S'Arti Nostra 2 Giugno 2020

Foto Laetitia de Bazelaire

S’ARTI NOSTRA TIME IN JAZZ MARCO NATERI EZIO BOSSO M.U.A. SINNAI EMILIA PALOMBA GRAMSCI LAB LIBRERIA CANU SORELLE CORONEO BETTY ARGENZIANO DOLORES MANCOSU IELMO CARA NONTURISMO Supplemento all’édizione di “SARDONIA“ Giugno 2020

Programma Televisivo OnLine di Diffusione d’Arte Contemporanea a cura di

Demetra Puddu

Redattrice Artistica Anima la trasmissione “S’Arti Nostra” Collabora a Artis Aes Laureanda in Lettere (curriculum moderno) à Università degli Studi di Cagliari Conservatorio Pierluigi da Palestrina di Cagliari Liceo Linguistico I.T.A.S. “Grazia Deledda” Cagliari demetra.uddup@gmail.com

Vittorio E. Pisu Redattore Capo

Direttore Fondateur et Président des associations SARDONIA France SARDONIA Italia créée en 1993 domiciliée c/o UNISVERS via Ozieri 55 09127 Cagliari vittorio.e.pisu@email.it http://www.facebook.com/ sardonia italia https://vimeo.com/groups/ sardonia https://vimeo.com/channels/cagliarijetaime SARDONIA Pubblicazione dell’associazione omonima

Supplemento al numero del Giugno 2020 in collaborazione con PALAZZI A VENEZIA

Publication périodique d’Arts et de culture urbaine Correspondance palazziavenezia@gmail.com https://www.facebook.com/ Palazzi-A-Venezia https://www.vimeo.com/ channels/palazziavenezia Maquette, Conception Graphique et Mise en Page L’Expérience du Futur une production UNISVERS vimeo.com&unisvers Commission Paritaire

ISSN en cours Diffusion digitale

D

opo mesi di concerti cancellati e festival rinviati a causa del coronavirus, ce n’è uno confermato: una notizia incoraggiante per il mondo della musica che arriva dalla Sardegna, con la 33esima edizione di «Time in jazz», festival ideato e diretto dal trombettista Paolo Fresu, che si terrà nel cuore di agosto, in una formula riveduta e corretta, attentissima alla sicurezza, ma riportando finalmente la musica dal vivo nelle piazze.

«Vogliamo esserci, con più forza del solito.

Il mondo dello spettacolo è stato il primo a fermarsi, con un grandissimo danno economico per tantissimi lavoratori, ha detto Fresu. È importante dare un segnale positivo per il settore e per il territorio, per una ripartenza senza paura, con la voglia di sottostare alle regole, trovando allo stesso tempo delle soluzioni creative».

I protagonisti: da Marcotulli a Concato a Silvestri Rita Marcotulli, Cristina Zavalloni, Guglielmo Pagnozzi con Roy Paci, Fabio Concato, fino allo stesso Paolo Fresu sono i cinque nomi in cartellone per i cinque concerti principali che animeranno la piazza di Berchidda, in provincia di Sassari, il paese natale di Fresu che è epicentro del festival.

Ma non mancheranno una miriade di eventi collaterali nelle località limitrofe del nord della Sardegna, oltre che molti eventi dedicati ai bambini, mostre, film, incontri e presentazioni.

Tra gli appuntamenti di spicco, Daniele Silvestri terrà un concerto dedicato a Fabrizio De André a L’Agnata, dimora del cantautore genovese in Sardegna.

Le date degli appuntamenti, in via di definizione, copriranno una decina di giorni di agosto, a partire dalla seconda settimana del mese.

Le norme di sicurezza

E se gli ospiti sono stati rivisti nell’impossibilità di far arrivare big stranieri o di ospitare grossi ensemble, «il programma non è un programma di ripiego - sottolinea Fresu -, ma propone tantissime attività di alto profilo». L’attenzione ora va tutta alle norme di sicurezza da rispettare: piazza del Popolo, a Berchidda, che ospitava circa mille persone, sarà riorganizzata «come un salotto» per contenere 300/350 persone al massimo e vi si potrà accedere solo muniti di biglietto (acquistabile su Vivaticket). È al vaglio la possibilità di un doppio concerto per ciascuna delle cinque serate, così il doppio delle persone potranno partecipare, mentre verranno allestite serpentine per evitare la calca, un ingresso e un’uscita ben distinte, aree perimetrate anche nelle zone aperte.

https://www.corriere.it/spettacoli/

TIME IN JAZZ NON SI FERMA

S’Arti Nostra

S’ARTI NOSTRA

Q

uesto mensile adotta il titolo della trasmissione televisiva che sarà diffusa sul web e che abbiamo avuto già da un anno o poco più l’idea di creare e, nella ricerca di una presentatrice ed animatrice ideale, ha incontrato numerose difficoltà comprensibili ma superabili, fra pochi giorni incomincierà le sue diffusioni ad una cadenza che dipenderà anche dell’attualità culturale ed artistica.

Già nel 1999 avevo incominciato a realizzare e diffondere numerose trasmissioni televisive sul sito canalwe.net* oggi scomparso, tra cui “Le Champ Urbain”, dedicato all’Architettura al Paesaggio ed all’Arte Urbana, “SPOUTNIK” nato all’inizio come vetrina dell’Arte e della Culture dei Paesi dell’Est europeo ed in seguito diventato un fedele specchio della creazione contemporanea sia plastica che letteraria, musicale ed artistica, completata poi con Solo Opera, trasmissione pranzo al quale invitavo soprani, tenori, direttori d’orchestra e di teatro nonchè registi e compositori, con un menù Sushi e Champagne e nell’ambiente mitico del “Palazzo A Venezia per il mio Amore”, per poi avventurarsi nei diversi festival lirici in Francia.* https://www.facebook.com/souvenirscanalweb/ Non dimentichiamo naturalmente SARDONIA, trasmissione in italiano, creata nel 2000 a partire dall’intervista a Paolo Fresu, nostro padrino ideale, in tutto ben trecento ottanta cinque trasmissioni furono realizzate e diffuse insieme a più di duecento reportages filmati, tra cui molti di questi negli ateliers degli artisti stessi o nelle loggie dei cantanti dell’Opera.

Oggi SARDONIA, il mensile che arriva al suo ventisettesimo anno di età, sostituisce il suo supplemento con questa pubblicazione che prende il nome di “S’Arti Nostra” che vorrebbe significare che il nostro obiettivo é quello di parlare e di far parlare gli attori dell’Arte e della Cultura Sarda, sia che si trovino nell’isola o, come spesso accade, anche all’estero. https://www.facebook.com/sardoniaitalia/ Naturalmente il nostro obiettivo è quello di andare a visitare gli artisti sul luogo stesso della loro produzione ma anche di visitare i numerosi musei ed altre inizitiative culturali sia sporadiche che ripetitive, con l’imbarazzo della scelta sopratutto in Sardegna dove le manifestazioni sia folcloristiche che gastronomiche non mancano.

Abbiamo avuto l’opportunità, in questi ultimi due anni, che ci hanno visto molto pù presenti sull’isola, di incontrare numerosi artisti e di partecipare a molte manifestazioni che abbiamo cercato di riesumere e di proporre attraverso i nostri filmati sotto la bandiera di SARDONIA.https://www.vimeo.com/groupes/sardonia Abbiamo inoltre creato una manifestazione sotto il titolo “Cagliari je t’aime” invitando degli artisti francesi a venire esporre le proprie opere a Cagliari e ringraziamo particolarmente Giulio Barrocu che ha reso possibili tutte queste esposizioni sia al Lazzaretto che alla M.E.M., senza dimenticare Sergio Benoni che ogni volta ci ha ospitato sulle onde di Radio X. Certo il nostro programma è ambizioso ma pensiamo che i nostri sogni non sono mai abbastanza grandi per non perderli di vista in cammino, così dopo più di un centinaio di filmati che hanno documentato vernissages, mostre, presentazioni di libri ed altre manifestazioni culturali, vogliamo creare un appuntamento regolare con la cultura e le manifestazioni artistiche, letterarie, plastiche e culturali che si svolgono in Sardegna, ma anche eventualmente altrove e dove gli Artisti Sardi o trapiantati in Sardegna sono presenti e si esprimono.

La quarantena che abbiamo appena attraversato è stato un momento di pausa nelle nostre attività ma anche di riflessione sui nostri obiettivi ed i nostri scopi ed oggi più decisi ed aguerriti che mai siamo pronti a realizzare le trasmissioni con il titolo di “S’Arti Nostra”.

Vorrei ringraziare qui particolarmente Demetra Puddu, giovane e molto attiva curatrice di mostre nonchè critica d’Arte, che nonostante la sua giovane età ha già dimostrato una grande padronanza ed una grande perspicacia dei temi che ci accingiamo a trattare.

Potrete a breve giudicare della qualità dei nostri programmi, stiamo inoltre creando delle pagine nei più importanti e diffusi social-media, ormai canali inevitabili per la diffusione delle inizitiave culturali ed urbane.

Qui in questo numero in anteprima un piccolo assaggio dei temi che avevamo già affrontato nel primo numero di questo mensile che attinge largamente ad una storia spesso dimenticata oppure trascurata ma estremamente ricca di figure, sopratutto femminili di artisti eccelsi, prolifici ed estremamente significativi della particolarità dell’Arte in Sardegna. Potete naturalmente farci parte delle vostre osservazioni e suggerirci eventualmente qualche figura che potremmo eventualmente dimenticare.

Grazie e comme disent le français “Merde, Merde et Merde”.

Vittorio E. Pisu

citare.

Azione scenica per uno spettatore solo.

Di Marco Nateri con Aurora Simeone e Marco Nateri.

Testo di Federico Spano, Musica di Gianluca Erriu.

L’azione scenica si svolge in due tempi, in due spazi di un interno familiare, con due attori ad interpretare due sogni dedicati ad Edina.

Un solo spettatore alla volta, a tu per tu con un attore alla volta, per fermarsi, stare di casa, vivere l’esperienza di un teatro a due.

Dentro la scena, con l’intima serietà dei bambini quando giocano.

Come nel teatro, che si fa per gioco ma sul serio.

S

tudia al laboratorio di

so vari enti di formazione e

esercitazioni sceniche

Università. Protagonista di Agli spettatori si chiede di

Foto marco nateri

MARCO NATERI

Federico Spano ce la descrive:

tanti piccoli scrigni.

Nella Prosa inizia il suo per-

vi fa sedere, vi guarda e sorride.

onor Finì, Olga Carol Rama,

Apre un libro, prende forbici e

le realizza 50 allestimenti in cipato al festival la notte dei Tona Scano, Rosalba Carriera, Marie Laurencin, Ellen Thel-

stumista. Lavora inoltre con

collaborato con Rai yoyo.

seff, Antonietta Raphael, Re-

Marco Parodi, Maria Assunta

Ha partecipato inoltre a innu- gina Bracchi, Bona De Pisis

Calvisi, Riccardo Reim, Carlo

merevoli collettive.

Quartucci, Rino Sudano, An-

Vive fra Roma, Spoleto e Ca- Giocare.

tonio Petris, Stefano Artissun-

gliari.

Voi siete l’unico spettatore di uno spettacolo fatto solo per voi.

All’imbarazzo iniziale, dovuto all’essere “dentro” la scena,

I laboratori a cura di Marco Nateri, Rossella Piras e Auro-

altri.

ra Simeone

10+1 I teatrini di Marco Na-

colla e inizia a parlare.

Forbici e carta – To Play.

ch, Giovanni Greco e molti Tra le sue produzioni citiamo:

subentra l’emozione per una favola raccontata solo per voi.

La vita di Edina Altara, cele-

Nell’Opera Lirica in qualità teri To Came into play. La mo- Sono i partecipanti a scegliedi costumista ha lavorato nei

stra.

bre artista sarda del Novecen-

re le storie da narrare sulla e

to, è diventata una fiaba nel

più importanti teatri in Italia Omaggio a 10 grandi artiste con la carta, guidati dalla cae all’estero, sua ultima produ- che hanno operato fra il sette-

sualità delle storie da leggere,

zione La Campana sommersa

delle riviste da ritagliare, delle

cento e il novecento, un pic-

testo intitolato “Edina e il gatto” scritto dal pronipote Federico Spano, che da anni cura

di Otorino Respighi prodotta colo omaggio a grandi donne forme delle scatole recuperate dalla Fondazione Teatro Liri- che hanno giocato con la pitco di Cagliari regia Pier Fran-

la valorizzazione e riscoperta

che saranno le basi per i teatri-

di questa straordinaria figura

tura, con il collage e con l’arte ni, dei personaggi creati con il

cesco Maestrini, in cartellone decorativa.

collage. Giocare a sognare ad

per la prossima stagione al Agli spettatori si aprono 10

occhi, orecchie, bocca e mani

Lincoln Theater di New York.

preziosi scrigni che raccolgo- aperti.

Svolge attività didattica pres-

no dei piccoli teatrini da agire, Edina e il gatto – To Play. Re-

S’ARTI NOSTRA

ottocento e una donna vi ac-

Fino a un tavolo rotondo dove

corso artistico con il regista Scuole Ludoteche e Biblio- tara, Leonora Carrington, Le-

poeti con Animal Action. Ha

Si entra in una casa di fine

penombra.

razione con Festival, Teatri, Entrare nel gioco… Edina Al-

qualità di scenografo e co-

in un sogno.

stanze antiche immerse nella

zione per bambini, in collabo- gare le artiste.

Marco Gagliardo, con il qua- teche, recentemente ha parte-

prova è quella di essere finiti

coglie facendovi attraversare

di Roma diretto da Lu- moltissimi progetti di anima- “giocare” i teatrini e far dialoigi Proietti.

La prima sensazione che si

femminile.

Quello che viene fuori è un

vedi anche https://youtu.be/DwP3tQtUGxo

mondo a due dimensioni, (segue alla pagina 4)

3

(segua dalla pagina 3) dove ciò che resta di una vita, sono le opere, le illustrazioni e le emozioni che si provano nell’ammirarle.

Finita la favola, la bravissima attrice Aurora Simeone vi accompagna in una stanza più piccola, dove di fronte a una sedia c’è un geniale teatrino di carta.

Marco Nateri cala i personaggi dal tetto del teatrino e racconta la vita della Altara, senza parole.

Un flusso di immagini che parla di solitudine e amori, in cui Edina somiglia a una Frida Kahlo di carta e il grande amore della sua vita ha il volto di Primo Carnera.

Marco Nateri muove le mani come un direttore d’orchestra Foto edinaaltarablogspot

e fa danzare i personaggi al suono della bellissima musi-

ca tratta dall’opera “Zin Bum Bum, Edina e i ricordi di carta” del maestro Gianluca Erriu.

Questa azione scenica per

un solo spettatore, intitolata “Fragili Fogli – Un omaggio a Edina Altara”, ospitata nel bellissimo museo Casa Deriu a Bosa, è una piccola ma preziosissima perla ideata dal costumista, scenografo e regista cagliaritano Marco Nateri.

Dodici minuti in cui lo spettatore si perde nelle immagini e nei ricordi della vita di una donna fuori dal comune. Edina (Sassari 1898 - Lanusei 1983) lottò per tutta la sua esistenza contro i pregiudizi in un mondo, quello dell’arte, fatto dagli uomini per gli uomini, dove le donne che avevano talento, venivano definite primitive.

Edina Altara visse momenti di grande felicità artistica, di grandi soddisfazioni, con collaborazioni importanti a livello italiano.

Ma a questi momenti fortunati

seguirono sempre anni di sof-

ta, forbici e colori; a stimolar-

ferenza.

le è il vivace contesto di una Spano, in questo piccolo mo-

le testimonianze.

Sino all’ultimo periodo della città di provincia che nei pri-

nologo, ha voluto raccontare

sua vita, dove la frustrazione mi anni del secolo nuovo si va

attraverso le parole dell’ar-

per essere stata dimenticata da aprendo alla modernità, e nel- tista, la solitudine della vectutti, tranne che dai suoi fami- la quale maturano le ricerche chiaia, dopo una vita ricca di liari, la portò ad ammalarsi. di pittori come Giuseppe Biasi arte e passione, condizionata Edina si rifugiò in un mondo e Mario Mossa de Murtas.

dalla malattia e della nostal-

senza parole e morì senza ri- Pittura, scultura, illustrazione,

gia.

conoscere più nessuno.

ceramica, moda, decorazio-

«L’Amor? L’Amor?» è quindi

Femminilità, follia, evasione. ne di ambienti, creazione di

il secondo omaggio che Mar-

Le sorelle Edina, Iride, La- oggetti d’arredo sono il mul- co Nateri ha voluto fare alla vinia Altara, tre artiste sarde tiforme panorama di generi nell’Italia del Novecento.

pittrice, illustratrice e dise-

al quale si dedicano con una gnatrice di moda sassarese.

Tre sorelle vissute tra Milano, curiosità e una freschezza di

Senza dimenticare natural-

Sassari e Cagliari, tre modi di-

mente

approccio che rimarranno fe-

la

rappresentazione

versi di fare arte con una stra- licemente infantili.

dell’opera lirica per voci bian-

ordinaria creatività.

che “ZinBumBum”, presenta-

Presentata al pubblico per la

Nate a Sassari nell’ultimo prima volta nel 2005, la loro ta al teatro Electra di Iglesias, scorcio dell’Ottocento, in una opera viene adesso ripropo-

che ha per protagoniste le so-

famiglia della buona borghe- sta in una attraente selezione

relle Altara: Edina, Iride e La-

sia intellettuale, si formano curata dal nipote Federico

vinia (libretto di Marco Nate-

senza scuole e senza maestri, Spano, collezionista che negli

ri, Gianluca Erriu e Giovanna

lungo il filo di una creatività anni ne ha rintracciato e rac-

Deidda).

alimentata dai giochi con car-

S’ARTI NOSTRA

colto con paziente attenzione Autori Diversi.

E

Foto Alessandra Freguja

zio Bosso é nato a Torino il 13 settembre 1971.

Ha vissuto durante l’infanzia e l’adolescenza a Torino, in Borgo San Donato, abitando in via principessa Clotilde; in questa Torino operaia, di immigrazione, raccontava che la sua famiglia era “la sola piemontese di tutto il caseggiato”.

Si avvicinò alla musica all’età di quattro anni, grazie ad una prozia pianista e al fratello musicista.

Ha conosciuto in conservatorio Oscar Giammarinaro, che in seguito divenne il cantante degli Statuto, e per circa un anno e mezzo suonò con questo gruppo con il nome d’arte di Xico, fin quando ne sarebbe stato cacciato, disse scherzando, “perché producevo troppe note”; con gli Statuto incise l’album di debutto “Vacanze”.

Del conservatorio ha anche ricordato di aver avuto un docente che gridava e talora alzava le mani e che un giorno, durante uno di questi maltrattamenti, entrò un uomo che chiese a Bosso di ripetere l’esercizio, si rivolse al docente e gli disse: “A me sembra molto bravo. Perché grida?”; l’uomo era John Cage, cui Bosso avrebbe in seguito dedicato il brano “Dreaming tears in a crystal cage”.

A 16 anni esordì come solista in Francia e incominciò a girare per le orchestre europee.

Fu l’incontro con Ludwig Streicher a segnare la svolta della sua carriera artistica, indirizzandolo a studiare Composizione e Direzione d’Orchestra all’Accademia di Vienna.

Nel 2011 subì un intervento per l’asportazione di una neoplasia cerebrale e fu anche colpito da una sindrome autoimmune neuropatica.

Le patologie inizialmente non gli impedirono di continuare a suonare, comporre e dirigere.

Successivamente, il peggioramento della malattia neurodegenerativa, verificatasi in quello stesso anno ed all’inizio erroneamente indicata dai media come SLA, lo ha costretto nel settembre 2019 alla cessazione dell’attività di pianista, avendo compromesso l’uso delle mani.

Dalla primavera del 2017 Bosso è stato testimone e ambasciatore internazionale dell’”Associazione Mozart 14”, eredità ufficiale dei principi sociali ed educativi del Maestro Claudio Abbado, portati avanti dalla figlia Alessandra. (segue alla pagina 6)

EZIO BOSSO CI HA LASCIATI

C

i conoscevamo da vent’anni.

Da quando ci trovammo, assieme ad altri compositori di musiche da film, a suonare assieme a Bologna nel Festival del Cinema Ritrovato.

Ezio suonava il contrabbasso come nessun altro.

Un virtuoso con una musicalità straordinaria che diventava un tutt’uno con lo strumento.

Il suo archetto era una lancia poetica e la sua musica per archi, in particolare quella composta per la colonna sonora di “Io non ho paura”, è stata la porta per entrare nel suo mondo.

Ogni tanto veniva a sentire i miei concerti nelle Langhe e lì parlavamo di musica e di quartetti d’archi oltre che del fatto che potesse scrivere per il gruppo di mia moglie.

Lo incontrai a Londra dopo qualche anno con Ludovico Einaudi ed Ezio era un altro uomo.

Fisicamente intendo.

Un uomo che parlava lento ma con la stessa profondità di sempre.

Ci raccontò della sua malattia che ancora non era in stato avanzato ma della quale aveva compreso il percorso e la gravità.

Per questo aveva già abbandonato il contrabbasso per suonare il pianoforte e dirigere.

Ed Ezio era felice, con la sua forza straordinaria.

Una mattina mi chiamò al telefono per comunicarmi di essere stato invitato al Festival di Sanremo.

Gli dissi che mi sembrava un’idea malsana ma la sera che lo vidi in tv piansi sulla tovaglia a quadretti di una pizzeria.

Un pianto sereno per un amico che, attraverso la popolarità dello schermo, condivideva finalmente la sua poesia luminosa e trasparente con tutti.

Una poesia che ha fatto bene al mondo.

E poi le cattiverie dei musicisti e dei tanti: Bosso che suona il piano come un bambino o Bosso di cui si parla solo perché ha la SLA senza che nessuno si sia posto il problema di conoscere la sua vita.

Senza sapere che una nota del suo piano valeva più di mille altre e che in quella nota c’era un vissuto mangiato in pochi anni di vita e di sogni.

Mi piace ricordare Ezio con due immagini.

Un pranzo nella nostra casa in

una tiepida giornata di maggio in cui si parlava di musica contemporanea e di vita da vivere e i due bellissimi concerti a Time in Jazz.

Il primo assieme al sottoscritto e a Erri De Luca sul tema dei “Piedi” davanti alla piccola chiesetta di Mores sotto un sole intenso e un silenzio surreale tagliato dal frinire delle cicale e quello con il suo gruppo di archi dentro il vulcano spento di Ittireddu.

E poi un surreale concerto notturno con il pubblico seduto per terra e con un Ezio raggiante che illuminava la notte.

Queste sono le immagini che ho negli occhi e queste rimarranno con me per sempre.

Rimarrà il suo sorriso intenso.

Sorriso da ragionare con lentezza e che Ezio comandava con i muscoli di un cuore che era più grande di noi.

Rimarranno le sue parole oltre agli occhi umidi dei tanti che accorrevano ai suoi concerti.

Sono fortunato ad averti conosciuto.

Fortunato ad averti conosciuto sempre uguale e sempre diverso.

Ciao Ezio.

Paolo Fresu. www.facebook.com/paolofresuofficial/

S’ARTI NOSTRA

vedi anche https://youtu.be/rVpMluGD4Sc?list=PLy6TqSc6l8JFl0Ln5PsR8D9xS3R2U1jSg

5

(segue dalla pagina 5) È morto il 15 maggio 2020 nella sua casa di Bologna all’età di 48 anni, a causa dell’aggravarsi della malattia neurodegenerativa di cui era affetto, per cui era anche costretto in sedia a rotelle, e del ritorno del cancro..

Foto eziobosso.com/it

Solista e direttore d’orchestra «Il sogno è che un’orchestra mi dica: facciamo tutto Beethoven. Così finalmente dirigo il mio papà musicale.

Se mi chiede cosa mi piacerebbe dirigere, torno all’infanzia: Beethoven, Má vlast di Smetana e Les préludes di Liszt.

A 5 anni, ascoltandoli di nascosto, sognai di dirigere» Negli anni novanta ha partecipato a numerosi concerti sulla scena internazionale: Royal Festival Hall, Southbank Centre, Sydney Opera House, Palacio de Bellas Artes di Città del Messico, Teatro Colón di Buenos Aires, Carnegie Hall, Teatro Regio di Torino, Houston Symphony, Auditorium Parco della Musica di Roma, nei quali si è esibito sia come solista sia come direttore o in formazioni da camera.

Ha tenuto corsi in Giappone e a Parigi, partecipando alla vita musicale della scena contemporanea di quegli anni con Gérard Caussé, Pierre Yves Artaud, Laura Chislett.

Ha diretto, tra le altre orchestre: London Symphony, London Strings, Orchestra del Teatro Regio di Torino, Filarmonica ‘900 e Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia, Orchestra del Teatro San Carlo di Napoli, Orchestra Sinfonica Siciliana, Orchestra da Camera di Mantova, Orchestra del Teatro Comunale di Bologna.

Dal 1º ottobre 2017 al 14 giugno 2018 è stato direttore stabile residente del Teatro Lirico Giuseppe Verdi di Trieste.

Compositore e interprete La sua musica è stata commissionata o utilizzata da importanti istituzioni operistiche: Wiener Staatsoper, Royal Opera House, New York City Ballet, Théâtre du Châtelet, San Francisco Ballet, Teatro Bolshoij di Mosca; da coreografi come Christopher Wheeldon, Edwaard Lliang o Rafael Bonchela; nel teatro da registi come James Thierrée.

Bosso ha scritto anche musica da film, lavorando con Gabriele Salvatores per cui compose la colonna sonora di “Io non ho paura”, “Quo vadis, baby?” e del più recente “Il ragazzo invisibile”.

MAESTRO EZIO BOSSO

vedi anche https://youtu.be/FbKh0R2vsko

Visse dividendosi tra Londra, dove ha ricoperto il ruolo di direttore stabile e artistico del The London Strings, e Bologna, ove è stato direttore principale ospite del teatro comunale; non mancava di tornare a Torino, dove collaborava a progetti sociali e divulgativi.

Nel 2013 avviò un’intensa collaborazione con il violoncellista Mario Brunello, risultante in un duo pianoforte-violoncello e in una profonda amicizia.

Nel 2014, con la sua Fantasia per violino e orchestra, avviò la sua collaborazione alla testa della London Symphony Orchestra, con Sergej Krylov al violino solista, musicista con il quale nasce un intenso sodalizio.

L’anno dopo The Arts News Paper e Penelope Curtis (allora direttrice di Tate Britain) definirono il suo concerto alla Ikon Gallery, all’interno dell’opera 3 Drawing Rooms del suo amico David Tremlett, l’evento artistico dell’anno del Regno Unito. Sempre nel 2015, l’Università Alma Mater di Bologna gli commissionò una composizione dedicata alla Magna Charta delle Università Europee, composizione che contiene il primo inno ufficiale di questa

S’ARTI NOSTRA

istituzione.

“The 12th Room”, il suo primo disco da solista, è uscito il 30 ottobre 2015 per EGEA Music. Si esibì con Following a bird, un brano estratto dall’album, durante la seconda serata di Sanremo 2016.

Riconoscenze Nel 2003 ha vinto il Premio Flaiano d’oro .

Nel 2004 ha ricevuto la nomination al David di Donatello per le musiche di Io non ho paura.

Nel 2005 ha vinto il Premio Flaiano d’oro .

Nel 2006 è stato insignito del Critic and audience choice for best music al Syracuse festival di New York.

Nel 2010 ha ricevuto il The Green Room Awards, primo non australiano a vincerlo con la sua prima sinfonia, Oceans.

Nel 2014 gli è stata conferita la cittadinanza onoraria presso il comune di Gualtieri (RE) per la sua vicinanza al loro teatro e il suo supporto durante il terremoto.

Nell’ottobre 2015 il sindaco di Bologna lo ha insignito del Nettuno d’oro.

Nel 2015 ha ricevuto la nomination al David di Donatello per le musiche di Il ragazzo invisibile.

Il 17 maggio 2016 ha ricevu-

to al Teatro Cilea di Reggio Calabria il Riccio d’Argento della trentesima edizione della rassegna Fatti di Musica di Ruggero Pegna per il Miglior Live dell’anno.

Il 7 agosto 2016 gli è stata conferita la cittadinanza onoraria del comune di Acireale, per il prestigio conferito come eccellente rappresentante nell’arte musicale in Italia e all’estero attraverso gli studi, l’insegnamento e lo straordinario e prezioso contributo profuso nell’immensa mole di opere scritte.

Il 20 giugno 2019 ha ricevuto la cittadinanza onoraria di Roma.

Nel 2019 ha ricevuto il Premio Gratitudine 2019.

Nel 2019 ha ricevuto il Cremona Musica Award nella categoria “comunicazione”.

Nel 2020 ha ricevuto la cittadinanza onoraria di Busseto.

Paolo Romano, Ezio Bosso: «La mia musica di rigore, sacrificio e disciplina nel tempo triste in cui viviamo», in L’Espresso, 24 ottobre 2019.

Bosso, Ezio nell’Enciclopedia Treccani, su www.treccani.it Angela Calvini, L’intervista.

BOSSO, lezioni di musica e di vita, Avvenire http://www.eziobosso.com/it/

S

traordinàrio agg. [dal lat. extraordinarius, comp. di extra «fuori» e ordo -dĭnis «ordine» (cfr. ordinarius «ordinario»)]. – 1. a. Non ordinario, che esce dall’ordinario, dal solito, dal normale o dal comune.

E

Foto josephinesassu

JOSEPHINE SASSU S

iamo a lavoro per Voi, a breve vi racconteremo la storia di questa avventura di tutti: un Museo e un Archivio come luogo di incontro, oltreché di conoscenza. n luogo che dovrebbe permettere di scommettere sulla possibilità di uscire dal proprio destino.

La situazione mondiale che dalla fine di febbraio ci sta costringendo a cambiare le nostre abitudini in modo netto e repentino, ha contribuito e permesso di fare grandi riflessioni su numerosi aspetti.

Noi abbiamo pensato di aggiungere quesiti, di stravolgerli e di pensare a come immaginare il futuro.

Ovviamente parlando di pubblici e di Musei.

Così, abbiamo deciso che non è giusto farlo da soli e abbiamo pensato di creare un dibattito con dei professionisti che provengono da differenti realtà e discipline.

Per questo giovedì 14 maggio scorso, a partire dalle 18:30, é stata organizzata una diretta sulla fan page del MuA Sinnai per parlare, condividere, riflettere e scambiare opinioni partendo da questi quesiti, non sarà naturalmente l’ultima diretta vi aspettiamo quindi sulla pagina facebook.

Domenica 10 maggio si è tenuta la premiazione on line del I° concorso letterario dell’Archivio storico di Sinnai Scrittori d’Archivio – Io scrivo a casa: Premiazione in diretta.

Per noi del MuA è stato emozionante poter fare la prima uscita ufficiale e “pubblica”, anche se solamente on line.

Ringraziamo di cuore la giuria, formata da Giacomo Casti, Roberto Deiana e Alessandro Molteni (responsabile dell’archivio e ideatore dell’evento), che ha scelto i 4 contributi tra una rosa di oltre 20 scritti.

Ringraziamo l’archivista Nicola Medda per aver presentato con precisione e passione l’archivio di Sinnai, fonte preziosa di memoria per tutti e Aurora Atzeni per aver gestito la regia dell’evento.

Un grazie, sentito, a Marta Sarigu, assessore alla Cultura e all’Istruzione nel Comune di Sinnai che è intervenuta durante la diretta e che sostiene queste iniziative perché, come noi, è convinta che la Cultura sia una fonte di ossigeno per tutti.

Un grazie infinito a tutti i partecipanti, vi siete messi in gioco e vi siete cimentati nella scrittura partendo da un documento storico, compito arduo

e non semplice, dando vita a contributi di una qualità narrativa eccellente.

Facciamo, infine, i nostri complimenti ai vincitori delle due categorie: Alessia D’Oronzo (1°premio) e Cristian Negri (2° premio) per la categoria studenti delle scuole secondarie di 2° grado; Melissa Puleio (1° premio) e Irene Speziale (2° premio) per la categoria studenti universitari e adulti.

Andiamo avanti, abbiamo due polmoni della cultura da riaprire ora e non aspettano altro che voi.

Grazie da tutto il Team del MuA Isabella Atzeni (direttrice e curatrice) Valerio Deidda (co-curatore e responsabile della gestione) Se vi siete persi la diretta la trovate sul nostro canale youtube (vedi a lato) Se volete restare aggiornati su tutte le nostre iniziative e le novità, potete iscrivervi alla newsletter qui (vedi a lato).

Quale sarà il Museo del dopo quarantena?

Il museo sente il bisogno di cambiare?

E noi che viviamo nel museo sentiamo il bisogno di cambiare?

E quale sarà il pubblico che li visiterà?

S’ARTI NOSTRA

Cosa si aspetterà il pubblico dal Museo?

Sarà necessario riformulare tutta l’offerta didattica e delle attività culturali?

Ha ancora senso il Museo come lo abbiamo pensato fino a ieri? avventure, viaggi, conoscenza e divertimento!

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milia Palomba era così: una donna letteralmente straordinaria.

In qualunque contesto, in qualunque momen-

to.

Non era solo un’artigiana, non era solo una designer e non era neanche solo un’artista, nel senso stretto del termine: era un ibrido, difficile da definire e impossibile da etichettare.

Nata a Cagliari nel 1929, aveva trascorso l’infanzia a Oliena, un paese in provincia di Nuoro che ne avrebbe profondamente influenzato le opere e la poetica artistica.

Le donne con cui aveva condiviso la quotidianità sarebbero rimaste impresse nei suoi ricordi al punto da diventare il soggetto prediletto dei suoi lavori in ceramica fino ai primi Anni Settanta (per passare alla iuta negli ultimi anni): donne eleganti ed essenziali, slanciate e sottili mentre incedono per i vicoli del paese; donne maestose e monumentali se accovacciate a terra, coperte dai caratteristici scialli locali.

Aveva studiato a Roma, al Liceo Artistico, e dopo il diploma aveva aperto un piccolo studio nella celebre via Margutta.

Tornata in Sardegna, iniziò a lavorare su incarico di Ubaldo Badas al fregio esterno del Padiglione dell’Artigianato di Sassari, condividendo il cantiere con Giuseppe Silecchia e Gavino Tilocca.

Proprio in questa occasione le capitò di riscontrare le prime difficoltà con la cottura delle grandi mattonelle ceramiche, quelle che spesso, come ricordava lei stessa, si rompevano in corso d’opera, rendendo il lavoro estremamente impegnativo e in alcuni casi frustrante.

Donna determinata, coraggiosa, indipendente e moderna, nel 1956 aprì il suo laboratorio a Cagliari, ospitando in molte occasioni Maria Lai: le opere in ceramica smaltata che l’artista di Ulassai realizzò in questi anni furono profondamente influenzate dalla produzione di Palomba, come se il tema del femminile, dal foglio, prendesse forma e diventasse tridimensionale (segue alla pagina 8)

7

(segue dalla pagina 8) riprendendo proprio i colori e le forme delle donne di Oliena così care all’artista cagliaritana.

In qualità di designer E.P. (come si firmava) partecipò anche a I.S.O.L.A. (Istituto Sardo per l’Organizzazione del Lavoro Artigiano), il maestoso progetto di Eugenio Tavolara e Ubaldo Badas per il rilancio delle produzioni isolane, creando serie di manufatti originali, lontani dalla produzione in serie, dal sapore attuale, con motivi decorativi tradizionali rivisitati in chiave moderna.

Immagini nuove per la Sardegna nel loro essere più vicine all’arte contemporanea e alla scultura che alle arti applicate: una varietà di figure femminili in costume tradizionale, piatti, basi per lampade, specchi, candelabri, ciotole, complementi d’arredo e oggetti d’uso quotidiano.

Fu proprio grazie all’esperienza di I.S.O.L.A. che i suoi lavori, così vivaci e particolari, suscitarono l’interesse dell’Aga Khan e di Stavros Niarchos.

Ma l’eccellenza di Palomba come ceramista si rivelò anche nei manufatti di piccole o grandi dimensioni cotti al terzo fuoco in oro e platino, materiali che utilizzava anche per la creazione di collane, spille e bracciali unici nel loro genere.

Nel 2000, per la mostra Cento Anni di Ceramica, fortemente voluta da I.S.O.L.A. e Ilisso e curata dall’architetto Antonello Cuccu, al Padiglione dei Giardini di Sassari, il tempio dell’artigianato sardo, E.P. ha un’intera vetrina dedicata alle sue opere, a sottolineare, in un’occasione così fondamentale per la storicizzazione dell’arte e dell’artigianato, l’importanza del suo lavoro, anche per le generazioni a venire.

Il grande pubblico, oggi, ne conosce la figura per il rilievo mediatico avuto dalla visita di Grace Kelly nel suo laboratorio, quando un intero quartiere di Cagliari venne fatto chiudere al traffico perché la Principessa di Monaco potesse scegliere le ceramiche per la sua collezione personale e per quelle delle sue amiche (oltre che per modellare insieme un servizio di piatti).

Ma non si contano (eppure sono centinaia) le collezioni in cui sono attualmente presenti le sue opere: dalla Sardegna fino ad arrivare alla Casa Bianca, acquisite da Nixon durante la presidenza degli Stati Uniti, come lei stessa raccontava.

Chiara Manca

EMILIA PALOMBA I

vedi anche https://www.youtube.com/ embed/YKCuc8dEQRQ?rel=0

l mondo dell’arte e dell’artigianato sardo perdono una delle personalità più importanti degli ultimi sessant’anni: un’artista instancabile, che, nonostante l’età, non ha mai abbandonato l’argilla e ha continuato a “sporcarsi le mani” immergendosi fino ai gomiti nei grandi catini che riempivano lo studio che aveva organizzato in casa.

Ricordare e omaggiare il lavoro di questa donna elegantissima, generosa, legata profondamente al passato ma rivolta al contemporaneo in ogni momento creativo è un dovere dei sardi, perché l’eccellenza internazionale che l’arte e le opere di Emilia Palomba hanno regalato alla nostra Isola deve essere ricompensata.

Abbiamo, tutti, istituzioni comprese, una responsabilità morale nei suoi confronti, la stessa che rende così importante continuare a parlare della sua creatività e della sua poetica, ricordandola con mostre e pubblicazioni oltre che con pensieri e tributi, ormai, come troppo spesso accade, tristemente postumi.

Chiara Manca

S’ARTI NOSTRA

U

na bottega d‘arte che vale la pena di visitare.

Fermatevi almeno un‘ora e inebriatevi di tutti i colori che trovate nelle quattro stagioni in Sardegna, dal Sulcis alla Gallura, dall‘Ogliastra alla Barbagia.

Trovate echi di fondali marini, l‘ocra e il rosso delle pietre di porfido, le tante tonalità del verde della macchia mediterranea, il rosso cardinalizio dei corbezzoli, quello scintillante delle bacche di salsapariglia, l‘arancio, il nero lucidissimo.

E i mille blu-viola del rosmarino.

Il giallo dei girasoli e dell‘elicriso.

Dalla creatività delle mani di Emilia Palomba escono pezzi di un‘arte preistorica e moderna allo stesso tempo, realizzati da segmenti in terracotta dorata, unita a perspex, opaline, corallo antico con forme che possono presentare piccole sculture.

Scavando nella tradizione millenaria della Sardegna (tanti ceramisti si sono imposti nella scena mondiale) vi propone anche bracciali alla moda, alti, “alla schiava” ma anche fogge di serpenti in oro e argento tanto amati in Sardegna perché mai sono velenosi.

E vi presenta un irsuto cinghiale considerato il re della foresta sarda, ispiratore di belle pagine della letteratura moderna.

E ancora le tante fogge dei vasi e dei piatti policromi.

Che affondano in una cultura ricca di quattro millenni. Perché – scrisse un grande giornalista sardo, Vittorino Fiori, Emilia Palomba vi dà “terra e oro, affioramenti preziosi, fantasie tra geologia e archeologia.

Dà della Sardegna un‘immagine che si ritrova solo nei sogni”.

Sogni che con Emilia Palomba sono realtà.

Le sue realizzazioni, ispirate all’antiche tradizionali arti tessili sarde, dalla fine degli anni Settanta approdano ad una più matura produzione di complementi d’arredo che presenta a varie mostre di artigianato come la Biennale di Sassari, la Fiera Internazionale della Sardegna di Cagliari, il Florence Gift Mart di Firenze, il MACEF di Milano, il MESSE di Francoforte e il Maison & Object di Parigi.

A partire dagli anni Novanta affida il laboratorio alla nipote Giovanna Mura.

Giacomo Mameli

ENTRO IL 15 GIUGNO

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CANU dal 1951 Libreria indipendente Narrativa, Saggistica, Concorsi, Testi tecnici e giuridici, Universitari e Scolastici Fiduciaria Simone Libri Succursale Touring Club Italiano

15 artisti per Antonio Gramsci

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ggi come non mai, in un mondo che necessita di un profondo ripensamento, l’impegno di artisti, performer, registi, attori, musicisti, autori è importante si stringa intorno a proposte progettuali capaci di vedere l’oltre con sensibilità, l’acume e spirito profetico.

A partire dal testo “Odio gli indifferenti” la compagnia Il Crogiuolo organizza, all’interno del progetto GramsciLab5.0 (http://gramscilab-ales.com), una residenza artistica per il mese di ottobre in Sardegna a Villa Verde (Or) o, nel caso di restrizioni, online.

Le candidature sono attese entro il 15 giugno mail ilcrogiuolo@gmail.com Per Informazioni http://villaverde.gramscilab-ales.com/ Modulo di partecipazione h t t p s : / / w w w. f a cebook.com/events/209244617036664/ #artisti; #teatro; #residenzeartistiche #performances #performingarts S’ARTI NOSTRA

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Photo TGNEWS

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lbina Coroneo e Giuseppina Coroneo sono state due sorelle sarde, creatrici di piccole illustrazioni e collage in panno.

Artiste schive e poco inclini alla ribalta, nonostante alcuni riconoscimenti nazionali, preferirono restare in generale nell’ombra della loro terra d’origine.

Solo in anni recenti se ne è ricoperto l’operato, fatto di un delicato lirismo capace di esaltare in chiave moderna la tradizione folcroristica sarda.

Giuseppina si diplomò all’Istituto Tecnico e Albina alle Scuole Magistrali di Cagliari, ma nonostante queste scuole si può dire che le due non ricevettero mai una vera e propria formazione artistica, a parte quell’esperienza diretta nel negozio del padre, che riparava anche bambole.

La loro cultura figurativa si formò attraverso le riviste illustrate per signora e per bambini, alle quali spedirono spesso, come lettrici, contributi che vennero pubblicati e che diedero loro modo di iniziare ad essere conosciute.

Una vera e propria notorietà si ebbe però solo quando esposero, nel corso degli anni Quaranta, i loro lavori alla Triennale di Milano, ricevendo apprezzamenti, tra gli altri, da Gio Ponti.

In quegli anni era vivo l’interesse verso l’arte popolare d’avanguardia, che in Sardegna poteva vantare nomi come Eugenio Tavolara, Tarquinio Sini, Giuseppe Biasi, Melkiorre Melis e, tra le donne, Olimpia Melis e le sorelle Edina, Iride e Lavinia Altara.

Nonostante ciò, per una certa ritrosia delle stesse Coroneo, la loro produzione restò un fenomeno circoscritto, che aveva luogo per lo più nel retrobottega del loro negozio di antiquariato a Cagliari.

Solo in anni recenti sono state oggetto di una riscoperta e rivalutazione, culminata con una serie di pubblicazioni e mostre degli anni Duemila.

Sono state tra gli artisti scelti da Vittorio Sgarbi per rappresentare la Sardegna nella mostra “Il tesoro d’Italia” a Expo Milano 2015.

La vicenda umana e artistica delle sorelle Coroneo ci appare unica e intrigante, rimasta finora pressoché esclusa dal quadro delle vicende artistiche del Novecento.

Dotate di un talento naturale, raggiunsero senza cercarla

SORELLE CORONEO

S’ARTI NOSTRA

una notorietà alla quale non mancarono neppure riconoscimenti e segnalazioni a livello nazionale ma, a causa della loro estrema riservatezza, si mantennero fermamente lontane dal frastuono della popolarità.

Poco interessate ad apparire tantomeno ambivano al riconoscimento in ambito artistico.

Ritrosia, unita al completo disinteresse per l’attività a fini di lucro, le loro opere risultano ancora quasi sconosciute e non godono dell’attenzione e considerazione che invece meritano.

Capaci di incantare il pubblico delle mostre e suscitare il vivace interesse persino di artisti affermati, Giuseppina e Albina Coroneo nascono a Cagliari sul finire dell’Ottocento. Prima e secondogenita dei sei figli di una famiglia benestante, hanno abitato dapprima in Castello e poi nel popolare quartiere della Marina, nei pressi del vecchio mercato, oggi distrutto.

Diplomate alla scuola superiore, fatto raro per l’epoca, pur non avendo compiuto studi artistici specifici, fin da giovanissime si divertono a disegnare figurini di moda, ricami, arazzi, pupazzi e og-

getti per la casa.

Vissero e lavorarono per tutta la vita insieme.

Condivisero, da signorine, la casa e il lavoro dando vita a un universo di complicità in cui si è sviluppata tutta la loro originale fantasia.

Un’espressione artistica apparentemente semplice, maturata tra le modeste attività femminili svolte nella quotidianità domestica: carte colorate, ritagli di panno, scampoli di stoffa, ago e filo, che tra le loro abili mani diventavano materia per invenzioni fatte di figure e racconti.

Due donne che si dichiaravano semplici, certamente molto sensibili, che incuranti dei giudizi lusinghieri espressi su di loro da ammiratori d’eccezione quali Giuseppe Biasi, Eugenio Tavolara, Ubaldo Badas, Nicola Valle, Gio Ponti, Ugo Ojetti, si considerarono sempre soltanto «modeste artefici d’ago e di carte colorate», delle artiste-artigiane.

Eppure sono state creatrici straordinarie.

Capaci di declinare la loro immaginazione verso ambiti diversi, mostrando di saper alternare registri stilistici ed espressivi distanti.

Foto Marco Peri

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e pavoncelle che si baciano delle Coroneo il nuovo logo del Sardegna Pride.

La scelta del logo, oltre a rimandare ad un immaginario visivo tradizionalmente sardo, vuole anche essere un omaggio a due artiste dei primi del ‘900, poco conosciute, a causa della loro estrema riservatezza, ma molto apprezzate in Sardegna come nel resto d’Italia, Giuseppina e Albina Coroneo.

Per Marco Peri, storico dell’arte e curatore della mostra a loro dedicata, “L’immagine utilizzata, in cui le pavoncelle si fondono in un bacio inaspettato, è una sintesi perfetta dell’opera di Giuseppina e Albina Coroneo, due sorelle artiste-artigiane, straordinarie e indivisibili che nel design di gusto Déco in Sardegna hanno dato un’interpretazione unica e del tutto nuova.

Le loro creazioni hanno saputo rinnovare con stile inconfondibile una tradizione spesso ancorata inesorabilmente a modelli immutabili per renderla più libera e cosmopolita”.

“Le oramai note gallinelle sarde sono in realtà pavoni” dice Antonello Cuccu, del-

la Fondazione Illisso che ha curato il catalogo “Coroneo.

L’opera di due sorelle artiste artigiane” del 2009 “un simbolo sacro di reincarnazione e di vita eterna (Araba Fenice), immagine stessa di regalità (corona/cresta, coda/strascico).

La coppia di pavoni affrontati” continua Cuccu “testimonia del riflesso, della specularità: caratteristiche intrinseche alla donna”.

Mentre il cuore, nella forma con la coda che richiama gli ex-voto “rappresenta, con diverse variazioni, il “cuore con la fiamma”, ovvero il cuore da cui prendono origine foglie, frutti, spesso una croce (copula mundi), un involucro, un seme capace di gemmare dal di dentro nuova vita”.

Dopo anni di ricerche, ecco il primo studio monografico sull’opera ad oggi poco conosciuta di Giuseppina e Albina Coroneo: straordinarie quanto appartate sorelle che del design e dell’espressione artistica consegnarono una variante di sorprendente eleganza formale e insospettata modernità.

Fortemente apprezzate dal critico e storico dell’arte Vittorio Sgarbi - che firma il testo introduttivo - furono le protago-

niste dello scenario artistico del XX secolo; amatissime da Gio Ponti, che ne ha pubblicato i lavori sulle prestigiose riviste Domus e Stile; portate a esempio da Eugenio Tavolara; presenti nelle grandi esposizioni nazionali, la loro ricerca, così come il volume a esse dedicato, è divisa in due parti.

Sintesi, grazia, poeticità di dettagli e forme negli esordi, anni Venti e Trenta, a proseguire il fluido sintetismo Dèco; silenzio, stacco, crollo creativo nella violenta interruzione imposta dalla seconda guerra mondiale, dopo la quale non possono più esistere certezze se non solitudine e senso di tragedia per la fragile condizione umana. “Bellezza” prima e “morte della bellezza” dopo: amara e drastica riflessione che farà dire a Sgarbi: «Non si scherza, con i “pupazzi” delle sorelle Coroneo».

S’ARTI NOSTRA

Coroneo. L’opera di due sorelle artiste artigiane Marco Peri, presentazione di Vittorio Sgarbi.

2009, ILISSO edizioni Expo 2015 - A Milano in esposizione le opere delle sorelle Coroneo nella mostra “il tesoro d’Italia” a cura di Vittorio Sgarbi

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Foto Betty Argenziano

o scorso dicembre 2019 Amnesty International ha reso noto che l’artista russa di 26 anni Yulia Tsvetkova, femminista e attivista per i diritti umani (non è superfluo ricordare che essere omossessuale è un diritto umano), è agli arresti domiciliari dal 23 novembre, poiché accusata di “propaganda gay” e “produzione e diffusione di materiale pornografico”: Tsvetkova ha realizzato delle opere che rappresentano i genitali femminili esterni e le ha pubblicate sui social.

Questo atto in Russia è considerato criminale.

L’Italia ha relazioni con questo Governo di oppressori (diplomatiche, economiche, politiche), ma non diciamo una parola di disapprovazione a Putin se il suo stato viola i diritti umani, se una ragazza porta il braccialetto come una criminale solo perché ha realizzato delle vulve artistiche, e rischia per questo fino a 6 anni di galera.

Ora vi racconto cos’è a mio parere davvero criminale.

Se avete letto il mio libro “Alle donne piace soffrire?” o anche solo il primo capitolo “Come ci siamo fottuti il Paradiso Terrestre”, oppure conoscete la preistoria e in particolare gli ubiquitari culti della Dea, sapete senz’altro che migliaia di anni fa, prima della deriva patriarcale, gli organi genitali femminili erano considerati sacri: di più, erano considerati la soglia tra i mondi.

Il sesso stesso era un sacramento, e il corpo della donna, contiguo a quello della Dea, era talvolta rappresentato anche nel dettaglio della vulva, e che la vagina era considerata la porta celeste.

Le statuine rinvenute ovunque lo testimoniano: non sono Veneri, non sono oggetti pornografici, sono idoli e rappresentano il culto della Dea Madre del Cielo e della Terra. Non sempre la vulva è rappresenta ovviamente.

Con l’avvento del patriarcato però è cambiato tutto: senza entrare nel dettaglio di come è avvenuta la sostituzione e l’assorbimento degli antichi culti da parte dei monoteismi (dettaglio per il quale vi rimando a un ottimo testo di Luciana Percovich “Oscure Madri Splendenti” e sua bibliografia), mi preme evidenziare come l’arte sacra cristiana abbia contribuito a innestare nell’immaginario collettivo (e dunque nelle

PERCHE IL PENE SI nostre menti) l’associazione perfezione-divino-pene, e vergogna-impurità-imperfezione-vulva.

La vulva è nella nostra cultura qualcosa di talmente osceno da non poter essere assolutamente rappresentato.

Negli ultimi tempi non riesco più a guardare nulla con gli occhi di prima: quando sei femminista è come se ti fossi tolta degli occhiali deformanti che mostrano una realtà distorta e che per questo producono pensieri e azioni distorte.

Per esempio a dicembre ero a Firenze per musei, che meraviglia!

E poi a gennaio ero a Verona, anche lì quante meravigliose opere.

E poi solo qualche giorno fa ero per musei a Piacenza.

Ovunque Madonne con Gesù, a perdita d’occhio.

Prima di laurearmi in Architettura ho conseguito il Diploma di Liceo Artistico: all’epoca vedevo con gli occhiali distorti del patriarcato, e non facevo neppure caso che non vi fosse nessuna pittrice, nessuna scultrice, nessuna architetta nei libri di Giulio Carlo Argan.

Forse solo Artemisia Gentileschi.

Nessuno mi ha mai detto che alle donne non era consentito

S’ARTI NOSTRA

nulla di quanto era nelle facoltà di un uomo.

Nello stesso modo non facevo caso che l’arte sacra rappresentasse così frequentemente Gesù bambino nudo e il suo piccolo pene corredato di testicoli.

Certo ci sono anche stati i periodi storici nei quali era sempre rappresentato vestito, oppure quelli in cui per “decenza” i vestiti venivano aggiunti ai dipinti che ne difettavano.

Si sa, Cristianesimo e sessuofobia sono sempre andati a braccetto.

Da giovane non facevo caso che nessuna santa e nessuna Madonna fossero mai rappresentate nude, ma sempre “convenientemente” coperte.

Era normale, anzi normalizzato.

Ma negli ultimi tempi mi è apparso chiaro sfilando davanti a queste infinite Madonne con bambino che l’arte sacra, quella che ho sempre amato per il talento espressivo degli artisti, altro non è che lo strumento di persuasione occulta di una cultura patriarcale.

Certi messaggi subliminali non hanno nulla a che fare con la spiritualità della religione, ma sono strettamente connessi alla sua strutturale inclinazio-

ne manipolatoria.

L’immagine ha questo super potere.

Più di qualunque parola scritta o suono, l’immagine arriva nel profondo e convoglia messaggi subliminali.

Il messaggio è: Gesù ha un pene quindi Dio ha un pene.

L’uomo è perfetto perché Dio è perfetto, entrambi hanno un pene.

Dio non ha una vulva, anzi può creare la vita senza avere neanche l’utero.

La donna non ha nulla di divino, solo essere madre e casta la eleva, ma leggermente, il minimo sindacale per non essere considerata una degenerata.

Mentre per millenni la donna e la vagina sono state il simbolo stesso della sacralità.

Invece il Cristianesimo decide che la donna è impura, la vulva è impura.

La donna è sempre vestita perché la vulva è pornografica.

Il pene no.

Per vedere una vulva rappresentata bisogna aspettare Courbet con “L’origine del Mondo”.

Mentre i peni hanno impazzato soprattutto dalla scultura antica in poi.

Certo, ci sono anche le antiche Sheela-Na-Gig, ma sono utilizzate sulle chiese come

I E LA VULVA NO ? qualcosa di mostruoso per tenere lontano gli spiriti maligni, mostri tutti vulva, mostri come le gargolle.

La vulva è mostruosa.

E così abbiamo secoli, millenni di Madonne vestite, con Gesù bambino nudo in braccio.

Spogliare Gesù/Dio/Spirito Santo è intenzionale e serve a farci vedere il suo piccolo pene, ad attribuire un sesso al divino, e a strappare via dal corpo delle donne la contiguità con il sacro.

Un prete è passato per benedire la mia casa per Pasqua, non mi ha trovata e ha lasciato un cartoncino con la rappresentazione di Sant’Anna con sua figlia piccola in braccio, Maria, la Madonna.

Indovinate un po’? È vestita Maria.

Eppure è bambina, perché non rappresentare la sua piccola vulva come si è sempre fatto con il pene di Gesù?

Semplicemente perché noi donne dobbiamo sempre provare vergogna per la nostra vulva, la nostra vagina, la nostra clitoride, le nostre mestruazioni, le nostre voglie.

Non siamo a immagine di Dio. Solo così abbiamo potuto accettare millenni di dominazione, oppressione, subalternità e sfruttamento.

Solo addomesticando la nostra sessualità avremmo perso fiducia in noi stesse e avremmo pensato di essere imperfette.

Solo creando una classe inferiore e addestrandola ad essere complice della propria subordinazione l’uomo ha potuto prendere possesso di tutto, dominare tutto e, a quanto pare, creare molto distruggendo tutto.

Come pensate che si sentano le donne quando il loro corpo non è mai associato al divino in nessuna cultura e quello dell’uomo sì?

Inferiori, così si sentono.

E infatti la manipolazione è servita proprio a creare una classe inferiore di umani, da sfruttare per la procreazione e il lavoro di cura gratuito.

Le donne ancora adesso si sentono inferiori, al punto di torturare ogni centimetro quadrato del proprio corpo cercando di trasformarlo in qualcosa di diverso, trascurando di vederne l’intrinseca sacralità e il potenziale di piacere sessuale che naturalmente contiene.

Per questo motivo non si può neanche dire la parola vulva né tanto meno rappresentarla in un quadro sacro, o in una scultura simbolica di una conchiglia che contiene una perla blu.

Infine una riflessione che ho

fatto poco fa in un post su Facebook: questa figura femminile, una Dea dell’antico Egitto del 3500-3400 a.C., si dice che abbia un volto da uccello, ma che in realtà sia un naso, collegandolo con la respirazione e la vita.

Ma a me pare che la testa sia identica al mio modellino 3D di clitoride (grazie a Odile Fillod), e le braccia siano le radici della clitoride, spostate in alto.

I seni sono i bulbi, benché in scala ridotta.

Sarebbe plausibile, vista la dimestichezza degli antichi egizi nel maneggiare gli organi interni per la mumificazione: aprivano il corpo e lo svuotano di tutti gli organi interni escluso il cuore, ipotizzo quindi che avessero visto per primi l’organo del piacere chiamato clitoride.

Una seconda coincidenza è poi che le mutilazioni genitali femminili nascono proprio in Egitto all’epoca dei Faraoni: la mia ipotesi è quindi che fosse intenzionale strappare dal corpo delle donne la sacralità, così come farà più avanti il cristianesimo con le inibizioni culturali.

Si chiama competizione per il dominio sugli altri.

Betty Argenziano

S’ARTI NOSTRA

O

ggi ho incontrato Betty Argenziano e abbiamo parlato del suo romanzo “Alle donne piace soffrire?”(Seconda edizione: WordPress 2019) La mia citazione preferita si trova a pagina 14: […] La scoperta della paternità si portò dietro anche l’insano desiderio che questa fosse certa, così di lì in poi la sessualità femminile sarà sempre più imbrigliata saldamente da religioni, dogmi, culture, censure, stigmi, depotenziata da cinture di castità e ogni genere di inibizione fisica e psicologica.

Il desiderio fu strappato via dal corpo delle donne.

Furono tutte obbligate alla dipendenza economica e giuridica da un uomo, in questo modo fu possibile imporre loro la divisione in due categorie base socialmente controllabili: le fedeli e caste “donne per bene” mogli e madri, e le “donnacce”, sessualmente “libere” ma marchiate dall’infamia.

Lo stigma sulle cattive servì a tenere a bada le buone: reputazione e vergogna furono le leve principali di un sistema di controllo di inesauribile efficacia.

La nostra più profonda essenza fu spaccata in due, e noi stesse slegate le une dalle altre, grazie alla contrapposizione for-

zata tra sacro e profano, che prima non esisteva.

Castità, sottomissione e obbedienza divennero virtù alle quali aspirare, e ridefinirono la posizione della donna nella società.

In questo modo l’equilibrio dell’Umanità si perse per sempre. Il maniacale controllo della vita e del corpo delle donne si concretizzò nella loro segregazione: fu impedito loro il contributo attivo all’evoluzione delle comunità, non poterono più per molti millenni lasciare un segno significativo del loro passaggio su questo Pianeta, né contrastare la deriva dell’avidità e del dominio sugli altri che si tradusse nelle infinite guerre, nelle schiavitù, nello sfruttamento di tutti gli esseri viventi e nella distruzione sistematica dell’ambiente. Tutti effetti collaterali della dopamina compulsiva di tragica attualità. […]

Decisamente e tragicamente attuale.

Tre aggettivi per descrivere questo libro: crudo (ma con ironia), rivelatore, necessario.

Grazie a Betty Argenziano p​ er averci svelato con ironia e autoironia le trappole che troppo spesso noi donne ancora ci auto-infliggiamo.

Il libro di Betty Argenziano si legge tutto d’un fiato e ci racconta con cruda consapevolezza tutte le pratiche di bellezza alle quali ci sottoponiamo nella perenne e vana ricerca della​ femminilità​.

Ma cos’è la femminilità se non la spasmodica ricerca di una perfezione che non esiste e che viene, di volta in volta, decisa e stabilita da qualcun altro (quasi sempre uomo)?

E allora questa ricerca e queste riflessioni dell’autrice ci devono giungere come un invito, ironico ma potente, a riprenderci il nostro corpo e ad accettarlo così com’è, perché la vera bellezza consiste nel nostro benessere e nella nostra consapevolezza di essere capaci di compiere grandi cose, a condizione di riuscire a liberarci, una volta per tutte, dello sguardo maschile e del ​diktat patriarcale che soffoca la nostra creatività, la nostra unicità e la nostra bellezza.

Grazie di cuore a Betty Argenziano per averci ricordato che siamo Dee e che dobbiamo riscoprire la Dea che è in noi.

Possiamo farcela e, insieme, possiamo davvero fare la differenza.

Paola Minussi Cernobbio (Como), Villa Bernasconi, 17 maggio 2019

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Foto Maria Dolores Mancosu

M

aria Dolores Mancosu, nota Dolores Mancosu è una fotografa italiana, nata in Sardegna dove vive tuttora.

Dipendente del Ministero della Pubblica Istruzione è inoltre laureata in Letteratura Italiana.

La fotografia è una sua passione fin da ragazzina.

A testimone l’estrema qualità delle sue immagini che si ispirano naturalmente al mondo ed alle tradizioni della sua isola natale ed al suo mondo.

Una delle sue raccolte di immagini, intitolata “Memorie dell’antica Sardegna” passa in rassegna un certo numero di elementi quali i costumi ancestrali, le tradizioni gastronomiche ma sopratutto mette in risalto una certa caratteristica fisica, specialmente nelle donne sarde, caratterizzate da una bellezza che si potrebbe qualificare di ancestrale e che gli scatti di Dolores Mancosu magnificano.

Le sue fotografie sono sempre realizzate con luce naturale e se si può riconoscere la parentela con la pittura classica rinascimentale e particolarmente le ricerche sulla luce del Caravaggio ed altri pittori più recenti, le sue composizioni sono assolutamente originali e non si possono assolutamente confondere con niente che si sia già visto.

Possiamo anche ritrovare in alcuni dei suoi scritti questa volontà di ricerca non solo della luce ma anche degli elementi naturali che costituiscono una delle peculiarità della sua terra natale, in grand parte ancora incontaminata ed essendo abitata da un numero assai ridotto di Sardi, spesso deserta e come rimasta ancora ai tempi degli albori dell’umanità.

Essa ci rivela : ““Talvolta, nel corso rapido che sembra travolgere e gettare nell’oblio le esperienze e le vite, in una società così tristemente “ liquida”, talvolta, il mio sguardo si posa su volti ed immagini sospese tra un tempo che tuttavia non muta e l’eterno divenire.

Scrittura di luce, la fotografia mi consente di rappresentare uomini e donne, ma anche oggetti ed animali, abitanti della Sardegna, la mia terra, dove campeggia , nell’amore dell’Identità condivisa, la forza fulgida della Durata.

Nel tessere il fine merletto dell’immagine cerco di rappresentare gli spazi interiori e i luoghi dell’esistere, così come la memoria e la stessa realtà me li rimanda.

Rimango colpita dai visi di donne e di uomini , belli per dignità, per intelligenza e bontà, per umiltà e Grazia; miti e attenti

DOLORES MANCOSU alla quotidiana dimensione della loro esistenza, al cibo, fillu benedittu de su soli, de su surori, de sa pasientia ( figlio benedetto del sole, del sudore, della pazienza); dall’idea di casa tipica di noi sardi “ sa domu est pitticca su coru est mannu”, la casa è sempre più piccola del cuore e casa è la Natura, mai straniera all’uomo, famiglia da preservare e custodire.

Il sole, unica lampada, illumina e consacra la sola dimensione che sento e rappresento come vera: quella di un’antica, contemporanea Umanità.”

Parafrasando l’autore di questa recensione potremmo affermare che le sue immagini, nelle quali i personaggi sono presentati alla luce naturale del sole, in una posa che ne glorifica l’autenticità, che sottolinea il loro essere se stessi al mondo, assumendo le tradizioni e gli aspetti della cultura della società dove sono nati e dove evolvono con naturalezza e fiducia, ed al tempo stesso confrontati ad un fondo senza prospettiva, scuro e presumibilmente inquietante, che non modifica la loro attitudine ma che viene accettato come una sfida naturale da assumere e da trasformare in un’opportunità.

Il passato è presente nei costumi, nei gesti e negli utensili, il presente personificato dalla

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calma e prorompente presenza fisica, spesso femminile ed arborante una bellezza classica e tranquilla, mentre il futuro ancora sconosciuto qui infinito ed oscuro, avvolge i personaggi, a volte contaminandoli con la sua ombra, a monito e richiamo di una realtà.

Nella fotografia qui sopra si potrebbe indovinare un esito per il capretto, che come tutti i maschietti della sua specie non può essere conservato nel gregge insieme ai suoi congeneri, che si affronterebbero fino alla morte, ma lo sguardo della fanciulla ci dice che non sarà sacrficato e potrà continuare a correre e saltare a suo agio, nutrito dall’affetto che evidentement inspira..

Appunto, le sue immagini sono ottimiste ed affermano una calma determinazione, all’inverso di tante opere contemporanee che credono che il sottolineare le disgrazie ed i mali, se non anche i difetti che ci affliggono, possano essere di stimolo ad una nostra reazione.

Ultimamente una clausura forzata sia in Italia che all’estero ci ha obbligati a riconsiderare le nostre prorità e forse ci siamo accorti di quelli che sono sempre stati i reali valori che arrichiscono la nostra vita e che non possono essere acquisiti a pagamento, senza parlare di cer-

te virtù di parsimonia che vanno all’incontro di un certo spreco consumeristico incitato da una società che corre cecamente verso la sua estinzione.

Le immagini di Dolores Mancosu ci parlano al contrario di una possibile felicità, di un essere sereno ed armonioso, di un rapporto con la Natura, non da illuso dominatore ma di fratello e sorella degli essseri viventi che fanno parte insieme a noi di un universo vivente complesso eppure articolato.

Bisogna osservare a lungo le fotografie di Dolores Mancosu perché, come nelle opere dei più grandi artisti classici, esse raccontano più di una storia ed a saperle interpretare e capire, ci procurano un sentimento di intelligente compiacimento e di intensa soddisfazione personale.

Bisogna centellinarle come un vecchio Porto ed assaporarne tutte le sfumature ed a volte, ritornandoci su anche dopo una analisi attenta e puntigliosa, scoprire un dettaglio che non ci era apparso a prima vista.

Grazie Dolores di proporci questo messaggio e questa maniera di essere al mondo ed affrontare la realtà quotidiana.

Vittorio E. Pisu vedi le sue fotografie qui http://www.spreafotografia.it/ profile-7501-dolly.html

Foto Antonella Cannas Habens

IELMO CARA

S

ono ancora romantico e lo voglio dimostrare con i colori dei miei paesaggi, quelli del mio Sulcis, quelli della natura che ad ogni stagione ci regala nuove immagini e incredibili sorprese”.

Una natura che Ielmo Cara, classe 1934, conosce talmente bene da essere stato capace di sottrarle il segreto più prezioso, quello che ha dato all’artista, decano dei pittori del Sulcis, l’incredibile capacità di rinnovarsi, anno dopo anno, di sperimentare mille strade e riuscire, allo stesso tempo, a conservare quell’animo “romantico” che è possibile ritrovare nella sue più recenti opere.

Sono quelle che hanno portato alla sua ultima mostra a Carbonia, che ha animato il novembre appena trascorso, centinaia di visitatori.

Cara, in queste opere, è ritornato ai temi che hanno fatto parte della sua vita sin da quando ha messo piede nel Sulcis. È nato nel 1934 a Gavorrano, figlio di emigrati sardi che avevano poi deciso di ritornare nell’Isola quando era lui poco più che bambino.

Erano gli anni in cui vedeva la luce la città del carbone ma

lui, nel paese dei suoi nonni, a Narcao, non conosceva ancora i colori e i “luoghi” della città.

Un medico gli aveva regalato un blocco di fogli bianchi e delle matite colorate e lui su quei fogli ha cominciato a raccontare il suo mondo.

Campi di spighe, alberi in fiore, i pastori al pascolo con le greggi, contadini impegnati nel lavoro dei campi, quello che rende le mani nodose e il viso bruciato dal sole in estate e dal freddo in inverno.

Sono questi i protagonisti di quei disegni che, anno dopo anno si fanno più elaborati e intanto il giovane artista, nella città del carbone, scopre nuovi spazi, nuove forme, nuove idee.

Dai monotipi alle esplosioni di colore, anno dopo anno la sua tecnica si affina, Ielmo incomincia a guardarsi attorno, osserva il lavoro dei grandi della pittura e ne trae ispirazione. È poco più che ragazzo quando, lavorando nella falegnameria del Comune di Carbonia, scorge un gigantesco quadro che viene utilizzato per fare da spessore a un vecchio armadio: «Era uno dei capolavori del Forlin, il pittore futurista amato dal regi-

me fascista - racconta - come tutte le opere del periodo del Duce era stato fatto sparire.

Mi stupii che non fosse stato distrutto.

Chiesi di poterlo salvare, dietro quell’armadio avrebbe avuto poca vita.

Quando qualche tempo dopo allestimmo la stanza del comandante dei vigili proposi di appenderlo dietro la scrivania e il comandante acconsentì a patto che lo rendessi presentabile.

Comprai delle uova e con il tuorlo realizzai una sorta di vernice per rimettere in sesto le parti rovinate.

Con delle patate lucidai la cornice che era stata fatta da un artigiano di Gonnesa e in poco tempo il quadro riacquistò il suo splendore”.

Ora è esposto nell’ufficio del sindaco.

“L’unico restauro risale ad allora (dice l’artista con una certa fierezza) feci un bel lavoro, ne sono davvero soddisfatto”.

La sua arte all’epoca era solo agli albori e i suoi paesaggi, abitati dai personaggi del Sulcis, hanno iniziato a diventare famosi.

Usava (e usa ancora) un taccuino sui cui prendeva “appunti” delle scene che conquistavano

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la sua attenzione e poi da quei pochi schizzi, nascevano incredibili esplosioni di colori.

Il mondo delle miniere, delle industrie del Sulcis, della povertà, delle lotte operaie e della disoccupazione li ha raccontati in parallelo alle tante storie delle campagne e dei pascoli del Sulcis.

Alla redazione di Carbonia de L’Unione Sarda un suo grande quadro racconta una manifestazione degli operai Carbosulcis e tra i colori e i volti (tra i quali anche il suo) compare un articolo del quotidiano. “È un quadro sempre attuale, dice, qui la gente non ha mai smesso di lottare”.

E il suo sguardo di artista ha continuato a raccontare la sua gente.

Celebre la sua mostra “I volti della memoria”, un susseguirsi di volti carichi di storie, di dolore, di angoscia di un popolo intero, realizzati con smalto e pennellaccio su tela, con la tecnica del monotipo a lui tanto cara sin dai suoi esordi da artista.

Un bianco e nero carico di sentimento e sofferenza, quella che lui ha conosciuto in prima persona e che è stato capace di trasmettere, portando il “suo” pubblico nel “suo” mondo.

Ma poi non si è fermato.

Alcuni anni fa, mettendo da parte volti e paesaggi, ha spiegato che non ci si deve mai fermare ma che si deve avere sempre voglia di cambiare e sperimentare nuove vie, utilizzando tecniche miste sperimentali con lo stile dell’espressionismo astratto.

Lo ha raccontato con efficacia nella sua mostra “Dopo il duemila - motivo ancestrale” che ha riscosso enorme successo senza però fermare la sua voglia di andare avanti.

Nella raccolta “Pittori di Carbonia” voluta alcuni anni fa da L’Unione Sarda non poteva mancare una delle sue opere e Ielmo l’ha scelta dalla sua produzione “classica”, la stessa alla quale è tornato con la sua mostra “Sono ancora romantico” che si è chiusa nel novembre scorso.

I colori caldi delle sue tele, vi fanno tornare magicamente indietro, la morbidezza delle sue figure vi ricorda un passato più difficile di oggi sotto il punto di vista economico, ma più semplice nelle relazioni e nella condivisione dei problemi.

Stefania Piredda https://www.unionesarda.it/ articolo/cultura/2019/12/01/ ielmo-cara-il-decano-dei-pittori-del-sulcis-8-959353.html

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NONTURISMO Foto ediciclo.it

ata con la finalità di promuovere una nuova idea di turismo dedicata ai luoghi cosiddetti marginali d’Italia, le periferie delle città lontane dagli itinerari del turismo consolidato, i paesi dimenticati in cerca di una nuova identità, la guida è redatta attraverso un processo partecipato che coinvolge i cittadini in una “redazione di comunità” guidata da artisti e creativi in residenza.

Da questo incontro nasce una narrazione corale e condivisa che prende forma in una guida composta da narrazioni letterarie, esercizi allo sguardo, illustrazioni visionarie e immagini del passato, ma anche futuri possibili.

Ogni volume della collana NONTURISMO ha un taglio unico: grazie al lavoro congiunto di abitanti e artisti, lo spirito più autentico di un territorio si traduce in un’opera inedita redatta ogni volta in modo diverso.

A condurre il lettore in questa esperienza anche numerosi contenuti multimediali disponibili nell’App “Loquis – il mondo ti parla fai parlare il mondo”.

Nel canale dedicato NONTURISMO, sono a disposizione numerosi audio di realtà aumentate che impreziosiscono il cammino del viaggiatore con un’esperienza ancora più unica.

SINEGLOSSA

Sineglossa applica i processi di ricerca e pensiero dell’arte contemporanea a contesti non artistici – imprese, centri di ricerca scientifica, Pubbliche Amministrazioni – con l’obiettivo di stimolare la nascita di nuovi modelli di sviluppo.

IL PRIMO VOLUME IN LIBRERIA DAL 28 MAGGIO: “SANT’ELIA (CAGLIARI). DEVIAZIONI INEDITE RACCONTATE DAGLI ABITANTI. Una collezione di volumi composti da redazioni di comunità guidate da creativi in residenza e pensata per promuovere una nuova idea di turismo consapevole: nasce la collana NONTURISMO.

I partner del progetto

RIVERRUN

Hub di innovazione culturale

Un hub di innovazione culturale che applica i processi creativi dell’arte a progetti sperimentali dal forte impatto sociale.

Realizza progetti che spaziano dall’educazione non formale allo sviluppo locale, dall’innovazione sociale alla rigenerazione urbana, dall’economia circolare alla democrazia partecipativa.

Utilizza strumenti come il teatro, la gamification, le nuove tecnologie, lo storytelling, il podcasting e l’arte relazionale; l’intento è quello di modificare le forme della società e renderle più inclusive ed eque aumentando consapevolezza, coinvolgimento diretto e responsabilità nei cittadini.

Riverrun ha sede a Cagliari, in Sardegna, e opera alla realizzazione della sua mission in collaborazione con reti di partenariato regionali, nazionali e internazionali.

COSA DIFFERENZIA UN TURISTA DA UN VIAGGIATORE?

https://www.ediciclo.it/ blog/dettaglio/nasce-una-nuova-collana-nonturismo/

ll viaggiatore domanda, osserva, segue le deviazioni che la sua sensibilità gli suggerisce durante il cammino: è per lui che sono pensate le guide NONTURISMO, la nuova collana di Ediciclo Editore, ideata e curata da Riverrun hub e Sineglossa.

Dedicato al quartiere cagliaritano di Sant’Elia, è un COOKBOOK che nasce dalle te-

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stimonianze e dalle narrazioni degli abitanti guidati dal cuoco-filosofo DON PASTA. La guida conduce – attraverso 12 ricette - in una esperienza immersiva fatta di racconti, simboli, tradizioni e natura, svelando l’identità storica di un luogo, le emergenze del presente e le visioni del futuro.

A impreziosire il percorso anche audio di realtà aumentata.

A Sant’Elia è dedicata la prima guida della collana Nonturismo ideata e curata da Riverrun hub e Sineglossa: ci sono le ricette custodite per generazioni da donne forti e grintose, le storie di mare, i bambini che giocano immaginando il futuro.

Aneddoti mai svelati e scorci naturalistici inediti.

Siamo a Sant’Elia, borgo popolare all’estremo sud di Cagliari circondato dall’azzurro cristallino e vittima di una reputazione di emblema del quartiere ai margini.

Nato negli anni cinquanta in quella che era al tempo una estrema periferia della città, già segnata dalla presenza del Lazzaretto edificato nel XVI simo secolo per accogliere gli appestati ed in seguito gli equipaggi ed i passegeri sospetti di epidemie varie e sot-

toposti a quarantena.

Il quartiere Sant’Elia è, sin dalla sua nascita, “il quartiere-margine”, lo spazio sensibile, a rischio, pericoloso e difficile della città.

Il suo isolamento geografico quasi conferma la “diversità” sociale della sua comunità storicamente composta da famiglie assegnatarie di alloggi di edilizia pubblica.

In maniera un po’ sempre discriminatoria la comunità di residenti è stata considerata spesso come formata in maniera compatta e omogenea da uno strato sociale “difficile” in grado di esprimere soprattutto bisogni primari e comportamenti reprimibili.

Più tardi, negli anni ottanta, alcuni dirigenti e responsabili politici si resero conto che il quartiere era stato realizzato in una delle zone più interessanti della città e cercarono di sloggiarne gli abitanti, senza successo perché si difesero egregiamente.

Oggi sono numerose le iniziative sbocciate nel quartiere e l’associazione Sant’Elia Viva ne é la più sintomatica e riuscita dimostrazione.

https://www.qcodemag.it/archivio/2015/07/20/santelia-viva/