VANESSA BEECROFT

la représentation du corps, l’identité plurielle, le désir aliéné et sa propre forme d’expression persuasive, travaillant dans la proximité de la mode et du showbiz.

C’est dans les années 90 que l’industrie de la mode s’est consolidée et que les grandes marques sont entrées comme sujet tant dans les opérations artistiques que dans l’organisation et la promotion de l’art, contribuant à ce phénomène d’hybridation entre la valeur de la pièce unique et les multiples, les collections d’art et les collections de mode.

L’imagerie de Beecroft a été perturbatrice, critique et critiquée depuis sa première exposition en 1993, mais après plus de vingt-cinq ans d’influence, elle continue de répondre à la conviction que pour se libérer des modèles, il est nécessaire de les utiliser et de les renverser.

Son galeriste new-yorkais des débuts, Jeffrey Deitch, écrit qu’avec son installation performative, «elle a créé une inversion conceptuelle, transformant le motif en art [...], la première à avoir transformé cette intuition en un système esthétique et à l’avoir articulée dans un corps d’œuvre ininterrompu».

En effet, elle s’est montrée très prolifique, réitérant le même motif visuel dans ce qui est à ce jour une centaine de performances et qui, titrées de ses initiales VB et selon une numérotation progressive, sont conçues comme un seul discours cohérent.

Partant à l’origine du dessin et avec le soutien de la photographie, ce sont des images vivantes et des reproductions ultérieures.

Le matériel utilisé pour la création est humain et exposé en présence du public, et la composition s’inspire et suit les règles de la peinture. Portraits collectifs de la féminité idéalisée de notre société de consommation, basés sur la tradition de la peinture européenne, notamment du XVe siècle.

Des groupes harmonieux de figures qui célèbrent et actualisent la beauté féminine canonique, en s’inspirant de la pratique séculaire du dessin de nu.

Et comme dans le langage établi des tableaux vivants, la figuration est statique et les modèles sont posés pour composer les surfaces de peintures ou de sculptures d’après nature.

«Un art né de l’art, conta- miné par des genres et des sous-genres, oscillant sans cesse entre la normativité académique et le pur divertissement», comme le théorise Flaminio Gualdoni.

Dans le cas de Beecroft, l’inspiration des normes esthétiques est diachronique ; elle fréquente et utilise la sculpture et ses personnages sont caractérisés par des citations mal dissimulées, du classicisme de la statuaire antique aux icônes super contemporaines des médias de masse, où l’aura et l’imperturbabilité sont similaires.

De plus, cette quête visuelle se nourrit des inévitables références à ses événements biographiques, racontés et autoreprésentés avec la respectabilité de l’art.

De multiples aspects sont en jeu, relatifs à l’éternelle apparence des modèles face à la faiblesse humaine, à la perfection contre la fragilité, et donc au rapport entre nudité et vêtement, liberté et contrainte. Il convient de noter que la nudité exhibée par Beecroft n’est qu’artificielle et paralysante, loin d’être pure, conciliante et naturaliste.

Les sujets, en tant que sculptures, sont placés « sur un piédestal «, des modèles qui peuvent être des filles ordinaires, des professionnels, des danseurs portant des chaussures qui, selon le cas, constituent une base idéale, comme dans l’iconographie monumentale.

Empruntant à sa formation artistique l’exercice avec des modèles posant d’après nature et à la photographie de mode une artificialité glacée, Beecroft utilise des corps sélectionnés pour des caractéristiques physiques homologues. Parce que l’idée qu’aucune forme n’est jamais supérieure à une autre, au début du siècle, ne semble pas s’appliquer à tout.

L’esthétique et la société des années 1990 et du début des années 2000 ont imposé une norme de minceur éthérée et anguleuse, un type de féminité qui a émergé avec les supermodèles anorexiques et que Beecroft fait également sienne dans son histoire personnelle.

Les sujets se manifestent comme des présences suspendues entre l’action intemporelle du théâtre et l’iconicité du cinéma et de la publicité. Dans l’organisation de la scène, la relation entre les géométries humaines et architecturales est constitutive

(d’autre part, elle est diplômée de Brera en scénographie) et les couleurs contribuent à l’effet de manière essentielle, même lorsque la composition devient monochrome.

Les installations font référence non seulement aux espaces, mais aussi à la spécificité des lieux, revenant avec des suggestions de projets ciblés sur les contextes d’exposition, les galeries, les musées et les espaces du monde entier.

De sorte que chaque représentation est différente de la précédente, documentée dans sa relative unicité.

Il utilise la photographie, l’extemporanéité du Polaroïd et le médium de la vidéo pour s’assurer que les événements de la performance continuent à avoir une vie, devenant des œuvres indépendantes au-delà de la simple documentation.

En offrant des points de vue que même le public présent à l’occasion peut ne pas avoir perçus, la valeur transitoire de la performance est soulignée.

Les prises de vue et les séquences sont significatives des moments culminants et des nœuds thématiques de chacune d’elles, bien que la force de sa photovidéographie réside dans son autonomie par rapport à la performance en direct. anessa Beecroft défile pour Saint Laurent rive droite. L’artiste italienne collabore à nouveau avec le directeur créatif de la maison Kering, Anthony Vaccarello après le succès d’Art Basel Miami en 2018 (voir FFM du 7 décembre 2018).

Contrairement à de nombreuses actions de performance menées par des écoles, dans lesquelles la limite muséale du «regarder-pas-toucher» est dépassée et le contact avec le public est le point central, dans le VB il n’y a pas de contact et une distance avec les spectateurs est souhaitée. Les corps mannequins de la mise en scène sont placés au centre de l’attention afin que leur beauté soit avant tout contemplée dans une atmosphère de raréfaction, les formes peuvent persuader même si elles ne sont pas exposées avec une intention de séduction.

Comme pour transmettre l’enchantement féminin, silencieux et mélancolique de certaines peintures, de certaines images de cinéma et de mode... mais dans des postures d’escadrons militaires virils.

Et en effet, les modèles sont maquillés et disposés selon des critères spécifiques qui renforcent leur pictorialisme sensuel et leur équilibre formel ; sans aucune ironie, sans volupté apparente, ils composent des images fragmentées mais unitaires.

Chaque corps, dépersonnalisé, appartient à un ensemble parfois homogène, construit soit autour des détails d’accessoires communément érogènes, tels que les sous-vêtements et les bas, les chaussures, les lacets et les perruques d’attrait fétichiste... Ou encore, lorsqu’il s’agit de partenaires de projets, dans des robes haute couture des plus grandes marques du monde, avec lesquelles l’artiste collabore habituellement. Elle a été l’une des premières à établir une sorte d’engagement stable avec des stylistes, des designers, des musiciens et des célébrités au cours des dernières décennies. Dans ses reproductions comme dans sa sculpture, Beecroft identifie ensuite des détails anatomiques et d’autres façons de regarder le corps nu.

C’est en 1996 qu’elle crée l’œuvre VB23 au Ludwig Museum de Cologne, dans laquelle elle commence à déshabiller des filles.

Vaccarello a fait appel à Beecroft pour photographier et filmer la collection printemps-été 2023, puis a sélectionné 14 polaroïds qui seront exposés et vendus dans les boutiques rive droite de Saint Laurent à Paris et Los Angeles.

Pour l’occasion, le pôle culturel a également produit une publication inédite avec des illustrations des dernières collaborations entre Saint Laurent et Beecroft.

Cette artiste créative, spécialisée dans la technique du tableau vivant, est internationalement reconnue pour ses performances qui mettent en évidence la tension de la nudité et des contraintes par opposition à la liberté.

La représentation du corps féminin est également au centre de son travail, mis en évidence dans la force comme dans la peur.

(courtesy Saint Laurent)

Dans une confrontation avec l’offre débordante de pornographie sur papier glacé, structurée par genre et préférence mais néanmoins autour d’un cliché de contrôle corporel rigide et obsessionnel, la nudité doit donc être interprétée.

Ce sont les visages des femmes-types de Beecroft qui imposent une réflexion sur la sphère de l’éros, ses représentations et ses inflexions : elles apparaissent uniformément «bibliques», incarnations de l’archétype de la sainte, et sur lesquelles, au-delà des différentes physionomies, les passions viscérales semblent se taire.

Ses œuvres sont fondées sur le seuil de valeur des préjugés. L’artiste se présente comme une femme qui regarde le corps des femmes et fait un usage provocateur de la nudité avec un attrait érotique apparent, à la fois anti-érotique et intimidant, compte tenu de l’hyper-connotation des attributs d’une féminité multipliée.

La valeur-seuil, en fait, est l’ambiguïté : d’une part une adhésion, d’autre part un rejet des stéréotypes de la femme-objet, du pouvoir masculin prédominant et conventionnel et donc des questions de genre.

D’après ses recherches, «les modèles reçoivent des règles à suivre jusqu’à la fin de la performance».

(suit page 14)

(suit de la page 13)

C’est ce qu’elle a déclaré à Massimiliano Gioni lors d’une récente interview en 2017 : « les règles admettent les mouvements et la rupture de la composition, mais pas le dialogue ou l’interaction avec le public ou entre les performeurs

On leur dit : ne parlez pas, ne souriez pas, ne bougez pas théâtralement, ne bougez pas trop lentement, soyez simple, soyez naturel, soyez détaché, ne faites pas de contact visuel, tenez votre position, ne faites pas les mêmes mouvements en même temps que les autres, alternez entre une position de repos et une position d’attention, si vous devez partir, faites-le tranquillement, soyez concentré, ne regardez pas la caméra, tenez bon jusqu’à la fin de la performance, n’enlevez pas vos chaussures, ne soyez pas raide, soyez grand, ne soyez pas sexy, faites comme si personne n’était dans la pièce, n’enfreignez pas les règles, vous êtes l’élément essentiel de la composition, votre comportement influence celui des autres, vers la fin vous pouvez vous allonger, avant la fin tenez-vous droit».

Dans un tel univers imaginaire, la frontière entre le public et le privé est évidente, l’intimité n’est jamais trahie car il existe un officiel strict et sérieux face au public.

Pourtant l’orchestration prévoit un moment à partir duquel le modèle se personnalise dans les réactions de chacune des femmes représentées et l’image revient à la chair car au fil des heures l’immobilité devient fatigante, l’une après l’autre elles commencent à bouger et la rigidité imposée est déplacée.

Ce qu’elle appelle le passage d’un Donald Judd symbolique à un Jackson Pollock, dans une succession du figuratif à l’abstrait.

«La trace du changement d’état active un mécanisme voyeuriste typique, ainsi qu’un éventail de réactions possibles, aussi nombreuses qu’il existe de tabous et d’approches culturelles dans les différents continents.»

C’est alors la base de l’art de la performance, qui subvertit les comportements codifiés en appelant la réponse des gens et en amplifiant l’identité des lieux. Beecroft est une artiste dont on parle beaucoup. Son nu artistique est un outil qui a parfois été mal compris, divisant encore les critiques entre ceux qui évaluent son attitude comme une adhésion aux tendances dominantes et ceux qui embrassent son message critique subliminal. D’autant plus que le nu est au service des thèmes controversés et des questions nodales du présent, un outil sous la même forme visuelle pour aborder le désordre scabreux du monde : de la prostitution, des inégalités raciales et de l’immigration, depuis qu’elle a présenté des modèles noirs avec VB48 lors du sommet du G8 à Gênes en 2001.

Il y est revenu à plusieurs reprises dans des projets spéciaux, faisant même jouer vingt immigrés africains dans VB65, s’approchant ainsi également du corps masculin (bien que vêtu et porteur d’un sens différent).

En effet, il traitera de la valeur de l’uniforme dans le corps militaire, forçant les limites de l’institutionnalisme américain en employant des soldats et des officiers appartenant à l’US Navy, et des guerres, celle ethnique du Darfour au Soudan, produisant la plus irrationnelle des œuvres dans laquelle il traite le thème de la maternité et de la perte.

Pour isoler certains d’entre eux. Beecroft photographie les événements de l’histoire sociale en utilisant le filtre du glamour, mais la dénonciation ainsi que la citation ne sont pas directes.

D’autre part, elle rapporte : « les drames peuvent être sublimés par l’élégance pour être proposés à tous [...] le propre de l’Art n’est pas de les traiter mais de s’en inspirer «.

En 1998 déjà, la critique d’art Roberta Smith écrivait à l’occasion de la VB35 organisée au Guggenheim de New York: «C’est de l’art, c’est de la mode.

C’est bon, c’est mauvais. C’est sexiste, ça ne l’est pas. It’s Vanessa Beecroft’s Performance Art», comme s’il s’agissait d’une personnalité artistique hors du commun qui a trouvé un succès international immédiat et durable.

Cristina Principale

Ecrit le 19/04/2022 https://www.finestresullarte.info/opere-e-artisti/ vanessa-beecroft-le-antinomie-del-desiderio anessa Beecroft (Gênes, 25 avril 1969) est une artiste italienne, spécialisée dans l’expression artistique par le tableau vivant. De mère italienne et de père britannique, elle a passé une partie de son enfance à Malcesine (sur le lac de Garde).

Cette contribution a été initialement publiée dans le n° 7 de l’imprimé Finestre sull’Arte sur papier.

De retour à Gênes, après avoir fréquenté l’école d’art de la capitale ligure et obtenu un diplôme en peinture à l’Académie des Beaux-Arts de Ligustica, elle suit les cours d’interprétation de l’association « La chiave « de Campopisano (Gênes) dirigée par Mimmo Chianese ; elle s’inscrit à la faculté d’architecture, puis entre à l’Académie des Beaux-Arts de Brera à Milan, où elle obtient un diplôme en scénographie en 1993.

Le choix expressif de Beecroft a été de concevoir et de réaliser des performances, utilisant le corps de jeunes femmes plus ou moins nues, déplacées selon des chorégraphies précises, avec des commentaires musicaux appropriés ou des lumières changeantes. Chacun des participants doit respecter un ensemble de règles que Beecroft établit avant chaque action, dans le but de composer des ‘’tableaux vivants’’, exposés dans des galeries d’art contemporain et des musées. Beecroft se concentre sur les thèmes du regard, du désir et du monde de la mode.

Sa première performance a eu lieu à la galerie Luciano Inga Pin de Milan, pendant le Salon Primo de l’Académie des Beaux-Arts de Brera, tandis que sa première exposition personnelle a eu lieu en 1994, à la galerie Fac-Simile de Milan, où son ancien partenaire Miltos Manetas exposait également.

Depuis 1998, ses performances ont occupé les espaces de nombreux musées internationaux, dont le Guggenheim de New York, le Whitney Museum of American Art et la Kunsthalle de Vienne.

Travaux dans les musées

ARCOS - Musée d’art contemporain de Sannio, Benevento. Galleria d’Arte Moderna Palazzo Forti à Vérone.

Galleria Nazionale d’Arte Moderna à Rome, avec l’œuvre vidéo Vanessa Beecroft 48.

Réflexions sur le rapport entre l’art et la mondialisation.

MACK - Musée d’art contemporain de Crotone.

MAMbo - Museo d’Arte Moderna di Bologna, MAXXI - Museo nazionale delle arti del XXI secolo, section d’art figuratif à Rome.

PART-Palazzi dell’Arte Rimini. wikipedia.org