Sardonia a Maggio 2020

Murales Sara Monne Foto Pina Ledda

SARDONIA Ventisettesimo Anno / Vingt Septième Annèe

Maggio 2020/Mai 2020 Tzia Ada Hoping / Stati di Famiglia AsTeraS Garibaldi non si ferma Silvia Idili Franca Sonnino Premio Marchionni 2020 Sant’Efisio 1943 Maria Erminia Nioi Roberta Congiu Tamara Zambon Guglielmo Aru Virtual Tour Museo Archeologico Cagliari Renato Mambor Gigi Riva Roby Anedda in Cina Epidemie nell’Arte in Italia Arte e coronavirus Marina Federica Patteri InArch 2020 #Prossima Fermata Ulassai Gennargentu

https://www.vimeo.com/groups/sardonia https://www.facebook.com/sardoniaitalia

Cagliari Je T’aime Programma di creazione di Esposizioni e Manifestazioni Artistiche nella città di Cagliari a cura di Marie-Amélie Anquetil Conservateur du Musée du Prieuré Directrice de la revue “Ici, Là bas et Ailleurs” Espace d’exposition Centre d’Art Ici, là bas et ailleurs 98 avenue de la République 93300 Aubervilliers marieamelieanquetil@gmail. com https://vimeo.com/channels/ icilabasetailleurs Vittorio E. Pisu Fondateur et Président des associations SARDONIA France SARDONIA Italia créée en 1993 domiciliée c/o UNISVERS Elena Cillocu via Ozieri 55 09127 Cagliari vittorio.e.pisu@email.it http://www.facebook.com/ sardonia italia https://vimeo.com/groups/ sardonia https://vimeo.com/channels/ cagliarijetaime SARDONIA Pubblicazione dell’associazione omonima Direttore della Pubblicazione Vittorio E. Pisu Maquette, Conception Graphique et Mise en Page L’Expérience du Futur une production UNISVERS Commission Paritaire ISSN en cours Diffusion digitale

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uesto numero di Sardonia, redatto nel confinamento, cercando di trasmettere notizie ottimistiche in mezzo al cafarnaum delle dichiarazioni contradditorie dei politici, il bombardamento di fake news di ogni sorta, ed il constato che oggi é il personale femminile, sia negli ospedali, che nei supermercati, che in ogni altro genere di attività ancora in funzione, in mezzo a questa pandemia, che si trova in prima linea e tiene praticamente a braccia tese il funzionamento della società tutta intera.

Stranamente sugli schermi televisivi sono rare queste donne, mentre i maschietti, che siano politici, medici, direttori della protezione civile (sic) ed altri carrozzoni più dannosi che utili (remember L’Aquila?e La Maddalena?) sono sempre in prima fila a racccontarci che finalmente non sanno che pesci pigliare e che costringerci a casa era più facile.

Non lo so se alla fine di questo “millenium bug” saremmo veramente capaci di trarne le conseguenze e modificare sostanzialmente non solo il modo di remunerazione ma sopratutto mettere un termine ad una pratica, instaurata da Reagan et Tachter, che favorisce gli azionisti a scapito dei salariati (naturalmente i dirigenti non si sentono obbligati ad applicarsi l’austerità che impongono ai loro subordinati).

Riusciremo ad invertire la rotta? A cessare una distruzione sistematica della biosfera che é certamente una delle cause della propagazione di virus, finora confinati al regno animale, inspiegabilmente, ma forse non, diventati assolutamente capaci di insediare la specie umana.

In questo momento particolarmente drammatico, nonché confuso e contradditorio, le bufale le più enormi circolano alla velocità della luce e tra evangelisti statunitensi che scacciano il virus con il vento di Dio (sic) ed il ricorso ai Santi tradizionali ed alle Madonne del cielo cristiano, ogni tipo di superstizione e fede viene utilizzata a torto o a ragione.

Nel frattempo gli Stati Uniti d’America hanno superato ogni altra nazione infetta, con il numero di decessi e di persone contaminate e l’economia stessa dell’intero paese é in pericolo, come d’altra parte in Europa, sia l’Italia che la Francia ed anche l’Inghilterra non possono certo dirsi esenti da una bancarotta che sembra ineluttabile.

Scrivo al momento nel quale il tradizionale pellegrinaggio di scioglimento del voto a Sant?Efisio é stato condensato al 3 maggio con andata e ritorno in un solo giorno, e senza la tradizionale sfilata dei costumi e delle traccas della Sardegna.

Le autorità regionali oscillano fra dichiarazioni non seguite da effetto e annuncio di disposizioni che aspettiamo ancora anche quindici giorni dopo, senza contare la tradizionale nomina di compagni di merenda particolarmente incompetenti a posti di responsabilità.

Tutto questo ci servirà di lezione ? Dopo aver creduto le sirene dei bonimantori da fiera e le promesse mai realizzate. riusciranno i sardi a capire che sono stati ben ben presi ingiro nel modo più tragico e irresponsabile?Lo spero! V.E.Pisu

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ccellente ed inaspettato Alcuni amici mi hanno portato a cena da Ada, hanno prima telefonato per prenotare; durante la telefonata gli è stato chiesto se volevamo pizza o altro e se avessimo preso antipasti, così avrebbero iniziato a prepararli.

La richiesta mi è sembrata strana e sospettosa.

Niente di più sbagliato !!!

Ci hanno riempito di antipasti, Tutti da OSCAR del cibo, semplici nella preparazione ma accurati, freschi e con un sapore incantevole, tanto che non saprei sceglierne uno. Chi ci ha servito (penso il proprietario) è stato, oltre che estremamente gentile, anche

Foto Attila Kleb

TZIA ADA SAN SPERATE BINI molto preparato nella spiegazioni dei piatti.

Abbiamo speso 120euro in 3, bevendo però una buona bottiglia di vino.

Tornerò sicuramente.

Sarà una tappa fissa.

Spero di poterci tornare al piu presto Frequento questo locale da 4 Anni, ma ogni volta è sempre una sorpresa!!le delizie di Ada sono buonissime, la pizza è ottima ( viene fatta anche quella per gli intolleranti ai latticini) la lista delle birre è infinita!

bella e simpatica Tania!

Soddisfacente e appagante Siamo stati da Ada di recente a mangiare la pizza.

La pizza è molto buona e condita abbondantemente con ingredienti di qualità.

Devo dire che siamo usciti dal locale soddisfatti e appagati, cosa che non capita spesso quando andiamo a mangiare la pizza.

Forse il servizio potrebbe essere leggermente più rapido, sebbene i tempi d’attesa non siano stati eccessivi.

Torneremo sicuramente e lo consigliamo.

Ci sono stato ieri sera ed è stata una bella sorpresa...tutto molto buono... dagli antipasti alle orate fresche! https://www.tripadvisor.

Un plauso particolare alla it/ShowUserReviews-

Zia Ada Pinna ci ha lasciati.

E una perdita terribile non solo per la communità di San Sperate.

In Giappone zia Ada, sarebbe stata considerata come “Tesoro Nazionale” per la sua maestria, il suo sapere, senza parlare della sua forza d’animo e la tenacia con la quale è riuscita a trasformare un piccolo ristorante di San Sperate, città già considerata come una capitale regionale della cultura, grazie al lavoro di Pinuccio Sciola e tanti altri artisti, in un tempio della gastronomia e l’epiteto non é troppo forte.

In un mondo che trova sempre meno tempo per realizzare le ricette tradizionali della cucina sarda, che richiedono applicazione, maestria, tour de main, tempo e dedica, zia Ada ha saputo conservare e tramandare tante ricette e piatti della gastronomia sarda ed italiana, facendo non solo gustare ma anche scoprire ad alcuni avventori stranieri, le loro peculiarità tradizionali, con l’utilizzo dei prodotti locali, il rispetto delle stagioni, l’economia di preparazioone e l’efficacia di una pratica ormai pluriennale. Tutte le nostre più sentite condoglianze alla sua famiglia.

Un modo per non dimenticarla, visitare il suo ristorante e gustare i suoi piatti. Ada Via Cagliari 21, 09026 San Sperate, Sardegna, Italia +39 070 960 0972

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HOPING

Percorsi visivi sulle migrazioni Cagliari, Manifattura Tabacchi 25-27 ottobre 2018

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Foto Massimiliano Frau

a mostra Hoping.

Percorsi visivi sulle migrazioni propone una riflessione sulle possibili interpretazioni del concetto di migrazione, oggi inevitabilmente associato alle dinamiche della geopolitica contemporanea.

Otto artiste si confrontano con questa urgente tematica proponendo visioni inedite e nuovi scenari di riflessione. Dalla semiotica del viaggio alla trasformazione della materia, lo spazio si espande e accoglie diverse interpretazioni, al centro delle quali l’uomo è vittima e carnefice.

Ancora una volta nella storia millenaria dell’evoluzione, i popoli stentano a riconoscersi nella comune umanità, valore alla base dei diritti universali.

Tra questi il diritto alla salvezza, alla dignità, alla vita.

Pietrina Atzori (San Sperate, 1964) interpreta nell’installazione migrAzioni gli ostacoli del viaggio verso la libertà, percorso intralciato da barriere personali e sociali.

Utilizza la tecnica del ricamo contemporaneo per intrecciare su una sottile rete metallica fiori di plastica riciclata, proveniente da buste che a loro volta hanno vei-

colato i più svariati oggetti.

Questa vela non potrà mai trattenere il vento, trasformandosi così nell’immagine di un’assoluta immobilità da combattere.

Sintesi di una poetica personale costruita sulla lunga storia dell’arte tessile, l’opera è un segno contro le oppressioni dell’epoca contemporanea.

Chiara Marongiu (Oristano, 1991) nell’opera Frastuono silenzioso affida a un ossimoro visuale e concettuale la propria interpretazione del viaggio, cogliendo la sensazione che spesso accompagna chi lo intraprende, che si tratti di andare per luoghi fisici o interiori.

L’intensità dell’azzurro, di mare e di cielo, si smaterializza in un’ascensione verticale verso uno spazio altro, indefinito, vuoto, entro cui tutto è ancora possibile.

Claudia Piras (Cagliari, 1986) fotografa gli stati emotivi.

Con una libera processualità, articolata nella ricerca di immagini di cui l’espressività è nota dominante, compie un percorso di avvicinamento verso le problematiche connesse all’emigrazione.

I soggetti di questa serie titolata Numbers sono migranti provenienti da diverse comunità africane, che oggi cercano di integrarsi nel paese d’accoglienza.

Dall’acqua sanguigna emergono i loro volti, segno di tumulti, agonie, delusioni e violenze.

Questi ritratti, conficcati come un duro pugno sullo stomaco, annullano le distanze scavalcando tutti i muri dell’indifferenza.

Kofa (Berna, 1971) sente come propria l’identità migrante e ne indaga gli aspetti quotidiani, approfondendo i temi dell’interazione tra culture, con un linguaggio figurativo di intima intonazione.

Le sue figure femminili racchiudono la speranza di un futuro migliore, espressa nel bianco della materia pittorica dal quale emergono.

Il loro profilo è marcato da un segno rosso, un fil rouge che lega destini e destinazioni.

Il filo rosso si usa per districare le funi d’ormeggio delle imbarcazioni, e qui diviene metafora universale della comune natura umana che ci vede “tutti sulla stessa barca”.

Laura Saddi (Cagliari, 1979) rappresenta, con una serie di opere inedite di matrice surrealista, le migrazioni dei viventi. Animali e uomini, prima distinti, poi associati nella crasi di elementi anatomici e infine uniti, si accompagnano spinti dallo stesso istinto di sopravvivenza.

Entrambi ricercano le fonti offerte dal pianeta, per garantire il futuro più sicuro e stabile alla loro specie: legge della natura, negata all’uomo dall’uomo, ormai emblema paradossale della più feroce bestialità.

Nell’opera centrale “I want to fly, I want to live” campeggia il combattimento per raggiungere la libertà.

Roberta Congiu (Cagliari, 1981) avvalendosi della tecnica a penna sfera e grafite su carta, crea Altrove, in altri cieli, una composizione onirica di impatto poetico ed emotivo. In un momento in cui sembra prevalere la frattura e la frantumazione, il disaccordo e lo scontro, Roberta lega

vedi il video vimeo.com/297240696

e unisce e, ispirandosi alla natura, riconduce l’umanità tutta alla figura che accoglie e accudisce: la donna.

Attraverso l’eleganza del suo minuzioso tratto, invia un monito forte, ricordando a tutti noi che siamo creature dello stesso nido, figli della stessa terra.

Daniela Frongia (San Gavino Monreale, 1981) con l’installazione “Approdi” realizza una migrazione tessile, espansa nella tridimensionalità dello spazio.

Il fitto intreccio si sviluppa partendo da un primario reticolo geometrico sorto dalla dimensione ristretta di una valigia, per ampliarsi nella possibilità infinita di uno spazio libero e in divenire.

I nodi si raccordano in diverse posizioni, chiudendo e aprendo nuove vie e percorsi.

Nell’archetipo della pratica tessile, arricchita da una ricerca concettuale e performativa, metafora di creazione e accoglienza, si incardina la speranza di raggiungere nuovi spazi di vita.

Marilena Pitturru (Cagliari, 1960) propone tre opere realizzate tra il 2007-2009 con l’assemblaggio polimaterico di oggetti di riciclo.

Tecnica discendente dalle linee del Nouveau Realisme, nella sua ricerca rivolta a tematiche dal forte impatto sociale, utilizza materiali migrati a nuova identità in un’intima interpretazione simbolica della violenza e dell’abuso. Materie trasformate da plurimi traumi catalizzano le energie di una catarsi in divenire, come in Medusa e simboleggiano i flussi dell’anima, nella sua eterna dualità tra maschile e femminile, in Testudo e Due, Uno. (segue alla pagina 6)

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STATI DI FAMIGLIA Cagliari Ex Art Piazza Dettori 17–25 ottobre 2019

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Foto Massimiliano Frau

a famiglia, protagonista in questi ultimi anni di cambiamenti epocali. La sua struttura muta come mutano i rapporti di genere, le relazioni, i tempi di realizzazione individuale.

Come nucleo fondante della società ne determina parte degli equilibri, come ambiente di crescita condiziona lo sviluppo personale.

Quotidianamente cornice di delitti nelle pagine della cronaca nera.

Al centro di tutte le campagne politiche.

Soggetto prediletto di autori come Dostoevskij, indimenticabili I fratelli Karamazov, Proust e la nostra Natalia Ginzburg, tema della più grande pittura dal Trecento ad oggi, nella sua declinazione sacra e profana. Gli artisti contemporanei traggono da essa modelli, stereotipi, ideali, utopie, distopie, illusioni, orrori, deviazioni. I sei artisti presenti in Stati di Famiglia nella loro ricerca si pongono in relazione al concetto di famiglia indagandone aspetti conflittuali, individuali, psicologici, naturali e ambientali, rappresentati con un linguaggio che varia dall’arte tessile, alla pittura, alla grafica, alla scultura e installazione.

vedi il video vimeo.com/367209246

Maria Grazia Medda introduce il principio generatore della terra madre a cui tutti apparteniamo, ponendo in relazione, grazie alla textile art, elementi naturali e manufatti tessili.

Stefania Lai con la sua pratica intermediale unisce pittura, disegno, installazione, creando un universo che ruota intorno alla simbologia e semiologia della casa.

Marco Pautasso dipinge con spiccato realismo e ironia bambini e adolescenti, individuandoli come punto nodale della famiglia e della comunità, in una proiezione verso il futuro.

Piercarlo Carella disegna e dipinge soggetti surreali, nati da un immaginario in stile grottesco, dove non mancano le note caratterizzanti del genere: ironia, provocazione, orrore, riso, contrasti determinati da una profonda analisi delle categorie psichiche e sociali.

Giovanni Paddeu con le sue sculture in ferro indaga i contrasti dell’umanità, determinati dalle relazioni interpersonali e dalle condizioni individuali.

Rosaria Straffalaci realizza un’installazione site specific ricercando, tramite il principio alchemico della creazione, l’unione degli opposti da cui si genera la vita di una nuova creatura.

Foto Massimiliano Frau

AsTeraS L

’Associazione culturale Asteras nasce nel 2018.

Composta da Elisabetta Borghi, Barbara Catte Massimiliano Frau, Gianfranca Loi e Ivana Salis, riunisce storiche dell’arte e fotografi da anni impegnati nel settore dei beni culturali, in collaborazione con il Ministero per i Beni e le attività culturali, con gli enti locali, con la Regione Sardegna, con associazioni ed enti privati. I soci hanno applicato le loro competenze in progetti di ricerca, catalogazione, ideazione e organizzazione di mostre e attività culturali con enti pubblici e privati, nel territorio dell’isola.

Gli obiettivi di Asteras sono la promozione, la diffusione e la conoscenza del patrimonio artistico e culturale della Regione Sardegna, favorendone la maggiore accessibilità e fruibilità.

Inoltre, promuove tutte le attività volte a sostenere i progetti degli enti locali e dei privati volti alla valorizzazione turistica del territorio, soprattutto nelle aree meno frequentate dai flussi di massa.

Dall’anno della costituzione porta avanti il progetto di una guida regionale sui murales e la Street art della Sardegna che raccoglie ormai 52 anni di muralismo in Sardegna e 145 comuni dell’Isola.

Questo progetto è stato preceduto da un’attività di catalogazione sui murales promossa dalla Regione Sardegna tra il 2015 e il 2017, che ha portato alla produzione e pubblicazione sul sito Sardegna Cultura di 1058 schede OAC redatte con metodologie stabilite dall’ICCD (Istitu-

Associazione Territorio e Arte in Sardegna Presidente Ivana Salis Via L. Pasteur 6 09126 Cagliari tel. +39 338 231 2449 associazioneculturale. asteras@gmail.com vedi anche i video vimeo.com/297240696 vimeo.com/367209246

to Centrale per il Catalogo e la Documentazione) e dal MIBACT (Ministero per i beni e le attivita’ culturali e per il turismo), consultabile al link http://catalogo.sardegnacultura.it/search/.

Il progetto editoriale è in fase di ultimazione, con il sostegno di diversi comuni e una casa editrice che ha creduto in questa pubblicazione.

La guida sarà la prima iniziativa di un progetto più ampio, che prevede la realizzazione di un sito internet di facile consultazione che darà ampio spazio alla divulgazione e valorizzazione del patrimonio murale con approfondimenti e aggiornamento sulle iniziative promosse dai comuni partner e una serie di eventi su tutto il territorio regionale.

Altri progetti realizzati si rivolgono all’arte contemporanea: la mostra HOPING. Percorsi visivi sulle migrazioni realizzata a Cagliari alla Manifattura Tabacchi tra il 25-27 ottobre 2018 in occasione del Festival Love Sharing manifestazione annuale dell’associazione teatrale Theandric e sempre per lo stesso festival, l’anno seguente, Stati di famiglia all’ ExArt a Cagliari dal 1725 ottobre 2019.

Ancora nel 2019 l’associazione ha fornito i contenuti e le fotografie, realizzate dal nostro fotografo Massimiliano Frau, per il progetto Continente Creativo di Urban Center: sono stati selezionati dieci comuni con interessanti progetti di Street art.

Per conoscere l’attività dell’associazione è possibile visitare la pagina FB Associazione Culturale Asteras @asteras.associazione http://catalogo.sardegnacultura.it/search/

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Foto Attila Kleb

o sapevate che a Marsiglia, nel 1835, Giuseppe Garibaldi fu infermiere volontario durante un’epidemia di colera? È uno dei tanti incredibili episodi della sua vita davvero romanzesca.

Come la storia di un suo matrimonio durato pochi minuti; o l’offerta di Lincoln di comandare un’armata durante la Guerra Civile americana; l’avventuroso viaggio su una nave a vela dal Perù alla Cina; la creazione dei Garibaldi’s Biscuits, tuttora prodotti, durante una sua visita a Londra; lo spostamento di due navi da guerra via terra per 80 chilometri in Brasile (altro che Fitzcarraldo!); o quando vide nascere un’isola al largo della Sicilia.

Tanti episodi che, con tono leggero ma storicamente accurato, saranno raccontati nella nuova campagna dei Musei Garibaldini di Caprera, il sistema museale formato dai Compendio Garibaldino (La casa di Garibaldi) e dal Museo nazionale Memoriale di Forte Arbuticci.

E’ partita il 19 marzo 2020, in occasione della ricorrenza di san Giuseppe, la campagna promossa dal Polo Museale della Sardegna, che coordina i siti museali e archeologici di tutta la regione, dal titolo Garibaldi è vivo e non si ferma.

L’uscita è strettamente legata all’attualità per rinforzare il suo concetto

GARIBALDI NON SI FERMA Ufficio Stampa e Comunicazione : Maurizio Bistrusso

pm-sar.comunicazione@ beniculturali.it Tel.+39 070 3428269/270

www.garibaldicaprera.beniculturali.it

strategico: Garibaldi è vivo, Garibaldi è sempre più Eroe dei nostri Mondi, come dimostra il suo impegno per cause attualissime come i diritti delle donne, la protezione degli animali, il volontariato, l’agricoltura organica, la cura del territorio, l’unione dell’Europa.

La comunicazione è basata sul pay-off Musei Garibaldini di Caprera. Dove la storia è bellissima. È un riferimento anche all’incomparabile bellezza dell’isola di Caprera e dell’arcipelago di La Maddalena, luogo scelto da Giuseppe Garibaldi per trascorrere l’ultima, ma pur sempre intensa, fase della sua vita.

Vedremo quindi i video della campagna Garibaldi Selfie, nei quali Garibaldi il Generale si fa un selfie insieme a donne che prendono parte a una manifestazione, mentre fa trekking o accanto a un cavallo per ricordare di essere stato lui il fondatore dell’Ente Protezione Animali.

Sul nuovo sito si sta approntando #Garibaldinonsiferma, zona di didattica online per incoraggiare la conoscenza di Garibaldi a tutte le età.

I referenti sono Maurizio Bistrusso, responsabile dell’Ufficio Stampa e Comunicazione e Luciano Cannas, responsabile del Sistema museale di Caprera.

Piccola curiosità: il creativo della campagna è Aldo Tanchis, il cui bisnonno Luigi Bay fu, a 14 anni, tra i Mille di Garibaldi.

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rtista neo-metafisica, visionaria, gotica, realista magica di tradizione rinascimentale: si rispecchia in tutti questi termini l’artista sarda, milanese d’adozione, Silvia Idili, estimatrice al contempo di Leonardo da Vinci e di Giorgio de Chirico, ma certamente rappresenta un’arte che sa di nuovo, un’arte ipnotica, magnetica, che ha a che fare con il nostro inconscio e con il nostro modo di rapportarsi con l’assoluto e la realtà.

Le tele dell’artista sarda spiccano per un originale simbolismo e ricerca cromatica che rendono i suoi lavori fortemente scenografici.

I suoi dipinti evocano geometrie, armonia delle forme e composizioni del passato per esprimere con maggiore intensità e credibilità la tensione spirituale, emotiva e psicologica dell’uomo contemporaneo, molto spesso spiazzato dalla complessità della realtà in cui si trova e che non sa decifrare, anche quando si confronta con il trascendente.

L’arte di Silvia Idili è un invito a comprendere il senso della vita, soprattutto attraverso il rito, categoria fondamentale delle civiltà secondo il grande antropologo e filosofo Mircea Eliade, nonché, come sostiene anche la Idili, una garanzia per il mantenimento della propria identità e per quanto riguarda questo aspetto l’artista è pienamente se stessa, un’esistenzialista

Foto juliet

SILVIA IDILI

visionaria che racconta l’assurdità della vita andando oltre il visibile, attingendo alla dimensione onirica e metafisica e all’atavismo della sua terra natale.

Silvia Idili ha esposto, tra gli altri, presso il Museo di Arte Contemporanea di Lissone, la Galleria Moitre di Torino, e al MEA Museo Dell’emigrazione Asuni di Milano.

Le sue opere fondono classicità e metafisica.

Come nasce questo sincretismo e qual è, secondo lei, il filo rosso che unisce questi due importanti contributi dell’arte europea? É nato per caso e non di certo da una mia volontà programmata, forse l’incontro è avvenuto poiché prediligo la pittura classica e stimo Giorgio De Chirico, protagonista e inventore della metafisica.

Il filo rosso che li unisce credo sia il pensiero stesso di questa corrente che utilizza elementi di pittura classica per distorcere la realtà che apparentemente assomiglia a quella che conosciamo dalla nostra esperienza.

Si supera la realtà, per andare in qualche modo oltre.

L’essere definita una pittrice visionaria geometrica è un’espressione che le sta stretta?

In generale non amo le definizioni, anche se spesso le persone hanno bisogno di descrivere a parole ciò che non conoscono. (segue pagina 10)

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Foto collez<ione mameli

(segue dalla pagina 9) Tuttavia essere definita una pittrice visionaria non mi dispiace. Per me ha motivo di essere un assoluto complimento.

Che tipo di ispirazione le offre la sua terra, la Sardegna?

Tutto.

Dai santuari alle montagne, dai miti alle leggende, dai riti arcaici ai costumi, dalle maschere ai colori, dalla saggezza più profonda e autentica al modo di vivere e di pensare di certe persone, prive di cultura accademica ma ricche di una cultura quotidiana che non è ignoranza ma un dono profondo atavico di pensiero e di contemplazione superiore della vita.

Quanto conta nella sua produzione la lezione rinascimentale?

Sin da quando ero piccola, mi sono sempre sentita attratta da Leonardo Da Vinci, l’emblema stesso dell’uomo rinascimentale: suppongo che questo importante periodo artistico mi abbia segnato, poiché nel rinascimento ci fu un forte interesse verso la geometria e i Solidi Platonici.

Cosa pensa dell’arte di oggi, e soprattutto di quegli artisti che rigettano totalmente la tradizione?

Sull’arte di oggi non penso, mi limito a osservare e raccogliere ciò che di buono mi può offrire.

Ogni artista deve sentirsi libero di scegliere una direzione; anche se la conoscenza della tradizione

è fondamentale, a prescindere da quale direzione si voglia prendere nel proprio iter artistico.

L’esposizione che la ha dato maggiori soddisfazioni?

Credo che ogni occasione per esporre i propri dipinti sia motivo di soddisfazione.

Mi ritengo soddisfatta di tutte le mostre che ho fatto sino ad ora, senza prediligere o sminuire nessuna di loro; perché ognuna di esse ha contribuito alla crescita del mio percorso.

Dove e come è cresciuta Silvia Idili?

Sono nata e cresciuta in Sardegna, dove ho imparato a osservare il cielo, conoscere le stelle, i nomi dei venti, a capire i miei nonni quando parlavano tra di loro il sardo e scoprire che vivevo in un posto, dove si parlava un’altra lingua.

Crescendo, ho capito che vivevo su un’isola e il mio essere isolana mi ha dato una concezione diversa della vita; ma soprattutto mi ha reso curiosa e mi ha spinto ad andare oltre ciò che i miei occhi vedevano e oltre ciò che i miei sensi mi permettevano di sentire.

Nell’arte contemporanea si crea un misunderstanding continuo: il curatore o il critico diventano dei filtri che legittimano l’artista, definendo cos’è arte e cosa non lo è.

In questo “gioco” rientra ovviamente anche il visitatore.

Foto collez<ione mameli

Cosa si sente di dire in merito a queste tre figure?

Di rapportarsi all’arte con la giusta sensibilità e soprattutto senza pregiudizi.

Cosa tenta di trasmettere al visitatore e al mondo dell’arte in generale?

I miei dipinti sono solo un invito, una finestra di pensiero che incita lo spettatore ad affacciarsi e riflettere sul senso dell’esistenza.

Nell’opera “Visionaria35” come in altre opere simili, lei sembra voler mostrare l’occhio che vede anche sé stesso, che va oltre ciò che vede, riflettendo sul rapporto tra visione e cecità, alla maniera di Derrida il quale si chiedeva cosa vediamo davvero quando vediamo?

Si. I Visionari, ritratti femminili e maschili, sono volti con gli occhi spesso occultati da geometrie o teli; sono simbolo di infrastrutture create dalla mente per nascondere e mascherare la vera natura del proprio essere, che è allo stesso tempo, espressione di una tensione spirituale in rapporto con l’ansia della contemporaneità.

I visionari invitano a una riflessione e a uno sguardo interiore.

La visione, lo sguardo sono metafore della conoscenza per eccellenza, che sconfina nella visione intellettuale, lei cosa crede di conoscere attraverso il suo

lavoro artistico?

L’assurdità stessa del reale.

Cos’è per lei il rito?

Tema che spesso ricorre nei suoi quadri.

La ricerca e la garanzia del mantenimento della propria identità.

La dimensione onirica per lei rappresenta una fuga da una realtà spesso deludente, o piuttosto contribuisce a comprenderla meglio?

La dimensione del sogno è quella in cui si manifesta la natura più profonda delle cose, è lo strato più intimo dell’esistenza stessa del mondo.

In che rapporto è la sua “metafisica” con il trascendente, ha un carattere di tensione verso l’assoluto? O crede impossibile una sintesi tra ragione e teologia?

Come ho risposto in precedenza, i miei lavori tendono alla ricerca del proprio io, che però lo si conosce solo alla fine del cerchio.

La tensione verso l’assoluto è soggettiva, ognuno sente e trova il suo assoluto in base al proprio credo e non-credo.

La sintesi tra ragione e teologia è relativa, tutto dipende da noi stessi e da quello che cerchiamo e troviamo nel silenzio della meditazione.

Prossimi impegni?

Continuare a dipingere.

Annalina Grasso https://www.juliet-artmagazine.com/silvia-idili-la-pittura-tra-rinascimento-e-metafisica/

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Foto francasonnino

opo essersi laureata in lettere inizia, nei primi anni ’70, il suo percorso artistico dedicandosi alla pittura sotto la guida di Maria Lai. I lavori di quegli anni sono dei fitti reticoli, moltitudini di linee dipinte, il cui impulso profondo nasce da intimi teoremi poetici piuttosto che da modelli euclidei.

Il filo, già presente come soggetto dei suoi quadri, diventerà presto medium privilegiato nell’arte della Sonnino sostituendo definitivamente, dalla fine degli anni 70, il pennello.

L’artista, con filo di cotone attorto intorno a filo di ferro, delinea nello spazio contorni di oggetti, simulando la terza dimensione.

Ha profilato così fantomatiche librerie provocatoriamente sistemate su pareti, con giochi cadenzati di ombre su libri d’aria.

Realizza anche volumi sfogliabili e fogli staccati, in maglia, alludendo cripticamente, col filo, alla scrittura.

Dal 1973 ha esposto regolarmente in gallerie e musei, nel febbraio 2019 il Museo del tessile di Busto Arsizio ha dedicato a lei e Maria Lai la rassegna “Maria Lai e Franca Sonnino Capolavori di fiber art italiana”.

Franca Sonnino Roma 1932 https://francasonnino. com/biografia/

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ranca Sonnino in un primo momento ha attuato un tipo di traduzione fra immagine segnica e immagine materica, quasi con lo stesso spirito dei dada, privilegiando il filo ad imitazione del segno fin quasi a mentirne la consistenza.

E i suoi lavori prima del 1978 avevano una sorta di ambiguità o di bivalenza, erano fruibili idealmente e merceologicamente allo stesso tempo.

Alla giusta distanza, infatti, universi di ammulinamenti sotto forma di paglie, o di spaghi, di cotoni o di bambagie o di lane o di qualsiasi altro tessuto che si creasse con mani febbrili dal segno al filo, erano come disegnati o dipinti, la crescita quasi impalpabile della tridimensionalità si intuiva per quel di piu di artigiano, di approssimativo, di muliebre,fragile e dispettoso, che specchiava il “manufatto”; “arte povera” era in certo senso più per quella presenza dimessa e ancillare del discorso segnico “rivestito” o vestito di spaghi, che non per i modi dell’arte povera, più polemica, ancora, nei confronti dell’informale e della pittura di cavalletto, in generale piu lontana dai paradigmi avanguardistici puri, così come aveva fatto, come “rottura”, la pop art.

Esser donna col filo, dunque, ma per filo e per segno esprimere il rigore di una mente lucida, cui simmetrie e geometrie, quanti e polivalenze fossero strutturali,

Foto francasonnino

FRANCA SONNINO al punto che ogni suggestione di natura, il paesaggio, l’oggetto ricostruito, non suonasse come un alibi ad una forma troppo pura, ma la verifica, se mai, di quella forma.

E se dal 1979 al 1983 Franca Sonnino oscilla tra un rigorismo materico e una materia fantastica, tra oggetto astratto portato innanzi o dentro un’anima di fil di ferro rivestito dal cotone o dalla lana e simboli della realtà che si tramutano in oggetti ferrofilo-tessuti (le foglie, le nuvole, le ragnatele, fino alla incredibile scopa della strega, che vola sui bianchi muri espositivi lasciando una scia di ombre argentate), il risultato più alto e probante della pittrice romana è la sua immagine di poesia, scavata, lavorata, accarezzata come un condizione del fare poetico, del fare come vivere nella poesia, vivere come non è possibile diversamente, per lei, con le mani pensanti e attingere le tessiture o magliature, a calza, a uncinetto (magari anche operando in treno o in auto, questo spazio di fili da distendere successivamente in un habitat), dalla sua condizione di donna.

E con essa il sorriso della favola, la inevitabile, affettuosa ironia, che non contesta ma individua una posizione della donna sempre spiazzata, sempre “minore”: come quando nelle sue sciarpe tesse orizzonti di spiagge o di terre e le mette in bacheca, o quando

con filo di rocchetto in bianco e nero fa scendere e salire diagrammi di forze pittoriche, ripercorre perfino certe linee portanti dell’espressionismo astratto, dell’action painting, dentro o sopra spazi abbrunati o candenti.

Certo il pericolo dalla stessa pittrice avvertito era e fu sempre quello di calarsi in una interpretazione delle cose con una sigla data a priori, come se la sigla potesse tradurre tutto, col segno e col filo.

Invece è il segno e il filo che fa da filtro a tutto, scarta e disciplina le poche cose che l’artista può “fare”, anzi emancipare dal contesto dei simboli della visione.

Si guardino pei esempio le sue ragnatele, in bianco, in nero, in oro, come siano, non la imitazione dell’arma del ragno, ma il modo come questo strumento diventi ombra di sé, fantasia di un progetto, ai un costruire, sia pur labile e difficoltoso; la ragnatela è il parlare, è il pensare o, magari, il sopravvivere, secondo doti e programmi segreti, della donna; la quale riesce ad appendere un muro al chiodo nel senso di fare di alcuni “mattoni all’uncinetto” l’uno legato all’altro, una sospensione, che capovolge l’idea sistematica delle cose, la serie dei mattoni esprime nell’aggetto, una sorta di trasgressione della fantasia, ne imita paradossalmente la statica. (segue pagina 14)

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Foto francasonnino

(segue dalla pagina 13) Ombre di cose perché le cose sono apparenze della realtà, mentre le ombre, per la Sonnino, sono le cose stesse in filigrana, sono i suoi invisibili ma riconoscibili teoremi, Klee insegna.

Ed ecco allora organizzarsi sulle bianche pareti della sala del Palazzo dei Diamanti vestigia di librerie, che non sono l’imitazione artigiana e semplificata di una parte del tutto, ma il tutto diventato una parte consunta, superstite, dove la approssimazione dei contorni segnici raggiunta a mano con la pressione sul fil di ferro si sposa al nero di spenta ustione del “rivestimento”.

Sono già ombre, questi volumi di una ebrea che ha visto nei decenni coi propri occhi bruciare la cultura; e non soltanto quella dei falò nazisti, il deperimento e lo sfacelo di un’altra cultura, quella consumistica per esempio, sia nella casa che nella scuola.

Muri su cui tremano ancora forme di libri quando la pittrice (con una vocazione al sopravvivere degli oggetti pari a quella di Morandi) getta, di segni bianchi tramutati in fili, le ombre, esprime una odissea di impronte che il segno rilevato lascia sul muro con l’incidenza della luce.

Questo contrappunto di mezze esistenze e inesistenze, di ombre che esistono e ombre che sono create da ombre, assume,

a mio avviso, significato lirico nel “muro”, la cui trasparenza lo fa essere un muro di Berlino già assunto in cielo, una idea di preclusione che diventa invece di comunicazione: i mattoni ritornano ad essere forme immaginate dall’uomo per intercessione di Dio, mattoni come costruzione di un interiore universo.

La inconfondibilità dell’arte di Franca Sonnino è data sopratutto nel potere di condensare in oggetti, in habitat fruibili dentro casa, come sovente cassetti o piccoli armadi, le aperture, gli orizzonti, gli infiniti del paesaggio.

Come per esempio i suoi libri-paesaggi, i suoi mari, dentro parallelepipedi,o stratificati in una serie di piani l’uno appresso all’altro e tutti congiunti da un tetto immaginario, sicché i mari diventano forme geometriche solide e trasparenti, tutte tessute con quelle straordinarie trame che si sfilacciano e si slabbrano, che allentano o gremiscono le maglie, restando però nel piano ideale con tenace eleganza.

Paesi, riflessi, scale, rampicano sui muri come per la tangente di una sensazione, bisnonna degli impressionisti e degli espressionisti ma che nell’atto di trovar volto, invece di diventare decorativa di effimera funzione di ambiente, scava come all’interno del sensibile, dà di questo la sopravviienza come dentro un emblema.

Marcello Venturoli

Foto premio marchionni

E’

terminata la selezione dei “Venti artisti per Goya” .

Il progetto rientra nell’ambito del Premio Marchionni 2020, come premio speciale per gli artisti selezionati dalla Direzione Artistica del Premio Marchionni e del Museo Magmma, coadiuvati da alcuni membri del Comitato Scientifico del Premio stesso.

Come è noto l’idea si è sviluppata pensando di creare un gruppo di allievi virtuali di un maestro del passato (2018 a Porto Cervo con incisioni di Rermbrandt- 2019 ad Olbia con incisioni di Manet) che, in una sorta di cenacolo conviviale, potessero rievocarlo con una cover interpretativa di un’opera dell’artista in questione.

Con un’immagine replicata, distorta o modificata secondo una visione personale e soggettiva dell’artista, la rievocazione segue il loro percorso artistico ereditato dal passato come “… un Fil rouge che ricama l’arte e si dirama in una trama tessuta nei secoli di storia dell’arte.”

Gli artisti prescelti sono: MATTEI Marco, PRUDENTE Simone, ABATE Giampiero, CANGELOSI Laura, PELLIZZARO Nicola , MARIN Walter , DALMAZIO Luca , STILE Francesco , ZINEDDU Andrea , CONGIU Roberta, CERQUEGLINI Andrea ,VERGATI Pierpaolo, BO-

NIFAZI Maria Giovanna, MATAROZZI Filippo, OTTA Giulia , VALE Lorenzo , SGRO’ Tina, INVERNIZZI Stefano, LUZII Teresa , ZAMBON Tamara.

A loro vanno i nostri complimenti ; l’esposizione delle loro opere sarà programmato a data da destinarsi, una volta terminato lo stato di emergenza nel nostro territorio nazionale.

In quel contesto le loro opere, unitamente alla presenza delle incisioni di Goya , arricchirà il loro curriculum e nel contempo daranno “… un sapore contemporaneo alle “Eterne” acqueforti di Goya.”

L’Edizione 2020 del Premio Marchionni prevede nella sezione speciale , un premio che legherà gli artisti selezionati, ad una importante kermesse relativa alla mostra di un grande autore del passato.

Infatti nel 2020 è prevista , in partnership con il Museo Cà la Ghironda, la realizzazione del progetto “Alla corte di Goya”.

Il 2019 , come noto, ha avuto come protagonista Edouard Manet con la collezione The Alfred Stroilin collection” creato il format “ presentato ad Olbia nel Museo Archeologico .

L’evento ha avuto un successo straordinario; tappa delle principali crociere del mediterraneo, la mostra è stata visitata dal oltre 2500 persone. https://www.premiomarchionni.it/

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G

Foto dal filmato di Marino Cao

iorno di Sant’Efisio, la devozione dei Cagliaritani e della Sardegna intera per il santo martire non conosce ostacoli e limiti.

Come avvenne nel 1943, quando la festa e la processione vennero effettuate in una Cagliari bombardata.

“Sembrano siano passati secoli: a metà dell’altro secolo, nel 1943, Cagliari era una città in guerra, bombardata e lacerata.

All’arrivo del maggio però un gruppo di devoti rialzò la testa, mise da parte la paura per i bombardamenti, Cagliari era una piazza importante e così era “trattata” dalle Fortezze volanti americane, e chiese di poter effettuare lo stesso il pellegrinaggio per lo scioglimento del voto.

La prima risposta fu negativa per evitare di mettere a repentaglio la sicurezza.

Ma la tenacia della gente, dei fedeli ebbe la meglio.

La Prefettura, dopo qualche tentennamento, aderì alla richiesta, pur con limitazioni rispetto agli assembramenti, che potevano essere visti dall’alto.

Alla fine però rilasciò l’autorizzazione.

Senza carri ma su un piccolo camioncino.

Ecco che le cronache dicono che fosse stato della ditta Giannetto Gorini, mentre il confratello Gigetto Boi e il cav. Mario Atzori si adoperarono a Villa San Pietro, Pula e Nora”.

Lo scioglimento del voto ci fu ma anche lo scioglimento di lacrime, in quanto il corteo dei devoti dovette farsi largo tra le macerie delle case bombardate e segnate da momenti di grande dolore.

Non fu la processione più gioiosa ma di sicuro tra quelle più intense e partecipate.

Questa foto é tratta dal filmato realizzato nel 1989 dalla Rai, sede regionale della Sardegna, nell’ambito della programmazione televisiva della terza rete (1979 – 1992). Il documentario, curato da Maria Piera Mossa, è un lavoro di montaggio che utilizza le straordinarie immagini girate da Marino Cao nel ‘43, le fotografie d’epoca in bianco e nero e le testimonianze di alcuni cittadini cagliaritani.

Quello di Maria Piera Mossa è un documento storico ed etnografico eccezionale, capace sia di mostrare uno spaccato della città di Cagliari distrutta dalla guerra, sia di comunicare appieno la forte devozione dei cagliaritani per Sant’Efisio.

Cagliari versava in un disperato stato di dolore e di distruzione, soltanto il forte sentimento religioso sembrava sostenere coloro che decisero di non sfollare.

«Sant’Efisio ci avrebbe potuto aiutare», sosteneva Marino Cao protagonista principale dell’uscita del Santo il primo maggio del ‘43. http://www.sardegnadigitallibrary.it/index.php

Foto alessandrasorcinelli

M.ERMINIA NIOI S

ono passati tredici anni dall’ultimo terrible, direi anzi orribile, bombardamento di Cagliari.

Non ricorderei tristemente quella data se, il caro Ballero, non avesse risvegliato nel mio animo, col suo articolo sulla partenza di SantEfisio, delle emozioni incancellabili a me causate dalla fatidica data che, più d’un cagliaritano certamente, non potrà mai scordare.

Purtroppo, assieme alle poche persone che presenziarono alla partenza di SantEfisio, in quell’anno, almeno per quanto durò la cerimonia e fino all’uscita del Santo dalla chiesa che ne porta il nome (che emozione ho provato l’altro giorno, nel vedermi ritratta dietro il simulacro, io che in quella lontana mattina, avevo assistito tremante della partenza del nostro S. Guerriero senza minimamente pensare che, a tredici anni di distanza, una fotografia, un giornale, avrebbero documentato per sempre l’aver presenziato a quella cerimonia).

Io mi trovai lì, sola, sperduta come le altre poche povere donne che piangevano un parente, che invocavano, che pregavano sommessamente.

Ecco, era da poco tornato SantEfisio, il sole splendeva e riscaldava un po’ gli animi dei superstiti, che avevano assistito alla distruzione, alla morte dei nostri amici, parenti, compagni e di persone a noi ignote : le strade erano impraticabili.

Come oggi, era il mese di Maria, quello che, credo, sia il

più dolce perché è saldamente ancorato ai sentimenti buoni; era il mese dei fiori e tutta Cagliari era un cimitero, mentre il Cimitero era completamente turbato ed i nostri morti non trovavano neppure lì la pace neanche più nelle tombe sconvolte.

Tredici lunghi anni, ma la data per chi ha assistito allo sfascio delle nostre case, all’impotenza di non poter tirare fuori dalle abitazioni le persone che ci morirono, gemendo giorno e notte, quella data è tuttora presente ed è incancellabile.

Era mezzogiorno: il sole brillava dall’alto suo seggio e sembrava volesse infonderci coraggio.

La mattina assieme ad una mia collega di ufficio che era anche la mia compagna di sofferenza, eravano andate, rischiando la vita ed a piedi alla Basilica della nostra cara Madonna di Bonaria e l’avevamo tanto implorata per far cessare l’orrore in cui vivevamo da circa quattro mesi.

Al ritorno passammo anche nella chiesa di Santa Rosalia, che era stata colpita in parte dalle bombe.

Uscite dall’ufficio ed adornato l’altarino della Madonna e del Sacro Cuore, con qualche pizzo e trina ancora non distrutti, nonché con qualche fiore scendemmo la scala di legno che conduceva alla mensa di fortuna del nostro cantiere over ci accingevamo ad iniziare il magro pranzo (ma fortunato chi poteva ancora avere quello.

Appena incominciato, udimmo il frastuono delle (segue alla pagina 18)

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Foto luc-caglkiari storica

(segue dalla pagina 17) pesanti bombe che cadevano senza che nessuno di noi avesse udito l’allarme. Afferrai la mia collega e più presto che potemmo, arrivammo alla porta del vicino rifugio di pietra (preparato dalla Società di cui facevamo parte e dove alcuni miei colleghi passavano tantissime lunghissime e terribili notti).

Giunte al sicuro, udimmo lo scatenarsi della polvere nemica sulla nostra povera città.

Fu una cosa terribile, alcuni uomini entravano e cadevano svenut, alcuni altri piangevano di dolore per aver visto questo o quell’altro compagno addirittura falciato da qualche grossa scheggia o inghiottito dal fuoco. Per circa tre ore ci tennero come bersaglio, si cercava di accendere qualche fiammifero, ma le pallide luci si spegnevano immediatamente per lo spostamento dell’aria causato dalle varie bombe che caddero su ed interno al nostro rifugio.

Poi qualcuno ci avvisò che era cessato l’allarme, pian piano uscimmo, con l’animo tramortito a rivedere la luce e con essa, i disastri, l’orrore di quelle poche ore!

Di fronte all’attuale Clinica Medica, che allora era in costruzione, aveva preso posto la Croce Rossa in un ampio rifugio naturale: vidi cose orribili, terribili, eppure lo voglio dire, vidi tante barelle, una appresso all’altra: vidi in una di esse un uomo con la testa completamente scoperchiata della sua parte ossea, vidi una madre senza un braccio e vicino un bimbo di circa un anno o poco più, anch’esso ferito, non ricordo più dove; udii lamenti, pianti,

per tutta la serata, vidi tante altre barelle, tanti altri orrori.

Visto che il caro Ballero, che immagino è fratello del mio allora collega, ha parlato di quel triste 1943 in cui SantEficio partì da solo per il solito pellegrinaggio a Nora, ebbene, io che, insieme a Cagliari come tanti altri ho assistito alle rovine ed ai disastri di questa nostra città, ho voluto ricordare che, con il 13 maggio 1943, cessarono i più terribili e micidiali bombardamenti della zona della Sardegna maggiormente colpita.

Dire cosa si vedeva per le strade, non è possibile, ripeto e credo di aver avuto un coraggio che, bruscamente, solo nelle occasioni più tremende e nelle prove più grandi l’essere umano dimostra di possedere.

Perciò per molti, per tanti, quelle strade di SantEfisio, San Giorgio, Santa Margherita, forse non sono delle vie qualunque, per me, per tanti altri invece, vivranno perennemente nel nostro cuore e nel nostro spirito, perché è forse facile far sbiadire alcuni ricordi piacevoli, ma quelli spiacevoli in genere non si possono dimenticare.

Perci, caro Ballero, anch’io mi unisco a te in questo giorno che, penso, ricordi anche tu e che certamente strapperà una lacrima come compianto per quei poveretti che, straziati, la più parte morì senza neppure una sepoltura, anzi venne sepolta nelle proprie case!

Maria Erminia Nioi, pittrice scrittrice artigiana giornalista, mamma (Trascritto da Alessandra Socrinelli)

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econdo la tradizione, Sant’Efisio nacque a Elìa Capitolina, una colonia romana nel seno di Gerusalemme, attorno al 250 d.C. Rimasto orfano del padre Cristoforo, di religione cristiana, fu educato al paganesimo dalla madre Alessandra, di origine aristocratica.

Alessandra introdusse il figlio alla corte di Antiochia, presso l’imperatore Diocleziano, il quale lo prese sotto la sua protezione.

Efisio si arruolò fra i Pretoriani, diventò ufficiale e fu inviato in Italia per partecipare alla campagna di annientamento dei Cristiani, considerati nemici dello Stato e della legge romana.

Qui il giovane ufficiale visse un episodio che cambiò il corso della sua vita: mentre era in marcia verso Napoli (o Brindisi) alla testa del suo reparto, venne disarcionato da un bagliore improvviso.

Quindi una voce gli disse: “Sono il Cristo, colui che tu perseguiti”.

E sul palmo della sua mano destra si impresse una croce.

In seguito a questo evento prodigioso Efisio decise di convertirsi alla fede cristiana e si fece battezzare a Gaeta.

Quindi venne trasferito in Sardegna per contrastare gli Iliesi, le popolazioni ribelli dell’interno: prima prese servizio a Tharros, quindi presso il comando militare di Nora.

Nonostante gli editti anticristiani emanati da Diocleziano, Efisio cominciò a diffondere pubblicamente il Vangelo e radunò attorno a sé un gruppo di seguaci.

Non solo: scrisse all’imperatore e lo esortò ad abbandonare i falsi dei e a convertirsi alla nuova religione.

Foto cagliariturismo

SANT’EFISIO

Per questo motivo venne convocato a Cagliari presso il governatore Iulio, il quale gli intimò di tornare nei ranghi.

Efisio rifiutò decisamente di abiurare la fede cristiana, atto che obbligò il governatore ad arrestarlo e imprigionarlo in una cella ricavata da una caverna, nel luogo in cui oggi sorge la chiesa a lui dedicata a Stampace.

Qui venne flagellato, bastonato, scarnificato e bruciato con tizzoni ardenti.

Tuttavia, né le torture, né la madre Alessandra fatta intervenire dalla corte imperiale, riuscirono a farlo recedere.

Il nuovo governatore Flaviano ordinò che Efisio fosse bruciato vivo quale esempio per tutti i Cristiani, ma le fiamme del rogo si riversarono sugli stessi carnefici.

Allora Flaviano dispose la decapitazione per spada, da eseguirsi lontano dalla città per timore di insurrezioni a difesa del martire.

La condanna fu eseguita sulla spiaggia di Nora il 15 gennaio del 286 (o, secondo altre fonti, nel 303).

Si tramanda che prima dell’esecuzione Efisio abbia formulato questa preghiera: “Ti prego, Signore, di proteggere la città di Cagliari dall’invasione dei nemici.

Fa che il suo popolo abbandoni il culto degli Dei, respinga gli inganni del Demonio e riconosca Te, Gesù Cristo Nostro Signore, quale unico vero Dio. Fa che i malati che pregheranno sul luogo della mia sepoltura possano recuperare la salute, e chiunque si trovi in pericolo nel mare o minacciato dagli invasori, tormentato dalla fame o dalla peste, dopo aver invocato me, Tuo servo, possa essere condotto in salvo.” http://www.cagliariturismo. it/it/eventi-speciali/

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Foto Marco Fronteddu

oberta Congiu nasce a Cagliari nel maggio del 1981.

Nel 1999 consegue la Maturità Artistica presso il Liceo Artistico Statale di Cagliari col massimo dei voti; nel 2005, invece, si diploma con lode in Pittura presso l’Accademia delle Belle Arti di Sassari con la tesi intitolata “Il ribaltamento della Camera Oscura”, incentrata sull’utilizzo del mezzo fotografico in pittura e con particolare analisi del ciclo dei Photobilder dell’artista tedesco Gerhard Richter.

Nel 2007, inoltre, partecipa al IV corso di perfezionamento in Arte per la Liturgia, a cura del Museo di Arte Sacra Contemporanea Stauròs, seguendo il laboratorio del rinomato artista contemporaneo Omar Galliani.

Finalista in concorsi nazionali di pittura e grafica - le sue opere sono in diverse collezioni private - all’attività artistica affianca spesso quella di illustratrice freelance: negli ultimi anni, infatti, ha collaborato in diverse campagne pubblicitarie nazionali.

Curiosa e versatile, col tempo spazia fra diverse tecniche fino ad arrivare a creare le sue opere con quella che oramai è considerata il suo marchio di fabbrica: la penna a sfera.

La visione del corpo è scissa, guidata dalla necessità di focalizzarsi solo su singoli elementi per ritrovarne la totalità, muovendosi nella complessità del femminile.

ROBERTA CONGIU “A woman left lonely will soon grow tired of waiting/ She’ll do crazy things, yeah, on lonely occasions”.

(Janis Joplin) vedi anche vimeo.com/372073619

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i può fermare il tempo con una penna a sfera?

Un mondo in un istante, una narrazione scritta con inchiostro nero e tessuta con un sapiente tratteggio a incrocio alla ricerca dell’unicità di un momento, fugace e illusorio, fissato ad aeternum in un’armonia perfetta di luci e ombre, perfetta sintesi dell’animo umano. Storie raccontate nei dettagli e dai dettagli, scorci di esistenze, di corpi e di sguardi, di anime.

Nelle opere di Roberta Congiu, raffinata artista nata a Cagliari nel 1981, la parte diventa il tutto, una sorta di sineddoche grafica dove nel particolare è racchiuso il racconto di vite nascoste, intuite e finalmente svelate.

La tecnica è sorprendente, l’iperrealismo che sfiora la rappresentazione fotografica ma con qualcosa di unico: lo sguardo e la mano dell’artista che portano alla luce l’essenza più autentica dei soggetti rappresentati, il rigore di una scelta monocromatica che lascia lo spazio per rappresentare con pienezza la dimensione più intima dell’Io, le infinite sfaccettature e sfumature delle emozioni umane.

Il dato estetico è funzionale allo studio dell’interiorità dei soggetti rappresentati: lo sguardo indugia sulle linee dei corpi, negli intrecci delle mani, nelle pieghe delle esistenze che Roberta racconta in un viaggio esperienziale da cui si viene sorpresi, travolti, e indiscutibilmente conquistati.

Non è menzogna: è sortilegio.

Emanuela Kalb

I

l linguaggio espressivo di questa giovane artista, diplomatasi all’accademia delle Arti di Venezia e da sempre impegnata in un contesto di volontariato sociale, riflette una sensibilità toccante, che attraverso la pittura cerca di farsi messaggio concreto.

Non si disperde in parole, che spesso sono bolle evanescenti di retorica, ma dipinge emozioni profonde e sentite.

Cresciuta in un ambiente di aperta sensibilità familiare, ha vissuto i grandi turbamenti di una società in evoluzione e in perenne contrasto, l’integrazione, la solidarietà umana, la ricerca del lavoro, la formazione giovanile fatta di nuovi paradigmi vicini alle esigenze di una eterogeneità di pensiero senza confini.

Tamara si specchia sull’ambiente che vive e sulle tematiche che ne derivano.

Legge, interpreta, filtra il coacervo di emozioni. Veste i protagonisti di sinuose ed ecclettiche posizioni, interpretando i pensieri e le esigenze con forme e cromie. La sua pittura, calda di un formale espressionismo, si fa generale visione di animi e non di somatismi.

In molte sue opere aleggiano figure che non hanno volto, perché si generalizzano ad interpretazione di ognuno.

Scene di vita paesana, feste, sagre, processioni diventano cartoline illustrate di uno stile di vita, di una remota

Foto tamarazamboni

TAMARA ZAMBON

carezza di nostalgia, di un desiderio forte di dare continuità ad una saggezza di vita che va sempre più confondendosi con l’indifferenza, con l’esasperata ricerca del superfluo a danni dell’essenziale, con la sete del tutto subito e senza sforzo. È una pittura da cronaca che parla, senza accenti e etimologie verbali derivate dal voler fagocitare più che informare.

Ella non distorce alcun messaggio, dichiara e afferma attraverso le sue emozioni un percorso coraggioso alla ricerca dell’essere, della concretezza operativa, dell’affermazione dei valori morali essenziali.

Tamara parla con insistenza e convinzione in ogni sua opera, il tratto è veloce e mai banale, distintivo,mai evasivo pur nell’inadempienza figurativa dei tratti formali.

La licenza di lettura è il sentimento, il coinvolgimento emotivo, dove l’interpretazione è ricca di valori che sono la morale e il succo del racconto.

Caracò Giuseppe Tamara Zambon, restauratrice e artista, nata e residente a Fontanafredda, diplomata dell’Accademia delle Arti di Venezia è insegnante di pittura ed anche illustratrice di libri per bambini presso le Editrice Il Castoro.

E’ inoltre finalista del Premio Marchionni 2020. w w w. f a c e b o o k . c o m / zambon.tamara.7 www.pinterest.fr/tamarazambon/

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Foto maxresdefault/youtube

’attore Guglielmo Aru ha lavorato sia per il teatro che per il cinema, ma ha prestato il suo volto anche ad alcune campagne pubblicitarie.

Sul palcoscenico ha interpretato Pirandello nel 1980, “Corpi in Scena” al teatro Cada Die, quindi “Il pescecane”, “Carne”, “La preda” e “Uccelli” di Aristofane, tutti diretti da Giancarlo Biffi.

Sul grande schermo ha fatto parte del cast de “Il fuggiasco”, diretto da Andrea Manni, ma anche di “Fallo!”, per la regia del maestro dell’erotismo tricolore Tinto Brass, e di “5x2” diretto da Francois Ozon. Prossimamente lo vedremo nel ruolo di Don Pedro d’Aragona in “Eleonora D’Arborea”, diretto da Clavert Salizzato.

Aru ha partecipato inoltre alla realizzazione di alcuni spot pubblicitari tra cui uno per Maxibon Motta, Fiat Ducati e le valige Roncato - e per alcuni videoclip musicali, tra cui quello per il brano “Torno Subito”, di Max Pezzali.

Nel 2012 ha fatto parte del cast di “Terza categoria” nel ruolo di un delegato FEFA con Stefano Accorsi nel ruolo di protagonista.

Ultimamente ha partecipato al film “Side Effects” diretto da Antonio Meloni insieme a Carmelo Bacchetta, Maurizio Barbarossa, Andrea Berlucchi, Virginia Carrara, Gianni Casali, Teresa Castello, Katia Corda.

GUGLIELMO ARU Precedentement ha interpretato il ruolo di un infermiere nel film “Arcadia” di e con Tore Iantorno Asta, insieme a Gabriele Carta, Sergio Massenti, Maura Murru, Giampiero Orrù e Valentina Sulas.

Non gli deve essere stato difficile di immedisimarsi nel ruolo visto che nella vita civile é impegnato insieme alla Croce Rossa Italiana in questi momenti particolarmente provanti per tutti.

Altro film al quale ha partecipato nel 2017 “Unhumans” diretto da Antonio Meloni che visibilmente apprezza la sua prestazione. Suoi partners Chiara Fanti e Daniele Meloni.

Non bisogna dimenticare il Teatroteca “La porta illuminata” che ha creato e che dirige e gestisce insieme ad una compagnia amatoriale ma estremamente ambiziosa e largamente professionale nel suo attaccarsi a testi classici ma anche produzione inedite come la creazione in prima mondiale di “Francesca Rosso” dramma amoroso storico.

In questo momento le prove del loro prossimo spettacolo si svolgono naturalmente attraverso le telecamere del web.

Ricordiamo inoltre le sue acclamatissime prestazioni, travestito da clown, non solo alla Saratantira cagliaritana, ma anche in transferta a Nuoro ed altrove. (vedi il video qui https://vimeo.com/394065253)

Foto museo archelogico nazionale cagliari

luoghi della cultura: tra questi, saranno a breve disponibili per la fruizione i tour dell’area archeologica Su Nuraxi di Barumini, dell’altare preistorico di Monte d’Accoddi e della Pinacoteca nazionale di Sassari, che affiancano il Compendio Garibaldino di Caprera, già presente nei visori dei musei sardi.

Oggi il tour virtuale del Museo archeologico di Cagliari viene messo gratuitamente a disposizione di tutti per venire incontro al desiderio dei cittadini di essere vicini ai loro luoghi del cuore.

Il tour verrà, inoltre, presto implementato con la visualizzazione dei modelli 3D degli oggetti più importanti presenti Il link per connettersi al nelle vetrine. virtual tour è Il Museo archeologihttp://www.teravista.it/ co nazionale di Camuseo_archeologico_ gliari si apre a tutti virtualmente perché cagliari/ #laculturanonsiferma!

VIRTUAL TOUR D

a venerdì 3 aprile il Museo archeologico di Cagliari può essere visitato in modalità virtuale!

Grazie a 15 immagini sferiche ad alta risoluzione i quattro piani espositivi del Museo, con gli oltre 4000 reperti esposti, saranno visitabili comodamente da casa.

I visitatori avranno la possibilità di appassionarsi alla storia della Sardegna dal Neolitico antico all’anno Mille e di ripercorrere le sale che espongono i reperti che amano oppure di esplorarle per la prima volta e ripromettersi una visita reale alla riapertura del Museo.Il progetto nasce da un accordo tra il Polo museale della Sardegna (oggi Direzione regionale Musei) e la società Teravista, in collaborazione con l’Università di Padova, per la realizzazione dei tour virtuali, da destinare alla fruizione mediante visori VR vedi anche all’interno dei musei, di alcuni importanti

vimeo.com/112156184

Piazza Arsenale 1, 09124 Cagliari (CA) +39 070 655911

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enato Mambor era alto, molto alto, un metro e novanta di gambe e braccia che guardavano «le cose distrattamente dall’alto», come diceva l’amico Remo Remotti, artista, poeta e attore – un super eclettico come lui.

Oggi lo avremmo forse classificato come Slash Generation (quelli che “faccio il grafico/modello/attore/cameriere”), perché nel corso della vita ha intrecciato quasi tutti i linguaggi: pittura, scultura, cinema, teatro, fotografia, scenografia, installazioni.

Per sua fortuna non hanno mai provato a etichettarlo.

Quando aveva vent’anni il mondo girava vorticoso, era l’inizio degli anni Sessanta, a Roma si sperimentava, si sovvertiva il passato, e il centro magnetico della terra era Piazza del Popolo.

Ai tavoli del caffè Rosati Mambor passava le giornate a fumare, bere e parlare di arte con una tribù di giovani artisti belli, dannati e squattrinati come lui.

Si chiamavano Tano Festa, Mario Schifano, Franco Angeli, Pino Pascali, Cesare Tacchi, Giosetta Fioroni.

Condividevano case, amori, amicizia, idee, esponevano in gallerie come La Tartaruga di Plinio de Martiis, frequentavano Pasolini e gli scrittori del Gruppo 63,

RENATO MAMBOR

respiravano l’energia dirompente del dopoguerra.

La chiamavano la Scuola di Piazza del Popolo anche se scuola non lo è mai stata veramente «perché qui non ci sono allievi né maestri».

Dalla sua cima Mambor osservava e osservava; girava in moto o in autobus, e guardare i segnali stradali gli aveva suggerito le sagome bidimensionali dei suoi celebri omini statistici.

Li aveva inventati nel 1962, riempiva le tele con la sagoma bianca del classico omino da segnaletica o proiezione statistica.

Qualcuno ha scritto che in questo modo aveva anticipato anche le faccine e i simboli dei social media.

Lui più che altro cercava di buttare «l’io fuori dal quadro», togliere dalla figura umana il carico di messaggi e conformismi che pesano sull’individuo. «È curioso notare» diceva «come l’alone di anespressività che do ai miei quadri crei una fascinazione nel pubblico, come se più togli al quadro e più carichi lo spettatore».

A Parigi era in corso fino alla fine di marzo una grande retrospettiva, la più grande mai fatta all’estero, intitolata Renato Mambor. Da oggi a ieri, verso domani.

La ospita la Galleria Tornabuoni Art, che è diventata punto di riferimento a livello mondiale per tutto quello che riguarda l’artista.

Foto renatomambor

E’

il primo grande appuntamento dopo le mostre al Macro di Roma e al Palazzo Te di Mantova nel 2014, anno in cui Mambor è morto, a 78 anni.

Sarebbe felice di scoprire che proprio lui ora guida il nuovo interesse del mercato verso la Scuola di Piazza del Popolo.

La mostra parigina è un volo libero in una ricerca incessante; ci sono i quadri, le installazioni, e gli splendidi 47 minuti del documentario Mambor di Gianna Mazzini. È stato fondamentale il contributo dell’Archivio Mambor gestito dalla moglie, Patrizia Speciale Mambor, e dalla figlia Blu, impegnate a non disperdere la vitalità di un uomo che ingoiava l’arte e «i giorni con avidità» ed era curioso di tutto.

«Ricordo esattamente il momento del nostro primo incontro» ci racconta al telefono Patrizia Speciale.

«Era il 1978, la mia casa di Roma era una specie di comune, seguivo un gruppo di psicoterapia gestaltica e un giorno a un incontro arriva questo tipo, con un maglione rosso dal collo alto, insieme a una ragazza.

Renato all’epoca era già passato dalla pittura al teatro, aveva una compagnia sperimentale, la Trousse, che prendeva il nome da una sua scultura.

Frequentava Memè Perlini, Carmelo Bene, Pippo Di

vedi anche youtu.be/a8eujnFy9PI youtu.be/WyC0QEjSxM youtu.be/kj9_zacdJFs youtu.be/O8bj_gZFXI8 youtu.be/rFZiBizSYpY

Marca, lo affascinava il mondo delle cantine.

Quando mi ha chiesto di unirmi a loro non ho esitato, è stata una grande avventura.

Quel giorno io non sapevo ancora chi fosse, ma quell’immagine mi è rimasta dentro».

Era bellissimo, Renato Mambor, come un attore maledetto, coi suoi occhi «azzurro chirurgico» come li descriveva l’attrice Paola Pitagora che è stata la sua fidanzata per tutti gli anni 60.

Non era l’unico ad avere il fascino dell’artista underground; Mario Schifano faceva a gara con Mick Jagger per l’amore di Marianne Faithfull; Franco Angeli aveva fatto perdere la testa a Marina Lante della Rovere; Mario Ceroli era stato il compagno di Daria Nicolodi prima che lei si mettesse con Dario Argento.

Con Paola Pitagora si erano conosciuti a un corso di recitazione.

Era stato lui a suggerirle il nome d’arte («Sei piatta come la tavola pitagorica, chiamati così!»), compaiono insieme anche nella Dolce Vita di Fellini.

La storia è nota: Renato è alla pompa di benzina di suo papà, due uomini del casting si fermano per il pieno e uno gli chiede: «Sai ballare?». «So’ er mejo tacco der Quadraro».

Se nel capolavoro felliniano c’è finito per caso, poi ha continuato, per soldi (segue pagina 26)

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Foto biennale venezia 1966

(segue dalla pagina 25) o per divertimento poco conta; “Totò, Fabrizi e i giovani d’oggi” e “Urlatori alla sbarra” con Chet Baker, “Il mantenuto” di Ugo Tognazzi, “Il figlio di Django”, “Se vuoi vivere…spara!” e altri mille.

Forse a definirlo solo eclettico si pecca di understatement.

«Renato ha avuto sempre quello che lui chiamava l’assillo» ricorda ancora Patrizia.

«Un lavoro continuo sul linguaggio.

Diceva: voglio fare tutto, cantare, ballare, fare teatro, ma lo voglio fare da pittore.

Perché fare il pittore, diceva, è qualcosa che riguarda la vita».

Del teatro lo affascinava la dimensione del collettivo.

«Gli mancava. Con i suoi compagni degli anni 60 passava ore a visitare gli studi, discutere, notti intere a confrontarsi.

La chiamava l’amicizia feroce. Aveva ritrovato nel teatro quella gioia, il darsi continuamente degli stimoli; Bruno Mazzali, il fondatore del Patagruppo, gli prestava le casse, Lucia Poli gli dava dei consigli…». È durata finché i problemi di salute, una difficile operazione al cuore, non lo spingeranno negli anni 80 a lasciare e tornare alla pittura.

«Il lavoro cambia perché cambio io», diceva.

Al centro però sempre il corpo; che fosse l’uomo

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statistico degli esordi, le tele ispirate ai Rebus della Settimana Enigmistica, il fisico che si annoda e si lega nella serie delle Azioni, o che diventa oggetto come la mano meccanica dell’Evidenziatore.

Non era Pop Art come quella americana (che non lo appassionava, infatti scappò dagli Usa dopo una breve esperienza): «Renato era lo sguardo. Tutta la sua ricerca era l’indicazione a chi guarda della possibilità di cambiare sguardo, di avere un altro punto di vista. E questo tema lo ha sperimentato nella pittura, nel teatro, ma soprattutto su se stesso come uomo».

Lo ha aiutato il buddismo scoperto nei tardi anni, o la sua “forza tranquilla”, la capacità di leggerezza anche quando tutto pesa troppo e ti tira verso il fondo. «La sua capacità di trasformazione della drammaticità della vita in uno sguardo diverso penso sia più che mai attuale» conclude Patrizia Speciale.

L’ultima foto del film a lui dedicato lo ritrae vecchio, scheletrico e bellissimo, con dei guantoni da pugile: Renato combattente.

«Li aveva chiesti in prestito all’infermiere che lo assisteva, e quello la mattina dopo glieli portò.

Renato aveva convocato il fotografo, aveva già in mente cosa fare. La sua ricerca è stata così, un’invenzione continua».

ALBA SOLARO https://rep.repubblica.it/pwa/venerdi/renato_mambor

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Foto cagliaricalcio

GIGI RIVA on ho mai amato le celebrazioni, i momenti sacri. L’ unica cosa solenne del calcio sono i 90 minuti. Non mi piace la retorica, la narrazione dei campioni d’ acciaio che vincono tutto.

Io ero un orfano che il calcio ha reso adulto.

Ero un uomo pieno di debolezze umanissime, in una squadra di uomini come me, fatti di carne e di ossa, che erano diventati la mia famiglia».

Gigi Riva soffia via una nuvola di fumo e mi guarda negli occhi: «Noi non siamo stati super eroi, fotomodelli da copertina, campioni di ingaggi. Siamo diventati campioni d’ Italia perché quando eravamo insieme ci trasformavamo, perché la cosa più bella di questo sport è che un gruppo può davvero diventare più della somma dei singoli talenti.

Io ho amato il pallone per questo».

Un pomeriggio nella casa di Gigi Riva, con i mobili sobri stile anni Sessanta, le collane con gli accrediti plasticati degli stadi di tutto il mondo (raccolte da accompagnatore della nazionale azzurra) appese come un trofeo alla parete.

Riva ride di gusto, guardando la matassa: «Quella della nazionale è stata una stagione felice».

Sono passati cinquant’ anni dallo storico scudetto del Cagliari, ma a pensarci bene è molto più di un secolo.

Tommaso Giulini, il presidente che ha rilanciato il Ca-

gliari nel calcio che conta, e che ha riportato i rossoblù in gara per l’ Europa, ha dovuto sudare sette camicie perché Riva accettasse la nomina a presidente onorario della squadra.

Gigi è l’ uomo più schivo del mondo, non ama i galloni di latta: «Lo sai, è un classico, non solo del calcio. Le vecchie glorie che vogliono mettere il becco, che amano il pennacchio e la ribalta».

Ma è stata proprio la ritrosia a far scattare il congegno del racconto, in quel pomeriggio festivo.

Riva spiegava che dopo la proposta di Giulini aveva trascorso «due notti in bianco», che era stato tentato di chiamare il presidente e dirgli: «Tommaso, grazie mille ma non accetto». E che gli era passata tutta la vita davanti. E che vita: la storia inizia con due lutti drammatici, la vita in collegio.

Pausa, sigaretta: «Mio padre era stato barbiere, sarto. Nel 1953 era andato a lavorare in fonderia, faceva l’ operaio quando morì per un infortunio sul lavoro».

Un pomeriggio a casa di Riva parlando di «quella volta che Boniperti», i leggendari no alla Juventus, i segreti di Dino Zoff e di Enrico Albertosi, il rapporto delicato tra la storia familiare e il romanzo di formazione di un campione unico.

Un pomeriggio guardando il calcio di oggi con gli occhi del calcio di ieri.

E persino con il sorriso: (segue pagina 28)

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(segue dalla pagina 27) «Negli anni Sessanta con l’ ingaggio di serie A sopravvivevi appena.

Vivevamo di premi partita.

Ci guadagnavamo il pane punto dopo punto.

E il severo magazziniere del Cagliari non mi cambiava gli scarpini scuciti dicendomi: “Gigi, abbiamo un calzolaio straordinario che te li rifà nuovi!”. Ah ah ah. Il bello è che era vero».

Un pomeriggio viaggiando nella memoria tra Leggiuno, Lombardia, terra natía, e Cagliari, Sardegna, patria adottiva.

La madre Edis lavorava in filanda e faceva le pulizie: lo manda in collegio.

E l’ odio di Gigi per quella struttura non lo lascerà mai più: «Una formazione durissima.

Il peso, l’ umiliazione di essere poveri, le camerate fredde, il mangiare da schifo, il dover dire sempre grazie a chi portava il pane, i vestiti usati, e pregare per i benefattori, e dover stare sempre zitti, obbedienti, ordinati, come dei bambini vecchi». È l’ Italia ancora povera, quella degli anni Sessanta: «Ho dovuto fare i conti per tutta la vita, con il ricordo di quelle notti».

Ed è un’ immagine terribile ancora oggi: «È quando stai per addormentarti che la giornata ti cade addosso.

Quante volte aspettavo quel momento in cui tornati in camerata potevo mettere la testa sotto le coperte, chiudermi in una gabbia fatta con le lenzuo-

la, un filtro che mi isolasse da tutti». Altra pausa. «Restare solo così: e piangere».

Gigi arriva al Legnano a suon di gol. Il mancino che lo porterà nella storia è già esplosivo. Ma proprio quando si sente accolto lo raggiunge la notizia della morte della madre: «Nella mia memoria privata Legnano è questo: il giorno in cui mi arriva la notizia più terribile della mia vita. Mia madre non c’ è più, sono solo al mondo».

Giocava in serie C, anno 1963.

E proprio in quel momento un altro trauma, la cessione al Cagliari: “Non è leggenda. Ero arrabbiato con il mondo. Incazzato nero”».

Lo aspetta un viaggio rocambolesco sull’ aereo a elica che di lì a poco lo porta in Sardegna: un 212 Fiat trimotore.

Il colpo di mercato è una storia da film: «All’ Olimpico, per la nazionale Juniores, 13 marzo 1963, molti osservatori in tribuna: per il Cagliari ci sono Silvestri, Tognon e Arrica.

Nell’ intervallo chiudono l’ accordo con il Legnano per 37 milioni».

Ma nel secondo tempo «io segno il 3 a 2 della vittoria e il Bologna a fine partita offre 50 milioni».

Tuttavia il presidente del Legano non si rimangia la parola: «I dirigenti si erano già stretti la mano e quindi niente da fare: Cagliari.

Foto cagliaricalcio

A me non lo dice nemmeno il presidente, ma il mister Lupi». Finisce su quell’ aereo tra Milano e Cagliari, viaggio infinito.

«Quattro scali! Non era un aereo, ma una corriera Quando ho visto per la prima volta le luci del golfo di Cagliari, nell’ ovale del finestrino buio, ho pensato davvero: “Ma dove sono arrivato? In Africa?”».

Sospira: «Ero un ragazzino di diciassette anni che non si era mai allontanato da dove era nato, e che adesso arrivava in un luogo sconosciuto senza sapere se mai sarebbe tornato a casa sua».

Ad Alghero, addirittura, si informa se c’ era un volo che tornasse a Milano.

Nulla è facile. Nei giorni dell’ esordio, Gianni Brera, che poi conierà l’ appellativo di Rombo di tuono, scrive che sembrava «zoppo».

Aggiunge: «Gioca solo con il sinistro».

Riva oggi ride: «Vero. Ma inizio ad ambientarmi in città.

La cosa bella, da subito, è stato il gruppo, la squadra.

Quelli di noi che non erano sposati stavano alla foresteria.

Dormivamo insieme, vivevamo insieme. Mangiavamo insieme».

Gli spiace molto la foresteria, dove stanno gli scapoli: «Tomasini, Nenè, Cera ed io».

Dividendo la spesa acquistano una famosa Fiat 600.

E l’ istruttore della scuola guida gli dice: «Se segni domenica ti do la patente subito!».

Realizza una doppietta e vince la scommessa.

Torna a Cagliari dall’ istruttore: «Era l’ uomo più felice della terra, contento che avessi segnato “per lui”».

Il giorno dopo guidavo da solo per le vie di Cagliari».

Sul campo, non c’ erano sponsor: le scarpe, gli occhiali, le tute.

Tutto era razionato dalla società.

Approfitta dei famosi scarpini Valsport «Gigi Riva», sogno degli adolescenti del 1970.

E il bomber si fa serio: «Adesso ti rivelo un segreto.

Li avevo disegnati io: materialmente, intendo. Erano bellissimi, per l’ epoca: tutti in cuoio spesso. Avevano un rinforzo a doppia cucitura sulla punta e sul tallone, ovviamente. E poi altri due raddoppi di cucitura intorno al plantare.

Così, vedi? Sotto l’ arcata e sull’ esterno».

Sospiro: «Spesso spaccavo gli scarpini, mi facevano male i piedi, dopo le partite».

Dice che i denti, per via della postura e dei digrignamenti gli danno noia anche oggi.

Così firma il contratto con la Valsport, solo a patto che rifornisse anche i compagni e che avessero le quattro cuciture.

Racconta ancora: «A me gli scarpini si scucivano, si spaccavano. Letteralmente. (segue pagina 28)

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Foto calciocagliari

(segue dalla pagina 27) Dopo certi interventi, dopo certi tiri».

Un giorno Fabio Capello lo osserva durante un allenamento: «Quattordici cross, quattordici tiri al volo, quattordici centri consecutivi: Gigi faceva paura».

Si entra nella favola, quasi senza rendersi conto: «Siamo andati avanti così: un gruppo di ragazzi che amavano follemente il calcio, una squadra vera, un grande allenatore, e passo dopo passo siamo arrivati al tricolore».

Per tutto il 1969 sono primi in classifica, ma non ne parlano nemmeno: «Poi Scopigno nello spogliatoio di Bari dice una frase. Entra e fa: “Se non perdiamo oggi viviamo lo scudetto”».

Altra pausa: «Infatti non perdemmo a Bari e vincemmo lo scudetto».

Ne posso dire una su Albertosi? Restiamo in silenzio: «Zoff era bravissimo a parere tutto il possibile.

Ma Ricky era il numero uno nel parare l’impossibile».

Il primo trofeo al Sud, in un campionato, un’ isola in festa.

Oggi Riva dice: «Io ero orfano e poi sono stato adottato da una squadra e da una città. E infine da una regione».

In Messico, in quella stessa estate, diventa il beniamino d’ Italia, il marcatore azzurro più prolifico della storia.

La Juve lo vuole a tutti i costi.

E qui c’ è un aneddoto su-

blime: «Dopo la terza volta che avevo rifiutato il trasferimento loro avevano capito che non mi sarei mosso.

Tuttavia mi chiamavano ogni anno. Ogni anno!».

Un po’ tutti: «Sì Agnelli, certo. Mi voleva. Ma quello che proprio non mollava mai era Boniperti. Mi chiamava ogni anno».

Ne parlava nello spogliatoio: «Ai miei compagni dicevo: se a voi va bene non mi muovo. Una volta Martiradonna mi fa: “Ecco, rimani, così finisco di pagare la cucina”».

Un giorno, negli anni Duemila, in un aeroporto Riva incontra qualcuno della Juve che gli dice: «Gigi, chiamiamo insieme Boniperti e gli facciamo gli auguri?». Accetta: «Prendo la linea io per un effetto sorpresa. Faccio: “Sono Gigi Riva!”».

E lui? «Sento dall’ altra parte del telefono che lui c’ è.

Ma non dice nulla. Gli faccio: “Mi senti Giampiero?”.

Risposta: “Ti sento, ti sento Gigi”. E fa una pausa. Allora gli chiedo: “Tutto bene?”. E lui, serissimo: “Bene, sì. Ma non sarei sincero se non ti dicessi che io questa telefonata, da te, l’ aspettavo mezzo secolo fa”».

La serata sta per finire: «Non ho mai amato il trionfalismo. La retorica. Noi eravamo un gruppo di ragazzi che siano diventati uomini sul campo.

Io ero pieno di dubbi, di insicurezze. Ma grazie ai miei compagni sono diventato quello che tutti conoscono». calciocasteddu.it/Dagospia

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e chiavi del momento magico del Cagliari?

Il presidente Tommaso Giulini le riassume in due parole: “umiltà e personalità”.

Due valori che per il massimo dirigente rossoblù stanno alla base della partenza record.

Ma che possono essere punti di riferimento anche per il futuro di un campionato particolare anche nei numeri. Non è solo il torneo del centenario: 1920, la nascita del Cagliari (a maggio ci sarà una grande celebrazione).

Ma alle porte c’e’ anche il cinquantenario dello scudetto del 1970.

E il cerchio si chiude in qualche modo domenica prossima: alla Sardegna Arena arriva la Fiorentina, storica rivale rossoblù del 1969 (scudetto ai viola, Cagliari secondo) e del 1970 (la vittoria a Firenze portò il Cagliari al primo posto in classifica, mantenuto sino alla fine del torneo).

“Dobbiamo continuare su questa strada – ha detto il presidente rossoblù – con umiltà e con la stessa personalità dimostrata sinora in campo”.

E i complimenti arrivano anche da Ricky Albertosi, portiere dello storico scudetto: “Ho visto davvero un grande Cagliari, che ha dimostrato di essere più in forma dell’Atalanta. La squadra di Maran è stata favorita dall’autogol e dall’espulsione di Ilicic, ma ha meritato di vincere.

Il Cagliari è una bella sorpresa”. AnsaNews

l campionato di Serie A chiude, si spera temporaneamente, i battenti.

La lotta scudetto resta, dunque, congelata e ora ci si chiede quale sarà il destino del campionato. Nella riunione del 10 marzo sono state avanzate tre ipotesi: l’annullamento del campionato, l’assegnazione del titolo in base all’ultima giornata disputata e la creazione di un playoff proprio per l’assegnazione dello scudetto.

Detto questo ecco che la grande maggioranza dei bookmaker ha deciso di sospendere le quote scudetto 2020 e di capire il da farsi prima di riproporle magari già dai prossimi giorni.

Ma qual era la situazione delle quote vincente Serie A prima dello stop ai campionati?

In testa alla lavagna delle quote vincente Serie A c’è la Juve il cui ennesimo scudetto è pagato mediamente a 1.45 circa 8 punti in meno rispetto al moltiplicatore dell’Inter.

Le sconfitte contro Lazio e Juventus pesano e non poco per Lukaku e soci, specie se si tiene conto del regolamento della Serie A in caso di arrivo a pari punti. In tutto ciò, è interessante monitorare la quota scudetto della Lazio, a -1 dai bianconeri ma con il “vantaggio” di non dover disputare match di coppa. www.superscommesse.it/ notizie/vincente_serie_a

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Vision of China num 2

Foto Roby Anedda

Dopo un periodo passato al 301 Installando 8 posti letto di rianimazione, passai all’University Beijng Hospital dove rincontrai una dottoressa conosciuta a Milano in azienda prima della mia partenza.

Una conoscenza fugace in azienda e in albergo davanti a una tagliatella funghi e panna, molti sguardi poche parole, lei molto felice e entusiasta del mondo intorno, io molto in imbarazzo per lo scarso livello del mio inglese, molto limitato al mondo tecnico e poco avvezzo al resto, (segue pagina 33 )

Foto Roby Anedda

Una tranquilla giornata autunnale in Piazza Tienanmen, turisti islamici in tour tra il mausoleo di Mao Tse-tung e la Città Proibita.

Foto Roby Anedda

Un gigantesco ritratto di Mao Tse-tung all’ingresso della Città Proibita.

Quotidiana mobilità a Pechino nel 1986, tacchi suole e biciclette.

Foto Roby Anedda

Sono le 17:00 tutti rientrano a casa dopo il lavoro, tutti lavorano in Cina nel 1986.

Foto Roby Anedda

Anche in una Pechino del 1986 la mascherina si usava, era un segno di rispetto per il prossimo quando si aveva anche un semplice rafreddore.

Foto Roby Anedda

La mobilità a Pechino nel 1986 è per la quasi totalità assicurata dai mezzi pubblici e da biciclette, le auto si possono contare, lo smog allora nelle città non c’era ancora.

il nostro incontro dopo tre settimane fu come quello di due persone sempre state amiche tra un lavoro e l’altro, una postazione pronta e un pranzo all’insegna del cibo cinese e al ricordo della cucina italiana ed a quelle tagliatelle gustate insieme, ho scoperto tanti cibi gustosi che non ho mai ritrovato qui pur frequentando i migliori ristoranti cinesi e niente volevo dirvelo, le persone e il cibo vanno conosciute in loco.

Roby Anedda Roby Anedda ha pubblicato queste fotografie, sulla sua bacheca Facebook, realizzate durante un suo viaggio in Cina nel 1986,mi è piaciuto.

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EPIDEMIE NELL’ARTE IN ITALIA

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uando l’attualità s’intreccia con la storia scaturiscono corrispondenze che mai avremmo immaginato in tempi non sospetti, come sembra testimoniarci una tra le più celebri opere di Giambattista Tiepolo (Venezia, 1696-Madrid,1770), «Santa Tecla libera Este dalla pestilenza», eseguita nel 1758 per celebrare la fine dell’epidemia che flagellò Venezia e i territori limitrofi nel biennio 1630-31.

La grande pala d’altare si trova tutt’oggi conservata nel Duomo della cittadina padovana a 16 chilometri dal piccolo centro di Vò Euganeo, balzato poco più di un mese fa alla cronaca nazionale per aver pianto il primo morto di Covid-19 in Italia.

La storia ricorre, quindi, a ricordare il dolore della malattia e della perdita, reso immortale dal pennello tiepolesco attraverso il cammeo del suo capolavoro: una bimba in lacrime, inconsolabile, prona sul cadavere della madre nel disperato tentativo di risvegliarla, invano.

In questa struggente metafora della morte forse ora più che mai ci si può riconoscere attraverso una sorta d’immersione emotiva che rischia di obliterare il resto della raffigurazione, ben più importante nelle intenzioni dell’artista.

A dominare la scena sono, infatti, i personaggi

all’estremità opposta della tela: Santa Tecla inginocchiata e Gesù Cristo che ordina agli angeli di porre fine all’epidemia.

Questo, nell’immaginario dei veneziani, era accaduto in quei tragici anni del primo Seicento e nel terzo quarto del secolo precedente (1575-76), quando il «morbo insanabile» investì la città decimando un terzo della popolazione (46mila su 142mila abitanti) e cambiandola radicalmente nel volto e nell’anima.

Nonostante la Serenissima avesse avuto esperienza della malattia già in epoca medievale (la prima pestilenza di grandi proporzioni risale al 1348) e fosse dotata di strutture ospedaliere deputate alla cura e quarantena in due isole della Laguna, il Lazzaretto Vecchio e il Lazzaretto Nuovo, non riuscì a impedirne la diffusione sul territorio.

Alcuni errori, tra cui uno decisamente veniale, concorsero a far esplodere l’epidemia in brevissimo tempo.

Alludiamo a una circostanza del tutto prevedibile e di buon senso, gestita invece dal doge con estrema ingenuità per non sfigurare agli occhi del «vicinato», nella fattispecie il duca di Mantova.

Questi, nel 1630, aveva inviato a Venezia come suo ambasciatore il marchese de Strigis, che giunse in città emaciato e privo di forze, ovvero con sintomi

Foto venessia.com

di peste molto sospetti, tanto più considerando che in bassa Lombardia il morbo era già ampiamente diffuso. Giudicato «persona di troppo riguardo» per essere trasferito nel Lazzaretto, s’insediò nell’isola di San Clemente, che per risultare più confortevole all’ospite venne sottoposta a lavori di ammodernamento svolti da un falegname di Castello; quest’ultimo, terminato l’impiego, se ne tornò nella sua dimora innescando il contagio su larga scala.

Il secondo, drammatico errore, investì invece il piano della politica, secondo un canovaccio a tutti noi tristemente noto e legato al timore di compromettere il benessere economico dello Stato con misure restrittive.

E proprio la consapevolezza d’interrompere i traffici commerciali e le normali attività cittadine fece negare agli organi di Stato l’evidenza della malattia, intimando il Provveditore alla Sanità Giambattista Fuoli, deciso nel proclamare lo stato d’emergenza, a contenersi «nel proferire così liberamente concetti pregiudiziali a negotii et al commercio publico et privato et alla libertà della patria».

La peste ebbe quindi modo di diffondersi con grande celerità tra la popolazione inerte, completamente indifesa e terrorizzata, i cui i cadaveri venivano abbandonati per strada, privi di sepoltura, a causa della mancanza di monatti; ragione per cui il Senato, in

data 2 novembre 1630, offrì ai carcerati in attesa di rimborsare le spese processuali, di commutare l’ammenda economica prestando servizio come becchini.

Riesce difficile immaginare un tale, apocalittico scenario nella città della bellezza e del piacere, che cercava di difendersi con il silenzio e la solitudine nelle case sbarrate, quasi a nascondersi dalla morte.

Non rimaneva che la fede, quella stessa fede che aveva già salvato il leone di San Marco e i suoi figli dalla pestilenza nel secolo precedente e a cui la Repubblica si era affidata facendo erigere la Basilica del Redentore (1577-92) sul canale della Giudecca, dove ancora oggi, la terza domenica di luglio, si ricorda l’epidemia con una processione votiva.

In data 22 ottobre 1630, all’apice della virulenza, il Senato decise quindi di ripetere il voto fatto all’Altissimo e consegnato ai posteri attraverso gli abbacinanti marmi palladiani, rivolgendosi questa volta alla Vergine, cui veniva fatta erigere la Basilica della Salute su progetto di Baldassarre Longhena (Venezia, 1598-1682): una chiesa «magnifica…con pompa», dove i veneziani si sarebbero recati il 21 novembre di ogni anno in occasione dell’omonima festività, percorrendo uno scenografico ponte galleggiante(segue p 36)

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Foto_ilgiornaledellarte.com

(segue dalla pagina 35) allestito per ricordare la conclusione dell’epidemia.

Nel dicembre dell’«annus terribilis»i contagiati si dimezzarono, per poi scendere progressivamente fino all’estinguersi del morbo.

Il voto aveva funzionato anche questa volta, procurando a Venezia un monumento di grandiosa suggestione, che sarebbe stato protagonista d’innumerevoli vedute del secolo d’oro in virtù della mole poderosa e dei ricchissimi decori, tra cui spicca la statua della Madonna con il bastone da «capitano de mar» posta sulla sommità della cupola più piccola.

Dal più profondo tormento, che le cronache raccontano trasformare uomini e donne in fantasmi vaganti per le strade «nulla più curando la vita», oppure accalcati in attesa di giungere presso i lazzaretti, dove li aspettava un infausto destino che alimentò macabre leggende di creature simili a vampiri, il popolo veneziano seppe rialzarsi non solo con straordinaria dignità, ma con un ottimismo capace di trasformare il dolore in opera d’arte.

Invece di disperarsi per i propri cari perduti per sempre, per la povertà e per l’economia da ricostruire, i figli del leone gioirono di essere sopravvissuti grazie alla benevolenza di Dio e della Madonna, che andavano

ringraziati con il meglio che Venezia aveva da offrire: la bellezza, appunto.

L’arte diveniva, quindi, strumento di fede e le cerimonie religiose adunanze di popolo, dove la preghiera lasciava spazio alla festosa gioia di vivere, il più genuino sigillo della venezianità la cui apoteosi viene raggiunta nel Carnevale.

Proprio durante la festa della spensieratezza, dove ogni affanno e ogni differenza sociale si accantonano, anche la peste venne esorcizzata con l’arma della dissacrazione.

Tra i travestimenti del celebre evento ne abbiamo infatti rintracciato uno del tutto singolare, denominato «medico della peste», assolutamente identico alla divisa di protezione imposta dal dottor Charles de Lomar agli operatori sanitari in visita agli ammorbati, come testimonia un acquarello di Giovanni Grevenbroch.

La divisa, che prevedeva guanti, occhiali e una maschera dal becco adunco dove erano riposte spezie ed erbe medicamentose atte a evitare il contagio, è minuziosamente descritta nei testi del tempo: «I loro cappelli e mantelli, di foggia nuova, sono in tela cerata nera.

Le loro maschere hanno lenti di vetro I loro becchi sono imbottiti di antidoti.

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L’aria malsana non può far loro alcun male, né li mette in allarme.

Il bastone nella mano serve a mostrare La nobiltà del loro mestiere, ovunque vadano».

Nobiltà del tutto perduta, o perlomeno dimenticata per quanti, avvolti in quegli abiti, si univano ai festeggiamenti nelle calli e campielli veneziani, mischiandosi a dame, cicisbei e tabarri.

Il fascino di quel finto volto dal becco adunco giunge intatto sino ai nostri giorni facendo sfoggiò di sé nelle vetrine dei «maschereri»: forse ignaro delle sue origini, forse soltanto sprezzante di un pericolo ormai scampato di cui ci si può prendere gioco.

Federica Spadotto Ha scritto un amico psichiatra, Gilberto Di Petta, in una notte di pronto soccorso in questo mese di marzo: «Nel caso diventassimo terminali, ancorché lucidi, la “damnatio mortis” maggiore sarebbe quella di lasciare il mondo in solitudine totale, senza neppure uno sguardo o un contatto, poiché non potremmo neppure salutare per l’ultima volta le persone a noi più care, se non nel nostro immaginario. E per loro sarebbe lo stesso. Anche la morte da Covid-19, è una scomparsa senza rito. Una morte clandestina, come è clandestina la vita che ci è rimasta da condurre». www.ilgiornaledellarte.com/articoli/epidemie-nell-arte-in-italia-

a fatto la pipì in un angolo della Basilica della Madonna Salute di Venezia, ma visto, è stato sanzionato dalla polizia municipale per 3mila euro. Protagonista della vicenda un uomo originario del trevigiano - come riferisce il quotidiano La Nuova Venezia - che ha scelto peraltro uno dei giorni meno adatti . La Basilica della Salute, infatti, è oggetto fino al 21 novembre, del pellegrinaggio annuale a ricordo della sconfitta di una delle tante pestilenze che ha colpito la città ed è stata realizzata proprio come segno di riconoscenza alla Vergine. Per l’occasione la Basilica della Salute è raggiungibile con un apposito ponte su barche a scavalcare il Canal Grande ma è anche attrezzata, nelle vicinanze, con bagni pubblici. Non è il primo caso eclatante del genere in una città dove spesso il malcostume la fa da padrone nonostante le campagne di sensibilizzazione per il rispetto di una realtà che è monumentale in ogni sua pietra e che in questi ultimi anni ha visto le forze dell’ordine sempre più attente nel difenderne il decoro. Vicino alla chiesa c’erano bagni pubblici allestiti per l’occasione Tremila euro di multa. https://corrieredelveneto. corriere.it/venezia-mestre/cronaca/18_novembre_19/

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Foto gettyimages

li amanti dell’arte possono tranquillizzarsi.

Pur con il Coronavirus e la quarantena, tutti coloro che viaggiavano alla scoperta dei musei di tutto il mondo, potranno continuare ad ammirare capolavori inestimabili anche da casa.

Certo, non sarà come dal vivo, ma con le visite online, i musei si sono decisamente organizzati e gli appuntamenti sono ormai tantissimi.

I musei virtuali: da Firenze a New York Dal Museo Egizio di Torino alla Galleria degli Uffizi di Firenze, le Gallerie Estensi, La Galleria Borghese posta ogni giorno un dietro le quinte, dal Louvre di Parigi al British Museum di Londra, la Collezione Peggy Guggenheim.

E ancora dal Museo del Prado di Madrid al Metropolitan Museum di New York le occasioni per combattere la noia, ma soprattutto arricchire il proprio bagaglio culturale, sono tantissime.

C’è da dire, però, che non solo i grandi poli museali portano nella case i loro tesori.

E poiché questo periodo di isolamento sembra ottimo per mettere in moto la fantasia e la creatività, nel mondo dell’arte sono nate anche diverse iniziative che hanno coinvolto le persone e artisti anche meno conosciuti. museiincomuneroma.it sovraintendenzaroma.it segue alla pagina 39 google.com/artproject

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tesori della Capitale restano a portata di click, fra visite on line, video e immersioni digitali.

Il Comune di Roma ha indicato nel suo canale social un percorso da seguire passo dopo passo con aggiornamenti quotidiani con gli hashtag #iorestoacasa e #laculturaincasa.

Si può iniziare navigando su www.museiincomuneroma.it per sbarcare a tappe all’interno delle collezioni conservate nei Musei Civici, attraverso cinque tour virtuali. Si va dai Musei Capitolini ai Mercati di Traiano al Museo dei Fori Imperiali, dal Museo dell’Ara Pacis al Museo Napoleonico fino al Casino Nobile dei Musei di Villa Torlonia.

Vedi anche www.sovraintendenzaroma.it.

Il Sistema Musei Civici di Roma Capitale è anche presente sulla piattaforma www.google.com/artproject sviluppata dal Google Cultural Institute dove poter ammirare immagini ad alta risoluzione delle opere d’arte più importanti.

Poi c’è il sito del Parco archeologico del Colosseo così come i Musei Vaticani che offrono un’emozionante passeggiata on line, dove si possono ammirare, anche se da lontano, le meraviglie della Cappella Sistina, delle Stanze di Raffaello, del Museo Pio Clementino e mille altre miniere di arte senza confini spazio temporali.

We challenge you to recreate a work of art with objects (and people) in your home.

Choose your favorite artwork Find three things lying around your house Recreate the artwork with those items Vi sfidiamo a ricreare un’opera d’arte con oggetti (e persone) nella vostra casa.

Scegliete la vostra opera d’arte preferita Trovate tre cose che si trovano in giro per casa tua Ricreate l’opera d’arte con questi oggetti

Foto gettyimages

Foto_Stefania Lai

U

Un’altra sfida lanciata ai suoi follower su Twitter l’ha fatta il Getty Museum, chiedendo alle persone in quarantena di scegliere la proprio opera d’arte preferita, ricrearla utilizzando ciò che si ha in casa e alla fine condividirla con il mondo sui social media.

La sfida è stata accettata con grande entusiasmo e i lavori ricercati sono divertentissimi.Le risposte sono andate dall’esilarante all’impressionante e le opere d’arte ricreate sono andate dai classici come la Madonna con Bambino del Maestro di Santa Cecilia, ad opere moderne come Mirabelle di Helen Frankenthaler.

Ma il museo Getty non è stato il primo a suggerire di creare e postare esperimenti artistici ad hoc.

Un altro account Instagram ha fatto lo stesso «creato da “quattro coinquilini che amano l’arte».

Nel corso di una settimana, i “compagni di quarantena”, che abitano negli Stati Uniti, hanno ricreato opere d’arte classiche, condividendole sui social media.

Le creazioni sono iniziate con La morte di Marat di Jacques-Louis David, per arrivare alla più recente versione dell’opera surrealista The Son of Man di René Magritte. www.iodonna.it/attualita/eventi-e-mostre/2020/03/30/ musei-virtuali-arte-coronavirus-iorestoacasa/

(segue dalla pagina 38) Un vero e proprio flashmob fotografico che ha portato alla pubblicazione di foto bellissime magari ripescate nella galleria del proprio smartphone, o sfogliando album fotografici di tanti anni fa.

Un modo per raccogliere e condividere sul web la bellezza e l’unicità del patrimonio culturale italiano e mostrarla al mondo intero.

E per ricordare che il patrimonio culturale, sebbene momentaneamente chiuso al pubblico, è vivo e rappresenta l’anima pulsante della nostra identità.

#artyouready #emptymuseum

@covidclassics @GettyMuseum

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Foto Marina Federica Patteri

ituata alle porte di Cagliari, la laguna di Santa Gilla rappresenta una delle aree naturalistiche di maggior fascino del mediterraneo.

Marina Patteri, fotografa nata a Dorgali che da anni risiede a Cagliari, dedica a quest’area un progetto fotografico dal titolo “Voci dalla Laguna”, da cui sono tratti un libro, pubblicato dalle Edizioni Kappabit, e un ciclo di esposizioni che prenderà avvio a Cagliari nel mese di maggio.

“Voci dalla Laguna” consiste in un percorso di immagini che, scatto dopo scatto, raccontano la bellezza e le suggestioni della Laguna di Santa Gilla; approdi di pescatori, rive melmose, tramonti infuocati, elementi peculiari di un luogo unico costantemente in bilico tra poesia e degrado.

Un lavoro della durata di quasi due anni dal quale emergono gli infiniti colori e tonalità della laguna.

Il volume, delle Edizioni Kappabit con prefazione di Carmen Salis e disponibile da fine di marzo, conterrà le immagini accompagnate da QR code che, rimandando a contenuti online di approfondimento costantemente aggiornati, renderanno il libro cartaceo uno strumento interattivo e dinamico.

L’esposizione, curata dalla graphic designer Viola Orgiano, seguendo un itinerario ideale lungo

MARINA FEDERICA PATTERI VOCI DALLA LAGUNA

dal 15 al 20 maggio 2020

Sa Manifattura Viale Regina Margherita Cagliari Marina Alcune immagini del progetto sono visibili a questo indirizzo: www.facebook.com/pg/mmpatt/ photos/?tab= album&album_ id=2474276912614478 Promo video visibile qui: www.youtube.com/watch?v=4FlDIWgeU2s&t=8s

vedi anche vimeo.com/294186663 www.marinafederica.com

le rive della Laguna, sarà allestita a Cagliari, Elmas, Capoterra e Giorgino con una prima in “Sa Manifattura” di Cagliari dal 15 al 20 maggio 2020.

“Voci della Laguna”, è realizzato con il patrocinio dei Comuni di Cagliari e di Elmas, e con il contributo del Centro Servizi per il Volontariato Sardegna Solidale. Il progetto è frutto della sinergia tra l’associazione Casa di Prometeo, le Edizioni Kappabit e l’Ente Concerti Città di Iglesias.

Marina Federica Patteri, 34 anni, fotografa paesaggista, ha esposto diversi lavori progetti dedicati ai luoghi e alla natura del cagliaritano.

Fra questi “Approdi Mediterranei”, omaggio alla Cagliari notturna; “Villaggio Pescatori”, che raccontava il Borgo di Giorgino; “Cagliari, Fantastiche Realtà”, narrazione onirica del capoluogo sardo.

“La prima volta che ho ammirato la laguna di Santa Gilla ho immediatamente compreso che a quel luogo speciale, così poetico e contradditorio, avrei dedicato un progetto fotografico. A distanza di alcuni anni da quel giorno il progetto prende finalmente vita e sento che questo non sarà il mio unico lavoro dedicato alla Laguna “(Marina Federica Patteri).

Alessandro Secci Casa di Prometeo Contatto stampa: 392 786 7434

www.archilovers.com/contests/inarch2020/sardegna

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ur in un momento difficile come quello che stiamo vivendo in queste settimane, l’Istituto Nazionale di Architettura e l’Ance, in collaborazione con Archilovers, avviano questa iniziativa – che in questa fase e per i prossimi due mesi richiede solo azioni da svolgere via web, grazie alla piattaforma costruita ad hoc – per lanciare uno sguardo oltre la crisi, valorizzando le occasioni di architettura di qualità del nostro Paese e offrendo un contributo culturale per il rilancio di tutto il settore delle costruzioni.

L’iniziativa si colloca nella lunga e prestigiosa tradizione dei premi IN/ARCH che hanno rivestito un ruolo di grande importanza nel dibattito architettonico nazionale. I Premi si sono sempre caratterizzati (unici in Italia) per un aspetto particolare: viene premiata l’opera di architettura come esito di un processo complesso che coinvolge tutti i passaggi della filiera produttiva: domanda, esigenze, programma, norme, risorse, progetto, realizzazione, controllo, gestione, manutenzione.

Di qui la scelta di premiare l’opera e i tre principali protagonisti che sono alla base della sua realizzazione: committente, progettista, costruttore.

I Premi In/Architettura 2020 sono articolati in Premi Regionali e Premi Nazionali. Questo consentirà, tra l’altro, un ampio monitoraggio sulle architetture di qualità realizzate in tutto il territorio nazionale.

Il termine delle candidature è fissato al 18 luglio 2020

“....I premi In/Arch, oltre a segnalare, evidentemente, quegli architetti che hanno compiuto un lavoro di sintesi e di risoluzione finale di tutte le componenti di forza nella componente ultima......cioè nell’opera d’arte, sono rivolti anche a premiare personalità politiche, funzionari di Enti, produttori, critici d’arte, istituti e imprese, cioè l’intera sfera di attività e di interessi, al centro della quale si pone il risultato artistico. È poi molto importante che anche i premi che sono destinati agli edifici, premino non solo l’architetto ideatore, ma anche il committente e il costruttore...”

Con queste parole Giulio Carlo Argan, presentava nel 1962 la prima edizione dei Premi Nazionali In/Architettura che, per trent’anni, hanno rivestito un ruolo di grande importanza nel dibattito architettonico italiano.

Solo tre anni prima, nel 1959, veniva fondato, grazie all’impegno ed all’intuizione di Bruno Zevi, l’Istituto Nazionale di Architettura, luogo di incontro tra le forze economiche e culturali del Paese che partecipano al processo edilizio, con lo scopo prioritario di sollecitare l’interesse della collettività cui è destinata la produzione architettonica.

Il bando dei Premi In/Architettura 2020 per la sezione Sardegna e tutte le informazioni sulle candidature sono reperibili all’indirizzo: www.archilovers.com/contests/inarch2020/sardegna

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Foto stazione dell’arte ulassai

’arte di Maria Lai con la sua capacità di interagire con il mondo, continua ad affascinare un pubblico trasversale.

Si intitola, con un gioco di parole, #ProssimaFermata, ed è un itinerario virtuale all’ interno delle sale della Stazione dell’Arte-Museo di arte contemporanea di Ulassai, paese natale della grande artista scomparsa nel 2013.

Un invito da parte della Fondazione a riscoprire, anche durante il periodo di isolamento dovuto al Covid-19, una delle figure più interessanti del ‘900.

E i numeri sono da record.

Se infatti la Stazione dell’Arte si conferma l’istituzione museale con il maggior numero di follower in Sardegna, 19.500 su Facebook e 10.800 su Instagram, a marzo, grazie a #ProssimaFermata, la performance virtuale è stata eccezionale con 19,1mila interazioni, 2,8mila click sul link e 120,7mila per la copertura dei post.

“Testimonianza del potente messaggio artistico di Maria Lai – commenta Davide Mariani, direttore del Museo Stazione dell’Arte – che risulta sempre attuale in questi giorni controversi ed è capace di raggiungere con maggiore efficacia un numero in continua ascesa di persone da ogni parte del mondo”.

#PROSSIMA FER

vedi il video https://vimeo. com/347767455

#ProssimaFermata è un viaggio attraverso interviste, documentari, trasmissioni radiofoniche in podcast e altri contenuti multimediali.

Per aprire una finestra sulla poetica e le suggestioni racchiuse nelle opere della poliedrica artista che hanno lasciato un segno anche nell’ urbanistica del paese.

Come la celebre e pionieristica “Legarsi alla montagna” del 1981, opera simbolo, perfetto connubio tra arte e spirito comunitario, oggi più che mai necessario.

A un mese dalla campagna #iorestoacasa lanciata dal Mibact, il Ministero dei beni e delle attività culturali e del turismo, la Fondazione Stazione dell’Arte traccia un primo bilancio di #ProssimaFermata, l’iniziativa con cui ha attivato una programmazione culturale alternativa, con l’intento di uscire – temporaneamente – dagli spazi fisici del museo e mantenere vivo il dialogo con il pubblico attraverso i social.

In poco meno di 30 giorni l’idea di portare la Stazione dell’Arte nelle case di tutti i potenziali fruitori del suo patrimonio culturale è stata premiata con risultati record.

Nel mese appena trascorso, l’itinerario di #ProssimaFermata sui social è stato scandito da tappe virtuali all’interno della Stazione dell’Arte: un percorso lungo il quale, alle varie fermate, i passeggeri hanno

RMATA ULASSAI fatto sosta con interviste, documentari, trasmissioni radiofoniche in podcast e altri contenuti multimediali.

Il viaggio è un espediente narrativo che si sviluppa da un primo contenuto, realizzato il 7 luglio del 2006, il giorno prima dell’inaugurazione del Museo Stazione dell’Arte, grazie al podcast della trasmissione Radiofonica “Passo a Due” di Radio Rai Sardegna: un’intervista a Maria Lai alle soglie dell’apertura del museo dedicato all’artista di Ulassai, pubblicata come contributo inaugurale.

Dopo lo straordinario successo della programmazione espositiva del 2019 legata al centenario della nascita di Maria Lai, che ha visto raddoppiare il numero di visitatori e gli incassi del museo rispetto all’anno precedente, la Stazione dell’Arte si conferma l’istituzione museale che vanta il maggior numero di follower in Sardegna, sia su Facebook sia su Instagram.

Tra i vari contenuti proposti (21 marzo 2020) figura in anteprima sui canali social dell’istituzione museale il cortometraggio dal titolo “Ulassai. Una Stazione per l’Arte” , per la regia di Maddalena Bregani, autrice del documentario “Sulle tracce di Maria Lai” presentato in anteprima mondiale lo scorso 19 febbraio 2020 al MAXXI di Roma: l’opera inedita ripercorre le iniziative realizzate in occasione del centenario della nascita di Maria Lai.

vedi i video www.youtube.com/ watch?v=3hqi0t_ Zryo&t=136s youtu.be/G3_wA3Wg5js youtu.be/nzlh0g_PTDo youtu.be/eqWUdHxQIjg vimeo.com/391806232 vimeo.com/365513091 vimeo.com/218027629

Gli appuntamenti/fermate per portare il ”museo a domicilio” durante tutto il periodo di isolamento dovuto al Covid-19 sono quattro alla settimana (lunedì, mercoledì, venerdì e domenica), con invio la domenica di newsletter riepilogativa.

Con #ProssimaFermata, sulle pagine social, la Stazione dell’Arte proporrà quindi con assiduità contenuti poco conosciuti e anche inediti, relativi alla produzione artistica di Maria Lai. «Il progetto di condivisione virtuale avrà il suo capolinea alla fine delle misure di prevenzione e isolamento – continua Mariani – e riprende l’esempio relazionale che l’artista ha trasferito alle sue opere. È un richiamo al ruolo dell’arte, che Maria Lai intendeva come “luce intermittente nel buio del mondo”, e grazie ai nuovi canali multimediali possiamo continuare a dare visibilità e respiro alla sua produzione artistica perché, anche in questo periodo difficile, la cultura non chiude, ma al contrario apre e unisce.» http://archiviomarialai. com/ www.maxxi.art/en/events/sulle-tracce-di-marialai https://www.m77gallery. com/artists/maria-lai/ http://www.stazionedellarte.com/ https://www.facebook. com/MuseoMariaLaiUlassai/

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l Massiccio del Gennargentu è un’area montuosa di grande estensione situata nella zona centro-orientale della Sardegna, (provincia di Nuoro), comprendente le cime più elevate dell’isola.

Geologicamente è un’antica formazione rocciosa, caratterizzata da montagne relativamente basse e con vette a profilo rotondeggiante.

Tra le tipologie di roccia maggiormente rappresentate nell’area vi sono gli scisti, i graniti e le rocce calcaree.

La particolarità dell’ambiente e la presenza di specie endemiche, sia animali sia vegetali, hanno portato all’iscrizione della regione montuosa tra le zone di protezione speciale incluse nella rete Natura 2000.

In Sardegna affiora una sezione completa della catena ercinica: dalle zone esterne della catena, che affiorano nella Sardegna sud-occidentale, fino a quelle interne, che affiorano nella parte nord-orientale dell’isola.

La catena ercinica segue una direzione nordovest-sudest (NW-SE), ed è caratterizzata da raccorciamenti e da una zonazione tettono-metamorfica tipica delle orogenesi da collisione continentale[2][3].

Il basamento sardo è costituito da un sistema di falde erciniche[4] vergenti verso sud-ovest, nota come “zona a falde”, interposte tra il comples-

GENNARGENTU so metamorfico della Sardegna settentrionale e una zona esterna a thrust ed a pieghe intensamente deformata che affiora nella parte sud-occidentale dell’isola.

Il massiccio del Gennargentu è situato nella zona a falde interne ed esterne; dal punto di vista strutturale è formato da una grande piega antiforme formatasi sempre durante l’orogenesi ercinica.

Le formazioni vanno dal Cambriano superiore-Ordoviciano inferiore (arenarie di San Vito e Postgotlandiano) fino all’Olocene (depositi di versante); inoltre è presente il complesso intrusivo ercinico con le coperture mesozoiche.

La morfologia attuale è riconducibile a sollevamenti crostali terziari legati all’orogenesi alpina, rototraslazione del blocco sardo-corso ed apertura del bacino tirrenico.

Le caratteristiche climatiche del massiccio montuoso permettono lo sviluppo di una flora differente, le cui origini risalgono all’era terziaria, rispetto a quella che si può ritrovare nelle altre zone della Sardegna.

Si possono quindi ritrovare residui di foreste formate da tassi (Taxus baccata), agrifogli (Ilex aquifolium), pioppi tremuli (Populus tremula) e noci bianchi (Juglans regia), oltre a specie come il ribes del Limbara (Ribes sandalioticum), l’elleboro di Corsica (Helleborus argustifolius), la rosa di montagna (Peonia mascu-

Foto marcoscano

la), il ranno alpino (Rhamnus alpina), la digitale rossa (Digitalis purpurea), la genziana maggiore (Gentiana lutea), la dafne spatolata (Daphne oleoides), la scrofularia alata (Scrophularia umbrosa) ed il ranunculo a foglie di platano (Ranunculus platanifolius).

Vegetano inoltre alcune specie endemiche ed esclusive, con areale piuttosto limitato; l’eufrasia del Gennargentu (Euprhasia genargentea), la festuca di Moris (Festuca morisiana), il cardo microcefalo (Lamyropsis microcephala), lo spillone di Sardegna (Armeria sardoa), l’astragalo del Gennargentu (Astragalus genargenteus), la carlina sardo-corsa (Carlina macrocephala), il ranunculo a foglie di cimbalaria (Ranunculus cymbalarifolius), l’aquilegia di Sardegna (Aquilegia nugorensis), l’euforbia irlandese (Euphorbia hyberna), l’ellera terrestre di Sardegna (Glechoma sardoa), la crespolina maggiore (Santolina insularis) e la viola sardo-corsa (Viola corsica).

L’eccessiva pressione antropica, esercitata dal pascolo e dall’uso scorretto del suolo, ha favorito la comparsa di fenomeni di erosione e degrado ambientale.

La vegetazione originaria, costituita da formazioni forestale di leccio (Quercus ilex), roverella (Quercus pubescens), tasso ed agrifoglio e noci bianchi, è stata sostituita parzialmente da stadi immaturi dominati da arbusti, steppe e praterie montane.

La vegetazione ripariale, che cresce lungo le rive dei torrenti montani, è caratterizzata da foreste a galleria costituita da ontani (Alnus glutinosa).

Le aree nelle quali dominano gli arbusti sono popolate da specie come il ginepro nano (Juniperus nana), il prugnolo prostrato (Prunus prostrata), il crespino dell’Etna (Berberis aetnensis) e la rosa dei Serafini (Rosa seraphini).

La particolare morfologia del territorio e l’effetto dovuto all’insularità ha permesso l’evoluzione di specie e sottospecie adattate alle particolarità ambientali.

Tra gli anfibi vi sono l’euprotto sardo (Euproctus platycephalus), il geotritone imperiale (Speleomantes imperialis), il geotritone del Supramonte (Speleomantes supramontis), il discoglosso sardo (Discoglossus sardus), il rospo smeraldino (Bufotes viridis) e la raganella sarda (Hyla sarda).

I rettili sono invece rappresentati dall’algiroide nano (Algyroides fitzingeri), dalla lucertola del Bedriaga (Archaeolacerta bedriagae), dalla lucertola tirrenica (Podarcis tiliguerta), dalla luscengola (Chalcides chalcides) e dal gongilo (Chalcides ocellatus). Vi sono, inoltre, il colubro ferro di cavallo (Coluber hippocrepis), il colubro (Coluber viridiflavus), la biscia viperina (Natrix maura) (segue alla pagina 46)

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Foto annelise atzori

(segue dalla pagina 45) e la biscia d’acqua sarda (Natrix cettii).

Tra gli uccelli che, un tempo, popolavano le vette delle montagne vi erano anche il gipeto (Gypaetus barbatus) e l’avvoltoio monaco (Aegypius monachus), ora estinti sul massiccio del Gennargentu.

Tra i rapaci si possono avvistare l’astore (Accipiter gentilis), lo sparviere (Accipiter nisus), la poiana (Buteo buteo), l’aquila reale (Aquila chrysaetos), il gheppio (Falco tinnunculus) ed il falco pellegrino (Falco peregrinus).

Altri uccelli molto comuni sono la pernice sarda (Alectoris barbara), la quaglia (Coturnix coturnix), il piccione selvatico (Columba livia), il colombaccio (Columba palumbus), il cuculo (Cuculus canorus), il barbagianni (Tyto alba), l’assiolo (Otus scops), la civetta (Athene noctua), il succiacapre (Caprimulgus europaeus), il rondone (Apus apus), il rondone maggiore (Apus melba), il gruccione (Merops apiaster), l’upupa (Upupa epops), il picchio rosso maggiore (Picoides major) ed il picchio rosso minore (Picoides minor).

Tra i passeriformi sono comuni la tottavilla (Lullula arborea), l’allodola (Alauda arvensis), la rondine montana (Ptyonoprogne rupestris), il balestruccio (Delichon urbica), il calandro (Anthus campestris),

lo spioncello (Anthus spinoletta), la ballerina gialla (Motacilla cinerea), il merlo acquaiolo (Cinclus cinclus), lo scricciolo (Troglodytes troglodytes), il pettirosso (Erithacus rubecola), l’usignolo (Luscinia megarhynchos), il saltimpalo (Saxicola torquata), il culbianco (Oenanthe oenanthe), il codirossone (Monticola saxatilis), il passero solitario (Monticola solitarius), il merlo (Turdus merula), la tordela (Turdus viscivorus), la magnanina (Sylvia undata) e la magnanina sarda (Sylvia sarda), la sterpazzola di Sardegna (Sylvia conspicillata) e la sterpazzolina (Sylvia cantillans), la capinera (Sylvia atricapilla), il fiorrancino (Regulus ignicapillus), il pigliamosche (Muscicapa striata), la cincia mora (Parus ater), la cinciarella (Parus caeruleus), la cinciallegra (Parus major) e l’averla piccola (Lanius collurio). Tra i corvidi vanno citati la ghiandaia (Garrulus glandarius), il gracchio corallino (Pyrrhocorax pyrrhocorax), la taccola (Coloeus monedula), la cornacchia grigia (Corvus cornix) ed il corvo imperiale (Corvus corax).

Altri passeriformi molto comuni sono lo storno nero (Sturnus unicolor), la passera sarda (Passer hispaniolensis), la passera mattugia (Passer montanus), la passera lagia (Petronia petronia), il fringuello (Fringilla coelebs), il venturone (Serinus citrinella), il verdone (Carduelis chloris), il cardellino (Carduelis cardue-

lis), il fanello (Carduelis cannabina), il frosone (Coccothraustes coccothraustes), lo zigolo nero (Emberiza cirlus) e lo strillozzo (Emberiza calandra).

Tra i mammiferi sono presenti la crocidura rossiccia (Crocidura russula), il mustiolo (Suncus etruscus), la lepre sarda (Lepus capensis), il quercino (Eliomys quercinus), il ghiro (Glis glis), il topo selvatico (Apodemus sylvaticus), il ratto nero (Rattus rattus), il topolino domestico (Mus musculus), la volpe (Vulpes vulpes), la martora (Martes martes), la donnola (Mustela nivalis), il gatto selvatico (Felis silvestris), il cinghiale (Sus scrofa) ed il muflone (Ovis musimon).

Il massiccio è caratterizzato da una delle più basse densità di abitanti d’Europa e preserva una grande varietà di bellezze naturali e di risorse biologiche, tra le quali vari endemismi.

Il parco comprende nella sua complessità i territori del Gennargentu e quelli del Supramonte, per giungere fino al mare dopo una serie di importanti monumenti naturali come il canyon della gola di Gorropu, la gigantesca dolina di “su Suercone”, le voragini di “su Disterru” e del “Golgo”, il monte di Oliena, il monte novo San Giovanni di Orgosolo, le guglie costiere di Goloritzè e di Pedra Longa, le cale di Goloritzè, di Luna, Sisine, Mariolu, le innumerevoli testimonianze archeologiche della civiltà nuragica.

Nell’idea di parco è compresa anche la zona dei Tacchi d’Ogliastra, con eminenze geologiche quali “Perda Liana” e i “Tonneri”, nei “Tacchi” sono importanti alcune importanti cascate stagionali, le Cascate di Lequarci, e sempre nei tacchi anche la Grotta di Su Marmuri, anche perché il Gennargentu è da intendersi come un sistema montano continuo che ricomprende per l’appunto i Supramontes ed i rilievi ogliastrini.

Tale complesso ecosistema rappresenta pertanto un importantissimo esempio di montagna mediterranea che merita attenzione e tutela, integrata con la tradizione del pastoralismo e dei beni etnografici.

Per tutelarne le bellezze è stato istituito, nel 1998, il Parco Nazionale del Golfo di Orosei e del Gennargentu.

Nel 2008, con la sentenza n. 626 emessa dal Tribunale Amministrativo Regionale della Sardegna, è stato dichiarato improcedibile il ricorso per l’annullamento del decreto istitutivo del Parco nazionale del Golfo di Orosei e del Gennargentu.

Tale decisione è stata presa in seguito alle modifiche introdotte dalla legge n. 266/2005, che prevedono l’applicazione delle misure di tutela disposte dal decreto istitutivo del Parco, solamente previa intesa tra lo Stato e la regione Sardegna. https://it.wikipedia.org/

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