Brochure 1_ artistique - Copie by Université Côte d'Azur

Le 1% artistique

Avant-propos Cette brochure vous invite à découvrir les trésors nichés au cœur des campus d’Université Côte d’Azur. Ces œuvres, fruit du dispositif 1% artistique, témoignent de l’engagement de notre institution envers la création contemporaine et l’enrichissement de notre patrimoine culturel. Le 1% artistique, instauré en 1951, est une mesure qui impose aux maîtres d’ouvrages publics de consacrer 1% du coût de leurs constructions à l’acquisition ou la commandes d’œuvres d’art spécialement conçues pour le bâtiment concerné. Cette initiative, née sous l’impulsion du sculpteur René Iché, visait initialement à soutenir les artistes tout en démocratisant l’accès à l’art contemporain. Au fil des décennies, ce dispositif s’est élargi, passant des seuls bâtiments du ministère de l’Éducation nationale à l’ensemble des constructions publiques de l’État et des collectivités territoriales. Parallèlement, il s'est ouvert à une multitude de formes artistiques, allant de la sculpture traditionnelle aux installations multimédias, en passant par le design, le graphisme et les créations paysagères. Sur nos campus, une quarantaine d’œuvres jalonnent les espaces extérieurs et intérieurs, créant un dialogue entre l’art, l’architecture et le quotidien de la communauté universitaire. Cette brochure vous guidera à travers ce musée à ciel ouvert, témoin de la richesse et de la diversité de la création contemporaine. Cette brochure a été réalisée en 2024 - 2025 par Sarah Vic avec la participation de Caroline Henry dans le cadre du Master 2 en alternance Management de l'Art et de la Culture (Université Côte d'Azur) en s'appuyant sur l'étude réalisée en 2020 par Lucille Gaydon.

Sommaire 1. Campus Valrose 1.1 Jean-Vincent de Crozals.....................................................................................4 1.2 Nicolas Valabrègue.............................................................................................9 1.3 Jean-Louis Cantin.............................................................................................11 1.4 Hans Hedberg...................................................................................................12 1.5 Louis-Marie Julien & Victor Cot-Dezande.......................................................15 1.6 Claude Schurr...................................................................................................16

2. Campus Saint-Jean d’Angély 2.1 Jean-Christophe Nourisson...............................................................................19 2.2 Philippe Gronon...............................................................................................20 2.3 Olivier Roche....................................................................................................21 2.4 Edmond Vernassa.............................................................................................22

3. Campus Trotabas 3.1 Marc Chagall, Lino & Heidi Melano.................................................................19

4. Campus L’Archet 4.1 Peter Kogler.....................................................................................................31

5. Campus Pasteur 5.1 Etienne Hadju......................................................................................................................32 5.2 Ben...................................................................................................................35

6. Campus Carlone 6.1 Albert Feraud & Michel Guino.........................................................................40 6.2 Henri Olivier.....................................................................................................41

7. Campus STAPS 7.1 Jocelyn Cottencin.............................................................................................43

8. Villa Arson 8.1 Siah Armajani...................................................................................................45 8.2 Arnaud Maurieres.............................................................................................46 8.3 Felice Varini......................................................................................................49 8.4 Michel Verjux...................................................................................................51 8.5 Jacques Vieille..................................................................................................53

9. Ecocampus Plaine du Var 9.1 Evariste Richer.................................................................................................56

10. IUT Fabron 10.1 Lars Fredrikson...............................................................................................58

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CAMPUS VALROSE

JEAN-VINCENT de CROZALS

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Archives privées © Cyrille de Crozals

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JEAN-VINCENT DE CROZALS Jean-Vincent de Crozals, né à Toulouse et décédé à Antibes, était un sculpteur et peintre français. Ses œuvres, comprenant des sculptures et des peintures, ont été largement reconnues et commandées par l'État, l'Église, ainsi que par des collections privées en France et à l'étranger. De Crozals a côtoyé des figures importantes de l’art moderne comme Jean Dubuffet. Il a également eu des liens avec Henri Matisse, servant de modèle pour les dessins du Christ de l’artiste. Il a notamment réalisé des œuvres importantes comme la sculpture "La Physique" en 1964. Son travail est conservé et exposé dans divers lieux prestigieux, et il a laissé une empreinte significative dans le domaine de l'art contemporain français.

La Physique ou Réaction de fonte des métaux placés au centre d’incandescence de fours solaires, 1964 - © Archives privées Cyrille de Crozals

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Jean-Vincent de Crozals (1922 - 2009) : Le Génie ailé de la chimie tenant un réseau de molécules, fer forgé galvanisé et béton (262 x 185 x 85 cm), 1963 - © Archives privées Cyrille de Crozals

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Jean-Vincent de Crozals , Jean Dubuffet (à droite) et son épouse à Gaudissart en 1964 devant la sculpture La Physique - © Succession Jean Vincent de Crozals

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1. Jean-Vincent de Cozals : La Physique ou Réduction de fonte des métaux placés au centre d’incandescence des fours solaires, cuivre et bronze, fer forgé galvanisé (270 x 127 x 127 cm), 1964 2. Jean-Vincent de Crozals : Le Génie ailé de la chimie tenant un réseau de molécules, fer forgé galvanisé et béton, (262 x 185 x 85 cm), 1963

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NICOLAS VALABREGUE

Nicolas Valabrègue (1950), Sans titre, sculpture en bois d’iroko (200 x 133 x 35 cm), 2001

Bien qu'il fasse référence à l'art contemporain, Valabrègue reste profondément ancré dans son territoire provençal. Son art explore les rencontres fortuites entre objets et matériaux, souvent inspirés par son environnement local. Ses œuvres ont été exposées dans divers lieux et font partie de collections importantes, notamment celle du Centre national des arts plastiques (CNAP) en France.

Nicolas Valabrègue est un sculpteur français né à Marseille. Il vit et travaille actuellement à Cotignac, dans le Var. Issu d'une famille artistique provençale, Valabrègue se considère comme un "inventeur" plutôt qu'un créateur traditionnel. Son approche artistique privilégie le hasard et la découverte dans son processus créatif. Valabrègue excelle particulièrement dans le travail du bois, notamment les bois fruitiers. Son œuvre La Rivière, créée en 1984, a attiré l'attention du galeriste Daniel Cordier.

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“Il est un signe indiscutable du souvenir : c'est la durée. Ce qui résiste à l'oubli ne fait qu'exister, il est d'aujourd'hui, il est présent. C'est souvent une chose simple, habituelle, coutumière. Comme une sculpture de Nicolas Valabrègue née de son entourage, de son environnement, de sa propre substance. Cela sent le cade et le silex, cette éternelle pierre à feu. C'est aussi cet étrange assemblage d'une éternité qui porte en elle-même sa disparition : l'origine du feu et son combustible. Pouvoir isoler ces éléments et les maintenir soudés dans un amour réciproque relève de la magie, quand ce n'est pas le talent qui rend la chose possible. Le sculpteur peut emporter la nature par sa nature. C'est ainsi qu'on se souvient de lui et depuis très longtemps, l'art, parfois, n'est que bois et pierre auxquels s'ajoute l'indispensable regard d'un authentique créateur.” Bernard Plasse

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JEAN-LOUIS CANTIN Jean-Louis Cantin était un artiste sculpteur français né à La Roche-sur-Yon, en Vendée. Il a exercé son art jusqu'à son décès en 1985. Cantin travaillait principalement avec le bois, notamment le chêne, pour créer ses sculptures. Son style artistique s'inscrivait dans le mouvement de la sculpture contemporaine française de la seconde moitié du 20e siècle.

Jean-Louis Cantin (1933-1985) : Sans titre, sculpture en marbre blanc de Carrare, 1988

L'une de ses œuvres notables, réalisée à Nice en 1985, est une sculpture en chêne de dimensions imposantes. Cette pièce, signée et datée sur le socle, témoigne de son travail vers la fin de sa vie.

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HANS HEDBERG

Hans Hedberg (1907 - 2007) : Organisation et élaboration des cellules végétales, céramique sur béton armé (340 x 680 x 65cm), 1962

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Hans Hedberg - © Musée de Biot

Sa première exposition de céramique est inaugurée en 1953 à la Galerie Blanche de Stockholm. De par son titre, l’œuvre prend tout à fait sa place au sein du Campus Sciences. La couleur rouge utilisée pour représenter les cellules évoque le sang tandis que la végétation florissante devant l’œuvre apporte le vert, couleur complémentaire du rouge, la mettant en valeur. En 2024, l’œuvre a été restaurée par les conservatrices-restauratrices Angela Graziano, Julie Thiaudière et Marie Vincent.

Né en Suède, il s'est installé à Biot, en France, où il a établi son atelier en 1949. Hedberg est célèbre pour ses sculptures en céramique de grande taille représentant des fruits et des œufs, caractérisées par leur réalisme frappant. Il a innové dans le domaine de la céramique en utilisant des moules en plâtre et en développant de nouvelles techniques de glaçure. Son travail a attiré l'attention d'artistes comme Picasso, Cocteau, et Chagall, ce dernier ayant même étudié auprès de lui pendant trois mois. Hedberg a également créé des reliefs pour divers bâtiments, dont la Faculté des Sciences de Marseille.

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LOUIS-MARIE JULLIEN VICTOR COT-DEZANDE Pour cette œuvre, les deux artistes Jullien et Cot-Dezande ont collaboré. Victor Cot-Dezande est un maître verrier français, connu pour son expertise dans la création et la restauration de vitraux, actif principalement au cours de la seconde moitié du 20e siècle. Il a débuté sa carrière dans les années 1950, collaborant avec divers artistes et réalisant des vitraux pour des églises et des institutions. Parmi ses réalisations remarquables, on trouve par exemple l’Église d’Alain de Bourgues (1978). Louis-Marie Jullien, originaire de Marseille, commence sa carrière comme peintre et dessinateur. En 1936, il fait tisser sa première tapisserie à Aubusson, marquant le début de passion pour cet art. Il a réalisé au total 167 cartons de tapisserie au cours de sa carrière. Ses œuvres ont été acquises par de prestigieuses institutions, comme le Centre Culturel de New York ou la Cour des Comptes à Paris.

Louis-Marie Julien (1904-1982) et Victor Cot-Dezande (1918-2014) , Sans titre, mosaïque en pâte de verre de Venise, (322 x 370 x 2 cm)

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Claude Schürr (1921 - 2014) : Sans titre, peinture murale à l’huile (310 x 146 cm)

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CLAUDE SCHURR Claude Schürr a fait ses études à l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris de 1938 à 1942. Au cours de sa carrière, il a reçu plusieurs distinctions, notamment le titre de Chevalier des Arts et des Lettres. C’est aussi le créateur avec JeanMaxime Relange du Grand Prix de Port Royal. Un prix qui était convoité par de nombreux artistes. Son style artistique est caractérisé par l’utilisation de couleurs vives et expressives, ce qui lui a valu une reconnaissance particulière dans le sud de la France. Il appartenait à l’École de Paris, un mouvement artistique important du 20e siècle. Son œuvre a marqué l’art contemporain français, et ses tableaux continuent d’être appréciés et collectionnés aujourd’hui. 19

Campus Saint-Jean d’Angély

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Jean-Christophe Nourisson (1988), D’une place à l’autre version 8, bancs en béton, (53 x 160 x 210 cm), 2007

JEAN-CHRISTOPHE NOURISSON Né à Angers, Jean-Christophe Nourisson vit et travaille à Paris. Issu d’une formation en école d’art (DNSEP Angers – Post-diplôme Marseille), son travail prend le plus souvent la forme d’installation. « Sur les bords, versions 1 à 7… », réalisées de 1993 à 2005, déterminant l’espace et la méthode. Depuis une dizaine d’années, il travaille à la réalisation d’œuvres publiques : D’une place à l’autre, versions 1 à 10, à Lille, Toulouse, Nice, Evry…. Son travail est présenté régulièrement dans plusieurs galeries, et a fait l’objet d’expositions personnelles à l’Abbaye de Maubuisson à St Ouen l’Aumône en 2004 ou au Credac à Ivry-sur-Seine en 2001.

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PHILIPPE GRONON Philippe Gronon est un photographe et artiste plasticien français né à Rochefort-sur-Mer. Il vit et travaille actuellement à Malakoff. Depuis les années 1990, Gronon développe un travail photographique très particulier, caractérisé par une approche frontale et à l'échelle 1:1 d'objets du quotidien. Il photographie à la chambre des sujets tels que des coffres-forts, tableaux de cotation, écritoires, pierres lithographiques, amplificateurs et tableaux électriques.

Philippe Gronon (1964), Sans titre, installation en alliage métallique (250 x 365 cm)

À partir de 2005, il a commencé une série sur les versos de tableaux anciens et modernes. Son travail a été exposé dans de nombreuses galeries et musées prestigieux, dont le Musée Picasso à Paris. Il est représenté par plusieurs galeries renommées en France et à l'étranger. 22

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OLIVIER ROCHE Olivier Roche est un artiste polyvalent dont le parcours créatif s’étend sur plusieurs domaines. Il a d’abord étudié aux Beaux-Arts d’Avignon avant de s’installer à Paris, où il a travaillé comme scénariste pour le cinéma et la télévision. En tant que photographe professionnel, Olivier Roche s’est spécialisé dans la capture de paysages contemporains et de formes architecturales. Son projet “De Béton et de Lumière” illustre parfaitement cette démarche, documentant la rénovation de l’Espace Oscar Niemeyer au Havre. Roche est également écrivain et poète. Il a notamment écrit intitulé “La Course”, basé sur le premier Tour de France de 1903. Actuellement, Olivier Roche continue d’explorer diverses formes d’expression artistique.

Olivier Roche (1972), INSIDE OUTSIDE

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EDMOND VERNASSA Edmond Vernassa était un artiste plasticien français. Sa carrière artistique a été marquée par une exploration innovante du plexiglas, un matériau qu’il a découvert en 1949 et qui est devenu son médium de prédilection pendant plus de quatre décennies. Il a commencé sa carrière artistique en dessinant et en peignant, avant de suivre des cours du soir aux Arts Décoratifs. Sa rencontre avec le plexiglas a été déterminante pour son parcours. Il a été l’un des premiers a vulgariser ce matériau en France, l'utilisant pour créer des appliques et des lustres au début de sa carrière. Dans les années 1960, Vernassa a développé son approche artistique en explorant la cinétique. Il a créé des sculptures, des kaléidoscopes colorés et des machines cinétiques qui jouaient avec la lumière, le mouvement et le temps. Son travail s'est ensuite étendu à l'art monumental, avec des commandes publiques comme le monument à La Trinité. Vernassa était connu pour sa double approche du plexiglas : expérimentale et philosophique. Il cherchait constamment à repousser les limites du matériau, provoquant des ruptures, des échauffements et des brûlures pour explorer de nouvelles possibilités artistiques. Des œuvres de Vernassa se trouvent sur le Campus Saint-Jean-d’Angély, inauguré en 2013 par la Direction de la Culture, dans le cadre d’une exposition permanente “Art-sciences”. L’espace est composé d’œuvres de l’artiste prêtées par sa famille.

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Espace

Edmond Vernassa (1926), Moebius, Installation

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Vernassa

Edmond Vernassa (1926), Double hélice bleue, Installation

Edmond Vernassa (1926), Triple hélice rose, Installation

Edmond Vernassa (1926), Rideau de spirales, Installation

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Edmond Vernassa (1926), Impact, Installation

Edmond Vernassa (1926), Fraissures, Installation

Edmond Vernassa (1926), Bidon implosé, Installation

Edmond Vernassa (1926), Appareils cynétiques, Installation

Campus Trotabas

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MARC CHAGALL LINO & HEIDI MELANO

Lino Melano, originaire d’Italie, était un artiste polyvalent à la fois peintre et mosaïste. Il a fait des études d’architecture, de sculpture, et de peinture à l’Académie, ce qui lui a permis de développer un large éventail de compétences artistiques. Il s’est particulièrement distingué dans l’art mosaïste. Il a collaboré avec des artistes renommés, devenant notamment le mosaïste attitré de Fernand Léger et de George Braque. En tant que peintre, Melano a produit des œuvres qui ont été vendues aux enchères à plusieurs reprises. Ses tableaux comme “ Docks et Manufactures” (1956), témoignent de son talent pictural. Melano a également réalisé des œuvres publiques importantes, dont Le message d’Ulysse ci-dessus. Il a également travaillé sur la mosaïque “Le prophète Elie” de Marc Chagall au musée National Marc Chagall à Nice. La mosaïque a bénéficié d’une restauration en 2023 durant un mois par la restauratrice Marion Menardy dans “les règles de l’art”. 1. Marc Chagall (1887 - 1985) : Le message d’Ulysse, mosaïque en tesselles (3 x 11 m), 1969

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Le Message d’Ulysse est une œuvre monumentale réalisée en 1968 par Marc Chagall en collaboration avec le mosaïste Lino Melano. Cette mosaïque impressionnante est composée de 200 000 pièces et est exposée dans la “Salle des Pas perdus” de la Faculté de Droit et Science Politique d’Université Côte d’Azur. L’œuvre, classée Monument Historique depuis 1986, s’inspire du personnage d’Ulysse, héros méditerranéen de l’intelligence, et a été commandée par le Doyen Louis Trotabas. Chagall a conçu cette mosaïque comme un hommage méditerranéen, mêlant les influences de la Bible et de l’Odyssée d’Homère.

Dans sa composition, Chagall représente Ulysse triomphant des épreuves grâce à son courage, son intelligence et sa sagesse. L’artiste met en scène le retour d’Ulysse à Ithaque, auprès de Pénélope, symbolisant l’accomplissement de sa destinée humaine à travers l’amour du foyer et le service de la cité. 30

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“L’âme illuminée d’intelligence et de sagesse, dans le respect de ses croyances, Ulysse triomphe par son courage et toutes les épreuves qu’il subit. Avec la liberté et la paix reconquise, il réalise auprès de Pénélope à Ithaque sa pleine destinée humaine : l’amour du foyer et le service de la cité. Que ce message d’Ulysse témoigne à Nice, qui en reçoit le don auprès du Message biblique, des sources multiples de l’âme méditerranéenne. Comme les splendeurs sacrées de la Bible, je souhaite que les beautés du poème d’Homère et l’amitié qui inspira cette mosaïque marquent le cœur et l’esprit de tous les étudiants à qui je la dédie.” Marc Chagall, 1968

Bâtiment Archimède (L’Archet)

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Peter Kogler (1959), Sans titre, sérigraphie émaillée au mur (270 x 1007 cm), 2007

PETER KOGLER Peter Kogler est un artiste plasticien contemporain autrichien né à Innsbruck. Il vit et travaille actuellement à Vienne, en Autriche. Kogler est reconnu comme un pionnier de la création assistée par ordinateur, travaillant aux frontières de la peinture depuis les années 80. Son œuvre se caractérise par l’utilisation de motifs récurrents qu’il décline depuis une vingtaine d’années, notamment des fourmis, des cerveaux, et des globes terrestres. 33

Sa pratique artistique s’étend sur divers médiums, explorant les limites entre la peinture traditionnelle et les nouvelles technologies. Kogler développe un style unique qui mêle l’art visuel et numérique, créant des installations immersives et des œuvres qui jouent avec la perception de l’espace.

Campus PASTEUR

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ETIENNE HAJDU Étienne Hajdu, né István Hajdu à Torda (aujourd'hui Turda) en Transylvanie, était un sculpteur français d'origine roumaine qui a marqué l'histoire de l'art du 20e siècle. Arrivé à Paris en 1927 à l'âge de 20 ans, il s'est formé auprès de grands maîtres comme Antoine Bourdelle et Charles Despiau à l'École des Beaux-Arts. Cette période parisienne fut cruciale pour son développement artistique, lui permettant d'absorber les influences de l'avant-garde artistique de l'époque. Pendant ses années de formation, Hajdu s'est profondément intéressé à la biologie et à la structure de la nature, allant jusqu'à suivre des cours de biologie pour mieux comprendre comment la nature crée ses formes. Cette curiosité scientifique a grandement influencé son approche artistique future. Naturalisé français en 1930, Hajdu a été mobilisé pendant la Seconde Guerre mondiale. Après sa démobilisation en 1940, il a travaillé dans une usine d'aluminium puis dans une marbrerie des Pyrénées, où il s'est initié au travail du marbre. Ces expériences ont enrichi sa pratique artistique et sa compréhension des matériaux. Après la Libération, Hajdu s'est installé à Paris et a établi son atelier à Bagneux dans les années 1950. C'est à cette époque qu'il a développé pleinement son langage artistique unique. Il cherchait à créer un mode de figuration nouveau, partant de la cellule moléculaire pour concevoir des formes qui évoquent plus qu'elles ne représentent.

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Le style d'Hajdu privilégiait le plan au profit du volume, créant des silhouettes qui traversent l'espace plutôt que de l'occuper. Ses sculptures, bien qu'abstraites, conservaient toujours une "charge humaine". Il a notamment travaillé les bas-reliefs à partir de 1946, une technique qui a occupé une place importante dans sa production jusqu'au milieu des années 1960. Au fil de sa carrière, Hajdu a gagné une reconnaissance internationale pour son travail innovant en sculpture. Il a continué à créer jusqu'à la fin de sa vie, décédant le 24 mars 1996 à Bagneux. Étienne Hajdu a laissé derrière lui un héritage artistique important, ayant contribué de manière significative à l'évolution de la sculpture moderne en France et au-delà.

Etienne Hajdu (1907 - 1996) : Convergence II, sculpture en métal (110 x 250 cm), 1969

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Ben, de son vrai nom Benjamin Vautier, était un artiste francosuisse né à Naples et décédé le 5 juin 2024 à Nice. Après une enfance à voyager, il s’installe à Nice en 1949. Sa carrière a débuté à la fin des années 1950, lorsqu’il a commencé a transformé la façade de sa boutique de disques d’occasion en une accumulation d’objets.

BEN

Dans les années 1960, Ben est devenu une figure centrale de l’École de Nice et a rejoint le mouvement Fluxus en 1962. Son art était caractérisé par l’idée que “tout est art” et que “tout est possible en art”. L’écriture est devenue un élément central de son œuvre, avec ses célèbres phrases écrites en blanc sur fond noir. Ben a également exploré des thèmes comme l’ego, la nouveauté en art, les ethnies, soutenant une vision multiculturelle du monde. Dans les années 1980, Ben a joué un rôle important dans l’émergence du mouvement de la Figuration Libre, soutenant de jeunes artistes comme Robert Combas et Hervé Di Rosa.

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HALL DE LA COGITATION

Ben (1935 - 2024) : Le hall de la cogitation, installation, 1998

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Campus Carlone

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Albert Feraud (1921-2008) et Michel Guino (1926-2013), Sans titre, sculpture acier inoxydable (237 x 10 x 80 cm), 1968

ALBERT FERAUD & MICHEL GUINO Peter Kogler est un artiste plasticien contemporain autrichien né le 19 juin 1959 à Innsbruck. Il vit et travaille actuellement à Vienne, en Autriche. Kogler est reconnu comme un pionnier de la création assistée par ordinateur, travaillant aux frontières de la peinture depuis les années 80. Sa pratique artistique s’étend sur divers médiums, explorant les limites entre la peinture traditionnelle et les nouvelles technologies. Kogler développe un style unique qui mêle l’art visuel et numérique, créant des installations immersives et des œuvres qui jouent avec la perception de l’espace. 42

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HENRI OLIVIER

Henri Olivier (1955), Jeux de miroirs, installation en bois et plomb (50 x 50 cm), 2004

Henri Olivier est un artiste français qui vit et travaille dans les AlpesMaritimes. Sa carrière artistique se caractérise par une double approche, alliant pratique artistique et expérience paysagiste. Depuis 1980, il a développé un travail qui explore les relations entre la sculpture, le jardin, l’environnement et le paysage. Ses œuvres interrogent également la perception de l’espace par le spectateur. Comme le souligne également l’écrivain américain Allen S. Weiss, spécialiste de l’architecture des paysages, les sculptures d'Olivier "servent de catalyseurs pour mettre l'esprit, le regard et le corps en mouvement”.

Suite à la rénovation du campus Carlone en 2022, l’œuvre a été repensée par l’artiste. Initialement composée de miroirs d’eau entourés de bois et de bambous nains, elle intègre désormais des jardins de plantes succulentes dans des bacs en plomb, posés sur un lit de galets blancs. Ce contraste entre végétal et minéral met en valeur la vitalité des plantes tout en simplifiant l’entretien grâce à des espèces résistantes à la sécheresse. Olivier, influencé par le Land Art et l'Arte Povera, utilise des matériaux bruts et naturels pour créer des sculptures qui invitent à une expérience sensorielle. Son approche artistique met en avant la perception de l'espace par le spectateur, transformant le campus en un véritable espace de méditation et de contemplation. 43

Campus STAPS

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JOCELYN COTTENCIN

1.Jocelyn Cottencin (1967), Sans titre, mobilier avec tables et bancs (banc : 74 x 360 x 40 cm, table : 75 x 109 x 365 cm)

Après avoir suivi une double formation en art et architecture, Cottencin s’est intéressé à divers domaines des arts appliqués, notamment le design, l’architecture et le graphisme. En tant qu’artiste et graphiste, il explore les codes et les langages, ainsi que les questions liées à l’émission et à la réception des images. Son travail se concentre particulièrement sur la capacité d’un projet à circuler entre différents points sans se limiter à un territoire précis. Depuis environ quinze ans, son activité s'est développé autour du studio "Lieux Communs", une plateforme de création graphique, typographique et éditoriale. Parallèlement, il a mis en œuvre des projets dans le champ des arts visuels et a collaboré avec d'autres artistes, notamment des chorégraphes. Jocelyn Cottencin considère la typographie comme un matériau graphique et plastique qu'il expérimente sous diverses formes : performances, interventions dans l'espace public, installations, dessins, livres et espaces scéniques

Villa Arson

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SIAH ARMAJANI Siah Armajani était un sculpteur et architecte irano-américain, né à Téhéran. Il est né dans une famille aisée de marchands de textiles. Il a fréquenté une école missionnaire presbytérienne à Téhéran, où il a été influencé par sa grand-mère pour s’engager dans l’activisme politique. En 1960, pour sa sécurité, sa famille l’a envoyé aux États-Unis où il y a étudié l’art et la philosophie. Il a commencé sa carrière artistique avec des collages inspirés des miniatures persanes et des affiches politiques. Son travail a rapidement attiré l’attention, et le Walker Art center a acquis l’une de ses œuvres en 1962. Il a enseigné au Minneapolis College of Art and Design de 1968 à 1979. Dans ses dernières années, Armajani est revenu à ses racines politiques avec des œuvres comme Fallujah, une critique moderne de la guerre en Irak inspirée par Guernica de Picasso. Il a également créé Room for Deportees (2017), qui aborde les politiques anti-immigrants aux États-Unis et en Europe.

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L’approche d’Armajani pour cette installation reflétait sa philosophie artistique plus large. Plutôt que de créer des objets purement esthétiques, il concevait des structures fonctionnelles et des espaces “utiles” destinés à être utilisés par le public. Ses œuvres visaient à créer des liens, tant au sens propre que métaphorique, offrant des lieux où les gens pouvaient se retrouver avec euxmêmes ou ensemble. Cette installation à la Villa Arson s'inscrivait dans la démarche caractéristique d'Armajani, qui privilégiait les formes inspirées de l'architecture des ingénieurs et des cultures populaires plutôt que le vocabulaire conventionnel des architectes. L'œuvre incarnait ainsi sa vision de l'art public comme production sociale et culturelle répondant à des besoins concrets, plutôt que comme une création artistique isolée.

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ARNAUD MAURIERES Arnaud Maurières est un jardinier et paysagiste français, connu pour son travail qui allie art et nature. Il est particulièrement reconnu pour ses projets de jardins contemporains qui mettent en valeur la biodiversité et l’harmonie avec le paysage environnant. Il se distingue par son approche respectueuse de l’environnement, intégrant des techniques durables dans ses créations. Il a participé à des projets de jardin éphémères, où il crée des espaces verts temporaires qui transforment des lieux urbains.

Il a aussi conçu des aménagements paysagers pour divers espaces publics et privés, cherchant à établir un dialogue entre l’architecture et la nature. Sa philosophie repose sur l’idée que le jardin est un espaces vivant qui doit être respecté et préservé. Il prône une approche holistique du jardinage, où chaque plante, chaque élément du paysage joue un rôle essentiel dans l’écosystème global. Son travail vise à sensibiliser le public à l’importance de la biodiversité et à encourager les pratiques de jardinage durables.

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Arnaud Maurières, Sans titre, aménagement paysager du jardin avec 8 faux-poivriers, 1995

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FELICE VARINI Felice Varini est un artiste contemporain suisse. Varini est connu surtout connu pour ses installations monumentales qui exploitent les principes de l’anamorphose. Son travail se caractérise par des formes géométriques simples projetées sur des espaces architecturaux complexes. Varni crée ses œuvres en plusieurs étapes : il commence par étudier l’espace architectural, définit un point de vue unique, puis projette des formes géométriques sur cet espace. Des techniciens marquent ensuite les zones à peindre, et l’œuvre est réalisée avec de la peinture ou des bandes adhésives. Cette œuvre présente à la Villa Arson offre aux spectateurs une expérience visuelle dynamique. Depuis un point de vue précis, les formes géométriques peintes par Varini se rassemblent pour créer une image cohérente. Mais lorsque le spectateur se déplace, cette image se transforme en un ensemble chaotique fragmenté de lignes et de formes. 51

Felice Varini (1952), Quatre point de vue, terrasse n°4, peinture murale en acrylique sur béton, 1988

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MICHEL VERJUX Michel Verlux est un artiste visuospatial contemporain, poète et théoricien de l’art français. Il est connu pour ses installations lumineuses qui explorent l’espace et la perception depuis les années 1980. Verjux a commencé sa carrière artistique à l'École Nationale Supérieure des beaux-arts, où il s'est déjà orienté vers la performance et l'installation. Sa démarche artistique a pris forme lors d'une performance universitaire intitulée "FM 104", qui consistait à éclairer et à peindre une partie d'un espace, marquant ainsi le début de son travail avec la lumière comme médium artistique. Depuis lors, Verjux a développé un langage artistique unique basé sur l'utilisation de la lumière pour sculpter et redéfinir l'espace. Son travail se caractérise par des projections de lumière blanche dans les espaces d'exposition, créant des "éclairages" qui découpent et transforment l'architecture environnante. 53

Ces installations sont généralement in situ, existant uniquement dans un espace et un temps donnés. Son installation à la Villa Arson est caractérisée par son approche artistique qui utilise la lumière pour transformer et redéfinir l’espace architectural. Verjux travaille principalement avec des projecteurs de lumière blanche, créant des “éclairages” qui découpent l’espace et modifient la perception du spectateur. Verjux a utilisé la lumière pour interagir avec l'architecture unique du site, qui est un mélange de béton, de pierres et de végétation méditerranéenne. L'installation joue sur les contrastes entre l'ombre et la lumière, soulignant les formes architecturales et créant une expérience visuelle immersive pour les visiteurs. Cette œuvre a été déposée par le Fonds National d'Art Contemporain (FNAC), soulignant son importance dans le cadre de l'art contemporain en France.

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Michel Verjux (1956), Sous le plafond (sur le sol exactement), œuvre lumineuse avec 6 projecteurs à découpe, 1988

UNIVERSITÉ CÔTE D’AZUR

JACQUES VIEILLE

Jacques Vieille est un artiste français qui a suivi des études de Beaux-Arts à Dijon avant de devenir pensionnaire de la Villa Médicis à Rome de 1981 à 1983, où il a approfondi son intérêt pour la relation entre l’art et le paysage remportant le Prix de Rome en 1983. Son travail artistique se caractérise par des installations paysagères qui intègrent des modules industriels et architecturaux, souvent structurés autour d’œuvres en forme de colonnes. Ces installations ont été exposées dans divers lieux prestigieux, tels que la Biennale de Sydney en 1982, le Centre Georges Pompidou en 1984, et le Musée du Louvre en 2007. 55

Jacques Vieille (1948), Sans titre, installation en tôle galvanisée et thuya (1530 x 90cm), 1988

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L'œuvre de Jacques Vieille explore la dualité entre nature et culture, art et artifice. Il utilise un vocabulaire architectural synthétique qui évoque des éléments naturels tout en intégrant des objets industriels. Cette approche met en lumière les interrelations entre les systèmes naturels et les sociétés humaines, sans tomber dans un fonctionnalisme écologique strict. Vieille est reconnu pour sa capacité à créer des installations qui réajustent la structure de l'espace, jouant sur l'équilibre entre précarité et permanence.

Ecocampus Plaine du Var

UNIVERSITÉ CÔTE D’AZUR

Evariste Richer Evariste Richer est un artiste plasticien français né à Montpellier en 1969. Richer a obtenu son diplôme de l’École nationale des beaux-arts de Grenoble en 1992, puis de l’École nationale supérieure d’arts de Cergy-Pontoise en 1994. Sa carrière artistique a débuté au milieu des années 1990, et il a réalisé sa première exposition personnelle importante en 2007 au Centre d'art contemporain de Noisy-le-Sec.

Son travail artistique se caractérise par une approche méthodique et scientifique, s'intéressant aux "outils de mesure du monde" et à leur distorsion. Richer explore des domaines tels que la météorologie, la téléologie, la climatologie et la physique dans ses œuvres. Il cherche à transformer les perceptions du monde en exploitant les éléments esthétiques de la science et de la nature. Parmi ses expositions notables, on peut citer "Le grand élastique" au Palais de Tokyo en 2013. En 2019, son projet "Bleu Élysée" a été sélectionné pour le renouvellement du service de table de l'Élysée, révélant les plans des bâtiments de la résidence présidentielle française.

IUT Fabron

UNIVERSITÉ CÔTE D’AZUR

Lars Fredrikson (1926 - 1997) : Sans titre, installation en acier inoxydable (2 panneaux de 390 x 670 x 0,35)

LARS FREDRIKSON Lars Fredrikson, artiste suédois né à Stockholm et décédé à Vevouil dans le Vaucluse, en France. Sa carrière artistique a été marquée par une grande diversité de pratiques et une exploration constante de nouvelles formes d'expression. En 1960, Fredrikson s'installe dans le sud de la France, marquant le début d'une période créative prolifique. Décrit comme un "chercheur inlassable et bricoleur de haut vol", il développe un univers artistique unique, nourri par la poésie, les expérimentations plastiques, la philosophie extrême-orientale et les technologies contemporaines. Fredrikson était à la fois peintre, dessinateur et sculpteur. Il s'est particulièrement distingué dans le domaine de l'art sonore, devenant l'un des pionniers de cette forme d'expression. Son travail s'est étendu à diverses pratiques comme les œuvres cinétiques et reliefs en Inox, les collages et dessins par fax ou des installations sonores et “acousmatiques”.

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À l'instar de Nam June Paik, Fredrikson a très tôt exploré les potentialités plastiques de la télévision et de l'électronique en général. Ses recherches sur les structures de l'invisible et l'aléatoire présentent des similitudes avec l'approche de John Cage. 1.

1.Lars Fredrikson entouré de “Structures dynamiques” dans sa maison-atelier à Antibes, vers 1967-1969. archives Lars Fredrikson Estate / courtesy galerie In situ - fabienne leclerc, Paris Droits - © Lars Fredrikson Estate

Il a joué un rôle important dans le développement de l'art sonore en France. À la Villa Arson, située à Nice, il a initié le premier studio son d'une école d'art en France, influençant ainsi plusieurs générations d'artistes. Son travail a été marqué par des affinités avec la Fondation Maeght et de nombreuses collaborations avec des poètes. L'œuvre de Fredrikson continue d'être pertinente aujourd'hui, résonnant avec les pratiques artistiques contemporaines.

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