠包裝木盒

276 HUANG MINGCHE

( Taiwanese, b.1948 )

Fruit Plate

55 x 58 x 14 cm

Baked Enamel on Aluminum Alloy, 41/300

Engraved on the reverse: Che in Chinese, HUANG MING-CHE in English, dated 2003 and numbered 300-041

With a certificate of authenticity signed by the artist

The work is accompanied by its original box.

NT$ 80,000-160,000

US$ 2,600-5,200

黃銘哲

水果盤

2003

鋼板烤漆 鋁合金 41/300

背面雕刻簽名：哲 HUANG MING-CHE 2003-300-041

附藝術家親簽之原作保證書

附作品原廠包裝盒

( 側視圖 )

「《叢林》是我進一步將2001年《夜生活》場景拉回到大都會叢林中，進入到你我所熟知的 環境之中，直接面對燈火昏黃下所隱藏的騷動與不安。」 ---李小鏡

277

DANIEL LEE

( Chinese, b.1945 )

Jungle

40.5 x 101.5 cm

Ink-jet on Paper, 68/75

Signed Daniel Lee in English, dated 2007, number 68/75

With a certificate of authenticity from gallery

NT$ 60,000-80,000

US$ 1,900-2,600

李小鏡

叢林

2007

影像輸出 68/75

簽名：Daniel Lee' 07 68/75

附畫廊開立之原作保證書

李小鏡的數位影像作品首先以相機將人物拍成肖 像，再把圖像輸入電腦，將人們的形象姿態轉化 成半人半獸的造型。「叢林系列」畫面多以原始 生態為大場景，內容描繪一齣齣人們正在上演「看 似文明建構有序，實而暗藏荒誕野蠻」為主題， 連接人類與動物弱肉強食本能，呼應著社會關係 的互動。

李小鏡曾自述：「 當太陽西沉時，總會喚醒另一

族群生命的狂野生活。夜色中，顯現出有虎視眈 眈的肉食動物，也有弱小無助的受害者…等等。

而叢林就是以當今都市中，一些族群在沉迷於大 都會叢林中，所顯露出他們的野性。」

( Russian-French, 1887-1985 )

Nu de Vence

55 x 65.5 cm

Lithograph, H.C

Signed Marc Chagall in English, and version HC.

NT$ 70,000-120,000

US$ 2,300-3,900

1962

石版畫 HC 版

簽名：HC. Marc Chagall

278 MARC CHAGALL

馬克．夏卡爾 普羅旺斯的裸體

279 MARC CHAGALL

( Russian-French, 1887-1985 )

L'Artiste et Thèmes bibliques

37.5 x 57.5 cm

Lithograph, H.C

Signed Marc Chagall and inscribed artist's proof in French

NT$ 70,000-120,000

US$ 2,300-3,900

1974

石版畫 HC 版

簽名：Epreuve d'artiste Marc Chagall

馬克．夏卡爾 藝術家和聖經

280

(

Miami

33 x 48.3 cm

Signed Matt Gondek in English

NT$ 20,000-30,000

US$ 600-1,000

麥特．剛迪克

邁阿密頑皮豹

2017

薩默塞特天鵝絨美術紙上印刷

簽名：Matt Gondek

MATT GONDEK

American, b.1982 )

Panther

Print on Somerset Velvet Fine Art Paper

費利佩．潘通

集成系統 P #01

2020

紫外線油墨 印於 Fabriano Rosaspina

紙材 67/300

畫背簽名：F.Pantone 67/300

附藝術家親簽之原作保證書

此作品生產於西班牙

費利佩．潘通 (Felipe Pantone) 從開始塗鴉到以 手寫草書明聞名，於 2006 年開始在畫廊展出， 而後作品發展數位技術手法，並運用觀念液化 為視覺形式，出現在世界各地的建築物、牆 壁 等戶外環境、甚至以網路媒體作為材料， 與時俱進的發展系列創作。如此作品《集成系 統 P#01》(Integration System P #01) 通過減色 幾何構圖搭配軟件 ColorCoordinatesTM 配置 器，混合產生 5642 種組合的色彩代碼。變化

之細微使肉眼需要長時間處理，詮釋現代的數 位技術對色彩的絕對、精準，同時系統也試圖 運算出人類尚未得知的可見色。

282

DANIEL ARSHAM

( American, b.1980 )

Crystalized Charizard Card (Pink)

30.5 x 22 x 4 cm

Cast Resin and Aluminum Oxide, 218/500

The work is accompanied by its original box.

NT$ 50,000-80,000

US$ 1,600-2,600

丹尼爾．阿爾軒

2020

鑄造樹脂 氧化鋁 218/500

283

TAKERU AMANO

( Japanese, b.1977 )

Astro Girl

15.5 x 20 x 30 cm

Ceramics, 107/150

Engraved AMANO in English

With a certificate of authenticity signed by the artist

The work is accompanied by its original wooden box

NT$ 20,000-40,000

US$ 600-1,300

天野健

宇宙女孩

2020

陶瓷 107/150

雕刻簽名：

附藝術家親簽之原作保證書

附原廠包裝木盒

284 ALEX FACE (PATCHARAPOL TANGRUEN)

( Thailand, b.1981 )

a. Lightening Cat

b. Thunder Cat

c. Storm Cat

21 x 10.5 x 15 cm (3) Polystone (A set of three)

a. Signed Alex Face in English

b. Signed Alex Face in English

With a certification card issued from MIGHTY JAXX (3)

This following works are part of a limited edition set, and are accompanied by it's original toy box (3).

NT$ 50,000-80,000

US$ 1,600-2,600

帕查拉波爾‧唐魯恩

a. 閃電貓

b. 霹靂貓

c. 風暴貓

a. 2019

b. 2019

c. 2020

寶麗石粉樹脂 ( 三件一組 )

簽名：

a. Alex Face

b. Alex Face

附 MIGHTY JAXX 原廠保證卡 (3)

此三件組作品為限量發行，並附作品原廠包裝紙盒 (3)

285

YOSHITOSHI KANEMAKI ( Japanese, b.1972 )

Caprice Figurative 01

17.8 x 16.5 x 33.7 cm (2)

Resin, 97/120 (A set of two)

With a certificate of authenticity signed by the artist (2)

The work is accompanied by its original box (2).

NT$ 110,000-260,000

金卷芳俊

人物隨想 01

2020 (2)

樹酯 97/120 ( 兩件一組 )

附藝術家親簽之原作保證卡 (2)

附作品原廠包裝紙盒 (2)

客戶服務‧Zhong Cheng Services

客戶服務

本公司除在拍賣前提供物件評估服務外，我們亦提供下 列服務項目：

藝術品委託競投

我們可為您提供於世界各地舉行之拍賣會進行藝術品 競投，並提供出售拍賣品的專業建議。

藝術品仲介 我們提供專業的藝術品仲介、藝術諮詢與投資建議。

藝術品鑑價 我們提供鑑價服務，作為保險、稅務、產權規劃、慈 善捐獻與抵押借貸參考。

稅務諮詢 我們可為您提供有關處理藝術品與其他收藏品稅務相 關資訊與建議。

藝術品質借貸

我們可協助為您的收藏品進行鑑價，並將其作為擔保 進行借貸。

藝術拍賣市場資訊

我們提供最新藝術拍賣市場資訊。

買家應繳之營業稅

依據中華民國法律規定，凡進口藝術品由買方在台取貨者，

買方需繳交「落槌價」百分之五的(加值)營業稅。此等進口 藝術品(目錄內有＊符號之編號者)，若係於中華民國境外交 付買方，買方無須支付營業稅。 買方若欲於中華民國境 外取貨，應於拍賣日後兩個工作天內以書面通知本公司。

Customer Services

We offer professional service for art appraisal before auctions. Our other services include:

Bidding Service

We could assist you to bid on the auctions worldwide and make suggestion for the sales of your collections.

Private Sales & Auction Information

We conduct private art sales and provide investment advice. In addition, we also provide the latest information of global art market.

Appraisal Service

We provide appraisals to suit a variety of needs, including insurance, taxation, estate planning, charitable contribution and collateral loan purposes.

Tax Consultation

We may provide tax consultation on your collections.

Loan Service

We may assist you to capitalize on your collection with an art loan by using your fine ad decorative art or other valuable as collateral. We may issue funds with the ownership and a valuation by our recognition.

Sales Tax Payable by the Buyer

The Buyer shall pay for (value added) sales tax in the amount of 5 % of the Hammer Price with respect to imported works of art collected by the Buyer in Taiwan pursuant to the law of the ROC. The Buyer is not required to pay for sales tax if such imported works of art ( with* marks by the number in the catalogue) are delivered to the buyer outside the R.O.C. and are handled by Zhong Cheng in writing within two working days following the auction day if he desires to collect the items auctioned outside the R.O.C.

落槌價)之6%作為財產交易所得併入年所得中申報綜合所 得稅。

d. 委託者如為不符合上述之外籍人士，本公司將依法代 扣落槌價或委託底價 ( 如委託底價高於落槌價 ) 之 3% 。

作為拍出後之所得稅，由本公司代為申報並繳交稅捐單 位。如稅捐單位調整稅率，本公司得根據新訂稅率計算 稅款並代扣及申報。

2.電氣及機械部件 拍賣品如含有任何電氣或機械部件，賣家須負責確保此 等部件處於安全操作狀況。賣家須全部償還本公司一切 因賣家違反上述保證及擔保而引起之損害、索價、費用 或開支。

另有特殊附加條件對此等項目適用，有關條件可向本公 司索取。

Ⅲ 本規定所用詞彙之意義

在下列規定中，某些常用詞彙需加以解釋。此等詞彙如 下：

1.「買家」：指本拍賣公司所接受之出價最高者。

2. 「落槌價」：指本拍賣公司就一拍賣品而接受之最高 出價之價款。

3. 「買家支付之服務費」：指買家按落槌價之某一百分 比而支付之費用。

4.「底價」：指本公司與賣家協定之最低價格。

5. 「膺品」：指拍賣品構成模仿，模仿之原構想及其整 體執行均具有欺詐意圖，就拍賣品作者、來歷、年代、 時期、文化或來源進行欺騙，而對此等事項之正確描述 並未在目錄之描述上反映出來，而拍賣品在拍賣當日之 價值，遠低於按照目錄之描述所應有之價值。按此定 義，任何拍賣品均不會因為有任何損壞及/或任何形式之 修整（包括重新上漆）而成為膺品。

Ⅳ 買家與賣家均適用之條件

1.智慧財產權 與拍賣品有關之一切影像、圖示與書面材料之相關智慧 財產權 ( 包括但不限於著作權、專利等 ) ，於任何時候均 屬於本公司之財產及所有。未得本公司事先書面同意， 賣家、買家或任何人均不得使用。

2.通知

a. 根據本交易條款發出之通知，均須以書面發出。如採 用郵遞發出，則在付郵後第二個工作天，即視為收件人 已合法收受；如收件人在海外，則為付郵寄出後第五個 工作天，視為收件人已合法收受。

b. 本公司根據本業務規則、委託授權書或買家所提供之 聯絡資料對賣家或買家發出之通知，凡已依據委託授權 書後附或買家所提供資料上所載的地址、電子郵件地址 或傳真號碼統稱「聯絡方式」)以書面發出該通知者，均 視為該通知已有效發出。若賣家或買家之聯絡方式有變 更時，應立即以書面通知本公司。

3.可分割性

a. 如本業務規則有任何部份遭任何法院認定為無效、不 合法或不可強制執行，則該部分可不予理會，而本業務 規則之其他條款仍繼續有效及可強制執行。

b. 本業務規則第二條買家條款項下之各條款，專屬適用 本公司與買家間法律關係，賣家不得主張適用。本業務 規則第三條賣家條款項下之各條款，專屬適用於本公司 與賣家間法律關係，買家不得主張適用。

4. 本業務規則同時存在中文及英文版本，如二版本內容 有所歧異，應以中文版條文為準。

5. 本業務規則得隨時由本公司修改，買方及賣方均同意 遵守修改後之業務規則。

6.法律及管轄權 本交易條款依據中華民國法律規限，本交易條款之解釋 與效力均適用台灣法律。為本公司之利益而言，賣家與 買家須服從台灣法院之排他性管轄權。

I.The Buyer

■ Agent

The following provisions are entered into by and between Zhong Cheng Auctions (hereinafter referred to collectively as “the Company”), as the auctioneer, and the Seller (hereinafter the “Seller”). The Agreement is also entered into by and between the Company as the agent of the Seller and the Buyer (hereinafter the “Buyer”). Both the Buyer and the Seller shall review and accept all provisions hereunder.

■ At the auction

A. Sales Tax Payable by the Buyer

The Company, as the auctioning party, shall act as the agent of the Seller. Except otherwise provided, items successfully sold in the auction held by the Company shall be bound by the agreement made and between the Seller, through the agency of the Company, and the Buyer.

■ Before the auction

A. Authentication

We strongly recommend that the prospective buyers conduct their own authentication for the items they are interested in bidding prior to the auction. we provide no guarantees to the buyer including but without limitations whether the Lot is a counterfeit or the authentication of the Lot’s certificates.

B. Important Notice

The descriptions of auction items will mention obvious defects of the items as much as possible; however, they do not necessarily include all flaws, defects, or incomplete aspects. The Company does not guarantee that the Lots on auction are in good working condition and the description in the catalogue must not be construed as implying such. The description of the auction items also do not imply that the items have not gone through readjustment or repair or allude anything about the current state or storage conditions of the items. Any omission in the catalogue description regarding the current condition or the appraisal of defects in the items by no means represent that those items are in good condition, function normally, or that there will be any free repair or replacement of parts. We strongly recommend the Prospective Buyers to personally view the items for which they plan to bid before the auction itself. If a Prospective Buyer is unable to view an item for whatever reason, then in our role as a service provider, we would be more than happy to offer our opinion of an item’s special characteristics and current condition. However, the Company is not a professional restorer of the Lots; therefore, any description in the catalogue or any statement provided by the Company is purely the Company’s subjective opinion and not a statement of face, not for representations or warranties.

C. Symbol Key

The following key explains the symbol you may see inside the small catalogue.

ｏGuaranteed Property

The Seller of the Lots with this symbol next to the Lot number has been guaranteed a minimum price from one auction or a series of auctions. This guarantee may be provided by the Company, by a third party or jointly by the Company and a third party. A guarantee may be in the form of an irrevocable bid provided by a third party. Third parties providing or participating in guarantee may benefit financially if a guaranteed Lot is sold successfully and may incur a loss if the sale is not successful. If third parties providing or participating in a guarantee is the successful bidder for the guaranteed Lot, they should be required to pay the full Buyer’s Premium.

D. Catalogue Explanations

Any statement of the author, history, date, year, size, material, ownership, authenticity, origin, condition of preservation or estimated selling price of any of the Lots and conditional reports or certificates thereof shown in the catalogue or the authentication opinion made by the Company, or any other verbal or written statements made separately shall be solely statements of opinions and shall not be deemed the basis for the statements of actual fact. The photographs shown in the catalogue shall serve as reference only and shall not be deemed as the basis for determining the color or tone of any Lot or disclosure of the defects of such item. The estimates of the auction price shall not be deemed the price at which such item will be successfully sold or the statement of the value of the item for other purposes. Many auction items fail to maintain their perfect condition because of time and other environmental factors. Some of the explanations in the catalogue or the authentication opinions will state defects and/or the repair background of the Lots. Such information is meant for reference only. Missing information in the statements does not mean the Lot has no defects or has not been repaired. Any statement of one particular defect does not mean there is no any other defect.

E. Responsibility of the Buyer

The Buyer is responsible for clarifying and satisfying him/herself about the condition of the items and any related matters stated in the catalogue descriptions and making his/her own judgments or estimation independently regarding the Lot.

The Buyer shall pay (value added) sales tax in the amount of 5% of the Hammer Price with respect to imported works of art collected by the Buyer in Taiwan pursuant to the laws of the R.O.C. The Buyer is not required to pay sales tax if such imported works of art (with * marks by the number in the catalogue) are delivered to the Buyer outside the R.O.C. and are handled by The Company for the relevant shipments. The Buyer shall notify The Company in writing within two business days following the auction day if he desires to collect the items auctioned outside the R.O.C.

B. Estimates

The prices in US dollars or other currencies reproduced in the auction and this catalogue are for reference only. The Buyer is requested to pay by New Taiwan dollars or other foreign currencies in its equivalency based on the exchange rate of the payment day.

C. Refusal of Admission

The auction is held at the premises of the Company or any location where the Company has control of the auction. The Company has full discretion, to exercise the right to refuse entry to the premises for the auction or to prevent participation in the auction.

D. Registration Before Bidding

A Prospective buyer must fill in and sign the registration forms prior to the bidding and provide personal identification. Prospective buyers should also note that the Company may be requested to conduct credit checks against buyers.

E. The Bidder is the Buyer

Unless a written agreement has been made upon registration that the bidder will be the agent who acts on behalf of a third person and such third person is accepted by the Company, the bidder will be deemed as the Buyer who will bear individual legal responsibilities.

F. Absentee Bids

The Company will make reasonable effort to bid for the prospective buyers who instruct us to bid on their behalf by using the form attached the catalogue. Written bids form should be delivered to the Company prior to the auction. If we receive written bids on a particular lot for identical amounts, and the auction these are the highest bids on the lot, it will be sold to the person whose written bid was received and accepted first. Execution of written bids is a free service undertaken subject to other commitments at the time of the sale and we do not accept liability for failing to execute a written bid or for errors and omissions in connection with it. The prospective Buyer should attend the auction in person if they wish to ensure a successful bid.

G. Telephone Bids

The Company will make reasonable efforts to contact the bidder so he/she may participate in the auction by phone if the prospective buyer should request such arrangements prior to the auction. However, the Company will bear no responsibilities to the Seller or any prospective buyer if no contact is made or any failure to participate in the auction by phone under any circumstances.

H. Currency Conversion Board

The currency converter board will be utilized at the auction. The currency conversion board is not absolutely reliable and it is for reference only. The auction will be conducted in New Taiwanese dollars. Errors may occur in the operation of the currency converter board and we do not accept liability to bidders who follow the currency converter rather than the actual bidding in the saleroom.

I. Video or Digital Images

There will be an exchange rate conversion board operating at some auctions. Nonetheless, the auction will still be conducted in NT dollars. The exchange rate conversion board is not absolutely reliable and for the reference only. The accuracy of either the Lot numbering shown on the board or the equivalent of the bid price in any foreign currency is not within the control of the Company. The Company will not be responsible for any losses caused by the reliance of the Buyer on the exchange rate conversion board.

J.

Auctioneer’s Discretion

The auctioneer reserves the absolute right to reject any bid, push for bids at his own discretion, withdraw any auction items, separate or combine two or more auction items, and if there is any error or dispute, re-auction the items.

K.

Successful Bids and Risk Transfer

Under the discretion of the auctioneer, the highest bidder accepted by the auctioneer will be the buyer and the striking of his hammer means the acceptance of the highest bid and the conclusion of a contract for sale between the seller and the buyer. Risk and responsibility for the lot but not its title (including frames or glass where relevant) passed to the buyer at the expiration of seven working days from the date of the sale or on collection by the buyer if earlier.

■ After the auction

A. Buyer’s Premium

The Buyer shall pay the hammer price plus the buyer’s premium to the Company and any applicable taxes. For hammer price below NT$20,000,000 (included), the buyer’s premium shall be calculated at 20% of the hammer price. For hammer price higher than NT$20,000,000, the first NT$20,000,000 should be calculated at 20%, and the rest of amount shall be 12%.

B. Taxes

All the payments payable by the Buyer to the Company do not include any commodity or service taxes or any other value added taxes (whether imposed by the R.O.C. government or elsewhere). The Buyer shall be responsible for paying any applicable taxes as required by the law.

C. Payment

(1) The Buyer should provide his name and permanent address to the Company upon the successful bid. Relevant bank information, including but without limitations the payment account, should also be provided upon request. All payments due (including the hammer price, buyer’s premium and any applicable taxes) shall be paid within 7 days after the auction. The aforesaid provision also applies if the Buyer intends to export the Lot and (may) need the export permit. If the Buyer fails to pay to the Company all the payments due, the Buyer will not acquire the ownership of the Lot even if the Company has delivered such item to the Buyer. If the payment is made other than NT dollars, the buyer shall pay the related expense incurred, including bank charges and foreign exchange service fees.

(2) If the Buyer fails to pay to the Company all the payments due, the Buyer will not acquire the ownership of the Lot even if the Company has delivered such item to the Buyer. If the payment to the Company are made in any currency other than NT dollars, the Company will collect from the Buyer any foreign exchange expense incurred therefrom, including bank charges and foreign exchange The Buyer’s Premiums. The exchange rate of the payments to the Company in any currency other than NT dollars should be the exchange rate by the Company on the auction date and should be based on the certificates issued to such exchange rate.

(3) It is Zhong Cheng’s policy to request any new clients or purchasers preferring to make a cash payment to provide proof of identity (by providing some form of government issued identification containing a photograph, such as a passport, identity card or driver’s license) and confirmation of permanent address. Thank you for your cooperation.

(4) Cheques and drafts should be made payable to Zhong Cheng’s. Although personal and company cheques drawn in NT dollars on Taiwan Cooperative Bank is accepted, you are advised that property will not be released until such cheques have cleared unless you have a pre-arranged Cheque Acceptance Facility. Forms to facilitate this are available from the Finance Department in Zhong Cheng. Bank transfers should be made to:

TAIWAN COOPERATIVE BANK. FU HSIN BRANCH

Swift No. : TACBTWTP091

Beneficiary name: ZHONG CHENG AUCTIONS CO., LTD.

Beneficiary account number (13 digits):

0914 665 003801

* Please include your name and invoice number with your instructions to your bank.

D. Storage Storage and handling charge may apply.

E. Collection, Packing and Shipping

Unless otherwise agreed by the Company, the Company will hold temporarily the successfully sold Lots until all payments to the Company are made in full. The Lot will be covered by the insurance of the Company from the auction date for 7 days during the temporary holding period. The insurance coverage will terminate upon collection of such item. The Buyer should be responsible for all risks following expiration of the said 7-day period or the collection (whichever is the earlier). The Company will provide shipping company upon the buyer’s request and do not accept any liability if any damage occurred by the shipping company.

F. Remedies for Non-Payment or Non-Collection of Purchases

The Company is entitled to exercise one or more of the following rights or remedies if the Buyer fails to make payment within 7 days:

(1) An interest at the annual rate of no higher than 10% plus the base interest rate of Bank of Taiwan will be imposed on all of the payment due if payment is not made within 7 days following the auction date. Beides, we have the right of charging also 1% selling price (including of harmmer price and the commission) multiplied by the numbered of delayed days as fine for the default. The payment to be made by the Buyer may offset any payment owed by the

Company or its subsidiaries to the Buyer for any other transactions upon the Company's sole decision.

(2) The Company reserves the right to refuse the Buyer to make on behalf of others, bids in any future auctions and/or to require a deposit from the Buyer before accepting any future bids made by the Buyer. If the Buyer fails to make payment within 35 days, the Company is entitled to exercise the following rights in addition to the aforementioned:

(3) To take legal action to the Buyer on behalf of the Seller to claim the entire payment due and the legal fees resulting from such legal action based on a total claim.

(4) To cancel the transaction of Lots bid by the Buyer or any other auction items sold to the Buyer at the same or any other auctions.

(5) To arrange a public or private re-sale of the Lot. If the reselling price is lower than the payment, the differences and other expenses incurred shall be responsible by the Buyer.

G. No Collection of the Purchases

The Company will arrange for the storage of the Lot if such item sold is not collected within 7 days of the item, regardless payment is made or not. Such storage cost will be borne by the Buyer.

H. Export Permit

Unless otherwise agreed by the Company in written, the process of applying the export permit does not affect the Buyer’s responsibility to make the payments within 7 days. If the Buyer requests the Company to apply the export permit on his or her behalf, the Company is entitled to charge the related expenses.

■ The legal responsibility of the Company

The Company is responsible for returning payment to the Buyer pursuant to Article 6. Otherwise, whether the Buyer, the Company, any employees or agents of the Company will not be held liable for any statements of the author, history, date, year, ownership, authenticity or origin of any auction item or any errors with respect to any explanations and any flaws or defects of any auction item. The Buyer, the Company the employees or the agents of the Company make no guarantee with respect to any auction items. Any warrantee of any kind shall not be included herein.

■ Return of payments for forgery

The transaction will be cancelled and payments made before remit to the Seller will be returned to the Buyer if the Lot of the Company is confirmed to be a counterfeit by the professional appraisal party agreed and recognized by the Company in writing. However, if:

A. The catalogue explanations or the notice at the auction distributed on the auction day corresponds to the opinions generally accepted by the academic or professional fields or explicitly indicates it conflicts with the opinions generally accepted by the academic or professional fields; or

B. The method used to prove that the Lot is a counterfeit is a scientific procedure not generally accepted for use before the publication of a catalogue or a procedure unreasonably expansive on the day of the auction, or impractical, or may cause damage to the Lot; the Company is not liable for the return of any payment under any circumstances. In addition, the Buyer’s payment can only be refunded when the following terms are met:

(1) The Buyer must notify the Company in writing within 10 days following the auction day that he/she considers the relevant auction item a counterfeit. The Buyer must return the Lot to the Company within 14 days following the said notice and the condition of the item must be the same as on the auction day and without damage.

(2) Upon returning the Lot, the Buyer must present evidence as soon as possible to convince the Company that the Lot is a counterfeit (The Company has the final and sole discretion and decision and such decision shall not be objected in this regard). The Buyer may also assign the good ownership of the Lot to the Company, which shall not concern and third party claim. Under no circumstances is it necessary for the Company to pay the Buyer an amount more than what the Buyer pays in connection with the Lot and the Buyer can not claim interests.

The interests of the warrantee cannot be assigned and belong solely to the Buyer who received the original invoice on which such Buyer’s name is recorded from the Company when the Lot is sold. Such buyers shall remain the owner of the auction Lot and cannot assign any interest of the Lot to any other person. The Company is entitled to ascertain that the Lot is not a counterfeit based on a scientific procedure or any other procedure, regardless of whether such procedure is being used on the day of the auction. If the result of appraising and verifying whether the Lot is a counterfeit by the Company conflicts with the evidence provided by the Buyer, the Company’s said result shall prevail over the evidence provided by the Buyer.

II. The Seller

■ Zhong Cheng as the agent

The Company acts as the agent of the Seller at a public auction. The Closing Agreement of the Lots is the agreement by and between the Buyer and the Seller.

■ Expenses

The Seller shall bear costs relating to the following:

a. Packing if the Lot and shipping to the Company for the action

b. Any applicable shipping insurance

c. The packaging and shipping if the item is delivered back to the Seller.

d. Insured under the Company art relic insurance policy (explained in detail later) indicate cohere (we point below)

e. Any applicable custom duties

f. Catalogue illustrations

g. Any repairs made to the Lot as per prior agreement with the Seller

h. Framing and mounting

i.Authentication made by independent professionals which the Company believes to be necessary in preparing the catalogue explanations.

j. Any independent professional opinions which the Company deems proper.

k. Collect 50% of the insured amount as part of the general expenses of the Company in the event the Lot is not successfully auctioned

l. The storage of the Lot after the auction (if applicable)

m. The administration cost of the Company reaches 10% of all the expenses incurred as a result of client services provided.

n. Any marketing and promotional expenses

■ Insurance coverage to be arranged by the Company

a. Unless otherwise agreed by the Company, the Lot will be automatically insured under the Company art relic policy in the amount as deemed appropriate by the Company undertakes to be successfully during the auction.

b. The Company will collect 1% of the hammer price from the seller or 1% of the reserve price if the Lot is not successfully auctioned. If the shipping is arranged by the Company, an additional amount will be collected by the Company from the Seller as the shipping insurance. Such amount varies depending on the individual condition of each auction item. The Company will refer a freight forwarder any legal responsible for any legal responsibilities incurred therefrom.

c. The Lot will remain insured up to 7 days after the sale. If the Lot has not been sold, it will be at the Seller’s risk upon the expiry of 7 days.

d. We are unable to accept responsibility for damage caused by woodworm or changes in atmospheric conditions or weather.

4. No Insurance Purchased by the Seller and Risk Transfer

If the Seller instructs the Company specifically that it is unnecessary to purchase insurance for the Lot, the risks shall be borne entirely by the Seller until the Buyer makes all the payments and the Lot is delivered to the Buyer. The Seller must indemnify the Company, the employees and agents of the Company and the Buyer (if applicable) any claims in connection with the auction against the Company, the employees and agents of the Company and the Buyer, regardless of the cause of such claim without any conditions.

■ Commitments made by the Seller with respect to the Lot

a. The Seller is the only owner of the Lot and has the unlimited right to assign his ownership to the Buyer which should not concern any third party right or claim (including copyright claims).

b. The Seller complies with all the laws in connection with the import and export of auction items and any other laws and has notified the Company in writing any failure to comply with such rules in the past.

c. The Seller has notified the Company in writing of any major modifications in the Lot to the best of his knowledge and any concern the third party has raised with respect to the ownership of the Lot and the condition. In the event of any inaccuracy of the above mentioned, the Seller must guarantee, if requested, to identify fully the Company and/or the Buyer all the claims, costs and expenses arising herefrom, whether caused by the Lot or the auction proceeds.

d. In the event of any inaccuracy of the above a, b and c now or in the future, the Seller must guarantee, if requested, to identify fully the Company and/or the Buyer all the claims, legal fees, attorney fees or other costs and expenses arising here from, whether caused by the Lot or the auction proceeds.

■ Auction arrangements

a. The Company has absolute discretion over the description

of the auction in the catalogue, display layouts, estimate price, authentication opinions, location and method of the auction, who will be allowed to bid and the acceptance of the bid price, whether to seek professional opinion and whether to combine or separate the Lots. The Company reserves the right to withdraw the lot without obtaining the consent of the Seller.

b. If the Company or the Seller withdraws the Lot, the Company may charge 40% of the Reserve set by the Seller.

■ Auction rules

a. The Company will auction the item according to the Reserve Price. The Reserve may not be higher than the minimum of the estimates set in the catalogue. The Company is entitled to auction the item at a price lower than the Reserve, If the lot is sold according to the above principle, the Company is responsible to pay the Seller the difference between the closing price and the Reserve.

b. The seller may not increase the price with his own or other third parties’ names, nor participate in the bidding of his/her auction item(s) with his own or other third parties’ name, however the Company is authorized to bid on behalf of the Seller at the price not higher than the Reserve Price.

■ After the auction

a. Settlement

After the payment is made by the Buyer, unless the Company receives a notice claiming such auction item is a forgery (as defined in the Agreement), the Company will pay the Seller within 60 days following the successful auction day an amount equal to the closing price taking away all the expenses payable by the Seller. If the Buyer delays the payment, the Company will pay the Seller within 7 days following the payment by the Buyer. The Company pays the Seller before the Buyer makes the payment, the Company acquires the full ownership of the item for any reason. However, if the Company is forced to reclaim the Lot from the Buyer because such item is a counterfeit, the Seller must return the auction proceeds to the Company. Unless otherwise instructed by the Seller in writing, the Company will make its payment in NT dollars. If the Seller requests to pay in currencies other than NT dollars, the Company will collect from the Seller any foreign exchange expenses arising there from.

b. Non-Payment by the Buyer

If the Buyer fails to make all the payments due within 35 days following the auction day, the Company is entitled to negotiate special terms in connection with the payments, storage, and insurance on behalf of the Seller and act deemed necessary by the Company to collect payments payable for making remittance to the Seller nor for bringing any legal actions on behalf of the Seller. The Company will discuss with the Seller to adopt appropriate actions to claim auction payments from the Buyer.

c. Counterfeits

If the Buyer convinces or make the Company doubt that the Lot is a counterfeit (as defined in Article 1 of the Transaction Agreement) or stolen good or involved in any illegality within ten (10) days after the auction date, the Company may decide upon its sole discretion as follows:

(1) If the Buyer does not pay the payable payment in full yet, the Company has the rights to withdraw the transaction;

(2) If the Buyer has paid the payable payment in full, the Company may return the hammer price (The Company may deduct the reasonable expenses and fees incurred) received from the Buyer and the Lot will be returned to the Seller or forwarded to the Police for handling. The Seller shall not object to the Company’s decision and handling in accordance with this Lot and make any claim or allegation;

(3) The Company will notify the Seller of such matter and the Seller shall return to the Company without objection the entire payment received within three days of such notification, and shall pay the Company fees and expanses, and any and all losses, damages or related expanses and fees. Any items belonging to the Seller under control of the Company will be kept as security of the payments to be returned. In case that the Seller’s failure of payment and compensation obligations, the Seller shall pay the interest for delay of the entire payment by the best saving rate of the Bank of Taiwan plus ten percent (10%) per annum. In addition, the Company may collect one percent (1%) of the total amount of the hammer price plus the Buyer’s Premium paid by the Buyer as the compensation for breach of contract. The Company may decide to offset the Seller’s payment payable to the Company from the Company’s or other subsidiaries payment due to the Seller in other transactions.

d. Unsuccessfully Auctioned Items

Any item is not auctioned successfully, not included in the auction or withdrawn from the auction for any reason must be collected by the

Seller within 35 days upon notification by the Company to the Seller. The storage fee of NT$1,000 per day will be charged on each item not collected after such 35 day period together with an additional charge for purchasing insurance coverage. The Company may dispose the Lot, if such item is not collected within 60 days following the auction date or the notice date (whichever is the earlier). Such disposal includes removing the item to a third party warehouse with the associated expenses borne by the Seller and to auction such items under terms deemed appropriate by the Company (including the terms of estimates and the Reserve). The Company will pay the Seller the related expense after payments owed are offset. The Company is authorized to act as the sole agent of the Seller within 30 days following the auction for any auction item with-drawn from the auction or not sold. The Company may auction in private the item based on the net amount the Seller may receive (the amount after deducting all the expenses payable by the Seller) or sell such item in private at a lower price agreed upon by the Company and the Seller. Under such circumstances, the Seller’s responsibilities and liabilities to the Company are the same as during an auction.

■ Photographs and display

The Company owns the copyright in all images, illustration and written material produced by or for the Company’s relating to a lot including the contents of this catalogue, is and shall remain at all times the property of the Company and shall it be used by the Buyer, nor by anyone else, without the Company’s prior consent. The company is entitled to use such images in any manner it deems appropriate, and the Seller can not object.

■ Other Matters

a. Taxes

(1) The Seller shall provide passport, ID, company registration document or other necessary document or invoices to the Company for tax filing according to the tax laws of the Republic of China (Taiwan) or requirements of competent revenue agency.

(2) If the Seller is a Taiwanese company (or other types of legal entity except for individual), the Seller shall issues an invoice amounting the hammer price or the Reserve Price (if the Reserve Price is higher than hammer price) with the 5% VAT included in such amount.

(3) If the Seller is an individual who has domicile in Taiwan and resides in Taiwan, or who has no domicile in Taiwan but resides in Taiwan for a period of more than 183 days during a taxable year, and the Seller can provide sufficient and appropriate evidence for such standing to the Company, the Seller shall include the income derive from the transaction in the annual consolidated income tax report. The income amount will be the actual profit if the Seller can provide evidence of the sell prices as well as the original cost for obtaining such item(s). Where no sufficient evident of actual profit could be provided, the Seller shall include in the income tax report an income of 15% of the hammer price or the Reserve Price (if the Reserve Price is higher than hammer price) as the income derived from such property transaction.

(4) Where the Seller is not Taiwan resident as described above, Seller agrees that the Company deducts 3% from the hammer price or the Reserve Price (if the Reserve Price is higher than hammer price) as income tax to the competent revenue agency according to the tax laws of the Republic of China (Taiwan). The amount to be deducted and filled with competent revenue agency by the Company shall be subject to change once the applicable tax rate is adjusted.

b. Electrical and Mechanical Parts

The Seller must be responsible for maintaining the safe operating condition of the electrical and mechanical parts of the Lots. The Seller must compensate the Company all damages, the claims, costs and expenses arising out of any violation of the said guarantee and warranty by the Seller. There are other special additional conditions apply to this provision. The relevant conditions are available at the Company.

III.Terms of definition

Some of the phrases commonly seed herein are defined as follows:

1. “Buyer” means the highest bidder accepted by the auctioning party.

2. “Hammer price” means the highest bid with respect to one particular auction item accepted by the auctioning party.

3. “Buyer’s Premium” means the fee based on a certain percentage of the Hammer price paid by the Buyer; the percentage shall be as prescribed in this Agreement.

4. “The Reserve” means the lowest price agreed by the Company and Seller.

5. “Forgery” means the Lot constitutes imitation and the original concept of the imitation and its overall execution result in fraud to

cause deception in connection with the author, history, year, age, culture or origin of the Lot, for which the accurate description is not reflected in the catalogue and the value of the Lot on the auction day is for less than the value it should have according to the description in the catalogue, Therefore, no auction item will become a forgery as a result of any damage and/or any repairing in any manner (including repaints).

IV.Terms applicable to both the Buyer and the Seller

1. Intellectual Property Rights

Intellectual property rights, photographs (including but without limitations, the copyright or patent) of all the images, photographs and written material in connection with the Lot shall maintain and belong to the Company at any time. The Buyer, Seller or any person may not use such items without obtaining prior written consent from the Company.

2. Notices

a. All the notices distributed according to the Agreement herein shall be made in writing. Any notice shall be deemed served to the recipient on the second day following delivery if sent by mail. If the recipient is abroad, the notice shall be deemed served on the fifth working day following delivery by mail.

b. Any written consultations, inquiries, and notification (hereinafter “communication”) made by Zhong Cheng Auction to the Mandator concerning matters as outlined in the Agreement will be deemed sufficient if the communication is made in writing and sent to that other party in accordance with that other party’s address, e-mail address or fax number as listed in this Agreemenet (the “contact information”). The Mandator shall notify Zhong Cheng in writing where there is a change in the contact information.

3. Severability

a. If any part of the Transaction Agreement is deemed invalid, illegal or unenforceable by any court, such part can be ignored and the rest of the Transaction Agreement continues to be valid and enforceable to the maximum extent permitted by the law.

b. The condition of the Buyer under Article 2 exclusively apply to the relationship between the Company and the Buyer, which the Seller shall not apply. And the conditions of the Seller under Article 3 exclusively apply to the relationship between the Company and the Seller, which the Buyer shall not apply.

4. This Agreement is entered in to the parties in English and Chinese, If there is any conflict with two versions, the Chinese version shall prevail.

5. This agreement may be revised or modified by the Company from time to time, and the Prospective Buyer, the Buyer and the Seller agree to obey the revision or modification.

6. Jurisdiction

The Transaction Agreement are governed under the R.O.C. law and the interpretation and effect of the Rules shall be subject to the laws of Republic of China. The Buyer and Seller shall submit themselves to the exclusive jurisdiction of Taiwan Taipei District Court as the first instance for the interests of the Company.

投標牌號分級新制度之重要告示

自 2020 年秋季拍賣會，中誠將實施投標牌號分級制度，並針對欲競投高預估價拍品之競投者，收取預

付保證金。以下條款為詳細敘述：

預先登記及保證金新制

中誠可要求有意競投在目錄內預估價低標為新台幣30萬元以上(含)之競投者，在完成預先登記程序時，

交付新台幣30萬元或其他由中誠決定之更大金額的保證金，以作為參加中誠拍賣的保障。

投標牌號分級說明

預先登記的投標牌，將以預估價低標為基準分為以下兩種類型：

a. 黃色投標牌：準買家欲競投之拍賣品，其預估價低標為新台幣30萬元以下者。

b. 綠色投標牌：準買家欲競投之拍賣品，其預估價低標為新台幣30萬元以上(含)者。