Enfoque Selectivo
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Rompecabezas estructural por Harveth Gil (harveth@gmail.com)
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l mundialmente reconocido Quentin Tarantino complacería a la crítica y público por igual en 1994 con su filme antológico Pulp Fiction. Tras el éxito obtenido con su debut Reservoir Dogs, 1992 Tarantino depuró aún más su estilo y su autodidacta formación cinéfila para brindarnos una obra maestra de los 90s. El estilo ya muy conocido, se basa en la narrativa no lineal, sorprendiendo en su momento de estreno pues los espectadores se sentían desubicados al ver un personaje muerto en un instante para estar muy vivo en el siguiente segmento. De esta forma se tenía que reconstruir los hechos cronológicamente después del visionado para entender completamente la historia (el final se presenta 40 minutos antes de que se acabe el filme en el segmento “The Gold Watch”). En Marzo de 19921, Tarantino recibió dinero de la compañia Tristar para escribir su siguiente filme, por lo que tomó un material previo co-escrito con Roger Avary (Killing Zoe, 1993) y se encerró en un apartamento en Amsterdam para darle la forma final al escrito. Su estadía en el país bajo, le permitió a Tarantino escribir diálogos relacionados con lo que veía, transfiriéndoselos de esa forma al personaje de Vincent Vega. La idea de cómo escribir el guión se le había ocurrido desde antes teniendo presente la narrativa utilizada por el maestro de terror italiano Mario Bava con su filme Black Sabbath (I Tre Volti Della Paura, 1963) en el que se cuentan tres historias de terror atmosférico presentadas por Boris Karloff. El resumen de la historia en orden cronológico sería el siguiente: Vincent Vega y Jules Winnfield recuperan un valioso maletín perteneciente a su jefe Marcellus Wallace y en el proceso accidentalmente asesinan a uno de los empleados de Marcellus en un auto en movimiento. Jules los conduce donde su amigo Jimmie quién les concede 90 minutos para solucionar el problema antes que llegue su esposa Bonnie del trabajo. Marcellus envia a un carismático solucionador de problemas llamado “Wolf” para salir de la encrucijada. Cuando terminan, Vincent y Jules van a desayunar encontrándose en el medio de un atraco originado por el par de amantes Honey Bunny y Pumpkin. Jules maneja la situación sin hacer uso de su arma gracias a un cambio de mentalidad ocasionado por lo que llama una “intervención divina”. Jules renuncia a su vida criminal pero no sin
antes terminar el último trabajo, la entrega del maletín. Los dos criminales van al bar de Marcellus y entregan su preciada mercancia, justo allí Marcellus le paga a un veterano boxeador llamado Butch para que se deje caer en una pelea. Esa noche, Vincent lleva a cenar a Mia, la esposa de Marcellus por solicitud de éste último, pero la velada termina en una sobredosis accidental de la mujer por lo que Vincent la lleva donde su proveedor de drogas y le inyecta adrenalina en el corazón salvándola. A pesar de que Marcellus le pagó, Butch decide ganar la pelea (matando en el ring a su oponente), sabiendo de antemano que está arreglada para conseguir dinero en las apuestas. El plan de escape de Butch se ve frustrado cuando a la mañana siguiente se da cuenta que su novia Fabianne se le olvidó el reloj de oro heredado por su padre en el apartamento. Butch regresa al apartamento asesinando a Vincent en el proceso. Mientras se cree a salvo, se encuentra con Marcellus en la calle y lo atropella chochando su automóvil segundos después. Los dos se enfrentan y terminan en la tienda de un par de Rednecks* quienes planean violarlos y asesinarlos. Butch logra escapar pero regresa a ayudar a Marcellus asesinando a uno de los Redneck. Marcellus agradecido cancela el contrato con Butch y lo deja vivir con la promesa que salga de la ciudad y no hable de lo sucedido. El guión, cuidadosamente escrito, sobresale por su estructura, construcción de personajes y diálogos. La estructura está fragmentada en tres diferentes segmentos con dos prólogos y un epilogo, sin una secuencia cronológica pero con un sentido de unidad o de simetría pues el filme comienza y termina a la hora del desayuno en un restaurante. Cada segmento tiene la calidad suficiente para sostenerse como un cortometraje por su cuenta, ellos son llamados “Vincent Vega and Marcellus Wallace’s Wife”, “The Gold Watch” y “The Bonnie Situation”. La historia trata sobre la balanza entre la lealtad y la propia conveniencia, algo con lo que combaten continuamente los personajes del filme. Vincent Vega (John Travolta), un matón drogadicto, recibe las ordenes de su jefe Marcellus Wallace (Ving Rhames) para que una noche en la que no estará en la ciudad lleve a cenar a su esposa Mia (Uma Thurman). Éste cumplirá sin mucho entusiasmo la tarea, pero conforme avanza la noche encuentra elementos comunes con la mujer, encontrándose en la encrucijada del deseo y el miedo a la reacción de un peligroso Wallace, aunque la situación se resolverá por sí sola.
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Butch Coolidge (Bruce Willis), un veterano boxeador, tendrá el conflicto de ceder a la presión de Marcellus, aceptar el soborno y dejarse derrotar en un asalto fijado en una pelea o caminar por el sendero del peligro y tomar lo que es suyo, su orgullo de boxeador. Además, para Butch será de mucha importancia el código de honor, materializado en la forma de un reloj de oro antiguo perteneciente a su padre, el cual fue a parar a sus manos tras una increíble odisea -la escena es contada con otro excelente monólogo del actor Christopher Walken reminiscente a su corta aparición en True Romance, 1993-. Honey Bunny (Amanda Plummer) y Pumpkin (Tim Roth) son leales el uno al otro -con ecos también a la pareja protagonista Mickey y Malory de Natural Born Killers, 1994- y finalmente, Jules Winnfield (Samuel L. Jackson) será leal a sus principios, inicialmente gobernados por el instinto asesino enmascarado como un falso profeta al distorsionar las palabras de un salmo de la biblia con el fin de acentuar su papel de verdugo, aunque debido a una situación casi imposible a lo que él define como una “intervención divina” corrija su comportamiento y renuncie de lleno a la vida criminal. El otro aspecto destacable del guión es la construcción de los personajes, en ningún momento estáticos, por el contrario, siempre cambiantes y mutando de acuerdo a las situaciones que viven. La ya mencionada iluminación de Jules y el orgullo herido del mafioso Marcellus quién logra perdonar a alguien que se le enfrentó y desobedeció abiertamente pero que fue incapaz de dejarlo a su suerte salvándole la vida. Cada uno de los personajes tiene diferentes matices, no son totalmente planos sino que muestran diferentes capas. Vincent valora su amistad con Jules pero despierta la antipatía frente a desconocidos, como cuando increpa sin razón a Butch en el bar o cuestiona los métodos del Sr. Wolf (Harvey Keitel). Vincent considera que rayar el auto de un hombre es un crimen más atroz que el mismo asesinato. Jules y Butch comparten su condición de novio abnegado, pues mientras el primero es vegetariano por obligación, el segundo evita sobresaltarse tras las estupideces que comete su dulce e ingenua novia. Mia es una adicta a la cocaína pero quién teme que su esposo se dé cuenta de la sobredosis, pero no se abstiene de flirtear con Vincent. En cada segmento vemos que éste finaliza con una redención de algún personaje, es así como se acuerdan tres diferentes tratos verbales, a saber Vincent le da la mano a Mia con la promesa de no contar a nadie lo ocurrido esa noche, Butch y Marcellus dan vuelta a la página a su conflicto con la promesa de Butch de irse inmediatamente de la ciudad para nunca volver y mantenerse
callado sobre lo sucedido. Y finalmente, Jules hace un trato con Pumpkin, al darle el dinero de su billetera a cambio de su vida, es decir perdonándosela para convertirse en el pastor de su discurso. En cuanto a los diálogos, marca registrada del director, son como siempre aparentemente triviales pero que sirven para acercarnos a los personajes o a sus futuras acciones en un sentido premonitorio, así, además de la famosa charla de las hamburguesas McDonalds en Francia o las diferentes clases de heroína, Tarantino nos dice con las palabras eventos futuros embebidos muy sutilmente pero con una maestría envidiable. Quizás el más claro ejemplo es cuando el personaje de Jules le pregunta a un trabajador de Marcellus quién estaba en posesión de un maletín perteneciente a éste último, si “Marcellus parece una mujer”. La pregunta capciosa va dirigida en el sentido de hacerle trampa al jefe y de querer “joderlo”, a lo que Jules responde con la frase “La única que jode con Marcellus Wallace es su esposa”. El significado literal de “joderlo” se materializará más adelante cuando presenciemos un asalto sexual que sufre Marcellus frente a un Redneck. Aparte de lo atractivo de los personajes, Tarantino utiliza la creación de expectativas, pues introduce en varias ocasiones personajes que aún no aparecen en pantalla, para que el espectador se haga una idea de cómo se comportan. Así, en la primer secuencia, Jules y Vincent hablan sobre Marcellus y Mia y de cómo el peligroso gánster es sobreprotector con ella. Tarantino decide utilizar como pocos los tiempos muertos, mostrando recorridos completos en las calles o caminatas dentro del edificio, como el segundo prólogo, donde la cámara sigue sin parar y con pocos cortes el desplazamiento de Jules y Vincent. Aunque Tarantino obliga de alguna forma a meterse en personaje a sus actores, dejando la cámara situada frente a la puerta del apartamento donde se encuentra el maletín como acentuando la importancia de la escena, mientras los dos actores continúan caminando y hablan lejos de la cámara, para luego retornar a su misión. Así mismo, Tarantino muestra momentos de la vida cotidiana poco utilizados en el celuloide, como la acción básica de ir al baño, ya sea literalmente o como excusa para drogarse. De hecho algunos de los personajes de la filmografía de Tarantino se pierden eventos por estar haciendo sus necesidades básicas, lo vemos aquí con Vincent distrayéndose en el baño durante el inicio del robo en el restaurante o durante la llegada de Butch a su apartamento,
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y lo vemos por ejemplo en el personaje de Clarence (True Romance) quién se pierde parte del tiroteo del hotel al estar en el servicio. Los planos son bien construidos basados principalmente en el cine clásico, utilizando en momentos puntuales e introspectivos la cámara lenta, como el procedimiento de inyección de heroína donde comprendemos como espectadores el estado de ánimo de los personajes con un claro guiño al filme Once Upon a Time in America, 1984 de Sergio Leone reflejado en la sonrisa de Travolta. Es normal entender como algunos críticos tilden de “copiador” al propio director, pues todos sus filmes están adornados con innumerables referencias cinéfilas, algunas de ellas representadas mediante posters o segmentos de películas en televisión. Sólo por un nombrar un par, tenemos la escena de la violación inspirada en el filme Deliverance, 1972 de John Boorman y la escena del motel entre Butch y Fabianne (María de Medeiros) mimetiza en varios aspectos a escenas de la filmografía de Godard. La música es otra de las claves del cine de Tarantino. El director americano utiliza con maestría las canciones en momentos puntuales del filme como ya lo hiciera en su anterior Reservoir Dogs, demostrando así que realmente se toma su tiempo para seleccionar la mejor canción para los momentos clave. Por ejemplo, en la escena cuando Mia regresa del concurso de baile con Vincent y comienza a bailar mientras éste está en el baño era absolutamente inimaginable para Tarantino sin la canción “Song of a Preacher Man” de Dusty Springfield, pensando inclusive en desecharla si no conseguía los derechos de ella2. Aunque todo el soundtrack es destacable, no podemos dejar de mencionar la canción del concurso de Twist** “You Never Can Tell” del legendario Chuck Berry, usada como escena de baile entre Uma Thurman y John Travolta. Tras terminar de ver el film, la pregunta obvia es: ¿Cuál es el contenido del misterioso maletín?. De acuerdo a imdb3 hay varias interpretaciones
siendo la más popular la teoría que dice que es de hecho el alma de Marcellus Wallace. Es por ello que el maletín tiene un respladenciente color naranja y la contraseña es el número 666. La historia sería entonces que cuando el diablo remueve el alma de una persona lo hace por la parte de atrás de la cabeza (de allí el vendaje que tiene el actor Ving Rhames). Sea la explicación que sea, la cuál queda a disposición de los espectadores, el McGuffin*** utilizado en el filme es distinto , sorprendente e inintencionalmente sobrenatural. El co-guionista del filme Roger Avary mencionó que el plan original era que contuviese diamantes. Al darse cuenta de que esto no era ni original ni excitante Avary junto con Tarantino decidieron no revelar en cámara el contenido del maletín, y agregando el resplandeciente color naranja como una decisión de último minuto. Tiempos Violentos, su nombre en castellano, tiene de hecho poco que ver con los eventos mostrados por Tarantino. La historia posee personajes violentos con trabajos violentos, hay drogas y hay gángsters y violadores, pero la violencia está muy medida y en ningún momento se hace un aprovechamiento explícito de ella. Tarantino, al igual que lo hiciera con la escena de la tortura al policía en Reservoir Dogs, evita hacer primeros planos de personajes siendo asesinados. Cuando Jules y Vincent le disparan a uno de los empleados de Marcellus, la cámara se enfoca en los rostros de los asesinos, no de su víctima, de igual forma el Redneck asesinado por Butch mediante la katana samurai es mostrado desde la reacción de Butch sin vanagloriarse de la sangre en primer plano. Otro claro ejemplo es el asesinato por accidente en el auto donde la cámara va con la reacción de Travolta al momento del disparo. Esto discrepa con alguna opinión presentada frente al supuesto exceso de violencia del filme. Pulp fiction fue tan sobresaliente que ganó numerosos premios entre ellos el Oscar al mejor guión original obtenido por Quentin Tarantino y Roger Avary. Además, el filme sirvió como revitalizador de
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carreras, en especial la de John Travolta quién estaba en un punto muerto dentro del celuloide trás un éxito descomunal en los 70s. Pero más allá de los premios e interpretaciones, el filme mostró que se puede hacer un cine diferente y que sea entendible, refiriéndonos por supuesto a la estructura no lineal, aunque claro esta la narrativa se había utilizado tiempo atrás. Tarantino defiende su estructura respondiendo a las preguntas del entrevistador Charlie Rose4 diciendo: “No es el hecho de que estoy en una cruzada contra la narrativa lineal, lo que digo es que no es la única narrativa existente”. Notas: * Redneck: término despectivo usado para un partidario de un orden sociopolítico conservador y racista **Twist: baile basado en el rock and roll muy popular a comienzos de la década de 1960, llamado así a partir de una canción que lo originó: The Twist ***McGuffin: es un elemento de suspense que hace que los personajes avancen en la trama, pero que no tiene mayor relevancia en la trama en sí. MacGuffin es una expresión acuñada por Alfred Hitchcock la cual designa a una excusa argumental que motiva a los personajes y al desarrollo de una historia, y que en realidad carece de relevancia por sí misma.
Referencias: 1. J. Smith, Tarantino, Virgin Books (2005). 2. D. K. Holm, The Pocket Essential Quentin Tarantino (2004). 3. http://www.imdb.com/title/ tt0110912/trivia 4. http://www.charlierose.com/guest/view/1523
Título Original: Pulp Fiction Director: Quentin Tarantino Productor: Lawrence Bender Guión: Quentin Tarantino y Roger Avary Fotografía: Andrzej Sekula Edición: Sally Menke Año: 1994 País: USA Intérpretes: John Travolta, Samuel L. Jackson, Tim Roth, Amanda Plummer, Eric Stoltz, Bruce Willis, Ving Rhames, María de Medeiros, Rosanna Arquette, Peter Greene, Uma Thurman, Steve Buscemi, Christopher Walken, Quentin Tarantino, Harvey Keitel.
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Quentin Tarantino:
Los guiones no dirigidos por Harveth Gil (harveth@gmail.com)
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U
n personaje habla sólo en un bar, relata un monólogo acerca de Elvis, a quién compara con la belleza de las mujeres y termina con el “I’d Fuck him” en caso donde dependa su vida claro esta. Estamos ante un guión de Quentin Tarantino, historias donde los personajes conversan fluida y excesivamente pero están interesados en lo que dicen. Tarantino quién comenzó escribiendo guiones, utilizó parte de los diálogos como el discurso de Elvis y la idea de la chica a pedido, a partir de su trabajo inicial en My Best Friend’s Birthday, 1987 para desarrollar posteriormente el guión de True Romance. My Best Friend’s Birthday es un cortometraje producido durante tres años y filmado cada fin de semana, pero cuyo carrete original fue destruido en un incendio de un laboratorio de edición. Tarantino quién tenía claro lo que quería ser, escribió tres guiones para su posible opera prima, pero por diversas circunstancias, entre ellas la opción de un bajo presupuesto, optó por desarrollar Reservoir Dogs, 1992 como su debut. Es así como sus guiones para True Romance (Tony Scott, 1993) y Natural Born Killers (Oliver Stone, 1994) fueron a parar a manos de distintos directores.
Un Romance Verdadero (1993)
vinculó al director neoyorkino de serie B William Lustig (Maniac, 1980 y Maniac Cop, 1988) al proyecto2.
El guión de Un Romance Verdadero fue escrito por Tarantino dentro de su propio estilo, con una narrativa no lineal, personajes que expresan discursos espontáneamente, una maleta que juega un papel principal en la historia (elemento reiterativo, por ejemplo en la trama de la posterior Pulp Fiction) y una escena que incluye un Mexican Stand-off*. De hecho fue su primer guión acabado, pero su intención de dirigirlo disminuyó al pensar en el presupuesto que se requería, por lo que inmediatamente después escribió la historia de Asesinos por Naturaleza para tomarla como su potencial debut. Tarantino vendió los derechos a un productor de películas tipo exploitation** quién
Pero la historia como estaba escrita funcionaba más dentro del cine de acción de primera, por lo que finalmente Tony Scott se hizo cargo de la dirección. Scott se apropió de la historia y buscó un elenco coral en el que se destacan varios actores de calidad, los cuáles intervienen en partes puntuales del filme, como el soberbio duelo entre Christopher Walken y Dennis Hopper terminando con la conversación de la “berenjena” y el “cantalupo”. Los diálogos de la escena, que se mantuvieron tal cuál fue escrito en el guión, demuestran una vez más la maestría y facilidad que tiene Tarantino para con los diálogos aparentemente triviales. Scott por otro lado realizó cambios en el propio guión de Tarantino, siendo los más importantes la transformación lineal de la historia y el final tipo Hollywood. Scott se tomó al pie de la letra el título del filme, y desarrolló una fantasía romántica envuelta en una Road Movie*** en la que dos seres enamorados hacen lo que sea por el otro. El director realizó una tarea impecable en el aspecto visual del filme, con planos estáticos, acompañado de una edición elegante. Si bien Un Romance Verdadero se puede considerar la historia más convencional de Tarantino, no está alejada to
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talmente de su mundo pues aún conserva los discursos de los personajes o el aparatoso encuentro final.
Asesinos por Naturaleza (1994)
las Líneas Enemigas, 2001) y Richard Rutowski, readaptaron el guión de Tarantino y dejaron poco de la historia original. El mismo Tarantino pidió que se cambiara el crédito de “guionista” a “una historia de” tras ver la película. El guión original fue posteriormente publicado por Faber y Faber a mediados de los 90s2, en él, se observa una historia más centrada en el círculo mediático acerca de esta pareja de amantes asesinos contrastada con los propios personajes. Stone, le otorgó una mayor personalidad a ellos haciendo una sátira negra de la idealización de los asesinos en serie. En el filme, los actores realizan un desempeño exagerado para caricaturizar la violencia extrema con la que conviven cada día. Un ejemplo claro son las escenas “familiares” donde se habla y se muestra abiertamente tendencias censurables como lo es el maltrato hacia la mujer y el incesto ambientado como un típico Sitcom****.
Tras escribir Un Romance Verdadero, Tarantino terminó el guión de Asesinos por Naturaleza con idea de dirigirlo, pero al igual que su antecesora, el filme no se desarrolló bajo su poder y pasó a las manos del reconocido director Oliver Stone. Stone, quién junto con el guionista David Veloz (Tras
La mano de Tarantino esta casi ausente, en especial por la falta de la narrativa propia del director -presente en sus historias hasta la fecha- pues el filme, tiene en esencia una estructura lineal (más allá de algunos flashbacks utilizados por Stone) y se nota la ausencia de un Mexican Stand-off (de hecho presente en el guión original). Stone, consiguió mostrar la aparatosa vida violenta de ésta particular pareja mediante el uso de ángulos poco convencionales -la mayoría de los planos están filmados con la cámara inclinada-, diversos colores alusivos al estado mental de los protagonistas e imágenes surrealistas salidas de las pesadillas más siniestras de la mente del director. Este trabajo demente de edición, contiene cerca de 3000 cortes a diferencia
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de los 600-700 cortes de una película promedio3. El desasosiego de los protagonistas y la historia, se transmite convincentemente al espectador quién queda mareado por esta ola de violencia y mezcla de imágenes. Allí radica el éxito del filme, el aspecto visual poco convencional que utilizó Stone para criticar de forma directa a los medios de comunicación y su falta de ética al perseguir historias con un único contenido de violencia.
Del Crepúsculo al Amanecer (1996)
Aunque Tarantino tampoco se hizo cargo de la dirección de este filme, se involucró mucho más en
este proyecto al desarrollarlo junto al director Robert Rodriguez. Estos dos directores se conocieron en 1992 en el Toronto Film Festival2, y desde allí se forjó una gran amistad. Hermanos cinematográficos desde entonces, estos apasionados del cine han mezclado su talento en numerosas ocasiones para generar películas de entretenimiento, si bien utilizan diferentes estilos visuales y narrativos. La historia de Del Crepúsculo al Amanecer surgió de la mente de Robert Kurtzman (Wishmaster, 1997), un especialista en efectos visuales pero fue Tarantino quién escribió el guión y le proporcionó su particular estilo. Del Crepúsculo al Amanecer son dos películas en una, la primera parte es un relato de crimen mientras que la segunda es una historia de vampiros. Visto desde el estilo, la primera parte se parece más a un filme de Tarantino mientras que el segundo a uno de Rodriguez. El antecedente inmediato a este estilo sería el clásico de Alfred Hithcock (Psycho, 1960), el cuál es mucho más depurado. A pesar de todo, el filme de Rodriguez sorprende por tener una aproximación distinta a los vampiros y los héroes enfrentados a ellos. Los vampiros son mostrados como seres de pura maldad, alejados de todo romanticismo o cursilería. El tema principal, como se ve cerca al final de la historia es la redención. El guión de Tarantino como de costumbre está compuesto por numerosas referencias cinematográficas como por ejemplo el nombre del personaje de Salma Hayek (actriz que participó en Desperado, 1995 también de Rodriguez), llamado Satánico Pandemonio, como el filme del mismo nombre Satanico Pandemonium, 1975 del mexicano Gilberto Martínez Solares. También el clásico de John Carpenter Assault on Precint 13, 1976 puede ser visto en la camiseta utilizada por el actor Ernest Liu.
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Los personajes principales son dos ladrones quiénes tienen diferente visión de su trabajo. Mientras Seth Gecko (George Clooney) es un profesional, quién solo asesina si es absolutamente necesario, su psicópata hermano Richard Gecko (Quentin Tarantino) vive dentro de sus fantasías sexuales y espera cualquier oportunidad para realizar actos impuros. Aunque la actuación de Tarantino fue criticada en su momento, no desentona para nada en el filme y se siente lo divertido que lo pasó al rodarlo. Sin embargo, es claro que el fuerte de Tarantino es la dirección y la escritura de guiones. El éxito del filme originó un par de secuelas lanzadas directamente al mercado del DVD. Scott Spiegel (Intruder, 1989), amigo de Tarantino, escribió y dirigió la segunda entrega llamada “From Dusk till Dawn II: Texas Blood Money” en 1999, siguiendo el estilo de la primera, mientras que P.J. Pesce (The Desperate Trail, 1995) dirigió la tercera entrega “From Dusk till Dawn III: The Hanman’s Daughter” en 1999, que es más una precuela acerca de la historia de Satánico Pandemonio. Ninguna de estas secuelas llegó a tener el éxito e interés que despertaba el filme original. Tarantino tiene claro cómo escribir y narrar historias bien hilvanadas, entretenidas y con un estilo marcado. Su mano no sólo se extiende a sus propios filmes dirigidos, sino también a un buen número de guiones que lanzan al estrellato a actores y directores. Es sin lugar a dudas uno de los mejores cineastas contemporáneos. Notas: *Escena en la que tres o más personajes se apuntan con un arma al mismo tiempo. **El cine exploitation es un tipo de cine que “explota” de modo morboso la temática que trata1. Las películas de este tipo son producciones baratas ensalzando los aspectos más lascivos como el sexo, violencia, consumo de drogas, desnudos, etc. ***Road Movie: (del inglés, literalmente “película de carretera”) es un género cinematográfico cuyo argumento se desarrolla a lo largo de un viaje1. **** Una comedia de situación o situación de comedia es un tipo de serie televisiva nacido en Estados Unidos, que suele incluir risas grabadas o en vivo1. Referencias: [1] http://www.wikipedia.com [2] J. Smith, Tarantino, Virgin Books, Ltd, 1995. [3] http://www.imdb.com/title/tt0110632 [4] www.fanpop.com (Foto de Tarantino al incio). [5] fondos tomados de http://wallpaperstock. net/typewriter-wallpapers_w32531.html
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Expreso Asia
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El mar de la desesperación Por Harveth Gil (harveth@gmail.com) le ofrece una única vía de salida, trabajar como asesino a sueldo. Gu-Nam tendrá que memorizar una dirección y viajar a Corea del Sur para encontrar a su víctima y traer un dedo pulgar de recuerdo, sin embargo, una vez allá también tendrá la oportunidad de buscar a su esposa, pero el viaje y su investigación no serán sencillos. La motivación central del filme es el fantasma de la esposa del protagonista, constantemente presente en sus sueños o pesadillas y causante de un dolor sin cicatrizar. La imágen de lo que pudo haber pasado llega a la mente del protagonista, aflorando los celos y rabia contenida. La oportunidad de en contrar alguna información sobre su esposa es lo que lleva a Gu-Nam a aceptar el trabajo. Su determinación será obstaculizada por diferentes fuentes como son la policía o los socios de la víctima, complicando de esta forma la trama a medida que se avanza en las situaciones y se presentan nuevos personajes. Es así como nos encontramos que el metraje sobrepasa los 140 minutos, los cuáles transcurren sin siquiera darse cuenta. Una vez la trama y los personajes están ambientados la acción se desarrolla como si fuese una montana rusa.
E
l thriller realizado en Corea del Sur ha refrescado el panorama del cine actual desde hace ya varios años cuando el director Park Chan-Wook realizara su trilogía sobre la venganza. Esta nación, en constante crecimiento a partir del fin de la segunda guerra mundial, ha evolucionado hasta convertirse en un país desarrollado con una estable economía y además generadora de grandes piezas del séptimo arte. Es así como nuevos nombres se han adicionando a la lista de directores de talento incluyendo a Na Hong-Jin, autor de The Chaser (Chugyeogja, 2008), su auspicioso debut con el que consiguió reconocimiento en distintos festivales. Con The Yellow Sea (Hwanghae), Na confirma lo que parecía ser, un realizador de grandes vehículos de acción con el trasfondo del thriller. The Yellow Sea, o el Mar Amarillo, hace referencia al mar situado entre la península coreana, la China continental y Rusia. Justo allí está el lugar llamado Yanbian donde residen los chino-coreanos conocidos como Joseonjok, quiénes en su mayoría se dedican a actividades ilegales para subsistir. Dentro de este panorama se encuentra un taxista desesperado llamado Gu-Nam (Ha Jung-Woo), quién tiene una cuantiosa deuda a causa de los gastos para la visa de su esposa, quién al parecer lo abandonó a él y a su pequeña hija. Gu-Nam además es un ludópata empedernido y cada noche pierde su dinero jugando al Mahjong, por lo que un peligroso gánster
La historia ambientada en el mundo de los gángster es atípica en cuanto a que esta soportada por escenas violentas pero evita así mismo el uso de armas de fuego, elementos habituales de este tipo de cine, pero quizás también más cercano a la realidad de estos vulgares criminales. El director Na, escogió filmar las escenas de persecución y de enfrentamientos entre los personajes desde un punto de vista muy físico, usando armas blancas las cuales hacen su presencia en la carne de los afectados, una violencia física y brutal que le otorgan ese toque negro y deprimente al filme. Las situaciones de difícil resolución o de persecuciones complicadas recuerdan a uno de los grandes exponentes del cine de acción, Die Hard (John McThiernan, 1988) la cuál claramente es una de sus influencias. Además de las escenas de riesgo, el director escogió mostrar las dudas internas del personaje y algunas pistas en la trama mediante el uso de flashbacks bien dosificados y todos con su razón de ser.
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Mientras que el protagonista se involucra en una carrera contra el tiempo, la contraparte es representada por el gánster, interpretado acertadamente por el actor Kim Yun-Seok, un hombre quién va directamente al grano, sin preámbulos, sin otorgar ninguna concesión. Kim es la representación de la violencia callejera, un hombre de apariencia sosegada pero quién puede transformarse en una arma homicida en cuestión de segundos, llegando incluso a una condición sobrehumana. Estos dos personajes, son construidos a partir de un guión sólido (firmado por el propio director) de forma pausada y el cuál acelera sólo en las escenas de acción. Los actores ya son viejos conocidos pues coincidieron en el anterior trabajo de Na, The Chaser (2008), aunque en esta ocasión se de vuelta a la pareja antagonista/protagonista, pero persistiendo un elemento detonador, la búsqueda de una mujer. The Yellow Sea ha recibido numerosas críticas positivas y además sobresale por ser la primera película surcoreana en ser beneficiada por un estudio americano, en concreto la 20th Century Fox. Na es un gran contador de historias, tiene el pulso adecuado para mezclar los problemas internos de los personajes con la violencia física que le otorga personalidad a sus filmes. El director obtuvo el premio a la dirección en el pasado festival de Sitges en el 2011. The Yellow Sea es impecable y a la vez impresionante, un vehículo de acción aderezado con buenas dosis de suspenso en el que coinciden excelentes actuaciones, y la gran calidad técnica del cine coreano. Sin duda alguna uno de los mejores thrillers de los últimos tiempos y aún asi sin posibilidad de verse en Colombia.
Director Na Hong-ji en Sitges (2011)*
Título Original: Hwanghae Director: Na Hong-Ji Guión: Na Hong-Ji Fotografía: Lee Sung-Je Edición: Kim Sun-Min Año: 2010 País: Corea del Sur Intérpretes: Ha Jung-woo, Kim Yun-seok, Cho Seong-Ha
* Foto sacada de www.noticiasterra.es * Fondo sacado de http://www. indianmotorcycleimports.com.au/templates/ Cameras/images/background_grey.png
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El ojo de Hal
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Humanizando máquinas por Harveth Gil (harveth@gmail.com)
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Cómo crear conciencia ambientalista en una humanidad la cual se jacta de conformista y del exceso del “que me importa” cuando la belleza natural sea sólo un vago recuerdo en la memoria de algunos pocos privilegiado que se atreven a soñar con un mundo bello y renaciente de nuevo?. Esa es la historia que se plantea en Silent Running, una historia futurista en donde la tierra estará deforestada, estéril y poco atractiva pero como contrapartida el trabajo humano estará a la orden del día sin falta para el gran número de habitantes terrestres. Esta “utopía laboral” trae como consecuencia el olvido del mundo natural, a pesar de que las últimas especies de la flora y fauna terrestre estén todavía en poder de unos pocos tripulantes de unas naves que vagan por el espacio. En una de las naves llamada “Valley Forge”, el tripulante Freeman Lowell (Bruce Dern), cuida con ahínco los domos forestales de los cuales está a cargo. Freeman constantemente critica a sus compañeros por desinteresarse por la naturaleza y en especial por la falta de curiosidad acerca de la comida orgánica. Todo tiempo pasado fue mejor, dice el refrán, y para Freeman un lugar sin cultivar la tierra es impensable por lo que mantiene sus esperanzas de continuar y expandir su trabajo. Sus planes se vendrán abajo cuando la tripulación reciba las ordenes de regresar a la tierra sin antes eliminar todos los domos forestales usando explosiones nucleares controladas, algo que no se puede evitar de ver como excesivo. Mientras la tripulación comienza a cumplir felices las órdenes terrestres, Freeman lucha internamente por tomar una decisión drástica, jugársela a salvar la naturaleza por encima de la vida humana. Universal Pictures, trás el éxito de la película independiente Easy Rider, 1969 tomó la decisión de financiar nuevos proyectos semi-independientes con un presupuesto de tan solo un millón de dólares (2001: A Space Odyssey, 1968 habría costado cerca de 10 millones de dólares) en los que sus realizadores tuviesen un control completo sobre su trabajo. Es así como Douglas Trumbull, uno de los creadores de los efectos especiales del clásico filme de Kubrick 2001: A Space Odyssey, logró realizar su opera prima con una historia de ciencia ficción considerado para algunos como la primera película ambientalista. El mensaje del filme se resume en la promesa de conservación del tripulante Freeman “Como americano, prometo salvaguardar y defender de la destrucción los recursos naturales de mi país, su suelo y minerales, bosques, aguas, fauna y flora”, un mensaje que se aprecia en cualquier momento y lugar actual o futuro. Pero, ¿ está la vida de unos árboles por encima de la vida humana?. Dern, quién interpreta prolijamente a este amante de la naturaleza convincentemente expresa sus ideas además que sus acciones son consecuentes con ellas. Freeman por otro lado,
tiene el problema de entablar un buena relación social, alejándose totalmente de aquellos que no comprenden su punto de vista, considerando a sus compañeros como “divertidos” pero en ningún momento les otorga el estatus de amigo, a pesar de convivir con ellos en el espacio por ocho largos años. Es por ello que Freeman se entiende mejor con los árboles, a los que cuida y ama, y con los robots ayudantes que posee el grupo. El aislamiento y la soledad hacen mella en su personaje, originando una de las mejores secuencias del filme, la reprogramación de los robots para realizar diversas tareas, desde desempeñar una operación quirúrgica hasta las reglas del poker y la no menos tarea humana del cuidado de la naturaleza. Los robots -interpretados por actores con miembros amputados-, son personajes quizás más carismáticos que el resto de la tripulación acompañantes de Freeman. Además de ser reprogramados son rebautizados con nombres humanos, específicamente con los asociados a los inquietos sobrinos del pato Donald (Huey, Dewey and Louie). Esta humanización de las máquinas, quienes en varias ocasiones muestran evidencia de una inteligencia artificial, es el mensaje más importante del filme de Trumbull. ¿ Será que algún día se podrá aplicar a la humanidad y reprogramar nuestras mentes para sembrar la semilla de la conciencia ambiental?. El guión de Silent Running, escrito a seis manos entre Deric Washburn, Michael Cimino y Steven Bochco fue cambiado de hecho a último momento. Éste posee algunas lagunas o explicaciones concretas para sostener su idea principal. Sin bosques ni plantas en la tierra, ¿cómo se genera el oxígeno tan vital para la vida humana? ¿ por qué el completo ecosistema no ha colapsado? Pero obviando las preguntas impertinentes, el filme de Trumbull se destaca por poseer una idea original, alejada de las producciones comunes de ciencia ficción. Por otro lado, los efectos especiales son evidentemente soberbios en la mayoría de escenas, incluyendo una idea reciclada del la
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pelicula de Kubrick, el paso de una nave a través de los anillos de Saturno. El diseño de producción es uno de los aspectos más destacables de este extrañamente entrañable filme, desde sus adorables robots hasta las maquetas en el espacio. A propósito de 2001: A Space Odissey, Kubrick contrató a Trumbull trás ver una película sobre vuelo espacial creada para la Feria Mundial de Nueva York en la que Trumbull participó. Kubrick contrató a Trumbull para la producción de 2001: A Space Odissey. La contribución de Trumbull a la película fue la increíble secuencia de la “Puerta Estelar” que utilizaba un revolucionario diseño de cámara. Trumbull fue uno de los cuatro supervisores de efectos especiales que trabajaron en 2001: A Space Odissey; los otros fueron Tom Howard, Con Pederson y Wally Veevers. Durante años, los artículos y entrevistas le atribuyeron en solitario el mérito de la creación de los efectos especiales, que normalmente acabaron transformándose en llamadas de indignación de Kubrick hacia los medios1.
Título Original: Silent Running Director: Douglas Trumbull Guión: Deric Washburn, Michael Cimino, Steven bochco Fotografía: Charles F. Wheeler Edición: Aaron Stell Año: 1972 País: USA Intérpretes: Bruce Dern, Cliff Potts, Ron Rifkin, Jesse Vint, Mark Persons, Steven Brown, Cheryl Sparks, Larry Wisenhun Referencias: [1] http://es.wikipedia.org/wiki/Douglas_ Trumbull [2] Fondo tomado de http://the-best-topdesktop-wallpapers.blogspot.com/2011/01/ green-wallpapers.html
Trumbull continuaría su carrera como experto en efectos especiales en películas de ciencia ficción como Close Encounter of the Third Kind, 1977, Star Trek: The Motion Picture, 1979, Blade Runner, 1982 y sirvió como asesor de efectos visuales para la hipnótica película The Tree of Life, 2011 de Terence Mallick. A pesar de que Trumbull alla realizado pocos largometrajes -éste sería el primero mientras que el segundo sería el también filme de ciencia ficción Brainstormm 1983- su debut ha influenciado posteriores producciones, en especial las británicas como la serie Red Dwarf, 1988, y a directores como Duncan Jones quién nos sorprendió con su debut Moon, 2009 y al americano Andrew Stanton y su entrañable WALL-E, 2008 la cuál lleva un poco más alla la falta de conciencia y convierte a la tierra en un basurero espacial del consumismo.
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Historias Minimas
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Mirindas Asesinas Por Harveth Gil (harveth@gmail.com)
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lejandro de la Iglesia Mendoza es un director español irreverente y con gran ingenio para las historias. Además se ser un director famoso, es un licenciado en filosofía de la Universidad de Deusto y ex-dibujante de historietas. Nació en Bilbao, el 4 de diciembre de 19651. Antes de dirigir su primer cortometraje llamado Mirindas Asesinas, De la Iglesia se desempeñó como director artístico en el cortometraje Mamá (Pablo Berger, 1988) en el cuál se fusionan la comedia, la ciencia ficción y algo de horror. Posteriormente realizó la misma tarea en el cortometraje embebido en el thriller Todo Por la Pasta (Enrique Urbizu, 1991). Con la experiencia obtenida, De la Iglesia sentía que era el momento de dirigir un largometraje, por lo que se unió al guionista debutante Jorge Guerricaechevarría, para desarrollar la historia de Mirindas Asesinas en 1991. La historia es del tipo surrealista en el que se nos cuenta como un hombre, al entrar a un bar donde se encuentra a un único cliente, le pide al cantinero que le sirva una Mirinda (bebida gaseosa naranja española). Él se niega a pagar por la Mirinda, alegando que el cantinero nunca le advirtió que le tendría que pagar; cuando éste insiste, el hombre saca un arma y lo asesina. Posteriormente le pide al cliente en el bar que le sirva otra Mirinda, por lo que el hombre se ve forzado a reemplazar la función del cantinero por miedo a lo que le puede hacer el psicópata. Mirindas Asesinas es un excelente debut, en el que el humor negro es soportado mediante las actuaciones exageradas y una fotografía cuidada. Las intervenciones de los actores están bien desempeñadas sobretodo la del diminuto asesino interpretado por Álex Angulo (El día de la Bestia, 1995), claramente inspirado en la figura particular del director Woody Allen. En los doce minutos que
dura el cortometraje, De la Iglesia nos impresiona con su puesta en escena y su talento para la comedia. El cortometraje se puede tomar como una introducción al estilo y el universo del director bilbaino. Es con este mismo corto que De la Iglesia empezó su colaboración con su guionista inseparable Jorge Guerricaechavarría y juntos han encajado a la perfección hasta el día de hoy. La fotografía corrió a cargo de Kiko de la Rica, quién también ha colaborando con De la Iglesia en algunas de sus largometrajes. De la Rica realizó su trabajo en blanco y negro que junto con una banda sonora de órgano electrónico dan una gran ambientación al la historia. Con Mirindas Asesinas, De la Iglesia consiguió atraer la atención de Pedro Almodovar quién a través de su productora Deseo Films colaboró con las dos primeras películas del director, Acción Mutante, 1993 y El Día de la Bestia, 19952. El corto es un inicio de un estilo propio, el cuál ha sido depurado con los años por un director apasionado de lo visual y del humor negro.
Título: Mirindas Asesinas Director: Alex de la Iglesia Guión: Jorge Guerricaechavarría - Alex de la Iglesia Año: 1991 Duración: 12 min País: España Intérpretes: Álex Angulo, Saturnino García, José Antonio Álvarez, Ramón Barea, Óscar Grijalba Referencias: [1]http://www.imdb.com/name/nm0407067/ [2]http://www.lecturalia.com/autor/3795/alejandrode-la-iglesia-mendoza [3] Foto de portada tomada de http:// nuevehistorias.wordpress.com/tag/cluj-napoca/
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