S'Arti Nostra Giugno 2021

Foto dietrichsteinmetz

S’ARTI NOSTRA

Cosa Rimane ?

Stefano Boeri Sii albero Women in comics Trina Robbins Marcello Atzeni Paolo Angeli Zaza Calzia & Nino Dore Rebeccu oggi Salvatore Garau Eva Mameli Calvino Kumi Yamashita Ildegarda di Bingen Supplemento all’édizione di “SARDONIA“ Giugno 2021

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S’Arti Nostra

Programma Televisivo OnLine di Diffusione d’Arte Contemporanea a cura di

Demetra Puddu

Redattrice Artistica Anima la trasmissione “S’Arti Nostra” Collabora a Artis Aes Laureata in Lettere (curriculum moderno) à Università degli Studi di Cagliari Conservatorio Pierluigi da Palestrina di Cagliari Liceo Linguistico I.T.A.S. “Grazia Deledda” Cagliari demetra.uddup@gmail.com

Vittorio E. Pisu Redattore Capo

Direttore Fondateur et Président des associations SARDONIA France SARDONIA Italia créée en 1993 domiciliée c/o UNISVERS via Ozieri 55 09127 Cagliari vittorio.e.pisu@email.it http://www.facebook.com/ sardonia italia https://vimeo.com/groups/ sardonia https://vimeo.com/channels/cagliarijetaime SARDONIA Pubblicazione dell’associazione omonima

Supplemento al numero del Giugno 2021 in collaborazione con PALAZZI A VENEZIA

Publication périodique d’Arts et de culture urbaine Correspondance palazziavenezia@gmail.com https://www.facebook.com/ Palazzi-A-Venezia https://www.vimeo.com/ channels/palazziavenezia Maquette, Conception Graphique et Mise en Page L’Expérience du Futur une production UNISVERS vimeo.com&unisvers Commission Paritaire

ISSN en cours Diffusion digitale

Meglio una Donna Chiara Cossu vedi le video vimeo.com/552150034 vimeo.com/552150034 vimeo.com/553280957

uesta volta sembra che ci siamo, dopo le altalene tra zona bianca, rossa, arancione e gialla, sembra di essere ritornati ad una quasi normalità, mentre nel frattempo assistiamo alle ultime proposizioni riguardo all’origine di questo dannato virus che sembra sia stato effettivamente fabbricato in laboratorio e da lì avrebbe preso la fuga per diffondersi nel mondo intero.

Certo questa ipotesi da film de James Bond, epoca Doctor No, potrà soddisfare i vari “ve l’avevo detto!” ma rimane il dubbio che in effetti si voglia assolutamente negare che la distruzione dell’ecosistema ormai generalizzata faccia migrare i virus a corto di soggetti validi verso l’umanità ormai più numerosa e sopratutto poco immune.

Così facendo buttiamo la responsabilità su questi dannati cinesi che tra l’essere diventati l’industria manufatturiera del pianeta, pretendendo occuparsi dello spazio con lanci fortunati di missili e satelli geostazionari, arrivando fino a riprodurre la fusione atomica per il più lungo periodo mai realizzato, insomma una minaccia generale che spaventa effettivamente in primis gli Stati Uniti, nei quali fra parentis realizzarono la connesione ferroviaria est ouest con migliaia di operai schiavizzati che generano pure una delle leggi più razziste, il famoso Chinese Exclusion Act, che impediva ai residenti di far venire le loro famiglie.

Senza parlare del fatto che i Buoni del Tesoro degli Stati Uniti sono maggiormente in mano cinese, insomma bisognerà pure trovargli qualche pecca e qualche grief a questi scocciatori, non ?

Nel frattempo continuiamo ad cercare nell’Arte un sollievo alle tragedie quotidiane che non mancano, anzi se ne riesumano anche di anziane di più di cento anni (vedi Canada) come se le attuali non bastassero.

Forse sarete sorpresi di trovare una lunga presentazione di Ildegarda de Bigen, ma é alla Galleria Siotto che ne ho risentito parlare (avevo già letto di lei forse sessant’anni fa) e naturalmente ho voluto rinfrescarmi la memoria anche perché la nostra eroina ha dovuto attendere mille anni per essere riconosciuta in tutte le sue prerogative.

Nel frattempo e più rapidamente, altri artisti arrivano alla consecrazione che supera e di gran lunga il famoso quarto d’ora di celebrità di warholiana memoria, per esempio Salvatore Garau assunto alle sommità mondiali dei media grazie alla vendita del certificato di autenticità di una sua opera “invisibile”.

Vorrei semplicemente ricordare al pubblico che come la Musica e anche l’Architettura, utilizzano dei codici rappresentativi, solitamente stampati su carta, che non rappresentano l’opera, ma servono ai musicisti ed alle imprese che realizzano le costruzioni ad eseguirle. Quando un direttore d’orchestra legge uno spartito, la musica risuona nella sua testa, come quando un architetto consulta una pianta, passeggia idealmente in un edificio che ha ricostruito mentalmente.

Così il certificato di autenticità di un opera “invisibile” dal titolo evocativo, ci lascia tutta latitudine per inmnaginarla a nostro piacimento e secondo la nostra più o meno grande fantasia.

Per il resto, contenti di poter nuovamente circolare quasi liberamente, e seguendo sempre le nostre eccletiche e soggettive scelte, vi proponiamo una passeggiata sia in Sardegna che altrove, rievocando inoltre illustri personaggi sardi spesso dimenticati, sopratutto quando sono femminili, chissà perché.

Colgo anche l’occasione per ricordarvi che il nostro fratello maggiore, il mensile Sardonia, organizza dall’aprile di quest’anno la sua serie di mostre sotto il titolo “Meglio una donna” giunto ormai alla sua terza puntata.

Dopo la scultura ed i progetti di Silvia Sbardella, le foto ed i filmati di Chiara Cossu, ecco Laura Zidda che ci propone le sue tele, accompagnate da un piccolo filmato, a partire da domenica 13 giugno 2021, sempre in via San Domenico 10, a Cagliari Villanova.

Ma la nostra boulimia non finisce qui perché dal mese prossimo incominceremo una serie di esposizioni di artisti, sia maschi che femmine, in un altro spazio al centro di Cagliari, molto più vasto e altrettanto accogliente se possibile.

Vi terremmo al corrente anche perchè nel programma che stiamo preparando abbiamo già incluso un certo numero di artisti che verrano da Parigi, forse anche da Berlino ed aspettiamo la risposta di New York. Croisons les doigts.

Come vedete un vasto programma.

Nel frattempo vi invito a visitare la mostra di Stefano Boeri che doveva aver luogo l’anno scorso e che é stata rimandata a causa di quello che sapete.

Per il resto siamo sempre lieti di parlare di tutte le iniziative interessanti, divertenti, sapienti e che ci permettono di scoprire dei modi sempre nuovi di vedere il mondo che ci circonda e di trovare le ragioni dell’ottimismo e l’energia per continuare ad andare avanti malgrado tutto.

Mi sono permesso di invertire la dicitura della mostra presentata da Manca Spazio a Nuoro, perché penso che, non solo Calzia viene prima di Dore in ordine alfabetico, ma anche perchè cedere il passo ad una signora non é solamente galanteria ma il minimo comune possibile dell’educazione che in questi tempi si rarefà e si restringe come neve al sole.

Senza offesa per Nino Dore, artista di grande valore, che il cedere il primo posto alla signora Calzia, artista di cui non é necessario tessere le lodi riconoscendone comunque l’altissimo valore, non potrà che dargli ancora più lustro se necessario.

Potete comunque ascoltare la musica di Paolo Angeli ed indossare le magliette con le frasi esilaranti di Marcello Atzeni qui pubblicizzate dalle delizione Lucido Sottile che aspettiamo di rivedere presto in uno dei loro riuscitissimi spettacoli.

Oppure andare a Roma per visitare la mostra “Women in Comics” di cui riportiamo qui le notizie sulla più importante di tutte le autrici, cioé Trina Robbins.

Senza dimenticare lo splendido lavoro sulle luci ed ombre di Kumi Yamashita e lo spettacolo “Cosa Rimane” alla Sa Manifattura a Cagliari.

Certo il mare vi chiama in questo mese di giugno dove ritroviamo l’estate, specialmente qui in Sardegna dove non mancano le spiagge di sogno e dove fu creato il primo stabilimento balneare, Bagni Carboni, nel 1862, presso le mura di Sant’Agostino a Cagliari.

Dulcis in fundo un villaggio deserto ma non abbandonato, che si aggiunge alla lista che ha ormai superato la dozzina eche aspetta solo la nostra sollicitudine e, perché no? il nostro investirli con attività artistiche. Buona lettura.

Vittorio E. Pisu

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CREDITS SPETTACOLO

“COSA RIMANE?” regia Karim Galici con (in ordine di apparizione) Adriana Monteverde, Giuseppina Mannai, Emidio Porru, Giuseppe Martini, Monica Zuncheddu, Andres Gutierrez, Angelica Adamo, Gloria Atzori, Anna Cardis, Chiara Cocco, Cristina Copez, Daniela Mormile, Gianluca Picciau e con Andrea Brundu, Silvia Devoto, Beatrice Crescenzo

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voce narrante Karim Galici coreografia: Caterina Genta

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i siamo domandati per E’ possibile fare la donazione lungo tempo “Cosa Rimane” della Ma- di 30€ nifattura di Cagliari?

Cosa si cela dietro PRODUZIONI DAL BASSO l’imponente cancello?

Un luogo ricco di memorie e da questo link: https://www.produzionidalricordi di lavoro e di lotte. basso.com/ Con lo spettacolo site speci- projects/28953/support... fic “COSA RIMANE?” del BONIFICO BANCARIO progetto Storie di Manifattura 2021, abbiamo cercato di INTESTATO A rispondere a queste domanIMPATTO TEATRO APS: de ricostruendo la storia e le memorie di chi dentro quelle IBAN mura ha lavorato e vissuto.

IT 96R030 6909 6061 La Sigaraia, La Sindacalista, 0000 0176 959 L’Operaio, L’Infermiere e tante altre spettacolari figure vi guideranno in un viaggio tra il Inviaci la contabile passato il presente e il futuro o lo screenshot della donaziodi uno dei luoghi più impor- ne a: tanti di Cagliari.

Vista la particolarità dello storiedimanifattura@gmail. spettacolo itinerante la ca- com pienza massima per ogni re- Indicandoci la data dell’evento, la replica e il numero di plica è di 14 persone.

Per questo vi consigliamo di partecipanti. prenotare subito il biglietto, le prime due giornate sono già Per qualsiasi dubbio non esitate a scriverci all’indirizzo sold out. mail: 16 giugno Anteprima e storiedimanifattura@gmail.

17 giugno Prova Generale com (SOLD OUT) Per tutti i dettagli: Dal 18 al 20 giugno Spettacolo alle 20h30 e 22h15 https://storiedimanifattura.it/

I nostri Partners Fondazione di Sardegna; Sardegna Ricerche; Sardegna Film Commission; Conservatorio G.P. da Palestrina; Sardegna Teatro; Liceo Artistico e Musicale Foiso Fois; Liceo Scientifico e Artistico G.Brotzu; Ordine degli Architetti di Cagliari; Abaco Teatro; AISM Associazione italiana Sclerosi multipla; RP Sardegna; Cittadini del Mondo Onlus Cagliari, Muse APS; Ciclofficina Sella Del Diavolo; Tra Parola e Musica; Pac; Rumorscena; Nemesis Magazine; Domus Sardinia; Frem Group; Nero Teatro.

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SPETTACOLO

“COSA RIMANE” dal 16 giugno al 20 giugno 2021 alle 20h30 alle 22h15 14 spettatori per replica a cura di

Impatto Teatro

in collaborazione con

Sardegna Ricerche

Sa Manifattura Viale Regina Margherita, 33, 09125 Cagliari

in collaborazione con Piccola Compagnia D’Arte, Balletto di Cagliari e Gloria Atzori Drammaturgia: Karim Galici, in collaborazione con Adriana Monteverde, Andres Gutierrez, Emidio Porru, Giuseppe Martini con i contributi del laboratorio di scrittura creativa diretto da Rossana Copez Scenografia: Andrea Forges Danvanzati insieme agli studenti del Liceo Artistico Foiso Fois di Cagliari con la cura e il coordinamento di Roberta Vanali Costumi: Luciano Bonino Musiche: Federico Leonardi, Matteo Muntoni, Alberto Obino e Walter Demuru in collaborazione con il Liceo Musicale Foiso Fois di Cagliari (tutor Luca Nurchis).

Responsabile tecnico e light designer: Stefano Damasco Sound desiner: Valentino Carcassi (ECHO SOUND) Assistente tecnico: Piergiorgio Perra Luci e foto di scena: Marco Mura Assistenti alla regia: Claudia Benaglio, Paola Zara, Andrea Zucca

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useo a cielo aperto “Maria Lai” a Ulassai

Dove possiamo trovare le seguenti opere: Il lavatoio comunale (19821989) M. Lai, Telaio-soffitto (1982); L. Veronesi, La fontana della sorgente (1984); C. Nivola, La fontana sonora (1987), G. Strazza, La fontana del grano (1989).

«Nel 1980 l’amministrazione comunale di Ulassai decise di creare un monumento ai caduti e per farlo coinvolse Maria Lai, la quale però declinò l’invito, proponendo di realizzare un monumento ai vivi che, l’anno successivo, si concretizzò nell’opera “Legarsi alla montagna”.

Con i fondi inizialmente destinati al monumento, dopo una serie di consultazioni con il resto degli abitanti, si decise di sistemare l’antico lavatoio del paese.

A lavori ultimati Maria Lai si rese conto che una serie di elementi strutturali squalificavano esteticamente il risultato e decise quindi di realizzare un “telaio-soffitto”.

In seguito altri interventi si avvicendarono a quello di Lai, rendendo il lavatoio comunale di Ulassai uno straordinario esempio di integrazione e dialogo tra diverse tecniche e linguaggi espressivi».

Foto fodazionestazionedell’arte

«Il Museo a cielo aperto “Maria Lai” nasce con l’intento di tutelare, promuovere e valorizzare il patrimonio che Maria Lai ha lasciato in eredità al suo paese natale, a partire dal 1981 quando, insieme agli abitanti di Ulassai, dà vita alla performance collettiva “Legarsi alla montagna” fino ad arrivare al 2006, con l’apertura del museo d’arte contemporanea da lei fortemente voluto, La Stazione dell’Arte.

Durante gli ultimi trent’anni del suo percorso Maria Lai, infatti, ha plasmato con la sua arte questo piccolo borgo aggrappato ai Tacchi dell’Ogliastra con tredici opere, tra interventi ambientali e installazioni, alle quali, nel tempo, si sono aggiunte altri lavori di artisti come Luigi Veronesi, Guido Strazza, Costantino Nivola e Marcello Maloberti, che rendono Ulassai uno dei luoghi emblematici dell’arte contemporanea in Sardegna».

Finalmente domenica 20 giugno alle 18:30 aprirà al pubblico

“Stefano Boeri.

Sii albero”.

La mostra, curata da Davide Mariani e Stefano Boeri, è organizzata dalla Fondazione Stazione dell’Arte con il sostegno della RAS – Regione Autonoma della Sardegna, del Comune di Ulassai e della Fondazione di Sardegna.

Fondazione Stazione dell’Arte Ulassai

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Tra gli interventi eseguiti da Maria Lai per la riconversione di alcune zone a rischio frane di Ulassai vi è quello realizzato nei primi anni Novanta ai margini del paese, in un declivio particolarmente suggestivo, all’epoca però ridotto a una discarica, ma che di lì a poco sarebbe diventato una delle testimonianze più significative dell’artista in ambito ambientale, ovvero “La scarpata”.

Dopo un’iniziale incertezza progettuale, Maria Lai pensa per prima cosa di fermare questa discesa così ripida con del cemento armato e, successivamente, decide di raffigurarvi una grande geografia, o meglio per usare le sue parole, “una specie di pagina che raccontasse la storia del mondo, dalla preistoria ai giorni nostri” Il volo del gioco dell’oca (2003) «Liberamente ispirato al tradizionale “Gioco dell’oca”, l’opera si compone di due interventi compositivi: il primo destinato alla facciata della sede della scuola materna, su cui installa un grande pannello in forex composto da un itinerario ludico e didattico, arricchito dalle illustrazione

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della filastrocca ideata dall’artista, mentre il secondo si trova nella pavimentazione del piazzale antistante, piazza Barigau, e vede la riproduzione, in acrilico, delle tredici caselle che compongono il percorso del gioco».

Libretti murati (2003) «Lungo una delle vie più antiche di Ulassai, Maria Lai realizza nel 2003 tredici libri di terracotta smaltata.

La scelta dell’ubicazione non è casuale, ma rimanda al profondo legame che l’artista avverte nei confronti della memoria storica che i luoghi, di volta in volta, le rammentano.

Parole come “il piacere di leggere è spesso negato dalla paura di non capire”, “L’arte è inganno, astuzia”, rendono i libretti sia degli efficaci interventi di arredo urbano ma anche dei veicoli immediati di alcuni aforismi e pensieri dell’artista».

CUORE MIO (2019) «In occasione del centenario della nascita di Maria Lai, Marcello Maloberti ha realizzato una serie di opere che hanno legato due luoghi emblematici della carriera dell’artista sarda: Roma e Ulassai.

Estraendo il cartello d’ingresso dal piccolo borgo e portan-

dolo fino a Roma, Maloberti, con un gesto tanto semplice quanto efficace, si è fatto metaforicamente carico dell’intera comunità di Maria, durante uno dei tributi più importanti che le è stato reso, ovvero la mostra “Tenendo per mano il sole” al MAXXI. Una volta rientrato in Sardegna, il cartello ha trovato la sua collocazione definitiva tra le montagne, in verticale come una bandiera, a indicare l’inizio di un altro paese sospeso tra cielo e terra».

“L’arte è come quel nastro, bella da vedersi ma è soprattutto direzione di salvezza” (Legarsi alla montagna – Maria Lai, 1981) L’opera di Maria Lai dialoga con l’architetto Stefano Boeri.

Un incontro sul terreno dell’arte relazionale, quello tra l’architetto, urbanista, nonché presidente della Triennale di Milano..

Proprio nell’ambito del progetto espositivo “Sii albero” (prossimo all’inaugurazione), che metterà in relazione il lavoro di Boeri con le opere di Lai, la Fondazione Stazione dell’Arte ha lanciato “La frana”, l’iniziativa, aperta a tutti, che ha chiamato gli utenti a essere co-creatori di contenuti. corrieresardo.it

Foto virginia zanetti

sul mondo”.

Ora crediamo che i tempi siano maturi per invitare i visitatori ad essere maggiormente partecipi e soprattutto creativi. Il progetto “La frana” (continua Mariani) assegna agli utenti il ruolo di “audience as artists”, chiamandoli ad essere co-creatori di contenuti, incentivandoli a sviluppare una propria riflessione e a esprimerla in maniera originale.»

“Abbiamo interpretato l’invito della Fondazione Stazione dell’Arte a riflettere sul concetto di frana (dichiara Stefano Boeri) riprendendo un lavoro che avevamo prodotto nel 2013 per San Rocco – Book of Copies, che aveva come titolo “Voragini” e che consiste in una serie di fotocopie basate su una sequenza di associazioni visive.

La voragine non è una frana, ma può essere il risultato di una frana o può comunque essere la sua condizione di partenza.

Si tratta di uno spazio che si apre ai nostri piedi, sulla nostra testa o al nostro fianco, ed è spesso di dimensioni immense e incontrollabili per l’attività umana.

Allo stesso tempo (continua Boeri) può anche essere la rappresentazione di una dimensione psicologica o sociologica. Ci piace pensare che questo concetto visto oggi in una fase di grande fragilità della specie umana possa anche diventare una questione di grande attualità: abbiamo di fronte a noi un enorme voragine legata all’universo sconosciuto, la dimensione di ciò che non conosciamo infatti si è enormemente ampliata, in quanto c’è un’area gigantesca di fenomeni che non sappiamo di non sapere.

Questa voragine dello sconosciuto va però affrontata senza l’ansia illuminista di un controllo razionale sulla realtà del pianeta e sui fenomeni dell’universo.

Dobbiamo imparare a convivere con le voragini, imparare ad abitare le voragini e questa sequenza di immagini è un invito proprio in questa direzione”.

La frana | Nell’ambito della mostra “Stefano Boeri. Sii albero” a cura di Davide Mariani e Stefano Boeri Architetti Questo evento si é svolto nel novembre del 2020 e la mostra di Stefano Boeri é stata rimandata al giugno 2021

“Ulassai è una metafora straordinaria, perché minacciata da frane, come il mondo”, diceva Maria Lai. arte dalla Fondazione “Stazione dell’Arte di Ulassai” che custodisce le opere dell’artista ogliastrina, tra lo scenario incantato dei Tacchi, una chiamata al pubblico.

L’invito è a una riflessione sul concetto in senso ampio di “frana” non solo come catastrofe ambientale ma dal punto di vista sociale, economico, culturale.

Per partecipare si poteva inviare un testo, una poesia, canzone, disegno, video, foto alla mail info@stazionedellartexperience.com.

I lavori sono stati pubblicati all’interno di una sezione della piattaforma multimediale.

Un processo artistico che diventa un momento di condivisione e partecipazione, componente essenziale dell’operare dell’artista che nel 1981 chiamò a raccolta l’intero paese di Ulassai per creare quella che è considerata la prima opera di Arte relazionale a livello internazionale: “Legarsi alla montagna”.

Un lunghissimo nastro celeste attraversò, unendo l’una all’altra, le case del paese,

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fino poi a raggiungere la montagna che lo sovrasta.

“Legarsi alla montagna” s’ispira a una leggenda, la favola di una bambina che si salva dal crollo di una grotta inseguendo una striscia di stoffa nel cielo, ridisegnando la forma del paese in una mappa immaginaria dove i nodi simboleggiano i legami di amicizia e solidarietà all’interno della comunità.

Lo stesso spirito anima il lavoro di Stefano Boeri.

L’ iniziativa infatti si sviluppa nell’ambito del progetto espositivo “Sii albero” che ripercorre, per la prima volta in Sardegna, il lavoro e la filosofia dell’architetto in un dialogo ideale con le opere e la poetica di Maria Lai. Al centro della call un processo artistico che diventa un momento di riflessione condivisa.

Oggi, nel 2021, il mondo continua ad essere minacciato da frane: dai cambiamenti climatici alle catastrofi ambientali, dai rischi per le biodiversità alle grandi migrazioni, dalle disuguaglianze crescenti alle povertà dilaganti, dall’esclusione sociale allo spopolamento di interi territori, fino all’ultima pandemia ancora in corso. Si tratta di problemi e

criticità che richiedono soluzioni urgenti e, al contempo, pongono le comunità di fronte a grandi interrogativi.

Qualsiasi risposta non può che maturare da un impegno collettivo, in cui l’apporto di ciascuno riveste un ruolo fondamentale.

Nel solco della filosofia tanto di Maria Lai quanto di Stefano Boeri Architetti, i quali hanno fatto della condivisione e della partecipazione una componente essenziale del loro operare, la Fondazione Stazione dell’Arte lanciava un invito alle persone perché raccontassero la propria visione di frana, da pubblicare all’interno di un’apposita sezione della piattaforma multimediale www.stazionedellartexperience.com/category/lafrana.

Le testimonianze più significative avrebbero dovute essere rilanciate sui canali social del museo con l’utilizzo dell’hashtag #LaFrana.

«Durante il primo lockdown le iniziative online della Stazione dell’Arte (dichiara Davide Mariani, direttore del museo) si sono incentrate su attività volte principalmente a intrattenere e sensibilizzare il pubblico, soprattutto grazie al format #ProssimaFermata e alla mostra virtuale “Lente

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https://stazionedellartexperience.com/category/lafrana/

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Foto merulana

rriva a Roma, direttamente da New York, in esclusiva europea, la mostra “Women in Comics” curata da Kim Munson e dalla leggendaria Trina Robbins.

La straordinaria collettiva di 25 artiste che “hanno fatto la Storia del fumetto nordamericano”, in programma dal 28 maggio 2021 a Palazzo Merulana, è promossa dall’Ambasciata degli Stati Uniti in Italia e co-prodotta da ARF! Festival e Comicon.

L’esposizione originale è stata allestita una sola volta nel 2020 alla Galleria della prestigiosa Society of Illustrators di New York, l’Associazione professionale fondata da Henry S. Fleming nel 1901 (oggi diretta da Anelle Miller) che, oltre alle mostre, dal 1959 ogni anno, produce e pubblica Illustrators Annual, considerato uno dei più importanti cataloghi di illustrazione del mondo.

Composta da 90 opere originali la mostra Women in Comics, che ha aperto il 28 maggio a Palazzo Merulana, propone una storia di autodeterminazione dei comics nordamericani grazie alle sue 25 protagoniste che, dal fumetto vintage degli anni ’50 al graphic novel più autoriale, esplorando temi come amore, sessualità, creatività, discriminazione, indipendenza, attraversa la psichedelia degli anni ’70 e del fumetto underground, fino alla scena contemporanea mainstream di Marvel e DC Comics.

“Questa mostra” (sottolinea la curatrice Kim Munson )“è una rappresentazione dell’ampia gamma e diversità delle donne che operano nei fumetti e dei tanti generi in cui stanno lavorando, siano esse memorie personali, storie per bambini, di supereroi, di genere epico/fantasy, o ancora nel graphic journalism e nella grafica editoriale.”

Accanto alle tavole di Trina Robbins, vera e propria icona “militante” del fumetto underground e dell’attivismo femminista che nel 1986 è stata la prima fumettista della storia a disegnare Wonder Woman per una major come la DC Comics, saranno presenti opere originali di Afua Richardson e Alitha Martinez (entrambe autrici e attiviste, vincitrici dell’Eisner Award per il loro lavoro su World of Wakanda della Marvel, serie spin-off del già “politico” Black Panther di Ta-Nehisi Coates), di Colleen Doran (che ha disegnato

Women In Comics

fino al 11/07/2021

Palazzo Merulana Via Merulana, 121 Roma palazzomerulana.it

sui testi di sceneggiatori del calibro di Neil Gaiman e Alan Moore), di Emil Ferris, il cui graphic novel “La mia cosa preferita sono i mostri” (pubblicato in Italia da Bao Publishing) è diventato un vero successo editoriale di critica e pubblico, premiato anche con il Fauve d’Or al Festival Internazionale di Angoulême come “Miglior fumetto dell’anno” del 2018 e di Ann Telnaes Premio Pulitzer come vignettista del Washington Post.

E ancora: Ebony Flowers (autrice di Hot Comb, considerato da Guardian, Washington Post e Believer uno dei migliori libri del 2019), Trinidad Escobar (fumettista e poetessa filippina di San Francisco, dove insegna al California College of the Arts), Tillie Walden (Su un raggio di sole, Bao), Joyce Farmer (Special Exits, Eris Edizioni) e a grande sorpresa, solo per l’edizione italiana, anche le tavole di Raina Telgemeier, la fumettista bestseller con le più alte vendite di libri negli USA (e nel mondo), vincitrice di cinque Eisner Awards, che nei suoi straordinari graphic novel per ragazzi affronta con grande delicatezza le problematiche preadolescenziali.

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“Abbiamo accettato davvero con grande piacere e convinzione di ospitare a Palazzo Merulana la mostra “ Women In Comics” perché, come Coopculture (cooperativa formata in prevalenza da donne), condividiamo e ci riconosciamo nei valori incarnati dalle 25 artiste che espongono le loro opere e che hanno fatto la Storia del fumetto nordamericano. (afferma Letizia Casuccio, direttrice di CoopCulture) Pensiamo a Trina Robbins (vera e propria icona “militante” del fumetto underground), ad Afua Richardson e Alitha Martinez (afroamericane e attiviste) e a tutte le altre donne che hanno espresso nella loro arte la volontà di autodeterminazione andando oltre una prospettiva solo di genere. Siamo coinvolti dalla loro capacità di farci crescere ed evolvere con la sensibilità del loro racconto e della rappresentazione di temi come l’amore, la sessualità, la creatività, la lotta alla discriminazione e l’indipendenza. Per noi tutti e per il pubblico che la visiterà, questa mostra sarà di certo un’occasione di arricchimento umano e di interrelazione sociale verso il bene comune”.

“Quando l’Ambasciata USA di Roma ci ha proposto di portare in Italia questa mostra, ne siamo stati subito entusiasti.

Non solo perché perfettamente coerente alle linee di etica e diritto umano che da sempre esprimiamo con ARF! Festival, ma anche per il livello artistico e culturale delle autrici coinvolte (racconta Stefano “S3Keno” Piccoli, direttore di ARF! e curatore dell’edizione italiana di Women in comics) Inoltre, dopo i seguitissimi talk in diretta dagli Stati Uniti con le artiste americane, siamo davvero felici di poter annunciare, finalmente, anche gli incontri in presenza a Palazzo Merulana con cinque professioniste del fumetto italiano come Katja Centomo, Lorenza Di Sepio, Annalisa Leoni, Maria Grazia Mirabella e Simona Binni e sottolineare come l’affermazione di un’autrice (anche se non esplicitamente schierata in tematiche femministe, di identità di genere, transessualità, etc.) in un ambiente storicamente maschile e maschilista come quello dell’editoria a fumetti, sia già essa stessa un grande segno di cambiamento sociale, un atto politico.

Su questo ragionamento, anche la mia scelta curatoriale

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Foto archivigigighò

rina Robbins (nata Trina Perlson, 1938) è una vignettista americana. È stata una delle prime e influenti partecipanti al movimento comix underground e una delle prime poche artiste in quel movimento.

Sia come fumettista che come storica, Robbins è stata a lungo coinvolta nella creazione di punti vendita e nella promozione di artisti di fumetti femminili.

Negli anni ‘80, Robbins divenne la prima donna a disegnare fumetti di Wonder Woman . È membro della Will Eisner Hall of Fame.

Robbins è stato un membro attivo del fandom di fantascienza negli anni ‘50 e ‘60.

Le sue illustrazioni sono apparse in fanzine di fantascienza come la Habakkuk nominata da Hugo.

I primi fumetti di Robbins furono stampati nell’East Village Other ; ha anche contribuito allo spin-off del fumetto underground Gothic Blimp Works .

Nel 1969, Robbins disegnò il costume per il personaggio di Warren Publishing Vampirella, per l’artista Frank Frazetta in Vampirella # 1 (settembre 1969).

Lasciò New York per San Francisco nel 1970, dove lavorò al quotidiano underground femminista “It Ain’t Me, Babe”.

Nello stesso anno, insieme alla collega artista femminile Barbara “Willy” Mendes, ha creato il primo fumetto per sole donne, il film “One Ain’t Me, Babe Comix” .

Da questo periodo, la Robbins è diventata sempre più coinvolta nella creazione di punti vendita e nella promozione di artisti di fumetti femminili, attraverso progetti come l’antologia dei fumetti Wimmen’s Comix , con la quale è stata coinvolta per vent’anni.

Il Comix # 1 di Wimmen presentava “Sandy Comes Out” di Robbins, il primo fumetto in assoluto con una lesbica “fuori”.

Robbins divenne sempre più esplicita nelle sue convinzioni, criticando l’artista comix clandestino Robert Crumb per la percepita misoginia di molti dei suoi fumetti.

Disse: “È strano per me quanto le persone siano disposte a trascurare l’orrenda oscurità nel lavoro di Crumb ... Cosa diavolo è divertente in stupro e omicidio?”

All’inizio degli anni ‘80 Robbins ha creato adattamenti di Sax Rohmer’s Dope e The Silver Metal Lover di Tanith Lee. (segue pagina 8)

di aggiungere a sorpresa le tavole di Raina Telgemeier, è un segno fortissimo di questa autodeterminazione femminile!”

Anche Rodney Ford, Cultural Affairs Officer dell’Ambasciata degli Stati Uniti in Italia, afferma: “Siamo molto lieti di assistere all’inaugurazione della mostra, che rappresenta il culmine del percorso Women in Comics iniziato a febbraio. Sono stati mesi di incontri e riflessioni condivise tra artiste americane ed italiane con le giovani generazioni che hanno potuto riflettere in modo diverso ed innovativo su temi quali la violenza di genere, la giustizia sociale, le discriminazioni sul lavoro e le pari opportunità” WOMEN IN COMICS: GLI INCONTRI ON LINE Continuano gli incontri in streaming, con la curatela della fumettista e illustratrice Rita Petruccioli (Bao Publishing, Il Castoro, Mondadori) e della giornalista Francesca Torre (StayNerd.it, Inside Art), che dal 18 marzo, una volta al mese, hanno visto come protagoniste alcune delle migliori autrici di Women in Comics

(in diretta dagli Stati Uniti) a confronto con cinque tra le più rappresentative colleghe italiane, su tematiche di grande rilevanza socio-culturale e attualità legate ai movimenti femministi e l’arte militante, al corpo femminile e la sua rappresentazione nel disegno, all’antirazzismo, il transfemminismo e l’intersezionalità, alla violenza e il rapporto tra generi e identità nel fumetto.

In calendario ancora un incontro, quello di giovedì 10 giugno dal titolo “Drawing Power: raccontare la violenza a fumetti” con Trininad Escobar (dagli USA) e Rita Petruccioli (dall’Italia), con la moderazione a cura della Casa delle donne Lucha Y Siesta.

WOMEN IN COMICS: GLI INCONTRI IN PRESENZA “PROFESSIONE FUMETTO”.

Nello stesso periodo della mostra, ARF! Festival a partire dal 3 giugno curerà 5 incontri in presenza dal titolo «Professione Fumetto», per cinque settimane consecutive, aperti a tutti e a ingresso gratuito con prenotazione.

Protagoniste alcune tra le più rappresentative artiste italiane del disegno e della scrittura:

Modalità di partecipazione

L’accesso alla mostra Women in Comics è libero e incluso nel biglietto di ingresso alla Collezione Cerasi presso Palazzo Merulana Intero € 10,00 Ridotto € 8,00 (Giovani under 26, adulti over 65, insegnanti in attività, possessori di Cartax2, possessori Lazio Youth card ) Gratuito (bambini under 7, un insegnante ogni 10 studenti, un accompagnatore giovedì 3 giugno 2021 alle 18 ogni 10 persone, disabile con accompagnatore, possessori Pass Palazzo Merulana con Katja Centomo e La scrittura (idea, proprietà, e Pass Palazzo Merulana Young, membri ICOM, guisoggetto e sceneggiatura) de turistiche con patentino) Scuole € 6,00 (per studente). venerdì 11 giugno 2021 WOMEN IN COMICS: con Lorenza Di Sepio e Il di- Prenotazione turno obbligatoria ingresso scuole € 20,00 IL DOCUFILM. segno (analogico e digitale), Gruppi € 8,00 a persona Completerà il programma la (min 10, max 25 persone) proiezione di “She Makes venerdì 18 giugno 2021 Prenotazione obbligatoComics” della regista Marisa con Annalisa Leoni e Stotter (Respect Films, 2014), La colorazione (e le applica- ria turno ingresso gruppi € 30,00 un film/documentario (“la sto- zioni creative), Visite guidate su prenotazioria mai raccontata delle donne €100.00 ne nell’industria dei fumetti”) venerdì 25 giugno 2021 che verrà proiettato per la pri- con Maria Letizia Mirabella Visite scuola su prenotazioma volta in Italia a ciclo con- e Grafica & lettering per con- ne € 80.00 Prenotazione consigliata tinuo nella sala espositiva di cludersi Diritti di prenotazione €2.00 Palazzo Merulana e sarà colwww.palazzomerulana.it legato ad un progetto didatti- venerdì 2 luglio 2021 co che coinvolgerà le scuole con Simona Binni e L’editing (Sezione “Acquista Biglietti”) italiane. (e il graphic novelism).

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Photo tinarobbins

(segue dalla pagina 7) A metà degli anni ‘80 ha scritto e disegnato “Misty” per Marvel Comics Star Comics.

La serie di breve durata è stata una reinterpretazione del personaggio di lunga data Millie the Model, ora adulta che gestisce la propria agenzia di modelle e si occupa di sua nipote Misty.

Il coinvolgimento ufficiale di Robbins con Wonder Woman, un personaggio che aveva ammirato a lungo, iniziò nel 1986.

Alla conclusione del primo volume della serie (in collaborazione con la serie Crisis on Infinite Earths ), DC Comics pubblicò una serie limitata di quattro numeri intitolato “The Legend of Wonder Woman”, scritto da Kurt Busiek e disegnato da Robbins.

Robbins è stata la prima donna a disegnare fumetti di Wonder Woman.

La serie ha reso omaggio alle radici dell’età d’oro del personaggio. È apparsa anche se stessa in Wonder Woman Annual 2 (1989).

A metà degli anni ‘90, Robbins ha criticato la “cattiva arte femminile” dell’artista Mike Deodato nel ruolo di Wonder Woman, definendo la versione del personaggio di Deodato un “pinup ipersessuale appena vestita”.

Alla fine degli anni ‘90, Robbins ha collaborato con Colleen Doran al romanzo a fumetti della DC Comics Wonder Woman: The Once and Future Story , sul tema dell’abuso sponsale.

Robbins ha scritto le avventure a fumetti di Honey West, noto come uno dei primi detective privati femminili ​​ della popolare fiction.

Oltre al suo lavoro sui fumetti, Robbins è autrice di libri di saggistica sulla storia delle donne nel fumetto.

Il suo primo libro, scritto insieme a Catherine Yronwode, è stato Women and the Comics, una storia di creatori di fumetti e fumetti femminili. Come uno dei primi libri mai pubblicati su questo argomento, è stato trattato dalla stampa mainstream, oltre a quella dei fan.

I successivi volumi di Robbins sulle donne nel settore dei fumetti includono A Century of Women Cartoonists (Kitchen Sink, 1993), The Great Women Superheroes (Kitchen Sink, 1997), From Girls to Grrrlz: A History of Women’s Comics from Teens to Zines (Chronicle, 1999) e The Great Women Cartoonists (Watson-Guptill, 2001).

ARCHITETTURA A CAGLIARI? Il suo ultimo lavoro, Pretty In Ink , pubblicato da Fantagraphics, copre la storia delle donne nordamericane nei fumetti della striscia di Rose O’Neill del “1896 The Old Subscriber Calls to present”.

Robbins è stata co-fondatrice di “Friends of Lulu”, un’organizzazione no profit fondata nel 1994 per promuovere il pubblico dei fumetti delle donne e la partecipazione delle donne all’industria dei fumetti.

Robbins è nel film di storia femminista She’s Beautiful When She’s Angry .

Robbins è stata intimamente coinvolta nella scena rock degli anni ‘60, dove era amica intima di Jim Morrison e The Byrds. È la prima delle tre “Ladies of the Canyon” nella canzone classica di Joni Mitchell dall’album omonimo.

Alla fine degli anni ‘60 gestiva una boutique di abbigliamento dell’East Village chiamata “Broccoli” e realizzava abiti per Mama Cass, Donovan, David Crosby e altri.

Ha scritto un libro di memorie intitolato “Last Girl Standing”, uscito nel 2017 da Fantagraphics.

Il suo partner è l’artista Steve Leialoha.

Robbins è stata ospite specia-

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le del Comic-Con di San Diego del 1977, quando le è stato assegnato un Inkpot Award.

Ha vinto uno Special Achievement Award dal Comic Con di San Diego nel 1989 per il suo lavoro su Strip AIDS USA , un libro di beneficenza che ha co-curato con Bill Sienkiewicz e Robert Triptow.

Era l’ospite d’onore del WisCon del 1992, la Convention di fantascienza del Wisconsin.

Nel 2002, a Robbins è stato assegnato lo Special John Buscema Haxtur Award, un riconoscimento per i fumetti pubblicato in Spagna.

Nel 2011, le opere d’arte di Robbins sono state esposte nell’ambito della mostra Koffler Gallery Graphic Details: Confessional Comics di Jewish Women .

Nel luglio 2013, durante il Comic-Con di San Diego, Robbins è stata uno dei sei membri della Will Eisner Hall of Fame.

Il premio è stato consegnato dal fumettista della rivista Mad e dal creatore di Groo the Wanderer Sergio Aragonés.

Gli altri indotti erano Lee Falk, Al Jaffee, Mort Meskin, Joe Sinnott e la Spagna Rodriguez.

In un sondaggio del 2015, Robbins si è classificato al 25° posto tra i migliori creatori di fumetti femminili di tutti i tem-

pi.

Nel 2017, Robbins è stata scelta per la Wizard World Hall of Legends.

In considerazione del suo contributo alla forma del fumetto e del suo lavoro come storico, la Comics Alliance ha elencato Robbins come una delle dodici donne fumettiste che meritano il riconoscimento di risultati ottenuti a vita.

Come scrittore / artista, se non diversamente indicato East Village Altro (fine anni ‘60): distributore Gothic Blimp Works (East Village Other, 1969) contributrice It Ain’t Me, Babe Comix (Last Gasp, 1970) co-fondatrice, collaboratrice Moonchild Comix # 3 (settembre 1970) contributtrice Swift Comics (Bantam Books, 1971) contributrice All Girl Thrills (Print Mint, 1971) —editore, collaboratore Wimmen’s Comix (Last Gasp, Renegade Press, Rip Off Press, 1972–1992) co-fondatrice, contributrice Girl Fight Comics # 1, # 2 (Print Mint, 1972, 1974) Tuff Shit Comics (Print Mint, 1972) contributrice Barbarian Comics # 4 (California Comics, 1972) contributrice Comix Book (Marvel Comics,

E’

Kitchen Sink, 1974–1976): distributrice Tits & Clits Comix # 3 (Nanny Goat Productions, 1977) — contributrice Dope (Eclipse Comics, 1981– 1983) —adattamento del romanzo di Sax Rohmer Gates of Eden (FantaCo, 1982) contributrice The Silver Metal Lover (Crown Books, 1985) adattamento del romanzo di Tanith Lee Good Girls (Wonderful Publishing Company, 1985) contributrice Misty (Star Comics, 19851986) Gay Comix # 6, # 11, # 25 (Bob Ross, 1985, 1986, 1998) Wonder Woman (DC Comics, 1986) - scrittrice California Girls # 1–8 (Eclipse Comics, 1987–1988) Strip AIDS USA: una collezione di arte del fumetto a beneficio delle persone con AIDS (Last Gasp, 1988) editor (con Bill Sienkiewicz e Robert Triptow) War News (Jim Mitchell, 1991) contenitore del giornale sotterraneo lanciato per protestare contro la prima guerra del Golfo.

Wonder Woman: The Once and Future Story (DC Comics, 1998) sceneggiatrice; disegnato da Colleen Doran

Alien Apocalypse 2006 (Frog Ltd., 2000) contributrice GoGirl (Image Comics, 2000– 2001) scrittore 9-11: 11 settembre 2001 (Artisti rispondono) (Dark Horse Comics / Chaos! Comics / Image Comics, 2002) sceneggiatrice /contributrice The Phantom Chronicles (Moonstone Books, 2007) - scrittore / contributrice Girl Comics (Marvel Comics, 2010) contributrice Honey West (Moonstone Books, 2010) edizione per scrittori 1,2,6,7 Honey West and The Cat (Moonstone Books, 2013) -writer, numero 1–2 Saggistica Women and the Comics di Catherine Yronwode e Trina Robbins (Eclipse, 1983) ISBN 0-913035-01-7 A Century of Women Cartoonists (Kitchen Sink, 1993) ISBN 0-87816-206-2 The Great Women Superheroes (Kitchen Sink, 1997) ISBN 0-87816-482-0 From Girls to Grrrlz: A History of Women’s Comics from Teens to Zines (Chronicle, 1999) ISBN 0-8118-2199-4 The Great Women Cartoonists (Watson-Guptill, 2001) ISBN 0-8230-2170-X

Nell Brinkley and the New Woman in the Early 20th Century (McFarland & Co., 2001) ISBN 0-7864-1151-1 Eternally Bad: Goddesses with Attitude (Conari Press, 2001) ISBN 1-57324-550-X Tender Murderers: Women Who Kill (Conari Press, 2003) ISBN 1-57324-821-5 Wild Irish Roses: Tales of Brigits, Kathleens e Warrior Queens (Conari Press, 2004) ISBN 1-57324-952-1 “Girls on Top?”, Capitolo 6 di Comz : The Underground Revolution di Dez Skinn (Collins & Brown / Thunder’s Mouth, 2004) ISBN 1-84340-186-X The Brinkley Girls: The Best of Nell Brinkley’s Cartoons dal 1913–1940 (Fantagraphics Books, 2009) ISBN 978-1-56097970-8 — introduzione Città Proibita: The Golden Age of Chinese Nightclubs (Hampton Press, 2009) ISBN 978-157273-947-5 Pretty In Ink: North American Women Cartoonists 1896– 2013 (Fantagraphics Books, 2013) ISBN 978-1-60699-6690 Babes in Arms: Women in Comics Durante la Seconda Guerra Mondiale (Hermes Press, 2017) ISBN 978-1-61345-0956 wikiita.com/trina_robbins

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un normale pomeriggio di apertura al De Young, uno dei due Museums of Fine Arts di San Francisco, e il consueto sole della California splende sulle palme.

Dentro le sale si aggirano visitatori intenti ad ammirare la collezione permanente di arte americana.

Una distinta signora, minuta ma dotata di un sorriso gentile e vestiti sgargianti, sta fissando uno quadro di Robert Henri che ritrae una donna elegante, con una sciarpa bianca ad esaltare il colore rosso dei capelli.

Improvvisamente, la distinta signora tira fuori dalla borsa una matita e inizia a scrivere sulla didascalia.

I guardiani del museo intervengono di corsa: «Signora, cosa fa! SI FERMI!».

«Non ho nessuna intenzione di toccare il quadro, ci mancherebbe», risponde lei, «ma la didascalia va aggiornata.

Non è riportato il nome della donna ritratta, né la sua biografia!».

Non sappiamo se fosse effettivamente un pomeriggio assolato ma i fatti sono andati così, secondo il racconto di Trina Robbins.

Trina Perlson nasce a Brooklyn alla fine degli anni trenta in un contesto famigliare che definisce amorevole e sereno.

Il cognome Robbins è quello dell’ex marito; anni dopo si troverà a riflettere sul cognome di famiglia, Perlson, arbitrariamente attribuito al padre dai funzionari dell’immigrazione a Ellis Island (per americanizzare il vero cognome del genitore, Perechudnik, migrante bielorusso).

La conoscenza della condizione di marginalità (ma più che altro la percezione di questa condizione) nasce probabilmente dalla sua infanzia, passata in un quartiere abitato da modeste famiglie di lavoratori d’origine irlandese, italiana e tedesca che non vedevano di buon occhio la sua famiglia, decisamente progressista e di origine ebraica.

Disegna e legge fumetti fin da piccola, e non sopporta quanto sente dire che le ragazze non li leggono.

Ama copiare autori che influenzeranno i suoi lavori; Matt Baker, uno dei disegnatori del filone chiamato informalmente “good girl”, le cui protagoniste sono sempre donne bellissime; Wallace Wood e la sua fantascienza. (segue pagina 10)

Foto fumettologica

(segue dalla pagina 9) Sono gli anni delle pubblicazioni di Timely Comics e dei teen comics dedicati alle ragazze come Patsy Walker, Katy Keene e Love romance.

Gli anni della guerra e dell’immediato dopoguerra avevano dato impulso alle pubblicazioni pensate per le ragazze e a volte realizzate dalle donne.

In America (e in altri paesi) la partenza degli uomini per il fronte lascia spazio alle donne nei luoghi di lavoro e le rende anche consumatrici, grazie ai salari delle fabbriche.

All’epoca sicuramente la piccola Trina non lo notava, ma molti fumetti non erano firmati o comunque la memoria degli autori e delle autrici veniva persa.

Anni dopo, il lavoro di ricerca storica della Robbins si estenderà anche a questo periodo.

La sua adolescenza, a cavallo tra gli anni cinquanta e sessanta, arriva in un momento storico in cui il fermento si sente nell’aria.

Frequenta il Village e Washington Square, sogna la Bohème e di trasferirsi a fare l’artista a Parigi.

La Francia è un po’ lontana, ma anche sulla West Coast succedono cose interessanti e la Robbins si trasferisce a Los Angeles.

Vive il movimento hippie in modo spontaneo e naïve, come del resto tutti i giovanissimi che ne hanno preso parte. La rivoluzione culturale e sessuale è un momento di grande liberazione collettiva che presenta però contraddizioni di fondo.

La disinibizione, accolta da tutti, viene vissuta passivamente da alcuni ma soprattutto da alcune: dire di no, sottrarsi ad un rapporto, vuol dire essere antiche, represse, reazionarie.

E al di là della liberazione sessuale, molti uomini continuano a non accettare la parità con le donne in tanti altri ambiti.

Trina Robbins torna a New York e prende in gestione uno spazio per la sua boutique, Broccoli.

Nel periodo californiano ha imparato a cucire e creare vestiti super colorati e psichedelici, che ha confezionato per artisti giovani ed emergenti; Donovan, Sonny e Cher, The Mamas and The Papas. Conosce anche Jim Morrison, senza ovviamente sapere di quale leggenda del rock è diventata amica.

La sua carriera da sarta e stilista sembra non riguardare molto il suo lavoro da fumet-

TRINA ROBBINS tista, eppure anni dopo è Prada a farle una sorprendente telefonata.

In America esplode la Pop Art. Il fumetto, anche grazie a questo movimento, attira interesse e ottiene considerazione.

Quando nasce il fenomeno dell’underground, gli autori sono decisi ad esplorarne tutte le potenzialità come forma d’arte adulta.

Le pubblicazioni underground sono alternative, autoprodotte, non necessariamente di qualità ma libere nei contenuti e soprattutto lontane dai fumetti supereroistici e per giovani che rappresentavano la maggior parte della produzione. Trina Robbins, che ha continuato a disegnare, viene introdotta al giornale East Village Other.

Il tempo passa, il clima invernale a New York è rigido, è difficile vendere i vestiti in boutique dopo il Natale e il sole della California dev’essere un bel ricordo: Trina Robbins si trasferisce a San Francisco, lasciando negozio e casa ad amici.

Non è l’unica ad arrivare più o meno in quegli anni.

Nel 1967 è approdato Robert Crumb, deciso ad avere, da quel momento e per sempre, la più totale libertà artistica come autore dopo anni di lavoro in

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agenzia e per la pubblicità.

Nel 1968 edita e si autodistribuisce (in senso fisico, a mano) il primo numero della storica rivista Zap Comix, considerata la nascita del movimento underground.

L’ambiente del fumetto lascia un po’ di amarezza in Trina Robbins, che percepisce gli autori come parte di un “club maschile” in cui le donne hanno posto solo come compagne e standiste alle convention (le prime saranno negli anni settanta).

Alle feste, gli amici del giro la presentano come “la stilista”, lei che disegna da sempre e vorrebbe essere autrice.

Con Crumb si scontra direttamente: il problema non sono certo il sesso e i nudi (la X usata nella parola Comix è mutuata dalla X dei film porno al cinema), ma gli stupri e le violenze contenute nelle storie.

Crumb dichiara esplicitamente di voler rappresentare senza filtri le più estreme fantasie sessuali e rivendica a pieno titolo la sua libertà espressiva.

Non vuole essere omologato o censurarsi, non vuole essere noioso e ripetitivo, vuole rappresentare quello che davvero è nella testa delle persone ed insiste sull’argomento che disegnare perversioni su car-

ta sia semmai una liberazione della libido.

La Robbins non nega l’arte di Crumb, che ha segnato un’epoca, ma insiste sulla sua responsabilità nell’aver legittimato altri uomini a considerare divertenti gli atteggiamenti più misogini.

Ogni settimana, Trina Robbins prende un autobus che da San Francisco la porta a Berkeley per consegnare i suoi disegni al The Berkeley Tribe.

Le università erano la fucina di queste produzioni e ospitavano collettivi alla ricerca di nuovi spazi di lotta e di espressione.

In quel periodo legge il suo primo articolo femminista, “Why the women are revolting”, dal The Berkeley Barb. È come un fulmine per lei, che percepisce proprio quel senso di appartenenza che stava cercando.

Contatta con entusiasmo la rivista di liberazione femminile “It Ain’t Me Babe”, incontra le donne della redazione e comincia la sua prima collaborazione militante, disegnando per loro copertine, fumetti, illustrazioni.

Stiamo parlando sempre di riviste autoprodotte, impaginate e stampate in modo economico, distribuite a mano o in piccoli negozi, senza ovviamente budget per gli autori, che però

Foto fumettologica

ospitavano il fermento e l’entusiasmo di una generazione.

Non molto tempo dopo, Trina Robbins è pronta a produrre il suo primo comic book completo, disegnato tutto da donne.

A San Francisco conosce solo un’altra fumettista attiva a tempo pieno, Barbara “Willy” Mendes, ma assieme ne trovano altre: Nancy Kalish, Lisa Lyons, Meredith Kurtzman, Michele Brand. Nasce It Ain’t Me Babe Comix (1970), che omaggia nel nome la rivista, anche se la redazione non è la stessa.

Poco dopo, in un’altra città della California, viene pubblicata la serie Tits & Clits di Joyce Farmer e Lyn Chevely, due autrici lesbiche che disegnano in collaborazione con altre disegnatrici, a dimostrazione della voglia generalizzata di esprimersi con una voce collettiva.

A It Ain’t Me Babe Comix va riconosciuto il primato temporale.

Nel 1972 il collettivo aveva accumulato abbastanza esperienza da dedicarsi ad un nuovo fumetto che raccogliesse ciclicamente opere di altre autrici, con una redazione “a rotazione” per garantire che non ci fosse una gerarchia all’interno del collettivo e che tutte aves-

sero uguale potere decisionale.

La Robbins trova anche un editore, che le pagherà per la pubblicazione la cifra folle di mille dollari (Ron Turner di Last Gasp Publishing).

Il nome della nuova raccolta è già scritto nella testa delle ragazze che continuano a parlarne come “il fumetto delle donne”.

Nasce così il primo numero di Wimmen’s Comix.

Già rivoluzionaria di per sé, la raccolta contiene il primo fumetto che racconta la storia di una ragazza lesbica, “Sandy comes out”, disegnato da Trina Robbins e basato sulla vita della sorella di Crumb, sua coinquilina.

Grazie a Wimmen’s Comix, molte autrici esordiscono nel fumetto, quali che siano il loro stile e genere o addirittura il loro effettivo talento; la cosa fondamentale è dare loro libertà d’espressione.

Tra le tante, Lora Fountain con “A Teenage Abortion”, Sharon Rudahl con lo psichedelico “Tales of Sativa,”, Alison Bechdel e Melinda Gebbie. Anche Aline Kominsky e Diane Noomin disegneranno su Wimmen’s Comix per lasciarlo, usando un eufemismo, dopo divergenze personali e artistiche (Aline diventerà la

compagna di Crumb, e con la Noomin fonderà un’altra raccolta).

La pubblicazione va avanti sporadicamente per anni, attraversando la crisi della stampa underground.

Un nuovo sistema distributivo e la morte delle piccole librerie indipendenti, principali rivenditori della stampa alternativa, provoca una forte flessione delle pubblicazioni.

Per rendere l’idea della situazione, nel 1973 una rivista per donne rifiuta di vendere una pagina di pubblicità a Wimmen’s Comix.

Una sentenza della Corte Suprema aveva dichiarato che ogni città poteva decidere autonomamente quali pubblicazioni fossero oscene; si era diffuso così un terrore generalizzato di incorrere in denunce per aver pubblicizzato o pubblicato materiali localmente ritenuti pornografici.

I distributori e i rivenditori erano soliti dire che non c’era più spazio e pubblico per riviste come quelle, anche perché le donne non leggevano fumetti.

Un vecchio pregiudizio che tormentava Trina Robbins, che sapeva bene che le donne leggevano, erano autrici ed esistevano come pubblico e come produttrici di validi contenuti,

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anche se storicamente molte riviste non avevano archivi, non mettevano i nomi degli autori e molte informazioni sulle autrici donne erano andate perdute.

L’attività artistica di Trina Robbins prosegue e nel 1985, prima donna nella storia, disegna una ciclo di storie di Wonder Woman per DC Comics (The Legend of Wonder Woman, in 4 albi).

Ciò che la impegna e la appassiona di più però è la sua missione, quella di restituire memoria alle altre donne artiste del mondo del fumetto.

Nel 1983 scrive Women and the Comics con Catherine Yronwode, poi A century of women cartoonist, pubblicato con Kitchen Sink nel 1993; From Girls to Grrrrlz: a History of women’s comics from teens to Zines, con Chronicle nel 1999, che ripercorre proprio il movimento underground; Pretty In Ink: North American Women Cartoonists 1896–2013 con Fantagraphics Books nel 2013; Flapper Queens: Women Cartoonists of the Jazz Age, con Fantagraphics Books nel 2020.

Si occuperà anche di promuovere il lavoro di altre fumettiste, e ovviamente dedicherà al loro lavoro mostre e conferenze, anche grazie alla grandissima collezione accumulata nei suoi anni di attivismo e divulgazione e ad un impegno personale che non è mai venuto meno.

Il suo ultimo libro è dedicato a riscoprire le disegnatrici della Flapper Era, quell’epoca di grande rivoluzione dei costumi avvenuta negli anni venti.

Qualche nome tra le tante autrici che ha contribuito a scoprire e riscoprire: Ethel Hays, Gladys Parker, Virginia Krausmann, Martha Orr, Tarpé Mills, Lily Renee, Fran Hopper, Jill Elgin, Hilda Terry, Ramona Fradon, Elizabeth Berube, Barbara “Willy” Mendes, Marty Links, e Marie Severin.

Nel frattempo, al De Young Museum è l’ennesimo pomeriggio illuminato dal solito sole della California, e tra le sue sale camminano diversi visitatori.

Alcuni si fermano davanti al quadro di una bella ed elegante donna dai capelli rossi.

La didascalia oggi riporta le seguenti informazioni: “Robert Henri, “O. in nero con sciarpa (Marjorie Organ Henri)”. La donna del ritratto, moglie e modella di Henri, negli anni dieci del novecento è stata disegnatrice e fumettista del New York Journal”. https://www.fumettologica.it/

E’

Foto Francesca Manca di Villahermosa

Marcello Atzeni, ma sembra Ennio Flaiano.

Cinquantacinque anni, nato nel più piccolo (e forse più bello) paese dell’isola – Baradili – residente a Sanluri, Atzeni è giornalista per vocazione, sbocciata da un fortunato innesto tra gli studi agrotecnici e quelli di biologia.

Negli oltre trent’anni di carriera, sviluppata soprattutto ne l’Unione Sarda, ha scritto un po’ di tutto.

Ma è solo da qualche anno che l’artista ha trovato la sua vena, mettendo a frutto il sapore del paradosso, la sapienza letteraria e il gusto per il calembour: ha deciso di scrivere libri.

Il primo del 2018, “Il miglio deve ancora venire-101 Crucci vari”, con prefazione di Maria Paola Masala, era già un piccolo capolavoro: là dove si raccolgono aforismi, nonsense, giochi di parole e sciollorius (prima ristampa nel 2020).

Il secondo, del 2020, è “Nuotavo nel grano”, (Sandhi editore, prefazione di Giacomo Mameli), un libro più maturo, che contiene sessanta racconti, molti ispirati dalla vita nei campi, ricchi di malinconia e poetica nostalgia.

Poi la prova del nove, il terzo libro: “Donne”, che, dice l’autore, “spero viva non solo come libro ma anche sotto forma di reading e, chissà, magari, lavorandoci, può funzionare a teatro o al cinema.

Qualche racconto potrebbe diventare un corto”.

Ora Atzeni sta preparando la quarta fatica, “Il miglio deve ancora venire 2- 102 Crucci vari”.

Da apripista faranno alcune frasi, arricchite di alcuni disegni, finite su simpatiche magliette indossate dalle dissacranti Lucide: Tiziana Troja e Michela Sale Musio. Il set fotografico è stato allestito nei giardini pubblici di Cagliari. Le foto sono di Francesca Manca di Villahermosa. “E’ stato ed è un gioco di squadra tra amici” dice Atzeni.

Le frasi promettono sorrisi a denti stretti o grasse risate: Giornata Frida – Temperature in Khalo; M’illumino di imene; Il gelo in una stronza; Amor ch’a nullo amato, amar merdona”.

Sono il lancio per il libro che verrà.

Effimere pillole di allegria da fruire al volo.

Perché, come diceva Ennio Flaiano, anche i capolavori oggi hanno i minuti contati.

Guido Garau

MARCELLO ATZENI

M

arcello Atzeni é stato a Cagliari presso “L’angolo dell’arte” in viale Trieste 59 b, per parlare dei suoi primi due libri : “Il miglio deve ancora venire” e ” Nuotavo nel grano“.

Di fatto, lo scrittore é stato a disposizione dei lettori per quasi tutta la giornata.

L’autore ha incontrato i lettori, sottoponendosi alle loro domande e raccontando aneddoti vari.

Si é trattato più di un firma copie, non essendo possibile una presentazione classica.

L’ingresso era stato contingentato per ottemperare alle norme di sicurezza contro la diffusione del Covid-19; la sala prescelta, in ogni caso, è molto spaziosa.

Marcello Atzeni è un giornalista e scrittore sardo.

Nato nel piccolissimo paese di Baradili nel 1966, in provincia di Oristano, dal 1981 vive a Sanluri.

Tuttavia, il suo dialetto è rimasto il campidanese.

Quest’ultimo dettaglio è importante perché il secondo dei suoi due libri contiene tante parole in limba, e la variante usata dallo scrittore è quella delle sue origini.

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Atzeni, di fatto, è un agronomo e biologo.

Tuttavia dopo gli studi non ha mai esercitato: la sua passione è sempre stata la scrittura.

Infatti è giornalista pubblicista dal 1988 e da più di trent’anni collabora con L’Unione Sarda.

Nel suo primo libro, “Il miglio deve ancora venire – 101 crucci vari” (pubblicato nel 2018 dalla casa editrice Sandhi) con la prefazione di Maria Paola Masala, Atzeni ha proposto una “raccolta di aforismi, lazzi e rovelli di ogni genere”.

Il libro “va ben oltre i motti e i nonsense ed esprime curiosità, voglia di guardare le cose da altri punti di vista e sdrammatizzare“.

Il secondo libro è stato “Nuotavo nel grano“, pubblicato nel 2020 sempre da Sandhi.

Come detto, nella sua seconda fatica lo scrittore di Baradili mischia l’italiano al dialetto campidanese.

Il lettore, comunque, è aiutato da un apposito glossario posto al termine di ognuno dei 60 racconti legati alla vita di un tempo in Sardegna.

Una nuova opera e un concorso internazionale in cui rappresentare la Sardegna L’incontro del 12 febbraio ha rappresentato anche un’occa-

sione per parlare del suo prossimo libro, “Donne“.

Con il testo Atzeni ha partecipato al concorso internazionale di scrittura “Italian and american playwrights project”.

Marcello Atzeni è l’unico sardo tra i quindici finalisti, che partecipa a un concorso internazionale di scrittura, Italian and american plawrights project, ideato da Valeria Orani.

E’ in gara con il testo Women, venti storie che parlano di donne negli ambiti più vari.

Una giuria di scrittori americani sta valutando i testi dei quindici autori. Inoltre, dai lavori dei primi quattro verranno tratte delle opere teatrali che verranno rappresentate nei migliori teatri americani.

Atzeni è di Baradili, il paese più piccolo della Sardegna, abita a Sanluri.

Su quindici concorrenti, è giunto terzo al suffraggio on line “Nuotavo nel grano” ha la prefazione di Giacomo Mameli.

In tempi recenti ha collaborato con Sergio Naitza per il suo documentario “ L’ultimo pizzaiolo”.

Fabio Allegra unicaradio.it

C

he cos’è Jar’a?

Sui social hai descritto il percorso che ha portato alla realizzazione di questo lavoro come un “ritorno alla superficie” “JAR’A” (da Sa Jara, la Giara, come vengono chiamati gli altipiani della Marmilla e Sarcidano) è una suite in 6 movimenti, che percepisco con un respiro unico e che si materializza nel climax di Sùlu (soffio): quasi l’evocazione dello sbuffare dallo sfiatatoio di un delfino, dopo un’estenuante apnea.

Realizzare questo album è andato di pari passo con il riappropriarmi di un’idea di spazio, ri-percepire la bellezza degli orizzonti aperti (assaporati dalle cime dell’Isola di Caprera e dalle Giare di Serri e Gesturi), alternare la frequentazione dei graniti dell’arcipelago, alle lunghe escursioni nel cuore della Sardegna più ancestrale e ad alta densità archeologica.

L’album è stato registrato a Barcellona, nella mia stanza studio.

Sono arrivato in Sardegna in giugno, con circa 4 ore di registrazioni.

Era da oltre trent’anni che non passavo un tempo così lungo nella mia terra, senza

partenze settimanali per latitudini diverse del pianeta.

Le isole pongono dei limiti oggettivi: arriva un momento che la terraferma finisce ed inizia il mare.

Se poi vivi nell’isola di un’isola, com’è stato per me a La Maddalena, le distanze inizi a misurarle in relazione al vento.

Una delle sensazioni più belle che ho provato in questi mesi è stata osservare la Corsica, immaginare di attraversare le Bocche di Bonifacio, raggiungere l’altra sponda, iniziare una nuova avventura verso le Baleari o verso Marsiglia.

Il vento determina la libertà di approccio con il mare.

E quando il maestrale e il ponente si congedano, consegnano alle spiagge i banchi di posidonia: polmone del mediterraneo che avvolge il ritratto realizzato da Federico Crisa (foto di Nanni Angeli) e il mio viso scolpito dal sale e dal fango (foto di Emanuela Porceddu) immortalati nella copertina del vinile.

Il mio è un ritorno in superficie dal mondo sommerso, un viaggio verso le raffiche mai domate, un rivendicare la memoria storica di un popolo che spesso ignora la complessità della sua radice.

In questi mesi mi sono confrontato con la parte più ancestrale della mia terra, quella, appunto, delle Giare, aree nei pressi delle quali lo Stato vorrebbe installare un deposito di scorie nucleari (giusto per evidenziare il gap culturale che viviamo, sarebbe come pensare di violare una fortezza dei Maya).

Ho vissuto per mesi ai piedi del più importante santuario nuragico, Santa Vittoria di Serri, e qui, tra visite nei siti archeologici, spazi aperti contrassegnati da nuraghi in allineamento e boschi abitati da cavalli selvaggi, ha preso forma l’editing del materiale registrato a Barcellona.

Il senso di libertà che ho percepito in questi mesi è il racconto di Jar’a, un lavoro in cui cerco di restituire la tridimensionalità degli orizzonti aperti, con un disegno sonoro all’avanguardia per una chitarra ripresa senza sovraincisioni e magistralmente masterizzata da Marti Jane Robertson.

Ascoltando il disco si ha come l’impressione che ci sia una sorta di continuità rispetto al tuo disco “22.22 Free Radiohead”, come se avessi messo a frutto quel lavoro per rendere pienamente contem-

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Foto nanniangeli

PAOLO ANGELI

poranea la tradizione musicale sarda.

Sono d’accordo con te.

Il brano Andira e Icaro/Nude, entrambi parte di 22.22, in qualche modo raccontano in fase embrionale quanto succede in “Jar’a” in formato dilatato.

Fino a quel momento, l’uso della voce nei miei album, rappresentava una riproposizione ortodossa di melodie della tradizione, rivestite da una struttura contemporanea nell’accompagnamento, ma mantenute nella loro veste tradizionale.

In questo caso la mia voce è processata e filtrata con distorsori e spazializzata con i reverse delay. In sintesi è trattata con la stessa libertà di approccio con cui lavoro alle partiture chitarristiche.

Inoltre le melodie sono frutto di una seduta di improvvisazione vocale: non si tratta di un canto preesistente, ma di una narrazione “alla sarda”, frutto di una tradizione metabolizzata e restituita in un flusso cangiante.

In questo si inserisce il basso gutturale di Omar Bandinu, che ha accettato la difficile sfida di abbandonare i territori più convenzionali del Canto a Tenore, per improvvisare, a sua volta, con una declinazione ora melodica, ora ritmica.

L’architrave monolitico del Tenores di Bitti si confronta con la vocalità gallurese-logudorese: credo sia un momento unico nella storia della musica sperimentale sarda, dove fino a questo momento gli accostamenti avvenivano tra musicisti tradizionali e musicisti di avanguardia.

In questo caso siamo noi stessi a mettere in gioco la nostra cultura e a dare un contributo per costruire una nuova identità canora, contemporanea ma profondamente radicata.

Faccio un esempio: le mie parti vocali sono filtrate come se venissero amplificate dalle trombe Geloso, sistema utilizzato comunemente nelle piazze per amplificare la musica sarda tra gli anni ’60 e ’80.

Contestualizzato in un album dal sapore post-rock, sembra un’espressione vocale lontana dalla tradizione, quando invece è uno dei suoni in cui maggiormente si identifica il cultore della musica tradizionale.

Sicuramente tutto questo rappresenta il punto di partenza per future derive nella ridefinizione del rapporto tra memoria e innovazione. (segue pagina 14)

vedi i video https://youtu.be/YTSw8Q61fJs https://youtu.be/xRKunSU6mRQ https://youtu.be/xRKunSU6mRQ?list=RDxRKunSU6mRQ

Foto emmanuelaporceddu

(segue dalla paginan 13) Allo stesso tempo avviene con profonda serenità: la musica sarda sta vivendo un momento di consolidamento tra le nuove generazioni e quindi non si rischia di perdere il testimone filologico della storia.

Per i lettori e gli ascoltatori che non ti conoscono ci puoi raccontare come nasce la tua “chitarra sarda preparata”?

Nasce a Bologna tra il 1993 e il 1996, in una terra di nessuno profondamente legata ai movimenti underground, agli spazi occupati, ai visionari del DAMS e ai collettivi creativi.

Ma allo stesso tempo, nei decenni successivi, si sviluppa nelle botteghe artigiane, tra le mani del mio braccio destro Francesco Concas (CROM), fino ad arrivare al vecchio Giancarlo Stanzani e ai tanti compagni di viaggio sparsi per il mondo.

Sul primo modello ci hanno messo le mani decine di persone.

Ricordo che per inserire il puntale, avevo litigato con due liutai perché, nonostante dicessi “vi pago!” mi avevano sbattuto fuori dalla bottega.

Tra le lezioni di Zio Giovanni Scanu (ultraottantenne che mi radicava nella tradizione) e le esperienze con Fred Frith e Jon Rose, con cui mi affacciavo sui sentieri della free music, nasce la chitarra sarda preparata: un ibrido tra chitarra baritono, strumento a percussione, violoncello, kora, ghironda etc. È frutto di un work in progress ed in continua evoluzione, ha un pickup separato per ogni corda, per cui posso spazializzare e filtrate ogni corda separatamente: una vera e propria orchestra trasportabile in una custodia di chitarra.

Come è nata l’idea dell’utilizzo da parte di Pat Metheny di una chitarra come la tua?

Pat Metheny rimase folgorato da una mia esibizione a Sant’Anna Arresi Jazz nel 2001.

A fine concerto, iniziò la sua performance con oltre mezz’ora di ritardo: era con David Oakes, il suo tecnico del suono, e con una torcia guardavano il mio residuo post-punk (una chitarra da 250.000 lire).

Per me era l’idolo della adolescenza che rimaneva sedotto da uno strumento osservato ancora con sospetto.

Da quel momento è diventato il mio fan più accanito, quasi imbarazzandomi in diverse occasioni, ad esempio parlan-

do di me e del mio strumento nelle conferenze stampa di presentazione dei suoi album e indicandomi come uno dei suoi chitarristi di riferimento, oppure presentandosi a sorpresa al Tonic di John Zorn (New York).

C’erano 30 sedie e un signore inconfondibile, con quei capelli fuori dal tempo, che ascoltava mentre beveva la sua Coca Cola.

Dal 2003 utilizza dal vivo una copia della mia chitarra (realizzata da Concas e Liuteria Stanzani, ulteriormente modificata per adattarla alle sue necessità espressive) vera e propria protagonista nel progetto Orkestrion.

Abbiamo un costante scambio di opinioni sulla musica, sulle evoluzioni del mondo e sulla necessità di guardare al futuro sempre con la necessità di sorprendere per prima cosa noi stessi.

Credo che Pat sia un esempio molto importante per la sua capacità di ridefinire costantemente il suo ruolo nel mondo della musica.

Come si articola il processo creativo con uno strumento così particolare?

Normalmente inizio le mie giornate suonando sulla chitarra convenzionale. Ma negli

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ultimi anni, da quando ho iniziato a lavorare con maggiore intensità sulla relazione tra suono acustico e suono “processato”, passo decisamente più tempo a contatto con il mio strumento.

L’approccio è quello dell’orchestrazione, cerco di evitare il virtuosismo solista e di sviluppare un’indipendenza ritmica e mentale, che mi permetta di seguire contemporaneamente diversi piani di sviluppo: quello melodico, quello timbrico, quello ritmico. È molto complesso e presuppone una frequentazione costante e quotidiana, un atteggiamento da artigiano che ha poco a che fare con l’ispirazione e molto di più con la costanza.

Poi esiste la stratificazione, la necessità di completare la tavolozza di colori e l’arricchimento dei nuovi prototipi, il consolidare e perdere i suoni che non ti interessano più.

L’obiettivo è indagare sempre cose diverse, cercare un suono che ti sorprende, recuperare dai ricordi oggetti musicali smarriti. È una bellissima e, allo stesso tempo, impegnativa relazione che quest’anno compie le sue nozze d’argento!

Che peso ha nella tua musica e nel tuo processo creativo il concetto di tradizione e il tuo essere sardo?

Conosci la storia del flamenco contemporaneo?

Io dal 2006 vivo in Spagna, a Barcellona, dove ho ascoltato credo una media di quattro performance alla settimana di flamenco ‘puro’.

A partire dagli anni ’70 musicisti come Paco de Lucia, Camaron de la Isla, Enrique Morente, hanno letteralmente stravolto la storia di un genere che staticamente riproponeva il trio chitarrista, cantante e ballerino.

Album come “La Leyenda del tiempo”, in cui Camaron trascina la buleria su territori progressive (con il suono del moog, le chitarre elettriche, il basso, la batteria) e “Omega”, in cui l’urlo flamenco di Morente è sorretto dal muro di suono Larsen di chitarre acide post-punk, hanno ridefinito i confini di questa musica sublime.

Paco a sua volta ha spostato, album dopo album, il confine tra musica contemporanea e tradizione, ampliando il linguaggio e il fraseggio, inserendo il Cajon (percussione peruviana che non possiamo che immaginare abbinata alla

musica spagnola ma che, fino agli anni ’70, era sconosciuto nella penisola iberica), orchestrando le falsetas.

Tutti e tre, che ora sono quasi degli eroi nazionali e, nel caso di Camaron, la bandiera del popolo gitano, vennero considerati gli assassini del flamenco da parte dei puristi.

Qualche anno fa, parlando con Tula (Tal Ben Ari, cantante israeliana), lei mi disse: bisogna lottare, per fare in modo che la tradizione non rimanga troppo a lungo tra le mani dei tradizionalisti e sfiorisca.

Il mio obiettivo è trasportare la cultura musicale della mia terra nei territori dell’avanguardia, con naturalezza, senza fretta.

Per me la tradizione è una materia viva, legata al presente, non va ‘museificata’ anche perché, ripeto, non stiamo fortunatamente parlando di una riserva culturale: ogni centro della Barbagia ha diversi gruppi che cantano a tenore, è una cultura viva, come la lingua.

Per questo sono sereno nel lavorare con i dettagli e della complessità del passato, senza inibire la creatività del presente, con lo sguardo rivolto al futuro.

Un’altra cosa è l’appropriazione culturale: il furto o la copia oleografica di un linguaggio proposto superficialmente, senza una reale conoscenza della complessità e dei dettagli delle musiche popolari.

Sono un esponente della musica contemporanea sperimentale, mi sento cittadino del mondo, ma ho avuto la fortuna di immergermi nelle differenti tradizioni locali della mia terra di origine.

Ora, con una modalità altrettanto naturale di quella che mi ha fatto approdare alla realizzazione della chitarra sarda preparata, non vedo l’ora di innestare questo patrimonio, con la musica che ho digerito a contatto con i musicisti di avanguardia di ogni latitudine.

Diego Andese PAOLO ANGELI | Tutto il mondo in un’isola Il 22 Ottobre è uscito il nuovo lavoro del musicista e compositore sardo Paolo Angeli, capace di creare magici universi sonori grazie alla sua chitarra sarda preparata, una vera e propria strega ammaliatrice, che ha incantato personaggi del calibro di Pat Metheny.

N

ato nel 1970, ha il suo imprinting a 100 metri da un faro, con il viso rivolto al mare.

Inizia a suonare la chitarra a 9 anni.

Cresce a Palau in un ambiente musicale estremamente stimolante.

La chitarra e la voce del padre (suo primo maestro); l’autobus con la batteria, le galline e i meloni; i gruppi rock ‘ che provavano in una vecchia falegnameria (alle prese con i concerti di piazza e le serate di carnevale), lo indirizzano verso una navigazione senza barriere stilistiche nel mondo della musica.

Diplomato Nautico, nel 1989 si trasferisce a Bologna. È durante l’occupazione universitaria del 1990 che nasce il Laboratorio di Musica & Immagine: variopinto ensemble di 14 musicisti che, scardinando le barriere tra i generi musicali e praticando composizione e improvvisazione collettiva, si pone all’attenzione dei principali festival europei di musica innovativa.

Sospeso tra il post-rock da camera di Mistress, il duo con Stefano Zorzanello, i set di improvvisazione con Jon Rose, la realizzazione dell’opera di Fred Frith Pacifica, il

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coro a Tasgia, le funamboliche danze dei serbi Diamant Brin e dei Trabant, inizia a suonare la tuba con la Banda Roncati, straordinaria esperienza di musica nel sociale.

Nello stesso periodo è tra i fondatori della Scuola popolare di musica Ivan Illich e dell’etichetta indipendente Erosha.

Dal 1993 inizia un percorso a ritroso alla scoperta della radice della sua cultura di origine, passando 10 anni a bottega con Giovanni Scanu (tra le figure di spicco della chitarra sarda del ‘900, scomparso all’età di 95 anni, dal quale apprende le forme e i moduli del canto a chitarra gallurese e logudorese), e frequentando i cantori della settimana santa di Castelsardo, Cuglieri, Santu Lussurgiu ed Aggius.

Tra il 1994 e il 1996 dall’incontro-scontro tra avanguardia extra-colta e tradizione popolare nasce la chitarra sarda preparata: strumento orchestra a 18 corde, ibrido tra chitarra baritono, violoncello e batteria, dotato di martelletti, pedaliere, eliche a passo variabile.

Con questa singolare propaggine costruita nel CROM di Francesco Concas, Paolo rielabora, improvvisa e compone una musica inclassificabile, sospesa tra free jazz, folk noise, pop minimale. È del 1995 il suo concept album “Dove dormono gli autobus” (eseguito live nel ’97 dall’ottetto Fraìli).

Nel 1997 vince il concorso Posada Jazz Project e incide Linee di fuga, primo lavoro con la chitarra modificata.

Nei concerti, in gran parte internazionali, Angeli si ritaglia da subito l’attenzione della critica.

Il binomio Paolo Angeli/Chitarra Sarda Preparata, diviene indissolubile e accompagna la traiettoria artista di un musicista che si muove con determinazione abbattendo le barriere tra i generi musicali.

Nel 2003 pubblica per la ReR il live in ‘Solo’ Bucato, sintesi di quattro anni di concerti in tutta Europa.

Seguono le tournée in Canada e Stati Uniti, immortalate nelle pubblicazioni live Mede e Drawing Circle.

Nello stesso anno, su richiesta di Pat Metheny, progetta un nuovo modello di chitarra sarda preparata.

Nella Liuteria Stanzani, con la collaborazione di Francesco Concas e dello Studio MTA, nascono due chitarre gemelle, (segue pagina 16)

Foto comunedimodena

(segue dalla pagina 15) una delle quali è adottata dal musicista americano.

Nel 2005 realizza “Nita, l’angelo sul trapezio” (ReR) colonna sonora immaginaria che vede coinvolti gran pare dei musicisti della scena creativa bolognese ed esprime in modo dirompente la freschezza di quel movimento musicale.

Nel 2005 Paolo si trasferisce a Barcellona e fa tabula rasa, riscoprendo la gioia di vivere a pochi passi dal mare e metabolizzando nel decennio successivo influenze musicali differenti.

Il 2007 si apre con l’eclettico Tessuti (ReR), progetto in Solo dedicato alle composizioni di Fred Frith e Björk, e con il vinile Andature Portanti (Wallace Records).

Segue una gemma nella sua produzione: il dualdisc (DVD/ CD) “Tibi” (ReR 2010), basato sul reportage fotografico della chitarra sarda preparata, realizzato da Nanni Angeli e sonorizzato dal vivo in ‘Solo’ con una suite musicale che include nuove composizioni e brani estratti dai precedenti lavori discografici.

Il lavoro, si caratterizza come un’importante sintesi realizzata da Paolo sulla chitarra sarda preparata, con un mixing all’avanguardia in 5.1 in supporto alle immagini di Nanni Angeli editate da Simone Ciani.

Nel 2010, dopo aver assistito ad un concerto di Paco de Lucia, Paolo riscopre la semplicità della chitarra ‘nuda’.

Acquista una ‘flamenca’ nel ‘barrio della Mina’ di Barcellona (quartiere gitano) e affronta un nuovo approccio alla sei corde.

Arriva ad un soffio dal pubblicare un album per chitarra classica ma in fase conclusiva arrangia il materiale per la sarda preparata.

Siamo nel 2013 e Paolo sorprende ancora una volta producendo un album non allineato con i suoi lavori precedenti: Sale Quanto Basta (ReR).

Il suo approccio alla composizione e all’ improvvisazione esprime un concetto nuovo, che rompe la continuità di una sperimentazione che subisce il fascino del manierismo, per affermare una poetica sospesa tra il jazz contemporaneo, le influenze del flamenco più antico (vissuto nella quotidianità delle bettole di Barcellona, a contatto di gomito con i gitani), le suggestioni arabe, i ritmi balcanici, la musica nord africana, il post rock, il pop di ricerca, le avanguardie stori-

che e la musica della sua terra.

L’album è seguito da S’Û (ReR 2015), che può essere considerato il lato b, quasi una versione introspettiva dello stesso concetto musicale ma con uno zoom sulla contemporaneità rappresentata dal dramma dei migranti.

Sublima il trittico il doppio album live Talea (ReR 2017) che documenta il World Tour 2015/16, con registrazioni estratte dai live in Australia, Brasile, Giappone, Turchia, Europa.

Un aspetto che caratterizza i tre album è un progressivo utilizzo della voce.

Nel cupo vibrato e nei fragili melismi con cui Angeli intarsia la melodia, emerge un arazzo sospeso nel tempo, memoria storica dei grandi cantadores del ‘900 proiettata nel futuro, grazie ad un accompagnamento che abbina la musica da camera alla psichedelia degli anni ’70.

Il 26 gennaio 2018 arriva il sigillo alla carriera pluriventennale di Angeli per il quale si aprono le porte dell’olimpo della musica internazionale: La Carnegie Hall di New York.

Il 2019 è un altro anno chiave che ha inizio con la pubblicazione del decimo album in

Solo: 22.22 Free Radiohead una suite basata su una drammaturgia organica, in cui il repertorio della band è trasfigurato, ‘risuonato’ e innestato sulle composizioni inedite di Angeli (di fatto il corpus che fa da collante al lavoro).

I brani diventano tasselli di un mosaico, arabeschi che decorano un portale immaginario tra occidente e oriente.

La sensazione onirica è che Angeli sia stato coinvolto da Thom Yorke & company per ricomporre la loro discografia in un’unico respiro o che gli abbiano chiesto di trasformare una partitura compiuta in un’opera aperta in cui l’improvvisazione ha un ruolo di primo piano.

Dal 2015 collabora con la cantante e violinista ceca Iva Bittova (Sul Filo 2019) e nel 2018 da vita al duo con il cantautore sardo Iosonouncane, rompendo le barriere tra forma canzone e free music.

Tra i sodalizi artistici vanno citati i progetti multimediali con Nanni Angeli (Tibi, Il passo dei Misteri), il duo con Hamid Drake (Uotha Nubop 2005, Deghe ReR 2014), il duo avant-pop con Takumi Fukushima (Itsunomanika, ReR 2011), il trio POG – Piccola Orchestra Gagarin, com-

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posto dal batterista catalano Oriol Roca e il violoncellista israeliano Sasha Agranov, (Platos Combinados 2011; Vostok 2016 – Whatabout ), il trio con Ned Rothemberg ed Evan Parker (Free Zone 2007).

Dal 2009 le collaborazioni in duo con Antonello Salis (Ma. Ri Auand 2003) e Drake confluiscono nella formula Trio e nel 2010 nasce il quartetto che include Gavino Murgia (Giornale di Bordo, Egea – Sard disc 2011).

Tra le traccie che restano, Paolo continua a suonare con i suoi compagni di viaggio Alberto Masala, Riccardo Pittau e nei progetti con Fred Frith (duo, trio, quartet, Tessitura).

Paolo Angeli è laureato in Etnomusicologia al DAMS di Bologna.

Dal 1997 al 2003 ha collaborato con l’ISRE, alla digitalizzazione e costituzione della fonoteca Archivio Mario Cervo, la più importante colllezione al mondo dedicata alla musica sarda.

Come ricercatore ha pubblicato Canto in Re (ISRE 2005) – volume storico analitico sul Canto a Chitarra, accompagnato da un cofanetto di 4 CD con incisioni datate tra il 1930 e il 1967.

Insieme a Nanni Angeli è il direttore artistico di Isole che parlano, rassegna sospesa tra tradizione e innovazione che si svolge dal 1996 a Palau.

Ha suonato con Iva Bittova,

Fred Frith, Jon Rose, Otomo Yoshide, Antonello Salis, Hamid Drake, Evan Parker, Pat Metheny, Louis Sclavis, Paolo Fresu, Ned Rothemberg, Elliot Sharp, Nuno Rebelo, Lukas Simonis, Andy Ex, Verian Weston, Robert Dick, Lukas Ligeti, Phillip Greenlief, Shoko Hikage, Alex MacSween, Gino Robair, Tim Perkins, Frank Schulte, Carlo Actis Dato, Gianni Gebbia, Alberto Masala, Gavino Murgia, Audrey Chen, Mike Evans, Neil Feather, Katt Ernandez, Dan Breen, Janet Fader, Camel Zekri; con la conduzione di Fred Frith, Elliot Sharp, Butch Morris, Giancarlo Schiaffini.

Ha suonato e registrato per

BBC 3, NPR (Usa), Radio Rai Tre, Radio Rai due, NPO Vpro radio (Olanda), Hong Kong TV, Sesc TV (Brasile), ABC Radio (Australia) etc.

Si esibisce continuativamente nei festival, teatri, gallerie, avant-jazz club di tutti i continenti.

Ha svolto conferenze e master class nei Festival Internazionali, nei Conservatori e nelle Università italiane ed estere. https://www.paoloangeli.com/

U

na storia vera è il titolo che sigla la mostra dedicata a Zaza Calzia e Nino Dore.

Attraverso 14 opere (tratte dal repertorio 1959-1971), racconta la trasformazione artistica e culturale di quegli anni oltreché dei due artisti, personalità unite anche nella vita.

Le opere astratte di Zaza Calzia dei primissimi anni Sessanta, approdano al collage nella seconda metà del decennio, con lavori a matita su carta e con acrilico su tela, realizzazioni che sono state efficacemente definite da Annamaria Janin come una “ricerca cartesiana di griglie e geometrie più o meno sciolte che contengono il gioco dei passaggi cromatici”.

Il nucleo di opere proposto in mostra, vuole essere la narrazione per immagini esemplari del percorso dei due artisti, accompagnato dalla descrizione della stessa Calzia, attraverso un’intervista realizzata da Roberta Vanali.

Foto mancaspazio

Z

mente del medesimo periodo.

La sua permanenza a Parigi, tra il 1960 e il 1963, lo porterà all’astrazione informale che, in modo permanente, caratterizzerà la sua produzione, come testimoniano anche le altre sue opere qui presentate.

In un articolo pubblicato su L’Unione Sarda nel 2002, Maria Dolores Picciau descriveva quello sviluppo artistico di Dore e l’impatto che l’artista introdusse con esso nell’arte sarda di quegli anni, attraverso queste parole: “… nella persistenza di temi consueti, il paradigma paesaggistico pur trasfigurato rimanda ad una visione moderna delle radici isolane, liberate dalle tradizionali costrizioni rappresentative e inserite in un linguaggio universale”.

Il catalogo è arricchito dalle considerazioni di Igino Panzino, artista solidale col duo, e Pietrino Soddu, profondo estimatore del loro lavoro.

Entrambe queste figure hanno avuto modo negli anni di seguire, approfondire e difIl percorso di Dore in mostra fondere il percorso artistico di comincia con due paesaggi, Nino e Zaza, condividendone uno realizzato a matita (1959, a tratti anche l’esistenza. anno in cui partecipa alla Quadriennale di Roma), l’altro a Le biografie degli artisti sono tempera su tavola, presumibil- a cura di Paolo Cortese.

Una storia vera

Zaza Calzia e Nino Dore A cura di Chiara Manca fino al 16 Giugno 2021 Dal martedì al sabato dalle 18 alle 20

MANCASPAZIO via della Pietà 11, Nuoro

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aza Calzia Nasce a Cagliari. Compie studi artistici presso l’Istituto Statale d’Arte.

Dal 1961 ha diretto il laboratorio di decorazione pittorica con l’insegnamento di progettazione e il disegno professionale dell’Istituto d’Arte di Sassari e ha fatto parte del “Gruppo A”. Svolge l’attività di designer per l’artigianato e l’industria. Dal 1967 si occupa di libri per l’infanzia.

Socia nella cooperativa “Prove 10”, ha pubblicato nel 1974 a Roma “Un Paese” (una favola colorata). Dal 1975 al 1997 ha diretto, presso l’Istituto Statale d’Arte di Roma 2, il laboratorio di decorazione pittorica con l’insegnamento della progettazione e del disegno professionale.

Svolge la sua attività artistica a Roma, dove risiede dal 1970.

“Zaza Calzia, un mondo dove tutto appare simultaneo e magmatico.

I frammenti tipografici di Zaza Calzia non sono organizzati razionalmente, sono i risultati di una operazione non finita e, per questo ambigua, non disoggettivizzata, immersa nelle cose, nelle sensazioni, prigioniera di “vecchie aporie”, difficoltà logiche lucidamente interpretate. È il frutto di una intelligenza pittorica che gioca col codice linguistico pittorico e gode della propria oscurità. Se l’osservatore dinnanzi ai quadri della Calzia vuole definire, modellizzare parole e situazioni, si smarrisce: deve accettare un mondo nel quale tutto appare simultaneo, fluido magmatico. Lo sforzo di mettere a fuoco così, mentalmente, il senso, il significato è inutile: il tempo non scorre come nella vita, è metacronico, passato e presente assieme.

Il tentativo di identificare le parole tipografiche può portare a risultati sorprendenti: una parola è nell’altra, l’una commenta l’altra; il quadro è il risultato di sdoppiamenti, sovrapposizioni continue.

Gli spazi sono mentali: l’ottica della pittrice viene sottoposta ad un permanente interlocutore interiore, e, in tal modo, la percezione continuamente filtrata, condizionata, determinata. Lo spettatore abituato a codici pittorici sensazionali, clamorosi e coloratissimi – cioè ad un modo di dipingere simile al movimento della vita, in sincronia col tempo dell’esistenza razionale, in sintonia con le emozioni moderne create ad arte da altri – deve abituarsi ad un altro codice, vedere il quadro e lo spazio narrativo di esso secondo rapporti di iterazione, compenetrazione, correlazione, quindi accettare le ripetizioni, gli influssi, gli scambi che intercorrono tra le categorie del “prima” e del “poi”, dell’”io”, degli “altri...”

Enrico Gallian

R

Foto federicamarras

ebeccu sorge a pochi chilometri da Bonorva, in provincia di Sassari, posizionato sopra un imponente costone che sovrasta la piana di Santa Lucia.

Le sue origini risalgono al Medioevo: il nome del borgo compare infatti per la prima volta nel 1300. Rebeccu, che contava circa quattrocento abitanti, era capoluogo della curatoria di Costa Valle e sede residenziale del curatore. Era dunque un centro popolato e degno d’importanza a cui erano sottomesse le ville di Bonorva e Semestene, insieme al villaggio di Trequiddo nel tempo anch’esso abbandonato.

A quell”epoca la Sardegna era divisa in quattro giudicati, veri e propri regni autonomi spesso in guerra tra loro.

Il borgo di Rebeccu era un punto strategico al confine tra il giudicato di Arborea e il giudicato di Torres e, nella seconda metà del trecento, il borgo fu vittima di un incendio per via delle liti tra i giudicati .

Successivamente si narra che Eleonora d’Arborea, figlia del sovrano d’Arborea Mariano IV, radunò davanti alla chiesa di Santa Maria in Rebeccu (oggi chiesa di Santa Giulia), i rappresentanti della curatoria per approvare un trattato di pace.

Una leggenda vuole che fu proprio in questo territorio, in un castello di cui oggi non rimane traccia, che avvennero le nozze tra Eleonora e Brancaleone Doria.

Ipotesi ovviamente non confermata, in quanto ad oggi ancora non si conosce l’esatta collocazione in cui avvennero le nozze in questione.

A partire dal 1400 iniziò la decadenza di Rebeccu, a causa di pestilenze e carestie e di eventi bellici descritti sotto.

Si narra che una principessa di nome Donoria, figlia di Re Beccu, feudatario del paese, lanciò una terribile maledizione per vendicarsi di un grave torto subito: Condannò il paese a non superare mai le trenta case Donoria venne condannata all’esilio in quanto accusata di stregoneria, di lei si persero le tracce, ma per il borgo e i suoi abitanti cominciarono le disavventure.

Gli uomini si ammalavano per le continue epidemie, le donne non potevano più avere figli, le case crollavano e il borgo pian piano si spopolò, lasciando del suo passato glorioso un ricordo lontano.

REBECCU OGGI Così riecheggia il terribile sortilegio: Rebeccu, Rebecchei da ‘e trinta domos non movei Il piccolo borgo fu dunque condannato a non superare le trenta case.

Negli anni cinquanta furono censiti solo sei abitanti, nel 2011 vi era un unico residente nel paese, poi nessuno dimorò stabilmente nel borgo. Negli ultimi anni, dopo la ristrutturazione di alcuni edifici, il paese ospitò un importante rassegna cinematografica, il Rebeccu Film Festival, che regalava al borgo una settimana di vita grazie alle proiezioni e ad incontri culturali.

Poi la proposta di rinascita come albergo diffuso e il via ai lavori di riqualificazione per restituire al paese la sua antica visibilità e bellezza. Tante le storie che si intrecciano tra le sue vie, strade in cui si respira un’aria di assoluta quiete, fascino e antiche leggende.

Il giudicato di Arborea stava iniziando ad assumere una importanza e una posizione egemonica rispetto agli altri 3 e il sovrano di questo giudicato “nazionale” emergente aveva appena compiuto alcuni passi per riunire tutto il territorio sardo sotto la propria giurisdizione, in aperto contrasto

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con la corona di Aragona di cui era formalmente suddito (ed anche imparentato). Il regno Aragonese aveva invece il controllo nominale di tutta l’isola..e anche la licenza invadendi da parte del Papa: una sorta di benestare da parte del tanto famigerato Bonifacio VIII. Tornando a Rebeccu quello che successe è poco noto ai più, ma ben documentato dalle scarne cronache del tempo: Nel 1353 dal presidio aragonese di Alghero un distaccamento di soldati senza scrupoli si diresse verso il capoluogo della curatoria al confine con il giudicato di Arborea e di Torres; senza nessun preavviso o motivazione bellica (seppure alla frontiera in borgo non ospitava truppe arborensi né era dotato di importanti fortificazioni), i soldati circondarono il paese e passarono a fil di spada tutti gli uomini adulti, le donne e i bambini.

I pochissimi che si misero in salvo tornando furono testimoni di quella agghiacciante ed insensata crudeltà. Un abominevole massacro, un crimine di guerra diremmo ai nostri giorni ( Per certi versi può ricordare ciò che fecero nazisti e repubblichini a Marzabotto e Sant’Anna di Stazzema nel

’43). Abominio Con il solo mero intento di provocare gli arborensi e costringerli in campo aperto..

Il giudice arborense Mariano IV si lamentò apertamente con il re di Aragona circa il vile operato del suo governante in Sardegna..

I partigiani di Mariano ebbero in seguito modo di vendicarsi circa quell’orribile violenza: Un gruppo di soldati – si crede o farebbe piacere crederlo – proprio quelli responsabili dell’eccidio, cadde in una imboscata arborense; nessun aragonese sopravvisse e tutti i corpi vennero trovati smembrati e mutilati.

La guerra tra l’arborea e l’aragona oramai incombeva..

Ed in seguito ebbe risultati alterni ed incerti; solamente lo scoppio dell’epidemia di peste con varie ondate tra metà-fine ‘300 e inizio del ‘400 infierì decisivamente: condizionando l’esito finale, unitamente ad una crisi dinastica degli oristanesi.

I sardi storicamente cocciuti furono piegati definitivamente.

Federica Marras https://www.vanillamagazine. it/rebeccu-borgo-abbandonato-crocevia-di-misteri-e-leggende/

D

opo la vendita della scultura immateriale per 15 mila euro, un’opera invisibile a New York Per quanto nullo il loro peso specifico le ultime opere di Salvatore Garau stanno creando un interesse mondiale sempre crescente (basta fare un giro sul web per accertarsene).

La nuova scultura immateriale “Afrodite piange” dell’artista sardo adesso si staglia (o dobbiamo immaginare che lo faccia) di fronte alla Federal Hall di New York.

«Un’opera che esiste soltanto perché lo ha deciso l’artista, fatta di sola aria, che prende forma grazie all’immaginazione di chi osserva, non un agglomerato di pixel, non un’immagine, ma la sua negazione» spiega la presentazione dell’opera sponsorizzata dall’Istituto italiano di cultura di New York che l’ha “esposta” nel sito stanzeitaliane.it.

«Tutto è nato nella piazza Manno di Oristano, l’istituto d’arte realizzò una scultura in ceramica fortemente orizzontale visibile solo dall’alto (racconta Garau). Questo mi ha illuminato sulla “visione” dell’arte e ho trovato la risposta a domande che mi ponevo da diverso tempo. Così è nata “Uomo che

pensa” nella stessa piazza e in seguito “Buddha in contemplazione”, la prima installazione immateriale a Milano, in Piazza della Scala, a 25 metri dalla sede espositiva di Gallerie d’Italia, dove è esposta anche una mia grande tela. Questa di New York è la terza di sette opere “immateriali” che porterò in diverse città di tutto il mondo».

La sua opera ha spesso sollevato polemiche, ricordo quelle legate alla sua Anguilla di Santa Giusta, anche l’opera immateriale ha sollevato dubbi e discussioni?

«Le critiche sono sempre bene accette ovviamente e senza tutto muore, ma la cosa che mi ha colpito di più è l’accanimento scoppiato quando “Io sono”, altra opera immateriale, delle poche che realizzerò per i privati, è stata battuta all’asta per 14,820 euro. Alcuni artisti sardi non si sono sottratti alla facile ironia. Il sorriso sia chiaro è ben venuto ma in questo caso si tratta di sola ironia malevola».

Ci spieghi, esattamente cosa ha venduto?

«Il certificato che attesta l’esistenza dell’opera invisibile è stato acquistato un anno fa da un privato per 3 mila euro.

Il quale ha deciso di metterlo all’asta, la casa Art-Rite ha de-

ciso di affrontare l’esperimento con successo visto che il prezzo è più che quadruplicato».

Ma cosa spinge un collezionista a un’operazione simile?

«Il collezionista, che vuol rimanere anonimo, immagino avrà letto e condiviso i contenuti del mio progetto che vanno ben oltre la moda sostenuta da tutti negli ultimi tempi di altre opere immateriali come gli Nft».

Ci spieghi meglio? «È la sigla che sta per Non Fungible Token, sono opere digitali che si vendono in rete, sono in genere dei semplici jpg, come le foto dei nostri cellulari.

La differenza sostanziale è che la mia opera è unica, irripetibile, irriproducibile e non inquina perché gli Nft consumano enormi quantità di energia per essere creati, come tutta l’attività online».

C’è chi l’accusata anche di plagio, in riferimento ai precedenti di Manzoni e il suo “Fiato d’artista” e il “Cubo invisibile” di De Dominicis.

Tutte opere degli anni ’60, e la denuncia di furto ai carabinieri dell’opera d’arte invisibile fatta da Cattelan del 1991?

«Intanto tutti si sono abbeverati alla “Fontana” il celebre orinatoio di Duchamp.

Quindi si tratta dello stesso uso degli stessi materiali per dire

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Foto askanews.it

SALVATORE GARAU

cose diverse.

Se dipingessi un quadro a olio, come ho fatto tante volte, avrei forse copiato i fiamminghi o gli impressionisti? È un falso problema.

De Dominicis inventa un cubo invisibile, suggerisce già una forma precisa, il mio lavoro vuole stimolare la creatività di chi osserva, inoltre nel mio caso non c’è l’opera materiale e nemmeno la presenza dell’artista.

Come in piazza della Scala e a New York. Mi è sembrato che gli artisti si siano scatenati nella corsa a trovare il precedente piuttosto che a esaminare il pensiero».

Quanto il periodo ha influito su questo lavoro?

«Ho usato la materia che domina il pianeta in questo momento storico: l’assenza. Quindi l’opera si è riempita di nuovi significati diventando quasi un contenitore di riflessione. Ancora di più lo spettatore diventa protagonista dietro il solo suggerimento di un mio titolo».

Viviamo in un mondo così immateriale?

«Abbiamo a che fare col niente ogni giorno. Entri in banca e compri dell’oro e ti danno un certificato di carta, torni dopo 5 mesi e chiedi il corrispettivo in oro e ti ridono in faccia, ti prendono la carta per venderlo a un altro, l’oro non lo vedrai mai.

Non è il nulla non tangibile che hai comprato? Non c’è nessuna differenza col mio certificato a parte la poesia che sta dietro l’opera d’arte».

Lei è noto un tutto il mondo per la sua opera pittorica, è passato all’arte concettuale con questi ultimi lavori?

«Io sono un artista libero e posso usare tutti gli strumenti che il mondo mi offre come il cinema, la musica, la letteratura.

In questo momento questa è la tecnica perfetta. Ho attinto agli strumenti che mi dava il concettuale senza pormi nessun problema.

Resto comunque un pittore, intorno a questo ruota tutta la mia creatività.

Non ho esposto nel luogo comodo della galleria, dove tutto è possibile, ma in uno spazio pubblico senza protezione. Si, ho venduto un niente ma colmo del tutto come dimostra la vitalità che la mia opera ha generato.

Non sono stato originale?

Il mondo è pieno di niente spacciato per qualcosa e nessuno ci fa caso».

Paolo Curreli https://www.lanuovasardegna. it/tempo-libero/

L

a mamma di Italo Calvino era una scienziata sarda e fu direttrice dell’Orto Botanico.

La madre del grande scrittore e intellettuale, Eva Mameli discendeva da una famiglia della medio-alta borghesia.

Il padre, Giovanni Battista Mameli, colonnello dei carabinieri, e la madre, Maddalena Cubeddu, si trasferirono dopo il pensionamento in Sardegna.

Trasmisero ai loro figli (indipendentemente dal fatto se si trattasse di maschio o femmina) l’alto valore dell’educazione, dello studio e del massimo impegno nella vita e nella carriera professionale.

Così troviamo la loro figlia maggiore, Eva Giuliana, nata il 12 febbraio 1886 a Sassari, frequentare un liceo pubblico, tradizionalmente “riservato” ai maschi, e in seguito, avendo mostrato presto uno spiccato interesse per le scienze, iscritta al Corso di matematica presso l’Università di Cagliari.

Dopo il diploma e la morte del padre, Eva si trasferì a Pavia per stare vicina al fratello maggiore, Efisio (1875-1957), uno dei fondatori del Partito Sardo d’Azione, che operò all’università lombarda come assistente e libero docente di chimica organica.

Qui ella frequentò il Laboratorio crittogamico di Giovanni Briosi (1846-1919), laboratorio che si occupava di piante “inferiori” come muschi e alghe che si erano rivelati di massima rilevanza per gli studi di fisiologia, patologia ed ecologia vegetale, e che vantava un’alta reputazione scientifica essendo unico nel suo genere in Italia.

Eva si appassionò a tal punto da proseguire le sue ricerche come assistente volontaria anche dopo la laurea in scienze naturali nel 1907.

Nel 1908 ottenne il diploma della scuola di magistero e, due anni dopo, l’abilitazione per la docenza in scienze naturali per le scuole normali.

Vinse però anche due concorsi per borse di studio di perfezionamento che le permisero di continuare l’attività di ricerca.

Nel 1911 le fu assegnato il posto da assistente di botanica e nel 1915, prima donna in Italia, conseguì la libera docenza in questa disciplina.

Il suo primo corso universitario “La tecnica microscopica applicata allo studio delle piante medicinali e industriali” testimonia sia la sua prepa-

EVA MAMELI CALVINO razione scientifica sia la sua inclinazione per la scienza applicata.

Durante gli anni della prima guerra mondiale si attivò come crocerossina e fu decorata con la medaglia d’argento della Croce rossa e quella di bronzo del Ministero dell’interno.

Nell’immediato dopoguerra si trovò di fronte a scelte difficili: aveva 34 anni e, dopo la morte del maestro Briosi e il trasferimento del fratello Efisio sulla cattedra di Chimica farmaceutica a Cagliari, era sola e senza concrete prospettive per il futuro.

La svolta decisiva avvenne nell’aprile del 1920 quando incontrò Mario Calvino (1875-1951), conosciuto alcuni anni prima, che la venne a trovare durante una sua breve visita in Italia.

Mario era, come Eva, personalità estremamente seria e retta, taciturno ma con molteplici impegni scientifici, educativi e sociali, un “apostolo agricolo sociale”, come lei lo chiamerà nella sua biografia.

Sanremese di nascita, ma dal 1908 trasferitosi in Messico e poi a Cuba dove da tre anni dirigeva la Stazione agronomica di Santiago de las Vegas, Calvino era alla ricerca di un

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valido collaboratore di genetica vegetale.

Senza molte riflessioni, la Mameli accettò sia la proposta di matrimonio sia il trasferimento in un mondo a lei del tutto nuovo ed estraneo.

A Cuba gli sposi trascorsero una vita semplice ma serena, caratterizzata soprattutto dal lavoro e dallo studio.

Qui nacque, il 15 ottobre 1923, il loro primogenito, Italo Giovanni (1923-1985), che sarebbe diventato uno dei maggiori scrittori italiani del Novecento.

Eva Mameli Calvino fu la prima donna italiana a conseguire la libera docenza in un’università e fu direttrice dell’Orto Botanico di Cagliari tra il 1926 e il 1929.

Dopo questo periodo tornò a Sanremo per svolgere delle attività presso la stazione diretta dal marito.

Fu docente di botanica all’Università di Cagliari, attiva presso la Stazione sperimentale di floricoltura di Sanremo, e per la sua opera di tutela degli uccelli è considerata la «prima e unica donna» del movimento per la conservazione della natura tra le due guerre.

Gli scritti La prima di una lunga serie di pubblicazioni (oltre 200) di

Eva Mameli Calvino risale al 1906, risultato delle sue ricerche eseguite nell’Orto botanico di Cagliari sul genere Fumaria, mentre un anno dopo pubblicò Sulla flora micologica della Sardegna[10] al quale diede seguito con un’ulteriore pubblicazione nel 1908..

Si è occupata, con i suoi scritti, prima di lichenologia, micologia e fisiologia vegetale, poi di genetica applicata alle piante ornamentali, fitopatologia e floricoltura.

Dal 1930, periodo in cui fonda assieme al marito la Società italiana amici dei fiori e la rivista «Il Giardino Fiorito», che dirigeranno dal 1931 al 1947, in svariati articoli si occupa della protezione degli uccelli.

In letteratura è diffuso il pregiudizio che Eva Mameli, biologa di fama internazionale, appartenga a una famiglia originaria dell’Ogliastra (Sardegna) e precisamente alla stessa famiglia di Goffredo (autore dell’inno nazionale italiano) e Cristoforo (ministro della Pubblica Istruzione con De Lunay e D’Azeglio, 1849-1850). Il fatto come dimostrano gli autori sulla base delle loro ricerche d’archivio non ha alcun fondamento. https://www.vistanet.it/

Foto kumiyamashita

KUMI YAMASHITA K

Kumi Yamashita è nata a Takasaki, in Giappone.

Gioca con gli oggetti e la luce per creare ombre folli, che diventano ritratti, figure o personaggi, di un realismo sorprendente.

Determina l’angolo giusto: ogni pezzo è posizionato in modo tale da far emergere un contorno o una forma per creare un insieme coerente.

Utilizza materiali sorprendenti (tessuti, plastica, legno, proiettori di luce...) per creare installazioni che rappresentano la sua visione del mondo.

Una certa forma di poesia emerge da ogni sua creazione.

“Lavoro con ombre e luci e a volte luci con ombre, ma il processo rimane lo stesso.

Prendo degli oggetti, li scolpisco e poi li metto davanti a una sola fonte di luce. Tutto il mio lavoro sta nell’alleanza tra il materiale (gli oggetti usati) e l’immateriale (l’ombra e la luce)“.

Kumi Yamashita Ritratto di un artista: Kumi Yamashita Questa è un’intervista all’ artista le cui opere sono state selezionate per il concorso Outwin Boochever Portrait Competition.

Kumi Yamashita, che ha par-

tecipato alle nostre interviste lo scorso autunno, ha creato l’opera Constellation/Mana per questo concorso.

D: Da dove vieni e dove vivi ora?

R: Sono nata a Takasaki, in Giappone, e ora vivo a New York City.

D: Con quale mezzo(i) lavori?

R: Lavoro con vari mezzi.

Ho fatto un sacco di scultura con luce e ombra - lavori tridimensionali in filo che sono simili al mio pezzo d’ingresso.

Lavoro anche con il tessuto e la carta.

D: Parlaci della tua tecnica/ processo creativo.

R: Molto del lavoro che ho creato inizia visivamente.

Vedo un’immagine del lavoro quasi completamente formata nella mia mente, invece di elaborare un’idea o un concetto.

Se l’immagine mi rimane impressa per qualche giorno e continua ad eccitarmi, avrò il desiderio di tentare di realizzarla.

Poi devo capire come. Con un lavoro come le mie sculture di luci e ombre, questo può significare settimane o mesi di prove ed errori in studio fino a quando riesco o mi rendo conto che non è possibile e vado avanti.

Una lampadina, alcuni og-

getti che creo dal legno o dal metallo, e solo i miei occhi e le mie mani - è abbastanza analogico.

D: Qual è il suo background (istruzione, carriera, ecc.) e come contribuisce alla sua arte?

R: Sono venuta negli Stati Uniti per la prima volta come studentessa di scambio al liceo, trascorrendo un anno nell’Indiana e poi un altro anno a nord di New York.

Dopo il diploma, sono andato a Firenze e ho studiato per due anni prima di tornare negli Stati Uniti per ricevere il mio BFA dal Cornish College of the Arts di Seattle. Poi sono andato alla Glasgow School of Art per il mio MFA. Se qualcosa contribuisce alla mia arte, immagino sia questa esposizione a varie persone e culture. Se si guarda il mio corpo di lavoro, è evidente un interesse per la figura umana, per il volto umano. E forse questo ha a che fare con il fatto che ho incontrato così tante persone interessanti e diverse al di fuori della mia cultura.

D: Ci parli del pezzo che ha presentato al concorso.

R: La mia opera presentata fa parte di una serie che chiamo Constellation. Migliaia di piccoli chiodi chiamati “brads”

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sono inseriti in un pannello di legno dipinto di bianco, e un filo da cucire ininterrotto è intrecciato tra i brads per creare il ritratto.

Ho creato questo ritratto di mia nipote da una foto che ho trovato mentre stavo esaminando una scatola di istantanee.

C’era qualcosa nel suo giovane viso aperto che mi ha fatto venire voglia di fissarla a lungo.

D: A cosa stai lavorando attualmente?

R: Attualmente sto per finire un altro lavoro di Constellation, che è anche di mia nipote Mana, ma in un’età un po’ più giovane.

Sto lavorando da una foto scattata a lei mentre sta per spegnere le candeline sulla sua torta di compleanno, quindi ha una qualità di luce davvero bella.

D: Chi è il tuo artista preferito?

R: Amo Charlie Chaplin. Per me, il suo lavoro è simile alla più grande sinfonia; sembra racchiudere tutto. Non solo divertente o solo triste, ma tutto contemporaneamente.

Il suo lavoro copre l’intera gamma di emozioni umane che proviamo.

D: Se potesse lavorare con qualsiasi artista (passato o presente) chi sarebbe?

R: Non sono sicuro che mi piacerebbe lavorare con un altro artista, ma certamente mi piacerebbe sedermi e prendere un tè con alcune persone.

Mi viene in mente Erik Satie perché sento che la sua musica è così liberatoria e bella.

Un’altra persona nel campo della musica con cui mi piacerebbe passare del tempo è il grande pianista Ivo Pogorelic.

E amo il lavoro dell’animatore russo Yuriy Norshteyn. Mi piacerebbe sedermi nel suo studio in silenzio e guardarlo. (Suona più inquietante di quello che volevo dire).

D: Cosa ti ispira?

R: Sono ispirata dalla bellezza che si trova in natura e anche dalle opere d’arte dei grandi maestri.

Queste due cose possono parlarti direttamente senza bisogno di spiegazioni o contesti.

Ha ricevuto il suo Master of Fine Arts Degree dalla Glasgow School of Art e il suo Bachelor of Fine Arts dal Cornish College of the Arts di Seattle, Washington.

Vive e lavora a Woodstock, New York. https://npg.si.edu/blog/portrait-artist-kumi-yamashita

I

ILDEGARDA DI BINGEN

Foto robadadonne

ldegarda di Bingen (in tedesco Hildegard von Bingen; Bermersheim vor der Höhe, 1098 – Bingen am Rhein, 17 settembre 1179) è stata una monaca cristiana, scrittrice, mistica e teologatedesca.

Suora benedettina, è venerata come santa dalla Chiesa cattolica; nel 2012 è stata dichiarata dottore della Chiesa da papa Benedetto XVI. Donna dai numerosi talenti, nella sua vita fu inoltre profetessa, guaritrice, erborista, naturalista, cosmologa, filosofa, artista, poetessa, drammaturga, musicista, linguista e consigliera politica.

Nacque, ultima di dieci fratelli, a Bermersheim vor der Höhe, vicino ad Alzey, nell’Assia Renana, nell’estate del 1098, un anno prima che i crociati conquistassero Gerusalemme.

Le visioni di Ildegarda sarebbero iniziate in tenera età e avrebbero contrassegnato tutta la sua esistenza.

All’età di otto anni, a causa della sua cagionevole salute, era stata messa nell’Abbazia di Disibodenberg dai nobili genitori, Ildeberto e Matilda di Vendersheim, dove fu educata da Jutta (o Giuditta) di Sponheim, giovane aristocratica ritiratasi in monastero.

Prese i voti tra il 1112 e il 1115 dalle mani del vescovo Ottone di Bamberga.

Ildegarda studiò sui testi dell’enciclopedismo medievale di Dionigi l’Areopagita e Agostino.

Iniziò a parlare, e a scrivere, delle sue visioni (che definiva «visioni non del cuore o della mente, ma dell’anima») solo intorno al 1136, quando aveva ormai quasi quarant’anni.

Alla morte di Giuditta, Ildegarda le succedette come magistra (ovvero priora) della comunità col consenso delle poche consorelle, che allora facevano parte del monastero maschile di san Disibodo.

Santa Ildegarda e la sua comunità di monache in una miniatura del XIII secolo.

Pochi anni dopo, per far fronte al crescente numero di novizie, si trasferì nella comunità femminile del monastero di Rupertsberg da lei stessa fondato nel 1150 a Bingen, intitolato a san Ruperto (del quale scrisse l’unica biografia esistente), le cui rovine verranno rimosse nel 1857 per far posto a una ferrovia.

Si dice facesse vestire sfarzosamente le consorelle, adornandole con gioielli, per

salutare con canti le festività domenicali.

Nella sua visione religiosa della creazione, l’uomo rappresentava la divinità di Dio, mentre la donna idealmente personificava l’umanità di Gesù.

Nel 1165 fonderà un’altra abbazia, tuttora esistente e floridissimo centro religioso-culturale, ad Eibingen, sul lato opposto del Reno.

L’abbazia è visitabile, e nella chiesa si possono ammirare gli affreschi che ritraggono i momenti salienti della vita di Ildegarda e i segni straordinari che accompagnarono il momento del suo trapasso, avvenuto il 17 settembre 1179.

Nell’arco di una dozzina di anni, tra la fine del 1159 e il 1170, compì quattro viaggi pastorali, predicando nelle cattedrali di Colonia, Treviri, Liegi, Magonza, Metz e Würzburg.

Fondatrice del monastero di Bingen am Rhein, Ildegarda fu spesso in contrasto con il clero; riuscì tuttavia a ribaltare il concetto monastico prevalente fino ad allora, e che per molto tempo ancora sarebbe rimasto inamovibile, preferendo una vita di predicazione aperta verso l’esterno a quella più tradizionalmente

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claustrale.

Quando ormai era ritenuta un’autorità all’interno della Chiesa, papa Eugenio III nel 1147 lesse alcuni dei suoi scritti durante il sinodo di Treviri del 1147.

In tale occasione, fu autorizzata a scrivere ed esporre in pubblico le sue visioni.

«Io sono un essere senza istruzione, e non so nulla delle cose del mondo esteriore, ma è interiormente nella mia anima che sono istruita.»

(Ildegarda, Patrologia Latina, 189 C, da una lettera a San Bernardo di Chiaravalle del 1146) L’Uomo Universale, dal Liber Divinorum Operum, folio 9, XIII secolo (Biblioteca statale di Lucca) Ildegarda studiò a lungo occupandosi di teologia, musica e medicina, e lasciando alcuni libri profetici come lo Sci vias (Conosci le vie), il Liber Vitae Meritorum (Libro dei meriti della vita)[8] e il Liber Divinorum Operum (Libro delle opere divine), tra le cui figure viene rappresentato l’Adam Qadmon cabbalistico, oltre a una notevole quantità di lavori musicali, raccolti sotto il titolo di Symphonia harmoniae celestium revelationum, diviso in due parti: i Carmina (Canti)

e l’Ordo Virtutum (La schiera delle virtù, opera drammatica musicata).

Un notevole contributo diede pure alle scienze naturali, scrivendo due trattati enciclopedici che raccoglievano tutto il sapere medico e botanico del suo tempo e che vanno sotto il titolo di Physica (Storia naturale o Libro delle medicine semplici) e Causae et curae (Libro delle cause e dei rimedi o Libro delle medicine composte).

Ebbero anche grande fama le sue lettere a vari destinatari, che trattano di diversi argomenti, nelle quali Ildegarda risponde soprattutto a richieste di consigli di ordine spirituale.

Di grande valore sono pure le 308 questioni sottoposte alla badessa di Bingen dai monaci di Villers, le cui risposte formano il trattato Solutiones triginta octo questionum, secondo la forma delle quaestiones, propria del pensiero teologico sviluppato negli studia delle città. Le domande vertono sull’ordine e sull’essenza della Creazione, sul rapporto che lega Dio agli uomini, sui concetti di corpo, anima, uomo e angelo[10].

La Viriditas Nel latino classico di Cicero-

ne, viriditas significava «vigore, freschezza, vivacità giovanile».

In quanto derivato da viridis, indica il colore verde, e quindi tutto ciò che ad esso è idealmente collegato in termini di crescita vitale, forza e vigore.

Non propriamente come neologismo, questa parola fu utilizzata da Ildegarda von Bingen in un’accezione nuova, ad indicare una forma ignota di energia spirituale addensata e ancora inespressa nei germogli di colore verde, sostanziata nel loro colore, e che lei approfondì diffusamente nei suoi scritti attraverso i vari rami del sapere.

Ildegarda fu l’autrice di una delle prime lingue artificiali di cui si abbiano notizie, la Lingua ignota (dal latino “lingua sconosciuta”), da lei utilizzata probabilmente per fini mistici.

Essa utilizza un alfabeto di 23 lettere, definite le ignotae litterae.

Ildegarda ha parzialmente descritto la lingua in un’opera intitolata “Lingua Ignota per hominem simplicem Hildegardem prolata”, di cui sono sopravvissuti solo due manoscritti, entrambi risalenti al Duecento: il Codice di Wiesbaden e un manoscritto di Berlino.

Il testo è un glossario di 1011 parole in Lingua Ignota, con traslitterazione per la maggior parte in latino, e in tedesco medioevale, le parole sembrano essere “a priori” conî, per lo più nomi con qualche aggettivo.

Sotto l’aspetto grammaticale, sembra essere una parziale rilessificazione della lingua latina: infatti la “lingua ignota” è stata ideata tramite l’adattamento di un nuovo vocabolario alla grammatica latina preesistente.

Non è noto se altri, oltre la sua creatrice, abbiano avuto familiarità con essa.

Nel XIX secolo alcuni credevano che Ildegarda avesse ideato il suo linguaggio per proporre una lingua universale che unisse tutti gli uomini (per questo motivo santa Ildegarda è riconosciuta oggi come la patrona degli esperantisti con San Pio X. Tuttavia oggi è generalmente accettato che la Lingua Ignota sia stata concepita come un linguaggio segreto, simile alla “musica inaudita” di Ildegarda, della quale ella avrebbe avuto conoscenza per ispirazione divina.

Questa lingua, essendo stata ideata nel XII secolo, può essere considerata come una

delle più antiche lingue artificiali oggi conosciute.

Monaca “aristocratica”, Ildegarda più volte definì se stessa come «una piuma abbandonata al vento della fiducia di Dio».

Fedele peraltro al significato del suo nome, “protettrice delle battaglie”, fece della sua religiosità un’arma per una battaglia da condurre per tutta la vita: scuotere gli animi e le coscienze del suo tempo.

Non ebbe timore di uscire dal monastero per conferire con vescovi e abati, nobili e principi.

In contatto epistolare con il monaco cistercense Bernardo di Chiaravalle, sfidò con parole durissime l’imperatore Federico Barbarossa, fino ad allora suo protettore, quando questi oppose due antipapi ad Alessandro III. L’imperatore non si vendicò dell’affronto, ma lasciò cadere il rapporto di amicizia che fino ad allora li aveva legati.

Nel 1169, riuscì in un esorcismo su una tale Sigewize, che aveva fatto ricoverare nel suo monastero, dopo che altri religiosi non erano approdati a nulla: nel rito da lei personalmente condotto, volle però naturalmente la presenza di sette sacerdoti (unici dotati

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del ministero di esorcizzare).

La sua memoria liturgica cade il 17 settembre, giorno della sua morte (dies natalis).

Tale giorno, secondo la tradizione, sarebbe stato “predetto” dalla santa a seguito di una delle sue ultime visioni.

Dal Martirologio Romano (ed. 2005): «17 settembre - Nel monastero di Rupertsberg vicino a Bingen nell’Assia, in Germania, santa Ildegarda, vergine, che, esperta di scienze naturali, medicina e di musica, espose e descrisse piamente in alcuni libri le mistiche contemplazioni, di cui aveva avuto esperienza.»

Ildegarda fu seppellita nel Monastero di Rupertsberg, dove le fu elevato un ricco mausoleo.

Quando però nel 1632, durante la guerra dei trent’anni, il monastero fu distrutto e bruciato dagli Svedesi, le monache benedettine portarono via con loro le reliquie nella cappella del priorato di Eibingen, dove ancora oggi si trovano.

Papa Giovanni Paolo II, in una lettera per l’ottocentesimo anniversario della sua morte, salutò in Ildegarda come «Luce del suo popolo e del suo tempo» e la «profetessa della Germania», la donna « [...] che non esitò a uscire dal convento per incontrare, intrepida interlocutrice, vescovi, autorità civili, e lo stesso imperatore» (Corrado III di Svevia o Federico Barbarossa), e non esitò a fondare monasteri e parlare alle folle.

Il 10 maggio 2012 papa Benedetto XVI ne estese il culto liturgico alla Chiesa Universale.

Il 7 ottobre 2012 lo stesso papa Benedetto XVI proclamò santa Ildegarda di Bingen Dottore della Chiesa universale, unitamente al santo spagnolo Giovanni d’Avila.

Il 25 gennaio 2021 papa Francesco ne ha istituito la memoria facoltativa per tutta la Chiesa universale, fissandola al 17 settembre.

La lettera apostolica ricorda che, fatto «allora non molto frequente per una donna», Ildegarda fu autorizzata a parlare in pubblico da papa Eugenio III e, per volere di Adriano IV e poi di Alessandro III, fu inviata in viaggi apostolici a predicare in piazze e Chiese cattedrali, malgrado le condizioni di salute attribuitele.

Secondo il documento, «il corpus dei suoi scritti, per quantità, qualità e varietà di interessi, non ha paragoni con (segue pagina 24)

(segue dalla pagina 23) alcun’altra autrice del Medioevo», comprendendo un ricco epistolario, i due trattati linguistici rispettivamente dal titolo Lingua ignota e le Litterae ignotae, «nei quali compaiono parole in una lingua sconosciuta di sua invenzione, ma composta prevalentemente di fonemi presenti nella lingua tedesca».

Esso prosegue con una citazione delle sue parole: «L’uomo, secondo la cosmologia ildegardiana fondata sulla Bibbia, racchiude tutti gli elementi del mondo, perché l’universo intero si riassume in lui, che è formato della materia stessa della creazione.

Perciò egli può in modo consapevole entrare in rapporto con Dio. Ciò accade non per una visione diretta, ma, seguendo la celebre espressione paolina, come in uno specchio [...]

L’uomo può giungere perfino a sperimentare Dio. Il rapporto con lui, infatti, non si consuma nella sola sfera della razionalità, ma coinvolge in modo totale la persona.

Tutti i sensi esterni e interni dell’uomo sono interessati nell’esperienza di Dio: (LA) «Homo autem ad imaginem et similitudinem Dei factus est, ut quinque sensibus corporis sui operetur; per quos etiam divisus non est, sed per eos est sapiens et sciens et intellegens opera sua adimplere. [...]

Sed et per hoc, quod homo sapiens, sciens et intellegens est, creaturas conosci; itaque per creaturas et per magna opera sua, quae etiam quinque sensibus suis vix comprehendit, Deum cognoscit, quem nisi in fide videre non valet.»

(IT) «L’uomo infatti è stato creato a immagine e somiglianza di Dio, affinché agisca tramite i cinque sensi del suo corpo; grazie ad essi non è separato ed è in grado di conoscere, capire e compiere quello che deve fare [...] e proprio per questo, per il fatto che l’uomo è intelligente, conosce le creature, e così attraverso le creature e le grandi opere, che a stento riesce a capire con i suoi cinque sensi, conosce Dio, quel Dio che non può essere visto se non con gli occhi della fede.»

(Ildegarda di Bingen, Explanatio Symboli Sancti Athanasii: PL 197, 1073.)

Perciò l’attribuzione del titolo di Dottore della Chiesa uni-

vedi i video https://youtu.be/4wtTL0UjFac https://youtu.be/knBaY0fLxyg

https://www.sitabologna. it/santa-ildegarda-di-bingen-8-lezioni-alla-scoperta-di-una-mistica-attualissima/

versale a Ildegarda di Bingen ha un grande significato per il mondo di oggi e una straordinaria importanza per le donne. In Ildegarda risultano espressi i più nobili valori della femminilità: perciò anche la presenza della donna nella Chiesa e nella società viene illuminata dalla sua figura.»

(Benedetto XVI, Lettera Apostolica di proclamazione, 7 ottobre 2012[2]) Nella concezione di una conoscenza che muove dai cinque sensi in direzione della fede in Dio si evidenziarono alcune idee presenti anche nella filosofia scolastica del suo tempo, di cui tuttavia sant’Ildegarda non seguiva il metodo di lettura critica e commento testuale, basandosi unicamente sulle proprie visioni profetiche, sul discernimento spirituale e i carismi ispirati da Dio. La gerarchia degli angeli, sesta visione del manoscritto Scivias (Codice di Wiesbaden, facsimile del 1927) Ildegarda nel corso della sua vita ebbe numerosissime visioni, di cui ha lasciato dettagliati resoconti, illustrati nei manoscritti Sci vias e Liber divinorum operum.

Fin dalla prima infanzia afferma di aver avuto una magna pressura («una stretta acuta

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e dolorosa») che la invitò a parlare e scrivere sotto la sua ispirazione, dispensando consigli di vita pratica e spirituale e trattando le questioni più varie, concentrandosi sul sapere teologico.

Ella definì questa voce interiore Luce del Dio vivente.

Pur essendo laica e non clerica, vale a dire una donna illetterata che non aveva potuto studiare nelle scuole, inspiegabilmente seppe scrivere nel latino parlato e compreso dei dotti, con competenza tecnica su materie che spaziavano dalla scienze naturali alla medicina, dalla linguistica alla letteratura, dalla filosofia alla teologia, dal diritto alla politica.

Nonostante questo, dalla sua opera emerge anche una costante umiltà, dato che a più riprese lei si definisce paupercula forma (una «povera, piccola figura»), secondo un tratto distintivo della spiritualità mistica del periodo e una bassa considerazione della sfera femminile, nel senso comune e nel pensiero dominante.

Alcuni studiosi hanno ipotizzato spiegazioni pseudo razionali piuttosto dibattute secondo cui l’origine di queste visioni sarebbe stato di tipo neurologico.

Lo storico della scienza e della medicina Charles Singer le attribuì ad aure di origine emicranica; questa teoria è stata resa popolare dal neurologo Oliver Sacks.

Solamente tre codici del Liber divinorum operum sono sopravvissuti fino ai giorni nostri.

L’unico codice miniato, contenente dieci visioni della santa, era appartenuto al Convento dei Chierici regolari della Madre di Dio di Lucca, digitalizzato dalla Biblioteca di Stato locale.

Fra i temi presenti nel prezioso manoscritto: l’immagine dello spirito del mondo, la struttura del cosmo, il sistema dei venti, la figura umana collocata al centro dell’universo, il tema del mostro e delle figure fantastiche ed allegoriche, il globo terrestre, lo schema della città.

Sant’Ildergarda compose canti gregoriani in latino per coro femminile con assolo, mediante notazione neumatica: O rubor sanguinis, Sed diabolus (dedicato a Sant’Orsola).

La direzione corale è complessa in quanto richiede una sorta di “descrizione della melodia nell’aria”, non limitandosi ad una scansione temporale del ritmo della frase musicale.