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Otoño 2019 - No. 1

diseñando el futuro alejándonos de la tradición y reescribiendo el presente

Yellow Yournal Otoño 2019 - No. 1 Revista estudiantil

Diseño Editorial por

de LDTM

Diana Torres Pérez

Hey. Bienvenido al primer número de Yellow Yournal. Quisiera comenzar contando un poco sobre la intención de este espacio que comienza a crearse, así como de los ideales que se pretenden reflejar a lo largo de las siguientes páginas por todo el equipo creativo, compuesto totalmente por estudiantes que este semestre comprometieron su tiempo e ingenio. Yellow Yournal es un espacio digital creado por y para el talento creativo joven. Nuestra intención es construir una plataforma donde los estudiantes podamos aprender, experimentar, vernos reflejados y participar, formando así una comunidad a través de la moda y los distintos campos creativos que intersectan con ella. El lanzamiento de esta revista coincide con el aniversario 50 de la Universidad de Monterrey y el 15 aniversario de la carrera de Diseño Textil y Modas… hay algo en este tipo de números tan cerrados que de alguna manera nos dicta que es necesario tomar una pausa y reflexionar. Voltear hacia atrás y reconocer el camino recorrido; la forma en que las experiencias pasadas nos han formado y se acumulan como capas de nuestro ser, añadiendo complejidad a nuestra identidad que se construye día a día. Explorar las posibilidades, idear cómo podemos ser mejores en cada sentido… casi transgredir nuestro pasado para poder dirigirnos a un mejor futuro. De esta manera exploramos el concepto de tradición, cómo nos va formando y va elaborando la persona que somos, la manera en que decidimos expresarnos conforme a, o en contra de las reglas, dando paso a nuestra identidad actual. Y en última instancia, cómo podemos aprender de todas las ideas que se nos han ido enseñando y utilizarlas para impulsarnos, en oposición a verlas como algo que nos frena. Este número está dedicado a la incesante curiosidad y anhelo de cambiar al mundo de todos y todas las estudiantes que han aprendido en esta institución. El futuro nos espera.

Guillermo Martínez Fonseca Editor

colaboradores Guillermo fonseca 9 º semestre Entusiasta de moda y creyente de la ropa cómo reflejo de nosotros mismos y la sociedad. Creador de contenido en

Alejandra vega 7 º semestre Ilustradora y feminista. Fan #1 de Wes Anderson. Analogue > Digital.

alina Rivera 9 º semestre

Intelectual y analítica. Vintage shopper.

@fashiontheorist.

Angela Flores 2 º semestre

Fanática de la comida, perfeccionista, amante de la música, cine, arte y moda. Coleccionista de lentes de sol.

Diana Torres 2 º semestre

Graphic Designer, I just really like coffee, food & fashion, ok?

María jose Munguía 5 º semestre Pasión por la moda y el arte. Healthy life.

Christianne lozano 3 º semestre Striving for greatness. Creativity is key. Dreamer.

Estefanía Acuña 9 º semestre 100% foodie, nothing else to say.

Monserrat Bahena 9 º semestre Me gustan los gatos y el té. Slytherin.

Cristina Martínez 9 º semestre Tie-dye enthusiast, Capricorn. Pretty into pink.

Sarah Downing 3º semestre

Workaholic, escritora y fotógrafa. Hondureña y panameña de corazón. Experta en amar la vida. Obsesionada con los zapatos, ilustrar digitalmente y todo lo vintage.

Javier Topete Asesor Me gusta CdG, París y un vermut en domingo.

5 marcas mexicanas que tienes que conocer

Feminism is not a dirty word

GOING AGAINST THE INSTAGRAM FEED

Fashion Edition Future self

Fashion weak for NYFW

La tecnología apoya la moda protegiendo el medioambiente

NYFW review

instafeed

La maternidad bajo un nuevo lente

BON APPÉTIT food reviews

interview a Eugenia Martínez

EXPOSICIÓN marco Presencia Inestable

Interviews a talento latinoamericano

Netflix and costume design

Beauty Edition Identity Crisis

Entrevistas a EX ALUMNXS Estefanía Arzate

androginia y másculinidad en la industria de moda

Entrevista Mónica Aguilera

London fashion week

Entrevista Amelia Sanoja

London fashion week

horóscopos

Vintage empowerment

NEW BOOKS REVIEWS

marcas mexicanas que tienes que conocer P o r E s t e fa n í a A c u ñ a

En esta sección te presentamos distintas opciones de tiendas a nivel nacional donde se pueden comprar prendas y accesorios con diseños únicos y muy cool. Algunas de estas opciones trabajan con procesos sustentables, lo que las hace más cool porque son marcas eco friendly 100% mexicanas.

( DA) WE A R HO USE Marca de moda fundada y establecida en Monterrey, que cuenta con diseños totalmente únicos y a precios accesibles. Esta marca, bajo la dirección de la diseñadora Claudia Melgoza, cuenta con prendas como tops, vestidos, faldas y pantalones con un estilo formal y de fiesta, con colores y textiles atrevidos.

@dawearhouse

La compra de estos productos puede ser en línea, o también se pueden encontrar en Monterrey en la tienda Showroom 215 (@showroom.215)

BASU RA

Basura es una marca de accesorios de moda fundada y localizada en León, Guanajuato. Esta marca se dedica a realizar alternativas dentro de la industria de la moda dándole una segunda oportunidad y vida a los desechos textiles, por medio de un proceso sustentable conocido como upcycling, en donde, Basura, recolecta estos desechos transformándolos en bucket hats o fanny packs con una onda muy única, proporcionando al mismo tiempo una ayuda a la problemática ambiental. Los pedidos a esta marca son por medio de Instagram ya que cuentan con un catálogo de productos. Además, cuentan con la opción de brindarles tus desechos textiles para crear tu producto a partir de éstos.

@basura

C OEU R

@coeur.mx

Marca regia diseñada, desarrollada y producida con textiles sustentables. Esta marca surge a partir de un proyecto de tesis realizado por Karla Correa, diseñadora de moda que refleja en sus propuestas, su interés y pasión en la sustentabilidad. Las piezas de Coeur cuenta con prendas básicas atemporales pero con diseños únicos y cómodos realizados con textiles eco-friendly. Lo más cool de esta marca es que cuenta con un equipo de trabajo de origen mexicano, sumamente pequeño, el cual no trabaja bajo una línea de producción tradicional, sino que cuenta con una producción artesanal, donde cada uno de los talentos realiza una prenda con resultados y acabados impecables.

KO KO R Kokor es una marca de accesorios 100% mexicana que surge a partir del gran amor de su diseñadora y fundadora hacia el vidrio y sus propiedades ópticas.

@kokorglassjewelry

Cada una de las piezas con las que cuenta esta marca es realizada a mano. ¿Lo más cool de todo? La pieza es creada al momento en el que es ordenada, para así poder crear un consumo responsable y no generar desechos de materia. La compra de estas piezas y accesorios es por medio de su página web.

S/HE A P PA R EL

@sheheapparel

Fundada por Steph Orozco, esta tienda establecida en Monterrey cuenta con prendas y accesorios de segunda mano, así como con piezas vintage. Lo más cool de este espacio es que se pueden encontrar productos únicos a precios irreales; además, también puedes encontrar y apreciar los diseños únicos y originales de la diseñadora (los cuales no tienen un precio tan accesible, pero si te puedes dar un taco de ojo).

GOING AGAINST THE INSTAGRAM FEED Por Sofia Santos

El momento que se empezó a creer que un like define el valor de una persona fue cuando todos perdimos la cordura. Las redes sociales son un arma de dos filos, nos ayudan a com partir nuestras inspiraciones o nuestra vida, creando una utopía de momentos felices que nos definen como persona; pero al mismo tiempo nos puede llegar a lastimar si no entendemos cómo distorsionan la realidad, creando un espejismo entre lo que se quiere ser y lo que realmente sé es, siendo una cortina entre todos nosotros donde ahí nada cuenta y nada es real. La distorsión causa una separación entre la persona - yo- y un alter ego - la imagen virtual-, la segunda crece por medio de la aceptación para apoderarse de la misma persona o desaparece por el rechazo, ambos causados por un simple like o la falta de este. Un like, un simple toque a la pantalla, define tanto para algunas personas pero significa nada en la escala de la realidad. Un proceso creativo exhaustivo, una experimentación, una idea o un producto final realmente no pueden medir su excelencia o su valor por esto. Cambiar nuestro cerebro y creatividad para que encaje en lo aceptado por todo el mundo es algo imposible y no todo lo que se llegue a crear va a ser perfecto, tal vez el engagement en redes sociales aporte para ver cómo la gente reaccionaría hacia una pieza de ropa pero no debe de ser la medida estándar para encontrar el valor o que tan bueno un diseñador es, porque al final de todo la creatividad es subjetiva, no todos son fieles seguidores de redes sociales, donde su persona real basa sus decisiones en su persona virtual. Lo que se muestra por fotografías es un segundo de un proceso, una pequeña parte de un total, manipulado para crear lo que nosotros creemos es lo mejor pero creando una imagen difícil de lograr en vida real, causando un rompimiento entre lo que se puede crear y lo que es imposible de hacer. Un arma de dos filos donde se puede tener el elogio buscado pero en imágenes falsas o no conseguir el elogio pero mostrando la realidad más orgánica. El que un diseñador decida su proceso creativo o sus productos finales por likes, representaría una retrocesión enorme porque lo llevaría alejarse de lo que realmente le mueve convirtiéndolo en otro más, creando contenido que sabe gustaría a la gente porque sigue una aesthetic perfecta o es lo que todos los demás están haciendo, posiblemente obtenga millones de likes, como nunca antes, pero será un recuerdo tan efímero como el acto de dar un double tap; nadie se acuerda de las imágenes bonitas y cómodas, sino de aquellas que te hacen voltear la cabeza, que te voltean los ojos, te quitan el aire y más que todo que te hacen pensar más allá de tu propia realidad.

FASHION Por Christianne Lozano

WEAK

FOR NYFW

Te damos un vistazo a la experiencia de nuestrxs compaĂąerxs de clase que hace un par de semanas viajaron a Nueva York, donde tuvieron la oportunidad de asistir en backstage a los desfiles de Area y BarragĂĄn, visitar el MET Museum y la exhibiciĂłn de CAMP: Notes on Fashion y hasta de conocer a la top model mexicana Mariana Zaragoza, a quien se toparon en el metro. Les pedimos que nos compartieran sus mejores fotos y que describieran con 3 emojis esta increible experiencia.

Buckle up, itâ€™s gonna be a fun ride!

the big appleâ€™s street style

Fernanda Gil

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Enzi Destefano

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Paco Flores

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Ximena TreviĂąo

đ&#x;˜?đ&#x;˜Żđ&#x;¤˜ pierre cardin: future fashion @ the brooklyng museum

Affair Jimena Guerra

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camp: notes on fashion @ the met

Katia Vivero

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Priscila PĂŠrez

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Raquel CĂĄrdenas

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NYFW IT’S ALIVE!!! La nueva generación de diseñadores reanimando el pulso de NYFW y reescribiendo el estilo americano.

Por Guillermo Fonseca

Hace una temporada la semana de la moda neoyorquina tenía un rumbo confuso, demasiados shows repartiendo la atención de editores y compradores, un alargado calendario donde la selección se volvía confusa, la energía del nuevo talento apenas destacaba y la de los diseñadores establecidos maniobraba para mantener la relevancia de la ciudad. Hoy NYFW respira de nuevo, bajo un calendario orquestado por Tom Ford (el nuevo director de la CFDA), el evento de moda logró poner el spotlight en los talentos indicados y reanimar las conversaciones culturales que crea la ropa.

Diseñadores como Brandon Maxwell, Tom Ford y Prabal Gurung redefinieron el estilo americano, cada uno a su manera. Maxwell con piezas que venden el sueño de la moda que sucede al vestirnos a diario; Ford inyectando sensualidad refinada en piezas inspiradas en sportswear; Prabal contando una anécdota del armario americano desde el denim hasta los ballgowns y sportswear con su vibrante visión.

Otros optaron por revisitar la historia: Ralph Lauren volteó a los años 20’s construyendo el ‘Ralph Club’, donde presentó iteraciones del smoking y sensuales vestidos. Hermosas piezas que tal vez se veían mejor en la década de la que tomaron inspiración.

El siempre optimista Michael Kors reinterpretó los 40’s. Cuando ‘el mundo estaba en conflicto y aún así, la gente se levantaba las mangas y salía a trabajar’, palabras de Kors. El resultado fueron cortes fluidos y fáciles de llevar. Destacó un suéter con la palabra ‘HATE’ tachada por el centro. Optimismo a la Kors.

En lo que fue tal vez la mejor colección de NYFW, Kerby Jean-Raymond de Pyer Moss se dedicó no sólo a mirar atrás y reinterpretar. Kerby reclamó la historia tomando inspiración de íconos afroamericanos de la historia del rock, que a menudo son olvidados, retomando el espacio de la identidad afroamericana en la historia y empujando los límites de lo que puede hacer la moda.

La nueva generación de diseñadores en NY parecían buscar lo real, desde prendas hasta cuerpos. En las pasarelas vimos piezas con acabado artesanal. En Barragán, con una exploración a la tradición mexicana. En Collina Strada, con un poderoso mensaje sobre la sustentabilidad. En John Cohen, acompañadas de un hermoso viaje a la identidad mexicoamericana y la frontera en la era del odio y división. En Christopher John Rogers mediante una emocionante muestra de pasión e ingenio. La representación de distintas tallas, cuerpos y etnias fue una constante, desde Chromat y Hilfiger hasta Marc Jacobs, quien cerró la New York Fashion Week con una celebración de la moda misma mediante una explosión de volumen, texturas, décadas y colores.

La New York Fashion Week tiene una nueva vida.

La maternidad bajo un nuevo lente Por Ana Verónica González

Yo Necesito Amor (2019) habla sobre la realidad de ser mujer y madre soltera en América Latina. La maternidad es algo de lo que no se escucha mucho hablar en nuestra sociedad. Como mujeres, desde pequeñas nos dan la idea de que cuando seamos grandes debemos ser madres, pero nunca nos dicen todo lo que viene después de eso. La película logra transmitir muchos mensajes al igual que abrir espacio para tener una conversación que considero que es muy importante comenzar a tener. El filme es un drama que se centra en la vida de Arcelia (Diana Sedano), una madre soltera que se encuentra desesperadamente en búsqueda del amor y que vive en México con su hijo Aru de 6 años.

Yo Necesito Amor Desde el principio de la película el director José Luis Valle nos demuestra cómo Arcelia se siente muy sola a pesar de tener a su hijo. Constantemente está tomando cualquier oportunidad que se le presenta para sentirse querida por un hombre, a pesar de que muchas veces no le gusta la manera en que la tratan. Después de varios intentos con diferentes hombres, empieza a cuestionar si la razón por la cual no logra ser feliz y no encuentra el amor es el hecho de tener a su hijo Aru. Muchos temas que son considerados tabú, como el cuerpo desnudo y los espectros de la vida sexual de una mujer, como la masturbación, son tratados en esta película. El director hace un increíble trabajo en crear escenas las cuales son largas e incómodas pero te hacen pensar y cuestionar la manera en la que te sientes en ese momento. Trae a la luz muchos temas sobre la mujer como la maternidad y las maneras en que te puede hacer sentir ser madre, tópicos que incluso yo, que soy mujer no estaba enterada de que existían. Cada vez más en esta sociedad estamos siendo capaces de hablar abiertamente sobre este tipo de temas; es necesario traerlos a la luz para que podamos

Retadora pero necesaria. Así es como describiría “Yo Necesito Amor” en términos generales.

tener una conversación abierta y en algunos casos ayudar a alguien que se esté sintiendo de la manera que Arcelia se estaba sintiendo en la película. Diana Sedano hace un increíble trabajo en transmitir la forma en que su personaje se sentía: hizo a toda la sala reír, llorar y hasta gritar. Considero que la cinematografía y la manera en que las escenas fueron filmadas es muy única ya que aunque en muchas ocasiones Arcelia está teniendo una conversación con otra persona, solo sale su cara. Esto me hace pensar que el director buscaba no desviar la atención a ningún otro personaje ya que el mensaje que quería transmitir era sobre la situación que estaba viviendo la protagonista. En general es una muy buena película, el director logró lo que buscaba, lo cual es abrir una conversación. Si lo que buscas es sólo entretenimiento, probablemente esta película no es para ti ya que es un filme largo, difícil de ver y al final sales un poco agitado. Si lo que buscas es retar tus pensamientos y entender el lado difícil de la maternidad recomiendo muchísimo esta película.

Interview a Eugenia Martínez Por Alejandra Vega

Después de visitar la exposición “Lo Personal es Político” en la galería Heart Ego, quedamos emocionados con esta instalación de lienzos con textos feministas en tono de protesta de la artista Eugenia Martínez, curada por la maestra de la Licenciatura en Artes de la UDEM, Ariadna Ramonetti. Conmovidos e intrigados, quisimos platicar más con Eugenia acerca de su trayectoria, su trabajo y qué la motiva a crear.

De nuevo muchas gracias Eugenia por tomarte el tiempo de contestar nuestra entrevista. Después de ver tu exhibición nos dejaste reflexionando y nos quisimos acercar a ti porque creemos que tu carrera como artista puede aportarnos mucho a los futuros creativos.

Desde que tengo memoria siempre dibujaba o pintaba. De niña pasaba mucho tiempo sola, no me dejaban ver la tele, no me gustaban las muñecas, sólo era la bici, los patines, los legos y dibujar, era una manera en la que me entretenía. Aunque siempre estuve en clases de arte a la hora de escoger una carrera no se me permitió que eligiera las artes como formación profesional. Estudié una carrera de números por requisito de mi papá. Durante la carrera me involucré en actividades políticas y empecé a hacer trabajo comunitario; me marcó entender lo que era la desigualdad social. Al graduarme de la universidad me fui a Barcelona un año y ahí nació el proyecto que sigo desarrollando. Cuando estaba en la escuela y estaba aburrida, dibujaba y escribía mis notas alrededor del dibujo, era algo que siempre hacía. Un día en una exposición del MACBA había una recopilación de cuadernos de un manicomio de Europa del este, rescatados después de la Segunda Guerra Mundial. Estos cuadernos tienen muchas similitudes con mis notas de la escuela: era un dibujo y saturaba de texto a manera lineal. A partir de esa exposición empecé a saturar con los textos, la diferencia era que yo lo hacía de manera circular. En Barcelona hice mi primera pintura que consistía en un dibujo naïf, lleno de textos. Lo inscribí en la bienal FEMSA y quedé seleccionada, tenía si a caso 24 años. Empecé a dar clases en la prepa TEC y pintaba al salir del trabajo. Así estuve hasta que me casé y me fui a vivir a la CDMX. Ya casada y con bebés me costó mucho trabajo sacar mi carrera adelante, un bebé te quita mucha concentración y energía, entonces opté por no salir para poder concentrarme en la pintura. Hubo una exposición que no salí ni a la banqueta por 3 meses, me levantaba atendía la casa, él bebe y me ponía a trabajar. Tenía la determinación de querer seguir trabajando. Prácticamente dejé mi vida social a un lado. Con el tiempo, empecé a coleccionar fotografía antigua que encontraba en los mercados de la CDMX. Me lesioné la mano la derecha, no podía pintar, con medicamentos fuertísimos podía trabajar un par de horas al día y con mucho dolor. Y de ahí cambié la pintura por la fotografía como medio, aunque me dolía un poco al escribir, no me dolía tanto como pintar, y así seguí. Es una de las evoluciones más fuertes de mi trabajo. Con el tiempo me di cuenta que aunque la imagen tenía mucho peso dentro de mi obra, el texto también y empecé hacer obras que sólo involucran textos. Los textos y las imágenes por lo general son apropiados. Aunque mi trabajo habla de estructuras del pasado que siguen vigentes y hablo de desigualdad, clasismo y racismo. En el 2016 empecé abordar los temas de género.

¿Cómo ha sido tu carrera como mujer artista en este país? ¿Cuáles considerarías los retos más duros a los que te has afrontado en tu carrera en el arte? ¿Y las lecciones más grandes que te han dejado? Yo no he vivido un machismo sistemático dentro del mundo del arte; es posible que exista, pero a mí no me ha tocado o no me he dado cuenta. A mí me ha costado mucho más trabajo el machismo dentro de casa. Yo he tenido que renunciar a muchas cosas para poder trabajar, ser mamá y cumplir con mis trabajos domésticos, algunas veces con ayuda y otras sola. Al final ser mamá y tener una profesión es complicado, muchas veces juzgado injustamente pero creo que vale totalmente el esfuerzo. Te hace llevar una vida más equilibrada y no sólo estar enfocada a servir a los demás dentro de una casa.

lo personal es político

Cuéntanos sobre tus inicios, ¿Por qué escogiste expresar tus inquietudes a través del arte? ¿Siempre quisiste ser artista?

¿Qué opinas del resurgimiento del movimiento feminista en México y hacia dónde esperas que se mueva la conversación?

Todo lo que está a mi alrededor. Siempre que cambio de casa o lugar de donde vivo, se nota en mi obra.

Hay un póster de una AC que dice “el feminismo es la idea radical que sostiene que las mujeres son personas”. La conversación se tiene que mover a la igualdad y una sociedad en donde las diferencias entre los géneros no sean debilidades. En México existe la complicación que no hemos podido lograr la igualdad entre hombres, por lo tanto llegar a la igualdad entre géneros es un largo camino.

¿Cuáles son tus metas personales como artista mexicana? Mi meta como artista es seguir produciendo hasta que ya no pueda más. Sí me gustaría tener más tiempo y recursos para mis proyectos comunitarios.

¿Cuál es tu visión del futuro del arte hecho por mujeres en México? No tengo una visión del futuro, pero si escogiera tener una, sería un futuro en donde no haya diferencias de género y si acaso no se pudieran dejar atrás algunas diferencias, que esas diferencias no sean consideradas debilidades.

¿Qué conversaciones te gustaría que sucedieran con tu trabajo? El paradigma heteropatriarcal está tan arraigado en nosotros que muchas veces participamos de manera inconsciente. Me gustaría que nos cuestionemos todas esas costumbres, construcciones sociales y estructuras de poder, para poder hacer modelos nuevos. Me gustaría que el trabajo doméstico fuera re valorado. Y que no fuera exclusivo considerar feminista a la mujer que se ha “masculinizado” trabajando. Se puede ser feminista y valorarse como mujer desde cualquier lugar y profesión. Por eso el título tan famoso del libro de Chimamanda Ngozi Adichie “We should all be feminists”.

Una noticia que nos ha llamado la atención y que nos recordó tu proyecto fue la repartición de alfileres para la protección de las mujeres en el transporte público en Tamaulipas, debido a la creciente ola de acoso sexual que se vive en esta entidad. ¿Qué opinas sobre la toma de estas medidas? Cualquier medida en donde se proteja y se evite el acoso sexual me parece bien. Me gustaría que fuera una medida más pacífica, sería lo óptimo. Pero no podemos saber cuantas medidas han fracasado para llegar a la necesidad de repartir alfileres.

¿Hubo alguna razón en específico para escoger la intervención textil como medio para esta exhibición? En un principio era muy usada la tela para las consignas políticas en las marchas. Me gustaba la idea de que una manta de tela tiene que ser portada por varias personas, es un hecho colectivo. Me intereso en un principio la idea del “Quilting” como un proceso también colectivo hecho por varias de mujeres, en donde se conversa al coser. Todo lo relacionado con coser es una actividad pragmáticamente femenina.

Háblanos de tu reciente exhibición “Lo personal es político”. “Lo personal es político” es el desarrollo de mi exposición pasada “Because you are a girl”, en donde empiezo a poner carteles en los muros que podrían parecer de protesta. Por eso en esta exposición quise abordar el tema de las protestas de los derechos de las mujeres. Desde un principio visualicé un laberinto con mantas con las apropiaciones de las consignas. Investigué el desarrollo de estas marchas en donde se pedía el derecho al voto, hasta las más actuales. Cada manta tiene una consigna política que fue apropiada. No todos hemos ido a una marcha ni hemos leído de cerca las consignas; para mi era importante que eso pasara. Que en las mantas y su disposición se sintiera la opresión.

¿Cómo fue tu relación con la curadora Ariadna Ramonetti? Tengo ya un tiempo de conocer y ser amiga de Ariadna. Y fue un proceso muy interesante cómo trabajamos la exposición, ya que las conversaciones sobre la exposición fueron dando a otros temas en donde se compartieron muchas experiencias personales.

¿Qué buscas representar en tu obra con los alfileres en las mantas y el acomodo particular de las mantas en la sala? Cuando tu vas a coser algo, primero lo prendes con alfileres y luego lo coses. Es para hablar de que se está construyendo, está en proceso. Al hacer las mantas nos picamos muchas veces tanto manos, brazos y piernas. El proceso fue doloroso. El acomodo de las mantas buscaba crear un caos, incomodar, que no hubiera un camino definido como en un laberinto regular. Las mantas causan opresión por su distribución y la altura fue la de los tendederos de mi casa. Y te tienes que agachar como cuando tiendes las sábanas para pasar al otro tendedero. Es incómodo transitar la pieza, y esa es totalmente la intención. El trabajo doméstico es incómodo.

¿Cómo fue tu proceso para la elaboración de esta obra? ¿Cuánto tiempo desarrollaste el proyecto? Empezamos a trabajar en conjunto Ariadna y yo desde enero, aunque la investigación de las consignas ya la había empezado meses antes. Yo tenía la inquietud de trabajar con telas y hacer mantas tipo “quilting” pero con el desarrollo y la investigación dejé a un lado el quilting. Quería negro sobre negro para hablar de luto. Se evaluó entre coser y los alfileres; ganaron los alfileres. Terminamos muy picados de las piernas y brazos, había mantas de 6 metros. Romina y Guillermo me estuvieron asistiendo en esta labor, al final cualquier persona que entraba en mi casa, terminaba ayudando a clavar alfileres. Convertí el comedor de mi casa y sala en un estudio de costura, no cabíamos en mi estudio. Empecé a ir a los mercadillos de fotografías viejas a encontrar el minotauro. Tenía muchas dudas y pensaba en poner a un minotauro mujer. La máscara de mimbre se mandó a hacer a la medida de la fotografía. Ésta cita una fotografía de Picasso en donde sale como minotauro con una máscara igual. Me interesaba en esta instalación estar muy de cerca con las mantas, sentirlas, pasar por un lado... por eso se dispusieron como tendederos. Como el minotauro no esta a simple vista, pensé que estaría bien hacer una pieza sonora. Es la primera vez que involucró sonido en una pieza. En un principio el sonido tenía la función de ayudar a encontrar el minotauro. En CDMX mis amigos Claudia Fernández y Khan of Finland estaban grabando un disco, y les propuse la colaboración para la pieza sonora. Se habían planteado sonidos diferentes y después se llegó a la idea de la repetición de los textos a manera de mantras. Claudia había propuesto susurros; Khan, que fue el que finalmente ejecutó en Berlín la pieza, me pidió grabaciones de las frases. Utilicé sólo frases cortas y, como había una construcción a lado de mi casa, grababa sólo en las noches. Khan me rechazaba todos los audios, hasta que mi hija Elena me ayudó, me enseñó y participó. Entonces las dos voces del audio es mi voz y la de Elena. En la entrada de exposición tengo una lista de todas las personas que colaboraron para que pudiéramos llevar a cabo la exposición.

Muchxs alumnxs de la carrera de Diseño de Moda han mostrado interés en borrar las líneas entre el arte y la moda. ¿Qué consejos le darías para dar este salto? Creo que el arte y la moda están relacionadas pero al final son disciplinas diferentes. Se pueden cruzar e ir a territorios nuevos. Pero sería algo totalmente nuevo. A mi parecer Commes des Garcons es la ûnica marca que lleva la moda a los territorios del arte, y precisamente por eso, esas piezas espectaculares donde se borran todas las fronteras, son unas prendas un poco complicadas de usar... Entonces se complican las cosas. La discusión entonces sería: cuando una prenda pierde su objetivo inicial que es el ser usada, entonces ¿qué es?

Feminism is not a dirty word:

desmitificando el concepto del feminismo Por qué tenemos que dejar de usar la palabra feminazi y cómo es un movimiento que busca la igualdad social. Por ALEJANDRA VEGA ¿Alguna vez has caminado por las calles de noche, solx, sin sentir miedo? Porque yo no. ¿Te sientes segurx con cualquier tipo de ropa al salir de tu casa sin temor a cómo te vean? Yo nunca. Si eres mujer, sabes a lo que me refiero y sientes lo mismo que yo a menudo. Si eres hombre puede que entiendas, pero quizás no lo compartas. Ser mujer en un país machista se ha vuelto una limitante para cualquier forma de expresión. La simple tarea de vestirse y salir a la calle se vuelve en una decisión de horas de “Me gusta pero, se me ven mucho las piernas”, “Esta blusa está hermosa pero se notan mucho mis pechos”, “¿Qué van a decir?”, “No quiero que me chiflen”. Ahora bien, ¿no te parece injusto que un género tenga que limitarse o ser de cierta forma mucho más precavido que el otro en nuestra forma de vestir, las horas y lugares a los que salimos o hasta con lo que decimos? Injusticia, es precisamente de lo que quiero hablar. Como mujer yo nunca he podido sentir la libertad de usar lo que quiera, caminar o salir cuando quiera. Y nunca lo sentiré. Precisamente ese es el desbalance social por el que pelea el feminismo. Más allá de hablar acerca de mi experiencia, el feminismo habla del conjunto de experiencias de las mujeres que vinieron y mujeres que están por venir. El feminismo, es buscar la equidad entre géneros y el respeto mutuo. Simplemente la equidad. Las mujeres venimos peleando por esto desde hace años. Gracias a ello, yo estoy escribiendo esto y tu lo estas leyendo. Pasitos cortos con cambios grandes. El feminismo nace de feminicidios, nace de desigualdad y de miedo. No busca hacer menos a los hombres ni los odia; al contrario, busca crear un sistema en donde su empatía y respeto sean la norma. Una feminista no lo quiere hacer menos ni busca venganza, busca justicia. Buscamos que nuestros derechos sean reconocidos. Simplemente un sistema justo. Hay que dejar claro que si bien el feminismo es una lucha, no es un genocidio. Ninguna feminista es una femin*zi, porque de ninguna manera el movimiento se compara con campos de concentración, con la tortura y muerte de miles de inocentes. Es denigrante comparar un movimiento que busca la igualdad con una guerra mundial. Si tu sientes impotencia como yo, de limitar tus actividades, o si tienes miedo de que el día de mañana tú, tu hermana, tu mamá, tu amiga o tu abuela sea la siguiente mujer desaparecida en las noticias (por que sí, en este país 20 de nosotras desaparecen al día). El feminismo está peleando por tu miedo, por las cosas que dejas de hacer o que haces de más “por ser mujer”. Un grito desesperado de mujeres que, como yo, no quieren ser la siguiente desaparecida, el cuerpo desfigurado en las noticias, la niña violada por su familiar, la mujer golpeada por su pareja o la señora acosada en el metro. Sólo queremos empatía, igualdad y respeto sin miedos o estigmas, para vivir con la libertad de poder ser nosotras mismas.

FUTURE

SELF D i r e c c i Ăł n C r e at i va P o r A L i n a r i v e r a fotografĂa por Carmella

Jumpsuit con estampado digital por Diana Garza Modelo: Daniela Lartigue

En una industria tan cambiante, donde se exige una versión contrastante de diseño, ha llegado el momento de cuestionar la manera en la que podemos implementar nuevas tecnologías durante el proceso creativo, y así fusionar el talento humano con sistemas lógicos de punta.

Hoodie tipo puffer con estampado digital por Guillermo Fonseca Modelo: LucĂa FarĂas

Camisa de algodรณn con tejido por Paola Valdez Pantalรณn con corte recto por Paola Valdez Modelo: Jaka Sirok

Saco con mangas abullonadas por María José Cota Vestido de satín por Monserrat Bahena Modelo: Camila Bojórquez

Camisa por Paola Valdez

Saco de chiffon bordado por Cristina Martínez Modelo: Lucía Farías

Producciรณn por Monserrat Bahena Maquillaje por LichiViCalzado por Jolie Paire

La tecnología apoya la moda protegiendo el medioambiente por Hania Dosal Murillo ¿Puede la tecnología sumarse a la moda para intentar tener un impacto positivo en el mundo? En este texto exploramos el potencial de la impresión 3D para ser aplicado a la moda. La rápida evolución de la tecnología y sus diversas aplicaciones en la moda pueden ayudar a mejorar la industria del fast fashion, y al mismo tiempo, hacer que las marcas grandes de esta industria produzcan colecciones de manera sostenible. Las empresas de moda rápida han creado su imperio basado en ventas masivas, lo cual afecta al medioambiente en diferentes aspectos. El elegir comenzar a fabricar ropa con impresoras 3D puede ser una perfecta solución para que estas empresas logren un ingreso incluso más rápido, creando una cadena de producción más efectiva sin afectar las producciones y obteniendo buena calidad en sus piezas sin dañar el medio ambiente.

Ventajas de la moda 3D en el fast fashion. Este método puede ayudar a proporcionar a los clientes una nueva experiencia al comprar prendas, y la industria de la moda rápida puede implementarlo en la cadena de producción de sus diseños. Como Vanderploeg, Lee & Mamp mencionan: “La impresión 3D se usa en la industria de la moda para desarrollar prototipos, trabajos de alta costura y productos personalizables que brindan a los consumidores una opción interactiva basada en la elección experiencia ”(2017, p.2). Usando esta técnica, las compañías pueden reducir la cantidad de pasos que normalmente se realizan de una manera tradicional para hacer una prenda, eliminando el exceso de tela en la confección, ya que la cantidad de producto necesaria se introduce en la máquina. Cabe mencionar que la impresora 3D necesita solo archivos pequeños y puede crear diseños complejos en menos tiempo, el suministro de inventario se podría adecuar a la demanda. Los cinco tipos de impresión adecuados para el diseño de moda son SL (láser selectivo), sinterización, FDM, PolyJet y chorro de aglutinante.

Las compañías usan estos diferentes tipos de impresión para crear prototipos, aprovechando las propiedades de mezclar técnicas. Un ejemplo de los tipos de desarrollos que están presentes en la impresión 3D son los termoplásticos (alto rendimiento y durabilidad) y los fotopolímeros (impresiones realistas, finos acabados y flexibles). Siendo estos materiales que pueden imitar a los textiles, reduciendo la explotación del medio ambiente. Un claro ejemplo de esto es la Universidad de Rzeszow, la cual hizo un material que imita la madera en colaboración con la diseñadora Iris Van Herpen, que en sus pasarelas presenta usualmente prendas impresas en 3D, mezclando la moda con estos procesos tecnológicos y creando piezas con cierta flexibilidad y toques finos.

“

Como dice Kuhn sobre esta colección de van Herpen:

En esta colección las superficies están compuestas de alambres delgados, como fibras, que componen las piezas y dan ligereza, proporcionando una mayor flexibilidad “(2015, p. 6).

Con lo expresado en el texto es claro que este tipo de métodos tienen el potencial de volverse revolucionarios y pueden influir en la erradicación de la explotación laboral, logrando mejoras ambientales, sociales y laborales. De igual manera esto podría eliminar el exceso de inventario que tienen las tiendas de moda rápida, creando solo la cantidad necesaria de prendas y realizando este tipo de cambios, el consumidor puede llegar a tener una experiencia personalizada.

La tecnología evoluciona cada día y es importante buscar nuevos métodos que cambien las maneras de producir lo que consumimos así como sumarla a la moda y juntas emplearlas para proteger el medio ambiente.

INSTAFEED Por Majo Munguía, Sarah Downing & Christianne lozano

¿A quién no le gusta que le piropeen su trabajo? Aún más si te costó horas de desvelo, sudor y lágrimas (que llorabas mientras trabajabas porque no te daba tiempo de dejar de hacerlo). Con mucho orgullo subimos nuestros trabajos a Instagram al finalizar el parcial, como para decir "Mamá lo hice!", y más que todo para demostrar que no somos "Mientras me caso", y que SÍ estudiamos. Stalkeamos a algunxs de nuestrxs seguidorxs alumnos de la carrera, y con mucho orgullo te presentamos una selección de sus trabajos.

Bon

appétit!

Todo comienza excelente las primeras semanas de clase y estás emocionadx por tus próximos proyectos, pero como va avanzando el semestre, necesitas comprar papel para los patrones, después telas, hilos, estambres y te empiezas a frustrar y no solo porque la puntada de tejido no te sale, sino que tu cartera te tiene resentimiento por los daños que va sufriendo. Pero aun así nunca puede faltar el momento más delicioso del día: sí, la comida.

Por Diana Torres

Munch

Si eres un estudihambre y foodie lover, deja la sopa maruchan del 7-Eleven que esto es para ti. Te presentamos los hot & yummy spots de Monterrey, lugares súper accesibles y deliciosos, para que vayas con tu date, a tomarte un cafecito o para los miercolitos con lxs amigxs.

! al

ient r O

¿Quieres algo casual para munchear? Muncher house es tu lugar. Hamburguesas, boneless, papas y no te olvides de un buen drink.

El lugar más top de co oriental es Oriental G Sushi, ramen, dumplin pokes, con un sabor uff de-li-cio-so!

@muncherhouse

@orientalgrillmx

ffee o C

Si amas el café con un tostado especial, tienes que ir a Kali Coffee Roasters, el lugar es ideal para ir a trabajar con tu equipo o para disfrutar de una buena plática. @ kalicoffeeroasters

omida Grill. ngs, fff,

NCH! U R

Domingo por la mañana perfecto para un brunch. Llegó Pancake Paradise a Mty, con una variedad estratosférica de pancakes y desayunos ideales. @pancake.paradise

VEGAN

Si eres vegano también tenemos una opción para tí. Taller Vegánico, restaurante comprometido con la salud y el medio ambiente. Puedes encontrar ensaladas, tacos, hamburguesas y más. @tallerveganico

Respiración Circular y Viscosa, 2013

Exposición

Rafael Lozano-Hemmer “Presencia Inestable” Por María José Munguía

Rafael Lozano-Hemmer es un artista mexicano nacido en la Ciudad de México en 1967 y radicado en Montreal, Canadá desde los 17 años. Lozano-Hemmer se graduó de fisicoquímico, pero la creación artística llamó su atención poco después y decidió basarse en el arte electrónico, desarrollando instalaciones interactivas a gran escala para que haya participación por parte del público. Su exposición “Presencia Inestable” se encuentra actualmente en el Museo de Arte Contemporáneo del 23 de agosto 2019 al 26 de enero 2020. La exposición busca recordarnos la problemática que existe en la intervención de la tecnología en contextos sociales, políticos y económicos, para mostrar cómo la tecnología y el cuerpo son inseparables.

Es la combinación de un artefacto científico y una instalación de viento muy similar al instrumento musical del órgano que contiene un dispositivo en forma de árbol con sesenta y un bolsas de papel que cuelgan de los tubos de la respiración, que se encuentra en una caja de vidrio donde las personas que entran, respiran el aire que anteriormente respiraron las personas que estuvieron previamente haciendo que inflen y desinflen las bolsas de papel.

La exhibición es increíble pues cuenta con 26 de sus trabajos más importantes, los cuales te hacen sentir partícipe de cada uno de ellos. Aquí te presentamos tres de los que más nos cautivaron.

En una sala te encuentras rodeado de imágenes blanco y negro de las personas que se encuentran dentro, ya que cuenta con doce cámaras de vigilancia que hacen un reconocimiento facial, lo que hace que las caras de las personas que se encuentren dentro de la sala sean reflejadas en tres de las cuatro paredes.

Espiral de Corazonadas, 2008

Pabellón de Ampliación, 2015 (Fotografía de Guy L’Heureux. Cortesía del artista y Bitforms Gallery.)

Una instalación conformada por 300 focos acomodados en forma de espiral. Tiene un sensor que al sostenerlo, el latido del corazón de la persona es detectado y comienza a parpadear conforme a su propio ritmo cardiaco.

INTERVIEWs A TALENTO

LATINOAMERICANO

& A

Por angela flores

Inspirados por su gran talento y trayectoria, contactamos a Steph Orozco y AndrĂŠs Baglivo para que nos platicaran de sus experiencias, retos, consejos y opiniones sobre la industria de la moda latinoamericana.

STEPH OROZCO 42

Para tí, ¿Qué es la moda? Personalmente la moda es un diálogo que me gusta entablar para contar historias, crear personajes que rompan la monotonía de solo ser o creernos de una manera; somos multifacéticos y la indumentaria enmarca nuestra personalidad dándole fuerza a cualquier mensaje que se quiera comunicar. ¿Podrías describir un poco de tu trayectoria? En el 2012 egresé de la Universidad Interamericana para el Desarrollo con la Licenciatura de Diseño e Industria del Vestido. En el 2013 quedé finalista en Project Runway Latinoamérica. He expuesto en plataformas como Nicaragua Diseña 2015, Front Row Edición 2015 y 2016 del Centro de Estudios Superiores de Diseño de Monterrey (CEDIM), Trends Monterrey Edición 2014 y 2016, la Feria Textil Internacional con sede en Puebla, Exintex 2016 y en El Centro de Las Artes de San Luis Potosí 2019. En 2017 estuve como Coordinadora de la Licenciatura Diseño y Negocios de la Moda en el CEDIM, fui docente de Diseño y Experimentación Textil del 2015 al 2018, así como también fui docente en Arte A.C. y UNID Monterrey. En 2018 colaboré con el artista contemporáneo Carlos Amorales y el músico Enrique Arriaga para la exposición “Protesta Fantasma” en Nave Generadores de Parque Fundidora. La próxima exhibición será en el marco del Abierto Mexicano de Diseño en CDMX del 9 al 13 de octubre 2019.

¿Quién es tu diseñador favorito? ¿Quién es tu icono de estilo?

¿Qué es lo diseñador

Todo en mi evoluciona conforme más investigo y conozco el mundo. Viajar ha impulsado muchísimo mi inclinación por otras disciplinas fuera de la moda y también me ha ayudado a descubrir más sobre los diseñadores que ya admiro como Rick Owens, Ann Demeulemeester, Martin Margiela, Yohji Yamamoto, Rei Kawakubo. Estudiar fotografía también me hizo enamorarme de personajes como Vivian Maier y Sophie Calle que inspiran mucho de mi trabajo. Sobre íconos de estilo definitivamente Frida Kahlo, Georgia O’Keeffe, Michèle Lamy, Tilda Swinton y el personaje de Lisbeth Salander en la película de David Fincher.

Me gusta l indumenta rias; a travé también ne texto socia llevar pues En cuanto mentaria, fascinación les crudos vertirlos en que puede la confecci más rápido me gusta la sacarla del cuentra y t no imagina siempre so de siluetas contrar en El no perd sonal al co nemos al a más allá to lo que ya e algo que no contempla no tener m cómo nos v

¿Cómo esperas que se sientan las personas al usar tu creaciones? Identificados. Me gusta que muchos de mis amigos que he conocido a través del trabajo, siento como si ya nos conociéramos de tiempo atrás y es por que me gusta expresarme a través de cada detalle. Mi enfoque está totalmente hacia la calidad de las prendas, el comunicar la identidad de la marca a través de la pulcritud y el nivel de diseño que hay detrás de cada pieza, eso es lo que atrae a las personas a conocer la marca, desde fotógrafos, tiendas, clientes; es nuestro vínculo más fuerte con el mundo.

que más disfrutas de ser r/a?

la capacidad que otorga la aria de poder contar histovés de tu vestir decir algo o egarlo, participar en el conal sólo por lo que decides sto. o a la producción de inducrear una prenda es mi n, me gusta tener materiay en un par de horas conn algo que ya es funcional, es usar en ese momento, ión es uno de los procesos os para generar un objeto, a manipulación de una tela, l plano 2D en que se entrabajarla de maneras que aría de no ser por buscar orprenderme, alimentarme s que no son fáciles de endonde yo estoy. der nuestra identidad peronformarnos con lo que tealcance, si no buscáramos odo sería más monótono de es ahora. Me gusta creer en o todo mundo se detiene a ar, el ser únicos, diferentes y miedo a decirlo a través de vestimos.

¿Cuál crees que es el mayor reto en el mercado nacional al ser una marca/diseñador mexicana? Competir con los beneficios inmediatos que ofrece el fast fashion; no podemos producir al nivel que ellos lo hacen pero creo que como diseñadores tenemos una historia que contar, una autenticidad detrás de cada pieza pero es importante aprender a comunicarlo y no verlo como una lucha si no como una introspección del consumidor de moda. Cada persona debe ser consciente de lo que sus hábitos de consumo producen y también del valor del diseño, el cual creo ha ido tomando fuerza pero no todo está en manos de las marcas, necesitamos el despertar de los individuos.

¿Cómo ha cambiado la industria de moda mexicana desde que comenzaste tu carrera? Definitivamente ha crecido, no cambiado. Habemos más haciendo de todo, se han pulido procesos durante la marcha y se ha hecho el suficiente ruido para abrir la identidad del diseño mexicano fuera de sólo las lecturas que solían existir en colaboración con procesos de comunidades de artesanos. Creo que ahora también existen discursos sobre cuestiones de género, de carácter social y político, además que ahora hay medios y canales de comunicación que difunden diseñadores emergentes y apoyan la experimentación, no sólo el eje de la moda como negocio. Sin embargo, creo que aún carecemos de gente que quiera trabajar para alguien más, seguimos forjando mentes para que busquen ser la siguiente marca pero no hemos entendido que también nuestro talento tiene valor en un equipo de diseño, que a veces es necesario aprender de la experiencia de alguien más y eso mismo empujaría el crecimiento de las marcas locales y nacionales. También creo que falta involucrar disciplinas como la sociología y antropología en el estudio de la moda en México, hay que balancear la cantidad de productores como también la de críticos, editores e investigadores de la moda.

¿Cuáles han sido tus mayores logros desde que empezaste tu marca? Personalmente algo que agradezco de estos 7 años de trabajo y el crecimiento orgánico que ha llevado el proyecto, es la identidad que ha tomado la marca, la intimidad del diseño que se ancla con mis búsquedas y anhelos, el poder ir materializando esos sueños de pulir y conocer técnicas, desarrollar exploraciones donde los resultados sobrepasan tus expectativas y seguir teniendo la energía para crecer haciendo lo que me apasiona.

¿Qué consejo le puedes dar a alguien que sueña en convertirse en un/a diseñador/a de modas? Que haga muchas otras cosas más que ir a la escuela, que si puede se aventure a una escuela pública fuera de su país y si lo va a buscar que dé todo en el camino. Que no lea revistas de moda y mejor encuentre un género de literatura, que tenga mucha curiosidad por todo y cada que pueda tome cursos de eso que le inquieta, que hable con extraños en el camión en lugar de estar en Instagram y que entienda que la moda es mucho más que ser diseñador.

“

La lección más importante que aprendí a lo largo de mi carrera es que nunca se termina de aprender y que el ser creativo siempre puede querer conocer y explorar otros medios pero nunca va a dejar de producir ideas. - STEPH OROZCO

¿Qué cambios te gustaría ver en la industria de la moda en latinoamérica? Me gustaría ver más individualidad, el desapego a las modas en masa, volver a lo humano, lo íntimo, lo auténtico. Me gustaría que dejaran de tener miedo al rechazo, que fueran pacientes para los ritmos orgánicos que la producción de moda debe tener, que desmoronemos esas ansiedades que satisfacemos con tener en cantidad en lugar de calidad, que nos veamos siempre con la misma ropa pero es por que nos encanta que no podemos pensar en llevar puesto otra cosa… No sé, creo que siempre me gusta soñar este ideal donde hay suficiente para todos y volvemos a balancear el mundo.

Andrés Baglivo ¿Podrías describir un poco de tu trayectoria?

Para tí, ¿Qué es la moda? Para mí la moda es un lugar en donde en mi caso puedo expresarme y para otros supongo que debe ser una tendencia a nivel mundial de ciertos patrones que rigen el concepto estético y visual.

Arranqué este proyecto prácticamente bastante grande, a los 34, 35 años. La mayor parte de mi vida me dediqué a jugar futbol, fui futbolista profesional. Comencé jugando a los 11 y dejé de jugar a los 29. Trabajé para una marca comercial de Argentina durante 7 años y en ese momento empecé con mi vintage y luego empecé a diseñar. Empecé como tienda vintage en un lugar llamado 5ta Avenida en Buenos Aires, el cual era un punto de encuentro de artistas y coolhunters, un lugar de culto. La situación del vintage tiene algo que no permite volar demasiado y yo en un punto necesitaba expresarme por eso empecé a diseñar y a fabricar mis prendas y creé lo que ahora es Roberto Sánchez.

¿Cuáles han sido tus mayores logros desde que empezaste tu marca? Hay una parte moral que te puedo decir de esa pregunta y otra que tiene que ver más con victorias digamos de mi proyecto. El mayor logro es todos los días poder vivir y resolver tu vida con un proyecto natural que sale de voz y que la gente lo acepta y me acompaña, eso ya para mi es un logro. Yo tengo una manera de concebir la vida que me conformo con cosas simples... de ahí para arriba por supuesto, no? Después logros importantes son haber trabajado con artistas importantes que admiro como: Katy Perry, Maluma, Miguel, Ilya Kuryaki and the Valderramas, Molotov, entre otros. Asimismo, también hice una colaboración con Dior.

¿Quién es tu diseñador favorito? ¿Quién es tu icono de estilo? Es una pregunta muy complicada para mi. Hay marcas que tienen un nivel de perfección y de concepto tan único, obviamente Versace y Gucci a nivel internacional. La verdad es que no tengo un diseñador favorito.

¿Cuál consideras que es la lección más importante que has aprendido a lo largo de tu carrera? La lección más importante que aprendí a lo largo de mi carrera es todos los días aprender, nunca creer que sabes todo. Cuando uno piensa que sabe todo o que logro todo, ahí es cuando uno realmente está en problemas. ¿Qué consejo le puedes dar a alguien que sueña en convertirse en un/a diseñador/a de modas? ¿Cómo ha cambiado la industria de moda latina desde que comenzaste tu carrera? Yo me considero ante todo un artista, que me comunico, que en vez de hacer canciones hago prendas. No hago invierno, no trabajo verano, no tengo forma para trabajar, hago prendas, colecciones, pero no tengo un formato establecido, trato de no entrar en una situación de industria. Lo que sí te puedo decir es que no está tan facil ser un diseñador latino. A mi me parece que la gente que ha impactado en la historia son las personas que crean algo distinto, que han cambiado las reglas. ¿Qué es lo que más disfrutas de ser diseñador/a? Lo que más disfruto es algo que todavía no puedo creer y le agradezco a Dios: el poder vivir de algo que sale de mi corazón, de mi cabeza, de mis sentimientos y digamos de mi mundo interno. Poder vivir de eso en este país, que está pasando una crisis bastante grande y yo poder vivir de eso, esa es la parte que más disfruto.

¿Cómo esperas que se sientan las personas al usar tu creaciones? Tengo un modo de trabajar muy exclusivo, las prendas que hago, en tela… las cantidades son limitadas. Son como líneas con cantidades muy limitadas y exclusivas, trato de mantener eso dentro de la demanda que la gente quiere de mí y con respecto al cuero lo trabajo a medida de un modo personalizado. A mí me interesa que me compre el que entiende mi concepto, lo valora y valora esa situación de tener una prenda que no es de 1500 sino de pocas piezas. Mi público es prácticamente el cazador de tendencias. La gente que intenta hacer algo distinto, el que se atreve. ¿Cuál crees que es el mayor reto en el mercado internacional al ser una marca/diseñador latino? Yo no creo en las fronteras yo pienso que cuando uno hace algo que tiene calidad y es bueno, no importa si es latino o europeo o lo que sea. Yo confío mucho en lo que hago y para mi no hay barreras.

Creo ser un buen ejemplo por que sobre todo le di mi vida a otra actividad, es bastante particular que una persona a los 32 años tenga que reinventarse, no fue fácil. Por lo general una persona a los 30 años ya está encaminado a lo que quiere. Bueno, yo veo a los chicos de hoy queriendo a los 20, 22 años tener claro a lo que se van a dedicar y si no lo tienen claro ya se sienten fuera del sistema... yo les recomendaría que se relajen y que nunca dejen de hacer cosas y en la sumatoria de cosas se adquiera la experiencia, nadie puede querer tener el éxito de un día para otro. Vivir trabajando y poniéndole ganas a lo que quieren lograr. El camino final es parte de un recorrido y eso se hace a través de los años y nunca es tarde para girar 180 grados. Lo importante siempre es hacer lo que nos gratifique el alma.

BEAUTY IDENTITY

CRISIS D i r e c c i ó n c r e at i va P o r Cristina Martínez y Alejandra Vega Inspirados por el auge en la tendencia de maquillaje experimental (thanks Euphoria), en YY decidimos crear este editorial centrándonos en el poder que nos confiere el make-up para reflejar nuestra individualidad y la manera en que se puede abordar como una forma de arte y expresión. Colaboramos con tres ilustradoras de Diseño Gráfico: Isabel Herrera, Dany Rodriguez y Caty Hinojosa, quienes intervinieron 3 de las fotografías análoga de Paulina García.

androginia y másculinidad en la industria de la moda Por CHristianne lozano

El concepto de masculinidad está cambiando actualmente en el mundo de la moda debido a la conciencia de género, la apreciación de la moda basada en una nueva masculinidad y los ideales para alcanzar la verdadera identidad de cada persona, con el objetivo de convertirse en una industria enfocada en la expresión personal, más allá de etiquetas de género. El papel que desempeña la ropa en el desarrollo de la identidad propia ahora está rompiendo significativamente límites de género al experimentar y dejar que el usuario interprete y se mantenga fiel a sus ideales. A partir de declaraciones contemporáneas de moda, han evolucionado ideas de cambio y prosperidad en una nueva forma de pensar, encausándose así hacia diferentes formas de expresar el género de una manera nueva e innovadora, como es la perspectiva andrógina.

“

La androginia es la deconstrucción de los sexos para formar una nueva perspectiva, ya sea en el estilo de vida, la forma en que las personas se visten, actúan, etc.

El género tiene un gran impacto en el desarrollo psicológico del cerebro. Existe una relación entre la conciencia de género y la forma en que la persona desarrolla sus sentidos y mentalidad con respecto a sus intereses en la moda. Basado en la teoría del esquema de género, presentada por la psicóloga Sandra Bem en 1981, los roles de género se forman debido a la exposición que el niño tiene a una edad temprana y a cómo percibe el mundo a su alrededor. A los cinco años, los niños ya han desarrollado una idea estereotípica de género basado en respuestas cognitivas de adultos. Esta evolución se desarrolla a través de los años hasta que el individuo tiene una idea clara de quién es, en qué cree y qué ideales seguirá a lo largo de su vida. El concepto de masculinidad juega constantemente con los estilos y las percepciones, ya que se considera una construcción funcional adaptada por hombres y mujeres y sus perspectivas personales de género (Halberstam, J. 1998).

¿Qué es la masculinidad? ¿Qué significa ser masculino? Siempre ha habido una idea estructurada de lo que es un hombre, ser fuerte, independiente, dominante, agresivo, pero ¿por qué se ven y perciben sólo como los factores mencionados anteriormente? La masculinidad se puede interpretar de maneras diferentes y depende de cada persona como lo define. La moda es una forma de comunicación, por lo tanto, la forma en que el individuo aborda este concepto definirá la libertad, la aceptación, la comunicación y dominio de la propia identidad de la persona explotando los diferentes roles de género y tomando conciencia de las mentalidades refrescantes y las identidades contemporáneas.

I l u s t r a c i รณ n : D a n i e l Ro d r i g u e z

Ilustraciรณn: Catalina Hinojosa

LONDON FASHIONWEEK 54

La tradición encuentra maneras de reinventarse Por Guillermo fonseca El mes de la moda continúa llevándonos de Nueva York a Londres, donde revisamos 5 colecciones que destacan como una muestra de ingenio en la que los diseñadores detrás de ellas encuentran maneras de reinventar su ADN y continuar con la historia de la marca para la que diseñan. La diseñadora Molly Goddard conocida por sus románticas y voluminosas piezas (que implican capas y capas de tul, así como plisado) encontró maneras de canalizar el sello personal y la energía de su marca en un nuevo rango de piezas. Goddard, quien tiene apenas 5 años en la escena de la moda, empleo el ligero material por el que es conocida en blusas y faldas, proponiendo una versión más usable de lo que son sus creaciones bigger-than-life. Su proposición más novedosa se encontraba en las piezas que no implican el tul, pero sí el característico acabado plisado que emplea usualmente. En esta ocasión el plisado, combinado con una precisa sastrería creó volúmenes que evocaban a sus anteriores creaciones de una manera más fresca. Christopher Kane es un amante de la naturaleza. Y en esta ocasión quiere que nosotros lo seamos también. El diseñador presentó piezas inspiradas en ‘una persona que ama la naturaleza, hacer el amor en ella, estar en contacto con lo natural y dormir con las estrellas’ creando así una colección con el característico subtexto sexual de Kane. Una sensualidad perversa y casi intelectual. Christopher moldeó su creatividad alrededor de sus siluetas y piezas características: novedoso encaje en colores ácidos, cortes orgánicos y estratégicos en las prendas, el vestido baby doll y el empleo de la transparencia y las burbujas de gel en formas creativas. Todos los elementos tan irresistibles como la primera vez que los presentó en la pasarela. Burberry por Riccardo Tisci en esta ocasión nos presentó un intento por casar la visión del diseñador italiano con la identidad británica de la marca. Para esto, Tisci buscó ir tras las raíces victorianas del fundador de la marca y se referenció constantemente elementos como los corsets, el encaje, acabados en mangas y cuellos. Riccardo dejó clara su visión en la manera en que estos elementos se mezclaban con un toque contemporáneo y versatilidad urbana. Destacaron las piezas que presentaban plisado, testamento de las habilidades de Tisci. Aunque esta vez la colección no presentaba una división de secciones con el fin de crear un mensaje más cohesivo, aún no queda claro quién es la mujer Burberry.

JW Anderson presentó una maestría de sus elementos, donde de manera brillante combinó su estética artesanal con siluetas ya identificables para la marca como el handkerchief dress, el abrigo oversized y el midi dress. El resultado fueron prendas tan pulidas como ingeniosas, un balance entre practicalidad y propuesta bajo esta concepción del lujo que solo Anderson sabe dominar.

Cerrando LFW Richard Quinn ingenió una reelaboración de su estética maximalista mediante la celebración de la vida, la muerte y el amor. Las cosas que percibimos como singulares en nuestra experiencia trascienden como universales y nos conectan. Tras su usual muestra de ingenio y decoro mediante el uso de maxi prints y estrafalarias siluetas, destacaron las piezas en colores sólidos, particularmente 2 vestidos largos de seda, uno rosa y otro amarillo, el último con una elaborada flor drapeada al centro del busto y capas de tela simulando pétalos cayendo de él. Quinn encuentra nuevas maneras de canalizar el maximalismo. Al final el show cerró con una sección de novias enfundadas en exquisitas creaciones tupidas de cristales y acompañadas por sus flower girls en tocados de plumas. Un vestido para todos los tipos de novia. Definitivamente la pasarela es ‘un santuario de la moda donde todos podemos venir a celebrar’, en palabras del diseñador. Es interesante ver a los diseñadores londinenses explorar las raíces de su trabajo, sus sellos personales y cuestionarse cómo pueden expandirlos y diversificarlos, conectándose esto a la crisis sobre la identidad británica que vive el Reino Unido en borde del Brexit. Los diseñadores reafirmaron quiénes son y con colecciones tan novedosas como apegadas a los códigos de sus marcas, de manera optimista contestaron la pregunta ¿cómo avanzamos? La respuesta, como ante todas las decisiones que implican un futuro desconocido, fue al unísono: simplemente lo haces. Encontrando maneras de renovarte mientras te mantienes honesto a ti mismo. Y la historia continúa.

U n a N o s ta l g i a

Física y Mental Por Mariale Velázquez Con tan sólo decir que mi hermana de doce años vende scrunchies (uno de los accesorios que define los 80’s) de todos los colores que existen, nos damos una idea de cómo funciona la moda hoy en día. Tal vez ella no lo sepa porque es una niña que solamente vende lo que ella y sus amigas ven a las bloggers usar, pero las tiendas y empresas usan productos que estuvieron de moda en el pasado como su estrategia de marketing, utilizando a su favor esa nostalgia que existe en la industria. La moda se trata de una revolución y alcance a lo que no se ha visto antes. ¿A dónde se nos han ido aquellos líderes con la pasión de evolucionar? La moda es una decisión. Todos los días decidimos cómo queremos mostrar nuestro exterior ante el mundo. También decidimos entre quedarnos estancados en nuestro pasado o construir un camino hacia el futuro. Ya que estas decisiones se derivan de nuestras emociones, es hora de aceptar cómo cada minuto que vivimos nos hace ser las personas que somos, y que cuando volvemos a ver hacia el pasado dejamos que éste controle nuestro presente. Decir lo que pensamos no es suficiente. La única manera de hacer un cambio es actuando, y mientras no lo hagamos nosotros mismos nos limitamos a las normas que nos pone la sociedad. Esta generación, más que ninguna otra, ha reaccionado hacia el daño que le hemos hecho a nuestro planeta. Estamos informados de la situación y la mayoría quiere hacer el bien y hacer el bien. Últimamente se ha puesto de moda el thrift shopping, o marcas que crean prendas usando piezas vintage. Este es uno de muchos movimientos que ayudan en la lucha contra la contaminación de este planeta, lo cual es algo positivo. Pero como todo en esta vida, todo lo bueno tiene su lado negativo. Nuestras acciones crean una reacción, y como una sociedad sustentable, se ha vuelto una idea no solo física, pero también mental. Al reciclar físicamente, no hemos dejado de reciclar las ideas del pasado. Es muy comun escuchar que todo lo antiguo es mejor, y ultimamente a traves de la tecnologia, hemos sido víctimas de la admiración al pasado. Yo, en especial sigo diversas páginas en instagram de la moda y música antigua. Estamos tan impactados con los eventos del pasado, que no estamos tomándonos el tiempo para ser innovadores, y crear un impacto nosotros mismos. En teoría, la moda nos identifica individualmente, diferenciándonos de los demás. A la hora de tomar decisiones de vestimenta, música o los lugares a donde vamos, nos enfocamos solamente en las tendencias y la necesidad de pertenecer, cuando podríamos experimentar algo nuevo. Escogemos seguir a los demás en vez de ser el ejemplo, y cuando la mayoría escoge el mismo camino, no existe un avance. Se supone que la tecnología es lo más cercano que tenemos al futuro, pero a veces se vuelve un elemento que nos está limitando. Este año una de las series más populares fue la de Luis Miguel. Aquel que derretía los corazones de nuestras mamás y tías en su época de adolescentes. Fue una estrategia para que regresara esa fama que había perdido con los años y comenzar un tour de nuevo. Esto es preocupante para los artistas que todavía no han logrado que se escuche su música. Quizás Luis Miguel ya tuvo su oportunidad de brillar. Lo mismo sucede con las tendencias que los innovadores quieren poner en prueba. No les damos una oportunidad por seguir revisitando el pasado.

V i n ta g e

empowerment

Dirección Creativa y Fotografía por Sarah Downing, Maria José Munguía y Christianne Lozano.

Inspiradas en las ideas de la sociedad proyectadas en las mujeres acerca de lo que podemos hacer y las cosas que nos dicen que no debemos hacer, mostramos el perfil de una mujer que utiliza sus accesorios para expresar su poder, encontrando así un balance entre ser delicada y fuerte al mismo tiempo.

Bolsa de Marian Freyre y cinto de Bodega Vintage Shop Modelo: Daniela Colomé

Anillo, lentes, aretes y pulsera de Rolling Rocks

Collar, anillo y pulsera de Rolling Rocks

Netflix and... costume design Por Monse Bahena Nadie puede negar que uno de los mejores amigos de una estudiante de moda es Netflix: noches enteras cosiendo y descosiendo mientras tienes tu serie favorita de fondo (la cuarta vez que empiezas Friends), el binge watch que te avientas un fin de semana mientras te peleas con el telar o bordando tus muestras para Alta Moda, o simplemente cuando entras en crisis y ya no quieres ver ni un patrón.

Por eso, te mostramos nuestro Top 5 de series ideales para acompañarte mientras coses esa bastilla a mano y que además te pueden servir de inspiración por su diseño de vestuario y styling.

Russian Doll Costume Designer: Jenn Rogien Una comedia dramática intrigante y sarcástica con una premisa bastante interesante: Nadia, la protagonista que muere y resucita en la fiesta de su cumpleaños 36, tiene que enfrentarse a sí misma y la manera en que vive para descubrir el porqué está atrapada en este time loop.

Fun fact: Jenn Rogien ganó con esta serie el premio a Outstanding Contemporary Costumes en la entrega de los Emmys 2019 por el episodio “Superiority Complex”.

Chilling Adventures of Sabrina

Costume Designer: Angus Strathie

Inspirada en el comic book con el mismo nombre publicado en 2014, esta serie no tiene nada que ver con el clásico cómico noventero. En esta versión, Sabrina está dividida entre el mundo mágico y el no-mágico mientras enfrenta retos y rivales más oscuros al mismo tiempo que problemas sociales actuales en su preparatoria junto con sus amigos.

Fun Fact: ¡Los hechizos son reales! La diseñadora de producción, Lisa Soper, es practicante del paganismo y ella es quien los escribe, siendo fiel a los rituales paganos. ¿Miedo?

03POSE

Costume Designer: Lou Eyrich y Analucia McGorty Serie que llega a Netflix el 28 de septiembre de este año, está ambientada en Nueva York a finales de los años 80 y se centra en la comunidad LGBTQ afroamericana y latina específicamente en la escena ballroom.

Fun fact: Te recomendamos ver Ballroom Culture: the Language of Vogue de Ronald Murray, una Tedx Talk muy clara y eye opening sobre el tema.

04Dynasty Costume Designer: Meredith Markworth-Pollack

El reboot de la serie de los años 80, drama familiar de poder, mucho dinero y mucho estilo que se centra en la rivalidad entre las familias Carrington y Colby. De los creadores de Gossip Girl, puedes esperar la misma cantidad de drama, misterio e impresionantes outfits.

Fun fact: Meredith Markworth-Pollack era la mano derecha de Eric Daman, diseñador de vestuario en Gossip Girl.

Las chicas del cable Costume Designer: Helena Sanchís Lidia, Marga, Ángeles y Carlota se enfrentan a los cambios sociales en Madrid a finales de los años 20, entre romances, amistades y un nuevo trabajo que les brinda la oportunidad de ser mujeres independientes.

Fun fact: El vestuario está diseñado especialmente para cada actriz y su personaje, por lo que cada look es representativo de la personalidad de cada una.

Entrevistas a EX ALUMNXS LDTM Por Guillermo fonseca

ES TEFA NÍA A R ZA TE

Generación Agosto 2011- Mayo 2016 @medicenestef

¿En qué te desempeñas actualmente y en qué consiste tu trabajo? Puedes ser tan breve o extensa como quieras. Actualmente estoy trabajando para una empresa mediana dedicada a la ropa de dama en el área conocida como “product management”. En empresas más grandes hay una persona para cada parte del proceso, pero en México es común que una o dos personas se encarguen de todo el proceso y es lo que yo hago. Diseño las prendas, colaboro con las patronistas para descifrar como hacer dicho diseño, estoy contacto con los cortadores, costureras, planchadoras y personas de terminados, estoy al pendiente de todo el proceso que conlleva hacer una muestra, elegir la tela final, el fit, entre otras cosas. Esta es una nueva área para mi ya que estuve trabajando por casi tres años en el área textil, pero creo que todo pasa por algo y el hecho de haber ganado experiencia en lo que es la materia prima de la industria de la moda, hace un poco más fácil para mi entender los procesos del siguiente escalón, por así llamarlo, que es el diseño y elaboración de prendas.

¿Qué fue lo que te llevó a decidir estudiar moda? Hay una frase de la gran Miuccia Prada que dice “What you wear is how you present yourself to the world, especially today when human contacts go so fast. Fashion is an instant language.” Desde que leí esa frase cuando tenía como 17 años se me quedó muy grabada, fue en esa época en la que estás pasando por la adolescencia y experimentando qué quieres, cómo quieres que te vean, etc. Me di cuenta que la ropa es una forma de comunicación que usamos las personas para transmitir mensajes sobre nosotros mismos, sobre lo que somos, sobre lo que esperamos o queremos ser. Desde entonces me gusta la ropa por eso, por la herramienta que es y así como el arte refleja los movimientos sociales y culturales, también la moda, dice algo de nosotros como sociedad. No les creo para nada a esas personas que dicen “a mi no me interesa la moda” porque al final, te apuesto que si les gusta alguien y saben que van a ver a esa persona, se preocupan por lo que van a usar, en cómo se van a ver, si van a una entrevista de trabajo pasa lo mismo o con un nuevo grupo de amigos con los que realmente quieren “encajar”. A los que tenemos el privilegio de poder preocuparnos por esas cosas, nos interesa la imagen que damos de nosotros mismos y la forma en la que canalizamos ese mensaje es a través de la ropa.

¿Del momento que entraste a la universidad, a hoy, cómo ha cambiado tu idea de la industria de la moda en cuanto a los caminos y áreas en las que podemos ejercer profesionalmente? Cuando sabía que iba a entrar a modas, creía ilusamente, como muchas de mis compañeras, que lograr conseguir un trabajo de director creativo para una marca importante era un camino “fácil”, luego llegas como a mitad de la carrera, más o menos cuando tienes que buscar prácticas profesionales, es decir, realmente buscar oportunidades que te gusten en el mercado laboral y te das un portazo con la realidad dándote cuenta que las oportunidades para el trabajo de tus sueños son prácticamente inexistentes en México y mucho más en Monterrey. Afortunadamente me gradué y encontré un trabajo al poco tiempo en la industria textil que me ayudó a abrir los ojos en lo que realmente consiste la industria de la moda, que sí, también está compuesta por los stylists, los instagrammers y todo ese mundo del PR pero la verdadera industria es otra, no tan expuesta, que NO es el mercado de lujo y es lo que sigue de grande. Hay muchísima oferta laboral, en Monterrey no hay tanta pero basta con ir a un Intermoda en GDL para darte cuenta de lo grande que es el sector en México y ni se diga internacionalmente. Así que si alguien se va a graduar y tiene miedo de su futuro profesional, es normal. Sí hay trabajo, pero tienes que buscar, saber que te van a rechazar unas cuantas veces y probablemente sea buena idea que busques en otras ciudades aparte de Monterrey, no limitarte a permanecer en la misma ciudad.

¿Cuál es tu mejor recuerdo de la carrera en la UDEM? Mis compañeros, respuesta súper cliché al grado que parece que la UDEM me pagó para decirlo pero es cierto; todos nos llevábamos súper bien, las clases, incluso los talleres de 4 h 30 eran divertidos porque la convivencia era buena. La relación con nuestros maestros, con Rosy y Edgar haciéndonos correcciones importantes un día antes de la entrega y saber en ese momento que podías despedirte de una noche tranquila durmiendo en tu cama. Alberto siempre súper buen maestro, se me quedó muy grabado que en la sesión de fotos de mi tesis fue a ayudarme sin yo tener que pedírselo, llegó de sorpresa a pesar de ser de noche y haber terminado con sus clases, ahí es cuando te das cuenta que un maestro realmente se preocupa por sus alumnos. Todo este tipo de cosas me hacen apreciar y valorar mi tiempo en la UDEM.

¿Cuál fue la mejor enseñanza que te dejó haber estudiado aquí? Explorar mi libertad creativa y guiarme en mi proceso al hacerlo. Hace muchos años, platicando con Alê Perlatti, sobre cómo mucha gente dice que a los de modas nos enseñan cosas “inútiles” y que la ropa que hacemos en nuestros proyectos nunca se va a poder vender, recuerdo muy bien que me dijo que el deber de una escuela de modas era enseñarte a explorar, a experimentar y a desarrollar tu creatividad aunque el resultado se viera un poco extraño y no usable, que la escuela es la que te da las bases para que cuando tú salgas y llegues a un trabajo real, tus ideas y tu mente abierta te ayuden a ver posibilidades más allá de lo que está, hacer lo establecido de formas diferentes; ahora puedo comprender realmente lo que me intentaba decir en ese momento y afirmar que es totalmente cierto.

Por último... ¿Si pudieras darle un consejo a tu yo de primer semestre, cuál sería? Relájate, todo va a estar bien. Todos dicen eso y es por algo, nos ponemos tanta presión en lograr éxitos, en distinguirnos de nuestros compañeros, que a veces nos olvidamos que nuestro tiempo como estudiantes está por acabar, así que me diría a mi misma que disfrutara mi tiempo ahí, explorara aún más, que hiciera proyectos aún más alocados y simplemente que me divirtiera.

Completa la siguiente frase: Lo mejor de estudiar moda es… La libertad que te da la escuela creativamente. Una vez que entras al mundo laboral, todo se empieza a regir en base a números, a estadísticas, en torno a lo que vende y a pesar de que también es muy interesante, esa libertad creativa de hacer un vestido hecho de ramas y chicles si tu quieres, es algo súper padre que en la escuela se te anima a hacer y a explorar.

MÓNICA MARCELA AGUILERA Generación 2008 - 2012 @monicamarcelaa

¿En qué te desempeñas actualmente y en qué consiste tu trabajo? Puedes ser tan breve o extensa como quieras. Soy diseñadora en Cavalier Fashion Group, una compañía mexicana de origen francés con más de 50 años en la industria de la sastrería masculina que representa a 4 marcas propias y 5 licencias internacionales. Junto con un equipo de diseñadoras, soy responsable de la creación de dos colecciones al año para 7 de nuestras marcas. Mi trabajo va más allá de diseñar un traje, ya que estoy involucrada en todo el proceso de creación, desarrollo y producción de las colecciones: selección y compra de los textiles, seguimiento a la producción de la prenda, estilismo de las campañas publicitarias, presentación para venta a nuestros clientes –las principales tiendas departamentales del país-, hasta la capacitación a los vendedores de piso de las mismas. En estos años de experiencia, el reto cada vez es crear una versión innovadora y a la vez comercial de algo tan clásico como un traje; por ello en la sastrería lo más importante es enfocarse en los tejidos, los detalles, los interiores y la construcción de la prenda.

¿Qué fue lo que te llevó a decidir estudiar moda? Siempre me gustó experimentar con mi vestimenta y eso más tarde evolucionó en un interés por analizar la indumentaria como medio de expresión.

¿Del momento que entraste a la universidad, a hoy, cómo ha cambiado tu idea de la industria de la moda en cuanto a los caminos y áreas en las que podemos ejercer profesionalmente? Al principio tenía la percepción de que solo podría desempeñarme dentro de las áreas más conocidas de mi profesión; sin embargo con el tiempo descubrí las muchas opciones en las que puedo explotar mi experiencia y conocimiento. Actualmente con la evolución constante en la que vivimos: el crecimiento de la tecnología, los medios digitales, la globalización, la transformación de la industria por problemas ambientales, cada vez más se están abriendo nuevos caminos que podemos explorar en la industria de la moda.

¿Cuál es tu mejor recuerdo de la carrera en la UDEM? Todo el proceso de mi tesis, disfrute muchísimo esos meses en los que, en mi caso, aprendí a trabajar en equipo y en un ambiente multidisciplinario, ya que fue un proyecto en conjunto con alumnos de Diseño Gráfico y Arte.

¿Cuál fue la mejor enseñanza que te dejó haber estudiado aquí? Una maestra que admiro mucho, Amanda Watkins, me enseñó la importancia de la curiosidad en el aprendizaje, como una herramienta para el desarrollo de nuevas ideas.

Por último... ¿Si pudieras darle un consejo a tu yo de primer semestre, cuál sería? Involúcrate en prácticas y proyectos profesionales lo más pronto posible, estar en un ambiente laboral aporta demasiado conocimiento y experiencia que no te dan las clases y además te ayuda a ir creando una red de contactos.

Completa la siguiente frase: Lo mejor de estudiar moda es... tener la oportunidad de expresar ideas y contar historias a través de un lenguaje no verbal.

AMELIA SA N O JA PA L A Z Z I Generación 2014-2019 @ameliasnj

¿En qué te desempeñas actualmente y en qué consiste tu trabajo? Puedes ser tan breve o extensa como quieras. Actualmente soy la coordinadora de la portada de la revista Look. Mi trabajo consiste desde generar ideas para las portadas, organizar todos los pasos que permitan concretarla; es decir, buscar la locación, modelo, ropa, maquillaje y peinado, etc. Por otra parte, tengo a mi cargo la redacción del texto introductorio de la portada y desarrollo de otros tópicos

¿Qué fue lo que te llevó a decidir estudiar moda? Desde muy pequeña tuve una fascinación por la moda, me encantaba entrar a las tiendas y ver la ropa, hojear las revistas de moda las cuales coleccionaba y a veces arrancaba páginas y las guardaba, creo que ese fue mi primer acercamiento. Me sentía atraída a ésta idea de lujo que representa la moda, sabía que irremediablemente quería formar parte de este mundo sólo que no sabía en qué. A medida que pasaban los años fue creciendo más esta obsesión y al final no me veía estudiando algo más.

¿Del momento que entraste a la universidad, a hoy, cómo ha cambiado tu idea de la industria de la moda en cuanto a los caminos y áreas en las que podemos ejercer profesionalmente? explotó la mente. Jamás había escuchado de esto, pero pensé “this is it”. Básicamente ser curador/a es determinar que verá el público en una exposición y cómo. Entonces fue así que embarqué este camino de desarrollar mi tesis que fue una pequeña exposición de diseñadores latinoamericanos. Quedé fascinada con todo el proceso para crear la exposición y ahora sé que esto es a lo que me quiero dedicar. En conclusión, la carrera de moda puede generar diferentes maneras de hacer y ver diversas facetas de esta industria. El mundo de la moda es muy amplio, existen muchas posibilidades desde marketing y negocios, diseño, textiles, hasta trabajar en un museo.

Cuando entré a la carrera fue con la idea que iba a ser diseñadora y punto. No había nada más. Después me di cuenta que no era lo mío, para mi era un proceso muy frustrante el diseñar y luego coser, la verdad es que la pasaba muy mal jajaja. Cuando me di cuenta de esto, fue un golpe muy fuerte porque empecé a llenarme de muchas frustraciones respecto a qué me iba a dedicar y si había elegido la carrera correcta, sin embargo no me me veía haciendo otra cosa. A finales de la carrera cuando llegó el momento de hacer mi tesis, de algo yo estaba 100% segura y era que no quería hacer una marca (lo que normalmente se hace). Fue así que después de mucho estrés y divagar, descubrí que existe algo que se llama: curaduría de moda. Pff, me

¿Cuál es tu mejor recuerdo de la carrera en la UDEM? Las amistades que hice y que todavía atesoro.

¿Cuál fue la mejor enseñanza que te dejó haber estudiado aquí? Algo que aprecio bastante es el impulso que nos daban los maestros. Siempre nos exigían a dar más, ellos sabían de lo que éramos capaces y no nos dejaban conformarnos. Por ejemplo, presentabas 5 ideas para un proyecto y te decían: “muy bien, dame 5 más”. Esto te obliga a pensar, a llevar esa idea al siguiente nivel, buscar más posibilidades y soluciones, algo que para mí ha sido fundamental para todo.

Por último... ¿Si pudieras darle un consejo a tu yo de primer semestre, cuál sería? 1- Disfruta al máximo la carrera porque la vas a extrañar 2- No dejes las cosas para el último momento 3- Tranquila, tú puedes!

Completa la siguiente frase: Lo mejor de estudiar moda es... Que es un lenguaje universal y puedes conectar con muchas personas a través de ella

Por Cristina Martínez Hay vestidos. Y luego hay vestidos verdaderamente icónicos, los que se quedan grabados en tu memoria y vuelven cada cierto tiempo, a recordarte lo increíble que es la moda. Según tu signo, ¿cuál de estos vestidos eres?

NEW BOOKS REVIEWS Por sarah downing La parte más importante del proceso de diseño es tener una inspiración original y una investigación única para destacar entre la multitud. Te traemos lo último en libros y la mejor parte es que los puedes encontrar en la biblioteca de la Universidad for free!

Botanical Inks: Plant to Print Dyes, Techniques and Projects

Fashion Thinking: Creative Approaches to the Design Process

Considerando que el mundo de la moda es uno de los más contaminantes, y la importancia que tiene proteger al medio ambiente en estos tiempos, buscar lo orgánico y natural es un MUST, y los tintes no son una excepción.

Porque en un mundo de copias, lo más importante es hacer algo que nadie más que tu puedas hacer. Este libro se hace indispensable no sólo para que tu colección se vea bien, sino para que desarrolles un proceso de diseño que nadie te podrá robar.

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Llamando a todas las emprendedoras! Este libro es perfecto para ti, y te ayudará a calmar tu ansiedad desde pre PEF, para que salgas un poco más preparada para el mundo real.

¿Quién no ama robarle la ropa a su novio o a su papá? Esta obra te muestra que el que no conoce su historia, está condenado a repetirla. Descubre el pasado para crear propuestas de menswear nunca antes vistas.

Photographing Women: Posing, Lighting, and Shooting Techniques for Portrait and Fashion Photography

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Un fotógrafo chino que rompe todas las reglas de su sociedad para expresar la sensualidad que es tan censurada en su país. Ren Hang es uno de los fotógrafos más importantes de nuestra generación, por su manera poética de ver al cuerpo humano. Pattern Magic: Stretch Fabrics, Pattern Magic 2, Pattern Magic 3

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El que no se adapta, muere (literalmente). No caigas en fast fashion, edúcate y ayuda a salvar al planeta a través de tu ropa.

Prepárate para patronar como nunca antes en tu vida. Esta colección de life savers ya está completa y disponible!

Yellow Yournal agradece a toda la gente que hizo este número posible: Amelia Sanoja Palazzi, Ana Verónica González, Andrés Baglivo, Camila Bojórquez, Carmella, Catalina Hinojosa, Daniela Colomé, Daniela Lartigue, Daniela Rodriguez, Diana Garza, Emilio Guerra, Estefanía Arzate, Greis García, Hania Yansi Dosal, Isabel Herrera, Jaka Sirok, Jennifer Martinez, Karla Hinojosa, LichiVil, Lucía Farías, María José Cota, Marian Freyre, Mariale Velázquez, Monica Marcela Aguilera, Paola Valdez, Paulina García, Sofia Santos y Steph Orozco. Y a ti por haber dado un vistazo por nuestras páginas. Nuestras, ya que todo lo presentado aquí es producto no sólo del esfuerzo del equipo editorial, sino del talento, voces y visión de compañerxs de la carrera. Gracias por leer nuestra revista. Tu revista.