La Importancia del Diseño Editorial

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MÉXICO

Tipos de retícula.

Características la tipografía.

de

Características del párrafo.

Tendencias en el diseño editorial.

CONTIENE ARTÍCULOS EXTRAS SOBRE EL DISEÑO GRÁFICO

Definición de Diseño Editorial.

Elementos gráficos.

Formatos de imagen de salida para impresión.

Formatos de imagen de salida digital.

NO. OO1 MARZO 2021

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LA IMPORTANCIA DEL DISEÑO EDITORIAL

Índice 4 6

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Tipos de retícula

Definición de Diseño Editorial

Elementos gráficos

Formatos de imagen para salida de impresion

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Características de la tipografía

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Características del párrafo

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Storm Thorgeston: el lado oscuro del diseño

Tendencias en el diseño editorial

El color: elemento básico en diseño gráfico

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La fotografía aplicada en el diseño gráfico

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El Significado de las formas en el diseño

Los colores Pantone y su importancia en el diseño gráfico

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Definición de diseño editorial

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l diseño editorial es una de las ramas del diseño gráfico que se encarga de la maquetación y composición de todo tipo de publicaciones: libros, revistas, periódicos, etc. El principal objetivo del diseñador profesional es crear un diseño que resulte atractivo y funcional para el lector y conseguir una armonía perfecta entre forma y contenido. De este modo, otorga una calidad estilística a la publicación y da una buena imagen de la misma al cliente.

las herramientas que permiten realizar diferentes publicaciones. Las publicaciones editoriales tienen como objetivo principal comunicar y transmitir una idea o narración mediante la organización y presentación de imágenes con textos.

También puede desempeñar diversas funciones. Por ejemplo, dotar de expresión y personalidad al contenido con la finalidad de atraer y retener la atención de los lectores o estructurar el material de una manera Este concepto de diseño nació en la época nítida. Sin embargo, es necesario que tenga del Renacimiento, siglo XV, inclusive mu- un valor estético, que permita impulsar cocho antes de la invención de la imprenta, mercialmente la publicación. atribuido a Johannes Gensfleisch Gutenberg (ca. 1398- 1468), la aparición del libro fue el principal difusor de la cultura occidental. Los copistas existían desde el Antiguo Egipto.

El Diseño Editorial permite maquetar y componer publicaciones logrando una armonía entre texto, imagen, diseño y diagramación dotando de personalidad al momento de comunicar el mensaje. Es la manera de comunicar al lector un contenido visual mediante un diseño y aplicando

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Elementos gráficos L

os elementos gráficos son imprescindibles dentro del diseño porque cada uno de ellos tiene una función determinada, además de poseer un orden lógico dentro del contenido.

La finalidad de los elementos gráficos es transmitir el mensaje apropiado, siendo una prioridad la manera en que capta la información el lector.

Los elementos básicos para nuestro trabajo editorial son texto, imagen y retícula. Además, estos elementos son muy importantes ya que sin ellos nuestra publicación no tendría coherencia al momento de diseñar libros o revistas.

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Cabe recalcar que la correcta ubicación de estos elementos permite hacer entendible nuestra composición y de esta forma transmitir al lector la información que necesitamos, siempre que sea útil con un buen contenido visual.

El texto es una serie de enunciados unidos mediante diferentes enlaces gramaticales y lógico, ya sean orales o escritos. El texto está compuesto por signos de uno o varios alfabetos que guardan relación entre sí.

El texto debe ser claro y conciso que por lo general siempre se logra realizar. Aunque encontremos publicaciones demasiadas rellenas de textos y con la información aburrida no captará la atención del lector, entonces se recomienda usar tipografías nuevas y diferentes a la que estamos acostumbrados.

Es recomendable que las imágenes sean usadas en la diagramación de una publicación de cualquier tema. Sin embargo, el propósito es comunicar una determinada información, que a su vez sea entendible al lector.

Las imágenes pueden comunicar y transmitir si se le da el uso adecuado. Se necesita que represente claramente el mensaje del contenido que no podemos expresar en palabras. Además, una muy buena imagen habla más que mil palabras.

Cada contenido debe generar algún interés, puede ser acerca de tecnologías, finanzas, economía o algún ámbito relacionado con información de noticias actuales, que por lo general siempre crean expectativa en el lector, al que es fácil llegar.

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Formatos de imagen para salida de impresión T

enemos formatos que son usados en publicaciones impresas, tales como JPG, PSD, EPS, AI, PDF, TIFF. Estos son formatos propios para publicaciones, saber usarlo permitirá un trabajo más eficiente y efectivo a la hora de desarrollar nuestro proyecto, siendo útiles para ciertos tipos de contenidos. La clasificación según los formatos de imágenes para trabajar en el software InDesign son:

Formato JPG: (Joint Photographic Experts Group), es el formato estándar más usado y conocido, que permite trabajar con facilidad por su tamaño reducido cuando se comprime.

mite hacer las ediciones necesarias únicamente en su programa de origen.

Formato EPS: (Encapsulated PostScript), Es un formato de transporte de archivos que permite encapsular el contenido definidos por el mapa de bits, imágenes y vectores, contando con una gran calidad que es aprovechado sobre todo en las impresoras láser.

Formato AI: (Adobe Illustrator), es comúnmente usado para modificar los archivos que se trabajan dentro de este software, como pueden ser los vectores por la funcionalidad y versatilidad que traen.

Formato PDF: (Portable Document Format), este formato es el más usado en la actualidad, porque permite contener cualquier tipo de formato adicional referente a imágenes, vectores y textos.

Formato TIFF: (Tagged Image File Format) es un formato potente en relación a la calidad de imagen, permite guardar la mayor cantidad de detalles en relación a los demás formatos, es ideal en las cámaras fotográficas y en escáneres

Formato PSD: (PhotoShop Document), es un formato que funciona muy bien con los programas de Adobe por ser propio de la compañía.

Además, este formato per-

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Tipos de retícula

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a retícula es un elemento básico y primordial en la composición, está representada como una plantilla que permite la ubicación de cada elemento. Está conformada por líneas verticales y horizontales que le dan orden y equilibrio a la composición de la página y que son la base para la diagramación.

Además, la retícula es usada en todo tipo del diseño gráfico.

ner el texto de forma secuencial, es la más fácil de usar dependiendo del tipo de composición que se realiza.

Para usar una retícula en InDesign es recomendable crear antes un documento nuevo en InDesign, seguido por la determinación de la cantidad de páginas, columnas, márgenes y sangrado. Una vez creado el documento se crean las guías que nos permiten cuadrar el contenido de las imágenes y texto en la diagramación.

Existen diferentes tipos de retícula que se pueden implementar en las publicaciones, entre las cuales tenemos:

Retícula modular: Es la más completa por su división de columnas. Además, posee líneas tanto horizontales como verticales que permiten dividir la página formando pequeños módulos, para un diseño más elaborado como los de las revistas.

Retícula de columnas: Consiste en usar 2 o más columnas verticales. No existe un límite en la actualidad para la ubicación de estas columnas que representa un diseño simétrico con respecto del lomo, permitiendo generar una mejor distribución de los elementos en una página.

Retícula jerárquica: Se adapta en función de las necesidades que pueden presentar los elementos en la diagramación.

Sean estos por su proporción, forma e irregularidades que Retícula manuscrita o bloque: pueden presentarse en el diConsiste en una sola columna seño. y ocupa la mayor parte de la página, esto permitirá dispo-

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Caracte de la tip

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uele ayudar mucho para transmitir la información. Saber escoger una tipografía adecuada permite identificar el tipo de publicación. Se usa mucho los diferentes tamaños de tipografía que puedan dar un correcto uso visual sin que sea excesivamente pequeña o grande el texto. No todas las tipografías son iguales en tamaño, aunque dispongan de la misma medida. En algunos casos el mismo cuerpo en Arial no aparenta ser el mismo en Adobe Garamond porque suelen variar las alturas de las x (tamaño).

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Maximilian Vox clasificó por primera vez todos los tipos de su época; su trabajo sentó las bases para el desarrollo de otras clasificaciones como la de Aldo Novarese o la de Atypl. A continuación, presentamos las clasificaciones tipográficas de Vox, que son las más empleadas en la actualidad Humanas (Humanísticas - Venecianas): Son los primeros tipos romanos que se

erísticas pografía

oscila de medio a alto; los trazos terminales ascendentes de las letras de caja baja son ligeramente oblicuos y los trazos inferiores son generalmente horizontales, en algunos casos casi horizontales. Los trazos terminales son por lo general angulosos y cuadrados.

Didonas (Didones - Modernos): Se reconocen por su verticalidad, fuerte contraste y por sus patines perfectamente horizontales. Presentan contrastes abruptos entre trazos gruesos y finos. Los trazos terminales del pie y ascendentes de caja baja son horizontales; los trazos terminales horizontales son delgados y usualmente cuadrados.

derivan de los manuscritos humanistas del siglo XV. Tienen un contraste débil y gradual entre los trazos gruesos y finos, el transversal de la e de caja baja es oblicuo; las letras de caja baja tienen ascendentes oblicuos y trazos terminales, mientras que las letras de caja alta tienen la misma altura que las ascendentes; los trazos terminales son gruesos e inclinados.

Mecánicas (Slab seriffed Egyptians): Tienen poco o Garaldas (Garald - Old face nulo contraste en el grosor de - Antiguos): Se caracterizan los trazos, el espaciado es anpor sus proporciones más fi- cho, los trazos terminales son nas y flexibles. Su modulación generalmente del mismo groes oblicua, hay contraste me- sor que las astas. dio entre los trazos gruesos y los finos; tienen trazos termi- Lineales (Sans - Sans serif nales en los pies de las letras Grotescas) de caja baja, transversal horizontal de la e minúscula; la Grotesque: Presentan algún caja alta es más corta que los contraste en el grosor de los ascendentes de caja baja. trazos, tienen una ligera cuadratura en las curvas. La R de Reales (Réales - De transi- caja alta tiene usualmente una ción): Las reales poseen ca- rama curvada; la g tiene freracterísticas tanto del estilo cuentemente un ojal abierto. antiguo como del estilo mo- Neo-Grotesque: Modernos derno. Su modulación es ver- caracteres sin serif. En el textical o casi vertical, el contras- to los grosores de trazo están te entre trazos gruesos y finos menos marcados, la emboca-

dura de ciertas letras como la C suele ser más abierta; la g no tiene anillo inferior cerrado.

Geométricas: Estos tipos se construyen a partir de líneas rectas y figuras geométricas básicas como el círculo y el rectángulo.

Humanistas: Basadas en la proporción de la redonda versal, los caracteres humanísticos y garaldas de caja baja, y presentan algún contraste en el grosor de los trazos.

Incisas: (Incises - Talladas): Caracteres basados en letras talladas en piedra o en metal.

Tiene una cercana relación con las lineales, con frecuencia sus uñas son pequeñas y triangulares.

De escritura (Scripts): Letra que imita la escritura manual producida con plumilla, pincel o buril. Son de inspiración caligráfica.

Manual (Manuaires): Creados en base a originales dibujados a mano, con pincel, lápiz o cualquier otro instrumento; no representa ningún tipo de escritura, inadecuados para la composición de textos; se emplean con fines publicitarios, por su diversa forma en las letras.

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Características del párrafo

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a estructura de párrafo está compuesta por grupos de palabras que forman una oración dando sentido a un tema determinado, esto se lo realiza entorno a la idea central. Tiene diferentes usos dentro del libro o revistas, desde contenido, destacados, epígrafe, introducción y además puesto en práctica en InDesign puede ofrecer una poderosa herramienta para poder realizar todo tipo de textos en relación al diseño que usaremos en nuestro libro.

ocupen el mismo tamaño en Sangría: Permite agregar un una caja de texto, pero la últi- espacio a una o varias líneas ma línea debe ser corta. (párrafos), además de editar la cantidad de espacio que deBandera Derecha: El párrafo seamos sea desde la primera está alineado por la derecha. línea o la última del párrafo Párrafo Español: Este tipo En cambio, por la izquierda de párrafo se hace descartan- queda de forma irregular endo la sangría y poniendo la tre cada línea del párrafo. última línea del párrafo cenBandera Izquierda: El pátrado en la columna. rrafo estará alineado por la Párrafo Ordinario: Todo izquierda. La característica es el texto está justificado con que todo el texto quede marsangría de primera línea, esto ginado, mientras por la deredepende de la cantidad que le cha queda de forma irregular demos de espacio en función entre cada línea que forma al tamaño de la columna que el párrafo, interpretándose ocupa una página. como bandera.

Párrafo Francés: Es cuando se justifica todo el contenido del párrafo usando una sangría para todas las líneas, excepto la primera.

Párrafo Moderno o alemán: Permite que el párrafo este totalmente justificado haciendo que todas las líneas

Justificación: Permite ordenar el texto de forma uniforme, dando estética y comprensión a la lectura.

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Tendencias en el diseño editorial

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as tendencias en el diseño editorial han pasado de diseños excesivamente recargados a páginas con diseños escasamente poblados de letras sobre enormes espacios en blanco.

Y lo que funciona para una publicación, no funciona para otra, por lo que es completamente subjetivo. las cinco tendencias de diseño editorial son las siguientes:

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ipografía: en la variedad está el gusto. Las viejas normas tipográficas sobre usar solo dos o tres estilos de tipos en un diseño editorial ya no son relevantes. De hecho, es divertido mezclar y combinar diferentes fuentes para crear un estado de ánimo particular.

tán bien si tienes prisa o un presupuesto muy ajustado, pero el arte original siempre es mejor, y es una tendencia que nunca va a cambiar, lo que resulta ideal para artistas y fotógrafos. Los ilustradores pueden coger una historia y llevarla a otro nivel con su interpretación de la narrativa.

Por supuesto, si compras imáColor: cuanto más vivos, me- genes de stock, no tienes que jor. Los colores vivos y con pedir permiso para hacerlo. contraste alto pueden marcar la diferencia entre un diseño Composición: equilibrio enmonótono y uno que hable a tre texto e imágenes. Las cualas masas. A menudo, el con- drículas de diseño son siemtraste contribuía a la narrati- pre un punto de partida para va y a la intriga del álbum. La cualquier diseñador de publiinfografía es una herramienta caciones. Hay que configurar útil para ilustrar las medidas la página, determinar el ancho y los datos. También añaden de las columnas y comprobar impacto y color a información cómo se verán los encabezaque de otro modo resultaría dos en la página. aburrida.

Publicaciones impresas Imágenes: originales o de versus digitales. Llevamos stock. Las fotos de stock es- años escuchándolo: «La im-

presión está muerta». Pero no. Es un hecho que el número de publicaciones impresas ha disminuido drásticamente en la última década, pero la gente —sobre todo artistas y diseñadores— anhelan la experiencia táctil de pasar las hojas de una revista o un periódico. Por ejemplo, si estás haciendo una tirada limitada, intenta usar hojas más pesadas o técnicas de impresión diferentes, y luego explica el proceso en la edición digital.

Haz que coexistan y funcionen juntas.

Algunas de estas tendencias no son nuevas, pero el diseño editorial puede ser muy experimental dependiendo de tu público. Se trata de encontrar un equilibrio entre los diferentes niveles de texto, las fotografías y las ilustraciones para crear nuevas conversaciones visuales.

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El color: elemento básico en diseño gráfico E

l color en diseño gráfico se define a menudo como “la sensación originada en la acción de las radiaciones cromáticas de los cuerpos sobre los receptores fisiológicos y los centros cerebrales de la visión” pero también se conoce más comúnmente como la “percepción visual que se genera en el cerebro al interpretar las señales nerviosas que le envían los foto receptores de la retina del ojo y que a su vez interpretan y distinguen las distintas lon-

La “tonalidad o matiz” La “saturación o intensidad” La “luminosidad o claridad”.

La tonalidad de un color se establece por las diferentes longitudes de onda reflejadas por los objetos y permite la clasificación de los colores. Por otro lado, la saturación establece el grado de intensidad dependiendo de la cantidad de blanco que contiene mientras que la luminosidad, es el atributo que se relaciona con la cantidad de luz o claridad.

En diseño gráfico, por ejemplo, en el diseño de catálogos y revistas, los colores se clasifican en colores primarios (rojo, amarillo y azul) y secundarios o complementarios (violeta, naranja y verde). Estos últimos son consecuencia de la mezcla de los primarios.

Por otro lado, existen ocho colores elementales que se corresponden con las ocho posigitudes de onda que captan bilidades de percepción extrede la parte visible del especmas que tiene el ojo humano. tro electromagnético.”.

El color por lo tanto es una experiencia generada por los sentidos debido al fenómeno de la emisión de luz, reflejada por los objetos al incidir con una determinada intensidad.

La intensidad de la luz viene definida por la longitud de onda y el brillo de la misma y de esta forma queda caracterizada en sus tres características principales:

Estos colores elementos no son sino los tres colores primarios, los tres secundarios (resultado de la combinación de dos primarios con los dos colores acromáticos), el blanco (combinación de los tres primarios) y el negro que es la ausencia de los tres.

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La fotografía aplicada en el diseño gráfico

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uando hablamos de fotografía y diseño gráfico, podríamos decir que en algún momento no tendrían relación alguna. En realidad, si lo vemos desde un punto de vista artístico, es la relación donde se cuenta una historia mediante una fotografía desde el punto de vista específico.

En la actualidad este método de expresión fotográfica genera emociones cognitivas de acuerdo a los diferentes tipos de composición de imágenes.

La fotografía aplicada en el diseño gráfico, es la composición que se realiza con la ayuda de elementos digitales para componer un escenario y se transmita un mensaje, incluso poder mejorarlas mediante los programas de edición como Photoshop o Illustrator.

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Es obvio que los diseñadores no tendrán que tomar fotografías muy elaboradas en cuanto a las composiciones, tanto como los fotógrafos profesionales, pero como lo mencionamos antes, deben saber los conceptos básicos.

Principios de la fotografía en diseño gráfico Iluminación: siempre presta atención a la luz que tienes en tu escenario o si es necesario utilizar un flash o linterna. Aparte de la configuración de la cámara para obtener la iluminación correcta.

Hay cinco elementos de la fotografía que todo diseñador debe tener en cuenta y poder usar las variedades de estos, para crear fotografías sorprendentes.

Tema: un sujeto fuerte es más que un modelo atractivo. El entorno, la ropa, los accesorios, los accesorios, la pose y la expresión emocional, todos trabajan juntos para contar una historia.

Depende del fotógrafo asegurarse de que sea una historia que valga la pena contar.

Color: si estas buscando color, asegúrate que los colores se complementen entre sí. Si no lo hacen, cambia el vestuario, el escenario, etc, hasta que lo hagan. Los pintores no eligen colores aleatorios para sus pinturas. ¿Por qué los fotógrafos deberían permitir que fuerzas externas dicten elecciones de color?

Enfoque: el enfoque no se trata solo de en qué enfocarse, también se trata de cuánta profundidad de campo mostrar en el retrato. La recomendación básica es concentrarse en los ojos.

Composición: debes tener el cuenta el cuadro y el escenario donde realizar la fotografía. Un gran fotógrafo de retratos considera formas, líneas, marcos, ángulos, espacios negativos, dónde colocar el punto de enfoque en el cuadro para obtener el máximo impacto, y así sucesivamente.

Forma: es la estructura de las formas que componen la foto.

Le da una tercera dimensión a la foto. La forma se construye mediante el uso de luces y sombras y hace que una foto salte de la página.

Textura: las fotografías son bidimensionales, lo que dificulta la sensación de textura.

La mejor manera de jugarlo es usar formas fuertes, composición y ángulos de luz que complementen las texturas de la escena.

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Storm Thorgerson: el lado oscuro del diseño

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ra 1968. El mundo mientras se ponía de acuerdo en la Guerra Fría y si la raza negra se podía mezclar con la aria (bueno, eso todavía). El temor de Estados Unidos que Rusia llegara a la luna primero. Kennedy es asesinado y algo similar en octubre en territorio mexicano.

Mientras todo eso pasaba, en un condado de Inglaterra crea su primer diseño de portada de disco Storm Thorgerson.

Director de videos de música, pero aclamado con aplausos, ovaciones y reverencias sobre sus obras de arte como diseñador gráfico.

En ese año, últimos de los 70s, una banda de rock progresivo lo contrata para diseñar su segundo disco de estudio.

Siendo este material discográfico considerado como de los primeros en su género. No es en este año cuando Storm es reconocido. Solamente era introducido al mundo por su talento. Esa portada irracional, sin una obviedad geométrica o intelectual. No había una razón de ser de esa portada.

Cada proyecto en la carrera de

Storm Thorgerson cautivaba los factores: * Surrealista * Onírico * Disolutivo Cuando vemos cualquiera de sus materiales nuestro cerebro tiene una provocación de confusión por las alucinaciones visuales que representan el factor onírico. De esta manera el estado mental disuelve la realidad de la fantasía y viceversa, ya que es un juego entre el realismo y surrealismo. Sensaciones de impotencia e impaciencia con sus colores, la función de los objetos geométricos con movimientos naturales, como el viento.

Cualquiera imagen que haya hecho este extraordinario diseñador, Storm; impacta de una manera grosera. Si no fuera grosera no te llamaría la atención pues solamente de esa manera pueden lograr cautivar tus pupilas en la imagen o en el contexto de la misma. La historia entre líneas de cada obra. ¿La amabilidad?

No es una manera inteligente para despertar nuestra atención.

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El significa formas en

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la hora de diseñar, los componentes visuales son esenciales para que el público tenga una percepción exacta de lo que queremos mostrarles. La gente no suele darse cuenta, pero reaccionan de forma diferente a los objetos visuales, afectando incluso en sus emociones y comportamiento. Por eso, es importante conocer el significado que tienen cada una de las formas que usemos en nuestros diseños. En primer lugar, podemos aglutinar las formas en tres grupos básicos: Formas Geométricas Son las primeras que nos vienen a la mente cuando pensamos en formas. Círculos, cuadrados, rectángulos, hexágonos… están formados por patrones regulares, y son fácilmente reconocibles. Nos dan una idea de orden y eficacia.

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Formas Orgánicas En su mayoría son irregulares, con formas libres y asimétricas. Nos dan una sensación más reconfortante, ya que

ado de las n el diseño suelen ser formas que encontramos en la naturaleza, como hojas, flores o rocas. Aunque en este punto también entrarían, por ejemplo, formas hechas por el hombre, como las manchas de tinta.

Formas Abstractas Son formas reconocibles, pero no son reales. Suelen ser más estilizadas, o simplificaciones de formas orgánicas.

También pueden representar ideas o sentimientos, como los emojis.

Es importante hacer uso de otras herramientas de composición que tenemos a nuestro alcance. Hace poco os pusimos como ejemplo la regla de tercios y su uso en el diseño.

Es interesante tener todas estas referencias en mente, y mezclarlas de forma eficaz al diseñar.

Las Formas y Sus Significados Llegados a este punto, vamos a hacer un listado con algunas de las formas geométricas esenciales, y cuál es el significado e imagen que dan cada

una de ellas. Acompañadas de ejemplos de logotipos reconocibles que hacen buen uso de sus principios.

Círculos Los círculos dan un aspecto de plenitud, algo terminado.

Posiblemente, sea la forma más usada en los logotipos, ya sea la forma del propio logo, o como cerramiento del mismo.

También pueden representar el constante movimiento. En esta categoría también hay que incluir otros tipos de formas circulares, como las elipses.

Cuadrados / Rectángulos Los cuadrados nos dan una idea de estabilidad. Que no se pueden mover con facilidad.

También con robustez y seguridad, aunque si no se usas correctamente pueden dar una imagen aburrida. Por eso, muchas veces se suelen llenar de un color, o una combinación de colores. O también añadirle otros elementos, como letras o textos.

Triángulos Si trabajamos con triángulos, un aspecto muy importante es decidir en qué dirección estará apuntando. Los triángulos, al igual que pasa con las flechas, nos dicen diferentes cosas según hacia donde señalen. Por ejemplo, la derecha significa progreso, mientras que a la izquierda es una especie de vuelta al pasado. Aun-

que también hay que tener en cuenta hacía que público nos vamos a dirigir, ya que estas direcciones tienen este significado en países occidentales.

Pentágonos / Hexágonos / Octógonos Aunque hemos citado estas tres figuras geométricas, lo hacemos porque son los polígonos de mas de cuatro lados más comunes. De este listado, seguramente sean las formas con usos mas diversos. Pueden usarse para dar un aspecto de profundidad a una imagen bidimensional, o para crear una composición de formas mediante pequeñas piezas.

El uso de formas puede ser una forma interesante de agregar un significado, o crear un nuevo interés visual en nuestros proyectos de diseño. Al igual que con cualquier otro tipo de efecto, hay que tener en cuenta el no usar de demasiadas formas a la vez.

La mayoría de los proyectos profesionales utilizan formas de tal manera que ni siquiera somos conscientes de que están siendo usadas. Así es como debería ser, mantenerlo simple. Si jugamos con las formas, es preferible seguir el truco de utilizar variaciones de la misma en lugar de usar diferentes tipos de formas.

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Los colores pantone y su importancia en el diseño gráfico L

as cartas Pantone son la guía perfecta para elegir un color en un estudio de diseño gráfico y saber cómo obtenerlo de la manera correcta. Se trata de una herramienta esencial al momento de realizar pruebas impresas o seleccionar el color del diseño de un concepto.

Por ello, son el pan de cada día para los diseñadores gráficos.

El mencionado Pantone es el nombre de la compañía propietaria de Pantone Matching

co y ha tomado importancia internacional. Se puede decir que todos los impresores, aunque sea un taller pequeño de imprenta conocen este sistema, aquí en México, en China, en E.U.A. y todas partes del mundo.

La Pantonera, sirve para indicar el código de color de determinado gráfico a los especialistas de la imprenta, ya que es un sistema universal, por el cual tanto diseñadores e imprentas hablan un mismo idioma.

Es así que para obtener un determinado azul podemos expresar, el código correcto de “Color Pantone” (Pantone 295 C), el cual se puede traducir gracias a la “Pantonera” también a sus valores RGB para color en el monitor de nuestra computadora (Red, Green y Blue) y a CMYK para su impresión en cuatricroSystem. Se trata de un sistemía (Cyan, Magenta, Yellow, ma de identificación, comBlack) paración y selección de colores de gran utilidad entre la industria gráfica y el cliente, siendo un lenguaje universal usado para la amplia gama de colores existentes en el mundo.

Surge en los años 60 y ha funcionado desde entonces hasta nuestros días como un sistema efectivo para la igualación de color, esta guía es un libro en forma de abani-

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PALESTINA RIVERA JUAN ANTONY, PALESTINA RIVERA JUAN ANTONY, MÉXICO (2021) MÉXICO (2021) BENEMÉRITA UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DE PUEBLA BENEMÉRITA UNIVERSIDAD AUTÓNOMAEDICIÓN DE PUEBLA EDITORIAL DIGITAL EDICIÓN EDITORIAL DIGITAL