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VICIOUS MAGAZINE nº105_ OCT 2026 Hay escenas que se construyen con música, otras con personas y algunas con esa energía que aparece cuando ambas cosas se encuentran. En este nuevo número de Vicious Magazine, ponemos el foco en los artistas, los encuentros y las experiencias que siguen dando forma a la cultura electrónica, dentro y fuera de la pista de baile.

CONSEJO

Esta edición llega cargada de ritmo, movimiento y nuevas perspectivas. Soraya protagoniza nuestro Artista del Mes, mientras Karlos Molina pone sonido a nuestro Chart con una selección que refleja nuevas direcciones dentro de la escena.

Iván Morales

Nos adentramos en el mundo del Base Jumping, donde el vértigo, la precisión y la adrenalina convierten cada salto en una experiencia extrema. También nos acercamos a Madrid Music Days, un punto de encuentro para descubrir las ideas y oportunidades que marcan el presente y el futuro de nuestra industria.

Jonatan Gutiérrez, Israel Méndez,

Viajamos hasta Brasil, explorando sus clubes y hacemos una parada en el Festival Eólica, donde música, entorno y público se unen para crear experiencias inolvidables. Las entrevistas nos acercan a Jairo, Fabio Vela y Edi Romero, tres miradas que nos permiten descubrir nuevos proyectos, inquietudes y perspectivas. Además, ¡preparate para los Vicious Music Awards 2026!, una cita con el talento, la creatividad y los protagonistas que mantienen viva nuestra cultura.

Julia Salas Alonso Carlos Rodríguez Minguez JEFE DE REDACCIÓN Fernando Fuentes Panadero REDACCIÓN Jonatan Gutiérrez Israel Méndez Gilbert Lezana VIDEO Alejandro Rubio COLABORADORES Iván Morales, Danny Lloyd, Gameboyz, Gonzalo Gil, Luis Vallespin IMPRENTA Gráficas de Diego INFORMACIÓN DE CONTACTO suscríbete@viciousmagazine.com PUBLICIDAD publicidad@viciousmagazine.com WEB www.viciousmagazine.com

Acompañanos en nuestras revisiones, recuperando sonidos y referencias que merecen una nueva escucha. Por su parte, Tech Area, de la mano de Gilbert Lezana, nos descubre las herramientas y novedades que transforman la manera de crear y vivir la música. Porque la electrónica va mucho más allá de una cabina: es una cultura en constante movimiento, construida por artistas, profesionales, viajeros y creadores unidos por una misma pasión. Nuevas voces, nuevos destinos y nuevas formas de sentir la música.

HEADQUARTERS Revista Vicious Magazine Calle Valladolid 54 28630 - Madrid (España)

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MIXCELÁNEA Daft Punk tendrá su propia antología de cómics en 2027 El universo creativo de Daft Punk llegará al cómic con una antología de 272 páginas que reunirá 26 historias y seis artículos inspirados en el dúo francés. La publicación contará con más de 30 creadores y explorará las conexiones entre ciencia ficción, tecnología y música electrónica, ampliando el legado visual de uno de los proyectos más influyentes de la escena.

Sasha y John Digweed subastan piezas históricas de ‘Northern Exposure’ Para celebrar los 30 años de Northern Exposure, Sasha y John Digweed han puesto a subasta parte de sus archivos personales: vinilos originales, pruebas de prensado, carteles y discos utilizados en sus míticas sesiones. La colección incluye 110 artículos que permiten descubrir de primera mano la historia de una obra que ayudó a transformar el formato de las sesiones mezcladas.

Un nuevo libro documenta 35 años de cultura club a través de 550 fotografías In Clubland: 35 Summers of Love, del fotógrafo Mark McNulty, recorrerá la evolución de la noche y la música electrónica entre 1990 y 2023. Con imágenes de espacios históricos como The Haçienda, Tresor y Cream, la publicación recupera escenas, artistas y comunidades que definieron varias generaciones del clubbing. Su publicación está prevista para el 5 de noviembre de 2026.

Charlotte de Witte y KI/KI protagonizarán su primer B2B en Flanders Expo Dos de las artistas más reconocibles de la actual escena techno europea compartirán cabina por primera vez en un set back-to-back en Flanders Expo, Bélgica. El encuentro reúne dos identidades musicales distintas, vinculadas a la contundencia del techno y a la energía acelerada del trance, en una colaboración especialmente atractiva para los seguidores de ambas DJs.

Carl Cox anuncia una nueva etapa para su sello Awesome Soundwave Carl Cox continúa ampliando su actividad más allá de la cabina con Awesome Soundwave, el sello que cofundó para dar visibilidad a artistas que trabajan con instrumentos electrónicos en directo. El proyecto apuesta por actuaciones híbridas que conectan producción, improvisación y cultura club, reivindicando una dimensión más experimental de la música electrónica.

fashion Nos pirra la moda, la ropa, los accesorios, los gadgets…¡todo! Y aquí te damos pistas sobre lo que es purita tendencia en las calles, los clubs, los festis… ¡A quemar tarjeta!

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BRASIL

4 CLUBES DE MÚSICA ELECTRÓNICA QUE HAY QUE VIVIR Brasil no solo se visita: también se baila. De São Paulo a Santa Catarina, el país ha construido una de las escenas electrónicas más potentes del planeta, con clubes donde la música, la arquitectura y el entorno forman parte de una misma experiencia. Autor: Vicious Magazine

GREENVALLEY (CAMBORIÚ) En plena naturaleza de Santa Catarina se encuentra uno de los grandes nombres de la escena brasileña. Greenvalley combina grandes producciones, tecnología y un entorno selvático que hace que cada noche tenga una dimensión casi espectacular. Su enorme capacidad y sus programaciones internacionales lo han convertido en un destino imprescindible para quienes entienden el clubbing como una experiencia de gran formato. En 2026 aparece además entre los clubes mejor posicionados de Brasil en los rankings internacionales.

WARUNG BEACH CLUB (ITAJAÍ) Si Greenvalley representa el espectáculo, Warung juega en otra liga. Situado junto a la costa de Santa Catarina, el club se ha convertido en uno de los templos de la electrónica brasileña gracias a su particular atmósfera y a una programación vinculada especialmente al house, progressive y sonidos melódicos. Es uno de esos lugares en los que el entorno forma parte de la experiencia tanto como el DJ que está en cabina.

D-EDGE (SÃO PAULO) Hay pocos clubes tan ligados a la historia de la electrónica brasileña como D-EDGE. Fundado por Renato Ratier, abrió sus puertas en São Paulo en 2000 y se convirtió en una referencia para el house y el techno. Su característica estética de LEDs, su arquitectura diseñada por Muti Randolph y una programación que continúa reuniendo artistas internacionales hacen que siga siendo una parada obligatoria.

SURREAL PARK (CAMBORIÚ) Más que un club convencional, Surreal Park propone una experiencia inmersiva en un enorme espacio natural. Diferentes áreas, propuestas visuales y una programación que se mueve entre techno, house y sonidos electrónicos más experimentales construyen una identidad propia. Su filosofía está más cerca de un universo creativo que de una sala tradicional, convirtiéndolo en uno de los proyectos más singulares de la nueva escena brasileña.

OFF THE RECORDS

LAST NIGHT ON EARTH EL

UNIVERSO

SASHA

Más que un sello, Last Night On Earth es la extensión natural del universo sonoro de Sasha. Una plataforma creada para dar espacio a una electrónica profunda, hipnótica y emocional que entiende el club como un viaje, no simplemente como un lugar de fiesta. Redacción: Vicious Magazine

Nacido de la mano de Sasha, Last Night On Earth se ha convertido en uno de los proyectos más reconocibles alrededor de la f igura del artista galés. El sello funciona como un punto de encuentro para productores que comparten una misma sensibilidad: sonidos atmosféricos, progresivos y construidos para generar tensión y emoción a través del tiempo.

Desde sus primeros lanzamientos, LNOE ha mantenido una identidad muy def inida, apostando tanto por nombres consolidados como por nuevos talentos. Artistas como Henry Saiz, Quivver, Dosem, Guy Mantzur o Yotto han formado parte de un catálogo que refleja diferentes formas de entender la electrónica melódica y progresiva.

Pero Last Night On Earth es también una declaración de intenciones. Su nombre resume perfectamente esa sensación que def ine muchas de las sesiones de Sasha: la idea de estar viviendo algo irrepetible, como si aquella noche pudiera ser la última.

Con el paso de los años, el sello ha conseguido mantener esa identidad sin quedarse atrapado en una única fórmula. Sus lanzamientos exploran diferentes velocidades, texturas y matices dentro de la electrónica, pero todos comparten una misma prioridad: la emoción y la narrativa por encima de la inmediatez.

Esa f ilosof ía también explica su conexión con la pista de baile. Los temas de LNOE no buscan necesariamente el impacto inmediato, sino construir atmósferas, generar tensión y llevar al oyente de un punto a otro. Es una forma de entender la música que conecta directamente con la trayectoria de Sasha como DJ y con su manera de construir sesiones.

Entre paisajes sonoros, bajos profundos y progresiones que crecen lentamente, el sello ha construido una estética propia que trasciende las pistas de baile. LNOE no busca simplemente acompañar la noche: busca construir el viaje.

DEPORTES EXTREMOS BASE JUMPING: AL OTRO LADO DEL VACÍO Autor: Vicious Magazine

Edif icios, antenas, puentes y montañas. Cuatro puntos de partida y una misma obsesión: saltar al vacío. El BASE jumping lleva la búsqueda de adrenalina hasta uno de sus límites más extremos.

El nombre BASE nace de las iniciales de Buildings, Antennas, Spans y Earth, las cuatro categorías de lugares desde los que se realizan estos saltos. A diferencia del paracaidismo convencional, aquí no hay miles de metros de altura ni minutos para reaccionar. Todo ocurre en cuestión de segundos. El salto comienza en el borde. Después, el cuerpo cae, el paisaje se acerca a toda velocidad y llega el momento de abrir el paracaídas. Una pequeña ventana de tiempo en la que la precisión lo es todo. Para quienes lo practican, no se trata únicamente de buscar peligro. Es una experiencia de concentración absoluta, donde el miedo forma parte del proceso y cada decisión cuenta. La preparación, el conocimiento del entorno y el control mental son tan importantes como el propio salto. La disciplina tiene además una fuerte dimensión visual. Los vídeos de saltos desde acantilados, edif icios o puentes han convertido al BASE jumping en uno de los fenómenos más reconocibles de la cultura de los deportes extremos. Las redes sociales han llevado esas imágenes a millones de personas, aunque detrás de cada salto existe una preparación que rara vez aparece f rente a la cámara. Y después está el wingsuit, que ha llevado esta disciplina todavía más lejos. Con estos trajes, los saltadores pueden transformar parte de la caída en vuelo y recorrer las montañas a velocidades vertiginosas, convirtiendo el BASE jumping en uno de los espectáculos más impresionantes —y arriesgados— del deporte extremo. En un mundo cada vez más controlado, el BASE jumping representa justo lo contrario: unos segundos de libertad absoluta f rente a un vacío que no perdona errores.

FESTIVAL EÓLIC A 2026 NO ES SOLO UN FESTIVAL; ES UN ECOSISTEMA DONDE LA CIENCIA, LA INNOVACIÓN Y EL CLUBBING MILITANTE CONVIVEN BAJO EL SOL DE TENERIFE. EÓLICA ESTÁ DE VUELTA Y SU DIRECTOR, BERNARD HABIS, LO TIENE CLARO: NO VIENEN A FIRMAR UN EJERCICIO DE MELANCOLÍA, SINO A SACUDIR LA PISTA. EN ESTA CONVERSACIÓN, DISECCIONAMOS UN REGRESO QUE DESAFÍA LOS ALGORITMOS MUSICALES CON UN LINE-UP INCLUSIVO, COMPROMETIDO Y DISEÑADO CON UNA SOLA PREGUNTA EN MENTE: ¿CÓMO DEBE SONAR EL FUTURO? Texto: Fernando Fuentes

Eólica fue pionero en 2003 al meter el clubbing en una catedral de aerogeneradores. Tras más de una década de silencio, ¿cómo se resucita un festival mítico sin caer en la melancolía? Eólica no vuelve para reproducir lo que hicimos en 2003. Si ese fuera el objetivo, no tendría sentido. Vuelve porque aquello que planteábamos entonces—la unión entre música, tecnología, energía y sostenibilidad— hoy tiene más vigencia que nunca. El reto en 2026 es coger aquella esencia y llevarla al presente. El paisaje y los aerogeneradores siguen ahí, pero la producción, la tecnología y la música tienen que evolucionar. Queremos que quien nunca estuvo salga pensando que acaba de descubrir algo inédito. Montar un evento masivo en el Instituto Tecnológico y de Energías Renovables (ITER) es un dolor de cabeza logístico. ¿Cómo blindar la producción para que sea un suministro 100% limpio y no mero ‘greenwashing’? Para nosotros el ITER no es un escenario espectacular al que hemos añadido un festival; el festival nace de ese lugar. La sostenibilidad tiene que estar en la forma

en que producimos, en cómo utilizamos la energía, en la movilidad, los materiales y los residuos. Tras años trabajando desde Eslógica en la sostenibilidad de eventos, tenemos claro que un festival es sostenible cuando las decisiones de producción se alinean con el discurso. Si hablamos de sostenibilidad en un entorno así, hay que medirla y demostrarla. Tradicionalmente, los nombres internacionales canibalizan los horarios nobles. ¿Van a compartir los proyectos de las Islas Canarias un protagonismo real en los slots principales? La escena canaria no puede ser una simple cuota local para cubrir el expediente. Si Eólica habla de identidad, debe empezar por reconocer el enorme talento de las islas. Hay productores y DJs con un conocimiento profundo de la pista, un “km 0” real que se nota porque conocen al público y al clima. Sus propuestas son perfectamente capaces de convivir con los internacionales en horarios nobles. Programar talento local no es un gesto institucional; lo hacemos porque musicalmente tiene sentido. No queremos clonar un festival que podría celebrarse en cualquier parte del mundo.

El festival propone ir más allá de los escenarios con arte, charlas y las Viviendas Bioclimáticas. ¿Cómo se logra que el asistente deje de bailar para entrar a un taller científico sin romper el groove?

La inclusión de nombres como TSHA, Paula Tape o el activismo de Sama’ Abdulhadi equilibran el line-up. ¿Qué ambiente se quiere proyectar en las zonas de baile de Granadilla?

En los macrofestivales actuales todo está diseñado dentro de una lógica rígida: escenario, artista, móvil, bebida. Eólica rompe esa dinámica. La programación paralela no compite con la música, sino que amplía la experiencia generando curiosidad. Buscamos que estés bailando y, a unos metros, sientas curiosidad por una instalación artística, una experiencia científica o una propuesta de innovación. Eólica funciona como un descubrimiento continuo: puedes venir por la música y terminar hablando de ciencia, o viceversa.

Queremos un cartel equilibrado entre trayectorias consolidadas y nombres que construyen el futuro de la escena, recuperando la curiosidad musical. La pista de baile debe ser un espacio seguro e inclusivo donde nadie tenga que justificar quién es. La diversidad no es solo discurso: el viernes 16 tendremos un escenario íntegramente de mujeres y el cartel global alcanza un 43% de artistas femeninas.

Juntar a Danilo Plessow (MCDE), Hunee y Horse Meat Disco es una declaración de intenciones. ¿Cómo conectar estas enciclopedias del house con las nuevas generaciones? Nos interesaba no caer en la obsesión por la novedad permanente. Estos artistas no están ahí para representar el pasado; están porque entienden que la pista es una conversación. El reto es construir el viaje de una jornada completa. Un público joven de 22 años no necesita que le expliques que algo es histórico: si la música funciona, la transmisión de la cultura de club se produce de forma natural.

Para terminar Bernard, cuando el domingo 18 de octubre los sistemas se apaguen, ¿cuál es el rastro que debe quedar en Tenerife? Si el 18 de octubre desmontamos todo y Eólica desaparece, habremos hecho una fiesta, pero no un proyecto cultural. Eólica tiene que dejar memoria, conocimiento y oportunidades que reviertan en la isla con vocación de permanencia. No hemos vuelto para una edición homenaje de dos días; la continuidad hay que ganársela demostrando que Eólica tiene sentido para los próximos veinte años. EÓLICA - Festival de Música Electrónica y Sostenibilidad

LOS VICIOUS MUSIC AWARDS VUELVEN A KAPITAL EL 25 DE NOVIEMBRE VICIOUS MAGAZINE PREPARA UNA NUEVA EDICIÓN DE SUS PREMIOS EN MADRID PARA RECONOCER A LOS ARTISTAS, CLUBES, FESTIVALES, PROMOTORES Y PROFESIONALES QUE DAN FORMA A LA MÚSICA ELECTRÓNICA. TRAS EL REGRESO CELEBRADO EN 2025, LOS VMA AFRONTAN UNA NUEVA ETAPA CON EL OBJETIVO DE SEGUIR CONECTANDO A LA INDUSTRIA Y PONIENDO EN VALOR EL TALENTO DE UNA ESCENA EN CONSTANTE EVOLUCIÓN. La música electrónica española volverá a tener una de sus grandes citas del año el próximo miércoles 25 de noviembre de 2026. Los Vicious Music Awards regresan al Teatro Kapital de Madrid, el espacio elegido para una nueva edición que dará continuidad al relanzamiento de estos galardones, impulsados por Vicious Magazine para reconocer el trabajo de quienes construyen la escena electrónica desde diferentes ámbitos. La fecha no es casual. Los premios volverán a reunir a buena parte de la industria en una noche concebida para celebrar la música, reconocer trayectorias y dar visibilidad a los proyectos que marcan el presente y el futuro de la electrónica. Artistas, DJs, productores, sellos discográficos, clubes, festivales, promotores y profesionales del sector volverán a compartir protagonismo en un encuentro que aspira a ir más allá de la entrega de galardones.

Una historia que vuelve a mirar hacia delante Los Vicious Music Awards forman parte de la historia reciente de la música electrónica en España. A lo largo de sus distintas ediciones, los premios han reconocido a figuras destacadas de la escena nacional e internacional, además de dar visibilidad a festivales, clubes y proyectos que han contribuido a definir la cultura de club. En 2025, los VMA retomaron su actividad con una edición que reunió cientos de nominaciones y registró más de 35.000 votos, reflejo de la respuesta de una comunidad que sigue encontrando en estos premios un espacio de participación y reconocimiento. La gala celebrada en Kapital marcó el comienzo de una nueva etapa para el proyecto. Ahora, la edición de 2026 busca dar continuidad a ese impulso. En una industria en la que conviven grandes festivales, clubes independientes, nuevas generaciones de productores y artistas con proyección internacional, reconocer el trabajo colectivo resulta especialmente relevante. La electrónica no se construye únicamente desde la cabina: detrás de cada sesión, lanzamiento o evento existe una red de profesionales cuyo trabajo también merece ocupar un lugar central.

Kapital, punto de encuentro de la escena El Teatro Kapital volverá a convertirse en el escenario de esta celebración. Su vínculo con la noche madrileña y su papel como sede de anteriores ediciones lo sitúan como un espacio reconocible para una gala que busca reunir a distintos sectores de la industria en un mismo lugar. La cita del 25 de noviembre será también una oportunidad para estrechar relaciones, compartir experiencias y poner en común las distintas realidades de una escena diversa. Desde los proyectos emergentes hasta las marcas consolidadas, los Vicious Music Awards aspiran a reflejar el alcance de una cultura musical que continúa evolucionando y ampliando sus fronteras.

Una celebración de la música electrónica Más allá de los nombres que puedan subir al escenario para recoger un premio, el sentido de los Vicious Music Awards reside en reconocer el ecosistema que hace posible la música electrónica. Una industria formada por artistas, promotores, salas, festivales, sellos, equipos creativos y profesionales que trabajan durante todo el año para mantener viva la escena. El próximo 25 de noviembre, Madrid volverá a ser el punto de encuentro de esa comunidad. Los Vicious Music Awards regresan a Kapital con una nueva edición que mira al futuro sin perder de vista su propósito: dar visibilidad al talento, reconocer el trabajo de la industria y celebrar la cultura electrónica en todas sus formas.

SORAYA Con 21 años de trayectoria, Soraya abre una nueva etapa con ILÚMINA, un álbum que convierte las experiencias personales en música, emoción y baile. Entre el techno, los ritmos afro y el hardstyle, la artista reivindica una electrónica con identidad y letras que van más allá de la pista. En esta entrevista con Vicious Magazine, repasa el proceso creativo de su nuevo trabajo, la libertad que ha encontrado al frente de su propio sello, VALENTIA RECORDS, y los retos de una carrera marcada por la evolución constante y las ganas de seguir explorando nuevos sonidos.

¿Qué significa ILÚMINA dentro de tu trayectoria? ILÚMINA es un capítulo importante en estos 21 años de carrera, un capítulo lleno de canciones que transforman, llenas de luz, letras que transmutan energías y ritmos que son cura para el alma. ¿En qué momento personal y artístico nació la idea de hacer este disco? Nace de la necesidad, como siempre en la vida, la necesidad de curar capítulos tristes, de renacer con más fuerza, de puntualizar cosas importantes, de la autoafirmación… es un cara a cara con uno mismo. Dicen que uno se vuelve más creativo cuando vive un proceso duro en la vida y en mi vida así fue. Saque todas las fuerzas para escribir las canción y empezar a producir canciones basándome en sentimientos… sabiendo que eso era lo único que me curaría. Siempre digo que la música es una terapia pero si además es música de baile ,vale por dos. ¿Cuál dirías que es el concepto o hilo conductor que une todas las canciones? El baile…en cualquiera de las formas. Desde el techno, al afro, al hardstyle… La cuestión es bailar…¡además con letras!. Letras profundas, con un significado. Mucha gente piensa que la música de baile está vacía, que es solo un ritmo, y no es así… ¿Qué canción del álbum te ha sorprendido más durante el proceso de creación? Yo creo que Fénix es un tema que aunque nos costó muchísimo encontrarle el punto, sobre todo al tema de encajar las voces en una base que va a casi 160 bpm, ha sabido sorprender…y ¡si! ¡A España le gusta la zapatilla, le gusta lo salvaje! . ¿Hay alguna canción que tenga especialmente personal para ti?

significado

Naciendo de ese proceso de cura, pues te diría que todas… todas son mis pequeñas creaciones, aunque quizás ‘YOU WILL SHINE’ es un tema con un mensaje global que en estos tiempos que corren merece ser escuchada. ¿Cuál dirías que es el concepto o hilo conductor que une todas las canciones? El baile…en cualquiera de las formas. Desde el techno, al afro, al hardstyle… La cuestión es bailar…¡además con letras!. Letras profundas, con un significado. Mucha gente piensa que la música de baile está vacía, que es solo un ritmo , y no es así…

¿Cómo fue el proceso de selección de productores, compositores y colaboradores? Me gustan las cosas orgánicas, además tengo la suerte de poder trabajar con quien quiera, teniendo un sello propio, no tengo intereses económicos ni de intercambios. Gracias a grabar en un estudio muy top de Madrid, fui conociendo a productores muy jóvenes con un talento increíble. Un día llegué a estudios Cero de Madrid para presentar unas producciones que había hecho en casa a unos chicos que trabajaban allí de productores, The Grief, Juan Battista .. en cuanto escucharon por donde iba la cosa se sumaron al proyecto. Después llegaría el dj y productor AFRAA, especialista de los ritmos afros, más tarde la compositora Eyla,y gracias a ella llegaron, FECTRO y BENGRO. Con David Parejo ya había trabajo antes… Cada uno de ellos que participaba traía a alguien que sabían que iban a encajar muy bien en ILÚMINA…y así a salió todo…fácil, de buen rollo y con una energía muy bonita. ¿Hay alguna colaboración que haya sido especialmente importante para ti? Eyla se ha convertido en mi mano derecha en la composición. Es una mujer con muy buenas ideas, un poco loca como yo jajaja ¡Disfrutona en el estudio! No hay nada mejor que el buen rollo en jornadas de horas y horas. Si tuvieras que definir el álbum con tres palabras, ¿cuáles serían? Mágico, terapéutico y brillante. ¿Qué te gustaría que sintiera alguien que escucha el disco de principio a fin? Estoy segura que este álbum es capaz de transmutar las energías de cualquiera que lo escuche…¡es un álbum mágico!.

¿Qué es lo que más te atrae de la electrónica como artista? Desde pequeña la música de baile me saca emociones, me divierte y me hace feliz…es básicamente lo que pretendo como artista, crear música que a la gente le haga sentir lo mismo que yo siento. ¿Qué artistas, productores o escenas electrónicas han influido en tu sonido? Yo viví sobre todo en primera persona la música de baile de los 90s en un pequeño pueblo de Extremadura, donde no había discotecas, eran pequeñas salas de bar con pistas de baile…¡pero ahí estaba yo siempre !. En el podium escuchando a Gigi D’agostino, Corona, Gala, Moloko, Robert Miles, Gabry Ponte, Sash!, Tiesto…canciones que son parte de mi banda sonora y que además escuchaba en las radios portuguesas, país vecino, que siempre traía novedades a sus programas. ¿Hay algún DJ o productor con el que te gustaría trabajar? Pues ahora mismo me gusta mucho Alan walker, Jhon Summit, Martin Garrix…aunque últimamente me tiene tocado el corazón el género Trance…y ahí Armin van Buuren es uno de los que más me gusta. ¿Qué diferencias encuentras entre cantar sobre una producción electrónica y hacerlo sobre una instrumentación más tradicional? La energía que me aporta la base electrónica saca mi lado más salvaje… siento que conecta más con mi esencia. Me gusta también disfrutar de sets que son mezcla, he llevado en mis giras una banda base y un dj. ¡Es muy interesante! ¿Hay algún género dentro de la electrónica que todavía quieras explorar? El trance es el siguiente…ya estoy en ello…¡es una sorpresa! ¿Qué canción electrónica te hubiera gustado haber grabado tú? Stay de Sash! O Pray de Tina Cousins ¿Qué resumen haces de tu gira ICONISMO? ¡¡Que se me ha hecho muy corta!! La hemos disfrutado al máximo, además este año íbamos con todo nuevo, escenografía, producciones, vestuario y coreos, luces y sonido… ¡¡Ha sido increíble !!! El año que viene vamos a seguir con ella, ¡ha sido un éxito y el público quiere volver a verla! ¿Cómo se ha trasladado el universo del nuevo álbum al escenario? De muchas maneras, porque un álbum con tantos géneros y tantos matices nutren desde el vestuario hasta las luces. Este año hemos apostado por un trabajo muy potente de visuales brutalistas y luces con láseres (aunque el tema láser cada vez es más difícil por las normativas de cada sitio). Además hemos incorporado en el trato de la voz efectos en directo mediante filtros y procesadores. ¿Hay alguna canción que en directo haya adquirido un significado diferente al que tenía cuando la grabaste? ‘¿Y QUE?’ Es un tema que ha sido una sorpresa, tiene un inicio mítico, comienza con el piano de Robert miles, para seguir con una letra con un mensaje muy potente y una parte cantada a modo lírico de ópera y el resto dance…esa mezcla ha sorprendido mucho en directo.

¿Existe alguna ciudad o escenario donde tengas especialmente ganas de presentar este proyecto? No, allí donde quieran bailar y nos quieran IREMOS. A estas alturas de la vida uno ya no se puede poner tan exquisito. Has vivido distintas etapas musicales y profesionales. ¿Qué has aprendido de la industria durante todos estos años?

¿Crees que las redes sociales han cambiado demasiado la manera en que los artistas crean y promocionan su música? Pues si, es un escaparate más, mucho más cercano y personal. Dependiendo de cómo lo lleve cada artista. Yo solo puedo decirte en mi caso personal, que siento que hemos creado una comunidad con mi gente, a ellos les gusta mi música, mi día a día y a mí ellos me inspiran y me acompañan.

Pues de todo, en 21 años la música y el mercado de contrataciones, las promociones, las discografías, el marketing y la música en sí con sus diferentes formatos ha evolucionado muchísimo. Yo nací como artista en plena ola del pirateo musical, donde empezaban a tirarse de los pelos las discográficas por el cambio al digital…me he visto nadando en diferentes mares musicales y me he tenido que adaptar a los temporales llegando a crear un sello discográfico a modo de salvavidas. De todas maneras en la música se sabe de todo y no se sabe de nada…nadie sabe que es lo que está por venir y tendremos que adaptarnos si queremos seguir a flote.

¿Crees que hoy existe más libertad creativa o, por el contrario, más presión para crear canciones que funcionen rápidamente?

¿Hay algo que antes te preocupaba mucho y que ahora has aprendido a relativizar?

¿Qué artistas jóvenes españoles te están llamando especialmente la atención?

Los números 1, Los discos de oro y platino....

Adrian Fyrla, Judeline, Cecilia Zango.

¿Sientes que hoy tienes más libertad para hacer la música que realmente quieres?

¿Qué objetivos te has marcado para los próximos meses?

Claro, desde que fundé VALENTIA RECORDS, mi sello discográfico, si . Pero también tengo que admitirte que me he confundido por el camino no queriendo aceptar inicialmente algún proyecto y al final convertirse en un éxito..…no está mal dejarse aconsejar y dejarse guiar de vez en cuando

¿Qué parte de tu personalidad aparece en tus canciones que quizá el público no conoce? La gente sabe que soy espiritual, profunda, soñadora, real y cercana… quizás siempre ven luz porque me ven siempre sonriendo, pero dentro mi también hay oscuridad y eso me cuesta más mostrarlo, en mis canciones quizás no se nota tanto… La forma de consumir música ha cambiado radicalmente. ¿Cómo ves la relación entre artistas y público actualmente? Me gusta que haya cercanía entre el artista y su público. Que sientan que nuestras canciones también son suyas y que formen parte de sus bandas sonoras. En otros momentos se ha tratado de mitificar al artista, hacerlo lejano por el rollo de ser una estrella…lo veo una tontería sinceramente, quizás en otro momento de la industria musical podría entenderlo, ahora no. La gente se ve identificada con nuestra historias, y ser real y cercano creo que es el éxito en estos tiempos, la gente busca inspiración desde lo que es real, lo natural, desde el talento y no el marketing.

El mercado puede decir lo que quiera, la vida va de como se lo tome el artista… algunos artistas no podemos seguir la batuta de las grandes discográficas, de los intereses y negociaciones de grandes plataformas y vamos a nuestro ritmo, ni mejor ni peor…pero con el compromiso y respeto hacia nuestro público y a nuestro proyecto propio. La creatividad siempre está ahí al servicio de las historias que uno vive.

Seguir sacando música, sorprender con nuevas producciones, colaboraciones, videoclips y celebrar, ¡que este año tenemos aniversario de los álbumes de los años 80s! Y lo haremos con más sorpresas musicales. Después de este álbum y esta gira, ¿qué te gustaría hacer que todavía no hayas hecho? Probar nuevos géneros, trabajar con gente talentosa que me haga innovar en sonido e imagen…¡que me inspiren y me hagan viajar a otras Sorayas! Jajaja ¿Hay algún proyecto que tengas en mente y del que todavía no puedas hablar? ¡Si claro! Pero no le queda mucho para salir, así es que… hablaré de la banda sonora que he compuesto para una película española muy pronto. ¿Hay algún sueño profesional que todavía tengas pendiente? De momento lo que más me apetece es salir de España, cantar en nuevos países a los que no haya podido ir. ¡Ahora que mis hijas ya son más mayorcitas me apetece! Y para terminar: si este nuevo álbum fuese el comienzo de un nuevo capítulo, ¿qué título tendría ese capítulo? ¡¡¡¡A por otros 20!!!!

MADRID MUSIC DAYS 2026 VOLVERÁ A REUNIR A LA INDUSTRIA DE LA MÚSICA ELECTRÓNICA EN MADRID LA CITA PROFESIONAL CELEBRARÁ UNA NUEVA EDICIÓN EL PRÓXIMO 24 DE NOVIEMBRE EN EL NOVOTEL MADRID LAS VENTAS, CON UNA JORNADA DEDICADA A LOS RETOS, LAS OPORTUNIDADES Y LA TRANSFORMACIÓN DEL SECTOR.

La industria de la música electrónica volverá a tener una cita en Madrid. Madrid Music Days 2026 se celebrará el próximo 24 de noviembre en el Novotel Madrid Las Ventas, con una jornada concebida para reunir a profesionales, artistas, promotores, empresas y agentes que forman parte del ecosistema musical. En un sector que evoluciona al ritmo de las nuevas tecnologías, los cambios en los hábitos de consumo y la transformación de los modelos de negocio, Madrid Music Days se presenta como un espacio para compartir conocimiento, analizar los desafíos de la industria y abrir nuevas vías de colaboración entre sus protagonistas. La jornada pondrá el foco en cuestiones que afectan directamente al presente y al futuro de la música electrónica: desde el desarrollo profesional de los artistas y la construcción de proyectos sostenibles hasta el impacto de la inteligencia artificial, las plataformas digitales, la evolución de los clubes y la relación entre talento, formación e industria.

Un punto de encuentro para quienes construyen la escena La música electrónica es mucho más que lo que sucede en una cabina o sobre un escenario. Detrás de cada artista, club, festival o lanzamiento existe una estructura profesional en la que intervienen promotores, agencias, sellos discográficos, plataformas, medios de comunicación, empresas tecnológicas y otros agentes fundamentales para el desarrollo de la escena. Madrid Music Days nace precisamente con la vocación de conectar esas distintas realidades, generar conversaciones relevantes y ofrecer herramientas útiles a quienes trabajan dentro del sector. Un lugar donde compartir experiencias, identificar oportunidades y abordar de forma colectiva los cambios que están redefiniendo el negocio musical. La formación y el intercambio de conocimiento también ocuparán un lugar importante en una industria en la que la identidad artística, la comunicación, la innovación y la capacidad de adaptación resultan cada vez más determinantes para construir una carrera.

El futuro de la música electrónica, sobre la mesa La transformación tecnológica, la irrupción de la inteligencia artificial y el peso creciente de las plataformas digitales plantean nuevas preguntas para artistas y profesionales. Al mismo tiempo, la salud mental, la profesionalización y la evolución de los espacios de clubbing se han convertido en cuestiones esenciales para comprender el momento que atraviesa la escena. Madrid Music Days 2026 quiere situar estos temas en el centro del debate, favoreciendo el diálogo entre perfiles con distintas experiencias y perspectivas. El objetivo es acercar la realidad de la industria a quienes ya forman parte de ella y a quienes buscan desarrollar su futuro profesional en la música electrónica. La cita tendrá lugar un día antes de los Vicious Music Awards 2026, previstos para el 25 de noviembre en Madrid, reforzando una semana especialmente significativa para la actividad de Vicious y su relación con la comunidad electrónica. El próximo 24 de noviembre, Madrid Music Days volverá a poner el foco en quienes hacen posible la música electrónica más allá de la pista de baile: las personas, las ideas y los proyectos que trabajan cada día para construir su futuro.

FABIO VELA EL GROOVE CLÁSICO AL PRESENTE

El productor italiano habla de Night Gate, su colaboración con Foremost Poets y la pista de baile como escuela. Para Fabio Vela, el club y el estudio forman parte de un mismo aprendizaje. El primero le enseñó a leer al público; el segundo, a convertir esa experiencia en música. Esa relación atraviesa Night Gate, su colaboración con Foremost Poets publicada en Brook Gee Records. En esta conversación con Vicious, el DJ y productor italiano explica cómo surgió el encuentro, qué buscaba en el sello y hacia dónde quiere llevar un sonido que combina groove clásico y energía contemporánea. Texto: Vicious Magazine

Para quienes te descubren por primera vez, ¿de dónde eres y qué experiencias en los clubes y en el estudio te han formado como DJ y productor? Soy DJ y productor italiano. La pista de baile fue mi escuela. Los clubes me enseñaron a leer al público, mientras que el estudio me enseñó a traducir esa energía en música. Cada noche de gira es una lección diferente; cada ciudad deja una huella en mí que acaba encontrando su camino en mis temas. Foremost Poets ha colaborado contigo recientemente en Night Gate. ¿Qué te llamó la atención de su sonido y cómo lo integraste en el universo del tema? Foremost Poets es John Holiday, también conocido como jOHNNYDANGEROUs. Es un pionero del deep house y del spoken word. Siempre he respetado su trayectoria. Con Night Gate quería captar ese carácter tan suyo, lleno de alma e hipnótico, pero traerlo a 2026 con un groove más moderno y directo. Me puse en contacto con él y la química fue inmediata. Conectamos tan bien que ya hemos terminado otros dos temas juntos en el estudio. ¿Qué hizo de Brook Gee Records el sello adecuado para Night Gate y cómo ha sido trabajar con su equipo? Brook Gee es un sello que entiende la pista de baile. Tiene una sensibilidad real para un sonido underground que funciona, que era exactamente lo que buscaba con Night Gate. Tenemos una conexión estupenda: entienden la música y permiten libertad artística. Era el hogar perfecto para este tema. ¿Dónde imaginas que funciona mejor Night Gate: en un club, en un festival, en un espacio íntimo o en los tres? En los tres. Nació para el club a las cuatro de la mañana, pero tiene el empuje necesario para defenderse en un escenario principal al atardecer y la profundidad para un sótano íntimo. Depende de la historia que quieras contar esa noche. Después de Night Gate, ¿cuál es el siguiente capítulo de Fabio Vela, tanto en el estudio como detrás de los platos? El siguiente capítulo ya ha comenzado. Ahora estoy en el estudio dando los últimos retoques a dos nuevos temas con Foremost Poets; queremos construir un pequeño proyecto juntos. Mientras tanto, estoy de gira por Europa y probando toda la música nueva en la pista. La idea es seguir desarrollando este sonido, con groove clásico y energía moderna, y conseguir que baile el mayor número de personas posible.

EDDY ROMERO NO SE PUEDE PERDER LA ESCENA MÁS UNDERGROUND

La comunidad marca el rumbo de Eddy Romero. El productor y responsable de Expmental Records y Soundvision defiende una escena que ofrezca oportunidades a quienes todavía no llenan salas, y una manera de trabajar que exige personalidad, planificación y constancia. Con las dos décadas de sus proyectos en el horizonte, habla de la evolución del sello hacia sonidos más deep y downtempo, del desarrollo de nuevos artistas y de su regreso a la experimentación con Saturnz Other Soul. Los directos con hardware y nuevos vinilos forman parte de esa siguiente etapa.

Texto: Luis V.

Expmental Records nació en 2008 y se acerca a las dos décadas de actividad. Mirando ese recorrido, ¿qué ha sido más difícil de mantener: una identidad sonora reconocible, una comunidad de artistas comprometidos o la viabilidad del sello? ¿Qué decisiones han marcado su evolución desde el minimal hacia terrenos más deep, orgánicos y downtempo? En realidad, cuando nació el sello, la idea fue sacar todo tipo de estilos, desde dancefloor hasta lo más ambient. Pero, a medida que fue creciendo, fue tomando un rumbo hacia el minimalismo y el sonido club más underground. Después de todo este tiempo, mis gustos han cambiado y estoy produciendo más downtempo u otros estilos más deep, y esa es la razón por la cual estoy tirando hacia allí. Siempre he sido una persona de deep en cualquiera de sus estilos y, sobre todo, del sonido mental, así que es una evolución lógica hacia el que probablemente sea el estilo que se queda un poco más underground, por llamarlo de alguna manera. Mantiene esa esencia de lo que fue una época, ya que lo que se llama under ahora, de under tiene la r.

cómo consigues proteger ese espacio creativo dentro de tu actividad profesional? Creo que el sonido de Eddy Romero es algo ya muy reconocible y claro para los que me siguen. Intento mantener siempre esa esencia, aunque haga experimentos y cambie algunos formatos. Siempre se va a reconocer cuándo es Eddy Romero. Saturnz Other Soul es algo desconocido, un sonido que siempre me ha perseguido y que es realmente lo que más me gusta: más experimentación, más mezcla de estilos, ir de un lado al otro sin estar en la pista de baile. Precisamente eso es lo que diferencia a uno del otro. Saturnz Other Soul fue mi primer alias como productor allá por los noventa. Hacía drum & bass, electrónica, ambient… Y quiero mantener esa esencia. Además, es donde quiero terminar: más lives, menos DJ sets. Ya estoy estrenando más lives solo con hardware.

En Soundvision trabajas en management y coaching de DJs y productores. ¿Qué errores ves con más frecuencia en artistas con talento que no consiguen convertirlo en una carrera sostenible, y cómo trabajas con ellos para construir un proyecto que tenga sentido más allá del siguiente lanzamiento o del crecimiento en redes? El coaching y el management son diferentes para cada artista, como las necesidades y la manera de enfocar una carrera. Pero hay siempre un error común en una gran mayoría: la inversión, el ver su carrera como una empresa. No puedes decir «soy un amante de la música y esto no es un negocio» y luego quejarte de que no tienes fechas y nadie quiere pagar por tus actuaciones o por tus producciones. Como cualquier negocio, requiere marketing, planificación y una manera de hacer que es lo que te lleva al reconocimiento y a crear tu comunidad. Las maneras son muy diversas, pero lo que está claro es que el planning y el marketing de hoy no son los de ayer. Y no son solo redes sociales y visibilidad, sino también saber hacer, tener personalidad y ser auténtico. Las imitaciones, para los mercadillos. Sin trabajo constante y sacrificio no se llega muy lejos, y menos criticando a los que tienen éxito y diciendo «esta persona está ahí porque tal y cual», sobre todo cuando se trata de mujeres. Es algo bastante patético. Si están ahí es porque se lo han currado. Tus fiestas y showcases han llevado el sonido de Expmental y Soundvision a distintos países, además de citas como Off Week y ADE. ¿Qué papel tienen hoy esos encuentros dentro de tus proyectos y qué debe ofrecer una fiesta para construir una conexión duradera con el público y con los artistas, más allá de la promoción del cartel? Lo importante de estos encuentros, de los eventos, es ser familiar, ser cercano y crear siempre buen ambiente. No hacerlo pensando en lo que vas a ganar o perder, sino en lo que vas a crear. Se pierde mucho dinero, pero se recupera por otro lado: cuando haces las cosas bien, la gente sigue trabajando contigo y esa es la finalidad de estos encuentros. Nosotros no promocionamos cartel, no creemos en el headliner, nosotros creemos en la comunidad y en la familia. Apostamos por artistas que no hacen sold out, pero que consideramos que tienen talento y les faltan oportunidades. Esa es nuestra visión en Soundvision. No se puede perder la escena más underground, no se puede vivir solo de vender tickets y supereventos llenos de gente que no se disfrutan. Hay que dar al público cosas diferentes, sea a 500 o a 10. Tu trabajo como productor convive con la dirección del sello y la agencia, y también con otras identidades como Saturnz Other Soul. ¿Cómo decides qué sonido pertenece a Eddy Romero y qué ideas necesitan otro alias? ¿Qué estás explorando ahora en el estudio y

Desde tus comienzos como DJ y promotor en los años noventa, has vivido varias transformaciones de la industria electrónica. ¿Qué sigue siendo imprescindible para construir una carrera y qué ha cambiado de verdad? Pensando en la siguiente etapa, ¿qué quieres desarrollar como artista y qué te gustaría que Expmental y Soundvision aportaran a la escena? Lo imprescindible para crear una carrera es trabajo constante, no mirar al otro y hacer lo tuyo. Venderte o no también es cosa tuya. Lo importante no es ser una superstar, lo importante es estar a gusto con lo que haces y saber, sobre todo, hasta dónde quieres venderte para tener éxito. Hay público para todo y crear tu comunidad es lo más importante. Soundvision ya está aportando mucho a la escena con el management a nuevos artistas, ayudándoles a desarrollar sus carreras con una visión quizás algo diferente a otros managements. Para Expmental, seguir como hasta ahora, adaptándonos sin perder nuestra esencia y, sobre todo, seguir dando nuestra experiencia y cultura a las nuevas generaciones. Eso es lo que queremos aportar. Estamos preparando otra vez nuevos vinilos y mirando cómo llegan veinte años de ambas marcas sin que nos hayamos dado cuenta, y que aún estamos aquí para contarlo.

JAIRO DELLI AFINA SU IDENTIDAD AL RITMO DE LA PISTA

Desde Tenerife, Jairo Delli ha construido una trayectoria de más de diecisiete años alrededor del house, el tech house y una forma de entender el groove que nace de la cabina. Sus producciones han llegado a sellos como elrow, LTF, CUFF, Roush o Sola, y han recibido el apoyo de artistas como Jamie Jones, Marco Carola y Franky Rizardo. Con «Ritmo», su nuevo single en LTF Records, el productor vuelve a poner el foco en los bajos, los detalles rítmicos y la conexión con el público. Hablamos con él sobre sus comienzos, la influencia del breakbeat, su evolución en el estudio y los próximos lanzamientos y fiestas que prepara. Texto: Vicious Magazine

Llevas más de 17 años vinculado a la producción electrónica y has desarrollado tu carrera desde Tenerife, una escena con una identidad muy particular. ¿Cómo fueron tus primeros pasos como DJ y productor? Mis primeros pasos fueron fruto de la curiosidad, de muchas horas escuchando música y de las ganas de entender qué hacía que una pista conectara con la gente. Empecé como DJ, descubriendo poco a poco cómo leer la pista, cómo construir una sesión y cómo jugar con la energía sin perder de vista el groove. Con el tiempo, esa inquietud me llevó a la producción, donde encontré otra forma de expresar mi identidad musical y desarrollar mi propio sonido. ¿Qué influencia tuvieron la isla, sus clubs y su cultura nocturna en la manera en la que empezaste a entender el groove y la música de baile? Tenerife ha influido mucho en mi manera de entender la música de baile. Crecer musicalmente en una isla te permite absorber influencias muy diferentes, pero también desarrollar una identidad propia. Los clubs y la cultura nocturna me enseñaron a entender el groove desde la pista, observando cómo responde la gente a los ritmos, a los cambios de energía y a los pequeños detalles que hacen que un tema conecte. A lo largo de tu trayectoria has publicado en sellos como elrow, LTF, CUFF, Too Many Rules, Roush, Sola, Clarisse, CR2 o DPE, y tu música ha recibido apoyo de nombres como Jamie Jones, Marco Carola, Dennis Ferrer, Franky Rizardo, Wade o Cloonee. ¿En qué momento sentiste que tu sonido empezaba a cruzar realmente las fronteras de Canarias? Uno de los primeros momentos decisivos fue cuando empecé a publicar en sellos internacionales y vi que mi música comenzaba a recibir el apoyo de DJs como Franky Rizardo, Héctor Couto, De La Swing, Jamie Jones y Marco Carola. Ahí sentí que el trabajo que llevaba años haciendo en Tenerife empezaba a tener repercusión fuera de las islas. Fue una motivación enorme y una confirmación de que podía abrirme camino en la escena internacional sin renunciar a mi identidad musical. ¿Qué significó para ti entrar en esos circuitos internacionales? Entrar en esos circuitos internacionales significó un antes y un después en mi carrera. Supuso comprobar que todo el trabajo, las horas de estudio y la constancia estaban dando sus frutos, y que mi música podía conectar con artistas y públicos de diferentes partes del mundo. También me abrió nuevas oportunidades y me permitió dar visibilidad al trabajo que estaba desarrollando desde Tenerife. Tu sonido suele moverse entre house y tech house, con loops fluidos, bajos hipnóticos, sampleos muy cuidados y una clara conexión con el old school. ¿Qué elementos consideras esenciales para reconocer una producción de Jairo Delli? Creo que lo que define mi sonido es la combinación de un groove sólido, bajos con personalidad y loops que te atrapan sin necesidad de sobrecargar la producción. Me gusta cuidar mucho los detalles, especialmente los sampleos, las texturas y esos pequeños elementos que aportan movimiento y mantienen la atención a lo largo del tema. Tengo una influencia muy marcada de la época del breakbeat, que ha sido importante en mi manera de entender los ritmos, los cortes y la energía de la música de baile. Me gusta rescatar esa esencia y llevarla a un sonido más actual, jugando con los elementos rítmicos y manteniendo siempre una conexión directa con la pista.

¿Cómo mantienes una identidad propia dentro de géneros donde constantemente aparecen nuevas tendencias? Para mí, la clave está en no perder de vista lo que me gusta y lo que me ha influido musicalmente desde el principio. Estoy abierto a escuchar cosas nuevas y evolucionar con la escena, pero no siento la necesidad de seguir cada tendencia si no encaja con mi manera de entender la música. Ahora regresas a LTF Records con “Ritmo”, un single construido alrededor del groove y de una visión muy directa de la pista. ¿Cómo nació este track y qué representa dentro del momento artístico en el que te encuentras? “Ritmo” nació de las ganas de hacer un track directo, con un groove muy marcado y una energía pensada para la pista de baile. Quería que los elementos funcionaran de forma natural, dando protagonismo a la base rítmica, los bajos y los pequeños detalles que van creando esa sensación hipnótica. La idea era conseguir algo efectivo, sin demasiados elementos innecesarios, donde cada sonido tuviera su espacio. Publicar este single en LTF Records es algo especial. Creo que “Ritmo” representa bastante bien el momento artístico en el que estoy: tengo cada vez más claro hacia dónde quiero llevar mi sonido, pero sigo disfrutando experimentando y buscando nuevas formas de mantener viva mi identidad musical. ¿Hay alguna evolución concreta en tu forma de producir que se pueda escuchar aquí respecto a trabajos anteriores? Sí, creo que con el tiempo he aprendido a simplificar más las cosas y a darle mayor importancia a los elementos que realmente hacen funcionar un track. En “Ritmo” busqué un sonido directo, donde el groove tuviera todo el protagonismo y cada elemento estuviera ahí por una razón, sin necesidad de recargar demasiado la producción. También siento que cada vez tengo más claro cómo quiero que suenen mis temas. He ido afinando mi manera de trabajar los bajos, los sampleos y los detalles rítmicos, intentando conseguir un equilibrio entre la energía de la pista y mi propia identidad musical. Creo que esa evolución se nota en una producción más definida, pero sin perder la esencia que siempre me ha gustado. Después de más de una década y media de carrera, sigues publicando con mucha regularidad y explorando nuevos sonidos. ¿Qué proyectos tienes ahora mismo en marcha para los próximos meses? Tengo varias cosas en mente para los próximos meses, tanto a nivel musical como de nuevos proyectos. Puedo adelantar que en breve empezaré a organizar mis propias fiestas bajo mi marca, algo que me hace mucha ilusión porque me permitirá crear una identidad propia y ofrecer una experiencia musical que vaya más allá de mis producciones. ¿Podemos esperar nuevos lanzamientos, colaboraciones o una etapa diferente dentro del universo de Jairo Delli? Ahora mismo estoy centrado en seguir trabajando en el estudio, preparando nuevas producciones y buscando sonidos que me permitan seguir evolucionando sin perder mi esencia. De cara a diciembre, tengo dos proyectos muy buenos que me hacen especial ilusión: uno saldrá en elrow Limited, el sello de De La Swing, y el otro en Criterio, el sello de Wade. Son dos lanzamientos importantes para mí y tengo muchas ganas de que vean la luz.

JJ MULLOR JJ MULLOR HA LLEGADO PARA QUEDARSE

Desde Almería, JJ Mullor ha construido una trayectoria que conecta las cabinas de finales de los noventa con la producción y la dirección de Supermarket Records, el sello que fundó en 2010. Ahora concentra su actividad en el hardgroove y el techno bajo su propio nombre, después de la etapa de Gömbök Project. Hablamos con él sobre sus primeros pasos, los hitos que marcaron su carrera, la decisión de recuperar el sonido que más le representa y la nueva dirección de Supermarket. Texto: Luis V.

Llevas vinculado a la música electrónica desde 1997 y hoy estás afincado en Almería. ¿De dónde eres y dónde naciste? ¿Cómo fueron tus primeros pasos como DJ y qué escenas, salas o encuentros te llevaron también a producir música? Bueno, sí, estoy afincado en Almería, pero también soy de Almería: nací en Almería y siempre he residido aquí. Nunca he vivido fuera de la provincia. Mis primeros pasos como DJ, efectivamente, empezaron en el año 97, por una oportunidad que me dieron para pinchar en una carpa de la feria de Almería. Falló el DJ y me lo ofrecieron a mí por casualidad y ahí empezó todo. Pero mi contacto con las cabinas y con el mundo DJ en todos los aspectos, empezó muchísimo antes, en el año 92 creo recordar. En los últimos años de instituto yo tenía un compañero de clase al que también le gustaba mucho el mundo del DJ y tenía una mesa de mezcla, me acuerdo, una Acoustic Control, muy rudimentaria: no tenía ni ecualización por canal ni nada por el estilo. Íbamos a su casa para hacer mezclas, si se le puede llamar eso jaja, con cassettes, ni siquiera con discos de vinilo. Un poco más adelante, un par de años después, conocí a otro amigo al que también le gustaba mucho el mundo DJ, y él ya sí tenía un tocadiscos. Quiero recordar que también era un Acoustic Control, súper rudimentario, de tracción por correa, y con otro tocadisco que tenía yo en casa, que no tenían control de velocidad ni nada por el estilo, hacíamos las primeras mezclas en fiestas con amigos que hacíamos en mi casa. Aparte, recuerdo que el primer disco que compré fue en el año 95 y, poquito a poco, cuando tenía algo de dinero, iba comprando mis primeros discos. Pero el primero fue en el año 97, el X-Ander Feat. Maddy - Die Musik Maschine, como curiosidad, fue algo premonitorio, porque el productor de X-Ander era Steffy De Cicco, al cual tuve la suerte de remezclar varias veces años después. Pero realmente, el contacto con el mundo DJ profesional, por decirlo de alguna manera, comenzó en el 97, cuando empecé a trabajar de relaciones públicas en una discoteca de Almería, en Sala Sol. Entonces, el tiempo que no estaba repartiendo tarjetas, como se hacía en esa época, subía a la cabina para ver cómo trabajaba el DJ, para ver qué discos ponía, la técnica... Estaba allí, en una esquinita, sin molestar, muy pendiente y viendo todo lo que hacía y los discos que pinchaba. Yo mientras tanto continuaba practicando en casa y comprando los discos que me gustaban de la discoteca, pero la oportunidad llegó poco tiempo después, me la dieron en agosto del 97, al poder pinchar en una carpa de la feria de Almería, recuerdo que fue en la carpa “La Liga”. Y ahí empezó todo. Bueno, el tema de la producción fue algo totalmente diferente; fue algo más bien impuesto. ¿Por qué? Porque yo quería seguir creciendo como DJ y en Almería realmente el crecimiento era muy, muy limitado. La solución: producir música. Al final, si producías tu propia música, tenías más exposición y podías darte a conocer fuera de la provincia. Así que decidí buscar los medios para poder sacar mi primera producción, que fue Guiter Dialogue, en el 2008. Pero realmente no hubo nada ni nadie que me dijese “esto tiene que ser así”, ni fijarme en algo, fue realmente algo que me autoimpuse yo mismo para seguir creciendo como artista. Tu primera producción, “Guiter Dialogue”, apareció en 2008; años después, “Time” alcanzó el número 4 del ranking Tech-House de Beatport. También has actuado en citas como ADE y el Festival OHM, y tu remix de “House Music” fue elegido por Pacha Ibiza como teaser de F*** ME I’M FAMOUS! durante dos años. ¿Qué recuerdas de esos hitos y cuál fue decisivo para impulsar tu carrera?

Todos los hitos que me enumeras han influido muy positivamente en mi carrera y no puedo decir que uno haya sido más que otro. De hecho, la primera producción, Guiter Dialogue, llegó al puesto 34 del Top 100 de Progressive House de Beatport. Imagina, la primera producción que saco a la venta y llega al 34 de Progressive House, yo creo que eso fue la primera piedrecita para construir la casa. Fue esa porque dije: “Wow, el primer tema que saco y entra en el top de ventas de Beatport. Pues hay que seguir adelante”. Después de varios Tops más de ventas en Beatport y otras plataformas, está “Time” que llegó al número 4 de Tech House de Beatport. Era un top muy complicado, porque en esa época se llevaba mucho el Tech House y era muy difícil simplemente entrar en el Top y más aún llegar a ese punto. De hecho, llegó al 33 del top general. O sea, llegó al 4 de Tech House y al 33 del general, que fue increíble. Eso también fue un espaldarazo para decir: “Bueno, hay que seguir, porque si se ha llegado al número 4 de Tech House y al 33 del general, ¿por qué no llegar al número 1 en ambos tops?”. Aunque, si tengo que elegir solo un logro que realmente fue decisivo e impulsó mi carrera como productor, fue en el año 2014 cuando Musicallstars Publishing, el brazo editorial de Spinnin’ Records y Warner Music, me ofreció un contrato editorial en exclusiva para manejar todo mi repertorio musical, aquello sí que me pareció increíble, de hecho tardé varios días en asimilarlo ya que pensaba que era una broma o algo así, pero no, 12 años después, seguimos con esa unión. Como bien dices, he actuado en citas como ADE, en Ámsterdam, en el festival OHM de Croacia, en la isla de Hvar, encima con una fiesta de mi sello Supermarket, además de en discotecas tan importantes como BCM Planet Dance de Palma de Mallorca, con esto pasó algo curioso, un par de años antes de pinchar en BCM, estuve de vacaciones en Mallorca con mi pareja y cuando pasamos por delante de la discoteca le pedí que me hiciese una foto en la puerta delante del logo y le dije: “Algún día yo pincharé aquí” y efectivamente, así fue. Efectivamente, el remix de House Music lo eligió Pacha Ibiza como teaser de F*** ME I’M FAMOUS!, la fiesta de David Guetta, durante dos años consecutivos para hacer su presentación. Pero no solo ese remix; por ejemplo, el de On The Rise, de Yones, entró en el Cool Cuts Chart de Estados Unidos, junto al Billboard, que era un top súper importante. Se puede decir que también fue un espaldarazo tremendo para poder seguir creciendo artísticamente. También hay actuaciones que me impulsaron, por ejemplo, actuando junto al Cirque du Soleil en Valencia, un evento que organizó una marca de bebidas. Y recuerdo que fue increíble porque el evento era para unas 9.000 personas en un pabellón de la Feria de Muestras de Valencia. El evento era una actuación del Cirque du Soleil y luego actuaba un DJ. Y el DJ elegido fui yo. Es decir, poder compartir escenario con el Cirque du Soleil y que la única persona a la que está mirando el público en ese momento seas tú y no haya nadie más... bueno, te impresiona, te asusta y te emociona al mismo tiempo. Son muchos sentimientos encontrados que realmente te hacen decir: “Bueno, si he llegado a hacer esto y puedo estar aquí tocando ante tantos miles de personas, puedo llegar donde quiera y puedo hacer lo que quiera”. Como curiosidad, la misma semana que actué junto al Cirque du Soleil, volví a Valencia el domingo para tocar en la terraza de la famosa Spook Factory, fue una semana “Molt Valencià” jaja Así que, como te he dicho al principio, no puedo decir que uno solo de esos eventos sea más determinante que otro en mi carrera. Todos fueron muy determinantes en su justa medida y en momentos muy puntuales también, aunque hay muchos más momentos y actuaciones, que aunque se quedan en el tintero, también influyeron muy positivamente en mi carrera.

Después de desarrollar el sonido Hardgroove y Techno bajo el alias Gömbök Project, has decidido dejar atrás ese nombre y concentrar tu actividad artística en JJ Mullor. ¿Qué te lleva a tomar esta decisión y qué elementos de aquella etapa seguirán presentes en la música que firmes con tu nombre? Lo más importante, al final, es que Gömbök Project y JJ Mullor somos la misma persona; es decir, soy yo. ¿Por qué empecé a utilizar Gömbök Project? Pues porque anteriormente había estado experimentando con diferentes estilos, como el house, el tech house y cosas más comerciales que realmente no me representaban como tal, lo hice por seguir la tendencia del momento, cosa que después entendí que era un error, al menos para mi. En 2023 también hay un punto de inflexión que me hace tomar esa dirección, fue un atropello que sufrí mientras practicaba ciclismo y que me dejó al borde de morir, eso te hace plantearte lo que es importante en la vida y lo que no. Entonces, decidí empezar de cero en el año 2024 —que fue el año en el que saqué mi primer EP de hardgroove con el sello Transfiguration Recordings, que se llamaba “Punto A”, ya en ese momento empecé a utilizar, junto a JJ Mullor, otro alias que no era Gömbök Project, que era Collab Bro, porque vi la necesidad de marcar una diferencia de estilos con los nombres artísticos. Lo que pasa es que luego se me ocurrió lo de Gömbök y me sonaba mucho mejor que Collab Bro; por esa razón dejé de utilizar este último y empecé a utilizar Gömbök Project. Mi intención inicial era seguir como Gömbök Project para todo lo que es el techno y el hardgroove, pero al final todos los temas, sean de un estilo o de otro —ya sean de house, techno house, techno, hardgroove, etc...— , llevan mi sello de identidad como JJ Mullor. Entonces, digamos que ha transcurrido el tiempo prudencial para que JJ Mullor se quede establecido y representado solo en el estilo hardgroove y techno. Por esa razón he dejado de utilizar Gömbök Project, desde el lanzamiento del EP “Supermarket Tools Vol.1”, porque se puede decir que ya cumplió su misión, que ha sido posicionarme y afianzarme en el nicho del hardgroove y del techno. Aunque realmente como JJ Mullor, los primeros temas que saqué, quitando los primeros, que eran más progressive house, como he dicho antes, me refiero a tracks como Caliope, Balembe, Tribetika... todos esos temas, como se puede comprobar por los nombres, son temas más enfocados al tribal, pero techno tribal más “light”, es decir, con menos velocidad que el hardgroove, pero techno tribal al fin y al cabo. Al final fueron los que me dieron a conocer realmente; sobre todo mis tracks “Caliope” y “Zambeze”, que funcionaron muy bien y salieron por el sello Beat Therapy de D-Unity. Lo que ocurre es que después empecé a publicar por otros sellos un poco más comerciales, como por ejemplo el español Blanco y Negro Music, que era un sello que, bueno, yo conocía de cuando empezaba a pinchar, tenía sus discos de vinilo y me hacía mucha ilusión publicar con ellos. ¿Qué ocurre? Que Blanco y Negro Music era un sello más comercial, entonces tenía que hacer mi música un poquito más comercial. De ahí salen temas como Tapiocca, Caliche o Last Train to Samaria, entre otros, que realmente no pierden esa esencia tribalera, pero un poquito más comercial. Hasta que, bueno, hasta que llegamos al 2024, que ya digo: voy a empezar a hacer lo que me gusta y se acabó. No voy a mirar estilos, no voy a mirar qué está de moda ahora, ni lo que es comercial, ni lo que no es comercial. Voy a hacer lo que realmente me gusta, me apasiona y siempre me ha gustado, que ha sido el hardgroove tribalero. Al final, los elementos que seguirán presentes en la música que voy a continuar publicando son los mismos, porque realmente, como antes te he dicho, Gömbök

Project y JJ Mullor somos la misma persona; por lo tanto, es el mismo estilo, los mismos elementos y la misma inspiración. No va a haber cambios, JJ Mullor ha llegado para quedarse de nuevo solo en el estilo que le gusta y le divierte producir, que es el hardgroove techno. Fundaste Supermarket Records en 2010 y el sello ha publicado música de artistas como Wade, Dani Sbert y Coqui Selection. En 2026 inicia una etapa dedicada en exclusiva al Hardgroove y al Techno: ¿qué motivó este cambio y qué identidad quieres construir? ¿Seguirá abierto a otros artistas que encajen con esa dirección? Efectivamente, fundé Supermarket Records en 2010 por una necesidad que percibí: había artistas con talento que aún no podían publicar en sellos grandes como Toolroom, Spinnin’, Armada o Defected, porque era muy difícil que escucharan sus demos. Merecían que algún sello apostara por ellos. A nivel de beneficios era complicado, porque en esa época las ventas empezaban a caer en picado, pero al menos podíamos darles una buena promoción: que su música llegara a DJs y productores de todo el mundo, que sonara en radio... En definitiva, acciones promocionales que podían ser importantes para su carrera. Tuve la gran suerte de contar en el sello con artistas como Dani Sbert, Coqui Selection o Wade. Y aún más: Jerry Ropero, leyenda del house, me envió una demo que acabamos publicando. También pasaron por el sello Dennis Cruz, Groovebox o Guille Placencia, hoy artistas súper internacionales. La acogida fue muy buena, me volqué con el sello e intenté apoyar todo lo posible a esos artistas; algunos ya eran muy conocidos, otros no tanto, pero se les notaba el talento. El giro de timón de Supermarket en 2026 vino por el giro de timón de mi carrera artística. Si el label manager del sello tiene un estilo, no tendría mucho sentido que el sello se dedicara a otros estilos. Por eso decidí hacer borrón y cuenta nueva: eliminé todo lo anterior de Supermarket de las plataformas, muy a mi pesar, porque ahí dejaron de estar esos nombres tan importantes de la música electrónica ligados al sello, y empecé desde cero apostando principalmente por mis producciones, para que la gente empezara a entender y disfrutar de mi nuevo sonido, el que de verdad quería producir. La identidad que quiero construir es la misma que tengo yo como artista: un tipo de música muy concreta, para un público muy concreto, que no entiende de modas ni concibe la música como algo viral. Por el momento solo estoy publicando mi música, pero en el futuro sí me gustaría abrir el sello a otros artistas, como pasó con Supermarket en su primera etapa. Eso será a medio plazo, porque ahora quiero centrarme en mi carrera y en mi sonido, dejarlo súper establecido. Cuando lo consiga —vamos por buen camino—, abriré las puertas a otros productores para que publiquen en Supermarket con la misma filosofía con la que creé el sello. Eso sí, siempre ciñéndonos al estilo y al sonido que me he propuesto: en este Supermarket 2.0 solo voy a apostar por el hardgroove y el techno. ¿Qué proyectos tienes en marcha para lo que queda de 2026? ¿Podemos esperar nuevos lanzamientos, colaboraciones o ediciones en vinilo de JJ Mullor y de Supermarket Records? ¿Qué te gustaría que definiera esta nueva etapa, tanto en el estudio como en directo? Bueno, como se suele decir, la maquinaria siempre está en marcha. Para lo que queda de año tengo varios lanzamientos con Supermarket. Eso sí, me he propuesto no saturar: un EP al mes, con tres o cuatro cortes como máximo, es suficiente para promocionarlo bien, que artistas de todo el mundo puedan disfrutarlo antes de su salida y pincharlo como exclusiva. También tengo previsto publicar en algún sello que no sea Supermarket; estamos trabajando en ello.

Publicar en vinilo y en CD me toca la fibra, porque era una de las ilusiones que tenía cuando empecé a producir. En CD sí he sacado bastantes temas en recopilatorios con sellos como Blanco y Negro o Universal y de salas como Pacha Ibiza, Privilege Ibiza, La Troya de Amnesia o incluso un recopilatorio de MTV en Alemania.

Realmente no puedo quejarme de toda la música que he publicado, pero sí me gustaría editar mi música en vinilo y que Supermarket, en algún momento cercano, empiece a publicar sus lanzamientos también en vinilo, aunque sean tiradas pequeñas y sin olvidarnos del formato digital.

La asignatura pendiente es el vinilo. Coincidió que el año en que salió Guitar Dialogue, en 2008, ya apenas se editaba vinilo: casi todo era digital y era muy complicado encontrar un sello que prensara vinilo, y más aún que apostara por un artista nuevo sin lanzamientos previos.

Sobre lo que me gustaría que definiera esta nueva etapa: principalmente, el sonido hardgroove. En la cabina, sesiones energéticas, dinámicas y muy bailables, sin un momento de descanso. Para este tipo de música me encanta tocar con tres platos o tres decks, porque soy una persona muy activa en la cabina y con dos siento que me quedo corto, que me faltan cosas que hacer. Con tres puedo jugar con tres canciones al mismo tiempo, alternar loops y otros sonidos, y hacer las sesiones mucho más divertidas. En el estudio, exactamente lo mismo: techno y hardgroove, muy bailongo, que te mantenga en movimiento durante toda la sesión.

Aun así, tuve la inmensa suerte de que Guitar Dialogue saliera por Cool Sound Music, el sello del DJ barcelonés Raúl Orellana, residente de la mítica Sala Studio 54, que decidió apostar por él. Pero publicar un vinilo sigue pendiente, y sé que antes o después llegará.

LANZAMIENTO

CASTION PRESENTA ‘INTERNATIONAL WOW’ EN NATURE

El productor tinerfeño publica un EP de dos cortes en el sello de wAFF, con Sergiodnine como colaborador en Looking Down. Castion suma una nueva referencia a su recorrido por el circuito house con International Wow EP, publicado el 9 de octubre por NATURE. El lanzamiento reúne el tema que le da nombre y Looking Down, firmado junto a Sergiodnine, en un formato breve que sitúa su trabajo entre el tech house y el house. La distribución de los créditos explica la estructura del disco. International Wow lleva la firma de Castion y aparece clasificado como tech house, con una velocidad de 129 BPM en su versión extendida. Looking Down incorpora a Sergiodnine y se mueve a 130 BPM, dentro de la categoría house. Dos producciones, dos combinaciones de autoría y un mismo sello para presentar este nuevo capítulo de su catálogo. El contexto de NATURE aporta otra clave al lanzamiento. El proyecto de wAFF ofrece a Castion un marco ligado al club y a la cultura DJ, donde las versiones extendidas mantienen su utilidad dentro de una sesión. La edición permite seguir tanto el trabajo individual del productor como su faceta colaborativa, sin dispersar la propuesta en un listado amplio de temas. International Wow llega después de un verano y un comienzo de otoño con varias publicaciones. En septiembre, Castion editó Vente Pa Aca a través de Armada Electronic Elements; en agosto apareció City Queen en Overtones Records, y en julio compartió Little Pulsy con Alex Wellmann en Rawtracks. La llegada a NATURE añade un nuevo interlocutor a esa actividad y pone el foco en un EP propio. Con International Wow y Looking Down, Castion concentra la actualidad de su proyecto en dos piezas y abre una nueva conexión con el sello de wAFF. International Wow EP ya está disponible en plataformas digitales. 51

VICIOUS CHART VIBY KARLOS MOLINA

Husa & Zeyada Got It Bad (Hernán Cattáneo & Mercurio Remix) SOUNDSCOOL

Guy J Placebo (Original Mix) EARLY MORNING

Sasha & John Digweed 0°/North Mix (Original Mix) NIGHT TIME STORIES

Jamie Stevens & Kasey Taylor Hocu Pocu (Original Mix) SUDBEAT MUSIC

Davi In Deep (Extended Mix) 8BIT

GMJ Matter (Original Mix) MEANWHILE RECORDINGS

Khen Homeboy (Dilby Remix) CLOSURE

D-Nox & Beckers Original Mix PROGRESSIVE HOUSE

Tim Green & Josefina Silveyra La Joda / Tonka BEDROCK RECORDS

Jeremy Olander Stylus (Original Mix) VIVRANT

¡Apóyanos! No descargues música ilegalmente.

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LANZAMIENTO

VISAC EXPLORA NUEVAS DINÁMICAS DE PISTA CON ‘FIRE & PASSION’

VISAC presenta Fire & Passion, un nuevo lanzamiento que profundiza en su identidad sonora a través de una propuesta de Tech House marcada por el groove, los cambios de ritmo y una estructura que escapa de los patrones más previsibles del género. Publicado el pasado 5 de septiembre de 2026 en Moonlife Records / Group Records, el track explora diferentes estados de energía y construye una narrativa pensada para mantener la atención en la pista de baile. Lejos de seguir una progresión lineal, Fire & Passion juega con las expectativas del oyente. Sus entradas, rupturas y giros rítmicos dibujan un recorrido dinámico en el que cada transición abre una nueva dirección, manteniendo la tensión y el movimiento como elementos centrales de la composición. El groove actúa como hilo conductor de una producción que combina contundencia y dinamismo, con una evolución que invita a descubrir qué sucede a continuación. Una manera de entender el Tech House desde la personalidad y el movimiento, sin renunciar a la conexión directa con la pista. El lanzamiento también deja entrever nuevos matices dentro del universo musical de VISAC. Aunque conserva los rasgos esenciales de su sonido, Fire & Passion explora otros recursos y sensaciones, ampliando su registro sin perder de vista la identidad que define su propuesta artística. Con este nuevo trabajo, VISAC continúa desarrollando una línea musical en la que la energía y el groove conviven con la búsqueda de estructuras menos evidentes. Fire & Passion se suma así a su catálogo como una pieza que apuesta por la evolución constante y por mantener viva la sorpresa a lo largo de todo el recorrido.

EN EL ESTUDIO CON

TEN WALLS ¿Cuál es tu proceso compositivo? Me gusta empezar a hacer música a partir de una textura o una atmósfera. Así creo el estado de ánimo del tema. El siguiente paso esencial para mí es construir un arpegio que dé vida al conjunto, que le aporte movimiento y esa energía motora propia. Después me dejo llevar por la espontaneidad, aceptando lo inesperado y permitiendo que la música me conduzca a un lugar que no había previsto. ¿De que partes a la hora de crear un nuevo tema? Como he comentado en muchas entrevistas, mi proceso creativo empieza con la modulación del sonido y la síntesis. Tomo un timbre concreto y empiezo a darle forma, experimentando con su carácter y explorando cómo puede evolucionar. Durante ese proceso aparecen sonidos nuevos que conducen a nuevas estructuras y formas. Al final, esos elementos se desarrollan de manera orgánica hasta convertirse en un

tema completo. Para mí, el diseño sonoro no es solo una parte de la producción musical: es el punto de partida de todo el recorrido creativo. ¿Eres de los que priorizan la idea sobre la parte técnica en el comienzo de un track? Siempre que empiezo a producir un tema, ya tengo cargada mi plantilla de masterización en el canal máster. Me permite calibrar el bombo desde el principio, teniendo en cuenta sus niveles RMS, LUFS y de pico para establecer el equilibrio adecuado. A partir de ahí, desarrollo el tema mientras mezclo y produzco al mismo tiempo. Como puedo escuchar en tiempo real cómo actúa la compresión de la masterización, durante el proceso creativo ya puedo percibir el tema como un disco terminado. Eso me ayuda a comprender cómo interactúan los distintos elementos y cómo sonará la versión final incluso antes de terminarlo.

¿Con qué equipo produces en tu estudio? En cuanto a instrumentos y plugins, utilizo mucho Kontakt, de Native Instruments. Con los años he reunido una biblioteca de sonidos muy amplia, especialmente de instrumentos acústicos, que me ofrece muchas posibilidades creativas. Para los sonidos sintetizados me gustan mucho Strobe, de FXpansion, y Omnisphere. En efectos, llevo mucho tiempo utilizando plugins de Waves. Sin embargo, últimamente me he aficionado mucho a FabFilter, especialmente a su limitador, su reverb y, por supuesto, al ecualizador Pro-Q 4. ¿En qué te inspiras para crear nueva música? Encuentro inspiración en mi estilo de vida, en mi familia y en las muchas horas que paso trabajando en el estudio. Pero una de mis mayores fuentes de inspiración, sobre todo fuera de la música, son los videojuegos. Me permiten explorar mundos diferentes, vivir atmósferas únicas y descubrir emociones nuevas que, a veces, acaban encontrando su lugar en mi música. ¿Imaginas un determinado tipo de público en la pista de baile mientras produces o eso lo dejas para el final? Cuando trabajo en un álbum, intento mostrar distintas facetas de mí como artista. Me gusta explorar un abanico amplio de estilos, desde el ambient y la música orquestal cinematográfica hasta otros sonidos y territorios musicales. Un álbum me da libertad para experimentar y expresar emociones e ideas diferentes. Sin embargo, cuando produzco un EP o un single específicamente para la pista de baile, intento mantenerme fiel a la música de baile. Para mí se trata de comprender el propósito de cada lanzamiento sin perder mi propia identidad musical.

características y a su mezcla. Eso me permite tomar decisiones creativas mientras escucho cómo responde la música a la cadena de masterización, acercándome al sonido final a lo largo de todo el proceso de producción. ¿Cómo y cuándo sabes que un tema está terminado? Con los años he aprendido cuándo decir basta. En realidad, podrías seguir puliendo un tema durante el resto de tu vida y siempre encontrarías algo que mejorar. Siempre habrá pequeños detalles que podrías cambiar o perfeccionar. La clave es saber cuándo está terminado. Confío en mi intuición, en mis oídos y en la experiencia que he adquirido a lo largo de los años para reconocer ese momento. ¿Prefieres autoeditar tu música o lanzarla en sellos? Siempre he estado abierto a trabajar con diferentes sellos, pero mi principal foco es mi propio sello, Runemark. Para mí es mucho más que un sello discográfico: es otro proyecto creativo al que tengo muchísimo cariño. Cuando publico música de otros artistas en Runemark, siempre les pido que me envíen los stems para encargarme personalmente de la mezcla y la masterización. Así puedo mantener un nivel de calidad constante y asegurarme de que cada lanzamiento cumple los estándares que quiero para mi sello.

¿Qué rol juega la experimentación en tu música? ¿Te gusta salir de tu zona de confort? Siempre intento experimentar y buscar sonidos nuevos sin dejar de ser fiel a mi identidad artística. Para mí es importante seguir evolucionando, explorar nuevos territorios sonoros y ampliar los límites creativos sin perder mi autenticidad ni mi sonido característico. Quiero que cada tema aporte algo nuevo y que, al mismo tiempo, conserve una parte reconocible de quién soy como artista. ¿El equilibrio entre el flujo creativo y la posterior organización son claves para trabajar mucho más rápido y eficazmente? Como comentaba antes, trabajo en la producción y la mezcla al mismo tiempo, utilizando mi plantilla de masterización desde el principio. Una vez que el tema empieza a tomar forma, adapto la plantilla a sus

PREMIERE

Texto: Kali

Tobias Bergson – Promise

PLAYY. Records

Tobias Bergson presenta “Promise”, tema principal de su nuevo Promise EP, publicado el 9 de octubre de 2026 a través de PLAYY. Records. El productor y DJ austríaco continúa desarrollando un sonido marcado por la electrónica melódica, la profundidad emocional y una clara orientación hacia la pista. Con más de 180 millones de reproducciones acumuladas y apoyos de artistas como Don Diablo, Lost Frequencies o Steve Aoki, Bergson sigue ampliando una trayectoria que ya incluye lanzamientos en Armada y Universal Music Austria. Bubba Brothers – Sanguy

Mossdeb Sounds

Bubba Brothers cierra el calendario de lanzamientos de 2026 de Mossdeb Sounds con Caramelo Sanguy, un EP de tres cortes que resume buena parte de su identidad actual y, al mismo tiempo, apunta hacia la dirección que quiere explorar en su próxima etapa. Para esta premiere elegimos “Sanguy”, el tema que lidera el lanzamiento y donde el productor portugués profundiza en una lectura más personal del Afro Melodic Tech, sonido que ha marcado una parte importante de su trabajo durante este año. Solenoid – Hard Stab

Black Hole Transmissions

Solenoid regresa a Black Hole Transmissions con Neugroove, su cuarta referencia para el sello, un EP de seis cortes que profundiza en su visión del techno de groove profundo, crudo e hipnótico. Para esta premiere nos quedamos con “Hard Stab”, tercer corte del lanzamiento y uno de los momentos donde mejor se percibe la identidad del productor afincado en Berlín.

Richard Rozen – We Can Dream

Expmental Records

Expmental Records presenta “Mental Picks Vol.53”, nueva entrega de una de las series más reconocibles de su catálogo y último capítulo del año, reuniendo cuatro aproximaciones distintas al deep tech, minimal y deep house bajo una misma estética mental y nocturna. Para esta premiere nos quedamos con Richard Rozen – “We Can Dream”, el corte más expansivo del lanzamiento y una pieza que lleva el lenguaje minimalista del sello hacia un terreno especialmente inmersivo.

Ten Walls, VIIITO & John Sarkander – Match Point

RuneMark

Ten Walls une fuerzas con los productores y live performers checos VIIITO y John Sarkander en “Match Point”, nueva referencia de RuneMark y una colaboración que cruza producción electrónica, instrumentación en directo y una clara vocación de pista. La pieza se mueve entre la electrónica melódica y una estética de corte cinematográfico, apoyándose en una producción de gran amplitud, una vocal spoken-word de carácter motivacional y un desarrollo diseñado para mantener tensión y progresión a lo largo de sus más de seis minutos. Alexander Kowalski – Electric Dust (Original Mix)

Arkham Audio

Arkham Audio celebra seis años con Arkham Audio 6 Years Various, una compilación que resume su trayectoria y reafirma su identidad en la escena techno. “Electric Dust” de Alexander Kowalski destaca por su techno profundo y tenso, sin excesos, representando el pulso del recopilatorio.

Chris Main – Warehouse (Original Mix)

Crazy Nutz Music

hris Main aterriza en Crazy Nutz Music con “Warehouse”, un corte de tech house construido desde una lógica inequívocamente orientada a la pista de baile y que encabeza la referencia NUTZ054 del sello barcelonés. A 128 BPM y con su centro tonal en Re menor, “Warehouse” encuentra su fuerza en una arquitectura rítmica directa y musculosa. Un bombo compacto, hi-hats afilados y una línea de bajo profunda y rodante construyen una base de presión constante, evitando elementos innecesarios para concentrar toda la atención en el groove. Danny Leblack & Juli De Alonso – Bang Bang

Crazy Nutz Music

Con “Bang Bang”, Danny Leblack y Juli De Alonso firman una colaboración que resume a la perfección la filosofía de Crazy Nutz Music: groove, funcionalidad y una producción concebida desde la experiencia real de la cabina. Como primer adelanto de Bang Bang EP (NUTZ047), el sello vuelve a apostar por un sonido que mira directamente a la pista de baile sin perder identidad propia.

Kelton Prima – Noisette Triangle (Original Mix) Ravanelli Disco Club Estrenamos el nuevo track del DJ y productor parisino Kelton Prima. Una oda al house clásico, con altas dosis de disco de primera clase y un groove bailongo y especial. Publicado en el sello francés Ravanelli Disco Club, el sello de Beton Brut.

JD Fairlight – Vasastan’s Theme (House Mix)

Skyline Archive

JD Fairlight continúa desvelando el universo de STOCKHOLM con “Vasastan’s Theme (House Mix)”, una nueva pieza extraída de su próximo álbum para Skyline Archive. En esta versión, Fairlight lleva el proyecto hacia un terreno claramente house, apoyándose en una base rítmica cálida, percusiones fluidas y un groove elegante que mantiene el carácter hipnótico presente en todo el álbum. La producción avanza con naturalidad, dejando espacio a capas atmosféricas y pequeños detalles melódicos que aportan profundidad sin restar funcionalidad al conjunto. ADRIANNA – Power Back (T78 Peak Time Remix)

TMPL Music

ADRIANNA continúa reforzando su presencia en la primera línea del techno europeo con una nueva reinterpretación de “Power Back”, esta vez en manos del productor italiano T78. Publicado a través de TMPL Music, el remix forma parte del inicio de una serie de reinterpretaciones que acompañarán el camino hacia ADRIANNARCHY, el próximo álbum de ADRIANNA. Para esta entrega, T78 lleva el original directamente al terreno del peak-time techno, construyendo una versión contundente y diseñada para los momentos de máxima intensidad en pista. Emilio Mustafá – Da Hype

Noisy Neighbours

Emilio Mustafá presenta en exclusiva para Vicious Magazine “Da Hype”, uno de los cortes de Funk City, su nuevo álbum, publicado el 25 de septiembre a través de su propio sello, Noisy Neighbours. El productor colombiano, afincado en Barcelona, ha desarrollado el disco durante un año entre su ciudad natal, Bogotá, y su nuevo hogar. En él conviven house, deep house, tech house, UK garage y ritmos latinos, influencias que forman parte de una trayectoria construida a ambos lados del Atlántico.

REVISIONES DEEP / PROGRESSIVE BY DANNY LLOYD KIARO & FUTURA CITY DELTA (ORIGINAL MIX) MANGO ALLEY Un tema que entra muy bien desde el principio, sin necesidad de exagerar. Tiene un groove profundo pero al mismo tiempo muy fluido, y sobre todo una construcción que deja respirar cada elemento. Me gusta cómo va creciendo poco a poco sin perder nunca la continuidad. Es una de esas piezas que puedes incorporar fácilmente a un set y que, a medida que avanza, va ganando cada vez más presencia.

BRANN (AR) REGRETS FOR THE FUTURE (ORIGINAL MIX) MYRRHA SOUNDS MUSIC Aquí el lado emocional se siente bastante. Hay un cierto aire melancólico que recorre todo el tema, pero sin hacerlo pesado ni excesivamente introspectivo. La parte melódica funciona precisamente porque aparece con calma, dejando siempre espacio al groove. Es una pieza que me ha llamado más la atención por su atmósfera que por un impacto inmediato, y quizá ahí reside precisamente su mayor virtud.

MAZAYR HIBERNATE (HAFT REMIX) NIGHTCOLORS HAFT lleva el tema hacia un terreno muy profundo e hipnótico. Me gusta especialmente la manera en que los elementos aparecen y desaparecen sin generar cortes demasiado evidentes: todo parece moverse de forma continua. El remix mantiene una bonita tensión de principio a fin, pero sin volverse agresivo. Perfecto para esos momentos del set en los que quieres mantener la atención sin cambiar por completo la atmósfera.

GORGE PAJAM (ORIGINAL MIX) SUDBEAT MUSIC Aquí el groove aparece inmediatamente y probablemente sea lo primero que llama la atención. Gorge trabaja de una forma muy limpia, con pocos elementos colocados en el lugar adecuado y sin llenar innecesariamente el arreglo. Es directo, funcional y tiene ese empuje que dentro de un set puede marcar realmente la diferencia. Un tema sencillo solo en apariencia, porque detrás se percibe mucha experiencia.

ALLEX, AROUND US DILIGENCE (ORIGINAL MIX) ARRVL RECORDS “False Contact” atrapa desde los primeros instantes gracias a un groove profundo y a una atmósfera en continua transformación. Fran Garay dosifica con inteligencia la dinámica y la tensión, construyendo el tema sin sobrecargarlo en ningún momento. Las diferentes texturas se entrelazan con naturalidad y dan vida a una pieza elegante, envolvente y especialmente funcional en la mezcla. Una producción ideal para acompañar el crecimiento y cambiar gradualmente la dirección de un set.

TRANCE BY IVAN MORALES TALLA 2XLC & DSTRTD SGNL LOST IN LOVE TECHNOCLUB RETRO Uno de los pioneros del trance, Talla 2XLC, se ha unido a los gigantes del techno, DSTRTD SGNL, para el definitivo remake de 2026 de ‘Lost in Love’, el clásico hard-trance de 1994 del dúo alemán Legend B. Diseñado para los escenarios principales y los clubes underground, este track de 142 BPMs está creado para lograr el máximo impacto. La producción fusiona la estética venerada de los bombos de los 90 y las líneas de bajo vibrantes, con un diseño de audio vanguardista y nítido. Ya apoyado por grandes artistas, este himno atemporal ha sido perfectamente adaptado para sets de trance moderno, así como para sesiones tech-trance. Un arma obligatoria y de alto ritmo para tu colección. CIARAN MCAULEY & ANJA NEVER ALONE VANDIT RECORDS Uno de los temas de 2026: en VANDIT Records, el norirlandés Ciaran McAuley y la vocalista Anja Webber lanzan ‘Never Alone’, una obra maestra emocional. Su producción brilla con un piano atmosférico que evoluciona hacia sintetizadores eufóricos, mientras la voz luminosa de Anja combina vulnerabilidad y fuerza. Un viaje que transforma la introspección en un himno colectivo: pura obra de arte.

TRANCE WAX SUNSET MELODIES GREENISLAND RECORDS ‘Sunset Melodies’ es un mini CD diseñado para encapsular la esencia de la música dance olvidada, donde una melodía puede quedarse contigo toda la vida. Se trata, sin lugar a dudas, de una de las producciones más importantes del productor afincado en Belfast, Trance Wax. Bajando el tempo a 126 BPMs, esta nueva visión, robusta y potente, reinterpreta esas melodías inolvidables con una precisión contundente. Éxito asegurado. VARIOUS ARTISTS GOLDEN AUTUMN PARA//E/ ‘Golden Autumn’ es una recopilación de varios artistas creada para el cambio de temporada, recopilando temas que cambian la luminosidad veraniega por algo más profundo y atmosférico sin perder el impulso. A lo largo de la lista de tracks, se encuentran ganchos melódicos, texturas analógicas cálidas y grooves ondulantes, alternando entre la escucha de última hora de la tarde y la energía en hora punta. Cada artista aporta su propia lectura de esta nueva estación, desde lo reflexivo y espacioso hasta lo enérgico y eufórico. Una selección musical compuesta por nombres emergentes y consolidados. JAMES POUND, REVATI WHERE IT STARTED BEFORE THE NOISE Cuando Revati y James se sentaron por primera vez a hablar sobre la dirección que seguiría este track, se dio una conversación que allanaría el camino para la marca Before The Noise. ‘Where It Started’ es, en realidad, el primer track producido por el dúo, con el objetivo de capturar una era del trance que les inspirara y les entusiasmara a la vez. El tema presenta una apertura breakbeat que pasa a una introducción muy oscura, con un toque vocal melancólico, ácidos y texturas sutiles, pero a su vez con mucha energía. Un tema que no te dejará indiferente.

REVISIONES INDIE DANCE BY GAMEBOYZ DRIVETRAIN INMORTAL SOIREE RECORDS INTERNATIONAL Detroit no necesita convertir su legado en museo para seguir siendo relevante. Con Immortal, Soiree Records International vuelve a situarse en ese punto donde la memoria de la ciudad y su presente creativo se cruzan sin nostalgia impostada. El sello fundado por Derrick Thompson, también conocido como Drivetrain, presenta una compilación de varios artistas que recorre distintas sensibilidades del house y el techno underground sin perder una identidad común.

ANDER RACE GIVE ME WHAT WAS MINE EP W Ander Race regresa a W con un EP de tres cortes que combina pegada de club, sensibilidad melódica y una producción especialmente cuidada. El tema principal avanza sobre un pulso hipnótico, sintetizadores ácidos y la voz de Diana, mientras “Lovin’ U” abre una zona más cálida y luminosa. “Recovered Soul” cierra el lanzamiento con bajos inquietos, hats rodantes y acordes de neón. Un trabajo compacto, versátil y lleno de matices, donde la pista de baile convive con una narrativa más emocional.

PUMUKI STRAIGHT TO HELL EP FLYING SOURCE Pumuki endurece su lenguaje con Straight To Hell, un EP de tres cortes publicado a través de su propio sello, Flying Source. Electroclash, indie dance y electro oscuro se cruzan en una producción construida con bajos eléctricos distorsionados, sintetizadores afilados y melodías hipnóticas. El resultado evita la nostalgia fácil y utiliza sus referencias retrofuturistas para generar una tensión plenamente contemporánea. Música nocturna, física y rebelde, pensada para clubes donde el ambiente empieza a desbordarse

WOLG THE LONGEST JOURNEY EP MELÓMANA RECORDS Wolg aterriza en Melómana Records con un EP de tres cortes situado entre el ritual, la pista y la imaginación cinematográfica. “Overture”, “Korowai” y “Tanaris” combinan percusión orgánica, melodías de inspiración balcánica y texturas psicodélicas dentro de grooves envolventes y una energía ascendente. Un viaje electrónico con geografía propia, difícil de encasillar y construido para escuchar con los ojos cerrados.

PRINCIPLEASURE III Principleasure presenta III, un tercer álbum construido durante casi cuatro años y articulado en diez cortes que conectan techno melódico de raíz noventera, peso EBM, electro y pulsiones cinematográficas. Entre la expansión hipnótica de “Storung”, la energía retrofuturista de “System 100” y piezas breves como “Chrome Loop” u “Opcode”, los sintetizadores analógicos funcionan como materia narrativa, no como simple fetiche vintage. Un disco oscuro, detallista y cambiante, donde la pista convive con interludios introspectivos y una melancolía mecánica que mantiene unido todo el recorrido.

MELODIC HOUSE / TECHNO BY ALONNE MILA JOURNÉE, ARUDE FEEL THE FORCE (EXTENDED MIX)) JOURNEEY RECORDS “Feel The Force” construye su identidad a partir de una progresión emocional bien medida, donde los pads envolventes y las líneas de synth generan una atmósfera profunda sin perder nunca el foco en el groove. Una producción cuidada, coherente con el sonido del sello, que refuerza la identidad de ambos artistas dentro del espectro melodic house & techno. MAX STYLER YOU & ME (NOTRE DAME REMIX) NU MODA Max Styler recibe una reinterpretación de Notre Dame en Nu Moda, que lleva “You & Me” hacia un terreno más profundo y sofisticado. El remix apuesta por un groove hipnótico y una construcción progresiva, con una paleta sonora elegante que prioriza la atmósfera sobre el impacto inmediato. Una versión funcional y bien enfocada, ideal para contextos de club más refinados. GUZY SHUT UP (ORIGINAL MIX) RADIKON Guzy firma en Radikon un corte directo y sin concesiones, claramente enfocado a la pista. “Shut Up” se apoya en un groove contundente y repetitivo, con una estructura minimalista que potencia su carácter hipnótico y funcional en mezcla. Una herramienta sólida de club, pensada para mantener tensión y control en momentos clave del set.

WHITEOUT HAUNTED (ORIGINAL MIX) ERRORR Whiteout presenta en ERRORR un corte de estética oscura y enfoque claramente club. “HAUNTED” se construye sobre un groove tenso y una atmósfera envolvente, con elementos sonoros que refuerzan su carácter hipnótico. Una herramienta efectiva, alineada con el sonido más contundente del circuito actual.

RAFAEL CERATO, MORGANJ SLOW DOWN (EXTENDED MIX) CAPTIVE SOUL Rafael Cerato y MORGANJ firman en Captive Soul un corte que equilibra energía y sensibilidad melódica. “Slow Down” se apoya en un groove firme y una línea emocional bien definida. Una producción sólida y versátil, efectiva tanto en momentos de transición como en tramos más melódicos del set.

TECH AREA By Gilbert Lezana

ADAM AUDIO SUB8 PRO Y SUB10 PRO: CONTROL DSP Y CONECTIVIDAD DIGITAL PARA EL ESTUDIO

MOTU OCTALITE: OCHO PREVIOS DE MICRO EN MEDIO RACK

ADAM Audio amplía su catálogo con los Sub8 PRO y Sub10 PRO, dos subwoofers activos que combinan amplificación en clase D con procesamiento DSP, conectividad digital AES3 y control por red desde el ordenador.

MOTU presenta la OctaLite, una interfaz de audio USB-C que integra ocho previos de micrófono en un formato compacto de medio rack. Con 16 entradas y 12 salidas a frecuencias de 44,1 y 48 kHz, está diseñada tanto para estudios que necesitan ampliar sus entradas como para funcionar como expansor mediante conexiones ópticas ADAT.

Ambos modelos incorporan un woofer de papel reforzado con fibra y una potencia de 200 W RMS. El DSP, trabajando a 96 kHz, permite ajustar filtros de cruce, ecualización, fase y retardo para optimizar la integración con los monitores principales. También ofrecen modos Stereo, LFE y Wide, adaptándose tanto a sistemas 2.1 como a configuraciones multicanal e inmersivas. La principal diferencia está en la extensión de graves: el Sub8 PRO alcanza los 30 Hz, mientras que el Sub10 PRO desciende hasta los 22 Hz, ofreciendo una reproducción más profunda. Los precios oficiales son de 999,99 € para el Sub8 PRO y 1.299,99 € para el Sub10 PRO.

Sus ocho entradas combo XLR/TRS admiten micrófono, línea e instrumento, con hasta 74 dB de ganancia, alimentación phantom de 48 V, atenuación de 20 dB e inversión de fase independientes. Incluye dos salidas balanceadas para monitores, salida de auriculares con mezcla propia y conectividad óptica ADAT o S/PDIF. La capacidad de canales disminuye al aumentar la frecuencia de muestreo: ofrece 12 × 12 a 88,2/96 kHz y 8 entradas y 4 salidas a 176,4/192 kHz, sin conexión óptica. Es compatible con audio USB class-compliant en macOS e iOS. Su precio en Europa es de 969 euros..

BEHRINGER JAM Y JAM PLAY: CONTROL MIDI COMPACTO CON SECUENCIADOR

ALPHATHETA XDJ-AZ YA ES COMPATIBLE CON SPOTIFY

Behringer presenta los Jam y Jam Play, dos teclados controladores MIDI de 32 miniteclas que integran secuenciador polifónico, arpegiador y salidas CV/ Gate en un formato compacto, orientado a la producción musical y al control de equipos hardware.

AlphaTheta anuncia la compatibilidad of icial del XDJ-AZ con Spotify, ampliando las opciones de acceso a música en streaming desde su sistema todo en uno para DJ. Gracias a la conectividad Wi-Fi integrada y a la función StreamingDirectPlay, los usuarios pueden buscar y cargar canciones y playlists directamente desde el dispositivo, sin necesidad de recurrir a un ordenador para gestionar la reproducción.

Ambos comparten funciones de control para trabajar con instrumentos virtuales, sintetizadores y dispositivos externos. La principal diferencia está en la generación de sonido: el Jam requiere una fuente sonora externa, mientras que el Jam Play incorpora 128 sonidos de instrumentos, 10 kits de batería y efectos, lo que permite utilizarlo de forma autónoma, sin ordenador. Con estas dos propuestas, Behringer ofrece alternativas para productores que buscan secuenciación y control en un equipo reducido, con o sin sonidos integrados. En cuanto al precio, el Behringer Jam figura en Thomann a 99 €, mientras que el Jam Play se sitúa en 182 €

Para activar esta nueva función, es necesario descargar e instalar la última versión del f irmware del XDJ-AZ. La integración permite acceder al amplio catálogo musical de Spotify y of rece mayor flexibilidad a los DJ que utilizan el equipo en sesiones, actuaciones o prácticas, combinando sus recursos habituales con la reproducción directa desde plataformas online. Hay que tener en cuenta que es necesario disponer de una suscripción a Spotify Premium para reproducir música del servicio en el XDJ-AZ.

Vicious Magazine nº 105