Mayo no es solo un mes de transición, es una declaración de intenciones. Es el momento en el que la escena electrónica empieza a vibrar más alto, anticipando una temporada que promete romper esquemas.
Vicious Magazine celebra la energía de la música electrónica con Ten Walls en la portada, un artista que representa la profundidad sonora y la evolución constante. Este número explora más allá de la música, con secciones de Fashion y Viajes que destacan la estética y los destinos de la cultura club, y una miscelánea con la actualidad, sonidos y movimientos que redefinen la industria.
Off The Records se centra en la historia y legado de sellos clave, con un especial a Nervous Records, fundamental en la música electrónica global. También miramos hacia IMS Ibiza 2026, epicentro mundial del sector, donde se dibuja el futuro de la escena.
Las entrevistas reflejan la diversidad del circuito: desde figuras consolidadas como K-Style, Essan, Mario Vice, Apaull y Killian, hasta nuevas promesas. Ten Walls nos ofrece una entrevista exclusiva, Mike Bressel lanza nuevo material y Musiluz es el New Comer del mes.
Tech Area by Gilbert Lezana sigue siendo un referente para profesionales y apasionados del sonido. Charts, Premiere y Revisiones te mantienen al día con lo más relevante. Ampliamos horizontes con deportes extremos, como el paracaidismo acuático, y perfiles personales, como el de Parsa Jafari. Vicious Magazine evoluciona contigo, la escena y el tiempo. Este número te invita a descubrir, cuestionar y sentir.
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Nos vemos en la pista. ¡Bienvenidos al siguiente capítulo de Vicious Magazine!
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MIXCELÁNEA
CHARLOTTE DE WITTE ABRE UNA GRIETA EMOCIONAL EN EL TECHNO GLOBAL
El nuevo EP “Amor” de Charlotte de Witte en KNTXT no es solo otra entrega de techno orientado a la pista, es un giro sutil dentro de un lenguaje normalmente blindado a la emoción. Junto a CERES, la artista introduce una narrativa más íntima sin romper la contundencia que define su sonido, demostrando que incluso en la estructura más rígida del club puede aparecer algo inesperado: sensibilidad.
HOLIKA FESTIVAL 2026 CONVIERTE CALAHORRA EN UN IMPERIO MUSICAL VIVO
El Holika Festival 2026 no quiere ser solo un festival más en el calendario, sino una experiencia total donde la ciudad desaparece para convertirse en un universo propio. Bajo el concepto “The Eternal Flame”, Calahorra se transforma en un imperio musical inspirado en la estética romana, donde escenarios, performances y espacios inmersivos construyen una narrativa que va mucho más allá de la música.
PARADISE IBIZA 2026 DESPLIEGA UN VERANO DE RESIDENCIAS SIN FRENO EN UNVRS
Paradise Ibiza regresa en 2026 con una programación que confirma su evolución hacia una de las residencias más ambiciosas de la isla. Bajo el concepto “Starship Eden”, Jamie Jones convierte las noches de miércoles en un viaje semanal dentro de UNVRS Ibiza, donde el club deja de ser espacio físico para convertirse en un entorno inmersivo en constante transformación.
FRANCIA ENDURECE LA PRESIÓN SOBRE LAS RAVES ILEGALES
Una nueva propuesta en Marsella plantea multas de hasta 3.000 euros para asistentes a raves ilegales, ampliando la represión ya no solo a los organizadores, sino directamente a la pista de baile. Lo que era un conflicto de espacios y sound systems ahora entra de lleno en el terreno de la criminalización del público.
UK RAID DESTAPA UN MERCADO OCULTO DE VINILOS FALSOS
La incautación de casi 6.500 vinilos falsificados en una operación en Reino Unido no es solo una cifra llamativa, sino la confirmación de un problema que crece al ritmo del propio boom del formato físico. La policía desmanteló una red que movía copias ilegales valoradas en cientos de miles de libras, revelando hasta qué punto el vinilo se ha convertido otra vez en objeto de deseo… y de negocio paralelo.
fashion
Nos pirra la moda, la ropa, los accesorios, los gadgets…¡todo! Y aquí te damos pistas sobre lo que es purita tendencia en las calles, los clubs, los festis… ¡A quemar tarjeta!
Bufanda: gorro con motivo militar de Supreme x New Era www.supreme.com
Cinturon: Cinturón con hebilla del logo www.ferragamo.com
Perfume: Versace Eros www.versace.com
AMSTERDAM
CAPITAL EUROPEA DEL CLUBBING
Hablar de Ámsterdam es hablar de una ciudad que fluye a su propio ritmo. Canales infinitos, bicicletas cruzando cada esquina y una arquitectura que mezcla historia y modernidad sin esfuerzo. Pero más allá de su estética, Ámsterdam tiene una identidad muy marcada: abierta, creativa y profundamente conectada con la cultura. Esa mentalidad se traslada directamente a su escena musical. Aquí la electrónica no es una moda, es parte del ADN de la ciudad. Desde pequeños colectivos underground hasta grandes eventos internacionales como el Amsterdam Dance Event, Ámsterdam se convierte cada año en el epicentro global del sector.
Autor: Vicious Magazine
DE SCHOOL
Más que un club, es una institución cultural. Ubicado en una antigua escuela, este espacio combina club, restaurante y galería. Su programación apuesta por el techno y house más selecto, con sesiones largas y un enfoque muy cuidado en el sonido. Oscuro, crudo y auténtico.
SHELTER
Situado bajo la Torre A’DAM, Shelter es sinónimo de potencia. Un club subterráneo con uno de los sistemas de sonido más contundentes de la ciudad. Aquí el techno golpea fuerte, con line-ups internacionales y una pista pensada para perderse durante horas.
PARADISO
Una antigua iglesia reconvertida en sala de conciertos y club. Paradiso mezcla historia y vanguardia en un mismo espacio. Su programación es ecléctica, pasando por electrónica, live acts y artistas internacionales en un entorno visualmente espectacular.
MELKWEG
Otro icono cultural de la ciudad. Melkweg es un complejo multidisciplinar donde conviven conciertos, sesiones de club y arte. Su sala electrónica ha sido clave en el desarrollo del sonido urbano y electrónico en Ámsterdam, con propuestas que van desde el house hasta el bass más experimental.
OFF THE RECORDS
ADN DE LA CULTURA CLUB
Hablar de Nervous Records es hablar de historia viva de la música electrónica. Pero no desde la distancia de un museo, sino desde el sudor de la pista, el vinilo girando y la energía cruda de Nueva York en los años 90. Fundado en 1991, el sello nació con una idea muy clara: capturar el pulso real de la noche. No el sonido comercial, sino el que se respiraba en los clubes, en los sótanos, en sesiones que empezaban tarde y terminaban cuando salía el sol.
Redacción: Vicious Magazine
EL SONIDO DE UNA CIUDAD
Si algo define a Nervous es su capacidad para adelantarse. Desde sus inicios apostó por nuevos productores y sonidos cuando aún no tenían nombre ni mercado. Esa filosofía lo convirtió en uno de los pilares del house estadounidense, pero también en una pieza clave dentro del hip hop underground. Por su catálogo han pasado nombres esenciales como Masters At Work, Armand Van Helden o Kerri Chandler, artistas que hoy forman parte del ADN global de la música electrónica. Pero Nervous nunca fue solo house.
MÁS ALLÁ DEL HOUSE
En plena efervescencia de los 90, el sello expandió su sonido hacia el hip hop, publicando trabajos de grupos como Black Moon o Smif-N-Wessun, considerados hoy clásicos del género. Este cruce de estilos no fue casualidad: era un reflejo directo de Nueva York. Una ciudad donde todo convive —house, rap, reggae— y donde la cultura club nunca ha entendido de etiquetas.
ICONOGRAFÍA Y CULTURA
Si cierras los ojos y piensas en Nervous, probablemente veas su logo antes de escuchar un track. Esa caricatura icónica, entre cómic y rave, se convirtió en símbolo global de la cultura club. Camisetas, flyers, vinilos… Nervous construyó una identidad visual tan potente como su sonido. Era —y sigue siendo— una marca de pertenencia: si llevabas Nervous, eras parte de algo.
DEL UNDERGROUND AL PRESENTE
Más de tres décadas después, Nervous Records sigue activo, relevante y fiel a su esencia. Continúa lanzando música, apoyando nuevos talentos y manteniendo ese equilibrio entre legado y evolución. En una época dominada por algoritmos y tendencias fugaces, Nervous representa otra cosa: continuidad, criterio y cultura.
OFF THE RECORD
Lo que hace especial a Nervous Records no es solo su historia, sino su actitud. Nunca han perseguido modas; han creado escenas. Nunca han buscado sonar como el momento; han definido momentos. Y quizá ahí está la clave. Porque mientras muchos sellos pasan, Nervous permanece. No como nostalgia, sino como referencia. Como ese track que no sabes exactamente de cuándo es… pero sabes que funciona siempre.
L.E.V. FESTIVAL 2026: CUANDO LA ELECTRÓNICA SE CONVIERTE EN IMAGEN
Gijón no solo suena diferente durante el L.E.V. Festival: se ve diferente. En su 20º aniversario, el Laboratorio de Electrónica
Visual volvió a demostrar que es mucho más que una cita musical. Es un espacio donde la imagen toma el control, donde la luz, el código y la arquitectura dialogan con el sonido hasta hacerlo casi secundario. Aquí, lo que escuchas importa, pero lo que ves —y cómo lo percibes— lo cambia todo.
Desde la llegada a la Laboral Ciudad de la Cultura, el impacto es inmediato. Pantallas monumentales, estructuras lumínicas y proyecciones que se expanden por el espacio convierten cada rincón en una obra viva. El festival transforma los escenarios en lienzos digitales, donde la narrativa audiovisual sustituye al formato tradicional de concierto. No hay distancia entre artista y espectador: hay inmersión.
Las noches en el Teatro de la Laboral fueron una prueba clara de esta filosofía. El directo de Alva Noto no se limitó a una ejecución sonora impecable: fue una arquitectura visual en movimiento. Líneas, pulsos y geometrías sincronizadas con precisión milimétrica creaban una experiencia casi física, donde cada frecuencia parecía tener forma. En paralelo, Ryoichi Kurokawa construyó auténticos universos digitales, piezas donde imagen y sonido nacen del mismo algoritmo, generando una sensación de estar dentro de un sistema vivo.
Pero si algo define L.E.V. es su capacidad para ir más allá del escenario. Las instalaciones repartidas por Gijón son el verdadero corazón del festival. En espacios como LABoral o el Muséu del Pueblu d’Asturies, el público se convierte en explorador. Obras interactivas, entornos inmersivos y piezas generativas invitan a recorrer, observar y, en muchos casos, intervenir. Aquí no se consume arte: se habita.
Propuestas como las de Studio Sven Sauer o Eric Vernhes jugaron con la percepción del espacio y el tiempo, utilizando luz, reflejos y estructuras digitales para alterar la forma en la que entendemos lo físico. En algunos momentos, resultaba difícil distinguir dónde terminaba la instalación y empezaba la realidad. Esa es, precisamente, la magia del L.E.V.: desdibujar los límites.
En el plano más performativo, artistas como Jlin o Catnapp aportaron una dimensión más orgánica, donde lo visual se integraba con la energía del directo, reforzando la idea de que la electrónica contemporánea ya no se entiende sin su componente visual. No es un complemento, es parte del lenguaje.
Esta edición aniversario no ha sido una celebración nostálgica, sino una reafirmación de su identidad. L.E.V. sigue siendo un espacio necesario dentro del circuito internacional: un lugar donde el riesgo visual y conceptual tiene prioridad sobre la inmediatez.
En un momento en el que la saturación de estímulos es constante, el festival propone algo distinto: parar, mirar y dejarse atravesar por la imagen.
Porque en Gijón, durante estos días, la electrónica no solo se escucha. Se observa. Se recorre. Se siente.
Y, sobre todo, se entiende de otra manera.
PARACAIDISMO ACUÁTICO: CUANDO EL SALTO NO TERMINA
EN EL SUELO
Autor: Vicious Magazine
Hay deportes extremos que juegan con la altura, otros con la velocidad, y algunos con el miedo puro. El paracaidismo acuático mezcla los tres… pero añade un elemento que lo cambia todo: el agua como destino, no como paisaje.
No es un deporte masivo ni fácilmente clasificable. De hecho, su nombre se usa de forma bastante libre para describir una serie de disciplinas donde el salto desde gran altura termina en el agua, pero con técnicas controladas de caída, planeo o entrada asistida. Entre el cliff diving, el base jump acuático y variantes de salto con paracaídas o wingsuit hacia zonas de agua, la sensación es la misma: el vacío antes del impacto.
EL MOMENTO MÁS IMPORTANTE ES ANTES DE SALTAR
A diferencia de otros deportes extremos, aquí la parte más intensa no es el aire ni la velocidad. Es el segundo exacto en el que el cuerpo decide irse. No hay marcha atrás.
El silencio cambia, la percepción del tiempo se rompe y todo lo que queda es una decisión simple: caer o no caer. Para quienes lo practican, ese instante es casi meditativo. Para quien lo ve desde fuera, es difícil entender cómo el cuerpo puede aceptar algo así de forma natural.
EL AGUA NO ES SUAVE
Existe una idea romántica de que el agua “amortigua”. La realidad es que, a alta velocidad, el agua se comporta casi como el hormigón si la entrada no es perfecta. Por eso, en disciplinas como el salto base hacia agua o variantes de paracaidismo de precisión, la técnica lo es todo: ángulo de entrada, control del cuerpo, lectura del viento y cálculo del impacto. No hay margen para improvisar.
ENTRE EL CONTROL Y EL CAOS
Lo interesante de este tipo de deportes es esa línea fina entre control absoluto y riesgo extremo. Quien lo practica no busca el caos, sino todo lo contrario: reducirlo. Cada salto es el resultado de cálculo, experiencia y repetición. Pero aun así, siempre hay un factor imposible de eliminar: la incertidumbre. El viento cambia. El cuerpo reacciona distinto. El entorno nunca es idéntico. Y ahí está la adicción.
LA PSICOLOGÍA DEL VACÍO
Más allá de lo físico, el paracaidismo acuático es un deporte mental. Trabaja directamente con el miedo, no intentando eliminarlo, sino gestionarlo. Muchos atletas describen una sensación de “claridad absoluta” justo antes del salto. No hay ruido, no hay distracciones. Solo presencia. Es un deporte que no se gana contra otros, sino contra uno mismo.
UN ESPECTÁCULO QUE NO ES ESPECTÁCULO
Aunque visualmente pueda parecer hecho para redes o vídeos virales, quienes lo practican suelen insistir en lo contrario: no es entretenimiento, es disciplina.
Cada salto tiene planificación, estudio del entorno y respeto absoluto por la física. No hay glamour cuando estás en el aire; solo técnica y consecuencias.
CONOCIENDO MÁS A... PARSA JAFARI
¿Te sueles despertar de buen humor... aunque sea ya por la tarde?
Pues la verdad es que por las mañanas no tengo mucho humor. Es mentira si digo que sí, ya que soy una persona muy nocturna y me encanta la noche.
¿Cuál es tu momento favorito del día... y de la noche?
Para mí, pasadas las 12 de la noche es el momento clave, cuando conecto conmigo mismo. También podría decir que los atardeceres, ya que ese momento en el que empieza y despierta la noche es cuando mi energía también despierta.
Cuando no estás de bolo, ¿qué te gusta hacer? ¿Eres más de deporte o de maratones de series con palomitas?
Me gusta pasar mucho tiempo en mi home studio produciendo, y la verdad es que también soy mucho de jugar a videojuegos, sobre todo con amigos.
¿Eres más de cocina tradicional o de platos de vanguardia?
Me gusta más la comida tradicional, totalmente.
¿En qué o en quién piensas cuando por fin te metes en la cama y cierras los ojos?
Últimamente, en mi familia, la verdad. Con todo lo que está pasando en mi país, tengo a toda mi familia en Irán, así que cada noche me duermo pensando en ellos y deseando que esté todo bien.
¿Cuál es tu primer recuerdo musical?
Que mis primos me enseñaran a Metallica. En esa época ellos escuchaban esa música y a mí me influenciaba muchísimo, por eso soy amante de ese grupo desde los 7 años.
¿Con qué tres temas podríamos resumir tu vida?
This Is New Shit / Marilyn Manson Sad But True / Metallica
The Division Bell / Pink Floyd
¿Qué track ajeno te hubiera gustado producir?
Trap y rap. Siempre me ha gustado producir esos estilos, y también drum & bass, que son sonidos que siempre me han gustado.
¿Cualquier tiempo pasado siempre fue mejor o para nada?
Soy un poco nostálgico, así que podría decir que sí. Creo que la música que se hacía antes es mejor que la que tenemos ahora.
¿Tu mejor producción está por venir?
Creo que sí. Cada día estoy mejorando la técnica, la habilidad y mi oído se entrena más, así que podría decir que está por venir.
CONOCIENDO MÁS A... CARO LIBERTAD
¿Te sueles despertar de buen humor... aunque sea ya por la tarde?
Creo que es muy raro que esté de mal humor en mi día a día. Me considero una persona alegre y muy positiva, así que generalmente mis mañanas comienzan con gratitud. Me gusta iniciar el día dando gracias por todo lo bueno que hay en mi vida y por todo lo que me rodea.
¿Cuál es tu momento favorito del día... y de la noche?
Mis momentos favoritos del día son cuando mi hijo me da un beso inesperado y cuando trabajo en el estudio. El sonido del estudio es terapéutico y lo disfruto mucho. Por la noche, mi momento favorito es cuando he tenido un día productivo y he avanzado en mis metas. Sentirme satisfecha por lo logrado me hace feliz.
Cuando no estás de bolo, ¿qué te gusta hacer? ¿Eres más de deporte o de peli con palomitas?
Me considero una persona fitness, así que soy muy disciplinada con el gimnasio y con comer saludable. Pero también me encanta ver cine y series.
¿Eres más de cocina tradicional o de platos de vanguardia?
Me encanta cocinar, especialmente la cocina mexicana, y lo hago casi todos los días. También disfruto mucho de la cocina de vanguardia en los restaurantes. En general, tengo una gran pasión por la gastronomía.
¿En qué o quién piensas cuando por fin te metes en la cama y cierras los ojos?
Creo que elegir la música como camino de vida requiere que seas un poco obsesiva, así que generalmente me duermo pensando en lo que necesito hacer al día siguiente, en lo que avancé y en todo lo que todavía puedo mejorar.
¿Cuál es tu primer recuerdo musical?
Mi primer recuerdo musical es cuando comíamos en familia y yo era niña. Generalmente mi papá ponía el concierto de Woodstock y yo comía mientras veía el concierto. Eso
me marcó muchísimo. Debía tener unos seis años y fue realmente impresionante ver a tanta gente expresándose con libertad y siendo feliz.
Además, ver la manera en la que los artistas se desenvolvían en el escenario era algo enloquecedor para mí. Me hacía sentir que había esperanza.
¿Con qué tres temas podrías resumir tu vida?
“Gracias a la Vida”, de Violeta Parra, me da fe y me mantiene con los pies en la tierra. “Free (HOSH Edit)” me conecta porque habla de Dios como maestro, amor y libertad, temas que resuenan conmigo. Libertad es mi segundo nombre, así que la libertad guía mi vida. “IDORU”, de Grimes, es tierna, sensible y emocional. Conecta conmigo porque comunico ternura y emociones profundas con mi voz. Amo su sensibilidad humana, suave y esperanzadora, algo que busco transmitir en mi música.
¿Qué track ajeno te habría gustado haber producido?
Underwater, de Jan Blomqvist, es una pieza profundamente emocional y técnicamente fina. Envolvente y transportadora, busca crear un estado similar en la música de Blomqvist.
¿Cualquier tiempo pasado fue mejor, o para nada?
Cada época y momento son especiales y conforman lo que somos como humanidad. Todo llega en el momento y tiempo exacto que necesitamos. La música de antes tenía valores y cosas bonitas que podemos apreciar, pero la música actual también nos acompaña en nuestro día a día y crecimiento. Siempre habrá cosas hermosas que apreciar en la música, en el pasado, presente y futuro.
¿Tu mejor producción está por venir?
Sí, estoy madurando como persona y artista, así que lo que viene será mejor. Como artistas, debemos crecer y evolucionar para ofrecer siempre calidad y nuestra mejor versión a través de la música.
IMS IBIZA 2026 VOLVER A SENTIR LA PISTA
Ibiza siempre ha tenido esa capacidad rara de ponerse en modo “reset” cada temporada. Como si la industria electrónica necesitara volver aquí para recordarse a sí misma qué es lo importante. Y el International Music Summit Ibiza 2026 de este año ha ido justo de eso: de volver a lo esencial… pero sin postureo.
Porque sí, hay paneles, datos, estrategias, inteligencia artificial, crecimiento del mercado y todo lo que quieras meter en una slide de PowerPoint. Pero lo que realmente se ha respirado en Cala Llonga es otra cosa: una industria que crece rápido, pero que empieza a preguntarse si está escuchando lo suficiente a la pista.
EL MENSAJE ESTABA CLARO: RECLAMAR LA PISTA
“Reclaim the Dancefloor” no ha sido un slogan bonito para la foto. Ha sido casi una advertencia.
En un momento donde todo se mide en contenido, alcance y métricas, IMS ha puesto sobre la mesa una pregunta incómoda: ¿en qué momento dejamos de hablar de música para hablar solo de negocio?
Y lo interesante es que la respuesta no ha venido de una sola dirección. DJs, managers, plataformas, festivales y sellos… todos han coincidido en algo: la pista de baile necesita menos ruido externo y más foco en lo que pasa dentro.
UNA INDUSTRIA QUE NO PARA DE CRECER (PERO TAMBIÉN SE COMPLICA)
Los números son claros: la música electrónica sigue en crecimiento global, con más inversión, más eventos y más consumo que nunca. Pero el ambiente no es de euforia ciega. Se nota cierta madurez. O incluso saturación.
Más artistas, más lanzamientos, más festivales… pero también más presión, más dependencia del algoritmo y menos tiempo para desarrollar carreras con calma. IMS ha puesto ese debate encima de la mesa sin dramatismos, pero sin edulcorar nada.
ENTRE EL BUSINESS Y LA CULTURA
Lo que sigue haciendo único a IMS es ese equilibrio extraño entre reunión de industria y punto de encuentro real.
Por la mañana, conversaciones sobre tecnología, modelos de negocio y el futuro del streaming. Por la tarde, debates sobre salud mental, sostenibilidad o diversidad en la escena. Y por la noche, la parte que nadie quiere admitir pero todo el mundo espera: la música sonando en serio.
Porque ahí es donde todo cobra sentido.
IBIZA COMO ESPEJO
Ibiza no es solo el lugar donde ocurre IMS. Es el recordatorio constante de por qué existe todo esto.
No hay otra isla en el mundo donde el clubbing, el turismo, la cultura y la industria estén tan mezclados. Y eso convierte cada edición en algo más que un evento: es casi una radiografía de hacia dónde va la electrónica global.
OFF THE RECORD
Si algo deja IMS Ibiza 2026 es una sensación clara: la industria no está en crisis, pero sí en revisión.
Se ha acabado la etapa de crecer sin mirar alrededor. Ahora toca otra cosa: cuidar lo que ya se ha construido.
Porque al final, por muchos informes, cifras o tendencias que haya sobre la mesa, todo sigue volviendo al mismo punto: la pista de baile.
Y si la pista no funciona, nada más importa.
K-STYLE
NO SOLO TECHNO
Con más de dos décadas dedicadas a la música electrónica, K-Style se ha consolidado como una de las figuras más reconocibles de la escena techno del norte de España. Su propuesta, marcada por la fusión entre hardgroove, hardhouse, trance y esencia bakala, ha logrado conectar generaciones distintas dentro de la pista. DJ, productor y fundador del sello NOFEAR!, su trayectoria combina experiencia, identidad y una visión abierta de la cultura club. Hablamos con él sobre evolución artística, residencias, producción y el momento actual del techno en España.
Texto: Vicious Magazine
Llevas años construyendo tu identidad dentro del techno del norte de España. ¿En qué momento sentiste que tu sonido realmente se volvió reconocible?
Desde que empecé, hace más de 20 años, tuve claro que construir una identidad propia era una de las claves. Hubo una época, en pleno boom del hard techno, en la que me sentí algo perdido, pero esa búsqueda empezó a encajar de verdad hace un par de años, cuando decidimos apostar sin complejos por mezclar hardgroove, hardhouse, trance y nuestras raíces más bakaletas.
Tus sets destacan por esa mezcla a tres decks y un groove muy marcado. ¿Qué buscas provocar emocionalmente en la pista cuando pinchas?
Busco que la pista viva un viaje muy intenso: mucha energía, mucho groove y esa sensación de ir siempre hacia arriba, sin renunciar a momentos más emocionales o algún pequeño respiro para que todo tenga más sentido. Al final, me gusta mezclar como lo hemos hecho toda la vida: al subidón.
Has compartido cabina con nombres como Richie Hawtin o Amelie Lens. ¿Qué has aprendido de esos encuentros a nivel artístico y profesional?
Con todo el respeto a las grandes figuras de la escena, creo que he aprendido más de la gente que he tenido cerca y con la que he trabajado codo con codo durante años. Pienso, por ejemplo, en Carlos Pérez: hace mucho tiempo ya me volaban la cabeza sus mezclas. Muchas veces, el aprendizaje más importante lo tienes más cerca de lo que parece.
Tu sonido bebe del techno, hardgroove, hardhouse y de la cultura “bakalao”. ¿Cómo equilibras lo nostálgico con lo contemporáneo en tus sets?
Me dejo llevar por lo que me emociona y por lo que me gusta, venga de la época que venga. En un set mío puede convivir una promo que aún no ha salido con un tema de hace 25 años y que todo tenga sentido. Creo que justo ahí está el equilibrio: en respetar el pasado, pero traerlo al presente con tu propio lenguaje.
Después de más de 70 releases en sellos internacionales, ¿cómo ha evolucionado tu manera de producir en el estudio?
Soy bastante minimalista trabajando: casi todo dentro de Logic, con apoyo de un controlador MIDI y una Maschine, en mi estudio de siempre. En los últimos años intento llegar con las ideas mucho más claras, porque tengo menos tiempo y más frentes abiertos. También tengo menos ansiedad por sacar mucho; ahora prefiero publicar menos música, pero que realmente tenga sentido.
Estás desarrollando tu propio sello. ¿Qué tipo de artistas y narrativa musical quieres impulsar con este proyecto?
Con NOFEAR! la idea es muy clara: cero prejuicios y cero miedo a moverse entre estilos. Si algo entra en mis sesiones, me representa y me emociona, tiene sentido en el sello.
El proyecto me está permitiendo colaborar con artistas nuevos y muy respetados de la nueva ola techno, como Yuuta u Óscar Sánchez, y al mismo tiempo editar a leyendas como Head Horny’s o nombres muy ligados a la escena más bakala, como GNS o Ivan Xtreme. Para mí, poder unir esos mundos dentro de un mismo proyecto es un lujo.
Has sido residente en ZUL durante años, un club clave en tu trayectoria. ¿Qué significa para ti la residencia frente a la vida de DJ en constante movimiento?
Vengo de la escuela de las residencias, de pinchar muchas horas cada semana, y creo que eso ha sido fundamental en mi aprendizaje como DJ. A partir de ahí, disfruto mucho de las dos caras: tocar en casa y sentir el cariño de tu gente es algo muy especial, pero viajar y conectar con gente nueva a través de la música es una de las cosas más bonitas de esta profesión. Y sí… qué ganas de que vuelva a abrir ZUL.
En una escena cada vez más globalizada, ¿cómo ves el papel de la identidad local dentro del techno actual?
Para nosotros, trabajar durante tantos años desde el norte de España ha sido clave para construir una identidad propia. Además, veo algo muy positivo: cada vez hay más colectivos locales moviendo escena en distintos puntos del país, muchas veces sin depender de grandes headliners internacionales y, aun así, levantando eventos muy potentes.
También has impulsado proyectos como festivales y plataformas para nuevos talentos. ¿Sientes que el artista hoy debe ser también emprendedor para sobrevivir?
Cien por cien. Hoy no basta solo con hacer buena música o pinchar bien: hay que saber moverse, tomar decisiones, crear contexto y empujar tus propios proyectos. Si no entiendes esa parte, es muy difícil construir algo duradero.
Si tuvieras que definir el momento actual del techno en España en una sola idea o sensación, ¿cuál sería?
Abierto e ilusionante, pero también incierto.
El año pasado pasaste por el escenario de Aquasella Festival, una cita clave dentro del circuito nacional. ¿Cómo viviste esa actuación y qué recuerdos o sensaciones te dejó esa conexión con el público?
Sin duda, fue el gran peak de 2025. Vivimos ese cierre del domingo de una forma increíble, y creo que la conexión con la gente fue total. Es una de las experiencias más especiales de mi carrera… y de mi vida. Nunca olvidaré que, después de tocar, fuimos a cenar y la gente de la terraza en la que entramos se puso a aplaudirnos y a ovacionarnos. Fue una locura.
TEN WALLS
EL BAJO COMO RAÍZ, EL CIELO COMO
NUEVA PISTA
De “Walking With Elephants” a “Dreaming”, el productor lituano reconstruye su presente entre arquitectura sonora, memoria clásica, vuelo acrobático y una pasión intacta por crear música sin obedecer a una sola forma.
En la historia reciente de la electrónica europea hay artistas que han construido un lenguaje reconocible con apenas unos pocos elementos esenciales. En el caso de Ten Walls, ese lenguaje nace desde abajo: desde el bajo como columna vertebral, desde la tensión melódica, desde una forma casi arquitectónica de levantar el sonido hasta convertirlo en espacio físico. Antes de convertirse en una firma global con Walking With Elephants, antes de los grandes escenarios, de los proyectos orquestales y de la expansión de Runemark, ya existía en Mario Adomaitis una relación profunda con la música como estructura, impulso y territorio emocional.
Formado en el fagot, criado entre jazz, funk, disco, progressive house y sonidos importados desde escenas como Berlín o Londres, Ten Walls ha ido mutando sin perder una idea central: el groove puede ser oscuro, elegante, agresivo o contemplativo, pero siempre debe sostenerse sobre una fuerza interna reconocible. Su carrera ha transitado del club al formato sinfónico, de la electrónica de pista a proyectos como Symphony y E-Carmen, de la intimidad del estudio a escenarios masivos donde la conexión con el público se vuelve una cuestión de lectura, instinto y riesgo.
Ahora, con Dreaming, su colaboración junto al campeón de acrobacia aérea Igoris Lobanovas y la voz de GØYA, Ten Walls lleva esa idea de movimiento un paso más allá. La pista ya no está solo bajo los pies: también puede estar en el cielo. Pero este lanzamiento parece funcionar también como una señal, como la primera grieta de algo más amplio que empieza a abrirse en su universo creativo. Hay un nuevo capítulo en camino, todavía envuelto en cierta reserva, y todo apunta a que este año Ten Walls volverá a desplegar su lenguaje en formato largo. Hablamos con él sobre sus raíces, el peso de un himno global, su manera de construir música, la importancia de la imperfección humana y el futuro de un proyecto que sigue buscando nuevas formas de sentirse honesto.
Para quienes quizá te descubrieron con “Walking With Elephants”, o para quienes vuelven a conectar ahora con tu música, ¿cómo describirías el momento actual de Ten Walls a nivel musical, personal y creativo?
Desde el principio, cuando creé temas como Gotham, Sparta, Requiem y Walking With Elephants, todos tenían ese sonido de bajo que forma parte de mi firma. Estudié en un gimnasio musical tocando el fagot y casi siempre estaba en las partes de bajo, así que esa conexión con las frecuencias graves está muy dentro de mí. Se quedó ahí.
Incluso ahora sigo manteniendo el hook en la línea de bajo dentro de mis tracks. Para mí eso es imprescindible. Siempre estoy buscando nuevos sonidos. Mis álbumes suelen estar más cerca de un lado calmado, mientras que los EPs, singles o remixes pueden ser un poco más duros, más afilados, a veces incluso algo agresivos. Mi sonido es bastante amplio porque me muevo mucho entre géneros. Hay una mezcla de diferentes vibras en lo que hago, pero sigo manteniendo el bajo como fuerza principal.
Naciste en Vilnius, lejos de las capitales tradicionales de la música electrónica. ¿Cómo moldeó Lituania tu sonido interior antes de que el mundo te conociera como Ten Walls o Mario Bassanov?
Soy de Kaunas, que es como la segunda ciudad después de Vilnius, y cuando entré en la cultura de baile y en la producción, alrededor del año 2000, el progressive house dominaba mucho allí, especialmente en Kaunas. Mis primeras cosas estaban muy conectadas con elementos del progressive house porque todavía estaba buscándome a mí mismo. Incluso hice broken beat, estaba muy inspirado por Jazzanova y 4hero, por toda esa vibra.
En aquel momento publicaba como Mario Basanov. Ahí fue donde empecé a dar forma a mi sonido, más hacia el lado nudisco, groovy y funky, porque soy un gran fan del disco. Crecí con jazz, funk y disco, así que naturalmente eso entró en mi música. De ahí salieron tracks como Caribbean Girl y Do You Remember, publicados en Future Classic. Al mismo tiempo, siempre estuve interesado en sonidos más profundos: pads, arpegios voladores, ese tipo de espacio. Así se formó mi lado deep house. Puedes escuchar muy bien a qué me refiero en Feel Me, como Mario Basanov, en Noir Music. Después todo se movió de forma natural y evolucionó hacia Ten Walls, que básicamente es el mismo viaje, solo que con otro nombre. Ahí también exploré un lado más oscuro y agresivo con temas como Mongol o Plast, mientras que algo como Sparta está más en un lado luminoso. Para mí siempre ha existido ese equilibrio entre luz y oscuridad. Y a través de todo eso seguí construyendo mi sonido alrededor del bajo como hook principal. En aquel momento ya recibíamos mucha música de fuera: Berlín, Londres… Ya no eran tiempos soviéticos, llegaban CDs, el acceso se estaba abriendo y eso también fue una gran inspiración. Por supuesto, ahora todo es mucho más fácil que entonces.ubidón.
“Walking With Elephants” no fue solo un hit; se convirtió en un emblema electrónico global. Cuando un track crece más que su propio creador, ¿cómo se aprende a convivir con él?
Al principio hice una versión totalmente diferente llamada Mammut, que solo salió en vinilo dentro de mi disco Greatest Hits. Después, en paralelo, hice otra versión con violines, más fluida. En aquel momento nadie tenía realmente ese tipo de sonido todavía, y sentimos que la versión con violines era la que debía salir.
Empezamos a mover la promo incluso antes del lanzamiento oficial y ya podíamos ver cómo estaba creciendo, haciéndose cada vez más grande, casi viral en todas partes. Luego sacamos el vinilo y más tarde se publicó en Atlantic Records. Después también llegó el vídeo.
Todavía amo mucho ese track. Para mí es especial. Con Walking With Elephants tuve desde el principio la sensación de que iba a ser grande, como un verdadero hit. Simplemente lo sentía por dentro. Y aún hoy no puedo no tocarlo en mis sets. Han pasado como diez años y, si no lo pongo, la gente se decepciona. Así que siempre está ahí. La gente siempre acaba escuchándolo.
Tu música a menudo parece construida más que simplemente producida: cimientos pesados, estructuras melódicas, tensión dramática. ¿Piensas el sonido como arquitectura?
Muy buena pregunta. Sí, lo veo mucho como un arquitecto.
La estructura y el desarrollo lo son todo: hacia dónde llevas al oyente, qué estás construyendo. Ya existe una especie de estándar: entras en un breakdown y luego depende de ti, como productor, cómo haces que la transición hacia el drop funcione, cómo haces que vuelva de una forma que golpee.
Es muy importante cómo introduces el bajo, cómo colocas capas encima. Sí, definitivamente pienso con esa mentalidad de arquitecto. Incluso ahora estoy en el estudio trabajando en un proyecto y literalmente lo analizo así: si la percusión se está desarrollando bien, si los elementos entran en el momento correcto.
Hay instrumentos que están pensados para entrar más tarde, no desde el principio. Por ejemplo, los rides los introduces hacia el final, cuando quieres levantar la energía y crear hype. Por supuesto, puedes experimentar, saltarte el breakdown o hacer algo más inesperado, pero al final, en la pista de baile, normalmente se necesita ese momento para respirar. Así que sigo respetando esa estructura.
La base es de algún modo estándar, pero las decisiones, cómo haces que sea interesante, esa es la parte clave para mí. Y pongo mucho foco en eso.
Tracks como “Sparta”, “Requiem”, “Gotham”, “Rocky” y “1983” sugieren mundos visuales muy marcados. ¿Las imágenes suelen llegar antes que el ritmo en tu proceso creativo?
Cuando entro al estudio nunca sé realmente hacia dónde me va a llevar el proceso creativo. Cuando la gente pregunta cómo llegan las ideas, sinceramente es simplemente el proceso creativo: empiezas a probar sonidos, a pasar por presets, encuentras algo que conecta, lo modificas, lo haces tuyo, y ahí empieza todo. Quizá encuentras un riff, un pulso principal, y construyes desde ahí. Antes era más habitual quedarse dentro de un género, no desviarte demasiado, pero ahora intento poner
mi propio sonido dentro de las cosas y no limitarme. Así que siempre es una especie de viaje desconocido.
Por supuesto, puedes decidir: vale, este tema es para la pista o este otro es más para un álbum, algo más calmado. Pero más allá del tempo o de la dirección, nunca sabes realmente hacia dónde te va a llevar el proceso creativo. Y esa es, en realidad, la parte más emocionante.
Tu álbum “Queen” se sintió como una declaración de profundidad artística, no solo como una colección de tracks de club. ¿Qué te permitió decir ese disco que los singles no podían expresar?
El álbum para mí está muy cerca del corazón. Me gusta mucho. Es bastante ecléctico, pero no en un mal sentido. Todo fluye de forma natural: un track entra en otro, todo está pensado, cada pieza tiene su lugar.
Se mueve desde algo como Rocky, que tiene una vibra más groovy, indie, disco y funky, hasta The Muses Return, que tiene una escala completamente distinta, mucho más grande, casi monumental. También hay tracks más lentos entre medias, así que es un viaje completo.
Pensé mucho en qué venía después de qué, cómo se construía, cómo viajaba. Y el proceso en sí fue sencillo: simplemente estaba haciendo mucha música, sin parar, y durante más o menos un año fue tomando forma el álbum Queen.
Con Runemark creaste tu propia plataforma en 2017. ¿El sello nació de la independencia, la necesidad, la protección o del deseo de construir un mundo alrededor de tu sonido?
Runemark Records es como mi casa, como mi propio espacio donde puedo escuchar lo que la gente me envía y decidir realmente junto al productor qué necesita cambiar, qué se puede llevar más lejos.
Me importa mucho. Por eso, especialmente con productores jóvenes, muchas veces les pido que me envíen los stems para poder entrar yo mismo y ayudar con la mezcla o el mastering. Tengo la experiencia, el oído y todo lo que necesito para hacerlo correctamente, y siempre estoy dispuesto a ayudar.
Para mí Runemark Records es realmente algo de pasión. Cada track que lanzamos lo siento cercano. Estoy involucrado. Por supuesto, también publico mi propia música allí, pero también disfruto mucho descubriendo nuevos artistas, nuevas ideas, nuevos enfoques. Siempre analizamos las cosas, revisamos los detalles y elegimos lo que realmente encaja.
Has tocado en escenarios enormes como Tomorrowland, DGTL, Sónar, ADE, Extrema, HARD Summer, Ushuaïa y Amnesia. En lugares tan grandes, ¿cómo mantienes viva la intimidad?
Los clubs pequeños tienen esa sensación acogedora. Es como saltar a un lago: muy cercano, muy personal. Los grandes festivales son otra historia. Para mí es más como saltar desde un puente al mar Báltico, como hacía cuando era niño. Sientes esas corrientes bajo el agua, esa adrenalina. Es una energía completamente diferente.
Mantener la conexión con el público siempre es algo individual. Cada vez es distinto. Leo a la gente, leo mi set y siempre intento sorprenderlos.
Tu proyecto orquestal “Symphony”, con 75 músicos clásicos, y tu ópera electrónica “E-Carmen” muestran una ambición clara de ir más allá del formato club. ¿Qué te da la música clásica que la electrónica por sí sola no puede darte?
Tocar con una orquesta sinfónica completa, con alrededor de 75 músicos, es un mundo completamente diferente. Para mí, habiendo terminado un gimnasio musical, es un momento muy sensible, porque de alguna manera estoy volviendo a lo que estudié y viví durante unos 12 años. Es muy diferente de la música electrónica. Con instrumentos en vivo tienes esas pequeñas microimperfecciones, y ahí es donde aparece la vida, ese sentimiento humano. Además, cada instrumento lleva sus propios armónicos, que expanden todo el sonido.
Para mí tocar con una orquesta fue un momento enorme. Mi proyecto Symphony es definitivamente una de las cosas más memorables que he hecho. Cuando escuché por primera vez que iba a suceder, mi pensamiento principal fue cómo capturarlo correctamente, cómo filmarlo, documentarlo, incluso estar involucrado en la edición para que todo se sintiera bien.
Al final no se convirtió solo en un vídeo de YouTube, sino también en un doble vinilo a partir de la grabación en directo. Así que sí, Symphony para mí es algo realmente especial. “Symphony” fue seleccionado para representar a Lituania en Dubai Expo. ¿Ese momento cambió la forma en que entendías tu papel como artista de un país pequeño con una voz global?
Estoy increíblemente orgulloso de ello, sinceramente. No solo de Symphony, sino también de E-Carmen, una ópera electrónica dirigida por Dalia Ibelhauptaitė, para la que creé la música. Ambos proyectos fueron presentados en Expo 2020 Dubai, y eso es algo realmente grande. Lamentablemente no pude estar allí porque alguien cercano a mí estaba gravemente enfermo en ese momento, pero aun así significa muchísimo para mí. Llevo Symphony muy cerca. Cuando recibes un mensaje del tipo “mejor siéntate para esto” y luego escuchas que dos de tus grandes obras van a sonar en Expo Dubai, es una sensación poderosa, irreal.
Tu nuevo lanzamiento “Dreaming” junto a Igoris Lobanovas convierte el vuelo acrobático en una narrativa musical y visual. ¿Qué te atrajo de la idea de componer junto al movimiento, el riesgo y el cielo?
Este proyecto es honestamente una de las cosas más interesantes que he hecho en mi vida. Junto a Igoris Lobanovas, que es un campeón y un verdadero maestro de la acrobacia aérea, conseguimos hacer algo bastante irreal. Toda la experiencia fue una locura. Cuando hablamos por primera vez y decidimos que lo haríamos, antes incluso de que yo hiciera el track, él me subió al avión. No fue un paseo casual por diversión, sino un vuelo real de estilo competición. Sentí hasta 9G de fuerza, y fue una locura, algo que me abrió completamente la mente. Después de eso, todas las ideas empezaron a llegar de forma natural para el track. Por supuesto, queríamos documentarlo en vídeo, pero el objetivo nunca fue simplemente editar algo bonito para hacer un videoclip. Queríamos conectar de verdad el vuelo y la música. Y lo conseguimos. El avión se movía literalmente con la música, como si bailara con ella. Pero hacer que algo así ocurra es mucho más complicado de lo que parece. Igoris ni siquiera escucha la música mientras vuela. Todo tiene que estar escrito y memorizado en segundos. Cada movimiento tiene que estar cronometrado exactamente para que las maniobras encajen con el track. Para mí fue algo que no podía ni imaginar antes. Su nivel de maestría es simplemente increíble. Y lo mejor es que realmente podemos repetirlo en directo cuando queramos.
En “Dreaming”, la voz de GØYA aporta una fragilidad humana a un paisaje electrónico muy cinematográfico. ¿Cómo decides cuándo un track necesita una voz y cuándo el silencio dice más?
Buena pregunta. Es como una sensación interna, cuando simplemente sientes que falta el personaje principal. A veces es un instrumento, un sonido concreto, un elemento de arpegio, y a veces es una voz, femenina o masculina. Estoy muy contento de que GØYA haya hecho las voces para este track. Trabajamos mucho juntos, también hacemos hybrid sets juntos, así que hay una conexión fuerte. Su voz simplemente encajó perfectamente en este track, como si siempre hubiera estado destinada a estar ahí.
Tu recorrido público ha incluido éxito, presión, controversia y regreso. Mirándolo ahora, ¿qué ha cambiado más en tu relación con la música: la ambición, la disciplina, el ego o el sentido de responsabilidad?
La vida está llena de subidas y bajadas, desafíos, momentos altos y bajos. Pero lo que siempre ha estado conmigo es la pasión por la música. No el ego, sino pura pasión por crear, por crear siempre, por seguir adelante. Creer en lo que haces, en tus tracks, es la forma en que empiezas a creer en ti mismo y realmente haces que las cosas ocurran. Nada me ha detenido nunca de verdad. Nunca he hecho pausas. Es más bien lo contrario: sigo descubriendo cosas nuevas todo el tiempo, y probablemente ese sea el motor principal que me empuja hacia adelante. Sinceramente, no puedo imaginarlo de otra manera. La música es parte de mí. La vivo. No es algo superficial ni solo un producto. Es algo real en lo que estoy metido cada día.
Tu recorrido público ha incluido éxito, presión, controversia y regreso. Mirándolo ahora, ¿qué ha cambiado más en tu relación con la música: la ambición, la disciplina, el ego o el sentido de responsabilidad?
La vida está llena de subidas y bajadas, desafíos, momentos altos y bajos. Pero lo que siempre ha estado conmigo es la pasión por la música. No el ego, sino pura pasión por crear, por crear siempre, por seguir adelante.
Creer en lo que haces, en tus tracks, es la forma en que empiezas a creer en ti mismo y realmente haces que las cosas ocurran. Nada me ha detenido nunca de verdad. Nunca he hecho pausas. Es más bien lo contrario: sigo descubriendo cosas nuevas todo el tiempo, y probablemente ese sea el motor principal que me empuja hacia adelante.
Sinceramente, no puedo imaginarlo de otra manera. La música es parte de mí. La vivo. No es algo superficial ni solo un producto. Es algo real en lo que estoy metido cada día.
Después de todo lo que has construido —los hits, el sello, la orquesta, la ópera, los grandes escenarios globales—, ¿qué necesita el futuro de Ten Walls para sentirse honesto?
Ha habido muchas cosas interesantes, muchos experimentos creativos y proyectos diferentes. Incluso cuando ya tienes planes, siempre aparece algo nuevo: ideas inesperadas, nuevas colaboraciones que simplemente suceden. Así funciona el proceso creativo.
Pero en el fondo, para mí, todo sigue tratándose de crear y compartir música. Eso es lo principal. Y honestamente, lo que más me emociona ahora mismo es poder compartir mi nuevo álbum con todo el mundo. Saldrá este año. Eso es lo que lo mantiene honesto para mí.
Para mí nunca se trató de perseguir algo o de demostrar nada. Siempre se trató del sonido. Desde el principio simplemente seguí esa sensación, construyendo mi propio mundo alrededor de ella, y de alguna manera ese mundo empezó a conectar con la gente.
ESSAN
En una escena cada vez más rápida, intensa y en constante mutación, Essan ha sabido construir una identidad propia sin perder de vista lo más importante: la emoción. Desde sus inicios como raver hasta consolidarse como una de las figuras destacadas del hard techno en España, su trayectoria es el reflejo de una artista inquieta, en permanente evolución y ajena a las etiquetas. Sus sets, cargados de energía, narrativa y riesgo, son tanto un viaje físico como emocional en la pista de baile. Hablamos con ella sobre su evolución sonora, el auge del género y la necesidad de mantenerse fiel a una misma en medio del ruido.
Texto: Vicious Magazine
Tu sonido ha evolucionado desde lo melódico hacia terrenos más industriales y hard. ¿Qué detonó ese cambio tan marcado en tu identidad artística?
Lo que me ha hecho evolucionar a lo largo de estos años ha sido el hecho de que siempre he sido una fiel amante de muchos estilos y he tenido el corazón dividido en ese sentido. Realmente empecé pinchando D&B en 2015 y he ido construyendo mi sonido hacia otros géneros, pasando por casi todos, dependiendo del momento en el que estuviese en mi vida y de lo que necesitaba expresar. Siempre intento salir de mi zona de confort y hacer cosas nuevas porque, si no, siento que me estoy acomodando.
En 2017 acudí al festival Awakenings y algo dentro de mí cambió; volví a España pinchando techno y, a partir de ahí, fui cambiando poco a poco hasta donde estoy ahora.
Tus sets suelen moverse en BPMs altos pero con mucha narrativa. ¿Cómo construyes ese equilibrio entre energía y storytelling en cabina?
Creo que es algo que me sale muy natural, ya que nunca preparo mis sets más allá de los dos primeros temas y de cuidar muy bien la selección musical. Me gusta improvisar toda la sesión, pero también intento contar una historia y que el set tenga un principio y un final, y lo hago según mis emociones y cómo me siento en ese momento. La energía es algo que siempre me da el público y necesito su feedback para que todo fluya.
Has pasado de ser clubber a artista consolidada dentro de la escena. ¿Qué parte de esa Essan raver sigue viva cuando te subes a pinchar?
La verdad es que lo pienso muchas veces y todavía me sigue pareciendo una locura. Esa parte de Essan, o más bien de Patry, siempre seguirá viva porque, antes de ser DJ, fui raver desde mi adolescencia, y mi sueño era pinchar igual que los artistas a los que tanto admiraba. Mi yo pequeña estaría muy orgullosa de lo que hemos conseguido, por eso esa parte de mí siempre estará ahí.
Eras la residente en Sala Sonora. ¿Cómo ha influido esa residencia en tu evolución como DJ y en tu conexión con el público?
Los ocho años que estuve en Sonora como residente fueron un aprendizaje y un background a un nivel impresionante. El hecho de poder abrir y cerrar cada fin
de semana a artistas internacionales de todos los estilos, tener mis All Night Long o hacer algunas noches a vinilo es lo que me ha hecho ser quien soy ahora mismo. Siempre estaré muy agradecida por esos años y por lo mucho que evolucioné, por la familia que se creó junto al público y al equipo de trabajo y por la conexión tan bonita que teníamos cada vez que iba. El público de Bilbao es de lo mejor que la vida me ha regalado; sin ellos, nada habría sido posible.
Tus sets mezclan hardtechno, psy, hardbass… ¿te interesa romper etiquetas o crees que hoy más que nunca son necesarias para definir una escena?
No es que me interese romper etiquetas, es que me encanta hacerlo. Me gusta la improvisación, el caos dentro del orden, ser contradictoria, que no haya unas reglas establecidas ni tener que seguirlas.
Me gusta sorprender al público y no hacer lo mismo dos veces seguidas, por eso en mis sets es muy habitual verme pinchar tantos estilos en hora y media o dos. Por eso me gusta tanto hacer all night long, porque puedo expresarme con una narrativa muy amplia.
Has compartido cabina con artistas internacionales en clubs como Fabrik o Razzmatazz. ¿Qué has aprendido de ese contexto más global?
El mayor aprendizaje es estar con ellos, sobre todo cuando conoces a alguien a quien llevas años admirando y puedes pasar un rato con él, hablar, intercambiar opiniones y, sobre todo, nutrirte de sus experiencias. También, como residente, compartir cabina con ellos y hacerles el warm up te enseña a salir de tu zona de confort, a adaptarte, a abrir la noche a fuego más lento y, sobre todo, a tener los pies en la tierra.
Como productora, tu música combina bases muy contundentes con atmósferas más emocionales. ¿Qué peso tiene lo emocional dentro de tu sonido actual?
Lo emocional siempre ha tenido un peso muy importante en mi vida y es algo que intento transmitir a través de mi música y de mis sets. Desde hace años toco el piano de forma autodidacta, lo cual ha hecho que siempre me haya sentido más atraída por la composición que por la producción, aunque entiendo que en mi campo ambos van de la mano, así que intento que haya un equilibrio sin olvidarme de dónde vengo y qué es lo que me remueve por dentro.
Vienes de una generación que ha vivido el auge del hard techno en España. ¿Cómo percibes este boom desde dentro?
Ese boom ha sido una auténtica locura, y esos primeros años pospandemia, más aún si cabe. En mi caso, yo ya tenía el ramalazo de pinchar estilos más duros y a más BPM de lo que se solía pinchar antes de la pandemia, y cuando volvimos en 2022 tuve muy claro lo que tenía que hacer.
Aquel año fue muy especial, ya que toda una generación que alcanzó la mayoría de edad empezó a salir, y la energía que había en las pistas era increíble.
También impulsas proyectos propios como tus eventos “Raving by Essan”. ¿Qué visión hay detrás de esa plataforma?
Para ser honesta, siempre he sido una persona bastante tímida e introvertida y me ha costado mucho soltarme en cabina, aunque con el paso de los años, supongo que por inercia y experiencia, he ido aprendiendo a moverme sin que se note demasiado la timidez. Pero sí que le doy muchísima importancia a la interacción con el público, a sonreírles, a devolverles un corazón o a estar presente con ellos, tanto antes como durante el set y al terminar.
Cerraste la carpa de Aquasella el año pasado. Como recuerdas esa experiencia y que significó para ti a nivel carrera?
Cerrar el festival de Aquasella sin duda ha sido el momento más especial y bonito de toda mi carrera y probablemente uno de los mejores de mi vida en general.
Cuando me lo dijeron meses antes, supe que tenía una gran responsabilidad por delante y no voy a negar que estuve muy nerviosa hasta que terminé, pero también sabía que estaría súper arropada por todo mi querido público del norte y por todos mis amigos y compañeros, y efectivamente así fue. Todavía se me ponen los pelos de punta recordando esa hora. Fue todo un sueño cumplido para mí.
MARIO VICE
DESDE SUS INICIOS CASI IMPROVISADOS HASTA CONVERTIRSE EN UN REFERENTE DEL HOUSE EN VIGO, KLUBERS HA CRECIDO A BASE DE CONSTANCIA, PASIÓN Y UNA FUERTE CONEXIÓN CON SU COMUNIDAD. HABLAMOS CON UNO DE SUS IMPULSORES PARA CONOCER CÓMO NACIÓ EL PROYECTO, SU EVOLUCIÓN Y QUÉ HAY DETRÁS DE CADA UNA DE SUS FIESTAS.
¿Cómo nace la idea de Klubers y en qué momento te das cuenta de que estaba creciendo más allá de una simple sesión?
Pues nace de forma un poco repentina, sin tener nada planeado. Un día, un amigo que tiene una discoteca me llama para actuar y le contesté que vale, pero decidí que no sería una simple actuación sin más. Le dije que quería que fuese algo diferente y que crearíamos algo.
Quería que actuase en dos semanas y le dije que no, mejor dentro de dos o tres meses, que quería preparar bien la idea que en ese momento me vino a la cabeza. Empezamos a darle forma y así resultó la primera fiesta Klubers.
Después del éxito de la primera, decidimos hacerla de manera mensual y que cada evento fuese un poco diferente al anterior. Poco a poco, y con muchos golpes por el camino, tras año y medio de vida aproximadamente, empezamos a ver que llegábamos a más gente, de aquí y de fuera de la ciudad, que acudía cada vez que teníamos evento, y nuestra comunidad cada día crecía un poco más.
En pocos años, Klubers se ha convertido en un referente del house en Vigo, ¿cuál crees que ha sido la clave de ese crecimiento?
Creo que son varias las claves: la constancia, dedicarle muchas horas, haber recibido golpes y seguir intentándolo, rodearte de gente que te apoya, la ilusión que tengo por el proyecto y la parte pasional, que también es muy importante.
¿Cómo definirías tu sonido como DJ y qué buscas transmitir en cada set?
Mi sonido se podría definir como una mezcla de house con ritmos tech, sonidos clásicos del house con vocales y también algún que otro guiño al afro y al latin, adaptándome siempre al público dentro de estos estilos.
Los tracks que pincho en cada set siempre tienen que tener buenos bajos, ritmo, alegría y, sobre todo, hacer que la gente pase un buen rato, que para eso paga su entrada.
La escena house en Vigo ha cambiado mucho recientemente, ¿cómo has vivido esa evolución desde dentro?
Muy positivamente. Hace casi cuatro años apenas había sesiones de electrónica, salvo de techno. Luego empezaron a surgir nuevas marcas, lo cual quiere decir que hay más público más allá de la música comercial y que la gente joven también quiere eventos diferentes.
¿Qué significa para ti formar parte de KLUBERS x VICIOUS y qué puede esperar el público de esta noche?
Para nosotros es una colaboración muy interesante, al asociarnos con uno de los mejores medios de comunicación del país. Nos permite llegar a más público y que la marca suene en otros lugares, lo cual siempre es importante.
El público que venga no se encontrará con una noche más, ya que vamos con muchas ganas por esta colaboración. Es el cierre de temporada en el club, lo cual es muy especial, y además contamos con DJs de alto nivel.
Has actuado en varios países, ¿qué diferencias encuentras entre el público internacional y el gallego?
Yo creo que cada vez hay menos diferencia. La escena está muy conectada estés donde estés, y el público hoy es mucho más global y diverso culturalmente.
¿Qué papel crees que juegan las promotoras independientes como Klubers en el desarrollo de la cultura electrónica?
Pienso que jugamos un papel importante por la cercanía que podemos tener con nuestra gente, haciendo comunidad desde abajo y de forma más real, probablemente. Además, esa independencia nos da cierta flexibilidad para crear y probar nuevas propuestas.
Klubers ha traído a artistas importantes a Vigo, ¿cómo eliges a los invitados para cada evento?
Hemos traído artistas importantes y también otros no muy conocidos que, para nosotros, son igual de importantes.
No creemos tanto en el “caché” que puedan tener ciertos artistas, sino en lo que nos pueden aportar, si están en nuestra misma filosofía musicalmente hablando y, sobre todo, tener la certeza de que van a hacer pasar un buen rato a nuestro público, que al final es lo más importante.
Además del formato club, habéis explorado brunchs electrónicos y un festival propio, ¿hacia dónde quieres llevar la marca en el futuro?
Acabamos de estrenar nuestro propio sello discográfico, Klubers Records, y ahora mismo estamos en plena organización del festival y de nuestro siguiente brunch. Habrá más cosas también a corto plazo, pero aún no podemos contar mucho.
Para alguien que aún no ha vivido una fiesta de Klubers, ¿cómo le convencerías de que no se pierda la próxima?
Que si vienen, seguro que no se aburrirán. En nuestros eventos no solo es la música, que está muy seleccionada, sino que vivirán una experiencia donde siempre está pasando algo. Al final, literalmente, es una fiesta.
EL FACTOR INVISIBLE ENTRE EL TECHNO, LA AMBICIÓN Y LA INDEPENDENCIA
apaull llegó a la producción electrónica después de una etapa marcada por la ciencia, los negocios y la consultoría ambiental. Lejos de esconder ese pasado, lo ha convertido en método: disciplina, aprendizaje constante, independencia y una visión muy clara sobre cómo construir una audiencia desde cero. Su nuevo álbum, Gunfactor, explora la fama, la ambición y la notoriedad desde un sonido que cruza techno, pulsión industrial, indie dance y ecos synthwave. Hablamos con él sobre comenzar tarde, producir sin pensar en géneros, trabajar con Dave Clarke, apoyarse en remixers como Junior Sanchez, Andre Winter, Dina Summer y Rhys Fulber, y dirigir su propio sello, Furnace Room Records.
Texto: Vicious Magazine
Tu llegada a la electrónica fue poco convencional. ¿Cómo influye hoy tu pasado en ciencia y negocios en tu forma de hacer música?
No empecé hasta mediados de mis 50. Antes había creado y vendido una empresa de consultoría ambiental, y por primera vez tenía tiempo para hacer algo que siempre había querido hacer.
Al principio todo fue aprender desde cero: escribir, producir, mezclar, masterizar, lanzar y promocionar música. Estaba tan metido en esa “niebla de guerra” del aprendizaje que no veía las similitudes con mi vida anterior.
Después tuve un momento de claridad: muchas cosas del mundo empresarial se aplicaban directamente a la música. La clave era dedicar tiempo al oficio y, al mismo tiempo, crear una red para compartirlo. También entendí que desarrollar audiencia no consiste en inundar el mercado y esperar que alguien escuche. En los negocios debes encontrar el mercado adecuado y trabajar para ganártelo. Nadie te debe nada.
En el último año he dejado de preocuparme por a quién le gusta mi música. Estoy en paz con lo que produzco. Me centro en que la calidad sea la más alta posible y sigo construyendo una red y una audiencia que puedan conectar con mi arte.
Gunfactor habla de fama, ambición y notoriedad. ¿De dónde nace el concepto del álbum?
La idea surgió en una reunión en Ámsterdam con una agente de booking. Me dijo que para tener éxito necesitas buena música, pero también el “gunfactor”, que en neerlandés significa algo parecido al “it factor”: ese intangible que te empuja hacia el zeitgeist y hacia la fama.
Esa conversación se quedó conmigo y acabó convirtiéndose en el tema del álbum: los caminos hacia la fama.
Uno pasa por el talento excepcional bien trabajado desde el marketing. El otro pasa por la infamia, por una notoriedad que puede venir de la violencia o del impacto social. Son dos caras de la misma moneda.
En el disco, esa idea aparece sobre todo en las voces. Absorbo noticias, política, cultura y frases aleatorias, y desde ahí construyo ideas vocales. A veces uso samples, text-to-speech o mi propia voz. Cuando la voz está desarrollada, construyo la música alrededor. Cada tema tiene un significado concreto y aporta algo al concepto general.
El disco mezcla techno, industrial, indie dance y synthwave. ¿Cómo mantienes la cohesión sin encerrarte en un género?
El género es algo curioso. A veces le pregunto a mi productor ejecutivo, Abe Duque, qué género tiene un track y simplemente se encoge de hombros: es lo que es. Cuando produzco no empiezo pensando en una etiqueta. Suelo partir del bombo four on the floor y voy añadiendo elementos. Los pongo, los quito y los vuelvo a colocar hasta que encajan.
Después mi equipo le pone una etiqueta, normalmente techno peak time driving en Beatport, aunque para mí eso es más un lugar donde aparcar el track que una definición real.
La cohesión viene de la consistencia en la producción. Siempre estoy trabajando en uno o dos temas y soy muy disciplinado terminándolos. Aunque puedan sonar distintos, mi estado mental cambia más despacio, y eso hace que aparezcan elementos comunes entre ellos.
Mi objetivo es construir un sonido apaull reconocible.
Tus tracks funcionan en club, pero también fuera de la pista. ¿Produces pensando en espacios concretos?
No produzco para un entorno específico. Te cuento un secreto: no soy muy de club y no me gusta bailar. Me gustan los clubs, pero prefiero ser quien entretiene antes que quien es entretenido. Dicho eso, no hay nada como escuchar un buen track en un sistema de sonido de club.
Produzco música que pueda funcionar en la pista, pero que también se sostenga fuera de ella. Algo con lo que puedas convivir, no solo reaccionar durante cinco minutos. La calidad de producción es fundamental para mí. Nunca quiero que alguien diga que un tema suena mal producido.
Para reforzar el recorrido club me apoyo en remixers. En Gunfactor participan Junior Sanchez en house, Andre Winter en techno, Dina Summer en indie dance y Rhys Fulber en techno.
Tu relación con Dave Clarke también pasa por la imagen. ¿Cómo empezó esa conexión y qué aporta a tu visión artística?
Mi trabajo con Dave Clarke se centra sobre todo en la fotografía. Me atrajo no solo su música, sino el hecho de que hubiera construido una segunda vía artística.
Empecé a seguir su fotografía y conecté con su estética. Pensé que era alguien que entendía profundamente la música electrónica y su arte, y que podía traducirlo visualmente de una forma auténtica.
No colaboramos musicalmente, aunque es una gran suerte cuando alguno de mis tracks entra en su programa Whitenoise. Pero aprendes simplemente estando cerca.
Si prestas atención, hay una especie de ósmosis en la forma de entender el oficio y posicionar el arte.
Una vez, cuando yo dudaba sobre no querer ser DJ a tiempo completo, me dijo: “Entonces no lo seas”. Esa frase me dio confianza para ser lo que necesito ser, no lo que otros creen que debería ser.
Visualmente, Dave Clarke me presenta como quiero ser presentado. Consigue sacar algo de mí y convertirlo en imagen. Muchas veces la gente ve las fotos antes de escuchar la música.
Furnace Room Records es tu plataforma principal. ¿Qué te da esa independencia y qué viene para el sello en 2026?
Al principio tenía música, pero no sello. Podría haber pasado años persiguiendo uno, pero no quería esperar ni adaptar mi música a expectativas ajenas.
Así nació Furnace Room Records, como vehículo para mis propios lanzamientos. Me da control total: qué lanzo, cuándo lo lanzo y cómo suena. La contrapartida es el alcance, así que he trabajado mucho con remixers para expandirme hacia sus audiencias.
He sido muy selectivo con otros lanzamientos del sello. Hasta ahora incluye mi colaboración en el Horizont EP con Blake Baxter y Abe Duque, quien produjo una versión de mi track “Billionaire Bitch” a finales de 2025.
Estoy abierto a demos, pero no quiero construir un gran sello tradicional.
2026 estará centrado en Gunfactor. Cada track saldrá como single con su correspondiente remix. También quiero hacer más directos. Soy un DJ competente, pero me interesa más interpretar mi música en vivo.
Entre mis fechas actuales está el show de City Wall Records en Brighton, el 15 de mayo de 2026, abriendo para Dave Clarke.
LANZAMIENTO
MIKE BRESSEL EXPLORA EL LADO MÁS ENERGÉTICO
DEL DISCO HOUSE EN ‘LITTLE JOHNNY’
El artista Mike Bresel presenta Little Johnny, el track se apoya en un groove sólido y constante, acompañado de una vocal femenina con referencias claras al soul clásico, que aporta carácter y refuerza la identidad del tema. Lejos de una lectura nostálgica, Little Johnny plantea un equilibrio entre el imaginario disco y una producción contemporánea pensada para el club.
Detrás de este sonido hay una evolución progresiva en la trayectoria de Bressel, que en los últimos años ha ido desarrollando una línea cada vez más definida dentro del house, combinando groove, musicalidad y una estética cuidada tanto en lo sonoro como en lo visual. Su perfil, a medio camino entre la cultura de club y el entorno vinculado a la moda, le ha llevado a trabajar en contextos diversos, donde la música se integra como parte de una experiencia más amplia.
Este lanzamiento llega después de Freedom, donde el artista ya dejaba ver una inclinación hacia sonidos cálidos y estructuras más orgánicas. Con Little Johnny, esa dirección se mantiene, pero con un enfoque más inmediato y energético.
El artwork del single, con una estética marcadamente retro, refuerza la conexión con el universo disco, estableciendo un diálogo coherente entre la parte visual y sonora del proyecto.
En paralelo, Mike Bressel continúa activo como DJ, desarro llando sets en los que combina narrativa musical y energía de pista, mientras comienza a perfilar su presencia en Ibiza de cara a la temporada de verano.
Little Johnny se presenta así como una nueva pieza dentro de la evolución del artista, consolidando una propuesta centrada en el groove, la energía y una reinterpretación actual del lenguaje disco dentro del house.
KILLIAN WALSH
ELECTRÓNICA, DUELO Y MEMORIA DESDE LA RAÍZ IRLANDESA
LA MÚSICA DE KILLIAN WALSH NO NACE DESDE UNA FÓRMULA DE CLUB, SINO DESDE UN TERRITORIO MUCHO MÁS ÍNTIMO: LA MEMORIA, LA PÉRDIDA, LA TRANSFORMACIÓN Y ESA NECESIDAD CASI FÍSICA DE CONVERTIR LO VIVIDO EN SONIDO. SU UNIVERSO CONECTA INSTRUMENTOS TRADICIONALES IRLANDESES, TEXTURAS AMBIENT Y PULSACIÓN MELÓDICA, PERO LO HACE SIN FORZAR EL CRUCE NI CONVERTIRLO EN UNA DECLARACIÓN ESTÉTICA CALCULADA. EN SU CASO, LA IDENTIDAD APARECE COMO CONSECUENCIA NATURAL DE UNA VIDA RODEADA DE MÚSICA.
CON SU SELLO ARDCHUMHACHT COMO PLATAFORMA PERSONAL Y ESPACIO CONCEPTUAL, KILLIAN WALSH PREPARA UN ÁLBUM DEBUT ATRAVESADO POR EL DUELO, PERO TAMBIÉN POR LA ESPERANZA, LA RENOVACIÓN Y EL AGRADECIMIENTO HACIA AQUELLO QUE PERMANECE DESPUÉS DE UNA DESPEDIDA. HABLAMOS CON ÉL SOBRE RAÍCES, PROCESO CREATIVO, HONESTIDAD ARTÍSTICA Y EL FUTURO DE UNA OBRA QUE ENTIENDE LA ELECTRÓNICA COMO REFUGIO EMOCIONAL Y COMO FORMA DE VERDAD.
Texto: Vicious Magazine
Tu música se mueve entre raíces folk irlandesas, texturas ambient y techno melódico. ¿Cómo conviven estos lenguajes sonoros dentro de tu proceso creativo y en qué momento entendiste que esa mezcla podía convertirse en tu identidad artística y no solo en un experimento?
Es una pregunta interesante. La verdad es que nunca lo había pensado de esa manera. Crecí tocando música irlandesa y música en general. Siempre he tenido cerca un whistle irlandés, un tambor irlandés, pero también una guitarra, un bajo y un piano. Así que, por defecto, recurro a esos instrumentos. Para mí es algo completamente natural empezar desde ahí.
No estaba buscando una identidad ni pensaba que eso pudiera convertirse en una identidad. Simplemente es mi forma de trabajar. No sabría decir si es un experimento o no, porque realmente es mi proceso. Utilizo esos instrumentos para llegar a una idea general de la canción, a una estructura de acordes y a un posible flujo. Lo que cambió para mí fue aprender a usar Ableton, llevar mi música al software, traducirla a sintetizadores digitales y después, en el estudio, replicarla con sintetizadores hardware.
Muchas de tus composiciones están atravesadas por ideas como el duelo, la memoria y la transformación. Cuando compones, ¿traduces conscientemente experiencias personales al sonido o la narrativa emocional aparece de forma natural mientras construyes el tema?
Sí, están muy presentes. Es la primera vez que alguien cercano a mí fallece y, como puedes imaginar, eso trajo muchas emociones y experiencias que atravesé y que todavía sigo atravesando. Al ser la primera vez, no tenía ningún punto de referencia.
Lo que sí sé es que no estaba componiendo de forma consciente ni intentando traducir deliberadamente lo que sentía. Con esas emociones aparecía una idea, y con esa idea me sentaba y creaba algo. Esa es la única manera en la que puedo describirlo.
Cuando llegaba a la fase de edición, o al momento de tomar decisiones sobre el material, siempre volvía al lugar de origen de la canción: a ese sentimiento, a esa memoria, y me preguntaba si lo que estaba haciendo encajaba con aquello. A veces fue muy duro, pero trabajar con Tobi y Johannes fue fundamental. Tenemos una conexión que va más allá de la producción, y ellos siempre estuvieron ahí para escucharme y guiarme en los momentos difíciles.
Tu sello, Ardchumhacht, funciona tanto como plataforma personal como espacio conceptual. ¿Cómo equilibras los roles de productor y curador, y qué filosofía artística quieres construir a través de sus lanzamientos?
Es un sello nuevo, así que todavía estoy descubriendo cómo encontrar ese equilibrio entre el rol de productor y el de curador. Pero hay algo que empieza a aparecer con mucha claridad: la filosofía artística que siempre voy a defender es que un artista cuente su verdad.
No quiero que los artistas se dobleguen a lo que la gente quiere escuchar, ni que intenten encajar en una caja, un género o un estilo concreto. Sé que eso puede ocurrir de manera orgánica, y está bien que suceda así, pero no quiero que sea algo impuesto. La música trata sobre la expresión, y cada artista la vive de una forma distinta.
Con Ardchumhacht quiero estar junto a los artistas en su camino, acompañar su recorrido y respetar su ritmo. Eso es lo que realmente queremos construir.
Tu álbum debut reunirá singles anteriores y material nuevo. Conceptual y emocionalmente, ¿qué hilo conecta todas estas piezas? ¿Quieres que el oyente lo viva como una historia, como un ciclo o como una serie de reflexiones sonoras?
Conceptualmente, lo que conecta el álbum y todos sus temas es mi viaje a través del duelo y todo lo que viene con él. Para mí fue una especie de locura, porque atraviesas muchas emociones distintas y, como decía antes, las experimentas por primera vez.
El álbum recorre todo lo relacionado con el duelo, pero también hay esperanza y renovación. El hilo común es ese viaje hacia una nueva realidad cuando alguien cercano muere. Pero también está el reconocimiento de que fue un honor haber formado parte de la vida de esa persona. Fue un honor estar allí cuando falleció y poder decirnos todo lo que queríamos decirnos.
No sé si el álbum es una historia, un ciclo o una serie de reflexiones sonoras. Creo que puede ser las tres cosas. Cada canción tiene un significado diferente y, si escuchas el álbum de principio a fin, creo que eso se puede percibir. Quizás “reflexiones sonoras” sea una buena forma de verlo.
Mirando hacia adelante, ¿cómo imaginas la evolución de tu visión artística una vez que este debut esté en el mundo? ¿Qué preguntas personales, filosóficas o musicales esperas seguir explorando en tus próximos trabajos?
De cara al próximo álbum, ¡ya he empezado a escribirlo! Las preguntas personales, filosóficas y musicales a las que estoy respondiendo tienen que ver con lo que experimento día a día.
Mi música siempre estará inspirada por la belleza del mundo, pero también por los desafíos que este presenta para todos nosotros, vistos a través de mis propios ojos y de mi propia comprensión. Para mí es algo muy catártico.
Lo encuentro profundamente gratificante y sé que lo seguiré haciendo hasta el final de mis días, incluso aunque el único oyente sea yo.
VICIOUS CHART
BY KARLOS MOLINA
Liva K & OVEOUS Blessings (Dub Mix) CROSSTOWN REBELS
André Winter Brunswick (JANNOWITZ) JANNOWITZ RECORDS
Patch Park Spaciousi (Original Mix)) SECRET VILLAGE
La nueva generación de artistas electrónicos sigue ganando espacio dentro de la escena nacional, y buena prueba de ello fue la participación de varios alumnos de Musiluz en el reciente Vicious Live celebrado en Málaga. Una oportunidad perfecta para mostrar su evolución artística frente al público, compartiendo sets cargados de personalidad, energía y una clara pasión por la música electrónica. Talento emergente, actitud y muchas ganas de seguir creciendo en una escena que cada vez mira más hacia sus nuevos protagonistas.
PREMIERE
Texto: Kali
Leonor feat. Kokolala – Different Planets (Moo Moonster Remix)
Espacio Cielo
Hay remixes que se limitan a recolocar las piezas del original y otros que entienden el encargo como una expansión real del imaginario del track. El trabajo de Moo Moonster sobre ‘Different Planets’, el corte principal del nuevo EP de Leonor para Espacio Cielo, entra claramente en la segunda categoría. Partiendo de una producción ya marcada por la tensión melódica, la energía ascendente y la presencia vocal de Kokolala, el productor empuja la pieza hacia una dimensión más cósmica, más amplia y más enfocada al viaje de pista.
Masella – Atàvico (Original Mix) Eye Of Light
Hay lanzamientos que no buscan únicamente abrir una etapa, sino declarar una forma de mirar hacia dentro. Con The Eagle Seeks Me Out, Masella inaugura Eye Of Light, su propio sello, con una primera referencia que funciona como carta fundacional: techno hipnótico, profundidad orgánica y una pulsión casi ritual que conecta cuerpo, memoria y movimiento.
Principleasure – Storung w/ Nur Nur (Original Mix) Principleasure
Afincado en Los Ángeles, de origen iraní y criado musicalmente desde Irlanda del Norte, Principleasure vuelve a situarse en ese lugar extraño donde la electrónica mira hacia atrás sin caer en la nostalgia. Su sonido bebe de bandas sonoras, del primer EBM, del techno melódico noventero y de una sensibilidad disco-electro que aquí aparece deformada, casi oxidada, como si hubiera pasado demasiado tiempo encerrada dentro de una máquina analógica. No es casual que el artista se defina como un “backward technologist”: en su universo, la tecnología no avanza en línea recta, sino que retrocede para encontrar grietas nuevas.
CLAXY – Before The Sun (Original Mix) Embassy One
El dúo brasileño CLAXY presenta “Before The Sun”, un corte de melodic house que verá la luz el próximo 1 de mayo y que se mueve con naturalidad entre la introspección y la pista de baile. La producción combina texturas orgánicas, una atmósfera cálida y voces emocionales que envuelven el track sin restarle pulso club.
Odagled – Unmoved(Original Mix)
Gleed Records
Gleed Records reafirma su enfoque hacia una arquitectura sonora pensada para el club: producción analógica, diseño funcional y una estética techno precisa que prioriza la claridad en sistemas de sonido de gran presión. Dentro de este nuevo EP encontramos dos cortes complementarios que comparten identidad, pero exploran diferentes aproximaciones técnicas al groove.
Alexander Kowalski – Electric Dust (Original Mix) Arkham Audio
Arkham Audio celebra seis años con Arkham Audio 6 Years
Various, una compilación que resume su trayectoria y reafirma su identidad en la escena techno. “Electric Dust” de Alexander Kowalski destaca por su techno profundo y tenso, sin excesos, representando el pulso del recopilatorio.
Con “Gunfactor”, apaull firma una pieza que condensa con precisión quirúrgica el nervio conceptual de su tercer larga duración. El productor neerlandés-canadiense trabaja aquí desde una electrónica de contornos oscuros y musculatura seca, donde el pulso techno se contamina con destellos industriales, tensión synthwave y una arquitectura de club pensada tanto para el prime time como para esas horas en las que la pista ya no busca euforia, sino profundidad. El resultado es un corte afilado, directo y con ese carácter austero que no necesita excesos para imponer presencia.
O.P.S. – Sandy (Original Mix) Rotten Citty
Con “Sandy”, O.P.S. se desliza hacia el costado más melódico, sentimental y adictivo de su New Deal EP, entregando una pieza que abraza sin complejos el espíritu del synth pop ochentero. Aquí no hay pose ni revisionismo vacío: lo que aparece es una reconstrucción emocional muy bien medida, sostenida por sintetizadores de tacto cálido, una sensibilidad pop afilada y ese pulso nostálgico que convierte la escucha en un pequeño viaje suspendido entre la pista y la memoria.
ChillOhm – Entre Deux Mondes (Original Mix) Cafe De Anatolia
ChillOhm regresa a Cafe De Anatolia con Amazigh EP. Presentamos en exclusiva “Entre Deux Mondes”, un tema entre organic house introspectivo y downtempo. La percusión hipnótica y orgánica sostiene un groove terrenal, mientras capas de instrumentación étnica crean una atmósfera ceremonial y cinematográfica. Las voces, apenas insinuadas, aportan textura emocional y un eco ancestral.
Yerno Vil – Vulture v1
Espacio Cielo
El 11 de marzo, Yerno Vil lanza su EP “Vultures” con Espacio Cielo. El EP, con seis cortes, muestra su evolución creativa y su sonido personal, fusionando clubbing con introspección. Desde Madrid, Yerno Vil es parte activa de la escena electrónica española emergente.
Dani Navarrete & Richard Rozen – Heart 808
Dani Navarrete y Richard Rozen demuestran su dominio del Deep Tech con “Heart 808”, un track minimalista que equilibra control técnico y sensibilidad de club. Primer corte del EP Life With Mountains en Based Faith (BFD002), la 808 actúa como columna vertebral emocional, impulsando un groove preciso y espacioso.
Peter Soul & Py White – Spectral Resonance (Extended) Disrupted Music
Peter Soul y Py White presentan Spectral Resonance (Extended Mix), un tema de Indie Dance con un toque oscuro y funcional, disponible el 20 de febrero en Disrupted Music, el sello de Danmat (DISMU044). Diseñado para la pista de baile, el track destaca por su low-end hipnótico y una tensión constante. Las voces etéreas y ligeramente inquietantes se entrelazan con una percusión seca y precisa, creando un groove sin adornos innecesarios.
Based Faith
DEEP / PROGRESSIVE
BY DANNY LLOYD
DOPPEL HARVEST (EXTENDED MIX) STONE SEED
“Harvest” se presenta como una pista sólida y envolvente, construida sobre una base rítmica incisiva y una atmósfera intensa que crece progresivamente. El trabajo en las texturas sonoras es especialmente interesante: pads profundos, detalles melódicos bien integrados y una tensión constante que acompaña toda la estructura del tema. El Extended Mix permite que la pista respire y se desarrolle de la manera correcta, haciéndola ideal para sets sofisticados y de fuerte impacto emocional.
D-SHIFT TO BE CONTINUED (ORIGINAL MIX) SUDBEAT
Una pista cinematográfica y bien estructurada, capaz de generar tensión a través de una progresión constante y un sound design muy cuidado. “To Be Continued” se apoya en basslines profundas, percusiones incisivas y synths envolventes que acompañan al oyente en un viaje sonoro intenso y cautivador. La gestión de las dinámicas es uno de los puntos fuertes del tema, haciéndolo efectivo tanto para la pista de baile como para una escucha más atenta. Una producción que deja huella.
GAI BARONE, HERNAN CATTANEO, SIMPLY CITY MACULA (HERNAN CATTANEO & SIMPLY CITY EXTENDED REMIX) UNICAK
Una reinterpretación refinada y profundamente inmersiva, donde cada elemento encuentra su espacio con gran equilibrio. Este remix de “Macula” mantiene el alma emocional del original, enriqueciéndola con una progresión elegante y una construcción típicamente progressive. Las atmósferas son profundas, los synths se entrelazan con naturalidad y el groove acompaña la pista con continuidad y clase. Una producción que lleva claramente la firma de Hernan Cattaneo y Simply City, perfecta para momentos de gran conexión en el dancefloor.
KYOTTO DISTRICT (ORIGINAL MIX) CRFT MUSIC
“District” es una producción intensa y envolvente, caracterizada por un sonido moderno y una fuerte identidad sonora. La pista se desarrolla a través de texturas atmosféricas, synths profundos y una progresión narrativa que crece con equilibrio y precisión. El groove es pulsante pero nunca excesivo, dejando espacio para una construcción emocional que hace que el tema sea particularmente efectivo tanto en club como en contextos más introspectivos. Un trabajo sólido y de gran gusto.
PETE B & DOUG CRAWFORD GRAVITY (ORIGINAL MIX) DISSIDENT
Una pista que se distingue por su elegancia rítmica y por una construcción progresiva capaz de atrapar al oyente desde los primeros instantes. “Gravity” se mueve entre grooves profundos, basslines sólidas y atmósferas hipnóticas que se desarrollan con naturalidad, manteniendo siempre alta la tensión emocional. Los detalles melódicos están dosificados con inteligencia y el resultado final es una producción refinada, perfecta para acompañar momentos de transición en los sets más sofisticados.
TRANCE
BY IVAN MORALES
GRANT TROWBRIDGE & CHRIS JOHNSON WHISPERS FROM THE PAST / THE CALLING (REMIX EP) BORDERLINE
“Whispers From The Past / The Calling” reúne a dos habituales del sello en un EP de remezclas que refuerza su identidad sonora dentro del trance más melódico y progresivo.
Chris Johnson aporta una lectura más profunda y progresiva del tema de Grant, mientras que Grant Trowbridge intensifica ‘The Calling’ con una energía renovada.
Una primera entrega sólida que abre la puerta a una prometedora serie de remixes dentro de Borderline.
PUSH FUTURE FALL (ORIGINAL MIX) BLACK HOLE RECORDINGS
“Future Fall” muestra a Push en plena forma, combinando líneas ácidas con una potencia melódica característica que define su sonido.
El icónico “Go! Go! Go!” impulsa un track cargado de energía, con drums contundentes, sintetizadores ascendentes y riffs afilados pensados para la pista de baile.
Una producción intensa que continúa el camino hacia su próximo álbum ‘Known Universe’.
SKYDA PIKCHU (ORIGINAL MIX) PURE TRANCE
“Pikchu” marca el debut de SKYDA en Pure Trance con una pieza de trance progresivo de gran pegada y atmósfera envolvente. El track se apoya en un gancho vocal destacado y una base sólida de bajos que impulsan su narrativa sonora. Inspirado en la experiencia del artista en Machu Picchu, transmite una sensación de asombro y profundidad emocional muy bien lograda.
PROGRESSION, RUBEN DE RONDE, DANIEL WANROOY TECHNOPHOBIA (ORIGINAL MIX) ELPIDA MUSIC
“Technophobia” regresa con una reinterpretación moderna que respeta la esencia del clásico original de 2006. Ruben De Ronde y Daniel Wanrooy inyectan nueva energía mediante grooves potentes, caídas impactantes y una producción actualizada. Un equilibrio acertado entre nostalgia y modernidad que conecta con distintas generaciones de oyentes.
“Acid Spirit” apuesta por una fusión elegante de trance y acid en una producción minimalista pero altamente atmosférica. Wavetraxx desarrolla un sonido limpio y preciso, donde cada elemento encuentra su espacio dentro de la mezcla. Una pieza evocadora que destaca por su sutileza y capacidad para generar una nostalgia constante en pista.
INDIE DANCE
BY GAMEBOYZ
BERDANO TRANSITION DISRUPTED MUSIC
Berdano vuelve a Disrupted Music con un corte de tensión melódica y pulso firme. Transition equilibra profundidad atmosférica y empuje de club con una producción sobria, eficaz y pensada para sostener la pista sin perder sensibilidad.
ODAGLED BLACK GOLD EP GLEED RECORDS
Con este nuevo lanzamiento en Gleed Records, Odagled apuesta por una arquitectura rítmica precisa y un sonido analógico de gran pegada. Black Gold funciona como herramienta de club seria: grave limpio, modulación orgánica y una tensión que crece con elegancia.
D-FORMATION & ALEX MEDINA FALLING ADAGIO EP YES TO ALL
D-Formation y Alex Medina firman en YES TO ALL un corte hipnótico, denso y con clara vocación underground. Falling Adagio se mueve entre bajos robustos, percusión poco convencional y una profundidad emocional que le da carácter propio.
GAMEBOYZ FEAT. MØNÖLITIO AFTER TOMORROW EP SINCOPAT
En After Tomorrow, Gameboyz y Mønölitio construyen un viaje de tensión armónica, texturas envolventes y pegada contenida. El resultado encaja muy bien en el universo de Sincopat: emoción, groove e identidad melódica sin caer en fórmulas fáciles.
INTERVALO FT. RAQUEL FADE AWAY EP GOLDEN SOUL RECORDS
Intervalo aterriza en Golden Soul Records con una pieza de techno profundo y mental, marcada por una atmósfera absorbente. Fade Away, junto a la voz de Raquel, refuerza una narrativa inmersiva y elegante, fiel a una visión madura del género.
MELODIC HOUSE / TECHNO
BY ALONNE
MILA JOURNÉE, ARUDE FEEL THE FORCE (EXTENDED MIX)) JOURNEEY RECORDS
“Feel The Force” construye su identidad a partir de una progresión emocional bien medida, donde los pads envolventes y las líneas de synth generan una atmósfera profunda sin perder nunca el foco en el groove. Una producción cuidada, coherente con el sonido del sello, que refuerza la identidad de ambos artistas dentro del espectro melodic house & techno.
MAX STYLER YOU & ME (NOTRE DAME REMIX) NU MODA
Max Styler recibe una reinterpretación de Notre Dame en Nu Moda, que lleva “You & Me” hacia un terreno más profundo y sofisticado. El remix apuesta por un groove hipnótico y una construcción progresiva, con una paleta sonora elegante que prioriza la atmósfera sobre el impacto inmediato. Una versión funcional y bien enfocada, ideal para contextos de club más refinados.
GUZY SHUT UP (ORIGINAL MIX) RADIKON
Guzy firma en Radikon un corte directo y sin concesiones, claramente enfocado a la pista. “Shut Up” se apoya en un groove contundente y repetitivo, con una estructura minimalista que potencia su carácter hipnótico y funcional en mezcla. Una herramienta sólida de club, pensada para mantener tensión y control en momentos clave del set.
WHITEOUT HAUNTED (ORIGINAL MIX) ERRORR
Whiteout presenta en ERRORR un corte de estética oscura y enfoque claramente club. “HAUNTED” se construye sobre un groove tenso y una atmósfera envolvente, con elementos sonoros que refuerzan su carácter hipnótico. Una herramienta efectiva, alineada con el sonido más contundente del circuito actual.
RAFAEL CERATO, MORGANJ SLOW DOWN (EXTENDED MIX) CAPTIVE SOUL
Rafael Cerato y MORGANJ firman en Captive Soul un corte que equilibra energía y sensibilidad melódica. “Slow Down” se apoya en un groove firme y una línea emocional bien definida. Una producción sólida y versátil, efectiva tanto en momentos de transición como en tramos más melódicos del set.
TECH AREA
By Gilbert Lezana
ROLAND TR-1000 1.2 AÑADE EFECTOS LO-FI, NUEVOS BAJOS Y MÁS MODULACIÓN
Roland actualiza su groovebox con el firmware TR-1000 1.2, una versión que amplía las posibilidades creativas del instrumento con nuevos efectos, herramientas de modulación y sonidos clásicos inspirados en la TR-808 y TR-909. La actualización incorpora cuatro nuevos efectos, entre ellos 303 Vinyl Sim, 404 Vinyl Sim y Cassette Sim, heredados de la familia SP y orientados a texturas lofi y sonido vintage. También se añade DJ FX Delay, pensado para actuaciones y manipulación en tiempo real. La sección de modulación recibe los nuevos parámetros MODE y S&H, ofreciendo comportamientos más complejos y experimentales. Además, se incorporan los instrumentos 808 Bass Line y 909 Bass Line, ideales para crear líneas de bajo contundentes con carácter clásico. Roland también mejora funciones de edición, panoramización, control de ganancia y respuesta del fader Morph. La actualización ya está disponible gratuitamente para los usuarios de la TR-1000.
ABLETON LIVE 12.4 YA ESTÁ DISPONIBLE CON UNA DE SUS FUNCIONES MÁS INNOVADORAS
Ableton Live 12.4 llega con una actualización centrada en la conectividad y el refinamiento del flujo creativo. La principal novedad es Link Audio, una evolución de Ableton Link que permite transmitir audio multicanal entre dispositivos compatibles mediante red local, sin interfaces externas ni configuraciones de latencia. La función abre nuevas posibilidades para entornos colaborativos y setups híbridos junto a Push, Move y Note. La actualización también moderniza efectos clásicos como Erosion, ahora con análisis espectral en tiempo real y nuevas opciones de modulación, mientras Chorus-Ensemble y Delay amplían sus capacidades sonoras con controles más precisos y flexibles. En Live 12 Suite, la separación de stems gana herramientas más avanzadas para editar regiones concretas y reorganizar pistas con mayor rapidez. Completan la actualización Learn View, nuevas funciones MIDI para Push y las versiones 2.0 de Move y Note, ahora con grabación y warping de audio integrados.
MASCHIE 3.5 YA ESTA AQUI CON NUEVA ACTUALIZACION
Maschine 3.5 llega con una actualización enfocada en optimizar el flujo de muestreo y reforzar la integración con los teclados Kontrol S-Series MK3. La principal novedad es el rediseño del Sampler dentro de la vista Mixer, ahora con una interfaz más clara, nuevas visualizaciones de forma de onda y controles de loop y reproducción más precisos, facilitando la edición directa sin abandonar el contexto del proyecto. La actualización también marca un avance importante en la integración entre Maschine y los Kontrol MK3, una demanda recurrente desde el lanzamiento de estos teclados. Los usuarios ya pueden acceder al navegador desde el propio hardware, desplazarse entre grupos y sonidos mediante el encoder 4D y controlar cadenas de plug-ins desde los soft buttons, acercando ambos ecosistemas a una experiencia mucho más unificada. Maschine 3.5 está disponible como actualización gratuita para usuarios de Maschine 3.
AKAI MPC 3.8 CON SOPORTE AMPLIADO PARA MPC SAMPLE Y CINCO NUEVOS FX
Akai MPC 3.8 amplía el ecosistema MPC con una actualización centrada en el muestreo y el procesamiento creativo. La nueva versión mejora de forma notable la integración con MPC Sample, facilitando el intercambio de contenido y agilizando el flujo de trabajo entre hardware y software dentro del entorno MPC. La actualización incorpora además cinco nuevos efectos orientados a la producción y mezcla, ampliando las posibilidades sonoras de las máquinas de Akai. Aunque la compañía continúa apostando por un enfoque autónomo en sus dispositivos standalone, MPC 3.8 también refuerza la experiencia híbrida para quienes combinan estudio y directo. Con esta revisión, Akai sigue refinando una plataforma que en los últimos años ha evolucionado desde sampler clásico a entorno de producción integral, manteniendo el enfoque táctil y orientado al beatmaking que define a la familia MPC.
