Vicious Magazine nº 78

VICIOUS MAGAZINE nº78_ ABRIL 2024

Este primaveral mes de abril es la antesala del verano que es cuando más disfrutamos haciendo lo que más nos gusta: bailar al son de la mejor música electrónica. Por eso en este mes os proponemos una portada que es sinónimo de hedonismo, buen rollo y house con mayúsculas, con Chus como protagonista. El housemaster nacional con más proyección internacional nos habla, a pecho descubierto, de su extraordinaria carrera y su destellante presente, solo horas antes de viajar a la Miami Music Week. Un lujazo, oiga.

También en nuestras páginas vais a disfrutar de entrevistas con el trío danés de electro-indie Whomadewho; con el artista canario Resonance que nos presenta su nuevo álbum; con el grupo argentino de synth-pop Peces Raros; con el artista urbano Tatu Rock; con Sara de Araújo y Sofía Cristo; con el gran Luis Bonias que nos abre las puertas de su apasionante y ecléctica colección privada y nos colamos en el estudio de HOSSE. Además, en la sección Stroberoom, nos encontramos como el VJ Thiago Carvalho.

En Off the Records nos adentramos en el label Strictly Rhythm; os contamos lo mucho bailado y disfrutado en la última edición de Blackworks; viajamos al paraíso africano de Zanzíbar; nos aventuramos en la escalada más extrema y en la sección de artistas emergentes descubrimos a Guedon. ¿Que ha pasado con el EDM? y, además, como todos los meses, os ofrecemos noticias, reseñas, críticas, agenda, tecnología, etc.

¡Ya estás tardando en empezar a destripar este VICIOUS MAGAZINE número 78!

CONSEJO

Julia Salas Alonso

Carlos Rodríguez Minguez

JEFE DE REDACCIÓN

Fernando Fuentes Panadero

ARTE PORTADA Y CONTENIDOS

Rafa Pérez Sánchez

REDACCIÓN

Jonatan Gutiérrez

Israel Méndez

Iván Morales

Gilbert Lezana

DIRECCIÓN DE ARTE Y MAQUETACIÓN

Iokin Llobera Guelbenzu

VIDEO

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Jonatan Gutiérrez, Israel Méndez, Iván Morales, Danny Lloyd, Iokhonda, Cesar Almena, Gonzalo Gil, Luis Vallespin,

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MIXCELÁNEA

El techno de Berlín ya es Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad

La escena de clubes más pujante y vanguardista de Europa ha logrado un importante reconocimiento internacional de la mano de la UNESCO. Desde hace una década una campaña trataba de que se reconociese la cultura techno y los clubes berlineses como patrimonio inmaterial y por fin así ha sido. El comité de expertos ha valorado positivamente que la red de clubes y la presencia constante a través de décadas de nuevos artistas que han renovado el techno la han convertido en la Meca de dicho género musical. ¡Enhorabuena!

¡Ayudemos a City Soul!

City Soul, un popular promotor neoyorquino conocido por organizar fiestas en su autobús en marcha, necesita de nuestra ayuda. Hace unos días su propietario Alan Gibson descubrió que le habían robado dos CDJ, un mezclador, dos parlantes, dos subwoofers, etc. Inmediatamente lanzó una campaña de GoFundMe para reemplazar el equipo sustraído con el que podemos colaborar desde la web dicha plataforma. Skrillex, Four Tet y Fred ya lo han hecho… ¡salvemos al bus de la fiesta electrónica!

Bandcamp ya tiene competencia, ¡y es dura!

Bandcamp AC55ID asegura a los artistas y a los sellos el 100 por ciento de sus ingresos. La plataforma se financia mediante un modelo de suscripción. Los músicos que quieran vender sus singles, EPs, álbumes, etc. a través de AC55ID pagan 10 dólares al mes y los sellos pagan 29 dólares para a cambio recibir capacidad ilimitada para sus artistas internos. Este modelo también se ofrece en Bandcamp, pero allí vale 50 dólares, ¿aguantará a este nuevo y duro competidor?

Support The Sound quiere pagos más equitativos para los productores

Aslice y DVS1 impulsan un nuevo colectivo llamado Support The Sound para promover pagos más equitativos para los productores. Para ello se ha asociado con un grupo de importantes clubes, promotores y festivales de todo el mundo en una nueva iniciativa que tiene como objetivo crear conciencia sobre la injusta disparidad entre el aumento de las tarifas de los DJ y los ingresos generados por los productores que crean la música que pinchan esos DJs, ¡por fin algo así!

Hï Ibiza renueva su compromiso con la inclusión

La pasarela internacional pionera 100% inclusiva retorna al multigalardonado club con un firme compromiso de integrar a personas con diversidad funcional y colectivos vulnerables mediante la moda. Tras el éxito de la edición anterior, Ibiza Inclusion Events y Hï Ibiza se unen de nuevo para celebrar Ibiza Inclusión Fashion Day, la primera pasarela 100% inclusiva del mundo, que apuesta por dar visibilidad a las personas con diversidad funcional y a los colectivos más vulnerables de la isla para, con esta colaboración, sensibilizar y concienciar a la sociedad acerca de la brecha de derechos y posibilidades existentes aún hoy en día, ¡asiste o colabora!

fashion

Nos pirra la moda, la ropa, los accesorios, los gadgets…¡todo! Y aquí te damos pistas sobre lo que es purita tendencia en las calles, los clubs, los festis… ¡A quemar tarjeta!

Perfume: Creed Aventus www.creed.com

Pantalón: Emporio Armani J06 www.armani.com

Zapatilla: Balenciaga www.balenciaga.com

Reloj: Santos de Cartier www.cartier.com

Sudadera con capucha: Jacquemus www.jacquemus.com

Bolso: LOEWE Mini Camera www.loewe.com

Chaqueta: Dolce&Gabbana bomber www.dolcegabbana.com

Camiseta: Prada www.prada.com

Gafas de Sol: Saint Laurent SL 572 www.saintlaurent.com

ARTE URBANO

TATUROCK

Lleva más de treinta años pintando todo lo que se le ha puesto a mano y espray. Este artista urbano madrileño -antes Mets ahora Taturock- es uno de los referentes del grafiti nacional que mejor ha sabido adaptarse a los nuevos tiempos y estilos. Ahora, con Basic Color, lleva su arte por toda España y Europa… ¡y con música electrónica como banda sonora!

Hola Taturock, sabemos que llevas muchos años de dedicación en cuerpo y alma a pintar, al color, a las letras, a los degradados, a las flechas… ¿eres grafiti en estado puro?

Llevo 34 años dedicado a esto todo empezó por hobbie, pero tras los años paso a ser pasión y forma de vida. El estado puro creo que ya lo sobrepasé cien veces, pero sí, sigo en la línea.

Un escritor 4x4 con más de 34 años de acción, ¿cómo se aguanta tanto tiempo sin perder la ilusión, el talento y la frescura?

Ahí es cuando algo te gusta de verdad y luchas por ello, dándole amor y mucha dedicación. Claro que jamás dejaré de pintar hasta que no pueda ni moverme. Esto es una pasión o la peor droga imposible de dejar para mí.

“Esto todo empezó por hobbie, pero tras los años paso a ser pasión y forma de vida”.

Siempre has destacado por tu energía insaciable y versatilidad, ¿de dónde sigues sacando esa vibra tan especial e incansable?

Cada vez es más las ganas de hacer más (y más) aparte de que conforme vas mejorando el estilo y calidad más quieres. Es como esos djs que conozco que llevan pinchando 30 años y lo único que quieren es seguir poniendo música a diario. Las cosas que se llevan dentro de corazón jamás podrás dejarlas.

Eres un reconocido veterano del grafiti que ha sabido adaptarse a cada nueva etapa y generación dentro del mundillo de dicha disciplina… ¿renovarse o morir?

Pues intentando avanzar mi estilo día a día intentando hacer cosas nuevas y probando tácticas diferentes en cuanto a mi grafiti de mural o de calle, hasta mis cuadros custom body paint. Suelo pintar en todo tipo de superficies. Lo pinto todo.

Autor: Fernando Fuentes

“Las cosas que se llevan dentro de corazón jamás podrás dejarlas”.

Seguramente lo que ha te ha hecho tan especial como artista urbano es tu gran capacidad de trabajo y una visión 360º del arte de escribir, de pintar y de firmar en muros, trenes, cuadros, etc. ¿Crees que ha sido lo que más valor diferencial te ha dado?

La constancia y el valor de hacer y respetar cada etapa como escritor. No es fácil, hay que estar preparado y saber avanzar sintiendo respeto por nuevas generaciones o la gente que está ahí. Actualmente me voy ganando el pan gracias a muchas cosas que hice.

Tanto antes como ahora, ¿al final todo se sabe y el que realmente no siente ni vive el grafiti dura dos días y desaparece?

Desaparecen si ponen excusas baratas o solo buscan dinero o fama; pero, el que lo hace por amor seguirá. He visto cientos de personas que han dejado el grafiti y eran enfermos de ello. Unos por dinero, otros por robar, otros por crear familias. Pero, para mí son excusas baratas, el que quiere sigue pintando.

“Lo pinto todo”.

Desde hace algún tiempo te presentas como Taturock, ¿por qué pasaste del legendario nombre de Mets a este nuevo aka?

Me aburro de los nombres y pensé en juntar mi primer nombre con el último. Tatu, el primero con el que empecé con Rock, el último como grafiti. Junte las energías para crear un nombre artístico exclusivo con el que llevo el grafiti a galerías, exposiciones y festivales. Intento meterme hasta en la sopa con el grafiti, siempre ajustando las letras, fondos y colores a cada espacio.

¿Qué es Basic Color y a qué tipo de artistas gráficos implica?

Basic Color es una de mis últimas exposiciones, en la que colaboro con artistas del tatuaje, de Bellas Artes, grafiteros y pintores plásticos. Y en la cuales cuento con DJS de electrónica para realizar las inauguraciones en cada ciudad. Mi idea es exponer en todo el mundo, poco a poco lo haré. Ya llevo la mitad de España y comienzo a salir por Europa.

“Para mí son excusas baratas, el que quiere sigue pintando”.

¿Cuántas exposiciones habéis hecho hasta el momento? ¿Y en este 2024?

¿Por qué elegiste el formato DIN A3 para ello?

Por comodidad y elegancia.

¿Y por qué solo en tres colores: negro, rojo y blanco?

Me gustó probar esto y ya seguí con ello tanto que no puedo parar. Estoy abierto a colaboraciones con todo el mundo.

¿Es una especie de hilo conductor común?

Es básico. Recuerdo esos colores únicos cuando empecé a grafitera calles, con el negro, rojo y blanco.

¿Tu objetivo principal con Basic Color es intentar llegar a todas las ciudades de España y al máximo número de colaboradores?

Sí eso es.

Yo, como Taturock, llevo unas 30 y como Basic Color ya van 12.

Sabemos que en las exposiciones no solo mostráis vuestras obras, también incluís música en directo… ¿también electrónica?

Si electrónica de todo tipo, dejo fluir a la gente en cuanto a estilos.

“Es muy bonito recibir apoyo de nuestros colegas de la música electrónica”.

Finalmente, ¿dónde podremos disfrutar de la próxima expo Basic Color de Taturock?

En Vicálvaro con la gente de 23artcrew y djs como Suze, Ramset, Chirie y los chicos del barrio (big city lover y Sheism). También yo pondré algo con ninja que estamos empezando con toda nuestra ilusión es muy bonito recibir apoyo de nuestros colegas de la música electrónica.

ZANZIBAR EL PARAÍSO ELECTRÓNICO AFRICANO

Zanzíbar, situada frente a la costa de Tanzania, es famosa por sus playas y su histórica Ciudad de Piedra. Últimamente también se ha convertido en una parada clave en el circuito internacional de raves contra la peste, acogiendo a fiesteros europeos que escapan de la saturada oferta occidental Zanzíbar siempre ha tenido una amplia cultura musical. Freddy Mercury pasó aquí parte de su infancia, mientras que Stone Town acoge cada año el principal festival de música de África: Sauti za Busara.

Autor: Jonatan Gutiérrez

Uno de los principales atractivos de Zanzíbar son sus impresionantes playas, entre las que destacan las de Paje y Jambiani, de arena blanca y cielo azul brillante. Ambas playas ofrecen excepcionales oportunidades para practicar snorkel -incluso se puede nadar hasta uno de sus atolones de coral para verlo de cerca-, además de aguas cálidas y transparentes con numerosos peces que avistar.

Zanzíbar ofrece muchos festivales emocionantes a lo largo del año, desde festivales musicales y gastronómicos hasta celebraciones frente al mar y programas de concienciación cultural:

SAUTI ZA BUSARA - FEBRERO

Este festival de música swahili se celebra en febrero y es uno de los mayores y más conocidos de África Oriental. Creando una mezcla entre música, danza y teatro, se representan muchos estilos diferentes, desde el taarab tradicional hasta el hip-hop.

SEAFOOD FESTIVAL - JUNIO

Estas increíbles fiestas se celebran en la playa de Kwendwa normalmente en junio. Sumérjase en el vibrante patrimonio cultural de Zanzíbar a través de una cautivadora representación en directo de la célebre danza KIRUA, que muestra el arte tradicional de la isla. Prepárese para embarcarse en un viaje extraordinario en el Festival del Marisco de Zanzíbar, donde los entusiastas del marisco y los amantes de la música se unen para vivir una experiencia única.

FULL MOON PARTY - MENSUAL

Sumérgete en la dinámica energía de la Full Moon Party, un estimulante evento mensual que enciende la noche. Únete a las vibrantes fiestas que se celebran en el Hotel Kendwa Rocks, en primera línea de la impresionante playa. Prepárese para dar rienda suelta al fiestero que lleva dentro y forjar recuerdos eternos en este destino palpitante que promete una experiencia inolvidable.

SOUNDSCAPES ZANZI - FESTIVAL DE MÚSICA TECHNO Soundscapes, con sede en Baréin, lleva desde 2013 organizando diversos eventos a lo largo del año para los aficionados a la música electrónica. El evento principal de Soundscapes Zanzi suele celebrarse en febrero en la playa de Paje, sede del organizador. En la cercana playa de Bwejuu también se celebran eventos que combinan la música electrónica de baile con actividades de bienestar holístico y programas de concienciación cultural. Acuden artistas y DJ de todo el mundo; consulte el sitio web oficial del organizador para conocer los detalles del próximo evento. Pero si eras más de clubs que de festivales, aquí te dejamos nuestro Top 5 de clubs nocturnos:

KOMBA CLUB

Esta es la perla de Stone Town, en Zanzíbar, y si estás acostumbrado a la visión europea de las discotecas, pasa algún tiempo aquí. Komba Club organiza regularmente sesiones de DJ, así que tendrás la oportunidad de salir a tope. Komba Club tiene mesas de billar y ofrece a los visitantes una gran variedad de platos por encargo. Sin embargo, creemos que las copas y bailar hasta caer rendido te interesan más.

DEMANI LODGE

Puede que no encuentres este establecimiento en la lista de las mejores discotecas de Zanzíbar en otros recursos porque es principalmente un albergue. Este destino es el adecuado para los viajeros que quieren un club nocturno para repartir como un local. Además del albergue, Demani Lodge cuenta con un bar y una pista de baile con sesiones de DJ que se celebran con regularidad. Por lo tanto, es razonable considerarlo un buen lugar para salir de fiesta toda la noche y pasar la noche.

TIKI BEACH CLUB

Algunos viajeros en Zanzíbar eligen Tiki como destino principal, ya que ofrece servicios de hotel, un restaurante, una playa privada e incluso un lugar para pasear. Pero nosotros estamos aquí para descubrir los destinos de ocio nocturno que ofrece Tiki. Este club está situado directamente en una playa, donde podrá tomar cócteles especiales frescos y disfrutar de un ambiente relajado. Visitar Tiki Beach significa tener la oportunidad de disfrutar de las actuaciones de los DJs por un precio asequible. Las fiestas se celebran todos los sábados, así que planifica tu fin de semana con antelación y reserva una entrada para no perderte la mejor noche de tu vida.

PATAMU (TATU)

Stone Town es la mejor zona para los amantes de la fiesta, y Tatu (ahora Patamu) es otro destino nocturno que lo demuestra. Aunque no se trata de una discoteca, es el lugar perfecto para empezar una noche de fiesta. Aquí se puede escuchar buena música, cerveza a bajo precio y, lo más importante, una espectacular puesta de sol. Aún así, se puede pasar toda la noche aquí, ya que el lugar puede estar bastante lleno a veces debido a su proximidad a todos los hoteles.

B4 BEACH CLUB

¿Estás listo para abrir la puerta a otro mundo? B4 puede convertirse en tu portal. Si quieres disfrutar de una noche de fiesta con música electrónica, ven aquí los martes o los sábados. Conocidos DJs de todo el mundo amenizan el baile hasta medianoche. Además del beach club, B4 cuenta con un hotel de playa donde disfrutar de tranquilidad e intimidad, B4 Kite ofrece a locales y turistas la posibilidad de aprender kitesurf y vivir emociones inolvidables. Quién sabe, quizá quieras explorar todos los destinos y servicios que ofrece B4. ¡Una pequeña fiesta en B4 Beach Club será un comienzo perfecto!

STROBE ROOM

BY: ELIMAGINARIO

TIAGO CARVALHO

Su estilo visual como VJ tiene un enfoque minimalista, con magníficas composiciones estructuradas y una elegancia visual caracterizado por el equilibrio gráfico y un alto concepto estético. Su alucinante trabajo, desarrollado a través de Nima Visual Studio, en Sonamar y Pelícano, entre otras importantes marcas, lo abalan. Ahora piensa en crear un AV Set sensorial donde poder transmitir su trabajo de una forma más intimista, creando su propio espectáculo. ¡Atentos a ello!

1. TRAYECTORIA Y EXPERIENCIA PROFESIÓN

¿Qué te atrajo inicialmente hacia el mundo del arte visual y cómo has evolucionado en tu carrera como VJ?

Mi formación profesional es el diseño gráfico, así empecé mi gusto por la componente visual. El pasaje para el mundo del espectáculo es, en realidad, una combinación de dos pasiones: el arte visual y la música electrónica.

Recuerdo que cuando iba a festivales con grandes producciones, veía los visuales y la música de la misma manera y los ponía al mismo nivel. Era algo de lo que no podía abstraerme, y ése fue el gran impulso para dar este paso.

2. ESTILO VISUAL E INFLUENCIAS:

Tu estilo visual se ha caracterizado por un enfoque minimalista, con magníficas composiciones y con muchísima elegancia visual. ¿Qué te inspira para crear este tipo de estética?

¿Qué influencias artísticas o visuales han contribuido a desarrollar tu estilo único como VJ?

Mi estilo visual como VJ es básicamente una adaptación y manifestación de mi identidad como diseñador gráfico. Composiciones estructuradas, caracterizadas por el equilibrio gráfico, valorando o mucho la estética.

Todo este proceso comienza con la creación de mis contenidos, que se hacen individualmente, pero están diseñados para funcionar en composiciones.

El detalle, la proporción y la combinación de formas y colores son primordiales.

Creo que esta es la fórmula que define mi estilo y mis exigencias visual.

3. TRABAJO EN SONAMAR, PELÍCANO Y FESTIVALES:

¿Cómo describirías la atmósfera y la escena visual en club y festivales? ¿Puedes compartir alguna experiencia destacada o desafiante que hayas enfrentado trabajando?

La verdad es que gran parte de mi exposición artística se debe a que tengo la suerte de trabajar en grandes salas con setups magníficos.

La sala Pelicano, sobre todo las fiestas Wake Up Electronic Parties, son y serán siempre

mi casa, es un privilegio. Una sala con estas condiciones me permite enseñar mi trabajo

de la mejor manera posible, siento una enorme libertad para crear y aportar y estoy agradecido por toda la confianza que he tenido a lo largo de estos años.

Lo mismo ocurre con el Sonamar, un magnífico local en Mallorca donde soy residente en las fiestas danzu, tienen un excelente equipo y facilitan mucho todo el proceso.

Confieso que el ambiente del club es más intimista y favorece mi línea estética así como la interacción con el público.

Los festivales son otro gran reto, conllevan más responsabilidad y en consecuencia más trabajo.

Actualmente en mi estudio hacemos desde el diseño del escenario, producción de contenidos, creación de conceptos y finalmente Vjing, es especular hacer un festival y ver cómo todos estos procesos se materializan y culminan.

4. COLABORACIÓN CON ARTISTAS Y RELACIÓN CON LOS LJ:

¿Cómo colaboras con los artistas y el equipo de producción para crear una experiencia visual única en los eventos?

Hoy en día, nuestra colaboración con los artistas consiste sobre todo en crear contenidos y conceptos. Cada vez son más los artistas que sienten la necesidad de tener sus propios visuales, aunque no vayan acompañados de Vjs. De este modo, consolidan su identidad. Trabajamos con artistas que viajan por el mundo y, en cierto modo, se llevan nuestro trabajo con ellos.

La colaboración con los equipos de producción y los técnicos ha crecido muy positivamente. Cuando empecé, a veces tenía la sensación de que los equipos de producción no entendían por qué alguien viajaba tantos kilómetros para hacer visuales para un artista durante 1h30. Aún no teníamos la presencia y la importancia que tenemos ahora, ni se nos consideraba una parte tan importante de la industria.

Hoy, afortunadamente, se nos recibe muy bien, al fin y al cabo todos estamos ahí para lo mismo, para ofrecer la mejor experiencia posible a todos.

Lo mismo ocurre con los LJ, vamos de la mano en esto, y cada uno alaba el trabajo del otro. Para mí, es imposible trabajar por separado.

5. TECNOLOGÍA Y EQUIPO:

¿Qué tecnología y equipo utilizas para realizar tus actuaciones como VJ? ¿Hay algún software o dispositivo en particular que consideres fundamental para tu trabajo?

Para mis actuaciones como VJ, el software que utilizo mayoritariamente es Resolume, como ya he comentado mis contenidos están hechos y pensados para composiciones orgánicas y equilibradas, por lo que en mi opinión es el software que más me gusta.

A nivel operativo trabajo con un midi (Novation Launchpad xxl) y como todos los VJS siempre tenemos una infinidad de cables y adaptadores.

Esta es mi setup habitual.

6. DESAFÍOS Y LOGROS:

¿Cuáles son algunos de los mayores desafíos que has enfrentado como VJ y como los has superado? ¿Qué logros profesionales te enorgullecen más en tu carrera como VJ?

Creo que los mayores retos son siempre los que conllevan mayores responsabilidades, como trabajar para y con artistas de renombre en la industria, cuando empezamos a trabajar con estos artistas, lo que al principio parecían inalcanzables.

A día de hoy, afortunadamente hemos colaborado con artistas nacionales e internacionales, tanto como productores de contenidos así como VJ.

Estos retos se convierten en nuestros mayores logros, alcanzando metas que sólo son posibles con trabajo duro y ambición.

Pero para mí, mi mayor logro es que mis clientes sigan confiando en mi trabajo y me den libertad en mi proceso creativo.

7. IMPACTO Y SIGNIFICADO PERSONAL:

¿Cómo describirías la importancia y el impacto del arte visual en el clubbing y en la escena de los festivales? ¿Qué significa para ti personalmente ser parte de esta comunidad creativa y cómo te ha moldeado como artista?

Creo que el impacto que tiene el arte visual en un evento, ya sea un club o un festival, es ya innegable. Es sin duda un componente indispensable. Tenemos festivales y fiestas donde sus conceptos se consolidan en gran parte por la oferta visual y la producción adyacente que presentan al público, somos parte de la experiencia y nos hemos afirmado de manera exponencial.

Me atrevería a decir que nuestro trabajo es esencial hoy en día. Estoy muy contento de ver este crecimiento y la forma en que nos hemos afirmado e implicado artísticamente en la industria del entretenimiento.

En cierto modo, nos hemos convertido en un elemento prioritario.

8. PROYECTOS FUTUROS Y METAS:

¿Hay algún proyecto futuro en el que estés emocionado por trabajar o alguna meta que te gustaría alcanzar como VJ? ¿Cómo visualizas tu papel en la evolución de la escena visual en la música electrónica y los festivales en el futuro?

Mi mayor proyecto de futuro es seguir aportando como artista visual, evolucionar mi estudio de visuales, con la ayuda de todo mi equipo, y sobre todo mantener los estándares de calidad y exigencia que siempre me he marcado.

No hay mejor sensación que ver triunfar los proyectos en los que estás involucrado, y sentirte partícipe de ese crecimiento y éxito.

Como proyecto más personal, me gustaría crear un AV Set sensorial donde poder transmitir mi trabajo de una forma más intimista, me gustaría materializar y madurar esta idea y crear mi propio espectáculo.

9. CONSEJOS PARA ASPIRANTES A VJS:

¿Qué consejos o recomendaciones darías a aquellos que aspiran a seguir tus pasos como VJs en la escena de la cultura electrónica y los festivales?

¿Cuáles son las habilidades y cualidades clave que crees que son importantes para tener éxito como VJ en este entorno?

Creo que lo más importante para desarrollar una carrera como VJ es arriesgar.

Hoy en día, el arte del VJing es muy valorado y, en consecuencia, se ha vuelto muy demandado.

A todos aquellos que sientan que pueden hacer una aportación artística, les doy toda la fuerza y ánimo, necesitamos buenos profesionales y sobre todo seguir con esta bonita comunidad que tanto hace por el mundo del espectáculo.

10. REFLEXIONES FINALES:

¿Hay algo más que te gustaría compartir sobre tu experiencia como VJ y tu contribución a la escena visual Sonamar, pelícano y más allá?

Pues bien, hoy puedo decir que estoy muy contento con mi carrera artistica, y vuelvo a decir, nada de esto sería posible sin la total confianza de mis clientes, especialmente de aquellos con los que soy “residente” en sus fiestas, y sin el apoyo de los que me rodean claro.. equipo, familia.

Tengo la suerte de poder enseñar mi trabajo con total libertad, sin reglas ni condiciones, y ese es el sueño de cualquier artista visual.

Por último, me gustaría darle las gracias por invitarme a esta entrevista y por darme la oportunidad de compartir un poco de mi recorrido

LUIS BONIAS

Luis Bonias, una de las figuras más relevantes de la historia de la música electrónica en nuestro país, nos adentra en su colección privada de discos. ¡adelante con la cátedra desde Valencia!

Autor: Vicious Magazine

¡Hola Vicious! Muchas gracias de nuevo por la oportunidad de poder compartir mis momentos musicales, mi enfermedad vinílica y muchos sentimientos de todo tipo en torno a la música y especialmente editada en vinilo, por que aquí no solo interviene la calidad de la grabación, el gramaje de la edición, la multitud de estilos de mi colección, el formato del vinilo ( single , doble single, maxi, Lp , picture, gatefold ); sino también el arte que hay alrededor de la presentación y las portadas.

¿Cuál fue el primer álbum que compraste? ¿Lo recuerdas? ¿Te acuerdas en qué tienda?

Me vienen varios recuerdos a la memoria, el primero fue un álbum de Eddy Grant en el año 1978, yo tenía 12 años y acababa de comprarme un plato ‘Garrard’ (que retiraron de la discoteca La Barraca, luego mas conocida como Barraca) y un amplificador ‘Rotel’, que todavía tengo aquí en la habitación de casa donde tengo la quinta parte de mi colección de discos, y lo compre junto con mis padres en Valencia en la sección de discos de Lanas Aragón, una especie de gran almacén que había en esos años.

El segundo recuerdo me vine a la mente el single de Donna Summer -‘Bad Girls’- en 1979, que lo compre en una tienda de mi población, llamada ‘Cantarrana Discos’, que la visitaba con asiduidad. Pero el recuerdo mas grato y fresco que tengo son mis primeros viajes a Valencia en tren, solo, con 16 años y visitar Oldies cerca de la estación de tren. Allí compré muchos de los discos por los que luego fui DJS. Casi todos los guardo como oro en paño y sobre todo los singles de la música independiente Española de la época, en particular el “Datos” de Metal&Ca de 1982 en el sello Lollipop, un grupo muy avanzado a su tiempo…

“El primero fue un álbum de Eddy Grant en el año 1978, yo tenía 12 años…”.

¿A cuántos vinilos asciende tu colección?

Bueno realmente no los tengo contados, pero así a grosso modo estarán entre 25.000 y 27.000. Tuve más pero por motivos de espacio y tener que meter el coche en la cochera donde los tenía (si no lo hacía, mi suegro me echaba a la calle con el coche y discos) pues vendí algunos sobre todo italianos muy comerciales, que la verdad no hecho de menos, aunque se que algunos hoy están muy cotizados..

¿Cómo organizas tu colección de discos?

Pues de una forma muy personal, ni por sellos, ni por años, ni ningún catalogo habitual, es por el recuerdo que los tengo o los puse, a veces es un caos tremendo, pues te tiras días o meses buscando un disco, por que lo cambiaste de sitio y no te acuerdas luego, pero mas o menos los tengo controlados. En los tres lugares donde guardo los discos, mi casa, donde suelo trabajar, parte de una cochera grande donde esta la mayoría, y una cochera mas pequeña donde esta la parte salvaje de la colección, es salvaje hasta para acceder a los discos…

“Tendré entre 25.000 y 27.000 vinilos…”

Si pudieras elegir, ¿cuál sería tu álbum favorito?

Qué difícil… pero seguro que esta en el sonido new wave / punk funk de UK de los primeros años 80 o mi artista favorito Fad Gadget. Hay que decir que cuando dices álbum, hacerte saber que Lp´s tengo los justos, lo que tengo son en su mayoría son 12 pulgadas, los llamados Maxi Singles y las versiones extended, que es lo que me atrae de las canciones para disfrutarlas escuchando y en pista de baile. También tengo singles, pero empece a valorarlos tarde, y cds originales que tendré unos 1.000.

“Mi álbum preferido seguro que está en el sonido new wave / punk funk de UK de los primeros años 80…”.

¿Originales o remasterizados? ¿Por qué?

Hay de todo, los maxis, los originales sin duda, pero en los Lp´s puede que las nuevas planchas sean mejores que las originales, sobre todo los planchados en España. Aunque valoro mucho las portadas originales de todo. De hecho tengo discos que nunca le quite el precinto original y los compre por que me atraía mucho la portada…

¿Qué disco dejaste y nunca te lo devolvieron? ¿Puedes mencionar al culpable?

Tres veces me ha pasado y de forma grave alguna. Primera a finales de los 80, dejar unos 10 vinilos , uno de ellos era el ‘Excessive’ de Pig Bros que les clausuran la

discoteca y me quede sin los discos. Una segunda coger una caja de 25 discos para una exposición y luego no te los devuelvan. Y las más dolorosa, una caja de 25 para unos productores de Madrid y que perdieran el paquete. En fin, más vale no levantar ampollas pasadas.

También están aquellas veces que dejas un disco y luego lo recuperas con el tiempo, pero eso está dentro de la relación habitual entre los amigos DJS. Y más cuando yo trabajaba en tiendas de discos que tenías a veces que comprar dos discos de uno por si uno de tus mejores clientes no lo quiso de primeras y se quedo sin… Había que hacer de padre a veces.

¿De qué álbum tienes más copias repetidas? ¿Cuántos? ¿Por qué?

Tengo de muchas copias repetidas, y muchas veces por que tenias uno, no lo encontrabas y veías uno en una tienda de discos, caso de BIG COUNTRY “In a Big Country Extended Mix” y lo volvías a comprar, o tambien pasaba que cuando trabajabas en la distribución llegaba 5 copias de uno y te las repartías con el compañero de batallas que tocara en ese momento, siempre me quedo los difíciles , que no significa que sean los mas caros.. De verdad cuando voy de tiendas y veo un disco que me toco la fibra aunque lo tenga me cuesta mucho no llevármelo.

“Tengo de muchas copias repetidas por ejemplo de Big Country y su “In a Big Country Extended Mix’”.

¿De qué sellos crees que tienes más referencias?

De los 80 , Beggars Banquet, Illuminated, Factory, Mute, Cherry Red, Survival, Virgin y sus subsellos ZTT,4AD, Play It Again Sam, Sweatbox. De los 90/2000 en adelante: Hooj Choons, Guerilla, Junior Boys Own,Eye Q,Classic Music Company, Bedrock Perfecto,Primate, Yoshi Toshi,Saw. etc. Teníamos una frase celebre en algunas tiendas, me lo llevo para seguir el sello (Risas) ¡Lista interminable!

¿Qué disco has tocado tantas veces que ya no suena bien?

Suelo comprar ediciones con gramaje de 180 gramos, y normalmente de países que tiene una plancha buena como UK, Holanda, Alemania y así mis discos normalmente están en buen estado. Pero, ahora escribiendo esto, me acuerdo de uno del sello SLATE KGB “It´s About Time” que tengo dos, uno nuevo impoluto..

¿Cuál es el vinilo por el que has pagado más?

Antes de responderte decirte que no suelo entrar en este tipo de remordimiento. Cuando lo compro, comprado está y no suelo darle vueltas al precio de inicio. Hay algunos que ahora mismo piden una verdadera barbaridad, ya que están dentro de la oferta y la demanda del disco y no del coleccionismo. Cuando lo tienen, esas seis personas que lo buscan, pasa a valer 1 €. Volviendo a tu pregunta, por lo que he pagado mas puede que sea una colección de 6 singles de un sello de los 80, ‘Survival’, que me costo unos 90 €, pero por separado valían más dinero porque es una edición exclusiva. Y esto hace poco por que sigo comprando vinilos editados desde 1979 más o menos hasta nuestros días.. Pero os voy a contar una anécdota de un disco que no tengo todavía por el precio, unos 80 € el que quiero, Minus T Delta Das Bangkok Project, pero es el disco que más tarde en averiguar cuál era, unos 15 años, pues Carlos Simó lo ponía en 1984 y le llamábamos “El disco del Papa”. Tardé unos 10 años más en comprar un CD en Japón, que vino roto, un culebrón con este release pero que ya está en want list la edición en vinilo.

“Cuando compro un disco, comprado está y no suelo darle vueltas al precio de inicio…”.

¿Qué álbum compraste por “obligación”?

Nunca he tenido obligación de nada, si que he tenido sentido de la responsabilidad y saber donde ponías música, de dónde empezabas y querías llegar y para ello

debías saber comprar los discos cuando salían al mercado y adelantarte muchas veces a todo. No es como ahora, que si lo necesitas lo puedes comprar en digital o utilizar en streaming (que poco me gusta esto), es la revolución del mundo digital y hay que amoldarse. Pero este mundo a veces es mucho más frío que el analógico, sin ninguna nostalgia..

“Siempre he tenido sentido de la responsabilidad como DJ y para ello debías saber comprar los discos cuando salían al mercado y adelantarte muchas veces a todo”.

¿Cuál fue el último álbum que compraste?

Bueno como te decía yo todas las semana compro viejo y nuevos. Esta misma semana me he hecho con un maxi single de uno de mis sellos favoritos ‘Survival’ y de un grupo que hay que redescubrir ‘Drinking Electricity’ Breakout / Subliminal, que ha costado un dinero. Hace unas semanas llego el disco de ‘Elfenberg Forever Alone en Bordello A Parigi’ que salió en enero. Ahora los vinilos tardan más en llegar que el mundo de la descarga, eso lo ha traído la revolución digital.

¿Cómo es la lista de deseos? ¿A cuántos discos asciende?

En cuanto a los clásicos, la lista de deseos la mantengo en la cabeza y va sobre la marcha. No la tengo en discos pues tendría mucha ansiedad sobre esto, de verdad, un poco de menos estrés va bien, que ya se tiene con otras cosas y como puede ser infinita por eso lo hago. Siempre estoy buscando, ya comenté de inicio la enfermedad vinílica. En cuento a las novedades semanales tengo un sistema que me funciona. Me apunto a todos los sellos y premieres que me gustan y las redes me recuerdan las salidas o avances, hago pantallazos, los guardo en un carpeta y cuando compro en digital o en vinilo, refresco memoria en esa carpeta y así organizo mis compras. Ahora mismo habrán unos 50 pantallazos de dos semanas que quiero comprar.. ROTO MODE!!

“Ahora los vinilos tardan más en llegar que el mundo de la descarga, eso lo ha traído la revolución digital”.

¿Tienda de vinilos, internet o feria discográfica?

Yo siempre he sido de tienda de discos, y más cuando los amigos todavía la conservan. Hay que apoyarles. Pero es indudable que internet ayuda a localizarlos y las ferias siempre se me pasan, pero alguna vez de rebote he ido y siempre encuentro cosas.

OFF THE RECORDS

EXPLORANDO EL LEGADO SONORO: UN VIAJE A TRAVÉS DEL SELLO STRICTLY RHYTHM

En el vasto y ecléctico paisaje de la música electrónica, pocos sellos discográficos han dejado una huella tan profunda y duradera como Strictly Rhythm. Fundado en Nueva York en 1989 por Mark Finkelstein y Gladys Pizarro, este sello ha sido un faro para los amantes de la música de baile durante décadas. Desde su inicio, Strictly Rhythm ha estado en la vanguardia de la escena, lanzando pistas innovadoras que han definido géneros enteros y han inspirado a generaciones de artistas y oyentes.

Redacción: Gonzalo Gil

ORÍGENES Y EVOLUCIÓN

El nacimiento de Strictly Rhythm coincidió con un momento crucial en la historia de la música electrónica. La escena dance de finales de los 80 y principios de los 90 estaba experimentando una explosión de creatividad, con géneros como el house, el techno y el acid house ganando popularidad en clubes de todo el mundo. En este contexto, Finkelstein y Pizarro vieron una oportunidad para establecer un sello que capturara la energía y la diversidad de esta escena emergente.

Desde el principio, Strictly Rhythm se destacó por su compromiso con la calidad y la innovación. El sello lanzó una serie de pistas influyentes que ayudaron a dar forma al sonido de la música de baile de la época. Temas como “The Warning” de Logic, “Someday” de CeCe Rogers y “Break 4 Love” de Raze se convirtieron en himnos instantáneos en clubes de todo el mundo, estableciendo a Strictly Rhythm como un jugador importante en el panorama de la música electrónica.

A lo largo de los años, el sello ha evolucionado y ha abrazado una amplia gama de estilos y sonidos, desde el house clásico hasta el garage, el deep house, el techno y más allá. Esta capacidad para adaptarse y abrazar la diversidad ha sido fundamental para la longevidad y el éxito continuo de Strictly Rhythm en un paisaje musical en constante cambio.

INFLUENCIA GLOBAL

Una de las razones por las que Strictly Rhythm ha mantenido su relevancia durante tanto tiempo es su impacto global. A lo largo de los años, el sello ha lanzado música que ha resonado en todos los rincones del planeta, desde los clubes de Nueva York hasta las pistas de baile de Ibiza, Berlín, Londres y más allá. La marca de Strictly Rhythm se ha convertido en un sello de calidad reconocido en todo el mundo, sinónimo de pistas de baile llenas de energía y momentos inolvidables.

Además de su influencia en la escena de clubes, Strictly Rhythm también ha dejado su huella en la cultura popular en general. Sus pistas han sido utilizadas en películas, programas de televisión, anuncios y más, lo que ha ayudado a difundir su sonido característico a un público aún más amplio. Este alcance global ha contribuido a solidificar la posición de Strictly Rhythm como uno de los sellos más importantes e influyentes en la historia de la música electrónica.

UN VIVERO DE TALENTO

Otra razón fundamental para el éxito duradero de Strictly Rhythm es su papel como vivero de talento. A lo largo de los años, el sello ha lanzado la carrera de numerosos artistas influyentes en la escena de la música electrónica. Desde leyendas establecidas hasta talentos emergentes, Strictly Rhythm ha servido como plataforma para una amplia gama de artistas.

Algunos de los nombres más destacados que han pasado por las filas de Strictly Rhythm incluyen a Masters at Work, Roger Sanchez, Todd Terry, Armand Van Helden y muchos más. Estos artistas han dejado una marca indeleble en la música electrónica, y muchos de ellos continúan siendo figuras influyentes en la escena hasta el día de hoy. La capacidad del sello para identificar y nutrir el talento ha sido clave para su éxito continuo y su impacto duradero en la música electrónica.

LEGADO Y CONTINUIDAD

A medida que Strictly Rhythm entra en su cuarta década de existencia, su legado sigue siendo tan relevante como siempre. Aunque la industria de la música ha experimentado cambios sísmicos en las últimas décadas, el sello ha demostrado una notable capacidad para adaptarse y prosperar en este entorno en constante evolución.

Parte del éxito continuo de Strictly Rhythm radica en su compromiso con la calidad y la innovación. El sello sigue lanzando música emocionante y vanguardista, atrayendo tanto a veteranos de la escena como a nuevos talentos. Además, Strictly Rhythm ha sabido capitalizar el poder de las nuevas tecnologías y plataformas digitales para llegar a una audiencia global más amplia que nunca.

En un mundo donde las tendencias musicales vienen y van, Strictly Rhythm ha demostrado ser una constante en un mar de cambio. Su legado perdurable y su continua relevancia son un testimonio de su lugar único en la historia de la música electrónica. Mientras la escena de la música de baile siga evolucionando, es reconfortante saber que Strictly Rhythm estará allí, proporcionando el ritmo y la energía que han definido a este género durante décadas.

deportes extremos

ESCALADA EXTREMA: EL PLACER DE ASCENDER SIN LÍMITES

La historia de la escalada es apasionante. Desde que el hombre conoció la roca, ha habido escaladores. Suena simplista, pero es la verdad, a lo largo de la historia, la escalada ha sido una necesidad para los montañeros. .

Autor: Redacción Vicious Magazine

Las civilizaciones antiguas han vivido y construido sus casas sobre o en acantilados y salientes rocosos como forma de protección. Las técnicas de escalada en roca han sido empleadas por varios ejércitos conquistadores a lo largo de la historia no sólo para atravesar regiones montañosas e invadir zonas, sino también para asediar castillos y otras fortalezas y abrir brechas en los muros y defensas de estas estructuras.

La escalada en roca como deporte, más que como medio para ir de A a B, existe desde finales del siglo XIX. La época victoriana es bien conocida como un periodo en el que la naturaleza y el estudio y la exploración del mundo natural estaban muy de moda. Este interés hizo que la escalada se convirtiera en un deporte por derecho propio. Antes de la década de 1880, la escalada en roca se consideraba un componente del alpinismo y no un deporte independiente.

Walter Parry Haskett Smith fue un escalador en solitario que completó la primera ascensión a la Aguja Napes a finales de la década de 1880, y esta escalada se considera tradicionalmente el nacimiento de la escalada en roca como deporte. Esta escalada fue muy publicitada en su momento y, como resultado de esta publicidad, más de 60 escaladores a la vez se reunían para escalar este pico natural. Muchos consideran a Emilio Comici el padre de la escalada moderna. Fue escalador en la década de 1930 e inventor de muchas ayudas a la escalada, como los seguros sólidos, los vivacs colgantes y el uso de la línea de rastreo. Comici es famoso por ser el creador de la escalada en grandes paredes y de sus técnicas.

Durante muchos años, el público en general (las personas ajenas a los deportes de alpinismo y escalada) siguió considerando la escalada en roca como un componente del alpinismo y no como un deporte aparte. Si echamos la vista atrás en la historia de la escalada en roca, no fue hasta la década de 1950 cuando el público en general empezó a percibir la escalada en roca como un deporte propio. Hasta los años 50, se consideraba que la escalada tenía dos funciones. Se consideraba un componente del alpinismo y una parte necesaria de la travesía de algunas montañas, un medio para llegar a la cima.

A medida que la escalada se hizo más conocida y popular, se introdujo un sistema de clasificación que permitía a los escaladores medir tanto la dificultad de la escalada como la habilidad del escalador. La escalada ganó popularidad en todo el mundo y, como los viajes y el intercambio de información no eran tan fáciles como ahora, los sistemas de clasificación y los estilos de escalada de los distintos

países se desarrollaron por separado. Esto significa que muchos países tienen su propio sistema de clasificación y estilos de escalada individuales que se han desarrollado para adaptarse a su geografía, terreno y disponibilidad de material de escalada. A medida que este deporte ha ido evolucionando, las escaladas de mayor nivel se han hecho más cortas, pero mucho más difíciles desde el punto de vista técnico. Al principio, las escaladas de grandes paredes que duraban varios días se consideraban la cumbre de este deporte.

Contrariamente a la opinión popular, para escalar en roca no se necesita una fuerza sobrehumana en la parte superior del cuerpo, sino que se utilizan más las piernas y los pies que las manos. El principal problema de la mayoría de los recién llegados a este deporte no es físico ni está relacionado con la forma física: podrás escalar y tu fuerza y forma física aumentarán a medida que intentes escaladas más difíciles. El mayor obstáculo para la mayoría de los escaladores novatos es mental: necesitarás capacidad de concentración durante largos periodos de tiempo y ser capaz de superar cualquier miedo o fobia que puedas tener al vacío que hay debajo de ti o a poner tu vida en manos de tu compañero de escalada.

La escalada en roca abarca muchos estilos: escalada en interior, boulder, escalada tradicional, escalada libre, escalada con ayuda, escalada en solitario, escalada alpina y escalada en hielo. Cada una de estas especialidades tiene sus propias habilidades básicas y niveles de experiencia necesarios. Se recomienda encarecidamente recibir una formación adecuada en las técnicas básicas de la escalada en roca en un club o asociación de formación acreditados.

CONOCIENDO MÁS A...

SARA DE ARAÚJO

¿Te sueles despertar de buen humor... aunque sea ya por la tarde?

Siempre me despierto de buen humor (menos cuando me hablan nada más despertar...).

¿Cuál es tu momento favorito del día... y de la noche?

Mi momento favorito del día es cuando me tomo el primer café de la mañana, me encanta un buen café para empezar el día. Y de la noche, si estoy pinchando, ese es mi momento favorito.

Cuando no estás de bolo, ¿qué te gusta hacer?, ¿te gusta hacer deporte o eres más de serie o de peli con palomitas?

Cuando no estoy de bolo me encanta quedarme en Ibiza, levantarme temprano, entrenar, pasar tiempo con mis amigos y salir a comer o tomar algo. Soy de deporte 100%, es muy raro que consiga tirarme en el sofá y ver una peli o serie.

¿Eres más de cocina tradicional o de platillos de vanguardia? ¿Adoras mezclar sabores en la cena o eso es más para la comida?

Me encanta comer, no sé si cuenta como Hobbie, pero es algo que me encanta! Me encanta probar de todo, aunque soy más de comida tradicional. Prefiero una buena carne o pescado antes que cualquier plato de vanguardia.

¿En qué o quién piensas cuando por fin te metes en la cama y cierras los ojos?

Cuando me da tiempo a pensar (porque me duermo muy muy rápido), tengo un ritual que llevo años haciendo: elijo 3 cosas a las que agradecer de ese día y pido 1 deseo :)

¿Cuál es tu primer recuerdo musical?

Que buena pregunta, me ha hecho pensar bastante... Mi primer recuerdo con la música viene gracias a mi Padrino, que es todo un Maestro tocando el acordeón, y que aprovecho para decir que algo de lo que me arrepiento un poco, es de no haber aprendido nunca a tocarlo :)

¿Con qué tres temas podíamos resumir tu vida?

Con estos 3 que los tengo en una carpeta de Spotify que se llama “Obras de Arte”: The Finishing, Stavroz / If She Only Knew, Kevin Yost / Home Again, Michael Kiwanuka.

¿Qué track ajeno te gustaría haber producido?

¡Unos cuantos! Pero voy a quedarme con Two Wrongs MAking It Right, de Kevin Yost. Me parece una auténtica obra de arte, como la mayoría de sus producciones.

¿Cualquier tema pasado siempre fue mejor o para nada?

¡Lo mejor siempre está por venir! Evidentemente la calidad musical que había antes era flipante, pero creo que se debe a que a día de hoy hay mucha más música, lo que se ha convertido en algo de “usar y tirar”. Por este mismo motivo siempre incluyo en mis sesiones mucha música antigua y también repito mucha música. Siempre digo que me parece un insulto no aprovechar una buena canción (sin cansar, por supuesto).

¿Tu mejor producción está por venir?

Mi mejor producción sale en julio por TrueSoul. Es sin duda mi “niña bonita”, la he hecho sabiendo exactamente lo que quería, en qué me inspiraba y cómo quería que sonara. Creo que por eso mismo el resultado ha sido para mí tan positivo.

SOFÍA CRISTO CONOCIENDO MÁS A...

¿Te sueles despertar de buen humor… aunque sea ya por la tarde?

Me suelo despertar bien, pero es verdad que necesito mis tiempos de proceso para tocar tierra, no me levanto de golpe, estoy un rato sentada en la cama, estiro cuerpo jajajaja “la edad” y soy de las que se ponen 25 alarmas

¿Cuál es tu momento favorito del día… y de la noche?

Mi momento favorito del día antes era desayunar, ahora es entrenar y ya empezar mis responsabilidades de trabajo con energía. No sé, es que a mí me hace siempre ilusión mi vida jajaja

Cuando no estás de bolo, ¿te gusta ver deporte comiendo helado o eres más de serie, o de peli con palomitas?

Cuando no estoy de bolo procuro pasar mucho tiempo con mis animales y salir más rato a pasear al parque o campo, luego sí que soy más de serie y palomitas, me encanta estar sola con ellas, pero también me gusta una buena compañía humana de vez en cuando

¿Qué te gusta hacer por las noches en tus días tranquilos?

Lo que más me gusta de la noche es mi cena rica de relax con mi perra y mi gata y mi ducha calentita agradeciendo por todo lo que soy y tengo y meterme en la cama bien limpita y ponerme cualquier tontería en Netflix, si lo digo, no soy de leer por la noche.

¿En qué o quién piensas cuando por fin te metes en la cama y cierras los ojos?

intento no pensar y concentrarme en dormir, y si pienso que sean cosas bonitas y atraer, es decir en bolos que me hacen ilusión, en la persona que me gusta, fantaseo vaya

¿Cuál es tu primer recuerdo musical?

Mi primer recuerdo musical es Michael Jackson y Los Hombres G con solo 4 años ya eran para mí mis ídolos y me moría por escucharlos y conocerlos

¿Con qué tres temas podíamos resumir tu vida?

Necesitaría muchos temas para resumir mi vida, cada época de mi vida se representa con la música, es mi máquina del tiempo, pero Creep de Radiohead marcó un antes y un después importante

¿Qué track ajeno te gustaría haber producido?

Un track que me hubiera fascinado hacer yo sería Gravity de Boris Brejcha, ese tema para mi es droga acústica, es muy fuerte lo que me hace sentir

¿Cualquier tema pasado siempre fue mejor o para nada?

Siempre tendemos a pensar que musicalmente el pasado fue mejor, y si es verdad que yo vibrado más con música del pasado, pero si algo ha hecho que crezca y evolucione es adaptarme al presente, así que “aquí y ahora siempre es mejor” y si estoy nostálgica me subo a mi máquina del tiempo “la música” y viajo un ratito y me quedo a gusto

¿Tu mejor producción está por venir?

Eso espero, siempre más y mejor, a eso hemos venido, a ser nuestra mejor versión en todos los aspectos

¿QUÉ HA PASADO CON EL EDM?

El género que dominó el principio de los 2010s ya no parece que suene tanto como antaño. ¿Qué ha pasado? ¿Por qué? Artistas y festivales de todo el mundo han evolucionado hasta unos límites que si nos dijesen que iba a ser así allá por 2012, diríamos que sería una auténtica falacia.

Texto: Israel Méndez

Fotografías: Tomorrowland, UMF y propias

El EDM fue, y sigue siendo, un estilo de música electrónica y un movimiento masivo que se originó a finales de los 2000s y que en los primeros años de la siguiente década se asentó como un género que cambió el mundo de la electrónica tal y como se conocía. Artistas que estaban acostumbrados a pinchar en clubes oscuros de apenas decenas o pequeños cientos de personas, pasaron a escenarios de más de 100 metros de longitud con 40 pantallas LED y una iluminación solo al alcance de los mejores artistas de pop del momento.

Una cosa que quiero aclarar antes de empezar a seguir con el artículo, es que a partir de ahora no vas a volver a leer el término EDM (Electronic Dance Music, por sus siglas en inglés) porque para hablar del género al que se asocia me voy a referir a él como mainstream o big room. El término EDM fue, mal acuñado por diversos medios norteamericanos que querían englobar varios estilos electrónicos en uno solo, es decir, para ellos Martin

Garrix, Carl Cox, David Guetta, Sven Väth o Skrillex, todos hacían “EDM”. ¿Lo entendéis? Yo tampoco.

Aquí, como te digo, lo vamos a denominar mainstream y dentro del mainstream posiblemente veamos distintos géneros como el big room, electro house, progressive house, trap…

¿CUÁL FUE SU ORIGEN?

El mainstream nació a finales de los 2000 gracias a distintos artistas pero en especial al dj y productor francés David Guetta. En su disco ‘One’ que lanzó allá por 2009 contenía una gran cantidad de temas en colaboración con artistas de pop u otros géneros mucho más comerciales que la electrónica del momento, tales como Kelly Rowland de las Destiny Child, Akon, Kid Cudi, Rihanna, Will.I.Am de The Black Eyed Peas… Sin duda un órdago que podía salir muy bien o podía salir muy mal. Todos conocemos el resultado. ¿Quién no ha escuchado

alguna vez ‘Sexy Bitch’, ‘When Love Takes Over’ o ‘Memories’?

El tono de estas canciones más comercial que de costumbre, hicieron que diesen la vuelta al mundo en las mejores radios llegando a lo más alto y siendo escuchadas por cientos de millones de personas que abrieron su oído a algo que nunca antes habían escuchado. A partir de ahí el sonido de muchos artistas empezó a cambiar ligeramente y grandes como Avicii, Calvin Harris o unos tal Swedish House Mafia también empezaron a ser número uno de listas de todo el mundo y tras ellos otra oleada compuesta por Hardwell, Afrojack, Nervo, Nicky Romero, Alesso, Dimitri Vegas & Like Mike y un muy largo etcétera de artistas.

No quiero centrarme mucho más en esto pero para ponernos en situación. La música electrónica pasó de sonar en muy pocas casas a casi en todas en todo el mundo gracias a estos ritmos más comerciales y bailables. ‘One’ de Swedish house Mafia, ‘Levels’ de Avicii, ‘Calling’ de Sebastian In-

grosso & Alesso, o ‘Feel so Close’ de Calvin Harris se convirtieron rápidamente en himnos que se bailaban en cualquier discoteca del mundo, daba igual de qué fuese la fiesta.

En pocas palabras, los djs se convirtieron literalmente en las nuevas estrellas del rock con todo lo que eso conlleva: giras interminables, cachés desorbitados, shows nunca antes vistos en la escena electrónica y un alcance espectacular gracias al auge de las redes sociales. Un símil muy característico para explicar esta demanda de artistas electrónicos es que el festival ‘Rock in Rio’ en Madrid, en su edición de 2012 tuvo un “día electrónico” e irónicamente fue el que más rápido se vendió.

Festivales como Tomorrowland o Ultra Music Festival pasaron de ser conocidos localmente a conocidos mundialmente y a vender todas sus entradas, literalmente, en segundos. Fue también cuando empezó el fenómeno de los aftermovies, es decir vídeos cortos, que luego evolucionaron casi a largometrajes, en los que se hacía un breve resumen de lo que había sido el evento/festival a modo de llamada para el año siguiente. Pongo la mano en el fuego de que la mayoría de los lectores van a conocer el emblemático aftermovie de Tomorrowland 2011. Un nicho muy bien llevado que pasó a ser una de las mayores industrias de la música mundial con cientos de festivales, miles de djs y una gran cantidad de nuevos puestos de trabajo al ser ahora los djs, las nuevas estrellas del pop.

Ahora en 2024 aunque muchos de estos artistas siguen en activo, parece que el género que dominó durante más de un lustro ya no suena tanto y los artistas siguen teniendo muchas fechas, pero nada que ver con cómo era antes, ¿por qué? Veámoslo en los siguientes cinco apartados.

EL GUSTO CAMBIA

El más evidente. Mucha gente que creció con este tipo de música ha crecido y evolucionado, y con ello, sus gustos también. Sí que es cierto que en su origen puede que se conociesen otros géneros de música electrónica gracias a colaboraciones entre este tipo de artistas con otros de otros géneros, pero en algún punto toda persona del mundo cambia mucho en 10 años y la tendencia cambia no solo en la industria sino a nivel personal.

Por supuesto sí cambia el gusto de los fans, la demanda baja y, por ende, el número de reproducciones en plataformas, interacciones en redes… y los promotores de festivales y fiestas de todo el mundo no van a querer arriesgarse si saben que no van a tener un margen de beneficio provechoso.

Dicho esto, si alguien empieza a hacer fiestas remember de los temas de 2008-2014, estoy seguro que le deparará un buen futuro.

LA MÚSICA EVOLUCIONA

De la misma forma que los gustos cambian, la música evoluciona, es decir, el big room en sí mismo es muy distinto si escuchas temas de 2008 y de 2014, y había un punto en el que esa evolución desembocaba en otro tipos de géneros. Por ejemplo, artistas que solían cerrar con su tema más conocido, pasaron a cerrar con remixes de hardstyle porque la evolución de la sesión es lo que pedía y eso ya no entra en el mainstream, por lo que dentro del big room la evolución estaba muy limitada.

Eso ha hecho que muchos artistas que triunfaron con sus ritmos más comerciales a unos 128 BPMs evolucionasen e incluso produjeran música de otro tipo de géneros. Por ejemplo Hardwell y Swedish House Mafia ahora hacen techno y tech house, David Guetta tiene un aka más de techno (Jack Back), e incluso ha hecho un show con Morten llamado ‘Future Rave’, muy distinto a los que nos tenía acostumbrados. Nicky Romero hace tech house y así un muy largo etcétera de artistas.

Desde el punto de vista del artista, la gran mayoría sabía que el estilo tenía una fecha de caducidad y así nos lo hicieron saber en distintas entrevistas que tuvimos la oportunidad de hacer durante la época dorada del mainstream. No solo porque la demanda iba a bajar sino porque ellos, como artistas, también se cansaban de producir temas parecidos y ellos mismos querían evolucionar.

LA NOVEDAD SE ACABA

Todo lo que sube muy rápido, baja muy rápido y el mainstream electrónico no es la excepción. Fue la moda durante tiempo y la gente hubo un punto en el que se cansó y quería escuchar otras cosas y asistir a otro tipo de eventos.

Durante su apogeo, el género se convirtió en sinónimo de la cultura de la fiesta y la vida nocturna, atrayendo a una amplia audiencia en busca de experiencias sensoriales intensas. Sin embargo, como ocurre con cualquier tendencia cultural, la novedad eventualmente se desvanece y el público comienza a buscar nuevas formas de entretenimiento y expresión. En 2016, se informó que las ventas de entradas para festivales de música electrónica en Estados Unidos habían disminuido significativamente en comparación con años anteriores, lo que indicaba un cambio en los gustos y preferencias del público. Tampoco ayudó que las entradas para este tipo de eventos se multiplicasen de forma totalmente descontrolada por los cachés de artistas y las grandes producciones que había que hacer.

Este cambio en la demanda coincidió con un resurgimiento de géneros como el hip-hop y la vuelta del pop alternativo, que ofrecían una alternativa al mainstream que se había establecido. A medida que la industria musical se adaptaba a estos cambios, surgieron nuevas tendencias y subgéneros que capturaron la atención de los fans. El trap, por ejemplo, ganó popularidad en la escena musical con su fusión de hip-hop y elementos electrónicos, atrayendo a una audiencia diversa y en busca de algo más.

LA FÓRMULA QUEDÓ OBSOLETA

Una de las bromas que la gente a la que no le gustaba el mainstream hacía, era que todo el mundo podía producir este tipo de música porque era todo el rato lo mismo y el desarrollo de todos los temas era siempre el mismo, es decir, melodía, puente y drop. Si bien hay que decir que esto no es cierto y que los haters, como todos bien sabéis, tienden a exagerar todo, es verdad que la fórmula ya no funcionaba tan bien también influenciada por los apartados que te hemos comentado anteriormente.

Hacia el final, había una falta de innovación que hizo a muchos intentar cosas nuevas como por ejemplo, posiblemente una de las mayores sorpresas de la historia de la música electrónica: el set de Avicii en Ultra Music Festival 2013. Este es el famoso set donde llevó a muchos músicos en directo y fue donde presentó muchos temas de su álbum ‘True’. Este set fue muy criticado porque es donde escuchamos por primera vez este electro country que tanto le caracterizó a partir de entonces. Pero no dejó de ser una evolución y algo que le mantuvo en lo más alto durante los años posteriores.

Tampoco ayudó que los artistas que intentaban ganarse un hueco en la escena querían hacer cosas parecidas a lo que estaba triunfando y todo era casi un copia pega continuo que no llevaba a ninguna parte. La innovación en la parte final brillaba por su ausencia. Pero el legado siempre quedará latente porque esta ha sido una época maravillosa que muchos vivimos desde dentro y crecimos con ella.

LA DELGADA LÍNEA ENTRE EL BIG ROOM Y EL POP

Colaborar con artistas pop tiene su parte buena y tiene su parte mala. Como te dije al inicio del artículo, la parte buena fue que la electrónica se extendió hasta límites insospechados, pero su parte mala es que al colaborar tanto con este tipo de artistas, ya no se sabía qué es lo que era pop y qué es lo que era electrónica. Esto no tiene porqué ser nada malo, ni mucho menos, pero el género como tal desaparece.

Grandes artistas como David Guetta o Martin Garrix, siguen a día de hoy también haciendo este tipo de temas y colaboraciones y llenando estadios de todo el mundo ellos solos. Son de los pocos que han sobrevivido siendo fieles a su estilo único, aunque Guetta tiene varios pseudónimos que ya te he comentado. Pero a pesar de que su estilo es electrónico más comercial, con algunos tintes distintos de vez en cuando, no difiere mucho a estas alturas de lo que se puede escuchar en las grandes estaciones de radio de los artistas pop, r&b más famosos de la actualidad.

Como te digo esto no tiene nada de malo y en la variedad está el gusto, pero no tiene nada que ver con el big room que catapultó al género al estrellato y que hizo bailar a millones de personas de cualquier rincón del mundo.

El mainstream ha sido sin duda el punto de iniciación de millones de fans a la música electrónica y eso es algo por lo que la escena le tiene que estar siempre eternamente agradecido. Crear ese puente no ha sido tarea fácil y es que todo lo que tiene una legión de seguidores conlleva también tener una serie de críticas que en numerosas ocasiones fueron durísimas y sin razón porque lo más importante en la vida es el respeto y el saber que hay cosas que aunque a uno no le gusten a otros sí y no pasa nada. La música electrónica trata de hacer a sus fieles disfrutar y eso lo han hecho todos estos artistas mainstream y lo siguen haciendo de distintas formas y con otros géneros, atrayendo otra vez a las nuevas generaciones a este mundo electrónico que tanto amamos. ¡Gracias por todo, big room!

AL HABLA CON PECES RAROS

Como ellos mismos dicen, son una banda de rock electrónico que hacen canciones que suenan mejor en la madrugada y que, como más se les disfruta, es en directo. Desde La Plata recibimos la propuesta retrofuturista de Peces Raros que durante los próximas semanas y meses estarán de gira por España. ¡Recomendados por Vicious!

Autor: Fernando Fuentes

Hola Peces Raros, ¿cómo os gustaría presentaros ante el público español que aún no os conoce?

Somos una banda de rock que toca electrónica. Hacemos canciones que suenan mejor por la madrugada. Si nos quieren conocer la mejor forma es en el vivo.

Os gusta que se defina vuestro sonido como pop electrónico, ¿o se queda corta?

”Pop electrónico” suele estar asociado a un sonido más liviano. Tal vez tenemos una cuota de pop por lo cancionero, pero lo nuestro es muy rugoso para ser pop.

“Lo nuestro es muy rugoso para ser pop”.

Yo prefiero definirlo como retrofuturista, ¿qué os parece? Pero qué es, ¿más retro o futuro?

Si hay algo que podría caracterizar a nuestra propuesta es que traemos un gran bagaje de rock tradicional (desde Los Beatles a Charly García, Radiohead y Cerati) pero también somos hacedores de música electrónica. Nos gustan las mixturas y estamos siempre en la búsqueda. Tal vez “Retrofururismo” pueda ser un término que englobe esa tensión entre pasado y porvenir.

¿En vuestra ciudad natal -La Plata- hay tradición de grupos que hagan pop electrónico?

Absolutamente. De la ciudad de La Plata salió Virus que es una de las bandas más vanguardistas del rock argentino. Luego hubo bandas como Adicta que tomaron esa posta y la llevaron por senderos más oscuros, más ligados al glam. En La Plata la escena dance siempre está viva. Es una usina artística fundamental de Argentina.

“Nos gustan las mixturas y estamos siempre en la búsqueda”.

En España hay un grupo que puede tener similitudes con Peces Raros y son Dorian, ¿los conocéis? ¿Os gusta que os comparen con ellos?

¡Los conocemos! Somos amigos. Incluso en nuestra primera visita a España el año pasado coincidimos en un festival y nos subimos a cantar una canción con ellos en su show. Es una gran banda, suenan excelente en vivo. Compartimos con ellos lo electrónico y el anclaje inamovible en la canción, sería natural la comparación.

Es, precisamente, vuestro directo uno de vuestros fuertes, ¿cómo lo trabajáis? ¿Qué se siente al llenar dos días seguidos un campo de fútbol en Argentina?

Fue un show muy especial. Obras es un lugar mítico del rock argentino y haber llegado ahí para nosotros era un sueño cumplido. Hicimos un registro de un pequeño fragmento de esa noche, tres canciones de un momento muy techno del espectáculo. Es una fotografía de un momento del proyecto.

En poco tiempo habéis conseguido conquistar vuestro país y buena parte de Latinoamérica, ¿es el momento de intentarlo con Europa, empezando por España?

El show en vivo siempre fue nuestra prioridad. Es donde se juega todo. Nuestra audiencia nos acompaña incondicionalmente, las noches de vivo se han transformado en verdaderos rituales. Por momentos son raves de techno, en otros momentos son un recital de rock ferviente. Los dos Obras fueron una locura total. Dos noches que nos llevaremos a la tumba.

“El show en vivo siempre fue nuestra prioridad”.

En este 2024 habéis confirmado vuestra presencia en las próximas ediciones de Lollapalooza Argentina, Cosquín Rock, Festival Buena Vibra, Vive Latino… ¿habíais soñado con ello?

Venimos trabajando hace mucho tiempo en Argentina y hace ya varios años en Mexico. Nos gusta llevar todo paso a paso, sin urgencias. Los últimos dos años fueron de un crecimiento enorme, a España fuimos por primera vez y tuvimos un recibimiento impresionante. Este año tenemos la suerte de volver a ambos países y también visitar muchos otros por primera vez. Estamos entusiasmados.

Nuestro sueño siempre fue vivir de la música. Desde que empezamos no anhelamos otra cosa más que hacer discos y salir de gira. Lo vivimos como un privilegio, sabemos lo que cuesta y lo que vale. Estamos siempre muy agradecidos con nuestra audiencia que son quienes hacen todo posible.

Siendo un dúo, ¿cómo es vuestro directo? ¿Os acompañáis de más músicos?

En vivo somos cinco músicos. Nos acompañan tres grandes instrumentistas en batería, bajo y teclados. Al avanzar en el camino de la electrónica tuvimos la intención de siempre preservar lo humano en el vivo. Queremos sonar como una gran maquinaria, pero de tracción a sangre. Hay una cuota de caos en lo humano que las máquinas no pueden emular.

“Nuestro sueño siempre fue vivir de la música”.

¿Habéis actuado ya antes en España? ¿Qué esperáis del público español?

Hicimos una gran gira en la temporada pasada. Recorrimos gran parte del país y participamos de festivales increíbles. En todos lados el público nos recibió de una forma que no podríamos haber imaginado. Fue un aterrizaje soñado. El de España es un público muy fiestero, que celebra el buen sonido y trabajo. Esperamos siempre estar a la altura.

Finalmente, ¿en dónde os podremos disfrutar encima de un escenario en los próximos meses por nuestro país?

En esta ocasión vamos a participar del festival SanSan, el jueves 28/03. Luego haremos nuestro primer concierto propio en Madrid el 4/4 (sala Bassement) y el 5/4 en Barcelona (Apolo 2). Los tres shows parece que van a ser una verdadera locura, estamos muy ansiosos por que llegue el momento.

CHUS SLAVE TO THE RHYTHM

Se define a sí mismo con un esclavo del ritmo y nosotros añadimos que es el artista de house más referencial de nuestra escena y para el mundo. El housemaster Chus tuvo principio, pero no fin y por ello ahora, y entre otros asuntos, aborda una nueva visita a la Miami Music Week en la que es un imprescindible, bolos por todo el planeta y la publicación de nuevas joyas de Iberican Sound tanto en Stereo como en su nuevo sello Redolent. Abrid paso, llega Chus.

Autor: Fernando Fuentes

Hola Chus, eres uno de los DJS y productores españoles con más fama y prestigio fuera de nuestras fronteras, ¿para esto fue clave que en un momento dado decidieras salir de España para cumplir tus sueños musicales y personales?

Tuve la suerte de poder salir del país a trabajar como DJ en Portugal a principio de los 90, cuando aquí casi nadie había oído hablar del house, España era un país de makina, techno y Ruta del Bakalao, con la excepción de Ibiza y algunos clubs pequeños repartidos por nuestra geografía. Sin duda, tener contacto con la escena de música electrónica y los DJs americanos que visitaban habitualmente Portugal diez años antes de que pisaran España me dio una gran ventaja sin saberlo en aquel momento. Tuve la suerte de escuchar y conocer a DJs tan importantes como Danny Tenaglia, Deep Dish, Eric Morillo, Frankie Knuckles, David Morales, Satoshi Tomiie o Masters at Work, entre otros. Se realizaban raves en monasterios y castillos, eventos al aire libre o en pabellones cubiertos, pool parties y fiestas de club por todo el país vecino, fue la década dorada de la electrónica, donde comenzó todo para mí. Pude vivir y ser parte activa de ese panorama musical internacional, muy diferente al que se vivía en España y me convertí en una esponja que absorbía todo lo que irradiaba aquel mundo fascinante. El veneno del house music entró en mis venas para siempre.

Tus influencias musicales son el house americano y la música más underground, pero también el disco y el soulful, de esa mezcla nació el Iberican Sound, una fusión de culturas entre España y Portugal donde el denominador común es tu pasión por el ritmo… ¿crear esta marca, que lo es, ha sido uno de los principales aciertos de tu carrera?

Cuando haces las cosas con pasión y alma, el resultado solo puede ser bueno, antes o después recogerás lo que has sembrado. Nunca me imaginé la magnitud que alcanzaríamos, realmente tuve noción de lo grande que era lo que habíamos creado unos años después, al hacer balance retrospectivo. Hoy puedo afirmar que sí, fue lo mejor que pude hacer, poner en el mapa el sonido hecho en la Península Ibérica, tanto en España como en Portugal donde grandes referentes de la electrónica como DJ Vibe y Rui da Silva, Rui Vargas o Tó Ricciardi hicieron lo propio por su país. Me consta que de una u otra forma, pavimenté el camino de los grandes artistas nacionales que vinieron detrás mía.

“El veneno del house music entró en mis venas para siempre”.

¿Ha sido un hándicap ser español a la hora de auparte a lo más alto del top de djs y productores de house del planeta?

Para nada, creo que la música no entiende de nacionalidades, ni de ideologías o credos. En aquellos primeros maravillosos años lo que realmente se valoraba era el talento de un artista, la calidad de sus producciones y no el número de seguidores en redes sociales, que afortunadamente no existían. Era un environment mucho mas puro y auténtico, reservado a unos pocos locos amantes de la música, sin dinero pero con mucha ilusión. La industria era muy pequeña, no se generaba el volumen de negocio que se genera hoy en día y ser DJ o productor era muy costoso y sacrificado.

Sabemos que tu carrera se forjó en Portugal a comienzo de los 90, y que tus primeros bolos en América fueron años después, junto a Ceballos, de la mano de Danny Tenaglia en New York en 2002 y con Deep Dish en la Winter Music Conference de Miami en 2003, ¿qué recuerdas de aquello?

Recuerdo que fueron años maravillosos, todo lo que había aprendido y generado en Portugal, incluyendo varios discos de platino y doble platino como creador de los CDS recopilatorios del club Kadoc, tomó forma y se consagró con la creación del Iberican Sound en primer lugar y Stereo Productions poco después, de hecho, el primer CD recopilatorio que realicé como ‘DJ Chus Iberican Sound’ fue publicado por Beat-Freak Recordings, el sello de Dimas (D-Formation) y poco después en Defected Records con otro álbum recopilatorio llamado ‘DJ CHUS Amplified, The Iberican Sound of Stereo Productions’. Acabábamos de fundar Stereo Productions, una consecuencia lógica y la evolución de todo lo que venía haciendo desde años atrás, fue el resultado de un montón de años forjando el House y el sonido underground en mi ADN artístico. Enseguida llegó el apoyo de Danny Tenaglia y Deep Dish que fueron los primeros en apostar por nosotros. De hecho, tengo una anécdota que contaros porque hace muy pocas semanas, hablando con Danny Tenaglia, me preguntó si yo era el mismo Chus detrás de un track llamado ‘Voices of Savannah’ que fue publicado en 1999 en Boo Records, el subsello inglés de house del mítico sello de Techno, Bush records. Le respondí que claro que sí, ese track fue mi primera producción de Tribal o lo que hoy llamarían afro house. Su respuesta fue esta: ‘Ahora lo entiendo todo Chus y te admiro más aun de lo que te admiraba’. La base rítmica de ese track fue sampleada una y otra vez por un montón de artistas. Poco después de la creación de Stereo, llegaron las peticiones de remixes que luego se convirtieron en himnos como el ‘Luzon de Baguio Track’ en Yoshitoshi, el label de Deep Dish entre muchos otros. Soy plenamente consciente de que nos abrieron las puertas de América de Norte a Sur. Sin duda una época muy bonita de mi vida y una de las más prolíficas también, además del dúo, colaboraba con un montón de artistas como Halo Varga de H-Foundation, Joeski con quien hice el mítico ‘El Amor’ o junto a David Penn con quien produje grandes temas de house, como ‘Sunshine’, ‘Baila’, ‘Will I feat. Concha Buika’, o ‘Esperanza’ sin contar la centena de remezclas que hicimos para Defected y que vendieron cientos de miles de copias de vinilo en todo el mundo.

“Creo que la música no entiende de nacionalidades, ni de ideologías o credos”

En unos días volverás a la Miami Music Week, como la llaman ahora… ¿se puede entender sin tu presencia? ¿Sigues recordando, aquellas maratonianas sesiones en la terraza del Space en Miami, como las mejores?

Llevo asistiendo a la Winter Music Conference de Miami desde el año 1996, primero como mero espectador, asistiendo a las fiestas legendarias de Danny Tenaglia, Victor Calderone, Deep Dish o Oscar G, en GrooveJet, Nikki Beach, Crobar o el primer Space que existió. Esas pistas de baile fueron literalmente mi universidad. Imagínate mi ilusión cuando años después acudía para tocar en aquellos mismos clubs y para esos artistas que me enseñaron todo lo que se hoy. Mas de 2 décadas realizando eventos épicos y sets maratonianos, bastantes años antes de que se pusieran de moda y no quiero sonar pretencioso, pero es que ha llovido mucho desde entonces y la gente parece tener poca memoria. En aquellos años no había redes sociales, no fue hasta el 2009 que realmente las redes se convirtieron en herramientas a nuestro servicio, por tanto, todos esos maravillosos momentos están grabados a fuego en la memoria de los que asistieron, y ese público es sin duda, el responsable de mi éxito en América. No soy de los que piensan que cualquier tiempo pasado fue mejor, para mí fueron increíbles, no menos de lo que lo son hoy en día. Simplemente cambia el entorno, la gente, la tecnología, la manera de vender las cosas, las circunstancias, las prioridades y desde luego, los intereses.

“Para mí solo hay dos géneros alrededor de los cuales giran todos los demás, el house y el techno”.

Lo tuyo con América fue un flechazo tan rotundo como instantáneo, ¿cómo conseguiste esa conexión tan rápida con el público, con los promotores y la industria norteamericana en general?

Supongo que era lo que estaba escrito en las estrellas para mí, el destino fue llevándome por el camino correcto, desde aquellos años de niñez donde escuchaba la música disco de mi padre hasta que llegué a América, la evolución lógica de cualquier amante del house y su historia, porque fue allí donde se inventó, donde nació y desde donde se exportó al mundo. América me recibió de brazos abiertos, me sentía valorado y querido, respetado. La conexión con el público se produce de muchas maneras, yo creo que el carisma de un artista se mide por la capacidad de conectar con su público y a mí eso siempre se me ha dado muy bien, no he tenido que forzarlo nunca, me sale naturalmente. Me gusta hacer feliz a la gente, me hace sentir pleno y me colma de satisfacción.

Han habido épocas en las que España ha sido el país en el que menos has pinchado, quitando Ibiza… ¿por qué crees que ha sucedido eso? ¿Qué sentías por ello? ¿Cómo es el público americano?

Era una cuestión de lógica, siempre estuve fuera de España, aunque mi base la tuviera en Madrid, siempre entendí la escena electrónica como un movimiento global y no solamente local, además en aquellos años fui representado por agencias de booking norteamericanas que me tenían ocupado en ese territorio el 80% del tiempo. Por supuesto que seguía haciendo mis bolos en Europa, sobre todo en Portugal, Bulgaria, Medio Oriente, Japón o Indonesia, pero luego viajaba a América para actuar con el dúo. Obviamente siempre he sentido nostalgia por mi país, pero también tengo que decirte que, en aquellos años, la escena nacional no estaba tan avanzada como lo está hoy en día y disfrutaba bastante menos tocando aquí, salvando algunas ocasiones. Con los años España ha mejorado mucho, pero la demanda siempre ha sido mayor al otro lado del charco. Siempre encontré al público americano, mucho más educado y respetuoso con los artistas, además son muy receptivos y esto facilitaba mucho el trabajo. En España tenemos la mala costumbre de la crítica destructiva, de la envidia muy poco sana y de desear al prójimo que no le vaya bien. Así no se avanza, deberíamos de aprender algo más de lo que ocurre en los países que nos rodean, donde la primera opción es siempre el talento nacional y luego el de fuera…. Pero bueno, imagino que eso es una utopía.

“No soy de los que piensan que cualquier tiempo pasado fue mejor”.

Chus es sinónimo de house español de muchos quilates, eres de los pocos españoles con el reconocimiento del prestigioso sello inglés Defected como un CD de la serie ‘Housemasters’ en tu discografía, pero que hay de los otros housemasters nacionales como Angelito, JL Magoya, Roberto Rodriguez y Gerardo Niva, Álvaro Espinosa, Ismael Rivas, Óscar de Rivera, Pippi, César de Melero, José de Divina, Jose Padilla o DJ Ino, ellos también lo son ¿verdad? ¿Qué nos puedes decir de ellos?

Desde luego, todos ellos son verdaderos housemasters nacionales, profesionales de primera división, con una calidad excepcional y unos valores que les ha mantenido fieles en la defensa de la calidad por encima de todo, han sido y siguen siendo los responsables de alimentar la escena nacional, de educar a nuestro público y de hacer posible que los internacionales triunfen cuando vienen. Muchos de ellos son también, responsables de haber traído a España a los mejores DJs del mundo. Son nuestros héroes en la sombra, y les debemos mucho. Tengo el honor de conocerlos a todos, he compartida cabina con muchos de ellos, y mantengo una gran amistad y admiración con la mayoría, destacando si me lo permitís, a mi ‘hermano’ Oscar de Rivera, el que para mí siempre será el mejor DJ que tenemos en España. Todos merecen más reconocimiento del que tienen y esto creo que es responsabilidad de todos. Ni que decir tiene que siempre he sido defensor de capa y espada de los DJs residentes, porque también lo fui en mis primeros años y porque reconozco el sacrificio que hay detrás. He visto a muchos residentes dejar muy pequeño a DJs de talla internacional, de verdad, mensaje directo a los promotores nacionales, cuidar a los de aquí, son ellos los que mantienen encendida la llama. #residentdjsdoitbetter

Y en la actualidad, ¿qué artistas españoles de house te interesan y nos recomiendas…?

“SIEMPRE ENCONTRÉ AL PÚBLICO AMERICANO, MUCHO MÁS EDUCADO Y RESPETUOSO CON LOS ARTISTAS”.

Como sabéis el house ha evolucionado muchísimo y se ha ramificado en una cantidad de subgéneros impresionantes, que van desde el deep, afro, latin, jackin, bass hasta el tech, melodic, minimal o progressive y que ha hecho que tengamos muchísimos artistas de calidad en todos estos estilos, desde los consagrados Dennis Cruz, Danny Serrano, David Herrero, Pablo Fierro o Kiko Navarro, hasta los de nueva generación como La Santa, G. Zamora, Yamil o Sparrow & Barbossa. No solo sigo y me gustan los artistas de House, tengo gran admiración por todo artista que haga buena música, que aporte su granito de arena al legado de la escena nacional y por lo tanto no puedo dejar de nombrar a grandes profesionales como Oscar L, Dosem, D-Formation, FerBR, Grazze, Gespona, Edu Imbernon, AFFKT, ENAI o Edone entre muchos otros que no son artistas de house, pero son para mí, referentes de máxima calidad de la escena española.

Conocemos perfectamente Stereo Productions por haber sido la plataforma de salida para muchos de los artistas que hoy en día dominan el panorama nacional e internacional, ¿pero qué es REDOLENT MUSIC? ¿Seguirá los mismos pasos que STEREO?

Redolent es el nuevo sello discográfico que creamos en plena pandemia del Covid la DJ madrileña, La Santa y yo. Fue fruto del cambio, una vuelta de rosca más en la evolución de mi carrera, un regreso a las raíces, y una manera de completar otro ciclo. Supimos aprovechar el tiempo que en aquellos momentos parecía que se estaba perdiendo. Nos centramos en lo que realmente nos gustaba, sin presión, sin prejuicios. Redolent llenó un vacío muy grande que sentía en los años anteriores al Covid, donde parecía que estaba atrapado en un círculo vicioso, a pesar del éxito y de tocar en los mejores clubs del mundo, sentía que algo estaba fallando, me aburría tener que hacer lo que la gente esperaba de mí, me atrevería a decir que era esclavo de mi propio suceso y esto me generaba mucha tristeza interior. Gracias a Dios salir de la zona de confort y dar este salto, me ha hecho recuperar la ilusión. Haber ayudado a tantos artistas todos estos años también me llena de satisfacción y orgullo. Redolent en este sentido comenzó cogiendo el relevo de Stereo, lanzando y ayudando a buenos artistas, creo que lo llevamos en la sangre, nos gusta ayudar.

La Santa es un ser humano excepcional y una gran artista con valores que cuesta mucho encontrar en esta industria. Juntos hemos creado un hogar para nuevos talentos, donde poder publicar la música que nos gusta y donde crear proyectos desde cero, aceptando el reto de todo lo que esto significa.

¿De qué salud goza en estos momentos Stereo Productions? ¿Proyectos para este 2024?

En 2020 cuando estalló la crisis del Covid, estábamos en plena preparación del 20 aniversario del sello y todo se vio truncado por la pandemia, fue muy estresante y frustrante, me desilusioné mucho y el proyecto se quedó unos meses ‘aparcado’, a pesar de que nunca dejé de publicar lanzamientos en Stereo, pero si lo hacíamos con menos frecuencia. Con el nacimiento de Redolent, recuperé la motivación y me dio las fuerzas suficientes para seguir adelante con los dos sellos, cada uno orientado a un mercado distinto. Stereo y su energía para las pistas de baile y las plataformas de descarga. Redolent para un sonido emergente, más deep, orgánico y tribal con el foco puesto en las plataformas de streaming. En 2024 hemos intensificado el número de lanzamientos debido a la cantidad de buena música que nos llega diariamente y ahora mismo además estamos inmersos en un gran proyecto junto a nuestra hermana Redolent Music. SLAVE TO THE RHYTHM.

¿Y qué es SLAVE TO THE RHYTHM? Lo hemos visto mucho últimamente en tus redes sociales…

Slave to the Rhythm es el eslabón que necesitaba para completar el círculo que da sentido a mi vida profesional. Una marca de eventos bajo el paraguas de los dos sellos discográficos, Stereo Productions y Redolent Music. Donde, como no podía ser de otra manera, el ritmo de la percusión jugará un rol importante, nuestra idea es añadir apariciones en directo con instrumentos autóctonos de los lugares que visitemos, un espectáculo sonoro y visual que sumará a la música de los DJs. STTR quiere, además, ser un proyecto para dar cabida a las necesidades de un mercado en constante evolución donde la música tiene que adaptarse a cada espacio, a cada ciudad y a cada país. Desde la frescura de un beach club hasta la energía de un warehouse o un festival. Lanzamos el primer evento de STTR el pasado mes de febrero en Bali, Indonesia con un éxito rotundo, podéis ver el after movie en nuestro canal de YouTube y acabamos de hacer también Miami y Tulum a finales de marzo. En junio aterrizamos en Ibiza y espero que para el momento de publicación de la revista tengamos muchos otros destinos anunciados. En definitiva, un evento tanto para el público fiel de Stereo como para el nuevo de Redolent, ambos unidos por un mismo denominador común, la pasión por el ritmo.

“Redolent es el nuevo sello discográfico que creamos, en plena pandemia, la DJ madrileña, La Santa y yo”.

Sabemos que tienes varios releases a la vista en Stereo y Redolent… ¿y en algún otro label? ¿Qué nos puedes avanzar de ellos?

En Stereo voy a publicar este mismo mes un nuevo single en solitario titulado ‘Panorama Astratto’ con la voz de la artista italiana NicoNote. Es un remake completamente nuevo de una canción que fue publicada originalmente en Stereo en el año 2003, fue un tema muy avanzado a su tiempo que ahora va a tener su segunda vida con mi versión.

En Redolent, como cada año, preparo el álbum recopilatorio Redolent Tribes, con el que intento dar a descubrir nuevos talentos de todo el mundo con un carácter más orgánico. Saldrá a primeros de mayo coincidiendo con la apertura de la temporada estival de Ibiza. Un poco más tarde saldrá una colaboración con el productor inglés NenaHalena que promete hacer mucho ruido, tema fresquito de verano que os prometo que presentaré aquí en exclusiva para los lectores de Vicious. También estoy preparando un nuevo single junto a Danny Serrano para el sello neoyorquino Nervous Records. El último single que publiqué con ellos ‘Every Time I Try feat. Cevin Fisher’ ha sido todo un éxito, apoyado por DJs como Louie Vega, Steve Lawler, Desiree, Carlita, Adam Ten & Mita Game por nombrar a algunos.

“EL DÍA QUE DEJE DE DISFRUTAR DE MI TRABAJO SERÁ EN EL QUE ME RETIRE”.

Una de tus señas de identidad como productor es el uso de las percusiones, ese engranaje rítmico que nunca falta en tus tracks… ¿Es tu elemento sonoro favorito y diferenciador?

La percusión y los diferentes patrones rítmicos que se crean con ella, son la base fundamental de mis producciones, así como lo han sido en el transcurso de la evolución del hombre, desde nuestros ancestros a la actualidad. La percusión es la base primaria, la responsable más antigua conocida para la danza, para el ritual del baile. Por eso, en mi proceso de composición, no concibo un track sin groove, sin ritmo, sin instrumentos reales, tradicionales o modernos de percusión. Desde luego, el ritmo se ha convertido en el elemento diferenciador de mis producciones, me considero un esclavo del ritmo.

“Slave to the Rhythm es el eslabón que necesitaba para completar el circulo que da sentido a mi vida profesional”.

Una curiosidad, ¿qué te gusta más, crear tus propios temas o remezclar los de otros artistas?

Son como el Ying y el Yang, tienes que hacer las dos cosas, a pesar de que yo me considero mejor remixer que productor de originales, me resulta mucho más sencillo trabajar con unos elementos iniciales a partir de los cuales voy transformándolos hasta conseguir el resultado que deseo. Me gusta mucho remezclar temas de otros artistas, me divierte. Me cuesta más empezar una producción de cero y como truco, casi siempre termino por añadir algún elemento conocido, un sampling o una voz, que me sirva como punto de partida para desarrollar mi idea y llevarla a buen puerto.

¿Cuánto tiempo necesitas estar encerrado en estudio pergeñando nuevos temas y producciones antes de salir de gira por medio mundo? ¿Cómo organizas el trabajo con tanto viaje, bolos y ajetreo nocturno?

La solución se llama MacBook Pro, el portátil que siempre viaja conmigo a todas partes y que tiene instalado mi estudio virtual completo, donde puedo empezar los proyectos o avanzarlos para luego terminarlos en el estudio cuando regreso de gira. Otro consejo que doy a los artistas que están girando constantemente es que se centren en la composición de los temas, la creación de la estructura y la post- producción de los tracks dejando la mezcla final y el mastering a un ingeniero de sonido de confianza que coja el proyecto con oídos frescos y le dé al track el acabado final perfecto. Con esto se evita que, tras tantas horas de trabajo, le llegues a coger manía a alguno de ellos, a mí me ha pasado.

¿Por qué dejaste de trabajar en dúo con tu excompañero Ceballos? ¿Qué recuerdas de aquellos años?

He trabajado toda mi vida con muchos partners de producción, el primero de todos fue David Penn con el que compartía un amor especial por el house. Después vinieron muchos más hasta que llegó Ceballos. Fueron años muy bonitos, encerrados entre cuatro paredes sin ventana haciendo música todo el día y compartiendo con él, mi sueño americano. Él me supo seguir y los primeros años fueron muy buenos. Un dúo artístico es como un matrimonio porque pasas incluso más tiempo con el que con tu pareja.. Después de 20 años, las relaciones si no se cuidan, se deterioran. En un dúo cada uno tiene un rol, pero si la balanza no está equilibrada y el peso recae más en uno que en otro, las cosas dejan de funcionar. La pandemia no hizo más que facilitar la ruptura, cada uno viviendo en una parte distinta del mundo y con ideas cada vez más opuestas. Estoy convencido de que fue lo mejor, y de que ha sido bueno para los dos que cada uno haya seguido su camino sin tener que forzar al otro a hacer cosas que no quiere. De esta manera cada uno recogerá el fruto de su trabajo y de su dedicación. Me gusta mucho trabajar en equipo, es enriquecedor, pero cuando dejas de disfrutar lo mejor es pasar página. Poco más tengo que añadir.

“Me considero un esclavo del ritmo”.

Después de tanto tiempo en la palestra sonora, ¿sigues disfrutando en cabina? ¿Cómo haces para no perder dicha capacidad?

El día que deje de disfrutar de mi trabajo será en el que me retire. Llevo más de tres décadas dedicado en cuerpo y alma a la música y tengo que reconocer que tan solo en un par de ocasiones me he sentido desmotivado, pero siempre hay algo nuevo que reactiva la llama dentro de mí. Tocar es sin duda una de ellas, la conexión con el público es de las cosas que más motivan a un artista. Para mí es vital tener siempre algo nuevo entre manos, esa es la clave de mi motivación.

Viajas por todo el planeta y tienes contacto con las diferentes escenas del mundo, ¿qué le falta a la española para estar en primera línea mundial?

Pues te voy a ser muy directo, lo único que nos falta en España para estar a la altura de otras escenas es tener referentes nacionales, artistas nacionales que han llegado a lo más alto. No se consigue ese estatus sin el respeto y el apoyo al talento nacional. En España, no reciben el mismo tratamiento los DJs nacionales que los internacionales, siempre se prioriza al headliner de fuera, y se le pide al nacional que rebaje su fee porque es bueno para su perfil tocar al lado de un grande. Señores promotores, ¿saben ustedes por qué ese señor es grande? Por la sencilla razón de que su país le hizo grande, su público le hizo grande, los medios de comunicación de su país se hicieron eco de sus logros y le hicieron grande y por todo esto, ese artista hoy es grande. Sin apoyo, nadie es grande. Así nos va en España y por eso cada vez más artistas prefieren salir para recibir un reconocimiento que tarda mucho en llegar dentro de nuestras fronteras.

Terminando, ¿te podemos pedir un chart 10 de temas propios de los últimos diez años y otro con tu top-3 de siempre, propio o ajeno?

TOP 10 mejores producciones últimos 10 años:

1. DJ CHUS – ‘UNDERWATER’ [Stereo Productions]

2. DJ CHUS, DENNIS CRUZ – ‘THE SUN’ [Stereo Productions]

3. DJ CHUS – ‘EVERY TIME I TRY feat. Cevin Fisher’ [Nervous Records]

4. DJ CHUS, D-FORMATION – ‘NEW DAWN’ [Stereo Productions]

5. DJ CHUS, DARIO D’ATTIS – ‘HEART OF GLITTER’ [Saved]

6. SABO – ‘AFRO CHOOZ’ (DJ CHUS REMIX) [Redolent]

7. MATTHIAS TANZMANN – ‘CHANO (DJ CHUS REMIX)’ [Moon Harbour]

8. DJ CHUS, AMINE K – ‘CIGANO’ [Sol Selectas]

9. DJ CHUS – ‘SOULTANA’ [Redolent]

10. DJ CHUS, JOESKI – ‘CREO EN DIOS’ [Stereo Productions]

Top 3 favoritos de todos los tiempos:

1. DANNY TENAGLIA – ‘MUSIC IS THE ANSWER’ [Twisted]

2. INNER CITY – ‘GOOD LIFE’ [Virgin]

3. DJ CHUS – ‘THAT FEELING’ [Defected]

Finalmente Chus, ¿cómo crees que será el house dentro de 10 o 20 años? ¿Seguirá siendo el mejor sonido parido jamás para bailar?

Hablando en términos generales, para mí solo hay dos géneros alrededor de los cuales giran todos los demás, el house y el techno. Dicho esto, dentro de algunos años el house seguirá siendo la fuente de inspiración de todos aquellos artistas que hagan música con alma, con ritmo, con melodía, con voz, más orgánico o electrónico, pero siempre con feeling para bailar desde 115bpm hasta 128bpm y luego está el techno que seguirá siendo la referencia para aquellos otros que les gusta producir con más energía, con euforia, con un ritmo frenético, rápido e intenso para bailar entre los 128bpm y los 140bpm. Obviamente me quedo con el house y todos sus derivados se llamen como se llamen, para mí siempre será el sonido ideal para bailar hasta el amanecer. Aunque dentro de 10 años lo hagamos con esas gafas horribles virtuales que nos quieren vender a toda costa los de la marca de la manzana mordida (Risas).

5 MINUTOS CON...

WHOMADEWHO

Hola Whomadewho, ¿qué aporta cada uno de vosotros al grupo?

Venimos de entornos muy diferentes. Tomas Barfod viene de la música electrónica y de pinchar. Yo vengo de la composición de canciones y bandas de rock y Jeppe viene del jazz de vanguardia. Con los años hemos aprendido mucho unos de otros y ahora las diferencias entre nosotros no son tan grandes.

¿Cómo es un día en la vida de WhoMadeWho cuando estáis de gira?

Tratamos de disfrutarlo tanto como podemos, todavía pasamos buenos ratos saliendo juntos. Lo cual es bueno porque pasamos mucho tiempo así. Somos amigos y hermanos.

¿Y cuándo no sois WhoMadeWho?

Cuando no somos WMW somos personas familiares. Lo cual es súper agradable y súper aburrido para contar en una revista como Vicious…

¿Qué consejo les daríais a quienes están empezando en el mundo de la música?

Mantente abierto, no persigáis un éxito, solo concéntrate en lo que amas y déjate guiar por la reacción de la multitud y de las personas cercanas a ti. A la mierda las listas de reproducción, las radios, etc. Trabaja duro durante muchos años.

¿Hay algún sueño que os quede por cumplir?

Nuestro sueño siempre fue estar en una banda de gira por el mundo haciendo música juntos, conociendo gente y tener eso como parte integral de nuestra vida, así que…

Y hora que ese sueño ya es realidad…

Supongo que uno de los sueños de ahora es terminar siendo unos viejos que todavía tocan música relevante para los jóvenes. Envejecer en la música con dignidad.

¿Cómo es vivir en Dinamarca?

Es agradable vivir en Dinamarca, si no piensas en el clima de mierda que cambia constantemente…

¿De qué partís a la hora de componer un tema nuevo?

Tenemos 1.000 formas diferentes de abordar la creación de un track. A veces comienza con un ritmo y una sesión improvisada; otras con una progresión de acordes y, a veces, con una canción normal. Y muchas veces es una mezcla entre todos estos.

Para terminar, ¿más de analógico o de digital?

La música está en el corazón, el alma y los dedos.

RESONANCE

El músico canario descubre la banda sonora de una película que no existe, en la que sinergia de forma magistral música electrónica, ambient y rock progresivo, entre otros estilos que ama y domina. Así es ‘Valediction’ su nuevo álbum…

Hola Resonance, tras publicar diferentes lanzamientos más enfocados al club en los últimos tiempos, ahora presentas este nuevo álbum que dices que es la banda sonora de una película que no existe… ¿eres tú el protagonista de esta?

Protagonista puede ser aquella persona que al escuchar el disco sienta la música como algo suyo. Es cierto que mis emociones están ahí puestas en cada tema, y creo que al final son sentimientos universales, lo que permite al oyente sentirse protagonista o espectador de su propia película.

En este ‘Valediction’ campan composiciones oníricas, plenas de pasajes largos e inmersivos, ¿es por ello tu trabajo más íntimo e introspectivo?

Si, lo es; en realidad ‘Valediction’ termina la trilogía de mis dos anteriores álbumes ‘Skygaze’ y ‘Light Continuum’ en los que había temas muy personales, rítmicos, vocales y paisajes instrumentales cinemáticos. Pero en esta ocasión he profundizado más en esos paisajes sonoros. Fue idea de la discográfica y la verdad es tenía muchas ganas de poder realizar un trabajo así, sin límites de experimentación.

“En esta ocasión he profundizado más en esos paisajes sonoros”.

En los 10 temas del álbum sinergias sin esfuerzo elementos de música electrónica, ambiental y rock progresivo, ¿por qué precisamente estos géneros y no otros?

Creo que la razón principal es que me salen con mucha facilidad porque de alguna manera reflejan parte de mi background musical. A veces se piensa que un productor, por ejemplo, de techno solamente escucha música techno todo el tiempo y nada más, que no conoce otra cosa; que seguramente habrán así, ¡ojo! o que si eres un trompetista de jazz sólo puedes escuchar jazz y tocar la trompeta para jazz…Pero esto no es así y en mi caso, y en el de las personas que me rodean, me gustan varios estilos musicales, que algunos me influyen más que otros a la hora de crear mi propia música, pero que disfruto para escuchar. Tengo la suerte de poder editar tanto música bailable como música más reflexiva.

¿A qué le dices adiós con este disco? ¿Es a través de la siempre tristona nostalgia o de una esperanza ilusionada por un hoy/ mañana mejor?

Afronto cada grabación y cada disco como el último que voy a hacer, pero no con un “triste pesar” ni mucho menos. Creo que nos movemos por la vida en ciclos, etapas y dentro de estos hay cosas buenas y malas que terminan, al ocaso de un ciclo y otras que arriban cuando

Autor: Fernando Fuentes

empieza uno nuevo. No es una mirada triste al pasado y ni resignada al futuro, al contrario, es hacia el interior del ser para llevarte a tu esencia, a la raíz de lo que te define y te hace feliz; recordar quien eres.

Escuchando los temas se percibe una frescura de ideas y conceptos que contrasta con su complejidad compositiva, ¿ha sido su composición un trabajo especialmente difícil y, por ello, costoso?

Los temas surgieron muy rápido y esa frescura creo que es un rasgo notable en la grabación y que traté de preservar porque algunos de los tracks los grabé sin metrónomo, en tiempo real en modo multipista lo que, por otro lado, conllevaba errores en la ejecución. Lo más complicado fue la edición y la mezcla porque al usar magnetófonos en capas y capas de sonido, la suma del ruido que generaba la cinta, más el de viejos sintes, etc., arruinaba el sonido total de la mezcla por lo que usé reductores de ruido digital y otras estrategias para apaciguar estos inconvenientes y poder llevar el sonido óptimo al proceso de mastering.

“Tengo la suerte de poder editar tanto música bailable como música más reflexiva”.

Lo sintético y lo analógico se abrazan en todos los cortes del disco, ¿en el equilibrio entre ambos mundos está la clave para conseguir que el sonido sea tan de verdad?

Yo creo que hoy en día sí, porque un mundo resalta la belleza del otro y ambos se complementan para al final crear un universo más atractivo para el sentido del oyente, por el realce de la tradición, es decir por la mejora de la textura, frecuencias y sonoridad de aquellas grabaciones que pasan durante una vida. De ahí que compañías actuales de software desarrollen herramientas digitales que emulan a las circuiterías de los grandes compresores, ecualizadores, e incluso micrófonos; los clásicos del sonido que han marcado una era que empezó hace más de 50 años.

¿Por qué has organizado el disco de esta manera dividiéndolo en dos secciones y nominándolo los temas solo con números?

La división corresponde a las caras A y B del formato vinilo y cada tema, aunque tiene su propia historia, son inherentes a lo que es ‘Valediction’. Sin darme cuenta en un principio, estaba creando un disco conceptual, así que me dejé llevar por lo que el disco me sugería y decidí que quedaría más homogéneo si recuperaba el formato de los antiguos maestros de la música electrónica que designaban a sus temas como partes dentro de una misma idea.

“Mis seguidores disfrutan de mi música como una experiencia completa”.

¿Recomiendas que el álbum se escuche como un “todo” y se disfrute del tirón?

Si, a ser posible recomiendo escucharlo de dos tirones: uno para la cara A y el otro para la B. Aunque en digital habrá que hacerlo seguido…Parece increíble, porque hoy en día eso es hasta pedir mucho…pero afortunadamente mis seguidores, los que compran mis trabajos y vienen a verme cuando actúo en directo o a pinchar, no fallan en eso y disfrutan de mi música como una experiencia completa. De ahí que también se haya publicado en vinilo y sea una edición muy limitada de ejemplares.

Paladeando el disco es casi imposible no acudir a obras de maestros como, por ejemplo, Vangelis o Eno… ¿han sido dos de tus principales referencias a la hora de darlo a luz?

Han estado allí obviamente, de manera subyacente y muchas más, eso es inevitable. Pero no por ello se es menos original o algo parecido. Creo que consigo llevarlo todo a mi terreno. A lo largo de la historia creo que los grandes artistas han hecho eso; crear un propio estilo juntando las influencias de su entorno. Yo creo mi propio collage musical y los que me siguen desde hace tiempo son capaces de vislumbrar los retales sonoros de mi personalidad que definen mi arte.

¿Te gusta si decimos que ’Valediction’ es un disco romántico y espacial?

Si, me gusta esa aproximación. De hecho, el título ‘Valediction’ es una palabra del inglés antiguo que procede del título de un poema de John Donne del SXVII que versa sobre la metafísica y el amor narrado en clave de despedida.

“Yo creo mi propio collage musical”.

¿Cómo, cuándo y dónde lo vas a presentar?

La presentación oficial será en el Festival Keroxen, en octubre o noviembre, en un evento espectacular del cual no puedo desvelar nada y en el que trabaja el equipo de producción del festival y el sello Keroxen, responsable de editar mi álbum. He estado trabajando con la artista visual V.A.N.H (Luciana Maia) y Arístides García (Sal Itre) autor de la portada y muy posiblemente estarán a cargo de lo visual del show junto con el equipo Keroxen. Hay planes para hacer apariciones en directo muy concretas en algunas islas del archipiélago canario como en la mágica Lanzarote, pero el sello y yo decidimos dar la exclusiva en Tenerife sólo al festival Keroxen. Todas las demás citas son fuera de la isla dentro de los circuitos que maneja el roster de management del festival en España y Europa.

“La presentación oficial será en el Festival Keroxen, en octubre o noviembre”.

Terminando, ¿seguirás por esta senda sonora en próximos trabajos o volverás a la pista de baile en la que tanto se te aprecia?

Estoy en ambas sendas, con muchas ganas y justo comienzo la producción de otro trabajo para el sello Univack Records con el que recientemente edité mi último Ep ‘Phase’ que ha ido muy bien.

Para finalizar Javi, creo que ‘Valediction’ una obra que debe de suponer un hito en positivo en la carrera de Resonance, ¿cómo lo ves? ¿Hay un antes y después?

Hacer un disco hoy en día a este nivel y tener la libertad musical creativa es una suerte y un lujo. Este disco viene en un momento que es justo el que es: único e irrepetible.

VICIOUS CHART

BY KARLOS MOLINA

Derek Howell Stride [Peter Martin remix]

PROTON MUSIC

Rari Steady State (EMJIE Remix)

UNREEL RECORDS

Darque X Thandi Draai

Yonke [Rodriguez Jr. Remix]

KUNYE

Adrian Roman Oratorical Ability [Original mix]

SUM OVER HISTORIES

TERR Only For Tonight [Denis Horvat Dub]

PHANTASY SOUND

Joyce Muniz Dressed In Secrets [Original mix]

PETS RECORDINGS

Made By Pete Fires [Dub Mix]

CROSSTOWN REBELS

Madben Night Birds [Original mix]

ATLANT

¡Apóyanos! No descargues música ilegalmente

JHabischman & Miila Mor Evolving [Re.You Remix] SCI+TEC

Golan Zocher & Choopie The Void [Original Mix]

ASYMMETRIC RECORDINGS

Encuentra

DOS DÍAS DE SEÍSMOS ELECTRÓNICOS EN BLACKWORKS FESTIVAL

Una rutina más que necesaria si quería aguantar el torrente de energía electrónica que me esperaba en esos dos días. ¿El resultado final? Sobreviví a duras penas después de llevar mi cuerpo al límite durante dos jornadas inolvidables, dos jornadas donde el techno más contundente golpeó mi cuerpo sin piedad.

Viernes 22

Normalmente un festival de estas características te suele dar un respiro en las primeras actuaciones para que te vayas aclimatando. Pero Blackworks no entiende de tiempos muertos y desde el primer minuto comenzó un bombardeo sin misericordia que nos hizo comprender a las miles de personas que estábamos en IFEMA que no íbamos a tener tregua.

De todas las actuaciones que presencié el viernes he de destacar unas cuantas, por su calidad y por su personalidad. En el Pressure Stage destacó la presencia de I Hate Models, el francés Guillaume Labadie volvió a apostar sin fisuras por la renovación de los sonidos más duros del techno, llevándolo hacia terrenos EBM, industriales y ácidos. Un recital de explosiones sónicas llenas de furia y desenfreno que no pasaron desapercibidas. 999999999 volvieron a demostrar que con cada patada atronadora, cada puñalada de sintetizador y cada línea ácida retorcida provocan la máxima respuesta física y emocional del amante de la pista de baile. En este espacio también hay que destacar la calidad del , b2b de SNTS y Paula Temple, y el cierre épico con el b2b entre Charlie Sparks y Parfait.

El set que más me gustó en el Induction Stage fue el de Shlømo, el francés tiene un oído distinto para los ritmos auténticos, un fino estilista que te cautiva tanto en el escenario como en sus producciones, un maestro del ritmo y los espacios sonoros, ya que es capaz de atraparte con un ritmo opresivo o dejarte espacio en un ambiente más oscuro. No puedo dejar de mencionar momentazos a cargo de Skryption, 6ejou y Basswell.

Sábado 23

Después del gran sabor de boca que me dejó la jornada anterior, acudí con ganas de entregar todo, de dejarme llevar con la gran traca final que se avecinaba. En la Pressure Stage disfruté mucho con el b2b entre Svetec y O.B.I, pero sobre todo me dejé llevar por la energía de Nico Moreno. No se le puede negar a Nico que sabe darte donde más duele y que es capaz de exprimirte hasta la última nota de energía que lleves en el cuerpo.

El sábado estuve más pendiente de la Induction Stage, sobre todo porque pinchaba uno de mis artistas favoritos: Kobosil. Este berlinés demostró una vez más su sentido para el techno funcional con profundidad y empuje, ampliando su rango artístico con todos los nuevos estados de ánimo y tonos, la facilidad y los sonidos melodiosos, sin abandonar su oscuridad familiar. También disfruté con el gran Héctor Oaks y su virtuosismo a la hora de pinchar en vinilo. Terminé estas dos jornadas maratonianas asistiendo a la sesión de Clara Cuvé, que desplegó un techno rápido y groovy con reminiscencias al breakbeat, jungle y hardcore. Un enorme espectro de géneros combinados en un estilo único e indivisible.

Resumen

Este festival de BlackWorks ha sido la bomba, puede que parezca una expresión simplista, pero cada actuación fue un terremoto de proporciones bíblicas. Si a esto le sumamos una producción espectacular y un despliegue visual futurista, el resultado no pudo ser más gratificante. Dos días de sobredosis electrónica de la que tardaré en recuperarme al menos una semana. Pero como se suele decir…que me quiten lo bailao.

Autor: Vicious

LEONOR

DISCÍPULOS AVENTAJADOS DE LA ESCUELA MEXICANA …

ALTERED RHYTHM EXPERINCE+

¡Hola Oscar! Es un placer entrevistarte para Vicious Magazine. Eres un artista referente de la escuela mexicana con vuestro sonido tan particular ¿Cómo describirías el impacto tan fuerte que ha tenido vuestra visión de la música en la escena electrónica mundial?

Pues en estos momentos estoy en un rollercoaster emocional sobre mi visión de la música y la escena electrónica mundial. Siento que la escena electrónica está más fuerte que nunca, los festivales más vendidos son los de música electrónica, pero para mí el downside es que la mayoría de festivales reciclan artistas año por año, siento que hay mucho talento nuevo que necesitan la oportunidad de estar en escenarios más grandes para darse a conocer. “Promotores tengan fe en las nuevas propuestas y no se basen en cuanta gente los siguen en sus redes sociales ni por cuantos likes, tomen tiempo de escuchar sus trabajos, lleguen a un buen acuerdo con el o la artista, ya que es su primera vez estoy seguro de que un buen trato se puede dar.” Nunca saben si en una de esas le dan la entrada al siguiente gran nombre de la escena. También me gustaría ver más mexicanos en los carteles de festivales europeos. Si en México los carteles la mayoría son europeos pues aquí deberían abrir puertas a los mexicanos y vaya que sobran para un increíble line up. Todo esto es algo que fuerte mente me gustaría que se vea más en la escena electrónica.

Hablemos un poco sobre tu carrera. ¿En qué momento despierta en ti la pasión musical?

Mi pasión por la música siempre estuvo en mi vida desde que yo era pequeño, en los 80s me acuerdo que mi papa tenía un sony stereo rack y de ahí sonaba música como boleros, mariachi, cumbia y disco. En los 90s encontré mas géneros como el Rock y el Hip Hop hasta el 2004 que encontré la pasión por la electrónica cuando en un mercado compré el cd de la primera compilación de +mas Nescafé, ahí venían tracks por Deep Dish, Danny Tenaglia, Tiesto, Infected Mushroom y otros. Me acuerdo perfectamente poner el disco en mi boombox y escuchar el primer track que era Flashdance de Deep Dish y ya estaba enamorado por la electrónica. Después seguí comprando todas las siguientes ediciones de estas compilaciones. Os recomiendo escucharlos.

Si tuvieras que explicarle a alguien que no te conoce ¿Cómo le explicarías tu sonido?

Yo siempre le explico a la gente que mi sonido tal como productor y dj es muy versátil a mi no me gusta quedarme en un solo género me encanta experimentar con sonidos y géneros entonces de downtempo lleno de sonidos eclécticos a un acid lleno de secuencias y alta energía o un bonito house o disco con groove. No se si tengo un sonido que me define por esa razón, pero así es igual como me visto de vez traigo un look muy alternativo y de a veces me puedes ver con sombrero y botas vaqueras, pero así es LEONOR de versátil.

Como productor has estado muy fuerte este final de 2023 junto a Feller con el Ep Nativo. ¿Cómo surge vuestra relación musical?

La colaboración con mi amigo Feller surge de la necesidad de querer conectar musicalmente con otros sonidos de mis colegas, al igual hacer amistad con ellos en el proceso. Todas mis colaboraciones que he hecho

con artistas creo que el 90% todavía no los he conocido en persona, pero cuando estas en el proceso de creación del track vas conociendo más a fondo y aprendiendo de cómo es la persona. Feller es una persona muy especial y talentosa con muchas ideas que me dejo como ese emoji con una explosión en su cabeza, unas secuencias, melodías y acordes que no entendía como aprendí mucho de él a la vez. Y estoy muy feliz de nuestro EP “Nativo” vayan a escucharlo si les gustan sonidos ‘locochones’ (risas)

¿Qué tal se presenta este 2024? ¿Algún proyecto que destacar qué vaya a salir próximamente?

Estoy muy emocionado de este 2024 con mucha música que va a salir. Para empezar el año salió “SENSEI” en el compilado de la disquera de Toto Chiavetta Borders of Light mi primer track del género house y toques 90s. Mi EP en colaboración con Feller en la disquera A.R.E, un EP lleno de mucho ritmo con remixes de Ludviq de México, el italiano A-Tweed y Akio Nagase de Japón.

Acaba de salir en marzo tres releases míos, YO SOY EP en la disquera de Darlyn Vlys POLARIS. Uno de los originales “COLD” es colaboración con un talentoso productor y mago de la guitarra IBA BOO, de seguro escucharán más sobre él en el futuro. 2 remixes para 4 artistas, equipo Francia Darlyn Vlys con Damon Jee y equipo Alemania con Peter Invasion, con Gregor Habicht dos interpretaciones espectaculares a mi track “YO SOY”.

La colaboración con mi paisano Fausto titulado “MONASTIC” para mí uno de los más dinámicos tracks que he hecho. Lanzado en la disquera francesa de Chloé llamada LUMIERE NOIRE.

Y por último una colaboración con el productor español MoM donde trabajamos en un track con una vibra y sonidos muy 90s acompañando con elementos del medio este. El track llamado BREAK DA SYSTEM y fue lanzado por la disquera de Alex Niggemann AEON.

En futuro estoy trabajando en un Ep para la disquera Melómana de mis compadres Gameboyz. Y algunos remixes para otros artistas.

En mi fase como dj Acabo de regresar de un tour por mi país natal México donde presenté 4 fechas en cuatro destinos espectaculares; Casa Villa (Hermosillo), Jardin Organica (Torreon), Bar Américas (Guadalajara) y Mamba Room (Culiacan). También continuo con mi residencia en París en el club Le Carmen y varias fechas por venir en diferentes venues de Europa.

Mirando hacia el futuro, ¿hacia dónde quieres dirigir tu sonido?

¡A dónde me lleve! Y espero siempre poder llevar de la mano a toda la gente que escucha mi música.

Por último, Leonor, ¿puedes darnos una frase de sabiduría?

¡Camarón que se duerme se lo lleva la corriente! (Risas)

LANZAMIENTOS LA SANTA

FIIN LANZA ‘MI TIERRA’ EN REDOLENT MUSIC

FIIN lanza su nuevo single llamado ‘Mi Tierra’ en el nuevo sello Redolent Music, propiedad de Chus & La Santa. Y lo hace uniendo fuerzas con Pezlo MD y la cantante Vikina.

Un homenaje a la icónica canción de Gloria Estefan

Estamos ante un homenaje a la icónica y popularísima canción de la legendaria Gloria Estefan. Las magistrales habilidades de producción de FIIN y Pezlo brillan sobre todo cuando entretejen capas de ritmos, creando una fascinante atmósfera latina que exige atención desde el principio.

Con un remix de La Santa y G. Zamora

El lanzamiento incluye un remix de La Santa junto con G. Zamora, un artista habitual de Redolent Music. Esta revisión remix añade más profundidad y diversidad al corte original, brindándole nuevas perspectivas. Un ritmo latino y electrónico que será imprescindible en cualquier pista de baile durante el próximo verano.

LANZAMIENTOS

BUBBA BROTHERS

BUBBA BROTHERS PRESENTAN ‘DIVA EP’ EN MOSSDEB SOUNDS

Mossdeb Sounds descubre un nuevo EP que resuena con una profundidad emocional incomparable al ritmo de house clásico, se trata de ‘Diva EP’ de los portugueses Bubba Brothers. Este proyecto ocupa un lugar especial en el corazón del dúo luso, especialmente para Eliseu, ya que sirve como homenaje a su querida perrita, Nikki, cuyo espíritu sigue siendo una fuerza siempre presente en la melodía del lanzamiento y en su memoria.

Tres cortes originales de house al más puro estilo de Bubba Brothers ‘Diva EP’ reúne tres cortes originales de house al más puro estilo de Bubba Brothers. “Es una expresión audible de amor y recuerdo dedicada a la memoria de Nikki. Fue más que una compañera, ella era el alma y ‘diva’ del hogar. Esto es para ti, estés donde sea”.

Mientras se trata del primer lanzamiento de Mossdeb Sounds durante este 2024, Bubba Brothers celebran una década de producción musical. ‘Diva EP’ ya está disponible en todas las plataformas.

NEW COMER

GUEDON

GUEDON, el talentoso DJ y productor musical de Madrid, España, despertó su pasión por la música electrónica desde una edad temprana. Desde sus primeros años, se sumergió en los clásicos del House, Dance y Trance, construyendo un amor profundo por la electrónica que perduró a lo largo de su vida.

“Desde el House mas de Ibiza, pasando por el House y Tech House tribal, hasta el Tech House mas groovy…; tiene un amor profundo por la música electrónica”.

Durante su adolescencia, GUEDON se adentró en el mundo del DJing, buscando y absorbiendo la última música del momento. Su amor por la música de cualquier género le permitió desarrollar una influencia y un conocimiento musical sólido, sentando así las bases de su carrera en el mundo de la música.

“Music is the answer”.

Con el paso del tiempo, GUEDON ha emergido como una figura destacada en la escena de la música electrónica en Madrid. Actualmente, es residente de Teatro Kapital y frecuente en Fabrik, compartiendo cabina con renombrados artistas de España como KPD, Javi Reina, Raúl Ortiz, Alexander Som, Shake Coconuts, Fonsi Nieto, entre otros. Ha llevado su música a las principales discotecas de Madrid y ha actuado en diversas ciudades como Ávila, Toledo, Zaragoza, e incluso fuera de España, en California y Suiza. Su presencia indiscutible en la escena madrileña lo ha consolidado como un referente.

“Referente y futura promesa de la escena electrónica madrileña”.

Gracias a haber trabajado junto a Crusy y Jose De Mara, GUEDON ha perfeccionado su técnica como DJ y productor musical, lo que se refleja en sesiones llenas de energía y ritmo. Su estilo combina lo mejor del House con influencias del Tech House, creando una experiencia musical cautivadora. Su visión artística, dedicación, habilidad técnica y carisma en cabina lo convierten en una apuesta segura para cualquier evento de música electrónica de calidad.

EN EL ESTUDIO CON HOSSE

Natural de Sevilla, Hosse es uno de los productores más predominantes de la escena electrónica española.

¿Cómo es tu proceso compositivo?

Pues no sigo un patrón para ello, hay veces que parto de idea clara desde el inicio, porque me siento inspirado ese dia y en otras ocasiones voy probando y experimentando hasta dar con algo que me convenza. Normalmente, cuando la idea que voy a plantear la tengo clara, no tardo mas de unas horas en plasmarla y dar por finalizado el proceso creativo. Y por el contrario, cuando la idea no la tengo clara y todo parte de la espontaneidad y el experimento, puedo pasar dias sin aclararme o incluso llegar a abandonar el proyecto.

A la hora de llevarlo a la practica, me remito unicamente a trabajar sobre 8 compases, en los cuales desarrollo el drop o estribillo al uso. Una vez esos 8 compases tienen todos los ingredientes que necesito y la idea camina en

la dirección que busco, comienzo a desarrollar el resto de la estructura y nunca al reves. Esta es una manera de delimitar la inversión de tiempo que hago sobre ella, para descartarla o continuar produciendola hasta el final.

¿De qué partes a la hora de crear un nuevo tema?

A veces puedo partir de una sugestión que nace a traves de una canción que he escuchado y me inspira a producir una idea, otras veces simplemente me pongo a tocar el piano hasta que ‘doy con la tecla’. Si saco alguna melodia que pueda funcionarme, empiezo a construir tel resto de elementos alrededor de ella hasta que todo cobra forma de canción.

¿Eres de los que prefieren inicialmente generar ideas, sin preocuparte demasiado de la mezcla o la parte técnica, para luego ir haciendo el puzzle?

Realmente no, es una deformación profesional que he adquirido con los años. Soy incapaz de ponerme a producir algo y no utilizar sonidos que me convenzan o ir haciendo simultaneamente una pre-mezcla sobre la marcha. Necesito que lo que escucho me transmita credibilidad, si no, no me motiva a continuar porque no se parece a lo que estoy imaginando en mi mente.

¿Con qué equipo produces en el estudio?

Pues uso un equipamiento hardware compuesto por:

– Monitores Adam F7 y el Sub-12.

– Auriculares Sennheiser Hd800 y Hd25.

– Subpac M2x.

– Tarjeta de sonido Apogee Duet2.

– Teclado Midi M-Audio Oxygen49.

– Ordenador MacBook M1-Pro.

En cuanto a software:

– Daw Studio One y Ableton Live.

– Plugins: Serum, Diva, Omnisphere, Kontakt y Reaktor principalmente.

¿En qué te inspiras a la hora de producir nueva música?

Evidentemente como cualquier productor que se precie, estoy en contacto con toda la actualidad musical del momento, especificamente con la que tiene que ver mas con mi estilo, pero es cierto que busco un poco la inspiración en la riqueza de otras musicas como el Soul, el Jazz, el Flamenco, la musica cubana entre otras.

¿Imaginas a un determinado tipo de público, en la pista de baile, mientras produces o eso lo dejas para el final?

No necesariamente, de hecho es algo en lo que ni siquiera pienso durante todo el proceso de construcción de un tema. Mas bien es algo que dejo en manos de la pista de baile cuando pruebo el track con el público que me encuentro en un evento. Es ahí cuando observo con detenimiento y analizo el comportamiento de la gente, para así sacar conclusiones sobre lo que deberia modificar en la estructura del tema o si fuese necesario en los arreglos musicales de determinadas partes.

A la hora de producir, ¿qué parte dejas a la experimentación? ¿Te gusta exigirte saliendo de tu zona de confort?

Pues quizas la experimentación es algo que le brindo a la sintesis, pero sin demasiado margen y quizas a ciertos detalles sonoros en la percusión. Lo cierto es que considero que tengo un sonido bastante conservador en general y no le dejo mucho espacio a experimentar. Deberia empezar a aplicarlo y a practicarlo mas. La exigencia es algo que va conmigo por norma, ya sea en mi zona de confort o no. No me permito segun que libertades a la hora de considerar acabada una canción, es por ello que pulo hasta el ultimo sonido.

¿El equilibrio entre el flujo creativo y la previa organización son claves para trabajar mucho mas rapido y eficazmente?

La velocidad y el flujo creativo son dos cosas que van de la mano y que son directamente proporcionales a la organización. Si tus herramientas y recursos a nivel software, no estan bien clasificados y testados, lo mas probable es que nos retrase a la hora de poner en marcha una idea o de plasmarla en nuestro ordenador, es por ello que para no perder o desaprovechar la musa, mas nos vale hacer todo ese trabajo previo.

¿Cómo, y cuándo, sabes que un tema esta terminado?

Jajajaja, eso no ocurre nunca, pienso que es mas una cuestión de decir ‘ya es suficiente’ o ‘me vale asi’. Creo que se trata mas de tomar decisiones bien maduradas, que el hecho de decir que el tema esta terminado, basicamente porque siempre se puede mejorar algo y siempre se puede variar algo, asi no se acaba nunca. Pero es cierto que hay que encontrar el equilibrio entre el tiempo invertido, el convencimiento de la idea y la madurez de la misma para determinar que ha llegado el momento de no hacerle nada mas porque igual puedes mejorar o que empeorar el tema.

¿Te gusta autoeditar tu música o prefieres lanzarla en otros sellos?

Probablemente lanzarla en segun que sellos de renombre me sigue motivando a mandarles musica, lo que no me motiva tanto, creo que al igual que a muchos otros compañeros, es la falta de atención que tienen normalizada muchos de estos sellos. Es por ello que montar tu propio sello y sacar tu música auto-editada, es lo que te permite hacerlo en tiempo y forma como hice yo al montar ‘Lowlita Records’. Asi que me manejo bien con este combo.

PREMIERE

Texto: Kali

Alex Dolby - Dynamic Construction Multiple Visions

Nuevo estreno de Alex Dolby, Dynamic Construction. El veterano dj y productor italiano siempre se ha caracterizado por su sonido crudo y rasposo. Un especialista de la síntesis oscura el cual nos adelanta uno de los tracks de su próximo trabajo en el sello Multiple Visions. Este largo titulado Sequenzial Shift posee 8 originales de los cuales nosotros estrenamos el segundo. Techno sintético y rudo, a la vieja usanza.

Bubba Brothers - Hangover (Feel Like A Zombie) Mossdeb Sounds

Nuevo estreno de Bubba Brothers, Hangover (Feel Like A Zombie). Os vamos adelantando que este año Bubba Brothers nos darán gratas sorpresas como la de este lanzamiento a través de su propia etiqueta, Feel Like A Zombie, del cual estrenamos el primero de los tracks. Durante los próximos meses estaremos hablando con ellos y os iremos adelantando noticias frescas sobre sus últimos trabajos. De momento os adelantamos este track de corte indie dance, pero con altas dosis de house. A la venta desde el próximo 12 de abril.

Surrender Discipline - Conversion EXPmental Records

Estrenamos nuevo track de Surrender Discipline, Conversion. Surrender Discipline, el dúo emergente de Austria y Bosnia, hacen su impactante debut en el sello EXPmental. Esta innovadora publicación de 3 pistas ejemplifica su excepcional habilidad para crear paisajes sonoros subterráneos profundos y resonantes que armonizan sin esfuerzo con la esencia de Expmental Records. De estos 3 originales estrenamos Conversion, a la venta desde el 29 de marzo...

Jacek Sienkiewicz - Piren 177 International Day Off

Jacek Sienkiewicz es uno de los pioneros de la música electrónica polaca. Después de más de 5 años desde “On and On”, regresa a International Day Off Records con El EP “Pivot”. Un nuevo trabajo de 4 pistas que evocan la atmósfera de sus primeras publicaciones en el sello Recognition, ¡que este año celebra su 25 aniversario! Como siempre, ¡música muy profunda! A la venta desde el 9 de Abril.

Estrenamos nuevo track de Gimenoleix, track Genesis. La etiqueta catalana Lowertones nos adelanta uno de los 3 tracks del próximo trabajo de Aleix Gimeno. Uno de los artistas nacionales de microhouse más interesantes en la actualidad y con una primera clase musical. Genesis está lleno de elementos sintéticos cósmicos y delayed, una producción fina y sensual, la cual saldrá a la venta el próximo 1 de marzo.

sLEdger - Two See Balloons

Nuevo estreno de slEDger, Two See Ballons. Si el deep tiene un representante, ese es Sledger. El dj y productor alemán nos adelanta uno de los tracks de su próximo álbum auto-editado. Finura y maestría en la creación de canciones de primera clase, con sonidos bien definidos y un aura de perfección musical en cada elemento que se escucha...

TON 618 - M87 (Linear System rmx vs 1) (Riccardo Noè Remix) Exodus Recordings

Estrenamos nuevo track de Wagon Cookin’, Carried Feat Aqeel. Después de más de un año enfocados en proyectos personales exitosos como Mr. Offbeat y Nebari, en los sellos Atjazz Records Company y Melómana respectivamente, los hermanos Javier y Luis Garayalde, también conocidos como Wagon Cookin’ o KYODAI, abren la caja de Pandora para celebrar su 25 aniversario con dos lanzamientos sorprendentes. Nos adelantan su single Carried Away Feat Aqeel, un track de primera clase electrónica nacional de estilo house. A la venta desde el 1 de marzo.

Raz Ohara - Pretty Bird (Philipp Thimm Remix) Denature Records

DEEP / PROGRESSIVE

BY DANNY LLOYD

MAZE 28 AER8 (ORIGINAL MIX) MANGO ALLEY

Una vez más Mario Zefi aka Maze28 sorprende con uno de sus trabajos en el sello Mango Alley. Un bajo potente y un ritmo trepidante crean una atmósfera oscura muy poderosa. Un tren continuo que arranca con más fuerza en cada parada. Prepárate para un viaje increíble.

VEGAZ (SL) & ENZO VOOD ABOVE THE STORM (ORIGINAL MIX) LOWBIT DEEP

Sumérgete en un viaje sonoro por las profundidades de las emociones con el séptimo lanzamiento de Lowbit Deep, creado magistralmente por el dinámico dúo de artistas de los encantadores paisajes de Sri Lanka: VegaZ y Enzo Vood. Este nuevo lanzamiento es una excelente demostración de su capacidad para mezclar elementos profundos y melódicos sin sucumbir a las tendencias demasiado acentuadas de la escena de la música electrónica. En esta colaboración, VegaZ y Enzo Vood llevan a los oyentes a un reino

HYUNJI-A SOFTLY (DUB MIX) SUDBEAT MUSIC

Hyunji-A debuta en el sello SUDBEAT con un gran EP. Amante de los sonidos electrónicos con formación clásica de piano, se centra en la melodía y la forma. Sus habilidades en el estudio le han valido elogios en toda la escena con lanzamientos en 3rd Avenue, onedotsixtwo y Mango Alley. Con el tema ‘Softly’, se presenta en formato club y como un dub profundo y de buen gusto. Tribal y melódico, el club mix utiliza todas sus habilidades para crear una atmósfera basada en voces que provoca e hipnotiza. Manteniendo un ritmo escaso y musical, el dub se centra en una fuerte narración de club.

TANTUM CONTACT HIGH (ORIGINAL MIX)

MEANWHILE RECORDINGS

Otra joya de Meanwhile Recordings. Contact High es el tema que abre el EP de Tantum, una joya rítmica que brilla con una luz iridiscente, con melodías invertidas y arpegios ondulantes que se funden poderosamente con un ritmo de pista de baile y un groove percusivo que balancea el cuerpo. Hipnótica y vibrante, la rasposa línea de bajo y el motivo del oscilador crean una intensidad hipnótica que se acumula en la ruptura antes de caer de nuevo en el groove listo para el club en la segunda mitad.

SIDES TOKORO (ORIGINAL MIX) BEAT BOUTIQUE

“Sunbird” y “Tokoro” marcan el debut de Sides en Beat Boutique, ofreciendo dos temas increíblemente profundos que son la combinación perfecta de alegría y movimiento. Sides, una auténtica luminaria en el mundo de la música emotiva, reside actualmente en Ciudad del Cabo, donde sus hipnóticas y atractivas actuaciones han contribuido a cimentar su reputación. Sigue siendo un referente en la escena musical local, manteniendo un firme compromiso con un sonido progresivo distintivo que se ha ganado la admiración de los mejores DJ y productores de todo el mundo.

ORGANICHOUSE BY IOKHONDA

COHERENCE (ES) AL ALBA FEAT. ALICIA DE LA OSA (ORIGINAL MIX) SACRED HEARTH

Este corte del productor y deejay Coherence derrocha mucho arte en sus pistas, pura fusión de electrónica con carácter flamenco y la combinación única de voces de Alicia de la Osa hacen de esta pista un paisaje sonoro magistralmente elaborado. ¡Buen tándem por parte de Coherence y Alicia de la Osa!

KORA HYDRANT SAISONS

El productor Kora nos sorprende con “Hydrant”. Tremendo corte con cierto minimalismo, un bajo que incita al baile, pads hipnóticos y percusiones elegantes que hacen de esta pieza de lo más interesante para pistas de baile en formato Club. En definitiva... ¡al carrito!

DOUBLE TOUCH SOFT NIGHT AMULANGA

Double Touch nos presenta una pista muy divertida y bailable. Un bajo ochentero hace caminar sola la base, mientras los elementos celestiales se abren paso para ir llevando la pista a una suave parada, progresión, tensión y después paz, puro placer para los amantes de la música de viaje de altos vuelos.

KAROL COLOMB WILLFUL SUPREMATIC

Este track del sello “Suprematic” tiene mucha clase, fluye en sus primeros compases una energía única entre punteos de guitarra, pads y vocales de los más originales, con cierto toque étnico/flamenco y estimulantes paisajes sonoros, un juego de texturas y samples que refleja el talento creativo de “Karol Colomb”.

AMONITA AMULET ALL DAY I DREAM

“Amulet” de Amonita es una maravilla de track para escuchar en cualquier momento, una auténtica explosión de melodías y texturas, que te elevan, desde el primer compás, este corte te cautiva con sus fraseos hipnóticos y armonías celestiales que despiertan los sentidos rápidamente. Al puro estilo de ALL DAY I DREAM.

TRANCE

BY IVAN MORALES

MARC VAN LINDEN MEETS COSMIC BABY LOOPS OF INFINITY COSMIC FUTURE

El legendario artista alemán Cosmic Baby (Harald Blüchel) y el talentoso Marc van Linden colaboran en una edición especial creada para celebrar el 30 aniversario de uno de los clásicos más impresionantes de la historia del trance, el mítico ‘Loops Of Infinity’, cuya versión original data del año 1994. Un rework fresco y actualizado cuya melodía de piano sigue siendo magistral. Una auténtica delicia para los oídos de los amantes del sonido trance y techno de los gloriosos años 90.

MARIA HEALY NOVEMBER MORNING FSOE

Una de las reinas británicas del trance, Maria Healy, regresa al sello de Aly & Fila, FSOE (Future Sound Of Egypt), con este hermoso nuevo single titulado ‘November Morning’, dedicado a las mañanas de otoño del mes de noviembre. Un tema uplifting que, tras el parón vocal, desarrolla una melodía que sólo podemos definir de una manera: auténtica felicidad. Una vez que la escuches, no podrás sacarla de tu mente.

TEMPLE ONE BLUSH VIVID MOTION

Desde que irrumpió en la escena trance allá por 2006, Joe Garrett aka Temple One se ha establecido como uno de los artistas más respetados de la industria. En esta ocasión, nos presenta la referencia número 14 de su propio sello Vivid Motion, un tema titulado ‘Blush’ y basado en melodías inspiradoras que definen a la perfección lo que es el sonido del DJ y productor inglés. Un track elegante que será un éxito en cualquier pista de baile. .

TOMCRAFT RUDE PLACE MAGIK MUZIK

Uno de los artistas referentes de finales de los años 90 y principios de los 2000, el alemán Thomas Bruckner, más conocido como Tomcraft, vuelve a la carga. El creador de ‘Loneliness’, uno de los hits mundiales allá por 2002, nos presenta ahora ‘Rude Place’, una contagiosa pista con ritmos dinámicos, sintetizadores elevados y un diseño de sonido característico de Tomcraft. Un auténtico himno trance.

COREY CROFT SILVER BULLET PERFECTO RECORDS

Tras ‘Hear The Sound’ y ‘Space Channel’, también editados a través de Magik Muzik, ahora nos llega el tercer track de la saga, ‘This Is Our Legacy’, por parte del artista neerlandés Richard van Dongen aka Windchaser. Un track a caballo entre el trance y el techno con toques vocales, cuyo sonido nos transporta a los maravillosos años 90 gracias a su melodía principal. Ritmo, contundencia y elegancia a partes iguales. Un éxito asegurado en cualquier pista de baile.

TECHNO

BY CESAR ALMENA

HERTZ TIMBALLE SWAY

Después de varios años de ausencia la vuelta del conocido productor sueco ha sido por todo lo alto y posicionándole donde ya estuvo en su momento, entre los productores que más suenan en cualquier set de hardgroove. Este track lleva muchas semanas en lo más alto de las listas de venta.

GARY BECK FOLD MUTUAL RYTM

Gary Beck es uno de los mejores productores con los que me he topado. En este track combina perfectamente los ingredientes para un tema “bailón”: Base muy rítmica con mucho Groove, voces funkeras y algunos stabs de piano que no dejan quieto a nadie… se te mueven las piernas sola.

MARK BROOM VV2 BEARD MAN

Este inglés sabe lo que se hace, fiel a su estilo no se ha dejado llevar por las modas pasajeras. En este track vuelve a deleitarnos con sonidos super limpios, elegantes, bailones y a la vez contundentes. Los clásicos nunca mueren.

CHRISTIAN SMITH RIGHT NOW TRONIC

La calidad de Christian en sus sonidos es indiscutible y en esta ocasión presentó un track muy percusivo y con mucho ritmo al que le puso la guinda usando una sample vocal clásico que hace que un track nuevo te dé, en la primera escucha, la sensación de que ya era un rompe pistas antes de ser creado. Tremendamente recomendable.

UNCERTAIN REPERCUSSION ANALYTIC TRAIL

Boriqua Tribez decidió cambiar su nombre en esta nueva era por el actual Uncertain… el resultado ha sido encontrar tracks como este, con el mismo ADN que tenia en el pasado, super bailones llenos de bajadas y subidas que rompen dejando bien a gusto al público en la pista de baile.

TECH AREA

Texto: Gilbert

Lezana

XONE:92

La Xone:92, un popular mixer de DJ de Allen & Heath, celebra su vigésimo aniversario con una edición limitada de solo 920 unidades, que recuerda el diseño original en plata. Esta versión presenta preamplificadores phono mejorados y una curva RIAA ajustada para música electrónica. Además, se destaca por una ergonomía mejorada, con más espacio para controles clave como los interruptores de Filter y XFade. Los filtros y el crossfader también reciben mejoras, con un knob más grande para los filtros y un nuevo crossfader mini innoFADER Pro personalizado. Disponible a partir de mayo por 1880 euros, la Xone:92 Limited Edition incluirá una lámina de 12 pulgadas y un llavero con el número de serie.

SynthGPT: Crea Sonidos con Texto

¿Te imaginas crear música con palabras? SynthGPT es un plugin VST que revoluciona la forma de diseñar sonidos. En vez de girar perillas, describes el sonido que buscas con texto.Por ejemplo, escribe “pad analógico cálido con un toque brillante” y SynthGPT te dará 100 opciones para elegir.

Desarrollado por Fadr, este plugin funciona con inteligencia artificial, analizando tu descripción para generar sonidos únicos. Es perfecto para músicos y productores que buscan agilizar su flujo creativo o explorar nuevos territorios sonoros. Aunque sea una herramienta poderosa, recuerda que SynthGPT está en fase beta. ¡Anímate a experimentar y dale forma a tu sonido!

Alphatheta

Alphatheta ha lanzado Euphonia, su primer mixer rotatorio de cuatro canales que fusiona tecnología analógica y digital. Equipado con un transformador Rupert Neve Designs y una interfaz de audio integrada de 96 kHz/64 bits, Euphonia ofrece sonido analógico junto con funciones digitales, como compatibilidad con Rekordbox DJ o Serato DJ Pro. Sus faders rotatorios ajustan la resistencia según la velocidad de giro, influenciando la mezcla y la percepción del sonido. La pantalla a color Energy Visualizer proporciona una representación visual del volumen de los canales, mientras que los seis efectos incorporados y el master isolator añaden versatilidad. Alphatheta afirma que Euphonia ofrece su mejor calidad de sonido hasta la fecha, con mejoras notables en la salida REC y las entradas de micrófono. Disponible por 3799 euros, Euphonia promete una experiencia de mezcla excepcional.

VOIS

VOIS es el último avance en tecnología de procesamiento vocal. Este plugin revolucionario transforma la voz de cualquier usuario en la de un cantante profesional con solo unos pocos clics. Pero no solo eso, también tiene la capacidad de convertir la voz en sonidos de instrumentos, ampliando aún más las posibilidades creativas. Con una interfaz intuitiva y potentes algoritmos de procesamiento, VOIS ofrece resultados sorprendentes y realistas en tiempo real. Desde ajustes de entonación hasta efectos de estudio, este plugin ofrece una amplia gama de opciones de personalización para adaptarse a cualquier estilo musical. Ya sea para grabaciones en el estudio o actuaciones en vivo, VOIS proporciona un sonido profesional sin la necesidad de costosas sesiones de grabación. Con su fácil integración en software de producción musical, VOIS está destinado a ser una herramienta indispensable para músicos, productores y entusiastas de la música que buscan llevar su creatividad vocal al siguiente nivel.

SÁBADO 25 MAYO 2024

JAMES HYPE

JAMIE JONES B2B LUCIANO

MATHAME JACKMASTER B2B BLACKCHILD

JEAN PIERRE B2B JESSE CALOSSO

JOSÉ FAJARDO

MANDA MOOR PAUZA

WAX MOTIF A-Z A-Z

Supported by

ABDON | HERRERA | ISMAEL RIVAS

JAVIER COELLO | JAVIER GONZÁLEZ

L’GROOVE | LOS CANARIOS ÓSCAR DE RIVERA | VALENZIA

Special content creator LUCA DEA