Cumplir cien números no es solo una cifra. Es una declaración. Un recorrido lleno de noches interminables, sonidos que marcaron generaciones y nombres que hoy forman parte de la historia de la música electrónica.
Este número 100 de Vicious Magazine no mira atrás con nostalgia, sino hacia adelante con ambición, celebrando el presente con una portada que encarna perfectamente ese espíritu: Francis Mercier.
Mercier representa la evolución de la escena global: diversidad sonora, identidad cultural y una conexión auténtica con el público. Su presencia en portada no es casual, es un reflejo de hacia dónde se dirige la industria. Un sonido que trasciende fronteras y redefine etiquetas.
En este número especial, recorremos algunos de los pilares que siguen construyendo la cultura electrónica. Desde la energía vibrante de Miami en nuestra sección de viajes, hasta experiencias inmersivas como Strobe Room, donde arte y tecnología se fusionan. Nos adentramos en el pulso underground con sellos como Sincopat y exploramos el lado más extremo con Rampage, donde la adrenalina también encuentra su propio ritmo.
Las entrevistas de este número son un reflejo de la diversidad del panorama actual. Figuras consolidadas como Julian Jeweil comparten espacio con talentos emergentes y protagonistas clave de la escena, desde cabinas, clubes y estudios. Cada conversación es una ventana a procesos creativos, visiones personales y realidades que dan forma al sonido que escuchamos hoy.
Además, celebramos la evolución constante con secciones como New Comer, donde presentamos a Savana, o Tech Area, que nos conecta con el lado más innovador de la producción junto a Gilbert Lezana.
Este número 100 no es un punto final, es un nuevo comienzo. Porque si algo hemos aprendido en este camino es que la música electrónica nunca se detiene. Cambia, se transforma, se reinventa. Y nosotros seguimos aquí para contarlo.
¡Bienvenidos al siguiente capítulo de Vicious Magazine!
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MIXCELÁNEA
BERLÍN VS META: LA CULTURA CLUB RECUPERA VOZ (POR AHORA)
El regreso de la cuenta de KitKatClub a Instagram no es solo una anécdota digital, es un síntoma. Tras varios cierres de perfiles vinculados a la escena queer y sexpositive, la intervención directa ha conseguido revertir el bloqueo. Pero la pregunta sigue intacta: ¿quién decide qué cultura puede existir online? La pista resiste, pero ahora también tiene que hacerlo en el algoritmo.
BLOND:ISH Y EL USB PERDIDO: CUANDO LA MÚSICA DESAPARECE EN TRÁNSITO
Una gasolinera en Miami, una gira internacional y una memoria USB con material inédito desaparecida. La historia de BLOND:ISH parece menor hasta que entiendes lo que contiene: meses —o años— de trabajo. En una industria completamente digital, el archivo sigue siendo frágil. Y a veces, todo puede perderse en una parada cualquiera.
SPEEDY J Y EL REGRESO DEL ÁLBUM COMO EXPERIENCIA
En tiempos de consumo rápido, Speedy J anuncia su primer LP en más de dos décadas. Walkman no busca entrar en playlists: propone una escucha larga, consciente, casi física. Un movimiento que va contra la lógica actual y que plantea una idea incómoda: quizá el problema no es la música, sino cómo la estamos escuchando.
MONTRÉAL ALARGA LA NOCHE (CON CONDICIONES)
La ciudad canadiense da un paso adelante con Nuits Montréal, un programa que permite extender horarios más allá de las 3 AM bajo un modelo basado en responsabilidad y control. No se trata solo de fiesta, sino de convivencia. Clubs certificados, eventos evaluados caso a caso y una idea clara: la noche puede crecer sin convertirse en conflicto.
MORDISCO CLUB: 15 AÑOS MÁS ALLÁ DE LA FIESTA
Desde Granada, Mordisco Club celebra quince años demostrando que la pista también puede ser un espacio cultural. Lejos de la lógica del club convencional, su propuesta mezcla música, discurso y concepto en cada sesión. En tiempos de consumo rápido, su mayor logro ha sido mantenerse fiel a una idea: la noche también puede hacerte pensar.
fashion
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Nos pirra la moda, la ropa, los accesorios, los gadgets…¡todo! Y aquí te damos pistas sobre lo que es purita tendencia en las calles, los clubs, los festis… ¡A quemar tarjeta!
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Bufanda: Pashmina de cachemira Belt Check www.burberry.com
Reloj: Royal oak acero automático 41mm www.audemarspiguet.com
Gafas: Gafas de sol con montura oval www.miumiu.com
Gafas: Gafas de sol con montura cuadrada www.tomford.com
Bolso: Bolso de hombro Ami de Coeur www.amiparis.com
Bolso: Bolso de mano con sello del logo www.tomford.com
Perfume: LOEWE Solo www.loewe.com
Cinturon: Cinturón con hebilla del logo www.ferragamo.com
Perfume: Perfume L’Immensité www.louisvuitton.com
Cinturón: Cinturón de piel www.boggimilano.com
MIAMI
DONDE EL LUJO Y EL UNDERGROUND
APRENDIERON A CONVIVIR
Neón, calor y bajos que no descansan: así late una de las escenas más contradictorias del planeta. Miami no es Berlín. Nunca lo ha sido, y probablemente nunca lo será. Aquí no vienes a esconderte en la oscuridad ni a perderte durante 12 horas sin mirar el móvil. Vienes a otra cosa: a vivir la electrónica desde el exceso, la estética y la energía inmediata. Pero bajo esa capa de brillo, hay algo más. Porque Miami, si sabes dónde mirar, también tiene profundidad.
Especialmente cuando cae la noche.
Autor: Vicious Magazine
CLUB SPACE
Hablar de clubbing en Miami es hablar de Space. Un lugar donde el concepto de “after” se queda corto. Aquí la fiesta no termina: se transforma con la luz del día. Sets que se alargan durante horas, amaneceres en la terraza y una pista donde conviven turistas, locales y puristas. Si quieres entender la ciudad, tienes que pasar por aquí.
E11EVEN
E11EVEN no es un club al uso. Es un híbrido entre discoteca, show y experiencia 24/7. DJs internacionales, performances constantes y una energía que roza lo surrealista. Puede no ser para todos, pero representa perfectamente una parte esencial de Miami: la fiesta como exceso sin filtros.
DO NOT SIT ON THE FURNITURE
Lejos del ruido mediático, este pequeño club en Miami Beach es refugio para quienes buscan algo más íntimo. Sonido cuidado, programación selecta y una pista donde la música vuelve a ser el centro. Aquí no hay distracciones: solo conexión real con el DJ.
FLOYD MIAMI
Ubicado justo al lado de Space, Floyd ofrece una experiencia completamente distinta: más contenida, más elegante, más enfocada al detalle. Un espacio donde el house y el techno se desarrollan sin prisa, en un ambiente casi hipnótico. Menos impacto, más profundidad.
LA EMOCIÓN COMO ÚNICA
REGLA
En una industria donde cada vez más lanzamientos parecen diseñados para funcionar en algoritmos antes que en personas, Sincopat lleva más de una década operando desde otro lugar. Uno donde la música no se mide por su efectividad inmediata, sino por su capacidad de provocar algo más difícil de cuantificar: emoción real.
Redacción: Vicious Magazine
Fundado en 2010 en Valencia por Marc Martínez Nadal, el sello nace como respuesta a una escena que empezaba a volverse predecible. No como reacción agresiva, sino como una alternativa clara: crear un espacio donde los artistas pudieran desarrollar una identidad sin necesidad de encajar en tendencias pasajeras, y esa idea, lejos de diluirse, se ha convertido en su columna vertebral.
Desde el principio, Sincopat ha evitado definirse dentro de un género concreto. Su catálogo se mueve entre el indie dance, el techno, el house o la electrónica más experimental, pero siempre desde un enfoque híbrido. No hay etiquetas fijas porque no hay intención de pertenecer a ninguna corriente dominante . Lo que sí existe es un hilo conductor mucho más intangible: esa búsqueda constante de lo que ellos mismos describen como “goosebumps”, ese momento en el que un track deja de ser funcional para convertirse en experiencia.
Porque aquí no se trata de hacer música para la pista.
Se trata de hacer música que trascienda la pista .
Esa filosofía se refleja en cada lanzamiento. EPs que funcionan como pequeñas narrativas, donde cada track tiene un propósito dentro de un conjunto mayor. Álbumes que no responden a la lógica del consumo rápido, sino a una escucha más profunda, más pausada. En Sincopat, la estructura importa tanto como la energía.
Eso, en el contexto actual, es casi un acto de resistencia.
El sello también ha sido plataforma para una generación de artistas que entienden la electrónica desde ese mismo prisma. Nombres como Darlyn Vlys, Upercent o James Harcourt han formado parte de su universo, aportando diversidad sin romper la coherencia. Porque si algo define a Sincopat no es la uniformidad sonora, sino la consistencia conceptual. Una identidad que no solo se construye desde el audio. El imaginario visual del sello —colorista, abstracto, casi psicodélico— funciona como una extensión directa de su sonido. No es estética gratuita, es lenguaje. Cada portada, cada diseño, refuerza la idea de que estamos ante un proyecto donde todo está conectado, donde cada elemento responde a una misma visión.
Y esa visión también se refleja en su estructura interna. Lejos de los engranajes industriales de otros sellos, Sincopat mantiene un enfoque casi artesanal. Cada referencia se cuida al detalle, desde la selección hasta el resultado final. No hay prisa. No hay sobreproducción. Hay criterio.
En un momento donde gran parte de la electrónica parece diseñada para encajar en playlists efímeras, Sincopat plantea otra temporalidad. Sus lanzamientos no buscan sonar solo hoy, sino seguir teniendo sentido dentro de años. Es música que no se agota en el impacto inicial, sino que crece con el tiempo, y eso cambia completamente las reglas del juego.
Más de 200 referencias después, el sello sigue operando bajo la misma premisa con la que empezó: apostar por la emoción frente a la fórmula. Y en ese camino, ha construido algo cada vez más escaso en la escena electrónica contemporánea: una identidad real.
Es música hecha para sentir, no solo para funcionar.
RAMPAGE: DONDE LA GRAVEDAD
PIERDE Y EL MIEDO SE CONVIERTE EN ESPECTÁCULO
Autor: Vicious Magazine
No es una competición. Es una guerra contra la montaña.
Hay eventos que redefinen un deporte, y luego está Red Bull Rampage. Un punto de ruptura donde el mountain bike deja de ser disciplina para convertirse en algo mucho más crudo: instinto, riesgo y supervivencia en estado puro.
En pleno desierto de Utah, en las formaciones imposibles de roca y polvo, los riders no solo compiten: construyen sus propias líneas desde cero. No hay circuito prefabricado, no hay trazado seguro. Hay montaña virgen, picos afilados y descensos que parecen diseñados más para caer que para sobrevivir.
Y ahí es donde empieza todo.
Porque Rampage no se gana únicamente con técnica. Se gana con visión. Con la capacidad de imaginar una línea donde nadie más la ve y, después, tener el valor —o la locura— de lanzarse por ella. Saltos de más de 20 metros, caídas verticales, recepciones ciegas. Cada bajada es una apuesta donde el margen de error es prácticamente inexistente.
Aquí no hay espacio para la duda.
Riders como Brandon Semenuk han convertido Rampage en una forma de arte. No solo por ganar, sino por cómo lo hacen: líneas fluidas en un entorno que invita al caos, elegancia en medio del abismo. Pero incluso en manos de los mejores, la sensación siempre es la misma: esto puede salir muy mal en cualquier momento.
Y eso es precisamente lo que lo convierte en algo hipnótico.
En una era donde el deporte se vuelve cada vez más controlado, más medido, más seguro, Rampage va en dirección contraria. Aquí el riesgo no se elimina: se abraza. Cada edición empuja los límites un poco más lejos, obligando a los riders a reinventarse, a ir más alto, más rápido, más técnico. Pero no todo es espectáculo.
Detrás de cada línea hay días —y a veces semanas— de trabajo manual bajo el sol del desierto. Equipos enteros moldeando la montaña con palas, diseñando saltos que solo existen en su cabeza. Es un proceso casi artesanal que contrasta con la brutalidad del resultado final.
Arte efímero.
Porque muchas de esas líneas desaparecen después del evento, borradas por el viento o el tiempo, como si nunca hubieran existido. Lo único que queda es el recuerdo, el vídeo, el impacto y la sensación de haber visto algo que roza lo imposible.
Rampage no es para todos. No es accesible, no es replicable, no es seguro. Pero precisamente por eso sigue siendo uno de los últimos bastiones donde el deporte extremo conserva su esencia más pura.
Solo riders, montaña y una pregunta constante flotando en el aire:
¿Cuando llega el proximo descenso?
CONOCIENDO MÁS A...
RICHARD ROZEN
¿Te sueles despertar de buen humor... aunque sea ya por la tarde?
Despertarme suele ser el mejor momento del día para mí, especialmente después de mi rutina de “mañana”. Es cuando me siento más fresco, más consciente y más activo.
¿Cuál es tu momento favorito del día... y de la noche?
Entre el atardecer y el amanecer, siempre que ya esté despierto, y especialmente si estoy en una buena fiesta.
Cuando no estás de bolo, ¿qué te gusta hacer? ¿Eres más de deporte o de maratones de series con palomitas? Paso mucho tiempo en el estudio trabajando en proyectos y música. Cuando no estoy trabajando en mis propios proyectos y mi música, normalmente estoy trabajando en la música de otras personas. Últimamente también me he metido bastante en la IA, utilizándola para crear cosas interesantes. Por ejemplo, he estado usando mi propio sinte/sampler granular que construí y que se puede escuchar en algunos temas.
¿Eres más de cocina tradicional o de platos de vanguardia? Cocino mucho en casa, y me encanta especialmente crear platos interesantes y experimentar. Hace poco me compré uno de esos sifones de cocina y he estado haciendo espumas de todo.
¿En qué o en quién piensas cuando por fin te metes en la cama y cierras los ojos?
¿Será mañana diferente?
¿Cuál es tu primer recuerdo musical?
Cuando era muy pequeño, estaba en el videoclub donde trabajaba mi madre. Allí, un chico joven que también trabajaba llevaba cintas grabadas de sus salidas a fiestas underground. Recuerdo una en concreto: el bombo te golpeaba de frente, sonaban unas cuerdas disco
extrañamente grooveras y una risa constante. Aquel día algo cambió dentro de mí; fue como entender exactamente qué necesitaba en mi vida. No volví a escuchar ese tema hasta 2024, cuando en Yoyaku, rebuscando entre discos house de segunda mano, encontré accidentalmente ese mismo vinilo. Lloré de verdad, como si este viaje que empecé hace 30 años cobrara por fin un sentido profundo y real.
¿Con qué tres temas podríamos resumir tu vida?
Bueno, está ese tema del que acabo de hablar, pero en realidad no ha formado parte de la banda sonora de mi vida; más bien fue lo que inició el viaje. Si tuviera que decir cuál es el sonido actual de mi vida, diría: Isolee – “Raum zwei”, Bruno Pronsato – “Open Your Eyes” y DJ Koze – “I Want to Sleep”.
¿Qué track ajeno te hubiera gustado producir?
Cualquier cosa de Prince.
¿Cualquier tiempo pasado siempre fue mejor o para nada?
Hoy en día sigue saliendo muchísima música buena, pero desgraciadamente la barrera de entrada para crear música es tan baja que nunca ha sido tan fácil hacerla. Si a eso le sumas esos cinco minutos de fama percibida que te dan las redes sociales, sí que parece que hay mucha mediocridad. Pero eso no cambia el hecho de que también sigue saliendo música muy buena, especialmente en vinilo
¿Tu mejor producción está por venir?
Siempre estoy aprendiendo cosas nuevas en el estudio, experimentando constantemente con sonidos y probando altavoces. Así que la próxima producción seguro que tendrá algo interesante y diferente, y quizá incluso sea mejor, dependiendo del contexto.
CONOCIENDO MÁS A...
BUBBA
¿Te sueles despertar de buen humor... aunque sea ya por la tarde?
Normalmente sí… siempre
¿Cuál es tu momento favorito del día... y de la noche?
El momento de despertar y el de quedarme dormido
Cuando no estás de bolo, ¿qué te gusta hacer? ¿Eres más de deporte o de peli con palomitas?
Me gusta ir al gym, pero una buena peli con palomitas también siempre apetece…
¿Eres más de cocina tradicional o de platos de vanguardia?
Soy más de cocina tradicional, siempre.
¿En qué o quién piensas cuando por fin te metes en la cama y cierras los ojos?
En demasiadas cosas, por desgracia… es un problema
¿Cuál es tu primer recuerdo musical?
The Beatles
¿Con qué tres temas podrías resumir tu vida?
“Wish You Were Here” – Pink Floyd “I Won’t Back Down” – Tom Petty “We Are the Champions” – Queen
¿Qué track ajeno te habría gustado haber producido?
“Jaguar”
¿Cualquier tiempo pasado fue mejor, o para nada?
Hay cosas que sí, otras que no.
¿Tu mejor producción está por venir?
Siempre.
RVT BOOKING & CLUBBING: EL SIGUIENTE PASO DE RAVEART HACIA
EL FUTURO DEL BREAKBEAT
Con casi 25 años impulsando la cultura electrónica desde la base, Raveart no solo ha sido testigo de la evolución del sonido breakbeat en España, sino también uno de sus principales motores.
Ahora, la promotora da un paso natural —y necesario— con el nacimiento de RVT BOOKING & CLUBBING, una nueva marca que canaliza toda esa experiencia hacia la gestión artística y la creación de experiencias de club con identidad propia.
Más que una agencia, RVT es una declaración de intenciones: una plataforma que conecta talento consolidado y nuevas promesas bajo una misma visión, donde la música no solo se escucha, sino que se vive.
UN ROSTER QUE DEFINE UNA ESCENA
RVT BOOKING & CLUBBING no se limita a reunir nombres: construye un relato sólido del presente y futuro del breakbeat. Su roster es un reflejo de evolución, diversidad y autenticidad.
AGGRESIVNES: IDENTIDAD Y PRECISIÓN
Desde Granada, Aggresivnes lleva más de dos décadas moldeando su sonido. Su trayectoria, iniciada en el breakbeat en 2003 y trasladada a cabina en 2007, ha estado marcada por una constante evolución sin perder identidad. Sus producciones —tanto en digital como en vinilo— han ocupado repetidamente los primeros puestos en ventas, consolidando un estilo reconocible y eficaz en pista.
El respaldo de figuras internacionales como Fedde Le Grand no hace más que confirmar su proyección global. Premios a “Mejor Remix Nacional” o “Mejor Tema Original” avalan una carrera construida con criterio, técnica y visión.
ANUSCHKA: CARISMA, HISTORIA Y CONEXIÓN
Hablar de Anuschka es hablar de historia viva de la escena andaluza. Más de 1500 actuaciones y casi tres décadas de carrera la convierten en una figura imprescindible. Su energía en cabina es magnética: una combinación de técnica depurada y presencia escénica que conecta de forma directa con el público. Reconocida en los International Breaks Awards y nominada en los Vicious Music Awards, su impacto va más allá de la pista. Durante la pandemia, sus streamings reunieron a miles de personas, convirtiéndose en un símbolo de conexión en tiempos de distancia.
Uno de los hitos recientes de su carrera fue su participación en Boiler Room, en una edición histórica en Andalucía que amplificó su alcance a nivel mundial.
BUBU: EL REGRESO DE UN SONIDO INCONFUNDIBLE
El regreso de BUBU en 2020 no pasó desapercibido. Su revisión del clásico Children se mantuvo más de un mes en el Top 10 de Beatport, reafirmando su capacidad para reinterpretar el pasado con mirada contemporánea.
Sus sets destacan por incluir material inédito y una personalidad sonora muy definida. En directo, apuesta por formatos live que elevan la experiencia más allá de la sesión convencional.
DJ WAVS: TÉCNICA, FORMACIÓN Y VISIÓN
Con más de 13 años de trayectoria, DJ WAVS representa la fusión perfecta entre conocimiento técnico y creatividad. Su sonido, que mezcla breakbeat con influencias árabes, electro y hip hop, construye una propuesta única dentro del género.
Ha compartido cabina y estudio con nombres clave como Specimen A o Mutantbreakz, y su formación certificada por Steinberg refuerza un perfil que va más allá del DJ: productor meticuloso y formador de nuevas generaciones, con más de 90 alumnos formados en su escuela.
En directo, su propuesta es clara: energía, exclusividad y conexión constante con la pista.
HANKOOK: GARANTÍA DE PISTA
Hankook es sinónimo de contundencia. Desde sus inicios como DJ Rueda hasta su consolidación como productor, ha sabido construir un sonido basado en groove potente, baterías sólidas y esencia oldschool.
Cofundador de Distorsion Records —uno de los sellos más influyentes del género— ha trabajado con figuras como Leeroy Thornhill (ex The Prodigy) o Future Funk Squad, consolidando una red internacional de alto nivel.
Su directo es preciso, efectivo y diseñado para funcionar tanto en club como en grandes festivales. Una apuesta segura.
PAKET: EL FUTURO YA ESTÁ AQUÍ
Paket encarna la nueva generación del breakbeat andaluz. Su enfoque combina armonía, melodía y contundencia, creando un sonido emocional pero orientado a la pista.
Fundador de Empire of Music y miembro de Funktasty Crew, ha logrado posicionarse entre los artistas más vendidos del género en Beatport. Su trayectoria incluye hitos como actuar en Bristol o llevar el breakbeat a Madrid en 2025, abriendo camino en territorios poco explorados para el género.
Remixes oficiales, colaboraciones con referentes y varios álbumes consolidan una carrera en pleno ascenso. Su mensaje es claro: el breakbeat tiene futuro, y él forma parte de él.
MÁS QUE UNA AGENCIA, UNA FILOSOFÍA
RVT BOOKING & CLUBBING no es solo un catálogo de artistas. Es una extensión natural del ADN de Raveart: pasión por la música, compromiso con la escena y una visión clara de hacia dónde se dirige la cultura club. En un momento donde la electrónica vive una constante transformación, propuestas como RVT son esenciales para mantener viva la esencia, sin dejar de evolucionar. Porque el futuro del breakbeat no se improvisa, se construye y RVT ya está en ello.
JULIAN JEWEIL TECHNO SIN LÍMITES
NI FRONTERAS
El artista francés inaugura una nueva etapa creativa con el lanzamiento de su propio sello, un proyecto donde convergen su visión del techno y su faceta como pintor. Una propuesta mensual, personal y sin restricciones que mira al futuro de la escena electrónica.
Texto: Vicious Magazine
Acabas de anunciar el lanzamiento de Pluriel Records. ¿Qué te inspiró a crear tu propio sello después de tantos años de carrera?
Mi sello representa al 100% la visión que tengo: “techno sin límites ni fronteras”.
Pluriel marca un nuevo capítulo creativo, construido alrededor de una idea muy clara: publicar música fresca y con visión de futuro cada mes.
Mencionas que Pluriel Records refleja tu visión de un techno sin límites. ¿Cómo definirías esa visión con palabras?
¡Soy raver antes que nada!
Siento una pasión profunda por la música y me inspiro en muchísimos géneros. He pasado incontables horas en la pista de baile, escuchando algunos de los sets más increíbles.
Cada EP contará con una obra original pintada por ti. ¿Qué relación existe entre tu música y tu pintura?
Es algo lógico para mí, porque la pintura también es una de mis pasiones. A veces, cuando estoy en el estudio, necesito parar y sumergirme en artistas como JeanMichel Basquiat, Jean Dubuffet o Keith Haring. De alguna forma, encuentro inspiración musical en ese proceso. Voy a pintar todas las portadas de los EPs, cerrando así el círculo creativo.
Durante los últimos tres años has trabajado intensamente en este proyecto. ¿Cuál ha sido el mayor desafío?
El mayor reto ha sido aceptar sacrificar muchos shows durante casi tres años para estar completamente centrado en el estudio y trabajar más duro que nunca.
Pluriel Records te permite unir música y pintura. ¿Crees que veremos más este enfoque multidisciplinar en la escena electrónica?
Sinceramente, nunca me he hecho esa pregunta. Creo que cada uno debe hacer lo que quiera. Mi sello me da la oportunidad de combinar y compartir mis dos pasiones, y eso es lo que realmente me hace feliz.
A nivel musical, ¿qué sonidos y artistas quieres apoyar en el sello?
Tengo muchos temas propios que lanzar primero en varios EPs, además de otros grandes proyectos. Pero en un futuro cercano me gustaría abrir Pluriel Records a todo tipo de artistas, con un único código de honor: la música por encima de todo.
Has trabajado con numerosos sellos y actuado en grandes clubes y festivales. ¿Cómo ha influido eso en tu desarrollo?
Me siento muy feliz y honrado por todo lo que he conseguido. Ha sido increíble. Pero no es ningún secreto: he trabajado muy duro y sigo dándolo todo cada día al 100%.
Y hoy poder hablar de mi sello es algo de lo que me siento muy orgulloso.
Muchos artistas buscan su sonido propio. ¿Cuál dirías que es la esencia que define el tuyo?
Cada artista es diferente, pero creo sinceramente que hay espacio para todos. Lo importante es la pasión y el trabajo.
Lo que me ha hecho reconocible es haber mantenido esta forma de pensar desde el inicio de mi carrera.
En el proceso de producción, ¿qué parte disfrutas más?
Después de casi 20 años de carrera, no he cambiado mi forma de trabajar. Para mí todo es esencial: desde el inicio hasta el final.
Lo más importante es disfrutar cada paso del proceso.
Mirando atrás, ¿cuáles han sido los momentos más decisivos de tu carrera?
Mi respuesta es muy simple: el pasado, el presente y el futuro.
Quiero agradecer de corazón a mis fans, a los artistas, a mi equipo, a los promotores, a los medios y a todas las personas que me han apoyado desde el principio. Gracias. Quiero seguir mejorando y continuar por todos vosotros
FRANCIS MERCIER
El estilo de Francis Mercier es la música del mundo, con influencias de diferentes culturas que se presentan en un formato de música house. Francis ha producido discos con sabor africano, con sabor brasileño, con vocalistas brasileños, vocalistas africanos, con vocalistas de los EE.UU.., música que trata de “el viaje” y hacer que el oyente viaje y se sienta como si estuviera en diferentes lugares al mismo tiempo. Hablamos de su trayectoria y de su próxima residencia en Hï Ibiza.
Hola Francis, es un placer entrevistarte de nuevo. ¿Cómo va el 2026 hasta ahora? Mirando tu agenda de giras, parece que estás constantemente actuando en todo el mundo.
Hasta ahora, el 2026 va muy bien. Se siente como si estuviera pasando muy rápido. Hay mucha emoción, mucha expectación. Ha habido mucho crecimiento y muchos eventos increíbles, desde mi showcase de Solèy en Dubái hasta paradas en Australia y Asia. Ya hemos lanzado dos temas muy buenos, incluyendo Halala y All My Life, que salió a finales de 2025, y Unjust, que también salió en 2026. Básicamente, el 2026 ha tenido un buen comienzo.
La vida de un DJ no es tan fácil como muchos piensan: muchos viajes, cambios de zona horaria, estrés… ¿Cómo logras mantener esa energía aparentemente interminable?
Para mantener la energía, me concentro en mi objetivo final, que es realmente crecer como artista y poder conectar con la mayor cantidad de personas posible. A pesar de las dificultades con las que a menudo me encuentro, hago mi mejor esfuerzo para mantenerme enfocado y recordar siempre de dónde empecé, y apreciar dónde estoy en mi carrera.
Intento no dejar que las dificultades de los viajes interfieran con mi sueño final, que es crecer como artista, conectar con tantas personas como sea posible en todo el mundo y compartir mi música a escala global. Físicamente, trato de entrenar, hacer deporte, jugar al fútbol. Soy un gran fanático y jugador de fútbol, me encanta. También salgo a correr y trato de despejar la mente con actividad física, ya sea correr o jugar un partido con amigos. Esto es una activación para mí. Definitivamente lo seguiré haciendo en Ibiza.
Comencemos con la gran noticia que llegó a principios de este año. Vas a tener tu propia residencia en Hï Ibiza. Ya has tocado en diferentes locales de la isla, pero ahora has alcanzado lo que podría llamarse la “Champions League”. ¿Qué significa este gran paso para ti?
Para mí, es un gran logro. Es algo con lo que he soñado durante años. No sabía si llegaría a suceder, así que estoy muy orgulloso y emocionado.
También estoy un poco… diría que ansioso, lo cual es bueno, porque quiero ver cuál será el resultado. Pero estoy mentalmente preparado para dar lo mejor de mí y asegurarme de que cada show, desde el primero hasta el último, sea la mejor experiencia para cada fan que venga a verme. Personalmente, trato cada show con un alto nivel de importancia. Me aseguraré de que cada evento sea increíble, desde la decoración, el escenario, el ambiente, hasta la atmósfera. Para el show en Hï, tendremos una producción única. Tendré un setup de cabina DJ muy especial, algo que realmente no se ha hecho en Ibiza, así que estoy emocionado de ver el resultado. También estoy muy orgulloso del lineup que logramos diseñar y de todos los artistas increíbles que tocarán conmigo. Estamos incorporando artistas de muchos géneros diferentes: tech house, afro house, melodic house y disco. Habrá diferentes sonidos a lo largo de la residencia y musicalmente creo que será muy rica y diversa, con música tanto de la nueva generación como de la antigua, un amplio espectro de sonidos sin perder la esencia: emoción, positividad y alta energía. Creo que la residencia va a ser realmente, realmente increíble.
¿Qué podemos esperar del concepto Solèy en Hï Ibiza?
Podemos esperar energía, unión y un sentido de positividad cada lunes. Composiciones musicales únicas de todos los artistas que se presentarán. Actuaciones en vivo en muchas noches: tendré vocalistas en vivo, un guitarrista en vivo y un djembe en vivo. Así que habrá un aspecto en vivo que hará que cada show sea diferente cada semana. Decoración única, escenario muy cercano al público y un ambiente que creo que será único para nosotros.
¿Qué artistas —de los que puedes revelar— te acompañarán en esta aventura?
La lista es muy amplia, artistas como Diplo, Ape Drums, Caiiro, Da Capo, Enoo Napa, Afrojack, Shimza, Kölsch, Mahmut Orhan, Fideles, Nitefreak, ARYMÉ, Kasango o Marten Lou. También vamos a tener una red de B2B cuidadosamente curados que refuerzan el carácter colectivo de Solèy, incluyendo encuentros como MoBlack B2B Agoria, Queen Rami B2B Tomer, Sébastien Léger B2B Roy Rosenfeld, Afrosalto (Afrojack B2B Gregor Salto), Notre Dame B2B Ramyen, Ciza B2B Oscar Mbo, Ashibah B2B ThatGirl SherryK o Jade B2B Rolbac, entre otros. No me quiero olvidar de artistas como Anané & Louie Vega, KILLIMANJARO, Lee Burridge, Patrick Mason, THEMBA, así como Joezi, AVÖ, Djibril Cissé, Sparrow y otros nombres clave del circuito internacional.
En la otra sala de Hï Ibiza estará Andrea Oliva. ¿Cuál es tu relación con él y cómo crees que sus estilos se combinarán para crear una noche inolvidable?
Andrea Oliva es un artista al que admiro. Lo conozco desde hace muchos años, unos 20. Escuché mucho a Andrea Oliva, especialmente su remix para Luciano de hace tiempo, una pista que solía poner. Poder compartir una noche con él es un gran placer, una gran satisfacción y un gran logro. Creo que nuestros estilos funcionarán muy bien juntos porque él toca un set más melódico y techy, esa es su vibra; mi vibra es un poco más afro y oriental, más orgánica. Andrea, siento, está más del lado techie, más electrónico. Será una buena mezcla de música diferente. Además, él comprende muy bien el tipo de música que toco en la escena afro house, así que va a complementar muy bien mi música.
La gente puede esperar… sets de DJ complementarios, una experiencia completa con los tracks más calientes actualmente, en mi opinión.
Para quienes quizás no conozcan tu trayectoria, creciste en Haití y eventualmente estableciste tu base en Nueva York. ¿Cómo ha sido ese camino? ¿Qué desafíos tuviste que superar para llegar a donde estás hoy?
Ha sido un viaje muy largo. Como mencionaste, crecí en Haití y viví allí 18 años. Me mudé a EE. UU. para ir a la universidad. Mientras estudiaba, comencé a pinchar en Providence y un día tuve la oportunidad de tocar en Nueva York. Fui una parte importante de la escena electrónica de Nueva York de 2010 a 2015, hice muchos shows y fiestas allí.
Luego fundé mi propio sello discográfico, Deep Root Records, en 2014. Organizábamos nuestros propios eventos, como Deep Root Sessions en lugares como Public Arts y Marquee New York. Estoy orgulloso de lo que logré establecer en Nueva York, pero en un momento quise expandirme y tocar en el extranjero. Empecé a aprender producción musical y a desarrollar mi perfil como artista. Comencé a producir en 2012 y tuve mi primer gran hit en 2022, así que me tomó unos 10 años alcanzar el nivel de éxito que tengo hoy. Los desafíos incluyeron no tener una formación musical previa, lo que significaba aprender todo por mi cuenta. La escena electrónica estaba bastante dividida entre EDM, big room y hip-hop, así que no había un lugar claro para el tipo de música que quería hacer. Tuve que crear mi propia identidad y ecosistema. Afortunadamente, tras años de trabajo, creé mi sello, mi equipo y mi red, lo que me impulsó hacia adelante. Pude consolidar mi estilo como DJ de Afro House en 2022 y producir música que realmente se necesitaba. La gente buscaba algo diferente, y empecé a hacer Afro House en el momento perfecto, lo que ayudó mucho a desarrollar mi proyecto.
Cuéntanos sobre la primera vez que escuchaste I Like to Move It de Erick Morillo en Haití, y luego Love Generation de Bob Sinclar. ¿Fueron esas las canciones que despertaron tu pasión por la música electrónica?
Definitivamente. I Like to Move It fue un himno que llegó hasta el Caribe y Haití, muy lejos de donde nació la música. Que se escuchara en la radio y entre adolescentes en Haití muestra su magnitud. Me intrigó mucho: era energética, positiva, bailable y con un hook muy pegajoso. Love Generation también, con su silbido y su producción fresca y única.
Otros artistas que impactaron mi interés por ser DJ son Tiësto y Armin van Buuren. Especialmente Tiësto, que estaba en la cima de su carrera, y su álbum In Search of Sunrise. Cuando lo vi en vivo en Nueva York, dije: “esto es lo que quiero hacer”. Ahí empezó todo.
Siempre es difícil hablar de un solo estilo cuando se trata de un DJ y productor como tú. House mezclando deep, melodic y tech house con influencias afro, soul y disco — ¿con cuál te sientes más cómodo?
Como DJ y productor, me siento cómodo con todo tipo de house porque lo he hecho todo. He producido tech house, future house, deep house, melodic house. Tengo un alias llamado M for Fire, con muchos lanzamientos melódicos y también produzco tracks con influencias disco.
Soy un artista muy diverso, aunque mantengo la esencia afro house, especialmente en mis sets de DJ, que es por lo que la gente me conoce. Pero como productor tengo mucha flexibilidad. Con 15 años de experiencia actuando en clubes pequeños y grandes festivales, he aprendido a ser ágil. Incluso toqué hip-hop al principio, así que tengo un gusto y un repertorio muy variados.
Hablemos de Solèy. Cuéntanos la historia detrás de su creación y qué tipo de artistas buscas en tu sello.
Solèy es un movimiento. Es un proyecto que refleja mi identidad, mi sonido y mi visión. Busca conectar y unir culturas de todo el mundo, poniendo la cultura en primer plano de las composiciones. La visión de Solèy es ser un motor y un espacio para estrenar y mostrar música de los cuatro rincones del mundo, promoviendo la diversidad. Solèy, que significa “sol” en criollo haitiano, es un sello que abraza la diversidad y empodera a jóvenes artistas a través de la música, estilo de vida, deportes y actividades humanitarias. Organizaremos partidos de fútbol, activaciones y recaudaciones de fondos. Es más que un sello discográfico: es un movimiento, y estoy muy emocionado de estrenarlo en Ibiza, el lugar perfecto para desarrollarlo.
Con tanto tiempo viajando y actuando por el mundo, ¿cómo logras dedicar tiempo a la producción musical?
Es un reto. Produzco en aviones, autos y hoteles; rara vez tengo acceso a un estudio. El 95-99% de los records salen gracias al trabajo entre shows. Luego mis ingenieros de mezcla y masterización pulen las ideas. Llevo 15 años produciendo, así que desarrollé la capacidad de trabajar rápido y eficiente, manteniendo un flujo musical constante.
Hablemos de la salud de la escena electrónica. ¿Crees que estamos viviendo uno de sus mejores momentos?
Absolutamente. Hoy la música electrónica está en su auge, con clubes y festivales por todo el mundo. Los DJs son las nuevas estrellas del rock, y estoy orgulloso de formar parte de este movimiento. La escena sigue creciendo, emergen nuevos subgéneros y artistas jóvenes, así que es un momento muy positivo y emocionante, y estoy en el centro de ello, contribuyendo con mi toque personal.
Muchos jóvenes que aspiran a ser DJs probablemente leerán esta entrevista. ¿Qué consejo les darías?
Mi consejo es ser lo más original y diferente posible, no intentar encajar ni copiar a otros. Tu identidad es lo que te hace único y exitoso. No tener tu propia voz no te distingue; ser fiel a tu estilo es clave. Haz música que ames y en la que creas, porque esto es un juego a largo plazo, no un éxito instantáneo.
¿Hay algún sueño que aún quieras cumplir dentro de la música electrónica?
Sí, seguir viviendo este sueño actual, crecer como artista, tocar en escenarios globales, quizá algún día en los Juegos Olímpicos, la Copa del Mundo o incluso fuera del planeta. Tengo muchos sueños, pero el principal es continuar viviendo lo que hago hoy. Estoy bendecido y feliz, y quiero ver crecer a mis amigos, artistas, la escena afro house y artistas de mi ciudad natal, Puerto Príncipe, Haití, para que puedan impactar globalmente.
Para Francis Mercier, la música electrónica es…
Para mí, la música electrónica es libertad, porque te permite incorporar cualquier cosa
MBREAKS
Charlamos con Carmen, también conocida como MBreaks, es una estrella en constante ascenso en la escena del Breakbeat y UKG en España. Su estilo sonoro combina ritmos cargados de bajos con elementos melódicos, haciendo que sus temas sean perfectos para oír en el gimnasio, en fiestas, mientras conduces o cualquier momento en el que quieras música energética y pegadiza.
Texto: Vicious Magazine
Muchas gracias por esta entrevista, ¿cómo va todo? ¿Mucho jaleo en este comienzo del 2026?
Muchas gracias a vosotros por contar conmigo. La verdad es que este comienzo de 2026 está siendo bastante intenso, con bastante movimiento entre la sala y los proyectos que llevo, pero muy contenta porque vienen cosas bonitas.
Vamos con la clásica pregunta, ¿de dónde viene el nombre de MBREAKS?
Pues viene de algo bastante simple pero muy mío: la ‘M’ de mi nombre y ‘breaks’, porque el breakbeat ha sido siempre mi base. Era importante para mí que el nombre ya dijera quién soy dentro de la música.
Te pido un ejercicio de memoria, ¿recuerdas cómo fue tu primera fiesta electrónica y cuáles eran los clubs a los que ibas cuando eras una chavala?
Sí, lo recuerdo con mucho cariño. Mi primera fiesta electrónica me marcó bastante, sobre todo por la energía que se vivía en la pista. Empecé a ir a sitios como Sala Cosmos o Industrial Copera, que eran referentes, pero sobre todo tengo muy presente la época de las raves que organizábamos nosotros en Sevilla.
También han sido muy importantes para mí los eventos de Raveart, que para mí son de lo mejor dentro del breakbeat y han marcado mucho la escena. Al final, todo ese recorrido es lo que me hizo conectar de verdad con la música de una forma más directa y más libre.
Siempre me interesa conocer de mano de los DJs, cómo y cuándo fue ese momento clave en el que decidiste dedicarte full time a la música.
No fue una decisión de un día para otro, fue algo que se fue construyendo. Cada vez estaba más metida en la música, en la escena, en los eventos… hasta que entendí que no era solo algo que me gustaba, sino algo que necesitaba hacer.
Ahí fue cuando decidí dar el paso y dedicarme full time, confiando en mi proyecto y en todo lo que estaba construyendo alrededor del breakbeat.
Sé que es un coñazo preguntar por cómo es el estilo de un artista, pero nadie mejor que tú para definir el estilo de MBREAKS.
Mi estilo es bastante híbrido. Viene del breakbeat andaluz, pero está muy influenciado por el sonido UK, sobre todo el UKG. Me interesa mucho esa mezcla entre lo local y lo ‘guiri’, porque creo que ahí es donde salen cosas más frescas y diferentes.
¿Cómo abordan las nuevas generaciones el sonido breakbeat que sale hoy en día en comparación al sonido más clásico?
Los chavales de ahora tienen mucha curiosidad por todo lo que suena fuera y eso se refleja en su manera de tocar o producir breakbeat. Mezclan el sonido clásico con UKG, bassline o incluso techno, y eso crea un breakbeat más actual. Para mí es genial porque significa que el género sigue vivo y con mucho margen para innovar.
¿Se podría decir que el breakbeat ha resucitado o en verdad nunca murió?
Yo creo que el breakbeat nunca murió realmente, aunque pasó por momentos en los que no estaba tan visible en la escena mainstream. Siempre ha habido una base sólida de DJs, productores y eventos que han mantenido vivo el sonido.
Ahora parece que ha resurgido porque más gente lo está descubriendo o redescubriendo, y eso lo hace más potente que nunca. Para mí, es un género que siempre ha estado ahí, evolucionando y adaptándose a cada época.
El breakbeat ya no es algo exclusivamente andaluz, ¿cuándo te has dado cuenta que este sonido ha calado en diferentes regiones de la península?
Me di cuenta hace unos años, cuando empezamos a recibir invitaciones de otras ciudades para tocar, y ver cómo festivales y colectivos fuera de Andalucía estaban apostando por el breakbeat. También cuando la gente de otras regiones empezó a seguir proyectos como Ritmika o nuestros eventos en Sevilla.
Eso me hizo ver que el género ya no es solo algo local: tiene su propia vida en diferentes puntos de la península, con comunidades muy activas que sienten la misma pasión que nosotros por el breakbeat.
En el estudio cómo eres, ¿ya llegas con una idea preconcebida o dejas que los sonidos vayan fluyendo?
Depende un poco del proyecto. A veces llego al estudio con una idea clara de lo que quiero crear, sobre todo cuando es un set o track concreto, pero muchas veces dejo que los sonidos fluyan y me sorprendan. Creo que ese equilibrio entre planificación y experimentación es lo que da vida a mi música.
¿Qué lanzamientos tienes previstos para 2026?
Este año quiero centrarme en sacar música que conecte con la pista y con la gente que me sigue, sin prisa pero con intención. Hay ideas de EP, posibles colaboraciones y también remixes que estamos explorando, así que 2026 promete ser bastante completo en cuanto a lanzamientos.
Háblanos de Ritmika, la fiesta de Pandora en la que eres la cara visible
Ritmika es la marca de la casa de Sala Pandora y la llevamos todos desde la oficina, coordinando la programación y los proyectos. Yo, al ser más activa en redes y en cabina, soy la cara más visible del proyecto, pero realmente es un trabajo en equipo. Es una marca nueva con muchas ideas frescas: diseñamos carteles atractivos, contamos con artistas que ya tienen trayectoria y también damos espacio a gente nueva que está empezando. Para mí, Ritmika representa esa mezcla entre experiencia y frescura, y sobre todo un espacio donde el breakbeat puede crecer y conectar con la gente.
¿Dónde vamos a poder verte pinchar en los próximos meses además de en Ritmika?
Además de Ritmika, estoy tocando por toda Andalucía y fuera de ella: Londres, Rusia, Bilbao, Valencia, Madrid, Barcelona… Cada ciudad tiene su propio público y me encanta ver cómo mi mezcla de breakbeat andaluz con toques UKG conecta en cada pista.
De todos los momentos que has vivido en tu carrera, que no han sido pocos… ¿Cuál recuerdas con más cariño y por qué?
Recuerdo con mucho cariño mi primer show en Dreambeach. El trato de la organización y del público fue increíble, y la energía en la pista fue algo que nunca olvidaré.
Para MBREAKS, la música electrónica es……..
Para MBREAKS, la música electrónica es mi vida entera. Estoy 24/7 metida en ella, ya sea produciendo, pinchando o trabajando en proyectos como Ritmika en Sala Pandora. Es lo que me mueve y lo que da sentido a todo lo que hago, y me encanta poder compartir esa energía con la gente.
CLAUDIA TEJEDA GROOVE,
IDENTIDAD Y UNA VISION SIN CONCESIONES
LA DJ Y FUNDADORA DE CLOVER RECORDS REPRESENTA UNA NUEVA GENERACIÓN QUE ENTIENDE LA PISTA COMO ENERGÍA, PERO TAMBIÉN COMO DISCURSO. HABLAMOS CON ELLA SOBRE RAÍCES, EVOLUCIÓN Y LA IMPORTANCIA DE CONSTRUIR UN SONIDO PROPIO EN UNA ESCENA SATURADA.
En un momento donde la electrónica parece moverse entre la sobreexposición y la repetición de fórmulas, hay artistas que están construyendo su camino desde otro lugar. Sin prisas, pero con una identidad clara. Claudia Tejeda es una de ellas. Con base en Málaga y raíces latinas, su propuesta se mueve entre el groove, la contundencia y una conexión muy física con la pista de baile. Su crecimiento en cabinas como Industrial Copera, Florida 135 o elrow, sumado al desarrollo de su propio sello, Clover Records, dibuja un perfil que va más allá del DJ: una artista con visión. En esta conversación, hablamos de cultura, proceso creativo y de lo que realmente significa conectar con el público hoy
Vienes de Málaga pero con raíces latinas. ¿Cómo ha influido esa mezcla cultural en tu identidad musical y en tu forma de entender la pista de baile?
Creo que esa mezcla es la base de todo lo que hago. Málaga me ha dado esa conexión con la cultura club europea, más directa y enfocada al groove y la pista, pero mis raíces latinas están muy presentes en la forma en la que siento el ritmo. Para mí, la pista no es solo técnica, es emoción, es cuerpo. Necesito que haya swing, que haya calor. Esa combinación entre estructura europea y alma latina define completamente mi sonido y mi forma de leer al público.
Has pasado por cabinas muy potentes como Industrial Copera, Florida 135 o elrow. ¿Qué has aprendido de estos contextos tan distintos entre sí?
Cada una te enseña algo completamente diferente. En Industrial Copera aprendes a defender un sonido más contundente y a construir sets con intención. En Florida 135 entiendes lo que significa historia y respeto por la cabina. Y en elrow aprendes a conectar desde la energía, desde lo visual y desde el impacto inmediato. Al final, lo más importante es la capacidad de adaptarte sin perder tu identidad.
Tus sets destacan por su energía y groove. ¿Cómo trabajas la construcción de una sesión para mantener esa conexión constante con el público?
Para mí, un set es un viaje, pero no uno lineal. Tiene tensión, momentos de respiro y picos muy claros. Trabajo mucho la selección musical, pero sobre todo el orden y la intención de cada track. No se trata solo de mezclar bien, sino de contar algo. También dejo espacio para la improvisación, porque la pista siempre manda, y saber leerla es clave.
En una escena cada vez más globalizada, ¿qué crees que te diferencia como artista dentro del circuito electrónico actual?
Creo que mi punto fuerte es tener una identidad clara. No intento encajar en todo, sino defender un sonido muy concreto. Mi música tiene groove, carácter y una intención directa de pista. Además, hay una parte muy honesta en mi proyecto: todo lo que hago, tanto como DJ como con el sello, responde a una visión real, no a tendencias
Además de DJ, eres fundadora de Clover Records. ¿Cómo nace el sello y qué visión hay detrás del proyecto?
Clover Records nace de la necesidad de tener un espacio propio donde desarrollar una identidad sin límites. No quería depender de lo que encajase fuera, sino construir algo que representase exactamente el sonido que defiendo. La visión es clara: groove, personalidad y calidad. Música que funcione en pista pero que también tenga identidad.
Has conseguido el apoyo de nombres importantes de la industria. ¿Qué ha significado para ti ese reconocimiento dentro de tu evolución artística?
Es muy bonito, porque son artistas que llevas años escuchando y respetando. Pero más allá de lo emocional, lo veo como una confirmación de que voy por el camino correcto. Aun así, intento no acomodarme. El reconocimiento está bien, pero lo importante es seguir evolucionando..
Como A&R y artista, ¿qué buscas cuando decides firmar un track para tu sello?
Busco que tenga algo especial. Puede ser el groove, una idea o un detalle, pero tiene que transmitir. También es importante que funcione en pista, porque al final es música para bailar. Y sobre todo, que tenga personalidad. Prefiero algo imperfecto pero con carácter que algo correcto pero vacío. Tu sonido se mueve entre grooves contundentes y tech house con una producción muy cuidada. ¿Cómo defines actualmente tu línea musical?
Ahora mismo estoy muy enfocada en un tech house con influencia latina pero muy contundente, siempre con una base sólida de groove. No me interesa lo melódico en exceso. Prefiero trabajar desde el ritmo, la percusión y la energía de la pista.
Estás actuando en clubes y eventos internacionales. ¿Hay alguna ciudad o público que te haya marcado especialmente?
Cada sitio tiene algo especial, pero cuando conectas de verdad con el público se nota muchísimo. Hay ciudades donde la gente vive la música de una forma muy intensa, muy física, y eso te empuja como artista. Más que un lugar concreto, me quedo con esos momentos donde hay una conexión real con la pista.
La pista de baile ha cambiado mucho en los últimos años. ¿Cómo percibes la evolución del público y de la cultura clubbing?
Creo que hay una mezcla interesante. Por un lado, todo es más rápido, más visual y más inmediato. Pero también hay un público que busca autenticidad, que quiere volver a sentir la música de verdad. El reto está en mantener esa esencia sin dejar de evolucionar.
En pleno crecimiento de tu carrera, ¿cuáles son tus próximos objetivos tanto a nivel artístico como con Clover Records?
A nivel artístico, quiero seguir consolidando mi sonido y llevarlo a más escenarios internacionales. Y con Clover Records, construir una identidad fuerte y reconocible, apostando por artistas que compartan esa visión. No se trata solo de crecer, sino de hacerlo con coherencia.
Para quien aún no haya vivido un set de Claudia Tejeda, ¿qué puede esperar de la experiencia?
Puede esperar energía, groove y conexión. Un set pensado para la pista, para moverse y sentir. Pero también una identidad clara. No es solo música, es una forma de entender la pista de baile.
COSMOS CLUB
DENIS, CEO DE COSMOS CLUB, HABLA SOBRE IDENTIDAD, COMUNIDAD Y CÓMO UN ESPACIO PEQUEÑO PUEDE CONVERTIRSE EN REFERENCIA NACIONAL SIN TRAICIONAR SU ESENCIA.
En una industria cada vez más marcada por la inmediatez, los algoritmos y las fórmulas repetidas, hay proyectos que siguen apostando por el largo recorrido. Cosmos Club es uno de ellos. Desde Sevilla, lejos de los focos habituales del circuito electrónico, han construido durante 15 años un espacio donde la música, la comunidad y la experiencia van por delante del hype. Ahora, tras recibir el reconocimiento a Mejor Sala de menos de 500 personas en los Vicious Music Awards, hablamos con Denis, su CEO, sobre lo que significa mantenerse fiel a una visión en tiempos donde lo fácil suele ser lo contrario.
Texto: Vicious Magazine
Desde Vicious queríamos empezar preguntándote qué ha significado para ti y para todo el equipo de Cosmos ganar el Vicious Music Award a Mejor Sala de menos de 500 personas.
En primer lugar, me gustaría aprovechar para agradecer este premio, que ha supuesto una alegría inmensa para todo el equipo de Cosmos Club. Llega justo en el año en el que celebramos nuestro 15 aniversario, y sin duda nos da aún más fuerza para seguir trabajando en un proyecto al que le ponemos tanto cariño. Este reconocimiento no es solo para el club, también es para todas las personas que han pasado por nuestra pista a lo largo de estos años. Y, por supuesto, es un premio que también pertenece a Sevilla y a su gente, que ama profundamente la música electrónica.
En un momento en el que muchas salas apuestan por lo inmediato, Cosmos parece haber construido su camino a fuego lento. ¿Cómo de importante ha sido la coherencia y la visión a largo plazo para llegar hasta este reconocimiento?
Desde el primer día tuvimos una idea muy clara: ser fieles a una propuesta cultural centrada en la música electrónica en todas sus variantes. Esa coherencia ha sido clave. Nunca hemos querido desviarnos de ese camino, y creemos que precisamente esa constancia es lo que nos ha traído hasta aquí.
La programación de Cosmos siempre ha apostado por una línea muy cuidada. ¿Cómo encontráis el equilibrio entre riesgo artístico y conexión real con el público?
Sevilla es una ciudad muy especial, que marca su propio ritmo. Hemos tenido que aprender a encontrar ese equilibrio entre lo que el público demanda y nuestra visión de ofrecer una propuesta musical de calidad. La clave está en adaptarse sin perder la identidad.
Si miras atrás, ¿hay algún evento, noche o etapa concreta que sientas que marcó un punto de inflexión en la historia de la sala?
Hay muchos momentos importantes en estos 15 años, pero destacaría especialmente nuestras noches de techno. En esta temporada 25/26 sentimos que estamos alcanzando el nivel que siempre buscamos. Hay una conexión muy fuerte entre el club y el público, una simbiosis real que se nota en cada sesión.
Sevilla no siempre ha sido la primera ciudad que viene a la mente cuando se habla de clubbing underground. ¿Qué crees que aporta Cosmos a la escena local y nacional desde una sala de pequeño formato?
Cosmos demuestra que un club pequeño también puede tener un gran impacto. En Sevilla hemos contribuido a crear una comunidad en torno al sonido underground, dando espacio tanto a artistas emergentes como a propuestas internacionales. Desde ciudades que no siempre están en el foco también se pueden generar proyectos con personalidad y relevancia.
Trabajar con un aforo reducido implica muchos retos. ¿Cómo habéis conseguido convertir esas limitaciones en una experiencia más cercana, auténtica y diferencial?
Nuestro formato es precisamente lo que permite que la experiencia sea tan especial. El sonido, la iluminación, el equipo humano, el diseño del espacio o la cercanía entre artista y público… todo está pensado para generar una experiencia inmersiva. Queremos que quien entra en Cosmos se sumerja durante horas en un viaje completo.
Tras este reconocimiento en los Vicious Music Awards, ¿qué podemos esperar de Cosmos a corto y medio plazo?
Vamos a seguir exactamente con la misma filosofía con la que empezamos hace 15 años: acercar la cultura electrónica a Sevilla. La motivación sigue intacta y las ganas de seguir creciendo, también.
FERNANDO LAGRECA
Y POR FIN, EL TECHNO
DICE NO PRETENDER UN APORTE SUPERLATIVO, SINO SUMAR UN GRANITO DE ARENA MÁS A LA RESISTENCIA DEL TECHNO. Y VAYA SI LO HA CONSEGUIDO Y ES QUE, SIN DUDA, ESTE “MOTION TACTICS” ES UNO DE LOS MEJORES TRABAJOS EN LARGO DE FORMATO DE “SOLO TECHNO” QUE SE HAN PUBLICADO EN LO QUE VA DE 2026 EN NUESTRO PAÍS. PASEN, LEAN Y BAILEN, ESTÁ LAGRECA AL APARATO.
Texto: Fernando Fuentes
Hola Fernando, la primera pregunta es casi obligada, ¿por qué has esperado tanto tiempo a producir un disco enteramente techno?
Pues creo que simplemente ha sido un proceso temporal lógico y orgánico. A día de hoy, creo que el techno está en un buen momento, aunque la supremacía sigue estando en altos BPM y un hard-techno que con sus nuevas variantes ha inundado las programaciones de festivales y clubes y que no tiene mucho que ver con el hard de los 90 y 2000, hay un hueco importante para un techno que busca sonar actual sin perder identidad, que bebe de cosas clásicas sí pero que hace por incluir a su vez sonidos nuevos, atmósferas, y que está permitiendo que cada vez más se escuche buen techno en muchos escenarios, dando lugar a su vez a que nuevos sellos se animen a sacar en vinilo, y aprovechar nuevas tecnologías en hardware y software para montar esta suerte de ‘resistencia’ a la vez que intentar innovar un poco.
Es curioso porque, aunque se te puede considerar como un “hombre de techno” no te habías atrevido, si me permites la expresión, a lanzarte a la procelosa piscina de dicho género y a pecho descubierto… ¿Por qué precisamente ahora?
Un poco por lo anterior… En los últimos diez o doce años digamos, el techno estuvo un poco ‘sepultado’ entre otros géneros que estaban tomando la escena, en la pandemia, el BPM sube y esto permite el advenimiento de estos sonidos más ‘hard’ que han a su vez rápidamente mutado en otras cosas, quitando lugar al EDM de los grandes festivales pero que ha propiciado que el techno llame la atención cada vez más a un público joven, lo que lo pone en actualidad. Tampoco es que me haya lanzado así a lo loco a algo muy arriesgado, supongo que simplemente hice lo que tenía ganas, que en este momento era lanzar algo más enfocado al techno. Todo el que me conoce a nivel artístico sabe que me muevo entre varios géneros musicales, y ahora ha tocado ir por aquí.
Llevas años desarrollando directos basados en hardware, construyendo tus sets a partir de grooveboxes, cajas de ritmo y máquinas orientadas a la manipulación en tiempo real… ¿esto ha sido definitivo a la hora de “technificar” tu sonido?
Totalmente, desde hace años que utilizo grooveboxes. La primera me la pillé en 1997, era una Roland MC-303 y desde entonces varias han pasado por mi mano, la MC original la vendí cuando me vine a España a finales de 2002, y aquí lo primero que hice al llegar fue comprarme otra máquina, una Korg EM1, que luego cambié por una Yamaha RM1X, luego por un set de AN200+DX200, también de Yamaha y en el 2007 ya por mi primera Elektron, marca de la cual tengo varios modelos, junto con AKAI MPC y por supuesto, he vuelto a Roland desde que salió su serie Aira (hoy llevo a mis directos una TR8S junto con una Elektron y ya estoy esperando que me llegue la TR1000 para el estudio). Y sin duda, todas estas máquinas, ¡llevan el techno en sus genes!
Lo que demuestras, sin ambages, en este nuevo trabajo es que dominas el lenguaje del techno… ¿Qué tiene de especial? ¿Cuáles son sus claves?
No sé si lo domino, pero me gusta, y lo disfruto, y en general lo que produzco siempre tiene que gustarme, y darme a mí mismo la emoción que me gustaría provocar en los que escuchan mi música. En el caso del techno, hay claves que sin duda son básicas, como el kick, las líneas de bajo, cómo se empasta el low-end, y por supuesto el groove, esa cadencia, esa síncopa entre la percusión y el resto de los elementos, y algo que a mí me parece súper importante, al mismo nivel que el resto de los elementos de un buen track techno, son los hats. El techno para mí no es sólo pegar elementos sobre una base 4/4 conformada con un bombo a negras y nada más; no, es mucho más, es conjuntar todos estos elementos, y también darle una suficiente dosis de juego armónico y variaciones para que sin perder ese espíritu del ‘loop’ y la repetición, no aburra, sorprenda, tenga sutiles cambios
En este “Motion Tactics” presentas una colección de temas concebidos desde una perspectiva funcional y orientada a la pista de baile, en la que hay mucho también de exploraciones en lo que afecta al ritmo… ¿Si no hay experimentación y riesgo “no hay Lagreca”?
Mmmm… es que si no cambio cosas me aburro fácil. Una cosa es querer hacer un trabajo bastante unificado a nivel estilo, y otra es que todos los temas suenen igual. Cada tema debe tener su propia historia, y aunque yo no diría arriesgar, si que diría que el trabajo es variado, dentro de una funcionalidad que no se esconde. No pretendo reinventar la pólvora ni presentar un disco purista, sino que este trabajo es como un catálogo de grooves, hats, kicks y secuencias, en donde cada tema tiene un punto de exploración distinto del otro. ¡En la variedad está el gusto, y el techno da para mucho!
Además de techno contemporáneo, en los temas del disco hay también electro y, siempre, mucho groove… ¿son para ti estilos que siempre deben de caminar juntos para un resultado eficiente?
Sin duda, el groove tiene que marcar el hilo conductor, y también lo de presentar una compilación de temas variados, de ahí también lo de hacer 9 temas en lugar de sacar un EP como hasta ahora había hecho. En general cuando saco EPs de 2-3 temas funcionan bien en charts y tops (lo último que saqué en enero de este mismo año en M4rlow llegó al número 1 en el top100 de releases Techno
Raw + Hypnotic en Beatport). Pero el hecho de lanzar 9 tracks de una me da este juego de poder variar más, de no circunscribirme a un solo tipo de techno, y a volar más libre en este sentido.
Dices que los cortes de este álbum salieron de componer bancos de sonidos para los próximos directos dirigidos a la pista de baile, pero que luego de varias sesiones en el estudio, entendiste que era material de sobra para generar tracks completos… ¿en qué momento preciso te diste cuenta de ello? ¿O todo fue producto de un proceso temporal más largo?
Correcto, allá por noviembre 2025 comencé a preparar nuevos bancos de sonidos para los directos de club y al mismo tiempo me surgió la posibilidad de ir por segunda vez a Hör a grabar una sesión pero me encontré en el estudio con bastante inspiración y acabé generando mucho material; parte de esto conformó el sonido del setup que estoy usando ahora (Roland TR8S + Elektron Analog Rytm MKII), y mucho material de estas sesiones las pude re-combinar para usar de bases para nuevos tracks con lo que fue todo casi de una, no tuvo una preparación previa como cuando compongo un álbum más ‘conceptual’; aquí fue algo muy inmediato, muy improvisado, muy divertido a su vez, y bastante rápido.
En el disco hay tanto temas para la pista, como para la escucha atenta… ¿Cuáles (elige dos por cada según sean tus favoritos) nos recomiendas en particular para cada espacio y momento?
Para escucha atenta, yo diría que el track electro (‘Unter der Haut’) y el último (‘Architecture of an Endless Pattern’) son los que funcionan mejor. En cuanto a darles tratamiento de pista, ‘Logaritmo’ y ‘Empate Técnico’ son los que me llevan hacia el club; ‘Logaritmo’ lo bailaría por ejemplo en una sesión en Human (Razzmatazz) y ‘Empate Técnico’ en Tresor.
Fernando, una vez que el disco ya esté en la calle, ¿cuándo, dónde y cómo lo presentarás?
Ya he comenzado a lanzar secuencias y bases del álbum, por ejemplo, en el reciente Dantz, en San Sebastián, a comienzos de marzo, ya estuvo sonando. En abril tengo un par de fechas en Portugal, y vienen cosas próximas en Barcelona y en verano Alemania, intentaré hacer algo para ADE y estoy pendiente también de un par de opciones en Sudamérica.
Para terminar, ¿qué crees que puede aportar este “Motion Tactics” a la escena techno del momento en España y, por supuesto, allende nuestras fronteras?
Con que pueda hacer llegar el material a varios DJs que pinchen algunos de los tracks y poder hacer algunos directos presentando el sonido de este trabajo, ya estaré muy contento. La idea es sumar un granito de arena más a la resistencia del techno, y si surgen colaboraciones o interés de otros sellos, más que mejor. Y por supuesto, ¡que la gente escuche y baile los temas!
VICIOUS CHART
BY KARLOS MOLINA
Red Axes Hod Rod To Hell and Back (Extended Mix) FABRIC RECORDS
Dan Barrow Keep You Move (Original Mix) RUMMEL
Dosem
Lost Taxi (Henry Saiz & Marc Marzenit Remix) SUARA
Derderwandert Unrestrained (Original Mix) BEDROCK
JAMIE 4ME (Original Mix) CROSSTOWN REBELS
Guy J Selector (Original Mix) MORNING
Maori Egypt Sunset (Original Mix) MACCABI HOUSE
Yunus Guvenen Space 6AM (Original Mix) BEDROCK
Chris Fortier
Love Lifting (Original Mix) BEDROCK
Shamika Solune (Weird Sounding Dude Remix) SOLIVARA RECORDS
D-FORMATION EN EL ESTUDIO CON
¿Cuál es tu proceso compositivo?
Mi proceso es bastante natural. Me siento en el estudio sin demasiadas expectativas y dejo que todo fluya. Creo que ahí es donde pasan las cosas más interesantes, cuando no fuerzas la creatividad y simplemente te dejas llevar por el momento.
¿De que partes a la hora de crear un nuevo tema?
No tengo un único punto de partida. A veces empiezo desde una base rítmica, como un kick o un bajo; otras veces todo nace de una melodía, y a partir de ahí se va construyendo el resto. Incluso puede surgir desde un sampler antiguo que me inspire. Cada track tiene su propio camino y eso es lo que mantiene el proceso fresco.
¿Eres de los que priorizan la idea sobre la parte técnica en el comienzo de un track?
No, en absoluto. Para mí es fundamental cuidar el sonido desde el principio. La elección de los sonidos y su calidad de origen es clave para conseguir una buena mezcla final. De hecho, cuando termino un track, prácticamente ya está mezclado, a falta de pequeños ajustes. Ese enfoque me permite trabajar con mayor precisión desde el inicio.
¿Con qué equipo produces en tu estudio?
Después de tantos años, he pasado por prácticamente todo. Desde software como Pro 24, Cubase o Logic, hasta mi configuración actual con Ableton Live. También he
trabajado mucho con hardware analógico en el pasado. Hoy en día me apoyo más en plugins, principalmente por comodidad, pero también porque la calidad actual es altísima: compresores, sintetizadores y efectos digitales están a un nivel increíble.
¿En qué te inspiras para crear nueva música?
La inspiración puede venir de cualquier sitio. Al final, todo está muy ligado a cómo te sientes en ese momento. Aunque tengo un sonido bastante definido, me gusta explorar diferentes estilos y no repetirme. Siempre intento hacer cosas distintas y, sobre todo, disfrutar con lo que estoy creando. Dejarme llevar es una parte esencial de mi proceso.
¿Imaginas un determinado tipo de público en la pista de baile mientras produces o eso lo dejas para el final?
No suelo pensar en un público concreto mientras estoy creando. Prefiero centrarme en lo que me transmite el track en ese momento. Si la música funciona conmigo, es más fácil que luego conecte con la pista de baile. Esa conexión con el público llega de forma natural cuando el tema es honesto.
¿Qué rol juega la experimentación en tu música? ¿Te gusta salir de tu zona de confort?
Sí, me gusta salir de mi zona de confort, aunque no siempre es fácil hacerlo y que el resultado sea realmente potente. Por eso, de vez en cuando dejo de producir como tal y me dedico únicamente a experimentar con nuevas herramientas, sonidos o técnicas. Ese proceso me abre la mente y me da una nueva perspectiva cuando vuelvo a crear, incorporando recursos que antes no utilizaba o redescubriendo otros que tenía olvidados.
¿El equilibrio entre el flujo creativo y la posterior organización son claves para trabajar mucho más rápido y eficazmente?
Totalmente. Ese equilibrio es fundamental. Cuando dedico tiempo a experimentar, voy generando y seleccionando recursos que luego me facilitan mucho el arranque de nuevos tracks. La organización es clave para ser eficiente, aunque tengo que admitir que no siempre es mi punto fuerte. Por eso intento parar de vez en cuando para ordenar todo y poder trabajar con mayor claridad.
¿Cómo y cuándo sabes que un tema está terminado?
Creo que es algo que simplemente se siente. Cuando llego a ese punto, no soy de darle demasiadas vueltas. Siempre se puede mejorar algo, pero también existe el riesgo de estropearlo. Muchas veces, menos es más, y saber parar a tiempo es parte del proceso creativo..
¿Prefieres autoeditar tu música o lanzarla en sellos?
A lo largo de mi carrera he editado mucha música, tanto original como remixes, en distintos sellos. Sin embargo, la gran mayoría de mis lanzamientos han salido en mis propios labels. Nunca he querido depender de la opinión de otros para publicar música en la que creo. Entiendo que haya artistas que prefieran otro camino, pero en mi caso, muchos de mis tracks más importantes han salido bajo mis propios sellos, con alguna excepción puntual.
SAVANNA
Espiritualidad y elegancia
En la escena electrónica actual, donde las propuestas únicas cobran cada vez más fuerza, Savanna emerge como una de las figuras más orgánicas del circuito.
DJ y productora con un enfoque profundamente espiritual, su proyecto artístico trasciende la pista de baile para convertirse en una experiencia inmersiva donde la música actúa como puente entre culturas, territorios y estados emocionales. Nacida en Buenos Aires y criada en el Amazonas boliviano, Savanna construye un universo sonoro que refleja ese cruce de mundos. Su música es un diálogo entre la intensidad urbana de la capital argentina y la energía natural y mística de la selva. Esta dualidad se traduce en sets que fluyen entre el downtempo, el progressive y el techno, siempre sostenidos por una base rítmica rica en percusiones tribales e influencias ancestrales.
Savanna plantea cada sesión como un viaje: atmósferas envolventes, texturas e instrumentos autóctonos construyen una narrativa que va de lo introspectivo al trance eufórico. Una capacidad de crear espacios emocionales que la diferencia dentro de una nueva generación de artistas electrónicos.
Su proyección internacional no ha tardado en consolidarse. Ha llevado su propuesta a ciudades clave como Berlín, Miami e Ibiza, actuando en contextos tan diversos como Pachá Ibiza, Brunch Electronik, a entornos naturales remotos e impactantes como el Salar de Uyuni en Bolivia o Galipán en Venezuela. Su música demuestra una versatilidad que se adapta tanto al entorno de club nocturno como a experiencias más espirituales y conceptuales.
En el terreno discográfico, Savanna continúa expandiendo su identidad con lanzamientos en sellos como Cafe De Anatolia, Baikal Nomads y 3rd Avenue, plataformas que comparten su sensibilidad hacia sonidos orgánicos y globales. Su último EP, “La Isla del Sol”, compuesto por tres tracks inspirados en lugares emblemáticos de Bolivia, nace de una conexión profunda de la artista con los paisajes y el simbolismo de su tierra. Además de su faceta como artista, su papel como socia estratégica y DJ residente de La Serpiente Cósmica refleja su compromiso con una escena más consciente. Savanna entiende la música como una manera de mejorar el mundo: ha participado activamente en iniciativas sociales como ollas comunitarias para familias afectadas durante la pandemia, y en acciones de apoyo a la protección de fauna silvestre y conservación en el contexto de las quemas en la Amazonía boliviana. Esa sensibilidad se filtra también en su propuesta artística: crear espacios donde el disfrute no esté separado de la empatía y el amor.
PREMIERE
Texto: Kali
De La Swing - All About Funk (Original Mix) Magnetic People
El nuevo track de De La Swing, All About The Funk, forma parte del primer lanzamiento del sello Magnetic People, un proyecto impulsado por el propio artista junto a Caal. La pista se mueve entre el house y el deep tech con un groove sólido, líneas rítmicas directas y una energía diseñada claramente para la pista de baile. Un corte con carácter funk y enfoque club que refleja la identidad sonora del sello: ritmo, conexión y pura dinámica de dancefloor.
Kmyle & Umwelt – Shape The Reality (Original Mix) KMYLE Records
Dentro de Sparks Of Resilience EP, el nuevo trabajo colaborativo entre Kmyle y el veterano francés Umwelt, encontramos una de esas piezas que funcionan como punto de inflexión dentro de un lanzamiento pensado claramente para la pista de baile. “Shape The Reality” emerge como un corte de techno hipnótico y cerebral donde la tensión se construye con paciencia, apoyándose en una arquitectura sonora profundamente analógica.
Swann Decamme – Ritmo Solare(Original Mix) Curiosity Music
El productor parisino Swann Decamme vuelve a mirar directamente al dancefloor con “Ritmo Solare”, un corte diseñado con mentalidad de DJ que combina groove latino, elegancia nocturna y una energía que funciona de inmediato en club. Publicado a través de Curiosity Music, el track se presenta como uno de los momentos más enfocados a pista dentro de su próximo álbum THERIOMORPHY.
DJ Dextro – 31 Atlas (Original Mix)
SOTOR Records
El sello marroquí SOTOR Records continúa ampliando su identidad sonora con “Processing Range”, su segundo lanzamiento en vinilo y una nueva pieza dentro de su catálogo dedicado a explorar la diversidad del techno contemporáneo. Dentro de este EP firmado por el productor portugués DJ Dextro, encontramos uno de los momentos más contundentes del disco: “31 Atlas”, un corte diseñado para liberar la tensión directamente en la pista.
Odagled – Unmoved(Original Mix)
Gleed Records
Gleed Records reafirma su enfoque hacia una arquitectura sonora pensada para el club: producción analógica, diseño funcional y una estética techno precisa que prioriza la claridad en sistemas de sonido de gran presión. Dentro de este nuevo EP encontramos dos cortes complementarios que comparten identidad, pero exploran diferentes aproximaciones técnicas al groove.
Alexander Kowalski – Electric Dust (Original Mix) Arkham Audio
Arkham Audio celebra seis años con Arkham Audio 6 Years
Various, una compilación que resume su trayectoria y reafirma su identidad en la escena techno. “Electric Dust” de Alexander Kowalski destaca por su techno profundo y tenso, sin excesos, representando el pulso del recopilatorio.
Con “Gunfactor”, apaull firma una pieza que condensa con precisión quirúrgica el nervio conceptual de su tercer larga duración. El productor neerlandés-canadiense trabaja aquí desde una electrónica de contornos oscuros y musculatura seca, donde el pulso techno se contamina con destellos industriales, tensión synthwave y una arquitectura de club pensada tanto para el prime time como para esas horas en las que la pista ya no busca euforia, sino profundidad. El resultado es un corte afilado, directo y con ese carácter austero que no necesita excesos para imponer presencia.
O.P.S. – Sandy (Original Mix) Rotten Citty
Con “Sandy”, O.P.S. se desliza hacia el costado más melódico, sentimental y adictivo de su New Deal EP, entregando una pieza que abraza sin complejos el espíritu del synth pop ochentero. Aquí no hay pose ni revisionismo vacío: lo que aparece es una reconstrucción emocional muy bien medida, sostenida por sintetizadores de tacto cálido, una sensibilidad pop afilada y ese pulso nostálgico que convierte la escucha en un pequeño viaje suspendido entre la pista y la memoria.
ChillOhm – Entre Deux Mondes (Original Mix) Cafe De Anatolia
ChillOhm regresa a Cafe De Anatolia con Amazigh EP. Presentamos en exclusiva “Entre Deux Mondes”, un tema entre organic house introspectivo y downtempo. La percusión hipnótica y orgánica sostiene un groove terrenal, mientras capas de instrumentación étnica crean una atmósfera ceremonial y cinematográfica. Las voces, apenas insinuadas, aportan textura emocional y un eco ancestral.
Yerno Vil – Vulture v1
Espacio Cielo
El 11 de marzo, Yerno Vil lanza su EP “Vultures” con Espacio Cielo. El EP, con seis cortes, muestra su evolución creativa y su sonido personal, fusionando clubbing con introspección. Desde Madrid, Yerno Vil es parte activa de la escena electrónica española emergente.
Dani Navarrete & Richard Rozen – Heart 808
Dani Navarrete y Richard Rozen demuestran su dominio del Deep Tech con “Heart 808”, un track minimalista que equilibra control técnico y sensibilidad de club. Primer corte del EP Life With Mountains en Based Faith (BFD002), la 808 actúa como columna vertebral emocional, impulsando un groove preciso y espacioso.
Peter Soul & Py White – Spectral Resonance (Extended) Disrupted Music
Peter Soul y Py White presentan Spectral Resonance (Extended Mix), un tema de Indie Dance con un toque oscuro y funcional, disponible el 20 de febrero en Disrupted Music, el sello de Danmat (DISMU044). Diseñado para la pista de baile, el track destaca por su low-end hipnótico y una tensión constante. Las voces etéreas y ligeramente inquietantes se entrelazan con una percusión seca y precisa, creando un groove sin adornos innecesarios.
Una pieza que encapsula a la perfección la esencia del deep progressive moderno. “Rivix” se desarrolla con una elegancia casi arquitectónica, donde cada elemento encuentra su espacio dentro de un groove sólido y envolvente. Las líneas de bajo, profundas pero controladas, sostienen una estructura rica en matices, mientras los detalles melódicos emergen y desaparecen con sutileza. El resultado es una narrativa hipnótica que evoluciona constantemente sin perder coherencia, ideal para momentos clave en pista donde la tensión debe mantenerse viva sin saturar.
Atique aporta una visión más expansiva y emocional al original, transformándolo en un viaje sonoro de gran profundidad. El remix se construye a través de capas atmosféricas, pads envolventes y delays que se extienden en el espacio, generando una sensación casi cinematográfica. La progresión es lenta pero intencional, permitiendo que cada elemento respire y se asiente. Un track que conecta tanto a nivel físico como emocional, perfecto para sets narrativos donde la dinámica y la sensibilidad juegan un papel fundamental.
“Altar” se mueve en un territorio más orgánico y ritualístico, donde la percusión adquiere un papel central. Los grooves tribales y las texturas naturales construyen una atmósfera hipnótica que invita al movimiento constante. Hay una sensación casi espiritual en su desarrollo, como si el track buscara una conexión directa con el cuerpo y la mente. La producción es limpia pero rica en detalles, haciendo de este tema una herramienta perfecta para generar trance sin recurrir a fórmulas evidentes.
ALEC SMITH HONEY (EXTENDED MIX) VALIANT
Un track que apuesta por la fluidez y el groove como elementos principales. “Honey” se desliza con naturalidad, apoyándose en una base rítmica cálida y envolvente que mantiene la energía en constante movimiento. Los elementos melódicos son ligeros pero efectivos, aportando color sin sobrecargar la mezcla. Funciona especialmente bien en warm-ups avanzados o en momentos de transición donde se necesita mantener el flow sin elevar demasiado la intensidad.
MIKE KOHL NATURE’S BALANCE (ORIGINAL MIX) KIKSUYA RECORDS
Cierre introspectivo que apuesta por la profundidad emocional y los paisajes sonoros amplios. “Nature’s Balance” se construye con delicadeza, dejando espacio para que cada textura respire y evolucione con naturalidad. Las atmósferas son envolventes y ligeramente melancólicas, generando una sensación de equilibrio y calma. Un track ideal para cerrar un viaje sonoro o para momentos donde la pista necesita bajar la intensidad sin perder conexión.
Marsh y Ferry Corsten regresan con ‘Attraction’, su segunda colaboración tras el éxito de ‘Fullfilment’ en el Anjunadeep Open Air frente a 11.000 personas. El lanzamiento se divide en dos mezclas complementarias: Marsh’s Mix, un progresivo elegante con influencias deep-house, y Ferry’s Mix, más orientado al trance y con atmósferas impactantes. Cada versión ofrece una narrativa emocional hipnótica que mantiene al oyente inmerso, ideal para quienes buscan un viaje sonoro profundo sin perder la fuerza en pista.
SOARSONIC EYE OF RA (ORIGINAL MIX) HYPERSIA RECORDS)
Soarsonic regresa con un trance oriental que combina misticismo y energía pura. ‘Eye Of Ra’ mezcla melodías elevadas con texturas exóticas, creando un paisaje sonoro que se siente a la vez sagrado y eufórico. El tema evoluciona con profundidad atmosférica, solos luminosos y un breakdown expansivo que recuerda al amanecer sobre horizontes desérticos, ofreciendo una experiencia trance espiritual lista para pista de baile.
SAFETY SAM XOXO (ORIGINAL MIX) UNIT ONE RECORDINGS
Un trance duro y directo para hora punta, cargado de bombos implacables y sintetizadores ascendentes. La línea de bajo afilada y un gancho vocal memorable —“I want your love”— elevan la energía hasta el límite, convirtiendo la pista en un espacio de pura intensidad. ‘XoXo’ es un guiño a los clásicos de los años 90, diseñado para que el público enloquezca al unísono.
C-SYSTEMS SOLARA (ORIGINAL MIX) BLACK HOLE RECORDINGS
‘Solara’ es un ejemplo de cómo el trance puede emocionar y perdurar. La colaboración entre Akki Hisham (Noruega) y Matt Allen (Reino Unido) combina melodía intensa, piano y guitarra con la esencia de los himnos baleáricos de mediados de los 90, como ‘Sa Trinxa’. Un tema que toca el corazón desde la primera escucha y que promete convertirse en un clásico instantáneo de las pistas de baile.
LANGE & EMMA HEWITT LIVE FOREVER (ASTEROID REMIX) BLACK HOLE RECORDINGS
El icónico sencillo de Lange, con la voz inconfundible de Emma Hewitt, recibe ahora una reinterpretación de Asteroid. La potente línea de bajo se fusiona con la emotividad vocal, ofreciendo un clímax intenso y cautivador. Una pista que mantiene vivo el espíritu de un clásico ASOT 450, recordándonos la fuerza y el talento de estos artistas dentro del trance moderno.
INDIE DANCE
BY GAMEBOYZ
BERDANO TRANSITION DISRUPTED MUSIC
Berdano vuelve a Disrupted Music con un corte de tensión melódica y pulso firme. Transition equilibra profundidad atmosférica y empuje de club con una producción sobria, eficaz y pensada para sostener la pista sin perder sensibilidad.
ODAGLED BLACK GOLD EP GLEED RECORDS
Con este nuevo lanzamiento en Gleed Records, Odagled apuesta por una arquitectura rítmica precisa y un sonido analógico de gran pegada. Black Gold funciona como herramienta de club seria: grave limpio, modulación orgánica y una tensión que crece con elegancia.
D-FORMATION & ALEX MEDINA FALLING ADAGIO EP YES TO ALL
D-Formation y Alex Medina firman en YES TO ALL un corte hipnótico, denso y con clara vocación underground. Falling Adagio se mueve entre bajos robustos, percusión poco convencional y una profundidad emocional que le da carácter propio.
GAMEBOYZ FEAT. MØNÖLITIO AFTER TOMORROW EP SINCOPAT
En After Tomorrow, Gameboyz y Mønölitio construyen un viaje de tensión armónica, texturas envolventes y pegada contenida. El resultado encaja muy bien en el universo de Sincopat: emoción, groove e identidad melódica sin caer en fórmulas fáciles.
INTERVALO FT. RAQUEL FADE AWAY EP GOLDEN SOUL RECORDS
Intervalo aterriza en Golden Soul Records con una pieza de techno profundo y mental, marcada por una atmósfera absorbente. Fade Away, junto a la voz de Raquel, refuerza una narrativa inmersiva y elegante, fiel a una visión madura del género.
MELODIC HOUSE / TECHNO
BY ALONNE
NO HOPES, KOFA, VANI SAME MAN (ORIGINAL MIX) STRESS OUT
No Hopes, KOFA y VANI revisitan “Same Man” con una reinterpretación contemporánea orientada a la pista, respetando la esencia del original de DJ Delicious. El track mantiene el carácter icónico de la vocal, pero la sitúa sobre una base más robusta, con un groove actualizado y una pegada claramente adaptada al contexto actual de club.
Lejos de caer en la simple nostalgia, la producción reestructura el tema con criterio, reforzando su funcionalidad y dinamismo en mezcla. Probablemente uno de los reworks más sólidos que se han hecho de este clásico hasta la fecha, manteniendo identidad y elevando su impacto en pista.
AGENTS OF TIME, MISS MONIQUE RAJADA (ORIGINAL MIX) TOMORROWLAND MUSIC
Agents Of Time y Miss Monique firman una colaboración donde convergen dos enfoques claros del melodic techno actual. “Rajada” se construye sobre una base rítmica firme, mientras las secuencias melódicas y los arpegios van generando una progresión constante y bien dirigida.
UPERCENT YAHI (ORIGINAL MIX) CULT ORDER
Upercent plantea en “Yahi” una producción de enfoque hipnótico donde el protagonismo recae en el groove y la repetición controlada. El track se articula a partir de una base rítmica seca y precisa, acompañada de elementos percusivos y vocales que refuerzan su carácter tribal.
La evolución es sutil pero constante, con pequeños cambios que mantienen el interés sin romper la inercia del loop principal. Un corte efectivo desde lo minimalista, pensado para generar profundidad en pista más que impacto inmediato.
CRUXCEZ LET’S GO INSIDE (ORIGINAL MIX) DEAR DEER BLACK
Cruxcez apuesta por un enfoque más introspectivo en “Let’s Go Inside”, con una construcción que prioriza atmósfera y profundidad sobre el impacto inmediato. El track se apoya en un groove contenido, mientras pads oscuros y elementos texturales van definiendo un entorno sonoro envolvente.
FAFAQ, DJ KUBA & NEITAN SPREAD LOVE (EXTENDED MIX) FUTURE HOUSE MUSIC
Fafaq, DJ Kuba y Neitan firman un track orientado al house más accesible, con una clara intención de conexión inmediata en pista. “Spread Love” se construye alrededor de una vocal reconocible y un groove directo, apoyado por sintetizadores luminosos y una estructura pensada para maximizar la respuesta del público.
El desarrollo apuesta por la claridad y la eficacia, con builds previsibles pero funcionales que refuerzan su carácter festivalero. Un corte diseñado para momentos abiertos del set, donde prima la energía positiva y la interacción con la pista.
TECH AREA
By Gilbert Lezana
STEINBERG CUBASE 15.0.20 MEJORA LA ORGANIZACIÓN Y REFUERZA LA AUTOMATIZACIÓN
Steinberg continúa puliendo su conocido DAW con la actualización Cubase 15.0.20, una versión que introduce mejoras centradas en el flujo de trabajo, la organización de proyectos y la edición avanzada. Una de las novedades más destacadas es la evolución de las Pistas de carpeta, que ahora ofrecen un control más flexible para agrupar, gestionar y manipular múltiples pistas de forma más eficiente. Esto facilita especialmente el trabajo en proyectos complejos con gran cantidad de canales. En el apartado de automatización, Cubase 15.0.20 incorpora mejoras que permiten una edición más precisa y fluida, optimizando la manipulación de parámetros y aportando mayor control en la creación de dinámicas dentro de la mezcla.
Además, la actualización incluye diversas optimizaciones de rendimiento y correcciones de errores, contribuyendo a una experiencia más estable y ágil tanto en estudio como en producción intensiva.
Cubase 15.0.20 ya está disponible como actualización gratuita para todos los usuarios de Cubase 15.
REVIEW DEL AKAI MPC SAMPLE: REGRESO AL FLUJO CLÁSICO CON ENFOQUE MODERNO
El Akai MPC Sample representa un retorno a la esencia del sampling clásico, apostando por un flujo de trabajo directo y centrado en la creatividad. Este dispositivo recupera la filosofía de las míticas MPC, donde la rapidez y la intuición mandan, dejando en segundo plano funciones más complejas.
El equipo destaca por su enfoque inmediato: grabar, cortar y disparar samples desde sus pads sensibles, permitiendo construir ritmos y secuencias sin distracciones. Su interfaz está pensada para trabajar sin depender excesivamente de menús, algo que muchos productores agradecerán.
Aunque no compite en profundidad con modelos más avanzados de la propia Akai, el MPC Sample cumple bien como herramienta ágil para beatmakers, especialmente en entornos donde prima la inspiración rápida.
En definitiva, es un dispositivo que mira al pasado para ofrecer una experiencia sencilla, directa y efectiva, ideal para quienes buscan reconectar con el sampling más puro sin complicaciones técnicas.
TECHNICS Y AIMÉ LEON DORE LANZAN UNA EDICIÓN LIMITADA DE SU ICÓNICO GIRADISCOS
La firma japonesa Technics se une a la marca neoyorquina Aimé Leon Dore para presentar una edición limitada de giradiscos que combina alta fidelidad y diseño exclusivo. Esta colaboración busca atraer tanto a audiófilos como a amantes de la moda, fusionando dos mundos que cada vez comparten más terreno: el sonido premium y la estética cuidada.
El modelo, basado en uno de los clásicos de Technics, mantiene sus prestaciones técnicas habituales —precisión en la reproducción, estabilidad y construcción robusta—, pero incorpora un rediseño visual distintivo con acabados únicos y detalles inspirados en la identidad de Aimé Leon Dore.
Más allá de lo estético, esta edición limitada refuerza la tendencia de convertir equipos de audio en objetos de estilo, pensados no solo para escuchar música, sino también para formar parte del entorno visual. Como es habitual en este tipo de colaboraciones, se espera una disponibilidad reducida y una alta demanda entre coleccionistas.
GEMINI LYRIA: GOOGLE ENTRA EN LA GENERACIÓN MUSICAL CON INTELIGENCIA ARTIFICIAL
Google da un paso firme en el terreno creativo con Gemini Lyria, su nueva propuesta para la generación musical mediante inteligencia artificial. Con este movimiento, la compañía se suma a una tendencia cada vez más presente en la industria: herramientas capaces de crear música completa a partir de texto, indicaciones o ideas básicas.
Gemini Lyria se apoya en los avances del ecosistema Gemini para generar composiciones con mayor coherencia, calidad sonora y control creativo. La idea no es solo producir audio automáticamente, sino permitir a los usuarios definir estilo, instrumentación o atmósfera de forma más precisa, acercándose a un flujo de trabajo más musical que técnico.
Aunque aún está en desarrollo y su disponibilidad es limitada, apunta directamente a productores, creadores de contenido y desarrolladores interesados en integrar música generativa en sus proyectos.
Con Lyria, Google deja claro que la IA musical ya no es una curiosidad, sino una pieza clave del futuro de la producción sonora.
