Junio ya está aquí. El mes en el que las agendas explotan, las maletas empiezan a aparecer por casa y los grupos de WhatsApp se convierten en auténticoscentrosdeoperacionesparacoordinar escapadas, festivales y noches que prometen terminar cuando salga el sol. En de nitiva, el mes en el que la temporada electrónica pisa el acelerador y nos recuerda por qué nos enamoramosdeestacultura.
En este nuevo número de Vicious Magazine nos sumergimos de lleno en ese espíritu que mezcla música, viajes, moda, tecnología y experiencias que vanmuchomásalládelapistadebaile.Yparaliderar esta edición contamos con uno de los nombres más carismáticos y auténticos de la escena actual: Ewan McVicar. El artista escocés protagoniza nuestra portada y una entrevista en la que descubrimos la visión, la personalidad y el momento profesional de uno de los DJs más queridos del circuito internacional.
Viajamos hasta Croacia, uno de los destinos imprescindibles para cualquier amante de la música electrónica, exploramos el universo creativo de Strobe Room by ElImaginario y nos adentramos en la losofía de No Art, una de las propuestas más interesantes que han surgido en los últimos años dentro de la cultura club.
También hay espacio para la adrenalina con nuestro especial dedicado a las carreras offshore, para descubrir nuevos talentos como Manu M en nuestra sección Newcomer, y para conocer más de cerca a artistas que están marcando el presente y el futuro de la escena como Principleasure, DA Night, Castion, Parissior o Wanuk.
Junio es sinónimo de verano y festivales. Prepárate para semanas emocionantes, kilómetros y muchas historias.
Esta edición incluye moda, tecnología, revisiones, estrenos musicales, charts, producción y más, haciendo de Vicious un punto de encuentro para los amantes de la música electrónica.
Nos vemos en la pista.
¡Bienvenidos al siguiente capítulo de Vicious Magazine!
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MIXCELÁNEA
Time Warp Spain revela su cartel por días
La tercera edición de Time Warp Spain ya ha distribuido su programación para los días 18 y 19 de septiembre en IFEMA Madrid. El viernes destacará por actuaciones como el B2B de Ben Sims y Óscar Mulero, I Hate Models y Fátima Hajji, mientras que el sábado tomará el relevo con nombres de la talla de Sven Väth, Adriatique, Maceo Plex y Loco Dice. Dos jornadas con identidades propias para una de las citas más importantes del calendario electrónico nacional.
Los imprescindibles de Sónar 2026
Sónar 2026 calienta motores destacando 14 propuestas clave de una edición que promete ser una de las más ambiciosas de su historia. Debuts largamente esperados como The Prodigy, el regreso de Skepta, los nuevos shows audiovisuales de Charlotte de Witte y Amelie Lens o el innovador proyecto STOOR Live de Speedy J encabezan una programación que volverá a convertir Barcelona en el epicentro mundial de la electrónica y la innovación.
Juno Download baja la persiana tras 20 años
La histórica plataforma de descargas digitales para DJs y amantes de la electrónica ha anunciado su cierre inmediato, poniendo n a dos décadas de actividad. Referencia para generaciones de clubbers, diggers y profesionales del sector, Juno Download sucumbe al avance del streaming y los modelos direct-to-fan, dejando un vacío importante en el ecosistema de la música electrónica digital.
Solomun protagoniza la polémica del verano en Hï Ibiza
Un vídeo grabado durante una sesión de Solomun en Hï Ibiza se ha hecho viral tras mostrar al DJ apartando de forma brusca varios móviles que invadían la cabina. El gesto ha reabierto el debate sobre los límites entre público y artista en la era de las redes sociales, así como la creciente presión que sufren los DJs ante la omnipresencia de las cámaras en la pista.
New Order revisita su legado más clubber
La banda británica ha anunciado The Best of The Rest Of, una recopilación que pone el foco en algunas de las remezclas, versiones extendidas y momentos más orientados a la pista de baile de su trayectoria. Un lanzamiento que reivindica la enorme in uencia de New Order en la cultura club y la música electrónica, más allá de su incuestionable legado dentro del post-punk y la música alternativa.
fashion
Nos pirra la moda, la ropa, los accesorios, los gadgets…¡todo! Y aquí te damos pistas sobre lo que es purita tendencia en las calles, los clubs, los festis… ¡A quemar tarjeta!
Perfume: Bvlgari Le Gemme Tygar Extrait De Parfum www.bvlgari.com
CROACIA
EL PARAÍSO ADRIÁTICO DONDE EL VERANO TAMBIÉN SE BAILA
Con aguas cristalinas, islas in nitas y una de las escenas electrónicas más cuidadas de Europa, Croacia se ha consolidado como uno de los destinos clave del verano para quienes buscan combinar viaje, cultura y clubbing frente al mar Adriático. Croaciaesunodeesospaísesqueparecendiseñados para el verano. Su costa se extiende entre cientos de islas, calas escondidas y ciudades históricas donde conviven in uencias venecianas, romanas y balcánicas. Lugares como Split, Hvar, Zadar o Dubrovniknosolodestacanporsuvalorpatrimonial, sino también por un estilo de vida mediterráneo que, en los últimos años, ha evolucionado hacia un potente circuito de turismo musical.
Autor: Vicious Magazine
SONUSFESTIVAL (ZRĆEBEACH,PAG)
Uno de los grandes referentes del circuito europeo de clubes en formato festival. Sonus Festival reúne cada verano a guras clave del techno, house y minimal en la playa de Zrće. Beach clubs, sesiones al aire libre y afters interminables convierten Pag en una de las capitales estivales del clubbing.
HIDEOUTFESTIVAL (ZRĆEBEACH,PAG)
Hideout Festival es una de las citas más internacionales de la costa croata. Su propuesta mezcla house, garage, bass y techno con boat parties, beach sessions y clubes abiertos durante todo el día y la noche, atrayendo especialmente al público británico.
OUTLOOKFESTIVAL (TISNO)
Más orientado a los sonidos bass, dubstep, jungle ydrum&bass,OutlookFestivalhaconstruidouna identidadpropiadentrodelcircuitounderground europeo.Susescenariosjuntoalmarysus estas enbarcolohanconvertidoenunaexperienciade culto.
DEFECTED CROATIA (TISNO)
La icónica marca británica aterriza cada verano en el Adriático con Defected Croatia. Un festival centrado en el house en todas sus vertientes, con beach stages, boat parties y un ambiente más relajado pero totalmente enfocado al baile.
STROBE ROOM
By: elimaginario
CHINOIS IBIZA: CHIRIBITAS AGAINST THE MACHINE
FOTOGRAFIA: Mario Pinta
En una Ibiza cada vez más obsesionada con el exceso visual, los escaparates vacíos y la saturación lumínica diseñada para las redes sociales, todavía existen pequeños espacios que entienden algo esencial: un club no se mira, un club se siente. Y en ese terreno, Chinois Ibiza está construyendo algo profundamente distinto.
La transformación de esta temporada no es un lavado de cara. Es una declaración de intenciones.
Donde el año pasado predominaban los proyectores y una narrativa visual más convencional, este verano la sala abraza una instalación reinterpretada hasta parecer completamente nueva: “Le Chandelier”. Un dispositivo visual basado en matrices cegadoras, LED digital y un innovador uso del láser RGB que rede ne la percepción espacial del club.
Aquí la luz no decora. Te cambia
El concepto gira alrededor de tres pilares fundamentales: el verdadero black out, el groovy en pista mediante un set de cabezas móviles dispuesto en GRID y una falsa perspectiva creada a través de una programación extremadamente na que convierte cada breakdown y cada drop en una experiencia física.
No se trata de iluminar más. Se trata de iluminar mejor.
Hay momentos en los que la sala desaparece por completo en la oscuridad absoluta y, segundos después, explota en un BOOM cálido que recuerda al mismísimo sol entrando de golpe en la pista. Una sensación épica y profundamente colectiva. Una auténtica fábrica de “OOOHHHH’s”.
La técnica, el sonido y la iluminación son obra de OnliveLighting, de la mano del “Jefazo de las Galaxias”, Toni Petit, junto a colaboraciones técnicas de auténticas autoridades como Cruz Lighting —actualganadordelVMAWARDaMejorArtistaVisualLJ—oG3RMAN,unnuevotalentoqueresuelve como un veterano y al que me gusta de nir como un LJ venido del futuro.
Pero detrás de toda esta maquinaria y operativa existe algo todavía más importante: verdadera artesanía.
LadeEmilianoMarchiondelli,KianKholer,ÁlvaroRigging,elprodigiosoLuisDiaz, Raúl“elinformático”, Diego, todo el equipo de deco y tantos otros profesionales que aportan un extra desde la humildad de quien entiende que el concepto debe estar siempre por encima de cualquier individualidad mal gestionada.
Todo funciona porque todos empujan en la misma dirección.
Y en el centro creativo de esta nueva identidad visual aparece, como una especie de Gandalf de lo lumínico, Elimaginario —el humilde hacedor de chiribitas que escribe estas líneas—, quien ha recibido carta blanca por parte del club para desarrollar una regiduría visual identitaria alejada de tendencias pasajeras y métricas digitales.
Una auténtica “clubi cación” de la pista.
“Esta manera de trabajar las intensidades y los colores totalmente live, en simbiosis entre luz, láser y vídeo, está casi obsoleta en la isla y probablemente en cualquier evento mainstream del planeta. Pero precisamente ahí es donde queremos estar: lejos de la tendencia actual de mostrar el clubbing como un simple photocall.
Nuestra manera es orgullosamente imperfecta y, precisamente por eso, auténtica. No defrauda a DJs, promotores ni al público que nos visita buscando una experiencia profunda y sinestesica.
Me gusta decir, a riesgo de sonar terriblemente pretencioso, que este enfoque de lo lumínico representa para el mundo Visual algo parecido a lo que supone pinchar en vinilo para muchos DJs hoy día.
“Nosotros apostamos por el recuerdo y sus emociones, y no tanto por las fotos y las redes.”
Y quizá ahí reside la verdadera diferencia de Chinois.
Mientras gran parte de la isla parece diseñada para ser grabada con un móvil, a todo brillo y color posicionando lo visual al nivel de una valla publicitaria de carretera, aquí todavía se trabaja para provocar memoria emocional. Para que la pista respire. Para que exista tensión, oscuridad, silencio, contraste y explosión.
Cultura de club real.
Apostando por recursos selectos de I+D sin perder la narrativa, con sustancia, y siempre bajo un concepto que dé sentido a cada implementación. Sin complejos y, sobre todo, sin necesidad de arti cios vacíos que someten la vivencia a la competición del “Me Gusta”
Chinois apuesta además por una programación artística de calidad, entendiendo que el line up y el espacio deben dialogar como una única obra.
Todo está cuidado para que así se sienta.
Por eso también es importante agradecer a toda la gente de o cina, producción, arte, marketing y dirección; especialmente a Eduardo P. Waasdorp, por tener la sensibilidad —y la valentía— de defender esta visión de la cultura de club en tiempos donde la maquinaria del algoritmo parece haberlo devorado todo.
Porque lo que ocurre dentro de esta sala no intenta impresionarte durante quince segundos en un aséptico repost.
Intenta quedarse contigo.
Como un olor de verano.
Como un recuerdo difícil de explicar.
Como algo hecho por gente que ama profundamente lo que hace y que, aun siendo consciente del valor de su aportación, lo entrega cada noche con la ilusión de hacer sentir a todos los presentes que también les pertenece.
Si estás en la isla este verano, no pierdas la oportunidad de entrar en Chinois.
Algunas pistas se visitan.
Otras permanecen y siembran algo dentro de ti.
El dúo neerlandés ha convertido su sello en mucho más que una plataforma de lanzamientos: NO ART funciona hoy como un ecosistema creativo que refuerza su identidad, su sonido y su presencia global en la escena electrónica.
Redacción: Vicious Magazine
En un momento en el que la industria electrónica avanza a una velocidad cada vez más difícil de sostener, ANOTR han optado por un camino que combina ambición internacional con control absoluto del proyecto. Lejos de depender únicamente de los grandes sellos o de las dinámicas tradicionales del circuito, el dúo ha construido alrededor de su nombre una estructura propia que les permite decidir no solo qué publican, sino también cómo se presentan ante la escena global.
Ese núcleo creativo tiene un nombre claro: NO ART. Lo que comenzó como un sello discográfico se ha transformado en una plataforma multidimensional donde conviven lanzamientos musicales, dirección artística, estética visual y una narrativa común que atraviesa todo el proyecto. En lugar de funcionar como una simple etiqueta editorial, NO ART opera como una extensión directa del universo de ANOTR.
El crecimiento del sello ha ido en paralelo al ascenso del dúo en el circuito internacional del house contemporáneo. Su sonido, caracterizado por un equilibrio entre groove, sofisticación y energía de club, ha encontrado espacio tanto en pistas underground como en grandes escenarios de festivales. Esta versatilidad ha sido clave para su expansión, permitiéndoles ocupar posiciones cada vez más destacadas en carteles de referencia sin renunciar a una identidad reconocible.
Pero quizá el aspecto más interesante de NO ART no sea únicamente su catálogo musical, sino su enfoque global como proyecto cultural. En torno al sello se ha ido consolidando una comunidad que trasciende el simple consumo de música, incorporando eventos propios, una estética cuidada y una visión clara de marca. En este sentido, ANOTR han entendido antes que muchos que la carrera de un artista electrónico en 2026 no se sostiene únicamente con tracks, sino con relato, coherencia y universo propio.
Este modelo también refleja una tendencia cada vez más evidente dentro de la escena: la transición del artista como intérprete al artista como constructor de plataformas. En ese terreno, NO ART se posiciona como un ejemplo de cómo el control creativo puede convertirse en una herramienta de crecimiento en lugar de una limitación.
A medida que su presencia internacional sigue creciendo, ANOTR parecen moverse con una idea muy clara: no se trata solo de sonar en todas partes, sino de que todo lo que lleve su nombre suene a lo mismo. Y en esa consistencia radica buena parte de su fuerza actual.
En una industria saturada de estímulos y cambios constantes, su propuesta apunta en la dirección contraria: construir identidad primero, expandirse después. Y en ese orden de prioridades, NO ART no es solo un sello, sino una declaración de intenciones.
CARRERAS OFFSHORE: LA ÚLTIMA FRONTERA DE LA
VELOCIDAD SOBRE ELAGUA
Autor: Vicious Magazine
Cuando pensamos en deportes extremos relacionados con la velocidad, es habitual que nuestra mente viaje hacia la Fórmula 1, MotoGP o incluso los rallies más salvajes del planeta. Sin embargo, existe una disciplina que combina la brutalidad de la competición motorizada con uno de los entornos más impredecibles de la naturaleza: el mar. Hablamos de las carreras de lanchas offshore, una modalidad tan espectacular como exigente que lleva décadas desafiando los límites de la velocidad sobre el agua.
A diferencia de otras competiciones náuticas que se desarrollan en lagos o circuitos cerrados, las pruebas offshore tienen lugar en mar abierto, donde las condiciones cambian constantemente y donde el oleaje, las corrientes y el viento se convierten en rivales tan peligrosos como los propios competidores. No existen dos carreras iguales. Lo que comienza como una travesía relativamente controlada puede convertirse en cuestión de minutos en una auténtica batalla contra los elementos.
Las embarcaciones que participan en estas competiciones son auténticos prodigios de la ingeniería moderna. Fabricadas con materiales ultraligeros derivados de la industria aeroespacial y diseñadas para soportar impactos constantes contra la superficie del agua, pueden superar fácilmente los 200 kilómetros por hora. A esas velocidades, cualquier error de cálculo puede tener consecuencias dramáticas.
Por ello, el papel de la tripulación es fundamental. Lejos de la imagen de un único piloto al volante, muchas categorías offshore cuentan con equipos formados por piloto y copiloto, que trabajan de forma sincronizada durante toda la carrera. Mientras uno se concentra en mantener el control de la embarcación, el otro analiza el recorrido, monitoriza los sistemas y ayuda a tomar decisiones en tiempo real. Una coordinación perfecta puede significar la diferencia entre subir al podio o terminar fuera de competición.
La historia de este deporte se remonta a principios del siglo XX, aunque fue durante las décadas de los sesenta y setenta cuando comenzó a vivir una auténtica edad dorada. Desde entonces, escenarios como la costa de Florida, el Golfo Pérsico o el Mediterráneo han acogido algunas de las pruebas más icónicas del calendario internacional. Ciudades como Dubái, Miami o Key West se han convertido en auténticos templos para los aficionados a la motonáutica extrema.
Uno de los grandes atractivos de las carreras offshore es precisamente su espectacularidad visual. A diferencia de otros deportes de motor donde la tecnología y la aerodinámica buscan minimizar cualquier movimiento brusco, aquí los saltos, los impactos y las constantes correcciones forman parte del espectáculo. Ver una lancha de competición despegar varios metros sobre una ola para aterrizar a más de 180 km/h es una imagen difícil de olvidar.
Pero la adrenalina tiene un precio. Las fuerzas G que soportan los pilotos durante una carrera son enormes, y la preparación física resulta tan importante como el talento al volante. Espalda, cuello y piernas reciben una carga constante debido a los impactos contra el agua, convirtiendo cada prueba en un desafío de resistencia además de velocidad.
Creo que hay lugar para todo. Me encanta experimentar y probar cosas nuevas, sobre todo cuando viajo, pero como un buen arroz en Castellón o la comida tradicional de una madre, no hay nada.
¿En qué o en quién piensas cuando por n te metes en la cama y cierras los ojos?
En mi familia y en dar las gracias por todo lo que tengo, sobre todo por la salud.
Me gusta evolucionar constantemente. Creo que hay canciones que serán imposibles de recrear, pero aun así me gusta que la música siga evolucionando.
¿Tu mejor producción está por venir?
He conseguido cosas increíbles con algunos de mis tracks, pero me gusta mantener la ilusión de que lo mejor está por llegar.
CONOCIENDO MÁS A... LINDA LENOR
¿Te sueles despertar de buen humor... aunque sea ya por la tarde?
Intento despertarme siempre de buen humor y con música, porque creo que la energía con la que empiezas el día in uye en todo lo que viene después. Mi hijo y yo procuramos comenzar el día agradeciendo a Dios por todo lo que tenemos.
¿Cuál es tu momento favorito del día... y de la noche?
Mimomentofavoritodeldíaescuandosaleelsolydesayuno con mi hijo. De la noche me encantan su oscuridad, su energíaylaformaenquelaspersonasbuscanexperiencias, conexión y salir de su zona de confort.
Cuando no estás de bolo, ¿qué te gusta hacer? ¿Eres más de deporte o de peli con palomitas?
Cuando no estoy trabajando hay dos cosas que disfruto muchísimo: escuchar música nueva y pasar tiempo con mi hijo. Nos encanta salir a parques de atracciones, caminar y compartir tiempo juntos.
¿Eresmásdecocinatradicionalodeplatosdevanguardia?
Me encantan los platos de vanguardia y probar sabores nuevos. Siempre estoy buscando experiencias diferentes porque creo que la creatividad también se expresa a través de la gastronomía.
¿En qué o quién piensas cuando por n te metes en la cama y cierras los ojos?
Pienso en Dios. Le doy gracias por mi hijo, por mi familia y por todo lo que estoy logrando y construyendo en esta etapa de mi vida.
¿Cuál es tu primer recuerdo musical?
Mi papá me ponía a grabar música en CDs cuando era niña, y yo me tomaba esa tarea muy en serio. En las estas familiares también era la encargada de cambiar los discos y decidir qué sonaba después. Sin darme cuenta, ahí empezó mi relación con la música.
¿Qué track ajeno te habría gustado haber producido?
Cure My Desire (Club 128). Tiene una emoción, una elegancia y una identidad artística con las que conecto profundamente.
¿Cualquier tiempo pasado fue mejor, o para nada?
Siempre se dice que antes todo era mejor, pero yo creo que todo evoluciona. La música, las personas y la vida están en constante transformación. Cada etapa tiene algo bueno que aportar.
¿Tu mejor producción está por venir?
Creo que ya existe. Se publicará en los primeros días de julio de 2026 y, hasta ahora, es la producción más especial que he creado. Representa una nueva etapa en mi camino artístico.
ESPECIAL FESTIVALES
NUESTRASELECCIÓN EXCLUSIVA DE LOS MEJORES DEL AÑO
ESPAÑATIENEGRANDESFESTIVALESDEELECTRÓNICAY,CADA VEZ MÁS, LA GENTE DE FUERA ES LA QUE VIENE A DISFRUTAR DE LA MEJOR MÚSICA QUE HAY EN NUESTRO PAÍS DONDE LA ESCENA ELECTRÓNICA VIVE UNO DE SUS MEJORES MOMENTOS. PERO FUERA DE NUESTRAS FRONTERAS LA COSA NO SE QUEDA ATRÁS. FESTIVALES QUE LLEVAN DÉCADAS ESCRIBIENDO LA HISTORIA DE LA MÚSICA, OTROS QUE HAN IRRUMPIDO CON UNA FUERZA ARROLLADORA, Y ALGUNOS QUE SIMPLEMENTE NO TIENEN COMPARACIÓN POSIBLE. PARA NOSOTROS, ESTE ES NUESTRO TOP 10 DE FESTIVALES QUE NO TE PUEDES PERDER BAJO NINGÚN CONCEPTO EN ESTE AÑO TAN PROMETEDOR.
RIT/MO
El festival RIT/MO regresa en 2026 manteniendo intacta la esencia que lo ha convertido en uno de los eventos más queridos del circuito alternativo español. Celebrado en un entorno único a solo 15 minutos de Granada pero rodeado de naturaleza, este evento boutique sigue apostando por lo mismo que siempre: aforo reducido y una selección de artistas que no tiene nada que envidiar a festivales diez veces más grandes. Una propuesta para quienes saben que la calidad y el entorno importan tanto como el cartel.
NEXUS
Nexus llega a su quinta edición siendo ya el mayor festival de música hard de España, y este año ha guardado el anuncio que toda la comunidad llevaba años esperando: el regreso de Project One. El dúo más icónico de la historia del hardstyle vuelve a los escenarios y lo hace en exclusiva para Nexus, en lo que será uno de los momentos más emotivos del año en cualquier festival nacional. El cartel se completa con el Sunset Journey Set de Brennan Heart, los shows conceptuales de Devin Wild con Among the Noise y Sub Zero Project con Our World, y la energía inagotable de Showtek con su Showtempo. Fabrik sabe perfectamente lo que hace.
SÓNAR
En su 33ª edición, Sónar hace algo que nadie esperaba: uni ca por primera vez toda su programación, diurna y nocturna, en un único recinto durante tres días consecutivos, borrando de nitivamente la frontera entre el Sónar de Día y el de Noche. El cartel es, como siempre, de alto nivel: The Prodigy encabezan la propuesta con su primer show en Barcelona en años, acompañados de Charlotte de Witte, Amelie Lens, Marcel Dettmann, Boys Noize o Dom Dolla, entre más de 60 con rmados. El momento más especial del festival lo protagonizará Speedy J con su proyecto 360º STOOR, improvisando durante las tres jornadas con invitados distintos cada noche en SonarCar, y el b2b de Goldie y Doc Scott con Medic MC que ningún amante del drum and bass debería perderse.
Paraje Natural de la Ermita de los Tres Juanes, Atarfe (Granada)
Fira Gran Via, Barcelona
FABRIK, Madrid
WEEKEND BEACH FESTIVAL
El festival malagueño celebra su 11ª edición con los pies en la arena y el mar de fondo, y este año el cartel es de los más amplios y diversos que se recuerdan. Boris Brejcha, Dellafuente, Myke Towers, Ana Mena o Mago de Oz comparten espacio en una propuesta que siempre ha sabido que la electrónica y el directo no tienen por qué estar reñidos. Tres días en la Costa del Sol donde la música llega de todos los frentes.
A SUMMER STORY
El festival que abre el verano madrileño repite fórmula con dos días que mezclan lo mejor de la escena trance, techno, EDM y hard bajo el mismo cielo. El plato fuerte de esta edición es David Guetta con su Special Monolith Show, un espectáculo audiovisual de primer nivel que ya ha dejado boquiabiertos a públicos de medio mundo. Una cita imprescindible para arrancar junio con todo.
MONEGROS DESERT FESTIVAL
El Monegros Desert Festival celebra su 33ª edición el 25 de julio con más de 120 artistas repartidos en 12 escenarios y 22 horas ininterrumpidas de música en el desierto aragonés. Richie Hawtin, Amelie Lens, Paco Osuna, Marco Faraone, Manda Moor y Chelina Manuhutu encabezan un cartel que, como siempre, equilibra leyendas absolutas con los nombres que están marcando el presente de la escena. Tres sold outs consecutivos avalan que conseguir una entrada sigue siendo parte de la experiencia. Monegros no es un festival; es otra cosa.
Ciudad del Rock, Arganda del Rey (Madrid)
Playa de Poniente, Torre del Mar (Vélez-Málaga)
Fraga (Huesca)
Dreambeach estrena nueva etapa en la Costa delSolcondosjornadasmuybiendiferenciadas.
El viernes 31 es territorio de Eric Prydz, con Sasha b2b John Digweed y Nico Moreno como grandes acompañantes, mientras que el sábado 1 de agosto llega lo que muchos están esperando: David Guetta y su Special Monolith Show tomando el Mainstage. El cartel se completa con Andrés Campo, Hedex b2b Bou, Kanine b2b Andromedik o Lady Waks b2b Stanton Warriors, cubriendo todo el espectro desde el techno hasta el bass y el breakbeat. Nueva ciudad, misma ambición.
Dreambeach
Medusa Festival
El festival de electrónica más grande de España llega a su 12ª edición con 130 artistas con rmados y las cifras de siempre: decenas de miles de personas en la playa, noches que no terminan y un cartel que no deja indiferente a nadie. Carl Cox, Marco Carola, Miss Monique, James Hype, Mau P y Hugel encabezan una programación que cubre todos los géneros de la electrónica en varios escenarios simultáneos. Si alguna vez has estado en Medusa, ya sabes que Cullera durante cinco días en agosto se convierte en algo difícil de explicar a quien no lo ha vivido.
Vélez-Málaga (Málaga)
Playa de Cullera (Valencia)
AQUASELLA
La 29ª edición de Aquasella llega con el cartel ya cerrado: 105 artistas durante cuatro días en el corazón de Asturias, con Robert Hood como uno de los grandes reclamos de esta edición. El fundador de Underground Resistance debuta en el festival junto a nombres como Chlär, Silvie Loto, JakoJako Live, AEREA Live o Fadi Mohem Live, todos debutando también en el prau. Aquasella sigue siendo el único festival donde el techno más puro suena rodeado de naturaleza asturiana a las cuatro de la mañana, y eso no tiene precio.
Time Warp regresa a Madrid para su tercera edición española con lo que ya se está llamando el cartel más ambicioso de su historia en nuestro país. Sven Väth es el nombre que encabeza la propuesta, gura inseparable del ADN del festival desde sus orígenes en Mannheim, y a su lado Adriatique llega con un b2b que promete ser uno de los grandes momentos del otoño electrónico. Dos pabellones de IFEMA interconectados, dos noches seguidas de techno sin concesiones y una producción que ya en ediciones anteriores dejó claro que Time Warp no viene a España a hacer turismo.
Warp
Arriondas / Cangas de Onís (Asturias)
IFEMA Madrid
Kappa FuturFestival
Hay festivales que cuidan el cartel, y luego está Kappa. Su 13ª edición convierte el antiguo recinto industrial de Parco Dora en el lugar más envidiado del planeta durante tres días, con más de 150 artistas y un line-up que ya ha pasado a la historia antes de empezar. El b2b de Jamie Jones, Joseph Capriati y Seth Troxler en una sola noche ya justi ca el viaje, pero es que además llegan Solomun, Peggy Gou, Disclosure en DJ set, Richie Hawtin, Sven Väth, Floating Points b2b Palms Trax y la joya de la corona: Four Tet b2b Skrillex, una colaboración que nadie esperaba y que Kappa se ha llevado en exclusiva. Con fuerte presencia española, también pasarán por Parco Dora Paco Osuna b2b Nicole Moudaber, John Talabot y Wade. Turín en julio es una obligación.
TOMORROWLAND
Tomorrowland no necesita presentación, pero lo que tiene esta edición sí merece atención. Calvin Harris debuta por n en el festival más grande del mundo, algo que la comunidad llevaba años pidiendo. Martin Garrix, David Guetta, Hardwell, Dimitri Vegas & Like Mike, Fisher o Sara Landry completan un mainstage de dimensiones épicas, mientras que 16 escenarios y más de 500 artistas hacen de Boom durante dos nes de semana algo que, nos guste admitirlo o no, sigue siendo único. El festival que inventó la manera de hacer festivales.
EXIT FESTIVAL
Pocos escenarios en el mundo tienen la magia del Exit. Una fortaleza del siglo XVII sobre el Danubio, decenas de escenarios escondidos entre sus murallas y una programación que mezcla electrónica, rock y cultura con una naturalidad que muy pocos festivales han sabido lograr. La edición de 2026 llega con las fechas con rmadas y un cartel que se va desvelando poco a poco, pero la historia del Exit garantiza que lo que venga estará a la altura. Para quien quiere combinar festival con aventura, Novi Sad es una de esas ciudades que atrapan desde el primer momento.
Parco Dora, Turín (Italia)
Fortaleza de Petrovaradin, Novi Sad (Serbia)
De Schorre, Boom (Bélgica)
MELT FESTIVAL
El Melt lleva décadas siendo uno de los secretos mejor guardados de Europa, y cada año que pasa hay menos gente que pueda llamarlo secreto. Celebrado en Ferropolis, la llamada Ciudad de Hierro, un recinto industrial abandonado con excavadoras gigantes como telón de fondo, este festival alemán tiene una identidad visual y sonora que no se parece a nada. Electrónica, indie y todo lo que vive entre medias conviven en un ambiente que mezcla a la perfección el rigor germano con algo inesperadamente íntimo. Para quien quiere descubrir algo diferente sin renunciar a la calidad.
Awakenings Festival
Awakenings es, sin discusión, el festival de techno más importante de los Países Bajos y uno de los más respetados de Europa. Su edición de 2026 en Hilvarenbeek ya tiene el cartel cerrado y, según quienes lo han visto, estamos ante una de las ediciones más sólidas y completas de su historia. Tres días de techno puro, sin concesiones, en un entorno al aire libre que lleva años siendo el lugar de peregrinación de los más devotos del sonido de Berlín y Ámsterdam. Si vas a Decibel, queda a un paso.
Ferropolis, Gräfenhainichen (Alemania)
Hilvarenbeek (Países Bajos)
Si Nexus es el rey del hard en España, Decibel Outdoor es su equivalente europeo, multiplicado por diez. 100.000 asistentes, más de 300 artistas, másde20escenariosytresdíasenelcorazóndela naturaleza holandesa para quienes saben que el hardstyle, el hardcore, el rawstyle y sus derivados merecen un festival a su altura. La Ciudad más Ruidosa del Mundo, como ellos mismos se denominan, vuelve a Beekse Bergen con la misma promesa de siempre: que el volumen y la emoción son inseparables. Para los que disfrutan de Nexus en casa, Decibel es el siguiente paso obligatorio.
DECIBEL OUTDOOR
Amsterdam Dance Event
El Amsterdam Dance Event (ADE) es más que un festival. En su 30º aniversario, Ámsterdam se convierte en la capital mundial de la música electrónica durante cinco días. Más de 400.000 personas de todo el mundo asisten a centenares de eventos en clubs, salas, almacenes, barcos, museos y espacios únicos. La agenda incluye conferencias y charlas con la industria musical. El ADE no tiene recinto, escenario central ni cartel uni cado; la ciudad entera funciona como un organismo vivo. El Amsterdam Dance Event Conference reúne a productores, sellos, agencias, marcas y periodistas en el Centro de Convenciones para hablar del presente y futuro de la electrónica. Sesiones con artistas de primer nivel, debates sobre la inteligencia arti cial en la producción musical, talleres, presentaciones de nuevas tecnologías y networking intenso. Para quienes trabajan o quieren trabajar en la industria, la semana del ADE en Ámsterdam es más importante que cualquier máster.
Beekse Bergen, Hilvarenbeek (Países Bajos)
Ámsterdam (Países Bajos)
PRINCIPLEASURE
“DESPUÉS DE 20 AÑOS PRODUCIENDO MÚSICA SIGO TENIENDO QUE RECORDARME QUENODEBODEJARMEINFLUENCIARPORLA INDUSTRIAMUSICAL”
Tras cuatro años de desarrollo, reinicios y una búsqueda constante de perfección, Principleasure presenta III, un álbum que transita entre el electro, el indie dance, el house melódico y las influencias EBM sin quedar atrapado en ninguna etiqueta concreta. Hablamos con el productor afincado en Los Ángeles sobre tecnología, identidad, obsesión creativa y el largo camino que le ha llevado hasta este nuevo trabajo.
“III” llega casi cuatro años después de que empezaras a darle forma, y se siente como un disco construido con tiempo, presión y un sentido muy personal de la arquitectura sonora. Mirando atrás a tus álbumes anteriores, especialmente al impacto de “I”, ¿cómo sientes que ha cambiado tu lenguaje a lo largo de estos tres capítulos? ¿Fue “III” una continuación de aquella identidad inicial o necesitaste desmontar parte de tu propio sonido para avanzar?
En realidad probé muchísimas cosas. Paré y reinicié todo el proceso quizá cuatro veces. No fue una trayectoria lineal y, al nal, acabé encontrando que las cosas que funcionaron en los otros dos discos funcionaban perfectamente para este. Es decir, encender los sintetizadores y apagar cualquier cosa que estuviera ocurriendo musicalmente en el mundo exterior. Después de 20 años produciendo música sigo teniendo que recordarme a mí mismo que no debo dejarme in uenciar demasiado por la industria musical que me rodea.
Te describes como una especie de “backward technologist”, y esa idea parece central en tu universo: sintetizadores vintage, diseño sonoro meticuloso, desarrollo de software, presets para máquinas como la Roland TR-8S y la System-8, y ahora incluso tu propio sintetizador, “Flite”. ¿Cómo afecta la construcción de herramientas, plugins e instrumentos al lado emocional de crear música? ¿Sientes que la tecnología te abre puertas o a veces tienes que luchar contra la máquina para mantener la música humana?
Creoqueambascosas.Sisoysincero,odioabsolutamente lo que se está impulsando con la IA en la música, por ejemplo. Estamos viendo a personas que ni siquiera son músicos, ejecutivos tecnológicos sin ningún conocimiento o interés por los matices de la producción musical, diciéndoles a los músicos cómo y qué deben crear. Por otro lado, mi interés por la tecnología musical, y especialmente por la creación de mi propio sintetizador, me hace apreciar hasta dónde puede llevar la tecnología el diseño sonoro. Particularmente al crear presets para Flite que yo mismo utilicé en el álbum. Así que hay un poco de ambas cosas. En este disco aprendí a desprenderme un poco de esa “estética analógica”. Se ha convertido en un cliché, esa imagen de Instagram del tipo en el estudio pulsando play en un montón de máquinas antiguas, aunque yo mismo lo haga bastante (risas). Por eso gran parte del disco la hice completamente dentro del ordenador, utilizando Cubase y plugins VST. Ver hasta dónde han llegado los plugins es algo fenomenal. Dejando completamente de lado la IA, hoy en día hay su ciente tecnología dentro de un DAW moderno como para crear auténticas locuras futuristas.
Tu trayectoria es especialmente compleja: raíces iraníes, una infancia en Irlanda del Norte y ahora una vida establecida en el centro de Los Ángeles. En “III” hay rastros de bandas sonoras, EBM primitivo, techno melódico de los noventa y disco con tintes electro, pero el disco nunca se siente como un ejercicio de nostalgia. ¿Cómo entran todas esas geografías y memorias sonoras en el estudio? ¿Son referencias conscientes o aparecen más bien como fantasmas dentro de las máquinas?
Sí, todo está ahí. Cada lugar en el que he vivido y cada identidad que he asumido a partir de esas experiencias acaba transformándose en un sonido o en un género especí co.
LaIrlandadelNortedelosnoventaestabaprofundamente marcada por el techno. Nuestras primeras experiencias en clubes fueron los primeros sets hardcore de Carl Cox y también Dave Clarke pinchando horas de techno puro en una ciudad marcada por el con icto civil. La gente vivía aquello de forma muy intensa. Después me mudé a Londres, cuando Fabric todavía
estaba dando sus primeros pasos, y pude ver cómo ese club cambió la forma de entender el sonido y la programación artística. También viví espacios tan especiales como Plastic People. FinalmentelleguéaLosÁngelesaprincipiosdeladécada de 2010, cuando prácticamente todos los DJs europeos tenían algún tipo de presencia allí. Antes del boom del EDM era un lugar increíblemente emocionante. Ha sido un auténtico privilegio estar en primera línea de todas esas escenas. Cuánto de todo eso termina re ejándose en mi trabajo no lo sé exactamente, pero nunca he sido capaz de quedarme en un único género. Qué aburrido sería eso.
El álbum se abre con dos colaboraciones junto a Nur Nur, “Storung” y “Belong”, que funcionan como una puerta de entrada emocional y vocal antes de adentrarse en territorios más instrumentales. ¿Qué te llevó a elegir a Nur Nur como la voz de este proyecto?
Cuando trabajas con cantantes, ¿tratas la voz como un instrumento narrativo, una textura o una interrupción humana dentro de tu sistema electrónico?
AdoroaPablo,Nur-Nur.Nosconocemosdesdehacemás de quince años y tiene una pasión muy poco común por el verdadero arte.
Sus letras y su voz encajaban perfectamente. Además, es increíblemente directo trabajando. Si algo es una mierda, te lo dirá directamente (risas).
También trabaja muchísimo. Puede entregarte algo en cuestión de días y no te dejará tranquilo hasta que realmente le hayas dedicado la atención que merece “III” se mueve entre el electro, el indie dance, el deep house y el house melódico sin quedar atrapado por ningún género concreto. Temas como “System 100”, “Chrome Loop”, “Ahvaz” u “Opcode” sugieren una relación muy precisa entre máquinas, memoria y movimiento. ¿Qué querías que experimentara el oyente a lo largo del álbum completo, desde los primeros momentos vocales hasta la atmósfera nal de “In Light of it All”? Y después de pasar cuatro años dentro de este disco, ¿qué te enseñó “III” sobre la paciencia, el control y la capacidad de soltar?
Otroclichémás,peroparamíunálbumtienequesentirse como una historia. Está diseñado para escucharse de principio a n. Por eso se mueve tanto entre géneros. “III” de nitivamente me enseñó paciencia (risas). Hubo muchísimas veces en las que pensé que estaba completamente terminado. Hasta el punto de haber pagado incluso la masterización de algún tema con la intención de lanzarlo como single, para una semana después descartarlo por completo tras escucharlo en el coche o en otro sistema de sonido.
Era una especie de TOC muy particular y bastante horrible de vivir. Imagina pasar de pensar que algo es lo mejor que has hecho en tu vida a creer una semana después que es una auténtica basura.
Así que diría que primero aprendí paciencia, después control y nalmente a dejar ir las cosas. Fueron lecciones importantes. Y creo que, en el fondo, todo ocurrió por una razón poco egoísta: el placer del oyente.
Espero que el álbum sea bien recibido. Eso es todo lo que quiero.
EWAN MCVICAR
CONSTRUYENDO SU PROPIO CAMINO
De Ayr a Hï Ibiza, el artista escocés sigue redefiniendo el éxito bajo sus propias reglas.
“Ser elaunomismorequierevalentía”
A menudo has dicho que nunca encajaste realmente en el camino tradicional de la música electrónica. Mirando atrás, ¿hasta qué punto ha sido importante crear tu propio camino en lugar de intentar encajar en el de otros?
Creo que hoy en día sigue siendo importante en mi carrera no seguiruncaminotradicional.Aunqueesosigni caquelagente no puede encasillarme en un solo género, me encanta poder hacer la música que me apetece en cada momento y que, cuando actúo, nunca se sepa exactamente qué esperar. Creo (o espero) que eso mantiene las cosas frescas tanto para mí como para el público. A veces es complicado porque desearía poder elegir un solo género y perfeccionarlo al máximo, pero mi mente no funciona así; me aburriría muy rápido.
TEN se convirtió en mucho más que una noche de club en Ayr; ayudó a introducir a una nueva generación en la música electrónica underground. ¿Cuándo te diste cuenta de que lo que estabas construyendo era un movimiento y no solo una esta?
TEN era una noche de club combinada con afterparties ilegales. Íbamos cambiando de local y luego terminábamos pinchando en un bosque; siguen siendo algunos de los recuerdos más valiosos que tengo. El nombre surgió porque el número 10 ha sido una constante en mi vida, así que desde el principio no era simplemente “otra esta más”, siempre signi có algo más. Llegamos a aparecer en la prensa local porque nuestro colectivo estaba llevando los límites de una ciudad de 47.000 habitantes como Ayr un poco más allá. Ahora tengo la “TEN Tent” en mi festival Pavilion, en Ayr, y los residentes de aquellas estas pueden actuar a nivel de festival y mostrar el enorme talento que hay en mi ciudad natal.
Tu ascenso ha sido inusualmente orgánico. En una época en la que la imagen y los algoritmos suelen impulsar las carreras, ¿cómo has conseguido mantenerte el a ti mismo mientras llegabas a una audiencia tan masiva?
Ser el a uno mismo requiere valentía. Si tienes el coraje de ser quien eres, eso acaba re ejándose en tu creatividad. Se nota en mis sets cuando asumo riesgos, hago algo inesperado, lanzo un tema en Phantasy a 110 BPM y luego produzco un track de trance a 144 BPM con DART. Todo eso ocurre porque soy el a mí mismo y porque no pongo límites a mi creatividad. En cuanto a llegar a una audiencia tan grande, yo vengo de la escena underground de Glasgow. Sub Club es mi club favorito del mundo y, viniendo de ahí, fue difícil enfrentarme tan pronto a una audiencia masiva. Me costó mucho porque lo único que quería era ser DJ de club o residente de Sub Club, pero el crecimiento hizo que mucha gente se quedara sin entradas. Después de cinco años a este nivel, he decidido que es el momento adecuado para apostar de verdad por los grandes shows y recintos, aunque sin dejar de tocar en clubes más pequeños para sentirme realizado. Nada de esto habría pasado si no hubiera sido el a mí mismo.
“Tell Me Something Good” lo cambió todo. Cinco años después, ¿qué representa hoy ese tema dentro de tu historia?
“Tell Me Something Good” fue la llave que me abrió esta vida. Me permitió intentar dejar mi huella en la música de verdad. Tengo una relación de amor y odio con ese tema, pero ahora mismo, en este momento, ¡me vuelve a encantar, joder! (risas).
Club Knuckles suele describirse más como una extensión de tu identidad musical que como una marca tradicional. ¿Cuál era la visión original detrás del proyecto y cómo ha evolucionado desde su lanzamiento?
Club Knuckles nació como una vía para ser yo mismo y poder publicar música cuando los sellos tardaban demasiado. Lanzar la música cuando quiero me da una libertad creativa total. Después llegaron las estas, y se convirtió en una oportunidad para mostrar exactamente a los artistas que conozco y admiro. Si miras el cartel de mi residencia en la Club Room de Hï, queda muy claro qué me gusta y cuál es la esencia de la esta.
Los carteles de Club Knuckles están construidos en torno a artistas y discos que realmente te han in uido. En una escena cada vez más centrada en los grandes nombres y el impacto en redes sociales, ¿qué importancia tiene para ti la curaduría musical?
Es muy importante. Lo hago tanto en mi festival como en Hï. Es un trabajo muy meticuloso y cuidadosamente pensado. Estoy muy orgulloso de este cartel y muy agradecido a Hï por permitirme hacer algo diferente; se han portado genial. La curaduríamusical,sisehacecorrectamente,puedemantener la escena viva y renovada.
Este verano tomarás el control de la Club Room de Hï Ibiza durante 23 viernes consecutivos. ¿Qué signi ca para ti conseguir tu primera residencia de temporada completa en Ibiza en este momento de tu carrera?
Creo que era el momento perfecto para dar este paso. Es la primera vez desde 2016 que estaré cada semana en el mismo club. Mostrar música, crear carteles únicos y diferentes… por eso me dediqué a esto.
Muchos artistas adaptan su sonido a Ibiza. ¿Sientes presión por cambiar lo que haces para la isla o el reto consiste precisamente en llevar la losofía de Club Knuckles a ese entorno tal y como es?
Un poco de ambas cosas. Siempre hay que leer al público que tienes delante. Hay que entender cómo se ha construido la noche y mantener la energía en el momento adecuado. Nunca comprometo mi sonido porque trabajo con la energía, nocongéneros,mientrassigodesarrollandoesesonidoúnico de Club Knuckles. Todo vale.
Existe un contraste interesante entre Club Knuckles y Party People Live. Uno está arraigado en la cultura de club y la comunidad; el otro es un gran espectáculo en directo. ¿Qué facetas diferentes de Ewan McVicar te permiten expresar estos dos conceptos?
Club Knuckles es bajar la cabeza y sumergirse en el underground, escuchar música que probablemente nunca has oído antes y encontrarte alguna sorpresa inesperada. Party People, en cambio, son grandes arenas y música para grandes espacios. Ambos conceptos me permiten demostrar mi conocimiento de formas distintas.
“Lanzar la música cuando quiero me daunalibertadcreativatotal”
Agotar las entradas para dos noches consecutivas en el 3Arena de Dublín fue toda una declaración de intenciones. ¿Esa experiencia cambió tu forma de pensar sobre el futuro de tus espectáculos en directo?
Sin duda. Fue un momento clave para mí y de cada actuación salgo con nuevas ideas que quiero poner en práctica la próxima vez. El equipo que tenemos en la gira es increíble y se adapta a todas mis peticiones, por locas que sean.
Pavilion Festival tiene un componente muy personal porque se celebra en tu ciudad natal, Ayr. ¿Qué signi ca para ti llevar artistas como Carl Cox, Left eld u Optimo a la comunidad que te formó?
Si me hubieran dicho hace años que iba a traer a estos artistas a mi ciudad natal, una localidad de apenas 47.000 habitantes, habría pensado que estaban locos. Pero lo estamos haciendo, ya lo hemos hecho, y cada año se siente más especial. Sinceramente, está mucho más allá de mis sueños más salvajes.
está haciendo bien la cultura de club actual y qué corre el riesgo de perder?
Creo que la cultura de club actual está logrando mostrar lo especial que puede llegar a ser la música para las personas. Sin embargo, cada vez están cerrando más clubes. El aumento de los cachés de los artistas y el hecho de que algunos DJs entren en la música únicamente por bene cio personal está perjudicando seriamente a la cultura. Hay que dejar los egos a un lado, hacer las cosas por las razones correctasysermásproactivosenlaformadecolaborar con los clubes. En mi opinión, eso ayudaría poco a poco a que la escena vuelva a prosperar.
Has dejado entrever nueva música, incluidas colaboraciones con Jasper James y material para Gudu Records. ¿Qué pueden esperar los fans de este próximo capítulo a nivel sonoro?
Como siempre, no sigo tendencias. Este nuevo capítulo vuelve a ser una forma de demostrar mis conocimientos y de mostrar que puedo hacer música para todo tipo de situaciones y contextos.
Estás a punto de pasar todo un verano en el club númerounodelmundomientrassiguesexpandiendo Club Knuckles, Party People Live y tus ambiciones con el festival. Cuando la gente mire atrás y recuerde 2026, ¿qué te gustaría que dijeran que fue el logro de nitorio de este año para Ewan McVicar?
Espero que digan que fue el año en el que volví a romper barreras y a empujar los límites. He tenido problemas de agotamiento después de girar de forma tan intensa durante los últimos cinco años. Perdí muchacon anzaymotivación,ylleguéapreguntarme para qué estaba haciendo todo esto. Cuando falleció Jackmaster, me hice esa pregunta muchas veces, porque era alguien a quien siempre admiré como artista. Me afectó mucho más de lo que imaginaba, ya que para mí era uno de los últimos grandes referentes de calidad que quedaban en la escena. Este año estoy intentando volver a un nivel muy alto de creatividad y productividad, y hacerlo por las razones correctas. Es mi regreso.
¿Qué es lo que más esperas de este verano durante tu residencia en Hï Ibiza y qué te gustaría que la gente se llevara de esas noches?
Espero conseguir que la gente vuelva a ir a los clubes con la mente abierta y que entienda que no hace falta conocer cada canción que suena para vivir una experienciaquetecambielavidaenunapistadebaile.
“Creo que la cultura de club actual está logrando mostrar lo especial que puede llegar a ser la música para las personas”
DA NIGHT
HOUSE CON MEMORIA, GROOVE ENTRE DOS
Loshermanosfrancesespresentan“SearchingForLove”juntoaDJDovedentro del IMS Sampler 2026 de Jackies Music Records, el sello barcelonés que sigue defendiendo una lectura clásica, física y contemporánea de la cultura house.
Da Night, dúo de hermanos gemelos de Burdeos, destaca en la house, tech house y minimal por su enfoque estratégico y su arquitectura compartida: tensión, groove, espacio y liberación. Con el apoyo de MK, Mark Knight, Franky Rizardo y Don Diablo, y tras años de trabajo independiente, llegan a Jackies Music Records con “Searching For Love”, colaboración con DJ Dove incluida en el IMS Sampler 2026. Este tema, con influencias disco y French Touch, se adapta al club actual sin nostalgia. Hablamos con ellos sobre la gemelaridad como lenguaje artístico, la importancia de su identidad, el papel de Jackies Music en la escena house europea y el futuro de Da Night tras IMS 2026.
Texto:ViciousMagazine
Crecer y crear música como hermanos gemelos tiene algo muy particular. ¿Cómo ha moldeado esa conexión la identidad de Da Night y de qué manera se traduce ese vínculo instintivo en la tensión, el groove y la liberación que de nen vuestros sets?
Crecer juntos es haber compartido exactamente el mismo punto de partida, los mismos sonidos en la misma habitación, las mismas emociones frente a la misma música, en el mismo instante. Esa sincronicidad no se aprende. Simplemente está ahí.
Pero la gemelaridad es también dos individuos plenos. No somos el espejo del otro; tenemos nuestros propios caracteres, nuestras referencias, nuestros ángulos de ataque frente a la música. Donde uno busca la tensión, la ruptura, el lo, el otro excava instintivamente el groove, el espacio, la respiración.
No es una oposición, es una arquitectura. Y son precisamente esas diferencias las que construyen la identidad de Da Night.
En un set, esa arquitectura cobra vida. Leemos la pista de baile, pero también nos leemos el uno al otro, simultáneamente, sin palabras. Esa doble lectura crea algo que un artista en solitario no puede reproducir: una tensión construida entre dos, un groove dosi cado entre dos, una liberación que se suelta en el mismo instante.
Vuestra nueva colaboración con DJ Dove, “Searching For Love”, llega dentro del IMS Sampler 2026 de Jackies Music Records, justo cuando Ibiza empieza a marcar el tono del verano. ¿Qué hacía de este track una declaración adecuada para ese contexto y qué queríais comunicar tanto en lo emocional como en la pista?
El IMS es exactamente el lugar indicado para este track: un espacio donde la música electrónica se piensa tanto como se siente, donde la diversidad de in uencias se convierteenunafortaleza.LacompilaciónJackiesre eja eso: varios universos que coexisten, como Ibiza al inicio de temporada, y nuestro track Searching For Love se inscribe naturalmente en esa lógica.
La colaboración nació de un sample disco. Queríamos rendir homenaje al French Touch, retomar sus códigos de construcción en la parte de sintetizadores, esa manera de tratar la materia sonora que tiene una identidad genuina. Pero no queríamos hacer nostalgia: reorganizamos, densi camos, hicimos el track más club, más actual.
DaNightaportóesaenergíadance ooryDJDovetrajosu toque house, más profundo, más orgánico. El resultado es la fusión de dos mundos, y eso es exactamente la house music en su esencia.
El mensaje fue simple desde el principio: alegría, comunión, amor. Ibiza siempre ha sido ese lugar donde la gente se reúne alrededor de una sola pasión común. Searching For Love se inscribe en eso. Un track que celebra lo más universal del dance oor: esa capacidad de borrar todo lo demás y dejar únicamente lo esencial.
Habéis construido vuestro sonido entre house, tech house y minimal, y al mismo tiempo habéis recibido apoyo de artistas como MK, Mark Knight, Franky Rizardo o Don Diablo. En una escena que a menudo premia las fórmulas inmediatas, ¿cómo protegéis vuestra identidad musical sin perder esa funcionalidad de club que hace viajar un disco?
Nunca partimos de una tendencia. Partimos de una intención sonora y la llevamos hacia el dance oor. En ese orden, no al revés.
Proteger nuestra identidad es bastante simple: si uno de los dos no lo cree, no sale. Ese ltro gemelar, la mayoría de los artistas en solitario no lo tienen. No hay ego individual que se imponga por la fuerza; los dos tienen que estar convencidos. Es una forma de exigencia integrada.
Hemos atravesado la house, la tech house, el minimal, no para seguir los ciclos de la escena, sino porque cada
género nos enseñó algo. Una manera de construir la tensión, de colocar un break, de hacer respirar un track. Esa riqueza está en cada producción sin necesidad de exhibirla.
Cuando MK, Mark Knight o Franky Rizardo respaldan un track, lo tomamos como una validación, no como una direcciónaseguir.Noesunabrújula,esunacon rmación de que estamos en el buen camino. Y en el fondo, el mejor argumento contra las fórmulas instantáneas es la duración. Ocho años de coherencia en una escena que cambia rápidamente no se explican por el oportunismo. Se explican por una convicción que hemos mantenido desde el principio.
Jackies Music lleva tiempo asociado a una sensibilidad house clásica pero orientada hacia el futuro, nacida desde Barcelona. ¿Qué os atrajo del sello y cómo sentís que “Searching For Love” encaja en esa conversación entre la cultura house atemporal y el club europeo actual?
Compartimos la misma losofía sobre lo que debe ser la house: una música con memoria, con dirección y con exigencia. No un producto calibrado para un algoritmo. Una visión artística compartida, construida a largo plazo. Searching For Love se inscribe naturalmente en el ADN de Jackies. El sample disco, la construcción inspirada en el French Touch, los 128 BPM funcionales: es un track que evoca la herencia y la vuelve a poner en movimiento. Los clubs europeos oscilan hoy entre la nostalgia y la búsqueda de una energía nueva. Searching For Love juega con ese equilibrio: una base emocional familiar, pero un tratamiento pensado para los sistemas actuales, más directo, más físico.
La idea no es revisitar el pasado, sino prolongar un lenguaje. Crear un vínculo entre lo que la house siempre ha sido y lo que debe convertirse en el club de hoy.
Desde Burdeos hasta la radio, los sellos, los clubs y la prensa internacional, vuestro proyecto ha crecido con consistencia más que con ruido. Al llegar a Vicious Magazine, ¿qué deberían entender hoy los lectores sobreDaNightmásalládelascifrasyloslanzamientos? ¿Y hacia dónde os lleva este nuevo capítulo después del IMS 2026?
Lo que las cifras no muestran es la disciplina. Ocho años de lanzamientos, rmas en sellos que importan, un programa de radio, Sweek Records que construimos desde cero en 2018: nada de esto se logró conatajosnicongolpesdesuerte.Loconstruimosdesde Burdeos, lejos de las capitales, con una sola convicción: que la música debe ser lo su cientemente fuerte para viajar por sí sola. Esa es nuestra losofía desde el principio.
Lo que quisiéramos que los lectores de Vicious comprendan sobre Da Night es que no somos un proyecto construido alrededor de un momento. Somos un proyecto construido alrededor de una identidad: la de dos hermanos que eligieron hacer de su complicidad una fortaleza artística.
Tras el IMS 2026, la prioridad es clara: consolidar lo que estamos llegando a ser. El sonido evoluciona, el sello gana fuerza, las conexiones se construyen. No buscamos el golpe de efecto, construimos a largo plazo.
La gemelaridad, el sonido, el sello. Es una sola y misma historia. Y este capítulo apenas comienza.
CASTION
CON MÁS DE 80 PRODUCCIONES PUBLICADAS Y LANZAMIENTOS EN ALGUNOS DE LOS SELLOS MÁS DESTACADOS DE LA ESCENA ELECTRÓNICA, CASTION SE HA CONSOLIDADO COMO UNO DE LOS NOMBRES EMERGENTES DEL HOUSE Y EL TECH HOUSE NACIONAL. HABLAMOS CON ÉL SOBRE SU EVOLUCIÓN ARTÍSTICA, SU COLABORACIÓN CON NICOLE MOUDABER Y LOS PRÓXIMOS RETOS DE SU CARRERA.
Texto: Vicious Magazine
Comenzaste a producir música con tan solo 14 años. Mirando hacia atrás, ¿qué crees que sigue intacto de aquel joven productor en el Castion de hoy y qué ha cambiado por completo?
Sin duda, la ilusión, la pasión y el amor por la música son cosas que se han mantenido intactas desde que empecé en este mundo. Da igual si estoy pinchando para miles de personas en un festival o para cincuenta personas en un club pequeño: siempre intento dar el cien por cien de mí para que la gente baile, disfrute y se lleve una experiencia especial.
Lo que sí ha cambiado por completo son mis gustos musicales. Empecé enamorado del EDM, especialmente del Big Room House y el Future House, estilos muy enérgicos y eufóricos que marcaron mis primeros años como productor. Con el tiempo he ido evolucionando hacia un sonido más house y tech house, más maduro, con más groove y enfocado a la pista de baile. Hoy disfruto mucho más creando música que conecte con la gente a través del ritmo y los pequeños detalles.
Has lanzado música en sellos internacionales de gran prestigio. ¿Cómo ha evolucionado tu enfoque creativo a medida que tu música ha llegado a audiencias cada vez más globales?
Ha evolucionado de una forma muy positiva. Con el paso de los años he aprendido a encontrar un equilibrio entre loquemegustaamícomoartistayloquepuedeconectar con el público en general. Antes producía de una forma mucho más impulsiva, guiándome únicamente por mis gustos personales. Hoy sigo siendo el a mi identidad, pero también analizo mejor qué elementos pueden hacer que una canción funcione y llegue a más gente. Esa experiencia me ha permitido desarrollar un criterio mucho más sólido a la hora de terminar mis canciones. Hay ideas que me gustan mucho, pero que quizá no encajan con el momento que estoy viviendo artísticamente o con la dirección que quiero darle a mi proyecto. En ese sentido, diría que actualmente tengo un enfoque más profesional, estratégico y maduro que cuando empecé a lanzar música.
Tu colaboración con Nicole Moudaber marcó un punto de in exión en tu carrera. ¿Qué aprendiste de esa experiencia y cómo in uyó en la dirección artística que has tomado desde entonces?
Totalmente. Para mí fue un antes y un después, tanto a nivel profesional como personal. Trabajar con Nicole fue una experiencia increíble porque pude ver de primera mano cómo alguien con una trayectoria tan consolidada sigue involucrándose al cien por cien en el proceso creativo.
Al principio no fue nada sencillo encontrar la conexión entre ambos, ya que veníamos de estilos bastante diferentes. Sin embargo, decidimos mantener la mente abierta y buscar una forma de combinar nuestras identidades musicales. El resultado fue una fusión brutal entre su lado más oscuro y mi enfoque más groovero, dando vida a un track pensado para esos momentos de máxima intensidad en la pista.
La experiencia me marcó tanto que incluso mandé a hacer una camiseta con la frase When the Groove Meets the Darkness, una forma de representar cómo nuestra colaboración unió mi visión más house y groovy con la intensidad y oscuridad características de Nicole. Para mí fue algo realmente increíble.
Después de actuar en ciudades y escenarios tan diversos, ¿qué elementos buscas transmitir al público independientemente del lugar, el club o el festival en el que te presentes?
Másalládellugarodeltamañodelevento,siemprebusco que la gente pueda desconectar de los problemas del día a día. Vivimos en un mundo lleno de preocupaciones, responsabilidades y estrés, y para mí la música tiene la capacidaddehacerque,aunqueseaduranteunashoras, todo eso desaparezca.
Quiero que mis sets sean una experiencia de liberación, diversión y conexión. Me encanta ver cómo personas que no se conocen terminan cantando, bailando y compartiendoelmismomomentograciasaunacanción.
Musicalmente, intento combinar mi estilo más bailable con vocales reconocibles que te hagan bailar mientras cantas a pleno pulmón. Al nal, mi objetivo es que la gente se vaya a casa con una sonrisa y con la sensación de haber vivido algo especial.
A pesar de tu actual enfoque en el tech house underground, hablas de mantener una esencia emocional y personal en tu música. ¿Cómo encuentras el equilibrio entre la funcionalidad de la pista de baile y la necesidad de expresar algo auténtico como artista?
Paramí,unacosanoexcluyealaotra.Siemprehepensado que una canción puede funcionar perfectamente en la pista de baile y, al mismo tiempo, transmitir algo personal y auténtico. El equilibrio lo encuentro siendo el a lo que siento en cada momento y traduciéndolo a través de la música, tanto cuando estoy produciendo como cuando estoy pinchando.
Muchas veces esa parte emocional no está tanto en la letra, sino en la selección de sonidos, las atmósferas o la energía general del track.
Dependiendo de lo que quiera expresar, puedo inclinarme hacia un sonido más house y luminoso, con melodías y grooves más alegres, o hacia una propuesta más intensa y oscura, con bajos más contundentes y sintetizadores más minimalistas.
Al nal, lo importante para mí es que cada track tenga personalidad.
Evidentemente quiero que mis temas funcionen en la pista de baile, porque es el entorno para el que los creo, pero también necesito sentir que cada uno re eja una parte de mí y del momento que estoy viviendo. Creo que es precisamente esa autenticidad la que permite que una canción conecte de verdad con la gente.
Con más de 80 producciones publicadas, el respaldo de algunos de los DJs más in uyentes de la escena y tu programa mensual en Ibiza Global Radio, ¿cuál es el siguiente reto que te motiva en esta etapa de tu carrera?
Por supuesto, me sigue motivando lanzar música en grandes sellos, actuar en nuevos países y continuar llevando mi música alrededor del mundo. Pero si tengo que hablar de algo que realmente me ilusiona en esta etapa, diría que es construir una marca propia.
Desde hace tiempo estoy desarrollando mi programa de radio, Swing Mode Radio, que se emite a través de Ibiza Global Radio, y poco a poco se ha convertido en mucho más que un espacio donde compartir música. Me gustaría seguir fortaleciendo esa identidad y convertir Swing Mode en una marca con entidad propia.
Uno de mis grandes objetivos a medio plazo es crear mi propiosellodiscográ co,yaseabajoelnombredeSwing Mode o Swing Mode Records, donde pueda lanzar mi música, desarrollar una línea artística de nida y ayudar a nuevos talentos que compartan una visión similar de la música electrónica.
Creo que, después de tantos años aprendiendo de grandessellosyprofesionalesdelaindustria,elsiguiente paso natural es empezar a construir mi propio legado dentro de ella.
Para terminar, ¿qué novedades tienes preparadas para los próximos meses? ¿Hay fechas, proyectos o lanzamientos importantes que puedas adelantarnos de cara a lo que queda de año?
Una de las grandes novedades es mi próximo lanzamiento en HELLBENT.
Para mí supone un logro muy importante, ya que llevaba mucho tiempo siguiendo el trabajo de Cloonee y compartiendo música con su equipo, hasta que nalmente encontramos el track perfecto para encajar en el sello.
Además,tengonuevoslanzamientosyacon rmadoscon Armada Music y Overtones, el sello de Tony Guerra, junto a otros proyectos que todavía no puedo desvelar, pero que, si todo sale como esperamos, podrían representar un paso muy importante en mi carrera.
En cuanto a actuaciones, durante los próximos meses estaré actuando en lugares como Papagayo Tenerife, además de pasar por ciudades como Madrid, Alicante y Valencia. Todo apunta también a que volveré a Ibiza en algún momento de la temporada.
Estoy en una etapa muy emocionante, con mucha música nueva en camino y varios objetivos que llevaba años persiguiendo empezando a hacerse realidad. Así que vamos con todo.
JOSE DÍAZ
CON MÁS DE TRES DÉCADAS DE TRAYECTORIA, JOSE DÍAZ SE HA CONSOLIDADO COMO UNO DE LOS NOMBRES DESTACADOS DE LA ELECTRÓNICA NACIONAL. DJ, PRODUCTOR Y FIGURA CLAVE DE LA ESCENA VALENCIANA Y ACTUALMENTE TAMBIÉN DE LA ALICANTINA, HA PASADO POR SALAS MÍTICAS COMO ESPIRAL, SPOOK O PUZZLE, ADEMÁS DE ACTUAR EN FESTIVALES Y CLUBS DE REFERENCIA DENTRO Y FUERA DE ESPAÑA. HABLAMOS CON ÉL SOBRE SU CARRERA, LA EVOLUCIÓN DE LA ESCENA Y SUS PROYECTOS ACTUALES COMO INSÓLITO RECORDS Y UNDERCLUB.
Texto: Vicious Magazine
Después de más de 30 años de carrera, ¿qué sigue motivando a Jose Díaz a subirse a una cabina cada n de semana?
Uff… son muchas cosas las que me motivan, pero si tuviera que quedarme con una, sería la principal: seguir haciendo disfrutar a la gente en la pista de baile. Para mí, el contacto con el público es la energía que me recarga n de semana tras n de semana.
Has vivido de primera mano la época dorada de Valencia siendo residente en salas míticas como Spook o Puzzle. ¿Qué crees que tenía aquella escena que todavía hoy resulta irrepetible?
Son muchas cosas, pero sobre todo me quedo con la relación humana, con el compañerismo y la camaradería que existía entre clubbers venidos de distintos lugares. El hecho de no tener redes sociales ni móviles hacía que todo fuera más cercano y auténtico. No existía el postureo de ahora… o bueno, el postureo era ver quién se la pegaba más grande en la pista, jajajaja.
Después de tantos años de trayectoria, ¿cómo ha evolucionado tu forma de entender la música electrónica y la conexión con el público?
La música ya no se entiende como antes. Hoy tienes acceso a prácticamente cualquier tema y el mercado está saturado. Antes trabajábamos con cuatro o cinco géneros como mucho; ahora hay decenas, lo que hace que el público esté mucho más disperso. En cuanto a la conexión… existe, pero cada vez menos. La gente muchas veces va por inercia a clubs o festivales, más que por un vínculo real o emocional con la música.
Has compartido cabina con artistas como Paco Osuna, Joseph Capriati o John Digweed. ¿Qué has aprendido de esos encuentros dentro y fuera del booth?
Tocar con grandes nombres te hace ver que, en muchas ocasiones, uno mismo podría estar en sus posiciones, porque hay muchísimo talento y creatividad que no siempre tiene la visibilidad que merece. Si te soy sincero, no diría que “aprendí” algo concreto de ellos en cabina, pero sí fue un honor y un privilegio compartir espacio con artistas de ese nivel.
Ibiza ha sido una parte importante de tu trayectoria. ¿Qué representa para ti la isla y cómo ha in uido en tu manera de entender la música electrónica?
Siempre he sido un apasionado de la Isla Blanca y de sus conceptos musicales. Tuve la suerte de entrar en un círculo de grandes artistas locales que han marcado la historia musical de Ibiza, como Javi Muñoz, Ángel Linde u Oriol Calvo.
Ellos ampliaron mi visión musical y me ayudaron a trasladarla a la península. De hecho, uno de mis proyectos, ESENCCIA IBIZA, re eja precisamente ese
vínculo con la isla. No puedo dejar de mencionar tampoco a Discos Delta Ibiza y a mi amigo Juan Delta, que junto a Oriol Calvo fueron clave para cambiar por completo mi forma de entender la música.
En una época donde las tendencias cambian constantemente, ¿cómo consigues mantenerte el a tu esencia sin desconectarte de las nuevas generaciones?
Con mucha constancia, investigación y estando siempre conectado con artistas nacionales e internacionales. Eso me permite mantenerme al día en la vanguardia musical.
Aun así, intento ser el a mi estilo, porque al nal es mi sello como artista.
Como productor acumulas más de 200 tracks publicados y numerosos remixes. ¿En qué momento disfrutas más: creando en el estudio o conectando con la gente en directo?
Diría que por igual. El estudio es la forma más pura de seguir alimentando mi amor por la música. Pero si a eso le sumas poder probar esos temas en pista y ver cómo la gente reacciona, cómo “toca el techo”, el orgullo y el placer se multiplican.
Con INSÓLITO RECORDS has construido un sello de referencia dentro del techno y tech house underground. ¿Qué buscas actualmente en un artista antes de apostar por él?
Nunca nos jamos en si alguien es más o menos conocido, ni en seguidores ni en cantidad de bolos. Lo importante es la creatividad y la calidad que aporta en sus producciones.
Desde la apertura de UNDERCLUB, el proyecto se ha convertido rápidamente en un punto clave para la electrónica en Alicante. ¿Qué visión tenéis para el club y qué crees que necesita hoy la cultura club en España?
Tras nueve meses de vida, podemos decir con orgullo que hemos conseguido consolidar UNDERCLUB como un club de referencia en la provincia. Ha sido mucho trabajo, muchas apuestas personales y económicas, pero el público ha respondido. Hoy UNDERCLUB es lo que es gracias a esa comunidad el que nos acompaña cada semana.
Mirando todo lo que has conseguido hasta ahora, ¿qué objetivos o sueños te quedan por cumplir?
Te vas a reír… pero uno de mis sueños es hacer un viaje espacial, jajajaja. En lo profesional, sinceramente, siento que ya lo tengo todo. Soy feliz al 100%.
UNREGRESOQUEESUNGUANTAZOALAREALIDADANALÓGICA
DOCE AÑOS DESPUÉS DE QUE SUS PRIMEROS IMPULSOS ANALÓGICOS VIERAN LA LUZ, EL ÚNICO LEGADO DE ESTUDIO DEL DÚO BARCELONÉS CRISTAL REGRESA A LA PRIMERA LÍNEA DE LA ESCENA INFORMATIVA COMO UN RECORDATORIO FLAGRANTE DE LO QUE SIGNIFICA LA VERDADERA MÚSICA AVANZADA. INTEGRADO POR CHRISTIAN RUIZ (SINTETIZADORES, VOCODERYPROGRAMACIÓN)YGEMMARAMOS(SINTETIZADORES,FLAUTAYPROGRAMACIÓN), EL COMBO ENTREGA EN SU REFERENCIAL ‘CRISTAL EP’ UNA OBRA DE INGENIERÍA SONORA PULCRA, MUTANTE Y ESQUIVA A LOS CLICHÉS DE LAS PISTAS DE BAILE CONVENCIONALES. EN UN PRESENTE MUSICAL SATURADO DE ALGORITMOS PREDECIBLES, PLANTILLAS DE PRODUCCIÓN CLÓNICAS Y UNA PREOCUPANTE ESTANDARIZACIÓN DEL ‘BANGER’ PARA FESTIVALES MASIVOS, EL REGRESO A LA PALESTRA INFORMATIVA DEL DÚO BARCELONÉS CRISTALNOESUNASIMPLEANÉCDOTANOSTÁLGICA.ESUNGUANTAZODEREALIDADANALÓGICA.
Texto: Fernando Fuentes
Hola Christian, nos referimos a ‘Cristal EP’ como un “tratado atemporal”, ¿qué géneros electrónicos estamos situando en una colisión frontal y libre de clichés comerciales?
El electro y el IDM de in uencia europea hasta la década de 2010. Estábamos muy in uenciados por el Apparat de ‘Walls’ y el EP ‘Silizium’.
En la arquitectura sonora de Cristal, ¿qué elementos especí cos operan como el contrapunto humano frente a la frialdad de la tecnología prístina?
Los instrumentos acústicos como la auta, la guitarra y la voz como moduladora de los vocoders. En el caso de la auta y la guitarra, eran los instrumentos que ejecutaba Gemma y complementaban muy bien a los sintetizadores, añadiendo un toque orgánico. Los vocoders siempre han estado presentes en mi música.
A nivel de producción, ¿qué sintetizadores o herramientas digitales especí cas de nieron el carácter dinámico y transparente de este trabajo?
No usamos muchas cosas. Para los vocoders, el Roland JP-8080 procesando con Guitar Rig directamente en el DAW. También usamos mucho Massive, no solo para sintetizadores y pads, sino también para generar ritmos; Battery, con mucho uso de sus articulaciones y efectos; mucho Reaktor y, sobre todo, múltiples cadenas de efectos y recortadores de audio para dar movimiento al sonido previamente editado y troceado para resultar aún más dinámico y rítmico.
El EP mantiene una frescura conceptual idéntica a la de su lanzamiento original. Si tuvieras que de nir el mensaje central de Cristal con una sola palabra o concepto visual, ¿cuál sería?
YocreoquemequedaríaconCristalcomoúnicomensaje y concepto. Nos costó llegar a la palabra, pero una vez dimos con ella nos convenció lo perfecto de todo lo que la palabra puede signi car: limpio, luminoso y brillante.
Doce años es un abismo en la tecnología digital, pero este EP se percibe hoy como un recordatorio agrante de verdadera música avanzada. ¿Cómo sobrevive un tratado de IDM y electro al paso de una década sin perder un ápice de su pulcritud original?
Por la combinación y sinergia de Gemma y yo en ese momento. Por parte de Gemma, la solidez de la partitura y las subdivisiones entre los elementos son sólidas y clásicas; mientras que por mi parte el sonido es digital, dinámico, transparente y lleno de movimiento.
Vayamos al interior de la secuencia del EP. El viaje arranca con “Somedays Are Beautiful”, una pieza suspendida en una gran carga emocional y texturizada mediante vocoder. Christian, ¿cómo se consigue mantener el equilibrio para que un arreglo de tipo bleep, tradicionalmente frío, transmita una hipnosis tan elegante y emotiva?
Este tema estaba en mi cabeza desde el año 2006 y gracias a Gemma el tema se materializó como una pieza de pop minimal y super otante. El bleep fue un arreglo hecho más tarde, buscando coherencia con la naturalezavaporosaymelódicadeltema.Noesunbleep
al uso: es una secuencia cargada de delays que hicimos con Reaktor tras mucha búsqueda. Y el resultado fue perfecto.
Esa precisión quirúrgica en todo el trabajo se consolida en el estudio gracias a la mano de Iván Hanon en la mezcla.Encortestandinámicosyfísicoscomo“Arista”, donde la morfología rítmica se niega a permanecer estática y cambia a cada compás, ¿cómo fue el proceso de trabajo con Iván para que la mutación constante no acabara en caos sonoro?
Lento, metódico y artesano. A todos los temas se les dio el tiempo que hiciera falta para que fuesen convincentes y redondos. El trabajo con Iván fue excelente; se tomó el proyecto como propio y todas las partes dábamos lo que hiciera falta para materializar el mejor resultado posible. Estuvimos meses en ello.
Para cerrar el viaje, ‘Orange’ nos sumerge en un claroscuro musical impecable. Ahí contáis con la guitarra acústica de Miguel Ángel Vera abriendo y cerrando el corte de forma orgánica. ¿Por qué elegir precisamente ese instrumento y esa colisión frontal para clausurar el ‘Cristal EP’?
Gemma estaba metida en la guitarra acústica en ese momento, por lo que Miguel Ángel Vera nos echó una mano para grabarlas. Tras algún error agrante con el tempo en el intercambio de los archivos de audio entre proyectos, nalmente acabó tocándolas él, con un resultado excelente.
¿Dónde y cuándo pensáis presentar los temas de este ‘Cristal EP’ y qué formato?
Este lanzamiento es una redistribución digital que no será presentada en directo. La intención es publicarlo y hacerlo accesible a todo el mundo, ya que tras el paso del tiempo estos cuatro temas nos parecen frescos, vigentes e irrepetibles.
Para terminar, seguro que no tendremos que esperar de nuevo doce años para recibir nuevo material de Cristal, ¿verdad? ¿Futuro inmediato?
Seguro que no. Cristal ya fue.
SWANNDECAMME
DESPUÉS DE QUINCE AÑOS DE RECORRIDO, SWANN DECAMME PUBLICA THERIOMORPHY, SU PRIMER ÁLBUM DE ESTUDIO Y, AL MISMO TIEMPO, UNA PIEZA CLAVE EN EL DÉCIMO ANIVERSARIO DE CURIOSITY MUSIC. NO LLEGA COMO UNA RECOPILACIÓN DE IDEAS ACUMULADAS NI COMO UNA DEMOSTRACIÓN DE MADUREZ FORZADA, SINO COMO UNA OBRA QUE PARECE HABER ESPERADO SU PROPIO MOMENTO. ENTRE PARÍS, LONDRES, EL CARIBE Y MONTREAL, EL PRODUCTOR HA IDO MOLDEANDO UN LENGUAJE DONDE EL GROOVE ACTÚA DESDE LA SOMBRA, LAS TEXTURAS ORGÁNICAS RESPIRAN CON CALMA Y LA EMOCIÓN NO NECESITA IMPONERSE PARA DEJAR HUELLA. EN ESTA CONVERSACIÓN, SWANN DECAMME HABLA DEL TIEMPO, DEL VIAJE, DE LA ESCUCHA CONTINUA Y DE UN DISCO QUE CIERRA UNA ETAPA PARA ABRIR OTRA MÁS LIBRE, MÁS VIVA Y MÁS CONECTADA CON LO HUMANO
Texto: Vicious Magazine
Foto: Nacer Hamadi
Después de quince años de lanzamientos, THERIOMORPHY llega como tu primer álbum de estudio. ¿Por qué era el momento adecuado para dar vida a un proyecto de esta envergadura, pensado como una obra en sí misma?
En los últimos años he viajado mucho y he vivido en entornos muy diferentes, entre París, Londres, el Caribe y Montreal. Cada lugar me ha aportado algo particular, en los paisajes, las energías, los encuentros, pero también enlamaneradesentirlamúsica.Todoesohaalimentado mi imaginario de una forma muy profunda. Siempre he sentido una fuerte atracción por las texturas minimalistas, orgánicas, por los grooves sutiles y las atmósferas que dejan espacio. Pero con el tiempo, ese lenguaje se ha a rmado de una forma mucho más personal. Poco a poco he tenido la sensación de dar forma a un universo que me pertenecía plenamente, con algo más libre, más sensible y más inmersivo. Llegó un momento en el que ya no quería pensar en temas aislados. Necesitaba dar vida a algo más amplio, más construido, más coherente. THERIOMORPHY nació deesanecesidad.Despuésdequinceañosdetrayectoria, este primer álbum no llega demasiado tarde, llega en el momento adecuado. En el momento en el que por n me siento capaz de proponer una obra completa, el a lo que soy artísticamente.
Presentas THERIOMORPHY como una escucha continua, casi como un viaje. ¿Qué querías que sintiera el oyente al entrar en este álbum y hasta llegar a su último tema?
Con THERIOMORPHY quería ofrecer una verdadera experiencia de escucha. Quería que el oyente tuviera la sensación de entrar en un mundo aparte, con sus propias texturas, su propia luz y su propio ritmo. Algo que no se sobrevuela, sino en lo que realmente se entra. El álbum fue pensado como una progresión. Hay temas más aéreos, otros más orgánicos, otros aún más hipnóticos o más emocionales, pero todos forman parte de una misma travesía. Me gustaba la idea de que la escucha diera la impresión de pasar de un paisaje interior a otro, manteniendo al mismo tiempo un hilo invisible entre cada etapa.
Lo que quería, sobre todo, era crear una sensación de deslizamiento, casi de movimiento continuo. Que se pudiera escuchar el álbum de principio a n dejándose guiar por las materias, las atmósferas y los detalles. Me gusta cuando un disco deja espacio a la imaginación, cuandonolodicetododeformafrontal,sinoquesugiere y abre.
Si el oyente siente a la vez una forma de evasión, de profundidad y de misterio, entonces creo que la experiencia está conseguida.
En este disco encontramos una mezcla muy personal de groove, misterio, texturas orgánicas y profundidad emocional. ¿Cómo de nirías hoy tu lenguaje sonoro?
Hoy diría que mi lenguaje sonoro se basa en una búsqueda de equilibrio. Me gusta cuando una música puede ser a la vez muy depurada y muy habitada. Necesito que haya espacio, respiración, pero también detalles, materias, elementos casi táctiles que vengan a enriquecer la escucha sin recargarla. El groove es central para mí, pero no de una manera demostrativa. Lo veo más bien como una tensión subterránea, una forma de hacer avanzar el tema con sutileza. También me gusta mucho trabajar las texturas orgánicas, las percusiones, los sonidos recogidos, los elementos que aportan una sensación de vida y de movimiento.
Al mismo tiempo, siempre necesito que haya una parte de misterio y una profundidad emocional. No busco solamente hacer un tema que funcione rítmicamente, también quiero que cuente algo más interior, que deje una huella, una sensación, casi una memoria.
Creo que eso es lo que mejor de ne hoy mi lenguaje: un equilibrio entre precisión y emoción, entre minimalismo y riqueza sensible, entre anclaje rítmico y una dimensión casi onírica.
THERIOMORPHY despliega un universo muy visual, casicinematográ co.¿Quéimágenes,quésensaciones o qué paisajes interiores querías hacer nacer a través de este álbum?
Lo que quería hacer nacer era la sensación de entrar en un mundo paralelo, algo muy orgánico, muy vivo, pero nunca completamente de nido. Me gusta cuando la música deja aparecer formas, materias, paisajes interiores, sin imponerlo todo. Siempre debe quedar una parte de misterio.
Con THERIOMORPHY imaginaba horizontes abiertos, luces difusas, movimientos lentos, casi otantes, pero también algo muy terrenal en las texturas, en las percusiones, en la materia del sonido. Hay a la vez cielo, espacio, evasión, y también algo más carnal, más arraigado, más humano.
Quería que el oyente pudiera sentir imágenes sin que quedaran jadas. Paisajes interiores, visiones casi cinematográ cas, pero siempre con mucha sencillez. Me gusta la idea de que una imagen o un sonido puedan sugerir más a través de su contención que de la acumulación.
En el fondo, quería crear un universo a la vez inmersivo, sensible y libre, en el que cada uno pueda proyectar sus propias emociones, sus propios recuerdos, sus propias visiones.Sielálbumdaesaimpresióndeabrirunespacio interior, entonces creo que cumple su función.
Este lanzamiento marca a la vez tu primer álbum y los diez años de Curiosity Music. ¿Qué representa THERIOMORPHY en tu trayectoria y qué dice del capítulo artístico que abres hoy?
Para mí, THERIOMORPHY representa a la vez una realización y un punto de in exión. Es un álbum que viene a cerrar un primer gran capítulo de mi trayectoria: quince años de creación, de búsqueda, de experiencias, de viajes y de a rmación artística. Necesitaba plasmar algo fuerte, coherente, casi como una síntesis sensible de todo lo que me ha construido hasta aquí. Pero no lo vivo en absoluto como un nal en el sentido de una parada. Al contrario, tengo la sensación de que este disco abre una nueva etapa. Hoy me siento más libre, más a rmado y más inspirado que nunca. Tengo todavía más ganas de componer, de buscar, de explorar y de llevar mi universo más lejos.
Este nuevo capítulo se orienta también hacia algo aún más vivo y más abierto a los demás. Ya estoy trabajando en muchos proyectos nuevos y en varias colaboraciones con artistas llegados de horizontes muy diferentes: cantantes, guitarristas, bajistas, percusionistas, productores. Tengo ganas de ir hacia una música cada vez más orgánica, a veces más acústica, manteniendo al mismo tiempo lo que constituye mi rma: el groove, las texturas, la materia y esa búsqueda de inmersión que me acompaña desde el principio.
En ese sentido, THERIOMORPHY es una conclusión, pero también un punto de partida. Cierra un ciclo con precisión y, sobre todo, anuncia algo muy vivo para lo que viene. Tengo la sensación sincera de que lo mejor está todavía por llegar. Y una cosa es segura: no voy a esperar quince años para hacer el segundo álbum.
Tras casi dos décadas publicando música bajo distintos nombres, Parissior presenta Human Control, un álbum que resume años de búsqueda y reflexión. Entre electrónica, EBM, dark disco, indie dance e industrial, el productor cántabro explora la conexión, la identidad, la tecnología y las apariencias digitales.
Llevas casi veinte años publicando música bajo distintos nombres. ¿Cómo recuerdas tus primeros pasos en la electrónica y qué te llevó a tomarte la producción como un camino propio?
Recuerdo que, de niño, visitaba a veces el taller de electrónica de un amigo de mi padre. Allí reparaba sintetizadores y me enseñaba algunas de las cosas que se podían hacer con ellos. Para mí aquello era casi mágico. Ese mismo amigo también editaba vídeos caseros que grababa mi padre con su primera cámara, y solía añadirles música que me causaba una impresión enorme: Kraftwerk, Tangerine Dream, Italo disco… sonidos que, sin saberlo todavía, me iban marcando. Poco a poco fui comprando mis primeros sintetizadores, mesasdemezclaypedalesdeefectos.Mástardedescubrí Reason, de Propellerhead, y entendí por primera vez lo queeratenerunapequeñasuitedeproduccióncompleta en casa. Empecé grabando jams para mis amigos del instituto; después añadía líneas de sintetizadores en Cubase y terminaba la edición en Sound Forge. A partir de ahí, el proceso fue bastante natural: empezar a publicar música en netlabels y pequeños sellos, casi siempre bajo distintos alias. Supongo que esa búsqueda de nombres diferentes también re ejaba una necesidad de experimentar, de probar caminos distintos hasta ir encontrando una voz propia.
El proyecto Parissior nace en 2012, in uido por el nu disco,elacidhouse,elslowtechno,elitalo,lanewwave, el electro y sonidos más industriales. ¿Qué encontraste en este alias que no habías podido desarrollar antes?
En aquel momento pinchaba como Jesu Aparicio y me sentía bastante encasillado dentro de la escena techno y house. Aunque siempre he coleccionado y escuchado música de muchos estilos, casi nunca encontraba el contexto adecuado para poder tocarla. Además, después de organizar una rave que se nos fue un poco de las manos, empecé a tener ciertos problemas con la policía en Salamanca. Cada vez que actuaba bajo mi nombre, terminaban apareciendo en la sala varios agentes de la Policía Nacional para parar la esta. Así que, de alguna manera, Parissior nació también como una forma de reinvención: un nuevo alias que me permitía empezar de cero y dar salida a toda esa música que me apasionaba pero que no encontraba espacio en mis sesiones habituales.
Con Parissior buscaba precisamente eso: libertad total. Poder mezclar estilos sin pedir permiso, desde el disco hasta sonidos más industriales, pasando por el acid house,elslowtechno,elItalo,lanewwaveoelelectro.Me interesaba acercarme a otro tipo de público y construir un lenguaje más abierto, menos condicionado por las etiquetas.
Lo que más disfruto de este proyecto es tener la máxima libertad para tocar lo que quiera, incluso música de los años 70, 80 o 90, si siento que encaja en el momento.
En esa misma época abrí mi propio local, Clavel Ocho, un espacio que ya tenía casi 30 años de historia bajo la anterior gerencia, y que acabó in uyendo muchísimo en mi forma de entender la música, la noche y la pista de baile.
Acabas de publicar Human Control, un álbum que habla de conexión, identidad, tecnología y apariencias digitales. ¿Cuál fue el punto de partida del disco y cuándo entendiste que esas canciones formaban parte de una misma historia?
Algunos de los temas del álbum tienen ya 5 o 6 años y los mantuve guardados hasta que me dí cuenta de que había un hilo común entre ellos (el mensaje que mencionas) aunque fuesen temas muy diferentes entre
sí. Una vez junté los tracks “Human Control”, “Smoke and Mirrors” y “The Sinner in Me”, decidí crear un álbum y fui añadiendo el resto de canciones. Cada una representa un momento diferente de mi vida a lo largo de estos años.
El álbum llega en vinilo y supone el primer prensado completo de Espacio Cielo. ¿Qué signi ca para ti dar este paso con el sello después de más de noventa referencias?
Sinceramente, me arrepiento un poco de no haberlo hecho antes. Ya había publicado música en vinilo, pero nunca desde mi propio sello, Espacio Cielo, que hasta ahora siempre había estado muy enfocado en el entorno digital.
Como amante y coleccionista de discos, era una espinita que tenía clavada. El vinilo aporta otro valor a la música: la convierte en un objeto, en algo físico, más duradero, menos inmediato. En cierto modo también supone volver a mis orígenes, a esa relación más pausada y profunda con los discos.
El mundo digital tiene muchas ventajas, pero también es mucho más efímero. Todo pasa muy rápido y necesitas unaconstanciaenormeparaquelastiendas,plataformas y medios te presten atención. Con el vinilo la relación es distinta: hay más tiempo, más cuidado y una sensación de permanencia.
Después de tantos años y tantas referencias, este paso signi ca mucho para mí y para el sello. La idea ahora es relajar un poco el ritmo de lanzamientos digitales en los próximos años e intentar publicar dos o tres referencias anuales en vinilo, escogidas con más calma y con una visión más especial.
Además del trabajo de estudio y del sello, vuelves a estar muy activo como DJ. Este mes has pasado por cabinas como M01/Renate (Berlín) y Evil Acid Barons Weekender (UK), donde hiciste el cierre del sábado noche. ¿Cómo han funcionado esas fechas como forma de presentar o probar el sonido de Human Control en pista?
La verdad es que estoy muy contento con el resultado. Siempre es especial escuchar tu propia música a través de grandes sound systems, y en Inglaterra el sonido era realmente espectacular. Además de tocar varios temas del álbum en mis sesiones, también tuve la oportunidad de escuchar a otros DJs pinchando tracks del disco y disfrutarlos desde la pista, que es una sensación muy bonita.
La reacción del público está siendo muy positiva. Incluso algunos cortes que, en principio, no estaban tan pensados para la pista, parecen funcionar muy bien en determinados momentos de una sesión. Eso me ha dado bastante con anza.
Ahora vienen varias fechas por Asturias en las que tocaré exclusivamente en vinilo, y llego a ellas con la tranquilidad de saber que cada track del disco puede encontrar su lugar. No todos funcionan de la misma manera ni en el mismo momento, pero precisamente eso es lo interesante: el álbum tiene diferentes niveles de intensidad y permite jugar con él dentro de una narrativa de DJ set.
KLUBERS BY VICIOUS MAGAZINE
HACEVIBRARVIGOCONUNANOCHE DE ELECTRÓNICA Y CULTURA CLUB
EL PASADO 16 DE MAYO, SALA ROUGE VIGO FUE EL ESCENARIO DE UNA NUEVA EDICIÓN DE KLUBERS BY VICIOUS MAGAZINE, UNA CITA QUE VOLVIÓ A REUNIR A AMANTES DE LA MÚSICA ELECTRÓNICA EN UNA NOCHE MARCADA POR LA ENERGÍA, LA CALIDAD MUSICAL Y LA CONEXIÓN ENTRE ARTISTAS Y PÚBLICO.
Con un line-up formado por Taranco, Karlos Molina, Dani Barrera, Mario Vice, Dani Villa y Saúl Guanda, la propuesta ofreció un recorrido sonoro cargado de personalidad, donde cada DJ aportó su identidad para construir una experiencia dinámica y envolvente. Desde los primeros compases de la noche, la pista respondió con intensidad, consolidando una atmósfera que fue creciendo hasta alcanzar su punto álgido durante la madrugada.
La cuidada selección musical, las transiciones fluidas y la diversidad de matices presentes en cada sesión permitieron mantener una narrativa constante que conectó de forma natural con los asistentes. Entre grooves hipnóticos, ritmos contundentes y momentos de máxima energía, KLUBERS volvió a demostrar su capacidad para crear espacios donde la música y la experiencia colectiva son las verdaderas protagonistas.
El público vigués tuvo un papel fundamental en el éxito de la noche. Entregado desde la apertura de puertas, respondió con una actitud ejemplar y una energía inagotable que mantuvo la pista activa durante gran parte del evento. Una vez más, Vigo confirmó su estrecha relación con la cultura electrónica y su apoyo a propuestas que apuestan por el talento nacional y la autenticidad de la experiencia club.
La producción, el sonido y la puesta en escena acompañaron una velada que destacó por su solidez en todos los aspectos. Además, la colaboración de marcas como Tequila Patrón y Grey Goose contribuyó a reforzar la identidad premium de una experiencia diseñada para ir más allá de la música.
Con esta nueva parada, KLUBERS by Vicious Magazine continúa consolidando su crecimiento dentro del circuito electrónico nacional, reafirmando una propuesta que combina talento, comunidad y cultura club. Una noche de baile, emoción y celebración que dejó huella en Vigo y que confirma el excelente momento que atraviesa el proyecto.
WANÜK
RITMO, MÁSCARA Y ELECTRÓNICA EN ESTADO FÍSICO
HAY ARTISTAS QUE ENTIENDEN LA CABINA COMO UN PUNTO DE CONTROL Y OTROS QUE LA CONVIERTEN EN UN CUERPO EN MOVIMIENTO. WANÜK PERTENECE A ESTA SEGUNDA ESPECIE. NACIDO EN ARGENTINA, CON UN RECORRIDO VITAL QUE LO LLEVÓ POR NUEVA ZELANDA, AUSTRALIA Y AHORA POR UNA EUROPA QUE TRANSITA ENTRE BARCELONA, MILÁN, IBIZA Y OTROS LUGARES, SU PROYECTO SE ALEJA DEL FORMATO CLÁSICO DE DJ SET PARA ACERCARSE A UNA EXPERIENCIA MÁS FÍSICA, MÁS ESCÉNICA Y MÁS PERFORMATIVA.
Texto: Vicious Magazine
¿Cómo presentarías el proyecto wanük a quien todavía no te tiene en el radar? Vienes de Argentina, has pasado por Nueva Zelanda, Australia y ahora te mueves entre Barcelona, Milán y otros puntos de Europa, pero tu propuesta no es solo la de un DJ set clásico: hay producción propia, percusión electrónica, pads, teclados, efectos en tiempo real y una parte visual muy marcada. ¿Dónde nace esa necesidad de convertir la cabina en algo más físico y performativo? wanük es una propuesta en vivo distinta dentro de la electrónica. No busco solo ofrecer un set, sino una experiencia, casi un concierto en vivo, donde la gente no solo baile, sino que también conecte con lo que está pasando en el escenario. También nace de una necesidad mía de conectar con la gente y con lo que pasa en la pista de baile. Me interesa generar un intercambio de energía. No quiero estar simplemente reproduciendo música, sino interpretándola, habitándola y compartiendo ese momento con el público.
AhoramismoestoyentreBarcelonayMilán,moviéndome por Europa, con foco también en Ibiza y otros lugares, intentando expandir el proyecto y llegar a nuevos públicos.
Tu background como drummer parece clave para entender tu manera de construir la electrónica. ¿Cómo cambia tu forma de producir y de tocar en directo el hecho de venir del ritmo desde un instrumento real, no solo desde la máquina?
Sí, de nitivamente mi background como baterista es clave. Empecé a los 15 años tocando rock, formando bandas y componiendo mis primeras canciones. Ahí empecé a entender la música desde el ritmo, el groove, el movimiento.
El paso a la electrónica fue un proceso. Durante años fui mezclando ambos mundos en distintos proyectos hasta llegar a este formato solista. Hoy intento llevar ese lado más orgánico tanto al directo como a la producción. En mis tracks se nota esa presencia del ritmo y de los detalles percusivos, y en vivo también se traduce en la forma en la que interpreto mis propias canciones. También tengo la idea de expandir el proyecto más allá de lo percusivo: sumar otros elementos, acercarlo más a una lógica de banda e invitar músicos en vivo, como violín, voces, guitarra u otros instrumentos.
La máscara ocupa un lugar muy importante en tu imagen. No parece un simple recurso estético, sino una extensión del mensaje de wanük. ¿Qué signi ca para ti y qué papel juega dentro del proyecto?
La máscara es una parte muy importante. Más allá de sumar a la imagen o a la parte estética del proyecto, tiene un mensaje detrás. Durante mis shows me la quito en un momento determinado como una invitación a que la gente también se quite su propia máscara social, se libere, baile y conecte con su verdadero yo. Me interesa que el proyecto genere justamente eso: un espacio donde uno pueda soltarse, sentirse libre y expresarse de una forma más auténtica.
Tu sonido se mueve entre melodic techno, indie dance y afro techno, pero no parece buscar una etiqueta cerrada. ¿Qué elementos tienen que estar presentes para que una producción o un live set suene realmente a wanük?
Empecé produciendo melodic techno, pero desde el principio me llamó mucho la atención lo afro, sobre todo por la presencia de la percusión. Fui mezclando esos dos mundos y hoy también estoy explorando bastante el indie dance, especialmente por cómo te mantiene en movimiento y genera una energía constante en la pista. Nobuscounaetiquetacerrada.Meinteresamásquehaya una identidad propia. Hay una base bastante rítmica, con un enfoque un tanto tribal, pero también una búsqueda melódica. Voy probando, fusionando estilos y dejando
que cada track tome su propio camino. Creo que ahí es donde se vuelve genuino. Siento que hoy en día está todo muy encasillado, muy categorizado, y me interesa romper un poco con ese molde.
Has actuado en espacios como Pacha, City Hall, La Nau, Forum Station, varios venues de Ibiza, Grandvalira en Andorra o SABI en Mendoza, y al mismo tiempo sigues desarrollando una carrera emergente. ¿Qué has aprendido de esos escenarios sobre cómo conectar con públicos distintos?
He tocado en contextos muy distintos y eso te obliga a adaptarte. Personalmente disfruto más cuando hay una pista activa, como en clubs o festivales, donde la interacción es más directa.
Pero más allá del contexto, mi energía siempre va a estar arriba. Intento ser auténtico en cómo vivo la música en el escenario, y eso suele conectar. Incluso en entornos más relajados, esa energía termina llegando y vuelve desde el público.
Cada lugar te enseña algo distinto. Hay públicos que reaccionanrápidoyotrosquenecesitanmástiempo,pero cuando uno está presente de verdad y transmite desde un lugar honesto, la conexión termina apareciendo.
Además de tu música, eres fundador y curador de PRISMATICA, un colectivo de DJs y live artists dentro del espectro house y techno. ¿Qué espacio querías crear con este proyecto y cómo dialoga esa faceta de curador con tu propio camino como artista?
PRISMATICA nace con la idea de crear un espacio abierto desde el house al techno, donde convivan DJs y propuestas en vivo. Para mí era importante incluir el formatolive,porqueesloquemerepresenta.Justamente esa exibilidad a nivel estilístico nos permite adaptarnos según el lugar y el tipo de evento que queramos organizar.
También hay una parte de curaduría que me interesa mucho: descubrir artistas emergentes, juntarlos y armar line ups que tengan sentido según el contexto. Esunaescenaconmuchotalentoypocasoportunidades, así que poder aportar desde ese lugar, dando espacio a otros artistas, es algo que me gusta mucho. Al mismo tiempo, PRISMATICA dialoga con mi propio camino porque me permite pensar la música no solo desde mi proyecto, sino también desde una visión más amplia de comunidad, escena y colaboración.
VICIOUS CHART
BY KARLOS MOLINA
Super Flu & Dennis Louvra Can’t Escape (Original Mix) DIDSCHN
Factor E & Helmut Ebritsch HELP ME (ERROR.FUNC REMIX) LUCIDFLOW
Frankey & Sandrino Matar (Original Mix) SUM OVER HISTORIES
Tristan Case Aurora’s Story (Barry Jamieson Trashed Remix) SOUND AVENUE
Guy J Against The Wall (Original Mix) EARLY MORNING
Spencer Brown Sweat Equity (Original Mix) ANJUNADEEP
Spencer Brown & Ezequiel Arias Slow Burn (Original Mix) SUDBEAT
C-SYSTEM EN EL ESTUDIO CON
¿Cuál es tu proceso compositivo?
Casi siempre proviene de la experimentación y de la intuición. Hay veces que tengo una idea y directamente la plasmo, y otras veces, experimentando, busco el camino que quiero seguir en el track.
¿De que partes a la hora de crear un nuevo tema?
Crear la secuencia principal, porque a partir de ahí el resto va de la mano. Pero una vez que la secuencia principal coge cuerpo y convence, todo va mucho más rodado.
¿Eres de los que priorizan la idea sobre la parte técnica en el comienzo de un track?
Para mí, la identidad del track es lo más importante, pero creo que la mezcla y los arreglos nales también son parte de esa identidad. Un tema con una muy buena idea, pero que no tenga una buena mezcla, no luce igual en absoluto. La mezcla es fundamental.
¿Con qué equipo produces en tu estudio?
Últimamente estoy trabajando bastante con sistemas modulares. Hasta hace unos años no tenía mucha experiencia en ese campo y la verdad es que me está gustando muchísimo.
¿En qué te inspiras para crear nueva música?
Estados de ánimo. Excepto en algunas ocasiones concretas, o cuando se trata de remezclar a alguien, lo que produzco casi siempre depende del estado de ánimo en el que me encuentre.
¿Imaginas un determinado tipo de público en la pista de baile mientras produces o eso lo dejas para el nal?
Para ser sincero, no suelo pensar en eso. Supongo que lo ideal sería llegar siempre al mayor número de personas posible, y es algo que me encanta cuando ocurre, pero no me preocupa demasiado ese aspecto.
¿Qué rol juega la experimentación en tu música? ¿Te gusta salir de tu zona de confort?
Prácticamente todo lo que hago proviene de la experimentación. Yo creo que no tengo zona de confort, jajajajaja.
Me complico mucho la vida intentando no sonar a nada parecido a las modas actuales, lo cual, a nivel de repercusión, no me bene cia mucho, pero tampoco me preocupa demasiado.
Quizás debería cambiar un poco de perspectiva en ese aspecto, aunque, siendo honesto, no creo que lo haga.
¿El equilibrio entre el ujo creativo y la posterior organización son claves para trabajar mucho más rápido y e cazmente?
Las dos deben ir de la mano. Hay muchas maneras de mantener una organización correcta mientras uyes creando el track.
Eso es algo que mucha gente no tiene en cuenta y conlleva que un método tedioso de organización pueda agotar al productor.
Es muy importante que ambas cosas vayan de la mano. Es algo en lo que hago muchísimo hincapié en mis cursos.
¿Cómo y cuándo sabes que un tema está terminado?
Nunca lo sabes, jajajaja.
Hay un momento en el que lo que le aportes al track no va a hacer que sea mejor, y yo creo que ahí está terminado.
¿Pre eres autoeditar tu música o lanzarla en sellos?
Las dos vías me parecen buenas, aunque últimamente todo lo publico en otros sellos.
NEWCOMER
MANU M
Constanciaydedicacion
En una escena electrónica que vive un constante relevo generacional, Manu M representa el perfil de artista que ha construido su trayectoria desde la base, creciendo paso a paso hasta consolidarse como una de las figuras emergentes más interesantes del panorama gallego.
Detrás de este proyecto se encuentra Manuel Martínez, nacido el 16 de noviembre de 1994 en Pontedeume, una pequeña localidad de la provincia de A Coruña donde comenzó su relación con la música electrónica siendo apenas un adolescente. Con tan solo 15 años empezó a dar sus primeros pasos como DJ actuando en pubs locales y en la emblemática Sala Coliseo, espacio que marcaría uno de los primeros hitos de una carrera que desde entonces no ha dejado de evolucionar.
Aquellas primeras experiencias fueron el puntodepartidadeunrecorridoconstruido a través de la constancia, la dedicación y una conexión genuina con la cultura de club. Con el paso de los años, Manu M fue ampliando su radio de acción dentro de la escena gallega, llegando a actuar en algunos de los espacios más reconocidos del circuito nocturno. Entre ellos destacan salas como LP45, Sala Pelícano, SkyRoom, INK, BaSh Club, Andén Club o Discoteca Ruta, además de actuaciones en destinos clave para la música electrónica y el ocio como Selva Club Mallorca, Océanico Club, La Farsa Beach Club y KOA Beach Club.
Su crecimiento artístico también le ha permitido compartir cabina con nombres consolidados de la escena nacional e internacional como Viviana Casanova, Wheats, Héctor Llamazares, Richi Risco, Fer Mesa o Darío Núñez. Experiencias que han contribuido a enriquecer una identidad musical en constante evolución, caracterizada por una cuidada selección sonora y una lectura de pista orientada a generar conexión con el público.
Actualmente, Manu M compagina su actividad como DJ con el desarrollo de su faceta como productor, trabajando en la construcción de un sonido propio que refleje tanto sus influencias como su visión personal de la música electrónica contemporánea.
Dario Nunez y Chris Daniel unen fuerzas en Brook Gee Records con “Don’t Stop Turning Up”, un corte de techno directo al centro de la pista, construido para horas de máxima presión y cabinas que necesitan mantener el pulso arriba. El lanzamiento, previsto para el 12 de junio de 2026, llega en formato Extended Mix y apuesta por una fórmula contundente: groove implacable, batería pesada, ritmo tenso y una energía diseñada para no dejar escapar al club.
Pumuki-Unfortunate(OriginalMix) FlyingSaucer
El madrileño Pumuki abre una nueva zona de fricción con “Unfortunate”, primer adelanto de su próximo EP de tres cortes en Flying Saurce, su propio sello. El lanzamiento, previsto para el 5 de junio, empuja su sonido hacia una versión más oscura, eléctrica y frontal, donde el club deja de ser un espacio cómodo para convertirse en un territorio de tensión, bajos distorsionados y luces al borde del apagón.
Saporta–Somni(OriginalMix)
EternRecords
Con Rhythm of Truth, Saporta rma el corte que abre el nuevo EP de Etern Records, una referencia especial para el sello: su entrega número veinte, ETRN020. El lanzamiento funciona como una declaración de identidad para la plataforma: música de club con cuerpo, pero también con una dimensión emocional y casi ceremonial, pensada para activar la pista sin renunciar a una narrativa profunda.
Parissior–HumanControl (OriginalMix) EspacioCielo
Human Control, el nuevo álbum de PARISSIOR, conecta sus piezas de forma natural para crear un universo coherente, oscuro y humano dentro de la electrónica underground nacional. El productor español se mueve entre el EBM, el dark disco, la electrónica analógica y matices de indie dance y new wave futurista, entregando su trabajo más sólido y ambicioso. Sintetizadores crudos, líneas de bajo eléctricas y texturas industriales conviven con momentos introspectivos y emocionales.
Ander Race – Lovin’ U (Original Mix) W
Ander Race vuelve a W con “Lovin’ U”, uno de los momentos más cálidos y luminosos de su nuevo EP Give Me What Was Mine. Después de haber dejado huella en la primera recopilación del sello, Diptyque I, el productor vasco da ahora un paso al frente con tres cortes originales que muestran una visión más amplia de su lenguaje: música de pista con músculo, sí, pero también con una sensibilidad melódica que evita caer en el gesto obvio.
Arkham Audio celebra seis años con Arkham Audio 6 Years
Various, una compilación que resume su trayectoria y rea rma su identidad en la escena techno. “Electric Dust” de Alexander Kowalski destaca por su techno profundo y tenso, sin excesos, representando el pulso del recopilatorio.
GAMEBOYZ – Model Alien Remix Natural Selections
Gameboyz reinterpretan “Model Alien” de Kubebe desde una órbita mucho más rota y ácida. Su remix se mueve entre breaks tensos, líneas corrosivas y una sensación de comunicación extraterrestre ltrada por máquinas viejas. Comosilosaliensintentaranhablartedesdelacabina,peroel mensaje llegara deformado, bailable y lleno de electricidad.
Principleasure–Storungw/NurNur
Principleasure
Principleasure, a ncado en Los Ángeles y de origen iraní, crea música electrónica que mira al pasado sin nostalgia. Su sonido, in uenciado por bandas sonoras, el primer EBM, el techno melódico noventero y una sensibilidad disco-electro deformada, re eja su visión de la tecnología como un “backward technologist” que retrocede para descubrir nuevas posibilidades.
CLAXY–BeforeTheSun(OriginalMix) EmbassyOne
El dúo brasileño CLAXY presenta “Before The Sun”, un corte de melodic house que vio la luz el pasado 1 de mayo y que se mueve con naturalidad entre la introspección y la pista de baile. La producción combina texturas orgánicas, una atmósfera cálida y voces emocionales que envuelven el track sin restarle pulso club.
Yerno Vil – Vulture v1
Espacio Cielo
El 11 de marzo, Yerno Vil lanza su EP “Vultures” con Espacio Cielo. El EP, con seis cortes, muestra su evolución creativa y su sonido personal, fusionando clubbing con introspección. Desde Madrid, Yerno Vil es parte activa de la escena electrónica española emergente.
DaniNavarrete&RichardRozen–Heart808
BasedFaith
Dani Navarrete y Richard Rozen demuestran su dominio del Deep Tech con “Heart 808”, un track minimalista que equilibra control técnico y sensibilidad de club. Primer corte del EP Life With Mountains en Based Faith (BFD002), la 808 actúa como columna vertebral emocional, impulsando un groove preciso y espacioso.
Peter Soul y Py White presentan Spectral Resonance (Extended Mix), un tema de Indie Dance con un toque oscuro y funcional, disponible el 20 de febrero en Disrupted Music, el sello de Danmat (DISMU044). Diseñado para la pista de baile, el track destaca por su low-end hipnótico y una tensión constante. Las voces etéreas y ligeramente inquietantes se entrelazan con una percusión seca y precisa, creando un groove sin adornos innecesarios.
DEEP / PROGRESSIVE
BY DANNY LLOYD
HOBINRUDE FRACTURED TIME (ORIGINAL MIX) ROUTINEESPRESSORECORDINGS
Hobin Rude continúa atravesando un extraordinario momento creativo con Fractured Time, una producción que encarna perfectamenteelladomásprofundoycinematográ codelprogressivehousecontemporáneo.Elgrooveeseleganteyconstante, mientras las texturas melódicas se desarrollan lentamente a través de atmósferas hipnóticas y re nados detalles sonoros. Una pista que construye tensión sin prisas, ideal para los momentos más emotivos de un set y destinada a dejar huella en las pistas másexigentes.
Flourishrepresentaalaperfecciónla losofíasonoradeMangoAlley:elegancia,profundidadynarrativamusical.HAFTyEichenbaum construyen un viaje uido compuesto por melodías envolventes, grooves cuidadosamente elaborados y una progresión armónica que atrapa al oyente de principio a n. El resultado es una producción so sticada, capaz de moverse entre la introspección y la energíacontotalnaturalidad,con rmandoeltalentodeambosartistasparacrearatmósferascautivadorasyatemporales.
RUBENKARAPETYAN MIDNIGHT CURRENT (ORIGINAL MIX) MEANWHILE
Ruben Karapetyan rma otra joya progressive con Midnight Current, una pieza que fusiona grooves profundos y melodías sugerentes en un equilibrio perfecto. Las atmósferas nocturnas y el meticuloso trabajo sobre las texturas generan una sensación de movimiento continuo, mientras los elementos melódicos emergen gradualmente dando vida a un viaje emocional de gran impacto.Unaproducciónre nadaeinmersivaquecon rmaunavezmáslaconstantecalidaddeloslanzamientosdeMeanwhile.
ZANKEEGULATI ARAKEEN (ORIGINAL MIX) SUDBEATMUSIC
Con Arakeen, Zankee Gulati presenta en Sudbeat una producción intensa y cautivadora, caracterizada por una perfecta combinación de groove hipnótico y sensibilidad melódica. El productor australiano construye una tensión constante mediante líneasdebajoprofundas,detalladoselementospercusivosymelodíasevocadorasqueevolucionancongran uidez.Unapistaque re eja plenamente la identidad sonora del sello, capaz de unir energía y profundidad emocional de manera magistral.
SISTERSWEET MAGIC DISCO (ORIGINAL MIX) LUCHISVETA
MagicDiscoesunaauténticabocanadadeairefrescoqueaportauntoquedeligerezayluminosidadalaselección.Sistersweetcombina groovesirresistibles,maticesdiscoysensibilidadprogressiveenunaproduccióndefuertecarácteremocional.Elresultadoesunapieza elegante y envolvente, capaz de transmitir energía positiva sin renunciar a la profundidad sonora. Una pista brillante y re nada que demuestralacrecientepersonalidadartísticadelproyecto.
Christian Curiel rma una producción cargada de emoción y sentimiento en Nina (Paul Droid Extension). Con la inconfundible esenciadePaulDroid,eltrackcombinaunapreciosamelodíavocalconundropllenodefuerzaypersonalidad.Untemaelegantey emotivoqueconectadirectamenteconeloyenteyqueyasehaconvertidoenunaapuestaseguraparacualquiersesióndecalidad.
LOSTLY ALL THAT IS LEFT (ORIGINAL MIX) LOSTLYMUSIC
Oliver Smith revitaliza uno de los grandes clásicos del trance progresivo con una reinterpretación moderna y elegante de Fiji. Respetando la esencia del original, el productor británico aporta nuevas texturas y una producción impecable que devuelve protagonismoaestahistóricacomposición.Unremakebrillantedeunaauténticajoyadelgénero.
NIKOLAUSS KURO EP VII
Nikolauss vuelve a demostrar su enorme talento con Kuro EP, un lanzamiento compuesto por dos auténticas bombas de techtrance.TantoKurocomoPanicRoomdestacanporsuenergíaarrolladora,susgrooveshipnóticosyunaproduccióndeprimernivel. UnEPsólidoyefectivodeunodelosnombresmásdestacadosdelmomento.
ABOVE&BEYOND&JUSTINESUISSA WHEN I LOOK IN YOUR EYES (ORIGINAL MIX) ANJUNABEATS
Above & Beyond vuelven a encontrarse con Justine Suissa en When I Look In Your Eyes, una producción cargada de emoción y sensibilidad. La inconfundible voz de la cantante se funde con una instrumentación envolvente y eufórica, dando forma a uno de los grandes himnos vocales del año. Un clásico instantáneo con sello Anjunabeats.
INDIE DANCE
BY GAMEBOYZ
BERDANO TRANSITION DISRUPTEDMUSIC
Berdano vuelve a Disrupted Music con un corte de tensión melódica y pulso rme. Transition equilibra profundidad atmosférica y empujedeclubconunaproducciónsobria,e cazypensadaparasostenerlapistasinperdersensibilidad.
ODAGLED BLACK GOLD EP GLEEDRECORDS
Con este nuevo lanzamiento en Gleed Records, Odagled apuesta por una arquitectura rítmica precisa y un sonido analógico de granpegada.BlackGoldfuncionacomoherramientadeclubseria:gravelimpio,modulaciónorgánicayunatensiónquecrececon elegancia.
D-FORMATION&ALEXMEDINA FALLING ADAGIO EP YESTOALL
D-Formation y Alex Medina rman en YES TO ALL un corte hipnótico, denso y con clara vocación underground. Falling Adagio se mueveentrebajosrobustos,percusiónpococonvencionalyunaprofundidademocionalqueledacarácterpropio.
Intervalo aterriza en Golden Soul Records con una pieza de techno profundo y mental, marcada por una atmósfera absorbente. FadeAway,juntoalavozdeRaquel,refuerzaunanarrativainmersivayelegante, elaunavisiónmaduradelgénero.
MELODIC HOUSE / TECHNO
BY ALONNE
MILAJOURNÉE,ARUDE FEEL THE FORCE (EXTENDED MIX)) JOURNEEYRECORDS
“Feel The Force” construye su identidad a partir de una progresión emocional bien medida, donde los pads envolventes y las líneas de synth generan una atmósfera profunda sin perder nunca el foco en el groove. Una producción cuidada, coherente con el sonido del sello, que refuerza la identidad de ambos artistas dentro del espectro melodic house & techno.
MAXSTYLER YOU & ME (NOTRE DAME REMIX) NUMODA
Max Styler recibe una reinterpretación de Notre Dame en Nu Moda, que lleva “You & Me” hacia un terreno más profundo y so sticado. El remix apuesta por un groove hipnótico y una construcción progresiva, con una paleta sonora elegante que prioriza la atmósfera sobre el impacto inmediato. Una versión funcional y bien enfocada, ideal para contextos de club más re nados.
GUZY SHUT UP (ORIGINAL MIX) RADIKON
Guzy rma en Radikon un corte directo y sin concesiones, claramente enfocado a la pista. “Shut Up” se apoya en un groove contundente y repetitivo, con una estructura minimalista que potencia su carácter hipnótico y funcional en mezcla. Una herramienta sólida de club, pensada para mantener tensión y control en momentos clave del set.
WHITEOUT HAUNTED (ORIGINAL MIX) ERRORR
Whiteout presenta en ERRORR un corte de estética oscura y enfoque claramente club. “HAUNTED” se construye sobre un groove tenso y una atmósfera envolvente, con elementos sonoros que refuerzan su carácter hipnótico. Una herramienta efectiva, alineada con el sonido más contundente del circuito actual.
RAFAELCERATO,MORGANJ SLOW DOWN (EXTENDED MIX) CAPTIVESOUL
Rafael Cerato y MORGANJ rman en Captive Soul un corte que equilibra energía y sensibilidad melódica. “Slow Down” se apoya en un groove rme y una línea emocional bien de nida. Una producción sólida y versátil, efectiva tanto en momentos de transición como en tramos más melódicos del set.
TECH AREA
By Gilbert Lezana
AUDEZE MM‑520: SEGUNDA GENERACIÓN SUBIENDO EL LISTON DE LA EXCELENCIA
Audeze MM-520 regresan con una segunda generación orientada a profesionales que buscan una referencia able para mezcla y producción. La compañía mantiene su apuesta por trasladar la precisión de unos monitores de estudio de alta gama a un formato portátil, minimizando la in uencia de la acústica de la sala. El corazón del sistema sigue siendo un transductor planar magnético de 90 mm fabricado en California, ahora complementado por la tecnología SLAM, diseñada para ofrecer graves más de nidos y una reproducción más precisa del rango medio. Sobre el papel, las especi caciones son contundentes, con una respuesta en frecuencia de 5 Hz a 50 kHz, una impedancia de 18 ohmios y un nivel máximo de presión sonora de 130 dB. Audeze también ha revisado la ergonomía mediante nuevas almohadillas magnéticas de espuma viscoelástica, pensadas para facilitar el mantenimiento y mejorar la comodidad durante largas sesiones de trabajo. Los MM520 estarán disponibles próximamente por 1.699 dólares.
UAD LANZA SU PROPIO “AUTOTUNE” CON TOPLINE VOCAL TUNE
UAD Topline Vocal Tune es la nueva apuesta de Universal Audio para la corrección de a nación en tiempo real, un plugin diseñado para competir directamente en el terreno dominado por Auto-Tune. La herramienta destaca por su procesamiento de latencia ultrabaja, permitiendo a los cantantes escuchar la voz a nada durante la grabación sin retrasos perceptibles. ToplineVocalTuneofrecedesdecorreccionestransparentes hasta el característico efecto robótico popularizado en la músicaurbanayelectrónica.SuscontrolesElastic,Expressive y Sustain permiten ajustar el comportamiento de la a nación para preservar vibratos y matices interpretativos, mientras que el modo Shift añade manipulación de pitch y formantes para tratamientos más creativos. Entre sus funciones más interesantes destacan MIDI Repitch, que permite controlar la a nación desde un teclado MIDI para crear armonías o nuevas melodías, y Key Finder, capaz de detectar automáticamente la tonalidad de la sesión. El plugin ya está disponible para Windows y macOS con un precio de lanzamiento de 79 euros.
SSL1:LANUEVAINTERFAZCOMPACTAYASEQUIBLE DE SOLID STATE LOGIC
SSL 1 es la nueva interfaz de audio compacta de Solid State Logic, una propuesta que busca acercar el sonido de la marca británica a un público más amplio sin renunciar a su ADN profesional. Con una con guración 2x2 y conexión USB-C, está orientada a músicos, productores y creadores de contenido que necesitan una solución portátil y asequible. Su principal atractivo reside en el previo analógico diseñado por SSL y en la inclusión del circuito Legacy 4K, heredado de las legendarias consolas de la serie 4000, que aporta saturación armónica y un sutil realce en las frecuencias altas. La interfaz incorpora además convertidoresde32bitsy192kHz,prometiendounacaptura más precisa de voces, instrumentos y sintetizadores Compatible con ordenadores y dispositivos móviles class-compliant, la SSL 1 se completa con una salida de auriculares de alta corriente y el habitual SSL Production Pack. Ya está disponible con un precio o cial de 159 euros.
AKAI MPC LIVE III RETRO: LA NOSTALGIA SIEMPRE VENDE
Akai MPC Live III Retro demuestra que la nostalgia sigue siendo un argumento comercial de peso en el universo MPC. La nueva edición especial recupera la estética inspirada en las legendarias MPC60 y MPC3000 mediante un acabado beige y gris que evoca los años dorados del sampling, aunque sin introducir cambios técnicos respecto al modelo estándar. Bajo el capó encontramos el mismo hardware de última generación: procesador de ocho núcleos, 8 GB de RAM, 128 GB de almacenamiento interno, pantalla multitáctil de 7 pulgadas y pads mejorados. También mantiene su carácter autónomo y portátil gracias a la batería y altavoz integrados, junto a una conectividad muy completa que incluye MIDI, USB, CV/Gate, WiFi y Bluetooth. El sistema MPC OS conserva todas sus capacidades de producción, instrumentos y efectos integrados. La MPC Live III Retro ya está disponible con un precio oficial de 1.599 euros, dirigida a quienes buscan tecnología actual con una estética clásica.
