Marzo llega a Vicious Magazine con la escena electrónica calentando motores antes de la temporada de festivales. En esta edición exploramos artistas, tendencias y experiencias quemarcanelpresentedelaculturaelectrónica.
La portada está dedicada a Crusy, uno de los nombres españoles con mayor proyección en el house internacional. En la entrevista repasamos su evolución, su sonido y sus próximos pasos.
El número recorre diferentes ángulos de la escena: en Mixcelánea analizamos la cultura electrónica, en Fashion la estética del clubbing y viajamos a Valencia, una ciudad que vive un gran momento cultural y nocturno. También descubrimos Strobe Room by ElImaginario, donde arte y tecnología transforman la experiencia musical.
En Off The Records nos adentramos en el sello Suara, exploramos el buceo a pulmón en Deportes Extremos y descubrimos talento con Oscar Escapa, YX y Maria Caponne. Además, miramos hacia Miami Music Week, uno de los grandes encuentros globales de la industria.
Completan la edición las entrevistas con Tortu y Umberto Pagliaroli, las crónicas Vicious x Cosmos y Dreamsea Sonica, el Chart Vicious by Karlos Molina, En el Estudio con Jose de Mara, Premiere by Kaly, nuestras revisiones musicales y Tech Area by Gilbert Lezana.
Un número para descubrir y vivir la cultura electrónica desde todas sus perspectivas.
¡Bienvenido a este nuevo numero de Vicious Magazine!
CONSEJO
Julia Salas Alonso
Carlos Rodríguez Minguez
JEFE DE REDACCIÓN
Fernando Fuentes Panadero
REDACCIÓN
Jonatan Gutiérrez
Israel Méndez
Iván Morales
Gilbert Lezana
VIDEO Alejandro Rubio
COLABORADORES
Jonatan Gutiérrez, Israel Méndez, Iván Morales, Danny Lloyd, Gameboyz, Gonzalo Gil, Luis Vallespin
IMPRENTA Gráficas de Diego
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HEADQUARTERS
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MIXCELÁNEA
Wilkinson aterriza con Raveart en Granada con el sonido que redefinió el drum & bass
El productor británico Wilkinson será uno de los grandes protagonistas del Winter Festival de Raveart el próximo 14 de marzo en el Complejo Embrujo de Granada. Considerado uno de los nombres clave del drum & bass melódico, el artista detrás del himno generacional “Afterglow” promete un directo cargado de energía, emoción y drops diseñados para grandes escenarios. Con más de 10.000 personas previstas y una escena andaluza en plena forma, la cita apunta a convertirse en una de las noches más intensas del calendario bass en el sur.
Amelie Lens señala el machismo estructural dentro de la escena techno
La DJ y productora belga Amelie Lens ha alzado la voz en Instagram para denunciar quelaescenatechnosigueinvisibilizandocomportamientosmachistasysituaciones de abuso. En su mensaje, la artista critica que durante años la seguridad se haya tratadocomoun“problemademujeres”,obligándolasaprotegerseconstantemente tanto en cabina como en backstage. Lens insiste en que su reflexión no busca atacar a los hombres, sino cuestionar el silencio y la pasividad que permiten que estas actitudes continúen normalizadas dentro de la cultura club.
Peggy Gou vuelve a UNVRS con su universo Midnight Lobster Club
La DJ y productora surcoreana Peggy Gou regresará el próximo 12 de junio a UNVRS, el nuevo hyperclub de Ibiza, con un takeover especial de su concepto Midnight Lobster Club. Tras protagonizar uno de los sets más recordados de la closing party de2025,laartistavolveráatomarelcontroldelespacioconunaexperienciapensada para ir más allá del formato de club tradicional. Visuales inmersivos, producción a gran escala y la identidad sonora de Gou prometen convertir la noche en uno de los momentos clave de la temporada 2026 en la isla.
Kappa FuturFestival 2026 completa su cartel
Kappa FuturFestival ha anunciado la tercera y última fase de su lineup para 2026, cerrando el cartel de su próxima edición, que se celebrará del 3 al 5 de julio en Parco Dora, Turín. Entre las nuevas confirmaciones destacan nombres como Maceo Plex, Seth Troxler, Floating Points, Four Tet y Max Cooper, además de varios B2B especiales y el proyecto STOOR Live de Speedy J. Con más de un centenar de artistas, el festival volverá a reunir a algunas de las figuras más relevantes de la música electrónica internacional.
Valencia rinde homenaje a la mítica sala Arena Auditorium
Valenciacelebraráelpróximo13dejuniounconciertohomenajeaArenaAuditorium, una de las salas de conciertos más emblemáticas de la ciudad. El evento tendrá lugar en la Plaza de Toros y reunirá a público, músicos y profesionales para recordar el legado de un espacio que marcó a varias generaciones y situó a la ciudad dentro del circuito nacional e internacional de música en directo. El cartel contará con artistas y bandas vinculadas a la historia de la sala como Immaculate Fools, Comité Cisne, Glamour, Los Inhumanos o Neon Collective.
fashion
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Nos pirra la moda, la ropa, los accesorios, los gadgets…¡todo! Y aquí te damos pistas sobre lo que es purita tendencia en las calles, los clubs, los festis… ¡A quemar tarjeta!
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Perfume: Dior Fahrenheit www.dior.com
Bufanda: Pashmina de cachemira Belt Check www.burberry.com
Bolso: Bolso de hombro Ami de Coeur www.amiparis.com
Bandolera: Bolso bandolera Louis Vuitton www.louisvuiton.com
Jersey: Moncler Batman www.moncler.com
Cinturon: Cinturón con hebilla del logo www.ferragamo.com
Gafas de Sol: Oakley - Holbrook www.oakley.com
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VALENCIA
DONDE EL MEDITERRÁNEO SE ENCUENTRA CON EL BEAT
Valencia, la tercera ciudad de España, brilla de día y vibra de noche. Abierta al Mediterráneo, luminosa y relajada, se ha convertido en un destino atractivo para los amantes de la música electrónica. Entre playas infinitas, arquitectura futurista y barrios en constante renovación, Valencia ofrece una escena nocturna que mezcla historia clubbing, nuevos espacios y una comunidad electrónica activa. Valencia no es solo fiesta. En los 80 y 90, fue el epicentro de la Ruta del Bakalao, un fenómeno cultural que marcó el clubbing europeo. Aquella etapa dejó una huella: cultura de pista larga, sesionesinterminablesyunarelacióncasiespiritual con la música.
Hoy, la escena es más global y diversa, pero esa esencia persiste. Desde clubs históricos a salas urbanas underground, Valencia ofrece distintos puntos de entrada a su cultura electrónica. Para entenderla, hay que recorrer sus templos.
Autor: Vicious Magazine
SPOOK
Hablar de clubbing en Valencia y no mencionar Spook Club sería prácticamente imposible. Situado en la carretera del Saler, a pocos kilómetros del centro, este club es uno de los supervivientes más emblemáticos de la escena valenciana.
NacidoenplenaefervescenciadelaRuta,Spook ha sabido reinventarse sin perder su identidad. Hoy funciona como un punto de encuentro para el techno y el house contemporáneo, con line-ups que combinan artistas internacionales con talentos locales.
Aquí las sesiones no son un simple evento; son un viaje..
OVEN CLUB
Ubicado cerca del centro y muy conectado con el ambiente cultural de Ruzafa, Oven es un club de tamaño medio que apuesta claramente por la electrónica underground. Aquí el protagonismo es de la música: techno, house, minimal y sets largos que permiten a los DJs construir una narrativa sonora.
La estética industrial, las luces bajas y el sonido contundente convierten la sala en un espacio perfecto para quienes buscan una experiencia más íntima y musical. No es raro encontrar sesiones en las que el público está completamente concentrado en la pista, algo cada vez menos habitual en el circuito nocturno actual.
LA3 CLUB
OtronombreclavedelcircuitoesLa3Club,unasala que durante años ha sido una de las principales puertas de entrada para artistas internacionales enlaciudad.
Situado cerca de la zona universitaria, La3 se caracteriza por su estructura de varias salas, lo que permite programaciones diferentes dentro de una misma noche. Techno, house, electro o sonidos más experimentales pueden convivir bajoelmismotecho.
Estadiversidadhaconvertidoelclubenunpunto de encuentro entre distintas generaciones de clubbers: estudiantes, veteranos de la escena valenciana y viajeros que descubren el lugar por primeravez.
BARRACA
A unos kilómetros de la ciudad, en Sueca, se encuentraunodelostemplosmáslegendarios de la música electrónica española: Barraca. Fundado en los años 60 y transformado en club electrónico durante los 80, Barraca es una pieza clave en la historia de la Ruta del Bakalao. A lo largo de las décadas ha acogido a algunos de los nombres más influyentes del techno y el house internacional. Hoy sigue funcionando como un gran complejo de clubbing con varias salas y una programación que mezcla artistas consolidados con nuevas generaciones. Para muchos clubbers, visitar Barraca no es solo salir de fiesta: es entrar en un capítulo fundamental de la cultura electrónica española.
Hay sellos que nacen de un sueño; otros, de una obsesión. Suara pertenece a este último grupo. La historia empieza en Barcelona, ciudad de luces y callejones, donde un joven español llamado Coyu no veía solo clubes y festivales, sino oportunidades escondidas entre vinilos y mezclas caseras. Corría el año 2008, y mientras muchos DJs soñaban con contratos discográficos, él soñaba con libertad: un sello donde la música mandara, donde cada track pudiera contar algo más que un simple beat.
Redacción: Vicious Magazine
Los primeros años fueron, como suele decir Coyu, “de garaje y café”: editar un vinilo aquí, otra referencia allá, perseguir artistas que compartieran esa visión cruda y auténtica del techno y el house. Nada de fórmulas predecibles; cada lanzamiento era una apuesta, un pequeño salto al vacío. En aquel entonces, la escena era pequeña, los recursos limitados, y la reputación se construía a base de esfuerzo y confianza más que de marketing. Suara era un secreto bien guardado en la ciudad, conocido solo por quienes compartían el mismo oído para la música que Coyu. Hoy, más de 15 años después, todo ha cambiado. Suara ha crecido hasta convertirse en un sello de referencia internacional. Los vinilos de garaje se han transformado en eventos multitudinarios, festivales y clubs de renombre en Barcelona, Berlín o Buenos Aires. El público que antes era reducido ahora llena arenas; los artistas que un día debutaron tímidamente hoy son nombres reconocidos en la escena electrónica global. La independencia sigue siendo el eje, pero el alcance es incomparable con los humildes comienzos.
El contraste entre entonces y ahora también se siente en la filosofía: antes, la prioridad era simplemente encontrar y publicar música que Coyu amara, sin importar si encajaba en tendencias. Ahora, Suara sigue fiel a esa premisa, pero ha aprendido a combinar autenticidad con estrategia, logrando un equilibrio que pocos sellos alcanzan: mantener su esencia de garaje mientras impacta a nivel internacional. Cada track sigue contando una historia, pero el público y la escala de los lanzamientos son completamente distintos.
Y sin embargo, el espíritu permanece intacto. Lo curioso, y lo que le da ese aura off the records, es que Suara nunca ha cedido a modas pasajeras. Cada referencia sigue llevando un poco de Barcelona, un poco del garaje de los primeros días y, sobre todo, la pasión de un hombre que decidió que su sello hablaría por sí mismo. La evolución es evidente, pero la esencia sigue siendo la misma: música como experiencia, como ritual, como viaje.
Si uno escucha con atención, cada lanzamiento refleja este contraste: los primeros vinilos, modestos y secretos, versus los eventos globales y la reputación consolidada; los inicios solitarios frente a la comunidad vibrante que hoy respira al ritmo de Suara. Es una historia de pasión, independencia y amor por la música electrónica, donde el antes y el ahora se miran, se reconocen y se celebran.
BUCEO A PULMÓN: CUANDO EL SILENCIO SE CONVIERTE EN ADRENALINA
Autor: Vicious Magazine
En un mundo donde la velocidad parece dominarlo todo, hay deportes extremos que funcionan justo al revés. Sin motores, sin ruido y sin prisa. Solo un cuerpo, un pulmón lleno de aire y el océano abriéndose hacia abajo. El buceo a pulmón, también conocido como freediving, es una de las disciplinas más antiguas del ser humano, pero al mismo tiempo una de las más exigentes física y mentalmente.
A simple vista puede parecer un deporte tranquilo: un buceador se sumerge, desaparece bajo la superficie y vuelve a emerger minutos después. Pero detrás de ese gesto aparentemente sencillo hay un entrenamiento extremo que combina resistencia física, control mental y una relación casi meditativa con el agua.
A diferencia del buceo con botella, el freediving consiste en descender bajo el agua sin ningún sistema de respiración artificial. Todo depende de la capacidad pulmonar y del control del oxígeno en el cuerpo. Los atletas entrenan durante años para aumentar el tiempo de apnea —la capacidad de aguantar la respiración— y para descender a profundidades que pueden superar fácilmente los 50 o 60 metros, e incluso más en competiciones profesionales. El verdadero desafío no es solo físico. De hecho, muchos freedivers coinciden en que el mayor obstáculo está en la mente. El cuerpo humano está programado para respirar, y cuando el cerebro detecta niveles bajos de oxígeno envía señales de alarma. Aprender a reconocer esas señales sin entrar en pánico es parte fundamental del entrenamiento. Respiración controlada, relajación muscular y concentración absoluta son herramientas clave para permanecer bajo el agua durante largos periodos. Existen varias modalidades dentro del freediving. Algunas se centran en la profundidad, donde el objetivo es descender lo máximo posible siguiendo una cuerda guía. Otras se enfocan en la distancia horizontal en piscina, donde el atleta intenta recorrer el mayor número de metros sin respirar. También está la modalidad de apnea estática, considerada una de las más duras mentalmente: el deportista permanece inmóvil en el agua tratando de aguantar la respiración el mayor tiempo posible. En los últimos años, el freediving ha ganado popularidad en todo el mundo, no solo como deporte extremo sino también como forma de exploración personal. Lugares como el Mediterráneo, el Mar Rojo o las aguas de Filipinas se han convertido en destinos habituales para los practicantes de esta disciplina. La combinación de aguas claras, temperaturas suaves y grandes profundidades permite entrenamientos y experiencias únicas.
Muchos buceadores hablan de algo difícil de explicar: el silencio absoluto que se encuentra a pocos metros bajo la superficie. A medida que se desciende, el ruido desaparece, la luz se vuelve más suave y el cuerpo entra en un estado de calma muy particular. Es una mezcla extraña entre adrenalina y serenidad, donde cada movimiento cuenta y cada segundo se siente diferente.
Por supuesto, como cualquier deporte extremo, el freediving implica riesgos. La falta de oxígeno puede provocar desmayos bajo el agua, por lo que nunca se practica en solitario y siempre bajo protocolos de seguridad muy estrictos. La formación adecuada y el entrenamiento progresivo son esenciales para evitar accidentes.
Quizá por eso el buceo a pulmón tiene algo casi filosófico. No se trata de luchar contra el mar, sino de adaptarse a él. De escuchar el cuerpo, controlar la mente y aceptar que, en ese mundo azul donde el tiempo parece detenerse, la verdadera victoria no es bajar más profundo que nadie, sino volver a la superficie con la sensación de haber tocado algo que está más allá del ruido de la superficie.
En un momento donde muchos deportes extremos buscan más velocidad, más altura o más riesgo, el freediving propone algo distinto: descender hacia el silencio. Y descubrir que, en ese vacío azul, la aventura también puede ser interior.
CONOCIENDO MÁS A...
YX3
¿Te sueles despertar de buen humor... aunque sea ya por la tarde?
La verdad es que no, a no ser que sea por la tarde precisamente, jajaja. Soy más simpática después del café. Antes de eso, prefiero que no me hablen demasiado.
¿Cuál es tu momento favorito del día... y de la noche?
Desayunar es uno de mis momentos y cosas favoritas. ¡Y es doblemente divertido cuando viene después de haber hecho el closing en un club! También pasear al sol cuando sale al mediodía. De la noche, me quedo con dos cosas aparentemente contrarias pero, en realidad, muy parecidas: por supuesto la cabina, cuando sientes que estás en conexión total con la pista, y también esa calma nocturna cuando todo ha parado y en la que solo estás tú sin interrupciones.
Cuando no estás de bolo, ¿qué te gusta hacer? ¿Eres más de deporte o de maratones de series con palomitas?
Soy cinéfila y necesito hacer deporte para ordenar mis pensamientos y sentirme bien, pero siempre priorizo el arte. Bailar en el club es una excepción; el deporte lo hago por obligación y las artes por pasión. Disfruto escuchando música diferente a la que pincho, como jazz, soul, hip hop, merengue o bachata. Usar las manos me concentra, así que me encanta montar, construir o hacer cosas manuales.
¿Eresmásdecocinatradicionalodeplatosdevanguardia?
Soy bastante un mix de las dos. Soy vegetariana, mi comida favorita es la pasta, pero siendo de Navarra también tengo muchísimo amor por la cocina tradicional y por los sabores de siempre. Los pintxos me encantan por eso: pueden ser algo muy clásico o algo muy creativo, y muchas veces son las dos cosas a la vez. Me gusta esa mezcla entre tradición y vanguardia. Y nunca le voy a decir que no a una buena tortilla de patatas ni a un revuelto de hongos.
¿En qué o en quién piensas cuando por fin te metes en la cama y cierras los ojos?
Últimamente intento recapitular el día y quedarme con las cosasbuenasquehanpasado,especialmentelaspequeñas.
¿Cuál es tu primer recuerdo musical?
Mi primer recuerdo musical es en infantil, cuando mi profesora Floren nos ponía La Primavera de Vivaldi para echarnos la siesta con tres añitos. También los viajes familiares en coche con mis padres y mis hermanxs, donde mi padre ponía mucho jazz y country.
¿Con qué tres temas podríamos resumir tu vida?
Esto es imposible, pero:
NAS - I Can
AEREA - La Niña
Sampa the Great - Energy
¿Qué track ajeno te hubiera gustado producir?
La Batteria de DJ Gigola. Me parece divertidísima, sexy y súper eufórica, y creo que conecto mucho con ella porque yo también tiro bastante hacia esa energía. Además, rompe increíble y tiene unos build ups muy guays.
¿Cualquier tiempo pasado siempre fue mejor o para nada?
Para nada, no suelo idealizar el pasado. Soy más del lado de lo nuevo: lo que cambia, lo sorprendente, lo que está por venir. Aunque también es verdad que, tal y como están las cosas, el futuro próximo no sé si va hacia delante o hacia atrás...
¿Tu mejor producción está por venir?
100 %. Nunca he sacado un track a la luz todavía y este será el año, así que tiene que ser un temazo, jaja.
CONOCIENDO MÁS A... OSCAR ESCAPA
¿Te sueles despertar de buen humor... aunque sea ya por la tarde?
Siempre me despierto de buen humor y, si no he tenido ningún evento, siempre madrugo, sea porque tengo que llevar a mi hija al cole o porque tengo que ir al gym.
¿Cuál es tu momento favorito del día... y de la noche?
Sin duda, cuando tienes esa musa y entras al estudio y te sale todo. Y la noche, aunque no te lo creas, no suelo salir mucho, solo si tengo bolo, así que te diría ese rato que echo unas cervezas con amigos.
Cuando no estás de bolo, ¿qué te gusta hacer? ¿Eres más de deporte o de peli con palomitas?
Pues me encanta echar el rato con mis amigos de verdad, a los que lo único que quieren es que esté bien y que la mayoría no tienen nada que ver con la música, y por supuesto estar con mi hija. Soy de ambas cosas y las disfruto, aunque el deporte sí es cierto que lo hago, pero me cuesta más.
¿Eresmásdecocinatradicionalodeplatosdevanguardia?
Soy más de platos tradicionales, no necesito grandes lujos.
¿En qué o quién piensas cuando por fin te metes en la cama y cierras los ojos?
Siempre pienso en los próximos objetivos a conseguir. Soy muy competitivo y eso y la pasión me han llevado a estar donde estoy.
Necesito que sea un reto para activarme.
¿Cuál es tu primer recuerdo musical?
Estar en la habitación de mi hermana y escuchar los Máquina Total. Con ello empezó todo.
¿Con qué tres temas podrías resumir tu vida?
Overland - The Sound of Live DJ Rolando - Knights of the Jaguar Sam Paganini - Rave
¿Qué track ajeno te habría gustado haber producido?
Enrico Sangiuliano - Moon Rocks
¿Cualquier tiempo pasado fue mejor, o para nada?
Para nada, sin duda cada vez todo va a mejor, los hechos ahí están.
¿Tu mejor producción está por venir?
Sin duda, además vienen muchas cosas tanto en formato vinilo como digital en los mejores sellos y artistas del mundo
Cada marzo, Miami se convierte en el punto de encuentro mundial de la música electrónica. La Winter Music Conference (WMC), que en 2026 se celebra del 24 al 26 de marzo, abre la semana con conferencias, showcases y encuentros estratégicos que combinan creatividad, negocio y pasión por el clubbing. Más que un evento, es un laboratorio donde se prueba el futuro de la industria y se conectan artistas, sellos y profesionales de todos los rincones del mundo.
La WMC: un laboratorio de tendencias
Desde los primeros días, los hoteles de Downtown Miami, como el Kimpton EPIC, se llenan de DJs, managers, bookers, periodistas especializados y sellos independientes. La WMC no es solo música: es conocimiento y estrategia. Paneles sobre innovación tecnológica en la música, streaming, inteligencia artificial aplicada al DJing, marketing digital y nuevos modelos de booking conviven con showcases exclusivos de artistas emergentes y consagrados. Cada sesión es una oportunidad única: descubrir qué sonidos marcarán tendencia, qué artistas están despuntando y cómo evoluciona la industria a nivel global. La WMC permite que la música electrónica se viva de manera integral, conectando creatividad y negocio en un mismo espacio.
Miami,
escenario global del clubbing
Más allá de la conferencia, Miami se transforma durante casi una semana en un gigantesco escenario. Desde Wynwood Arts District hasta South Beach, cada club, rooftop y beach club se convierte en una pista donde convergen estilos: house profundo, techno industrial, bass experimental y EDM mainstream. La ciudad se convierte en un laboratorio sonoro donde cada fiesta y cada set reflejan lo que está pasando en la escena mundial.
Esta combinación de conferencias y nightlife convierte a Miami en un termómetro de la industria: allí se prueba lo que funciona, se anticipan tendencias y se testea la respuesta del público internacional más exigente. Para los artistas emergentes, es una oportunidad para mostrar su propuesta frente a profesionales de todo el mundo; para los consagrados, un espacio para innovar y reafirmar su posición.
Industria y estrategia: el poder detrás de la cabina
Miami Music Week es también un nodo estratégico. Managers negocian festivales europeos y residencias asiáticas, sellos independientes presentan lanzamientos globales y ejecutivos del streaming buscan talento fresco. Cada reunión, cada panel y cada set tienen un impacto potencial más allá de la ciudad, convirtiendo esta semana en un motor que impulsa la música electrónica global.
La sinergia entre creatividad y negocio es lo que diferencia a la WMC de otros eventos. No se trata solo de escuchar música: se estudia, se negocia y se celebra. Esto la convierte en un espacio imprescindible para cualquier profesional que quiera entender la evolución de la electrónica y el clubbing a nivel mundial.
Una cultura de club que renace
Miami Music Week 2026 llega marcada por la innovación, pero también por la recuperación total de la cultura de club tras años de interrupciones globales. La asistencia masiva de profesionales y público demuestra que la electrónica sigue viva, potente y expansiva. La WMC no es solo un evento: es un reflejo de cómo la escena ha aprendido a combinar espectáculo, comunidad y estrategia.
Cada set, cada panel y cada encuentro en Miami se siente como una lección viva de la industria. Para los asistentes, es un recordatorio de que la música electrónica no solo se escucha: se vive, se experimenta y se comparte. La ciudad vibra al ritmo de beats que marcan tendencias y consolidan artistas, sellos y marcas, en un ecosistema que sigue creciendo y reinventándose año tras año.
Cierre
En marzo, Miami no duerme: respira, vibra y marca el pulso del mundo electrónico. La Winter Music Conference 2026 confirma, una vez más, que la ciudad es mucho más que una localización de fiesta: es un laboratorio global donde la música, la creatividad y el negocio convergen para definir el futuro de la electrónica. Una semana que, para quienes la viven, no se olvida, porque cada encuentro, cada pista y cada experiencia es una clase magistral de lo que significa pertenecer a la verdadera cultura de club.
TORTU
Tortu, uno de los nombres más sólidos del breakbeat andaluz. Con base en Málaga, su sonido mezcla bajos demoledores, ritmos rotos afilados e influencias rave que encienden la pista desde el primer drop. Como DJ, destaca por sets dinámicos y precisos, llenos de edits y transiciones quirúrgicas que mantienen la tensión al límite. Como productor, ha firmado lanzamientos que reflejan su crudeza club y atención al detalle, con soporte en sellos y playlists de la escena.
Texto:ViciousMagazine
Hola Tortu, muchas gracias por esta entrevista. Comencemos con un resumen del año que acaba de terminar, ¿cómo ha sido el 2025 para Tortu?
2025 ha sido un año brutal. He seguido creciendo a nivel personal y profesional, y siento que mi proyecto está más sólido que nunca. He tenido la oportunidad de pinchar en Rusia, en San Petersburgo, algo que para mí ha sido muy especial. Y este año me quedo con momentos increíbles en Dreambeach, Winter Festival, Summer Festival, Paris 15, Copera y Pandora. Lugares donde he sentido una conexión real con la gente. El breakbeat no ha parado de abrir caminos y se nota que estamos viviendo algo fuerte dentro de la escena.
Una pregunta clásica, ¿de dónde viene el nombre de Tortu?
Siempre digo en broma que viene de “torturador”, pero la realidad es mucho más random. Con 11 o 12 años bajé a jugar al fútbol con una camiseta de Leonardo de las Tortugas Ninja, pantalón verde, calcetines de rombos antiguos y unos tenis futuristas. Uno de mis mejores amigos, Alex Peña, me miró delante de todos y soltó: “Pareces una Tortu-Ortera”. Se rieron… y ahí se quedó. Con el tiempo se acortó a “Tortu”. Lo que empezó como una broma de verano terminó convirtiéndose en mi identidad artística.
¿Cuál es el recuerdo de tu primera fiesta electrónica?
Me encanta que me hagas esta pregunta porque lo recuerdo perfectamente. Recuerdo perfectamente el momento, fui con 4 amigos más,mihermanoPaco,queesdemimismaedad,consu hermano Pedro, Jacobo y Camacho, que eran mayores que nosotros. Era el año 94 y fuimos a Anubis, en El Palo. Fuimos a ver a mi hermano Wally. Para mí fue un antes y un después.
¿Cuáles eran los clubs a los que ibas regularmente cuando eras un chaval?
Después de eso empecé a moverme mucho. Recuerdo las sesiones de tarde en Palladium, Pipen, Mamiblu y otros sitios míticos de la época. Y festivales como el del Pantano de Iznájar en el 95, Tribal Nation 96, Retro Satifaxion… Empecé y nunca pude dejarlo hasta el día de hoy.
Supongo que tu interés por la música, como nos ha pasado a todos, no comenzó con la electrónica. ¿Qué estilos musicales escuchabas en tu infancia?
A principios de los 90 empecé escuchando heavy metal y rock’n’roll. Mis grupos favoritos eran Guns N’ Roses y Nirvana, aunque escuchaba un poco de todo, The Crambelis Ub40. Tenía una colección increíble de cintas. Grababa también las canciones en vídeo VHS de Los 40 Principales, en el programa “40 al Uno”. Ahí empecé a abrir la mente a muchos estilos.
Después empecé a descubrir lo que en aquella época llamaban “bakalao”, cosas como Blanco y Negro, Mix… y ese sonido más contundente empezó a engancharme. Pero fue en el 92 cuando me metí de lleno en la electrónica. Recuerdo perfectamente tener toda la colección en cassette de Thunderdome era hardcore y me explotó la cabeza. Ahí ya no hubo vuelta atrás.
¿Cómo eran esas raves en Málaga durante los 90?
Eran el inicio de todo. Se notaba que algo estaba naciendo y creciendo muy rápido. Había mucha energía y muchas ganas de experimentar porque la escena todavía se estaba formando.
Todo estaba empezando a construirse: las salas, los colectivos, los estilos… Era una etapa de descubrimiento constante.
Se respiraba sensación de movimiento, de que estabas formando parte de algo que estaba arrancando y que todavía no tenía límites definidos.
Hasta hoy que hemos alcanzado números históricos de récord… estuvimos a punto de desaparecer dos veces, pero muy pocos creímos en esto, y aquí estamos con todo arriba.
Todos tenemos referentes en nuestra historia musical, artistas que nos han marcado profundamente. ¿Cuáles han sido los tuyos?
Claramente, para mí el gran referente ha sido Jordi Slate. Para mí fue como un padre dentro de la música. Fui su apadrinado y aprendí muchísimo a su lado. Más allá de la técnica, me marcó su manera de entender la pista y su estilo musical. Siempre me quedé con esa esencia, con esa forma de construir tensión y de hacer que cada sesión tuviera identidad. Ha sido, sin duda, una de las figuras más importantes en mi camino.
¿Cómo tomaste la decisión de dedicarte profesionalmente a la música?
Lo tuve claro bastante pronto. Recuerdo perfectamente el año 96, en la caseta de SAT en la Feria de Málaga, mirando a Jordi Slate y pensando: “yo quiero estar ahí arriba”. No era solo que me gustara la música, era que sentí que ese era mi sitio. Desde entonces dejó de ser un hobby para convertirse en un objetivo. En 1998 me compré mis primeros platos y mis primeros vinilos y empecé a dar mis primeros pasos. Hubounmomentoenelquetuvequeelegirentreseguir en lo cómodo o apostar fuerte por lo que realmente me movía por dentro. Y decidí arriesgar. Sabía que no iba a ser fácil, pero también sabía que si no lo intentaba me iba a arrepentir. Desde entonces, todo ha sido trabajo, constancia y creer en mi sonido.
Brevemente, ¿cómo definirías tu estilo?
Yo diría que mi estilo es muy contundente. Me gustan los bajos rajados, líneas continuas con mucha presencia, que te atraviesen el pecho y marquen el ritmo sin descanso. Busco que cada drop tenga pegada real y personalidad.
En mis sets me gusta crear una atmósfera de tensión constante, quiero energía desde el minuto 1 para que sea un no parar. Que la pista no tenga respiro y que la sesión sea un viaje intenso de principio a fin.
¿Crees qué estamos viviendo una nueva era dorada del breakbeat?
En cuanto al momento que estamos viviendo, para mí es la mejor época que he visto en todo este tiempo, y llevo desde el principio. Hay nivel, hay hambre, hay público y hay identidad. El breakbeat está fuerte y más vivo que nunca.
¿Crees que el breakbeat ha dejado de ser algo exclusivo de Andalucía y qué ahora genera interés en otras regiones?
Sí, totalmente. El breakbeat hace tiempo que dejó de ser algo exclusivo de Andalucía. Hemos salido fuera, hemos estado en festivales como Monegros, ahora nos estrenamos en Zevra, y ciudades como Madrid, Bilbao y muchas más ya están disfrutando de los ritmos rotos. El género está viajando y cada vez conecta con más público fuera de nuestra tierra.
¿Cómo se gestó la creación de Heat Productions? ¿Y cuál ha sido el secreto para que este proyecto dure 21 años?
Heat nació en un momento complicado. Justo después del primer gran bajón del breakbeat, allá por 2004. Recuerdo perfectamente estar en la playa de Benalmádena y ver aquel barco pirata que se hizo famosoeseveranoporsusfiestas.Ahíviunaoportunidad clara. Después de lo del Martín Carpena el movimiento pegó un bajón fuerte y en Málaga apenas había nada. Yo siempre había tenido muchos amigos fiesteros y pensé: “si no lo hace nadie, ¿por qué no lo hago yo?”
Busqué al dueño de aquel barco pirata y organizamos algo que no se había hecho nunca: una fiesta de breakbeat en altamar. Fue una locura, pero también fue eliniciodetodo.Paramí,Heatescomounhijo.Recuerdo
cada detalle desde el principio. En 2019 renovamos la imagen y pasamos de llamarnos Heat Productions a Heat Pro, adaptándonos a los tiempos pero sin perder la esencia. Nos une un lazo muy fuerte con Sala Paris 15, la cual llevamos trabajando juntos desde 2010. El secreto de que dure 21 años ha sido la constancia y, sobre todo, el amor real por este estilo. Hemos sido de los pocos promotores en Andalucía que han aguantado las dos épocas más flojas, la de 2003 y la de 2010. Hemos sufrido, hemos perdido dinero, pero nunca hemos abandonado el barco.
También ha sido clave la gente que ha estado dentro del proyecto. Mi hermano José Rodríguez se unió en el tercer año y sigue hasta hoy, y DJ Killer fue socio desde 2005 hasta 2012. Esto no es solo una marca, es una historia compartida.
En el estudio cómo eres, ¿ya llegas con una idea preconcebida o dejas que los sonidos vayan fluyendo?
En el estudio he echado muchísimas horas, porque lo tengo en casa y al final formas parte de eso en el día a día. Normalmente intento inspirarme en algo que me active la chispa y a partir de ahí empiezo a construir el tema.
Le doy mucha importancia al bajo desde el principio, porque para mí es lo que manda y lo que le da carácter. No suelo llevar todo cerrado en la cabeza, dejo que la idea vaya creciendo, pero cuando veo que funciona, la trabajo hasta que tenga fuerza y pegada real en pista.
¿Qué lanzamientos tienes previstos para 2026?
En 2026 vienen varios lanzamientos importantes. Tengo varias canciones preparadas y colaboraciones bastante potentes que van a dar que hablar.
Destacaría el remix a Wizard y Control Z, el Big 45, y colaboraciones con The Brainkiller, Yo Speed, Bad Legs, V. Aparicio y más artistas. Es un año en el que voy a sacar bastante música con los mejores sellos.
¿Dónde vamos a poder verte pinchar en los próximos meses?
En los próximos meses voy a estar bastante activo. Por suerte sigo teniendo mis sitios de referencia en Andalucía, como Paris 15, Industrial Copera o Pandora, donde siempre me siento en casa.
También vienen festivales importantes como Winter Festival, Summer Festival, Dreambeach o Zevra. En total serán más de 40 bolos, así que va a ser una temporada muy intensa.
Para Tortu, la música electrónica es……..
Para mí, la música electrónica es mi forma de vida. Es energía, es libertad y es conexión real con la gente. Es lo que me ha dado los mejores momentos, las mayores alegrías y también los mayores aprendizajes. No es solo música, es lo que soy.
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X COSMOS CLUB
VICIOUS
Noche Vicious en Club Cosmos: electrónica, energía y comunión total con la pista en Sevilla
Club Cosmos volvió a convertirse en uno de los templos de la electrónica en Sevilla con una intensa edición de la fiesta Vicious. Con Karlos Molina como artista principal, acompañado por Claudio Jurado, D. Moreno y el artista y manager IACOB, la cabina ofreció un viaje sonoro que conectó desde el primer beat con un público entendido, entregado al baile y a la auténtica cultura de club. Una noche de atmósfera eléctrica, sonido contundente y una pista que vibró hasta el último momento.
La noche Vicious en Club Cosmos, Sevilla, volvió a demostrar por qué la ciudad sigue siendo uno de los focos más vibrantes del sur de España para la música electrónica. Desde la apertura de puertas, el ambiente ya anunciaba algo especial: un público entregado y conocedor del sonido ocupaba la pista con esa mezcla de respeto por la cabina y hambre de baile que solo se encuentra en clubes con verdadera alma. Cosmos respiraba energía. Las luces bajas, el pulso profundo del sistema de sonido y esa atmósfera de club auténtico —donde cada beat cuenta— marcaron el inicio de una sesión que fue creciendo de forma natural a lo largo de la madrugada. La cabina comenzó a calentarse con Claudio Jurado y D. Moreno en formato B2B, mostrando desde el primer momento una conexión natural entre ambos. Su selección fue precisa y elegante, construyendo un viaje sonoro cargado de groove que fue atrapando progresivamente a la pista. El diálogo musical entre los dos DJs elevó la energía del club con un equilibrio perfecto entre contundencia y musicalidad, hasta lograr que el público quedara completamente conectado: manos en alto, sonrisas cómplices y una pista que latía como un solo cuerpo.
Entonces llegó el turno de Karlos Molina, artista principal de la noche. Desde el primer track quedó claro que el viaje iba a ser especial. Molina desplegó una sesión llena de personalidad, con un sonido potente, hipnótico y elegante que capturó a la perfección la esencia de Vicious. Cada mezcla encontraba una respuesta inmediata en la pista, confirmando la complicidad entre cabina y público.
El cierre quedó en manos de IACOB, artista y manager de la sala, que tomó el control de la cabina en los últimos compases de la madrugada para poner el broche final a la noche. Con un conocimiento profundo del pulso del club y de su pista, supo mantener viva la conexión hasta el último momento, guiando a los últimos bailarines en un final intenso y lleno de carácter.
No fue solo una fiesta: fue una comunión entre artistas, sonido y público. Una de esas noches que recuerdan que en Sevilla el clubbing sigue muy vivo, celebrando la música electrónica en su forma más pura.
DREAMSEA SONICA FESTIVAL
EL FESTIVAL CELEBRADO EN LA PLAYA TAMARINDO (COSTA RICA) HA SIDO UN EJEMPLO DE CÓMO LA MÚSICA, LA ESPIRITUALIDAD Y LA COMUNIDAD ELECTRÓNICA PUEDEN CONVIVIR EN PERFECTA ARMONÍA
En una escena sobrecargada, repleta de monstruosas producciones, de propuestas megalómanas, encontrarse con algo fresco y genuino te reafirma en la convicción de que la música electrónica puede crear momentos de felicidad y repletos de verdad. Este es el caso de Dreamsea Sónica, un festival que fusiona el sonido de Ibiza con el espíritu de Tamarindo. Y una vez más la experiencia no ha decepcionado, dos días inolvidables donde las buenas vibraciones y la calidad musical han sido las grandes protagonistas.
El 23 y 24 de enero de 2026 fueron los días elegidos para la celebración de la tercera edición de Dreamsea Sónica. Una vez más el espacio elegido fue Dreamsea Surf Camp, un emplazamiento situado en playa Tamarindo, en la costa pacífica de Costa Rica, donde la naturaleza se expresa libremente uniendo a comunidades internacionales de música y viajes como nunca antes.
Cada uno de los dos escenarios fueron un refugio para la música y las ganas de vivir una historia inolvidable. En The Endless Summer vivimos la verdadera cultura surfista de Tamarindo, con una vibra muy especial iluminada por la luz de un sol esplendoroso. Para los que buscaban un espacio más íntimo se encontraba The Nest, cuyo portal hacia el puente del escenario fue diseñado y construído por por ART by Santiago Imberti. Un vergel hacia la espiritualidad y el renacimiento, protegido por el abrazo de un bosque salvaje repleto de vida.
A lo largo del recinto, la experiencia va más allá del sonido. artco collective presentó performances en vivo y movimiento; Hypnotica aportó capas visuales inmersivas; y Hirk Art transformó los espacios mediante instalaciones escultóricas y espaciales, integradas de manera orgánica en el entorno en lugar de simplemente superpuestas sobre él.
Además, para todos aquellos que no tuvieron la suerte de asistir en persona, la transmisión en vivo por Ibiza Sonica Radio fue simplemente impresionante, su profesionalidad y el despliegue técnico hizo posible que gente a miles de kilómetros pudieran sentir toda la energía de Dreamsea Sonica.
VIERNES 23 DE ENERO
Dreamsea Sónica comenzó su aventura el viernes 23 de enero a las 2:00 PM en el Mango Treehouse, un escenario sorpresa ubicado en uno de los puntos más emblemáticos de Dreamsea. Durante más de 12 años, este árbol ha sido un punto de encuentro natural del campamento. Dj Toba, junto a Amor Reluciente y Alain, inauguraron el festival con una sesión orgánica y llena de groove que logró arrancar la maquinaria del festival.
Endless Summer Stage comenzó a cobrar vida con el set de Singhara, la banda sonora perfecta para disfrutar del acceso a piscina y jacuzzi, food trucks y mercado. Mientras esperabamos el atardecer, los residentes de Tamarindo Kloe Music y Santiago Brown guiaron la transición hacia un showcase de Cencalli Music con Dbasser, seguido por los headliners JO.KE, Valentín Huedo y un set de cierre nocturno a cargo de Hector Couto. Simultáneamente, al otro lado del puente, el Nest Stage mantuvo su propia energía durante toda la noche con Dancer Soul, Samu, Toba, Sweetbo, David Medina, Frigid, Karlos Sense y un cierre a cargo de Ivo Villalobos.
SÁBADO 24 DE ENERO
El sábado 24 de enero vivimos el capítulo final de Dreamsea Sónica 2026. En el Endless Summer Stage la tarde comenzó con Ronald González b2b Static, marcando un tono enfocado en la pista de baile, ideal para una larga jornada bajo el sol. El impulso continuó con Karlos Sense y Aday Chinea, llegando desde Ibiza. El primer headliner del sábado, Santiago García, mantuvo la energía en movimiento mientras los asistentes fluyeron entre la piscina, la jungla y el escenario. Al caer la noche, M.A.N.D.Y. tomó el control, dando paso a uno de los momentos más esperados del fin de semana: M.A.N.D.Y. b2b JO.KE — una colaboración intensa y precisa, diseñada para la máxima energía nocturna. El Endless Summer Stage cerró con Neliah Kandisha, ofreciendo un set final poderoso y dominante para despedir el escenario en lo más alto. Al otro lado del puente y más adentro del bosque, el Nest Stage desplegó su propia energía. La noche comenzó con Jon Cárdenas, Armandd G y Gera Cedeño y a medida que avanzaba la noche, el sonido Underground tomó el control con Miranda y Fercho Salazar, antes de ceder las riendas finales a Ezequiel Marinoni, quien cerró el Nest con un descenso profundo e hipnótico.
CONCLUSIÓN
Dreamsea Sónica es mucho más que un festival, es un estado de ánimo, es un chute de energía positiva, es una oportunidad perfecta para fundirse con la naturaleza, es alimento para el alma. Esta tercera edición ha vuelto a superar las expectativas, ha demostrado un grado de madurez superior a la propuesta del año anterior, y sobre todo nos ha regalado momentos musicales mágicos.
Dreamsea Sónica 2026 ha sido un éxito, y eso supone que en 2027 volverá a la carga más fuerte. Esta es sin duda la buena noticia, la mala es que tenemos muchos meses por delante antes de volver a vivir esta experiencia. Al menos nos quedan un montón de recuerdos inolvidables que nos acompañarán en la espera.
UMBERTO PAGLIAROLI
TRAS AÑOS MOLDEANDO LA PISTA DE BAILE DESDE EL UNDERGROUND EUROPEO Y FIRMAR EN LOS SELLOS MÁS INFLUYENTES DEL PLANETA, UMBERTO PAGLIAROLI ATRAVIESA UN 2026 DE REINVENCIÓN. CON LA VETERANÍA DE QUIEN CONOCE CADA RINCÓNDELCLUBYLAFRESCURADEQUIENSIGUEBUSCANDOELSONIDODELMAÑANA, EL ARTISTA ITALIANO ATERRIZA EN CRAZY NUTZ MUSIC. APROVECHAMOS SU NUEVO LANZAMIENTOPARAPROFUNDIZARENSUVISIÓNSOBRELAINDUSTRIA,SULABORCOMO CURADOR Y EL FUTURO DE UN GÉNERO QUE SIGUE EVOLUCIONANDO BAJO SUS PIES.
Tras éxitos globales como ‘Mueve’ en Hot Creations, ¿cómo sientes que ha madurado tu sonido en este 2026?
Mi sonido madura año tras año a través del descubrimiento de nuevas sonoridades y estímulos creativos. Cada experiencia, tanto en el estudio como en los dancefloors de todo el mundo, ayuda a dar forma a esa evolución. Esto me empuja a explorar constantemente nuevas direcciones para crear tracks frescos y auténticos, manteniendo siempre viva la curiosidad.
Tu labor con el colectivo BEAT ha creado una identidad propia en Italia. ¿Cómo equilibras tu faceta internacional con la de curador en tu tierra natal?
Logro equilibrar ambos roles gracias a una organización muy meticulosa de mi trabajo, tanto a nivel internacional como en la parte creativa y de producción. La experiencia que he ganado fuera enriquece mi enfoque como curador en Italia, mientras que mi labor con BEAT me permite mantener una conexión sólida con la escena local y mi identidad. Encontrar ese balance es esencial para que estos dos mundos interactúen de forma natural y coherente.
Tras lanzar en labels como Toolroom o Nervous, ¿qué buscas hoy en un proyecto o en una plataforma para decidir poner tu firma?
Hoy en día, lo más importante para mí es la seriedad del proyecto. Busco plataformas sólidas, con una visión clara y un flujo de trabajo profesional que respete el tiempo y la trayectoria del artista. No me gusta perder el tiempo: cuando decido poner mi nombre en un label, tiene que haber confianza, profesionalidad y una dirección bien definida.
Con esa experiencia, ¿qué te llevó a apostar por un sello como Crazy Nutz Music para este lanzamiento?
Llevo tiempo siguiendo a Crazy Nutz Music y siempre me ha impresionado su estilo y su identidad sonora. Es un label con una visión clara y una energía que siento muy cercana a mi forma de entender la música. Para este lanzamiento, mi intención era trabajar con ellos, ya que sentía que era el contexto adecuado para mostrar este proyecto de la mejor manera posible.
Como veterano, ¿hacia dónde crees que se dirige el Tech House en esta segunda mitad de la década?
Veo el Tech House evolucionando hacia una mayor variedad sonora: se están explorando nuevos sonidos sin perder el groove y la energía que lo hacen único. La escena se está expandiendo rápido y están surgiendo muchos subgéneros, cada uno con su propia identidad y audiencia. El equilibrio entre la innovación y las raíces sigue siendo la clave para mantenerlo fresco y relevante.
STES8410
NARRATIVA Y PROFUNDIDAD EN LA PISTA
EL PRODUCTOR ALEMÁN STES8410 DESARROLLA UNA PROPUESTA DENTRO DEL ORGANIC Y PROGRESSIVE HOUSE BASADA EN LA NARRATIVA MUSICAL Y LA EMOCIÓN. SU ENFOQUE COMBINA TEXTURAS ATMOSFÉRICAS CON PRECISIÓN CLUBBING, CONSTRUYENDO TRACKS QUE FUNCIONAN TANTO PARA ESCUCHAR COMO PARA LA PISTA. HABLAMOS CON ÉL SOBRE SU IDENTIDAD SONORA, SU PROCESO CREATIVO Y LA FORMA EN QUE ENTIENDE LA MÚSICA ELECTRÓNICA.
Tu nombre real es Stefan Schmidt. ¿De dónde nace el alias STES8410?
Elnombreestáligadoamiidentidad.STESvienedeStefan Schmidt y 8410 representa mi fecha de nacimiento: 1984 y el mes 10.
Soy de Alemania y vivo cerca de Frankfurt, rodeado de naturaleza, algo que influye mucho en mi música.
Mi conexión con la electrónica empezó pronto, con las primeras olas de techno y house. Un momento clave fue cuando mi primo me regaló mi primer equipo de DJ: una mesa y dos platos. Ahí comenzó todo.
Tu sonido mezcla Organic y Progressive House manteniendo energía de club. ¿Cómo lo consigues?
Cada track debe contar una historia. Empiezo con un elementoatmosféricoquefuncionacomohiloconductor y luego añado capas y variaciones de bajo que crean evolución.
Trabajo mucho con dos tipos de bajo: uno más rítmico y otro más profundo y armónico. Alternarlos me permite generar tensión y liberación sin romper el flujo del tema. Además, pruebo mis producciones en mis propios sets para comprobar si la energía y las transiciones funcionan realmente en pista.
Tienes residencias en radio y también actúas en clubs. ¿Qué diferencias encuentras?
Son dos partes distintas de mi creatividad. Enradiotengolibertadtotal:grabosesionesespontáneas sin tracklist previo y puedo explorar atmósferas más profundas y narrativas más inmersivas.
En el club todo gira en torno a la conexión con el público. Estás leyendo la pista constantemente y adaptando ritmo, tensión y dinámica.
La radio es crear un mundo sonoro; el club es compartir el momento con la gente.
Has publicado en sellos como Cafe De Anatolia o Enormous Tunes. ¿Qué buscas al enviar un demo?
Loprincipalesquelaestéticadelselloencajeconeltrack. Antes de enviar música estudio su catálogo, su sonido y la historia que construyen con sus lanzamientos.
Si el encaje artístico es real, el resto llega solo: los DJs lo entienden, el público conecta y el tema se integra en el universo del sello.
En tu track “Out of My Mind” hay una melancolía muy marcada. ¿Cuál fue la idea central?
Elnúcleodeltemaeseldiálogoentrelasvocesmasculina
y femenina, que define su arquitectura emocional. Empieza con un carácter cálido y casi lo-fi y evoluciona poco a poco con modulaciones y cambios rítmicos.
También utilicé dos tipos de bajo: uno más groove para las partes principales y otro más profundo en los breaks, ampliando el contraste emocional.
Tu música pasa por varios subestilos. ¿Cómo mantienes tu identidad?
No mezclo estilos dentro de un mismo set; prefiero sets dedicados a cada sonido según el contexto.
Mi identidad se mantiene en la narrativa, el control de energía y las transiciones. Suelo hacer mezclas largas introduciendo elementos del siguiente track poco a poco hasta realizar un cambio limpio de bajos.
Si tuvieras que dar el siguiente paso creativo, ¿cuál sería?
Me gustaría desarrollar un EP conceptual que refleje mi dirección musical actual.
Sellos como Mango Alley o Anjunadeep encajan mucho con mi estética. Y me encantaría colaborar con Natascha Polke, cuya voz tiene una dimensión muy cinematográfica que funcionaría perfectamente con mi sonido.
VICIOUS CHART
BY KARLOS MOLINA
Julian Millan Stellar Venue (Dilby Remix) KLING KLONG MUSIC
Editors Karma Climb (Jennifer Cardini & Damon Jee Remix) PLAY IT AGAIN SAM
Einmusik We Talk About Dreams (Original Mix) KOMPAKT
Rex The Dog Crasher (Original Mix) KOMPAKT
Askar The Power (Original Mix) DIYNAMIC
Tiga
SunglassesatNight(RaxonExtended Remix) ARMADA MUSIC
Derderwandert
Liver Shot (Original Mix) RENAISSANCE MUSIC
JOSE DE MARA EN EL ESTUDIO CON
¿Cuál es tu proceso compositivo?
Para mí, lo importante es empezar con una idea que realmente me motive. No suelo sentarme delante del ordenador a ver qué sale; prefiero esperar a que aparezca algo que me inspire: una canción que me recuerde a otra de hace años, un sample vocal o una melodía con potencial. En ese momento, me pongo a desarrollarla rápidamente. Muchas veces pruebo esas ideas directamente en mis sets para ver cómo reaccionan en la pista, porque al final producir y pinchar están muy conectados. Si una idea funciona en el club, normalmente sé que voy por el buen camino.
¿De que partes a la hora de crear un nuevo tema?
Hace tiempo decidí crear mi propio sample pack con los sonidos que más utilizo, porque al final todos tendemos a usar cierto tipo de kick, percusiones, bajos o grooves que acaban definiendo nuestro sonido. Tener mi propia librería me ayuda a empezar una canción mucho más rápido y desarrollar una idea que pueda funcionar en mis sesiones. A partir de ahí, intento dejarme llevar y no tener todo demasiado predefinido, porque si algo me sorprende a mí, probablemente también pueda sorprender a los demás.
¿Eres de los que priorizan la idea sobre la parte técnica en el comienzo de un track?
Antes me centraba solo en las ideas y no tanto en la mezcla, pero con el tiempo me di cuenta de que, si no eliges bien los sonidos desde el principio, luego es muy difícil llevar la canción al 100% en la mezcla y el mastering. Después de tantos años produciendo, aprendí que es mejor ir puliendo el track desde el inicio, sin perder de vista la parte creativa. Al final, una buena idea siempre será lo más importante.
¿Con qué equipo produces en tu estudio?
Llevo años usando prácticamente el mismo equipo, aunque lo único que he cambiado es el ordenador. Antes trabajaba con una torre Mac Pro y ahora uso un MacBook Pro por la comodidad de poder trabajar desde cualquier sitio. En el estudio utilizo unos monitores ADAM P22A, una Apogee Duet 2 y un teclado MIDI M-Audio Keystation 61. Como auriculares, unos Beyerdynamic 900ProX, y a veces también uso un pequeño sintetizador Behringer TD-3 de mi compañero de estudio, Crusy, aunque la mayor parte del tiempo trabajo con instrumentos virtuales como KORG, Arturia o Serum.
¿En qué te inspiras para crear nueva música?
Mis influencias vienen sobre todo del house y de Ibiza, especialmente de la época 2008-2012, que fue cuando empecé a vivirlo realmente en clubs. Muchas de mis canciones están inspiradas en ese sonido, aunque hoy intento llevarlo hacia un house más directo y enfocado a pista, con groove y personalidad. También suelo escuchar sesiones de otros DJs online, porque muchas veces una canción nueva puede recordarte a otra de hace años y de ahí surge una idea nueva. Al final, siempre intento hacer música que funcione de verdad en un club.
¿Imaginas un determinado tipo de público en la pista de baile mientras produces o eso lo dejas para el final?
Más que imaginar un tipo de público concreto, pienso en las sensaciones que genera la música electrónica en la pista de baile. Después de muchos años tocando en clubs y festivales —desde salas pequeñas hasta escenarios como Tomorrowland— sabes que hay ciertos momentos que siempre funcionan: ese hook que sorprende, un buen ejemplo sería el gancho del reciente “Positive” de Jamback, o una subida larga que crea tensión antes del drop. Son sensaciones que se repiten constantemente en la pista y trato de tenerlas siempre en mente cuando estoy produciendo. A veces, incluso pongo de fondo algún vídeo de una sesión para meterme en el ambiente.
¿Qué rol juega la experimentación en tu música? ¿Te gusta salir de tu zona de confort?
Intento dejar siempre un espacio para experimentar, aunque reconozco que a veces el propio mercado te frena un poco. Hoy en día, muchos sellos arriesgan menos y eso hace que no siempre sea fácil salir de tu zona de confort.
¿El equilibrio entre el flujo creativo y la posterior organización son claves para trabajar mucho más rápido y eficazmente?
Intento ser bastante organizado cuando produzco, aunque también me gusta dejarme llevar al principio para ver qué pasa, aunque el proyecto acabe siendo un poco caótico. Después, suelo crear un nuevo proyecto solo para la mezcla, con los grupos ya organizados, y eso me ayuda a terminar el track mucho más rápido.
¿Cómo y cuándo sabes que un tema está terminado?
Nunca lo sabes del todo. Para mí, el test definitivo es el directo: hasta que no pruebo un track en una sesión, no sé si está terminado al 100%. Con el tiempo, también aprendes que en la música nunca sabes qué va a pasar: a veces haces una canción que no la quiere nadie y otras, una que termina alcanzando el millón de streams.
¿Prefieres autoeditar tu música o lanzarla en sellos?
He trabajado con muchos sellos y, desde que fundé mi propio sello, ARCADIA, también he lanzado bastante música autoeditada. Ambas opciones tienen sus ventajas, pero trabajar con otros sellos suele ayudarte a llegar a más gente y abrir nuevas oportunidades. A nivel económico, no siempre es tan rentable ni controlas los tiempos, pero en términos de exposición suele funcionar mejor. Aun así, tener tu propio sello también ayuda a posicionarte como artista.
MARÍA CAPONNE
Elegancia y energia
María Caponne es una DJ y promotora madrileña cuya trayectoria siempre ha estado profundamente ligada a la música electrónica y al mundo del clubbing. Durante años desarrolló una sólida carrera en el sector del ocio nocturno como club manager y promotora, trabajando en ciudades clave de la escena como Madrid, Barcelona e Ibiza, lo que le permitió adquirir una visión global de la cultura de club y una profunda comprensión de la psicología de la pista.
En 2023 decidió dar el salto definitivo a las cabinas y formarse profesionalmente como DJ, bajo la mentoría de Cristian Varela, uno de sus grandes referentes dentro de la escena electrónica.
Su estilo musical se mueve desde el house más bailable hasta los ritmos más contundentes del tech house, combinando siempre vocales clásicas que aportan personalidad, elegancia y una identidad muy reconocible a sus sets. Su experiencia previa dentro del ecosistema del clubbing le ha permitido desarrollar una marcada psicología de pista, construyendo sesiones dinámicas y energéticas capaces de conectar con el público y mantener la pista en constante evolución.
En2024fueseleccionadacomosemifinalista entre más de 3.700 participantes en el concurso internacional ElRow Up&Coming Talent, un reconocimiento que marcó un importante punto de inflexión en su proyección artística.
Actualmente es DJ residente del mítico after Avalon, uno de los espacios más emblemáticos del circuito madrileño. A lo largo de su carrera ha actuado en algunos de los espacios y fiestas más representativos de la escena electrónica, destacando clubs como LAB Madrid, The Bassement Club, ART Club, La Riviera y Goya Social Club, entre otros. También ha llevado su música a ciudades como Barcelona, Zaragoza, Valencia e Ibiza, ampliando progresivamente su presencia en diferentes puntos del panorama nacional.
Enparalelo,desarrollaunadestacadafaceta como promotora. Es impulsora de Glow Up, uno de sus proyectos más ambiciosos, enfocado en crear experiencias dentro de la escena electrónica donde convergen música, estética y nuevas corrientes culturales, apostando por una propuesta fresca y contemporánea que busca dar visibilidad tanto a nuevos talentos como a artistas consolidados.
También es creadora de Myst, una marca que ha logrado consolidarse en la escena madrileña con identidad propia, así como de The Roof, un concepto que fusiona música electrónica, moda y arte en formato tardeo, y que en muy pocas ediciones se ha posicionado dentro de la escena madrileña.
Con la referencia NUTZ036, Crazy Nutz Music pisa el acelerador en su proceso de internacionalización y firma una de sus alianzas más significativas hasta la fecha. El sello barcelonés conecta dos mundos aparentemente lejanos pero perfectamente complementarios: la solidez y veteranía europea de Umberto Pagliaroli y la frescura incendiaria del sonido Miami representada por Lvndo
Manu abeca – Ether (Original Mix)
Bandcamp
La dupla Mike Spirit & Asaga afila su lenguaje club en “Big Bada Smile”, un corte que condensa el ADN de Come Closer: groove inmediato, bajo elástico y una arquitectura rítmica que respira orgánica mientras empuja hacia el trance melódico. Las percusiones —bien esculpidas, en capas— se enredan con una línea principal luminosa que no recurre al tópico del “break épico”: aquí el clímax está en el vaivén hipnótico, en el detalle micro, en cómo cada elemento encuentra aire.
Spammerheads-Don’tGetOffTheRoute(IsraelPadillaRemix) BansheesRecords El universo de Spammerheads se abre en canal con The Mire ChroniclesRemixesy,dentrodellote,elreworkdeIsraelPadilla reclama foco absoluto. “Don’t Get Off The Route (Remix)” es un golpe de volante hacia el carril nocturno: bajo fibroso con ADN EBM de vieja escuela, hi-hats afilados, texturas industrial que respiran óxido y un pulso de techno funcional que no concesiona; todo comprimido en una mezcla seca, frontal, pensada para mantener la pista en tensión sostenida. Padilla no embellece: despoja, endurece y deja que la fricción haga el trabajo.
KillianWalsh–Squirrel (OriginalMix)
Ardchumhacht
Myles Sergé vuelve a demostrar por qué su nombre lleva años circulando con respeto entre los márgenes más exigentes del techno contemporáneo. FANPRO no es un ejercicio de nostalgia ni un guiño complaciente al pasado: es una declaración de método. Crudo, funcional y con una tensión perfectamente dosificada, el corte avanza con la seguridad de quien conoce el club desde dentro y sabe exactamente cuándo apretar y cuándo dejar respirar a la pista.
Electric Rescue – Mavidi Sotor
El primer corte del Bleep Matter EP marca el regreso de Electric Rescue con una declaración de principios sin concesiones. Mavidi abre este octavo capítulo del sello SOTORconunainmersióndirectaensucaracterísticotechno oscuro, preciso y sin artificios. El productor francés, con 36 años de trayectoria defendiendo una visión firme y militante del género, construye aquí un groove profundo y magnético quesemueveentretensiónhipnóticaycontundenciarítmica. Sin excesos, sin adornos innecesarios: pura arquitectura sonora pensada para sistemas grandes y pistas exigentes.
Clubby Boy – Suck Me, Fuck Me
BOXXBANGERS
El productor Clubby Boy continúa desvelando piezas de su próximo álbum homónimo con Suck Me, Fuck Me, tercer single que verá la luz el 19 de febrero de 2026 a través del sello BOXX BANGERS, bajo la referencia CBY15BB. Un lanzamiento en formato digital y streaming que reafirma su apuesta por un techno-electro sin filtros, diseñado para la franja más cruda de la madrugada.
i4M2 – Atari Radar (Original Mix)
Drone Alone
El universo de Spammerheads se expande con The Mire Chronicles Remixes, destacando el rework de Israel Padilla. “Don’t Get Off The Route (Remix)” es un golpe de volante nocturno: bajo fibroso con ADN EBM, hi-hats afilados, texturasindustrialoxidadasyunpulsotechnofuncional;todo comprimido en una mezcla seca y frontal para mantener la pista en tensión. Padilla despoja, endurece y deja que la fricción haga el trabajo.
SelimSivade-DroneDisco(OriginalMix) Béton Brut
Nuevo estreno de Selim Sivade en el sello francés Béton Brut. Regresa con un segundo discarral en formato digital y sonido indie dance. Una bomba para la pista avanzada.
ChillOhm – Entre Deux Mondes (Original Mix) CafeDeAnatolia
ChillOhm regresa a Cafe De Anatolia con Amazigh EP. Presentamos en exclusiva “Entre Deux Mondes”, un tema entre organic house introspectivo y downtempo. La percusión hipnótica y orgánica sostiene un groove terrenal, mientras capas de instrumentación étnica crean una atmósfera ceremonial y cinematográfica. Las voces, apenas insinuadas, aportan textura emocional y un eco ancestral.
Yerno Vil – Vulture v1
Espacio Cielo
El 11 de marzo, Yerno Vil lanza su EP “Vultures” con Espacio Cielo. El EP, con seis cortes, muestra su evolución creativa y su sonido personal, fusionando clubbing con introspección. Desde Madrid, Yerno Vil es parte activa de la escena electrónica española emergente.
DaniNavarrete&RichardRozen–Heart808
BasedFaith
Dani Navarrete y Richard Rozen demuestran su dominio del Deep Tech con “Heart 808”, un track minimalista que equilibra control técnico y sensibilidad de club. Primer corte del EP Life With Mountains en Based Faith (BFD002), la 808 actúa como columna vertebral emocional, impulsando un groove preciso y espacioso.
Peter Soul y Py White presentan Spectral Resonance (Extended Mix), un tema de Indie Dance con un toque oscuro y funcional, disponible el 20 de febrero en Disrupted Music, el sello de Danmat (DISMU044). Diseñado para la pista de baile, el track destaca por su low-end hipnótico y una tensión constante. Las voces etéreas y ligeramente inquietantes se entrelazan con una percusión seca y precisa, creando un groove sin adornos innecesarios.
DEEP / PROGRESSIVE
BY DANNY LLOYD
ANALOG SENSE DESTINATION (KEBIN VAN REEKEN REMIX) VENTURE RECORDS
El remix de Kebin Van Reeken transforma el original en una experiencia más atmosférica y expansiva. La palabra clave es espacio: cada elemento respira y se integra con precisión dentro de la estructura. No es una pista agresiva, sino contemplativa y narrativa. El kick mantiene firmeza, el bajo envuelve con sutileza y las texturas melódicas aportan profundidad sin saturar. Perfecta para sets progresivos con enfoque emocional, donde la construcción gradual es el verdadero protagonista.
NAEL GALVAN ALTERNATING EMOTIONS (ORIGINAL MIX) BALKAN CONNECTION SOUTH AMERICA
“Alternating Emotions” hace honor a su nombre con un equilibrio constante entre tensión y liberación. Nael Galvan desarrolla un groove profundo y estable, apoyado en una línea de bajo envolvente y melodías que evolucionan de manera progresiva. Las atmósferas alternan pasajes luminosos con momentos más introspectivos, generando un flujo dinámico pero controlado. El break mantiene elegancia y prepara un regreso coherente y maduro. Una pista pensada para reforzar la narrativa del set, aportando profundidad sin romper la continuidad.
MIKE SUNTOWER ORBITUM (ORIGINAL MIX) KITCHEN RECORDINGS
“Orbitum” funciona como una metáfora sonora de su propio título: rotación constante y gravedad controlada. Mike Suntower construye un groove sólido con un arpegio que gira con precisión alrededor del kick, generando una sensación hipnótica y estable. La pista no busca explosiones innecesarias; su fuerza está en la coherencia. Capas limpias, percusión definida y sintetizadores que entran con naturalidad crean un flujo continuo y elegante. Funciona especialmente bien en sets deep-progressive lineales, donde el viaje importa más que el impacto inmediato.
SUBANDRIO & MAZE 28 MONTREAL AT NIGHT (ORIGINAL MIX) MANGO ALLEY
Con Mango Alley como plataforma, el enfoque es claramente emocional. Subandrio y Maze 28 construyen una atmósfera nocturna con una línea de bajo envolvente y un lead melódico que avanza lentamente, casi con melancolía contenida. El track transmite sensación de movimiento urbano: luces reflejadas, energía constante y un trasfondo nostálgico. El break está bien dosificado, sin excesos dramáticos, y el regreso mantiene elegancia y profundidad. Una pieza ideal para la parte central del set, cuando se busca intensidad emocional sin perder groove.
GMJ, MATTER CRYO (ORIGINAL MIX) MEANWHILE]
Cuando lees GMJ en Meanwhile ya sabes que el paisaje será profundo, esculpido, casi glacial. “Cryo” desarrolla una progresión lenta e hipnótica, con pads etéreos que flotan sobre un bajo redondo y perfectamente controlado. La construcción avanza con paciencia, dejando que cada elemento encuentre su espacio natural. Matter aporta un matiz emocional que evita cualquier frialdad excesiva: hay tensión, pero también respiración y equilibrio. Es progressive house en su sentido más puro — evolución gradual, detalles sutiles y un desarrollo elegante. Ideal para un warm up sofisticado o para una transición cinematográfica dentro de un set largo.
TRANCE
BY IVAN MORALES
PIERRE PIENAAR EMBER (ORIGINAL MIX) PURE TRANCE NEON
El artista namibio Pierre Pienaar regresa al sello Pure Trance NEON con ‘Ember’, un track de 140 BPM diseñado claramente para momentos de máxima energía en la pista. La producción se apoya en una melodía pegadiza y sorprendentemente contenida que guía el desarrollo del tema mientras se despliegan delicados elementos trance alrededor de una base rítmica firme. El resultado es un corte efectivo y elegante, pensado para brillar en las salas principales y destinado a captar la atención de los dancefloors en las próximas semanas.
Lanzado en 1996 en Sci-Fi Records, ‘Don’t Be Afraid’ fue un single clave del alias Moonman de Ferry Corsten, junto a ‘Galaxia’ y ‘First Light’, definiendo la era dorada del trance. Joris Voorn lo recupera en Spectrum con un rework que respeta la esencia original. La melodía icónica se mantiene, reforzada con graves robustos y percusión moderna para mayor energía. Una mezcla perfecta de nostalgia y actualidad que devuelve este himno a las pistas.
THREE DRIVES, MAX STYLER GREECE 2000 (MAX STYLER REWORK) ARMADA MUSIC
Tras un año activo, el productor estadounidense Max Styler reinterpreta el clásico ‘Greece 2000’ de Three Drives On A Vinyl. Su versión mantiene la melodía atemporal del original, pero con una base rítmica más contundente, líneas de bajo dinámicas y un drop con toques ácidos de la 303. Este rework para grandes escenarios cuenta con el apoyo de artistas como Anyma, Solomun y Adam Beyer, demostrando la vigencia del clásico y el ascenso de Styler.
RAFAEL OSMO SUNSET MELODY (ORIGINAL MIX) CREATE MUSIC
El productor israelí Rafael Osmo vuelve a escena con ‘Sunset Melody’, una producción luminosa que transmite sensaciones veraniegas desde los primeros compases. Sostenido por un bombo sólido y bajos característicos de su estilo, el track evoluciona como un viaje melódico donde una melodía memorable se combina con percusiones brillantes y efectos atmosféricos. Una pieza pensada para aportar emoción y calidez dentro de sets melódicos.
MANUEL LE SAUX NEON (ORIGINAL MIX) EXTREMA GLOBAL MUSIC
El sello Extrema Global Music celebra su referencia número 500 con ‘Neon’, un lanzamiento muy especial firmado por su fundador Manuel Le Saux. Se trata de un arma de tech-trance directa y cargada de energía, construida para momentos de máxima intensidad en la pista. Con una progresión ascendente y una producción enfocada al impacto inmediato, el track mantiene la esencia contundente del sonido de Le Saux y funciona como una celebración perfecta para este importante hito del sello.
INDIE DANCE
BY GAMEBOYZ
NAT GOHL CHEMICAL EARTHQUAKE DISRUPTED MUSIC
Debut directo al club de Nat Gohl en Disrupted Music con un corte de Indie Dance musculoso y oscuro. “Chemical Earthquake” se apoya en un groove sólido, bajo contundente y percusión precisa que sostiene una narrativa nocturna cargada de tensión. El track juega con contrastes entre energía cruda y un punto lúdico que aporta personalidad sin perder funcionalidad de pista. Sonido afilado, pensado para momentos de madrugada y sets de presión constante.
CHILLOHM
AMAZIGH EP CAFE DE ANATOLIA
Un EP oscuro y mental donde TH3OS cruza indie dance, techno y tensión nocturna con precisión quirúrgica. La Mente avanza con bajo profundo y pulsión constante, mientras la colaboración con Sumiss añade un matiz orgánico y emocional. El remix de Panka Panka lleva el viaje a un terreno más ácido y psicodélico. Club material con personalidad.
DANI NAVARRETE & RICHARD ROZEN HEART 808 BASED FAITH
Deep tech de estructura minimalista donde el groove manda desde el primer compás. “Heart 808” se sostiene en un bajo profundo y patrones rítmicos repetitivos que generan una tensión constante orientada a pista. El desarrollo es progresivo y contenido, dejando que pequeñas variaciones de textura y dinámica marquen el recorrido. Herramienta eficaz para DJs que buscan fluidez y control en mezclas largas dentro del circuito underground.
BESH DARK MIRROR FENIXFIRE RECORDS
EBM contemporáneo con carácter oscuro y ritmo lento pero contundente. BESH combina voces densas, sintetizadores ásperos y una base rítmica pesada que remite a la tradición industrial europea. “Dark Mirror” mantiene una atmósfera tensa y mecánica donde cada elemento refuerza la sensación de presión sonora. Electrónica de corte físico, diseñada para sets híbridos entre EBM, techno y dark electronics.
MINDANIEL ALL EYES ON ME DISRUPTED MUSIC
Mindaniel firma un corte de Indie Dance refinado y funcional, construido desde un núcleo minimalista donde espacio, tensión y control dinámico marcan el desarrollo. “All Eyes On Me” combina groove preciso, bajo bien moldeado y arreglos contenidos que dejan respirar pequeñas variaciones rítmicas y texturas detalladas. Entre Hanoi y Berlín, el track conecta house, techno e indie dance con un enfoque sobrio y efectivo para contextos nocturnos.
MELODIC HOUSE / TECHNO
BY ALONNE
MILA JOURNÉE, ZAFRIR PAS (ORIGINAL MIX) 1001 RECORDINGS
Mila Journée y Zafrir firman un corte de melodic techno con clara orientación a pista. Pas se sostiene sobre un groove sólido y una vocal en francés que añade un matiz hipnótico al desarrollo. La producción avanza con tensión progresiva, capas melódicas bien medidas y un drop efectivo, pensado para momentos de subida en sets melódicos. Funcional, elegante y sin excesos: una herramienta fiable para cabinas grandes.
TOMY WAHL, CLOZ FEAT. THAT KID IS YOU I CALL IT ENERGY (EXTENDED MIX) ASTRAL RECORDS
Tomy Wahl y Cloz apuestan por una producción de corte melódico donde la voz de That Kid Is You marca el carácter del track desde el inicio. I Call It Energy se mueve entre atmósferas amplias, sintetizadores luminosos y una base rítmica constante que sostiene todo el desarrollo. El resultado es un tema accesible y emocional, con suficiente empuje para funcionar en la parte media de sets orientados al melodic house y techno.
ANTHONY COLE DUSTY DISCO (ORIGINAL MIX) JEAHMON! RECORDS
Anthony Cole propone un guiño claro al legado disco desde una perspectiva moderna de club. Dusty Disco combina líneas de bajo elásticas, grooves cálidos y detalles funk que remiten a la pista sin caer en la nostalgia fácil. El track mantiene una energía constante y bailable, con arreglos precisos que refuerzan su carácter juguetón. Un corte efectivo para aportar color y dinamismo en sets donde uno está obligado a no parar de bailar.
DONT BLINK DANCE MORE (EXTENDED MIX) LOW CEILING
DONT BLINK se mantiene fiel a su fórmula de house directo y sin rodeos. Dance More gira alrededor de un groove robusto, bajos gruesos y una vocal corta que funciona como gancho inmediato para la pista. La producción apuesta por la repetición y la presión rítmica antes que por grandes desarrollos, manteniendo el foco en la funcionalidad club. Un track pensado para mantener la pista en movimiento sin complicaciones.
GLOWAL, CARL BEE MACHINES (EXTENDED MIX) 1001 RECORDINGS
Glowal y Carl Bee unen fuerzas en un corte de techno melódico con fuerte carácter hipnótico. Machines avanza sobre una base sólida y pulsante, donde los sintetizadores se despliegan de forma progresiva, creando una atmósfera envolvente y tensa. La producción destaca por su equilibrio entre elegancia melódica y contundencia rítmica, manteniendo el interés durante todo el recorrido. Uno de mis favoritos de lo que llevamos de año: un track que funciona especialmente bien en momentos de transición hacia territorios más intensos del set.
TECH AREA
By Gilbert Lezana
BITWIG STUDIO 6 LLEGA CON UN SISTEMA DE AUTOMATIZACIÓN COMPLETAMENTE RENOVADO
Bitwig anuncia el lanzamiento oficial de Bitwig Studio 6, disponible desde el 11 de marzo de 2026 para Windows, macOS y Linux. La nueva versión del DAW introduce mejoras importantes en el flujo de trabajo, con especial protagonismo para un sistema de automatización totalmente rediseñado que promete una edición más rápida, flexible y expresiva.
El nuevo motor permite manipular parámetros mediante gestos más fluidos e incorpora comportamientos como SpreadyHold,quefacilitanlacreacióndeautomatizaciones complejas. Además, la función Automation Clips permite gestionar automatizaciones directamente dentro de los clips, reforzando el enfoque modular del programa. Otra novedad destacada son los Alias Clips, que permiten crear copias vinculadas de un clip maestro. De esta forma, cualquier cambio realizado en el original se aplica automáticamente a todas sus instancias, simplificando la gestión de estructuras repetitivas.
Bitwig Studio 6 también añade un sistema de tonalidad global, mejoras visuales en la interfaz y diversos ajustes internos. El precio de las nuevas licencias es de 399 €.
NOVATIONLAUNCHCONTROL3:ELCONTROLADOR COMPACTO SE RENUEVA CON MAYOR INTEGRACIÓN Y CONECTIVIDAD
Novation presenta Launch Control 3, la nueva generación de su popular controlador MIDI compacto sin faders. El dispositivo mantiene el concepto original de superficie portátil orientada al control de parámetros, pero introduce mejoras importantes en integración, conectividad y personalización.
El panel está dominado por 16 encoders de giro infinito con iluminación LED RGB que muestran valores relativos, acompañados por ocho botones asignables y una pantalla OLED que ofrece información sobre pistas, parámetros y valores en tiempo real. El controlador permite gestionar mezclas, plugins y automatizaciones con una interacción directa.
Launch Control 3 ofrece integración nativa con Ableton Live, Logic Pro, FL Studio, Cubase y Bitwig, además de compatibilidad con el protocolo Mackie HUI. También admite hasta siete modos personalizados, configurables mediante la aplicación Novation Components. EnconectividadincluyeUSB-CyMIDIDINde5pines(In,Out y Out2/Thru), permitiendo controlar tanto software como hardware externo. El Launch Control 3 ya está disponible por 149 €.
ABLETON LIVE 12.4 INTRODUCE LINK AUDIO Y MEJORAS EN STEMS, EFECTOS Y APRENDIZAJE
Ableton ha lanzado la beta pública de Live 12.4, una actualización que amplía notablemente las capacidades de conectividad del DAW con la llegada de Link Audio, una evolución del sistema Ableton Link. Esta nueva tecnología permite transmitir audio multicanal en tiempo real entre dispositivos conectados a la misma red, con compensación automática de latencia y sin necesidad de cables. Con Link Audio, equipos como otro ordenador con Live, un dispositivo móvil con Note o hardware autónomo como Pusho Move pueden enviar su señal directamente al proyecto, donde aparece como una entrada más lista para monitorizar,grabarosamplear.Estofacilitaconfiguraciones colaborativas y setups híbridos entre varios dispositivos. La actualización también mejora la separación de stems, permitiendo aislar elementos de audio incluso en segmentos concretos del timeline. Además, se actualizan efectos como Erosion, Delay y Chorus-Ensemble, y se introduce Learn View, una nueva vista educativa integrada en la interfaz.
Live 12.4 será gratuito para usuarios de Live 12 cuando llegue su versión final.
ISHURE MVX2U GEN 2: LA INTERFAZ XLR-USB SE ACTUALIZA CON MÁS DSP Y MEJOR RENDIMIENTO
Shure presenta la MVX2U Gen 2, una versión renovada de su compacta interfaz XLR a USB-C diseñada para conectar micrófonos profesionales a ordenadores, móviles o tabletas. El dispositivo mantiene su formato portátil de un solo canal —apenas 100 gramos— y ofrece hasta +60 dB de ganancia junto con alimentación phantom de 48 V, lo que permite utilizar tanto micrófonos dinámicos como de condensador. LaprincipalnovedadestáenelprocesamientoDSPintegrado, que ahora añade tres funciones clave: Auto-Level Mode, que ajusta automáticamente la ganancia para mantener un nivel constante; Real-Time Denoiser, encargado de reducir ruido ambiente en tiempo real; y Digital Popper Stopper, un filtro antipop digital que suaviza plosivos sin accesorios físicos.
La interfaz también mejora el ruido de fondo, el DAC y el amplificador de auriculares, además de poder recordar los ajustes DSP entre sesiones.
La Shure MVX2U Gen 2 es compatible con Windows, macOS, iOS y Android y tiene un precio oficial de 159 €.
