Febrero llega con una energía silenciosa pero decisiva. Un mes que no busca el ruido inmediato, sino la profundidad, el contexto y la intención. En este nuevo número de Vicious Magazine ponemos el foco en las personas, los sonidos y las ideas que están dando forma al presente de la cultura electrónica desde múltiples ángulos.
Abrimos el número con Editorial + Staff y una Miscelánea que marca el pulso del momento, seguida por Fashion, donde el estilo vuelve a dialogar con la identidad del club. En Viajes: Málaga exploramos territorio y escena, mientras que Strobe Room by El Imaginario nos sumerge en el cruce entre música y creación visual. La mirada se amplía en Off The Records: Hot Creations, un repaso a uno de los sellos clave del circuito internacional.
Este mes también hay espacio para ir más allá de la pista con Deportes Extremos: Biatlón, y para descubrir nuevas historias en Conociendo más a… Avart Garden y Kali, además de Ingresse, como punto de conexión entre público y experiencia.
El corazón del número late en sus entrevistas y crónicas. Hablamos con Freyja, repasamos la contundencia de Fátima Hajji, entramos en profundidad con Padre Guilherme, y conversamos con Ángel Heredia, Bubba Brothers, Benja Molina y Guau, reflejando la diversidad de voces que conviven hoy en la escena electrónica. A esto se suma el Chart Vicious by Karlos Molina, una fotografía directa del sonido que define el momento.
Nos colamos en el estudio con Alonne, descubrimos nuevas sensibilidades en Newcomer: Anïta Moön, estrenamos música en Premiere by Kali, analizamos lanzamientos en Revisiones y miramos al futuro en Tech Area by Gilbert Lezana, donde la tecnología vuelve a ser motor creativo. Este número de febrero es un reflejo de lo que somos: una escena plural, inquieta y en constante evolución. Vicious Magazine sigue siendo un espacio donde conviven artistas consolidados y nuevas generaciones, club culture, moda, viajes, deporte, tecnología y visión editorial. Un lugar para entender no solo lo que suena, sino por qué suena y hacia dónde vamos.
Bienvenidos al febrero de Vicious Magazine.
CONSEJO
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MIXCELÁNEA
Spotify demanda a Anna’s Archive por 13 billones de dólares
Spotify, junto a Universal, Sony y Warner, ha presentado una demanda histórica contra Anna’s Archive por la supuesta extracción ilegal de 86 millones de archivos musicales. El caso, valorado en 13 billones de dólares, vuelve a poner sobre la mesa el conflicto entre copyright, control industrial y acceso a la cultura digital. Ojo, porque esto puede sentar precedente.
Estreno del documental Danced Out? sobre la “muerte” de los clubs de Berlín
Ya está disponible Danced Out? Berlin Clubs Under Pressure, un documental de 30 minutos que explora la creciente presión financiera y los cierres que amenaza la legendaria escena nocturna berlinesa. La película, estrenada el 30 de diciembre en RBB y accesible en ARD Mediathek, recoge voces de artistas y peña del clubbing y reflexiona sobre lo que se pierde cuando estos espacios icónicos desaparecen — incluido el cierre de SchwuZ, uno de los clubes queer más antiguos de la ciudad.
Yann Pissenem recibe el IMS Legends Award 2026
El fundador de Ushuaïa Ibiza, Hï Ibiza y [UNVRS], Yann Pissenem, ha sido galardonado con el IMS Legends Award 2026 por su impacto en la música electrónica y la cultura de clubes a nivel global. La distinción, entregada durante la International Music Summit en Ibiza, reconoce más de 30 años de influencia en la escena y su papel clave en convertir la isla en epicentro mundial del nightlife.
KRK presenta la nueva serie V Series Five
El fabricante californiano KRK ha anunciado la V Series Five, su nueva gama de monitores de estudio y nuevo buque insignia de la marca, pensada para producción y mezcla profesional. La serie, que llegará en verano de 2026, apuesta por una mayor precisión sonora y por el control inalámbrico mediante KRK Mesh® y una app, adaptándose a las necesidades de los estudios actuales.
Estreno de un corto documental sobre Wall of Sound de DVS1
Resident Advisor ha lanzado un nuevo cortometraje centrado en el concepto Wall of Sound del DJ de Minneapolis DVS1, que documenta su actuación junto a Traxx en Los Ángeles en enero de 2025 y explora la intención, diseño de sonido y experiencia detrás de este enfoque sonoro. El film —publicado en YouTube el 30 de enero— presenta entrevistas con el propio DVS1 y miembros del equipo técnico que detallan la infraestructura, iluminación y curaduría que definieron esa noche experimental de escucha en pista
Málaga
DONDE LA LUZ DEL SUR
TAMBIÉN SE BAILA DE NOCHE
Málaga es una ciudad de contrastes. De día, luz, mar y calles que respiran calma mediterránea; de noche, una escena electrónica que ha sabido crecer con identidad propia, lejos del ruido innecesario y cada vez más conectada con el circuito nacional e internacional. En los últimos años, la capital de la Costa del Sol se ha convertido en un punto clave para entender cómo conviven clubbing, cultura y estilo de vida.
Viajar a Málaga ya no es solo sinónimo de playa y gastronomía. Es también perderse en una noche larga, sin prisas, donde cada club aporta una visión distinta de la música electrónica. Desde grandes recintos hasta espacios más íntimos, la ciudad ofrece un recorrido nocturno tan diverso como su propio paisaje.
Autor: Vicious Magazine
BRÖ MÁLAGA
Más que un club, BRÖ Málaga funciona como un nodo dentro de la escena electrónica en el centro de la ciudad. Un espacio que da visibilidad a los artistas nacionales e internacionales, Su tamaño y formato favorecen una experiencia clubbing, donde el público se implica y la música se vive sin intermediarios. BRÖ es reflejo de una Málaga nocturna en constante movimiento. Con una programación abierta y actual, BRÖ funciona como punto de encuentro para la escena. Un lugar donde el clubbing recupera su esencia más inmediata y donde cada noche se construye desde la conexión real entre cabina y público.
PARIS 15
Desde su apertura en 2010, Paris 15 se ha consolidado como uno de los espacios clave para entender la música en directo y la cultura clubbing en Málaga. Concebida como una sala polivalente, su versatilidad le ha permitido acoger desde conciertos y sesiones de DJs nacionales e internacionales.
Con una capacidad de hasta 3.000 personas, Paris 15 representa el gran formato malagueño. Un espacio pensado para experiencias de alto impacto, donde la producción, el sonido y la escala juegan un papel fundamental. Aquí, la música se vive de forma colectiva, intensa y sin medias tintas.
STUDIO CLUB
Studio Club es uno de esos espacios que entienden el clubbing como una experiencia completa. Situado en el corazón de Torremolinos, el club se articula en dos salas con identidades propias, pero unidas por una misma idea: vivir la música electrónica desde la inmersión, el detalle y la conexión con el entorno donde el sonido es el verdadero protagonista.
Su sistema L-Acoustics envuelve sus dos pistas con una precisión quirúrgica, permitiendo percibir cada textura, cada frecuencia y cada transición con total claridad. Aquí, la música no solo se escucha, se siente. La sala invita a perderse en el ritmo, a dejarse atravesar por la energía y a sumergirse en una atmósfera intensa, pensada para bailar sin distracciones.
TRUE. CLUB
Ubicado en Torremolinos, True. Club se ha convertido en uno de los espacios más interesantes de la Costa del Sol para quienes buscan una experiencia de club cuidada y contemporánea. Con una capacidad para 350 personas, el club apuesta por la cercanía y la intensidad, donde cada sesión se vive de forma directa y sin filtros.
El sonido, preciso y contundente, está acompañado por un sistema de iluminación a la altura de cualquier club europeo, diseñado para dialogar con la música y potenciar cada cambio de energía en la pista. Aquí, luz y ritmo trabajan juntos para crear una atmósfera inmersiva que eleva la experiencia más allá de la simple sesión.
STROBE ROOM
By: elimaginario
LA CONVERGENCIA: un espacio donde la luz se piensa
Por cuarto año consecutivo, Valencia acogió LA CONVERGENCIA, un encuentro de I+D planteado como residencia artística y técnica en torno a la creación audiovisual vinculada a la música electrónica.
Más que un evento cerrado, LA CONVERGENCIA funcionó como un territorio compartido, un lugar donde la luz se ensaya, se prueba y a veces se equivoca para avanzar.
La organización estuvo a cargo de PiralaserFx, empresa especializada en tecnología láser, junto al artista visual elimaginario y el jefe de producción Luis Díaz, responsable de articular el marco técnico del encuentro. Durante las distintas jornadas se investigaron técnicas mixtas que combinaron sistemas de cegadoras con láseres, buscando puntos de contacto entre intensidad, forma y tiempo.
De estos procesos surgieron varias instalaciones presentadas como muestras de trabajo más que como piezas finales.
Entre ellas, SPEED PER LIFE y CHIKARA destacaron por su capacidad para condensar las líneas de investigación desarrolladas, según los propios artistas y técnicos participantes.
La residencia contó además con la participación de técnicos y artistas invitados como Rubén Cuba, Mancha Visual y PablO, ampliando el intercambio de metodologías y miradas.
Como invitada especial participó Marta Verde, cuya práctica se articula desde formatos y texturas de resolución suprematista y low-res, convirtiendo lo esencial en lenguaje visual y sosteniendo el relato desde la coherencia formal.
LA CONVERGENCIA continúa así su recorrido como un espacio de investigación sostenida, donde la creación audiovisual se entiende como un proceso abierto más que como un resultado definitivo.
Desde su fundación en 2010 por Jamie Jones y Lee Foss, Hot Creations se ha convertido en un referente global del house y tech‑house, combinando ritmo, groove y frescura en cada lanzamiento. Más que un sello, es un laboratorio creativo donde la pista de baile marca la agenda: su sonido combina influencias clásicas del house, toques de funk y una energía que se siente en cada club y festival del mundo.
Redacción: Vicious Magazine
Con más de una década de trayectoria , Hot Creations ha lanzado música de artistas que hoy son pilares de la escena, como Patrick Topping , Richy Ahmed , Easttown o la misma dupla fundadora.
Pero también ha sido semillero de talento emergente, demostrando que la visión del sello no se limita a nombres consolidados, sino que apuesta por la innovación y por mantener viva la esencia del dancefloor.
El universo Hot Creations se expande más allá de su catálogo principal con subsellos como HOTTRAX y Emerald City , explorando sonidos más experimentales y ofreciendo a productores un espacio para probar ideas frescas sin perder la conexión con la pista.
Cada lanzamiento no solo es un disco, sino un manifiesto de estilo: directo, bailable y con un sonido que se reconoce al instante.
Hoy, más de diez años después de su primera referencia, Hot Creations sigue marcando el pulso del house contemporáneo , siendo sinónimo de calidad, innovación y pasión por la música de club.
Desde Ibiza hasta el resto del planeta, su influencia demuestra que un sello independiente puede cambiar la manera en que escuchamos, sentimos y vivimos la pista de baile.
DEPORTES EXTREMOS
BIATLÓN: CUANDO EL FRÍO DISPARA LA ADRENALINA
El deporte que pone a prueba resistencia y punteria
Autor: Vicious Magazine
No todos los deportes extremos necesitan olas gigantes o acantilados imposibles. Algunos se libran en silencio, bajo temperaturas bajo cero, con el pulso a 180 latidos por minuto y un rifle apuntando a un blanco diminuto. Así es el biatlón, una de las disciplinas más salvajes y subestimadas del deporte extremo.
Velocidad, nieve y balas
El biatlón es una mezcla brutal de esquí de fondo y tiro deportivo. Los atletas recorren kilómetros sobre nieve a máxima velocidad y, sin apenas tiempo para recuperar el aliento, deben detenerse, controlar la respiración y disparar con precisión quirúrgica. No hay margen para el error: fallar un tiro significa castigo inmediato en forma de vueltas extra o segundos perdidos. Aquí no gana solo el más fuerte. Gana el que domina el caos.
Un origen militar, una mentalidad extrema
Nacido en el norte de Europa como entrenamiento militar, el biatlón conserva su ADN de supervivencia. Soldados que se desplazaban armados por terrenos nevados dieron forma a lo que hoy es un deporte olímpico… pero que sigue oliendo a pólvora, sudor y hielo.
En este deporte, el enemigo no es solo el rival: es el frío que quema los pulmones, el cansancio que hace temblar las manos y la presión mental de saber que un solo disparo puede cambiarlo todo.
El verdadero reto: bajar el pulso
Lo extremo del biatlón no es solo físico. Es mental. Pasar de un esfuerzo cardiovascular brutal a una calma absoluta en segundos es algo que pocos cuerpos —y mentes— pueden soportar.
Mientras el corazón late como un martillo, el atleta debe:
Controlar la respiración
Estabilizar el cuerpo
Apuntar con precisión milimétrica
El silencio antes del disparo
En un mundo de deportes extremos ruidosos, el biatlón destaca por su silencio. Ese instante previo al disparo, cuando todo se detiene, es donde vive su verdadera esencia. Ahí no hay nieve, ni público, ni rivales. Solo el atleta, el arma y su pulso.
Y cuando el disparo suena… el frío ya no importa.
CONOCIENDO MÁS A... AVAR GARDEN
¿Te sueles despertar de buen humor... aunque sea ya por la tarde?
Me despierto a las 07:00 para ir a trabajar. Compagino mi arte con mi trabajo como responsable de marketing en una empresa de seguridad. A veces, si estoy preocupado, me cuesta dormir y me levanto de mal humor, pero no suele pasar. Si pasa, ¡un café lo arregla todo!
¿Cuál es tu momento favorito del día... y de la noche?
Al amanecer, camino al trabajo escuchando mis próximas producciones. Esa media hora de paz me permite ordenar mis pensamientos y analizar las mezclas. Otro momento especial es volver a casa y ver a mi mujer y a mi perro. Me sorprendo de cuánto los echo de menos hasta que los veo.
Cuando no estás de bolo, ¿qué te gusta hacer? ¿Eres más de deporte o de maratones de series con palomitas?
Prefiero Netflix y palomitas. Con tantos proyectos, desconectar viendo una película en familia es importante.
También quiero reducir mi carga de trabajo para ir al gym. Contaré nuevas aventuras en la próxima entrevista.
¿Eres más de cocina tradicional o de platos de vanguardia?
Me encanta la cocina tradicional, como la paella, el potaje, las coles de mi madre y el gazpachuelo de mi suegra.
También estoy deseando cenar con amigos que disfrutan del sushi o de las smash burgers más originales en nuevos restaurantes.
¿En qué o en quién piensas cuando por fin te metes en la cama y cierras los ojos?
Cuando me voy a dormir suelo planificar un poco mentalmente lo que tengo que hacer al día siguiente; aprovecho para hacer un breve repaso.
¿Cuál es tu primer recuerdo musical?
Uno de mis primeros recuerdos musicales es escuchar el recopilatorio Generation Next Music by Pepsi en mi habitación en 1998. No recuerdo cómo llegó a mis manos, pero incluía 20 canciones de artistas españoles e internacionales de rock y pop alternativo de finales de los 90, como Dover, Undrop y Prodigy. También recuerdo
escuchar en bucle Pioneer: The Album Vol. 1 (2000), tres CDs con house, trance, progressive, etc. Sin saberlo, estos CDs que escuchaba en mi minicadena o Discman me marcaron musicalmente.
¿Con qué tres temas podríamos resumir tu vida?
1. New Order – Confusion (Pump Panel Reconstruction Mix).
2. Outwork feat. Mr. Gee – Elektro.
3. Röyksopp – Sordid Affair (Maceo Plex Remix).
¿Qué track ajeno te hubiera gustado producir?
Sin duda, me viene a la cabeza Acamar de Frankey & Sandrino (2015, Innervisions). Cuando lo escuché pensé: “¿De qué cabeza habrá salido tal melodía?”. Increíble.
¿Cualquier tema pasado siempre fue mejor o para nada?
Sí y no. Nos encanta la nostalgia y el sonido del vinilo. Hoy en día, casi todo son versiones de temas de los 80 y 90, épocas clave para la música electrónica y el house. El diseño sonoro y la calidad de sonido han mejorado increíblemente gracias a los sintetizadores, plugins y herramientas de masterización. Cualquier chaval puede crear una obra maestra desde su habitación, algo que antes no era posible.
¿Tu mejor producción está por venir?
Definitivamente, sí. Dentro de poco saco un EP en Glory
Hill Studio (de Thodoris Triantafillou) llamado Kill Me. Un EP nada comercial en el que hay un tema de electrónica, otro de breakbeat y un bonus track que solo estará en Spotify (con videoclip incluido). Es el lanzamiento más completo hasta ahora.
También estoy preparando un EP para Ilynx (label de Sasha Carassi, enfocado al Indie Dance y Melodic Techno) que va a dar mucho que hablar. Ya tengo terminada la cara A, llamada Blood. Probé el track el otro día en Project 13 y las reacciones fueron espectaculares.
Es gratificante alcanzar esa madurez sonora en la que el resultado en el estudio por fin hace justicia a lo que tienes en la cabeza. Sientes que cada hora invertida ha valido la pena.
CONOCIENDO MÁS A...
KALI
¿Te sueles despertar de buen humor... aunque sea ya por la tarde?
Siii!, ahora en invierno me cuesta salir más de la cama con el frío pero si, normalmente café, cigarro y ya sabes el resto…
¿Cuál es tu momento favorito del día... y de la noche?
Del día el desayuno, como buen Pacense. De la noche la hora de Iker.
Cuando no estás de bolo, ¿qué te gusta hacer? ¿Eres más de deporte o de peli con palomitas?
Me gusta crear cosas, soy una mente inquieta e hiperactiva, y eso que fumo. Ahora estoy acabando Pacta, ya veréis que es.
¿Eres más de cocina tradicional o de platos de vanguardia?
Soy de mezclar migas y tortilla de patatas, gazpacho y ensalada mixta, basic basic.
¿En qué o quién piensas cuando por fin te metes en la cama y cierras los ojos?
Pff me tengo que poner algo de fondo precisamente para no pensar, solo escuchar.
¿Cuál es tu primer recuerdo musical?
El de Crowded House, fue la primera vez que una melodía me enganchó hasta el punto de querer comprar un disco…
¿Con qué tres temas podrías resumir tu vida?
Crowded House - Fall At your Feet
Michael Jacson - Bad Prodigy - Fat of The Land
¿Qué track ajeno te habría gustado haber producido?
Pff pues cualquiera de las canciones que haya producido Rick Rubin. Mi héroe.
¿Cualquier tiempo pasado fue mejor, o para nada?
Que va, lo que pasa que ahora todo está mega expuesto, y resaltar entre tanto ruido no es como nos lo vendieron cuando todo esto comenzó. Los millenials lo sabemos bien…
¿Tu mejor producción está por venir?
Está por venir, pero me siento super orgulloso de todo los lanzamientos en vinilo que vamos a sacar Gameboyz y otros lanzamientos en Sincopat, etc.
Vintage Culture_BOMA Carnario
Fotografia: Thiago Xavier
INGRESSE BRASIL EN CLAVE GLOBAL
DJS ESCENA Y ESTRUCTURA DE UNA
EXPANSION EN AUGE
ENTRE FESTIVALES, CLUBES EUROPEOS Y PÚBLICOS
CADA VEZ MÁS FIELES, LA NUEVA ETAPA DE LA MÚSICA
ELECTRÓNICA BRASILEÑA ALCANZA ESCALA GLOBAL.
Fotografia: Thiago Xavier
Cuando eventos como Circoloco , Time Warp , Music On o DGTL amplían sus ediciones más allá de Europa y encuentran en Brasil una de las pistas más intensas del mundo, queda claro que algo ha cambiado. La música electrónica brasileña ha dejado de ser solo un mercado emergente para consolidarse como una escena sólida, capaz de dialogar de tú a tú con los principales polos globales.
Esa fuerza no se manifiesta solo en los eventos, sino también en los artistas que hoy circulan con naturalidad por clubes y festivales internacionales. Alok , Vintage Culture , Mochakk , ANNA , Bhaskar y Maz son algunos de los nombres brasileños que vienen marcando una presencia constante fuera del país, conectando públicos, estilos y culturas en distintas pistas alrededor del mundo.
Una escena que se sostiene
La maduración de la electrónica brasileña pasa también por sus bastidores. Productoras como BOMA , Gop Tun , Entourage y Be On ayudaron a estructurar el mercado local con eventos de alto nivel técnico y curatorial, creando un entorno profesional que dialoga directamente con players internacionales. No por casualidad, muchos de estos formatos y experiencias empezaron a circular globalmente, reforzando la percepción de Brasil como un territorio fértil y fiable para la música electrónica.
Más que momentos aislados, lo que se ve es un ecosistema en funcionamiento, con regularidad, público fiel y capacidad para operar a gran escala.
Los DJs brasileños dejaron de ser apuestas puntuales en los line-ups internacionales. En 2025, nombres como Alok , Vintage Culture , Mochakk , ANNA , Dubdogz y Bhaskar figuraron entre los artistas con mayor volumen de público, reflejando trayectorias consistentes y una conexión cada vez más fuerte con audiencias fuera de Brasil.
Esta presencia continua refuerza un nuevo estatus: Brasil no solo exporta talento, sino que participa activamente en la construcción de la escena electrónica global.
La estructura detrás de la pista
Detrás de esta expansión existe un engranaje que organiza la experiencia en vivo. Plataformas tecnológicas especializadas pasaron a desempeñar un papel clave al conectar artistas, productores y público, ayudando a transformar los eventos en operaciones cada vez más eficientes y escalables.
En este contexto, Ingresse actúa como parte de esa infraestructura, apoyando la realización de eventos de música electrónica a gran escala. En 2025, cerca de 1 millón de entradas de esta categoría pasaron por su tecnología, un indicio del tamaño y la consistencia de la escena brasileña.
Con actuación internacional y presencia en Europa, la empresa acompaña de cerca el flujo natural entre Brasil y otros mercados, reforzando conexiones que ya suceden en la pista.
Mucho más que una tendencia
En los bastidores de esta expansión, las soluciones tecnológicas asumieron un papel relevante en la conexión entre artistas, productores y públicos que hoy se mueven por el circuito global de la música electrónica.
Entre ellas, Ingresse acompaña este movimiento y estuvo presente en los Vicious Music Awards 2025
Lo que hoy se conoce como Brazil Core es el resultado de años de construcción: artistas con identidad propia, productores experimentados, público comprometido y una estructura capaz de sostenerlo todo. Cuando un DJ brasileño toma la cabina en un club europeo, lleva más que un set: lleva consigo toda una escena en movimiento.
Calling
Mochakk_Mochakk
Fotografia: Anne Karr
FREYJA
Charlamos con Marien Baker y Kristine Love sobre su nuevo proyecto, la fusión de dos almas creativas y apasionadas de la música electrónica.
Texto: Vicious Magazine
Hola Marien, hola Kristine, muchas gracias por esta entrevista. ¿Qué os ha llevado a uniros en este proyecto?
Después de más de 15 años de trayectoria cada una por separado, sentíamos que era el momento de crear algo nuevo. Tenemos una visión muy parecida de la música, de la escena actual y de cómo queremos expresarnos artísticamente. Por eso ha sido muy fácil unir fuerzas para crear algo más potente, con una identidad propia donde podamos transmitir nuestra energía en la pista de baile. Desde que empezamos a crear el proyecto, nos llovían las ideas de forma muy natural.
El nombre FREYJA tiene un claro componente nórdico, ¿qué es lo que os gusta de esta cultura y cómo encaja en vuestra propuesta musical?
Freyja es una diosa nórdica poderosa, es la diosa de la feminidad, la belleza y la guerra. Esa simbología encaja perfectamente con nuestra propuesta: energía, carácter, intensidad y emoción. Nos inspira la estética nórdica, su conexión con la naturaleza y lo místico, y todo ello se une con nuestra música, que es tribal y cargada de carácter.
En vuestras carreras por separado habéis explorado diferentes estilos de electrónica, ¿cuál es el sonido que vais a implementar en este concepto?
En Freyja fusionamos el tech house y el afro house con matices orgánicos y tribales, es un sonido profundo, elegante y con mucho groove, donde nuestra intención es que el público conecte con nuestras sesiones. No queremos limitarnos con etiquetas pero nuestra intención es muy clara, hacer bailar con nuestra identidad.
Aunque FREYJA acaba de nacer, ¿ya tenéis algún sello en el que sacaréis vuestras primeras producciones?
Llevamos muchos meses trabajando en nuestras primeras producciones y ya podemos adelantar que nuestra primera referencia en colaboración con un cantante hindú saldrá en Marzo por el sello Pandora Inc, propiedad de Massianello. No descartamos tampoco crear nuestro propio sello para publicar música en el futuro.
La química es imprescindible en un dúo, ¿os habíais subido juntas a una cabina antes de FREYJA o este proyecto ha nacido simplemente de vuestra amistad?
Freyja nace de una conexión muy natural desde el principio, nosotras hicimos una gira juntas de varios meses en el año 2014 donde ya compartimos experiencias, viajes, cabinas y descubrimos el buen feeling que teníamos. En los últimos años hemos compartido sets en diferentes ocasiones confirmando la buena química que tenemos pinchando juntas, así que solo faltaba unir todo eso con nuestras ganas de crear algo juntas.
Más allá de lo musical, FREYJA es mucho más. ¿Tenéis un equipo que os ayude con el estilismo y con lo visual?
Sí, Freyja es un concepto 360º porque cuidamos mucho la parte visual y estética, ya que forma parte de lo que queremos compartir con el público. El estilismo, la imagen y el show visual son ideas que nosotras proponemos y que luego nuestro equipo nos ayuda a desarrollar para que todo esté en conexión y tenga un sentido.
¿Qué es lo mejor y lo peor de trabajar con Kristine? ¿Y qué es lo mejor y lo peor de trabajar con Marien?
Marien sobre Kristine: Lo mejor es su sensibilidad artística, su intuición y su capacidad para aportar calma incluso en momentos de presión. Lo peor… que a ella le gusta salir pronto del hotel hacia el club y yo me quedaría un ratito más descansando… ��
Kristine sobre Marien: Lo mejor es su energía, su creatividad y su gran constancia. Lo peor…que baila mucho en la cabina y a su lado parece que yo no me muevo…jajajajajaj…. pero es parte de su magia.
¿Dónde y cuándo vamos a poder veros actuar próximamente?
El punto de partida de Freyja fue el 31 de Diciembre, estuvimos tocando en Lanzarote.
A partir de Enero empezamos a presentarnos oficialmente en diferentes clubs y eventos tanto a nivel nacional como internacional. Habrá fechas confirmadas donde podremos mostrar el concepto completo del proyecto.
Por el momento podemos adelantar:
Marchica Formigal: 27 Febrero
Marina Beach Club Vlc: 9 Mayo, 15 Agosto, 31 Octubre
Punta Piedra Alicante: 10 Julio, 7 Agosto
Esperamos que este 2026 venga cargado de mucha pista de baile.
Para FREYJA la música electrónica es……
Nuestra pasión, un lenguaje universal, una forma de conectar de manera real con otras personas.
FÁTIMA HAJJI
ALL NIGHT LONG EN FABRIK
UNA NOCHE SIN CONCESIONES
FABRIK volvió a demostrar por qué sigue siendo uno de los templos indiscutibles de la electrónica europea con una propuesta clara y sin artificios: Fátima Hajji al mando de la cabina durante toda la noche. Antes, NUKE fue el encargado de abrir la velada, calentando la pista con un set sólido y directo que preparó el terreno para lo que estaba por venir.
Con la sala ya en plena sintonía, Fátima tomó el control y dejó claro desde el inicio que la noche se iba a construir sin prisas y con una narrativa propia. El arranque fue firme, apoyado en un beat tenso que fue ganando profundidad poco a poco.
La intención era clara, crear un viaje.
El sonido fue ganando peso, tensión y personalidad. Patrones rítmicos contundentes, líneas incisivas y una presión constante fueron envolviendo la sala, empujando a la pista hacia un estado de hipnosis colectiva. Fátima supo manejar la repetición y la progresión con inteligencia, sosteniendo la intensidad sin recurrir a artificios.
Uno de los grandes aciertos de la noche fue la gestión de la energía. Un pico constante, la sesión respiró. Momentos de dureza cruda se alternaron con pasajes más oscuros y mentales, generando una montaña rusa emocional que mantuvo la conexión durante horas.
Con la madrugada bien avanzada, FABRIK estaba completamente entregada. El público respondió con una energía intensa y sin concesiones, creando una simbiosis total entre cabina y pista. Fue entonces cuando Fátima desplegó su versión más contundente: hard techno, BPM elevados y una actitud sin filtros que recordó por qué es una de las figuras más respetadas del circuito internacional.
El tramo final fue una auténtica prueba de resistencia, tanto física como emocional. Sin perder precisión ni coherencia, Fátima cerró la noche con un discurso sólido y honesto, demostrando que un all night long no se mide en horas, sino en visión, lectura de pista y personalidad artística.
Lo vivido en FABRIK no fue solo una sesión extensa, sino una declaración de intenciones. Una noche que confirma que, cuando hay identidad y conexión real con el público, el tiempo deja de importar. Y Fátima Hajji, una vez más, lo sostuvo hasta el último beat.
PADRE GUILHERME
Sacerdote, DJ y creador de experiencias que trascienden la pista de baile, el Padre Guilherme ha construido un lenguaje propio en el que la música electrónica, la fe y la emoción colectiva se encuentran. En esta conversación reflexiona sobre su vínculo con España, el impacto de sus giras internacionales, su proceso creativo y la convicción de que el club también puede ser un espacio de encuentro, contemplación, construcción de paz y esperanza.
Fotografia: Marta Santos Visuals
A lo largo de tu carrera has desarrollado una relación muy especial con el público español, actuando en festivales y clubes que han marcado tu trayectoria. ¿Qué crees que tiene España —su público, su cultura o su energía— que conecta tan profundamente con tu música y con tu forma de vivir la electrónica?
España tiene algo que me resulta muy querido: la forma de apreciar la vida, los encuentros, las relaciones humanas, la alegría con la que se viven los momentos compartidos entre amigos e incluso entre desconocidos. Pero España tiene también una fe que está creciendo entre los jóvenes. Cada vez son más los que rezan, se implican en sus comunidades parroquiales y confían en Dios. Tal vez por eso, la fe y el gusto por estar juntos crean una conexión muy fuerte en la pista de baile. De hecho, en España siento una conexión maravillosa con los jóvenes.
Mirando hacia el futuro, España parece seguir siendo un punto clave en tu camino artístico. ¿Puedes adelantarnos si tienes nuevos proyectos, colaboraciones o actuaciones previstas en España que aún no se hayan anunciado oficialmente?
Mis primeras experiencias internacionales de clubbing fueron en España. Como se dice en Portugal: “el primer amor nunca se olvida”. La primera actuación de 2026 en España fue en Pandora, en Sevilla, el 31 de enero. Ya tengo varias actuaciones previstas, pero todavía no han sido anunciadas por los promotores.
Acabas de cerrar una gira por Latinoamérica, pasando por países como Colombia, Costa Rica, México y Chile. ¿Qué aprendizajes personales y espirituales te llevas de este recorrido por culturas tan diversas?
Regresé con el corazón lleno. Tengo la sensación de que soy yo quien recibe energía, amor, paz y fe, y no al revés. Latinoamérica es una escuela de gratitud. Llegar a otro continente y sentir la gratitud de toda la pista de baile, de todas las personas con las que me cruzo, es algo realmente muy, muy especial. Es una gratitud que me enseña también a ser agradecido, por todo y en todo momento. Volví a casa con el corazón lleno.
En comparación con Europa, ¿has percibido diferencias en la manera en que el público latinoamericano conecta con tu propuesta musical y espiritual?
Hay una gran diferencia. Europa vive una gran crisis de fe que ha afectado a las generaciones más jóvenes. Los padres dejaron de rezar, dejaron de transmitir la fe a sus hijos. Al mismo tiempo, siento que los jóvenes están cada vez más en búsqueda de Dios. En Europa existe una apertura a lo trascendente por parte de los jóvenes, una búsqueda profunda de espiritualidad. Lo siento de una forma maravillosa y siempre sorprendente en la pista de baile. Cada viaje es inesperado y muy bello.
En Latinoamérica, los jóvenes están más comprometidos con la Iglesia. No todos, por supuesto. Pero, por ejemplo, cuando mezclo un tema cristiano con música electrónica, el ambiente en la pista de baile es difícil de describir. Muchas veces veo lágrimas. Son momentos que tocan profundamente mi corazón. No es fácil contenerse y seguir mezclando y guiando el DJ set. La fe está tan arraigada en la vida de los jóvenes que, para quienes aman la música electrónica, la pista de baile se convierte en un lugar de una fusión inexplicable e inolvidable.
“España fue mi primer amor en el clubbing internacional y sigue siendo clave en mi camino artístico.”
“España fue en el clubbing internacional y clave en mi camino
“Que la experiencia de la pista se convierta en compromiso por un mundo más humano y fraterno.”
“Que la experiencia de la pista se convierta en compromiso por un mundo más humano y fraterno.”
En tus shows se vive una experiencia casi ritual. ¿Cómo influyen estos encuentros internacionales en la forma en que construyes tus directos y en la energía que se genera en la pista?
Siempre intento comprender la cultura del lugar, ya sea en un club o en un evento religioso. Busco algo que sea muy propio de quienes van a bailar conmigo: a veces con música de otros DJs, otras veces con remixes personales y exclusivos para ese lugar. El objetivo no es olvidar la vida y bailar, sino celebrar la vida, sentir orgullo por las propias raíces y la cultura. Y hago todo esto desde mi identidad y mi misión, dando testimonio de mi fe y de mi esperanza en un mundo más fraterno.
En una época marcada por la velocidad, el ruido y la hiperconexión, tus sets parecen invitar al silencio interior incluso dentro del club. ¿Crees que la pista de baile puede convertirse en un espacio de contemplación y sanación colectiva?
El silencio forma parte de la música. No hay música sin silencio. Creo que también tengo una responsabilidad social: la responsabilidad de crear, en una época marcada por la velocidad, el ruido y la hiperconexión, momentos de introspección; momentos en los que podamos pensar en valores más elevados; momentos importantes que nos ayuden a tener el coraje de cambiar el mundo. Aquí es donde todo cambia: cuando apoyamos, animamos y decimos a los jóvenes “confío en ti; con tus fuerzas y con tus límites, puedes hacer este mundo mejor, más fraterno y más justo”. Y tenemos que decirlo. Yo quiero decírselo a los jóvenes. Y los jóvenes necesitan sentir que lo que les decimos es realmente aquello en lo que creemos. Así que sí: la pista de baile puede convertirse en un espacio de contemplación y sanación colectiva. Me atrevo incluso a decir más: la pista de baile puede ser un lugar de encuentro con Dios, una oportunidad para dejarnos encontrar por Dios.
Tu proyecto rompe barreras entre club culture, espiritualidad y experiencia emocional. ¿Cómo convives con las posibles contradicciones que algunos ven entre fe y música electrónica?
La música electrónica forma parte de una cultura de respeto, acogida y tolerancia. Lo vemos en la diversidad presente en una pista de baile: todos diferentes, pero todos unidos, disfrutando del mismo viaje musical. Unos se visten de una manera, otros de otra completamente distinta. Unos bailan más, otros menos. Todos son libres, todos se respetan, todos son responsables. Es una experiencia de fraternidad.
Esto sucede en todos los clubes de música electrónica. Si hay un ambiente donde podemos vivir libremente nuestra fe, sin prejuicios ni juicios, es precisamente en una pista de baile al ritmo de la música electrónica. De todos los estilos musicales pensados para bailar, no conozco otro que, desde su lenguaje hasta el comportamiento en la pista, sea tan abierto a la fe como una pista que vibra al ritmo de la música electrónica.
Mirando hacia el futuro, ¿qué te gustaría que las personas sintieran o se llevaran consigo después de vivir una experiencia musical con el Padre Guilherme?
Algo muy sencillo: el compromiso de hacer el mundo más humano y más fraterno. Como dijo el Papa Francisco: “hacer renacer, entre todos, un anhelo mundial de fraternidad”. Me gustaría que todos se llevaran la pista de baile a la vida, es decir, que la experiencia vivida en la pista de baile, al ritmo de mi propuesta musical, contagiara su forma de vivir el día a día: en la familia, en la escuela, en el trabajo, en la práctica de la fe, en los momentos de ocio, en todo.
LUX AETERNA RECORDS:
IDENTIDAD, VISIÓN Y CONTROL CREATIVO
Lux Aeterna Records nace como un sello propio y un espacio de libertad creativa. ¿En qué momento sentiste que era necesario crear tu propio label para proteger la identidad del proyecto?
Sentí que, para esta misión, era necesario tener una línea de mensajes que se completaran lanzamiento tras lanzamiento. En el fondo, como un espacio seguro para que la música hiciera su propio camino y para mantener cohesionada mi identidad.
Más allá de lo musical, Lux Aeterna Records propone una visión artística y espiritual muy clara. ¿Cómo defines el concepto que guía su catálogo y qué buscas transmitir a través de él dentro de la escena electrónica actual?
Primero imagino el mundo dentro de la pista de baile y, como sacerdote, pienso en el mensaje que quiero compartir. Luego pienso en quienes conducen hacia su trabajo, en quienes practican deporte con auriculares, en quienes escuchan plataformas de streaming y aman la música electrónica. Hay días más felices y otros más difíciles. Hay cansancio, depresiones, desilusiones, agotamiento…
¿Qué puedo transmitirles a través de la música? ¿Cómo puedo transmitirles ánimo, esperanza, consuelo, alegría y fe? Quiero producir una música que sea todo eso: algo que sea, al mismo tiempo, terapéutico y fuente de esperanza.
Tus dos últimos EP, “Si Tuvieras Fe” y “We Want an Unarmed and Disarming Peace”, muestran una evolución evidente tanto en lo sonoro como en lo conceptual. ¿Qué cambios internos o creativos impulsaron esta nueva etapa?
Intento acercarme cada vez más al mensaje y estar menos atado a un estilo musical concreto. Esta frase, este texto: ¿qué me piden a nivel musical? “Si Tuvieras Fe” presenta dos canciones conocidas, pero trabajadas de una manera diferente. Una de ellas, más étnica, nació en México. Quise incorporar algunos elementos típicos de la cultura mexicana. “We Want an Unarmed and Disarming Peace” presenta dos viajes completamente distintos: una oración por la paz hecha en la pista de baile y un grito fuerte por la paz, como un grito que nace desde la pista. Casi como la armonía en contraste con el caos, el silencio frente al ruido. Busco cada vez más que el foco esté en lo que el mensaje pide, y menos en la fidelidad a un estilo musical determinado, aunque la línea musical siempre esté presente.
“Si Tuvieras Fe” apela directamente a una emoción muy íntima. ¿Qué papel juega la vulnerabilidad en tu proceso creativo como productor y artista?
La vulnerabilidad es una fuerza, no una debilidad. Como sacerdote y como autor de música electrónica, sé que solo puedo tocar el corazón de los demás si permito que vean mi propio corazón. Es como decirles: “yo también siento esto, yo también busco la fe del grano de mostaza, yo también quiero sentir el fuego del amor de Dios”. Es una forma de decir que está bien tener dudas o abrir los brazos al amor de Dios. Así la música deja de ser mía y pasa a ser de todos. La vulnerabilidad es la llave que abre el corazón a la empatía y a la fraternidad. La música tiene ritmo; la vulnerabilidad le da vida a la música.
“La vulnerabilidad no es debilidad: es la fuerza que permite que la música toque el corazón”
“La vulnerabilidad no es debilidad: es la fuerza que permite que música toque el corazón”
“La pista de baile no puede ser indiferente: debe impulsar un mundo sin odios y más fraterno”
“La pista de baile no puede ser indiferente: debe impulsar un mundo sin odios y más fraterno”
En “We Want an Unarmed and Disarming Peace” el mensaje es más explícito y universal. ¿Sientes que la música electrónica puede ser también una herramienta de reflexión social dentro del contexto del club?
A lo largo de la historia de la música electrónica ha habido momentos de fuerte reflexión social. De hecho, fueron esos momentos los que me impulsaron a seguir este camino. Los fundamentalismos, la intolerancia religiosa, la xenofobia y el racismo están creciendo en nuestra sociedad. La pista de baile no puede ni debe permanecer indiferente. No debe ser un lugar para huir del mundo, sino para recargar fuerzas e impulsar la construcción de un mundo mejor, sin odios y más fraterno. Eso es lo que nos pide el Papa León XIV: “Hacia una paz desarmada y desarmante”.
Este año verá la luz tu primer álbum completo, “The Body”. ¿Qué representa este trabajo dentro de tu camino artístico y dentro de la evolución del proyecto Padre Guilherme?
Representa un largo camino de aprendizaje. A veces digo que me gustaría estar empezando ahora el proceso, pero con la experiencia que he adquirido en los últimos dos años. ¡He aprendido tanto! Representa también una invitación a marcar la diferencia en nuestro mundo con lo más precioso que tenemos: nuestro cuerpo. Y con nuestro cuerpo podemos hacer muchísimo por nuestros hermanos.Así que sí: la pista de baile puede convertirse en un espacio de contemplación y sanación colectiva. Me atrevo incluso a decir más: la pista de baile puede ser un lugar de encuentro con Dios, una oportunidad para dejarnos encontrar por Dios.
El título “The Body” sugiere una conexión profunda entre lo físico, lo emocional y lo espiritual. ¿Cómo se traduce esta idea en el sonido, la narrativa y la experiencia del álbum?
La inspiración nace de las primeras catequesis del Papa San Juan Pablo II, cuando hablaba de la teología del cuerpo. En el pasado, el cuerpo era visto como algo malo y el alma como algo bueno. Pero todo está unido: somos un todo. Con las manos, los pies, los ojos, la boca, los oídos, el corazón, la ropa y las rodillas podemos hacer muchísimo por nuestros hermanos. Todo en el cuerpo humano transmite un mensaje. Yo invito a que hagamos algo más con nuestro cuerpo. No necesitamos ganar la lotería para ayudar a los demás o para hacer algo bueno. Este álbum quiere transmitir precisamente ese mensaje.
Tu figura como sacerdote y artista te sitúa en un lugar muy singular dentro de la cultura contemporánea. ¿Sientes que la música electrónica te permite llegar a personas que quizá nunca se acercarían a la espiritualidad por los canales tradicionales?
Lo siento claramente, y cada vez más. Pero también siento que existe una apertura y una búsqueda por parte de los jóvenes. Siento que también estoy diciendo a quienes tienen fe: no tengáis vergüenza de salir con vuestros amigos, no tengáis vergüenza de bailar. Bailad, celebrad. Cristo no os quita nada; al contrario, os lo da todo. No tengáis miedo. Sed felices, comprometeos en la construcción de un mundo mejor y sed cristianos siempre y en todas partes: trabajando, estudiando, rezando o bailando.
Y a quienes no son cristianos o no tienen fe les digo: sed humanos, daos la mano, vivid con alegría, dejad que la esperanza inunde e ilumine vuestros corazones, acoged a los demás como hermanos y vivid en paz con todos.
ANGEL HEREDIA
PRECISIÓN SONORA, MENTALIDAD DE CLUB Y UNA VISIÓN CLARA DE PISTA. ANGEL HEREDIA ES UNO DE ESOS ARTISTAS QUE ENTIENDEN LA ELECTRÓNICA DESDE DENTRO: COMO DJ, PRODUCTOR Y TÉCNICO DE SONIDO. CON UN RECORRIDO QUE VA DEL TECH HOUSE MÁS FUNCIONAL A UN SONIDO CADA VEZ MÁS INTENCIONAL Y CONTUNDENTE, Y CON PROYECTOS COMO SU SELLO KOBBOK GANANDO PESO EN LA ESCENA, HABLAMOS CON ÉL SOBRE EVOLUCIÓN, GROOVE, CABINA Y CONTROL CREATIVO.
Tu música ha evolucionado mucho, desde tus primeros sets hasta lanzamientos recientes. ¿Cómo describirías tu evolución sonora y qué momentos clave marcaron ese crecimiento?
Mi sonido ha ido de lo más funcional para la pista a algo mucho más intencional: menos elementos, más pegada y más groove. Antes priorizaba “llenar”, ahora priorizo que cada parte tenga un motivo y que la energía esté bien diseñada. El crecimiento llegó cuando empecé a producir con mentalidad de DJ: pensar en tensión, dinámica y respuesta real del público, no solo en el estudio. Y cuando me obsesioné con que el low end (kick/bass) sea sólido, estable y traduzca bien en club.
¿Cómo ha influido tu formación como técnico de sonido en tu enfoque creativo y en la manera en que produces y mezclas tus temas?
Me cambió la forma de decidir: primero balance, headroom, fase y transitorios; después, “color”. Soy bastante friki del sonido: invierto mucho tiempo en investigar, leer foros, ver tutoriales, hacer cursos y comparar plugins por carácter y comportamiento real. Eso me ha ayudado a sacar un sonido muy bueno y consistente (perfecto no existe). Y gracias a ese enfoque también abrí mi parte de estudio: hago mezcla y mastering para artistas y sellos y, por suerte, están muy contentos con el resultado.
¿Hay algún track o proyecto personal que aún no hayas lanzado pero que sea muy especial para ti? ¿Qué te inspira a crear ese tipo de pieza?
Sí: tengo un tema llamado INVASION, hecho en 2023, que aún no he lanzado y estoy valorando sacarlo. Es especial porque tiene potencia de techno, pero sigue siendo tech house, y además lo llevo pinchando y funciona muy bien en pista. Para mí es un punto medio entre mi sonido como Angel Heredia (tech house en varias vertientes) y mi nuevo alias de techno, que de momento prefiero mantener en secreto, enfocado a hard groove “old school” (2002–2005), ese techno muy groovero y rápido que siempre me marcó.
Sabemos que das cursos y masterclasses de producción. ¿Qué consejo fundamental le darías a un productor emergente que quiere destacar en el género tech house o techno?
Termina música: un track acabado vale más que diez ideas. Define un sello sonoro claro (kick, bass, percusiones) y repítelo hasta que sea reconocible. Referencia dos o tres temas de forma seria y mezcla a volumen bajo para no engañarte con el sub. Y algo importante: al principio no me gastaría el dinero en mezclar o masterizar en estudios muy top, salvo que tengas un presupuesto fuerte; primero haz mucha música, encuentra tus sonidos y tu identidad. Y cuando ya tengas material con nivel, ahí sí: manda lo mejor a estudios profesionales o a gente como yo para dejarlo realmente “niquelado” para el mercado. Actúas tanto en festivales como en clubes icónicos. ¿Qué diferencias percibes entre pinchar en clubes versus grandes festivales y cómo te preparas para cada tipo de público?
La mayor diferencia es la conexión: en club el público está cerca, ves microreacciones y también ven tu manejo; se siente más directo. En festival suele haber más distancia y puede ser más frío, aunque yo intento dar el 100 % en ambos. Soy muy técnico en cabina: setup completo, dinámica, varias pistas arriba y efectos muy medidos, intentando no caer en sobreinformación. Me preparo por bloques de energía y, sobre todo, controlo mucho el tema del swing: separo recursos y temas con swing marcado y sin swing para que la rítmica sea cohesionada y todo parezca un solo bloque. Cuando trabajas con varias capas arriba, si el groove o el swing no están alineados, ahí es donde aparecen problemas.
Muchos DJs hablan del impacto emocional que tienen en el público. ¿Hay alguna experiencia en cabina que te haya marcado especialmente?
De lo más fuerte es cuando entra un tema propio y la reacción es inmediata: manos arriba, gritos, miradas de “¿qué es esto?”. Ahí confirmas que el trabajo del estudio sí llega a la pista de verdad. Ese tipo de momentos te obliga a subir el estándar y a ser aún más exigente con tu sonido.
Además de producir y pinchar, ahora también lideras tu propio sello, KoBBoK. ¿Qué te motivó a crearlo y qué visión tienes para él?
Creé KoBBoK para tener control total: sonido, timing, estética y narrativa, y también por cansancio de negativas y de depender de agendas ajenas. Tenía mucho volumen de música y no podía permitirme estar siempre esperando a que otros decidieran cuándo y cómo publicar. Montar mi propio sello fue una decisión natural y estoy muy contento: lo he llevado a posicionarse muy arriba en ventas dentro de su categoría. Y con KoBBoK LiMiTeD, la idea es abrir una vía para otros artistas. Aquí el filtro es simple: que me manden música muy buena que encaje en energía y calidad. No lo limito a un subestilo único, pero sí a un estándar, y además la mezcla y el mastering los hago siempre yo para que todo tenga la misma pegada, coherencia y nivel.
La escena electrónica evoluciona constantemente. ¿Cómo ves la dirección actual del tech house y el techno, y qué sonido crees que dominará los próximos años?
Veo el panorama dividido por corrientes. En tech house, ahora mismo domina mucho esa vertiente más electroelectrónica: bajos más sintéticos, más carácter y un enfoque muy claro al impacto en pista, y convive con líneas más crudas y directas de club. La vocal puede seguir, pero funciona mejor cuando está integrada con intención y no como recurso fácil.
En techno veo claro más groove y más swing (menos todo recto), menos saturación “por saturar” y más dinámica real: que el ritmo y la tensión manden por encima del ruido.
Las fiestas y showcases de KoBBoK están creando una identidad propia alrededor del sello. ¿Cómo concebiste estas fiestas y qué objetivo tienes para ellas dentro de la escena club y underground?
KoBBoK ShOwCaSe nace para crear una experiencia total coherente: música, estética y actitud alineadas. No es “otra fiesta”, es curaduría: lineups que tengan sentido y una atmósfera reconocible. Cuidamos mucho el apartado visual: decoración, color, elementos inmersivos, luces negras y una zona de juegos para que el evento se sienta como un universo propio. El objetivo es construir comunidad alrededor del sello y que quien vaya entienda rápido qué es KoBBoK y por qué es distinto.
BUBBA BROTHERS
CON UNA TRAYECTORIA SÓLIDA DENTRO DE LA ESCENA ELECTRÓNICA Y UN SONIDO QUE BEBE DEL HOUSE Y EL TECH HOUSE CON CLARAS INFLUENCIAS TRIBALES Y AFRO, BUBBA BROTHERS SE HA CONSOLIDADO COMO UNO DE LOS DJS PORTUGUESES CON MAYOR PROYECCIÓN INTERNACIONAL. SU CONEXIÓN CON LA PISTA, SU CAPACIDAD DE LECTURA DEL PÚBLICO Y SU PASIÓN INTACTA POR LA MÚSICA LO MANTIENEN EN CONSTANTE EVOLUCIÓN. HABLAMOS CON ÉL SOBRE IDENTIDAD, ESCENARIOS, PREMIOS Y LA ESENCIA REAL DEL DJING.
Llevas años desarrollando tu identidad como DJ dentro de la escena electrónica. ¿Cómo definirías hoy tu sonido en cabina?
Sigo siendo muy fiel a mis raíces Tech House y House, pero con el tiempo mi sonido ha ido evolucionando de forma natural. Hoy en día tiene muchas más influencias tribales y afro. Al final, mi filosofía es sencilla: cualquier música que motive a la gente y genere una conexión real con la pista tiene sentido en mi cabina.
Has actuado en distintos países y contextos. ¿Qué diferencias notas entre pinchar en casa y hacerlo fuera de Portugal?
Cada país tiene su propia identidad y eso se nota mucho en el público. En Portugal es más fácil porque conozco bien las expectativas, y en España ocurre algo muy parecido, ya que culturalmente somos muy similares. En otros países el reto es mayor, porque entender rápidamente el sonido adecuado para la pista no siempre es sencillo. Aun así, mi trabajo es precisamente ese: proponer un viaje musical, convencer al público y sacarlo de su zona de confort.
Para ti, ¿qué pesa más en una sesión: la técnica, la selección o la lectura del público?
Es una combinación de las tres y es complicado separar una de otra. Pero si tengo que destacar una, diría que la lectura del público. Es lo más difícil de dominar y, al mismo tiempo, lo más importante.
¿Recuerdas alguna noche o club que haya marcado especialmente tu forma de entender el DJing?
Sin duda, la primera vez que pinché en Blue Marlin, en mi segunda visita a Ibiza. El entorno y el ambiente fueron impactantes. Además, al tratarse de una fiesta de Eli Rojas, mi sonido y mi ritmo latino encajaron de manera perfecta. Fue una experiencia muy especial.
La escena electrónica está en constante cambio. ¿Cómo te mantienes actualizado sin perder tu personalidad como DJ?
Escucho y observo mucha música. Desde referentes clásicos como Solomun, Fatboy Slim o Carl Cox, hasta artistas más actuales como Hugel, Fisher y otros. También asisto a muchos conciertos en vivo para entender cómo reacciona el público ante distintos estilos. Y más allá de la electrónica, escucho jazz, rock y música tradicional portuguesa, buscando nuevas ideas y sonidos que puedan influir en mis producciones.
En una era dominada por redes sociales y métricas, ¿qué importancia sigue teniendo la pista de baile real?
La pista de baile es la madre de todo. Es donde realmente se mide tu calidad como DJ: si tu selección funciona, si tu sonido despierta emociones y si consigues transmitirlas con tu presencia. Para mí, es el único barómetro real.
“La pista de baile es el único barómetro real para cualquier DJ.”
“Rara vez preparo sets: el momento es el que manda.”
¿Cómo preparas un set y cuánto espacio dejas a la improvisación en cabina?
Rara vez preparo sets cerrados. No me gusta sentirme limitado. Prefiero tener libertad total para leer la pista y adaptarme al momento. Puede que tenga una idea general, pero nunca un programa definido. El momento manda siempre.
Has compartido cartel con artistas de distintas generaciones. ¿Qué has aprendido observando a otros DJs desde dentro de la escena?
Compartir cabina con artistas como Oxia, Ten Walls o Roger Sanchez es una experiencia surrealista.
Tener a tus ídolos tan cerca te permite aprender cómo gestionan al público, la presión y la energía del momento. Es un aprendizaje constante y una experiencia única que espero seguir viviendo muchas veces más.
¿Qué te sigue motivando a subirte a una cabina después de tantos años?
El amor y la pasión por la música. Y, sobre todo, la adrenalina, la energía y la conexión que se crea con el público. No hay nada más gratificante que ese momento compartido.
“Existo como
DJ gracias al público.”
Este año has sido reconocido en los Vicious Awards como el artista con más ventas digitales en Portugal. ¿Cómo interpretas este premio dentro de tu trayectoria?
Probablemente es uno de los momentos más importantes de mi carrera. Es el reconocimiento a un gran esfuerzo personal y al trabajo de muchas personas que caminan conmigo. Nadie gana solo. 2025 fue un año clave y los Vicious Awards lo reflejan, pero si Dios quiere, 2026 será aún mejor… y no puedo decir mucho más.
Para cerrar, ¿qué mensaje te gustaría enviar al público que te sigue y te acompaña en cada sesión?
Gracias por todo. Existo como DJ gracias a vosotros.
BENJA MOLINA
Con su nuevo EP en UNIVACK, Benja Molina cierra el año reafirmando una identidad sonora construida desde la constancia, la sensibilidad melódica y una relación sólida con el Progressive House. Small Town Night no solo reúne tres cortes muy distintos entre sí, sino que funciona como una fotografía precisa de su momento creativo actual, incluyendo una colaboración muy especial con Blind Passengers, referente histórico de finales de los 80. Hablamos con Benja sobre el proceso detrás del EP, la importancia de la melodía, el equilibrio entre club y narrativa, y su mirada puesta en el futuro.
Vienes de cerrar el año con un nuevo EP en UNIVACK, un sello donde has construido una relación artística muy sólida. ¿Qué representa este lanzamiento dentro de tu recorrido personal y qué lo diferencia de tus trabajos anteriores en el label?
Se podría decir que representa mi sonido. Son tres trabajos muy distintos entre sí, pero que componen claramente mi sonido actual.
Small Town Night ha sido un reto. Han sido meses de trabajo y, solo el hecho de que Nik Page me dijera que siguiera adelante con ello, ya fue muy especial. Es algo muy diferente a lo que había hecho hasta ahora, ya que nunca había publicado nada junto a un grupo de música que hoy en día sigue en activo.
“Small Town Night” es el eje central del EP y además cuenta con la colaboración de Blind Passengers, un nombre clave de finales de los 80. ¿Cómo se gestó ese encuentro entre dos generaciones tan distintas y qué buscabas preservar o actualizar de su identidad vocal dentro de tu lenguaje progressive actual?
La idea surgió escuchando en casa el vinilo original. Rápidamente se me encendió la bombilla. Trabajé desde cero en la producción para que todo el protagonismo fuera para la voz original. Después se lo mostré a UNIVACK y decidí escribir directamente al grupo. Cuando lo escucharon les encantó y me dieron luz verde para avanzar con el lanzamiento. He tratado de mantener el aura de la versión inicial del 92, pero adaptándola a los códigos actuales del Progressive House.
En los otros dos cortes, “Atacama” e “If You Need Me”, se percibe una evolución clara en el tratamiento melódico y emocional. ¿Cómo afrontas hoy el equilibrio entre funcionalidad de club y narrativa sonora a la hora de producir Progressive House?
La parte melódica siempre viene conmigo, es algo que arrastro desde el principio. Es mi identidad y la parte más creativa para mí a nivel narrativo. Es donde más disfruto probando y experimentando. Intento que la base rítmica sea la que te mueva y genere ese código de club con más groove, pero la melodía es fundamental. El Progressive House es el estilo perfecto para unir esos dos mundos.
Tu música cuenta con el apoyo continuado de artistas como Hernán Cattáneo y una presencia constante en charts internacionales. ¿Cómo gestionas ese reconocimiento sin que condicione tus decisiones creativas o tu manera de entender el estudio?
La primera vez se me caían las lágrimas de emoción. Que alguien que es referente para tanta gente apoye tu música, en mi caso lo hace especialmente emocionante y gratificante.
Trato de hacer música que conecte, sin pensar a quién va a llegar ni qué va a pasar después. Intento ser lo más fiel posible a mi música, y eso también implica saber cuál es el foco y no desvirtuarlo, tener los pies en la tierra. Tener el 100% de la música que hago en charts es, para mí, una forma de decirme que tan mal no lo hemos hecho, que la constancia es fundamental en esto, más allá de ser bueno, malo o regular, y que este camino ha merecido la pena.
Mirando hacia 2026, después de este EP que muchos consideran uno de los más representativos de tu catálogo, ¿sientes que estás cerrando una etapa o más bien asentando una base para explorar nuevas direcciones dentro del progressive?
Siento que es, efectivamente, un asentamiento de mi trabajo, como madurarlo, igual que el vino. El Progressive House tiene algo que no tienen otros estilos, y es que te permite ser muy diferente dentro del género, tanto pinchando en clubs como produciendo.
Te da libertad para ser más melódico o para acercarte a vertientes más techno. Tengo clara mi identidad y mi forma de hacer las cosas, y este EP reafirma lo que venimos haciendo desde hace tiempo y que me define como DJ y productor. Podré variar sonidos y probar cosas nuevas, porque esto es un aprendizaje constante, pero la esencia siempre será la misma.
VICIOUS CHART
BY KARLOS MOLINA
Maksim Dark Electrobirds (Original Mix) OCTOPUS BLACK LABEL
BREAKBEAT ENERGETICO Y PEGADIZO PARA ATRAPARTE EN LA PISTA
Charlamos con GUAU, DJ, productor, jefe del sello 83 y sobre todo una mente inquieta que no para de aportar contenido estimulante a la escena electrónica. Desde Mallorca recorre el mundo exportando un sonido energético y pegadizo, un estilo que te atrapa y que te hace disfrutar de la experiencia de una auténtica pista de baile.
Hola Raúl, muchas gracias por esta entrevista. Acabamos de cambiar de año, ¿cómo ha ido el 2025 para GUAU?
El 2025 ha sido un año estupendo, tanto en la producción como en eventos. El público ha recibido muy bien todas mis canciones, tanto originales como remixes y colaboraciones. También estoy muy contento con la afluencia de público y la repercusión de mis sesiones en toda Andalucía, Inglaterra y Estados Unidos.
¿De dónde viene el nombre de GUAU?
Hace muchos años un amigo empezó a decirme “Rau” y terminó diciendo “Guau”. Y lo que empezó como una broma terminó siendo mi AKA para el Breakbeat
¿Cuándo comenzó tu interés por la música electrónica?
¿Siempre estuviste enganchado a este estilo o fue una evolución en tus gustos?
Desde muy pequeño siempre he sentido una fijación por la música, y desde los 10 años la música electrónica que llegaba a mis manos fue esculpiendo la base de la música que hago hoy día. A los 13 ya tenía mi programa de Radio en una emisora local y ya empezaba a estar interesado en el mundo del dj.
Me gusta (casi) todo tipo de música, pero la electrónica tiene ese potencial de poder crear todo sin límites que cualquier artista desea a la hora de producir.
¿Cómo era la escena electrónica en tu ciudad cuando eras un chaval? ¿Cuáles eran los clubs a los que ibas regularmente?
La escena era muy diferente a lo que hay hoy. Todo funcionaba con flyers o el boca a boca, y la música era muy difícil de encontrar. Aunque lo recordamos con mucha nostalgia, prefiero como está todo ahora. Recuerdo que mis primeras fiestas, más que asistir a clubs, era ir a festivales como Espárrago Rock y Creamfields, ahora Dreambeach. Aunque la primera vez que fui a Fabric en Londres la forma en que escuchaba y sentía la música cambió, y esa sensación sigue viva hoy día.
¿Qué artistas te marcaron en tus inicios? ¿Quienes son tus referentes?
Nombrar a The Prodigy es algo casi obligatorio para los de mi generación cuando hablamos de referentes o artistas que nos marcaron. Pero añadiría a Fatboy Slim, Krafty Kuts, Freestylers, Plump DJs y varios más que son la base de mi sonido actual. Además he tenido la suerte de poder colaborar con los 3 últimos y con el tiempo hemos llegado a ser amigos, lo que me hace pensar que nada es imposible.
En ocasiones no es fácil tomar la decisión de dar el paso de dedicarse profesionalmente a la música. ¿Cómo fue para ti?
No fue nada fácil pero si necesario. En la vida debes tomar varias decisiones que sabes que van a cambiar tu vida radicalmente, pero sientes que debes hacerlo a pesar de todo lo malo que puede suceder, pero también puede salir todo bien o incluso mucho mejor de lo que imaginas. Además coincidió con el comienzo de 2020 … así que ya podéis imaginaros empezar una nueva vida justo en ese momento … He aprendido y sigo aprendiendo, pero voy disfrutando el camino, que es lo más importante.
¿Cómo definirías tu estilo?
Energético, pegadizo y en palabras de un amigo “que te atrapa” Me gusta hacer hits que se hacen virales, como a cualquier artista, pero también me gusta hacer
canciones para la mitad de la sesión, que te cuente algo, que te mantenga en ese estado de felicidad y buen rollo con tus amigxs para que saborees el momento a tu ritmo.
¿Cómo estás viviendo este nuevo boom por los ritmos rotos?
Los que llevamos un tiempo en esto lo estábamos esperando y lo estamos disfrutando con mucha cautela y con muchas ganas de trabajar, cuidar la escena y hacer que crezca para que más gente comparta nuestra forma de entender y vivir la música. La escena Break hoy día es sinónimo de comunidad, buen rollo, evasión en la pista de baile y compañerismo entre productores y sellos. ¿Qué más podemos pedir?
Háblanos de tu sello 83, cómo nació, cuando y qué personas estuvieron involucradas en su creación
El sello lo empecé en 2016, sin ninguna intención más allá de sacar música de mis amigos y mía, un sitio donde compartir nuestras ideas menos comerciales y arriesgadas para aquellos que buscaran otro sonido diferente a lo que había entonces. Y desde el principio las canciones tuvieron mucha repercusión tanto en el público como en artistas nacionales e internacionales. Ahora llevamos ya 3 años consecutivos siendo el número 1 en Beatport.
¿Qué artistas han colaborado con 83?
A nivel nacional todos los más importantes, como Yo Speed, NOSK, MBreaks, Bowser, Dub Elements, Bad Legs, Tortu, The Brainkiller, Shade K y un larguísimo etc También tenemos a internacionales como Krafty Kuts, Plump Djs o Keith MacKenzie que aportan su legendario sonido a nuestro catálogo.
En el estudio cómo eres, ¿ya llegas con una idea preconcebida o dejas que los sonidos vayan fluyendo?
Depende porque hay días que me levanto con la idea prácticamente hecha en mi cabeza y otros que me gusta explorar diferentes opciones y tener “happy accidents” que terminan siendo hits.
¿Qué lanzamientos tienes previstos para 2026?
Hay varias colaboraciones con artistas nacionales e internacionales que llevan sonando en mis sesiones un tiempo y ya les toca llegar a los demás djs. Lanzamientos tanto en digital como en vinilo, que es otro de nuestros puntos fuertes en los últimos años, estableciendo a 83 como uno de los sellos referentes también en formato físico gracias a Waxport.
¿Dónde vamos a poder verte pinchar en los próximos meses?
No puedo desvelar mucho ahora mismo, pero en grandes festivales y en las mejores salas de Andalucía… y fuera de Andalucía, como en Madrid el proximo 28 de Febrero en la sala Next Clubbing y algunos festivales MUY importantes que están por anunciar aún.
Para GUAU, la música electrónica es……..
Mi vida y un lenguaje universal donde no hay fronteras ni problemas, solo gente bailando y disfrutando el momento.y fuera de Andalucía, como en Madrid el proximo 28 de Febrero en la sala Next Clubbing y algunos festivales MUY importantes que están por anunciar aún.
ALONNE EN EL ESTUDIO CON
¿Cuál es tu proceso compositivo?
Mi proceso no es demasiado rígido. Normalmente empieza por una sensación más que por una idea concreta: un sonido, una textura, un groove o un estado de ánimo. Con los años he aprendido que necesito cierta dirección antes de sentarme a producir. Paso bastante tiempo escuchando música, explorando y dejando que la idea madure fuera del DAW. Cuando empiezo un tema, suelo tener claros varios posibles hooks —una vocal, una melodía o un sonido especial— alrededor de los cuales construir. A partir de ahí, empiezo a dar forma al track, intentando que cada elemento tenga un motivo para estar ahí. Para mí, componer es encontrar un equilibrio entre intuición y control.
¿De que partes a la hora de crear un nuevo tema?
Últimamente no parto de una sola idea, sino de varios elementos a la vez. Eso me da más libertad para desarrollar el tema sin quedarme atrapado en una única dirección. Prefiero no pensar la estructura desde el primer momento, sino dejar que el track crezca de forma natural.
Después entra la parte más analítica: ordenar, pulir y darle coherencia. Me gusta que el tema tenga varios puntos de agarre y que no dependa de un solo elemento para funcionar.
¿Eres de los que priorizan la idea sobre la parte técnica en el comienzo de un track?
No del todo. La parte creativa y la técnica van bastante de la mano desde el principio. No busco una mezcla final mientras estoy creando, pero sí necesito que el tema suene bien desde las primeras fases. Eso hace que sea más fácil seguir avanzando y tomar decisiones creativas con claridad.
¿Con qué equipo produces en tu estudio?
Mi estudio actual es muy sencillo: un iMac, unos Sennheiser HD25, un teclado Alesis básico y un AKAI MPD218. Nada más. He tenido estudios mucho más complejos y no hacía mejor música. Después de varios años fuera y un largo proceso de introspección, entendí que el equipo no es lo importante. Hoy creo firmemente que con un ordenador y unos auriculares se puede hacer música increíble. El equipo principal es la cabeza.
¿En qué te inspiras para crear nueva música?
La inspiración me llega, en gran parte, de los artistas que admiro. Me gusta escuchar música sin distracciones y analizar cómo construyen sus temas y transmiten emociones. Pero también aparece en lo cotidiano, en situaciones normales o en sonidos inesperados. Muchas ideas nacen fuera del estudio, y luego acaban tomando forma cuando me siento a producir. Es un proceso caótico, pero muy honesto.
¿Qué rol juega la experimentación en tu música? ¿Te gusta salir de tu zona de confort?
En mis primeros lanzamientos como ALONNE fui bastante conservador, muy enfocado en llegar a ciertos sellos. Con el tiempo me di cuenta de que eso me estaba limitando. Para seguir creciendo tenía que salir de mi zona de confort. Ahora dejo mucho más espacio a la experimentación y a hacer música de forma más honesta, sin pensar tanto en encajar. Curiosamente, ese cambio ha tenido una respuesta muy positiva en mis últimos lanzamientos.
¿Cómo y cuándo sabes que un tema está terminado?
Cuando lo exporto y lo pincho con la música que suelo poner. Si no fluye, lo noto enseguida. Si, en cambio, lo repito varias veces y cada vez me gusta más, ahí sé que está terminado, aunque a veces reserve otro día para pequeños ajustes.
¿Prefieres autoeditar tu música o lanzarla en sellos?
Sigo creyendo que publicar en sellos potentes es una de las mejores formas de crecimiento para un artista. No es fácil y exige paciencia y autocrítica, pero cuando confías en lo que haces, incluso los rechazos te ayudan a mejorar.
¿Qué viene ahora?
Mis próximos tracks salen en KONQ AUDIO y UNHEARD BLACK, y ya tengo cerrada una colaboración con SURMILLO, con la idea de lanzar un release conjunto. El objetivo es claro: seguir subiendo un escalón más y hacer de 2026 uno de los años más fuertes de mi carrera.
ANÏTA MOÖN
Elegancia y energia
Con una identidad sonora definida y coherente: house melódico cuidadosamente seleccionado, elegante y cargado de intención.
Desde muy joven se sintió atraída por la música electrónica, no solo como oyente, sino como un universo propio en el que sumergirse, aprender y emocionarse.
Con el tiempo, esa curiosidad se transformó en una pasión real al vivir de cerca la energía de festivales y eventos, un punto de inflexión clave en su desarrollo artístico.
Fue ahí donde comenzó a construir su propio concepto, absorbiendo influencias, explorando matices sonoros y entendiendo que su verdadero motor no es solo mezclar música, sino contar una historia de principio a fin.
Sus sesiones evolucionan de forma orgánica, dando lugar a paisajes sonoros que atrapan progresivamente y donde emoción y groove conviven con naturalidad.
Anïta Moön cuida cada selección con criterio y sensibilidad, buscando siempre ese equilibrio entre elegancia y energía que convierte cada set en una experiencia con intención, narrativa y una personalidad muy reconocible.
PREMIERE
Texto: Kali
Fank – Skudde (Original Mix)
Schall & Lauch
Con ‘Skudde’, Fank entrega uno de los momentos más directos y físicos de su próximo EP Deepsheep, marcando su segundo lanzamiento en Schall & Lauch. Previsto para el 13 de diciembre de 2025, el EP canaliza una energía de groove cruda a través de un enfoque lúdico pero plenamente orientado al club, y ‘Skudde’ destaca como el corte más enfocado a la pista.
Come Closer – Big Bada Smile (Original Mix) Magic Tribe Music
La dupla Mike Spirit & Asaga afila su lenguaje club en “Big Bada Smile”, un corte que condensa el ADN de Come Closer: groove inmediato, bajo elástico y una arquitectura rítmica que respira orgánica mientras empuja hacia el trance melódico. Las percusiones —bien esculpidas, en capas— se enredan con una línea principal luminosa que no recurre al tópico del “break épico”: aquí el clímax está en el vaivén hipnótico, en el detalle micro, en cómo cada elemento encuentra aire.
Benja Molina - If You Need Me (Original Mix) Univack
Con “If You Need Me”, Benja Molina firma uno de los cortes más sólidos de su nuevo EP en UNIVACK, un lanzamiento que vuelve a confirmar por qué el productor español se ha convertido en una de las figuras clave del Progressive House internacional. El track muestra con claridad su enfoque actual: líneas melódicas diseñadas para club, un trabajo rítmico preciso y una identidad sonora que se ha vuelto plenamente reconocible dentro de la escena.
Renwartherger – Everything (Original Mix) Bulletdodge Records
Hay proyectos que se explican con palabras y otros que prefieren hacerlo desde la grieta. Renwartherger pertenece a este segundo grupo: una entidad sonora que rehúye el relato prefabricado y deja que sea la música la que trace el mapa. Dentro de su nuevo EP Moving, “Everything” emerge como uno de los cortes más inquietantes y fronterizos del conjunto, un ejercicio de tensión rítmica y desvío estilístico que rompe expectativas desde dentro.
Seretan – Underwave
Bandcamp
Con el lanzamiento el 18 de diciembre de 2025, “Underwave” se presenta como el segundo adelanto del próximo EP Running Clouds de Seretan, y también como una de las piezas más densas y matizadas de su universo reciente. El tema se mueve en un territorio donde el triphop, la electrónica oscura y la tensión contemporánea conviven sin necesidad de resolver nada del todo.
CANVI, Florist (BE) - Don’t Say (Original Mix) Go Deeva Records l tema se articula alrededor de una vocal intensa y expresiva, que actúa como hilo conductor desde los primeros compases, apoyada por una línea de bajo profunda y con carácter. A partir de ahí, “Don’t Say” desarrolla una progresión cuidada y envolvente, donde el groove se va afirmando poco a poco, dejando que la atmósfera gane peso sin necesidad de golpes evidentes.
Marthial – Sorgiamo Senza Permesso (Original Mix) Sotor
Para el séptimo lanzamiento de SOTOR, Marthial presenta Terraforming The Unwanted, un EP de cinco cortes que continúa desarrollando la narrativa del sello desde una perspectiva cruda, directa y profundamente vinculada a la pista. Como tercer adelanto, “Sorgiamo Senza Permesso” se sitúa en el núcleo conceptual del release, condensando buena parte de su tensión y carácter.
El Remix de Lopezhouse lleva Cadenza a un terreno más electrónico, mental e indie, reforzando la tensión original con texturas ácidas, desarrollo progresivo y una atmósfera claramente cinematográfica. El groove se vuelve más hipnótico y menos frontal, pensado para sets largos y contextos nocturnos donde el detalle marca la diferencia.
SITARA & Alex Drift – Chase The Moment (Felix Kessler Remix) Electromantica
Electromantica presenta una nueva relectura de Chase The Moment, el track firmado por SITARA y Alex Drift, ahora reinterpretado por el productor y sound designer alemán Felix Kessler. El remix vio la luz en formato digital y streaming el 5 de diciembre de 2025, reforzando el carácter club del original con una visión clara y contemporánea.
Myles Sergé – FANPRO (The Classic Version) (MS)
Myles Sergé vuelve a demostrar por qué su nombre lleva años circulando con respeto entre los márgenes más exigentes del techno contemporáneo. FANPRO no es un ejercicio de nostalgia ni un guiño complaciente al pasado: es una declaración de método. Crudo, funcional y con una tensión perfectamente dosificada, el corte avanza con la seguridad de quien conoce el club desde dentro y sabe exactamente cuándo apretar y cuándo dejar respirar a la pista.
DEEP / PROGRESSIVE
BY DANNY LLOYD
EMI GALVAN EVERLONG (ORIGINAL MIX) MANGO ALLEY
Progressive house elegante, con esa melancolía luminosa tan propia de Mango Alley. El groove es medido pero constante, construido para durar en el tiempo más que para golpear de inmediato. Pads aireados, bajo profundo pero amable. Es una pista que respira: perfecta para aperturas largas o momentos de transición emocional, cuando quieres que la pista se deje llevar sin darse cuenta.
NICK VARON & DEEKAY INYEON (ORIGINAL MIX) SUDBEAT MUSIC
Aquí entramos en un territorio más espiritual. “Inyeon” es una palabra coreana que habla de los lazos kármicos, y se nota. Groove hipnótico, bajo redondo, detalles percusivos muy finos. No hay prisa: la pista te atrapa poco a poco y no te suelta. Clásico mood Sudbeat, pero con una profundidad casi meditativa. Ideal para cuando la noche ya ha entrado en su fase más sincera.
Minimalismo tenso y futurista. Esta pista no busca el abrazo, busca la atención. Secuencias secas, groove quirúrgico, atmósfera casi industrial pero limpia. Funciona muy bien en contextos más mentales, clubes oscuros, momentos de concentración colectiva. Es una de esas pistas que no hacen ruido por fuera, pero trabajan muchísimo por dentro.
DILBY JUST A GAME (ORIGINAL MIX) UGENIUS
Aquí cambia el registro: house moderno, funky en su justa medida, groove elástico y súper sólido. Dilby tiene esa capacidad poco común de ser muy efectivo en la pista sin volverse banal. El bajo camina, las percusiones sonríen, y todo se mantiene extremadamente profesional. Es “solo un juego”, sí, pero jugado por alguien que conoce muy bien las reglas.
Impulso hipnótico y atmósferas polvorientas, casi cósmicas. El groove es directo pero nunca agresivo, con un trabajo de texturas que crece lentamente. Es una pista que vive muy bien en sets nocturnos, cuando la pista ya está caliente y lista para perderse. Menos narrativa, más física. Primero mueve el cuerpo, luego la cabeza.
TRANCE
BY IVAN MORALES
PAUL VAN DYK & CIARAN MCAULEY WHEN I FOUND YOU (ORIGINAL MIX) BLACK HOLE RECORDINGS
Un elegante encuentro entre la sensibilidad melódica de Ciaran McAuley y la sólida arquitectura sonora de Paul van Dyk. Trance emocional y refinado, con una progresión envolvente que reafirma la química creativa entre ambos artistas.
JACKOB ROENALD, AMOS & RIOT NIGHT, MIKE MOOR NOT AFRAID (ORIGINAL MIX) PURE TRANCE NEON
Colaboración explosiva a 142 BPMs que combina potencia, precisión y melodía trance de alto nivel. Un track diseñado para el peak time, con energía imparable y sello claramente ganador.
NDECENT NOISE RAVE MANTRA (ORIGINAL MIX) NOCTURNAL KNIGHTS MUSIC
Trance rápido, contundente y adictivo desde el primer golpe. Kicks psicodélicos, bajo afilado y un gancho vocal hipnótico que convierte cualquier pista de baile en puro frenesí.
SOLARSTONE THE LAST DEFEAT PT. 1 (REMIXES) PURE TRANCE
Un clásico reinterpretado con maestría. Obie Fernandez aporta dos versiones intensas y ácidas, mientras Saharans firma un remix power-trance eufórico y demoledor. Trance de calidad premium.
KALINDA GHOST IN THE CIRCUIT (ORIGINAL MIX) REVERIE SOUNDS
Trance melódico con alma nostálgica y espíritu old school. Una intro misteriosa que evoluciona hacia un breakdown emotivo y culmina en un acid drop cargado de emoción.
INDIE DANCE
BY GAMEBOYZ
YES TO ALL REQUIEM (INCL. AIWASKA REMIX) YES TO ALL
YES TO ALL consolidan su identidad con un EP de club sin concesiones. Requiem es groove hipnótico y músculo subterráneo, directo al cuerpo, mientras Crescendo introduce una narrativa house más clásica sin perder presión. El remix de Aiwaska empuja el material hacia el peak time con solvencia. Herramientas serias para cabinas grandes.
TH3OS LA MENTE (ORIGINAL MIX) MELÓMANA RECORDS
Un EP oscuro y mental donde TH3OS cruza indie dance, techno y tensión nocturna con precisión quirúrgica. La Mente avanza con bajo profundo y pulsión constante, mientras la colaboración con Sumiss añade un matiz orgánico y emocional. El remix de Panka Panka lleva el viaje a un terreno más ácido y psicodélico. Club material con personalidad.
DANMAT AVOIDANT (ORIGINAL MIX) DEAR DEER DUBS
Un ejercicio de contención y narrativa emocional trasladado al lenguaje club. Danmat traduce la tensión psicológica en grooves cerrados, repetitivos y profundamente hipnóticos. Sweat Is Truth abre el foco hacia lo colectivo, devolviendo el protagonismo al cuerpo y al ritual de pista. Electrónica conceptual que funciona sin explicarse.
PETER SOUL & PY WHITE SPECTRAL RESONANCE (EXTENDED MIX) DISRUPTED MUSIC
Un corte oscuro y funcional diseñado para la madrugada. Peter Soul y Py White apuestan por un groove hipnótico, bajo profundo y vocales espectrales que mantienen la presión sin sobresaltos. La versión extendida respira en mezclas largas y momentos de transición. Herramienta directa para DJs de enfoque underground.
DÍAZ TECH PROYECTO ARTÍSTICO (ORIGINAL MIX) GOLDEN SOUL RECORDS
Más de 17 años de evolución sonora condensados en una identidad que mezcla techno, EBM e indie dance con carácter latino. Díaz Tech trabaja el sonido desde lo analógico y lo crudo, priorizando textura y personalidad frente al acabado pulido. Un proyecto sólido y reconocible.
TECH AREA
By Gilbert Lezana
ALPHATHETA SLAB: CONTROLADOR DEDICADO PARA SERATO STUDIO, SAMPLE Y DJ PRO
Native Instruments y AlphaTheta han lanzado Slab, el primer controlador diseñado específicamente para integrarse de forma nativa con Serato Studio, Serato Sample y Serato
DJ Pro. Esta superficie de pads MIDI ofrece un flujo de trabajo plug-and-play que elimina la necesidad de mapeos complejos, facilitando el beatmaking, el sampling y las actuaciones en directo directamente desde hardware físico. Slab incluye dieciséis pads sensibles a la velocidad con retroiluminación RGB, un dial multifunción y una tira táctil para controlar parámetros como stems, efectos y navegación con precisión. Está pensado tanto para productores que quieren secuenciar ritmos y manipular samples como para DJs que buscan un control táctil de funciones clave de Serato DJ Pro, todo sin depender únicamente del ratón o teclado. El controlador ya está disponible en tiendas por un precio alrededor de 299 €, ofreciendo una opción compacta y asequible para expandir tu flujo creativo dentro del ecosistema Serato.
FL STUDIO 2025.2: NUEVOS PLUGINS, MEJOR FLUJO DE TRABAJO Y FUNCIONES MÁS INTELIGENTES
Image-Line lanza FL Studio 2025.2, una actualización gratuita para todos los usuarios gracias a su política de Lifetime Free Updates. La versión introduce dos nuevos plugins: Fruity Slicer 2, un slicer más ligero pero versátil para cortar y modelar audio por fragmentos, y Emphasizer, una versión simplificada de Emphasis pensada para añadir presencia y pegada de forma rápida en pistas o en el máster. Las funciones basadas en IA continúan expandiéndose: Loop Starter añade géneros como boom bap, reggaetón, afrobeats y phonk, mientras que Find Similar Sounds mejora la precisión al buscar sonidos relacionados con un clic. El flujo de trabajo gana agilidad con la posibilidad de convertir cadenas de efectos en instancias de Patcher, mejoras en DirectWave, Fruity Compressor con sidechain, Kepler, Channel Sampler y diversas optimizaciones en Mixer, Piano Roll y exportación de stems. FL Studio 2025.2 ya está disponible sin coste adicional para usuarios registrados.
ABLETON LIVE 12.3 YA DISPONIBLE CON MOTOR DE STEMS, SPLICE Y MEJORAS EN EL FLUJO CREATIVO
Ableton ha lanzado Live 12.3, una actualización gratuita para todos los usuarios de Live 12 que trae una de las funciones más esperadas: Stem Separation, que permite separar voces, batería, bajo y otros elementos directamente desde cualquier clip de audio en la vista de Arrangement, Session o el navegador del DAW. Esta característica está disponible en Live 12 Suite y en el modo independiente de Push 3 y se basa en algoritmos avanzados que facilitan el sampling, la remezcla o la conversión de audio a MIDI. ableton.com Otra gran novedad es la integración con Splice, que permite buscar y preescuchar samples sincronizados con tempo y tonalidad directamente desde el navegador de Live, agilizando el flujo creativo sin cambiar de aplicación. Live 12.3 también introduce funciones como Bounce Groups, Paste Bounced Audio, mejoras en Auto Pan-Tremolo y nuevos racks y dispositivos creativos. Además, añade herramientas expresivas para Push y actualizaciones en los packs incluidos. Ableton Live 12.3 ya está disponible para descargar como actualización gratuita para usuarios de Live.
NUEVA EDICIÓN LIMITADA DE ALPHATHETA XDJAZ-N EN COLOR ORO
Alphatheta ha presentado la edición limitada XDJ-AZ-N, una versión exclusiva en color dorado de su todo-en-uno tope de gama. Es la primera variante limitada del XDJAZ, y supone el regreso del acabado dorado en la marca tras el DDJ-REV7-N, que solo se lanzó en Estados Unidos. El nuevo XDJ-AZ-N luce un dorado más extenso que en cualquier otra edición especial previa: fader del pitch, botones de Play y Cue, jog wheels, faders de canal y crossfader, knobs de filtro y del navegador, así como toda la serigrafía, que contrasta con el negro original del AZ. El resultado es un aspecto claramente premium y llamativo, pensado para destacar en cabinas profesionales y setups domésticos. A nivel funcional, mantiene las mismas prestaciones del modelo estándar: pantalla táctil de 10”, compatibilidad con Apple Music y otros servicios de streaming, y uso con Rekordbox o Serato DJ Pro. El Alphatheta XDJ-AZ-N estará disponible en edición limitada en todo el mundo (excepto algunos países de Asia). El precio ya aparece listado en tiendas internacionales con precios orientativos de venta de alrededor de 3 399 € en Europa.
